miércoles, 31 de enero de 2018

Blindness


Siempre me ha impresionado la historia del emperador bizantino Basilio II Bulgaróctono, el asesino de búlgaros de finales del siglo X y principio del siglo X que llevó al Imperio bizantino al máximo de su poder en cinco siglos, pero con el que inició la decadencia para el Imperio. Su intención era recuperar los territorios que el Imperio bizantino había ido perdiendo a lo largo del tiempo. 

Su gran adversario, fue el zar Samuel de Bulgaria. Este territorio que había sido parcialmente conquistada por Juan I Tzimisces, pero partes del país habían logrado mantener su independencia, bajo la dirección de Samuel y sus hermanos. Los búlgaros realizaban incursiones en tierras bizantinas desde el 976 y el gobierno bizantino trató de provocar sin éxito disensiones permitiendo la fuga del emperador cautivo Boris II de Bulgaria. Fue la invasión de Tesalia y la toma de Larisa a fines de 985 por parte de Samuel lo que decidió a Basilio II a pasar a la ofensiva. 

Aprovechando un respiro de su conflicto con la nobleza, Basilio guió un Ejército de 30 000 hombres a Bulgaria decidido a tomar por sorpresa Sredets (Sofía) en 986 pero no pudo penetrar en la ciudad. Falto ya de víveres decidió regresar, cuando todavía no había sufrido demasiadas bajas; pero al retirarse el Ejército búlgaro lo alcanzó y le infligió una grave derrota en la batalla de las Puertas Trajanas en agosto de 986, lo que puso en jaque su poder y prestigio dentro del imperio. 

Cuando se desató la guerra abierta en 1002, Samuel había extendido el reino búlgaro desde el Danubio, al norte, hasta Atenas. Sus dominios se extendían desde el Adriático al mar Negro, y todos estos territorios habían sido conquistados durante los 300 años anteriores a expensas de los bizantinos. Basilio estaba ahora decidido a invertir el destino del Imperio enfrentándose en una guerra abierta contra los búlgaros en una guerra que se extendió por otros doce años, durante los cuales tanto Basilio como Samuel lograron victorias sorprendentes. 

Las fuerzas de Samuel eran considerablemente menores, pero fue capaz de evitar un enfrentamiento total mientras realizaba ataques menores sobre el ejército de Basilio en su avance por el territorio búlgaro. Samuel esperaba desgastar así a las tropas bizantinas, forzándolas a la rendición o al menos a la firma de una paz. 

Finalmente, después de que la fortaleza Baba Vida en la frontera con el Danubio hubiera soportado un asedio bizantino que se prolongó ocho meses, el 29 de julio de 1014 Basilio arrinconó al ejército búlgaro y le obligó a luchar en la Batalla de Kleidion, mientras Samuel se encontraba a varios kilómetros de allí. Basilio aplastó a los búlgaros e hizo 14 000 prisioneros: mandó cegar a 99 de cada 100 de éstos, dejando tuerto al restante para que pudiese guiar a los demás de vuelta. Aunque probablemente se trate de una exageración, este hecho le proporcionó a Basilio su sobrenombre «Bulgaróctonos» («matador de búlgaros»). 

Cuando Samuel vio volver a sus tropas cegadas, sufrió una apoplejía en el acto y falleció unos días después. Bulgaria siguió luchando durante otros cuatro años más, pero terminó sometiéndose en 1018. La victoria sobre los búlgaros y el posterior sometimiento de Serbia supuso la consecución de uno de los objetivos de Basilio: la recuperación para el Imperio de la antigua frontera del Danubio por primera vez en 400 años. 

Así, que por momentos, mientras veía la película recordaba a este cegador de hombres , aunque por momentos también he querido ver un lienzo del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo titulado La parábola de los ciegos, en la que un ciego guía a otros ciegos, lo que conlleva al desastre más absoluto. 

Que quede claro, que mientras veía la película recordaba como aparece en la portada del libro de la novela del año 1995 titulada Ensayo sobre la ceguera del Premio Nobel portugués José Saramago. No lo había leído, pero sí recordaba ese detalle . 

Sólo después de verla vi que la película se basada precisa,ente en su obra que habla de como una epidemia súbita que causa la ceguera de los habitantes de una ciudad moderna y que resulta en el colapso de la sociedad. Así que efectivamente este fue el intento de llevar al cine la obra del Nobel portugués dando lugar a esta película dramática con toques de ciencia ficción que fue dirigida por el brasileño Fernando Meirelles. 

El paulista, fundador de la compañía productora Olhar Eletrônico y la compañía productora O2 Filmes, junto con Paulo Morelli y Andrea Barata Ribeiro. Fernando Meirelles se dio a conocer tras llevar al cine la novela Cidade de Deus, de Paulo Lins, estrenada en Brasil en 2002, que fue enviada ese mismo año al Festival de Cine de Cannes. 

Después del estreno internacional, se decidió enviar al filme Cidade de Deus como representante brasileño en el concurso por los premios Oscar en 2004. La siguiente película, El jardinero fiel le otorgó el Oscar de Mejor Actriz Secundaria a Rachel Weisz. Una y otra le dieron la ocasión de realizar la película Blindness , basada en la obra de José Saramago, cuyo guión apareció en la lista negra de 2007; una lista de los guiones sin hacer más deseados del año, y fue estrenada en septiembre del 2008 y en la que el paulista apostó por un elenco internacional. Fue uno de los productores de la película Niv Fichman, junto con la habitual Andrea Barata Ribeiro y Sonoko Sakai, quien explicó la intención del director del filme: «[Meirelles] estaba inspirado en la obra maestra de Saramago de crear un microcosmos del mundo. Deseaba que el filme tuviera un reparto que representara a toda la humanidad». 

Para la misma contó con una inversión de 25 millones de dólares aportados por Rhombus Media, O2 Pictures, Bee Vine Pictures,Alliance, Ancine, Asmik Ace Entertainment, BNDES, Cinema Investment, Corus Entertainment, Fox Filmes do Brasil, GAGÁ, Movie Central Network y Téléfilm Canadá , recuperados parcialmente con una taquilla que alcanzó los $ 19.8 millones tras la distribución de Rhombus Media y Miramax Films. 

Para llevar la obra de José Saramago a la gran pantalla se basó en un guión de Don McKellar, así como un equipo técnico de su país integrado por la musica de Marco Antonio Guimarães, la fotografía de César Charlone y el montaje de Daniel Rezende. 

El elenco está encabezado por Julianne Moore como la esposa del doctor, Mark Ruffalo como el Doctor, Gael García Bernal como el camarero, Danny Glover como el narrador, Yusuke Iseya como primer ciego, Yoshino Kimura como la esposa del hombre ciego, Alice Braga como mujer con gafas oscuras y curiosamente el guionista, Don McKellar, como en Yi Yi, como uno de los actores concretamente el ladrón. Junto a ellos están presentes la televisiva Sandra Oh como Ministra de Salud, Mitchell Nye como el niño, Susan Coyne como la recepcionista, Martha Burns como la mujer con insomnio, Maury Chaykin como el malvado contador y Joe Pingue como el taxista. 

La película comienza cuando un joven de origen japonés (Yusuke Iseya) que se desplaza con su coche se queda parado en la vía cuando se queda  a ciegas en su automóvil  en un cruce y luego se le acercan unas pocas personas, y uno de ellos (Don McKellar) se ofrece a llevarlo a su casa. Tras dejarlo cerca, le roba su automóvil. 

Al poco llega su mujer (Yoshino Kimura) y el hombre ciego describe su repentina aflicción como una extensión de deslumbrante blanco, así que la esposa  lo lleva a un oftalmólogo local (Mark Ruffalo) que, después de examinar los ojos del hombre, no puede identificar nada incorrecto y recomienda una evaluación adicional en un hospital. 

Entre los pacientes del médico hay un anciano con un parche negro en el ojo (Danny Glover), una mujer con gafas oscuras (Alice Braga) y un niño pequeño (Mitchell Nye). 

Tras esto el doctor regresa a su casa y durante una cena con su esposa (Julianne Moore), el médico analiza el extraño caso. La mujer parece no hacerle mucho caso, sino que prefiere centrarse en el tiramisú. Tras disfrutar de la cena, ella se marcha a la cama, mientras su marido se queda trabajando. Él le pide que le llame antes. Al levantarse el Doctor descubre que se ha quedado ciego. 

Por su parte, la mujer con gafas oscuras, que se revela como una prostituta, se convierte en la tercera víctima de la extraña ceguera después de una cita con un cliente  en un hotel. Poco después descubrimos que cae el ladrón y el niño.

Alrededor de la ciudad, más ciudadanos quedan ciegos, lo que causa pánico generalizado, y el gobierno organiza una cuarentena para ciegos en un asilo o prisión abandonado. 

Cuando un equipo de evacuación y aislamiento se persona en la casa del médico para ingresarlo, su esposa se sube a la furgoneta y le dice que se ha quedado ciega para poder acompañarlo. 

En el asilo, el médico y su esposa son los primeros en llegar y ambos están de acuerdo en que mantendrán su vista en secreto. Pocos después llegan otros y otras , entre ellos la mujer con gafas oscuras, el hombre japonés, el ladrón de autos, el hombre de color mayor con parche y el niño. Ellos se encuentran sólos y desamparados, pero son recibidos por la mujer del Doctor y éste que los tranquiliza. Les informa que están en el módulo 3. 

Poco  después llega otra partida, así como muchos más. En el módulo 3 son ingresados algunos personajes que hemos visto tangencialmente, entre ellos la mujer del japonés y primer afectado.  Allí vemos como malviven. No tienen a nadie que los guíe , salvo a la mujer del Doctor,  la única persona inmune a la epidemia de ceguera y que poco a poco se siente aislada al ser la única con vista. Pero, da igual, descubren las malas intenciones de los militares que los custodian, que no tienen reparos en dispararles, la suciedad que lo invade todo - no hay equipo de limpieza- , las escasas raciones de comida y las tensiones entre módulos.

Un día la esposa del doctor descubre que el anciano con el parche en el ojo tiene una radio y que , parece ser, es la únicapersona que tiene  una información global de lo que ha pasado. El señor describe la situación del mundo exterior y como la ceguera repentina, conocida como la "enfermedad blanca", ahora es internacional, con cientos de casos reportados todos los días. El gobierno cada vez más totalitario recurre a medidas cada vez más despiadadas para tratar de detener la epidemia, rechazando la ayuda o las medicinas enfermas. A medida que más personas ciegas se apiñan en la prisión, la sobrepoblación y la falta de apoyo externo hacen que las condiciones de higiene y de vida se degraden. Pronto, las paredes y los pisos están cubiertos de suciedad y heces humanas. La desesperación hace que las dos parejas que hay en el módulo se fracturan momentáneamente, ya que el Doctor tiene una relación con la chica de las gafas oscuras, y la pareja japonesa, que está a punto de romper. 

La ansiedad sobre la disponibilidad de alimentos socava la moral y la falta de organización impide la distribución equitativa de los alimentos. Los soldados que protegen el asilo se vuelven hostiles. Las misma presidenta o ministra que había tomado la decisión de recluir a los ciegos ( Sandra Oh) anuncia al mundo que se ha quedado ciega. 

Las condiciones de vida degeneran aún más cuando una camarilla de hombres de una sala contigua a la de los protagonistas se postulan como los reyes de la comunidad. Uno de ellos (Gael García Bernal) armados con una pistola se declara a sí mismo como el rey de barrio, y toma el control de las entregas de alimentos que cada vez son menores. 

Las raciones se distribuyen solo a cambio de los objetos de valor de los otros pabellones, como el de los protagonistas, pero tras la primera entrega , exigen ese grupo tener relaciones sexuales con las mujeres de los otros pabellones. 

Del pabellón del Doctor sale un grupo de 8 mujeres, entre ellas la mujer del médico, una chica rubia, la prostituta y la chica japonesa. Pero una de las mujeres es golpeada hasta la muerte por el hombre que tuvo sexo forzado con ella, la esposa del médico ya tuvo suficiente y luego , con la siguiente convocatoria, mata al rey con unas tijeras en el cuello. Su muerte inicia una confrontación de guerra caótica entre las salas, que culmina con el asalto a la sala del grupo del rey y luego la mayor parte del edificio se quema y algunos internos mueren quemados. 

Los supervivientes , encabezados por la única que ve, la mujer del doctor, descubre que los guardias han abandonado sus puestos y que son libres de aventurarse en la ciudad. 

Al salir ella lleva al grupo con el que ha convivido. Descubren todos que la sociedad ha degenerado ya que toda la población está ciega en medio de una ciudad devastada e invadida por inmundicias y cadáveres. 

La esposa del doctor guía a su esposo y a otras personas de su barrio en busca de comida y refugio. El médico y su esposa se desplazan en busca de ropa y de comida, ambos llegan a un supermercado lleno de personas ciegas que tropiezan. Ella con capacidad de ver encuentra comida en el almacén de un sótano. Mientras se prepara para irse con bolsas llena de comida y encontrarse con su marido afuera, pero es atacada por las personas ciegas hambrientas que huelen la comida que lleva. 

Su esposo, ahora acostumbrado a su ceguera, la salva y se las arreglan para regresar con sus amigos. El médico y su esposa deciden llevar al grupo, como su nueva "familia" , y hacen su camino de regreso a la casa del médico, donde establecen un hogar permanente de apoyo mutuo. Tienen una mesa relajada y amigable entre el grupo. 

Al día siguiente, mientras la mujer del Doctor le pone la leche y tan repentinamente como se había perdido su vista, el japonés recuperó la vista. Todos los amigos lo celebran, pero la esposa del doctor se destaca en el porche, mirando hacia un cielo encapotado blanco y parece estar quedándose ciegoa hasta que la cámara se desplaza hacia abajo, revelando que ve el torturado paisaje urbano, acabando así la película. 

Comentar que el Nobel portugués que residía en Lanzarote , José Saramago, originalmente se negó a vender los derechos de su novela "Ensayo sobre la ceguera" publicada en el año 1995 para una adaptación cinematográfica en reiteradas ocasiones. Saramago había expresado, «Yo siempre me he resistido porque es un libro violento sobre la degradación social, la violación, y porque no quería que caiga en las manos equivocadas».

A pesar de esto, el director Fernando Meirelles deseaba realizar la adaptación de esta novela al cine, porque percibía que « [...] es una alegoría sobre la fragilidad de la civilización». En un principio, Saramago declinó vender los derechos de adaptación de la novela al cine a Meirelles, a Whoopi Goldberg y a Gael García Bernal.

Por esta razón, el autor de la novela recibió en 1999 la visita en la isla en la que está en Parque Nacional de Timanfaya  del productor Niv Finchman y el guionista canadiense Don McKellar. Saramago permitió su visita con la condición de que no discutieran la compra de los derechos. McKellar explicó los cambios que pensaba hacer de la novela y cuál sería el enfoque, y dos días después él y Fichman abandonaron el hogar de Saramago con los derechos conseguidos. Una de las condiciones impuesta por el escritor fue que el escenario de la película se realizara en un país que no fue  reconocible para la audiencia , pero los productores pudieron adquirirla con la condición de que la película se ambientara en una ciudad no identificada e irreconocible​ y que se empleara un perro grande como el descrito en la novela,que fuese ahora otro perro , un FoxTerrier de grandes dimensiones. 

Al principio, Meirelles imaginó que dirigiría la película en idioma portugués, siguiendo el lenguaje propio de la novela, pero al final decidió realizar el filme en inglés porque pensó, «Sí lo haces en inglés lo puedes vender al mundo entero y puedes tener una mayor audiencia».

Además, uno de los cambios intencionales del director fue establecer la película en un escenario contemporáneo, opuesto al contexto original en el que se desarrolla la novela, y que Meirelles estimó que se sugiere en los años 60 o después, ya que en uno de sus pasajes un grupo de personas descubren por accidente un almacén equipado con electrodomésticos modernos como hornos microondas, lavadora de platos, etc. 

A pesar de todo, Meirelles decidió ambientar el filme en el siglo XXI, para que los espectadores puedan identificarse a los personajes y buscó un enfoque alegórico distinto.

Meirelles describió que la novela era «muy alegórica, como una fantasía fuera del espacio, fuera del mundo», una  distopía, y que él al contrario prefirió tomar una dirección naturalista para comprometer a la audiencia y realizar una película menos «fría». 

Don McKellar , aquí también actor, dijo sobre la adaptación de la historia: "Ninguno de los personajes tiene nombres ni historia, lo cual es muy poco tradicional para una historia de Hollywood . 
La película, al igual que la novela, aborda directamente la vista y el punto de vista y te pide que veas cosas de una perspectiva diferente." McKellar escribió el guión para que el público pudiera ver el mundo a través de los ojos de la protagonista, la esposa del médico. Buscó hacerles cuestionar la humanidad de cómo ella observa, pero no actúa en varias situaciones, incluida una escena de violación y consultó a Saramago sobre por qué la esposa tardó tanto en actuar. McKellar señaló: "Dijo que se dio cuenta de la responsabilidad que implica ver gradualmente, primero a sí misma, luego a su marido, luego a su pequeña familia, luego a su barrio y finalmente al mundo donde tiene que crear una nueva civilización " El guionista escribió las "acciones y circunstancias" que le permitirían a la esposa encontrar su responsabilidad. 

Mientras que el guión completo era en su mayoría fiel a la novela, McKellar pasó por varios borradores que no lo fueron. Uno de ellos lo vio alejarse de la novela creando nombres y historias para todos los personajes. Otro cambió significativamente la cronología. Sólo después de estos intentos fallidos McKellar decidió cortar las historias de fondo y centrarse principalmente en el médico y su esposa. Intentó reconectarse con lo que originalmente lo llevó a la novela: lo que él llamó su "simplicidad existencial ". La novela define sus personajes poco más que sus acciones actuales; hacer lo mismo para la adaptación se convirtió en "un ejercicio interesante" para McKellar. 

Para integrarse en la ceguera, McKellar asistió a un campamento de verano para ciegos como parte de su investigación. Quería observar cómo las personas ciegas interactuaban en grupos. Descubrió que el diálogo expositivo excesivo, generalmente desaprobado por los escritores, era esencial para los grupos. McKellar cortó una de las últimas ideas de la novela en su guión: "No creo que hayamos quedado ciegos, creo que estamos ciegos. Ciegos pero que vemos. Personas ciegas que pueden ver, pero que no ven". 

McKellar creía que los televidentes ya habrían captado el simbolismo y no querían que el guión pareciera ser torpe. También suavizó las señales visuales en su guión, como la "brillante blancura lechosa" de la ceguera descrita en la novela. McKellar sabía que quería un director estilísticamente experto y no quería ser demasiado preceptivo, prefiriendo solo insinuar un enfoque.

El productor Fichman para septiembre del año 2006, ya había elegido a Fernando Meirelles  como director del filme y explicó la intención de Meirelles: "Se inspiró en la gran obra maestra [de Saramago] para crear un microcosmos del mundo. Quería que se presentara de manera que representara a toda la humanidad".  La productora asignó un presupuesto  de 25 millones de dólares, y la producción fue realizada por compañía  canadienses y brasileñas.

Meirelles ha reconocido el reto de realizar una película que simula la experiencia de la ceguera al público, y explicó, «Cuando uno hace una película, todo está relacionado con un punto de vista, la visión. Cuando tienes dos personajes en un diálogo, la emoción es expresada mediante la forma en que se miran las personas, a través de los ojos. Especialmente cuando uno corta las escenas y edita. Usualmente se corta la escena cuando alguien alza la mirada. El cine es sobre puntos visuales, y en esta película no hay».

De igual forma que en el libro, la ceguera en el filme sirve como una metáfora para el lado oscuro de la naturaleza humana, prejuicio, envidia violencia e indiferencia.

Después comenzó el casting. ​ Meirelles dijo que varios actores con los que habló estaban intimidados por el concepto de interpretar personajes sin nombres: "Les ofrecí la película a algunos actores que dijeron: 'No puedo interpretar a un personaje sin nombre, sin historia, sin pasado. 

Unas de las primeras elegidas fue Julianne Moore como la esposa del doctor quien  Moore describió la responsabilidad de su personaje: "Su mayor preocupación al principio es simplemente su marido. Pero su capacidad de ver al final la aísla y la convierte en una líder". El director también le dio al personaje de Moore un vestuario que combinaría con la piel del actor y el pelo rubio teñido, dándole la apariencia de un "ángel pálido". 

Mark Ruffalo como Doctor será el otro líder, aunque Meirelles intentó originalmente contratar al actor Daniel Craig como Doctor, pero las negociaciones no se finalizaron. Ruffalo dijo que su personaje pierde la ilusión de su propia perspectiva y percibe a su esposa como una persona a la que podría aspirar. Ruffalo dijo: "Es un momento muy difícil para cualquiera, tener todas sus percepciones completamente destrozadas, pero creo que el Doctor finalmente se calma con sus incapacidades y su caída, y admite admirar las fortalezas de su esposa".  El actor usaba una capa de maquillaje para parecer mayor y también usaba lentes de contacto para ser ciego mientras tenía los ojos abiertos. El actor dijo sobre la experiencia como un personaje ciego: "Al principio es aterrador y luego es frustrante y luego se calma ... estamos atormentados por nuestra vista ... no sabes esto hasta que te quedas ciego ... Como actor, de repente me sentí libre ". 

Se eligió a un veterano actor a Danny Glover como  "El hombre del parche del ojo" que entra en este nuevo mundo de ceguera cuando ya está medio ciego, así que creo que entiende dónde está dentro de su propia verdad, dentro de sí mismo. Sentí que este personaje se parecía mucho Saramago porque no tiene excusas, es quien es y acepta quién es ".  Glover explicó su participación en el papel: "Cuando eres ciego, tratas de adoptar otro tipo de sensibilidad, por lo que este papel es definitivamente un desafío desde un punto de vista físico". 

Gael García Bernal , que había intentado comprar los derechos de autor, es uno de los villanos de la película cuando se declara "Rey del pabellón 3" . Meirelles siguió el consejo del director de escena brasileño Antunes Filho y cambió el personaje de la novela haciéndolo más ambiguo, explicando: "En el libro, él es realmente un tipo malo, terriblemente malvado desde el principio ... pero pensé que era más interesante que no sea malvado, sino más bien como un niño con un arma ".  Bernal  dijo que  "Creo que el Rey es muy práctico, muy pragmático. Parece frío porque no es idealista y no ve esperanza, pero es un sobreviviente, lo mismo que todos los demás". otros." Gael (García Bernal), dijo: "Nunca pienso en el pasado. Solo pienso en lo que mi personaje quiere" ». 

Su sicario es Maury Chaykin como el contador, otro actor veterano y que hace de ciego desde su nacimiento, por lo que está mucho más acostumbrado a confiar en sus otros sentidos, lo que le da una gran ventaja sobre los otros prisioneros. 

Alice Braga como mujer con gafas oscuras.  Braga describió a su personaje como misterioso, creyendo, "Mientras se acuesta con hombres por  dinero fácil, no quería tratarla puramente como una prostituta . Empieza bastante fuerte, pero desarrolla sentimientos maternales muy fuertes. " Meirelles explicó que las gafas del personaje le daba una apariencia fría, pero a través de sus escenas con el huérfano  desarrolla su calidez.

Como personajes secundarios incluyen al guionista  Don McKellar quien había sido ya actor con anterioridad  y fue elegido como el personaje. El guionista describió al ladrón: "Me gusta el truco en el que piensas que el ladrón es un tipo malo. Es un personaje patético que primero crees que es el villano de la pieza y luego te das cuenta de que, no, ni siquiera está cerca de eso. algo encantador acerca de su desesperación porque, después de un punto, te encuentras con el Rey del Cuarto Distrito y sabes lo que es la verdadera desesperación ". 

Para papeles menores fueron elegidos Sandra Oh  , los japoneses Yusuke Iseya - quien escribió algunos de los diálogos japoneses- y Yoshino Kimura , así como Mitchell Nye , Susan Coyne , Martha Burns ,  Joe Pingue como el taxista y un habitual actor de Meirelles, Douglas Silva y Christian Duuvoort . Este actor  dirigió una serie de talleres para entrenar a los miembros del elenco. 

El reparto y equipo técnico del filme incluyó 700 extras que tuvieron que ser entrenados para simular la ceguera, enseñando a los actores extras los gestos, también les infundió los estados emocionales y psicológicos de los invidentes y Meirelles describió, «Cuando tú hablas con alguien, tú ves una reacción. Cuando tú eres ciego, la respuesta es más ilusoria»

La película también contiene alusiones visuales de algunas obras artísticas, como la pintura de Pieter Brueghel el Viejo, titulada la Parábola de los ciegos (1568).  Meirelles se fijó " desde Rembrandt a otros artistas contemporáneos. Pero es algo usado sutilmente" como las pinturas de Lucian Freud .

El rodaje de la película Blindness tuvo lugar en São Paulo comenzando a principios del mes de julio de 2007 y continúo hasta el otoño del mismo año en la ciudad de São Paulo (Brasil)- como Rua Piauí, en el Minhocão, en la Via Elevada Presidente João Goulart, Praça da Sé y Avenida Paulista - y en Toronto, en concreto, en los Toronto Film Studios,  y en Guelph (Ontario, Canadá). También se realizó en Montevideo, Uruguay. En las escenas filmadas en Montevideo, se distingue el centro histórico de la ciudad, especialmente en una escena en la que varios invidentes se agolpan desesperadamente y asaltan un supermercado.

Sin embargo, São Paulo sirvió como el principal escenario de Blindness, debido a que el director percibió que su  ciudad natal tenía todas las características necesarias. Algunas escenas también se filmaron en Osasco , en Brasil.

Hubo un preestreno de la película   en Toronto  y resultó en un diez por ciento de la audiencia, casi 50 personas, saliendo temprano de la película. Meirelles atribuyó el problema a una escena de violación que tiene lugar a mitad de la película y editó la escena para que fuera mucho más corta en el corte final. Meirelles explicó su objetivo: "Cuando filmaba y editaba estas escenas, lo hacía de una manera muy técnica, me preocupaba cómo iluminarla y demás, y perdía el sentido de su brutalidad. Algunas mujeres eran realmente se molestaron con la película, y pensé, 'Wow, tal vez cruzado una línea que no debía'. Regresé para no complacer a la audiencia, pero ellos se mantendrían involucrados hasta el final de la historia ". 

La prueba realizada en Nueva York, los resultados demostraron que la principal preocupación del público estadounidense se centraba en que la víctima que no se logra cometer en su acto de venganza. Meirelles cree que esta preocupación refleja lo que los estadounidenses han aprendido a anticipar en su cine.

Focus Features adquirió el derecho de manejar las ventas internacionales de la película, mientras Pathé adquirió los derechos del Reino Unido y Francia para distribuir la película,  y Miramax Films ganó los derechos de distribución de EE. UU. 

Blindness se estrenó como la película de apertura en el 61 ° Festival de Cine de Cannes el 14 de mayo de 2008,  donde recibió una "recepción tibia" y  "poco amables" donde fue nominado  a la Palma de Oro a la dirección 

Tras ello se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Toronto en septiembre de 2008 como una presentación especial. 

La película también se estrenó en el Festival de Cine del Atlántico el 11 de septiembre de 2008,  y su lanzamiento comercial  en los Estados Unidos se realizó el día 12 de septiembre de 2008. 

En su idea de película de ciencia ficción fue presentada en  el Festival de Sitges donde recibió el premio al diseño de producción y el premio del público. 

En cuanto a la crítica la revista cinematográfica Variety, criticó duramente la película y, del mismo modo, las votaciones de los críticos en Cannes también fueron desfavorecedoras con un promedio de 1.3 de 4, muy por debajo de las proyectadas. Alberto Crespi de la publicación italiana L'Unità , Michel Ciment de la revista de cine francesa Positif y Dohoon Kim de la publicación de cine surcoreana Cine21 , todos dieron a la película cero puntos (de cuatro).

Por contra, la película apareció en la lista de las mejores diez películas de críticos de 2008. Bill White del Seattle Post-Intelligencer la nombró como la 5ª mejor película de 2008,  y Marc Savlov de The Austin Chronicle la llamó la octava mejor película de 2008. 

Kirk Honeycutt de The Hollywood Reporter describió la ceguera como un "cine provocativo pero predecible", sorprendente pero que no sorprende. Honeycutt criticó los dos puntos de vista de la película: el personaje de Julianne Moore, el único que puede ver, es lento para actuar contra las atrocidades, y el comportamiento del personaje de Danny Glover es "ligeramente pomposo". Honeycutt explicó: "Esta frialdad filosófica es lo que más debilita la respuesta emocional a la película de Meirelles. Sus cálculos ficticios son todos muy precisos y un tono de seriedad mortal inunda la sombría acción". 

Para Justin Chang de Variety   "La ceguera emerge en la pantalla tanto descuidada como desmotivada, tocando escrupulosamente los latidos de la novela pero apenas aproximándose, por así decirlo, a su visión". Chang pensó que Julianne Moore dio una gran actuación, pero no sintió que la película capturara el impacto de la novela de Saramago. 

Roger Ebert dijo de Blindness que es "una de las películas más desagradables, por no decir insoportables, que haya visto". (...) Mis ojos, oídos y paciencia fueron asaltados. (...)". 

A. O. Scott de The New York Times declaró que, aunque "no es una gran película, , principalmente porque no puede trascender la endeblez intelectual de su fuente. Está , sin embargo, llena de ejemplos de cómo se ve un buen cine". 

Stephen Garrett de Esquire felicitó el estilo poco convencional de Meirelles: "Meirelles [honra] el material mediante el uso de composiciones de cámara elegantes e ingeniosas, un diseño de sonido cautivador y hábiles toques de efectos digitales para acentuar la autenticidad de su paisaje catastrófico". A pesar de los elogios, Garrett escribió que el talento de Meirelles al retratar la injusticia de la vida real en Ciudad de Dios y otras películas no le convenía por dirigir la "realidad realzada" de  Saramago. 

Según,  Peter Bradshaw  en  The Guardian lo tildó de  "una adaptación inteligente, firmemente construida y supremamente segura": "Meirelles, junto con el guionista Don McKellar y el director de fotografía Cesar Charlone, han creado una película elegante, cautivadora y visualmente excepcional. Responde a las notas de la novela de apocalipsis y distopía, y su revelación de un desierto espiritual dentro de la ciudad moderna, pero también a sus cualidades persistentes de fábula, paradoja e incluso capricho ".  "La ceguera es un drama hermético a la batería, con imágenes magníficas, alucinatorias, de colapso urbano. Tiene un verdadero espiral de horror en su centro, pero se aligera con gentileza y humor. Me recordó a la Noche de George A Romero . The Living Dead , y el juego de teatro absurdo de Peter Shaffer, Black Comedy . Es audaz, magistral, la realización de películas ". 

Para  Wesley Morris, del Boston Globe , quien elogió a la actriz principal: "Julianne Moore es una estrella en estos tiempos terribles. Ella tiende a estar en su mejor momento cuando el mundo está en su peor momento. Y las cosas son bastante malas en" Ceguera ", una perversamente agradable, ocasionalmente desgarradora adaptación de la alegoría del desastre de José Saramago en 1995. [...] "Ceguera" es una película cuyo sentido de crisis se siente justo a tiempo, incluso si el final feliz se siente como un rescate emocional gratuito. Meirelles asegura que la obviedad del simbolismo (¡en la aldea global, los ciegos necesitan guía!) no niega el poder de la historia, ni el poder de la actuación de Moore. Mientras más deshumanizantes se vuelven, más feroz se vuelve ".

Para  Claudia Puig en USA Today destaca que es "Una idea brillante que parece carecer de la visión para ser grande. (...) comienza con una poderosa y desconcertante sensación de aprehensión. (...) " 

Entiende   Mick LaSalle en el San Francisco Chronicle  que "Es, a ratos, casi insoportablemente fea, pero cuando sales del cine sabes que has visto algo notable." 

En España Carlos Boyero en El País destaca que la película es "Perturbadora (…) Es una película extraña, enfermiza, con atmósfera, con algo atractivo." En este mismo diario, Jordi Costa , sostiene que "Meirelles se entrega en un nuevo ejercicio de estilo (...) El resultado puede resultar excesivo, puede gustar o no, pero es cine puro y no traiciona sus fuentes." 

Para  Oti Rodríguez Marchante  en el  ABC concluyendo que "Una película excelente (…) la historia produce enorme angustia y turbación" 

Para  Lluís Bonet Mojica en La Vanguardia "Meirelles parece haberse quedado en la epidermis del inquietante tema político que subyace en la novela de Saramago, aunque la película tenga momentos de notoria brillantez visual y unos actores convincentes" 

En El Mundo  Luis Martínez comenta que  "El 'Ensayo sobre la ceguera', a tientas. (...) fallida película (...) Una voz en 'off' se empeña en susurrar y subrayar cada imagen, cada metáfora." 

La película fue fuertemente criticada por varias organizaciones que representan a la comunidad de ciegos. El Dr. Marc Maurer , presidente de la Federación Nacional de Ciegos , dijo: "La Federación Nacional de Ciegos condena y deplora esta película, que hará un daño sustancial a los ciegos de Estados Unidos y el mundo". 

Un comunicado de prensa del Consejo Estadounidense de Ciegos dijo "... es bastante obvio por qué las personas ciegas se indignarían por esta película. Las personas ciegas no se comportan como criaturas  incivilizadas".  La Federación Nacional de Ciegos anunció planes para piquetes en al menos 21 estados, en la mayor protesta en los 68 años de historia de la organización. 

Por su parte, José Saramago describió su novela como una representación alegórica de "una ceguera de la racionalidad" y desestimó las protestas, afirmando que "la estupidez no elige entre ciegos y no ciegos". 

José Saramago vio la película junto con Fernando Meirelles, ya que Saramago , aunque quería asistir al estreno de la película en el Festival de Cine de Cannes, sus médicos no le permitieron viajar, por lo que Fernando Meirelles voló a Lisboa, para mostrarle la película. Cuando la película terminó, Saramago estaba llorando. Se volvió hacia Fernando Meirelles y dijo: "Fernando, estoy tan feliz de haber visto esta película como lo estuve el día que terminé el libro". 

La película resulta interesante dado el tema y el temor que tiene toda persona a la pérdida de la visión. Se confirma , por supuesto, la idea de qué no hay más ciego que aquel que no quiere ver. Pero resulta interesante saber como la condición humana nos puede transformar en un momento cuando cambias las condiciones de vida. Bueno, esto ya lo he comentado en The Walkind Dead, cuando una epidemia lo asola todo y la primero que asola es la humanidad,  pero eso ya no es nada nuevo ¿ no ? . La  película es interesante. 


martes, 30 de enero de 2018

El Usher de Epstain


Desconocía que antes de la Nouvelle Vague hubo una Première vague. En esa première vague trabajaron entre otros grandes directores de reconocido prestigio como Abel Gance - el más conocido- que , alrededor del año 1919 , van a Montreuil junto con Marcel L'Herbier, Jean Mitry, Jean Dréville, Alberto Cavalcanti, Lucien Aguettand, Michel Duran, Henri Diamant-Berger, Ève Francis, Georges Franju , Alexandre Kamenka, Jacques Siclier , Claude Ollier , Adonis Kyrou, Jean-Louis Bouquet o Marius-François Gaillard. Pero también Jean Epstein que a menudo se asocia con el cine impresionista francés y el concepto de fotogenia - photogénie- .

En Francia se constituyó en un espacio de debate y reflexión acerca del cine comercial y del cine de vanguardia. Los artistas conformaron sus propias compañías de producción, independiente de la industria hollywoodense, y a cambio de los derechos de distribución alquilaron las estructuras de Pathé y Gaumont.

Lo cierto es que actores , cineastas, técnicos y productores rusos se conjuran para cambiar la estética del cine francés de los años 20 , colaborando en una serie de más de cincuenta películas con artistas que ya conocían el constructivismo, la experimentación y las vanguardias creando Pathé Cinema Consortium.

En 1924, un joven francés de origen judio, aunque nacido en Varsovia y crecriado en Suiza , aunque finalmente formado en Lyon. Allí se pone a trabajar como secretario y traductor de de Auguste Lumière , uno de los fundadores del cine.

Tras entrar en contacto con el cine lo desarrollará desde el plano práctico como director, pero también en el teórico pues será uno de los críticos del mismo desde 1920- escribe en 1921- Bonjour, cinéma y así lo hará hasta finales de los años 1940 con obras como La Photogénie de l'impondérable , 1935; L'Intelligence d'une machine , 1946 y Le Cinéma du diable, 1947 o Esprit de cinéma , 1955, publicado dos años después de su muerte. Fue también crítico literario y novelista. En 1922 rueda Pasteur, y más tarde L'Auberge rouge y Coeur fidèle (ambos de 1923) .

Después de trabajar durante un año para aquella Pathé Cinema Consortium y dos años para Albatross Film Company, dejando películas como Le Lion des Mogols (1924), La Goutte de sang (1924), La bella de Nivernais ( La Belle nivernaise , 1924), L'Affiche (1924), Le Double Amour (1925) y Les Aventures de Robert Macaire (1925) , Jean Epstein decidió convertirse en su propio productor a principios de 1926 cuando ya tiene una colaboración con el director de cine Luis Buñuel que trabajará como director asistente de Epstein en Mauprat (1926) , Seis y medio, once -Six et demi onze (1927)- , El espejo de tres lados ( La Glace à trois faces , 1927) y como guionista en La Chute de la maison Usher (1928). La Chute de la maison Usher (1928).
  
Tras esto realizará varios documentales sobre Bretaña como Finis Terræ filmado en Ouessant , Mor Vran (El mar de los cuervos, en bretón ) filmado en Sein , L'Or des mers filmado en Hoëdic y Ouessant y Les Recteurs et la sirène , al igual que Mon Vran, en Sein. , Le Tempestaire filmado en Belle Île o Chanson d'Armor, la primera película de habla bretona en la historia.

Con todo venimos a hablar de la película seleccionada para ir poniendo fin a este frío mes de enero. En este caso la elegida ha sido  una película muda titulada La chute de la maison Usher del citado Epstein, un mediometraje de terror "silent" , como gastan decir en inglés , rodado en 1928 e inspirado en  la inmortal La caída de la Casa Usher de Edgar Allan Poe escrita en los años 30 del siglo XIX por este bostoniano romántico.

Dirección  y guión son autoría de Jean Epstein,aunque en lo escrito es probable que interviniese  Luis Buñuel  posiblemente como ayudante de dirección . La dirección artística fue de Pierre Kefer.

Se trataba de una producción del mismo Jean Epstein con fotografía de Georges Lucas, Jean Lucas , el vestuario de Fernand Oclise y rodado en el Estudio Eclair y Menchen (Epinay) .

Los protagonistas son Jean Debucourt  como Sir Roderick Usher,  Marguerite Gance, la mujer de Abel como  Madeleine Usher , Charles Lamy como Allan.  Fournez-Goffard como el doctor y  Luc Dartagnan. Intervienen  igualmente Abel Gance,  Halma , Pierre Hot y Pierre Kefer

La historia comienza cuando un hombre llega a una localidad perdida en mitad de la nada. Porta  dos maletas y su reflejo se proyecta en el agua que hay en un bosque brumoso, hasta que llegar a una  posada y pide un carruaje para que lo acerque a su destino; los hombres que allí están se asombran de su pedido.  Se trata de la mansión de su amigo Usher y la esposa de éste, Madelaine.

A los asustados y sorprendidos lugareños Allan (Charles Lamy) les cuenta que ha sido llamado por su amigo  Lord Roderick Usher (Jean Debucourt), que  preocupado por la salud de su esposa, con quien vive en una casa aislada en medio de la laguna, les muestra la carta  de su amigo de la infancia reclamándole su presencia y su ayuda.  De cualquier manera, los aldeanos rehúsan acercarse a la maldita mansión aludiendo difusas leyendas o maldiciones.

Nada más llegar el mejor y único amigo que le queda con vida que vaya a este  lugar tan apartado y cargado enigmas, el mayordomo lo hace pasar a una estancia en la que vemos a Roderick Usher está pintando un retrato de su esposa, pero con una furia inusitada, al tiempo que transmite la esencia vital al lienzo, la mujer va desfalleciendo.

Con un texto que remite al confinamiento de los personajes, vemos los primeros planos de las manos de Roderick y de sus ojos muy brillantes. Un salón amplísimo, poco ornamentado, con cortinados hasta el suelo, es el ambiente de Roderick para su tarea. El pincel sobre el rostro del retrato es percibido por Madeline como en su propio rostro. El ve a Madeline viva en el cuadro. La tradición en la familia Usher es que cada señor se aboque a la tarea de pintar a su esposa.

Mientras él realiza su obra ella se debilita en esta atmósfera sórdida, transmitiendo la poca vida que le queda en el retrato de la enferma Madeline (Marguerite Gance), esa mujer que padece de una extraña e inexplicable dolencia que parece agudizarse a medida que su marido avanza en el trabajo de pintura. 

Y el tiempo va avanzando lenta, pero inexorablemente como vemos  en el destartalado salón en los pasillos, len las manos de Roderick rasgueando la guitarra a cámara lenta o en el péndulo del reloj. Cuando Roderick termina su obra le dice a su amigo: “¡Sin duda es la vida misma!”. Madeline cae, vive ahora en el retrato, pero ella se derrumba y parece fallecer.

Madeleine Usher fallece y cuatro personas transportan su ataúd en el que destaca el velo blanco. Por el camino como árboles aparecen unos cirios mortuorios.

Ella es enterrada en la cripta de la mansión situada lejos de la casa. Ahora vemos a Roderick , con primeros planos de la triste cara y el ataúd sobreimpresionados con velas. Roderick se opone a que cierren con clavos la tapa del ataud, sin embargo, se ejecuta, finalmente tras ser apartado a un lado y ante su impotente mirada observa horrorizado el proceso, demostrándole que definitivamente su amada ha muerto y no va a volver.

Poco después el marido, que parece haber dejado su obsesión con finalizar el retrato de su esposa, está convencido de que ella sólo está dormida.

Días después ella saldrá sola de la tumba en una noche de tormenta. La maldición de los Usher parece cumplirse mientras que un rayo cae sobre la casa Usher. El destino del fin parece cernirse definitivamente sobre la estirpe de los Usher y su mansión.

Con la desaparición física de la casa , el hundimiento de la casa Usher, y con ella la destrucción del cuadro y el incendio total del edificio, se derrumban todas las supersticiones que rodean la casa; resultando que  el amor triunfa sobre la muerte y sobre cualquier destino fatal acabando así la película. 

El hundimiento de la casa Usher (La chute de la maison Usher, 1928), fue la arriesgada apuesta del cineasta Jean Epstein en la compleja obra de Edgar Allan Poe. Sin embargo, el director nacido en Polonia no sólo tira del relato del bostoniano que da título a la película, sino que  incorpora elementos de otras obras del escritor, especialmente de “El Retrato Oval”, del cual toma la maravillosa idea del pintor que retrata a su esposa con tanta fidelidad que el cuadro acaba teniendo más alma que la retratada, la cual inevitablemente acaba muriendo. Pero también me remite al relato de El  gato negro, el relato que más me impresionó cuando leí sus Narraciones extraordinarias. Eso sí, Epstein se permite un par de licencias: en primer lugar convierte a los hermanos del relato en un matrimonio (deshaciendo así cualquier leve indicio de incesto que figuraba en el texto de Poe) y, de forma mucho menos justificada, cambia levemente el final haciendo que la pareja de amantes se salven cuando la mansión se destruye. También , he leído, que hay referencias a otras narraciones como Ligeia - con la idea de la enfermedad, muerte de la amada , enterramiento y resurrección - o La caja oblonga - el reencuentro con el amigo y la caja de enterramiento- , además del citado El retrato oval.

Jean Epstein que era conocedor del clima artístico de entreguerras, y especialmente de  las vanguardias por lo que , como uno de los primeros teóricos y críticos de cine de la historia, consideró al cine como un arte de pleno derecho y trató de plasmar en sus películas sus postulados teóricos. Como se ha dicho de él "Violentar la naturaleza del tiempo real, ésa era una de las grandes ambiciones de Epstein [...], conseguida por vez primera en la historia de la ciencia y del arte gracias al acelerado, al ralentí y a la inversión de movimientos"

En este sentido no fue el único de los franceses ya que  otros artistas y cineastas como Louis Delluc, Germaine Dulac y /o Abel Gance (cuya esposa Marguerite interpretó el papel de Madeline Usher) cuya sombra parece proyectarse en Epstein, se integrarán en esta primera ola , en la misma medida que en el conocido cine impresionista francés.

En la persecución de un “cine puro”, los vanguardistas consideraron al film esencialmente conformado por imágenes rítmicas. La vanguardia francesa experimentó con la obtención de un máximo posible de cantidad de movimientos.

Por todo ello , no es de extrañar que entre sus colaboradores del paso entre la década de los años veinte y treinta estuviese el paladín el que en un futuro inmediato se convirtiera en el padre del surrealismo cinematográfico, Don  Luis Buñuel que trabajó en calidad de asistente de dirección y coguionista, si bien parece ser que fue despedido por diferencias de criterio con Epstein. Debutaría poco después con Un Perro Andaluz.

Pero Epstein tampoco es ajeno al cine soviético de vanguardia en lo que respecta al montaje. Por eso apuesta por introducir recursos ya ensayados por el cine comprometido procedente de ese viejo imperio como son las sobreimpresiones, los curiosos travellings y primeros planos muy cerrados, y metáforas visuales realizadas con estos y otros muchos  recursos (montaje rítmico, flou, juegos de luces y sombras, encadenados, sobreimpresiones, distorsiones y ralentizaciones, entre otros) para dotar al conjunto de una atmósfera intencionadamente sobrenatural y onírica. Dicha atmósfera en muy diferente a lo que buscaban los expresionistas alemanes que consiguen sus logros , principalmente enmarcando y decorando los escenarios de sus historias.

Debido a todo ello Epstain se muestra como un transgresor que intenta impresionar al espectador. Pero esto no excluye que la narración carezca de una belleza poética casi surrealista como se aprecia en la escena del entierro de Madelaine, momento determinante en la historia en la que se pasa de los fantasmagórico de las velas , a los primeros planos y contrapicados que hacen que los golpes de martillo adquieran más fuerza, difuminándolos al final para aumentar también la sensación de pesadilla.  Con esos mismos primeros planos , que parecen extraidos de Dreyer, vemos como  Roderick combinados con imágenes distorsionadas va transformándose en el ser que, finalmente, pierda la razón.

Para María Isabel Crubellier en su artículo Jean Epstein y El hundimiento de la casa Usher: la exploración en la imagen cinética a través del relato fantástico destaca en esta película el uso de las sobreimpresiones ya realizadas por Epstein en Coeur fidèle (1923)

Para ella "El hundimiento de la casa Usher (La Chute de la maison Usher, 1929) es ejemplo de la exploración que la vanguardia francesa realizaba en sus creaciones cinematográficas. Jean Epstein indaga las posibilidades del espíritu y los misterios de la imagen cinética, a través de la integración del espectador al mundo de los personajes y a su percepción ambigua de los acontecimientos visualizados Las vanguardias en el cine: el caso de la escuela francesa.  La obra de Jean Epstein se incluye dentro de las vanguardias históricas del cine, que en las décadas del diez y del veinte, constituyeron una época de producción y experimentalismo como sus paisanos a afiliados (Abel Gance, Louis Delluc, Marcel L´Herbier, Jean Epstein, Fernand Léger, Germaine Dulac, Luis Buñuel, Robert Desnos).

Acerca de Jean Epstein, Robert Stam (2001) en sus Teorías del cine ( Barcelona: Paidós) comenta que le interesaba el cine como medio para movilizar la sensibilidad del espectador mediante el contacto directo con el organismo humano. La experiencia cinematográfica era para él una “encarnación visceral”. Sabemos que el director francés consideraba al primer plano como “el alma del cine” (ya que no permite ver)... al personaje venir hacia nosotros, mostrándonos su drama con “extraordinaria intensidad”, tal como describe Epstein.

Asimismo, el uso de la cámara lenta como recurso en la dramaturgia del film descubre las emociones del alma y manifiesta sus movimientos sinceros, ofreciendo su verdad profunda. Epstein estaba ligado al trabajo de explorar con la cámara los movimientos inconscientes de la existencia humana. En la persecución de un “cine puro”, los vanguardistas consideraron al film esencialmente conformado por imágenes rítmicas. La fotogenia permitió destacar el movimiento de las cosas del mundo y reproducir la velocidad y multiplicidad de las mismas.

David Bordwell  en su libro  La narración en el cine de ficción. (Barcelona: Paidós.1985) postula al cine de vanguardia como antecedente del cine de arte y ensayo, que tiene sus raíces en las diversas industrias nacionales de la época muda, las cuales, tomando los conceptos de la modernidad en el teatro y la literatura, se opusieron a Hollywood y su arte de narración clásica. Comenta que “durante los años veinte, cuando el arte moderno influyó fuertemente en el cine de vanguardia se preparó el terreno para las convenciones del realismo expresivo y la intervención de la narración abierta”. Manifiesta que la escuela impresionista de Francia se caracterizó por realizar films que representaban los estados interiores de los personajes. Y de entre ellos, Coeur fidèle (1923) de Jean Epstein.

Los cineastas franceses buscaron formas narrativas alternativas a las convencionales para interesarse más en las situaciones emocionales de los personajes, para investigar la subjetividad, revelar su interioridad al espectador en un proceso de identificación. El plano subjetivo posibilitó ver los acontecimientos del film a través de los ojos del personaje. Abel Gance, E. A. Dupont, F. W. Murnau y Jean Epstein utilizaron el movimiento de cámara subjetivo para la exploración de las emociones y sensaciones. “La escuela recibió el nombre de impresionismo debido a su interés por hacer que la forma narrativa representara tan completamente como fuera posible el papel de la conciencia de un personaje” según los estudiosos Bordwell y Thompson, en un libro publicado en 1993.

Lo principal era mostrar la acción interior de los entes de ficción, a través de la narración psicológica y de los nuevos usos de la fotografía y el montaje: iris, plantillas y sobreimpresiones son signos de los sentimientos y pensamientos en los films.

Para María Isabel Crubellier El hundimiento de la casa Usher (1929), es una película en la que se puede apreciar cierta influencia alemana acentúa la iluminación de las paredes dibujadas con motivos de la naturaleza, y el escenario del interior de la cripta y la maqueta de la casa Usher nos remiten a motivos surrealistas. Además de cierta demanda tecnológica cinematográfica, se crearon nuevos medios de movilidad del encuadre.

Según Crubellier, Gilles Deleuze en su obra La imagen-movimiento (Buenos Aires: Paidós, 2007), la escuela francesa rompe con el principio de composición orgánica. Más que llamarla impresionista, el autor prefiere definirla por “una suerte de cartesianismo”, ya que se trata de realizadores interesados en la cantidad de movimiento que elaboraron una amplia composición mecánica de las imágenes-movimiento. “Era la búsqueda de un cientismo como arte propiamente visual, y que ya en el cine mudo planteaba el problema de una relación de la imagen-movimiento con el color y con la música” como afirma Deleuze. En este sentido, los directores postularon la diferencia de la imagen cinematográfica: la fotogenia “revelaba la esencia estética de las figuras tomadas por la cámara” (Russo, Eduardo (2006) en  Diccionario de cine. Argentina: Paidós) o “es la imagen en tanto que revalorizada por el movimiento” como señalaba Deleuze, en su obra del 2007. Gracias al uso de sobreimpresiones, se le abre al espectador la posibilidad de ir más allá en su imaginación, extender los límites de la misma. El movimiento está al servicio de la luz, dice Deleuze, para multiplicar sus reflejos. Comenta que los cineastas franceses recibieron la influencia de las concepciones de Delaunay acerca de la simultaneidad, pues ésta tenía que ver con la pura movilidad de la luz.

En El hundimiento de la casa Usher, destaca Crubellier que en el principio de la película los planos hasta ahora muestran siempre una imagen par: dos maletas, dos hombres, dos manos, un hombre y su reflejo. Se trata de la secuencia de preparación de su viaje a la mansión de su amigo que lo ha convocado.

Posteriormente cuando llega a la casa se apuesta por el ralentí de las cámaras con imágenes en cámara lenta de los libros caer, de las cortinas ondularse con el viento, de las manos de Roderick profundizan la identificación subjetiva con el estado psicológico de expectación que padecen los personajes. Los recursos impresionistas de fotogenia y montaje rítmico posibilitaron al espectador identificarse con las experiencias perceptivas visuales de los personajes.

En El hundimiento de la casa Usher, por ejemplo, el montaje subjetivo se estructura a partir de un primer plano que muestra a Roderick mirando hacia el cuadro de Madeleine, que se repite en distintas escenas del film; y luego con un plano del cuadro, lo que ve Roderick desde su distancia óptica. La música se vincula al cine en la concepción de montaje rítmico, para poner énfasis en la psicología de los personajes.

Destaca la estudiosa que "Vemos los planos del protagonista rasgueando la guitarra alternados con planos de la naturaleza, del mar, del bosque, del cielo nublado. Planos de duración breve, organizados según el esquema de la canción que Roderick toca, lo que acentúa el extraño estado de posesión del personaje. Los planos detalle de las manos y de los ojos vuelve a repetirse, y, sobreimpreso, el rostro de Madeline se desvanece. Se produce la antítesis de la imagen del rostro de Roderick, que se vuelve cada vez más vivaz, mientras el de su esposa pierde luz".

En este film, la secuencia de imágenes sobreimpresas en la procesión constituye un logro del movimiento. Vemos a cuatro hombres que llevan el cajón de Madeline entre la naturaleza, la metáfora en la imagen remite a que ellos también, en la forma del cajón, van camino a la muerte, y esto se logra por la perspectiva que los árboles forman en el paisaje neblinoso.

Las imágenes patentizan el estado de confusión y turbación en el que se encuentran los personajes: sobreimpresiones de las velas y el rostro de Roderick; de las velas y el velo de Madeline; de las velas y los juncos alrededor de la laguna; de las velas y el agua; de las velas y los hombres caminando. La cámara se mueve como los pasos de los hombres, acompasadamente, pesadamente.

Una vez más la cámara lenta muestra a un Roderick que se resiste a abandonar a su esposa; y, luego, la monotonía de la casa en sobreimpresiones del reloj, en las escenas de la naturaleza, que esta vez tienen mayor duración, en un ritmo acompasado, acompañadas por las imágenes de las manos de Roderick tocando la guitarra en cadencia con el transcurrir pausado del tiempo.

Posteriormente le siguen el relato del amigo para animar las escenas y las imágenes en cámara más rápida, para mostrar la reaparición de Madeline en una noche tormentosa y el derrumbe final de la casa.

La fusión de lo natural y lo misterioso, la disolución de la personalidad, la mente sometida a una idea u obsesión, el impulso de la psiquis por la lucha con lo real son temas que están presentes también en el cuento de Poe. El escritor se interna en la investigación del ser humano y sus estados alienados en La caída de la casa Usher.

El film de Jean Epstein presenta rasgos de lo fantástico en su dramaturgia, lo que acentúa la integración del espectador al mundo de los personajes, a su percepción ambigua de los acontecimientos visualizados. Lo fantástico “es la vacilación experimentada por un ser que no conoce más que la leyes naturales frente a un acontecimiento aparentemente sobrenatural” (Todorov, Tzvetan (1972). Introducción a la literatura fantástica. Buenos Aires: Tiempo Contemporáneo).

En el film podemos reconocer muchos elementos Freudianas como la idea del individuo siniestro es portador de maleficios y presagios funestos visible en el caso de  Roderick condenado por una extraña herencia familiar, lo que le ha provocado el aislamiento de toda civilización. A esta se une la existencia del doble carácter en algún familiar muy próximo como el caso de Roderick que tiene su doble en Madeline, o el retrato de Madeline también es una figura doble, o la sepultura de Madeline, se convierte en doble de la misma; también la simetría, entre el relato de ficción que lee el amigo para animar al protagonista y la salida ruidosa de Madeline de la cripta (que no vemos pero percibimos por las imágenes de tormenta y la angustiosa conducta de Roderick).

Muy Freudiana es también la duda de que un ser aparentemente animado sea en efecto viviente; y a la inversa: de que un objeto sin vida esté en alguna forma animado: Roderick, al mismo tiempo que desea inmortalizar a su esposa a través de la pintura, duda respecto al carácter animado del cuadro; se produce la incertidumbre racional en la percepción del paso de lo orgánico a lo inorgánico, entre la belleza familiar de la mujer y la enigmática naturaleza de la obra artística se establece el espacio de una terrorífica duda. Algo semejante ocurre con la figura de Madeline, luego de haber sido enterrada viva, su aparición traduce el horror ante la disolución de los límites entre la vida y la muerte, lo humano y lo inhumano.

Elemento relevante del pensador austríaco es la repetición de una situación en condiciones idénticas a la primera vez en que se presentó, en genuino retorno de lo mismo: en el film, las sensaciones de espanto, destino y fascinación que Roderick siente cuando ve la imagen repetida de una Madeline cada vez con más vida en el cuadro, a medida que repite sus pinceladas. Epstein también enfatiza en este recurso de la repetición de ciertas imágenes, por ejemplo las de la naturaleza, que subrayan el estado psicológico de miedo, de opresión, de desentendimiento, de creencia y no creencia de Roderick. También, la repetición de la primera escena de la película (la naturaleza y la cruz inclinada) que está pintada en los murales de la casa.

Igualmente  la idea de lo fantaseado o deseado por el sujeto se produce en lo real, esto es la realización absoluta de un deseo (en esencia oculto, prohibido, semicensurado): el impulso inconsciente hacia la muerte en Roderick se revela en el deseo de eternizar por medio de su creación artística a Madeline.

En la misma medida el papel de lo siniestro confirmaría al personaje la omnipotencia de su idea, su pensamiento animista no le permite dudar finalmente que el retrato es la vida misma. La fantasía encarnada en el mismo verifica el carácter siniestro de su deseo más íntimo. Asimismo, lo siniestro se patentiza hacia el final en la súbita aparición de la esposa; el deseo y el temor de Roderick se funden para dar paso a lo irreal, esto es, la desaparición de los límites entre la muerte y la vida. Este recurso se da en las sobreimpresiones que abundan en el film para resaltar el estado de confusión de los personajes y de fusión de mundos.

El hundimiento de la casa Usher es ejemplo de la exploración que la vanguardia francesa realizaba en sus creaciones cinematográficas. Jean Epstein indaga las posibilidades del espíritu y los misterios de la imagen cinética. En este sentido, el film puede ser considerado como un “dispositivo para hacer ver”.

Todo y mucho más es esta obra de arte del cine mudo. Una película simple en la visualización y complejísimo en su análisis dada la enorme carga intelectual de la misma. Merece la pena ver, desde luego.


miércoles, 24 de enero de 2018

Once upon a time in the west


Sólo escuchar ese inolvidable título de "Once Upon a Time in the West" me viene a la cabeza el inicio del LP de los Dire Straits del álbum Communiqué con e que empezábamos los sábados por la mañana nuestras charlas uno de mis mejores amigos y yo, sábado tras sábado, años tras años. Con esas estrofas que decían Some people get a cheap laugh breaking up the speed limit / Scaring the pedestrians for a minute / Crossing up progress driving on the grass / Leaving just enough room to pass… 

Sólo al cabo del tiempo descubrí que ese título era el auténtico de una de las grandes películas de Sergio Leone, y de lo que el consideraba la película definitiva, casi conceptual, de su visión de Oeste. Aquí se llamó Hasta que llegó su hora, aunque en el original era C'era una volta il West como era de esperar en una película de nacionalidad italiana del año 1968, película que no ha envecido ni una en un detalle. 

Sergio Leone era consciente que el western ha sido siempre hijo de su tiempo, por lo que historias narradas y desarrolladas en Arizona , en Utah o en California eran , simplemente, marcos para hablar de problemas de convivencia, suprematismo, abusos o , como ocurre en este caso, especulación urbanísticas, tan presente en la Italia del momento como en la presente , y tan reubicable en cualquier punto de Europa o ...in the west. Así que esta película dirigida por Sergio Leone tiene mucho de ser hija de su tiempo.

Para su realización Leone contó como ayudantes de dirección con Giancarlo Santi , Salvatore Basile  y ¡sorpresa! Adolfo Aristarain, que para finales de los sesenta y setenta vivía en Madrid y trabajaba como asistente. 

Un aspecto especialmente importante de la película es su dirección artística que estuvo en manos de Carlo Simi , diseñador de vestuario y diseñador de producción, que trabajó junto a Sergio Leone en ésta y otras películas como Érase una vez en América (1984) , El bueno, el feo y el malo (1966) o La muerte tenía un precio (1965), y que murió en noviembre de 2000. Pero Sini no estuvo sólo en la escenografía - trabajo junto a Rafael Ferri y Carlo Leva- ni en el vestuario , ya que Simi se hizo acompañar de Antonella Pompei y Marilù Carteny.

La película era una producción italiana en la que participan Fulvio Morsella, Bino Cicogna, Claudio Mancini, Ugo Tucci y Camillo Teti respaldados por las productoras Finanzia San Marco, Rafran Cinematográfica - la productora recién creada de Sergio Leone , que recibió el nombre de sus dos hijas, Raffaella y Francesca, que además son las dos jóvenes que aparecen, sin acreditar, en la estación de Flagstone- y la Paramount Pictures como responsable de la distribución. En ella invirtieron unos $ 5,000,000.

En el guión metieron mano muchas personas , entre ellas Sergio Donati y Sergio Leone, aunque partían de una historia de tres grandes del cine italiano, Dario Argento, Bernardo Bertolucci y el mismo Sergio Leone.

Papel fundamental en la película lo juega la música de Ennio Morricone, aunque no es ajena a la misma Alessandro Alessandroni u y los Cantori Moderni Di Alessandroni , así como Franco De Gemini y Sergio Marcotulli.

El sonido fue responsabilidad de Fausto Ancillai, Luciano Anzellotti, Roberto Arcangeli, Italo Cameracanna, Claudio Maielli y Elio Pacella.

En el maquillaje está presente Alberto De Rossi y Giannetto De Rossi y en la fotografía recayó en manos de un grande del cine italiano como Tonino Delli Colli - el del inolvidable trabajo en El nombre de la rosa-, junto con Angelo Novi. La película fue rodada en Techniscope ya que parecía un ahorro en cámara negativa; pero, otra ventaja fue poder derivar la relación de aspecto de 2.35: 1 mientras disparaba con lentes esféricos que evitaban la distorsión creada por los anamórficos durante ciertos movimientos de la cámara y primeros planos extremos (como los utilizados por Sergio Leone ). Esta película, junto con El bueno, el feo y el malo (1966) (también dirigida por Leone y filmada por Tonino Delli Colli ) se considera como obras maestras en el uso del sistema Techniscope.

En el montaje participan Nino Baragli, Andreina Casini y Carlo Reali. Para los efectos especiales participaron Eros Bacciucchi y Carlo De Marchis.

El elenco lo encabeza en femenino Claudia Cardinale como Jill McBain y en masculino Charles Bronson como Armónica - Dino Mele como Armónica en su infancia-, Jason Robards como ese amante del café que es Manuel Cheyenne Gutiérrez y un inolvidable Henry Fonda como Frank.

Junto a ellos están presentes Gabriele Ferzetti como Morton, Paolo Stoppa como Sam, Woody Strode como Stony, un miembro de la banda de Frank, Jack Elam como Snaky, un miembro de la banda de Frank y Al Mulock como Knuckles, el tercer miembro de la banda de Frank al inicio de la película. Junto a ellos están Keenan Wynn como el sheriff, Frank Wolff como Brett McBain, Lionel Stander como el camarero .

Participan igualmente un plantel en los que están Salvatore Basile como un miembro de la banda de Cheyenne, Aldo Berti como un miembro de la banda de Frank que está jugando al póquer, Joseph Bradley como el jefe de la estación de tren, Frank Braña como un miembro de la banda de Frank que está fumando una pipa en la puja, Marilù Carteny como la mujer plañidera y doliente en el funeral de Brett McBain, Saturno Cerra como un miembro de la banda de Frank que está en el tren, Luigi Ciavarro como el anciano sheriff, Spartaco Conversi como un miembro de la banda de Frank que dispara a través de una bota, Bruno Corazzari como el tercer miembro de la banda de Cheyenne, Bill Crawley como un trabajador de la compañía ferroviaria, Paolo Figlia como un miembro de la banda de Frank, John Frederick como Jim, un miembro de la banda de Fran, Don Galloway como un miembro de la banda de Frank que aparece en flashback, Michael Harvey como el teniente de Frank, Robert Hossein como un miembro de la banda de Frank que aparece en flashback, Stefano Imparato como Patrick McBain, Francesca Leone y Raffaella Leone como mujeres en la estación de Flagstone, junto a una mujer india que es Luukialuana (Luana) Kalaeloa (también conocida como Luana Strode ), la esposa en la vida real del actor Woody Strode. Claudio Mancini , que es el hermano de Armónica , era realmente el director de producción.

La película comienza en una olvidada estación de tren inserta en un polvoriento lugar del lejano oeste. A ellas llegan tres pistoleros que trabajan para un forajido llamado Frank, entre los que se encuentran Stony (Woody Strode) y Snaky (Jack Elam) , junto con un tercer miembro,  Knuckles (Al Mulock).

No quieren comprar billetes y están allí esperando a un viajero que llegará en el tren. No se muestran ni conversadores con las pocas personas de la estación, algunas mujeres y el viejo vendedor de billetes.

Esperan a alguien que resulta ser Armónica (Charles Bronson) , un hombre callado y misterioso ( que toca la armónica en vez de hablar) y que va en busca a Frank (Henry Fonda), un despiadado pistolero que está bajo las órdenes del millonario Morton (Gabriele Ferzetti).

En principio, se disponen en disposición de disparar, pero no ven a nadie. Sin embargo, cuando el tren se marcha descubren que Armónica se  ha bajado por el otro lado, y les dispara acabando con la vida de los tres hombres de Fran.

Mientras tanto en una finca llamada Sweetwater vemos a algunos de los  integrantes de la familia McBain. Entre ellos un padre , Brett McBain (Frank Wolff) cazando con su hijo. En un momento dado le dice que dejen la actividad. Tras ello van a casa padre e hijo , y vemos a una chica que resulta ser hija de éste que está preparando una mesa para una celebración. De la casa, sale otro hijo que es encargado por su padre a que vaya a recoger la persona que ha elegido él como su nueva mujer y nueva madre de esos tres hijos.

Pero antes de que se marcha, se levanta de la espesura que rodea la casa unas aves , provocadas por la presencia de nuevos hombres que comienza a disparar al padre y a los hijos. Del asesinato de esta familia es acusado Cheyenne (Jason Robards), que acaba de fugarse de prisión.

Tras eso vemos llegar a la estación de Flagstone, una ciudad  en el Viejo Oeste americano a una mujer. Se trata de Jill( Claudia Cardinale ) y que llega desde Nueva Orleans,para casarse con Brett McBain. Se extraña de que no haya nadie esperándola , así que alquila un carromato y va a Sweetwater. En su desplazamiento vemos como la compañia del ferrocarril avanza hacia el Pcífico desde el Este. Pero al llegar a la finca , Jill se encuentra de lleno con la realidad. La que iba a ser su familia ha sido asesinada; pero en el entierro , vemos como todos desconocen que Jill era ya la nueva esposa de Brett y que, por lo tanto, es la dueña de la tierra.

En su recorrido para llegar a la finca hubo una parada y durante la misma tiene lugar el encuentro y liberación de Cheyenne, algo que ella presencia.

Nada más llegar recibe la información por parte de las autoridades locales de que posiblemente el asesino sea Cheyenne, algo de lo que ella duda, dado que él estaba preso de la justicia.

Poco después comprende que ella es la protagonista involuntaria de una batalla relacionada con la construcción de un ferrocarril y que en la misma esta´implicado Frank (Henry Fonda) el auténtico responsable del exterminio de su familia y al que parece perseguir armónica en una misión de venganza contra este asesino a sangre fría.

La razón del deseo de la finca de los McBain está en que en  Sweetwater, es el único cercano a Flagstone que   tiene la única fuente de agua de la región. Y que por esa razón, la tierra fue comprada por Brett McBain ( Frank Wolff ), quien previó que el ferrocarril tendría que atravesar esa área para proporcionar agua a las locomotoras de vapor.

Todo ello dió lugar al que el maggnate del ferrocarril , un lisiado de nombre Morton ( Gabriele Ferzetti ) se enterara  de esto, y que enviara a su pistolero   Frank ( Henry Fonda ) para intimidar a McBain para que se mude de la tierra, pero Frank mata a McBain y sus tres hijos, plantando pruebas para encerrar al bandido Cheyenne ( Jason Robards ).

Po su parte, tanto Jill como Cheyenne se ayudarán del interés de Armónica en su búsqueda de Frank. En esas conocemos que Jill  se trata de una prostituta procedente de un burdel de Nueva Orleans. Los tres coinciden en una casa de postas   en el camino a Sweetwater, él le informa a Cheyenne que los tres pistoleros parecían estar haciéndose pasar por los hombres de Cheyenne.

Jill de vuelta en Sweetwater, descubre que dentro de la herencia hay un buen volumen de materiales de construcción para construir una estación de ferrocarril y una pequeña ciudad. Harmonica explica que Jill perderá Sweetwater a menos que la estación esté construida para cuando los equipos de construcción de los railes del ferrocarril lleguen a ese punto, por lo que Cheyenne pone a sus hombres a trabajar en la construcción.

Mientras tanto,  Frank se vuelve contra Morton, que quería hacer un trato con Jill. La discapacidad de Morton lo hace incapaz de defenderse.

Frank logrará entrar en casa de Jill y descubrir lo que intentaba hacer su marido , Brett, y tras violar a Jill, Frank la obliga a vender la propiedad en una pública subasta. Él trata de comprar la granja a bajo precio intimidando a los otros postores, pero Armónica llega, sosteniendo a Cheyenne a punta de pistola y hace una oferta mucho más alta basada en su dinero de recompensa por entregar a Cheyenne a las autoridades.

Armonica un vez comprada la propiedad, rechaza una oferta de Frank para comprarle la granja por un dólar más de lo que pagó en la subasta. Cuando Cheyenne es subido a un tren con destino a la prisión de Yuma, dos miembros de su banda compran billetes de ida para el tren, con la intención de ayudarlo a escapar.

Los hombres de Frank lo traicionan y lo emboscan, Morton le ha pagado para volverse contra él, pero, para gran indignación de Jill, Armonica ayuda a Frank a matarlos, con la intención de matar al propio Frank.

Frank regresa a Morton, solo para descubrir que él y el resto de los hombres de Frank han muerto en una batalla con los hombres de Cheyenne. Frank luego va a Sweetwater para enfrentar a Armónica.

En dos ocasiones, Frank le preguntó a Armónica quién es, pero en ambas ocasiones, Armónica se negó a responderle. En cambio, citó misteriosamente nombres de hombres que Frank ha asesinado. Esta vez, Armónica  le dice que revelará quién es "solo a punto de morir".

Los dos hombres se colocan para un duelo armado, momento en el cual el motivo de venganza de Armónica se revela en un flashback: un joven Frank, que ya es un bandido cruel, está obligando a un niño a sostener sobre sus hombros a su hermano mayor, cuyo cuello está en una soga colgada de un arco. Mientras el niño lucha por mantener el peso de su hermano, Frank le pone una armónica en la boca y le dice que toque. El hermano mayor maldice a Frank y patea a su hermano menor y muere.

El niño (Armónica) se derrumba en el suelo agarrando la armónica en su boca. Armónica dispara primero y alcanza  a Frank. Mientras yace moribundo, Frank vuelve a preguntar quién es, y Armónica pone su armónica en la boca de Frank, como le hizo Frank cuando era un niño. De repente, Frank recuerda a Armónica cuando era un niño, se desploma en el suelo, agarra la armónica en su boca y muere.

Armonica, primero,  y Cheyenne, después, se despiden de Jill, quien está supervisando la construcción de la estación de ferrocarril mientras los equipos de seguimiento llegan a Sweetwater. Cheyenne se derrumba, revelando que Morton lo hirió de muerte durante la pelea conlos hombres de Frank.

Cuando llega el tren de trabajo, Jill lleva agua a los trabajadores del ferrocarril, mientras que Armónica se va con el cadáver de Cheyenne, acabando así la película.

Tras el éxito de la llamada Trilogía del dólar (Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio y El bueno, el feo y el malo), Sergio Leone estaba preparado para embarcarse en lo que había de ser el proyecto de su vida: Érase una vez en América, una historia de gánsteres judíos durante la Ley seca en los Estados Unidos, tras haberse topado con la novela Las capuchas escrita por el seudónimo "Harry Gray", un libro autobiográfico basado en las propias experiencias del autor como capucha o gangster judío durante la Prohibición . Planeaba adaptarlo a una película de larga duración (algo que hará ,  finalmente, diecisiete años después, siendo su última película, Once Upon a Time in America ).que terminaría convirtiéndose en su testamento cinematográfico. Sin embargo, no fue así.

Después de hacer su película épica de la Guerra Civil estadounidense " El bueno, el malo y el feo" , Leone tenía la intención de retirarse de hacer westerns, creyendo que había dicho todo lo que quería decir. La United Artists (que había producido la famosa trilogía del dolar "Dollars Trilogy") le ofreció la oportunidad de hacer una película protagonizada por Charlton Heston , Kirk Douglas y Rock Hudson , pero Leone se negó.

Sin embargo, cuando Paramount le ofreció a Leone un presupuesto generoso junto con el acceso a Henry Fonda -su actor favorito y con el que había querido trabajar prácticamente toda su carrera-, Leone aceptó la oferta. Leone encargó a Bernardo Bertolucci y Darío Argento -ambos de los cuales fueron críticos de cine antes de convertirse en directores- que lo ayudaran a desarrollar la película a fines de 1966. Los hombres pasaron gran parte del año siguiente viendo y discutiendo numerosos western clásicos como High Noon , The Iron Horse , The Comancheros , y The Searchers en la casa de Leone, y construyeron una historia compuesta casi en su totalidad de "referencias" a los westerns estadounidenses.

Desde The Good, the Bad and the Feely , que originalmente duraba tres horas, las películas de Leone generalmente se cortaban (a menudo de forma bastante dramática) para el lanzamiento de taquilla.

Paramount Pictures, después de comprobar cómo las películas del director Sergio Leone, contando con un presupuesto ajustadísimo, habían conseguido tantísimos ingresos en taquilla, querían que repitiese la receta, por lo que le pidieron que hiciera un nuevo western, y que después ya podría comenzar su proyecto acerca de los gánsteres. En esta ocasión a Leone , la Paramount, le concedió un presupuesto de 5 millones de dólares y la posibilidad de trabajar con Henry Fonda.

Fonda no aceptó la primera oferta de Leone para interpretar a Frank, por lo que Leone voló a Nueva York para convencerlo, diciéndole: "Imagínate esto: la cámara muestra a un pistolero de la cintura baja tirando de su arma y disparando a un niño corriendo. a la cara del pistolero y ... es Henry Fonda ". Después de reunirse con Leone, Fonda llamó a su amigo Eli Wallach , quien había coprotagonizado El bueno, el malo y el feo . Wallach aconsejó a Fonda que hiciera la película y le dijo: "Tendrás el mejor momento de tu vida".

Cuando aceptó el papel, Fonda llegó al set con contactos marrones y vello facial. Fonda sintió que tener los ojos oscuros y el vello facial se combinarían bien con el mal de su personaje y también ayudaría al público a aceptar esta "nueva" Fonda como el malo, pero Leone inmediatamente le dijo que se quitara las lentes de contactos y el vello facial. Leone sintió que los ojos azules de Fonda reflejaban mejor la naturaleza fría y helada del asesino, además estaba interesado que que con esa toma de Frank en primer plano coincidiendo con su entrada quería que la audiencia reconociera instantáneamente a Fonda con esos ojos azules.Fue una de las primeras veces en un western donde el villano sería interpretado por el actor principal.

Leone elaboró un primer boceto de guión, aunque el primer borrador del guión tenía 436 páginas, tras el cual llamaría a Dario Argento, a Sergio Donati y a Bernardo Bertolucci para elaborar junto con ellos el guion definitivo. En un principio, la película iba a ser demasiado larga, por lo cual en la productora Paramount decidieron ajustarla, recortando y dejando la versión estadounidense de la cinta en 145 minutos (en vez de los más de 160 minutos previstos inicialmente).

Leone fue muy consciente de la duración de Once Upon a Time in the West durante el rodaje y luego encargó a Sergio Donati , que había trabajado en varias de las otras películas de Leone, que lo ayudara a refinar el guión, en gran medida para reducir la duración de la película hacia el fin de producción. Muchas de las líneas de diálogo más memorables de la película provienen de Donati, o del adaptador de diálogo en inglés de la película, el actor estadounidense expatriado Mickey Knox .

En Érase una vez en el Oeste , Leone cambió su enfoque sobre sus Westerns anteriores. Mientras que las películas de "Dollars" eran peculiares y rápidas, una parodia festiva pero irónica de los iconos del Salvaje Oeste, esta película tiene un ritmo mucho más lento y un tema sombrío. El estilo distintivo de Leone, que es muy diferente de otros,  pero que estaba muy influenciado por, Sanshiro Sugata (1943) de Akira Kurosawa , todavía está presente pero ha sido modificado.

Los personajes de esta película también están empezando a cambiar notablemente con respecto a sus predecesores en Dollars Trilogy . No son tan definidos y, hasta ahora, inusuales para los personajes de Leone, comienzan a cambiar (o al menos intentar) en el transcurso de la historia. Esto señala el inicio de la segunda fase del estilo de Leone, que se desarrollaría aún más en  Érase una vez en América, todo ello caracterizado por una historia que se desarrolla en un tono de absoluto "slow".  Sergio Leone  gustaba contar la historia de un cine en París, donde la película se mantuvo ininterrumpida durante dos años. Cuando visitó este teatro, estaba rodeado de admiradores que querían su autógrafo, así como también el proyeccionista, que no estaba tan entusiasmado. Leone afirmó que el proyeccionista le dijo "¡Te mato! ¡La misma película una y otra vez durante dos años! "

La película presenta escenas largas y, efectivamente,  lentas , como en la primera dónde los gestos y las miradas superan a unos diálogos inexistentes, como ocurre en la primera escena, cuando los tres hombres de Frank esperan la llegada de Armónica. De hecho, Armónica , apenas habla en la película, salvo dar alguna lacónica respuesta. La violencia está presente, pero Leone estaba mucho más interesado en los rituales anteriores a la violencia que en la violencia misma.

Leone pretende convertir esta historia mafiosa con un trasfondo de especulación urbanística  en ese  árido espacio en el que se desarrolla la historia en una historia que pretende ser más verista que realista.

Sergio Leone comenzó el rodaje en Monument Valley, en Moab, (Utah) en el desierto de Arizona, rindiendo así un homenaje a grandes directores de western estadounidenses como John Ford y Howard Hawks. El arco de ladrillo donde los personajes de Bronson recuerdan a su juventud y el incidente del linchamiento original se construyó cerca de un pequeño aeropuerto a quince millas al norte de Monument Valley , en Utah, a unas dos millas de la carretera 163 , que une Gouldings Lodge y Mexican Hat. También se rodó en Teec Nos Pos,   Red Mesa,  Kayenta y  Mexican Water, todas ellas en Arizona y Bavispe en Sonora (México)

Pero luego decidió volver al desierto almeriense de Tabernas que tan buen resultado le había dado en sus anteriores películas. De hecho algunas escenas se comenzaron a rodar en Monument Valley y se terminaron en Tabernas. Em algún , caso como el desplazamiento de Jill desde el pueblo a Sweetwater o en el establecimiento de Lionel Stander que aparenta estar Monument Valley, cuyos interiores en realidad fueron filmados en este caso en Cinecitta. Los hombres de Cheyenne entran con polvo rojo que fue importado de la ubicación de Monument Valley.

La último de las escenas rodadas fue precisamente uno de las más famosas, la  secuencia inicial de los tres pistoleros esperando la llegada del tren y fue la última rodada en España, en concreto en la estación La Calahorra-Ferreira en los alrededores de Guadix, provincia de Granada. Todo aquello se transformará en Cattle Corner Station,y la misma duró y se programó durante cuatro días , al igual que algunas de las escenas de Flagstone, y el rodaje de las escenas del ferrocarril fueron filmadas a lo largo de la línea ferroviaria Guadix - Hernan Valle.

Señalar que uno de los hombres de Frank en esa primera escena, Al Mulock , se suicidó saltando desde la ventana de su hotel disfrazado después de un día de rodaje. El gerente de producción Claudio Mancini y el guionista Mickey Knox , que estaban sentados en una habitación del hotel, presenciaron el paso del cuerpo de Mulock por la ventana. Knox recordó en una entrevista que mientras Mancini colocaba a Mulock en su automóvil para llevarlo al hospital, el director Sergio Leone le dijo a Mancini: "¡Traigan el disfraz! ¡Necesitamos el disfraz!" Mulock, que había aparecido como el cazarrecompensas con un solo brazo en El bueno, el feo y el malo (1966), de Leone, vestía el traje que usaba en la película cuando dio su salto fatal.

La mayor parte de la película fue filmada en los estudios Cinecittà , Roma , pero también en  el Poblado Western 'Sergio Leone', en Tabernas, lugar donde se ubicó el Rancho de Sweetwater.

Además de Fonda, Leone originalmente le ofreció el papel de Armónica a Clint Eastwood ; cuando lo rechazó, Leone - que quedó dolido con su actor favorito hasta 1988 cuando se volvieron a ver tras el estreno de Bird en 1988 en Roma- contrató a Charles Bronson, quien originalmente le había sido ofrecido y rechazó el papel del Hombre sin nombre en Un puñado de dólares . James Coburn también fue contactado para Armónica, pero exigió demasiado dinero. No obstante, Fonda, que dijo que consideraba a Leone uno de los mejores directores con quienes había trabajado, fue quien convenció a James Coburn para que interpretara a Mallory en la siguiente película tras "Once Upon a Time ...", ¡Agáchate, maldito! (1971).)

A Robert Ryan le ofrecieron el papel del sheriff interpretado por Keenan Wynn . Ryan inicialmente aceptó, pero se retiró después de haberle dado un papel más importante en The Wild Bunch de Sam Peckinpah .

Sergio Leone originalmente quería que Sophia Loren interpretara a Jill McBain, y Carlo Ponti , su esposo, estaba dispuesto a brindar una cantidad considerable de respaldo financiero si ella estaba en la película. Sin embargo, Leone decidió no echarla porque temía que ella intentara ganar demasiado dominio e influencia sobre cómo se hacía la película, dada su famosa personalidad testaruda y temperamental. En cambio, eligió a Claudia Cardinale , una amiga suya, a quien convenció para que interpretara a Jill sin mostrarle el guión. El primer día de filmación de Claudia Cardinale fue su escena de amor desnuda con Henry Fonda . Era la primera vez que Fonda rodaba una escena así; su esposa insistió en estar en el set durante el rodaje.

A Enrico Maria Salerno y Robert Hossein se les ofreció el papel de Morton antes de que Gabriele Ferzetti fuera elegido; Hossein había aceptado, pero tuvo que abandonar para un compromiso teatral. Ferzetti, quien lo considera uno de sus mejores papeles, se refirió a su casting como "Fate, Destiny" en una entrevista para el lanzamiento del DVD.

El actor Al Mulock (presentado como Knuckles en la secuencia de apertura del tren, así como en Leone's Good, the Bad and the Feo ) se suicidó durante el rodaje de la película saltando de su habitación del hotel Guadix disfrazado. Frank Wolff , el actor que interpreta a McBain, también se suicidó en un hotel de Roma en 1971.

Después de la finalización de la película, Once upon a time in the West fue doblada a varios idiomas, incluyendo italiano, francés, alemán, español e inglés. Para el doblaje en inglés, se usaron las voces de gran parte del elenco estadounidense, incluidos Fonda, Bronson, Jason Robards cuyo papel de Cheyenne intersaba a Kirk Douglas, Jack Elam , Wynn, Wolff y Lionel Stander.

Con respecto a Jack Elam decir que para la secuencia de apertura , los cineastas ligeramente cubrieron la cara de Jack Elam con mermelada y comenzaron a filmar primeros mientras dejaban volar una jarra llena de moscas, intentando obtener la reacción de Elam como si aterrizara en su mejilla.

Comentar que Jason Robards apareció completamente borracho en el set el primer día de rodaje, y Sergio Leone lo amenazó con despedirlo si volvía a hacerlo. Robards se portó bien en general después de eso, aunque en junio de 1968, después de recibir noticias del asesinato de Robert F. Kennedy , se quebró y se negó a actuar , y Leone decidió dejar de filmar por ese día.

Sin embargo, el resto del elenco tuvo que ser doblado por otros actores, incluido Ferzetti, quien fue doblado por el actor Bernard Grant (quien se cree que ha interpretado a Gian Maria Volontè y Aldo Giuffrè en Dollars Trilogy ), y Claudia Cardinale , quien expresado por la esposa de Grant, Joyce Gordon.

En esta película están presentes gran parte de los tópicos del género: el ferrocarril con sus trabajadores chinos, los pistoleros a sueldo, los bandidos, el personaje enigmático que llega de ninguna parte buscando venganza, los pioneros, la mujer de dudoso pasado y carácter indomable, los buenos de buen corazón, los ambiciosos sin fin, etc. Sin embargo, algunos de estos elementos tienen una nueva función, o mejor dicho , están representados o vistos desde una óptica nueva tanto en lo narrativo como en lo visual.

La banda sonora a cargo de Ennio Morricone desempeña un papel fundamental. El director le concedió tanta importancia a este apartado, que hizo que la banda sonora se compusiera antes de la propia película, participando activamente con el propio Ennio Morricone en la composición.

Como en El bueno, el malo y el feo , la música contribuye a la grandeza de la película siendo una de las mejores composiciones de Morricone. La película presenta leitmotivos que se relacionan con cada uno de los personajes principales (cada uno con su propio tema musical) y con el espíritu del oeste americano.

Especialmente atractivas son las voces sin palabras de la cantante italiana Edda Dell'Orso durante el tema musical para el personaje de Claudia Cardinale. Fue el deseo de Leone tener la música disponible y tocar durante el rodaje. Leone tras tener la banda sonora de Morricone reproduciría la música en el fondo para los actores en el set.

Además, en este caso, Leone utiliza una serie de sonidos naturales , por ejemplo, una rueda giratoria al viento, el sonido de un tren, saltamontes, escopetas mientras caza, alas de palomas, etc., además de la armónica interpretada por  Bronson , ya que ese sonido es "explicado" por el hecho de que el sonido de la armónica es diegético más que una banda sonora verdadera.

Once Upon a Time in the West ha ganado seguidores de culto en todo el mundo, especialmente entre cineastas.Los créditos, que concluyen con el nombre del directorn Sergio Leone , duran más de diez minutos desde el inicio de la película.

A fines de la década de 1960 y en la de 1970, fue reevaluado por jóvenes cineastas y críticos, muchos de los cuales lo calificaron como una obra maestra. Directores como Quentin Tarantino , Martin Scorsese , George Lucas , John Carpenter , Vince Gilligan ,   y John Boorman han hablado sobre la influencia que la película tuvo en ellos. Ahora se considera una de las mejores películas jamás hechas y algunos críticos la consideran como uno de los mejores western y el más logrado de Sergio Leone como director.

La intención de Leone era partir de las convenciones de  los westerns estadounidenses de John Ford , Howard Hawks y modificarlas desde una perspectiva irónica para crear un producto más oscuro. Es posible que esta sea la razón por la que un hombre vinculado con la integridad como Henry Fonda  en las películas de Ford, se transforme en un villano como Frank.

El sitio web agregado Rotten Tomatoes recopiló retrospectivamente reseñas de 56 críticos y le dio a la película una puntuación del 98%. Once Upon a Time in the West como una de las 100 mejores películas de todos los tiempos.

Un crítico como Andrew Sarris escribió sobre ella en el The New York Observer considerando que "Un Leone en la cumbre de sus épicos poderes". Por el contrario,  Vincent Canby en otro diario neoyorkino , el The New York Times entendía que la película "Dando por hecho que es muy mala, 'Hasta que llegó su hora' es casi siempre interesante"

En Village Voice se decía que "Si sólo los primeros 10 minutos de 'Hasta que llegó su hora' de Sergio Leone todavía existieran, esta hiperbólica obra todavía sería reconocida como una de la grandes exhumaciones del género."

Por su parte, Roger Ebert en rogerebert.com , tras revisar la película, consideraba que "Es una cuidadosa destilación del estilo que le hizo famoso con los tres westerns originales con Clint Eastwood (...) También está, desgraciadamente, la incapacidad de Leone de dejarlo ahí (…) "

Nick Schager en Slant considera que "'Once Upon a Time in the West' se ha convertido en lo que Leone quizás deseaba: una anticuada y triunfante obra maestra del género (…) "

Mientras que Scott Tobias en AV Club decía que "Fonda no sólo conoce el mal, sino que lo encarna en cada milímetro de su imponente interpretación."

En el Reino Unido David Jenkins en Time Out  valoraba la película y consideraba que "Es una película que recompensa a los ojos y los oídos sin tener demasiado en cuenta el corazón y la cabeza." 

Para Kim Newman en Empire "Nadie ha hecho un wéstern mejor desde entonces. De hecho, nadie ha hecho un wéstern mejor, punto final (…) "

Por su parte, Philip French en las columnas del The Guardian consideraba que era "Una elegía violenta y poética que conecta una historia de venganza (...) con la epopeya de la construcción de las vías de tren transcontinentales."

Fernando Morales en España, y más concretamente en  El País decía que era un "Film imprevisible que deja patente las características que hicieron famoso el cine de Leone. Lástima que su largo metraje rebaje la calidad final"
Pablo Kurt, editor en Filmaffinity, destacaba que son "Casi 3 horas del mejor spaghetti western; con la violenta receta escrita por Bernardo Bertolucci y Dario Argento, Sergio Leone cocina una venganza a fuego muy lento bajo el ardiente sol del desierto americano. Tras un hipnótico comienzo alargado hasta la genialidad, en la memoria queda la forma en la que el director exprime el tiempo para conseguir tensión, un maravilloso malvado Henry Fonda, la banda sonora inolvidable de Morricone (con su armónica premonitoria de sus magníficos duelos de miradas y pistolas) y, por supuesto... ¡Claudia! Nunca el sudor fue tan erótico.

En Chile Andrés Nazarala R. en La Segunda destacaba la película y consideraba que era "El punto más alto de las películas Spaghetti Western de Leone."

La revista Total Film colocó Once Upon a Time in the West en su edición especial de las 100 mejores películas.

En 2008, la ya citada Empire realizó una encuesta de "Las 500 mejores películas de todos los tiempos", obteniendo votos de 10.000 lectores, 150 cineastas y 50 críticos de cine, situándose en decimocuarto lugar". La revista "Premiere" votó esto como una de "Las 25 películas más peligrosas".

En 2009, la Biblioteca fue seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa".

En 2014, Time Out encuestó a varios críticos de cine, directores, actores y actores especiales para hacer una lista de sus mejores películas de acción quedando en trigésimo lugar de su lista.

Según el crítico de cine e historiador Christopher Frayling , la película toma sus fuentes de hasta treinta clásicos del oeste de Estados Unidos. Entre ellas  The Comancheros (1961) - el apellido "McBain" y "Sweetwater" pueden provenir de esta película. (aunque Bernardo Bertolucci ha declarado que miró un mapa del suroeste de los Estados Unidos, encontró el nombre de la ciudad en Arizona , y decidieron incorporarlo a la película. Sin embargo, tanto "Sweetwater" como un personaje llamado "McBain" aparecieron en The Comancheros , una película que Leone admiraba. Otra fuente pudo ser Johnny Guitar (1954)en la que  Jill y Vienna tienen historias similares ligasa a su actividadb profesional - prostitutas - y Armonica, al igual que el personaje titular de Sterling Hayden , es un extraño misterioso y conocido por su apodo musical. El tema de la lucha de la compañía ferroviariay los intereses están presentes en alguna obra de  Nicholas Ray como The Iron Horse (1924); pero también en Shane (1953) con su masacre familiar o el funeral de los McBains , o la idea del pistolero herido que salen de la ciudad, incapaces de permanecer en la civilización, al igual que Shane.

Otra fuente pudo ser The Searchers (1956) sobre todo la idea de naturaleza inhóspita está presente con los sonidos de insectos y o la salida de Armónica y Cheyenne  puden ser referencia del  final de la película de Ford. Igualmente Winchester '73 (1950 o El hombre que disparó a Liberty Valance (1962) con sus guardapolvos  usados ​​por Cheyenne y su pandilla similares a los usados ​​por Liberty Valance ( Lee Marvin ) y sus secuaces . Además, la escena de la subasta en el oeste tenía la intención de recordar la escena electoral en Liberty Valance .

También el duelo puede ser referencia a The Last Sunset (1961) de Robert Aldrich casi idéntica al duelo entre Kirk Douglas / Frank y Rock Hudson / Armónica o Duelo en el sol (1946) con el personaje de Morton, el barón del ferrocarril lisiado en el oeste , se basó en el personaje interpretado por Lionel Barrymore en esta película. También hay referenciaa en Solo ante el peligro (1952)) como tres hombres esperando el tren o la elección del rifle Winchester recortado de Woody Strode , similar al arma que Steve McQueen llevaba en la serie de televisión Randall, el justiciero (1958). Incluso algún gesto de Fonda recuerda - cuando se afeita- a Pasión de los fuertes.

La película fue galardonada con el premio David di Donatello del año 1969 a la mejor producción, el premio Golden Laurel 1970 (3° lugar) al mejor actor secundario (Charles Bronson), el premio Goldene Leinwand en 1984, así como el actor Gabrielle Ferzetti fue nominado como mejor secundario por su papel de Morton por el Sindicato Italiano de Periodistas de Cine.

En 2009 entró en el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos. Está incluida, que menos, entre las "1001 películas que debes ver antes de morir", editado por Steven Schneider .

Que voy a decir de esta película, sólo una cosa, es una auténtica maravilla. Imprescindible , como la música de Dire Straits, especialmente si te gustan los western.