La nostra vita

Es posible que se la última película que vea en lo que va de año. He querido que fuese europea y , en concreta, de Italia , un cine que ha aportado mucho a la historia del cine. La elegida ha sido La nostra vita , una película de Daniele Luchetti que emitieron anoche en Sundance TV. 

Una película que es un compendio de lo que ha sido el buen cine italiano. Un cine en base a una historia en la que el ser humano ocupa un lugar central. Un filme nada sensiblero pero que contiene una enorme sensibilidad y la descripción de un país que no funciona. Esa es Italia. 

Una película que explica los estragos morales y daños colaterales que dejó el mandato de Berlusconi que colocaba en el centro de la vida el éxito y el dinero por encima de la innata bondad de algunos hombres. Una gran película en definitiva. 

Me gustaba el título, La nostra vida, la vida del común de la gente como tú y como yo que puede quedar varada en el sitio tras una desgracia. Como ya he señalado la película es de Luchetti un director , guionista y actor de cine italiano que se inició junto a Nanni Moretti , y se convirtió en su asistente en la película Bianca. 

Más tarde comenzó a trabajar para su productora , la Sacher Film , que produjo su primera película, Domani accadrà ( 1988) , una parodia ácida del cine de bandoleros (memorable el personaje que interpretaba el gran Ciccio Ingrassia) , con la que Luchetti gana el David di Donatello por la mejor película y participa fuera de competencia en el Festival de Cine de Cannes, donde recibe una mención Caméra d'or . La película se presenta en muchos festivales, como el de Montreal , Bruselas , Río de Janeiro , Tokio , Nueva York, etc. 

Tras eso llegó La settimana della sfinge, de un humor particularmente lunático. Y tocó techo, poco después, con La voz de su amo, una radiografía a la vez divertida y amarga de los tejemanejes políticos soberbiamente protagonizada por Nanni Moretti, también conocida como The bag holder (1991) anticipa de cierta manera el proceso de cambio político que pasará a la historia como "Manos Limpias" . De hecho, la película critica abiertamente algunos mecanismos perversos de la política. La película es el resultado de una fantasía pero, incluso antes de su estreno en los cines, algunos políticos informaron a la prensa que se sintieron ofendidos por haber reconocido parte de su propio comportamiento o el de sus colegas del partido. Este error provocó el éxito de la película y es posible que el nacimiento de esta . Ganó el David di Donatello por mejor guión, mejor productor, mejor intérprete, mejor actriz de reparto. Y gana el Ciak d'oropor mejor película y mejor guión. 

En 1992 supervisó la dirección teatral del espectáculo Sottobanco , basado en las historias del escritor y profesor de secundaria Domenico Starnone , el espectáculo , más tarde, dio vida a la película La Scuola en 1995 . Filmó algunos documentales. 

En 2007 filmó la película titulada Mi hermano es hijo único en la que representa el crecimiento de dos hermanos y su relación a través de los extremismos ideológicos y políticos de los años 60 y 70, con Elio Germano y Riccardo Scamarcio como actores. 

Su siguiente película,es este La nostra vita (2010) que fue la única película italiana aceptado en competición oficial en el Festival de Cannes . En 2013 realiza "Cumpleaños felices una historia parcialmente autobiográfica inspirada en los personajes de su familia y ambientada en el verano de 1974. 

La nostra vita es una producción de Gina Gardini en la que participan igualmente Riccardo Tozzi , Marco Chimenz , Giovanni Stabilini , Fabio Conversi y , como productor ejecutivo Matteo De Laurentiis para las productoras Cattleya , Babe Films , Rai Cinema. 

La película parte del guión escrito por Daniele Luchetti, Sandro Petraglia, Stefano Rulli y cuenta con la música de Franco Piersanti, la fotografía de Claudio Collepiccolo, el montaje de Mirco Garrone y con Giancarlo Basili en la escenografía. 

En cuanto al reparto lo asumen Elio Germano como Claudio, Isabella Ragonese como Elena, Raoul Bova como Piero, Stefania Montorsi como Liliana, Luca Zingaretti como Ari, Giorgio Colangeli como Porcari, Alina Madalina Berzunteanu como Gabriela, Marius Ignat como Andrei, Awa Ly como Celeste, Emiliano Campagnola como Vittorio

Claudio (Elio Germano) es un joven trabajador de la construcción que vive una vida feliz con su esposa embarazada Elena (Isabella Ragonese) que está a la espera de la llegada de su tercer hijo pues ya tienen otros dos hijos. 

Claudio está locamente enamorado de su mujer. Viven en Roma aunque él trabaja en los suburbios de la ciudad en una nueva construcción . Manejan juntas sus dificultades diarias con amor y complicidad. Con ella construyó una relación sólida hecha de complicidad, con la que se enfrentan a vidas cotidianas grandes y pequeñas, tratando de llegar a fin de mes y dar un futuro digno a sus hijos. Tienen una familia extensa con la que se llevan bien y con la que se reúnen regularmente en la casa familiar en las cercanías de Ostia. 

Un día mientras trabaja en la construcción, donde tiene la tarea de revisar el trabajos de su equipo integrado por trabajadores emigrantes y que trabajan sin contrato,  Claudio descubre el cadáver de un trabajador rumano ilegal que murió tras caer por el hueco del ascensor sin protección mientras trabajaba intoxicado por culpa del alcohol y que cayó por el hueco de un ascensor. Pero decide no informar del descubrimiento por temor a que la obra se cierre. 

De cualquier modo esta en un bofetada importante, pero la más dura está por llegar , cuando volviendo de la casa familiar y de una comida en la que Elena manifiesta haber hecho planes para ir ese verano a la Costa Esmeralda sarda , ella se pone de parto. Claudio la lleva junto a los niños al hospital. Cuando espera que desde el paritorio de anuncien el nacimiento del pequeño, la médico y una matrona salen para explicarle que Elena ha muerto mientras daba a luz a su tercer hijo, Vasco, murió de complicaciones posparto. 

Este es el comienzo de una nueva fase vital para Claudio, ya que despojado del amor y la estabilidad que le da Elena , renuncia al cariño, casi a sus hijos, que entrega a su hermana y luego a su vecina Celeste, una ex prostituta de color que vive con un invalido que vende drogas, y ahora se concentra a su dolor pero por una especie de compensación por lo que la vida le ha arrancado, quiere darle a sus hijos amor y atención hechos de bienes materiales. Quiere hacerse más rico y comprar "cosas" para sus tres hijos con la esperanza de hacerlos más felices después de perder a su madre. 

Claudio lo primero que hace es chantajear a su jefe, Porcari, pues ha recogido el móvil de su jefe que estaba junto al cuerpo del rumano muerto, y ahora le exige que le nombre el supervisor de la construcción que está realizando a cambio de su silencio. Así logra obtener la subcontrata. 

El protagonista consigue así hacerse responsable y encargado de la construcción y no solo el negocio de construcción de muros lo que implica tener liquidez para pagarle a los obreros y dar la cara ante el consorcio y las fechas impuesta para el fin de la obra, pues hay una serie de plazos ineludibles. Claudio necesita liquidez y obtiene 50,000 euros de su vecino el impedido narcotraficante Ari para comenzar el trabajo. La cosa parece marchar bien, ya que la empatía de Claudio con los obreros, compañeros hasta hace unos días. 

Sin embargo, un día llega a la obra, la ex amante del rumano, Gabriela (Alina Madalina Berzunteanu) y su hijo Andrei (Marius Ignat) vienen a buscar al hombre desaparecido, pero Claudio no les cuenta la verdad. 

No obstante como se siente responsable, Claudio se queda con la tarjeta de visita de Gabriela y va a visitarla pues tiene un problema es la techumbre del negocio que regenta. Poco a poco da entrada al hijo de Gabriela en su vida cuando lo contrata - contratar es un decir, como trabajador y se lo lleva a casa. Tiene igualmente relaciones sexuales con ella ya que sabe por Andrei la pérdida de su mujer. Andrei , en parte, dedica su tiempo a trabajar y a cuidar de los hijos mayores de Claudio. No sólo le permite quedarse en su apartamento con su familia sino que empieza a tratarlo como un hijo mayor. 

Sin embargo, cada vez más dificultades ponen a Claudio en una situación desesperada , especialmente, cuando la obra no va al ritmo deseado, los pagos a los obreros se retrasan y la devolución de la deuda con Ari, que , a su vez, tiene una deuda con la mafia gitana de Ostia que destroza su apartamento. Claudio pronto se queda sin dinero y tiempo. El trabajo de construcción está retrasado. Claudio tampoco puede pagar a los trabajadores ilegales que renuncian y se llevan el equipo de Claudio. Más tarde, Claudio le dice a Andrei la verdad sobre su padre, y como lo enterró en la obra . Andrei se va, enojado. 

Claudio le pide a Porcari que le dé más tiempo para el trabajo de construcción, pero este lo rechaza así que , finalmente, Claudio recurre a su hermano, Piero (Raoul Bova) y su hermana, Loredana (Stefania Montorsi) para pedir prestado más dinero para el trabajo. Contrata trabajadores italianos , más caros y que, por supuesto cobran en B, y logra terminar el trabajo de construcción. También puede pagar sus deudas con lo que Claudio acaba la obra en tiempo y forma , aunque no gana nada. 

Por último, vemos a Claudio en la fiesta de fin de curso de su sobrina, la hija de Loredada. Allí aprovecha para pagar las deudas a su hermano y cuñado, pero también anima al bueno de Piero a mostrarle a Gabriela su amor. Andrei, sin embargo, todavía está enojado con Claudio ya que como le dice "no todo encaja con el dinero". 

La película termina con Claudio permitiendo que todos sus hijos duerman en su cama que una vez compartió con Elena. Anteriormente, había prohibido a sus hijos jugar, lo que demuestra que ha cambiado su visión de la vida y ahora le da importancia a lo que tiene un valor real. Y no sólo al poderoso caballero Don dinero. Cosí e la nostra vita. 

La productora Cattleya produjo la película de 6,2 millones de euros junto con Rai Cinema y la compañía francesa Babe Films. El proyecto recibió dinero del Ministerio de Cultura italiano , el CNC y Canal + a través de preventas  Tras eso comenzó el rodaje. La película se rodó principalmente en Ostia , en Porta di Roma y en Ponte di Nona. 

''La nostra vita'' es un drama social sobre un hombre que intenta mantener a su familia a flote al mismo tiempo que intenta luchar contra la injusticia establecida en el sistema, tanto la que ve reflejado en los inmigrantes que no tienen otra opción que recurrir a escapar de la ley para vivir como la que oprime los ciudadanos de clase baja, los más indefensos y con mucho que perder. También es un retrato de un momento de Italia en la que el dinero ha sustituido a Dios. Por el dinero cualquier cosa, aunque descubrimos que , finalmente, son los valores de la familia, los que salvan a un Claudio que es al mismo tiempo víctima y culpable de una sociedad del éxito y del dinero. 

Daniele Lucheti, el director del filme, consiguió con este drama -un género diferente al que hasta ese momento había dominado su cine , ser nominado a la Palma de Oro en Cannes en 2010. El actor protagonista, Elio Germano, consigue allí el premio al Mejor Actor (ex-aequo) compartiendo el premio al Mejor Actor con Javier Bardem por su papel en la película mexicana Biutiful dirigida por Alejandro González Iñárritu . 

En los Premios del Cine Europeo fue nominado a Mejor actor (Elio Germano) Mientras que en los Premios David di Donatello consiguió el premio al Mejor director, actor (Germano) y sonido en la persona de Bruno Pupparo, pero fue nominado a la Mejor película (Daniele Luchetti , Riccardo Tozzi , Marco Chimenz , Giovanni Stabilini y Fabio Conversi), Mejor guión (Sandro Petraglia , Stefano Rulli y Daniele Luchetti), Mejor actriz de reparto (Isabella Ragonese), Mejor actor de reparto (Raoul Bova) y Mejor editor (Mirco Garrone) 

En los Premios Nastro d´Argento ( o cinta de plata) consigue el de Mejor actor principal , Mejor actor de reparto (Luca Zingaretti), Mejor actriz de reparto (Isabella Ragonese), Mejor sonido directo (Bruno Pupparo) y nominaciones para Director , Mejor Productor (Cattleya y Rai Cinema), Mejor guión (Sandro Petraglia , Stefano Rulli y Daniele Luchetti), Mejor fotografía (Claudio Collepiccolo), Mejor edición (Mirco Garrone), Mejor banda sonora (Franco Piersanti). 

La película consiguió un par de premios más como el Premio Vittorio Gassman para Elio Germano y fue nominado este actor para los Globos de oro. 

En cuanto a la crítica italiana destaca la de Lietta Tornabuoni en L'Espresso al decir que es una «Parábola moralista para una bonita película cálida, cariñosa, con un realismo muy natural. (...) (muestra) desventuras ejemplifican las relaciones e ilegalidades en el sector; ríndete y encuentra la serenidad. Nada extraordinario, pero toda la película (la única que representa a Italia en competencia en el Festival de Cine de Cannes) tiene una vitalidad y franqueza raras y conmovedoras ». 

Gian Luigi Rondi en Il Tempo afirma que es una película que habla del presente « o a la actualidad de nuestros años tan contradictorios y problemáticos. Sin embargo, comienza con un idilio; Claudio y Elena, esposas jóvenes con dos niños pequeños, que se aman con ternura. Con un problema, la escasez de dinero porque trabaja en una empresa de construcción donde, a pesar de un gerente corrupto, no da un solo momento a la tentación de comportamientos deshonestos y rentables ". 

En Estados Unidos Jay Weissberg en Variety señala que "El débil guión está muy interesado en retratar a los italianos como demasiado centrados en estafar con trucos sucios, pero en su muy cuestionable deseo de encontrar un final feliz, acaba restando importancia a la verdadera crítica social" 

Ya en España Carlos Boyero en El País nos dice que "No hay pretensiones moralistas por parte del director. (...) Todo intenta desprender sensación de realidad, pero esa premisa no garantiza hacer un cine memorable." 

En este mismo diario Javier Ocaña señala que es "Un retrato de la casta (...) donde Luchetti precisamente parece más a gusto. Al menos mucho más que a la hora del drama, donde se revela costumbrista, lacrimógeno y ramplón, casi hortera" 

Sergi Sánchez en La Razón describe que la película de "Luchetti plantea un tenebroso dilema moral para su protagonista, pero el desarrollo de la trama prefiere ponerle contra las cuerdas para luego resolver sus conflictos éticos apresuradamente que ser coherente" 

Antonio Weinrichter en ABC señala que "No sé si Luchetti lo buscaba a propósito pero le ha quedado una fábula didáctica, elocuente y popular que habría merecido los elogios de un Brecht. (...) " 

El divertido y agudo genio como tuitero que es Fausto Fernández, en Fotogramas mas formal, señala que "Su discurso político y social es asombrosamente duro (...) 'La nostra vita' es una bofetada neorrealista" 

Igualmente en esta revista Manu Yáñez afirma que "Empeñado en cerrar todos los cabos del relato, subrayando de forma insistente sus lecciones morales, Luchetti se entrega a un cine excesivamente didáctico" 

Por último en La Vanguardia Jordi Batlle Caminal describe que " La nostra vita es la crónica realista de un hombre corriente de nuestros días (magnífico Elio Germano, premio al mejor actor en el festival de Cannes), encargado de la construcción de un edificio en una zona de perfume inequívocamente pasoliniano, cuya mujer fallece al dar a luz a su tercer hijo. Las incidencias que se producen a partir de la tragedia (los tres niños a cargo de una tía, su relación con los sinpapeles que trabajan para él, los negocios sucios en que se mete) las contempla Luchetti sin forzar nuestras simpatías por el personaje (al contrario: es racista, egoísta y manipulador) y subrayando como leit motiv de acento optimista la frase "e la vita continua anche senza di noi" / "Y la vida continúa incluso sin nosotros"de la canción Anima fragile de Vasco Rossi". 

Para acabar el año y tras ver unas 404 películas -, una arriba , una abajo, aunque he comentado muchas menos- , como ya dije he optado por una película compleja por la pérdida de referencias, por el peso del dinero, por el carácter manipulador del protagonista, por la buena realización de esa gran productora que es Cattleya el grito de la canción de Vasco Rossi que vemos de perfil del protagonista recorrido por sus lágrimas es reflejo del dolor, de la pérdida , del vacío , de la búsqueda del dinero. Una gran película para acabar el año.

Whiteout

Whiteout significa blanquear , pero también hace referencia a una tormenta de nieve incluso a las condiciones climáticas adversas en la que la nieve y las nubes cambian la forma en que se refleja la luz para que solo se puedan ver objetos muy oscuros. Esa luz , en exceso o en defecto, que oscurece la realidad es más o menos lo que no intento mostrar el director Dominic Sena aunque le salió una historia de terror de baja intensidad, que todo hay que decirlo, en la Antártida. 

Se trata de una película de 2009 basada en el cómic de 1998 con el mismo título ideado por Greg Rucka y con ilustraciones de Steve Lieber, y que transformó en película en 2009 bakp la dirección de Dominic Sena, un director que a día de hoy tiene 70 años, natural de Ohio, uno de los fundadores de Propaganda Films, donde dirigió vídeos musicales para Janet Jackson, pero que también es recordado por películas como 'Kalifornia' (1993), con la que debutó, protagonizada por unos muy jóvenes Brad Pitt y David Duchovny, pero con la que no consiguió mucho éxito ya pasaron siete años hasta su siguiente película. 

Más tarde dirigió '60 segundos' (2000), con Nicolas Cage, Angelina Jolie, y Robert Duvall , que remató su carrera con u 'Operación Swordfish' (2001), una película de acción con John Travolta, Hugh Jackman, Halle Berry y Don Cheadle. 

Su última película , pues Whiteout le precedió, fue la fantasía medieval Season of the Witch (2011), aquí vendida como en Tiempo de Brujas. 

​La película fue producida bajo el estandarte de Dark Castle Entertainment por Joel Silver, Susan Downey y David Gambino, bajo el amparo de la productora Warner Bros. Dark Castle Entertainment y la distribución Warner Bros. Pictures contando con un presupuesto de $34 millones​. La película parte de un guión a cuatro manos escrito por Chad y Carey Hayes y Erich y Jon Hoeber inspirada en el cómic Whiteout de Greg Rucka e ilustrada por Steve Lieber. 

La película cuenta con la música de John Frizzell, la fotografía de Martin Hunter y Stuart Baird mientras que el montaje fue de Christopher Soos. El elenco de la película está formado por Kate Beckinsale como la marshall Carrie Stetko, Gabriel Macht como el agente Robert Pryce​, Alex O'Loughlin como Russell Haden. 

Junto a ellos aparecen Columbus Short como Delfy, Tom Skerritt como Doctor John Fury, Shawn Doyle como Sam Murphy, Arthur Holden como McGuire y Bashar Rahal como el piloto Ruso. Igualmente aparecen en papeles menores Jesse Todd, Shawn Doyle, Joel Keller, Arthur Holden, Steve Lucescu, Erin Hicock. 

La historia se inicia en los años 50 cuando un avión ruso de transporte lleva en su interior a un grupo de soldados mientras se desplaza a la altura del polo sur antártico. En un momento dado, el copiloto, en connivencia con el piloto se levanta y ofrece vodka a los soldado de la bodega que lo aceptan. Pero mientras beben el copiloto dispara sobre la cabeza de un compatriota , iniciándose en ese momento un tiroteo que acaba con todos los que vuelan en ese avión que, finalmente, cae al suelo, aunque no llega a explotar sobre la superficie helada. 

Una vez en el presente, descubrimos que estamos en una base científica internacional en la Antártida, el lugar más aislado e inhóspito del planeta. Allí trabaja la agente o marshall Carrie Stetko (Kate Beckinsale) quien se ha ocupado rutinariamente durante dos años de asuntos de seguridad. Se trata de una mujer solitaria que está ansiosa de poder volver a su hogar y que únicamente mantiene una relación de amistad con el Doctor de la base, un veterano Doctor , el Doctor John Fury (Tom Skerritt) que también le comenta que está deseando retornar a casa para ver a su nieta a la que dice adorar. 

Sin embargo, cuando, por fin, llega el momento de volver a su casa, más bien unos días antes, un piloto informa de haber descubre en medio de la nieve el cadáver de un hombre asesinado al pie de una montaña. Ahora bien, todo el personal está a punto de evacuar la base ante la llegada de una gigantesca tormenta, de modo que la agente Stetko dispone de muy poco tiempo para identificar al culpable. 

Tras ser trasladada a la zona de avistamiento Carrie Stetko (Kate Beckinsale) comienza la primera investigación de un asesinato en la fría e inhóspita Antártida, el primero en los dos años de servicio. El caso le desconcierta pues cuando realizan la autopsia se dan cuenta de que la muerte no puede haber sido accidental. 

Pero al averiguar la identidad del agente fallecido lo enlaza con una base científica rusa en la que hay un geólogo amigo. Al llegar , mientras se produce un fenómeno brutal de Blackout descubre que el mismo ha sido asesinado y ella misma logra escapar en difíciles circunstancias de la muerte pues es atacada por el asesino. 

Tras eso se recupera con la ayuda de uno de los transportistas, un hombre de color Delfy (Columbus Short), al que se suma un recién llegado a la Antártida el agente Robert Pryce (Gabriel Macht)​; y ya confirmamos , pues algo pudimos adivinar en escenas anteriores, que ella está traumatizada por una historia previa en Florida que vamos conociendo poco a poco por medio de flashbacks en la que uno de sus compañeros le traiciona. 

Aunque no se encuentra bien, pues en la huída dos dedos se le han congelado, y que serán amputados por el doctor con precisión quirúrgica . 

Lo cierto es que quedan tan pocos días para su marcha , pero ante los asesinatos, los tres de la base se dirigen a buscar la zona en la que estuvieron previamente trabajando los integrantes de la base rusa y allí , tras una sorpresa, descubren el avión siniestrado. Aunque , por momentos se quedan bloqueados y , finalmente , logran salir y lograr retornar a la base principal. 

A su regreso el director de la estación ordena la evacuación dadas las muertes y a la llegada de un invierno de total oscuridad . 

Ahora, la U.S. Marshal tendrá que encontrar al culpable del crimen antes de que la noche de seis meses la alcance a ella y la deje atrapada en ese desierto junto con un asesino. Tras unas dudas iniciales todas las sospechas recaen en uno de los pilotos un chico de origen australiano Russell Haden (Alex O'Loughlin ) que . efectivamente, tras un intenso momento de lucha le confirma que el fue uno de los responsables de llevarse una parte de la carga del avión ruso, aunque desconocemos todavia lo que es. Sin embargo, una vez luchado y vencido en la base queda cuatro personas. 

Ella, Delfy , Robert Pryce y el Doctor Fury. Finalmente , entre ellos está el responsable que , aunque no sea lo habitual, no lo desvelaré. 

La historia de la película comienza en 1999, cuando la Columbia Pictures adquirió los derechos del cómic Whiteout de Greg Rucka y Steve Lieber​ que fue adaptado entre otros por los hermanos guionistas Jon y Erich Hoeber. 

El estudio no tuvo el valor de mantener dos mujeres en los papeles principales y cambio el sexo del compañero de Beckinsdale papel que asume finalmente Gabriel Macht. 

El director Dominic Sena, un fan del comic original, le pidió a uno de los productores, Joel Silver la oportunidad de dirigir la película. 

El rodaje se localizó en Manitoba y Montreal y una parte del rodaje se desarrolló a orillas del Lake Winnipeg. El autor del comic, Greg Rucka, aplaudió la ambientación de la adaptación pero notó que la protagonista era algo más blanda que en el cómic- Lo cierto es que uno de los mejores - de los pocos aspectos positivos de la película- está en el ambiente glaciar de la Antártida que resultan muy vistoso. Ese espacio anekuménico por razón de la nieve, la ventisca que impide la visibilidad a pocos metros o esas temperaturas de hasta 65º C. bajo cero, son los mejor de este film. 

Lo cierto es que la historia flojea en todos los sentidos especialmente ese flashback para contarte el porqué está Kate Beckinsale al igual que las muchas pistas falsas. La película fue lanzada a los cines el 11 de septiembre de 2009 y se recaudación fue de $17,840,867 muy por debajo del costo. Las críticas fueron unánimemente negativas. 

En Variety Lael Loewenstein comenta que "Una mezcla congelada de pistas falsas, incongruente desarrollos de la trama y personajes poco desarrollados que dejarán fría a la audiencia. (...) Una pena, porque a nivel técnico 'Whiteout' tiene sus activos." 

Stephen Farber de The Hollywood Reporter nos dice que "Incluso un mal thriller puede ser entretenido, y esta intriga gore ambientada en la Antártida logra una cierta tonta fascinación... hasta un punto. Entonces se viene abajo por su pura idiotez." 

Ya en España el dilatado proceso no acabó dando resultados y para este país se decidió comercializarla directamente en DVD en el mercado español. 

Beatriz Maldivia destaca que la película es muy plana "no se encuentran a lo largo de la película momentos altos y bajos, que contengan o transmitan diferentes emociones. Aunque las escenas de acción se distingan de las de diálogos, en estas segundas la calma es exagerada, pero no por responder a la inmovilidad de la situación, sino por una insulsa dirección de actores, de la que hablaré más adelante. De entre todo esto, lo peor es que Sena aplasta el posible clímax del descubrimiento del asesino con una conversación igual de poco intensa que la más prescindible. Y prosigue diciendo que "'Whiteout' es, en conclusión, una película para ver sin demasiadas expectativas, sabiendo que tiene como ventajas la ambientación y algunos momentos concretos. No es de lo peor que se encuentra y tampoco motiva parar el reproductor antes de llegar al final, pero no recomendaría su adquisición, salvo para completistas de la filmografía de Beckinsale". 

En ABC se dice que se trata de "Un thriller gélido rodado en Canadá y dirigido por un habitual del suspense y la acción: Dominic Sena ("Operación Swordfish", "60 segundos"). Basado en un cómic homónimo publicado en 1998, el proyecto tardó 10 años en materializarse. En 1999 fueron adquiridos los derechos por Columbia Pictures, pero éstos cambiaron de manos y se escribieron varias versiones del guión. Tras considerar seriamente a Reese Witherspoon como protagonista, finalmente se optó por una especialista del género para el papel principal: la británica Kate Beckinsale, el rostro más conocido de la saga "Underworld". 

El argentino Pablo O. Scholz en Clarín sostiene que "No debe ser fácil construir un thriller cuando el suspenso es nulo. Cuando los cadáveres se suman como hielitos en una cubetera y siempre -siempre- hay alguien que explica lo que estamos viendo." 

Y en La Nación Adolfo C. Martínez comenta que "Dominic Sena, basado en un guión al que no le falta ni la necesaria tensión ni el permanente dramatismo, logró un film que, dentro del muy transitado camino del thriller, entretiene."

Slasher Tiburón

Hay películas que son híbridos. Apuestan por meter en una cocktelera un poco de todo para que salga algo. Si el híbrido es bueno, todo tiene un pase. Pero si es malo, ¡Qué Dios nos coja confesados! pues lo que sale o puede salir puede ser un bodrio o un engendro. Este es el caso de Tiburón 3D: la presa, una película que contiene todos los elementos propios del slasher (chicos jóvenes descerebrados, chicas guapas esculturales, entorno natural y humano hostil, muertes violentas, brutalidad con cierto gusto al gore, aunque , eso sí, aquí no llegue a tanto). Lo cierto es que mientras veía el engendro me acordaba de La Matanza de Texas, de Viernes 13  , la reciente entrega de American Horror Story basada en los 80 u otras del género slasher, aunque , por momentos, me parecia estar viendo algo así como Scooby Doo, pero esta era rematadamente peor.

Además aquí parece que la película , que uno podría plantearse como ideada por contenido y temática con SyFy - lo digo por el muestrario de tiburones que aparecen cercanos a un "sharknado", esa especie que da carácter a la cadena sobre todo en periodo estival, y que aquí casi nos presentados con interés documental por medio de algunos de sus representantes (Tiburón Toro la única especie conocida por ser capaz de sobrevivir en agua dulce, Tiburón martillo, Tiburón Tigre arenero, Tiburón Tigre, Tiburón cigarro , Tiburón Mako y Tiburón blanco)- fue proyectada para gloria del 3D, gloria que funciona a base de los espasmos de la moda - ahora muchas, ahora ninguna.

Se trata de una película del año 2011 realizada en 3-D escrita por Will Hayes y Jesse Studenberg y dirigida por el fallecido David R. Ellis, un director de segunda unidad, con más de treinta años de experiencia en películas como Waterworld (1995), La tormenta perfecta (2000), Harry Potter y la piedra filosofal (2001) y The Matrix Reloaded (2003), pero que salta a la dirección con películas como Destino final 2 (2003), Cellular (2004) , Serpientes en el avión (2006) , Asylum (2008) , nuestra Shark Night 3D (2011) no concluyendo proyectos posteriores al morir en Sudáfrica en 2013 a los 60 años. Se trata de un producción en la que están implicados Chris Briggs, Mike Fleiss y Lynette Howell en la que participan, entre otras, la Universal Studios, Rogue, Incentive Filmed Entertainment Silverwood Films, Next Entertainment o Sierra Pictures invirtiendo en ella $25 millones. 

Como técnicos aparecen Graeme Revell en la música y en el montaje Dennis Virkler o la fotografía de Gary Capo. 

El elenco lo protagonizan Sara Paxton como Sara Palski, Dustin Milligan como Nick LaDuca, Chris Carmack como Dennis Crim, Katharine McPhee como Beth, Chris Zylka como Blake Hammond, Joel David Moore como Gordon,Sinqua Walls como Malik, Alyssa Diaz como Maya así como Donal Logue como el Sheriff Sabin y Joshua Leonard como Red. 

Siete estudiantes de una Universidad de Luisiana, un grupo de chicas y chicos entre los que están una rubia como Sara, un chico que intenta pasar a Medicina Nick, una chica a la que le gustan los tatuajes Beth, un deportista Malik, su novia Maya, un modelo de la escuela de Artes Blake y un atolondrado Gordon deciden celebrar el éxito académico de Malik que le permitirá dar el paso a deportista profesional marchan en coche a la casa de verano de Sara en una tierras bajas en las que hay un lago privado junto a los manglares junto al lago Pontchartrain de Louisiana.

Tras un largo viaje los chicos tienen un incidente con dos mostrencos locales Dennis y su amigo Red. Cuando una pelea está a punto de estallar la presencia de Sara para la bronca ya que Sara ha sido la antigua novia de Dennis.

Una vez abortado el conflicto Sara toma una lancha motora y va a toda prisa a su mansión, aunque en un momento dado es perseguida por el sheriff local Sabin que la sigue hasta la casa, pero que no multa a los chicos al mostrase como amigo de la familia de Sara.

Tras cambiarse, lucir palmito y ponerse un bañador que no se quitarán ya en ningún momento, Nick, Blake, Malik y Maya tomar la barca motora y Malik se dedica a hacer wakeboarding. Mientras éste y el grupo disfruta del agua un tiburón ataca a Malik. Él es capaz de nadar hacia la orilla con el brazo derecho arrancado.

Tras la sorpresa inicial y algún que otro reproche, Nick, como estudiante que pretende ir a la facultad de Medicina realiza una cura con un torniquete y como cree que el brazo se puede reimplantar nada en el lago para recuperar el brazo de Malik.

Sin embargo, nada más tenerlo en sus manos es perseguido por un tiburón, aunque logra llegar al muelle justo a tiempo. Una vez estabilizado Malik deciden que hay que llevarlo al hospital más cercano.

Un grupo de ellos va en el barco con el fin de llevar al hospital, pero la sangre que cae de la herida de Malik atrae a un Tiburón Mako que ataca el barco por lo que Maya cae del mismo y Nick le lanza una soga para que se sostenga de ella.

Mientras Sara lleva el barco a todo velocidad, el Mako se acerca a Maya y le atrapa los pies para luego devorarla. El tiburón después nada hacía la embarcación y se corta el hocico, dañando el timón, provocando que se estrelle contra el aparcamientos de botes de la casa de Sara. A pesar de que el bote explota Sara, Nick y Malik llegan a la arena de la casa de Sara.

Tras la desolación deciden Blake y Beth lanzar bengalas y disparar al aire para llamar la atención ya que las comunicaciones no son posibles. Poco después llegan Dennis y Red y tras ver lo ocurrido con Malik se comprometen en llevar a Beth y Gordon a tierra firme a pedir ayuda.

Durante el viaje en barco, Dennis revela que él y Red pusieron a los tiburones en el lago y que desean alimentarlos con los estudiantes universitarios comenzando así la revisión de la matanza de Texas acuática y con tiburones. Dennis obliga a Gordon a entrar en el agua, negándose y recibiendo un disparo, cayendo al lago.

A pesar de las heridas Gordon nada hasta un manglar, pero es devorado por un atlético tiburón toro. Red y Dennis obligan a Beth a quitarse la ropa, luego la lanzan a la red donde se suponía que iba a entrar Gordon.

Antes de lanzarla nos dan una pequeña lección de National Geographic con el fin de ilstrarnos que son los únicos tiburones que emiten luz. Una vez con la clase dada la chica es atacada por esos voraces tiburones cigarro .

Mientras tanto, Malik - que parece estar revitalizado, aunque sin brazo, se arma con un arpón y se mete en el agua para matar al tiburón que mató a Maya- Pero la herida atrae al tiburón equivocado que resulta ser un tiburón martillo, al que logra clavarle la lanza y matarlo, pero termina más herido que antes ya que , antes le muerde una pierna. Nick y Blake sacan al tiburón a la playa, y encuentran una cámara atada en el vientre en la aleta dorsal del tiburón.

Blake, por enésima vez, decide llevar a Malik a un hospital en una moto de agua. Cuando salen son perseguidos por tiburones, Malik, que está más para allá que para acá, se sacrifica para que Blake escape, pero momentos después éste es devorado por un tiburón blanco.

Mientras tanto el sheriff Sabin visita a Sara y Nick . Les atiende , los calma y para que entren en calor les da ¡¡¡ una sopa de fideos!!!

Al momento Nick se desmaya , aunque Sara y el sheriff piensa que es de la tensión, pero poco después cae el perro de Sara, que también ha tomado la sopa. Ante esto Sara escucha a Dennis y Red en el radio de Sabin hablando, quienes describen como ha sido la muerte de Beth. Sara trata de matar al Sherriff con un cuchillo, pero en ese momento aparece Dennis - si , el que segundo antes estaba en la radio - y la detiene.

Sara le muerde la mano e intenta escapar pero le disparan un tranquilizante para que duerma y se la llevan al barco, mientras, Sabin se prepara para sumergir a Nick en el lago donde unos tiburones tigre areneros lo estaban esperando. Sabin revela que él, Dennis y Red se han inspirado unos documentales de Discovery Channel sobre tiburones y titulado Faces of Death para hacer vídeos donde (hombres con ropa y mujeres en bikini) sean devorados por tiburones.

Sin embargo, Nick con un cuchillo pequeño es capaz de liberarse y , tras tirar, la gasolina de las barcas pulsa el encendedor que hace que Sabin debido a la lata de gasolina se queme y que con sus graves quemaduras se sumerja en el lago. Ante esto Nick lo encierra para ver luego como es devorado por los tiburones.

Mientras tanto Dennis y Red se han llevado a Sara. Dennis revela que está amargado con Sara por haberlo dejado y haberle dañado su cara hace cuatro años con las aspas del motor tras un incidente entre ambos. Red lanza al perro en el agua y poco después Dennis llama a Carl, el hombre de la tienda de cebos, diciéndole que libere al Gran Tiburón Blanco.

Dennis y Red le lanzan sangre de pescado a Sara, que ya está dentro de una jaula en el lago, para que el Tiburón Blanco huela la sangre y ataque a Sara. Cuando está a punto de soltar la jaula definitivamente, Nick se presenta y toma a Red como rehén. Pero Dennis dispara y mata a Red accidentalmente.

Tras eso Nick golpea a Dennis y éste cae al agua. Después trata de liberar a Sara pero Dennis aparece e intenta estrangularlo. Nick por su parte ve al Gran Tiburón Blanco aunque escapa y el tiburón devora a Dennis.

El tiburón tras matar a Dennis trata de pasar entre los barrotes de la jaula de tiburones para matar a Sara, pero Nick mata al tiburón con una lanza explosiva y libera a Sara, aunque ella está inconsciente falta de aire. Tras aplicar el boca a boca, para alegría de Nick, ella se recupera y ambos nadan hasta al barco junto con el perro de Sara, después de haber sobrevivido.

Más tarde un tiburón blanco salta a la pantalla para mostrarnos la grandeza del 3D y, por fin acaba una película cuya mejor virtud es que no es muy larga. Tampoco daba para mucho más.

El rodaje se realizó en el otoño de 2010 en Louisiana, alrededor del Ark-La-Tex y en el lago Caddo en Uncertain, Texas . Los tiburones que aparecen en la película fueron tiburones animatrónicos construidos por Edge Innovations, que anteriormente construyeron tiburones para películas como Deep Blue Sea , Austin Powers en Goldmember e incluso Orca en Free Willy .

Según Walt Conti , jefe de Edge Innovations, se construyeron dos modelos para cada tiburón. Un "atacante" y un "nadador". Cada uno de los cuales requería mecanismos internos muy diferentes. "Los tiburones son un contraste total entre el sigilo y el acecho en crucero y estas intensas explosiones de poder", dice Conti. "Dividimos esos dos comportamientos en dos tipos diferentes de modelos, y optimizamos cada uno para hacer una de esas cosas mejor".

Shark Night 3D recibió críticas negativas de los críticos a pesar de que tuvo una recaudación de $40,136,479

A pesar de que no hay por donde cogerla de ella escribió Roger Moore en Orlando Sentinel "100 minutos carentes de suspense y personalidad sobre unos tiburones cenándose a unos chavales atrapados en un lago de Louisiana (...) "

Rober Abele de Los Angeles Times dice de la misma que "Los tiburones lo tienen bastante mal como depredadores en peligro de extinción e incomprendidos con una imagen terrible de las relaciones públicas sin ver su estrellato asesino en serie ahogado por la mala actuación y la villanía de tortura. "  

Jeanette Catsoulis del New York Times afirma que "El resultado es una película que no es horrible, exactamente, simplemente tonta: cuando los dientes más extraños en la pantalla no pertenecen a uno de los tiburones de Walt Conti, sino a un "chico bueno" llamado Red, sabes que tienes un problema"

Por último, Linda Banard del Toronto Star dijo de ella " Los tiburones son de goma y las actuaciones son de madera y eso es casi todo lo que necesita saber."

Ya en  España Sergi Sánchez en La Razón señalaba que "Carece del sentido del humor necesario para que sus delirios sean tomados en serio. Si le añadimos que los ataques subacuáticos son anticlimáticos, y que las víctimas potenciales nos importan un comino, tendremos una película completamente inútil" 

Para José Manuel Cuéllar de ABC "Habría sido más que interesante obviar determinadas escenas que mueven al jolgorio general y que lastran una película que, de per se, tampoco tiene muchas más vueltas" 

Quim Casas en la edición barcelonesa de El Periódico señala que "Su trama es tan rocambolesca que ni la hubiera firmado un guionista de cintas de terror de serie B de los 40 (...) " 

En  Argentina Diego Batlle en La Nación dice que "Sadismo es lo que sobra en esta película (...). Lo que le falta, en cambio, es capacidad para sorprender, divertir (...) y entretener: un pecado mortal." 

Horacio Bernades en Página 12 comenta que "Adrenalina, crueldad y disparate son las aguas que mejor nada Mr. Ellis." 

Santiago García en Tiempo Argentino dice que la película está "Lejos de 'Piraña 3D' y a años luz del clásico de Spielberg [Tiburón], la propuesta hace agua por donde se la mire." 

Isabel Croce en La Prensa "No tiene ninguna virtud que pueda destacarlo en su género. Todo es previsible, los trucos son bastante ingenuos, los animatronics gritan "no soy real" y no podemos divertirnos ni enloquecernos con ese grupo de adolescentes." 

 Leonardo D’Espósito en la revista Noticias escribe que "El resultado quizás no está a la altura de otros de sus films, [de Ellis] pero la creatividad para la truculencia y el ritmo constante hacen de la película un verdadero ejercicio de aquella gloriosa Clase B, que aún sobrevive en estos artesanos locos por el cine. 

Por último Diego Curubeto en Ámbito Financiero "Esta mala copia de 'Piraña 3D' con tiburones de todo calibre no deja de ser entretenida, gentileza del absurdo guión que intenta combinar la típica película de jóvenes en peligro."

Yo , por mi parte, ya lo he dicho, no hay por dónde coger este disparate. Y lo peor de todo, es que no es ni divertida.

El regador regado

Hoy esta película ha cumplido 124 años. En el año 1998 la pude ver en un curso sobre el primer centenario del cine, coincidiendo con el año de la primera emisión de la obra de Lumière. Hoy esta obra junto con otras cumple años, así que está es la razón por la cual pasa por aquí. 

Ya que llevamos unas semanas remitiéndonos a los pioneros como Méliès lo justo es hablar ya de los creadores los Hermanos Lumière creadores del cinematógrafo y la primera obra de ficción elaborada por ellos conocida como El regador regado o L'Arroseur Arrosé que data del año 1895 y que fue su segundo filme proyectado en aquella determinante sesión para la historia de los inventos, pero sobre todo para la historia del séptimo arte como fue la primera sesión de cine por la que se pagó una entrada al exhibirse el 28 de diciembre de 1895 en el Salon Indien du Grand Café. Aunque fue exhibida en primer lugar en un sótano parisino el 10 de junio de 1895. 

Esta es una de las adaptaciones de una tira cómica del francés Hermann Vogel, popular en las sesiones de linterna mágica. En su primera versión cinematográfica se tituló Le Jardinier et le Petit Espiègle y la segunda, Arroseur et Arrosé. Esta última fue la única en ser inscrita en el catálogo Lumière. 

Lo importante de este poco más de medio minuto reside en el hecho de ser la primera película de ficción de comedia , con argumentos o trama, con personajes (François Clerc y Benoît Duval ) que interpretan una idea de Louis Lumière y la que está considerada como la primera comedia de la historia del cine. Es algo tan simple como un hombre que riega, un jardinero, un jardín con su manguera , un niño que la pisa, el agua que se corta, las dudas que le surgen al que riega, el descubrimiento de la realidad en el momento en el que el segundo inspecciona la manguera para ver qué ocurre, el muchacho levanta el pie y el hombre acaba empapado, empezando la persecución para darle su escarmiento al niño , la dura realidad que acaba en unos sopapos en el culo del niño y ya tenemos un documento histórico y cinematográfico pues contiene las bases de una narración cinematográfica: presentación, nudo y desenlace. 

Es la primera película en la que un actor cobra por aparecer en ella, en este caso el jardinero de los Lumière, François Clerc y la primera para la que se diseñó un afiche publicitario. En los carteles anteriores se promocionaba la calidad de la técnica, pero no la película en concreto. El cartel fue pintado por Marcellin Auzolle, y en él aparece el jardinero mientras el agua le salpica la cara. 

Al parecer, se intentó rodar la escena primero con uno de los hijos de Louis Lumière haciendo de pillastre, Edouard, pero tenía diez años y no fue capaz de parar el empuje del agua en la manguera, de modo que se repitió la escena con Léon Trotobas, que tenía 22 años. 

También se ha dicho que Louis Lumière se inspiró en una travesura de su hijo Edouard, pero es más probable que se inspirara en los dibujos de Vogel, que forman parte de un cómic de 1887 titulado L’arroseur, con lo que también se convierte en la primera adaptación cinematográfica de un cómic. 

La escena fue rodada en el jardín de la propiedad de los Lumière en La Ciotat. Se llamaba Les terres rousses, y todavía existía en 1960. El jardinero trabajaba para los Lumière, y el chico, Léon Trotobas, era un joven electricista de la fábrica. 

En 1896, se rodó una tercera versión más elaborada en Montplaisir, Lyon. En este caso, el jardinero era el mismo, pero el papel del chico lo hizo el hijo de un carpintero de la empresa, Benoît Duval. En francés, l'arroseur arrosé (el regador regado) se usa para definir a alguien que termina víctima de sus propias bromas. 

Además de las tres versiones de Louis Lumiére, se rodaron Arroseur et arrosé, de Francis Doublier, y el corto del mismo título de 1897 de Alice Guy. Georges Méliès y Edison realizaron otras versiones. François Truffaut le hizo un homenaje en una escena de Les mistons, de 1958. 

En filmaffinity se dice que es "Simple, directo y efectivo. Uno de los primeros gags de la historia del celuloide, que arrancó la carcajada del entonces inocente y sorprendido público. " mientras que en la Wikipedia lo señalan como "Es el primer slapstick de la historia del cine. " Y puede ser cierto, pero ya llegarán Chaplin, Keaton, Harold Lloyd  y compañía

Nueva revisión de Tintín

La verdad que cada vez que veo The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn me gusta más. Y eso que cada vez entiendo menos a los belgas , aunque cada día me cae mejor este Tintín aventurero, junto con Milou, su perro, y el Capitán Haddock , aquí santo y seña de una película que lo coloca en el centro de su huracán personal, bebida y alucinaciones incluidas. Fui al estreno que tuvo lugar a finales del 2011. 

Quiero recordar que ya, para entonces,  había ido al Museo del Cómic de Bruselas, esa ciudad que no tiene claro si es belga, flamenca o , simplemente , surrealista. Eso sí que es cierto. Allí me reencontré con Tintín aunque la verdad me reencontré con él cuando mis hijos nacieron y les fui comprando , por un lado, los cómics, y , por otro, la serie animada que hizo el mismo Hergé. 

Poco después de la muerte de Hergé en 1983 ,  Spielberg adquirió los derechos de Tintín y los volvió adquirir en 2002. 

El rodaje de esta película debía iniciarse en octubre de 2008 y la película iba a ser estrenada en 2009 o 2010. Se retrasó a 2011 después de que Universal optara por no producir la película con Paramount, quien proporcionó treinta millones de dólares para la preproducción. Sony optó por coproducir la película. El retraso dio lugar a que Thomas Brodie-Sangster, quien había sido elegido como Tintín, abandonara el proyecto. 

Lo cierto es que Steven Spielberg tuvo la suerte de contratar a un grande como Steven Moffat, así como a Edgar Wright, Joe Cornish que adaptaron tres cómics de Hergé protagonizados por Tintín: El secreto del Unicornio (1943), El cangrejo de las pinzas de oro (1941) y El tesoro de Rackham el Rojo (1944). 

Una vez tejidos los diálogos y las historias no tuvo mejor idea nuestro Spielberg conjuntamente junto a su productora Amblin Entertainment , a la que se sumaron la Paramount Pictures y la Columbia Pictures con la distribución de Sony Pictures Entertainment (SPE) que contratar a John Williams para la música e incluir una banda sonora que no frene en un momento y que acompaña de principio a fin a los fotogramas animados que dieron vida actores de la talla de Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, Simon Pegg, Nick Frost, Daniel Mays, Toby Jones, Enn Reitel, Joe Starr, Mackenzie Crook, Kim Stengel, Gad Elmaleh, Tony Curran, Cary Elwes, Sebastian Roché.

De este listado es muy probable que Jamie Bell, Andy Serkis, Nick Frost y Simon Pegg retomen sus personajes de Tintín, Capitán Haddock, Hernández y Fernández, respectivamente vuelvan a ser los protagonistas que hay detrás de las figuras en plano ya que volverán para la segunda entrega , aunque ya no la dirigiría Spielberg, sino Peter Jackson . 

Spielberg declaró que " yo estaré produciendo. Tenemos un guion y vamos iniciar la captura de movimiento probablemente a finales de año. No puedo asegurarlo, pero esperamos que la película salga en las navidades de 2015. Sabemos en qué libros se basará la historia, aunque no puedo revelarlo de momento. Estamos combinando dos libros que Herge siempre tuvo la intención de combinar". Se ve que nada es fácil o al menos lo parece.

El productor Peter Jackson, cuya compañía, Weta Digital, hizo la animación digital, ha declarado en alguna ocasión que estaba interesado en dirigir una de las secuelas secuelas, de las dos previstas, que sería o llevaría el título de Las Aventuras de Tintín: Prisioneros del Sol, y que , en principio, se estrenaría a lo largo del 20 aunque Spielberg y Jackson también tienen la esperanza de codirigir la tercera película. 

La historia ya la conocemos, pues la hemos descrito es tres ocasiones con esta, pero el mérito se concreta en los Premios que se llevó como fueron el de Mejor largometraje de animación en los Globos de Oro, las 5 nominaciones en los Premios Annie aunque se llevó únicamente el de Mejor música y efectos animados. También se llevó una nominación al Oscar a la Mejor banda sonora. En los Satellite Awards consiguió el Premio al Mejor largometraje animación aunque fue nominada al mejor Mejor guión adaptado. La misma idea tuvo la Asociación de Críticos de Los Angeles al premiarle por lo primero. 

En el Reino Unido fue nominada tanto al mejor film de animación y efectos visuales en los Premios BAFTA. 

De ella han hablado y escrito , en general, muy bien críticos varios como  Jordan Mintzer en las páginas de The Hollywood Reporter quien escribió que es "Una película de aventuras a la antigua usanza que te recuerda al director que hizo aquellas cintas trepidantes y llenas de acción de los años 80. (...) una adaptación visualmente deslumbrante." 

Leslie Felperin de Variety comenta que "Claramente rejuvenecido por su colaboración con el productor Peter Jackson, y bendecido con un guión inteligente y el mejor equipo posible, Spielberg ha diseñado un emocionante viaje que es enormemente fiel al espíritu de su fuente, y al tiempo atractivo para los más jóvenes" 

Por su parte, Peter Travers de Rolling Stone comenta que es "Un volcán de ideas creativas en plena erupción (...) 'Las aventuras de Tintín' llegan a casa para ese niño interior que quiere salir y correr libremente (...) " 

En el Reino Unido Xan Brooks del The Guardian afirma que "Lo mejor del Tintín de Spielberg sigue estando en las páginas. (...) Aunque los grandes paisajes son impresionantes, los detalles humanos son notablemente deficientes. (...) " 

David Edwards del Mirror señala que es "Un fabuloso entretenimiento a la antigua usanza (...) Una de aventuras y acción enormemente disfrutable, llena de peleas, persecuciones, grandes personajes y ágiles diálogos." 

Ian Nathan del Empire entiende que la película está "Llena de acción, preciosa y caprichosamente fiel. Hergé pensó en Spielberg como el único director capaz de rodar Tintín. Estaba en lo cierto. (...)" 

Ya en España Luis Martínez desde El Mundo afirma que "Desde los brillantes títulos de crédito, la sensación de estar presenciando algo completamente diferente y profundamente divertido se apodera del espectador hasta más allá del final." 

Alberto Luchini también en este diario señala que es "La película más espectacular de su filmografía (...) proporciona 107 minutos de disfrute impagable, a lo largo de los cuales no molestan ni siquiera las dichosas gafitas del 3D" 

Carlos Boyero en El País afirma que "Admiro la vitalidad y la sabiduría de su creador, pero tampoco me dejan ningún poso (...) Una dirección primorosa, una carísima y digna aunque no memorable película de aventuras, un Indiana Jones en dibujos animados." 

Salvador Llopart de La Vanguardia sostiene que es una "Buena película de entretenimiento, capaz de atrapar el espíritu de las aventuras del famoso personaje (...) Pero que, desgraciadamente, en esa captura (de movimiento), pierde buena parte de su efectividad a través de los ojos vacíos de sus personajes" 

Sergi Sánchez en La Razón dice de ella que es "Una película que arrasa con todo, que no deja un segundo de respiro al espectador y que es una delicia de cabo a rabo, un elogio puro y frenético al poder de la imaginación" 

Desde la edición barcelonesa de El Periódico Desirée de Fez comenta que "Es formalmente poderosa y alucinante, y comedida en lo emocional y acertada en el humor, pero su verdadera fuerza está en el sentido del espectáculo y la maravilla que comparten Spielberg y Peter Jackson (...) " 

En ABC Federico Marín Bellón escribe que "Todo es tan perfecto que apenas queda espacio para nuestra imaginación lectora (...) resulta imposible bajarse de la montaña rusa de sus escenas de acción superlativas" 

Desde Fotogramas Jordi Costa sostiene que "Algunas set-pieces cargan la pantalla de auténtico genio cinematográfico (...) una película discutible en sus formas, pero irreprochable en su impacto (...)" 

Carlos Marañón en Cinemanía dice que "Spielberg consigue que se le olvide a uno el cómic (...) Cada plano es como una caja de muñecas, una obra maestra de orfebrería en la que el motion capture y el 3D demuestran que empieza a no haber límites (...) " 

En Argentina Diego Batlle en La Nación defiende la idea de que "Spielberg no sólo sale indemne sino incluso triunfante del reto tecnológico y del riesgo implícito de traicionar a los celosos cultores del arte de Hergé: la narración es bella y fluida, divertida y vertiginosa" 

Pablo O. Scholz en Clarín dice que es "Una montaña rusa imposible de detener." Una idea muy interesante es la de Horacio Bernades que en Página 12 dice que "Steven Spielberg llevó a la pantalla la clásica historieta de Hergé siendo fiel al original pero sin veneración genuflexa, lo que resulta en el mejor Tintín posible" 

Santiago García en Tiempo Argentino comenta que es "Un relato perfecto, lleno de aventuras y humor, donde hasta la secuencia de títulos del comienzo es apasionante." 

Aunque ya lo he dicho en otras ocasiones en esta destacaré que no hay película más adecuada para una noche de Nochebuena que esta pues combina en una auténtica montaña rusa . aquí más bien marroquí, diversión , misterio , suspense, aventuras a un ritmo endiablado, sin descanso, sin resuello y buen humor. Este es el cine que me encantaba con diez años, con veinte, con treinta , con cuarenta y con cincuenta. Aquí la novedad y la maestría está en la tecnología y en la genialidad de una narración que da un poco de pena que acabe. Pero , lo importante, nos quedan dos más.

La casa del diablo Méliès

Aunque esta noche sea Nochebuena hoy he apostado por ver esta caso del diablo creada por el gran Méliès bajo el título Le Manoir du Diable. Se trata de la primera película de terror que contiene desde lo fantasmagórico pasando por la idea del vampirismo visible en ese murciélago con el que se inicia la historia para hacer de esta película silente - así también se llama al cine mudo- y que apenas llega a los tres minutos una de las pioneras de un género que , como gran parte de ellas, fue iniciado por Méliès y su productora , la francesa Star Film, allá por el año 1896. 

Como era habitual en Méliès contará, aunque no se le identifique directamente con su habitual musa, Jeanne d'Alcy, más tarde su señora, junto a el actor Jules-Eugène Legris, según defendió el historiador de cine Georges Sadoul quien postuló la hipótesis de que el diablo en la película fue interpretado por Legris,​ un mago que realizaba espectáculos en el Teatro Robert-Houdin en París, y que más tarde hizo su aparición en 1902 de la famosa película de Méliès, Viaje a la Luna. 

Aquel mismo año y poco antes que esta hizo, multitud de películas, muchas de ellas perdidas , como Les Ivrognes (1896). Se desconoce si la película fue lanzada a finales de 1896 o principios de 1897. 

La película se abre con un gran murciélago volando en el interior de lo que se supone un castillo. En un momento dado el murciélago que sobrevuela la habitación se convierte repentinamente en el Diablo. 

Tras el mismo descubrimos a Mefistófeles que se mueve alrededor de un caldero que ha surgido de la nada creando , inicialmente, un ayudante, que lo ayuda a conjurar a que salga del mismo una mujer. La misma sale de la habitación y entra en un receptáculo. 

Una vez con la chica fuera de plano, el jefe de ceremonias hace desaparecer a su ayudante que se introduce por debajo del caldero que igualmente desaparece. 

De la sala van desapareciendo todos los protagonistas es especialmente cuando se coloca Mefistófeles la capa. 

Tras un instante aparecen dos caballeros que hablan entre sí hasta que el asistente del diablo aparece y les pincha con la horca que lleva en la mano en la espalda antes de transportarse instantáneamente a diferentes áreas de la habitación, confundiendo a la pareja y haciendo que uno, muy asustado, huya. 

El segundo de los caballeros se queda y va viendo como una calavera esquelética se coloca a su espalda sufriendo de inmediato con numerosos trucos contra él, como el movimiento de los muebles a su alrededor y la aparición repentina de un esqueleto. El caballero no se inmuta, utilizando una espada para atacar el esqueleto, que luego se transforma en un murciélago, que más tarde vuelve a ser Mefistófeles, que , una vez que vuelve a contar con su ayudante, conjura a cuatro espectros para someter al hombre. 

Recuperándose del ataque de los espectros, el hombre está visiblemente aturdido y saca a la mujer del caldero, quien lo impresiona con su belleza. Mefistófeles luego la convierte en una vieja bruja marchita frente a los ojos del hombre, y luego de nuevo aparecen los cuatro espectros o algunos más. 

El segundo caballero regresa y, después de una breve demostración de valentía, huye de nuevo, esta vez saltando por encima del borde del balcón. Después que los espectros desaparecen, el caballero se enfrenta cara a cara con el Diablo y blande en su mano un gran crucifijo, lo que hace que el demonio desaparezca acabando así la película. 

La mansión del diablo fue filmada en el jardín de la propiedad de Méliès en Montreuil, con un paisaje pintado de fondo. 

La película fue lanzada por el estudio de Méliès, comúnmente conocido como Star Film Company, y contaba con los números 78 a 80 en sus catálogos. El filme se presumía perdido hasta 1988, cuando fue encontrada una copia en el New Zealand Film Archive.

Lo importante de este filme pionero es ser una pantomima cómica y teatral que nos presenta una historia de terror que cuenta con el Diablo, un murciélago que pudiera asimilarse a un vampiro, una bruja, espectadores, esqueletos y varios fantasmas. La intención de Méliès era divertir y causar estupor en las audiencias más que miedo. 

Sin embargo, debido a sus temas y personajes, técnicamente puede considerarse la primera película de terror (y, como incluye una transformación que involucra a un murciélago, incluso se la ha llamado la primera película de vampiros). En ella Méliès vuelve a utilizar la parada de cámara a lo largo de todo el film para incluir el truco de sustitución de elementos.​ 

La película también es innovadora en extensión al ser de una duración que supera los tres minutos, algo ambicioso , y todo un reto para su época más aún cuando quiere introducir una narración con introducción, nudo y desenlace. Todo un avance. Afortunadamente el New Zealand Film Archive la rescató del olvido en 1988. Una suerte para nosotros ver a la casa del diabólico Méliès.

Campeones

Multipremiada película del año 2018 que ha sido reconocido con todo tipo de premios y menciones pues toca la fibra más sensible y que ha hecho lo indecible por visibilizar la discapacidad desde una óptica sensible, pero sin caer en el sentimentalismo. 

Gran parte del éxito de la película reside en el madrileño Javier Fesser, un director que debutó en 1994 con el cortometraje 'Aquel ritmillo' . Este le permitió ganar un Goya al Mejor Cortometraje de Ficción. A partir del mismo Javier fue construyendo su carrera con una personalidad y estilo propio en el que humor y toques de sátira acompañan a historias en las que el lado humano tiene mucho peso. He leído que parte de esta responsabilidad recae en alguna de sus referencias cinematográficas como la del animador y genial Chuck Jones o con el del francés Jean-Pierre Jeunet así como el sentido visual que uno adquiere tras pasar años como director de publicidad. 

Su primer largo fue una surrealista historia la de 'El milagro de P. Tinto', que mezcla lo extravagante con la ternura y con su sentido estético. Tras esta vinieron otras películas como las dos adaptaciones de Mortadelo y Filemón - "La gran aventura " y "Jimmy el Cachondo"- , la tremenda -por lo magnífica y lo terrible- Camino, siempre al amparo de su productora Pendelton. 

En este caso la película cuenta como productores con Gabriel Arias-Salgado, Alexandra y Pilar Lebret , así como Álvaro Longoria y Luis Manso por medio de las productoras Morena Films, Películas Pendelton y Movistar+, y el apoyo que vino con la participación de TVE y Universal Pictures International Spain. Contó con un presupuestos de 500.000 euros. 

El guión fue escrito por David Marqués, responsable entre otras de Aislados, Dioses y perros y Javier Fesser. 

La película contó con la música de Rafael Arnau y la fotografía de Chechu Graf, El editor fue el mismo Javier Fesser mientras que la labor de casting fue Jorge Galeón. 

El reparto lo integran Javier Gutiérrez como Marco Montes, Juan Margallo como Julio Montero Ruiz, Athenea Mata como Sonia, Luisa Gavasa como Amparo Gutiérrez, madre de Marco, Daniel Freire como Francisco Carrascosa, Mariano Llorente como Iván Bajero, Itziar Castro como Madre de Jesús, Luis Bermejo como Antonio, Laura Barba como Jueza, Julio Fernández como Fabián, Sergio Olmos como Sergio Costa Zorrilla, Jesús Lago como Jesús Lago Solís, José de Luna como Juanma, Gloria Ramos como Collantes, Fran Fuentes como Paquito, Alberto Nieto Fernández como Benito Recuenco Valdegómez, Vicente Gil como Sr. Yepes, Roberto Chinchilla como Román, Stefan López como Manuel y Jesús Vidal como Marín.

Marco Montes (Javier Gutiérrez), que atraviesa numerosos problemas profesionales y personales que lo han convertido en un hombre amargado y arrogante, y que es segundo entrenador del Estudiantes, se enfrenta alterado en mitad de un partido al primer entrenador y lo empuja contra el banquillo. Poco después y una vez que es expulsado del club decide salir y beber. Tras emborracharse choca contra un coche de la policía y es detenido. 

Tras un juicio rápido, una jueza lo condena. Marco tiene que decidir ir a la cárcel por dos años o pasar 90 días realizando servicios comunitarios. Marco deberá escoger entre 18 meses de cárcel o 90 días de servicios comunitarios en una Asociación de disminuidos psíquicos entrenando un equipo de baloncesto llamado "Los Amigos", integrado por deportistas con diversas discapacidades. 

Tras entrevistarse con el director del centro social, Julio (Juan Margallo) , conoce al que será su equipo de jugadores compuesto por Manuel, Paquito, Jesús, Sergio, Fabián, Juanma, Benito, Marín (Jesús Vidal) - sobrino de la jueza- y, más tarde, Collantes. 

En un primer momento, la noticia no será bien aceptada por el protagonista, dado que considera un castigo excesivo por parte de la jueza, tía de uno de los jugadores, Marín, pero, además lucha por conseguir por un lado el cariño de su madre, Amparo ( Luisa Gavasa) con la que no se entiende y ha vuelto a vivir, así como con Sonia (Athenea Mata) , su mujer, una mujer a la que quiere , pero con la que no comparte su deseo de ser madre. 

Poco a poco descubrirá y se dará cuenta de todo lo que le queda por aprender de este grupo se personas a las que entrena , del desconocimiento - y casi miedo- que tiene la sociedad hacia las mismas, rechazándolas cuando no despreciándolas como la triste escena en la que los pasajeros de un autobús procedente de Cuenca se pillan un monumental cabreo al tener que compartir el vehículo con el grupo de discapacitados o de la enorme humanidad y la capacidad que tienen, puesto que cada uno tiene unas capacidades. 

Al final de la misma, tras enfrentarse con diversos rivales, pueden jugar un partido decisivo contra un equipo de Canarias, descubre que el grupo le aporta más de lo que él les da. Además recupera a su mujer y el reconocimiento por parte de los profesionales de este deporte. 

La película está inspirada en la historia del equipo de baloncesto Club Deportivo Aderes de Burjassot, en Valencia, formado por personas con discapacidad intelectual, que ganó doce campeonatos de España entre 1999 y 2014 y , tras leer, una noticia que hablaba de Ramón Torres, capitán del equipo paralímpico al que retiraron la medalla de oro que ganó en los Juegos de Sidney 2000 al considerar que varios miembros del equipo no tenían “la suficiente deficiencia intelectual”. 

La película se rodó entre abril y julio de 2017 durante aproximadamente nueve semanas en diversas zonas de la Comunidad de Madrid y de la provincia de Huelva. 

El director tuvo claro desde el principio que la honestidad, el respeto, el humor y la ternura tenían que ser las notas predominantes de una película, que huye de la condescendencia. Tal y como declaró en Fotogramas “La inocencia que destilan todos los actores, su falta de prejuicios, esa limpieza, tan infantil, de mirada y de alma. Tenía la sensación de estar trabajando con niños, pero no porque fueran inmaduros, sino por todo lo contrario, por la madurez que hay que tener para convertir cada pequeño reto del rodaje en algo ilusionante"

Sobre la elección de Javier Gutiérrez, Fesser señaló en esa misma revista que “Hace dos años rodé con él el corto 'Servicio técnico' y ahí confirmé que compartimos lenguaje y sentido del humor. Cuando surgió 'Campeones', supe que era el candidato perfecto para personificar las dos cualidades de la película que he mencionado: ternura y humor. Javier ha sido mi aliado fundamental en el rodaje. Yo, detrás de la cámara, y él, desde delante de ella, controlándolos”, confesaba el director. 

Los discapacitados intelectuales que conforman el reparto (Alberto Nieto, Roberto Chinchilla, Jesús Vidal, Jesús Lago Solís, Fran Fuentes, José de Luna, Sergio Olmo, Gloria Ramos, Alberto Nieto Fernández, Julio Fernández y Stefan Nieto) salieron de un casting por el que pasaron 600 aspirantes. 

El director relataba en Fotogramas que “Aunque nos hemos quedado solo con diez, todos han participado en el resultado porque inspiraron frases, gestos, detalles y reacciones que ven en pantalla. Gracias a ellos he conocido en profundidad el mundo de estas personas, que me enamoró desde el principio”. Además, destacaba la autenticidad con la que han trabajado: “Buscaba la capacidad de emocionar y encontrar la verdad. Y el hecho de que sean discapacitados no ha supuesto ninguna dificultad extra. El auténtico desafío ha sido filmar una película coral con diez personas que no son actores. Han suplido su falta de experiencia con un entusiasmo envidiable”. 

Además la mayoría de los actores de la película no habían jugado nunca al baloncesto, por lo que pasaron los dos meses previos al rodaje entrenando con Andrea González, preparadora de los madrileños Los Raperos de Ademo. Durante ese tiempo, los chavales aprovecharon para hacer piña y crear ese buen rollo que traspasa la pantalla grande y en el que no tiene cabida ni el más mínimo ápice de competitividad. 

Fesser decidió contratar a discapacitados intelectuales no solo como miembros del reparto sino también en los departamentos de producción, catering… El director además tiró de actores que estaban alejados de la pantalla como Daniel Freire, que no trabajaba en cine desde que rodó 'Cruzados' en 2013; o Athenea Mata, que no aparecía desde 'Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo' de Fesser dirigió en 2014. 

Muchos de los actores que han trabajado con Fesser aseguran que nunca saben cuándo ha comenzado a rodar. La razón se debe a que el director cree que en esos momentos previos a la claqueta es donde se pueden producir reacciones imposibles de reproducir después de gritar 'acción'. Un material que, a la vista está, no está dispuesto a desaprovechar. 

David Marqués escribió un primer borrador del guion, que Fesser modificó y cuya tercera versión acabó siendo el texto definitivo firmado por ambos. Para ello, contaron con el asesoramiento de asociaciones como Plena Inclusión o el Grupo AMÁS que, además, ayudaron en el proceso de selección de los actores 

La película se estrenó el 6 de abril de 2018. La primera semana de estreno la película consiguió una recaudación estimada de 1.977.994 euros y superó los 250.000 espectadores. "Campeones" se colocó como el mejor estreno de una producción española desde "Tadeo Jones 2: El secreto del rey Midas", en agosto de 2017, y alcanzó un promedio de recaudación por cine y pantalla de 6.844 euros y 3.909 euros, respectivamente. 

La película fue vista hasta la fecha por 3.272.677 espectadores y he leído que fue la película más vista en el día de ayer. La banda sonora corrió a cargo de Rafael Arnau (colaborador habitual de Fesser), pero además cuenta con la canción "Este es el momento" compuesta e interpretada por Coque Malla. La cinta fue elegida para representar a España en la 91.ª edición de los Premios Óscar en la categoría Mejor película de habla no inglesa. Pero no pasó el corte . 

No obstante fue la más taquillera de 2018 y la ganadora del Goya a mejor película , consiguiendo igualmente el de actor revelación para Jesús Vidal y mejor canción de Coque Malla de las 11 nominaciones que tuvo entre los que se encontraban Mejor dirección para Javier Fesser , Mejor guion original (David Marqués y Javier Fesser), Mejor actor protagonista (Javier Gutiérrez), Mejor actor de reparto (Juan Margallo), Mejor actriz revelación (Gloria Ramos), Mejor sonido (Arman Ciudad, Charly Schmukler, Alfonso Raposo), Mejor dirección de producción (Luis Fernández Lago ) y Mejor montaje (Javier Fesser). 

Javier Fesser sí ganó el Premio Feroz a la mejor comedia , aunque obtuvo 4 nominaciones. Por su parte, el actor asturiano, Javier Gutiérrez -ganador de un Goya, un Feroz y un Fotogramas de plata por "El autor" (2017) y de la Concha de plata por "La isla mínima" (2014), entre otros muchos premios-, fue nominado. De cualquier manera los actores y actrices destacan en su trabajo entre ellos Athenea Mata, Juan Margallo, Itziar Castro, Luisa Gavasa y Daniel Freire, además de los actores debutantes que dan vida a los integrantes del equipo de baloncesto al que obligan al protagonista a entrenar, como Jesús Vidal, José de Luna, Fran Fuentes, Sergio Olmos, Alberto Nieto Ferrández o Gloria Ramos. 

En los Premios Ariel fue Nominada a mejor película iberoamericana. En los Premios Forqué obtuvo Mejor película y Premio al cine en educación en valores. En los Premios Platino consiguió el Premio Cine y Educación en Valores siendo nominada para mejor película iberoamericana de ficción , Mejor dirección, Mejor Interpretación masculina en la persona del actor asturiano Javier Gutiérrez , Mejor Guion (Javier Fesser y David Marqués). 

Consiguió las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos como actor revelación en la persona de Jesús Vidal. En los Premios Sant Jordi de Cinematografía la película ganó la Rosa de Sant Jordi a la mejor película española. 

En general la película obtuvo una critica positiva general en toda la prensa en español. Alberto Luchini escribió sobre ella en El Mundo que era "Es muy divertida, a ratos divertidísima, y retrata a unos personajes que destilan humanidad, dignidad, bonhomía y generosidad (...) una de las propuestas españolas más recomendables de los últimos meses (…) " 

Carlos Boyero en El País escribía que "[La] veo y escucho con cierto agrado (....) ha sorteado otros peligros como el ternurismo (...) Es una película extraña. En el buen sentido." 

Oti Rodríguez Marchante en ABC dejaba en el diario que "Si el riesgo y la diversión son dos de las notas esenciales del cine de Fesser, en «Campeones» las reúne de un modo asombroso (...) [es] espectacular la capacidad de Fesser, o su película, de conectar todo con todo (…) " 

Beatriz Martínez en El Periódico decía que era "Una triunfal oda a la diferencia (...) es un salto sin red dentro de los límites del humor al que resulta casi imposible no sucumbir, a pesar de que seamos conscientes de la manipulación emocional (…) " 

Irene Crespo en Cinemanía señalaba que se trataba de una "Historia sensible, pero complicada (...) Realista y emotivo retrato de nuestra discapacidad social. (…) 

Juan Pando en Fotogramas del que he tomado muchos referencias señalaba que era "La mejor de su filmografía [de Fesser] (...) muy divertida y recomendable para ver con chavales. (…) " 

En Argentina Diego Batlle en OtrosCines.com le gustó mucho menos al decir que todo "Es tan previsible como finalmente irresistible, aunque sus 124 minutos luzcan exagerados. De esas películas familiares que apuntan al corazón y consiguen que alguna lágrima inevitablemente corra por nuestras mejillas. (...) " 

Por su parte Gaspar Zimerman en Clarín decía que era una película sobre "Las nobles intenciones de esta película enviada por España a los Oscar no alcanzan para digerir su épica edulcorada." 

Javier Porta Fouz en La Nación indicaba que la película "[Tiene] narrativas bastante abruptas (...) y con poca lógica expositiva para los avances deportivos, y una tendencia al énfasis ñoño y a recursos argumentales toscos que rebajan notoriamente la dignidad de las emociones pretendidas." 

Juan Pablo Cinelli, por su parte, en Página 12 , es más duro al señalar que todo "Empieza bien, (...), pero luego no resuelve la diferencia entre “reírse de” o “reírse con”. 

Sin embargo, quiero destacar algo que trasciende de la crítica cinematográfica al señalar , según he leído en las páginas del diario ABC que " La película provocó una carcajada pero además otorgó valía a personas que todos los días de su vida deben demostrar lo capaces que son. Para quienes trabajan con el colectivo ha supuesto un antes y un después en España como han declarado las fundaciones y entidades que trabajan con algunas de las 3,84 millones de personas con alguna discapacidad que hay en nuestro país (sea física, sensorial, orgánica o intelectual). Pero lo hizo «sin ternurismos, sin concesiones a una emotividad ñoña, con talento y respeto a una realidad que tiene pocas oportunidades de lucirse en la gran pantalla. Campeones conecta con una sensibilidad generalizada que tiene la ocasión de ver y apreciar a personas, que se muestran en primera persona», resume Luis Pérez Cayo Bueno, presidente del Cermi (Comité Español de Representantes de Personas con Discapacidad)". 

Lo cierto es que es una película sorprendente, emotiva, franca, realista en su ficción , difícil de realizar, pero sobre todo lleva a la pantalla lo que yo, profesional de la enseñanza, he vivido trabajando con estos chicos. El cariño que dan, los valores de bondad que trasmiten , los sentimientos nobles que muchas veces acaban en un abrazo sentido , la risa franca, la necesidad de reírse con ellos y nunca de ellos. Sencillamente, el amor en el sentido más puro y noble del término.