El beso del asesino

Hubo un momento en que la historia del cine, especialmente del cine negro, desarrollaría historias y protagonistas vinculados con el boxeo. De hecho las películas de boxeo han tenido cierto protagonismo con narraciones versadas en el mundo del hampa , como la eterna "Qué dura será la caída", la Oscarizada "Rocky", o esa obra enorme que es "Toro Salvaje" de Scorsese, pero a la que se suman otras como la de Huracan Carter o The Fighter, algo más recientes. El mundo del boxeo, con sus luces y sus sombras, ha sido siempre un lugar para narrar historias en muchos casos de ganadores, que finalmente pierden, o , todo lo contrario, que en ocasiones se vinculan al lado oscuro de la sociedad (sobornos, drogas, alcoholismo, amaños, dinero negro, etc...).

Hoy he visto una de esas historias, en este caso ficticio, que desconocía , pero he descubierto una gran película de intriga y melodrama. Grande me ha parecido esta pequeña película de Stanley Kubrick, un director al que todavía le quedaba mucho que mostrar y demostrar, un genio de la dirección y narración cinematográfica, pero que dio , desde el principio, buena muestra de lo que podía ser su cine en esta El beso del asesino , cuyo título original era Killer's Kiss, siendo la segunda película dirigida por Kubrick, tras su ópera prima realizada un par de años antes, en 1953, Fear and Desire . 

Hablamos de una película estadounidense del año 1955 que narra la historia de dos hombres que luchan por la misma mujer. Esta fue la última de las películas dirigidas por Stanley Kubrick que se basaba en un guión original (es decir, no se basó en una novela o cuento previamente publicado) escrito en este caso por el mismo, aunque algunos apuntan igualmente a Howard Sackler, pero que se basó en una historia del mismo Stanley Kubrick . Pero no es sólo eso, sino que la producción será también del mismo Stanley Kubrick, acompañado en este caso por Morris Bousel a través de la Minotaur Productions con lo que pudo manejar un presupuesto de $75,000 y que contó con el apoyo en la distribución de la United Artists. 

La música de la película correspondió a Gerald Fried que propone para la misma de forma casi permanente el tema de amor de la canción "Once" escrito por Norman Gimbel y Arden E. Clar. también suena la canción Oh, Susanna que suena de la mano de los dos personajes tocados con un fez y que tocan , haciendo el tonto, en la puerta de la sala de baile, con unas armónicas. 

La fotografía resultó ser del mismo Stanley Kubrick en un impresionante blanco y negro y , ¡como no! el montaje también de Stanley Kubrick. 

Los actores protagonista de la película son Jamie Smith como Davey Gordon, Irene Kane como Gloria Price y Frank Silvera - el único actor profesional- como Vincent Rapallo. 

Junto a ellos aparecen Jerry Jarret como Albert, Mike Dana como un Gángster, Felice Orlandi como otro de los Gángsters, Skippy Adelman - con el dueño de la fábrica de maniquíes, Ralph Roberts como otro de los matones, al igual que Phil Stevenson . A destacar igualmente la presencia de Ruth Sobotka como Iris, la hermana de Glorie, que aparece como bailarina a la sazón esposa entonces de Kubrick. También aparecen David Vaughan , Alec Rubin , Shaun O'Brien y Barbara Brand. 

La historia se presenta como historia que nos narra a través de un largo flashback, pocas veces interrumpido, en la que un boxeador, Davey Gordon (Jamie Smith) nos comenta su corta pero intensa relación con una vecina de nombre Gloria Price (Irene Kane) que lo ha llevado a una situación extrema, incluso en la que su vida, está en juego. 

La historia de Davey y Gloria comienzan apenas 48 horas antes, el día en el que tiene que enfrentarse a un boxeador hispano (Kid Rodríguez) en un combate por el título en su categoría. 

Davey es consciente de que se trata de su última oportunidad, ya que tiene una edad muy por encima de la de su rival, y lleva perdidos varios combates, lo que pudiera mostrarse como un símbolo de su decadencia profesional. 

Cuando se prepara para salir de casa, mira por la ventana y ve a su vecina, Gloria Price, una chica que se gana la vida como "Private dancer" en un club de baile de Nueva York. 

Al salir de casa, casi coincide él y ella, que en ese momento aparece acompañada por el dueño del club , Vincent Rapallo (Frank Silvera) que lo reconoce y le dice a ella que es un boxeador que tuvo su momento y que es sabedor que esa noche se jugará su futuro en un combate que emiten por televisión. 

Uno y otra protagonista van a sus actividades. El boxeador se prepara para la lucha, mientras ella ha de bailar con todo aquel que la saque a la pista. Cuando el combate se va a iniciar, Vincent sale a la pista y obliga al acompañante de baile, un soldado, a abandonar a la chica, y aunque se resiste los "gorilas" del salón lo expulsan de la pista. Vincent lleva a la chica a su despacho y se disponen a ver el combate. 

Del mismo Davey sale derrotado por KO al poco de su inicio. Se sabe derrotado. Mientras la pareja ve el combate, Vincent abraza a la chica y luego la besa. 

Una vez en casa, Davey recibe una llamada de su tío que vive en una granja en Seattle y le dice que él y su tía estarían contentos de que lo visitaran en la granja. Davey agradece la llamada - antes del combate había leído la carta de sus tíos en el autobús que lo desplazaba a la velada- , pero le dice que no. El tío reconoce haber visto el combate y le pide que se lo piense. 

Tras eso se acuesta. Sin embargo, durante la noche se despierta por los ruidos procedentes desde la ventana del piso en el que vive la chica que el observa a diario, Gloria. De hecho ve como ella intenta escapar de las lascivas garras de su jefe. 

Ante lo que ve, Davey no lo duda y va al piso de ella, sabedor de que se puede meter en problemas. Antes de salir para subir a las escaleras y entrar por la azotea, Vincent lo ha visto y huye. Cuando llega para proteger a Gloria , Rapallo , su jefe ya ha huido. Davey se queda con ella , curándola y vigilando su sueño. 

A la mañana siguiente desayunan juntos y Gloria se da a conocer y habla a Davey de si misma. A partir de dos fotografías por las que pregunta Davey, comenta la chica una historia del pasado . Se trata de una triste historia de la muerte de su madre en su nacimiento, del amor que sentía por su padre y del que sentía éste por su hermana, una bailaría de ballet clásica que se caso, aunque no por amor, con un rico hombre de Long Island . 

Tras la muerte del padre, Gloria, celosa siempre del afecto de su padre hacia su hermana, le echa en cara que ella no le quería, sino que se aprovechaba afectivamente de él. Su hermana, una chica sensible aunque poco comunicativa, tras ello, se suicida , aunque antes escribió una nota diciéndole lo mucho que la quería y lo sólo que en ese momento se sentía. 

Ante esa historia, concluye, ella para sobrevivir, ya sin familia alguna, tuvo que trabajar en el depravado salón de baile. Allí, parece ser víctima de los abusos de Rapallo, quien desea ser también su amante. De hecho comenta igualmente como esa noche se había presentado Rapallo en la casa y la había intentado violar, siendo el único freno a sus aviesas intenciones la presencia de Davey en la ventana. 

Poco después, Davey y Gloria se besan. Davey ahora le propone ir a Oregón a Gloria para escapar de la presión de Vincent. Ella accede. Dejan el viaje para el día siguiente, puesto que él debe recibir de su promotor la bolsa de dinero prometida y ella quiere recoger el dinero ganado en el salón de baile esa última semana. 

Davey llama al promotor y queda con él a las puertas del salón, en el que Gloria ha de subir para reclamar el dinero. Ella sube, pero Vincent se niega a entregarlo. Vincent le recrimina el que ella le haya dicho que huele mal , ella se muestra tan dulce y refinada como sarcástica y fría algo que irrita a Vincent, más aún cuando ha visto que va acompañada del boxeador. Vincent la despide del salón sin el dinero. 

Mientras ella baja por las escaleras , Davey que está en la puerta resulta ser "troleado" - uso el lenguaje propio de mis hijos- por dos atontados que tocan la armónica y que le quitan la bufanda blanca. Ante eso, Davey los persigue. Pocos instantes después se persona el promotor de Davey con el dinero, pero no ve al boxeador. Igualmente, en ese momento aparece Gloria, que no lo conoce, pero justamente bajan los "gorilas" de Vincent y le comentan que éste ha cambiado de idea. Al subir le hace entrega del dinero, pero mientras los matones se llevan por error a un callejón cercano al promotor al que matan tras darle una paliza y le roban el dinero. 

Al llegar Davey se sorprende de que su amigo no esté, marchándose tanto ella como él a la casa con la intención de hacer las maletas para ir a Seattle . 

Al cabo de un rato , con la maleta terminada y dejando una nota, Davey sospecha que algo ha pasado en el piso de Gloria. Efectivamente al llegar a la habitación ella no está. Por su parte, puede ver como en su piso entra la policía que comenta el asesinato de su promotor. Davey va al salón de baile sospechando que allí está ella y queriendo saber la verdad. 

Al llegar Davey , que va armado, encuentra a Vincent , al que golpea con la intención de que éste le diga dónde está. No lo hace, pero lo sigue con un taxi hasta que se baja y le obliga a llevarlo hasta ella. Lo hace llegando ambos a una nave abandonada del puerto de la ciudad. 

Allí, efectivamente, está Gloria atada , junto con dos matones más. Davey con su arma, inicialmente, domina la situación, pero los matones logran deshacerse de él con comodidad. Davey y Gloria están literalmente contra las cuerdas. Ahora Gloria , imprevisible y voluble, se alegra de que Davey haya venido a rescatarla, pero ahora con la situación controlada por los matones de Rapallo, la muchacha besa apasionadamente a Rapallo y le asegura que hará todo lo que él diga. Rapallo le propone viajar juntos a Europa, establecerse allí y tener un par de hijos. Ella responde ‘por supuesto’. Gloria parece tan convincente y sincera. 

En un momento de despiste Davey se escapa lanzándose a través de la ventana, pero tras una persecución a través de varias azoteas , Rapallo le da alcance en una fábrica de maniquíes. Los dos hombres se enzarzan en una pelea a vida o muerte usando como armas piernas y brazos de maniquís femeninos. 

Finalmente, Davey da muerte a Rapallo con una percha metálica. Tras eso se persona la policía que detiene a los dos matones, libera a Gloria y eximen de responsabilidad a Davey de la muerte de su promotor y la de Vincent, pues ha sido en defensa propia. 

La historia vuelve a la estación donde Davey comenzó sus reflexiones . Parece que ella no va a ir. Sin embargo, cuando el tren a Seattle que hace paradas en Chicago y Pittsburg es anunciado como de salida inminente se persona gloria que vuelve a besarle apasionadamente, como ya en su momento, hizo con Rapallo. Davey y Gloria se reúnen para abandonar la ciudad juntos y allí , en la estación, acaba esta segunda película de Kubrick. 

Parece ser que Kubrick eliminó su primera película Fear and Desire de la circulación por su insatisfacción con ella. Kubrick tenía 26 años cuando lo dirigió y tuvo que pedir prestado $ 40,000 a su tío Martin Perveler, propietario de una cadena de farmacias en Los Ángeles. 

Killer's Kiss también fue financiado de manera privada por familiares y amigos, pero debido a que Fear and Desire no recuperó su presupuesto de producción, Perveler no invirtió esta vez. La mayor parte del presupuesto inicial fue cubierto por Morris Bousel, un farmacéutico del Bronx que fue recompensado con un crédito de coproductor. 

La película es notable por sus tomas de ubicación en la antigua estación de Penn , que fue demolida en 1963, así como Times Square, y las calles destartaladas de la zona costera de Brooklyn y el Soho. También se rodó en el 3156 Perry Avenue, en el Bronx, en concreto para el edificio de apartamentos de Davey y Gloria, así como en la desaparecida Estación de Pensilvania de la 7th Avenue & 32nd Street, Manhattan, , así como en Dumbo, Brooklyn, y en Times Square. Kubrick trabajó casi sin presupuesto y para eso optó por no pedir permisos de filmación in situ. 

Stanley Kubrick tuvo que pasar inadvertido mientras rodaba en la ciudad , a veces disparando en secreto desde un vehículo cercano. Eso se aprecia en momentos que los caminantes de las calles miran a la actriz o a la cámara. 

El encargado de sonido Nathan Boxer fue contratado para grabarlo. Sin embargo, después de que su micrófono y se poste crearan muchas sombras y rompiese su esquema de iluminación, Kubrick lo despidió a él y a su equipo y comenzó a rodar la película con sonido grabado en el lugar, como era práctica común en Hollywood. Kubrick optó por doblar la película como lo hizo con su primera película. Irene Kane (escritora en la vida real conocida como Chris Chase, aunque nacida Irene Greengard, es la protagonista femenina y no estuvo disponible para agregar su diálogo más tarde, por lo que la actriz de radio Peggy Lobbin grabó su personaje en su lugar. 

Muchas escenas fueron fotografiadas con una cámara Eyemo que le fue prestada de Max Glenn y posteriormente fue robado del auto de Stanley Kubrick . 

Para muchas tomas de seguimiento, Kubrick y compañía usaron la parte trasera de una camioneta en lugar de una plataforma móvil. Para filmar la escena en la que el gerente de la pelea es asesinado en un callejón del East Side, Stanley Kubrick tuvo que negociar primero con cinco transeúntes que habían establecido una casa improvisada en el callejón y no estaban dispuestos a renunciar a su territorio. 

Para la secuencia de los sueños, Stanley Kubrick usó la imagen en negativa en lugar de las imágenes desarrolladas. Esta escena ha sido comparada con el corredor espacial de 2001: Una odisea del espacio (1968). 

En una escena, se suponía que Irene Kane cruzaría la calle 42, pero un conductor de camión bloqueó repetidamente el camino con su vehículo. El conductor accedió a despejar el área solo si Kane quedaba con él más tarde para tomar una copa. Ella estuvo de acuerdo y la escena fue filmada, pero hasta el día, nadie sabe si la cita realmente tuvo lugar. 

La bailarina Ruth Sobotka , la esposa de Kubrick en ese momento, fue la directora de arte de esta película, así como también de la película de Kubrick, The Killing . La historia de Gloria Kane en la que habla de cómo su padre siempre prefirió a su hermana, una bailarina de ballet que se suicidó, mientras vemos un solo de danza larga, interpretando el papel de Iris, que , según las malas lenguas, no aporta nada a la película y cuyo fin es alargar la misma ligeramente.  Fue añadida posteriormente por el propio Kubrick  con ese fin. 

La película tiene un fuerte componente libidinal y agresivo que pudiera recordarnos a la última película de Kubrick, Eyes Wide Shut del año 1999. 

Contra los deseos de Kubrick, United Artists requirió que la película fuera modificada con un final feliz . United Artists pagó $ 100,000 por la película y también acordó proporcionar $ 100,000 para la siguiente película de Kubrick, The Killing . 

Frank Silvera fue el único actor profesional con el que Kubrick contó para 'El beso del asesino'. La película presenta una canción "Once", escrita por Norman Gimbel y Arden Clar. Fue una de las primeras contribuciones de Gimbel a una película, aunque sus letras no aparecen en la versión final.

La película fue presentada en el Festival Internacional de Cine de Locarno donde obtuvo el Premio al mejor director para Stanley Kubrick. 

Para entonces Stanley Kubrick apenas tenía 27 años , consiguiendo un auténtico "film noir" en lo que él consideraba su "debut oficial" al renunciar a lo realizado en Fear and Desire, película dirigido de dos años antes. 

Cuando se estrenó la película, la revista Variety, le dio a la película una crítica mixta y escribió: "El fotógrafo Stanley Kubrick convirtió Killer's Kiss en una proverbial cinta. Kiss es una muestra del talento de Kubrick, ya que no solo él co-produce, sino que dirigió, fotografió y editó la historia creada por su propio guión (originalmente escrito por Howard Sackler ) ... Las lentes de bajo perfil de Kubrick captan el sabor del lado sórdido de la vida en esta Gotham . un lúgubre Broadway, las tenebrosas viviendas y las grotescas estructuras de ladrillo y piedra que conforman el distrito loft del East End de Manhattan ayudan a compensar las deficiencias del guión ". 

Más recientemente, la crítica de cine del New York Times , Janet Maslin, revisó la película y escribió: " Killer's Kiss llevó al director a un territorio más convencional, con una trama de cine negro sobre un boxeador, un gánster y una bailarina. Usando Times Square e incluso el metro como telón de fondo, el Sr. Kubrick trabajó en un estilo naturalista a pesar del material de género, con resultados mixtos pero fascinantes. La actriz que interpreta a la bailarina, conocida como Irene Kane, es la escritor Chris Chase , cuyo trabajo es frecuente, que aparezca en The New York Times. Jamie Smith interpreta al boxeador, cuya carrera se describe como "una larga promesa sin cumplimiento". En el caso de la propia carrera del Sr. Kubrick, el cumplimiento llegó más tarde. Pero aquí está la promesa ". 

Rotten Tomatoes lo califica como 84% "Fresco", basado en dieciocho revisiones y en España la revista Fotogramas se destaca que este segundo largometraje de Stanley Kubrick "fue un mero apunte del universo ìque crearía con mayor coherencia en "Atraco perfecto". Se trata de un thriller modesto y discretamente construido, cuyas principales virtudes emergen ocasionalmente en la rutinaria narración como destellos de inspiración de un director que prometía pero aún andaba desorientado".  

Alberto Abuín en Espinof dice que 'El beso del asesino' no serían objeto de estudio, y se habrían perdido en el olvido si no llega a ser el embrión de Kubrick. Y añade Abuín que "Kubrick nunca fue un narrador clásico, en el más estricto sentido del término. Su mirada pretendía ir más allá de sus personajes, a los que siempre colocaba en situaciones que les superaban. Distanciándose de ellos, y con cierta frialdad, pretendía abarcar temas universales y trascendentales. Pero eso fue más adelante, en 'El beso del asesino' pueden verse claramente las tendencias de una época en la que las consecuencias de la guerra reflejaban un mundo lleno de corrupción, y en el que la línea entre el bien y el mal empezaba a estar muy difuminada. El carácter realista que se daba en muchos documentales, se aplicaba a muchos films del llamado cine negro —film noir para los franceses—, y Kubrick optó por ello en éste y el siguiente. 'El beso del asesino' está narrada en flashback, como mandan los cánones del film noir ...Dentro de todo lo narrado, Kubrick opta por volver a utilizar el flashback, rizando el rizo sin necesidad alguna. De hecho, hay instantes en los que los flashbacks sobran de forma alarmante, realizados únicamente para que la película fuese considerada un largometraje. 

A destacar la película su fotografía como composición, como el tiempo rítmico de esta película que se creía que el propio director había quemado los negativos, renegando del trabajo, hasta que en 1994 se proyectó en el New York Film Festival´s Video. Ha merecido la pena descubrir los orígenes de este genial director.

Un discurso sobre la humanidad

Serían aproximadamente las cinco de la tarde. Era viernes y una fecha cercana al 22 o 23 de febrero de 1988. Un amigo conseguía entradas gratis en los cines de la empresa Sánchez Ramade. La única limitación que le ponían era la sesión – tenía que ser la primera- pues era la que menos parroquianos presentaba, y el cine, que en este caso era el desaparecido Alcázar. Gracias a ello pudimos ver algunas películas de interés. De entre ellas recuerdo dos, una que no me impactó mucho, El color Púrpura de Steven Spielberg, otra que sí me impactó, La chaqueta metálica, de Stanley Kubrick. 

Ésta llegó a impresionarme. Por aquel entonces uno era pacifista, antimilitarista y enemigo frontal del servicio militar obligatorio , pues era una losa para todos, aunque especialmente para los que habíamos obtenido prórrogas y lo único que habíamos conseguido era dilatar el problema. Por eso, cuando salí del cine afirmé que la película me gustaba, pero supongo que dije que sin pasión. Ahora que me estoy viniendo viejo como diría Roberto “Pappo” Napolitano, y tengo menos pudor, y menos sentido de la necesidad de un discurso políticamente correcto, tengo que decir que la película me parece una obra de arte. Un monumento del cine , a pesar de su crudeza, pero también por su sentido de la realidad. Desde esa fecha habré visto la película , al menos, cinco veces o más. 

Anoche zapeando fue la última vez , y como he afirmado en este blog con otros clásicos cada vez que la veo me parece mejor, es más impresionante. Magnífica. Se acabó el “flower power” en beneficio de la verdad. Full metal jacket o La Chaqueta Metálica, conocida popularmente en jerga callejera también como La Chupa de Chapa ( en otros lugares se le conoce como Nacido para matar – por lo escrito en el casco del soldado Joker - o Cara de guerra en México), es una película del año 1987 y como dije anteriormente fue dirigida por Stanley Kubrick. 

Está basada en la novela The Short-timers, de Gustave Hasford, un marine que vivió los hechos que se narran en la película.Y su título original hace referencia al tipo de munición y a los comentarios que el soldado Patoso hace sobre la misma cuando ya está perdiendo la cabeza tras la paliza recibida. En concreto el término "Full Metal Jacket" se refiere al tipo de munición para armas ligeras utilizadas en la guerra, como se escucha en la famosa frase de soldado Patoso hablando en el inodoro ", 7.62 mm, chaqueta... de metal ...." La chaqueta de metal es el recubrimiento de cobre que cubre el núcleo de plomo del proyectil. 

Como he dicho anteriormente la película se basa en el libro de Gustave Hasford, que participó igualmente en el guión, al igual que lo hicieron el director, Kubrick, y Michael Herr. La producción fue cosa de Stanley Kubrick, a través de su productora Stanley Kubrick Productions, a la que se sumaron en el proyecto la Natant y la Warner Bros. Pictures, que fue la distribuidora de la misma. La inversión realizada alcanzó los 17 millones de dólares , según estima el portal imdb, o los 30 millones de los que informa la Wiki, y , parece ser, que obtuvo un beneficio cercano a los 47 millones de dólares. 

En el apartado técnico participaron igualmente Vivian Kubrick y Abigail Mead en la música, Douglas Milsome en la fotografía y Martin Hunter en el montaje. 

El elenco de actores participantes en la película está formado por Matthew Modine (Soldado Bufón), Vincent D'Onofrio (Soldado patoso) , R. Lee Ermey (Sargento mayor Hartman), Adam Baldwin (soldado Pedazo de animal o Cacho carne ), Dorian Harewood, Arliss Howard (soldado Cowboy), Kevyn Major Howard, Ed O'Ross, Gary Landon Mills, Sal López, John Stafford, Kieron Jecchinis, Ngc Le, Papillon Soo Soo, Bruce Boa 

La acción puede dividirse en dos partes: la primera muestra el entrenamiento de los marines en la isla de Parris ; la segunda se centra en los combates llevados a cabo por algunos de estos marines durante la Guerra de Vietnam, que tuvo lugar entre 1967 y 1975. 

A excepción de los títulos de crédito - "A Stanley Kubrick Film" y "Full Metal Jacket"- , no hay créditos de apertura. 

Estamos en el año 1967, durante la Guerra de Vietnam, y un nuevo grupo de reclutas llega al centro de entrenamiento de Parris Island. Entre ellos se encuentra del soldado James T. Davis (Matthew Modine), el protagonista y narrador quien afirma haberse unido al Cuerpo de marines para ver el combate y para ser el primero en su barrio con una muerte confirmada. El junto a otros reclutas tras ser debidamente pelados y uniformados son puestos a las órdenes del tremendo sargento mayor Hartman (R. Lee Ermey). Éste emplea tácticas terribles y vejatorias para convertir a sus hombres en soldados en máquinas de matar, hombres duros y preparados para el combate. 

Entre ellos se encuentran Bufón (Matthew Modine), Cowboy (Arliss Howard) y Patoso (Vincent D'Onofrio), o Copo de Nieve (Peter Edmund). Ellos de inmediato dejan de tener nombre pues Hartman les pone un apodo o mote a todos. A Bufón por remedar al sargento imitando la voz de John Wayne, a Cowboy por ser de Texas , a Patoso después de enfurecer al sargento Hartman por no dejar de sonreír y a Copo de Nieve por ser negro. 

La historia de esta primera mitad se centra en la formación de los reclutas bajo el mando de su sargento mayor , y , especialmente , con Bufón – que se gana por su valor el respeto del sargento- y con el soldado Leonard Gomer Pyle Lawrence, o sea, el soldado Patoso, un recluta con exceso de peso, torpe y lento para ingeniárselas que se convierte en el centro de atención de Hartman por su incompetencia y baja condición física, convirtiéndose en el chivo expiatorio del pelotón. 

No es el único, pues tampoco deja en paz a Cowboy por su condición de texano y con Copo de Nieve, un recluta afroamericano, el blanco de las burlas de Hartman con sus comentarios sobre el "pollo frito y sandía" . 

Copo de Nieve , en principio, se convierte en el encargado del pabellón de reclutas, pero al hilo de un descubrimiento de comida - un triste donut- en la taquilla de Patoso el puesto pasa a Bufón que se convierte no solo en jefe de pelotón sino que es nombrado tutor personal de Patoso al que ayuda en la instrucción.

Con la ayuda de su compañero, Patoso comienza a mejorar, pero vuelve a empeorar cuando Hartman descubre una rosquilla escondida en su armario. Convencido de que los reclutas no han ayudado a mejorar a Patoso, Hartman adopta la política del castigo colectivo: todos los errores que cometa Patoso los pagará el resto del pelotón, quedando él mismo exento de cumplir el castigo. Como resultado, todo el pelotón golpea a Patoso con jabones envueltos en toallas durante la noche, mientras Cowboy le amordaza diciéndole «recuerda, gordinflón: sólo ha sido una pesadilla». 

Después de una sufrir la represalia de sus compañeros por hacerles sufrir castigos colectivos, este le provoca un cambio de personalidad, convirtiéndole aparentemente en un soldado modelo de la Infantería de los Marines, algo que preocupa a Bufón, quien observa como Patoso cada vez habla más con su fusil M14, Charlene . Patoso se vuelve psicótico. 

Al acabar la instrucción, cada recluta recibe un destino. La mayor parte es enviada a la infantería. A Bufón se le asigna al periodismo militar. 

Durante la última noche del pelotón en Parris Island, descubre a Patoso en el baño, cargando su rifle con munición real. Intenta calmarle, pero Patoso empieza a recitar el credo del fusilero. El ruido despierta a todo el pelotón, incluido al sargento Hartman. Cuando éste entra en los baños, se enfrenta al soldado y le ordena que le entregue el arma. Patoso le dispara y después se suicida, ante los ojos de Bufón. Acabando aquí la primera parte de la película. 

En la segunda el escenario es Vietnan. Estamos ya en enero de 1968, y la escena de entrada es grandiosa con una prostituta Da Nang Hooker (Papillon Soo Soo) atractiva y escasamente vestida que se acerca a Bufón y a Rompetechos en una esquina de la calle durante la primera escena en Vietnam. La chica no para de decir "Me love you long time," "Me so horny" y "Me sucky sulky” tras acercarse cruzando la calle a Bufón (Matthew Modine), que se ha convertido en cabo y corresponsal de guerra de los marines en Vietnam, trabajando en el periódico militar Barras y Estrellas. Bufón lleva un medallón del símbolo de paz en su uniforme, así como la escritura "Born to Kill" (nacido para matar) en su casco. 

Ha sido asignado a una unidad de relaciones públicas en Da Nang con el soldado Rompetechos (Kevyn Major Howard como Rafter Man ), un fotógrafo de combate al que un Vietnamita le roba la cámara. 

Ambos están bajo el mando del teniente Lockhart (John Terry), oficial de PIO en jefe y editor de Baras y estrellas y quien mando en sus misiones a Bufón y los demás del servicio de información. Tiene experiencia en periodismo de guerra, pero utiliza su rango oficial para evitar volver al frente. Lleva la cuenta de los peligros y los errores, racionaliza las labores periodísticas siguiendo estrictamente el protocolo del uso propio del lenguaje bélico y le mantienen donde corresponde, "en la retaguardia, con el equipo." 

Rompetechos quiere entrar en acción, como Bufón afirma que ha hecho. Sin embargo, los infantes de marina de la base dicen que Bufón no posee lo que ellos llaman "la mirada de los mil metros", aquella mirada que tiene un hombre que ha visto la guerra. Esta charla se interrumpe por los disparos que comienzan con la conocida Ofensiva del Tet: el ataque de los norvietnamitas aprovechando el alto el fuego del Tet, la festividad del año nuevo asiático para dar la bienvenida al Año del Mono. 

Los periodistas informan al día siguiente de ataques enemigos en todo el sur de Vietnam en la sala de reuniones en la que aparece escrita en la pared de la sala de conferencias de la base de Da Nang un cartel que dice: "El primero en salir último en enterarse - Vamos a defender hasta la muerte tu derecho a estar mal informado". 

El teniente Lockhart envía a Bufón y Rompetechos a Phu Bai para cubrir el combate. Se desplazan en un helicóptero H-34 Choctaw y en el mismo el artillero de puerta, encargado de logística aérea y ametralladora (Tim Colceri) y los dos periodistas militares ven como durante el vuelo, dispara a civiles, mientras que con entusiasmo repite "Toda esto , Get some!", alardeando de haber matado a "157 amarillos asesinados, y también 50 búfalos de agua." Cuando Bufón le pregunta si incluye mujeres y niños, contesta "a veces". Bufón luego le pregunta, "¿Cómo puedes disparar a mujeres y niños?" a lo que responde en broma, "Fácil, sólo hay que apuntar un poco más bajo y mejor. Ja, ja, ja, ja… 

El mando norteamericano en Phu Bai es asumido por el teniente Walter J. Mr. Touchdown Schinowski (Señor Pelotazos) - el actor Ed O'Ross- , que como Comandante del pelotón de la escuadra de Lusthog le comenta a Bufón y Rompetechos que había sido jugador de fútbol en la Universidad de Notre Dame en Indiana. 

Llegan allí con el escuadrón Lusthog, donde Cowboy , que había sido destinado como fusilero, es ahora sargento y el segundo al mando. Bufón acompaña al pelotón durante la batalla de Huế, donde el teniente que comanda el pelotón, Walter J. Schinowski Mr. Touchdown (Ed O'Ross) es muerto por el enemigo en una emboscada fuera de la ciudad de Huế. 

El mando en ese momento pasa a Kieron Jecchinis como Crazy Earl (Earl el Loco): Jefe de escuadra, se ve obligado a asumir el mando cuando muere el jefe de pelotón Touchdown. 

Después de que la zona haya sido declarada segura por la Infantería de la Marina, un equipo de periodistas y reporteros de guerra estadounidenses entrevistan a los Marines en Huế y preguntan acerca de sus experiencias en Vietnam y sus opiniones sobre la guerra. Entre los que opinan están los miembros de la patrulla : el loco Earl, Ébano, Jay Doc o Pedazo de Animal. 

Pedazo de animal es un artillero nihilista que porta la ametralladora M60 de la escuadra de Lusthog, Pedazo de animal desprecia cualquier autoridad que no sea la suya e intenta gobernar por medio de intimidación. Piensa que la victoria debe ser el único objeto de la guerra; a Ébano (Dorian Harewood, o Eightball ), un miembro negro de la escuadra de Lusthog, insensible acerca de su origen étnico y el mejor amigo de Pedazo de animal.; a Cowboy , a Doc Jay (John Stafford) que se burla del presidente Johnson cuando es entrevistado para el documental. Cita a Johnson cuando fue vicepresidente expresando su intención de evitar el envío de soldados de Estados Unidos a Vietnam. 

Durante el patrullaje, el líder del escuadrón, el loco Earl (Kieron Jecchinis), muere al caer en una trampa explosiva, dejando al pelotón al mando de Cowboy. El equipo se pierde en los escombros y Cowboy da órdenes para hacer un reconocimiento de la zona. Ébano (Dorian Harewood) es el primero en avanzar hacia la zona de reconocimiento, pero es herido por un francotirador del Vietcong. 

El médico JayDoc (John Stafford) trata de ayudarlo y también es alcanzado. El francotirador le dispara en varias ocasiones en un intento por atraer a los demás al campo, antes de matarlo. 

Al deducir que se trata de una emboscada para atraer al escuadrón hacia la zona de tiro, Cowboy pide refuerzos, pero el apoyo del tanque que inicialmente iban a mandarle no está disponible, por lo que ordena al equipo que prepare la retirada. El artillero del escuadrón Pedazo de Animal (Adam Baldwin), que es el mejor amigo de Ébano, se adentra en la zona de tiro para vengarse del francotirador, contradiciendo las órdenes de replegarse de Cowboy. Pedazo de Animal descubre que hay un solo francotirador, pero éste remata al doctor Jay y a Ébano cuando el médico trata de indicar su localización. 

Durante las maniobras para localizar al francotirador, éste dispara a Cowboy fatalmente y muere rápidamente de una herida en el pecho y en los brazos de Bufón. Pedazo de Animal asume el mando del escuadrón y conduce un ataque contra la posición del francotirador disparando su ametralladora M60. Bufón descubre que el francotirador es una chica (Ngoc Le) y trata de dispararle protegido por una columna del edificio, pero su fusil M16 se encasquilla y revela su posición; ella empieza a disparar su AK-47 y Bufón saca su arma de repuesto, una 45, pero Rompetechos dispara a la joven, hiriéndola mortalmente. 

Mientras agoniza, reza y pide a los soldados que la maten para detener su sufrimiento, pero ellos no se ponen de acuerdo sobre qué hacer con ella. Pedazo de Animal es partidario de que la adolescente muera sufriendo en castigo por haber matado a tres compañeros, pero Bufón decide que es mejor matarla (no se sabe si es por compasión, si es por cumplir con su misión de "ser el primer chico de su barrio en tener una muerte vietnamita certificada", o para probarse a sí mismo que no pertenece a ese tipo de soldados a los que el sargento Hartman denominaba "sin huevos", que en el momento de la verdad no son capaces de matar y dudan). Después de algunas vacilaciones, Bufón le dispara con su arma. 

Los infantes de marina le felicitan y le dicen que ya tiene "la mirada de los mil metros". Después los marines marchan hacia el campamento cantando la canción de Mickey Mouse. La reflexión final de Bufón está cargada de resignación, pues declara que a pesar de estar "en un mundo de mierda", está contento de estar vivo y de no tener ya miedo. 

En cuanto a la producción señalar que todo se inició cuando S. Kubrick , que estaba preparando una historia sobre el Holocausto, contactó con Michael Herr, autor de una importante obra sobre los Despachos de la Guerra de Vietnam (1977), en la primavera de 1980. Tras hablar con Herr se había decantado por filmar una película sobre la guerra Vietnam. Ambos se habían conocido en Inglaterra y el director le dijo que quería hacer una película de guerra, pero al descubrir Kubrick la novela de Gustav Hasford de título en inglés , The Short-Timers, se la envió a Herr al que le encantó. 

En 1982, Kubrick leyó la novela dos veces y después pensó que "era única", y decidió, junto a Herr, que sería la base para su próxima película. De acuerdo con el director de cine, se sintió atraído por el diálogo del libro que era "casi poético”. 

En 1983, comenzó la investigación para esta película, viendo imágenes y documentales, dedicándose a la lectura de periódicos vietnamitas en microfilm de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos , y estudiado cientos de fotografías de la época. En 1985, Kubrick contactó con Hasford para trabajar en el guión con él y Herr. Kubrick ya había escrito un tratamiento detallado. Kubrick y Herr se reunieron en la casa de Kubrick múltiples veces para el tratamiento de las escenas. A partir de eso, Herr escribió el primer borrador. 

El cineasta estaba preocupado de que el título del libro sería malinterpretado por el público así que optó por el de Full Metal Jacket después de descubrir la frase, mientras que pasaba la vista por un catálogo de arma de fuego. 

Kubrick leyó el guión y tras ello se editó. Lo habían trabajado los tres , pues tanto Kubrik, como Hasford y Herr habían aportado mucho. Herr señala que Kubrick con la película no estaba interesado en hacer una película contra la guerra, sino que "quería mostrar cómo es la guerra ". Después se reunieron los tres, para la producción, pero Hasford quedó fuera la misma. 

La producción estaría en manos de la Stanley Kubrick Productions, aunque colaboraron igualmente en el producto final la Natant y la Warner Bros. Pictures A través de ésta última, Kubrick anunció una búsqueda de actores y asesores para la realización de la película. La mayoría de los actores presentaron una audición para su papel mediante la presentación de un videos de sí mismos, realizando una escena en Vietnam. Stanley Kubrick y el estudio colocaron anuncios por todos los EE.UU. para los jóvenes aspirantes a actores para que enviaran sus videos. Se recibieron alrededor de 3000, de la que Kubrick personalmente observó alrededor de 800. 

La película es un acierto de principio a fin. Por lo pronto, parece poco probable que estén tan acertados un grupo de actores como el que trabajo en ella. De hecho, dos de ellos no han realizado trabajos mejores en el cine como es el caso de R. Lee Ermey y Vicent D ´Onofrio. 

Para el papel de el sargento Hartman , según cuenta el también director John Boorman, Stanley Kubrick quería a Bill McKinney como Hartman, pero Kubrick se mostró inquieto al ver al actor en Deliverance, rehusando reunirse con él, ya que su sola presencia le intimidaba. Entonces Kubrick eligió a Tim Colceri como Hartman, pero R. Lee Ermey, un antiguo militar contratado como asesor para la producción, grabó una cinta en la que insultaba y decía obscenidades durante 15 minutos, Kubrick impresionado con la grabación decidió que fuese Hartman. Es así como llegó a la producción Ermey, que inicialmente había sido contratado como asesor técnico. Fue Kubrick quien le preguntó si podía hacer una audición para el papel de Hartman. Ermey realizó un video de sí mismo improvisando el diálogo insultante. Ermey recitó una cadena ininterrumpida de insultos durante 15 minutos. Después de ver el video, Kubrick dio Ermey el papel, dándose cuenta de que él "era un genio” en potencia para este papel. La experiencia de Ermey era tan realista que, en un caso, al dar Ermey una orden fuera de la cámara, Kubrick se puso de pie en posición de firme, antes de darse cuenta de lo que había sucedido. Kubrick estima que Ermey llegó a lanzar unos 150 páginas de insultos, muchos de ellos improvisados, una rareza para una película de Kubrick. Según las estimaciones de Kubrick, el ex instructor escribió el 50% de su propio diálogo, sobre todo los insultos y nunca sin su sin su sombrero. R. Lee Ermey personalmente supervisó la reconstrucción del conjunto de la isla de Parris. 

Para que el actor que interpreta a Hartmann pudiera intimidar y las reacciones de los reclutas fuesen los más convincentes posibles, Matthew Modine, Vincent D'Onofrio, y el resto de actores que interpretan a los reclutas nunca coincidieron con R. Lee Ermey antes de la filmación. Stanley Kubrick también se encargó de que Ermey no confraternizara con los actores entre toma y toma. Es más, parece ser que R. Lee Ermey en realidad golpeó Vincent D'Onofrio en la escena en la que toca el sombrero. Fue idea de D'Onofrio. Por desgracia para él, se olvidó de perfeccionismo de Stanley Kubrick. Tuvo que soportar toma tras toma de bofetadas reales. 

Al final Colceri aceptó interpretar al militar que dispara la ametralladora de un helicóptero sin ningún tipo de remordimientos. 

Diferente es el caso de Vicent D´Onofrio que tuvo que engordar muchísimo peso para su papel. Tardó siete meses para poner el peso y nueve meses para quitárselo con el entrenamiento físico. El humillante apodo de Patoso, que en la versión original es de Gomer Pyle se origina en un personaje simpático pero débil del programa de televisión estadounidense The Andy Griffith Show, que eventualmente se alista en la Infantería de Marina. 

El plan original previsto era que Anthony Michael Hall interpreta a Bufón privado, pero después de ocho meses de negociaciones, no hubo acuerdo sobre el sueldo y el horario entre Kubrick y Hall. Kubrick ofreció un papel a Bruce Willis , pero Willis tuvo que rechazar la oportunidad debido al inminente comienzo de la filmación de los primeros seis episodios de Luz de luna. . Fue reemplazado por Matthew Modine.

Denzel Washington fue considerado para el papel de Eightball y ha dicho que se trata de un papel que lamenta perdiendo. 

Toda la película se rodó en Inglaterra (Pinewood Studios y Bassingbourn Cuartel). Kubrick rodó en 9 localizaciones diferentes, en Gran Bretaña. En Dorset para recrear escenas de la campiña de Vietnam, en Isle of Dogs para las escenas Da Nang, en los Pinewood Studios. 

Se rodó igualmente en Cambridgeshire, en concreto en Bassingbourn Barracks, una antigua base de la RAF para rodar las escenas de la Isla de Parris y en el campo de la RAF en Swinderby, cerca de Barton, en las afueras de Cambridge, para rodar la escena en donde el soldado Patoso es felicitado por Hartman por sus habilidades en el tiro. 

Se grabó en Epping Forest (Essex) que se transformó en el campo de entrenamiento de los marines, en Norfolk Broads, y en el antiguo Millennium Mills y Beckton Gasworks, una empresa en desuso a pocos kilómetros del centro de Londres, que serán las ruinas del poblado de Hue, y que durante dos meses servirán como escenario de la batalla. 

También se grabó en Newham - al este de Londres. Kubrik igualmente obtuvo imágenes de archivo fotográfico de Parris Island, en Carolina de Sur. Un video de la ceremonia de graduación real en la isla de Parris fue utilizado en la película. También Kubrick trabajó a partir de fotografías fijas de Hue, tomadas en 1968. 

En un principio, Kubrick tenía una jungla de plástico, pero al director no le gustó y optó por rodar en los pantanos de Cliffe y junto al Támesis , plantando 200 palmeras españolas importadas y 100.000 plantas tropicales de plástico de Hong Kong. 

Las secuencias de Vietnam de la película fueron filmadas en primer lugar, las escenas de la isla de Parris segundos. La graduación de los reclutas fue la última secuencia. 

Igualmente para el rodaje Kubrick adquirió cuatro tanques M41 y helicópteros que simulaban ser los Sikorsky H-34 Choctaw, pintados de verde. Kubrick también obtuvo una selección de fusiles, lanzagranadas M79 y ametralladoras M60 de un traficante de armas con licencia. 

Mathew Modine describió la grabación como difícil: el lugar de rodaje del supuesto Vietnam, era Beckton Gas Works , se convirtió en una pesadilla tóxica para el equipo de la película, pues cientos de productos químicos envenenan la tierra y el aire. También fueron duras las secuencias del 'Campo de entrenamiento / Boot Camp' de la película. Modine y los otros reclutas tuvieron que soportar los rigores del entrenamiento del Cuerpo de Marines, así como a Ermey gritándoles durante diez horas al día durante el rodaje de las escenas de la isla de Parris y eso que Ermey tuvo durante gran parte del rodaje las costillas rotas tras un accidente de coche. 

Para la continuidad de película, cada recluta tenía que tener la cabeza rapada, una vez a la semana. El elenco se comió la guerra de Vietnam era raciones militares reales en la escena cuando la patrulla se ve comer. 

La hija de Kubrick, Vivian - quien aparece en la película sin acreditar como operadora de cámara de las noticias durante la visita a la fosa común , grabó en la sombra dieciocho horas para un potencial "making-of", documental similar al que su anterior película documental de Kubrick El Resplandor , sin embargo, en este caso, su obra no llegó a buen término. Fragmentos de su obra se puede ver en el documental de 2008 sobre Stanley Kubrick . 

Además de su trabajo de preparación de un documental, Vivian Kubrick, bajo el alias de "Abigail Mead", escribió la banda sonora de la película. Según una entrevista que apareció en la edición de enero de 1988, de la revista Keyboard , la película presentará música a través de un sintetizador Fairlight CMI y un Synclavier. Para la música de la época, Kubrick pasó por el Billboard ' s , es decir, la lista de los 100 mayores éxitos de los años de 1962-1968 y trató de muchas canciones. De todas se seleccionaron la de Johnnie Wright - " Hello Vietnam": The Dixie Cups - " Chapel of Love"; Sam el Sham & The Pharaohs - " Wooly Bully"; Chris Kenner - " I Like It Like That "; Nancy Sinatra - " Estas botas están hechas para caminar "; TheTrashmen - " 'Surfin Bird "; Goldman Band - " 'Hymn Marines "; y los The Rolling Stones - " Paint It, Black "(créditos finales) Un single, "Full Metal Jacket (I Wanna Be Your Drill Instructor)," acreditado a Mead y Nigel Goulding, fue lanzado para promocionar la película. Incorpora las cadencias de Ermey de la película. El sencillo alcanzó el # 2 en las listas de éxitos del Reino Unido. 

Full Metal Jacket recibió elogios de la crítica. Jonathan Rosenbaum del Chicago Reader dijo que fue "la película de Kubrick mejor diseñada desde “Teléfono rojo, volamos hacia Moscú / Dr. Strangelove". 

La revista Variety se refirió a la película como un drama "hecho magníficamente, esquemático, e intenso" mientras que Vincent Canby deThe New York Times la llamó "desgarradora" y "bella". El crítico de Chicago Sun-Times , Roger Ebert tenía una opinión discrepante, indicando que la película fue "extrañamente deforme ". 

Full Metal Jacket está clasificada en el puesto 457 en la lista de 2008 de las 500 mejores películas de todos los tiempos de la revista Empire. En esta revista Ian Nathan elogió "el rendimiento asombroso de la misma." 

Richard Corliss de Time alabó el "salvaje ingenio, los desesperados diálogos, la audacia en la elección de una escaramuza inconexa de hacer un punto sobre el sinsentido de la guerra" y "las bellas, grandes actuaciones de casi todos los actores". Corliss también apreció "la elegancia y la precisión del cine de Kubrick". 

Vincent Canby de The New York Times calificó la actuación de Ermey de "terrible, hermosa y excéntrica." Canby dijo del actor que era una "sorpresa impresionante de la película ... es tan bueno - tan obsesionado - que se podría pensar que él escribió sus propias líneas".Canby también destacó la labor de D'Onofrio señalar con "admiración", y llamó a Modine "uno de los mejores jóvenes actores de cine, más adaptables de su generación." Canby concluyó que Full Metal Jacket es "una película de gran y muy rara imaginación". 

Full Metal Jacket fue nominada para once premios en todo el mundo entre 1987 y 1989, incluyendo una nominación para premio de la Academia por Mejor Guión Adaptado (Stanley Kubrick, Michael Herr y Gustav Hasford) , dos nominaciones a los Premios BAFTA por Mejor Sonido (Nigel Galt, Edward Tise y Andy Nelson) y Mejores Efectos Especiales (John Evans), y una nominación al Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto para Ermey. 

En última instancia, ganó cinco premios, tres de organizaciones fuera de los Estados Unidos: Italia, Japón y el Reino Unido. La película ganó mejor película en lengua extranjera de la Academia Japonesa , Mejor Productor del David di Donatello, al Director del Año en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Londres , y Mejor Director y Mejor Actor de Reparto de la Sociedad de Boston de Críticos de Cine , por Kubrick y Ermey, respectivamente. La Writers Guild of America nominó igualmente a Stanley Kubrick, Michael Herr, Gustav Hasford por el mejor guión adaptado. Obtuvo igualmente el premio al Mejor director de película en lengua extranjera (Stanley Kubrick) en los Kinema Junpo Awards de 1989. 

Igualmente la National Board of Review la incluyó entre los mejores diez largometrajes estrenados en 1987 y el 13 de Junio de 2001 durante un especial de televisión, el American Film Institute dio a conocer un listado compuesto por 100 películas en el que figura Full Metal Jacket en el puesto 95, bajo el epígrafe 100 Years...100 Thrills. De los cinco premios que ha recibido, cuatro fueron adjudicados a Kubrick. 

En comparación con otras obras de Kubrick, los temas de Full Metal Jacket han recibido poca atención por parte de los críticos y revisores. El ensayo de Michael Pursell " Full Metal Jacket : El Desentrañar del patriarcado "(1988) fue uno de los primeros que tomaron en consideración a fondo su estructura en dos partes y su crítica de la masculinidad, con el argumento de que la película muestra" la guerra y la pornografía como facetas de un mismo sistema ". Así en esa primera parte (magistral el plano con el que se abre la película mostrando la primera arma: el cortapelo) asistiremos a la transformación de aquellos jóvenes de mirada vacía en soldados, dándoles el padre/sargento Hartman (ese espléndido Lee Ermey) una nueva novia: su fusil. Es sobre este padre cruel y vengador, sobre el que girará esta primera parte. Pero la grandeza de toda ésta reside en el pesimismo de Kubrick. Sabiendo la importancia de la instrucción, ésta es irrelevante ante el peso de nuestro instinto agresor. 

La mayoría de las críticas se han centrado en militares de lavado de cerebro temas en la sección de entrenamiento campo de entrenamiento de la película, mientras que ver la segunda mitad de la película, más confusa e inconexo en el contenido. 

En España Fernando Morales en el Diario El País señala que se trata de "Una de las películas míticas de Kubrick (...) Perfectamente dirigida, el reputado cineasta rodó de nuevo un polémico y excepcional trabajo" , mientras que en Filmaffinity Pablo Kurtseñala que “ si "Senderos de gloria" era una película antimilitar, "La chaqueta metálica" propone una doble ración por antimilitar y antibélica. (…)Un film magistral despertador de conciencias. 

Estamos ante una película de frases memorables.Como la pregunta y la respuesta que hace y recibe el soldado Bufñon en el helicóptero: ¿Pero como puedes matar a mujeres y niños? Apuntando un poco más bajo hahahah que jodida es la guerra -

Olas reflexiones del siempre agudo Bufón: Por lo menos ha muerto por una buena causa.. - ¿Que causa es esa? - La libertad. Aclárate las neuronas pardillo. ¿Crees que luchamos por la libertad? Esto es una matanza. Y si me van a reventar las pelotas por una palabra... mi palabra es putada”. Hay muchas más que han pasado a la historia del cine, en gran medida pronunciadas por el sargento mayor Hartman.   Le pregunta a Cowboy que de dónde es, y éste le contesta que de Texas, y el sargento responde: “En Texas solo hay vacas y maricones y no veo que tú seas una vaca..” 

O las muchas del Sargento de artillería Hartman en su presentación “Soy el sargento de artillería Hartman, su instructor de alto rango. De ahora en adelante sólo hablan cuando se les habla, y la primera y última palabra que saldrá de sus sucias bocas será "Señoir". ¿Entiendéiss gusanos eso?” Reclutas: ¡Señor, sí, señor!.  O como cuando anuncia que es el día de Navidad: Hoy ... es Navidad! Habrá un espectáculo de magia a las cero horas! El Capellán Charlie le dirás acerca de cómo el mundo libre vencerá el comunismo con la ayuda de Dios y de unos pocos Marines! Dios tiene una erección con los Marines, porque matamos a todo lo que vemos! Él juega sus juegos, y nosotros jugamos a los nuestros! Para mostrar nuestro aprecio por tanto poder, mantenemos el cielo lleno de almas frescas! Dios estaba aquí antes de la Infantería de Marina! Así que ustedes puede dar su corazón a Jesús, pero el culo pertenece a los Marines! ¿Entienden esto señoritas? También con el día de graduación. Hoy, ustedes ya no son gusanos. Hoy en día, ustedes son Marines. Son parte de una hermandad. A partir de ahora hasta el día de su muerte, estéis donde estéis, cada infante de marina es su hermano. La mayoría de ustedes ir a Vietnam. Algunos de ustedes no van a volver. 

Estamos ante una gran película, una de las mejores que se han rodado sobre Vietnam y que responde a lo que tiene en mente Kubrick : una historia que como la novela está llena de "tormento y éxtasis". Con una arrebatadora banda sonora llena de clásicos de los sesenta y setenta, Kubrick ambienta cada magistral fotograma de la cinta con un nuevo detalle revelador de la miseria y soledad del alma humana en contacto con la lucha fraticida más inútil de siempre: la guerra. 

Y para ello Kubrick se vale de una sola historia, Es simplemente una película cruda en lo que se refiere a ello que desmiente todos los supuestos valores de los asesinos a sueldo o gratuitos que forma tal institución, y la vileza a la que puede llegar la naturaleza humana. Por eso es una película dura y áspera, tal cual nos acostumbra Kubrick. 

En ella podemos apreciar detalles que son propios del director. Como lo es el hecho de dividirla en capítulos. En este caso sólo en dos partes. La primera, donde muestra el durísimo entrenamiento de los soldados, rebajando su autoestima, destruyendo poco a poco su humanidad, haciéndoles olvidar el por que están allí o cualquier ideal válido. destaca por su vigor, agresividad, violencia psicológica y sobre todo, originalidad. Se refleja la alienación del individuo y la degradación de la persona a un nivel prácticamente inexistente, encaminado todo ello a la "creación" del soldado mas despiadado y deshumanizado posible; todo ello independientemente de los medios utilizados, sin importar las consecuencias; todo ello, porque el fin justifique los medios. 

La segunda parte es mas convencional, pero no por ello menos importante pues nos muestra una cara de la guerra que los que las emprenden, jamás nos muestran. La mentira, el engaño, la falta de una motivación real, todas armas son válidas en una guerra. 

La fotografía es sublime y la banda sonora es perfecta para crear una obra absolutamente extraordinaria, un ejercicio magistral de cinematografía. Con primeros planos increíbles; el uso del zoom como recurso; o ralentizando la cámara... Todo ello con unos diálogos firmes y contundentes, con unos decorados que van mas allá de la tradicional jungla, unido todo ello a una banda sonora en consonancia con lo que Kubrick suele mostrar, hacen de esta película una de las obras maestras del cine de todos los tiempos. 

La reflexión sobre lo que es la persona y sus reacciones frente a presiones diversas en un entorno hostil es constante desde el inicio. En donde la clave inicial está en la despersonalización por medio de la instrucción del individuo, que va desde el pelado al cero y el ser uniformado hasta el brutal sometimiento a la obediencia ciega y al pisoteo de la dignidad, algo que supone una tortura tan tremenda que roza casi el límite del equilibrio racional y de hecho siempre hay quien no lo soporta y acaba desequilibrado; y en la ejecución de la formación de individuos ya instruidos y aptos para la guerra al servicio de la política. 

Como casi siempre, Kubrick nos una opinión negativa de una vida que obedece a impulsos más primarios, que en la mayoría de las ocasiones se traducen en violencia Y que se puede resumir en la frase de Bufón: "El mundo es una puta mierda. Sí. Pero estoy vivo y no tengo miedo". Es el discurso final de la humanidad frente a sí misma.

La locura en su laberinto

El 28 de octubre tras ver esa joya del cine de terror que es el resplandor escribí esta crónica de la película. Hoy, casualmente, he vuelto a verla, así que recupero lo escrito en ese día con ligeras variaciones. Lo cierto es que cada vez que veo esta película, más me gusta. Creo que la interpretación de Jack Nicholson es insuperable. Su cara, los estertores de su rostro son inimitables. Su locura progresiva de obligada visión para cualquier actor.

De igual valor la interpretación de esa estrella fugaz que fue Shelley Duvall y su sentido del pánico. Valor absolutamente sagrado tiene la música presente en todo el filme dando intensidad y tensión de inicio a fin. Y ¿qué decir de la posición de la cámara? Ya se muestra a ras de suelo, como que se coloca a un extremo de una inmensa sala. O el plano contra plano y la duración de los mismos. ¿Estamos ante lo que fue una reinterpretación desde el punto de vista de la cámara de lo que fue Ciudadano Kane? La película se resume en una palabra: grandiosa. Aquí transcribo más o menos lo que dije en octubre del pasado año.  

Miradas desde el hueco de una puerta o la locura en su laberinto podrían haber sido el nombre de esta novela, pero Stephen King pensó en otra título. Confieso que he intentado leer a Stephen King. Pero reconozco que su literatura no me va. No obstante, tengo claro que es uno de los fabuladores más grandes que hay en la literatura actual, y soy capaz de reconocer su valía cuando sus obras han sido llevadas al cine o a la televisión. En este caso me rindo ante el creador de este mundo de ficción paralela y grandiosa. 
Curiosamente ayer sábado - hablo del 27 de octubre-  pude ver una de sus obras llevadas al cine por Frank Darabont, y con parte del elenco que - más tarde- trabajará para él en The Walking Dead, aunque no ésta no era mi intención ni mi interés. Pero tras una ventana indiscreta me encontré en Cuatro con la versión cinematográfica de La Niebla. 

Con todo yo iba a escribir sobre otra de sus obras llevadas al cine por otro de los grandes. En este caso por Stanley Kubrick. Además creo que esta película cada vez que la veo me gusta más. Me proporciona, cada día que pasa, más placer, al igual que más espanto. 

La película del viernes noche fue “The Shinning” (“El resplandor”) la obra de Stephen King, al que, por cierto, no gustó nada el intento de Kubrick de mostrar con su narración visual lo que era la locura. 

El resplandor es una película de terror psicológico dirigido por el ya citado Stanley Kubrick y que fue estrenada en 1980. Basada en la novela homónima del escritor Stephen King, la película cuenta cómo su protagonista empieza a sufrir inquietantes trastornos de personalidad al poco de llegar junto con su mujer y su hijo a un solitario hotel de Colorado, el Overloock, en las Montañas Rocosas queen los meses de invierno cierra por quedar bloqueada la carretera de acceso a causa de la nieve. . Poco a poco, debido al aislamiento, al insomnio, a sus propios fantasmas interiores y a la influencia maléfica del lugar, se verá inmerso en una espiral de violencia contra su mujer y su hijo, que a su vez parecen víctimas de espantosos fenómenos sobrenaturales. 

Si bien su estreno fue acogido con frialdad por la crítica, "El resplandor" ha ido ganando adeptos con el tiempo. Como en otras películas del cineasta estadounidense, tras la línea dramática principal se esconden innumerables representaciones simbólicas, indicios subliminales, crítica sociohistórica e indagaciones de índole psicológica en torno a la naturaleza humana y el mal. Especialmente relevante me parecen estos dos últimos aspectos.

La producción de está película recayó en un abanico de personas entre las que estaban, además del director, Robert Fryer, Jan Harlan, Mary Lea Johnson y Martin Richards para la Warner Bros. Pictures, participando igualmente Hawk Films y el grupo Peregrine. Se rodó en escenarios naturales de Montana, Oregón y California y en los platós de Elstree Studios (Borenhamwood, Inglaterra) y contó con un presupuesto estimado de 22 millones $ (USA) - en otros lugares he leído que la cantidad invertida alcanzó los 12 millones dólares- , aunque la película obtuvo en taquilla unos interesantes ingresos cercanos a los 95 millones de dólares. 

La obra lógicamente es fruto de esa mente calenturienta que reside en ese escritor nacido en Maine, pero, en este caso, el guión fue transformado por Stanley Kubrick y Diane Johnson. La música, de extraordinaria importancia en la película, es de Wendy Carlos y Rachel Elkind, y desde los títulos de crédito con la subida por la carretera de montaña ya impresiona. A lo largo de la película la música adquiere un protagonismo singular remarcando la tensión. Hay momentos de tensión que me remiten a Psicosis o te introducen en una atmósfera de un pasado tenebroso. 
La fotografía fue obra de John Alcott , y además de sus encuadres modélicos, destaca por el uso en la película - conjuntamente con el director - del sistema de rodaje llamado "Steady-cames" es decir, una cámara incorporada a un arnés que permite rodar escenas de largo recorrido físico y que impide que la cámara sufra movimientos extraños. El jefe de fotografía se propuso rodar todas las secuencias con luz abundante, evitando los escenarios oscuros y lúgubres habituales. Pretende crear una atmósfera densa, inquietante y perturbadora, movilizando los recursos interiores del público en lugar de provocar en él reacciones mediante efectos visuales, imágenes que la hacen perturbadora, intrigante, claustrofóbica. 

La fotografía, de John Alcott (“La naranja mecánica”, 1971), rueda espléndidos planos aéreos, planos soberbios del hotel sitiado por la tormenta y la nieve y algunos planos memorables del interior del hotel. Crea imágenes magníficas como las del rostro de espanto de Wendy, la mirada enloquecida de Jack a través de la puerta y otras imágenes que el tiempo ha convertido en figuras representativas del autor y del cine. Son sobresalientes los movimientos de cámara y los travellings nocturnos de persecución en el interior del laberinto. 

El rodaje de la película duró mucho porque la preproducción y construcción de decorado demoró la cosa más de un año, no por las obsesivas repeticiones del director, que filmó relativamente rápido.
La banda sonora, de Wendy Carlos y Rachel Elkind, compone una partitura de sonidos estridentes, inquietantes y perturbadores, que combina con cortes de música culta tomados de Ligeti, Bela Bartok, Penderecki y otros grandes maestros del siglo XX. El tema principal, ”Rocky Mountains”, evoca la soledad, el aislamiento y la presencia diabólica del mal . 

La versión que he visto es la llamada internacional con 114 minutos de metraje, muchas más corta que las versiones americanas (144) y japonesa (146 minutos). Esa es la razón por lo que he escuchado la versión doblada al castellano más chirriante de la historia del cine español. Y es que era conocida la afición de Stanley Kubrick de implicarse en todos los aspectos de la producción, del rodaje, de la distribución y hasta la proyección de sus películas. Cuando en 1980 Stanley Kubrick termina la película y comienza su distribución. Kubrick había ya conseguido el raro privilegio de poder elegir a literatos o filólogos de prestigio para que tradujeran sus diálogos a otros idiomas (español, francés, italiano, alemán…). 

En España el encargado de la traducción fue Vicente Molina Foix. Igualmente buscaba directores de cine respetados para los doblajes. En nuestro país el elegido fue Carlos Saura. Pero el espíritu controlador de Kubrick era tal que le tenían que mandar las pruebas de voz de diferentes actores para elegir la más parecida. El problema es que Kubrick no sabía español y solo oía el tono. Y en función de los tonos y timbres de los actores originales eligió dos voces: la de Verónica Forqué para Wendy Torrance por su parecido evidente con la de Shelley Duvall; y la del actor Joaquín Hinojosa para doblar a Nicholson. En el caso de Scatman Crothers la que le sonó más parecida fue la del locutor de radio Rafael Taibo. Las voces del niño, Danny, los hizo una señora. Eso no era nuevo pues en la magistral Barry Lyndon había utilizado a José Luis López Vázquez como narrador. 

Los protagonistas en la película son Jack Nicholson como Jack Torrance, Shelley Duvall (Wendy Torrance), el niño Danny Lloyd (Danny Torrance), Scatman Crothers (el jefe de cocinas Dick Hallorann), Barry Nelson ( Stuart Ullman), Philip Stone (Delbert Grady) Lisa y Louise Burns como las hijas de Grady y, Joe Turkel (Lloyd). Y en la versión norteamericana salen igualmente Anne Jackson (doctora) y Tony Burton (Larry Durkin).

La película comienza con la subida del coche de Jack Torrance (Jack Nicholson) y su llegada al Hotel Overlöok para una entrevista de trabajo como guardia de invierno, con el ánimo de utilizar la soledad del hotel para escribir un libro. El hotel es un inmueble inmenso, de pasillos laberínticos y está decorado lujosamente. A causa de un fuerte temporal queda aislado durante un tiempo sin que se pueda acceder a él ni salir de él si el teléfono se avería. La historia abarca los primeros meses del invierno de 1980. De hecho, la película se divide en capítulos , siendo el primero la entrevista. Al poco de llegar Jack es informado de que el hotel en sí mismo está construido sobre un antiguo cementerio indio y queda completamente aislado por la nieve durante los largos inviernos. 

El manager del hotel Stuart Ullman (Barry Nelson) advierte a Jack, que viene desde Denver, que el antiguo guarda sufrió de claustrofobia y mató a toda su familia antes de suicidarse. El hijo de Jack, Danny (Danny Lloyd), que tiene un amigo imaginario y una percepción extrasensorial y tiene premoniciones horripilantes sobre el hotel. La mujer de Jack, Wendy (Shelley Duvall), recibe al poco de avisarle su hijo la llamada de Jack para comunicarle que lo han contratado. Jack está en proceso de superación de la adicción al alcohol y busca un lugar de trabajo tranquilo, silencioso y aislado. En el pasado causó heridas a su hijo Danny en un incidente del que nadie quiere hablar. 

La familia llega al hotel el día del cierre al público y los encargados les muestran brevemente el complejo. 

El cocinero, el  afro-americano Dick Hallorann (Scatman Crothers), sorprende a Danny mediante telepatía ofreciéndole helado. Dick le explica a Danny que él y su abuela compartían esta habilidad telepática, que él llama "el resplandor". Danny pregunta si hay algo de lo que deba temer en el hotel, especialmente sobre la habitación 237. Hallorann le dice a Danny que el hotel en sí tiene resplandor y que guarda muchas historias, de las cuales no todas son buenas. Finalmente le pide a Danny que no entre en la habitación 237 y que si tiene algún problema que contacte con él.
Pasa un mes; mientras el niño recorre con un coche el interior del hotel, el proyecto literario de Jack no va a ninguna parte. Más tarde, Danny y Wendy exploran el laberinto de arbustos que hay en el patio del hotel. Wendy comienza a preocuparse sobre las líneas telefónicas puesto que muchas de ellas dejan de funcionar debido a la fuerte nevada. Por su parte, Danny continúa con más visiones terroríficas sobre las niñas asesinadas por el anterior guarda. 

Jack, cada vez más frustrado e insomne, comienza a actuar de forma extraña y cada vez más violenta. La curiosidad de Danny sobre la habitación 237 aumenta cuando ve la puerta de la habitación abierta. Después, aparece con heridas en el cuello y visiblemente traumatizado, lo que hace que Wendy acuse a Jack de haber maltratado al pequeño Danny. 

Jack, tras discutir con Wendy, deambula por el inmenso y solitario hotel hasta llegar al salón del hotel donde se encuentra con un camarero fantasma llamado Lloyd (Joe Turkel). Lloyd le sirve un  bourbon mientras Jack se queja sobre su matrimonio. 
Poco más tarde Wendy le dice a Jack que Danny le ha dicho que hay una mujer loca en una de las habitaciones, y que ella ha sido la responsable de las heridas. 
Jack entra en la habitación 237 y ve a una joven muy atractiva bañándose. La mujer sale de la bañera y comienza a besar a Jack apasionadamente. Cuando Jack mira el espejo por sobre su hombro, ve que ella ha cambiado a una horrible mujer en descomposición. 
A pesar de todo le dice a Wendy que no había visto nada. Wendy y Jack discuten sobre si deberían sacar a Danny fuera del hotel, y Jack enfadado vuelve al salón, ahora lleno de fantasmas que disfrutan de una fiesta de disfraces. 

En ese momento es cuando conoce al fantasma del antiguo guarda, un espeluznante Grady (Philip Stone), que dice a Jack que debe corregir a su mujer y a su hijo,  ya que éste es un maleducado y está intentando introducir a un elemento ajena al hotel.

Mientras tanto, en Florida, Hallorann tiene una premonición de que algo va mal en el hotel y toma un vuelo hacia Colorado para investigar. En paralelo Jack destruye la estación de radio.

Wendy duda ya definitivamente de la integridad mental de Jack y se mueve por el hotel con un bate de beisbol. Danny aterrorizado comienza a decir "redrum" hasta que entra en trance, y vuelve a hablar con su amigo imaginario "Tony." 

Mientras busca a Jack, Wendy descubre los trabajos de Jack para su libro; cuando lo lee descubre que ha estado escribiendo a máquina sin parar hojas y hojas con la misma frase: “No por mucho madrugar amanece más temprano” en su versión española, o "All work and no play makes Jack a dull boy" ("Todo trabajo y nada de ocio hace de Jack un tipo aburrido") en su versión americana como la que vi anoche, con distintos formatos y estilos. Jack descubre a Wendy con la lectura. Éste es, posiblemente el momento, más brillante de la película con un montaje de plano contra plano entre Jack y Wendy con dos caras, la de la locura y la del miedo. En ese momento se enfrenta a Jack, que la amenaza hasta que ella le golpea con el bate y él cae por una escalera quedando inconsciente. 
Ella consigue llevar el cuerpo hasta la cocina y encerrarle en la despensa, pero esto no hace que consiga resolver su gran problema; ella y su hijo están atrapados en el hotel y bajo la tormenta de nieve del exterior, porque Jack había saboteado la radio del hotel y el vehículo para moverse sobre la nieve. 
Después, Jack habla a través de la puerta de la despensa con el fantasma de Grady, que le desbloquea la puerta, liberándole. 

Danny protegido  junto a su madre en sus habitaciones y a puerta cerrada del exterior, escribe "REDЯUM" con el lápiz de labios de Wendy en la puerta del baño, mientras lo repite en voz alta. Cuando Wendy se despierta mira a través del espejo donde observa las letras "MURDEЯ" (ASESINATO). 

En ese momento Jack comienza a golpear la puerta de la habitación con un hacha. Wendy asustada consigue encerrarse en el baño y sacar a Danny a través de la ventana del baño, pero no consigue salir a través de ella. Jack comienza a golpear la puerta del baño mientras Wendy grita de pánico; Jack se asoma entre el agujero que ha hecho, gritando "¡Aquí está Jack!"; es entonces cuando, al intentar Jack abrir la puerta, Wendy le corta con el cuchillo en la mano. 

En ese momento Jack escucha el sonido del vehículo de nieve, que Hallorann había pedido prestado para llegar hasta el hotel, y el de mantenimiento abandona la habitación. 
Tras sorprender a Hallorann Jack lo mata en la entrada con el hacha y comienza una persecución tras Danny que les lleva hasta el laberinto de arbustos. 

Wendy corre al ver que Jack ya no está en la puerta y se encuentra con varios fantasmas y con una gran cascada de sangre. Mientras tanto, Danny camina hacia atrás sobre sus huellas y deja un rastro que no lleva a ningún sitio, mientras tapa las huellas que deja hasta una esquina donde se esconde. 
Jack, que había estado siguiendo las huellas, vuelve hacia atrás y en ese momento Danny aprovecha para salir del laberinto y junto con su madre toman el vehículo de nieve de Hallorann, mientras Jack muere congelado en el laberinto de arbustos. 

Al final de la película vemos una fotografía colgada dentro del hotel, con fecha del 4 de julio de 1921, en la que Jack Torrance sonríe rodeado de una gran multitud que parece disfrutar de una fiesta. Y así acaba esta maravilla.

Es conocido que para la elección de actores, Kubrick barajó varios nombres para el papel principal, entre ellos los de Robert de Niro y Robin Williams. Al primero lo descartó tras verle en Taxi driver porque le parecía demasiado histriónico para el papel; al segundo, después de verle en Mork & Mindy, por ser muy poco expresivo. También pensó darle el papel a Harrison Ford. Por su parte, Stephen King renegaba de Nicholson porque pensaba que, como éste había rodado Alguien voló sobre el nido del cuco, el espectador tendería a considerarlo un individuo inestable desde el principio; por ello, King prefería para el papel, a Jon Voight o a Martin Sheen, que representarían más fielmente el perfil de individuo corriente que se ve abocado gradualmente hacia la locura. En cualquier caso, desde el principio al escritor se le dijo que el actor para el papel principal «no era negociable». No obstante, y de cualquier manera, esta película no hubiese sido igual sin un Nicholson inconmensurable y extenso de detalles. 

Para el papel femenino, aunque en un principio Jack Nicholson sugirió que Jessica Lange encajaría mejor en la personalidad de la Wendy de Stephen King, Shelley Duvall supo muy pronto que ella era la elegida para el papel. A diferencia del personaje de la novela, la Wendy del film tendría una personalidad vulnerable, débil de carácter y sumisa hacia su marido. 

Kubrick quería resaltar con más crudeza el machismo como una de las manifestaciones de las relaciones de poder amo-criado. Para labrar ese carácter y darle más credibilidad, a lo largo del rodaje el director la presionó hasta el límite, llegando incluso a humillarla y vilipendiarla ante todos sus compañeros. Se dice que la escena en que armada con el bate de béisbol retrocede por la escalera ante el ataque de su marido (una de las secuencias que más tomas ha exigido nunca por parte de un director de cine), no estaba representando a una mujer aterrada; Shelley estaba, literalmente, aterrada.
Para el papel de Danny Torrance, el primer candidato del director para representar el papel de hijo de los Torrance fue Cary Guffey (el chico de Encuentros en la tercera fase), pero los padres del joven actor lo impidieron aduciendo que era una película demasiado truculenta para un niño. En la búsqueda de candidatos fueron entrevistados unos cinco mil niños a lo largo de seis meses. Las pruebas, coordinadas por el asistente de Kubrick,  Leon Vitali (el actor que había representado el papel de lord Bullingdon en Barry Lyndon), tuvieron lugar en Chicago, Denver y Cincinnati, ya que Kubrick quería que el acento del candidato estuviera «a medio camino» entre el de Jack Nicholson y el de Shelley Duvall. Durante el rodaje, el pequeño actor fue protegido de manera especial por Kubrick; de hecho, el niño creyó en todo momento que estaba rodando un drama, no una película de terror. Tras su papel en el film de 1982 Will: the autobiography of G.Gordon Liddy, Danny Lloyd abandonó su carrera como actor. 

En la decisión de elegir para el papel de Dick Halloran a Scatman Crothers fue determinante la recomendación de Nicholson, que había compartido con él reparto en Alguien voló sobre el nido del cuco. 
Para Lia Beldam (joven de la bañera) y Billie Gibson (anciana de la bañera), ésta fue la única película en que intervinieron. Tampoco las hermanas gemelas Lisa Burns y Louise Burns volvieron a intervenir en ninguna película. Lisa y Louise son gemelas idénticas; sin embargo, tanto en el libro como en el guión, son simplemente hermanas; en la entrevista inicial de la película, Mr. Ullmann comenta que sus edades son de «entre ocho y diez años». 

Barry Dennen tiene un papel muy limitado (y en la versión corta, sin diálogos) como ayudante del señor Ullman. 
El invitado que, con una enorme brecha en la cabeza, brinda diciendo a Wendy «Una bonita fiesta, ¿verdad?» casi al final de la película es Norman Gay, editor en la película de El exorcista. 
Existen dos versiones comerciales oficiales de El resplandor: la que se estrenó en Estados Unidos (versión USA) y una segunda, más corta, que se distribuyó unos meses después al resto del mundo (versión internacional). 
La película se proyectó por primera vez al público el 23 de mayo de 1980: fue un estreno restringido, muy al uso en aquella época, ya que solo se exhibió en medio centenar de salas de Nueva York y de Los Ángeles. Apenas unos días después, el director y la Warner pidieron a los exhibidores que cortaran una escena del final (la escena del hospital) y devolvieran a la distribuidora el celuloide sobrante. Tras ser eliminada físicamente también de cada una de las copias almacenadas y de los negativos, el 13 de junio se produjo el lanzamiento para el resto de Estados Unidos. 

Unos meses más tarde, con vistas a la explotación internacional, Kubrick volvió a recortar el metraje, esta vez en unos 30 minutos. Aunque la productora justificaba los cortes por una acogida inicial por debajo de lo esperado, es posible que el motivo real fuera el deseo del director de reorientar la narración hacia una vertiente más abstracta. 
Para ello decidió minimizar la influencia en la trama de cuatro factores que tanto en el libro como en la versión larga jugaban un papel más determinante: el hotel como entidad maléfica en sí misma, el mundo exterior, el alcoholismo del protagonista y el amigo imaginario del niño. Esta versión se estrenó el 26 de septiembre de ese año en España. Los problemas de ritmo que también argumentó el director para justificar el nuevo montaje «resultan simple y llanamente incomprensibles», ya que las escenas suprimidas «enriquecían mucho más un film de múltiples lecturas, que hacía hincapié sobre el personaje de Danny y desvelaba matices ocultos en torno a la relación de este con su padre».
Las dos tienen, la americana y la internacional, tienen el estatus de «corte del director» «puesto que fue él mismo quien decidió los cortes de cada una.» Del mismo modo, para Movie-Censorship.com, «las dos contaban con la bendición del realizador»; de hecho, en el curso de un proceso de remasterización para una nueva reedición en DVD, la Warner volvió a lanzar la versión larga en Estados Unidos y la corta en el resto del mundo. En cambio, en la Internet Movie Database (IMDb) se insiste en que Kubrick prefería el montaje para Europa, si bien «la versión larga está más difundida hoy día». 
La fría acogida de los primeros pases en Estados Unidos acabó de decidir al realizador para suprimir una escena que se desarrollaba a modo de epílogo justo tras el desenlace del laberinto nevado y antes de la misteriosa secuencia final de la fotografía de los años veinte. En dicha escena, Wendy, convaleciente en una habitación de hospital, recibe la visita del administrador, quien le comunica que los investigadores no han encontrado el cadáver de su marido ni tampoco el del cocinero. Tal revelación suponía un giro narrativo arriesgado, puesto que venía a proponer nuevas conjeturas sobre todo lo ocurrido dentro de los muros del Overlook en los meses anteriores. La decisión del director de eliminar esa escena fue controvertida. El consenso general entre los que vieron los primeros pases era que la película quedaba mejor sin ella porque mantenerla suponía debilitar la amenaza del Overlook sobre la familia y reintroducía en el conflicto a Ullman, que apenas había tenido protagonismo en la historia. 
La coguionista Diane Johnson reveló que Kubrick sentía desde el principio cierta «compasión» por el destino final de Wendy y del pequeño Danny, y en ese sentido la escena del hospital daría cierta sensación de vuelta a la normalidad. Johnson, en cambio, era partidaria de un desenlace más trágico: llegó a proponer incluso la muerte de Danny Torrance; el caso es que el propio director siempre albergó ciertas reticencias respecto a la escena, hasta que finalmente decidió que era oscura y confusa, y que la película funcionaba mejor sin ella. Tal vez la «oscuridad» a la que alude Kubrick apunte a un posible paralelismo entre la desaparición de los cadáveres de Jack y Halloran y la tragedia del Donner Party mencionada al principio.
No faltaron, sin embargo, voces en contra de tal supresión. Para la actriz principal, Shelley Duvall, «Kubrick se equivocó, porque la escena explicaba algunas cosas importantes, como la importancia de la pelota amarilla y el papel que el director del hotel desempeña en la intriga». 
Desde un punto de vista retrospectivo, algunos espectadores se han planteado alguna incógnita tras conocer los debates internos del equipo durante el montaje del film sobre la conveniencia de incluirla o no. Sea como fuere, reflexionan, la escena estuvo desde el principio en el guión, de manera que la doble personalidad del personaje de Stuart Ullman estaba ya de algún modo presente en el carácter que Kubrick quería imprimirle en sus intervenciones al principio de la película, en las entrevistas y la visita guiada: mientras se rodaba la película, él, Ullman, ya «lo sabía todo» sobre el Overlook y, sin embargo, bajo su apariencia de anfitrión de modales exquisitos, premeditadamente se lo estaba ocultando a los futuros inquilinos. 
Sobre la modificación de la escritura de Jack tienen que ver que sólo hay cuatro países en Europa que sistematicen el doblaje: Italia, Alemania, Francia y España y que la frase “All work and no play makes Jack a dull boy” que el protagonista mecanografía maniáticamente tiene también cuatro versiones con refranes. En alemán sería ”no dejes para mañana lo que puedas hacer hoy”, en francés, una especie de “Más vale pájaro en mano que ciento volando”, en italiano ”La mañana trae oro en la boca” y en español el conocido “No por mucho madrugar amanece más temprano”. 
Las críticas negativas que recibió inicialmente la película le hicieron “merecedora” de dos nominaciones a los premios Razzie, o anti-Óscar: el de Peor Actriz Principal y el de Peor Director; finalmente, ni Duvall ni Kubrick “consiguieron” el premio. También optó a los premios Saturn en los apartados de Mejor Director, Mejor Actor Secundario (Scatman Crothers), Mejor Película de Terror y Mejor Banda Sonora (Wendy Carlos y Rachel Elkind); sólo Crothers se llevó el galardón en su apartado. 
En cuanto a los Óscar, después de haber concurrido como Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión con Barry Lyndon, pero El resplandor resultó ser la primera película de Kubrick que ni siquiera fue nominada en apartado alguno. ¡Increible!.

Como curiosidad señalar que "El resplandor" hizo popular la steadicam (estabilizador de cámara), inventada por Garrett Brown, y que supuso una gran revolución en la industria cinematográfica. Gracias a la steadi de Garrett Brown se pudieron rodar los travellings del pasillo del hotel o la escena de persecución en el laberinto. Garrett obtuvo un Premio Oscar en 1978 por su contribución a la técnica cinematográfica. 

De la famosa escena del río de sangre cayendo desde las puertas del ascensor (conocida como The river of Blood) se puede ver un extraño objeto que cae junto a la sangre y que queda en la entrada del ascensor, mientras que la sangre sigue cayendo e inundando el lugar. Se ha llegado a varias explicaciones: podría tratarse de un cuerpo o de una persona que justo al salir del ascensor cae debido a la sangre (ésta última es poco probable). Solo se sabe que el equipo de Stanley Kubrick filmó dicha escena reiteradas veces y aquel objeto podría haber sido colocado allí intencionadamente. Además, se desconoce qué representa exactamente aquella escena de las puertas del ascensor; aunque podría representar la cara de Danny gritando (ya que se lo puede ver gritando cuando tiene la visión del ascensor). 
La escena final del film (la escena del cuadro) deja algunas dudas sobre el significado de ver al protagonista, Jack, en el cuadro. Stanley Kubrick declaró que esa persona en el cuadro no es Jack, sino su antepasado. Los Simpson también hacen una parodia de la película en un capítulo de "Noche de brujas" llamado El resplandor (según ellos, para no pagar derechos de autor). 
En una encuesta hecha en Inglaterra, El resplandor fue elegida como la segunda película más aterradora de todos los tiempos, detrás de El exorcista. 
Y es que Kubrick se propuso rodar la esquizofrenia, y lo logró a través de un relato cinematográfico basado en una narración inquietante y angustiosa. El poder de la imagen del maestro neoyorquino consiguió, además de una atmósfera opresiva, algunas de las escenas más impactantes del cine de terror de las últimas décadas. El mérito es aún mayor cuando, a diferencia de lo habitual en el género, el director no se refugia en la oscuridad para provocar miedo o tensión, sino en algo tan aparentemente inocuo como un niño montado en un triciclo, paseando por los pasillos de un hotel, o el golpear de una pelota sobre la pared de un hotel deshabitado o el sonido de una máquina de escribir. 
Por su parte, Kubrick refleja la mente humana como el laberinto, ese entramado complejo y retorcido, que vemos en la película. Todo ello arropado en la luz y el sonido, o con un travelling a ras de suelo desde el triciclo y todo ello en un hotel incomunicado, con un asesino desquiciado que no sabe distinguir entre lo real y lo onírico, y un niño enigmático con poderes telepáticos. 
Para siempre nos quedarán los angustiosos paseos en triciclo por los interminables pasillos del hotel Overlook, a Jack Torrance asomando la cabeza por la puerta rota del cuarto del baño o persiguiendo a su hijo por el laberinto ; la habitación 237 ; y como no ese sonido estridente de REDRUM como inversión de asesinato (Murder). 

Por último señalar que hace unos años pude ver la miniserie televisiva del mismo nombre adaptada por el director Mick Garris bajo la mirada cuidadosa de su creador y en los que participaban Steven Weber, Rebecca De Mornay, Courtland Mead, Wil Horneff y Melvin Van Peebles posiblemente más fiel a la novela, pero menos grandiosa y terrible que la de Kubrick. Y es que lo que hizo Kubrick fue una obra grande.Imperecedera.