martes, 9 de octubre de 2012

Primera lectura de como la vida misma


Muchas veces, casi siempre, el cine se nos presenta envuelto en papel de oro. Los medios (las televisiones, la prensa,…) vinculan el séptimo arte al lujo, a la apariencia, con lo que el mundo del cine y lo que lo rodea se nos presenta como un producto elaborado por y para la “Beautiful People”. 
Sin embargo, qué lejos queda esto del cine de verdad, el cine de aquellos pioneros, unos documentalistas, otros creacionistas, todos narradores de historias, que con unos medios limitados (los que se tenían) nos presentaban unas historias auténticas, alejadas de un mundo que parece vivir por fuera de la realidad o por encima del bien y del mal. Sabemos que, a veces, ese envoltorio no es de oro, sino de oropel. Ese oro, - e insisto, en ocasiones ese oropel- lo separa del mundo real.

Pues bien, esto no tiene nada que ver con lo que ayer pude ver y disfrutar en la Filmoteca de Andalucía. Allí, un director, Miguel Ángel Entrenas, me ha devuelto al mundo de la realidad vista a través de una cámara. Me ha llevado nuevamente al cine real, al de los pioneros, el que tenía como misión mostrar una realidad desde un objetivo y un fotograma. Y no nos engañemos, no hemos visto un documental, sino que hemos visto una historia real, que no realista. La historia que hemos contemplado tiene como protagonista estelar a Paco Ariza, un pintor baenense, que desde sus obras nos ha acercado a su realidad como pintor. Pero esa realidad nos ha acercado a la persona. Y la cámara ha estado allí para observar, para escuchar, para mirar, para mostrar. La cámara no juzgaba, no valoraba, no se posicionaba, simplemente y llanamente mostraba, presentaba. 

Con Miguel Ángel Entrenas volvemos al cine de José Luis Guerín o al de Victor Erice. Con esta película volvemos a los orígenes, y con ella a la infancia, como vuelve Paco Ariza a través de los dibujos de su nieta. La película lleva como nombre oficial Paco Ariza “Desde el cielo a la Tierra” y se presentó en junio de 2012 en el pueblo natal del pintor. No solo es el pueblo natal del pintor, sino que también es la entidad en la que nació el guionista de esta película, el también pintor Pepe Cañete. 
El filme está patrocinado por el Excelentísimo Ayuntamiento de Baena y por el Grupo Cultural Amador de los Ríos. Este grupo es el que igualmente edita la obra de mi compañero y, sin embargo, amigo José “Pepe” Cañete, y que lleva como título“Paco Ariza: Estudio de los géneros artísticos en su obra”. La obra escrita fue prologada por Antonio J. Bujalance. La obra cinematográfica cuenta igualmente en su desarrollo con la colaboración musical e interpretativa de José Antonio Varo, con la narración de Miguel Ángel Hidalgo Miranda, así con la poesía de José Antonio Santano y las entrevistas realizadas por Pepe Cañete. La producción ejecutiva es de José Antonio Esquinas. 
La película se estructura en dos grandes bloques. El primero es estrictamente descriptivo, mientras que el segundo responde al manantial creativo procedente de la entrevista entre Paco Ariza y Pepe Cañete. En este segundo bloque de unos doce minutos brota lo íntimo en el pintor. La cámara juega con las creaciones y el rostro del creador plástico. 

El primer bloque a su vez contiene tres partes diferenciadas. La primera - y a modo de presentación- nos muestra lo que yo vengo a llamar el texto y el contexto. En este caso nos presenta a la biografía del autor desde sus inicios y el papel del pueblo que juega su pueblo, y, sobre todo, los paisajes del mismo en su obra. La segunda se centra en la casa estudio del pintor. Nos presenta ahora al autor en su taller tradicional, su casa-estudio, en una atalaya del pueblo blanco, así como su evolución artística. Nos muestra retazos de la obra de un pintor que lo ha tocado todo, desde el realismo a las vanguardias pictóricas, pasando por el idealismo, el expresionismo, el constructivismo o los volúmenes geométricos o la experimentación con materiales como los capazos de esparto integrados en su obra. Ese gusto por integrar los volúmenes en la pintura lo ha llevado igualmente a la escultura, pues Baena está trufada de sus obras volumétricas. 
Por último, el director de Góngora (2011), de Desdémona (2005), o la La Chiquita Piconera (2007) desarrolla una última mirada de la obra del pintor en su nuevo y prolífico estudio: la huerta que lleva por nombre "El nido de la golondrina". Pero si de la descripción sale mucho, de la entrevista sale más. En ella y durante unos doce minutos es donde conseguimos no la imagen de un lienzo determinado, sino la imagen de su lienzo vital. Aquí el maestro no habla tanto de su obra, sino de lo que le motiva o le inspira, y al final, descubrimos que este pintor se inspira en lo más esencial: la vida que lo rodea. En definitiva esta película nos devuelve a las cosas que son de verdad, nos devuelve a la vida.

sábado, 6 de octubre de 2012

Una pelicula de Pamplinas


Recuerdo como de pequeño ponían en televisión películas clásicas, muchas veces cortos, de cine mudo. Realmente eran películas de cine cómico interpretadas por Harold Lloyd, Buster Keaton, Charles Chaplin, "Fatty" Arbukle y otros. Fue en esas emisiones mi primer acercamiento a los clásicos. Espeialmente meorable fue el ciclo de Lloyd y el de Buster Keaton. De Keaton recuerdo sus grandes películas - "El maquinista de la general", pero tabién algunas algo más cortas ,especialmente "Seven Chances" y otros cortos realizadas con Fatty.

El último round  o el boxeador presentaba como título original Battling Butler. La película fue dirigida en 1926 por Buster Keaton. El montaje estuvo en manos de Dev Jennings, Bert Haines.

El guión fue obra de  un equipo  formado por Ballard MacDonald, Charles Smith, Paul Girard Smith, Philip Braham, Albert Boasberg, Lex Neal, Douglas Furber, Austin Melford, Stanley Brightman y Walter L. Rosemont. Dura 71 minutos.

La producción fue cosa de Buster Keaton, alias Pamplinas,  y de Joseph M. Schenck, mientras que la música es de Robert Israel. La fotografía fue a parar a Bert Haines y Devereaux Jennings.


La película está interpretada por Buster Keaton  (Alfred Butler), Sally O'Neil  (La Chica), Walter James  (El Padre de ella), Budd Fine (El Hermano de ella),  Snitz Edwards ( el ayudante de Cámara), Francis McDonald  (Alfred Battling Butler, padre de la criatura ), Mary O'Brien (Su Mujer), Tom Wilson  (Entrenador) y Eddie Borden  (Manager).

La película nos cuenta como un aristócrata rico, siente que su hijo ha crecido demasiado cómodamente y como resultado no se ha hecho lo que un hombre debe ser. Este es un joven millonario y apático por lo que es obligado por sus padres a marchar a la montaña para fortalecerse física y psicológicamente, acompañado de su ayo o asistente permanente. Para remediar esta situación envía a su hijo Alfred a cazar. Tras montar una enorme y lujosa tienda de campaña salen de caza.
El millonario no logra ver ninguna especie – aunque está rodeado de conejos, ciervos,…- y accidentalmente dispara su escopeta en dirección hacia una chica. La chica se dirige hacia él para abroncarle, pero el se enamora perdidamente de la joven.  Tras invitarla a cenar en una mesa que mengua en altura decide casarse con ella, pero la familia de la chica o al menos su padre y su hermano – dos hombres altos y fuertes- , le desprecia porque es un hombre debilucho y escuálido. Vamos, un hombre de ciudad.
Para ganarse su respeto, y a sugerencia de su fiel mayordomo, se hará pasar por un campeón de boxeo que tiene su mismo nombre, Alfred Butler.
El plan inicialmente da resultado. Tanto el mayordomo como Alfred van a ver el combate. Por supuesto, su idea es que el verdadero Alfred sea derrotado, y así lo parece por momentos. Su compañero de silla, un entrenador de boxeo, sigue el combate con gran emoción, mientras que Alfred lo hace con la esperanza de la derrota. Al final, desolación para los el millonario y su criado. La imagen en soledad en la enorme sala, y la luz desapareciendo en la misma es grandiosa. Son reibidos en el pueblo por una orquesta que los pasea victoriosamente, ante los ojos asombrados del verdadero boxeador.

Sin embargo, una mala noticia salta a la prensa. Los diarios anuncian un nueva victoria del boxeador, y un nuevo combate entre el verdadero boxeador y el aspirante (un tal Alabama). Empiezan aquí los verdaderos problemas. Alfred opta por entrenarse. La experiencia del entrenamiento no puede ser más catastrófica.
El millonario tiene que sacrificarse y empieza a entrenarse para que su farsa no sea descubierta...Poco habituado a practicar deporte, pasará con más pena que gloria las diferentes pruebas físicas a las que se someterá.
Especialmente relumbrante es su entrenamiento boxeístico, en donde el entrenador y el sparring le dan una paliza de aupa. Más tarde, los entrenamientos se hacen al aire libre haciendo footing (o jooging), mientras se acerca el día del combate.

Ese día llega. El tienen la esperanza de que su esposa no vaya a verlo. Sin embargo, se presenta y le informa que tanto su padre como su hermano han apostado por él. Mientras sufre en una sala, el verdadero combate tiene lugar entre Alabama y el verdadero Alfred. La victoria sonríe nuevamente a Alfred. Tras celebrarlo, el auténtico campeón descubre a su impostor. En el vestuario se produce un enfrentamiento brutal entre ambos. En principio, Keaton es golpeado sin piedad. Sin embargo, va reaccionando y finalmente ante los ojos de su mujer y de su entrenador tumba al campeón. Del pabellón un victorioso boxeador y su orgullosa mujer pasean por la calle.



Buster Keaton finalizaría con ésta película su primera etapa con la productora MGM, a la que volvería años más tarde con otras condiciones de trabajo.  

Seis fueron los largometrajes mudos de Buster Keaton en su  primera etapa con MGM, que se extiende entre 1923 y 1926. Keaton rodó tres largometrajes para la United Artits con la misma forma de trabajar y la misma producción. Entre estos están The Three Ages (Las tres edades, 1923) de Buster Keaton y Edward F. Kline; Our Hospitality (La ley de la hospitalidad, 1923)  de Buster Keaton y John G. Blystone. La famosa Sherlock Jr. (El moderno Sherlock Holmes, 1924)  de Buster Keaton; The Navigator (El navegante, 1924) de Buster Keaton y Donald Crisp; la famosísima Seven Chances (Siete ocasiones, 1925) de Buster Keaton; Go West (El rey de los cowboys, 1925) de Buster Keaton y , por último, la vista Battling Butler (El último round / El boxeador, 1926) dirigida igualmente por Buster Keaton.

En 1926, Joseph Schenck se convirtió en uno de los jefes ejecutivos de la United Artists, productora que había sido fundada en 1919 por Mary Pickford, Douglas Fairbanks, Charles Chaplin y D.W. Griffith. Schenck abandonaba así la compañía de este “Pamplinas”, nombre con el que se llegó a conocer a Buster Keaton en España.

La película es una de las raras ocasiones en que Keaton se basa en una obra de teatro. La obra se llamaba en realidad Battling Butler y estaba protagonizada por Charlie Ruggles. Tuvo cierto éxito en 1923 en Broadway. Estuvo en cartel cerca de un año – entre el 8 de octubre del  1923 y el  5 de  julio de 1924. Se interpretó por primera vez en el Teatro Selwyn y luego pasó al teatro de Times Square. En total fueron la friolera de 313 actuaciones, una carrera impresionante para una obra original. Keaton conocía la obra y la adaptó. Es por ello, que muchos la consideran la menos "keatoniana" de las películas de sus inicios. Sin buscar los gags tipo slapstick, aunque los hay en el memorable entrenamiento, se centra tanto en "las facultades físicas" del  protagonista como en el juego de equívocos en que se convierte la trama, los momentos más desternillantes de otra película (como todas las de este genio absoluto) desternillante por definición.

David Robinson un crítico norteamericano dijo de ella que era  "Más escasa en inventiva y gags que otras películas, la ausencia de comicidad sirve para enfatizar el talento de Keaton como director y narrador, guiándose siempre por la solución más justa y eficaz para la historia, liberado de las convenciones dominantes del montaje de la época.


viernes, 5 de octubre de 2012

Un año de cine


Ese fue 1992. Las circunstancias hicieron que ese año yo acabara temporalmente en Pontevedra. La bellísima ciudad gallega, con su clima suave y lluvioso invitaba al cine. Allí recuerdo haber visto Sin Perdón, El fugitivo, Parque Jurásico, y algunas más como la premiada La Bella y la Bestia de Disney. Hubo incluso – creo que fue el año siguiente- un festival de cine, y en algunas de esas salas, junto con actores, votábamos a la mejor película según el público. Yo voté por una italiana en la que participaba Ángela Molina y Marcelo Mastroiani.
Una de esas películas que fui a ver fue la obra con la que Francis Ford Coppola iniciaba su recorrido por los noventa, en este caso remitiéndose a todo un clásico de la literatura británica firmado por el irlandés Bram Stoker. Estamos hablando de Drácula.
Drácula, de Bram Stoker (1992) o Bram Stoker's Dracula en su título original es una película dirigida por Francis Ford Coppola y protagonizada entre otros por Gary Oldman, Anthony Hopkins, Winona Ryder, Sadie Frost y Keanu Reeves. Participa igualmente una malvada pero bellísima Monica Bellucci en una de sus primeras incursiones cinematográficas. Entre los actores y actrices que juegan un papel secundario  se encuentran Cary Elwes (Lord Arthur Holmwood), la ya nombrada Monica Bellucci, Tom Waits (R.M. Renfield), Bill Campbell (Quincey P. Morris) y Richard E. Grant (Dr. Jack Seward).
La película está basada en la novela homónima de Bram Stoker, el guión fue escrito por James V. Hart y producida por Francis Ford Coppola, Fred Fuchs, Charles Mulvehill para Columbia Pictures a través de otras productoras como la American Zoetrope y la Osiris Films. Las ganancias de la película fueron suficientes como para salvar a Zoetrope (estudio de Francis Ford Coppola) de la bancarrota después de sufrir dificultades financieras y un pasivo de $ 27 millones durante anteriores 3 años a la presentación del filme.
La fotografía fue asumida por Michael Ballhaus, mientras que el montaje fue cosa de tres: Anna Goursand, Glen Scantlebury, Nicholas C. Smith. El vestuario, uno de los grandes aciertos de la película, fue de la japonesa recientemente fallecida (enero de 2012) Eiko Ishioka.
La banda sonora corrió a cargo de Wojciech Kilar, excepto el tema final Canción de amor para un vampiro, que fue compuesto por Annie Lennox.
La película tuvo una buena acogida por el público y obtuvo 4 nominaciones a los Oscar de 1993, de los que ganó tres: Mejor diseño de vestuario, Mejor Maquillaje y Mejor edición de sonido.
Está considerada la adaptación oficial, la película más fiel a la novela que introduce a personajes nunca antes adaptados. Consiguió 215.862.692 dólares en todo el mundo y fue el retorno al éxito de Francis Ford Coppola.
La obra en sí comienza con la narración de la toma de Constantinopla por los turcos y la expansión de éstos por todo el este de Europa. En los territorios de la actual Rumania, uno de los príncipes de la Cristiandad se enfrentará a ellos. Ese príncipe, Vlad, tras despedirse de su amada esposa y ser bendecido por la Iglesia, se enfrentará a sus enemigos, saliendo victorioso de ella. La brutalidad de su defensa, se le presenta como un empalador, no impide que los turcos envíen un mensaje a su castillo. En ese mensaje se dice que el príncipe ha muerto. Ante la noticia, su joven esposa Elisabetta se suicida tirándose a un precipicio. La llegada de Vlad y la recepción de la noticia le desata la ira más absoluta, abjurando de la religión ante la negativa de enterramiento por ser un suiidio. Prometiendo una venganza permanente.
Ya en el siglo XIX cuando Jonathan Harker (Keanu Reeves), un joven abogado inglés de Londres prometido con la joven y bellísima institutriz Mina Murray, en la ciudad de Bistritz, que debe viajar a través del desfiladero del Borgo hasta el remoto castillo del conde Drácula (Gary Oldman), en los Montes Cárpatos de Transilvania, para cerrar las ventas con él de unos terrenos cerca de Londres en una antigua abadía. Convirtiéndose durante un breve período de tiempo en huésped del conde, el joven inglés va descubriendo que la personalidad de Drácula es, cuanto menos, extraña: no puede reflejarse en los espejos, no come nunca en su presencia y hace vida de noche.
En una de esas noches descubre con sorpresa el enorme parecido entre Mina y Elisabetta, su amor inmortal que perdió a su amor hace cuatrocientos años. Y, curiosamente, la novia de Harker (Winona Ryder) es un vivo retrato de ella. Por ello, Drácula decide viajar hasta la capital británica para conquistarla.
Jonathan poco a poco va descubriendo que es un ser despreciable, ruin y despiadado que acabará haciéndole rehén en el propio castillo. En el mismo, también viven tres jóvenes y bellas vampiresas que una noche seducen a Jonathan y están a punto de chuparle la sangre para convertirle en vampiro, de no ser por la interrupción del conde. Para evitarlo, Drácula les entrega un bebé que ha secuestrado para que se beban su sangre y se lo coman.
Al mismo tiempo, para encontrar un poco de descanso la joven Mina Murray decide pasar una temporada veraniega con su amiga íntima de infancia Lucy Westenra en la casa solariega que posee en Whitby, en la costa de Yorkshire. Lucy es una hermosa joven de clase acomodada que vive en una lujosa mansión y que está siendo cortejada por tres galanes un doctor del psiquiátrico, un norteamericano y un joven adinerado.
Teniendo al joven Jonathan Harker prisionero en su castillo, el Conde decide viajar a Londres, pero ha de hacerlo metido en una caja con tierra de Transilvania, ya que debe descansar en tierra sagrada de su patria.
Para alcanzar su destino, debe viajar en carruaje hasta un puerto cercano al estrecho del Bósforo, y desde allí en barco desde Varna hasta Whitby, en la costa de Inglaterra, atravesando los Dardanelos.
Tras la llegada del barco, sin tripulación a Londres, Drácula busca a Mina pero encuentra a la joven Lucy aprovechándolo para chuparle la sangre por primera vez en el cementerio de Whitby, hecho sangriento del cual Mina es testigo, recoge a Lucy y la lleva de vuelta a su casa.
Jonathan Harker sigue recluido en el castillo de Drácula, pero su cautiverio finaliza cuando logra huir descendiendo por sus muros, cae al río que bordea el castillo y es arrastrado por la corriente. Es encontrado por unas monjas en una abadía cercana y posteriormente alojado en un hospital de Budapest, donde se recupera de una fiebre cerebral sufrida a raíz de los terribles hechos vividos en la morada de Drácula. Una monja del hospital se pone en contacto por carta con Mina, detallándole la situación de su prometido, y le pide que se desplazase hasta ese lugar para cuidar de Harker, y allí, según resuelve Mina, contraerán matrimonio.
Mientras, en Whitby, Lucy Westenra sufre unos extraños síntomas: palidez extrema, debilidad y dos pequeños orificios en el cuello, producidos por una supuesta enfermedad; pero lo que en realidad le pasa a la joven es que está convirtiéndose en vampiresa o en No-muerta debido a que Drácula le absorbe la sangre, que necesita para sobrevivir y rejuvenecer. Los síntomas de Lucy se irán agravando tras su regreso a Londres.
Al no mejorar la salud de Lucy, su prometido Lord Arthur Holmwood (Lord Godalming) y su amigo Quincey Morris, piden consejo al doctor John Seward (los tres se le habían declarado a Lucy). Este médico es el director del manicomio en el que se encuentra el paciente Renfield, un interno bajo la influencia de Drácula y que fue apoderado legal de Drácula previamente – y que vimos al principio de la película- . Este interno, entre otras cosas, practica la zoofagia, caza y come moscas, arañas y pájaros. Al observar que la salud de Lucy empeora, Seward decide pedir consejo al doctor Abraham Van Helsing, un médico holandés experto en enfermedades misteriosas, que fue su profesor en sus años de carrera.
Entretanto, Mina ha encontrado en Londres a un noble centroeuropeo al que acompaña a ver el nuevo espectáculo del cinematógrafo. Mientras ven la nueva maravilla – y tras imágenes de Meliès, un lobo entra en la sala. Hay una estampida, pero el noble protege y seduce a Mina.
A pesar de la ayuda de Van Helsing y apreciar sus heridas y concluirque Drácula está tras ella,  tras realizar numerosos tratamientos y transfusiones, no puede impedir que Lucy muera tras un nuevo ataque, por lo que será sepultada.
El doctor Van Helsing sospecha que Lucy se ha convertido en No-muerta, y montan guardia a la tumba familiar en la que ha sido sepultada la joven. A medianoche los hombres, armados de estacas y linternas, descienden al recinto en que reposa el cuerpo de Lucy; al correr la tapa del sarcófago se percatan que el cuerpo no está dentro del ataúd; entretanto llega Lucy, convertida en una no-muerta, cargando un niño al que quiere beber su sangre.
El doctor Van Helsing sella el sepulcro de Lucy con hostia consagrada, de manera que ésta no puede huir y se pone tras de la vampiresa con un crucifijo de oro. Los tres enamorados se horrorizan frente a lo que le ocurrió a la muchacha que amaban. El doctor Van Helsing le pide autorización a Arthur para "matar" al monstruo. El joven, devastado por la transformación de su amada, acepta. El doctor Van Helsing y sus ayudantes completan el rito para que la joven pueda descansar en paz: le clavan una estaca en el corazón, la decapitan y le llenan la boca de ajo- aunque esto no lo vemos ahora, sino que ya ocupaba una esquina en la habitación de Lucy.
De esta manera Lucy Westenra deja de ser una vampiresa. El tormento abandona su alma, por lo que puede descansar ya en paz.
Mina Murray, tras recibir el telegrama desde Budapest, se casa porel rito ortodoxo. La ahora Mina Harker al casarse con Jonathan, tras volver de su boda se entera de la muerte de su amiga Lucy. Al llegar a Londres, Jonathan descubre al conde Drácula rejuvenecido.
Preocupado por su propia salud mental, Jonathan le pide a Mina que lea el diario que él escribió durante su estadía en el castillo de Drácula, en Transilvania. Mina lo lee y queda consternada y comparte esa experiencia con el doctor Van Helsing, contándole todo lo que sospecha. Éste averigua finalmente que el conde Drácula es un vampiro, por lo que deciden darle muerte, dejando a Mina en la supuesta seguridad del manicomio.
Primero intentan acabar con él en Londres, buscando y purificando todos sus refugios, sin conseguir darle muerte. Renfield no obstante informa a Mina de que no siga a Drácula.  El conde transformado en humo penetra en el habitáculo de Renfield y acaba con él.
Mientras los demás buscan el refugio de Drácula en la abadía, éste penetra en la habitación de Mina. Tras seducirla una vez más, entra y le chupa la sangre a Mina. Seguidamente Drácula vuelve a morder a Mina y le hace beber de su sangre de él, para que quede de esta manera ligada a él. Este hecho será más tarde denominado por Van Helsing "el bautismo de sangre del vampiro".
Poco más tarde, Drácula se enfrenta a Jonathan y Van Helsing, y a los tres jóvenes, pero al no poder derrotarlos pese a su gran poder, huye de ellos transformándose primero en vampiro y luego en un nido de ratas. Tras huir parte hacia su castillo en Transilvania, quedando así fracasado su intento de asentarse en Inglaterra para conseguir víctimas femeninas que incrementen su harén de novias vampiresas.
Todos los que querían acabar con Drácula -Jonathan, John Seward, Van Helsing, Quincey Morris, Lord Godalming (prometido de la fallecida Lucy) y Mina Harker-, marchan tras él, pues saben que ha huido, a Mina, quien ha caído bajo el influjo de Drácula, aunque no del todo.
Tras días de viaje llegaron a Galatz, donde se desvió el conde con el barco que transportaba al conde gracias a su poder de controlar los vientos y la niebla, y posteriormente llegan al castillo (se habían separado en dos grupos), se acercan al castillo.
En la noche las tres vampiresas se les aparecen a Mina y a Van Helsing durante un alto en su viaje en calesa y tratan de que Mina se les una, pero Van Helsing logra ahuyentarlas con la hostia. Al amanecer, Van Helsing entra al castillo y las mata atravesándoles el corazón con sendas estacas; luego sale del castillo con la cabeza de ellas arrojándolas al vacío, vuelve con Mina, y se van tanto a la búsqueda de Drácula como a la de sus amigos. Todos confluyen cerca del anochecer, durante una tormenta de nieve acechados por lobos. Drácula, quien, recordemos, no podía estar despierto a la luz solar, viajaba dormido y metido en una caja de tierra, llevado y flanqueado por los gitanos leales, quienes también lo habían llevado hasta el puerto en su viaje a Londres.
Se libra una batalla, la cual termina cuando el puñal de Jonathan corta el cuello del Conde, al tiempo que Morris, atraviesa el corazón del vampiro antes de morir víctima de la puñalada mortal propinada momentos antes por un zíngaro. Se termina así para siempre con el sangriento vampiro de Transilvania. Mina, cuando está siendo destruido, observa la paz que asoma al pálido rostro del vampiro tras abrírsele el camino al cielo. La cicatriz que la Hostia consagrada que hirió a Mina, desaparece con la muerte de Drácula.
A lo largo de la película Drácula el personaje interpretado por Gary Oldman muestra su faceta como guerrero despiadado, como un anciano conde y como un caballero romántico. Muchos dicen que la interpretación de Oldman es capaz de asustar y enamorar al mismo tiempo. Se dice que el actor estudió los diálogos de tal manera que, si olvidaba una frase, quería volver a repetir toda la escena para poder plasmar todo el diálogo. Leyó la novela y ensayaba con un tono pavoroso para el Drácula anciano, dándole un toque más terrorífico al personaje. Gary Oldman pasó horas y horas maquillándose: sus maquilladores estuvieron cinco horas para conseguir el físico del conde.
 
Para el personaje de Jonathan Harker se pensó en Leonardo DiCaprio y Brad Pitt, pero la amistad de Keanu Reeves con el director ayudó a que fuera escogido para el papel. Fue esta película la que le lanzó a la fama y muchos dicen que la caracterización del actor es muy parecida al de la novela.

Para el papel del viejo doctor Van Helsing especializado en vampiros y otras criaturas extrañas se pensó en Liam Neeson, pero cuando éste se enteró de que su admirado Anthony Hopkins estaba interesado, decidió cedérselo. Hopkins también interpreta al sacerdote que castigó a la mujer de Drácula tras el suicidio y al narrador en algunos momentos. Esta interpretación va más allá de lo que propone la novela: un personaje más loco que cuerdo, con una inteligencia brillante. Como curiosidad, cabe destacar que el actor estudió alemán para conseguir el acento de su personaje.

Mientras que en la novela, Mina es una mujer responsable y fiel, en la película el personaje va más allá y tiene un affair con el conde Drácula mientras su marido está en Transilvania. La actriz tuvo que dejarse melena y adelgazar cuatro kilos para interpretar tanto a Mina como a Elizabetha, la mujer de Drácula que se suicidó cuatrocientos años antes.
 
Se rumoreaba mucho acerca de que Coppola, además de dirigir la película, también sería el encargado de adaptar la novela a un guión cinematográfico. Pero finalmente, los productores le cedieron la tarea a James V. Hart, ya que llevaba bastante tiempo trabajando con una adaptación de la novela original.
Ha habido mucha controversia acerca de la lealtad al libro del guión de Hart, pero mayoritariamente, la obra está muy bien expresada a nivel cinematográfico y es bastante fiel a la novela. Por tanto, actualmente es considerada la mejor adaptación de la novela que se ha hecho, ya que aparecen en ella todos los personajes pertenecientes a la obra de Stoker. El resultado final es una película gótica, como el libro.
A pesar de ser la película mejor adaptada al cine de la novela de Stoker, en esta versión se incluye un nuevo relato no mencionado en la novela, cuyo argumento es la profunda historia de amor que comparten el conde Drácula y Mina Harker. Este relato muestra una visión menos monstruosa del conde y más romántica, con un segundo enfoque del protagonista mediante un argumento que no resulta infiel a la novela, y que podría haber sido perfectamente incluido en ella.
El filme está dirigido por Francis Ford Coppola. Los productores habían pensado en otros directores de géneros de terror como William Friedkin o John Carpenter, pero finalmente optaron por Coppola. Muchos de los productores dudaban acerca de si Coppola cumpliría las expectativas, ya que últimamente este director sufría múltiples problemas financieros debido a desastres cinematográficos; dirigió películas de gran coste, pero escasa recaudación, como El Padrino III o Apocalypse Now.
Coppola esta vez se fijó más en bienes creativos que económicos y puso todo su empeño en realizar la mejor adaptación de la novela que nunca se había hecho, y finalmente no sólo cumplió los requisitos de la película, sino que hizo que fuese una de las películas más taquilleras del año, además de convertirla en todo un clásico del género terrorífico.
Hay que sumar también que fue una de las películas que salvarían al director de su crisis tanto económica como profesional, haciendo que Coppola recuperase su prestigio perdido en el mundo del cine.
La banda sonora original estaba compuesta por el compositor polaco Wojciech Kilar, que conocería a Coppola en uno de sus conciertos en Francia, y al que ofrecería un debut en los Estados Unidos componiendo la música de la película. Su banda sonora estuvo a punto de ser seleccionada para una nominación a los Oscars, pero por determinaciones desconocidas de los productores, no querían que la música de Kilar fuera seleccionada.
El tema principal de la película "Love Song for a Vampire" (Canción de amor para un vampiro) fue escrita por Annie Lennox, que juntándola con el trabajo de Kilar, saldría al mercado un disco con la banda sonora y los temas interpretados por Lennox. Este disco cosechó un gran éxito por los Estados Unidos, y también por parte de Europa, - yo particularmente lo compré- especialmente en Polonia, con la razón de que era el debut de un compositor polaco en el cine estadounidense.
Debido a constantes críticas hacia la película por sus escenas violentas y en muchos casos desalentadoras, la producción no tuvo más remedio que cortar muchas de las escenas de la película hasta finalizarla con 120 minutos de duración, pero supuestamente, con las escenas recortadas, el filme debería haber durado 145 minutos. Muchos fanáticos de la novela se quejaron al respecto, ya que una desintegración de la película equivaldría a menor expresión creativa del libro. Finalmente, cuando salió a la venta la versión de la película en DVD, se incluirían tales escenas suprimidas, y mostrando así al público, una versión más extendida, en la que se incluían escenas bastante sarcásticas, incluso desnudos de Winona Ryder.

La película a pesar de todo tendría una buena aceptación por parte de los críticos. La calificaron como la mejor adaptación cinematográfica de la novela que se había hecho nunca, ya que actualmente hay numerables adaptaciones de la obra de Stoker. La reacción de los críticos, en general, fue positiva, pero se cuestionó mucho la fidelidad al argumento de la novela. Además, Keanu Reeves recibió bastantes críticas del público por su interpretación de Jonathan Harker.

Sin embargo, el film fue un notable éxito de taquilla, recaudando 82,522,790 $ en su país de origen y 133,339,902 $ en el resto del mundo, con una recaudación total de 215,862,692 $, convirtiéndose en la adaptación de la novela más exitosa comercialmente hasta la fecha. La película dio inicio a una recuperación de la literatura clásica de terror y de relectura cinematográfica de clásicos de la literatura inglesa, como lo demuestra el Frankenstain de Mary Shelley, o el Mary Really.


Realmente  Coppola despoja a la película de la misoginia del autor para centrarla en un espectáculo de luces y sombras, música e imágenes surrealistas y oníricas que nos trasladan como por arte de magia a la estética modernista de finales del siglo XIX y nos lo presenta coetáneamente con los albores del cine. Es un homenaje al cine. Aprovecha todos los recursos de este arte: imágenes que simulan haberse tomado con un antiguo cinematógrafo, metáforas visuales, músicas y diálogos evocadores, como el que dice "Resucitaré de mi muerte, para vengar la suya, con todos los poderes de las tinieblas" o “La sangre es la vida”.... Lo mejor es su tremenda carga emocional, que transforma el mito convirtiéndolo en un héroe torturado por la pérdida de su amor y que busca volver a amar. Esa nueva característica aportada por el filme es su principal acierto, pues conecta al espectador directamente con el personaje y humaniza, en cierto sentido, al monstruo deshumanizado de otras versiones.

De ella dijo Carlos Boyero en “El Mundo” que era una película "Emocionante. (...) Es una historia de amor y de terror, dos sensaciones que suelen ir unidas en los espíritus torturados". Por su parte, Fernando Morales en el Diario El País afirmaba que "Conseguida revitalización del mítico drácula. Magnífica ambientación neogótica. No se la pierda".


En una revista especializada como Cinemanía, Javier Ocaña decía que era un "Arrebatado poema de amor teñido de sangre sobre la inmortalidad del deseo".



La representación de Drácula por parte de Gary Oldman fue alabada por muchos críticos y ganó el Premio Saturn al Mejor Actor. Sin embargo, el mejor aval a la película los tuvo en los Oscars de 1992. La película ganó tres premios de la academia: Mejor diseño de vestuario (Eiko Ishioka), Mejor edición de sonido (Tom C. McCarthy y David E. Stone) y Mejor Maquillaje (Greg Cannom, Michèle Burke, Matthew W. Mungle). Estuvo nominada también a Mejor dirección de arte (Thomas E. Sanders, Garrett Lewis). En los BAFTA de 1993 tuvo cuatrro nominaciones en las secciones de Mejor maquillaje, vestuario, diseño de producción y efectos especiales. Con todo, el éxito de ese año fue para Clint Eastwood que no quiso perdonar a nadie. En definitiva, un año de cine

jueves, 4 de octubre de 2012

Llámame Serpiente


Ya comenté que llevaba cierto desfase en las crónicas. Esta realmente la pude ver el domingo día 30 de septiembre, pero hasta hoy no he podido realizar esto. Lo cierto es que hace años, mucho años, logré ver la anterior, la película de 1981 de John Carpenter y de título 2012, Escape from New York, interpretada por el mismo Kurt Russell actor fetiche de John Carpenter, el que se autocalifica como Serpiente.

Escape From L.A. (también conocida como Fuga de Los Ángeles o Escape de Los Ángeles –México-, o 2013: Rescate en L.A. en España es una película de 1996 dirigida por John Carpenter. Secuela de Escape from New York (1981).

El guión estuvo escrito por el director, Debra Hill y Kurt Russell. La producción corrió a cargo de estos dos últimos, mientras que la distribución corrió a cargo de la Paramount Pictures. Invirtieron US$50.000.000, no llegando a recuperar sino parte de ella ( 42.277.365 dólares).

La música como suele habitual en las película de John Carpenter  está compuesta por el propio John Carpenter, acompañado de Shirley Walker.

La oscura fotografía de aspecto ochentero fue elaborada por Gary B. Kibbe, mientras que el montaje fue de Edward A. Warschilka.

Está protagonizada por Kurt Russell (Snake Plissken) y coprotagonizada por Steve Buscemi (Map to the Stars Eddie), Stacy Keach (Cmdr. Malloy), Bruce Campbell (General de Beverly Hills), Peter Fonda (Pipeline) y Pam Grier (Hershe Las Palmas) junto con otros como Georges Corraface (Cuervo Jones), Michelle Forbes (Brazen), Cliff Robertson (Presidente), Valeria Golino(Taslima), Ina Romeo (Hooker), Peter Jason (Duty Sergeant), A.J. Langer (Utopia), Robert Carradine (Skinhead), Breckin Meyer (Surfista), Leland Orser (Test Tube).

La película es continuadora de otra obra de Carpenter, 1997, Escape from New York del año 1981. En esta secuela, se parte del año, 1998, cuando un terremoto provocó que Los Ángeles se convirtiera en una isla y que el gobierno, autoritario y autonombrado vitalicio de la "Nueva América Moral", , decidiera que fuera un lugar al que enviar a los ciudadanos indeseables que no obedecen las leyes, ya que todo estadounidense perdería su nacionalidad por cosas tales como fumar, comer carne roja o ser musulmán son algunos ejemplos.

En 2013, Utopía la hija del presidente (A. J. Langer) ha robado un arma letal y ha huido a Los Ángeles - una colonia penal- para acabar con el gobierno de su propio padre. Plissken "el Serpiente" (Kurt Russell) es reclutado por el presidente (Cliff Robertson) para recuperar el antídoto y a su hija.
Para ello tiene menos de diez horas o el virus que le han introducido en el cuerpo el comandante represivo Cmdr. Malloy (Stacy Keach) le matará. Serpiente Plissken será enviado para rescatar a la chica y recuperar el arma

Nada más llegar Plissken "el Serpiente" reencuentra con un tipo surfista con cara destrozada por la lluvia ácida Pipeline (Peter Fonda) y que espera diariamente su ola. Como no tiene tiempo busca su objetivo al terrorista Cuervo Jones (Georges Corraface) que vive con su chica Utopía en un antro de la ciudad. En su búsqueda encuentra de inmediato al agente que había sobrevivido que sirve como diana en un local de juego Tras acercarse a Cuervo gracias a la colaboración de un miserable personaje Map to the Stars Eddie (Steve Buscemi). Es atrapado por una banda que trafica con órganos humanos.

Escapa con la compañía de una chica Taslima (Valeria Golino) que quiere ayudarle. Sin embargo, muere en una emboscada atacado por una banda de asiáticos.
Vuelve a encontrarse con Map to the Stars Eddie y lo lleva a una trampa en la que Cuervo Jones participa en su detención. Tras ir a un estadio y superar una prueba de baloncesto, logra nuevamente escapar, ayudado por un movimiento sísmico y el consiguiente tumulto.

En estas secuestra a la hija del Presidente, pero es herido por Map to the Stars, quien informa a Cuervo Jones de lo acontecido. Sin embargo, no ha muerto. Se encuentra con Pipeline quien lo llega en una tabla de surf a un tugurio.
Y logra llegar a un lugar donde se encuentra un antiguo socio ahora travestido Hershe Las Palmas (Pam Grier). Éste y su banda se presta a ayudarle dados los favores de antaño.
Aprovechando una concentración de la gente de Cuervo llega el grupo alado (vuela en unas alas deltas) con la gente de Hershe y con Mapa de las Estrellas . Logran arrebatar el maletín a Cuervo, quien muere en el enfrentamiento. Todo el grupo huye en un helicóptero policial que había arribado unos momentos años. En el tiroteo con la gente de Cuervo muere parte del grupo de Serpiente como Hershe y el propio Map, siendo el helicóptero dañado gravemente, aunque esto no le impide aterrizar en la zona controlada por el presidente.

Cuando llega al territorio fiel a la postura moral presidencial, se le informa que el virus no era tal y descubre que todo es una trampa del presidente y su comandante. El presidente ordena el asesinato de serpiente, pero su imagen es un holograma. Por lo que se salva él y Utopía, y con ellos el mundo libre. Fin del disparate.
Snake Plissken está de regreso en una aventura extraña con los aires de la serie B y la magia de las películas del viejo Oeste, ya que Carpenter es un aficionado a los western clásicos, y tal como lo hizo con Rescate en New York, en este filme los vuelve a homenajear.
Como buena obra de serie B, la película es además un caldero de críticas e ironía que Carpenter siempre ha tendido a plasmar en sus trabajos (el control mental en They Live, la corrupción de la iglesia en Vampiros) y que aquí se hace más poderosa que en ninguna. Vemos cómo Los Ángeles es un antro de seres vacíos y hambrientos de poder cuyo líder tiene un aspecto muy similar al del Che Guevara. A la vez, el gobierno de los Estados Unidos es de corte netamente autoritario, con un presidente demagógico y ultracatólico.
Esta es una película esencialmente friki, sólo apta para amantes del cine de acción. Ya se queda algo anticuada con respecto a los efectos especiales y tal, pero sigue rezumando un inconfundible olor a cine de culto made in John Carpenter. El film se nutre de estrellas del género de acción de los 70 y 80 como Stacy Keach (conocido por la serie Mike Hammer), Peter Fonda (Easy Rider), Pam Grier (Foxy Brown), Bruce Campbell (Posesión Infernal) y con las colaboraciones de actores que empezaban a destacar como Busceni. La trama está plagada de escenas inverosímiles, bastante divertidas a mi parecer. Y, esto es obvio, Kurt Russell es Serpiente Pliskin,.que al final pide ser llamado Plisskin. Simplemente nació para el papel. La forma en la que interpreta al antihéroe más carismático del cine.
No obstante, la película esta llena de momentos ridículos de serie B, como aquellos de la cirugía estética, la escena del surf , el ataque en parapente, coches decorados con cabezas de muñecos,… de las películas de serie B que la convierten en más divertida, como un chiste vandálico e incluso de mal gusto sobre las costumbres de una ciudad de Los Ángeles...
La película tuvo un presupuesto $50 millones y generó por venta de taquillas la cantidad de $25,5 millones en EE.UU. solamente, además recibió dos nominaciones al “The Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films” por mejor vestuario y mejor film de ciencia ficción.
Antonio Albert en Cinemanía dijo de ella que era  "Macarra, cutre, fascistoide y con un sentido del humor tan fino como unas bragas de esparto" Por su parte, Omar Khan en el Diario El País afirmaba que  "Conserva ese tono mordaz de Carpenter en el que nunca se sabe si se está burlando del género o rindiéndole un homenaje" , mientras que en ese diario Fernando Morales  aseveraba que "Entretenida secuela, más lograda y trabajada. Dosis de acción, humor y despliegue de vistosos efectos especiales para una historia futurista realmente espectacular. Con mucho encanto".

miércoles, 3 de octubre de 2012

Hush, se me acumula el trabajo



Soy consciente que ver una película y comentarla al día siguiente tiene su complejidad. Si no lo hago a diario al final se me acumula el trabajo.

Fue anoche cuando en la Sexta 3 echaron Hush, Pánico en español. Pero lo cierto es que llevo cierto retraso desde el domingo, día en que visioné una película de John Carpenter, que comentaré en otra ocasión.

“Hush” es la película resultado de un largo trabajo entre su director, el polifacético Mark Tonderai (escritor, director, productor, disc-jockey para la BBC radio, socio fundador de Shona Productions con su mujer …) y su mujer, Zoe Stewart (productora). Entre ambos dieron forma a la historia y finalmente él firma la dirección y el guión de la obra mientras ella la produce.

El director británico Mark Tonderai en 2009 debutó en el cine con thriller psicológico. Para ello contó con la participación de William Ask (Zakes Abbot), Christine Bottomley (Beth) , Andreas Wisniewski (Encapuchado), Claire Keelan (Wendy), Stuart McQuarrie(Thorpe), Robbie Gee (Chimpoda, el de seguridad), Peter Wyatt (Mr. Coates), Sheila Reid (Mrs Coates), Shaun Dingwall (PC Mitchall).

Pánico (o Hush como fue estrenada en su nombre original en inglés) fue no solo fue filmada por Tonderai, sino que el mismo participará en el guión. La música fue obra de Theo Green una banda sonora eficaz que remarca de manera notable la acción (sin estridencias y con una ejecución que recuerda a Bernard Hermann en sus composiciones para Hitchcock), mientras que la fotografía estuvo controlada por Philipp Blaubach con una fotografía sumamente efectiva tanto en las escenas lluviosas como en los estallidos lumínicos que forman parte esencial de la trama (estaciones de servicio y traca final).
Pánico es más que un filme un telefilm por su poca duración (88 minutos) y de escaso presupuesto (1 millón de libras) con aportaciones de Film4, UK Film Council, EM Media, Sream Yorkside, Fear Company, Pathé Pictures International, Warp X...  La película se fimó en Yorkshire (Inglaterra) y la distribuyó Optimum Releasing.

Arranca mostrándonos a una pareja viajando en un BMW en una noche lluviosa por una autopista inglesa y mediante la conversación que oímos entre ellos, se nos hace saber que él se dedica a reponer afiches por las estaciones de servicio, como medio de vida mientras le viene la inspiración para escribir una novela que es su meta ansiada y soñada y que ella le acompaña en esa noche con la intención de poner fin a la relación , ya que esta liada con Leo un amigo de la pareja y parece ser está esperando el momento adecuado y buscando una coartada moral para soltárselo, sin acabar de decidirse. Se trata de una pareja que no vive su mejor momento. Vagan por la carretera de estación de servicio a estación de servicio para que él ejecute su trabajo, poner carteles publicitarios en baños y lugares públicos del área.

Cansado e irritable, Zakes Abbott conduce por la autopista con su novia, Beth, durmiendo a su lado. Hasta que tiene un incidente con una camioneta blanca entre discusiones con ella. Esta echa una cabezada, durante la cual debido a una maniobra rara cuando busca el termo por el suelo del vehículo y a las obras en la carretera, es adelantado bruscamente por un camión blanco. Durante la maniobra en la que se pone  el camión delante, vislumbra en un flash y debido a que la puerta corredera de acceso al remolque se abre y vuelve a cerrar rápidamente, a una mujer encerrada en una jaula pidiendo auxilio a través de la persiana trasera del camión tras el que viajan se abre un momento y vislumbran una mujer atrapada en su interior, pidiendo socorro.

Inseguros de su visión y en absoluto de acuerdo sobre cómo actuar la pareja comienza a discutir, hasta su Siguiente parada… allí sus peores sospechas se harán realidad, y será ella la próxima habitante del remolque de ese camión siniestro. Su novio no tendrá otra opción que perseguirlo y luchar por la vida de su amada…

Momento para el recuerdo: El protagonista  es perseguido por el loco de turno y se esconde en los baños de una estación de servicio. El camionero va abriendo las puertas de los retretes y mirando uno a uno, nuestro protagonista se esconde detrás de la puerta colgado de un ganchito, de ésos para colgar la chaqueta, y consigue que no se le vea. Es un momento de tensión muy logrado.
A partir de allí se presenta una tensa road movie donde el inmiscuirse en los problemas ajenos será el motivo que da vida al conflicto de este thriller de terror sobre un maniaco del asfalto que trafica con seres humanos.

Es una película de bajo presupuesto, donde vemos caras desconocidas dentro del ambiente artístico. Pero gracias a ello por allí se gana en realismo, pues las actuaciones son convincentes y espontáneas, además de que la nerviosa utilización de cámaras en mano también contribuye a generar la óptima sensación de caos para una cinta de esta naturaleza.

La película  tiene todos los tópicos del cine de terror: malo sin rostro (éste tapado con una capucha), que camina parsimoniosamente, se me acaba la batería del móvil, el  coche no arranca, una chica a la que salva colabora con el malvado…
Por último, señalar que cuenta con un recio, seco y contundente final, redondeado con la escena inmediatamente precedente a los títulos de crédito finales.

He leído, pues no lo he visto en la película por la pésima programación de la televisión, que después del final, durante los títulos de crédito se puede ver un epílogo en el que se nos muestra que uno de los delincuentes de la organización (puede ser el guardia de seguridad) está de compras en una librería y al coger un libro por el protagonista describe la operación criminal y su final.

The Sun dijo que era la mejor película británica de terror en años, y el tabloide con mayor solera del Reino Unido, "The News of the World" que era un thriller aterrador que elevaba la tensión hasta el punto más álgido.
Tras esta se programó el Ejército de las Tinieblas de la que hablaré en otro momento. Lo dicho, se me acumula el trabajo.