martes, 27 de noviembre de 2012

La momia según los chinos



Como tocaba la vimos. Si en el pasado fin de semana vimos la momia (1999) y el regreso de la momia (2001), este fin de semana teníamos que ver la tercera en discordia. Era la opinión popular y la voluntad del pueblo se cumplió. La momia 3: la tumba del emperador Dragón es una película del año 2008, dirigida por Rob Cohen. 
La película fue escrita por el dúo Alfred Gough y Miles Millar (guionistas de Spider-Man 2, la serie "Smallville")y producida por Bob Ducsay (la saga de La momia, Van Helsing), Sean Daniel(la saga de La momia, The Wolfman),, Stephen Sommers (la saga de La momia, el próximo estreno G.I. Joe) y James Jacks (la saga de La momia, Crueldad intolerable), para la Universal Pictures a través de la coproducción entre EEUU-Alemania-Canadá y la empresa Alphaville Films. 
Contó con un presupuesto de145 000 000 de dólares USA ($), obteniendo un beneficio por recaudación de 401 128 639 de dólares USA ($).Chris Brigham (El aviador, El buen pastor) es el productor ejecutivo. Está rodada entre Canadá y China. La película es la tercera parte de La momia (1999). 
La película está interpretada por Brendan Fraser como Richard 'Rick' O'Connell, John Hannah como Jonathan Carnahan, Jet Li como el emperador dragón Han, Maria Bello como Evelyn Carnahan-O'Connell, Michelle Yeoh como Zi Yuan, Luke Ford como Alex O'Connell, Isabella Leong como Lin y Liam Cunningham como Mad Dog Maguire. 
La música es de Randy Edelman (Shanghái Kid: del este al oeste, 27 vestidos) y el director de fotografía es Simon Duggan (Underworld: Evolution, La jungla de cristal 4.0), la fotografía de Simon Duggan. El equipo técnico estaba compuesto por gente muy experimentada como el diseñador de producción Nigel Phelps (Troya, Pearl Harbor); los montadores Joel Negron (xXx, La vida en juego/Gridiron Gang) y Kelly Matsumoto (la saga de La momia, A todo gas: Tokyo Race); la diseñadora de vestuario Sanja Milkovic Hays (La vida en juego/Gridiron Gang, Blade); el coordinador de efectos especiales R. Bruce Steinheimer (Corrupción en Miami, Gangs of New York), y el supervisor de efectos visuales Ginger Theisen (Bajo cero, Hidalgo). 
Estamos en la milenaria China todavía sin unificar bajo un emperador. Un poderoso rey, el primer emperador de China de la Dinastía Qin, Qin Shi Huang, en 210-209 a. C.- en la película Han (Jet Li) - se va haciendo cada vez más poderoso y más cruel. Buscando la unidad del territorio acaba con amigos y enemigos. Tiene una idea de poder absoluto terrenal, pero también una idea de permanencia continua. Así que irá buscando la inmortalidad. La conocedora de esta posibilidad es Zi Yuan, una bella bruja.

Dada su brutalidad como gobernante y como persona capaz de condenar a muerte a su principal colaborador, amante de la bruja, y posible futuro competidor, lleva a la bruja a un embrujo con el cual el despiadado emperador chino Dragón y sus diez mil guerreros a convertirse en barro y a reposar durante siglos en su tumba de barro formando un ejército de terracota para que permanezcan en estado de muerte aparente para siempre. Así permanecerán hasta el año 1947.

En 1947 el joven Alex O'Connell (Luke Ford) se encontrará (falsamente señalo yo, pues realmente se hará en 1974)en un yacimiento de cerca de Xi'an, provincia de Shaanxi, tras localizar la tumba del emperador Dragón y sus diez mil guerreros en terracota.
Tras el descubrimiento Alex sufre el ataque de una chica al que puede repeler. Mientras en Gran Bretaña los O’ Connell viven en el aburrimiento más absoluto. Él, Rick (Brendan Fraser), pescando de mala manera , echando de menos su pistola; su madre Evelyn (Maria Bello) vendiendo exitosamente sus historias sobre la momia e incapacitada para escribir algo más.

En ese letargo reciben el encargo del servicio de espionaje británico para llevar la lágrima de Shangri-La a las autoridades de la nueva República Popular China. 
Los O’ Connell llegan a Sanghai la ciudad en la deben devolver la lágrima y en la que que, casualmente Jonathan (John Hannah) tiene un cabaret. La casualidad hace que Alex, de 21 años, se encuentre en la ciudad, a pesar de que sus padres piensen que se encuentra estudiando en la Universidad. Realmente entre padres e hijo hay una incomunicación total. 
Tras vivir algún pequeño incidente en el local, se dirigen al Museo de la ciudad para que Alex enseñe su descubrimiento a sus padres y éstos hagan la entrega a las autoridades chinas. La presencia de un militar del Ejército Popular Chino, el general Yang, parece oficializar la entrega. Pero realmente es un complot entre el conservador y el militar para conseguir despertar de su sueño eterno a la momia del emperador Han (Jet Li). Cuando el monarca regresa a la vida, su afán de dominio no tiene límites y, usando sus poderes sobrenaturales, se lanzará con sus tropas a la conquista del Lejano Oriente, a menos que los O’Connell encuentren la forma de impedírselo. 
Para ello contará con el general Yang (Chau Sang Anthony Wong), quien será la mano derecha del Emperador Dragón, un despiadado guerrero convencido de que el mundo debe ser gobernado por la fuerza. Ahora, recién despertado, sabe que el mundo sigue esperando ser conquistado.

Pero si quiere conseguirlo, deberá llegar al famoso santuario de Shangri-La para alcanzar la vida eterna. Si bebe de la fuente de la vida eterna, podrá despertar al ejército que le espera bajo tierra, siempre y cuando Rick, Evy y Alex O'Connell no se lo impidan. Ayudados por la hija de Zi-Yuan, Lin ( Isabella Leong) – conocida nuestra pues fue la que atacó a Alex y ayudó a este cuando la momia despertó- y por el avión de un viejo amigo de Rick, Mad Dog Maguire (Liam Cunningham) logran llegar a Shangri- La.

Allí llega igualmente el emperador y sus secuaces. Para defenderse los O ´Connell contarán con el inestimable apoyo de unos ¡¡¡Yeti!!! Que son llamados por Lin. De resultas del ataque Rick cae mortalmente herido. Sólo un milagro logrará salvarlo. Y el milagro se llama Zi-Yuan, que sobrevive en una cueva del santuario. Zi Yuan colaborá con el grupo, aunque el emperador y sus colaboradores logran llegar y beberse las lágrimas de Shangri- La, transformándose en un poderoso dragón.

Tras marcharse el dragón éste despierta a su ejército. Por su parte, Zi Yuan revitaliza a los muertos que cayeron por el autoritarismo de Han. Una lucha entre dos ejércitos, uno de terracota con vida y otro de muertos vivientes, luchas a muerte. De la lucha, salen como vencedores los O´Connell y compañía.

El director Rob Cohen es un amante de la antropología interesado por Asia, donde incluso ha residido. Cuando se le propuso ponerse a la cabeza de una aventura épica de la saga de La momia que transcurriría en Oriente, Rob Cohen pensó que podría unir sus dos pasiones, el cine y China.
El director explicó su interés por China en el libro que acompaña a la película La momia – La tumba del Emperador Dragón: "Siento un profundo interés por la cultura china y me fascina la grandiosidad y el tumulto de sus 5.000 años de historia. Desde que iba al instituto, cuando mi madre empezó a pintar acuarelas chinas en su tiempo libre, China se apoderó de mi imaginación. Me intrigaban las dinastías, sobre todo la Tang y la Ming, sus exploradores, que se adentraron en Indonesia, India, África, y los gigantescos 'barcos de tesoros' que quizá dieron la vuelta al mundo mucho antes que Magallanes y posiblemente llegaron a América antes que Cristóbal Colón". 
El guión de la nueva entrega de La momia, escrito por Alfred Gough y Miles Millar, gustó a Rob Cohen por su humor y por las aventuras épicas que vivían los O'Connell. No era la primera vez que se basaba en material procedente del Lejano Oriente para su trabajo: "Me encanta la historia y he leído mucho acerca de la historia de China. Ya tuve ocasión de unir mi profesión y mi pasatiempos cuando dirigí Dragón: la vida de Bruce Lee y la miniserie 'Vanishing Son', acerca de dos hermanos chinos que emigran a Estados Unidos".

Por suerte, los productores que se habían encargado de las dos primeras entregas, The Mummy/La momia en 1999, y The Mummy returns / El regreso de la momia en 2001, querían cambiar de rumbo y habían pedido a los guionistas Alfred Gough y Miles Millar que dieran un nuevo giro a la saga. Estaban convencidos de que habían agotado las posibilidades de Egipto y buscaban a un director capaz de llevar a los temerarios O'Connell a otro continente. 
En cuanto al interés que despiertan las aventuras de nuestros arqueólogos, el productor Stephen Sommers dice: "Creo que tuvieron tanto éxito porque son aventuras románticas que transcurren en decorados exóticos. Eso siempre gusta". 

La momia – La tumba del Emperador Dragón es la tercera entrega de La momia producida por James Jacks y Sean Daniel. En esta ocasión, se les han unido Bob Ducsay y Stephen Sommers. Los cuatro colaboraron en las dos primeras entregas de la saga, dirigidas por Stephen Sommers y montadas por Bob Ducsay, que también fue el productor ejecutivo de The Mummy Returns / El regreso de la momia. "Pasaron años antes de que se nos ocurriese la idea de usar los guerreros de terracota de China", dice el productor Bob Ducsay. "Pero nos dimos cuenta de que podría funcionar como un catalizador para las nuevas aventuras de unos personajes muy queridos por los espectadores". 
Los cuatro productores eligieron a Rob Cohen por ser un realizador con la suficiente experiencia para crear una película a la altura de lo que imaginaban. "Por suerte, Rob estaba interesado en dirigir la película", recuerda Bob Ducsay. "Era el realizador ideal para nosotros. Sabe lo suficiente para encabezar una gigantesca producción en dos continentes, es genial a la hora de dirigir a los actores y las escenas de acción y, además, tiene un gran sentido del humor, todos los ingredientes necesarios para una película de La momia". "Me gustó mucho la idea de que los guerreros de terracota de Xi'an fueran las momias", dice Rob Cohen. "Nos permitiría explorar la historia china de dos periodos, 200 años antes de Cristo y 1946, durante la posguerra. Los protagonistas vivirían una aventura totalmente nueva; sería espectacular, pintoresca y completamente oriental". 
Hablando de su interés por producir otra entrega de la saga, el productor Sean Daniel reconoce que se debe a su obsesión con el género desde la infancia: "Cuando era niño, no me perdía una sola película de Boris Karloff haciendo de momia ni de ninguna otra película de momias. Recorté fotos de la momia de la revista Famosos Monstruos del Cine y las pegué en la pared. Nada más entrar en Universal, empecé a hablar de una película de momias, son mis favoritas". 
El productor James Jacks añade: "Hace casi una década que somos parte de la familia O'Connell. Nos enorgullece ver que las aventuras siguen y que Rick y Evy han dado el relevo a su hijo Alex. Reconozco que es como ver crecer a un hijo". A los cineastas sólo les quedaba buscar a un emperador digno de luchar contra los O'Connell y enfrentarse al reto que supone crear dos mundos tan dispares como el año 200 antes de Cristo y el año 1946.
Era esencial que Brendan Fraser volviera a interpretar el papel del apuesto aventurero Rick O'Connell, y que algunos de los otros actores de las anteriores entregas se unieran a él."Nadie puede imaginar una película de La momia sin Rick O'Connell", explica Bob Ducsay."Brendan es la encarnación perfecta del personaje. Está magnífico. Yo diría que está en mejor forma física ahora que en la primera película. Ha hecho cosas increíbles, casi nunca ha necesitado un doble". Brendan Fraser agradece que el tiempo pasado desde la anterior entrega se refleje en el guión: "La familia se ha desarrollado y se puede explorar otro tema, la reunión de una familia que se había distanciado. Nos encontramos a una pareja que echa de menos su vida pasada y a un hijo que se muere por ser como ellos. Quiere complacer a su padre, pero está un poco mimado. Sin quererlo, descubre al malo de todos los malos, la tumba de un emperador que fue un auténtico déspota. Por culpa de una serie de casualidades, como manda la tradición, libera a otra momia y los O'Connell deberán detenerla".
Brendan Fraser es principalmente reconocido por haber protagonizado películas tales como, la trilogía “The Mummy” (1999), “The Quiet American” (2002), “Crash” (2004), “George of the jungla” (1997) y “Journey to the Center of the Earth” (2008). Su primer papel protagónico fue en “Encino Man” (1992), En 1997 tuvo el papel que lo lanzó a la fama con la comedia “George of the jungla” (1997). Luego, apareció en varias películas cómicas, tales como “Blast from the Past” (1999), “Bedazzled” (2000) y “Monkeybone” (2001). Su mayor éxito comercial llegó con la película de aventura y terror “The Mummy” (1999), y su secuela, “The Mummy Returns” (2001), ambas éxitos de taquilla. En 2004 apareció en la película ganadora del Oscar “Crash”. 
El director Rob Cohen siempre tuvo muy claro quién debía encarnar al Emperador: "Nunca pensé en nadie que no fuera Jet Li, no me cabía en la cabeza". El famoso actor no estaba disponible para toda la duración del largo rodaje de La momia – La tumba del Emperador Dragón, por eso Rob Cohen sugirió que el guión explicara que había sido maldecido y convertido en un emperador de barro. "Se nos ocurrió que un personaje de barro creado digitalmente anduviese y hablase como Jet", explica el director. "En un momento dado, regresa como Jet de carne y hueso. A él y al estudio les encantó la idea". Jet Li, hombre parco en palabras, apreció los conocimientos de Rob Cohen de la cultura china. También le gustó su visión del proyecto y no dudó en aceptar el papel de Emperador: "Rueda como los directores de Hong Kong, con mucha energía, muchos cambios, mucha rapidez". Jet Li, es un especialista en artes marciales. La industria del cine de “Kung Fu” se aprovecho de la popularidad de Jet Li y lo pusieron a protagonizar una trilogía convertida hoy en mito: “The Shaolin Temple” (1982), “Shaolin Temple 2: Kids from Shaolin” (1984) y “Shaolin Temple 3: Martial Arts of Shaolin” (1985).

En 1988, Jet Li se instaló en Hong Kong. Su éxito se debe al hecho de que él no imita a nadie. Aunque actúe en un papel dramático, violento e invencibleo lo haga en un papel cómico, divertido y sonriente. En los dos registros, dramático y cómico, sigue siendo Jet Li. Es considerado uno de los mejores practicantes de las artes marciales de “wushu”.

La oscarizada Rachel Weisz prefirió no volver a encarnar a Evelyn. La duración del rodaje y tener que desplazarse al extranjero no le era posible con hijos pequeños. No hubo más remedio que buscar a alguien que la sustituyera. "Después de muchas reuniones, decidimos hacer pruebas de cámara con cinco actrices", dice el director. "María Bello nos dejó impresionados. La química con Brendan fue inmediata. Luego está la belleza, el sentido del humor y la precisión interpretativa que la han hecho triunfar en películas como The Cooler y Una historia de violencia. María no tenía problemas con el acento británico y aportó mucha frescura al papel". La actriz tenía ganas de encarnar a una heroína con la que simpatizaba: "Evy y yo tenemos muchos puntos en común. Las dos somos aventureras. Siempre he pensado que tengo alma de gitana, y estoy dispuesta a saltar al vacío. De adolescente, era una adicta a las novelas románticas de aventuras. Solían tratar de una mujer que se vestía como un hombre, que sabía manejar la espada, que se colaba en un barco, y de la que el capitán acababa enamorándose. Quería ser como ella". "Maria despedía energía y fuerza cuando leyó el papel", dice Brendan Fraser. "Es una gran actriz que ha hecho papeles muy diversos, pero siempre dice: 'Quiero trabajar en una película donde pueda manejar el látigo, disparar pistolas y montar a caballo'. Descubrimos que Rick y Evy han guardado las pistolas y abandonado los yacimientos. El sedentarismo aburre a Evy y regresa a las aventuras con enorme entusiasmo". Los seguidores de la saga se alegrarán de saber que John Hannah vuelve a encarnar al patoso Jonathan, el hermano de Evy, que puede ser una gran ayuda o un gran desastre para la familia O'Connell. 
El productor Bob Ducsay dice: "Recuerdo que cuando ofrecimos el papel a John para la primera película, no entendía por qué le dábamos un rol cómico. A pesar de que él lo niega, es un cómico nato, como ha quedado demostrado en las dos entregas anteriores". Jonathan no duda en recordarle al público lo que cualquiera haría si le persiguiese un no muerto, es decir, correr como un poseso. John Hannah dice, riendo: "Jonathan siempre busca una salida. Es lo más natural si a un tipo inmortal de unos 2.000 años le da por querer quitarte la cabeza. Mi primera reacción sería correr, no me enfrentaría a él". 
Encontrar al actor ideal para encarnar a Alex, el hijo de Rick y de Evy, no fue fácil. Debía ser joven, lleno de entusiasmo, estar en buena forma física, pero también con una cierta aura de vulnerabilidad. Alex debía tener la fuerza, el ímpetu y el heroísmo de su padre, más el cerebro y la curiosidad de su madre. Después de una larga búsqueda, los cineastas se inclinaron por el carismático actor australiano Luke Ford, que desprende una poco común mezcla de inocencia y fuerza. El director recuerda la primera vez que vio al actor: "Fue durante una prueba de cámara a la que acudieron varios actores jóvenes, algunos de ellos bastante famosos en Estados Unidos. Cuando los miré, todos hablaban con Luke. Estaba claro que era el centro de atención. Para que un joven caiga bien a otros jóvenes, debe ser tranquilo, relajado y no tener complejos. Además, era el mejor de todos". Alex no tarda en descubrir que su padre no está muy dispuesto a pasarle el testigo. El joven actor dice: "Alex siempre ha estado a la sombra de su padre. Rick impactó al mundo de la arqueología, y Alex no quiere ser menos. Por eso está empeñado en descubrir al emperador. La relación con sus padres no es muy distendida porque todavía le tratan como si tuviera ocho años. Está frustrado, quiere formar parte del equipo, vivir aventuras". 
La actriz malaya Michelle Yeoh da vida a la inmortal bruja Zi Yuan, que condenó el Emperador a una vida eterna de barro por haber destruido su felicidad. La gracia y la belleza de Michelle Yeoh conquistaron a todos. Brendan Fraser resume la admiración que el equipo sentía por ella: "Aporta una calidad regia a Zi Yuan, la liviana guardiana de la fuente de la juventud. La dignidad innata de Michelle da credibilidad a la serena belleza de su personaje, que lleva 2.200 años esperando para vengarse". El papel de Zi Yuan atrajo inmediatamente a la estrella internacional, a la que hemos visto en películas como Tigre y dragón o Memorias de una geisha. "Me entusiasmó el personaje porque es mágico", dice la actriz. "Conoce a su gran amor, pero el Emperador impide que sea feliz porque la desea y quiere que le dé el secreto de la vida eterna. Le rechaza y usa sus poderes para maldecirle. Es un papel maravilloso". Para interpretar a Lin (por la que Alex se siente muy atraído), la hija de Zi Yuan y guardiana de la tumba del emperador Shihuang, el director escogió a la joven actriz china Isabella Leong. Decidida a hacer una película de habla inglesa, no se dejó intimidar por los diálogos ni por el duro entrenamiento requerido para encarnar a una asesina que ha jurado mantener cerrada la tumba para la eternidad. 

El actor Chau Sang Anthony Wong, procedente de Hong Kong, conocido por sus papeles en El velo pintado y Juego sucio, da vida al general Yang, la mano derecha del Emperador Dragón, un despiadado guerrero convencido de que el mundo debe ser gobernado por la fuerza. Completan el reparto el irlandés Liam Cunningham, que encarna al compañero de Rick, el piloto Desi "Mad Dog" Maguire; el actor inglés David Calder, como el explorador Wilson, y el estadounidense Russell Wong, como Ming Guo, el leal criado del emperador y el gran amor de Zi Yuan. Una vez decidido el reparto, era hora de empezar a viajar de un continente a otro y rodar el exótico mundo de La momia – La tumba del Emperador Dragón. 
El rodaje de La momia – La tumba del Emperador Dragón duró cinco meses entre Canadá y China. Concretamente en Montreal (Canadá) y Pekín y Shanghái en China, donde se construyeron mundos con casi 2.200 años de diferencia. El rodaje empezó en Montreal, en Mel's Cité du Cinéma, con una poderosa escena en el Museo de Shanghái. Han convencido a Rick y a Evy para que lleven el ojo de Shangri-La de vuelta a China, pero ignoran las consecuencias de su decisión. Las escenas en el museo se rodaron en un magnífico decorado creado por la imaginación del diseñador de producción Nigel Phelps.
A continuación se trasladaron al exterior para rodar la fortaleza que sirve de entrada a Shangri-La, construido al lado del decorado de la Puerta, una enorme sección de montañas (el Himalaya) donde se esconde una entrada secreta a la misteriosa fuente de la eterna juventud. El patio se cubrió de nieve falsa. El supervisor de efectos especiales R. Bruce Steinheimer dice: "Rob tenía muy claro qué tipo de nieve quería. Necesitamos 160 toneladas de sulfato de magnesio sólo para cubrir el suelo". Pero el tiempo otoñal en Montreal es muy imprevisible y una tormenta de agua se encargó de derretir la nieve durante la noche. El equipo de efectos especiales tuvo que reparar los daños antes de las 7 de la mañana para que el rodaje siguiera según el calendario previsto.
En varias escenas con la fortaleza de telón de fondo, los O'Connell, Jonathan y Lin se enfrentan al Emperador Dragón. Por suerte, llegan varios yetis para ayudarles. El director de la unidad de acción Vic Armstrong orquestó una compleja secuencia en el decorado de la Puerta en la que los O'Connell están acorralados por el ejército del general Yang y son rescatados por los feroces guerreros del Himalaya.
A continuación, el rodaje se trasladó al plató ADF, donde el equipo de Nigel Phelps creó el mausoleo, uno de los decorados más impresionantes de la película. Durante unas excavaciones, Alex descubre la tumba del Emperador. Al penetrar en la cripta se encuentra con miles de guerreros de arcilla. A medida que él y sus compañeros avanzan por las filas de soldados, deben sortear una trampa mortal tras otra.
El equipo regresó a Mel's Cité du Cinéma para rodar la brutal pelea entre el Emperador y Rick O'Connell, que tiene lugar en el misterioso mundo de la Cámara Fundacional; la primera escena rodada con Jet Li. "El guión hace especial énfasis en el núcleo de la Gran Muralla", explica Nigel Phelps."Presuntamente, los enemigos eran enterrados vivos en los cimientos de la Gran Muralla. Hay un templo en el centro y los techos reflejan el mundo subterráneo donde están aprisionados los cuerpos y almas del Ejército Fundacional que se alzará para atacar al Ejército de Terracota".
Después se rodó en la cueva de Shangri-La, que sirvió de telón de fondo para la emotiva reunión entre Zi Yuan y su hija Lin, a la que no ha visto hace más de 2.000 años. La cueva reverbera con la luz de las velas que iluminan el magnífico Buda yacente que ocupa la pared del fondo. Cada nicho contiene una estatua y una preciosa pagoda guarda la entrada. La idea era simple: Shangri-La debía parecer enorme, mágico y maravilloso.
El rodaje en Montreal acabó el 15 de octubre y el equipo se preparó para trasladarse a otro continente. Tras esto continuo el rodaje en China. Desde un principio, los cineastas decidieron que era básico ser fieles a los dos periodos en los que transcurre la película. Bob Ducsay dice: "Aunque estas películas estén llenas de fantasía y se tomen grandes libertades creativas, son auténticas porque siempre rodamos en los países donde transcurren". Afortunadamente, el traslado se realizó sin ningún sobresalto.
Rob Cohen recuerda, con una sonrisa: "El productor ejecutivo Chris Brigham, los productores chinos Chiu Wah Lee y Doris Tse Karwai, los supervisores de producción en China, Mitch Dauterive y Er Don Liu, hicieron un verdadero milagro. Trasladar a 200 occidentales desde Norteamérica un viernes para rodar el martes en China era prácticamente imposible, pero lo consiguieron". Se decidió rodar en China por razones prácticas y creativas. El productor ejecutivo Chris Brigham dice: "El decorado de Shanghai Studios para la increíble persecución no está disponible en ningún otro lugar del mundo. Cuando tomamos la decisión de rodar en China, añadimos varios decorados". Una vez en China, el equipo artístico y técnico necesario para rodar las escenas creció de forma notable. Hubo días en que trabajaron más de 2.000 personas; 200 norteamericanos (de Estados Unidos y Quebec), 1.700 chinos y otras cien procedentes de Hong Kong, Malasia, Croacia, Eslovenia y Taiwán. El rodaje en Asia empezó en el desierto de Tian Mo. El director Rob Cohen, maravillado, escribía en su blog: "Ya estamos en China. Cientos de personas en el departamento artístico chino llevan meses trabajando para preparar el decorado para este día. El sol se alza detrás de la Gran Muralla hecha de enormes ladrillos de adobe prensados. El sol es real, hice construir la Muralla. El Emperador Dragón ascenderá a un coloso de 15 metros para despertar a sus 5.000 guerreros de terracota que llevan dormidos 22 siglos. Con ellos librará la batalla final contra los O'Connell y las fuerzas místicas de su antiguo enemigo, Ming Guo, protegido por Zi Yuan. Los ejércitos se enfrentarán. Los vivos contra los no muertos. En otras palabras, hoy es lunes en el rodaje de La momia – La tumba del Emperador Dragón".
No habría sido posible construir la Gran Muralla sin las indicaciones del director artístico chino Mr. Yi, que también fue asesor técnico e histórico de la película. Es la sexta vez que dirige la construcción de una de las Siete Maravillas del Mundo. Se rodaron varias escenas en Tian Mo, entre las que destacaremos la del campamento del general Yang, situado en un pueblo de la dinastía Ming establecido en unas cuevas cercanas, así como la del interior de la tienda negra, donde el Emperador se reúne con sus generales.
Durante el rodaje en Tian Mo, el equipo se alojó en Yanqing, aproximadamente a una hora de distancia. A excepción de un par de tormentas de arena, el tiempo fue clemente. Sin embargo, hacia el final del rodaje, las temperaturas bajaron de golpe y todos se alegraron de ir a Shanghái, mucho más al sur, para seguir trabajando en los famosos Shanghai Film Studios, a menos de una hora de la ciudad. El estudio cuenta con un enorme decorado que recrea las calles de Shanghái en los años cuarenta, con iglesias, bares, clubes y restaurantes, tiendas, casas e incluso un tranvía. Aquí se rodó la persecución entre los O'Connell y el Emperador Dragón, que tiene lugar el Día del Año Nuevo chino.
Si se suman las horas de trabajo de la unidad principal y de la unidad de acción, el rodaje de la escena duró dos semanas. Vic Armstrong, director de la unidad de acción, y su equipo rodaron los efectos especiales y algunas de las secuencias peligrosas antes de que la unidad principal regresara de Mongolia. La persecución es una complicada secuencia en la que se mezcla la acción física de los actores y especialistas con efectos digitales. Unos caballos de bronce tiran de un carro con el Emperador Dragón (con Alex y Lin escondidos debajo), mientras cientos de extras corren por las calles, y Rick, Evy y Jonathan le siguen en un camión lleno de fuegos artificiales para detener al malvado Emperador. Rob Cohen recuerda que filmó parte de la persecución con no menos de ocho cámaras: "R. Bruce Steinheimer diseñó toda la secuencia con un equipo de expertos pirotécnicos, pero la explosión fue tan potente que rompió todos los cristales de la calle y el cohete principal incendió el tercer piso de un edificio. Fue genial".
Varios decorados más se rodaron en los Shanghai Studios, como la cámara del trono del Emperador. Un equipo de asesores culturales se ocupó de explicar a Rob Cohen el complejo idioma simbólico, las ceremonias y el comportamiento de la dinastía Qin. El director dice: "La película respeta el ceremonial tradicional. Los intelectuales y artistas se situaban a la izquierda del Emperador, los militares, a la derecha. Los músicos no tenían permitido llevar armas. Nadie podía darle la espalda. La película está llena de detalles de esa índole. A pesar de ser un mundo desconocido, parece auténtico".
Las escenas finales se rodaron en el fantástico club de estilo egipcio, de hecho se llama Imhotep, perteneciente a Jonathan, situado en el Bund del Shanghái de los cuarenta. Se diseñó de acuerdo con lo que había en la ciudad en aquella época: un lugar enorme, glamouroso y lujoso. Mientras la unidad principal acababa de rodar en los Shanghai Studios, la unidad de acción de desplazó a los Hengdian World Studios, a cuatro horas de Shanghái, para rodar la dramática secuencia de la batalla. Estos estudios son los mayores de toda Asia y ofrecen decorados que abarcan los diversos periodos de las dinastías chinas. Cuentan con reproducciones de tamaño natural del palacio del emperador Qin, de los palacios de las dinastías Ming y Qing, y de la sala central del templo de Dazhi con una estatua de Sakyamuni de 28,8 metros de altura, la mayor figura esculpida de Buda en un interior de toda China.
El diseñador de producción Nigel Phelps se quedó asombrado cuando descubrió que gran parte del atrezzo de los Estudios Hengdian eran objetos reales: "Las armas de las 500 estatuas del ejército de terracota eran de bronce y todas las ballestas funcionaban. Siempre se pierde mucho en la traducción, pero a nadie se le ocurre pedir armas de bronce, dispararía el presupuesto. Al parecer, en China sale más barato que hacerlas de fibra de vidrio. Se alcanza otro nivel de realismo cuando un actor toca una espada y está fría". Cuando Nigel Phelps se reunió por primera vez con el director, supo inmediatamente que estaba a punto de embarcarse en un viaje plagado de retos para un diseñador de producción. Era de suma importancia que La momia – La tumba del Emperador Dragón transmitiera una sensación épica, por lo que debería diseñar decorados únicos, incluso míticos. "En un proyecto como este, donde todo es a gran escala, hay que decidir desde un principio qué decorados se construirán y qué efectos digitales se añadirán", explica Nigel Phelps. "Es lo primero que se habla con el director. Pero la decisión de rodar en China nos permitió usar muchos más decorados construidos y naturales que en cualquier otra parte del mundo. Cuando se concibe una sala como el mausoleo donde descansan los guerreros de terracota, es obvio que no hablamos de un decorado íntimo". El estilo de la película se debe en gran parte a la pasión del director por la cultura china y sus estudios budistas. Ante todo quería que fuera lo más auténtico posible. En su opinión, el diseño de la película refleja "la historia china de una forma poco habitual, y nos esforzamos en explorar dos épocas, la historia en el año 200 antes de Cristo y la China de 1946".
El director y el diseñador de producción decidieron que los movimientos de la cámara no podían restringirse cuando se trataba de rodar al emperador más poderoso del mundo recorriendo el continente con 2.200 años de diferencia. Por lo tanto, la mayoría de los decorados debían permitir al director de fotografía Simon Duggan y a su equipo realizar tomas de 360 grados. Para conseguirlo, los decorados no siempre eran absolutamente fieles al guión original. Nigel Phelps y Rob Cohen estaban abiertos a otras posibilidades cuando buscaban localizaciones. El diseñador de producción recuerda: "Cuando llegamos a China para localizar decorados, viajamos a Ningxia para ver las enormes dunas de arena. En el hotel, ojeando un folleto, descubrí que había pirámides en la región". "El paisaje es muy similar al de Tian Mo, la zona desértica al norte de Pekín", sigue diciendo."No había nada parecido previsto en el guión, pero sabía que a Rob le encantaría. Así fue, y decidimos que las pirámides irían al principio de la película. Seguro que el público pensará que esas pirámides han sido creadas digitalmente, nadie espera ver algo así en China". Las gigantescas pirámides están en un valle con cientos de tumbas de un pueblo aniquilado por los mongoles porque algunos de sus miembros dispararon las flechas que mataron a Gengis Khan. Esta zona olvidada fue descubierta hace unos 200 años. El diseñador, que tiene en su haber películas épicas del calibre de Troya, explica cómo trabaja: "Cuando leo un guión, me imagino la historia y lo veo todo en función de la luz y las formas. Esto es luminoso, aquello oscuro. Esto es alto y delgado, aquello es pequeño y gordo. Hay que obtener una variedad y un equilibrio que encajen con la narración. Es un poco como la música, se puede aplicar los mismos principios a los colores". La película no haría honor a su nombre si no hubiese complicadas secuencias de lucha. Cualquier secuencia en la que participe el maestro de las artes marciales Jet Li sube el listón muy alto, pero si le añadimos el krav maga de Brendan Fraser, la esgrima de Michelle Yeoh, el kung fu de Isabella Leong, la lucha callejera inspirada en artes marciales de Luke Ford y los puñetazos de Maria Bello, es una garantía para que los amantes de las secuencias de lucha se lo pasen bien. Jet Li alaba los conocimientos del director: "Rob entiende el ritmo. Sabe mantener la rapidez necesaria para que una secuencia de lucha sea buena. Además, se atreve con ángulos muy interesantes". Una de las luchas clave tiene lugar en la Cámara Fundacional, donde el Emperador Dragón intenta despertar a su ejército de terracota. El techo está construido con los huesos de sus enemigos. Pequeñas llamas dispuestas por los pasillos de soldados iluminan la sala. En la secuencia, Rick O'Connell clava una navaja en la espalda del Emperador. Este, algo molesto, se la saca y se abalanza sobre el protagonista con toda la furia acumulada por siglos de espera.
Rob Cohen pensó que desde la última vez que habíamos visto a nuestro héroe, este había aprendido la lucha krav maga. "Es una lucha defensiva inventada por los judíos checos durante la II Guerra Mundial", explica Brendan Fraser. "Los movimientos se basan en el instinto. En otras palabras, atacan el problema en vez de dejar que el problema ataque. Incrementa la seguridad y es un ejercicio fenomenal". "Brendan es un gran actor de acción", dice Vic Armstrong. "Se ha preparado a fondo y está en muy buena forma. Le gusta la acción y sabe lo que le sale bien".
El coordinador asiático de lucha Mike Lambert, que trabajó con Michelle Yeoh en El mañana nunca muere, la película que la catapultó a la fama, se encargó de entrenar a los actores y coreografiar las escenas de lucha con el coordinador de especialistas Mark Southworth. Mike Lambert lleva años viviendo en Hong Kong y conocía a numerosos actores por haber trabajado con ellos anteriormente.
Una de las secuencias que fascinó a la prensa china fue la lucha con espadas entre Jet Li y su amiga Michelle Yeoh. Transcurre en el magnífico paisaje desértico de Tian Mo y es la primera vez que los dos actores se encuentran en lados opuestos en una película. "Me pareció muy gracioso", recuerda la actriz. "Miré mi calendario de rodaje y ponía: 'La lucha que Asia ha estado esperando'". Michelle Yeoh dice, hablando de sus coordinadores: "El coordinador de lucha de Jet, De De Ku, al que todos llaman maestro De, es un viejo conocido y es realmente brillante. Aparte de eso, Jet y yo nos entendemos, estamos en la misma onda y nos esforzamos al máximo". Jet Li está de acuerdo con la actriz: "Cuando se tiene un buen contrincante de lucha, es como en el tenis. Hay que estar al mismo nivel para que el partido sea bueno. Disfruto mucho trabajando con Michelle, y espero volver a hacerlo en el futuro". La mayoría de los actores también participaron en la acción. Maria Bello pudo hacer realidad un sueño de niñez en una secuencia donde se imagina luchando con una espada. "El personaje de Maria es mucho más refinado", explica Mike Lambert. "Tiene conocimientos de artes marciales, pero tampoco se le da mal el estilo de Rick. Alex es más estilizado, aunque se deja arrastrar por su padre".
El joven actor Luke Ford entrenó durante tres meses antes del rodaje. Era necesario si quería evitar la barrera de trampas que debían impedirle despertar a la nueva amenaza para el planeta. "Me entrené cinco días a la semana", dice. "Empecé con ejercicios cardiovasculares, pesas y estiramientos. Poco a poco seguí con artes marciales, esgrima, puñetazos y patadas. Fue bastante intenso". También se requería que los actores montaran a caballo, sobre todo en las secuencias rodadas en Tian Mo. A excepción de las escenas más complicadas, que realizaron especialistas chinos, los propios actores rodaron la mayoría de las secuencias. Después de coordinar las persecuciones y las luchas, Vic Armstrong y su equipo se desplazaron a los Hengdian World Studios para las secuencias finales. Dice: "Hay que subir el listón con cada secuela y, en este caso, las dos películas anteriores eran muy buenas, lo que no nos lo puso fácil. Trabajar con Rob es realmente interesante por la velocidad y la duración que requiere en las escenas". El director no se queda atrás hablando del coordinador de efectos especiales, sobre todo a la hora de alabarle por la ejecución de escenas difíciles sin olvidar nunca la seguridad de los actores y especialistas: "Vic ha hecho películas de Bond y de Indiana Jones. Es de los que estudia una idea y sabe llevarla a la práctica con la mayor seguridad posible". Para crear las escenas más complejas de La momia – La tumba del Emperador Dragón ha sido necesaria una fusión impecable de efectos visuales y especiales. Tomando en cuenta el asombroso abanico de efectos en la película, desde criaturas antiquísimas y avalanchas a complicadas batallas con personajes digitales en decorados digitales y efectos visuales, los cineastas no se enfrentaban a una tarea fácil. El conocido productor de efectos visuales Ginger Theisen encabezó el departamento. Para realizar el gran número de planos digitales incluidos en la película, al menos 800, contrató a dos empresas, Digital Domain, con los supervisores Matt Butler y Joel Hynek, y Rhythm & Hues, con Derek Spears. El veterano coordinador de efectos especiales R. Bruce Steinheimer contrató a cuatro empresas en Montreal y en China para obtener todos los efectos mecánicos requeridos. Dice:"Cien personas en ambos continentes trabajaron simultáneamente para tener los efectos preparados a tiempo". Se encargó de supervisar la creación de efectos mecánicos que pudieran incorporarse en las extensiones digitales. Para la secuencia de la persecución en Shanghái, el carro debía moverse como si realmente estuviera tirado por caballos. Explica: "Colocamos un arado delante para que pudiera darse contra otros objetos, porque el Emperador y los caballos pertenecen al reino digital. Cuando empieza a perder el control del carro, usamos una rueda hidráulica para obtener los efectos. Al final eyecta el sarcófago, que se desliza por las calles sembrando el caos y la destrucción". Para crear al Emperador Dragón y su legión de guerreros de terracota, el equipo de efectos diseñó una serie de soldados "líquido-sólidos" capaces de inclinarse y arrodillarse. Al moverse se agrietan, pero se recomponen inmediatamente. Para empezar a diseñar al Emperador Momia, Digital Domain realizó un ciberescaneo de Jet Li con cámaras tridimensionales para poder generar sus características en una estatua de terracota. Ya que el Emperador controla todos los elementos, tierra, fuego, aire y agua, es un enemigo realmente peligroso. Para colmo, también tiene poderes curativos. Joel Hynek, cosupervisor de Digital Domain, explica: "Está lleno de magma. Cuando se agrieta, pierde trozos, pero el magma sube a la superficie y se solidifica". El truco era conseguir que el emperador se moviese sin parecer un hombre con una máscara de goma. Digital Domain realizó estudios de estrés en objetos de barro cocido para saber qué aspecto tendrían al expandirse, agrietarse o romperse. A continuación, incorporaron los resultados en la momia y su legión del terror. Joel Hynek comenta: "Los guerreros de terracota no se arreglan si no cruzan la Muralla, seguirán deteriorándose, pero si consiguen pasar al otro lado de la Muralla, serán inmortales". Aunque sólo se ha excavado una fracción de guerreros de barro cocido del suelo chino, había que resucitarlos a todos. Digital Domain se encargó de crear dos inmensos ejércitos formados por 4.800 guerreros de terracota (los hombres del Emperador) y 2.500 soldados del Ejército Fundacional (los hombres a los que mató el Emperador). "Los soldados del Ejército fundacional son los buenos", explica el cosupervisor de efectos especiales Matt Butler. "Son los trabajadores que llevan 2.000 años debajo de la Muralla. Regresan a la vida con un aspecto bastante horrible. No todos son esqueletos, hay muchas variaciones, que van desde casi normal a hueso total. Lo más difícil fue conseguir que un ser totalmente desecado diese la impresión de bondad". Mediante el estudio de imágenes antiguas, textos actuales de embalsamamiento y libros de anatomía, los miembros del equipo no tardaron en convertirse en auténticos especialistas en huesos y músculos. Matt Butler explica: "Nos permitió diseñar herramientas para transformar un cuerpo sano en un cuerpo envejecido, un cuerpo sólo con músculos y tendones, o sólo con huesos". Para que los movimientos de cada uno de los personajes fueran independientes, Digital Domain usó un programa llamado 'Massive', desarrollado por Stephen Regelous, y que se ha usado en las batallas de numerosas películas, la trilogía de El señor de los anillos, entre otras."Stephen diseñó y creó una herramienta que nos permite crear miles de seres sensibles, humanos o criaturas", explica Matt Butler. "Todos pueden tomar decisiones individuales de acuerdo con las reglas diseñadas por el dibujante. Puede decirse que el dibujante diseña el cerebro de esos personajes". Los auténticos guerreros de Xi'an sirvieron de referencia ya que cada ninguno tiene la misma cara, cuerpo o peinado. Después de escanear sus imágenes, el equipo inventó un sistema para intercambiar partes de los cuerpos para que el público jamás vea a un soldado repetido cuando se lanzan al ataque. Sólo quedaba conseguir que se moviesen según iban rompiéndose y recomponiéndose. No era fácil, tratándose de objetos inanimados que debían moverse. "Antes de todo, rodamos una escena de batalla como referencia", explica Joel Hynek. Vic Armstrong, Matt Butler y yo estudiamos la acción de diversas batallas. A continuación, Matt y Vic trabajaron en Montreal para capturar lo que necesitábamos". "Rob quería que los guerreros parecieran reales y no copias", dice Vic Armstrong. "Son batallas grandiosas, épicas. Afortunadamente, la tecnología del siglo XXI es de mucha ayuda. Trabajé muy de cerca con el equipo de efectos visuales para planear cada toma. También realizamos bastante trabajo de captura de movimientos con personas que representaban a ambos ejércitos. Los guerreros de terracota iban de azul, los otros, de verde. Luchan de verdad y eso es realista. El ordenador captura a la persona real y sustituye su imagen por un soldado de arcilla o un esqueleto. La coreografía de la batalla también cuenta. Debe tener toques de humor para rebajar la tensión, pero a la vez debe parecer violenta y realista". El personaje de Jet Li no sólo es el Emperador de Barro, también tiene la habilidad de convertirse en otras criaturas, sobre todo en una arpía de tres cabezas, mezcla de la mitología occidental y china. El programa Image Matrix incorporó los movimientos de Jet Li en una criatura creada digitalmente que escupe llamas, agarra a sus víctimas y se aleja volando. "El Emperador decidió que su primera encarnación fuera una arpía de diez metros de alto con tres cabezas", dice Bob Mercier, supervisor digital de Rhythm & Hues. "Hubo que decidir hasta qué punto la cara se parecería a Jet Li o a un reptil. También quisimos que la arpía tuviera influencias orientales. Se adivinan rasgos de Li, pero ante todo es una criatura". Otra encarnación del Emperador es Nian, una criatura mitad león mitad perro, basada en los perros Fu, guardianes de los templos en la China antigua. El director Rob Cohen dice: "Hemos exagerado el lado animal. Ahora es una criatura de unos tres metros de alto capaz de agarrar un avión en el cielo. El personaje de Jet cambia de forma a menudo". Para cada una de las encarnaciones, Rhythm & Hues produjo un modelo diseñado por ordenador con músculos y piel, que se enviaba a los cineastas para que pudieran opinar."Cuando todos estaban de acuerdo, se mandaba al departamento de rigging", explica el director de animación Craig Talmy. "Allí se encargan de añadir los sistemas mecánicos para que las criaturas se muevan como queremos".
Ya que nadie ha visto a un yeti de cerca y ha vivido para contarlo, los personajes fueron generados digitalmente y el equipo tuvo rienda suelta para diseñar a los brutos. "Los yetis siempre han estado entre los favoritos", dice el productor Sean Daniel. Nos pareció genial incorporar a los yetis y a Shangri-La en la película. Los yetis son criaturas, como la Momia, que todos conocemos". Rob Cohen quería que sus abominables hombres de las nieves tuvieran una personalidad única. Los yetis no hablan, se limitan a gruñir y a dar alaridos, por lo que el equipo de animación se encargó de que se comunicaran mediante el lenguaje corporal. Craig Talmy dice, riendo: "Hubo que dar dotes interpretativas a personajes cuyo único cometido es bajar corriendo por una ladera y pegar un puñetazo a alguien".

Al principio, los yetis eran un cruce entre hombre, oso polar y leopardo de las nieves. Pero con el tiempo, los animadores les dieron rasgos más humanos. Les gustaba la idea de que las criaturas, obedeciendo a la enigmática Lin, fueran capaz de coger a un enemigo, mirarlo con absoluto desdén y mandarlo volando en la nieve. La diseñadora de vestuario Sanja Milkovic Hays colabora por tercera vez con el director Rob Cohen en La momia – La tumba del Emperador Dragón. Lo más difícil fue diseñar el vestuario para el principio de la película. "Tenía muy poco en que basarme", dice la diseñadora."Algunas referencias a joyas, algunos dibujos, y las momias que se han descubierto. Me basé sobre todo en lo que vi en museos y en libros. Los descubrimientos de Xi'an me fueron de gran ayuda. Además, visitamos el yacimiento con los guerreros". 

Sanja Milkovic Hays y dos diseñadores trabajaron sin parar durante cuatro meses para idear el vestuario del mundo que había imaginado Rob Cohen. "Una vez aprobado el croquis, empieza el segundo tramo del proceso creativo", dice. "Buscamos telas y detalles por el mundo entero, Hong Kong, China, Tailandia, India, Nueva York y Europa. Usé cientos de metros de tela, la mayoría adquirida en Montreal". Escogió sobre todo sedas, ya que no rechazan los tintes, para los temas asiáticos. 
La diseñadora supervisó un importante equipo en ambos continentes. Instaló un enorme taller en Mel's Cité du Cinéma al que pobló con especialistas en sastrería, bordados, joyería. También recurrió a Film Illusions, una empresa especializada en vestuarios poco corrientes para el cine y que creó la armadura del Emperador. Sanja Milkovic Hays decidió cambiar el look de Rick mediante un vestuario más relajado, más al estilo John Wayne. Explica: "Ahora, Brendan lleva trajes de vez en cuando. Le va muy bien la moda de los cuarenta. Al principio de la película, lleva una chaqueta de aviador, pero hacia el final, recupera el típico look de cazador de momias: pantalón, camisa y pistolas... y vuelve a ser el Rick O'Connell que todos conocemos". 
Le divirtió diseñar el vestuario de Luke Ford: "Al principio, Luke tiene un aspecto descuidado, un hombre Marlboro con una chaqueta de cuero de los años cuarenta. Le queda muy bien porque es alto y tiene mucho carisma. Luego pasa al estilo Bogart, con chaqueta de esmoquin blanca. Toda su ropa va con la época, pero el corte tiene un toque más moderno". El personaje de Isabella Leong empieza siendo una sombra anónima. La diseñadora y el director estaban de acuerdo en que lo mejor era una túnica para que fuera difícil saber si Lin es un hombre o una mujer. "Para la escena en el museo, cuando intenta salvar a Rick y a Evy, la vestí un poco al estilo Matrix, con un abrigo largo", dice Sanja Milkovic Hays. "Debajo lleva unos pantalones muy elegantes. El abrigo tiene un corte muy pronunciado para que cuando vuela, vuele detrás de ella". 
La diseñadora creó nueve preciosos trajes para Michelle Yeoh cuyos diseños no tenían que ceñirse tanto a la época. Dice: "Es una bruja, tenía mucha más libertad. Cuando Michelle los lleva, los trajes parecen cobrar vida. Es muy elegante, y con esa forma que tiene de moverse y colocar el cuello casi da la impresión de flotar". Añade: "En la lucha con espada contra Jet Li, lleva una falda plisada. Me compré una en Shanghái, me encantó porque se abría cuando giraba. La versión de Michelle es larga y parece una falda recta y estrecha, pero cuando se mueve, se abre en círculo. Me muero de ganas de ver el efecto en la pantalla". El diseño de la armadura del Emperador fue un proceso muy largo. Sanja Milkovic Hays empezó a trabajar con meses de antelación. Fue lo primero que diseñó, ya que los departamentos de efectos visuales y artísticos necesitaban saber cómo sería. Diseñó varias versiones que se adaptan a las diversas escenas. "Para las escenas en las que anda con gesto majestuoso, creamos una armadura más pesada hecha con jade falso. 
Pero hubo que inventar una versión mucho más ligera para las secuencias de lucha o no podría moverse con agilidad. También se necesitaba una versión adaptada a los efectos visuales para la escena en que se hace de barro". "Rob y yo tuvimos charlas filosóficas acerca del Emperador y su búsqueda de la inmortalidad", recuerda la diseñadora. "Nos dimos cuenta de que el jade tenía que ver con la inmortalidad en la China antigua. Podía haber llevado una armadura de jade antes de morir. Nos entusiasmó la idea, nadie había visto nunca una armadura de jade. Buscamos el tono exacto de jade para hacerla. Cada pieza se fabricó individualmente y se unieron una a una". 
La película tuvo un presupuesto 145 millones de dólares ($)y generó por venta de taquillas la cantidad de 401,1 millones de dólares ($), además recibió cinco nominaciones a diferentes premios. 
Sobre la película se han comentado algo Roger Ebert en el Chicago Sun-Times comentaba que "Los que compren una entrada para 'La momia: La tumba del emperador Dragón' van a recibir exactamente lo que esperaban: hay una momia, una tumba, un emperador y un dragón. Y la película es todo lo que podría ser. (...) La mejor de la serie (...). Por su parte, Jane Horwitz en The Washington Post decía "Oh no. No otra vez. (...) Pesada y liosa (...) El prólogo es la mejor parte." En la Revista Variety Todd McCarthy afirmaba que "Recalentar los ingredientes no puede evitar ocultar lo pasados que están, y escena tras escena intentan conseguir excitación, pero se vuelve plana al tiempo que nos acordamos de secuencias de otras películas previas en las que se hacían estas cosas mucho mejor." En The New York Times Stephen Holden comentaba que “Lo más amable que se puede decir de esta frenética y desordenada amalgama de anticuados clichés de aventuras -generados por ordenador- es que, el menos, puedes ver cómo se gastó su presupuesto de 175 millones de dólares." 
En España Jordi Costa en el Diario El País decía que la "Película capaz de desaprovechar la friolera de cuatro yetis en una de sus escenas de impacto. El resto es suma imprudente, desorden y confusión." 
Lo que esta claro que en este cierre de trilogía se repite lo de siempre: escenas de acción muy bien elaboradas, gran uso del ordenador con unas secuencias espectaculares, personajes carismáticos que vuelven exactamente con la misma fuerza y carisma de antes y una historia simple pero contundente. El humor está muy bien llevado y sin abusar, con situaciones que hacen gracia sin caer nunca en lo ridículo. La banda sonora es por momentos brillante, sobre todo durante los planos aéreos de las zonas nevadas.

lunes, 26 de noviembre de 2012

Ultima visita a Casablanca


A pesar de que tengo pendientes comentarios sobre lo visto en este fin de semana, léase sobre la serie Sherlock, la tercera parte de la momia – en este caso en China-, o sobre Solo en casa, lo lógico es que la entrada de hoy se centre en LA PELÍCULA, pues hoy, justamente hoy, cumple su 70 aniversario. 
Cosas de la vida, Casablanca fue exhibido por primera vez en el Teatro Hollywood de Nueva York el 26 de noviembre de 1942, para coincidir con la invasión de las tropas aliadas de la costa norte de África y la captura de la ciudad de Casablanca. Con todo, el estreno general fue un poco más tarde, el 23 de enero de 1943, para aprovechar la Cumbre anglo-estadounidense, una conferencia de alto nivel entre Churchill y Roosevelt que se llevó a cabo en el Hotel Anfa, en la ciudad de Casablanca. 

Los españoles tardarían en verla, ya que su estreno en España fue en Madrid, el 19 de diciembre de 1946. La película obtuvo unos resultados económicos sustanciosos, si bien no espectaculares, recaudando 3,7 millones de dólares en su estreno inicial en los Estados Unidos de América. 
La reacción de la crítica fue positiva en general, con la revista Variety describiéndola como «espléndida propaganda anti Eje»; como más tarde diría Koch, «era un filme que las audiencias necesitaban... tenía valores... sacrificios dignos de hacer. Y lo mostró de un modo muy entretenido».Otras revistas fueron menos entusiastas: The New Yorker la evaluó sólo como «apenas tolerable».Por su parte, la Oficina de Información de Guerra de los Estados Unidos de América evitó su proyección a las tropas en África del Norte, porque creía que el filme podría causar resentimiento entre los partidarios de Vichy en la región. 
La película ha mantenido su popularidad. Para el año 1955 el filme había recaudado ya 6,8 millones de dólares, colocándola en el tercer puesto entre las películas de guerra más rentables de la Warner Bros. Pronto comenzó su trayectoria en la memoria de los cinéfilos: el 21 de abril de 1957, el Teatro Brattle de Cambridge (Estados Unidos) la exhibió como parte del repertorio del ciclo de películas viejas. Dicha inclusión fue tan popular que comenzó la tradición de exhibir Casablanca durante la semana de exámenes finales en la Universidad Harvard, tradición que ha continuado hasta nuestros días y que fue imitada en muchos otros institutos superiores de los Estados Unidos. 
La tradición ha ayudado a la película a mantenerse en la memoria popular mientras que el recuerdo de otras películas famosas de la misma década se ha ido desvaneciendo, de modo que para el año 1977 Casablanca era la película más frecuentemente retransmitida en la televisión estadounidense. 
Sea como sea, hay evidencia anecdótica que apunta a que Casablanca ha hecho más mella entre los cinéfilos que entre los profesionales de la industria cinematográfica. Entre noviembre y diciembre de 1982 el escritor y periodista independiente Chuck Ross se hizo una pregunta: ¿podrían los agentes de Hollywood ser capaces de reconocer la cinta? o, al no lograrlo, ¿podrían al menos reconocerla como un guión genial? Con la finalidad de descubrirlo, Chuck Ross escribió el mismo guión de Casablanca pero usando el título de Todos vienen al café de Rick (el título original de la obra de teatro) y cambiando el nombre del pianista de Sam a Dooley (Dooley Wilson había sido el actor que interpreta este personaje en el filme) y lo envió a 217 agencias haciéndolo pasar como el guión de un escritor desconocido, un tal Erik Demos. 97 agencias lo devolvieron sin haberlo leído, 7 nunca lo leyeron y 18 copias se habrían reportado como perdidas en el correo. De las 85 agencias que lo leyeron, 38 lo descalificaron, 33 lo reconocieron en términos generales (de las cuales 8 ni cuenta se dieron que era específicamente Casablanca), 3 lo declararon como económicamente viable y una sugirió enviarlo a otra agencia para su transformación en una novela. 
En los Oscar de 1943 (entregados el 2 de marzo de 1944), Casablanca ganó tres premios: Mejor guión adaptado ( Julius J. Epstein, Philip G. Epstein y Howard Koch), Mejor director (Michael Curtiz) y Mejor película (Warner Bros. (Hal B. Wallis, productor), y fue nominada para otros cinco (que no ganó). Wallis, el productor, se resintió porque el presidente del Estudio, Jack Warner, recogió el premio en vez de él; éste desaire desencadenó la ruptura de las relaciones de Wallis con el estudio en abril del mismo año. Sin embargo, llama la atención que no obtuviesen la estatuilla ni Humphrey Bogart al mejor actor, ni Claude Rains al mejor actor de reparto – cuyo trabajo fue calificado por Henraid, ni el Óscar a la mejor fotografía para Arthur Edeson (en blanco y negro), ni a la mejor banda sonora para Max Steiner, ni al mejor montaje para Owens Marks. 
Otros reconocimientos que ha recibido la cinta son la inscripción en el National Film Registry, ranking que recoge las mejores películas de la historia, y la nominación por la alta calidad de su edición en DVD a los premios DVD Exclusive del año 2003 por su 60th Anniversary Special Edition. 
En 1989, Casablanca fue seleccionada por el National Film Registry para ser preservada en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, por ser «cultural, histórica o estéticamente significativa». Ocho años más tarde, en 1997, el American Film Institute, tras consultar a mil quinientos expertos de la cinematografía estadounidense, colocó a la adorable Casablanca en sus listas como la segunda mejor película estadounidense de todos los tiempos detrás tan sólo de la grandiosa Ciudadano Kane. Este estatus fue ratificado en la revisión que el Instituto hizo en 2007, cuando se colocó en tercer puesto. Hace unos años, en 2005, fue calificada como uno de «los 100 más grandiosos filmes de los últimos 80 años» por el sitio web de la revista Time (los filmes seleccionados no están colocados en un orden específico), o en 2006, la sección oeste del sindicato Writers Guild of America que agrupa guionistas de cine y televisión así como a empleados de la televisión y la radio, eligió el guión de Casablanca como el «mejor de todos los tiempos» en su lista de Los 101 mejores guiones 

El filme es tan popular debido a que «la gente en ella es muy buena». Considerando que es un héroe de resistencia, Laszlo es notoriamente el más noble de todos y eso a pesar de que su personaje es tan cuadrado que puede llegar a ser difícil de creer. Los otros personajes no están, según Behlmer, «hechos de una vez para siempre»: su buen corazón se va revelando a lo largo de la trama. Renault es un caso ejemplar: en la historia comienza siendo un colaborador más de los nazis, extorsionando a los refugiados a cambio de favores sexuales y matando a Ugarte. Rick, según el mismo Behlmer, no es «ni un héroe... ni un villano»: hace lo mínimo indispensable para hacer su vida frente a las autoridades y «no se arriesga por nadie». Incluso hasta a Ilsa, la menos activa de los personajes principales, se le ve «atrapada en dificultades emocionales» al cuestionarse sobre a qué hombre ama realmente. Al final de la película, no obstante, «todo el mundo se sacrifica». 
Los críticos han analizado a Casablanca desde muchas y alucinantes perspectivas. William Donelley describe cómo la relación entre Rick y Sam, y posteriormente entre Rick y el Capitán Renault, es «un caso típico de la homosexualidad reprimida que subyace en la mayoría de las historias de aventura estadounidenses». 
Harvey Greenberg hace una lectura freudiana de la cinta según la cual las transgresiones que le impiden a Rick retornar a los Estados Unidos se deben a un complejo de Edipo, el cual sólo es resuelto cuando Rick comienza a identificarse con su padre en la figura de Laszlo y la causa que él representa. A estas propuestas interpretativas Sidney Rosenzweig contesta diciendo que se trata de lecturas reductivas y que el aspecto más importante del filme es la ambigüedad, sobre todo en Rick; para esto cita los diferentes nombres que cada personaje le da a Rick (Richard, Ricky, Señor Rick, Herr Blaine y así por el estilo) como evidencia de los muchos significados que tiene para cada persona.
De todas maneras Casablanca ha sido referencia para muchas obras artísticas posteriores, que han tomado algunos o muchos elementos de la película de Curtiz; dese la parodia marxista, la de los hermanos evidentemente, hasta las dramáticas. Entre estas influencias cabe mencionar Pasaje para Marsella, la película reúne a Bogart, Rains, Curtiz, Greenstreet y Lorre en 1944 o entre Entre las parodias, la primera fue la de los Hermanos Marx en Una noche en Casablanca (de 1946). También se cuenta la obra de Woody Allen, Sueños de un seductor (de 1972); o en Agárralo como puedas 2 1/2 parodian la escena del bar. En la serie estadounidense House una conversación que mantiene House con una de sus pacientes que estaba enamorada de él, en el segundo capítulo de la tercera temporada, es prácticamente la misma que tuvieron Rick e Ilsa al final de la película. 
Hay muchas similitudes entre Casablanca y dos filmes posteriores en los que participa Bogart, Tener y no tener y Sirocco. 
Steven Soderbergh rinde homenaje a Casablanca con El buen alemán, un filme en blanco y negro que se ubica en el Berlín de la postguerra. La película finaliza con una escena entre dos viejos amantes (interpretados por George Clooney y Cate Blanchett) en un aeropuerto. El póster de la película es una imitación del de Casablanca. 

Las frases del guión también han influido en otras obras, por ejemplo, en el título de Sospechosos habituales (The Usual Suspects, de 1995). En Cuando Harry conoció a Sally, Billy Crystal y Meg Ryan conversan por teléfono mientras cada uno ve Casablanca en cama. Ambos hacen referencia a la última frase de la película como la mejor frase de todos los tiempos. Muchas de las líneas del guión de Casablanca han quedado grabadas en los cinéfilos de todo el mundo. Entre éstas podemos contar las siguientes el famosísimo «Tócala otra vez, Sam» («Play it again, Sam», en inglés). Ésta es una de las frases más ampliamente asociadas con la película y, sin embargo, se trata en realidad de una cita errónea, la cual es en realidad el título original de la película Sueños de un seductor, de Woody Allen (en 1972). En Casablanca, estando Ilsa por primera vez en el café, se da cuenta de que allí está Sam, el pianista, y le pide: «Tócala una vez, Sam, en recuerdo de los viejos tiempos» («Play it once, Sam, for old times' sake» en inglés). Entonces él finge ignorarla y ella le ordena «Tócala, Sam. Toca A medida que el tiempo pasa» («Play it, Sam. Play As time goes by », en inglés). Más tarde esa misma noche, al estar Rick y Sam solos, Rick le solicita que la vuelva a tocar: «Tú la tocaste para ella y la puedes tocar para mí» («You played it for her and you can play it for me», en inglés) y «si ella puede soportarla, ¡yo también puedo! Tócala! » («If she can stand it, I can! Play it!», en inglés). 

En total seis frases de esta película, según dicho Instituto, aparecen en sus listas como las líneas de cine más citadas en Estados Unidos, muchas más que cualquier otra película, por ejemplo más que Lo que el viento se llevó y El mago de Oz, las cuales cuentan con sólo tres frases cada una. Las otras citas que aparecen en las listas son «Louis, creo que este es el principio de una gran amistad» («Louis, I think this is the beginning of a beautiful friendship», en inglés), con el puesto 20; «Tócala, Sam. Toca 'el tiempo pasará'»(«Play it, Sam. Play 'As Time Goes By'») en el lugar 28; «Capturen a los sospechosos de siempre» («Round up the usual suspects», en inglés), en el puesto 32; «Siempre nos quedará París» («We'll always have Paris», en inglés) en el lugar 43; «De todos los bares en todos los pueblos en todo el mundo, ella entra en el mío» («Of all the gin joints in all the towns in all the world, she walks into mine», en inglés) en el puesto 67. Otra frase digna de mención sería la de Rick recordando el día que se conocieron en París: «Los alemanes iban de gris y tú ibas vestida de azul» («The Germans wore gray. You wore blue», en el original).

Curioso es igualmente la historia del doblaje en España. El personaje principal luchó en el lado republicano en la Guerra Civil Española pero en el primer doblaje de España esta referencia se suprimió debido a la dictadura de Francisco Franco, ya que el estreno fue en 1946. Igual pasa con la referencia al combate en Abisinia contra las tropas fascistas. En doblajes posteriores ya se hizo mención a la actividad de Rick con la II República y con Abisinia. A este respecto, existen tres diferentes doblajes de la película al español: el original, otro de 1966 y otro de 1983. 
El doblaje más conocido está lleno de errores de traducción y provoca, entre otras cosas, que se pierda la frase «Here's looking at you, kid», que como ya se mencionó sería considerada a la postre como una de las mejores de la historia del cine. 
De todas maneras hay mucha verdad verdad y mentira sobre Casablanca. Por lo pronto, el Rick´s Café Americain era un cabaret imaginario, pero, en la actualidad, parece ser que existe un Rick's en Casablanca, y está decorado como el de la película. La película se filmó íntegramente en Hollywood, en estudios. Pero los turistas que visitaban Casablanca pedían la ubicación del bar de Rick, que no existía. Posteriormente el municipio construyó dos bares frente a la plaza: el Rick's café, y el Blue Parrot café o Bar.

El filme tiene varios defectos lógicos, de los cuales el más notorio es acerca de las «cartas de tránsito» que permitirían a los portadores abandonar el territorio de la Francia de Vichy. No queda claro si Ugarte dice que las cartas han sido firmadas por el general del ejército francés de la Francia de Vichy Maxime Weygand o por el general Charles de Gaulle, líder de la Francia Libre. Parte de la confusión se origina por la diferencia entre lo que está escrito y lo que se dice. El audio claramente menciona: «De Gaulle» y los subtítulos en inglés del DVD oficial escriben: «De Gaulle». Pero la versión francesa escribe «Weygand». Weygand había sido el delegado general de Vichy para las colonias norteafricanas hasta un mes antes de la fecha en que se produce el filme. En cambio, De Gaulle estaba en ese momento a la cabeza del gobierno de la Francia Libre y era el enemigo del régimen de Vichy que controlaba Marruecos. De hecho, una corte marcial condenó a De Gaulle el 2 de agosto de 1940 por traición in absentia y lo sentenció a purgar su pena en prisión. Estando así las relaciones entre los dos bandos enemigos, parece ilógico que una carta firmada por De Gaulle produjera algún beneficio. 
En un caso de auténtico MacGuffin, las cartas de libre tránsito fueron inventadas por Joan Allison para la obra de teatro original y por eso nunca se cuestionó sobre su viabilidad en la vida real. Es más, incluso en la cinta misma, Rick le sugiere a Renault que las cartas no permitirían la salida de Ilsa, dejando solo a Laszlo: «La gente ha sido retenida en Casablanca a pesar de sus derechos legales». 
Asimismo, aunque Laszlo asevera que los nazis no pueden arrestarlo debido a que «esto es todavía una Francia no ocupada; cualquier violación a la neutralidad se proyectaría sobre el capitán Renault», Ebert señala que «no tiene sentido que él pueda andar caminando por allí libremente... Hubiera sido detenido en cuanto fuese visto». Ante esto, otros, como Harmetz, sugieren que en realidad a sabiendas Strasser le permite a Laszlo moverse libremente, con la intención de que suelte los nombres de los líderes de la Resistencia en la Europa ocupada a cambio de que a Ilsa se le permita salir para Lisboa. 
Entre los errores se cuenta además una versión equivocada de la bandera del Marruecos francés. Renault afirma que estuvo «con ellos [los estadounidenses] cuando ‘metieron la pata’ en Berlín en 1918», pero la capital germana no fue tomada en la Primera Guerra Mundial, como tampoco ninguna tropa alemana uniformada puso un pie en Casablanca durante la Segunda Guerra Mundial. 
Son muchos los que afirman que la ciudad descrita era en realidad la internacional y cosmopolita Tánger. Hubo también errores de continuidad inevitables. Por ejemplo, en la escena en la que Rick deja París a bordo del tren. Allí se aprecia con claridad que su abrigo se empapa por la lluvia abundante; pero en cuanto pone un pie sobre el tren súbitamente aparece seco. 
La actitud de Curtiz ante estos detalles fue simple: decía «lo hago ir tan rápido que nadie se da cuenta». Cuando la gente salía de los cines de ver la película, pedía una continuación. Aunque la Warner Bros. se lo pensó, el productor David O. Selznick dijo que no prestaría a Bergman para una secuela.


jueves, 22 de noviembre de 2012

Calma, calma pedía Tully Crow


Tres nombres: John Wayne, Elmer Berstein y Michael Curtiz y antes de ver el título ya me habían decidido. Era una opción clara, tras el título, Los comancheros, estaba seguro. Y no me equivocado. Es la primera película que veo en el canal Energy. 
Los Comancheros es un western del año 1961 procedente de EE. UU., dirigido por Michael Curtiz (que sería su última película) y protagonizado por John Wayne. 
El guión parte de una novela de Paul Wellman, pero lo firman James Edward Grant y Clair Huffaker. La música es de uno de los grandes, grandísimos creadores de música para western, el gran Elmer Bernstein. La fotografía de William H. Clothier con hermosos paisajes aparentemente texanos (realmente de Utah – Castle Valley, Río Colorado, Montañas La Sal, Dead Horse Point, Kings Bottom y Professor Valley en Moab- y Arizona - Red Rock Crossing-. 
La producción de este filme de 107 minutos pertenece a la 20th Century Fox. Los protagonistas de la película son John Wayne en el papel de jefe de los rangers de Texas Jake Cutter / Mc Bain, Stuart Whitman como el monsieur Paul Regret; Ina Balin como Pilar Graile; Nehemiah Persoff como Graile; Lee Marvin como Tully Crow; Michael Ansara como Amelung; Patrick Wayne como Tobe; Bruce Cabot como Mayor Henry; Joan O'Brien como Melinda Marshall; Jack Elam como Caracaballo , un Comanchero; Edgar Buchanan como Juez Thaddeus Jackson Breen; Henry Daniell como Gireaux y Richard Devon como Esteban 

El capitán Jake Cutter (John Wayne) es un ránger de Texas. Inicialmente lo encontramos con la misión de detener a Paul Regret (Stuart Whitman), un particular francés buscado por la justicia por el asesinato en Alabama del hijo de un oficial del ejército. 
El capitán Jake lo encuentra en un barco de vapor y lo detiene en Galveston con el fin de llevarlo de un estado a otro, dada la colaboración entre miembros de la justicia y defensores de la ley de algunos estados del sur y el Estado de Texas, en ese momento independiente. Mientras que se encaminan a su destino Jake pasa por su antiguo rancho que vendió tras la muerte de su mujer dos años atrás. Allí descubre que el rancho ha sido asaltado por Comanches. 
Tras dar entierro Monsieur Paul a los asesinados, éste aprovecha la pala para anular a Jake que cae conmocionado al suelo. Paul Regret huye. Jake regresa a su condado en Texas e informa de llo acontecido con los comanches. Está absolutamente convencido de que los comanches están siendo ayudados logísticamente por hombres blancos, por comancheros, que le entregan armas y bebidas a cambio de lo robado en los ranchos. 
Efectivamente, momentos más tarde Jake es informado de que un comanchero ha sido detenido. Su nombre Ed McBain, un antiguo delincuente que estuvo preso en Yuma y que se arrepiente de sus actos. Tras la información recibida por Ed, decide Jake pasarse por McBain y va a la cita que el auténtico McBain tenía concertada por otro comanchero:Tully Crow. 

Tully Crow sólo sabe que se encontrará con un hombre llamado McBain y que a cambio de un carromato de dinero le entregará una partida de rifles para los indios. Crow (Lee Marvin) se siente seguro con McBain aunque recela ligeramente. De ese momento es la frase de la película “Calma, calma, mucha calma” pronunciada por Tully Crow. 

Deciden beber unos wiskies al por mayor, y estando en el bar insiste en jugar una partida de cartas. Al llegar a la mesa Ed McBain reconoce a Paul Regret, aunque éste disimula que se conocen. La partida es absolutamente favorable para McBain lo que provoca la ira de Crow. Como McBain quiere abandonar la partida y dejar las cosas como están se levanta , pero Crow se niega con lo que sacan las armas. Paul Regret ayuda a McBain a dar muerte a Tully Crow.

A pesar de ello vuelve a detenerlo, cosa a la que Paul no se opone. Tras desenterrar las armas que el comanchero quería entregar a los indios deciden regresar a la ciudad. Durante el retorno paran en un rancho, el de la familia Schofield, en el que se han concentrado ayudantes del sheriff así como otros rancheros. La orden de Jake es que se refugien en la ciudad, sin embargo, el embarazo así como el inminente parto de la de señora Schofield lo posponen. 
Un ataque de los comanches precipita la situación. Los comanches que han ido con la intención de robar ganado asaltan la casa defendida por algunos Rangers, la familia Schofield y Jake y Monsieur Paul. Durante la refriega Paul parece huir en pleno ataque de los comanches, pero a la nada regresa acompañado de la compañía que hasta hace poco tiempo estaba en la granja Schofield. El final del ataque coincide con el nacimiento del pequeño que es llamado Paul en honor del salvador. 
A la llegada a su destino Jake decide dar libertad a Paul, para ello se reúne con un grupo de hombres de la ciudad y un abogado con el fin de declarar a su favor y darle la libertad. Así se hace. Tras ello el capitán de los vigilantes de Texas Jake Cutter (John Wayne) recibe la misión de descubrir en donde se ocultan un grupo de forajidos que le suplen armas y alcohol a los indios comanches, para ello continúa haciendo pasar por el contrabandista de armas McBain y además contará con la ayuda de Paul Regret. 
A lo lejos le sigue un joven colaborador de Cutter, Tobe (Patrick Wayne) que tiene como finalidad localizar la guarida de los comancheros.

Tras pasar por áreas desérticas logran contactar con los comanches que le llevan al refugio de los comancheros, una panda de maleantes encabezados por Graile (Nehemiah Persoff). Allí son recibidos con dudas puesto que son unos desconocidos y de inmediato son castigados. La cosa se agrava cuando uno de ellos reconoce a Jake Cutter como agente de la ley. Lo único a favor es que la hija del jefe de los comancheros, Pilar (Ina Balin), que conoce a Paul Regret del barco de inicio de la película, se encuentra enamorada del mismo. Ella convence a su padre de que los liberen ante la oposición de otros comancheros como Caracaballo (el feísimo y en este caso brutal Jack Elam), Michael Ansara (Amelung), Gireaux (Henry Daniell) o Esteban (Richard Devon). 

Finalmente logran escapar Jake, Paul, junto a Pilar y a su padre. Tras enfrentarse a los comancheros y a los comanches logran poner fin a la película. 
Luis Martínez y Augusto M. Torres, ambos en el Diario “El País" afirmaban que esta es “La última película del genial Curtiz se acomoda con holgura, precisión y muchísima acción a las mejores pautas del western.", aportando Torres que durante el montaje de este interesante western fue "murió Curtiz" después de dirigir cerca de 180 películas (casi 80 en Europa y el centenar restante en los EEUU), cuando el director húngaro Michael Curtiz tenía ya 73 años de edad. Ya estaba enfermo de cáncer, pero aceptó, quizás porque deseaba morir en un set cinematográfico, pues entre ellos, pasó la mayor parte de su vida. 
Aunque Curtiz logra el toque humano y pletórico de lucidez que le acompañó durante gran parte de su filmografía y el filme transcurre gratamente en un gran marco ambiental y con una fotografía completamente ajustada a los requerimientos de la acción, la cual tuvo que ser rodada, en gran parte, por el especialista Cliff Lyons ante el delicado estado de salud que padecía el director. Incluso, en algún momento del rodaje, Curtiz tuvo que ser brevemente hospitalizado y el actor John Wayne, quien consigue aquí un carácter bastante simpático, debió reemplazarlo en el set. 
El modelo de esta película es claramente fordiano: las madres de las casas bendiciendo a los recién egados; el espanto que produce el ataque de los indios; la amistad presentada con toques irónicos pero con buen humor; las "sociedades ocultas" vigilando el cumplimiento de la ley como la que encabeza Juez Thaddeus Jackson Breen (Edgar Buchanan), o esos amores que cuesta sacar como los de Jake con la bella Melinda Marshall (Joan O'Brien), o Paul y Pilar. 

Contiene al igual que las películas de Ford una buena fotografía, hermosos paisajes y buena banda sonora, todo ello con golpes de humor y buenas escenas de acción. Señalar el papel de Stuart Whitman, actor que con el tiempo terminó injustamente relegado a trabajar en películas de ínfima calidad o el breve pero intenso papel de Lee Marvin.
Los oscarizados John Wayne y Lee Marvin participaron juntos en tres películas, clásicos del celuloide, “The Comancheros” (1961), “The Man Who Shot Liberty Valance” (1962) y “Donovan's Reef” (1963). De cualquier manera destaca la relación que comparte el capitán Jake Cutter, un hombre recio con corazón blando, con su prisionero Paul Regret un jugador acusado de matar en un duelo al hijo de un oficial, tiene todos los matices y el encanto suficiente para dejar sentada una amistad inolvidable. Incluso, el carácter femenino encarnado por la bella Ina Balin como Pilar Graile, da cuenta de una mujer que sabe lo que quiere y que sabe hacer lo suyo para volverse irresistible. Patrick Wayne, segundo hijo de John Wayne, se inicio en el cine bajo la sombra de su padre cuando filmó nueve películas con su progenitor.Creo que participó otra hija del actor, la pequeña Aissa Wayne como la hija de Melissa Marshall, Bessie. 
En cuanto al guión muy bien elaborado con acertados toques de humor ayudado por la magnifica banda sonora del maestro Elmer Bernstein que es majestuosa y digna de un Western de mejor factura y un argumento que tiene francamente todo lo necesario para un gran western, hasta tiene contrabandistas. Las escenas de tiroteos están rodadas con mucha precisión y dinamismo de forma que la película gana puntos y estas escenas están magníficamente combinadas en la película estando en el momento preciso la acción y en el momento preciso el diálogo y en paisajes preciosos.
De lo mejor del film es la fotografía en Cinemascope. Rodada casi toda ella en escenarios naturales exteriores, tiene planos y secuencias de alta nivel fotográfico y cinematográfico, lo cual en un Western es siempre de agradecer. 
El comanchero era sobre todo el comerciante mexicano del norte y centro que hizo su vida negociando con las tribus nómadas de los llanos, en el noroeste de Nuevo México y el oeste de Tejas. Los Comancheros eran así nombrados porque los Comanches, en cuyo territorio negociaban, los consideraban sus mejores clientes. Negociaron productos manufacturados (herramientas y paños), la harina, el tabaco, y el pan para las pieles, el ganado y los esclavos del Comanche. 
Existen algunos errores o anacronismos. Por ejemplo, Jake Cutte se muestra usando una insignia Texas Ranger, aunque estas credenciales no fueron introducidas hasta 1880, 37 años después del año de la historia de la película tiene lugar (1843).Algo parecido ocurre con algunas armas como el Colt que aparece que es del año 1873, algún rifle del año 1860, y unos rifles Winchester modelo 1892. Las armas del periodo correcta son las de un solo tiro de cabeza de percusión o las pistolas de duelo usadas ​​en la escena de apertura. 
Otro error lo encontramos cuando el Mayor Henry menciona que Ed McBain pasó 5 años en la Prisión Territorial de Yuma, pero en 1843 Arizona era parte de México, así que no había Prisión Territorial de Yuma entonces y no lo será hasta la guerra mexicana-americano, en 1848. La Prisión Territorial de Yuma fue inaugurado en 1876, mientras que Fort Sill fue establecida por primera vez en 1869.Algo parecido ocurre con Fort Sill, más tardías y que tienen lugar algo más tarde de la independencia de Texas. 
Después existen los típicos errores de raccord. Por ejemplo, cuando Pat Schofield sale de la casa con el bebé en sus brazos y llama a sus amigos, el bebé está completamente cubierto, tras la siguiente toma aparece la cara del bebé en primer plano y en la siguiente toma el bebé está todavía completamente cubierto. En el interior del barco, Regret está durmiendo en la cama. De pronto, en la sombra proyectada en la pared detrás de la cama, vemos la puerta se abre y aparece la imagen de Cutter. La siguiente toma muestra a sí mismo Cutter y su sombra en la puerta de su mano izquierda. En otro momento cuando Paul Regret golpea inconsciente a Jake Cutter con una pala, lo tira al suelo, y se escapa. Cuando Jake se despierta más tarde la pala está en el lugar camino opuesto, el mango y su final se han intercambiado. Igualmente cuando Regret golpea a Jake con la pala, se flexiona la pala porque es de goma. En la escena del bar Tully Crow (Lee Marvin) le pide al camarero una botella de wiski "del bueno". El camarero sostiene una botella de whisky con su mano derecha. Crow, al no creerlo , se enoja y tira la botella y se rompe. La vista de la cámara cambia a una cabeza de venado disecada en la pared, a la que también dispara Crow. A continuación, la cámara vuelve al camarero, pero él está de pie allí con la misma botella de whisky en la mano derecha - botella está intacta. En la escena de la batalla final, Amelung cae del carro con las manos atadas detrás de su espalda. A medida que cae, coloca sus manos hacia delante para agarrarse luego rápidamente y luego las coloca detrás de él de nuevo. 

Existen errores de emplazamiento del equipo, por ejemplo, cuando Jake y Regret están siendo escoltados al escondite Comanchero, en la esquina inferior derecha de la escena hay un camión y remolque estacionado en el fondo. 
También existen errores geográficos. Nos encontramos con un barco fluvial del estilo de los de Mississippi, pero el entorno es el océano visible cuando hablan en cubierta. Llamativo también es que en las cercanías de Galveston o su Bahía esté tan cercano el desierto. El desierto más cercano a Galveston está al menos a 400 kilómetros, y nada en Texas parece el desierto en la película. 
Estos errores no hacen a esta película un western menor. Lo dicho no era calma, calma, mucha calma lo que hemos visto, sino el acierto de elegir cuando hay un buen actor, un buen músico y un gran director que prometían una buena película, y así ha sido.

miércoles, 21 de noviembre de 2012

Algo más que Justin Chang


Habitualmente empiezo con una breve reflexión sobre la película vista anoche. Por el contrario hoy voy a empezar por las declaraciones de Justin Chang en la revista Variety que afirmaba que la película Doom era "En realidad no es tan mala. (...) Es un cruce mutante entre un thriller biotecnológico y una película de zombies". 

No creo que sea tan mala, puede que sea algo peor. Invita al sueño y no hay peor que una película de acción te duerma. Ayer en determinados momentos lo consiguió. 
Doom es una película de 2005 de terror y acción escrita por David Callaham y Wesley Strickand y dirigida por Andrzej Bartkowiak. Se basa libremente en la serie de videojuegos del mismo nombre creado por id Software, aunque el guión es escrito por David Callaham y Wesley Strick. Un guión fue sometido a id Software y aprobado, John Wells (productor de ER) y Lorenzo di Bonaventura (quien presenta la matriz de Warner Bros.) habían firmado en 2003 para trabajar en la película Doom. Los storyboards fueron diseñados por Federico D'Alessandro, quien ha trabajado en varias películas, videos musicales, y las cubiertas de videojuegos y anuncios. En 2004 Variety informa que Warner Bros ha perdido los derechos de Doom y los estudios Universal ha adquirido los derechos. Variety informa igualmente que la película Doom se basará en el juego Doom 3 
Ese mismo año se hablaba de que la película sería rodada en Praga en el invierno de 2004-2005. Se preveía que la película se estrenará en agosto de 2005. El 15 de septiembre 2004 Variety y The Hollywood Reporter informa que Karl Urban ha sido elegido para la película Doom como John Grimes desvela igualmente que Enda McCallion ha abandonado el proyecto y que será un director polaco, Andrzej Bartkowiak, el que ha firmado para ser el director. 
También se difunde que Universal Pictures está hablando con The Rock en relación con un papel en la película Doom. Días más tarde, Hollywood Reporter informó que Universal Pictures ha presentado a Rosamund Pike como la científico llamado Samantha para la película. Finalmente se estrenará en la semana del 20 de octubre de 2005. 
El proyecto fue producido por Lorenzo di Bonaventura, Laura Holstein, John D. Schofield, Jeremy Steckler, John Wells (productor ejecutivo) y la empresa id Software a través de las productoras John Wells Productions / Di Bonaventura Pictures. Para ello invirtieron 60 millones de dólares ($), aunque los resultados no fueron muy satisfactorios, pues su recaudación casi alcanzó los 56 millones de dólares. La distribución de la misma fue llevada por la Universal Pictures para los EE. UU y Canadá y la United International Pictures para el resto del mundo. 
Los derechos de la película estaban en manos de la Universal Pictures y de Columbia, pero la propietaria id Software, al no ver ejecutado el proyecto, los vendió en 2003 a la Warner Bros., con la estipulación de que la película se realizaría en un plazo de 12 meses. Pero la mala suerte continuó y la Warner Bros perdió los derechos, que fueron regresaron a la Universal Pictures que comenzó la producción en 2004. 
En una entrevista con el productor ejecutivo John Wells, señaló que se acordó la continuidad del proyecto con una segunda película si la primera fue un éxito en la taquilla. Pero como hemos visto se vino abajo el proyecto. La ​​venta de entradas para el primer fin de semana fue de más de EE.UU. 15,3 millones de dólares ($), pero cayó rápidamente a 4,2 millones de dólares ($) en su segunda semana. La música es obra de Clint Mansell, mientras que la fotografía lo fue de Tony Pierce-Roberts. La edición y montaje estuvo a cargo de Derek Brechin. 
La película está protagonizada por Karl Urban como John "Reaper" Grimm ; Dwayne "The Rock" Johnson, como el sargento; Rosamund Pike como la Dra. Samantha Grimm, Deobia Oparei como sargento Roark "Destroyer" Gannon, Ben Daniels como el cabo Eric "Goat" Fantom, Raz Adoti como el sargento Gregory "Duke" Schofield: Richard Brake como el cabo Dean Portman: Al Weaver como Mark Privado "The Kid" Dantalian: Dexter Fletcher como Marcus "Pinky" Pinzerowski, Brian Steele como Hell Knight (Baron of Hell) / Stahl Curtis. Yao Chin como soldado de primera clase Katsuhiko Kumanosuke "Mac" Takahashi, Robert Russell como el Dr. Todd Carmack, Daniel York como teniente Hunegs: Ian Hughes como Sanford Crosby, representante de relaciones públicas UAC; Sara Houghton como Dra. Willits Jenna: esposa del Dr. Willits; Vladislav Dyntera como el Dr. Steve Willits; Doug Jones como Carmack.

La película sigue a un grupo de infantes de marina del escuadrón táctico llamado de Respuesta Rápida en caso de emergencia a Marte en una misión de rescate y recuperación después de las comunicaciones con el centro de investigación Olduvai en Marte hayan dejado de funcionar horas antes. Los marines pronto se enfrentarán a una legión de monstruos demoníacos que plagan las instalaciones. 
En Marte en el año 2046, en el Centro de Investigación Olduvai, la Union Aerospace Corporation (UAC), los científicos serán atacados en la oscuridad por un monstruo invisible. 
El Dr. Carmack (Robert Russell) transmite una advertencia acerca de un fallo de seguridad de nivel 5 antes de que la puerta quede abierta. Se da la vuelta y ve a una criatura humanoide grande a través de la brecha. En la Tierra, un equipo de ocho Marines - (Sarge, Reaper, Duke, Destroyer, The Kid, Portman, Cabra y Mac) conocidos como los luchadores del infierno (RRT Escuadrón Táctico de Respuesta Rápida) se están preparando para ir de vacaciones. Su licencia se cancela cuando el líder del escuadrón, Asher "Sarge" Mahonin (Dwayne "The Rock" Johnson), recibe nuevos ordenes. 
El contacto con Olduvai se ha perdido y los RRTS son enviados a investigar. La estación de Marte se pone en cuarentena y a los 85 empleados de la UAC en Marte no se les permite regresar a la Tierra. Desde un primer momento somos conocedores de que uno de los integrantes de la UAC John "Reaper" Grimm (Karl Urban) perdió a sus padres allí y el Sargento le pide que no vaya. Sin embargo, Reaper- que abandonó su formación científico y se unió a las fuerzas armadas para olvidarse de este desastre personal- desea ir pues su hermana todavía está en la estación. Reaper se adapta de todos modos, y su equipo se despliega a Marte a través de un dispositivo de teletransporte llamado el "Arca", ubicado en el Área 51. 
El arca fue descubierta en 2026, y los científicos la han estado estudiando. El equipo se encuentra con una de las primeras víctimas del sistema Ark, Pinky (Dexter Fletcher), que "fue a una galaxia, mientras que su culo fue a otro", durante un evento de teletransporte Arca (la parte inferior del torso es ahora un motor de dos ruedas). 
Tras esto se reúnen con la Dra. Samantha Grimm (Rosamund Pike), la hermana de Reaper. Ella informa a los RRTS que el doctor de la división, Dr. Carmack ha desaparecido en la instalación dedicada a la investigación genética y que ha sido puesto en cuarentena en el interior de la misma. Quedando Carmack y cinco otros científicos sellados dentro. 
Sarge ordena a su equipo que su misión es eliminar la amenaza, proteger las instalaciones y recuperar propiedad de UAC. La doctora Grimm entrará en el laboratorio de genética con el equipo para recuperar los datos de investigación de Carmack. Reaper conversa con su hermana y se entera de que descubrieron restos humanoides en Marte, y que, a diferencia de los humanos- tenemos un par 23-, los localizados tienen un par de cromosomas extra -24- que les otorgaba invulnerabilidad a la enfermedad, así como la regeneración celular avanzada. 
El equipo localiza a Carmack, que se ha vuelto loco hasta el punto de arrancarse la oreja. Lo devuelven al laboratorio y Grimm lo seda. 
Los infantes de marina exploran mientras la instalación, encontrándose con dos de los cinco científicos restantes, descubriendo que han sido transformados en zombies, obligándolos a matar. Después de detectar y perseguir a una criatura grande a través de la instalación, el equipo sigue en la red de alcantarillado, el descubrimiento de la bata ensangrentada del Doctor Steve Willits. 
Mientras que el equipo se divide, un miembro del equipo (Ben Daniels) es herido mortalmente en su garganta antes de ser asesinado por Reaper y llevado a la Dra. Grimm.

A pesar de los mejores esfuerzos de los RRTS, muere en el laboratorio. En respuesta al evento, el oficial al mando ordena a los 85 trabajadores de la planta que evacuen la instalación y que marchen a la Tierra a través del Arca con la excepción del Dr. Grimm y Pinky, siendo esta última para guardar el Arca. 
Después de que las evacuaciones se han completado, Duke (Raz Adoti) se mantiene con el Dr. Grimm mientras ella examina los restos obtenidos. Sin embargo, los del doctor Carmack han desaparecido de la enfermería. Momentos más tarde, fuera del laboratorio son atacados por un ser que logra herir ligeramente a Duke. La Dr. Grimm cierra un nanopuerta con la criatura en medio, manteniéndola viva. 
Poco después, la Dra. Grimm lleva a cabo una autopsia del difunto y descubre que una vez fue humano. Un segundo más tarde Duke observa que el ser ha regresado a la vida como un zombie y se ha liberado de la bolsa de plástico que lo contenía. Mantiene todavía una pizca de su humanidad y consciente de que está pasando golpea violentamente su cabeza contra la ventana de la sala de observación para suicidarse más tarde. 
Mientras tanto, el resto de los RRTS regresan al laboratorio de genética y comenzar a explorar el lugar arqueológico en la instalación. En una de las cavernas, el equipo descubre los cuerpos de dos de los científicos, más Carmack, dejando sólo el doctor Willits todavía en paradero desconocido. 
Mientras Sarge y Reaper examinar los cuerpos, Mac (Yao Chin) es emboscado y decapitado inmediatamente por un monstruo humanoide. Convencidos de que el equipo va a necesitar algo de potencia de fuego adicional para matar a la criatura, Sarge usa la mano cortada de uno de los científicos y toma la Pistola Bio Force. 
Por otra parte, Portman (Richard Brake) deja su puesto para ir al baño, dejando a Destroyer (Deobia Oparei) solo. En realidad, Portman va contra las órdenes de Sarge de mantener cuarentena mediante el envío de una transmisión a la Tierra para pedir refuerzos RRT. 
Al mismo tiempo, Destroyer es atacado por es extraño ser de grandes dimensiones y arrojado a un pozo con paredes electrificadas utilizados como una celda. Los dos participan en una lucha cuerpo a cuerpo brutal antes Destroyer logra detener a ese ser contra la pared electrificada con un tubo grande, tratando de escalar una cadena que colgando del techo. Por desgracia, cuando llega a la parte superior, el ser se desata y tira de la cadena hacia abajo, causando a la muerte  de Destroyer al caer. 
Poco después de la pelea, concluye con éxito Portman envía su transmisión a la Tierra y es abruptamente atacado por el ser que procede a colgarlo boca abajo del techo y aplastar con violencia a través de las paredes del centro. Al tiempo que el resto de los RRTS llegar a ayudarlo él está muerto y Sarge dispara con el BFG antes de que se retire de nuevo y falla. 
Después de ser llevado el cuerpo de Portman y de Destructor, la Dra. Grimm determina que la genética de las criaturas ha sido alteradas por la adición del 24 cromosoma marciano, lo que llevó a sus mutaciones y que el cromosoma se transmite a los infectados. También revela que el ser atrapado a medio camino a través de la nanopuerta es de hecho el doctor Carmack, identificado debido a su falta de oreja. Se teoriza que algunos de los seres que les atacan son los doctores que faltan. 
El sargento pierde la paciencia con Grimm, y ejecuta a Carmack e interroga a ella por una explicación de su investigación. Después de revisar la investigación con los datos de Grimm y conseguidas las secuencias de video del laboratorio de Carmack, se descubre que Carmack y su equipo deliberadamente habían inyectado el cromosoma en un hombre llamado Curtis Stahl, un preso condenado por múltiples asesinatos antes de ser dado a la UAC en lugar de enfrentarse la ejecución. Las imágenes revelaron que Stahl se transformó en el Extraño Ser , que le llevó a romper suelto y matar / infectando al equipo de investigación. 
Con cuatro hombres eliminados, el equipo se reduce a Sarge, Reaper, The Kid (Al Weaver), y Duke. El equipo al darse cuenta de que el Ser está intentando llegar al Arca en un intento de escapar a la Tierra. El sargento da órdenes a Pinky para detonar una granada con el objeto de destruir el Arca y evitar que consiga llegar a la Tierra a través de ella. 
Sin embargo, Pinky no quiere y en su lugar se retira a través del Arca de vuelta a la Tierra y el Ser lo persigue. El sargento confirma que la misión ya no es la contención y las órdenes de los RRTS para regresar a la Tierra para eliminar el Ser. 
Reaper vuelve al laboratorio para salvar al Dr. Grimm, que revela que el genoma de las criaturas se adapta selectivamente a los humanos para infectarlos, ya que a todos no le afecta de la misma manera. Reaper y el Dr. Grimm tienen la teoría de que los seres examinan los marcadores genéticos para tomar su decisión, tratando de infectar a las personas con "malas" tendencias (como lo demuestra el uso de la materia cerebral Portman) haciendo caso omiso de los que tienen una "buena" personalidad. El Dr. Grimm explica que el cromosoma 24 podría convertir a la gente "buena" en súper humanos, como los restos encontrados en Marte, mientras que los que están "mal" se convierten en monstruos. 
Mientras tanto, el resto de los RRTS llegar al centro de UAC en la Tierra y lo encuentran lleno de cadáveres. Los investigadores de Olduvai y el personal de la base hayan sido sacrificados por el Ser cuando éste llegó. 
Con la instalación en automático esta se bloqueará para evitar que alguien se vaya, y los RRTS tienen una hora antes del cierre para impedir que las criaturas puedan escapar de las instalaciones. El sargento ordena a sus hombres que maten a cualquier cosa viva para evitar que la infección se propague, lo que lleva a una operación de limpieza a través de la instalación que les lleva a matar a un número considerable de empleados UAC – algunos vivos- y otros transformados en zombies. Sin embargo, el sargento que no muestra ninguna distinción entre objetivos e incluso mata a los sobrevivientes que no muestran signos inmediatos de la infección. Además de confirmar los cuerpos en las instalaciones están realmente muertos, Duke descubre Pinky escondido debajo de una pila de cuerpos y lo lleva de nuevo a la cámara de Arca donde Reaper y el Dr. Grimm están tratando de convencer al sargento de que no todo el mundo es susceptible de ser infectado por su genes "buenos". Éste no les hace caso y se prepara para ejecutar antes a Pinky. The Kid se precipita en la habitación, y señala que encontró con un gran grupo de seres humanos no infectados. 
El sargento da las órdenes de que regrese y matarlos pero el chico se niega, lo que acaba con su vida por insubordinación. Reaper se prepara para tomar represalias por el asesinato antes de Pinky apunta con una pistola al sargento, ordenándole que suelte el arma. Sin embargo, la presencia del Ser al entrar entra en la habitación, y agarrar a Pinky pone fin a la situación, huyendo en los pasillos con él a cuestas. 
Los RRTS intentan dar cazar a la criatura antes de que se ejecute directamente son atacados por una horda de zombis, y huyen. Duke se tira a través de una abertura en el suelo mientras que los zombies arrastran al sargento a través de la nanowall. En ese momento, la nanopuerta se cierra y Reaper es golpeado en el estómago por un rebote de su propio rifle. Los dos hermanos intenta huir de la zona y se atrincheran en un trastero. 
Para salvar la vida, la Dra. Grimm inyecta a Reaper el Chomosoma 24. En lugar de convertirse en un monstruo, Reaper despierta como un superhombre con mayor velocidad, fuerza y ​​capacidad de curación, su herida de bala y otras lesiones infligidas se han sanado. Después de la transformación descubre que la Dra. Grimm no se encuentra. A los pocos minutos, Reaper se mueve a través de la instalación y mata a una serie de zombies y diablillos, , enfrentándose igualmente con el Ser después de que lo quema severamente.
Reaper con éxito se las arregla para matar al Ser cuando detona una mina plantada a sus pies, volando en pedazos. Poco después, Reaper es atacado por Pinky, que ahora se ha transformado en un demonio tras la infección del ser. 
Después de una lucha intensa y brutal, Reaper se las arregla para incapacitar a Pinky con un motosierra y procede a rematarlo con su rifle. Tras ello Reaper surge en la salida de la instalación. Los cuerpos están esparcidos por todas partes, y hay un agujero azul derretido en la pared, la marca de la explosión de una BFG, sigue enfriándose. 
Reaper encuentra a la Dra. Grimm tirada en el suelo, herida pero viva. El sargento aparece entonces, y Reaper se da cuenta de que se encuentra en la misma situación que encontraron a Carmack. Cuando se le preguntó qué pasó con los sobrevivientes no infectados, sargento responde que "se hizo cargo de ese problema" - que los ha matado. Reaper dice a la Dra. Grimm que se arrastre hacia el ascensor a la superficie, decidido a no dejar salir al sargento de la instalación pues el cierre de la misma será a los pocos minutos. 
Tras ello comienza una lucha con sus habilidades sobrehumanas entre Reaper y el Sargento en la cámara Arca. Cuando el sargento logra atrapar a Reaper contra una pared, comienza la transformación del sargento con el desarrollo de características tales como una estructura del cráneo prominente, dientes afilados y ojos amarillos. Sin ninguna otra opción, Reaper activa el Arca y la tira a través de Sarge, seguido por una granada. El sargento y el arca explotan, mientras que Reaper recupera a la Dra. Grimm, quien está consciente pero no puede caminar, y sostiene en sus brazos en su regreso a la superficie de la Tierra. 

El productor de la película, John Wells, admitió en una entrevista que el equipo fue capaz de conseguir "un gran apoyo financiero de Universal" y que el producto no fue " barato". Wells también reveló que la película de Doom tendría un plano secuencia en una perspectiva en primera persona, porque "Doom sin eso sería un aborto involuntario de la justicia!" Wells también reveló que "todos estábamos muy preocupados de que nos aseguramos de que era exactamente el tipo de experiencia que nosotros [el equipo] recordado con tanto cariño del juego: apagar las luces a medianoche, el arranque hacia arriba y asustarte! " " Uno de los aspectos más destacables de la película es una secuencia corta cerca del final de la película en la que la cámara sigue el progreso de Grimm desde una perspectiva en primera persona en homenaje al juego original. En palabras de Karl Urban, el actor que interpreta a Reaper: "De alguna manera, hace que la historia del cine en que, por primera vez, el público se convierte en el héroe de la película." 
Lo cierto que “Doom” recibió críticas negativas por la mayoría por los críticos. Empezando por la de Roger Ebert en su periódico de Chicago _ the Chicago Sun-Times- , quien dijo que “"Doom tiene un gran plano. Justo al principio. Es el logo de la Universal. En vez de aparecer el planeta Tierra... (...) Voy a Marte: por tanto espero verlo. Ver "Doom" es como visitar Las Vegas y no salir de tu habitación del hotel. (...)”, pasando por la de Richard Roeper también ha declarado: "Las actuaciones son horribles, las secuencias de acción son imposibles de seguir, la violencia es gratuita, la iluminación es mala". Mike Clark en USA Today dijo que “Tiene unas cuantas sacudidas, unas pocas buenas risas y un atractivo personaje femenino a la que te gustaría decirle: ¿Qué hace una chica agradable como tú en un Marte como éste?” En 2009, la revista Time la califica como una de las diez peores películas de videojuegos. 
En España José Manuel Cuéllar en el Diario ABC afirmaba que era "Muy vulgar, todo suena a visto (...) Mucha acción y demasiada espera con mil armas, a cual más bestia. (...) . La respuesta de los fans de los videojuegos fue mixta. Decepción fue lo que muchos expresaron porque la película no seguía la trama del juego, ya que los juegos se refería a una invasión del infierno en vez de un virus, y por el fracaso de la película para reproducir lo más esencial del juego: la muerte de un gran número de enemigos. La película fue nominada para un premio Razzie al Peor actor (Dwayne Johnson), pero perdió frente a Deuce Bigalow: Gigoló europeo (Rob Schneider).