Una película intocable (primera lectura)

El tiempo pasa, nos vamos haciendo viejos…dice la canción de Pablo Milanés. Pues sí, esta película lo ha conseguido. Fui al cine, yo diría que al Santa Rosa a verlo, acompañado de una de mis hermanas y de un amigo. La película me gustó, y aunque la gente al salir comentaba principalmente la escena de la escalera en la que Eliot Ness y George Stone tienen que enfrentarse a los mafiosos que acompañaban al contable que tenía la clave da la detención de Al Capone por lo aparentemente novedosa y espectacular, y con un carrito de por medio, yo opté por valorarla en su conjunto de entretenimiento. Por otro lado la escena ya me era reconocible por haber visto “El acorazado Potemkin”.

Anoche cuando me puse a verla la recordaba paso a paso. Sospecho que volví a verla pues me resultaba muy reciente. Y, si bien escierto que en agosto la ví en formato VHS, ayer la pude ver en HD. La historia del VHS es curiosa, pues compré el video en un Video Club que vendía sus fondos ante el inicio de la expansión del DVD. Era el año 2000 o 2001.

Lo que más me sorprende de todo es que la película se ve estéticamente moderna y eso que es del año 1987. Otra cosa que me llamó la atención no recibió el oscar a la mejor banda sonora, cuando la misma, obra de Ennio Morricone, es grandiosa. Elegí la película en ese contexto revisionista de volver a saber más sobre la Mafia en los EE.UU tras ver el documental sobre Alphonse Capone y la serie Boardwalk Empire.

 
Los Intocables de Eliot Ness (España) o The untouchables, es una película estadounidense de 1987 dirigida por Brian de Palma y protagonizada por Kevin Costner que asume el papel de Eliot Ness, ese archivero de la policía que ha quedado para la historia como el hombre que llevó a la cárcel a Al Capone, aunque como señalaba el reportero de Chicago que hizo un seguimiento sobre la figura del gánster nacido en Brooklyng, el verdadero Ness no lograría encontrar ni una granja de queso en Kentucky.
Br
El elenco de esta película lo encabeza un joven Kevin Costner como Eliot Ness, que se hace acompañar de sus intocables. Estos son Sean Connery (Jim Malone), Charles Martin Smith (Agente Oscar Wallace) y Andy García como Agente George Stone/Giuseppe Petri.

En uno de sus papeles más memorables está Robert De Niro como Al Capone. También destacan Richard Bradford como el corrupto Jefe de policía Mike Dorsett. En papeles menores están Jack Kehoe (Walter Payne), Brad Sullivan (George), Billy Drago (Frank Nitti), Patricia Clarkson (Catherine Ness), Vito D'Ambrosio (Bowtie driver), Steven Goldstein (Scoop), Peter Aylward (Tte. Anderson), Don Harvey (Oficial Preseuski) y Robert Swan (Capitán Mountie).
La película que dura 119 minutos fue lanzada el 3 de junio de 1987 siendo positivamente evaluada por la crítica especializada. Además, fue un éxito en el plano económico generando 76 millones de dolares (USA $) en ganancias. La producción de la película estuvo en manos de Art Linson, pero la distribución fue asumida por la Paramount Pictures.
La película está inspirada en la novela The Untouchables, escrita en 1957 por Eliot Ness y Oscar Fraley, aunque el guión fue obra de David Manet. La música correspondió al italiano Ennio Morricone que realizó una de las bellas bandas sonoras de los 80. El vestuario fue obra de Giorgio Armani, aunque el diseño cinematográfico fue para una nominada Marilynd Vance-Straker . La fotografía – yo la he visto en una calidad regular del VHS y magnífica en el formato HD- fue obra de Stephen H. Burum.
Los intocables fueron nominados a 4 premios de la academia, de los cuales Connery recibió uno al de mejor actor de reparto. Los otros premios no obtenidos serían para la mejor banda sonora a Ennio Morricone; al mejor diseño de vestuario para la que estuvo nominada Marilynd Vance-Straker y la Mejor dirección artística para Patrizia Von Brandenstein, William A. Elliott y Hal Gausman.
La película comienza con un recordatorio de la época en la que nos encontramos, con una ley seca en vigor desde 1919 y que para 1930 ha dado pingües beneficios al crimes organizado que campa a sus anchas en la ciudad de Chicago. Tras la misma, se procede a realizar una entrevista al jefe del crimen organizado de Chicago, Al Capone, que en tono encantador y jocoso se ofrece como un vendedor de felicidad a la sociedad americana y comenta las dificultades en las que creció ya que con amabilidad y sin un arma no hubiese sobrevivido en su juventud.
 
La película empieza con el atentado con bomba contra un bar en la guerra del alcohol. Sicarios de Capone exigen a un vendedor la compra de su cerveza, al negarse dejan una maleta bomba que estalla sobre una niña.
Mientras tanto, Eliot Ness, un agente federal idealista, es el recién normado encargado de mantener el orden en el Chicago de la Ley seca. En un principio alecciona a los suyos al cumplimiento estricto de la ley, solicitando que den ejemplo no bebiendo. Más tarde, Ness hace una redada en un almacén de Al Capone, pero cuando llega, en el almacén no encuentran alcohol. Ante esta perspectiva Ness sospecha que la policía de Chicago es sobornada.
Esa misma noche, mientras Ness rumia su desgracia y su ridícula acción, se produce un encuentro casual cuando el agente federal conoce a Malone, un policía de la vieja escuela que cree en el cumplimiento de las leyes. Ness le pide que se una a su grupo para acabar con Al Capone.
Poco después al equipo se unen Oscar Wallace (un agente del tesoro) y George Stone (un cadete de la policía que se ha cambiado el apellido Giusseppe Petri). El nuevo equipo de los "intocables" empieza a actuar y entra en un almacén de Capone consiguiendo su primer éxito, así comienza a limpiar la ciudad. Por la noche se van a cenar inmortalizando el momento con una foto.

Desde allí sus actuaciones se amplían hasta hacer una sangrienta redada en la frontera canadiense, en donde consiguen la detención y declaración de uno de los socios de Capone, quien en cada momento se muestra más brutal – alejado de la realidad mostrada en el documental-. Capone al ver que su negocio corre peligro contrata a un asesino a sueldo llamado Frank Nitti.
En la jefatura de policía, uno de los intocables, Wallace, es tocado y asesinado por Nitti. Poco después el mismo asesino mata a Malone. Ness llora la muerte de sus compañeros. Pero siguiendo los pasos de Wallace, quien aseveraba que la clave estaba en los delitos contables de Capone, como en la perseverancia de Malone, procede a la detención del contable de Capone.
La misma se produce en la estación de tren, memorable monumento a la obra de Eisenstein con un grandioso tiroteo en las escaleras del tren de la ciudad que permite apresar al contable de Capone. Con el contable en sus manos Ness puede acusar a Capone por evasión de impuestos.
Días después se celebra el juicio. Capone ha comprado al jurado, también al juez. Pero al reconocer Ness a su matón Nitti, sigue a éste para detenerlo. Cuando lo detine se encuentra una cajetilla de cerillas que tiene escrito Racine 1634. Y Ness responde : “yo solía tener un amigo que vivía allí". Tras una persecución por la azotea, Nitti es detenido y reconoce no sólo que es el asesino de sus compañeros sino que además saldrá libre de las acusaciones por lo que Ness decide tirarlo por la azotea. Gracias a la prueba documental de la compra del jurado Al Capone es condenado. Alterándose como un energúmeno y lanzando gritos y amenazas a diestro y siniestro.
Ness regresa a su despacho, lee las notas de prensa que van desde su fracaso inicial hasta la condena de 11 años que recae sobre Capone y sale de su despacho tras darle a Stone los amuletos de Malone. Tras salir a la calle un periodista le pregunta que hará cuando la ley seca termine y el contesta inteligentemente: “tomarse una copa”.
La escena en la que el carrito de bebé cae por la escalera de la estación está claramente inspirada en el acorazado Potemkin, de Sergéi Eisenstein, en la que otro carricoche cae por la escalinata de Odesa durante las revueltas.
Como curiosidades decir que a Andy García le ofrecieron el papel de Billy Drago (el asesino que viste de blanco), pero él suplicó por hacer de Stone. Sabía que si hacía de malo le encasillarían para siempre (cosa que le ha pasado a Billy Drago).
Fernando Morales en el Diario El País señaló que los Intocables era una "Popular película dirigida con maestría (...) Con un impecable estilo y ritmo visual (...) evocadora música de Ennio Morricone (...) Imprescindible."

Muchas otras cosas son las que nos ofrece De Palma como son la fotografía, el guión impecable de David Mamet, el vestuario, la ambientación, el dinámico y estudiado manejo de la cámara, la portentosa y magistral partitura de Ennio Morricone y muchas escenas memorables y suntuosas escenas de exquisito lujo, gran ambientación y caracterización de sus personajes, maestría en los planos así como en la fotografía... todo lo técnico sobresale, y no menos las actuaciones de sus carismáticos personajes, destacando a un Robert de Niro nacido para interpretar a Al Capone, Billy Drago como el malísimo sicario Nitti, y los intocables Malone (Sean Connery), y los agentes Wallace (Charles Martin Smith) en su único gran papel memorable y el agente Stone (Andy García) en uno de sus primeros papeles de peso. También Costner está estupendamente.
El tono general de la película no aburre en ningún momento y mantiene el interés, llevando a momentos tan contundentes como el de Al capone afirmando "Me gusta el béisbol porque es un juego de equipo" antes de batear la cabeza de uno de sus colaboradores, la escena de la caballería en la frontera canadiense y el posterior y brutal tiroteo, la primera actuación fallida de Ness o el tiroteo en las escaleras de la estación de Chicago.

A resaltar la obra maestra que supone la música del maestro Morricone, y no precisamente el archiconocido tema central, si no muchas otras piezas como la del Lexington Hotel, o esa melancólica pieza de recuerdo a los compañeros caídos ("Su medalla de San Judas, él querría que la tuviera un policía").. Todo es perfecto en esta película: Todo el mundo se acuerda de la que transcurre en la estación de tren, pero no debemos olvidar otras escenas como la de la cabaña en la frontera canadiense, la del apartamento de Malone o la azotea de los juzgados. Muchas de las escenas son guiños a la historia del cine. La de la policía montada que llega de Canadá es un guiño a los westerns de John Ford; la escena de la cabaña donde Sean Connery levanta al muerto y le mete la pistola en la boca para amedrentar al otro gángster, es una referencia a Alfred Hitchcock y la escena de la escalinata es como hemos señalado un homenaje a la escalera de Odessa de Eisenstein y su Acorazado de Potemkin.
El final es bueno: "Señor Ness, han dicho que van a retirar la prohibición. ¿qué hará usted entonces? Me tomaré una copa."

Spanish gore / zombie

Anoche tocaba terror y aposté por la tercera parte de REC: Génesis, .esa película con la que Jaume Balagueró en 2007 sorprendió llevando el terror a los cines de España y de medio mundo en un auténtico spanish gore / zombie. Tanta repercusión tuvo que fue noticia en la televisión por lo novedoso de su formato.

En España el cine gore y zombie no es una novedad. En los setenta, por ejemplo, se hizo una película que es todo un clásico del cine español de terror, hoy absolutamente olvidado y que nos presentó Chicho Ibáñez Serrador en su serie "Mis terrores favoritos". Su título era algo así ( estoy escribiendo de memoria) "No profanar el sueño de lo muertos". Sin embargo, el género quedó en el olvido hasta que un director catálan Balagueró lo recupero.

Esta tercera versión está escrita por Luis Berdejo y dirigida por Paco Plaza, uno de los dos directores de las anteriores películas, que en esta ocasión trabaja en solitario. Tuvo su estreno el 30 de marzo en España. A pesar de su carácter de precuela tengo mis dudas de que realmente lo sea ya que no explican el origen salvo la mordedura de uno de los invitados a la boda, en concreto, el tío del novio.

El 4 de abril de 2011 se dio inicio al rodaje de la película de 80 minutos y terminó el 20 de mayo de 2011. No he leído donde fue rodada en siete semanas y en Barcelona. La producción estuvo en manos de Julio Fernández, mientras posproducción comenzó el 23 de mayo de 2011. Producida por Julio Fernández para Filmax. El encargado de sonido fue  Urko Garai , mientras que la fotografía es de Quim Vives, aunque yo he leído que se le atribuye a Pablo Rosso. 

Un papel curioso en la película lo juega el vestuario pues todos son invitados a una boda, y entiendo que incluso el traje de John Esponga- sí, sí, John - , el de los policías y el camarero, así como los de los caballeros medievales y el cura, fueron diseñados por Mónica Ballesta. Los efectos fueron de  Alex Villagrasa .

La película está protagonizada por Leticia Dolera (Clara) y Diego Martín (Koldo) , Jana Soler (Tita) Mireia Ros (Menchu), Ismael Martínez (Rafa), Emilio Mencheta (Víctor), Àlex Monner (Adrián), Javier Botet, Ana Isabel Velásquez (Wendy), Blai Llopis (Quiquín), Itziar Castro (Paloma), Claire Baschet (Natalie), Xavier Ruano, Borja Glez. Santaolalla, José Mellinas (Invitado / Zombie) y Marco Antonio Meliton (Invitado / Zombie).

Para comprender el éxito internacional de REC es notorio que esta tercera entrega ya ha sido vendida a más de veinte países tales como Estados Unidos, Francia, Inglaterra, Alemania, Portugal, Grecia, Brasil, Chile, México, Argentina, Medio Oriente, Japón, Australia y Nueva Zelanda.

La película comienza con una pantalla de menú de un DVD sobre la boda de dos personas: Koldo y Clara. Después se inicia una secuencia de fotos biográficas de los novios, y a su vez se escucha como música de fondo la canción Gavilán o Paloma (interpretada por Pablo Abraira). A partir del siguiente corte comienza la filmación afuera de la iglesia, unos momentos antes de la boda. Quien filma principalmente es Adrián, el primo de Koldo, y también se encuentra filmando un documentalista contratado llamado Atún, además se presentan algunos vídeos cortos grabados por otros invitados de la boda por sus diversas cámaras de teléfonos móviles y cámaras digitales. Posteriormente a la ceremonia religiosa, la filmación se desplaza a la recepción, en el jardín de una gran mansión a través de autobuses charter. 

A través de la grabación se va conociendo poco a poco a los invitados y familiares de los recién casados, entre ellos destaca un hombre con una herida en la mano derecha de nombre Víctor, el cual es el tío del novio, narra a la cámara que no se siente del todo bien debido a que fue mordido por un perro que de repente se tornó demasiado agresivo en la clínica veterinaria donde trabaja (probable referencia al perro "Max", la mascota de Jennifer en la primera película, y en la que se menciona un caso de ataque del perro Max cuando fue llevado al veterinario).

Más tarde, todos los invitados están en la fiesta de la boda; mientras tanto Adrián graba una entrevista en el exterior del salón a un hombre caracterizado de "John Esponja" (personaje basado en Bob Esponja, con otro nombre para evitar conflictos por los Derechos de Autor). Durante la entrevista se puede ver al tío Víctor cómo empieza a mostrar síntomas inusuales, tales como vómitos. Adrián también capta personas ajenas a la fiesta, tales como hombres en trajes especiales y una patrulla policíaca, investigando el área a lo que todos dan por hecho que se trata de una fumigación. 

De vuelta al interior, mientras que todo el mundo está bailando, Víctor (aparentemente ebrio) se sienta sobre el barandal que se ubica en un segundo piso del salón, todos le gritan que descienda pero de repente se derrumba hasta la pista cayendo sobre una mesa. Su mujer se acerca para ayudarlo a levantarse, pero pronto se despierta a morder a su esposa (en una escena semejante al primer ataque de Conchita Izquierdo al policía en la primera parte) y posteriormente vomita sangre sobre Paloma. De pronto, más y más infectados llegan a la pista de baile, y en medio del caos, Koldo y Clara se separan el uno del otro de forma circunstancial. Koldo termina con Adrián, Atún, la hermana menor de Clara y otra persona (quien posteriormente se descubre es un inspector de la SGAE) en una cocina. Koldo le pregunta a Atún por qué está filmando y destruye la cámara. A partir de entonces la película cambia a un formato con cámara cinematográfica, dejando de lado el de "Cámara en mano".

Koldo y el grupo comienzan a pensar en una manera para escapar. Ellos descubren unas rejillas de ventilación, pero como Atún es demasiado gordo no puede escapar con ellos. Cuando logran salir al patio deben hacerse camino entre los infectados que a esas alturas estaban invadiendo todo el lugar. A continuación, encuentran un coche de la policía, Koldo descubre a un policía muerto en el interior del vehículo y luego es atacado por Paloma. Adrián y el otro le ayudan a matarla, sin embargo el hombre es mordido por el oficial de policía que despierta. 

Adrián, Koldo y la niña, buscan refugio en una cámara donde otros sobrevivientes se han reunido. Los infectados no pueden entrar por el agua bendita alrededor de la zona. Clara entonces habla por medio de los altavoces a sabiendas de Koldo está a la escucha y le dice que está bien y revela que está embarazada (algo que ella quería decirle antes). Animado, Koldo se pone un traje de caballero y junto a otro sobreviviente van en busca de Clara, mientras los demás van a los autobuses, por lo cierto los zombies pudieron romper las puertas de los autobuses y por lo tanto los infectan junto a Tita (Hermana de Clara).

Mientras tanto, Clara junto con el sacerdote se esconden en la sala de control central. Una vez allí, el sacerdote afirma que "es demasiado pronto". Clara le pregunta qué quiere decir con eso. El sacerdote se refiere al "Génesis" y habla de la naturaleza de los demonios. Poco después de que una horda de personas infectadas comienzan a golpear las ventanas tratando de entrar en la habitación, Clara y el Sacerdote logran escapar. Clara encuentra a Rafa y Natalie, la amiga de Clara. Posteriormente, el grupo continúa y matan a más infectados. En un espejo, el reflejo de dos infectadas, muestra lo que en realidad son, los reflejos de la Niña Medeiros (que significa que el demonio está controlando los infectados). Entonces el Sacerdote grita "es ella, el Padre Albelda tenía razón" y les combate rezando una oración logrando inmovilizarlos y dejarlos inofensivos.

Mientras tanto, Koldo se encuentra en la sala de control y es testigo de como Adrián y los sobrevivientes son atacados por el nuevo infectado. En las pantallas enfrente y detrás de él se observa un informe de noticias de la cuarentena en un edificio, lo que revela que los acontecimientos de esta película se están produciendo en coincidencia con los de las dos primeras películas. Koldo sale de nuevo a la pista de baile y observa todo vacío.

Clara, Rafa y Natalie encuentran a "John Esponja" el artista que entretenía a los niños, y tratan de escapar hacia el exterior, pero Natalie es atacada por un infectado. Una vez fuera, Clara se encuentra cara a cara con su madre infectada, y la ve morir, ya que Jon le dispara. Comienzan a llegar más infectados, alcanzan a Jon. En ese momento Rafa y Clara entran a un túnel. Con la oportunidad de salir fuera de la casa, Rafa insiste en que se vayan, pero Clara se niega a irse sin Koldo. Rafa sugiere que si él estuviera vivo ya hubiera dado algún tipo de señal, en ese momento Koldo sube el volumen de la canción "Gavilán o Paloma". Clara entonces se da cuenta de que está vivo y decide ir por él, agarra una motosierra y va a buscar a Koldo con Rafa.

Koldo regresa a la cocina y encuentra al documentalista Atún muerto, aunque se da cuenta de que no ha sido infectado sino que se suicidó cortándose las muñecas. El tío Victor aparece por detrás y lo ataca, y después de una intensa lucha Koldo logra matarlo. Luego mira a su costado y ve una espada, con la cual habían partido la tarta de novios anteriormente y la coge.

Clara y Rafa van caminando por los túneles y sienten que se acercan infectados, Rafa dice a Clara que se apuren pero ésta tiene otra cosa en mente y dice "Hoy es mi día" y se lanza sobre los infectados con su motosierra a pelear, a partir de aquí la novia se dedica a rebanar zombies al ritmo de la canción "Eloise" de Tino Casal, partiendo la cabeza de una y cortando por la mitad a otro, pero durante el frenesí de sangre y gritos Rafa es mordido. Clara lo debe matar antes de que esté completamente infectado y lo decapita con la motosierra. 

Mientras ella seguía corriendo por los túneles, Koldo logra oírla desde la cocina por la rejilla de ventilación que conectaba con el túnel, y le grita para que lo escuche y la ayuda a subir a la cocina. Así se encuentran de vuelta el uno al otro, al fin, pero de repente una horda de infectados entran en la cocina y se encuentran sin salida. Sin embargo la horda de infectados de repente se detienen y permanecen en su lugar, ya que el sacerdote interviene por el sistema de sonido de la cabina de control y comienza a recitar oraciones, ésto les permite a Koldo y Clara ponerse a salvo. Al pasar por el salón se dan cuenta que ya ha amanecido y encuentran a todos los infectados inmóviles, Clara le dice a Koldo: "Es nuestra familia", pero Koldo responde con tristeza "Ya no es así". Pasan por al lado de ellos y salen al exterior.

Una vez en el patio, Koldo Y Clara ven a más infectados por todas partes sin moverse, pero en un descuido el abuelo de Koldo muerde a Clara en la mano, Koldo recuerda que su abuelo es sordo (por eso no oyó las oraciones del padre y no se inmovilizó como el resto de los infectados), Clara se da cuenta que sólo le queda una sola opción para poder salvarse y le pide a su esposo que le corte el brazo con la espada antes que la infección llegue a todo su cuerpo, Koldo accede y de un golpe certero le amputa el brazo. 

Clara grita de dolor y continúan caminando hacia la salida. Al llegar al portón de la salida se dan cuenta de que todo el lugar ha sido puesto en cuarentena (al igual que el edificio en REC 1), se percatan que afuera hay bastantes GEO´s, pero de pronto Clara vomita sangre, sus ojos se ponen rojos y su piel se torna más pálida, Koldo la mira y aún dándose cuenta que se ha empezado a transformar, la coge en brazos y cruza el portón. 

Al salir a la calle los GEO´s los comprueban con máquinas y le dicen a Koldo que deje en el suelo a Clara porque ella está evidentemente infectada, pero él no hace caso y le da un beso justo en el momento en que Clara es completamente dominada por el virus y le muerde la boca, arrancándole la lengua, luego salta al suelo y grita sin control, los GEO´s abren fuego y fusilan a la pareja con múltiples disparos en todo el cuerpo. Cuando caen al suelo, Koldo, con sus últimas fuerzas toma la mano de Clara y se miran justo antes de morir.

Previo a ser lanzado en los cines el filme recibió críticas por Jefferson Yañez en la que destaca: «Concluyendo, y con ánimo de exorcizar el recelo de los desconfiados, esta peculiar boda no ha supuesto el divorcio entre sus directores, más bien una separación de bienes donde la única beneficiada es “REC”, un título al que las mayúsculas le siguen sentando como un guante. Con este “Génesis”, Paco Plaza demuestra que “REC” es mucho más que una reportera escapando de monstruos por un edificio, y que su universo puede seguir expandiéndose como una deliciosa infección. Ya sólo por los dos puntazos que se guarda cerca del final merece la pena.

La película recibió críticas mixtas, en su mayoría positivas, la página Almas de Sustos, dio a la película un 85 sobre 100. Samuel Valderas Álvarez comentó: «[REC]3: Génesis es una tercera entrega más que aceptable, superior a [REC]² en algunos aspectos, pero no creo que sea la película tan puesta por las nubes que se lee por ahí a lo largo de esta semana con los pases previos, etc. Tiene sus momentos muy interesantes, como los comentados últimos 20 minutos de salvajismo, los personajes cómicos, el montaje en general de toda la película; pero en cambio tiene otros en los que puede pecar como las ¿excesivas? bromas, la exagerada historia de amor, o el ser más valiente en las escenas gores, aunque en general están bien. Pese a todo, altamente recomendable.»

Por su lado el crítico español Carlos Martínez redactó una crítica en la que destaca... «Si se valora como comedia, los chistes son divertidos, con críticas a sectores de la sociedad española, y que nos van a hacer pasar un muy buen rato. Pero repito que, por favor, el espectador vaya mentalizado de que se encuentra ante una película en la que no va a recibir la dosis de terror que espera.

Carlos Boyero en “El país” fue más crítico "Hastío de zombis enrollados. (...) Lo más decepcionante de [REC] 3 es que empieza muy bien, creando expectativas. (...) una sucesión de disparates sin mínima gracia."

Jordi Batlle Caminal en el Diario La Vanguardia afirma que  "Está a la misma altura, ni milímetro menos, de sus precedentes. (...) el festín cómico es delirante, expansivo, de goce continuo (...) . Por su parte, Sergi Sánchez en el  Diario La Razón señala que "Memorable (...) Un aviso, lector: si es fan de 'Terroríficamente muertos' del cine del primer Peter Jackson o de Michele Soavi, viendo 'Rec 3' disfrutará como un enano. Tanto como parece haber disfrutado el propio Plaza dirigiéndola" 

En Cinemanía Daniel De Partearroyo dice "Efectiva mezcla entre el costumbrismo ibérico de Berlanga y el desenfado terrorífico de un Sam Raimi entonado (...) Lo que hace Leticia Dolera con su personaje merece comentario aparte. Ella es la estrella radiante, autoconsciente, naif, cafre" 

En Fotogramas Desirée de Fez  concluye que "Rompe con el tono de las anteriores entregas sin traicionarlas (...) inmensa Leticia Dolera (...) un híbrido tan chalado como infalible de terror, gore y varios modelos de comedia (...)

El estreno fue en España el 30 de marzo de 2012. En Francia, Bélgica e Indonesia se estrenó el 4 de abril, en México el 13 de abril, en Japón el 28 de abril y en el Reino Unido en mayo. Tuvo un presupuesto de 4 000 000 € ( 5,082,218.16 USD), consiguiendo el doble 8 260 844.12€ ( 10,148,447 USD) en su recaudación sólo en cines.

La banda sonora de [REC]3: Génesis, junto a un tema original de Iván Ferreiro, ‘Canción de amor y muerte’, recopila canciones de Coque Malla, Pablo Abraira, Tino Casal, M Clan, Australina Blonde y Loquillo, entre otros.

Historias de la Mafia

No hace mucho en la 2, echaron una magnífica serie sobre la historia de la  mafia que desgraciadamente sólo pude ver en parte. Era buena, estaba bien documentada y se hacía interesante. Buscando por el espacio sideral no la he encontrado. Sin embargo, he tenido la suerte de encontrar otra que empezaba versando la vida de Alphonse Gabriel Capone.

Un neoyorkino de Brooklyn que casi nada el mismo día que yo, el17 de enero del año  1899 más conocido como Al Capone o Al Scarface Capone o cara cortada Capone, apodo que recibió debido a la cicatriz que tenía en su cara, provocada por un corte de navaja.

Capone comenzó su carrera criminal en Brooklyn antes de trasladarse a Chicago y convertirse en la figura del crimen más importante de la ciudad. Capone será el vertebrador del crimen organizado, algo que ya existía en los EE.UU y vinculado con la llegada de tres grandes oleadas migratorias: la italiana, la irlandesa y la judía. La italiana encontraría su precedente en la Mano Negra. Hacia finales de los años 20, Al Capone ya estaba en la lista de los "más buscados" del FBI.  

Era hijo de Gabrielle y Teresina Capone, inmigrantes italianos provenientes, él de Castellammare di Stabia, una ciudad situada a 24 km del sur de Nápoles y que trabajaba como barbero, y su madre, Teresina Raiola, era una costurera, descendiente de inmigrantes de la provincia de Salerno, al sudoeste de Italia. Ambos tendrían nueve hijos.

Los Capone emigrarían desde Italia a Nueva York en el año 1893, y se trasladarían a una casa situada en la calle Navy Street en el número 95. Gabriele Capone trabajaba en una barbería cercana, en el 29 de Park Avenue. Curioso es ver como se transformaron los apellidos italianos por irlandeses ya que éstos estaban mejor vistos que los mediterráneos. Un caso conocido fue el del padre de Sinatra.  

Al Capone abandonaría los estudios de sexto grado en la escuela a la edad de catorce años, para después irse a trabajar a diferentes lugares como una tienda de caramelos situada en una bolera de Brooklyn como dependiente. Durante esa temporada, Capone conocería al gánster Johnny Torrio, y el joven sería influenciado por él hasta tal punto, que Torrio llegó a convertirse en su mentor. Johnny Torrio introdujo al joven Capone en diferentes bandas juveniles de ladrones como "The Junior Forty Thieves", "Five Points Junior" o los famosos "Five Points Gang", la banda juvenil más peligrosa de aquellos tiempos. Aquí comenzaría la carrera criminal de Capone, pero también se leyenda de hombre generoso y encantador.

Poco tiempo después, se convertiría en guardaespaldas del mafioso Frankie Yale, quien encomendaba a Capone tareas como las de extorsionar a los diferentes propietarios de negocios para que le cedieran una parte de sus beneficios. En esa época sería llevado como camarero y guardaespaldas en un club nocturno de su jefe llamado "Yale´s". Una noche, Capone se emborrachó en este club, e insultaría a una de las chicas que trabajaban allí, provocando así una pelea entre Capone y el hermano de la chica, Frank Gallucio. Este sacó una navaja y con ella le rajaría tres veces la cara a Capone. De ahí nació su famoso apodo de "Cara cortada", ya que esos navajazos que recibió en la cara le dejarían tres cicatrices de bastante consideración. Al día siguiente, Capone fue a disculparse con Gallucio (por órdenes de Yale) y entonces dejaría de ser el guardaespaldas del local, aunque seguiría trabajando para Yale

El 30 de diciembre del año 1918, Capone se casó con Mae Josephine Coughlin, una mujer irlandesa, y tuvieron un hijo ese año, Albert Francis Capone. La pareja vivió en Brooklyn durante un año. En 1919 vivió en Amityville, Long Island, para estar cerca de "Rum Row".

Al Capone aún trabajaba para Frankie Yale y se cree que había cometido al menos dos asesinatos, cuando fue enviado a Chicago en 1919, junto a su mentor Johnny Torrio, ciudad donde comenzaron a trabajar bajo las órdenes de James "Big Jim" Colosimo, tío de Torrio y amante de la buena vida, de la música italiana – adoraba a Caruso- y de la cocina – tenía y será asesinado en su restaurante por ¿Scarface o Frankie Yale?.

Poco tiempo después, Torrio pasó a dirigir la banda. En cualquier caso, Torrio confió a Capone, ya en los años veinte, la dirección de la organización de la banda, dedicada a la explotación de la prostitución, el juego ilegal y el tráfico de alcohol.

Ante el retiro forzoso de Torrio en 1925, Capone tomó definitivamente el mando. Aunque probablemente nunca fue iniciado en la Cosa Nostra, rápidamente se asoció con la Mafia y se adueñó del hampa de Chicago después de eliminar a todos sus rivales en una serie de guerras, cuyo detonante fue el asesinato de Dean Charles O’Banion. Hacia 1926 Capone ejercía el control del crimen en la ciudad, derrotó a la banda de Myles O'Donnell y pudo controlar a todas las bandas excepto dos, la de Aiello y la de Bugs Moran. Ante esta situación, Capone tomó medidas y en menos de un mes sus hombres mataron a todos los miembros de la banda de Aiello. A sí mismo, los enfrentamientos entre las bandas culminaron con el asesinato vilolento en un garaje de los cinco jefes de la banda de Bugs Moran, el día de San Valentín de 1929. Aunque los detalles de la Matanza de San Valentín aún se discuten, y nadie fue procesado por el crimen, los asesinatos son atribuidos a Capone y sus hombres, especialmente a Jack 'Machine Gun' McGurn, de quien se piensa podría haber realizado los disparos. Al planear la masacre, Capone intentaba eliminar a su rival, el irlandés Bugs Moran, pero éste llegó tarde a la cita – era a las 10 - pero se retrasó y salvó.

Asimismo, Capone creó el "Sindicato del Crimen" con sus ayudantes Frank Nitti, Campagna, Guido Cicerone, Guzk y Fischetti, Vicente, Enzo y Guido Fretes convirtiéndose en el "Rey del hampa" en la ciudad, y a pesar de que su poder no fue mucho más allá de la ciudad Chicago, su nombre generaba temor y respeto en los bajos fondos del país.

Después de deshacerse de sus rivales, Capone siguió enriqueciéndose gracias al tráfico ilegal de bebidas alcohólicas ocasionado por la Ley Seca aplicada desde 1919, y a través de su vasta red clandestina de salas de juego. Se calcula que en 1927 la fortuna de Capone ascendía a cien millones de dólares.

Su antiguo mentor, Torrio, sufrió poco tiempo después un atentado por parte de sus rivales. Gravemente herido, murió el 14 de febrero de 1929.

Aunque Capone siempre hacía sus negocios con hombres de tapadera y no había registros que lo relacionasen con sus ganancias, las nuevas leyes promulgadas en 1927 permitieron al gobierno federal tras meter a un contable en su red perseguir a Capone por evasión de impuestos, su mejor opción para encarcelarlo al fin. Está en duda, y hace lo decía el documental que Eliot Ness, un archivero de la policía,  fuese algo para él, aunque sí el agente del IRS Frank Wilson, que fue capaz de encontrar recibos que relacionaban a Capone con ingresos por juego ilegal y evasión de impuestos por esos ingresos.

Por el contrario, la imagen pública para parte de lo sociedad depauperada de EE.UU por la crisis es la de ser un hombre generoso que financiaba comedores públicos o que ayudaba a quien le pedía ayuda.

El proceso y acusación ocurrieron en 1931. Al Capone fue encontrado culpable, el 17 de octubre, en cinco de los 23 cargos y sentenciado a 11 años en una prisión federal. En un principio fue enviado a una prisión de Atlanta en 1932. Sin embargo, el mafioso aún era capaz de controlar la mayoría de sus negocios desde este centro, y se ordenó su traslado a la prisión de la isla de Alcatraz en plena bahía de San Francisco en agosto de 1934. Aquí, Capone era vigilado estrictamente y tenía prohibido cualquier contacto con el exterior. Al revocarse la ley seca y con su líder bajo confinamiento, el imperio de Capone pronto comenzó a debilitarse.

A mediados de los años 1930, estando en Alcatraz, era una de las personas más famosas que integraron la cárcel, con un cuerpo privilegiado y conocedor de técnicas de lucha, ya que había sido luchador callejero en sus inicios, por lo que nadie se atrevía a enfrentarse con él. Capone, ya de mayor edad comenzó a mostrar signos de demencia, probablemente a causa de una sífilis sin tratar, que le contagió una prostituta siendo joven. Pasó gran parte de sus últimos años de reclusión en el hospital de la prisión y finalmente fue liberado el 16 de noviembre de 1939.

Estaba arruinado, físicamente débil y con la mente deteriorada. Se retiró a su propiedad de Miami Beach, Florida, donde se recluyó del mundo exterior. El 21 de enero de 1947, Capone sufrió un derrame cerebral, y murió cuatro días después de neumonía. Le encontraron muerto en la bañera. Fue enterrado en el Cementerio Mount Olivet y trasladado al Cementerio Mount Carmel al Oeste de Chicago, junto a los restos de sus padres y de su hermano. Al mismo  asistió lo más granado del sindicato del crimen en un día frío, con sus sombreros y con sus alzacuellos para evitar ser reconocidos.

Tras esto la invitación obvia era ver el segundo capítulo de Boardwark Empire, The Ivory Tower. Este segundo episodio de la primera temporada de la serie de televisión de HBO fue emitido en septiembre de 2010 en Estados Unidos. El episodio fue escrito por Terence Winter y dirigido por Tim Van Patten. Y como tal copio lo que viene en la Wikipedia.

El episodio trata las consecuencias del tiroteo y el cambio en la relación entre Nucky y Jimmy.

El episodio comienza con el funeral de "Big Jim" Colosimo en Chicago. Al Capone y Johnny Torrio son acosados por periodistas que creen que Torrio esta detrás de la muerte de Colosimo.

En Atlantic City, Nucky es visitado por Van Alden, quien está investigando el tiroteo del bosque. Nucky trata de sobornarlo para que se olvide del asunto, pero Van Alden no acepta y abandona la oficina. Nucky se encuentra con George Baxter quien le presenta a su amante, Claudia, de Baltimore. Más tarde, Nucky visita a Mickey Doyle en prisión y le dice que sus negocios acabaron y que Chalky White se encargará de su negocio. Arnold Rothstein llama a Nucky para decirle que no recibió su cargamento y que le debe 100.000 dólares.

Después de comprarle regalos a su esposa y su hijo, Jimmy va a ver a su madre y le regala un collar. Más tarde, va a ver a Nucky y este le dice que le debe dinero. Entonces Jimmy le roba el collar a su madre para poder conseguir el dinero.

Después de hacer esto, Jimmy se dirige al casino para pagarle a Nucky. Nucky toma el dinero, lo apuesta y lo pierde todo, para mostrarle a Jimmy que las cosas han cambiado entre ellos dos.

En Nueva York, Lucky Luciano trae a Frankie Yale para ver a Arnold Rothstein que está seguro de que Yale fue quien mató a Colosimo. Rothstein lo amenaza para que se lo diga.

Van Alden va a ver a Margaret para decirle que no cree que su esposo estuviese involucrado en los tiroteos.

Mientras tanto, yendo a Baltimore, George Baxter y Claudia se topan con un hombre moribundo en el bosque. Es un de las víctimas de los tiroteos.

Normandia en la historia

Un viaje a Francia, puede ser un viaje a nuestro pasado reciente. Este pasado muchas veces es trascendente y convierte un espacio geográfico es un espacio histórico. Esto es lo que le ha pasado a Normandía, un territorio, que supondrá la incorporación de las islas británicas en la historia de Europa durante la edad media, pero también el espacio que supuso el paso atrás de la Alemania  nazi en el frente oeste.

Este verano uno de los espacios conocidos y visitados ha sido ese, la Normandía que protagonizó en los meses de junio a agosto el inicio del fin del nazismo. Visitarlos ha sido estar en los escenarios que protagonizan “El día más largo”, la película estadounidense del año 1962 y de 178 minutos.

El film fue dirigido por Ken Annakin (exteriores británicos), Andrew Marton (exteriores americanos), Gerd Oswald (escenas de los paracaidistas), Bernhard Wicki (escenas alemanas) pero con una persona al mando, el productor Darryl F. Zanuck.

 

La película está basada en The Longest Day, la novela del mismo nombre escrita por Cornelius Ryan, sí, sí, el mismo del que hablamos para “Un puente lejano” y trata y narra el Desembarco de Normandía el 6 de junio de 1944. La obra de Ryan, de unas 300 páginas, fue guionizada por Romain Gary, James Jones, David Pursall, Jack Seddon y el propio Cornelius Ryan.

La fotografía en blanco y negro fue obra de  Jean Bourglin y Walter Wottitz. Mientras que la música es producto de la mente y del genio de Maurice Jarre.

Decenas de asesores militares ayudaron a la producción del film para dar un mayor realismo y credibilidad a las escenas.

Los productores querían retratar a la perfección los dos bandos. De este modo, participaron en el film auténticos militares Günther Blumentritt (general alemán), James M. Gavin (general americano), Philippe Kieffer (oficial francés que lidera el grupo que libera Ouistreham), Max Pemsel (general alemán), Werner Pluskat (el oficial alemán que es el primero en ver el desembarco en las playas), y Josef "Pips" Priller (piloto alemán).

Otro de las aportaciones del film es que todos los personajes hablan su propio idioma. La productora prefirió poner subtítulos en los personajes alemanes o franceses antes que hacerles hablar con un inglés con acento. De esta manera, se quería escapar del esterotipo de nazi y darle mayor realismo y humanidad a los personajes.

De todas maneras el saludo nazi "Sieg, heil!" no aparece en ningún momento de la película, salvo escrito en una viga del sótano del casino, donde los alemanes operan un cañón.

Otro de los elementos interesantes de la película es su extenso y coral reparto, repleto de grandes figuras. El reparto del film está encabezado por su importancia como actores por John Wayne (Teniente coronel Benjamin H. Vandervoort), Henry Fonda (Brig. Gen. Theodore Roosevelt, Jr.), Robert Mitchum (Brig. Gen. Norman Cota), Sean Connery (Pte. Flanagan), Curd Jürgens (Maj. Gen. Günther Blumentritt), Richard Burton(Oficial de la RAF David Campbell) Peter Lawford (Lord Lovat), Robert Ryan (Brig. Gen. James M. Gavin), Rod Steiger (comandante de destructor), Irina Demick (Jaine Boitard) y Gert Frobe (Unteroffizier [Sgt.] Kaffeekanne), Mel Ferrer (Maj. Gen. Robert Haines), Robert Wagner (U.S. Army Ranger), Roddy McDowall (Pte. Morris), Sal Mineo (Pvt. Martini).

Además de estos grandes hay otros de menor peso como Eddie Albert (Coronel Thompson), Paul Anka (U.S. Army Ranger), Arletty (Madame Barrault), Patrick Barr (Group Capt. James Martin Stagg), Jean-Louis Barrault (Padre Louis Roulland), Michael Beint (Bit Part), Richard Beymer (Schultz), Hans Christian Blech (Mayor Werner Pluskat), Bourvil (Mayor de Colleville-sur-Mer), Vicco von Bülow (Oficial alemán), Wolfgang Buttner (Maj. Gen Dr. Hans Speidel), Red Buttons ( el aerotransportado del tejado John Steele), Henry Grace (Dwight D. Eisenhower), Brian Coleman(Ronald Callen), Paul Hartmann (Field Marshal Gerd von Rundstedt), Ruth Hausmeister (Lucie Rommel) Werner Hinz Field (Marshal Erwin Rommel) , Michael Hinz (Manfred Rommel), Jeffrey Hunter (Sargento (después teniente) John H. Fuller) Heinz Spitzner (Helmuth Meyer) Nicholas Stuart (Omar N. Bradley) Richard Todd (Mayor John Howard (soldier) Georges Wilson (Alexandre Renaud) Karl John (Wolfgang Hager) Til Kiwe (Helmuth Lang) Alexander Knox (Maj. Gen. Walter Bedell Smith) Simon Lack (Trafford Leigh-Mallory) Joseph Lowe (Ranger at Pointe du Hoc) Wolfgang Lukschy (Alfred Jodl) Christian Marquand (capitán de corbeta Philippe Kieffer) John Meillon (Alan G. Kirk) Kurt Meisel (Ernst During) Bill Millen (Bill Millen) Louis Mounier (Arthur William Tedder) Richard Munch (Erich Marcks) Rainer Penkert (Fritz Theen) Wolfgang Preiss (Maj. Gen. Max Pemsel) Ron Randell (Joe Williams) Hartmut Reck (Bernard Bergsdorf) Trevor Reid (Bernard L. Montgomery) Madeleine Renaud (Mother Superior) Heinz Reincke (Josef Priller) John Robinson (Bertram Ramsay) Ernst Schröder (Gen. Hans von Salmuth) y George Segal (Commando #1 up cliff).

El día más largo ganó dos premios de la Academia en 1962 por la mejor fotografía en blanco y negro y por los mejores efectos especiales. Aparte de esto, tuvo un total de 5 nominaciones, ya que fue nominado a la mejor dirección artística en blanco y negro, al mejor montaje y a la mejor película. También se premio con el National Board of Review como Mejor película de 1962 y el Premio David di Donatello a la mejor producción extranjera de 1962.

Entre las curiosidades señalar que el  sargento Kaffeekanne tiene ese nombre al ser la traducción de "Bote de café", que es lo que siempre lleva en la película.

Es un error común creer que Bill Millin, el gaitero que acompaña a Lord Lovat (interpretado por Peter Lawford) en Normandía con su gaita en la película, se interpretó a si mismo. En verdad fue interpretado por el Gaitero Mayor Leslie de Laspee, el gaitero oficial de la Reina Madre en 1961.

En Sainte-Mère-Église, John Steele de la 82ª Aerotransportada (interpretado por Red Buttons) ha sido imortalizado en esta población con un muñeco que cuelga de lo alto del campanario de la iglesia, que fue donde aterrizó en el día D.

Richard Todd, que interpreta al líder de la brigada aerotransportada británica que tomó tierra en el Puente de Pegaso, participó en el asalto real del puente del Día D.

Curd Jürgens, que interpreta al General alemán Blumentritt y que es encarcelado por sus superiores por su incompetencia, fue realmente encarcelado por los nazis en su juventud.

Sean Connery participa en el film en la secuencia de la Playa de Sword. Con el tiempo y ya como 007 se enfrentará con dos alemanes / villanos y enemigos: Curd Jürgens, el lunático empresario de "La espía que me amó " y Gert Fröbe que fue Auric Goldfinger en "Goldfinger".

El general Dwight D. Eisenhower fue propuesto para interpretarse a sí mismo, cosa que él aceptó. Posteriormente, se desechó la idea porque los maquilladores no podían caracterizarlo tan joven. Y es que habían pasado ya 16 años con todo señalar que el actor que lo interpreta es una cofia fiel del general.

El papel del teniente coronel Benjamin H. Vandervoort fue ofrecido a Charlton Heston pero la decisión en el último minuto de John Wayne de coger el papel, dejó a un lado la participación de Heston en la película.

El aclamado actor Christopher Lee hizo la prueba para un papel pero los directores no creyeron que diera el perfil de militar. De todas maneras, Lee sirvió en la Royal Air Force durante la guerra.

Participaron en el film auténticos militares: Günther Blumentritt (general alemán), James M. Gavin (general americano), Philippe Kieffer (que lidera el grupo que libera Ouistreham), Max Pemsel (general alemán), Werner Pluskat (el oficial alemán que es el primero en ver el desembarco en las playas), y Josef "Pips" Priller (piloto alemán).

La banda de heavy metal Iron Maiden, grabó una canción titulada con el mismo nombre de la película, ésta pista pertenece al disco A Matter Of Life And Death editado el 25 de agosto el año 2006, escrita por Adrian Smith, Steve Harris y Bruce Dickinson.

Durante el rodaje del asalto de la Playa de Omaha, los soldados americanos no querían saltar al agua al argumentar que hacia demasiado frío. Robert Mitchum, que interpreta al general Norm Cota, se enfadó con ellos y saltó el primero. Los otros no tuvieron más remedio que seguir su ejemplo.

Con un presupuesto de 10 millones de dólares fue el film en blanco y negro más caro de la historia. Sólo sería superado en 1993 por La lista de Schindler. La productora fue la 20th Century Fox y Darryl F. Zanuck Production.

Se trata de una recreación exacta de este hecho histórico. Con un reparto lleno de estrellas internacionales y contada desde ambas perspectivas, es una mirada fascinante sobre una de las más grandes epopeyas del hombre, sus errores y los acontecimientos fortuitos que determinaron el resultado de una de las batallas más grandes de la historia. Y es que ninguna película bélica toca todos los tipos o acciones bélicas como "El día más largo".

Combina el combate en los frentes con incursiones y escenas aéreas, sin olvidar el espionaje y la parte que concierne a la política de la guerra. Esta última ilustrada por el bando alemán que, incrédulo, vio como los aliados podían comenzar la liberación de Europa. La situación que representa tiene todos esos elementos (invasión, incursión aérea, espionaje de la resistencia...), ya que el plan Overlord, el desembarco en Normandía, es hasta la fecha una de las operaciones militares más gigantescas-por número de efectivos desplegados- y mejor coordinados de la historia militar. La película tiene todo lo que se le puede pedir a una película así: combates, acción, heroísmo, dureza... más una fidelidad con la historia bastante correcta, en líneas generales.

Se recrean de manera bastante plausible los acontecimientos, junto con la serie de circunstancias que hicieron posible la Historia, tal y como la conocemos.

Por tanto, a favor tenemos unos personajes aliados bien caracterizados, un tratamiento bastante ecuánime de los personajes alemanes (se aprecia que hablamos ya del 1962, porque los alemanes son tratados como seres inteligentes, no meras máquinas), la citada recreación histórica y una realización soberbia.

Es una de las películas imprescindibles, para los que nos gusta este género cinematográfico. Y en el memorial de Caen como en la Oficina de Información y Turismo de Sainte Marie Église las referencias a las mismas son permanentes.

 

La banda sonora es inolvidable y se entremezcla perfectamente con la propia dinámica del film adaptando sus ritmos y sus tiempos a las distintas escenas, cargándolas a veces de una mayor tensión si cabe ó aligerando su exceso de carga dramática.

Con un presupuesto de 10 millones de dólares fue el film en blanco y negro más caro de la historia. Sólo sería superado en 1993 por La lista de Schindler.

Tras estar en las playas de Normandía y ver los espacios en los que se desarrolló este masivo desembarco uno piensa que Normandía está en la historia y parece como si no hubiera pasado el tiempo por esta película.

Los hijos del viento

Dos sobrinos como invitados preadolescentes/adolescentes, unas pizzas  y las once y media de la noche invitan a ver una película intrascendente y que , a pesar de ser sensiblera y de argumento de los más simplón, entretiene, finalidad básica del cine – olvidémonos de Tarkosky et allii-.

De la película tuve noticias allá por 2002 o 2003 y me sorprendió gratamente. Realmente pensaba que se trataba de una película japonesa de acción o de miedo, pero mi sorpresa fue cuando en los títulos de crédito descubrí que era francesa.   

Los Yamakasi son un grupo francés de practicantes del arte de desplazamiento (parkour),street stunts y otros tipos de acrobacias que protagonizan esta película del año 2001 dirigida por Ariel Zeitoun, y con la que colaborada inicialmente Julien Seri, y que finalmente llevará el nombre de Yamakasi: Los samurais de los tiempos modernos. Son auténticos hijos del viento.

Como el guión y la historia es muy blandita la duración no supera los  90 minutos. El guión es de Luc Besson, Philippe Lyon y Julien Seri; basado en una idea original de Charles Perriere y Luc Besson. La producción también está en manos de Luc Besson. La música de enorme importancia en la película fue creada por Joey Starr y DJ Spank para B.O.S.S. La fotografía es de Philippe Piffetau.

Otras personas que intervienen son Yann Herve (montaje), Olivier Beriot en el vestuario, Didier Hoarau en la dirección de la producción y los hermanos Frederic y Caroline Duru, Fred & Fred Lapierre en los decorados.

La película es muy simple. Un grupo de chicos de los barrios marginales, poblados por inmigrantes,  del  sur de París, son practicantes de un nuevo deporte urbano – el parkour- con el que intentan conquistar la ciudad, más exactamente sus muros, tejados y puentes. Los Yamakasi como los siete magníficos son siete. Son ligeros, ágiles y rápidos, saltan de un edificio a otro, se deslizan por las paredes y desafían todos los peligros. Cada uno tiene su habilidad especial – que es presentada de manera simple , pero efectiva por un inspector de policía casi al comienzo del filme: Béisbol es un lanzador de elite, Zicmu obtiene su energía de la música, Cohete es rápido como el rayo... Para no perturbar la vida del barrio, se entrenan muy pronto, de madrugada. Pero algunos vecinos se asustan y se quejan al confundirlos con ladrones. La gendarmería toma cartas en el asunto, pero nunca consigue atraparlos. Los jóvenes los admiran y quisieran imitarlos. Un día ocurre un accidente. El pequeño y enfermo de corazón - Djamel - se cae de un árbol mientras juega con unos compañeros y los imita. Es urgente, ¡hace falta dinero para operarlo inmediatamente! Sintiéndose responsables, los Yamakasi deciden acudir en su ayuda y, por primera vez, van a infringir la ley y arriesgarán sus vidas. Su amigo Vincent, inspector de policía, intentará ponerlos sobre aviso.

La historia que ha pasado a ser la verdad real y que viene recogida en labutaca.com nos cuenta que los Yamakasi se conocen desde la infancia y que han pasado mucho tiempo juntos en la calle, como todos los chavales de la ciudad. Inventan un juego especial, adaptado a los espacios, a las escaleras, a los muros y a las fachadas de la ciudad. Poco a poco, el objetivo es saltar cada vez más alto, cada vez más deprisa, cada vez más lejos. Todos los días escalan, saltan. Este juego es el inicio de sus aventuras. Se inventan retos imposibles.

Para estar tranquilos se entrenan por la noche y corren el riesgo de que los confundan con ladrones y de que la poli vaya pisándoles los talones. La gente los descubre, fascinada, pero también convencida de que acabarán matándose. Al final, un día, el ayuntamiento les da autorización para entrenarse.

Las reglas son muy precisas, basadas en la ayuda mutua. Utilizan el entorno y se adaptan a él. No son acróbatas. La idea es que cada uno mejore sus puntos fuertes intentando que sirvan de ayuda a los demás. Trabajan la fuerza, la fluidez, la agilidad, el dominio del miedo, pero también la rapidez y la estética. El gesto debe ser impresionante y hermoso. Para saltar de un edificio a otro ensayan hasta 200 veces, hasta que están seguros de hacerlo perfectamente bien, que todo esté visualizado e integrado en el espíritu Yamakasi. No ponerse nunca en peligro es una regla esencial en este deporte de alto nivel. Sentir la belleza del desplazamiento desde la carrera, sentir que el corazón late a mil por hora, saltar, el tiempo se detiene... Tener el control y enseguida experimentar un placer inmenso e insospechado. Además de un deseo de superarse, ser Yamakasi exige una motivación de acero, una imagen positiva de uno mismo, una confianza total en sí mismo, una enorme capacidad de adaptación y una voluntad de esfuerzo indispensable para realizar cualquier empresa arriesgada. La filosofia del Yamakasi, es la estética y la libertad .Desplazarse libremente,es un arte, el arte del desplazamiento .

Pasan los años. Y estos Yamakasi,de origen senegalés, vietnamita, zaireño, franco-italiano, centroafricano, o de Nueva Caledonia y que son miembros de familias numerosas, van trampeando de un trabajo a otro. Pero cada vez les resulta más difícil reunirse y en 1997 deciden dedicarse a esto en cuerpo y alma: progresar en el "arte del desplazamiento" esperando que un día su pasión les permita ganarse la vida. A este nivel ya no es solamente un deporte. Gracias a sus desplazamientos descubren un sentimiento de libertad inmenso. Esta nueva disciplina impulsa una nueva reflexión sobre el espectáculo, la relación con el público y el respeto del entorno. En unos cuantos años han recorrido un camino increíble y han llegado a un nivel considerablemente alto. Sus saltos van adquiriendo nombre y definición. El tic-tac (apoyarse en una pierna en un banco u obstáculo para superar un obstáculo) o los saltos diversos: resorte (pasar de un puente a otro después de tomar un buen impulso), gato (posar las manos sobre el obstáculo y pasar las piernas por el lado), brazo (salto de resorte un poco más complicado. Hay que agarrarse con los dedos, las manos o los brazos a un muro) o fondo (soltarse de una altura y dar una voltereta antes de tocar al suelo).

La pasión canaliza la energía del cuerpo y del espíritu hacia una unión absoluta. Los Yamakasi comparten los mismos valores: amistad, honestidad y valor. En este nivel no corren el peligro de caer en la delincuencia. El objetivo es convertirse en un auténtico Yamakasi: un cuerpo fuerte en un espíritu fuerte. En el proceso descubren sus debilidades, aprenden a superarlas y a confiar en ellos mismos. Conscientes de su impacto en los jóvenes inadaptados y con problemas, ese año crean una asociación.

Cada vez más preparados y cada vez más espectaculares, los Yamakasi deciden darse a conocer al gran público. Desde 1997, la prensa se hace eco del fenómeno durante algunos meses pero todo va demasiado deprisa y los Yamakasi no logran aprovechar la oportunidad. Casi un año después, participan en una emisión y vuelven a tener éxito. Saltan en un videoclip y hacen un cortometraje. En 1998, participan en la increíble aventura de Notre Dame de París. Contratan a dos de ellos, pero deciden ir turnándose para que todos puedan saborear el éxito en el Palacio de Congresos, y después en la gira por Francia y Canadá. Durante más de año y medio conocerán el ambiente del mundo del espectáculo.

Luc Besson los descubre en la prensa y les pide que actúen en Taxi 2. Se convierten en cuatro Ninjas que huyen como un relámpago por una autopista, saltan de un puente, rebotan en un remolque y desaparecen ante las narices de la policía. Poder hacer lo que en teoría estaba prohibido. Esta primera experiencia en el cine, en una película tan esperada, es ya una aventura magnífica y tienen la sensación de que su sueño se está convirtiendo en realidad y de que su arte es un auténtico oficio. Sólo tienen un deseo: repetir la experiencia.

Tras su primera experiencia con Luc Besson se reúnen con el director y productor francés en enero de 2000. Luc Besson les pone un apodo a cada uno. El guión- simple, simplicísimus-  va evolucionando teniendo en cuenta sus sugerencias. La película es una comedia de acción mucho menos dramática de lo que habían imaginado y que ofrece una imagen positiva de ellos.

Empiezan los ensayos. Los Yamakasi son atletas de alto nivel, pero no son actores. La producción contrata a una profesora particular, Harmel Sbraire, que ha trabajado con grandes actores franceses. Durante casi dos meses aprenden a hacer vibrar las palabras impuestas, a combinar dulzura y energía, emoción y comedia.

En unos meses ¡a rodar!. El rodaje empieza el 3 de julio de 2000 en Choisy-le-Roi. La primera escena de la película, la ascensión de la fachada de los Bleuets, necesitó más de dos semanas de rodaje. Por primera vez, los Yamakasi están suspendidos de cables.

El deseo de los Yamakasi es que, aunque se trata de una película, toda la parte de los saltos tiene que ser realista. Por ejemplo, para la escena en la casa del médico que lo graba todo en cámaras, no sólo tienen que escalar, sino que además tienen que enfrentarse con dos doberman. La escena no tiene ni trucos ni efectos especiales y termina con un salto de los tres Yamakasi. Tenían tanto miedo, que en cuatro tomas la escena estaba terminada.

Dieciséis semanas después, el rodaje finaliza el 10 de noviembre de 2000. Resultado: algunos moretones, rasguños y un esguince en un tobillo, pero nada grave y, sobre todo, una experiencia alucinante y un montón de recuerdos para estos siete jóvenes. "No ponerse nunca en peligro es una regla esencial en este deporte de alto nivel."

La película está interpretada por ellos y otros personajes o actores profesionales. Los Yamakasi son Châu Belle Dinh (Béisbol), Williams Belle (La Araña), Malik Diouf (La Comadreja), Yann Hnautra (Zicmu), Guylain N'Guba Boyeke (Cohete), Charles Perriere (Toro Sentado), Laurent Piemontesi (Tango).

Los profesionales son  Maher Kamoun (Vincent), Bruno Flender (Michelin), Afida Tahri (Fatima), Amel Djemel (Aila), Abdelkrim Bahloul (Tarik), Nassim Faïd (Djamel), Frédéric Pellegeay (Fretin), Gérald Morales (Médico de Le Trong), Pascal Liger (Comisario Orsini), Jacques Hansen (Consejero del ministro).

La película tendrá sus secuelas. El regreso de los Yamakasi : Los hijos del viento (Les fils du vent) de 2004 es la segunda entrega de este grupo. Esta vez narran una historia diferente a la película anterior, que transcurre en Asia, donde quieren abrir un gimnasio para que los niños de la calle puedan aprender este deporte.

También son protagonistas de un documental: Génération Yamakasi - Vol au dessus des cités dirigido desde el punto de vista de Mark Daniels. En la película Distrito 13 (Banlieue 13) participa David Belle como protagonista de esta cinta. (el cual fue el principal desarrollador del parkour o art du deplacement que practican los yamakasi, fue un miembro alguna vez de yamakasi, por diferencias ante la película de Luc Besson se separo junto con Sebastien Foucan. Existe otra y es "El regreso de los Yamakasi".

M. Torreiro en el Diario El País publicaba lo siguiente:  "Una astuta operación de marketing (...) Lo de menos es lo de más: una intriga de telefilme de sobremesa (...) policías más malos, en todos los sentidos, de lo permitido y acrobacias que dejan en evidencia lo lejos que estamos en espectacularidad de la primigenia carpa circense"

Por cierto, el término Yamakasi, que aparenta ser un apellido japonés, es realmente de origen zaireño, significa en lingala: espíritu fuerte, cuerpo fuerte, persona fuerte. Cuando el hombre intenta dominar el universo que le rodea, aprende a conocerse mejor.