Historia de unos troyanos

Por el título podríamos pensar que estamos hablando de esas cosas extrañas que se meten en tu ordenador y que te pone de los nervios cuando ese antivirus que no sirve de nada detecta que tienen 40 de ellos y una amenaza de otras cosas, No pero por ahí no van estos troyanos. Yo hablo de esa historia que un día le dio a un alemán por reactivarla con mucho tino. Se estrenó en mayo de 2004 y yo daba, por aquel entonces, la materia de Cultura Clásica en un pueblo de mi provincia. El tema me interesaba, más aún, cuando los trailers de promoción me había impresionado, así que mi mujer y yo fuimos al cine y salimos del cine una vez terminada la sesión. Yo estaba alucinado con la nueva versión que narraba los conteceres que van desde el rapto de Helena por el incauto Paris hasta la destrucción de la ciudad situada en Asia Menor y que daba nombre a la película: Troya.

Troy, o sea, Troya  es una película estadounidense-británica que narra con caracteres épicos la historia del enfrentamiento entre el mundo aqueo y el troyano por el control del Helesponto. Bueno vale por el rapto de Helena y la lucha por el honor de Meleagro.

La película está dirigida por Wolfgang Petersen y está basada en el poema épico La Ilíada de Homero, pero incluye material de su continuación La Odisea de Homero, y de La Eneida de Virgilio. La película narra una historia protagonizada por Héctor, Paris y Aquiles, en la cual se enfrentan los troyanos y los helenos, e incluye la aparición del Caballo de Troya.

Wolfgang Petersen para su rodaje se rodeó de un impresionante equipo. En la producción estaba Colin Wilson, aunque el diseño de la misma fue de Nigel Phelps. Detrás estaba la Warner Bros. Pictures , Plan B Entertainment y Radiant Productions que se dejaron en la misma la friolera de 175 millones de dólares.

La distribución, afortunada, fue de la Warner Bros. Pictures y consiguió que la película recaudara casi 500 millones de dólares.

En el guión estaba nada más y nada menos que David Benioff. La música de marcada tendencia épica, como se leen muchas veces en los subtítulos, correspondió a James Horner. La magnífica fotografía fue de Roger Pratt, mientras que el montaje y el vestuario se encargaron a Peter Honess y Bob Ringwood, respectivamente.

Protagonizada por Brad Pitt como Aquiles, Eric Bana como Héctor, Orlando Bloom como el príncipe Paris, Sean Bean como Ulises / Odiseo, Diane Kruger como Helena, reina de Esparta, Rose Byrne como Briseida, la sacerdotisa de Apolo, Saffron Burrows como Andromaca, la esposa de Héctor, Brian Cox, rey de Micenas y hermano de Menelao como Agamenon y Peter O'Toole.

A estos se unen Vincent Regan como Eudoros, el general del ejército de los Myrmidones, Brendan Gleeson como Menelao rey de Esparta y marido de Helena, Garrett Hedlund como Patroclo , Tyler Mane como el gigante Ajaxrey de Salamia, John Shrapnel como el rey de Pylos Nestor, James Cosmo como Glaucus, comandante del Ejército Troyano, Julie Christie como Thetis, la madre de Aquiles, Nigel Terry Archeptolemus, el alto sacerdote de los troyanos, Julian Glover Triopasel rey de Tesalia, Frankie Fitzgerald que hace de Eneas y Ken Bones como Hippasus el consejero de Menelao.

Agrupando a todos tendríamos por la parte Aquea tendríamos a Agamenon (Brian Cox), Menelao (Brendan Gleeson), Helena (Diane Kruger) Nestor, rey de Pylos (John Shrapnel), Hippasus (Ken Bones), Polydora (Siri Svegler). A estos se le suman sus aliados y los Myrmidones como Aquiles (Bratt Pitt) , Thetis (Julie Christie), Patroclus (Garrett Hedlund), Eudoros (Vincent Regan), Ulises (Sean Bean), Triopas (Julian Glover, rey de Tesalia), Boagrius (Nathan Jones), Ajax (Tyler Mane).

Los troyanos está encabezados por su rey Priamo (Peter O'Toole), Hector (Eric Bana), Paris (Orlando Bloom), Andrómaca ( Saffron Burrows), Briseida (Rose Byrne), Glauco (James Cosmo), Eneas (Frankie Fitzgerald) y Archeptolemus (Nigel Terry). 

La hermAndad, serie B

Anoche aposté por una película española… y perdí. Sospechaba que era un producto de serie B y así fue. La película se llamaba La hermandad, un filme del año 2013, no muy larga, pues dura sólo 89 minutos.

Se trata de una producción española dirigida por Julio Martí Zahonero. Este señor es también el responsable del guión. La productora encargada de la película se creó al efecto la hermandad film, aunque el peso lo llevó The Green Star Films, s.l. Y en ella meten dinero desde el ICO hasta la Comunidad Valenciana. Los productores fueron Gema García, Ximo Pérez – que también participó como productor ejecutivo- y Pepón Sigler, además siendo éste director artístico.

En la producción ejecutiva además estuvieron Marifé de Rueda y Javier Ramírez y José Luis Rancaño como productor asociado. En la dirección Julio Martí Zahonero contó con la ayuda de Falele Ygueravide. La música fue labor de Arnau Bataller, mientras que la fotografía Miguel Llorens.

Del vestuario de sus escasos actores se encargó Miguel Carbonell – dudo que tuviese mucho trabajo, pues varios monjes, una chica, Sara, -la prota-, unos chicos y una periodista vista desde la televisión son los que hubo que vestir , poco más de diez personas.  

Encargado de montaje fue Miguel Ángel Villa, Vicens Betí del maquillaje, peluquería y efectos de maquillaje, de los efectos especiales Javier Horrillo, del sonido directo Daniel Soriano y Diego Moyano, jefe del tema eléctrico.

El reparto lo componen Lydia Bosch como Sara, Manuel Tallafé como el Hermano Abelardo, Felipe García Vélez como el Hermano Víctor, Alejandro Jornet como el Hermano Nicolás, Borja Elgea como el Hermano Pablo, José Luis de Madariaga como el Hermano Alessandro, José s. Isbert que es el Hermano Darío, Edu Bonet como el Hermano Bernardino, así como Joan Vidal como César.

Nada más empezar descubrimos a la protagonista, Sara. Vive en un apartamento oscuro y desordenado y aunque suena el teléfono, no hace por cogerlo. La voz en off del mensaje que le dejan le informa que ha de reunirse en breve plazo para un tema de trabajo.

Tras eso vemos a Sara llevando su coche por la noche, en una carretera sinuosamente digitalizada y boscosa en unas difíciles condiciones meteorológicas. Una llamada telefónica le advierte que no se meta por una desviación, que parece la que ella ha cogido. El choque de un ave, un cuervo,  sobre el parabrisas provoca un accidente.

Unas manos, aparentemente de un monje se ocupan de curar a Sara. Esas manos desinfectan las heridas de Sara, todavía ataviada con su caro y elegante vestido. Sara se despierta en la fría y silenciosa oscuridad de un apartado monasterio.

Allí vive una hermandad de monjes benedictinos que cumple estrictamente unos rígidos votos de pobreza y obediencia. El hermano Alessandro, que ha hurgado en el bolso, averigua que ella es una famosa escritora de novelas de terror y misterio.

Y nada más recobrar la chica la conciencia este monje le dice que ha tenido un grave accidente que le hará guardar cama durante algún tiempo. Cuando recupera la conciencia, se hace cargo de su nueva realidad: su pierna izquierda ha sufrido un terrible traumatismo y deberá guardar cama en lo que parece que es un alejado monasterio apartado de la civilización, pues no tienen contacto exterior excepto el correo que llega los viernes. Estamos , más o menos, a lunes en la película. La hermadad no tiene teléfono, ni electricidad, ni nada que les permita contactar con el mundo exterior.

La Hermandad que allí ejerce, una rama de los benedictinos que recibe el nombre de los... (no me acuerdo) sigue al pie de la letra sus más estrictas normas de pobreza y obediencia, brinda toda su ayuda a la nueva inquilina, que también guarda secretos como fue la muerte de su hija asesinada por su exmarido.

A medida que transcurren las dos primeras jornadas en las que Sara se halla, literalmente, atrapada entre los cuatro sobrios muros de su pequeña celda.

Muy pronto Sara empieza a sentir curiosidad al observar ciertos detalles comienzan a llamar su atención como las extrañas manchas en el techo, llantos infantiles en la oscuridad de la noche y, sobre todo, una vieja fotografía colgada en la pared en la que aparece un grupo de niños custodiado por dos monjes.

La curiosidad de escritora de Sara no tarda en hacerle reaccionar y, tras varias negativas por parte de los monjes de la existencia de niños en el interior del monasterio, ésta decide investigar por su propia cuenta tras sustraer la llave de la puerta de la celda a uno de los frailes, el hermano Pablo, el más joven de todos los monjes y encargado junto con Alessandro de la botica.

El recorrido nocturno de Sara por los pasillos y recovecos más recónditos del monasterio hielan la sangre de Sara pero ésta, completamente decidida a averiguar el origen de los llantos infantiles, se adentra entre las misteriosas estancias. Poco a poco, la escritora irá sumando nuevos descubrimientos que llaman poderosamente su atención.

A través de la cerradura de una de las puertas que permanecen cerradas logra avistar, por un momento, el rostro de un niño con una enorme cicatriz que le atraviesa la mejilla mirándole fijamente a sus ojos. El terror invade completamente el cuerpo de Sara.

A partir de este momento, las sospechas de que algo tenebroso esconden los monjes entre los muros del lúgubre edificio se acrecientan.

Tras unos días, y ya casi completamente recuperada, el hermano Víctor, prior de la orden, anuncia a Sara la imposibilidad de que éste abandone el edificio. Una fuerte tormenta que se alargará durante las próximas jornadas impide que el cartero, única comunicación con la ciudad, llegue hasta el monasterio, tal y como lo hace todas las semanas.

Encerrada, de nuevo, en su celda Sara decide llevar a cabo su investigación hasta el fondo del asunto. Los llantos infantiles no dejan de cesar durante la noche, extraños silencios en las conversaciones de los monjes elevan todavía más la desconfianza de Sara, nuevas presencias de niños tienen lugar entre los pasillos y el descubrimiento de un libro con datos y notas sobrecogedoras precipitan a la protagonista en busca de conclusiones.

Gran parte de las explicaciones vienen en ese escalofriante libro sobre la historia de la hermandad, las extrañas costumbres de los monjes, una cripta escondida...

Algo se mueve entre los muros del monasterio, algo terrible está sucediendo en aquel lugar, algo relacionado con aquella extraña Hermandad y en la que está involucrado el sufrimiento de unos niños, que de diversas maneras, han llamado la atención de Sara.

La vieja fotografía en blanco y negro con aquel grupo de niños, el libro sobre la Hermandad y algunas de sus costumbres relacionadas con una férrea y espeluznante educación infantil, la llevan a una cripta escondida bajo la pila bautismal del templo.

Un secreto que es descubierto por Sara y aclarado hasta el detalle por aquellos monjes que están en el lugar donde acabaron con los monjes educadores y que allí redimen sus penas por haber participado en tan macabro asesinato que dio lugar al fallecimiento de todos los hermanos que serán quemados en la iglesia por aquellos niños, hoy los monjes, a los que agredían salvajemente. Su intención es purgar los pecados de aquel lugar y que no quieran que nadie descubra sus secretos.

Ellos le piden silenciar la historia como victimas y verdugos, pero ella prefiere difundirla en un nuevo libro que la recupera como persona y como escritora, hasta que un día en casa recibe un nuevo ejemplar de la campanilla y del libro.

«La Hermandad» fue una película rodada en 2011 por el director valenciano Julio Martí Zahonero y fue la última película que pisó los estudios de cine alicantinos de Ciudad de la Luz. Aún, parece ser, se mantienen los decorados, que recrean este monasterio en el estudio 5 del complejo de cine. Allí en Aguarmarga, como en el monasterio, todo ahora es silencio que sólo es interrumpido, de vez en cuando, por los pocos trabajadores que siguen cobrando a pesar de la inactividad de los estudios.

Con un presupuesto de 3,7 millones de euros, «La Hermandad» fue rodada, casi en su totalidad, en los estudios de la Ciudad de la Luz, mientras que los exteriores corresponden al monasterio de Santes Creus de Tarragona.

En el largometraje el personaje de Lydia Bosch, que vuelve al cine trece años de su papel en «You are the One» de José Luis Garci, se mete en la piel de Sara.

La historia se le ocurrió al cineasta durante unas vacaciones en Italia. Estaba concretamente en un parque de la ciudad de Monza ("necesito viajar una vez al año", dice Martí Zahonero), cuando vio un edificio antiguo, un monasterio abandonado. Esa imagen se le quedó en la cabeza y a partir de ella redactó una primera versión del guión de la película. Estaba protagonizada por un hombre pero ya tenía el título y la trama principal. Una vez concluido el texto, Martí llevó el borrador del guión a Madrid, donde estuvo rodando por diversas productoras durante casi una década hasta que fue adquirido por Cisus Producciones que, circunstancias del negocio cinematográfico, acabaría abandonando el proyecto.

Esta compañía llevó el texto de vuelta a Valencia donde llegó a manos de Trivisión, productora de éxitos como la serie L'Alqueria Blanca (2007-2013) o La chispa de la vida (2011, Álex de la Iglesia). "En cuanto hicimos la primera lectura del guión, desde el primer minuto nos enamoramos de la historia", explica el productor Ximo Pérez.

Se inició entonces el proceso de búsqueda de financiación. Fue relativamente fácil una vez se obtuvo el apoyo del ICAA, que concedió 1,2 millones, aproximadamente un 30% del presupuesto final del largometraje que ha ascendido (incluyendo las copias y la distribución de la película) a 3,9 millones de euros.

Tras la ayuda estatal llegaron las del IVAC valenciano por dos vías: 150.00 euros en forma de ayuda directa a la producción y 480.000 euros correspondientes a las ayudas a rodaje por filmar en la Comunidad Valenciana.

La cadena pública valenciana RTVV, por su parte, adquirió los derechos de emisión por 100.000 euros. La hermandad se convertirá en otro largometraje más que nunca se emitirá por Canal 9 dado el ERE del pasado año y sus limitaciones técnicas.

La financiación se completó con la incorporación de la productora Gema García. Con un presupuesto cerrado de casi cuatro millones de euros, se buscó una actriz adecuada para encarnar a la protagonista.

Se pensó en un primer momento en Maribel Verdú pero, explica Sigler, "no hubo ni conversaciones". Cuando se estaban planteando posibles opciones, Martí propuso a Lydia Bosch. "Me encajaba perfectamente con lo que buscaba", decía este jueves el cineasta valenciano. Retirada del cine tras You're The One (2000, José Luis Garci). Bosch se sumó encantada al proyecto. La película le llegó cuando más lo necesitaba.

El rodaje comenzó en otoño de 2011. La inmensa mayoría de las secuencias se filmaron en estudio, de ahí la importancia que adquirieron los decorados. La responsabilidad recayó sobre Sigler, que posiblemente sea el mejor director artístico de la Comunidad Valenciana.

Dice Sigler que no tuvo problemas en entenderse con Martí porque él sí sabía lo que quería. Los decorados, que recrean un monasterio entre románico y gótico, son eficaces hasta el punto de convertirse en un segundo personaje.

Las contadas secuencias que se filmaron en exteriores fueron las que se grabaron en la Cartuja de El Puig y el Monasterio de Santes Creus en Tarragona.

El rodaje fue cómodo. Se respiraba tranquilidad. Así lo cuenta Alejandro Jornet, uno de los muchos secundarios que junto a Manuel Tallafé, Borja Elgea, José Isbert y el niño Joan Vidal, acompañan a Bosch. "Fue un rodaje muy agradable", insiste Jornet; "era todo muy tranquilo, muy cómodo". Terminaron de filmar el 23 de diciembre, en la Ciudad de la Luz de Alicante.

Tras las vacaciones navideñas llegó el proceso de postproducción y montaje. La estimación más optimista hablaba de que la película se estrenaría en 2013. No ha sido así por meses. También es cierto que había que esperar la música que tardó algo más de lo esperado.

Se grabó la banda sonora de Arnau Bataller, que fue interpretada por la gran orquesta del Liceu de Barcelona. Era la primera vez que esta formación musical registraba la música incidental de un largometraje.

Desde el primer montaje en Trivisión creyeron en las posibilidades de la película. No se efectuaron, de hecho, cambios significativos con respecto al guión que presentó Martí a las ayudas del ICAA y del IVAC.

Julio Martí Zahonero, director de la película, que decidió dedicársela sus abuelos dijo que “La Hermandad trata de huir de efectos especiales, del gore y de la sangre, para intentar profundizar en los miedos más ocultos que cada uno de nosotros, como seres humanos, tenemos.”

Satisfechos y contentos con el resultado final, desde Trivisión y Green Star iniciaron el arduo proceso de negociaciones para conseguir que se estrenase comercialmente el film. "Rodar una película es una heroicidad; estrenarla, casi un milagro", afirmaba Ximo Pérez. Y así fue, y en este 2014 se produjo el estreno en los cines Rialto de Madrid. 

La crítica ha sido crítica con la obra. E. Rodríguez Marchante del Diario ABC dijo de ella que "El director y guionista involucra el elemento sobrenatural con ese todo vale de la arbitrariedad del género y soluciona sus problemas de coherencia histórica de cualquier manera. Pero, en fin, hay mucha producción y mucha Lydia Bosch (...).

En Cinemanía Manuel Piñón afirmaba que " Sorprende el estupendo diseño de producción, que palia las carencias de un guión rutinario y algunos desajustes en la dirección de actores (...).

Yo, por mi parte, tengo que decir que estamos ante una película que ofrece poco y aporta menos. La película es, como dice Carlos Aimeur, un conglomerado de tópicos del cine de terror cuyo único punto fuerte es una lograda ambientación, en el que sobran las telarañas y una correcta puesta en escena. El guión es bastante flojo y su historia y atmósfera nos lleva a otras películas españolas como "El Espinazo del Diablo" o "El Orfanato", aunque está se sitúa muy por debajo de la de Bayona o del director mexicano.

Aquí buscamos y encontramos el susto fácil y la música de tensión repetitiva, que llega a ser estruendosa por sus constantes chirridos de puertas y portazos, miradas con doble sentido o excesivos golpes de efecto. Los sustos llegan a ser previsibles y fáciles como esas piernas que se ven tras la cama o esas sombras tras las columnas. Su guión es flojo de tal manera que en poco tiempo los monjes pasen de ser verdugos a víctimas u hombres incapaces.

Tiene, eso sí, un diseño de producción cuidado, con fotografía preciosista pero que abusa de los interiores. Tardamos muchos tiempo en ver como se rueda en exteriores. Pero la película, no nos engañemos, es mala por lo simple, lo insulsa y predecible que es, y ,  en todo caso el encanto que toda película de serie B. Sólo eso.

The final Countdown

Tras esperar un rato en una larga cola pude pasar al interior del cine Cabrera Vistarama, sito en la calle Julio Pellicer de Córdoba. Me disponía a ver lo que ahora se llama Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back , o lo que era en aquel momento El Imperio Contraataca. El cine lleno, a reventar. Y antes del inicio de la película diversos trailers entre los que vi podía estar la Guerra de Papá, y alguna más. Pero de lo que no me olvido que una de las películas que presentaban como de estreno inminente era El final de la cuenta atrás (The Final Countdown) . 

La traducción exacta de "The final countdown" sería "La última cuenta atrás", y no "El final de la cuenta atrás", que es como se tradujo en España esta película. Un error que se mantendría hasta 1986... con la canción del grupo sueco "Europe" ("The final countdown”). Este título que no implicaría nada, plantea en su interior una interesante pregunta que juega con eso que se llama las paradojas del tiempo ¿Se puede cambiar la historia? Y si se puede, ¿sería ético o moral? ¿Y que consecuencias tendría? ¿O con el ejemplo que pone Martin Sheen en la película: Si yo me introdujera en la historia y me encontrase a mi abuelo siendo niño y tras una pelea yo matase a mi abuelo, ¿sería posible mi presencia actual?.

La película juega con estos dilemas y con un buen reparto, una buena fotografía y una buenas imágenes de aviones y portaviones, los mejores de la época. Es una película bien planteada y con un buen final.

El final de la cuenta atrás (The Final Countdown) es una película estadounidense del año 1980 y del género de ciencia ficción. Fue dirigida por Don Taylor, la última película de Taylor que dos años antes había rodado “La maldición de Damien” (1978) , y que contó en la producción con Peter Vincent Douglas, Lloyd Kaufman, Richard R. St. Johns para la United Artists. Taylor pudo llevar al celuloide el inteligente guión y la idea planteada por David Ambrose, Gerry Davis, Thomas Hunter, Peter Powell. La música es John Scott y la buena fotografía es de Victor J. Kemper. El sonido fue de George Dutton.

En la película participan Kirk Douglas como el Capitán. Matthew Yelland, Martin Sheen como Warren Lasky, Katharine Ross como Laurel Scott, James Farentino como Comandante Richard T. Owens ( Richard Tideman), Ron O'Neal como Dan Thurman, Charles Durning como el Senador Samuel Chapman, Victor Mohica como Black Cloud, James Coleman (acreditado como James C. Lawrence) que es el Teniente Perry, Soon-Tek Oh como Simura, Joe Lowry como Damon, Alvin Ing como el teniente Kajima, Mark Thomas como el Marine Kullman, Harold Bergman como Bellman, Dan Fitzgerald el doctor de la Marina y Lloyd Kaufman el teniente Kaufman.

Contó el filme con la plena cooperación de la Marina de los EE.UU. , con un interesante presupuesto de entre 2 y 12 millones de dólares ( no hay acuerdo en este tema) y fue filmado a bordo del portaviones USS Nimitz.

The Final Countdown fue un éxito moderado en la taquilla obteniendo más de 16 millones de dólares. En los años que siguieron, la película se ha desarrollado un estatus de culto entre los fans de la ciencia ficción y la aviación militar

The Final Countdown 1980 es una historia alternativa película de ciencia ficción sobre un soporte moderno avión que viaja a través del tiempo a un día antes del ataque a Pearl Harbor 1941.

La historia se desarrolla en 1980 y en las costas de Hawaii. Allí un moderno y enorme portaviones de la marina americana USS Nimitz sale de su base naval de Hawaii para navegar en misión rutinaria. Para esta ocasión el USS Nimitz asume a un observador civil, un analista de sistemas Warren Lasky (Martin Sheen), que se embarca bajo las órdenes de su patrón el solitario y misterioso, el Sr. Tideman (que ayudó a diseñar la mayor parte de la nave), justo antes de que partiese de Pearl Harbor para una misión de entrenamiento en el Océano Pacífico.

Al cabo de poco tiempo atraviesa por una gigantesca y extraña tormenta eléctrica de características desconocidas (sin darse cuenta atraviesan un agujero de gusano) que hace desparecer la nave. Inicialmente no están seguros de lo que ha sucedido, ya que han perdido el contacto por radio con el Comando de la Flota del Pacífico, así que el capitán Matthew Yelland (Kirk Douglas) lanza aviones de reconocimiento que descubrir la flota acorazado del Pacífico intacta en Pearl Harbor.

Pasada la tormenta, y una vez recuperados de los efectos de la tormenta, el capitán (Kirk Douglas) y su tripulación  van empezando a sospechar que se encuentran en otro momento de la historia, alrededor del 6 de diciembre de 1941, en medio de la Segunda Guerra Mundial, un día antes del ataque a Pearl Harbor.  

Un contacto superficial en el radar da la alerta al capitán Yelland que ordena el lanzamiento de dos aviones de combate Grumman F-14 Tomcat para interceptar lo que en el radar se visualiza. Lo que ven es un yate civil del 1940, con una tripulación de cinco personas, entre ellos, el senador Samuel Chapman (Charles Durning), que está sorprendida por el paso de aviones de combate nunca vistos, sintiéndose impresionado por su velocidad.

La patrulla finalmente presencia como el yate civil es atacado y destruido por dos cazas Mitsubishi A6M Zero japoneses, matando a tres de los miembros de la tripulación. Al avión de combate F-14 se le ordenó " retirarse". Y , a pesar de ser perseguidos por los zeros se desvanecen debido a su increíble velocidad, y sin darse cuenta se dirigen hacia el Nimitz, lo que obligó al capitán a derribados.

El Nimitz rescata a los supervivientes del yate entre ellos el senador Chapman y una mujer llamada Laurel Scott (Katharine Ross) y su perro, Charlie, así como uno de los pilotos del zero japonés.

El comandante Owens (James Farentino), un historiador aficionado, reconoce a Samuel Chapman como un prominente senador de Estados Unidos que podrían haber sido competidor en la presidencia de los Estados Unidos con Franklin Roosevelt (y su potencial sucesor) .

Ahora saben la fecha concreta, el día previo al 7 de diciembre 1941. Descubren que se han trasladado en el tiempo.

Después un Grumman E-2 Hawkeye descubre que la flota japonesa a punto de atacar Pearl Harbor, con lo que se confirma que han sido transportado en el tiempo al 6 de diciembre, un día antes del ataque infame. El dilema del capitán -la llamada paradoja del abuelo- que se le plantea al capitán es si puede alterar el curso de la historia al atacar los barcos japoneses con el armamento moderno del que dispone para evitar el ataque del día 7 de diciembre de 1941, el día en que los aviones japoneses bombardearon la base de Pearl Harbor.

El capitán Yelland tiene que decidir si se debe destruir la flota japonesa y altera el curso de la historia, o mantenerse al margen y permitir que la historia proceda tal cual. Después de algunos debates intensos a bordo, el capitán pone fin a la controversia y defender a los Estados Unidos en el "pasado, presente y futuro" en caso de ataque, y por lo demás, pero también obedecer las órdenes del comandante en jefe-vigente en ese momento, Franklin D. Roosevelt.

Los civiles y el piloto Zero se mantienen aislados, pero durante los interrogatorios, el piloto japonés aprovechando un descuido coge un arma, mata a sus guardias y mantiene retenidos a los otros sobrevivientes, al comandante Owens y a Lasky como rehenes, amenazando con matarlos a menos que se le da acceso a una radio.

El capitán Yelland y la tripulación "están de acuerdo" con la demanda del piloto Zero, empezando a sospechar tomando a Laurel a punta de pistola y amenazando con matarla si intentan engañarlo.

La crisis se desactivó cuando Owens revela bastante lo que sabe de historia para distraer al piloto lo suficiente para que los infantes de marina puedan matarlo.

Sin embargo, la situación revela la verdad a los supervivientes del yate. Las demandas senador se hacen cada vez más insoportables, pues pide una y mil veces ser llevado a Pearl Harbor y acceso a una radio para advertir a la base naval sobre el ataque inminente, pero al identificarse a bordo del USS Nimitz , el operador de radio asume que es un engaño - pues el almirante Chester W. Nimitz estaba entonces en servicio activo en la Marina de los EE.UU. - y la ubicación del nombre del senador no da seguridad al operador de radio quien sugiere "que deje de hacerse el idiota ".

Mientras tanto, Laurel y el comandante Owens se sienten atraídos el uno por el otro. Por su parte, el Capitán Yelland envía a los civiles en un helicóptero a una isla hawaiana aislada con un suministro suficiente. El Comandante Owens va con ellos. Una vez allí, sin embargo, el senador intenta secuestrar el helicóptero con una pistola de bengalas, pero termina por destruir el helicóptero y perdiendo la vida, mientras que dejando varados a Owens y a Laurel en la isla.

El Nimitz lanza una fuerza de ataque masiva contra las fuerzas japonesas entrantes, pero antes de que puedan llegar a la altura de la armada enemiga, la tormenta del tiempo retorna. Después de un intento inútil de escapar de la tormenta, Yelland recuerda la fuerza de ataque magnético y el barco y los aviones regresan a 1980 de forma segura.

El regreso del Nimitz a Pearl Harbor, llama la atención a los superiores del capitán que pensando que nadie les creerá no se la cuenta a los comandantes de la flota del Pacífico. Mientras tanto, Lasky y el perro de Laurel, salen de la nave, y , finalmente, se encuentran con "Mr. Tideman" cara a cara, donde descubrimos que estamos ante un ya envejecido comandante Owens, junto con su esposa, Laurel. El encuentro final termina con Owens invitando a Lasky a dar un paseo con las palabras: "Tenemos mucho de que hablar."

La película se rodó en localizaciones de Estados Unidos como Cayo Hueso (Florida), Norfolk (Virginia), Pearl Harbor (Hawaii) y el Portaaviones USS Nimitz, protagonista activo de la película y que existe realmente.

El USS Nimitz (CVN-68), es uno de los barcos de guerra más grandes que existen. Recibe su nombre del almirante Chester Nimitz, responsable del comando del Pacífico de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial, el último almirante de cinco estrellas de la marina estadounidense.

El hijo de Kirk Douglas, Peter Vincent Douglas, como productor, fue la fuerza impulsora que hubo detrás de The Final Countdown.

Con un presupuesto limitado, pero con un guión prometedor, fue capaz de atraer el interés de la Armada de Estados Unidos lo que permitió que los funcionarios del Departamento de Defensa dieran plena cooperación para el rodaje.

La parte principal del rodaje se llevó a cabo en en la Estación Aérea Naval de Key West, en la Estación Naval de Norfolk y de los Cayos de Florida, durante cinco semanas en 1979. Las imágenes del Nimitz se rodaron tanto en el mar como en el dique seco para interiores.

Durante las operaciones, hubo un aterrizaje de emergencia que apareció en la película finalmente. Muchos de los miembros de la tripulación de Nimitz fueron usados como extras y aparecen como "actores" en los créditos finales. Con el fin de filmar las secuencias aéreas, se usaron cámaras Panavision colocadas en los aviones navales mientras su usaron igualmente cámaras en los aviones y helicópteros. Tres réplicas Mitsubishi A6M Zero, construido originalmente para la película Tora! Tora! Tora! (1970), fueron utilizadas.

The Final Countdown se presentó casi como un éxito del verano y recibió críticas mixtas por parte de los críticos de entonces. Vicent Canby, del The New York Times la consideró más de una interesante película. "Vemos aviones aterrizando y despegando con hermosa precisión y, sólo para hacernos saber que las cosas no siempre funcionan sin problemas en el Nimitz, también vemos un plano, que ha perdido su gancho de aterrizaje, aterrizar con seguridad todos modos, debido a la nave de equipo de emergencia".

El inefable Roger Ebert, fallecido en enero de 2013, la clasificó como una película en la estela de la guerra de las galaxias , haciendo hincapié en que los militares y su armamento eran la verdadera estrella.

La película tuvo algunos premios o nominaciones. Ganó el Golden Screen Award alemán, fue nominado a la mejor película - Peter Vincent Douglas como productor- de ciencia ficción del año en los Saturn Awards y Kirk Douglas al mejor actor en los mismo Saturn Awards .

The Final Countdown fue estrenada en cines de Estados Unidos el 1 de agosto de 1980 a la vez que una novela inspirada en ella escrita por Martin Caidin, basado en el guión. Yo no vi en su momento la película, aunque recuerde este trailer como el de La guerra de Papá o el de Flash Gordon, todos ellos de la cosecha del 80, pero sé que ha marcado la infancia de otras muchas personas por combinar en un todo la ciencia-ficción y esa paradoja temporal ligada a los viajes en el tiempo. Además plantea el debate ético del uso de la ventaja en los conocimientos técnicos e históricos para hacer frente a los japoneses en la segunda Guerra Mundial.

En definitiva, una gran película de ciencia ficción con toques bélicos , que inspiraría otras películas (pensemos en Regreso al futuro) en cuanto a temática y que cuenta con la conversación sobre el juego del espacio tiempo  entre Lansky y Owens sobre qué hacer.  

Lasky: - Ofrece unas posibilidades asombrosas. Piensen en la potencia destructora del Nimitz en 1941.

Owens: -¿Qué clases de posibilidades, Sr. Lasky? 

Lasky: - Posibilidades para el futuro, Sr. Owens. Piense en los próximos 40 años.

Owens: - Sospecho que la historia es menos moldeable de lo que usted imagina.

Lasky: - Estoy hablando de la clásica paradoja del tiempo. Imagine que vuelvo atrás en el tiempo y conozco a mi abuelo, antes de que se haya casado, antes de que tenga hijos. Discutimos y le mato. Si esto ocurre...¿cómo iba a nacer yo? Y si, puedo no haber nacido, ¿cómo iba a viajar atrás en el tiempo y conocer a mi abuelo? 

Owens: No soy ni la mitad de teórico que usted, Sr. Lasky, pero el instinto me dice que las cosas sólo ocurren una vez, y que si han ocurrido, nada podemos hacer para cambiarlas, ni siquiera intentarlo. Lasky: ¿Cómo lo va a evitar? ¡Está ocurriendo, y nos vemos comprometidos!

El capitán Yelland interviene: - Si los EEUU de América se encuentran en guerra o en peligro, nuestro deber es defender la nación. En el pasado, presente o futuro. Obedecemos órdenes del comandante en jefe de las Fuerzas Armadas de los EEUU.

Lasky: - ¿Franklin D. Roosevelt?  

El nuevo Robocop

RoboCop fue una película vanguardista del año 1987, de un director rompedor en los ochenta que respondía al nombre de Paul Verhoeven, director del que ya hemos comentado Eric, oficial de la reina o El libro negro. Pero mientras estas últimas se centraban en la resistencia holandesa durante la segunda guerra mundial, la primera tratada de acción y ciencia-ficción estadounidense y lanzó al estrellato efímero a Peter Weller, y trabajaron en ella unos cualificados y solventes actores del momento como Nancy Allen, Dan O'Herlihy, Ronny Cox, Kurtwood Smith, Miguel Ferrer en los papeles principales.

El filme, fue todo un éxito de cartelera, y proporcionó a Verhoeven reconocimiento en Hollywood. RoboCop era mucho más que acción y ciencia ficción, pues tocaba otros temas como la manipulación mediática, la resurrección, la corrupción política, la privatización de los sectores públicos, los intereses empresariales y la naturaleza humana.

Recibió críticas positivas y fue considerada una de las mejores películas del año 1987, comenzando una franquicia que incluyó dos secuelas, una serie de televisión, una mini-serie, dos series animadas, videojuegos, varias adaptaciones en cómic y diversos artículos con imágenes del personaje.

Para algunos, especialmente para alguna, de las que ayer noche entraba anoche en el "Coso de los Califas" a ver bajo la luz de las estrellas esta nueva versión de Robocop, era únicamente un paso del chiqui-chiqui del Chikilicuatre. 

Pero en este caso hablamos de Robocop 2014, una versión de la cinta homónima dirigida por José Padilha, basada en un guión de Nick Schenk, Joshua Zetumer y James Vanderbilt siguiendo los personajes e ideas creadas por Edward Neumeier y Michael Miner. Está producida por Marc Abraham y Eric Newman para la Strike Entertaiment y que fue distribuida por la Metro-Goldwyn-Mayer y la Columbia Pictures. Contó con un presupuesta que casi multiplicaba por 10 lo invertido por el director holandés, algo así como 100 millones de dólares.  

En el apartado técnico está presente la música de Pedro Bromfman - buena elección musical la que este señor, especialmente para integrar la música de Frank Sinatra- , la fotografía de Lula Carvalho y el montaje de Daniel Rezende y Peter McNulty.

El reparto incluyó a Joel Kinnaman como Alex Murphy / RoboCop, un oficial de policía que quedó gravemente herido en una explosión y se transforma en RoboCop, Gary Oldman como el doctor Dennet Norton, el científico que crea el cyborg, Michael Keaton como el villano principal Raymond Sellars, director general de OmniCorp y Samuel L. Jackson como el carismático magnate de los medios Pat Novak.

A estos se suman Abbie Cornish como Clara Murphy, esposa de Alex, Jackie Earle Haley como Mattox, un estratega militar encargado de entrenar a RoboCop (Villano), Jay Baruchel como Pope, el jefe de marketing de Omnicorp, Aimee Garcia como Kim, una científica que trabaja con el doctor Robert Norton, Michael Kenneth Williams como Jack Lewis, compañero de Alex., Jennifer Ehle como Liz Kline, Marianne Jean-Baptiste como Karen Dean, jefa de la policía de Detroit, Douglas Urbanski como el alcalde de Detroit, Meysam Motazedi como Arash y WBBrown II como AC Freeman.

En un principio, la película se estrenaría el 9 de agosto de 2013 en Estados Unidos, pero su fecha de lanzamiento se retrasó hasta 2014, estrenándose el 30 de enero en Malasia, Singapur y Taiwán, el 7 de febrero en el Reino Unido, y el 12 de febrero en Estados Unidos.

Estamos en el año 2028, la compañía multinacional OmniCorp domina la tecnología robótica. Sus robots han ganado todo tipo de guerras fuera de los Estados Unidos y ahora quieren probarlos dentro del país. Pat Novak (Samuel L. Jackson) informa sobre el éxito de la empresa multinacional OmniCorp con sus robots policías en el mundo menos en América, ya que el senador Hubert Dreyfus (Zach Grenier) se niega.

Durante años sus drones militares han ganado guerras para Estados Unidos, significando a la vez miles de millones de dólares para OmniCorp. Un ejemplo lo tenemos en la conexión en directo en Tehran, (Teherán) la capital iraní, en la que un experto en armas Rick Mattox (Jackie Earle Haley) enseña al equipo del difusor Pat los EM-208 y los ED-209.

Mientras esto se produce un grupo armado encabezado por Arash (Meysam Motazedi) con el propósito de hacer quedar mal a los robots ataca a los miembros de la corporación. Igualmente en su apoyo sale lleno de ira con un cuchillo Navid el hijo de Arash, siendo todos liquidados por un ED-201.

Ahora OmniCorp quiere expandir su negocio por los Estados Unidos incorporando esta peligrosa tecnología y usándola en las calles para ganar la batalla contra el crimen.

Por su parte, Alex James Murphy (Joel Kinnaman) un policía de Detroit que se esfuerza por acabar con la ola de crímenes que arrasa la ciudad, y habla de los inconvenients del caso de Antoine Vallon (Patrick Garrow) con su jefa, Karen Dean (Marianne Jean-Baptiste) en parte, por las heridas sufridas por su compañero Jack Lewis (Michael K. Williams). Alex sospecha de dos policías corruptos, Daniels (K.C. Collins) y Lake (Daniel Kash) que se encargaron sin resultado alguno "del caso de Vallon" pero que realmente trabajan en secreto para Vallon.

Mientras Vallon planea en secreto con su complice Marcus Price poner una bomba en el coche de Murphy mientras este visita en el hospital a Lewis. En Washington, Dreyfus escucha la defensa de las máquinas por parte de Raymond Sellars(Michael Keaton), director general de Omnicorp. Despues en Omnicorp Pope (Jay Baruchel), Liz Kline (Jennifer Ehle) y Sellars deciden, ante los inconvenientes y dudas planteadas por Dreyfus sobre el carácter inhumano de las mismas, la necesidad de hacer "A un hombre dentro de una maquina".

A la reunión acude el Dr. Dennet Norton (Gary Oldman) y su compañera Kim (Aimee Garcia) y son convencidos, a pesar de que todo entraña dificultades. Alex, su esposa Clara (Abbie Cornish) y su hijo David (Joel Paul Ruttan) son una familia feliz hasta que Alex resulta gravísima herido, casi desmembrado, debido a la bomba colocada por la gente de Vallon.

La corporación OmniCorp ve una oportunidad de oro con Murphy, y utiliza sus conocimientos de ciencia robótica para salvarlo, dotarle de extraordinarios poderes y incorporarle su extraordinaria tecnología para producir una unidad policíaca mitad humana, mitad - máquina, a la que llaman RoboCop.

Tres meses más tarde Alex sueña con su familia, pero realmente esta en una sede de Omnicorp en China, y trata de escapar; pero Kim lo apaga. Mattox a pesar de entrenarlo no está de acuerdo ya que el creó los robots de batalla EM-208. Le dan sus armas las cuales son el rifle M2 y TCR 66. Le hacen un simulacro a Murphy contra un EM-208, pero pierde.

Sellars quiere que Norton lo remodele y lo haga más maquina que hombre para ganar introducirlo en el mercado y ganar así más dinero.

En China le hacen una segunda prueba con Mattox y 53 de sus EM-208. En este caso, Murphy gana y vuelve a Detroit. Lo presentan pero la vida de Murphy ha cambiado radicalmente desde el momento en que ve a su familia y desde que le introducen la base de datos de delitos sucedidos en la ciudad de Detroit y no resueltos, entre ellos el suyo. Norton le quita la habilidad de los sentimientos poco antes de que el alcalde de Detroit (Douglas Urbanski) anuncie la incorporación de Robocop a la policía local.

Cuando pasa al lado de su mujer e hijo, ni los reconoce. Su objetivo es cumplir con la misión encomendada: detener a sospechosos y luchar contra el crimen. Su primer logro fue arrestar al fugitivo Thomas King que está físicamente en su presentación, junto a dos policías. Pero algo ha interferido en su sistema y Sellars ordena a Norton alejar a la familia de Alex pues esta quiere alejarlo de las calles. Empieza a ignorar a Clara, a David y a su compañero Jack. Su hijo ante esto sufre y David no quiere ir a la escuela Alex se arrepiente de ignorarlos y decide ir a su casa.

Allí recuerda al detalle su homicidio y decide resolverlo. Interroga a Jerry White a la fuerza. Y White le da pistas para encontrar a Vallon. Le dice que solo conoce a Marcus. En la noche, RoboCop se enfrenta a Vallon, a sus esbirros y los mata.

Cuando regresa de la acción Alex mata a Lake en la central de policía y está a punto de hacerlo a Daniels, que queda arrestado por Lewis. De todas formas se da cuenta de que Dean estaba en el caso, y cuando va a confesar a Mattox la realidad, éste ordena que lo apaguen y le confirma a Sellars lo que pasó.

Mientras esto ha ocurrido, Pat anuncia que la votación del senado para remover la ley Dreyfus ha sido favorable a los intereses de Omnicorp.

Al día siguiente en Omnicorp , se ve que el verdadero villano es Sellars ya que ahora quiere matar a RoboCop porque cree que lo descubriría con lo del homicidio. Clara ve esto en televisión y Sellars le llama. Norton llega y le alega a Raymond que solo hace falta reprogramarlo, pero no acabar con él.

Finalmente, el jefe de Omnicorp parece convencer al científico. Por la noche Liz se lleva a Clara y a David para hablar con Sellars. Éste le comenta que Alex ha muerto, pero nada de eso, pues Norton lo reactiva. Alex va hacia la sede de Omnicorp porque Raymond lo intento matar. Omnicorp ya sabe que la ley Dreyfus ya ha sido removida. Lewis y otros policias llegan a sede de la empresa. Sellars vuelve a hablar con Clara que esté molesta.

Cuando ella y David iban a irse, un policía no les deja salir a sabiendas que Alex está fuera. Sellars los manda a llamar nuevamente.

Alex llega a Omnicorp y se enfrenta con los ED-209, Jack y otros policías tambián llegan a Omnicorp. Alex se sube a uno de los robots y lo mata, pero a éste le cae encima y tiene dificultades para liberarse. Alex se corta su brazo robótico y trata de huir pero los ED-209 no lo dejan opciones.

En esto que llega Lewis y otros policías que entretienen a los robots mientras Alex escapa. Sellars le dice a Clara que la parte humana de Alex murió pero su parte robótica esta fuera de control y ataca el edificio. Sellars le dice a Mattox que acabe con Alex. Éste por su parte, sigue acercándose a su objetivo. Pero Mattox paraliza a Alex.

Mattox intenta matar a Murphy ya que no puede atacar por ser un agente rojo, pero Lewis lo mata, mientras tanto el helicóptero de Sellars llega; Lewis queda herido pero sin gravedad. Alex llega a la azotea, amenaza a los del helicoptero y trata de arrestar a Sellars por intentar matarlo. Se enfrenta a Sellars, pero ya que el también es un agente rojo a Alex se le apaga el sistema.

Sellars amenaza con matar a su familia y a él, pero Alex logra vencer a la maquina. Sellars y Murphy disparan al mismo tiempo. Sellars muere y Alex queda herido. Pope y Liz se quedan en Omnicorp tirados en el suelo.

El doctor reconstruye a Alex, mientras que el presidente de los EE.UU renueva la ley Dreyfus, la cual fue eliminada posteriormente. Omnicorp ya no existe y Murphy ya puede ver a su familia. Todo vuelve a la normalidad excepto porque RoboCop volverá a las calles. Hasta aquí la película que, más o menos, sigue la plantedad en 1987 por el director holandés, salvo la estética del traje que en un momento dado se convierte en negro, dejando de ser azul y metálico.

La historia de la producción es lejana. Sony Pictures anunció por primera vez que estaba trabajando en una nueva película sobre Robocop a finales de 2005. En noviembre de 2006, Bloody Disgusting informó que la nueva versión de RoboCop había sido cancelada.

En marzo de 2008, sin embargo, RoboCop se mencionó en un comunicado de prensa de MGM en relación a las franquicias que se desarrollarían en el futuro. Un cartel de la MGM de junio de 2008 decía: "RoboCop llega en 2010". El estudio se reunió con Darren Aronofsky para discutir la posibilidad de la dirección de la película. De hecho en la Comic-Con San Diego 2008, Aronofsky fue confirmado para dirigir la película de Robocop de 2010, con David Self para escribir el guión. Sin embargo, la fecha de lanzamiento se pospuso a 2011.

El 23 de julio de 2009, en la Comic-Con San Diego, MGM estaba claramente presente en la convención, pero cuando se les preguntó sobre la película RoboCop de 2010, los representantes de MGM confirmaron que no habría ninguna promoción o información sobre la película en la convención de ese año, salvo la confirmación de que la película iba a ser aplazada hasta el verano de 2010 o una fecha posterior, debido a los proyectos comprometidos con el director Darren Aronofsky. Cuando se les preguntó si Aronofsky seguía siendo considerado o si había sido designado para dirigir la película, los representantes de MGM dijeron que no podían confirmar ni negar si Aronofsky estaba conectado con el proyecto en ese momento.

El 5 de enero de 2010, el sitio Moviehole informó que la versión de RoboCop de 2011 estaba en espera y que Darren Aronofsky era todavía su proyectado director. Sin embargo, una vez que los ejecutivos de MGM, y en particular Mary Parent, presidenta de la compañía, vieron el inmenso éxito de la película Avatar de James Cameron, tenían claro que querían una película en 3D para el nuevo Robocop.

Durante 2010, MGM estuvo sumida en una fuerte crisis y casi estuvo a punto de quebrar, debido a los enormes costos de sus franquicias de OO7, Casino Royale y Quantum of Solace. Ante este panorama, varios proyectos fueron cancelados, entre ellos la versión de RoboCop. Ante la incertidumbre de MGM, Darren Aronofsky tuvo que asumir otros proyectos.

El 18 de febrero de 2011, MGM anunció que todavía tenía planes para la versión de RoboCop. El 2 de marzo de 2011, se anunció que el director brasileño José Padilha sería el encargado de dirigir la película en lugar de Darren Aronofsky, principalmente debido a su éxito con Tropa de élite y Tropa de élite 2. El guión sería de Joshua Zetumer.

En ese momento, el actor Michael Fassbender era el favorito para protagonizar al personaje que llevó al actor Peter Weller al estrellato en los 80 poniendo fin a los rumores de que MGM estaba buscando a estrellas como Tom Cruise, Johnny Depp y Keanu Reeves. La lista de los actores que competían por el papel protagónico incluía a Michael Fassbender, Matthias Schoenaerts y Russell Crowe. Pero en marzo de 2012 el actor Joel Kinnaman acepta el papel de Alex J. Murphy / RoboCop para el nuevo filme que habría de estrenarse en febrero de 2014, juntamente con Gary Oldman, Michael Keaton y Samuel L. Jackson. Hugh Laurie fue llamado a desempeñar el papel del Presidente de OmniCorp , pero finalmente se bajó del proyecto. Clive Owen estaba en carrera para sustituirle hasta que Michael Keaton obtuvo el papel, en agosto de 2012.

Más tarde se incorporaron para los papeles de Robert Norton, Novak, Lewis Jack y Ellen Murphy Gary Oldman, Samuel L. Jackson, Michael Kenneth Williams, y Abbie Cornish. Jackie Earle Haley firmó en julio de 2012 para interpretar a un militar llamado Maddox, responsable de entrenar al RoboCop de Kinnaman.

Jay Baruchel para interpretar a Pope, el ejecutivo de marketing de OmniCorp. La producción comenzó en septiembre de 2012.

La filmación se llevó a cabo en los Estudios Pinewood de Toronto, y en otras locaciones de Canadá como en Hamilton, desde septiembre de 2012. También fue parcialmente rodada en Detroit y ha tenido un éxito parcial de público obteniendo una recaudación cercana a los 243 millones de dólares. Sin ser un éxito arrollador los productores han recuperado mucho más de lo invertido pues como dice - y empezamos con ella la crítica - Pablo Raimondi en el Diario Clarín al señalar que "El realizador carioca dio muestra de cómo entrelazar la tensión fílmica", por lo que casi todos aquellos que se han acercado a las pantallas han visto la película que esperaban, bien realizada y que, en mayor o menor medida, recupera la primera historia de Robocop.

La crítica ha sido favorable, en general, pero sin grandes adhesiones ante esta nueva versión, aunque en ocasiones con cierta sorna. Por ejemplo, Chris Hewitt de la revista Empire ha escrito sobre ella que "Un personaje se refiere al nuevo RoboCop como 'el hombre de hojalata'. Y en favor de la película, la verdad es que desesperadamente desea tener corazón. Oh! si al menos tuviera cerebro. (...)

En Variety Guy Lodge dejó por escrito que "Cumple con las demandas más oscuras de nuestra época para un reboot de una película de acción, con una eficiencia de máquina de precisión y con una pizca de alma." . Más o menos, algo similar nos cuenta Leslie Felperin del The Hollywood Reporter cuando dice "Esta nueva versión del antiutópico clásico de 1987 tiene un mejor reparto, un guión más meticuloso y, naturalmente, unos efectos más llamativos, pero le falta el ingenio resbaladizo y subversivo de la original."

En Screendaily Mark Adams se muestra más crítico al decir "A pesar de algunos momentos de buenos efectos especiales de primera clase se mueve en espiral hacia un final más bien llano y bastante olvidable." Matthew Turner en View London señaló que "Se deja ver gracias a una buenas interpretaciones y a una dirección con buen ritmo pero no mejora de ninguna manera significativa la película original. (...)

Michael Phillips del Chicago Tribune dice de ella que "Hay mucho de lo que disfrutar en ella (...) a diferencia del reciente hueco remake de 'Desafío Total', esta película te presenta una idea o dos." (...).

Por su parte, Peter Travers de Rolling Stone señala que "Este Robocop intenta ferozmente actualizar el toque satírico y la perversidad estilística del original de Paul Verhoeven de 1987. Resulta un gesto inútil. Manohla Dargis es bastante amable con la película al decir en su columna del The New York Times que estamos ante "Un remake respetable y con un buen reparto."

Claudia Puig en su crónica del USA Today afirma que "Los aficionados al cine se encontrarán con una historia sosa de thriller de ciencia ficción, una fotografía turbia y unos efectos especiales frenéticos. (...) .

En España, siempre más críticos con la ciencia ficción, las críticas han sido menos positivas. Carmen L. Lobo en su Diario La Razón afirma que estamos ante "Un respetable y entretenido filme que no posee, sin embargo, nada del sarcasmo ni los excesos de la predecesora, pero sí unos efectos especiales impactantes y un mensaje más existencialista".

Javier Ocaña en el Diario El País dice que "Frente al bajón del último tercio, más convencional, al final se impone la credibilidad de sus planteamientos en materia militar, de seguridad, de justicia e incluso de comunicación y marketing, y lo que sobrevuela al acabar la película es una metáfora que hiere".

Federico Marín Bellón en el Diario ABC deja escrito que "Si algo falla es el contexto. (...) Hay algún apunte, que apenas se escucha entre los disparos. La película entretiene, pero le falta corazón".

Por último, en Cinemanía Manuel Piñón afirma que "Un remake que llena sus enormes vacíos con convenciones (muchas) y remiendos (unos cuantos) (...)".

Varias han sido las familias que hemos ido al cine en esta ocasión y, al menos, la parte masculina - la femenina únicamente pensaba en el paso de baile chiquilitrero- de los espectadores, sobre todo, los que conocíamos el producto hemos visto lo que esperábamos ver, pero más moderno. Por eso esta versión no es tan rompedora ni tan futurista, aunque pienso que es muy interesante para los diseñadores. En el fondo, a mí me ha recordado en múltiples ocasiones un juego de la play. Es ahí, en los videojuegos donde reside el futuro de las historias futuras. Al fin y al cabo esa es la tecnología casi más avanzada.  

La segunda grindhouse con A little big zombie

Ya hemos comentado en la entrada anterior como ayer el planteamiento fue en plan Grindhouse y la segunda sesión estuvo representada por A Little Bit Zombie, que podría traducirse como “Un poquito Zombie”. Como la anterior la película está presentada en tono de comedia de terror zombie.

Se trata de una película canadiense del año 2012 que fue dirigida por Casey Walker. Este sigue los dictados del guión elaborado a la par por Trevor Martin y Christopher Bond.

El rodaje tuvo lugar en Sudbury, Ontario, durante junio de 2011 La música es de Antoine Binette Mercier, aunque la canción de los títulos de crédito finales es de Alex Crow y se titula I Don't Miss Her. La fotografía es de Kevin C.W. Wong. En las labores de montaje estuvo presente Michael P. Mason, mientras que la producción fue cosa de la Cave Painting Pictures y para el mismo se optó por el modelo de financiación conocido como “crowdsourced” a través de una iniciativa de Walker llamada “My Million Dollar Movie” que durante un período de cinco años solicitó donativos gracias a los cuales recaudó más de un millón de dólares para su rodaje. Se estima que se emplearon en la misma 1.900.000 dólares procedentes de los contribuyentes que aparecen todos en los títulos de crédito finales.

El elenco está formado por Kristopher Turner como Steve, Crystal Lowe como Tina, Shawn Roberts como Craig, Kristen Hager como Sarah, Stephen McHattie como Max, Emilie Ullerup como Penelope Pendleton, George Buza como Capitan Cletus, Robert Maillet como Terry 'Terror' Thompkins, Neil Whitely como The Professor, Spider Allen como Ringmaster, Melanie Rainville como Bearded Lady, Richard Rowntree como BBQ Bill, Trevor Martin como Master Baiter / Cory Cortex, Christopher Bond como Pizza Guy y Rob Roy como Battered Local.

La película tuvo su estreno mundial el 4 de febrero de 2012 en el Festival de Cine Victoria (Victoria Film Festival) en la Columbia Británica y fue lanzado el DVD en julio de 2013, aunque visitó Sitges participando en su festival (Sitges Film Festival) en octubre de 2012.

La película es una tontería y empieza con una cacería de zombies por parte de un cazador de zombies (Stephen McHattie) y su compañera la investigadora Penelope Pendleton (Emilie Ullerup) poseedora de una bola que detecta los zombies. Durante la misa, un mosquito se mete en la refriega y pica a un zombie chupándole la sangre.

Dicho mosquito choca más tarde en un coche en el que van cuatro amigos, dos parejas la formada por Steve (Kristopher Turner) y Tina (Crystal Lowe), y las de sus testigos formada por Craig (Shawn Roberts) y su hermana Sarah (Kristen Hager).

Se ve que Steve (Kristopher Turner) es un calzonazos, que quiere hacer feliz a su prometida, una chica muy controladora que responde al nombre de Tina (Crystal Lowe) y que van de casa rural con el mejor amigo de Steve, Craig (Shawn Roberts), que está casado con la hermana del aquel, Sarah (Kristen Hager).

Los cuatros van a una cabaña, en la que la segunda pareja, tiene la vana esperanza de convencerlo de que ella no es adecuada para él, pero sin éxito.

El mosquito queda en el parachoques del vehículo y cuadro de recobra del impacto pica a Steve. Un extraño virus a través de una picadura de mosquito le invado y, poco a poco, comienza a convertirse en un zombi con un hambre voraz de cerebros.

A pesar de este nuevo y extraño giro de los acontecimientos, a Tina lo único que le importa es su boda. Quiere casarse por encima de todo y no le importa que Steve se coma su mascota, un conejo, babee cuando escucha la palabra cerebro, que coma ansiosamente los cerebros de un carnicero vendedor de armas ilegales o que esté empezando a perder varias partes del cuerpo, empezando por la oreja.

Ahora Steve debe tratar de controlar sus nuevos impulsos, incluso las chicas le buscan un gigantesco maromo para que se coma su cerebro, aunque el se resiste a matar a un hombre, al mismo tiempo tratando de evitar al un pirado cazador de zombies (Stephen McHattie) que se ha propuesto poner fin a su existencia y que sólo es detenida por su bella acompañante Penelope, a lo que pone fin estúpidamente Tina.

En los títulos de créditos vemos como el deseo de esta se cumple, con un Steve muiy estropeado y que con unos invitados que se mueven entre el miedo y la repulsión. Puede que lo mejor de la película sean sus títulos de crédito.

Ha sido premiada en festivales tan prestigiosos como el Fright Night de Kentuky, también se ha exhibido en la Brigadoon del Festival de Sitges 2012, con una buena acogida. Lo cierto es que estamos ante una película que ha ganado bastantes premios a lo largo del año 2012 como el Gold Remi Award for Best Dark Comedy en el WorldFest de Houston o el Golden Palm Award for Best Independent Film del Mexico International Film Festival; o en los múltiples Fright Night Film Fest como el del premio a la mejor película en el Festival de Louisville, o el Festival Prize para la mejor película zombie y la mejor comedia en el Louisville Fright Night Film Fest. Obtuvo igualmente el Golden Ace Award a la mejor película del Festival International Film  de Las Vegas o el Gold Kahuna Award a la mejor película del Honolulu International Festival. El mismo premio se llevó en Film Award de Festival Canadian y el premio Canadian Comedy Award al mejor guión de la Canadian Comedy Awards , así como el Rising Star Award del Canada International Film Festival.

La recepción de la crítica de un Poquito zombie ha sido predominantemente positiva. En parte por su naturaleza alegre y positiva. Twitch Film dio A Little Bit zombie llamó a esta película como "tremendamente divertida".

Señalar varios y pequeños detalles como que la cerveza que bebe Craig en toda la película es una cerveza real que se vende como "Pale Ale del Diablo", y se elabora cerveza en Ontario por la compañía Great Lakes Brewery; o que la lucha entre Crystal Lowe y Kristen Hager fue filmada en dos horas y media; o que la primera escena se rodó a lo largo de dos noches o que la escena con Kristopher Turner que al ser picado por el mosquito se hizo en una sola toma.

Aparecen ambos guionistas que hacen cameos en la película . A Stephen McHattie se le ocurrió la idea de mover la boca del zombi gordo y que la mayoría de los extras en el bar del Gran Harriet eran motoristas. Estamos ante una idea fresca de comedia de terror B.

Si te gustan las películas de zombies y comedias de los años 80, le encantará pues Casey Walker apuesta por escenas al más puro estilo de las sitcom americanas, casi apto para todos los públicos. Christopher Bond y Trevor Martin, creadores del famoso musical Evil Dead, son los encargados del guión.

El argumento está enfocado desde el punto de vista de Steve, el zombie protagonista. Con el propósito de buscar la empatía hacia el pobre infectado, el dúo de guionistas llevará a Steve a un sinfín de circunstancias, cada vez más disparatadas. Siempre ayuda contar con un reparto solvente para conferir cierta relevancia a una producción en el que destaca el protagonista Kristopher Turner, Crystal Lowe o el veterano actor Stephen McHattie, o Craig, el fanfarrón amigo de Steve.

Tiene una digna labor de los efectos especiales, hacen de A Little Bit Zombie una buena película de humor con entretenimiento y diversión creando una parodia del género, aunque al final el conejo se transforma un zombie al final de los títulos de créditos, sin duda alguna, lo mejor.  

Una grindhouse con big tits dragon

He decidido hacerme una doble sesión Grindhouse, aunque en casa, con dos películas de perfil similar que se mueven entre lo gore tendente a la serie Z y con algo de sexploitation, un poco en la línea que vi en el verano de 2007 con dos parejas de películas , aunque aquella formada por la neozelandesa, Ovejas asesinas, junto con Desmembrados o Severance, y las planteadas por Robert Rodríguez y Quentin Tarantino. Esas cuatro películas fueron vistas en ese año y en verano.

Se suele decir que el género Grindhouse se ve en malas condiciones y ayer en la ciudad, incluso de madrugada, sufrimos un calor de narices. Por lo tanto se reunían las condiciones , especialmente si cuentas con dos joyas del cine de serie Z como son The Big Tits Dragon, también conocida como Big Tits Zombie y A Little Bit Zombie. La primera japonesa y la segunda canadiense. Interés tenía poco o ninguno, pero quería hacer algo que huyese de lo artísticamente sensato, aunque llegué a dos productos tan bizarros como casi divertidos.

En esta entrada me centraré en la primera Kyonyu dragon: Onsen zonbi vs sutorippa o lo que es lo mismo Big Tits Dragon o The Big Tits Dragon, que podría traducirse como Grandes Tetas Zombie. Se trata de una película de inspirada en el manga Kyonyū Dragon de Rei Mikamoto. Es una obra que se mueve entre la fantasía y el terror y que está protagonizada por varios rostros conocidos – parece ser- de la industria de películas para adultos en Japón, sobre todo Sora Aoi.

Está dirigida por el escritor satírico culto japonés Takao Nakano y gran parte de la acción está rodada en 3D, aunque yo la he visto en 3D. La película se dice que es una mirada irónica sobre la cultura pop japonesa.

La producción recayó en Seiji Minami y Hideaki Nishiyama para la TMC (Total Media Corporation), Big Tits Dragon Production Committee y The Concept Film. El guión para la película fue escrito por el mismo director, Takao Nakano, y como he dicho anteriormente está basado en el Cómic de Rei Mikamoto con el que difiere, parece ser, en algo.

En otros aspectos técnicos la película contó con la fotografía de Kazuaki Yoshizawa que busca, especialmente al principio recrear una película antigua, casi envejecida, con la neblina propia y sus fallos manifiestos y con la música electrónica realizada por Keisuke Urushizaki.

Dentro de elenco, especialmente de actrices, destaca la presencia de Sora Aoi como Lena Jodo, Risa Kasumi como Ginko, Mari Sakurai como Maria , Tamayo como Nene, e Io Aikawa como Darna. Estas, las chicas protagonistas, se hacen acompañar de Minoru Torihada como el Ogro azul o Blue Ogre, Ini Kusano , Kazuki Tsujimoto , Mame Yamada, Yumi Yoshiyuki, Hachirō Ika , Daisuke Iijima y Saori Ando.

Una de las grandes ventajas de la película es su cortísima duración, pues sólo se extiende por un periodo de 73 minutos y como curiosidad señalar que se rodó en japonés, pero Rena Jodo (Sola Aoi) suelta algunas palabritas en castellano. Se estrenó en Japón el 15 de mayo de 2010 y la distribuyó la firma Snobbish International Pictures.

La película se abre con una cita de Sergio Leone, que dice Where life had not value , death sometimes has it´s price (Cuando la vida no tiene valor, la muerte, en ocasiones, tiene su precio).

Casi de inmediato nos encontramos conque Ginko, una stripper, está tratando de escapar de una horda de zombis dentro de un resort abandonado. Tan pronto como ella se ve acorralada por una horda de zombies, aparece en su ayuda su compañera Lena Jodo (interpretado por Sola Aoi) que llega para matar a los zombis con una motosierra.

Durante el ataque, la motosierra deja de funcionar y Lena está a punto de ser asesinada por los zombies, aunque será salvada “in extremis” por Ginko que los mantiene a raya con una katana. Lena finalmente consigue hacer funcionar la motosierra y comienza a defenderse de los zombies restantes.

La película, en ese momento se remonta a varios días antes donde vemos como Lena (Sola Aoi) y otras chicas, incluida, Ginko están trabajando en un club de striptease llamado Teatro Paradise Ikagawa con otras strippers. Las chicas son Ginko (Risa Kasumi), Maria (Mari Sakurai), Nene (Tamayo) y Dana (Io Aikawa), que se mueren de aburrimiento y pasan su tiempo peléandose unas con otras.

La más inteligente del grupo es María, una chica pelirroja de estética gótica y con una inclinación por la automutilación e interesada por las lecturas. Las otras son Lena, una stripper interesada por la adivinación, y Darna, una stripper que trata de reunir suficiente dinero para ver a sus hermanos. Lena, por su parte, cuenta lo que la llevó al club. Igualmente sabremos que Ginko es una chica que tuvo problemas judiciales.  

Hace varios días, Lena regresó de México y sin blanca, por lo que la necesidad desesperada de dinero en efectivo hace que busque trabajo. Sin embargo, su tendencia hacia la bebida provoca que acabe emborrachándose y durmiendo en caja de cartón con un viejo sin hogar . Lena se levanta desorientada y se lleva un paraguas, por lo que el viejo le insulta.

Más tarde, Lena tarde la llamada telefónica de Manjiro, el gerente de Promociones Ikagawa, una empresa ruinosa, incumplidora en el pago y que debe a las strippers una enorme cantidad de dinero. Manjiro informa a Lena que necesitará una bailarina para sustituirla durante diez días. Lena a regañadientes acepta la oferta debido a su necesidad de refugio.

Lena, más tarde se encuentra con Yudai, un empleado del club de striptease. Una vez que llega, Yudai le dice a Lena que un hombre que intentó construir un balneario que está al lado del club de striptease, pero no tuvo éxito y condujo a su propia familia al suicidio.

Más tarde, Yudai les informa que el teatro se cerrará mañana. Recién llegada se da cuenta que el pueblo está desierto, y en el local hay apenas cuatro gatos y otras strippers.

Nene le pregunta a Yudai sobre el pago y, más tarde, las strippers van a Manjiro pues Yudai no tiene conocimiento sobre el pago. Manjiro intenta mentir sobre el pago, pero no tiene éxito. Está de acuerdo en pagar por el concierto, y Manjiro les ofrece hacer una demostración del mismo en el balneario.

Allí, una de las stripper, Nene, le dice a uno de los trabajadoras del spa que pertenecen a Producciones Ikagawa, pero el trabajador les responde que las trabajadoras del sexo deben entrar por la puerta trasera. En respuesta, Ginko les informa que son bailarinas, no strippers o prostitutas.

Más tarde, el grupo se presenta un espectáculo para uno de los asistentes de spa. En cambio, el principal prefiere ver un combate de lucha sumo entre Lena y Ginko donde el ganador recibe dinero en efectivo y el perdedor se verá obligado a ser utilizado como una mesa para sushi. Lena gana la lucha, mientras Ginko a regañadientes se ve obligada a convertirse en el bar de sushi humano.

Lena termina involuntariamente durmiendo con el asistente spa tras emborracharse de sake rojo. Más tarde, Ginko se enoja con Lena por su costumbre de dormir con hombres cuando se emborracha y los dos empiezan a pelear, lo que lleva a las dos chicas a rasgarse sus camisas.

Mientras después de la pelea, Maria mientras limpia descubre una puerta de madera secreta en su camerino hasta un sótano. Parece la bodega subterránea del balneario.

Las strippers descubrir que el dueño anterior tenía una colección de libros de ocultismo, un alijo oculto de yenes (descubierto por Darna sin el conocimiento de las otras chicas), y un extraño el Pozo, el Pozo de los espíritus que ha sido sellada.

Mientras hurgando en las pertenencias del dueño del local descubre María un libro medieval de invocación a los Muertos, el "Libro de los Muertos". Creyendo que puede usar el libro para realizar la nigromancia, María lee varios hechizos del libro, sólo para descubrir que no funcionaba. Decepcionada, María y las otras chicas salen del sótano.

Lo que ellos no sabían, sin embargo, era que María había liberado accidentalmente a los zombies del Pozo de los espíritus y el hechizo realmente ha funcionado.

A Dana y Nene las muerden y se transforman en zombis, mientras que Maria descubre cómo dominarlos. Rena y Ginko son quienes deben enfrentarse a Maria y su horda de zombies... Durante la preparación de la cena, Ginko y Nene descubren que el hechizo ha funcionado y que retorna a la vida todo lo fallecido, incluyendo el pescado crudo y el sushi, para volver de entre los muertos y aterrorizar el Ikagawa.

Mientras tanto, Darna se cuela en la bodega donde había descubierto el dinero, pero pronto descubre que un zombi está escondido debajo de la pila de dinero en efectivo y muere desmembrada por los zombis.

De vuelta en el vestidor, Ginko y Nene informan a Lena y María sobre el incidente del sushi zombie, pero son interrumpidos cuando escuchan una gran audiencia en el exterior.

Cuando están preparadas para actuar descubren que el público, sin embargo, está formado por zombies que ya han matado a Yudai.

Los zombis les atacan y Nene es mordida por uno de los zombies, pero aún así se las arregla para escapar con María, Ginko y Lena. Los zombies siguen surgiendo del pozo y empezar a matar a los pocos ciudadanos de Ikagawa y eventualmente comenza a propagarse por todo Japón en pocos segundos de acuerdo con un periodista que es devorada por varios zombies. Aunque comparten las características básicas de los zombies, sobre todo su carácter infeccioso, los zombis todavía conservan su inteligencia y el intelecto que tenían antes de ser zombi.

Mientras en el vestuario, Maria traiciona a las acorraladas Lena, Nene, y Ginko y se escapa. A pesar de la traición, los tres que se escaparon del Ikagawa Paradise Theatre en una camioneta, pero cuando esta se rompe después de arrollar a un hombre de edad avanzada, van a la estación termal. En la misma, Ginko revela que ella reconoció a un zombie entre la multitud. Ella revela que el zombi era un asesino, un perturbado mental, que mató a su hermana menor, pero no podía ser tocado legalmente debido a ser una locura. Esto llevó a Ginko a ser vengativo y matar al hombre empalándolo en un paraguas.

Poco después, María vuelve al sótano del balneario abandonado donde descubre los restos mutilados de Darna. Los zombies intentan matar a María, pero ella les controla con dulces. Sin embargo, estos intentos fallan miserablemente. Y como último recurso, María canta un hechizo del Libro de los Muertos que tiene éxito y que permitirá el control sobre ellos.

Nene está malherida y poco a poco se va transformando en un zombie. De hecho acaba a sus compañeras que se defienden con su katana (Ginko) y con su motosierra (Lena).

Durante sus combates irán cayendo todos y cada uno de los habitantes del balnearios más otros zombies que van surgiendo del pozo.

Tras enterrar cristianamente a Nene, ya en el interior del balneario, Ginko se reencuentra con su hermana zombie a la que abraza y luego mata, pero sale herida en una mano. Lena se defiende con su motosierra con soltura hasta que la misma falla.

Finalmente, las chicas logran salir victoriosas enfrentándose al final, primero, con la ya odiosa Maria que, finalmente, cae, con Manjiro y con el Ogro Azul, que finalmente, es derrotado. Una superviviente Lena hace un entierro budista por su amiga. Hasta aquí la película.

Vamos a ver, la película en sí es una tontería, pero su propio grado de surrealismo lo hace divertida en la exposición de su cutrez gore. Especialmente ridículos son los zombies, de todo a veinte duros, pero no dejan de ser ágiles bailarines y virtuosos saltimbanquis por momentos.

Algunas críticas que he leído en filmaffinity por parte de los usuarios la califican de Excelente, y la consideran una maravilla del cine japonés. De todas maneras es posible que en Japón , el país del terror sea vista como un filme de culto, eso sí baratito.

Para algunos esta película presenta los mismos valores estéticos que el manga, sobre todo en la forma y color. Para otros que la han visto la acercan a la serie Z dado la cutrez dominante y unos efectos malos a propósito. Para otros, el metraje se hace eterno al ver tantas tonterías juntas y sin el más mínimo argumento.

La música por Keisuke Urushizaki es electrónicamente inquietante. El reparto también hizo un trabajo extraordinario. Takao Nakano, un director de culto, hizo lo que quería hacer.

La película fue presentada en el Japanese Film Festival de Hamburgo (mayo de 2010), en el Danger After Dark Film Festival en los Estados Unidos (Julio de 2010), en Londres (en septiembre de 2010) y en el Chicago International Film Festival en el mes de octubre.

Desde luego si la intención del director era realizar una mirada irónica sobre la cultura pop japonesa lo ha conseguido con sus muñecas humanas (Maria), con su sushi, especialmente ese "sushi zombie", por ese gusto por combinar el espagueti-western y el kung fu o con sus escenas de baile y de pelea de sumo.

Esta es una película que de alguna manera se las arregla para que coincida en su título la genialidad y la estupidez, pues la traducción sería algo así como Tetas Grandes Zombie y que presenta la versión más peligrosa de los genitales femeninos con dientes, aunque no haya tanta desnudez como el título podría pensar. Puede dejar en el recuerdo algunos de los pequeños fragmentos de esta increíble locura, pero no vale la pena perder mucho más de una hora en su memoria, salvo que la veas en plan Grindhouse. Las noches de calor ayudan a ello.