Las calles de Laredo

Un western más  y un descubrimiento de otra película más desconocida que responde al titulo de  Streets of Laredo aunque fue conocida en España con el título de Tres tejanos. La película toma su título de la antigua balada del oeste conocida con el nombre del título original  " Las calles de Laredo  pero en inglés.

La película es un remake realizado en Tecnicolor de una película realizada en blanco y negro de King Vidor y que llevaba por título The Texas Rangers (1936), protagonizada por Fred MacMurray en el papel que en esta asume William Holden, Jack Oakie en el de William Bendix, Lloyd Nolan en el papel de MacDonald Carey y Jean Parker como el Chica que rescatan.

La que he visto fue realiza por Leslie Fenton trece años más tarde, en 1949. Se trata de un director británico nacido en Liverpool en el umbral del siglo XX, en 1902 , que anteriormente fue actor en hasta 62 películas entre 1923 y 1945 y que se mudó a los EE.UU junto a su madre y sus hermanos para reunirse con su padre, el representante del fabricante de calzado Richard Fenton, en Mifflin, Ohio. Con todo sirvió en las fuerzas armadas británicas durante la Segunda Guerra Mundial . 

Tras ir a Nueva York se inicio en la actuación. Su carrera cinematográfica comenzó más tarde con Fox Studios . También dirigió 19 películas entre 1938 y 1951 que comenzaron con Tell No Tells (1939), apostando más tarde por el western con El hombre de Dakota (1940) , alguna de cine negro como Las vacaciones del santo (1941) , y retornando , finalmente, al western entre los que destacan Smith susurrante (1948), Calles de Laredo (1949) o La pelirroja y el vaquero (1951). Como vemos eran películas de serie B realizados por los muchos artesanos que formados en la actuación pasaban más tarde a la dirección dado la alta demanda de productos cinematográficos.

La película fue producida por Robert Fellows, el que fuera socio de producción con John Wayne y más tarde con Mickey Spillane . para una de las más poderosas productoras , la Paramount Pictures. Durante esta etapa con la Paramount trabajó en un par de ocasiones con el director Tay Garnett responsable de Wild Harvest y A Connecticut Yankee en King Arthur's Court . 

Tras dejar esta majors se unió en 1952 a Wayne para comenzar su propia compañía de producción, Wayne-Fellows Productions, haciendo (principalmente) películas protagonizadas por Wayne. Finalmente, un tema doméstico, el divorcio de los Fellows que fue complicado le obligó a vender su mitad de la compañía que Wayne se la compró para crear la Batjac Productions . El montante del presupuesto se elevó a $ 1,472,000.

El guión fue escrito por los autores originales de la Louis Stevens , Elizabeth Hill , a los que se sumaron Charles Marquis Warren y King Vidor que habían diseñado la anterior versión sobre Los Rangers de Texas ahora para la Paramount Pictures. 

La música fue escrito por Victor Young y contó con la fotografía de Ray Rennahan y el montaje de Archie Marshek. 

El reparto estuvo integrado por un joven William Holden como Jim Dawkins, Macdonald Carey como Lorn Reming, Mona Freeman como Rannie Carter y William Bendix como Reuben "Wahoo" Jones. 

Junto a ellos aparecen Stanley Ridges como el Mayor de los Rangers Bailey, Alfonso Bedoya como el malvado Charley Calico, Ray Teal como Cantrell, Clem Bevans como Pop Lint. 

A ellos se suman James Bell como Ike, Dick Foote como uno de los Texas Ranger Pipes, Joe Dominguez como el Rangers de Texas que responde al nombre de Francisco, Grandon Rhodes como Phil Jessup, Perry Ivins como el alcalde Towson y Hank Bell como uno de los Rangers de Texas.

La historia en Texas en el año 1878 y comienza con una diligencia que es tirada por un varias monteras y dirigido por Reuben "Wahoo" Jones (William Bendix ), que es asaltada por dos forajidos como Jim (William Holden) y Lorn (Macdonald Carey) dos bandidos que se dedican a asaltar diligencias y huyen de la justicia . Parecen trabajar en connivencia con Reuben que favorece que el asalto sea sin violencia. 

Tras mofarse por la inutilidad de los recien creados Rangers de Texas y tras un robo bastante rentable, escuchan disparos en un rancho que está siendo asaltado por los hombre de Charley Cálico (Alfonso Bedoya) un bandido de la zona que extorsiona los ranchos de la zona. 

Los que disparan son el propietario de la finca y su nieta o sobrina un jovencísima Rannie Carter (Mona Freeman). Los tres hacen huir a los asaltantes que después atienden a Mona, una chica valiente que no acepta la situación. Los tres tejanos frenan el ataque de la gente de Calico y , finalmente descubren que la chica se ha quedado sola. Los tres, con buen corazón, llevan a la chica a una finca , entregan parte del dinero a un anciano Pop Lint ( Clem Bevans ) para que atienda a la chica en su casa. 

Tras esto se vuelven a encontrar con los hombres de Calico que los persigue con ánimo de asaltarlos. Ante la presión de iden separarse durante un tiempo. Y mientras Jim y Wahoo permanecen juntos , Lord prosigue con su carrera como asaltantes de diligencias. Jim Dawkins y Reuben "Wahoo" Jones (William Bendix) no consiguen dar con su amigo y en un intento por encontrarle se alistan en los Rangers, donde les admiten sin preguntarles por su pasado. Pero ya no son los mismos. 

Sin tener fe en lo que hacen comienzan a intervenir , sin embargo, de su amigo van teniendo noticias indirectas debido al "modus operandi" adivinando dónde hará su nuevo golpe, con el fin de unirse. 

Efectivamente, en uno momento dado Jim Dawkins (Holden) y Reuben "Wahoo" Jones (Bendix), consiguen contactar con Lorn Reming (Carey) que está robando. 

Mientras tanto la chica se va haciendo mayor y más guapa y comienza a atraer a Jim. Sin embargo la joven, Rannie Carter (Freeman) de quién está platónicamente enamorada es de Lorn. 

Por otro lado, el problema de la zona viene siempre de la mano del extorsionador Calico que compra voluntades incluso autoridades. Lorn termina separado de sus compañeros pero continúa su vida de crimen. 

Jim y Wahoo, sin darse cuenta, ayudan a algunos Rangers de Texas y se integran en el campamento de los Rangers . 

Por su parte, Lorn ve la integración de sus amigos en los Rangers como una oportunidad y decide robar un rebaño de ganado que los Rangers están protegiendo, y luego deja que Jim y Wahoo mejoren su reputación siendo los que recuperen el ganado de vuelta. 

Los amigos de Lorn hacen la vista gorda a sus actividades por un tiempo. Pero la actuación de Calico va a más y en una de sus actuaciones quema el establo de Pop y provoca que el anciano sufra un ataque cardíaco fatal. Calico también asalta a un Ranger y, finalmente, es asesinado en su casa por Jim cuando aparentaba que iba a tocar la guitarra. 

Pero la cosa no termina ahí. Lorn ahora quiere el imperio de Calico para sí mismo. También quiere a Rannie, que se ha convertido en una mujer hermosa. Jim, que la ama, cancela el acuerdo con Lorn para mirar hacia otro lado dada las malas acciones de Lorn. Pero ella decide ayudar a Lorn cuando es herido de bala y busca refugio en la casa de Rannie después de un atraco. 

Jim , ante su incoherencia y dolido porque Rannie se siente atraida por Lorn y no quiere casarse con él, dimite como representante de la ley, siendo incluso encarcelado pues había una orden de detención de las correrías previas con Lorn. 

Pero poco después vuelve al cuerpo y jura venganza después de que Wahoo es asesinado por Lorn cuando había decidido este detenerle. Ahora que Rannie puede ver al verdadero Lorn , el asesino que realmente es, le desea suerte a Jim mientras él viaja a Laredo para enfrentamiento por las calles de la ciudad ya que en su banco el ha guardado todo el dinero de sus atracos, incluido el que nunca repartió y que era de los tres texanos. 

Los dos ex compañeros se enfrentan por última vez en las calles de Laredo y en ella Lorn encuentra la muerte a manos de las balas de Jim mientras suena Streets of Laredo. 

La película se rodó entre julio y septiembre en 1948 en espacios de Nuevo México y California. En concreto se rodó en Gallup, New Mexico, asçi como en Corriganville en Ray Corrigan Ranch, en Simi Valley, en Melody Ranch en Oak Creek Avenue, de Newhall, en Paramount Ranch en Agoura, y en los Paramount Studios en el número 5555 de Melrose Avenue, en Hollywood, Los Angeles, todas estas en California. 

La película a pesar de rodarse en 1948, no estrenada hasta 1949. Y consiguió en taquilla $ 2,150,000 bastante más de lo invertido en ella.  

Este fue el penúltimo western dirigido por Leslie Fenton, más conocido por su carrera cinematográfica como actor. 

Como premio fue nominada en 1949 por el Sindicato de Guionistas (WGA) al Mejor guión en el apartado de Western en la persona de Charles Marquis Warren . 

Es una película que muestra magnificamente el trabajo profesional de un equipo aunque sea un western de serie B integrado por actores que son promesas como era el caso de Holden , secundarios de lujo como William Bendix acompañados de otros veteranos como Stanley Ridges, Alfonso Bedoya, Ray Teal, Clem Bevans, o caras conocidas del incipiente mercado televisivo como MacDonald Carey o ideales para lanzar caras como Mona Freeman . 

Vemos que hasta la serie B es susceptible de un remake inspirados en la película de King Vidor, “Los Rangers de Texas” que ya hablaba de los conflictos que surgen entre un trío de bandidos, cuando dos ellos deciden pasarse al bando 'legal' y el tercero permanece al margen de la ley. Un western eficaz más lo que no es moco de pavo. Puede verse.

La costilla de Adán

Hay historias de amor que pasan de padres a hijos. Esta, en concreto, me la contó mi madre mientras veíamos una película que tenía entre sus protagonistas a Spencer Tracy y Katharine Hepburn. No recuerdo cuál era, pero no creo que fuese La costilla de Adán. Mi padre contó como la actor y el actor realmente eran pareja, aunque realmente él nunca llegó a estar casado con su compañera de escena. La razón, me explicó, mi madre se debía a que él era un hombre casado con otra mujer y de fuertes convicciones católicas. 

Lo cierto es que , según he leído, Spencer Tracy tuvo una compleja personalidad. Era, además de un gran actor galardonado con dos Oscars, vinculado estrechamente con la Metro- Goldwin- Mayer y uno de los actores presentes en muchas joyas del cine clásico, un tipo duro, seco, apasionado, depresivo, alcohólico y diabético. Era , en palabras de Hepburn un hombre "torturado", de hombre de pocas palabras y de convicciones católicas arraigadas, así que, ante el matrimonio, prefirió la apariencia que la realidad.  Estaba casado desde 1923 hasta su muerte en 1967 con Louise Treadwell, con la que tuvo dos hijos, pero no evitó tener romances. De hecho, dos fueron con compañeras de profesión. El primero, fugaz, con la actriz Loretta Young en los años 30 y tras este, una larga y secreta relación con la actriz Katharine Hepburn, a partir de 1941 durante más de 26 años.Se conocieron cuando ella tenía 34 y él 41; Tracy y su esposa Louise vivían de forma separada desde 1930. 

Su relación personal y profesional duró hasta la muerte de Tracy,de un ataque al corazón el 10 de junio de 1967, a la edad de 67 años, dos semanas después de acabar el rodaje de "Adivina quién viene esta noche". Por respeto a su esposa y familia, Katharine Hepburn no acudió al funeral, aunque Hepburn se tomara un alto de cinco años en su carrera para cuidarlo y se mudara a la casa del actor en ese período . Hasta ese momento y durante muchos años se habían cuidado de ser vistos juntos en público y vivían en residencias separadas. No fue sino hasta después de la muerte de Louise Tracy en 1983 que comenzó a hablar públicamente sobre sus sentimientos por su frecuente compañero de reparto. 

Cuando a Hepburn se le preguntó el por qué se quedó con Tracy durante tanto tiempo a pesar de la naturaleza de su relación, dijo: «Honestamente, no lo sé. Solo puedo decir que nunca podría haberlo dejado» y concluyó «solo pasamos veintisiete años   juntos que fueron para mí la felicidad absoluta». 

Una de las muchas películas que compartieron en pantalla actor y actriz fue La costilla de Adán o Adam's Rib, una película estadounidense de 1949 dirigida por George Cukor que es considerada modélica en su categoría de "Comedia romántica". Adam's Rib es una película de la Metro- Goldwin- Mayer escrita por sus amigos, la escritora y actriz Ruth Gordon y su entonces marido Garson Kanin - autores también de otro guión, el de Pat and Mike (La impetuosa, 1952) que también fue dirigida por George Cukor. El público no es consciente de que la legendaria relación en la pantalla de Hepburn y Tracy era reflejo del propio matrimonio de Gordon y Kanin. 

Garson era 16 años más joven que ella, cuando se casaron en 1942. El matrimonio duró hasta la muerte de ella en 1985, a causa de un accidente cerebrovascular en Edgartown, Massachusetts, a los 88 años de edad, aunque hay que reconocer que a ella le llegaron los premios, al menos como actriz, tras su interpretación de vecina diabólica en Rosemary's Baby de Polanski. Ellos recibieron nominaciones al Óscar por ambos guiones, así como por el de un título anterior, Doble vida (1947), el cual también dirigió Cukor director que se mueve con suma comodidad en las comedias sofisticada s, en la dirección de actrices y actores y como pez en el agua en la comedia sobre con guerra de sexos, 

La película de Cukor , que contó como ayudantes en la dirección con con  Joel Freeman y Jack Greenwood , era una producción de Lawrence Weingarten para la productora habitual para la que trabajaba Spencer Tracy , la Metro-Goldwyn-Mayer , encargada igualmente de la distribución.

En el apartado musical de la película destaca la participación de un música clásico incorporado al cine,  Miklós Rózsa. Es  el compositor húngaro, pero formado en Alemania que en palabras de Manuel Valls Godina hizo popular la banda sonora y que tuvo la virtud de aproximar la música del film a la gente que ama el cine. Para este autor la clave estuvo en la incorporación del llamado "Rozsa touch" compuestos de "tresillos, escalas ascendentes repetidas y una especial inclinación por los instrumentos de cuerda, particiularmente el violín". Fue el jefe musical de la Metro, Johnny Green el que ofreció ese mismo año, 1949, un largo contrato con la Metro. Para el historiador de la música antes citado utiliza para la película    "concerto  grosso" al estilo veneciano. La música fue compuesta por Miklós Rózsa en su totalidad , excepto la canción "Farewell, Amanda", que fue escrita por otro clásico, Cole Porter . 

En otros apartador técnico destaca la fotografía en blanco y negro de George J. Folsey y el montaje de George Boemler , mientras que el encargado del sonido es Douglas Shearer.

En la dirección artística aparece William Ferrari y Cedric Gibbons , mientras que los decorados son obra de  Edwin B. Willis. Para los efectos especiales se contó con  A. Arnold Gillespie mientras que el diseño de vestuario fue labor de Walter Plunkett, Maquillaje y peluquería fue realizada por Jack Dawn y Sydney Guilaroff , respectivamente. 

Los protagonistas absolutos son la pareja integrada por Spencer Tracy como Adam Bonner y  Katharine Hepburn como Amanda Bonner . A ellos se suma una joven Judy Holliday como Doris Attinger y otro veterano de la comedia norteamericana como Tom Ewell en el papel de Warren Attinger . Junto a ellos aparecen David Wayne como Kip Lurie, el hace el papel de vecino , compositor y pianista, y junto a él está  Jean Hagen como Beryl Caighn , Hope Emerson como Olympia La Pere,  Eve March como Grace , Clarence Kolb como el Juez Reiser , Emerson Treacy como Jules Frikke , Polly Moran como la Sra. McGrath,  Will Wright como el Juez Marcasson,  Elizabeth Flournoy como la Dra. Margaret Brodeigh y Snub Pollard  como uno de los asistentes al juicio (sin acreditar) 

La película comienza en una calle de Nueva York. Vemos como una joven, Doris Attinger ( Judy Holliday ) sigue a su marido ( Tom Ewell ) por las calles y el metro de la ciudad. Se le ve nerviosa. En un momento dado del bolso se le cae un pistola. La chica persigue a su marido que va caminando y silbando "You Are My Lucky Star", una canción que aparecerá en Cantando bajo la lluvia (1952) ,  hasta un bloque. Ella espra fuera hasta que se arma de valor y empuñando un arma - lee antes las instrucciones de como se dispara con ella- se coloca delante de la puerta y dispara. 

Tras el disparo entra en un salón con el arma en la mano - y que compró el día anterior- confirma sus sospechas; su marido  está teniendo un romance con otra mujer algo más joven ( Jean Hagen, actriz de Cantando bajo la lluvía ). Cegada por los celos y la  rabia, ella dispara a la pareja varias veces. Una de las balas da  a su marido en el hombro. 

A la mañana siguiente, conocemos a una pareja de abogados casados ​​Adam y Amanda Bonner ( Spencer Tracy y Katharine Hepburn ) leyendo la prensa y comentando la noticia del incidente ocurrido en el día anterior y ya comentado en las crónicas del periódico. 

Amanda y Adam Bonner son un idílico matrimonio de abogados. Viven en una cierta paz conyugal, más aún desde que acaban de terminar de pagar su casa de campo. Adam y ejercen su labor profesionalmente. Ella desde su despacho de abogados como defensora de ante los tribunales y el como fiscal.

Ellos discuten sobre el caso. Amanda simpatiza con la mujer, particularmente observando el doble rasero  que existe para hombres y mujeres con respecto al adulterio. Adam, en su calidad de abogado,  piensa que Doris es , simplemente, culpable de un intento de asesinato. 

Cuando Adán llega al trabajo, un vez es llevada por su impulsiva mujer al volante, se entera por sus compañeros que ha sido asignado para llevar el caso. Ellos consideran que es un "chollo" ya que la chica ha confesado su culpabilidad.

Al rato Adán llama a su mujer y cuando Amanda escucha la asignación de su caso, ella busca a Doris y se convierte en su abogado defensor. 

Esa misma noche los Bonner celebran una cena en la casa. Han sido invitados algún vecino , como el compositor Kip Lurie (David Wayne) enamorado abiertamente de Amanda, su novia y un grupo de jueces con sus mujeres. Durante la velada en casa de los Bonner,  Amanda le dice a su marido que ha aceptado la defensa de la mujer (Judy Holliday) acusada del intento de asesinato de su infiel marido (Tom Ewell).

Amanda basa su caso en la creencia de que las mujeres y los hombres son iguales, y que Doris había sido forzada a la situación por el maltrato de su marido. Efectivamente en la entrevista habida entre Amanda y Doris, ella relata como su marido la ha ido ignorando a ella y a sus hijos , y como desde un tiempo a esta parte le ha pegado en algunas ocasiones. 

Adam piensa que Amanda está mostrando un desprecio por la ley, ya que nunca debe haber una excusa para tal comportamiento. La tensión se acumula cada vez más en casa cuando los dos luchan entre sí por su causa. 

La narración de Cukor se divide en dos planos. Por las mañanas vemos como se va desarrollando el juicio en el que Amanda lucha como gato panza arriba en defensa de su defendida, dejando a las claras el papel de adultero del marido de Doris, la persistencia en el engaño, su brutalidad o recusando a los miembros del jurado en relación a sus opiniones con respecto a su consideración de la mujer y su postera marcadamente machista. Por su parte, Adam quiere demostrar el peso de la acusación, aunque en ocasiones se ve desbordado por la vitalidad y la contundencia de su mujer y sus testigos. Por debajo de la mesa, se saludan, se hacen consignas, se mandan recados y se  incodian.

Por las tardes, vemos que la idílica relación se va resintiendo poco a poco, con peleas en lo que lo personal se combina con los profesional. A esto se suma la presencia incordiante del vecino, Kip, que ha recibido por parte de Broadway el encargo de componer una canción. La canción se la dedica a Amanda, la chica a la que admira y adora. De hecho a Kip lo vemos permanentemente en la sala de los juzgados.  

La situación llega a su fin cuando Adam se siente humillado durante el juicio, cuando Amanda lleva a muchas mujeres para demostrar que el juicio no es contra Doris, sino contra la marginación de los miembros de su género. Para ello lleva desde a una doctora en química y filosofía con alta competencia profesional hasta a una mujer mujer del circo y atleta capaz de increíbles ejercicios de halterofilia o gimnásticos. Se trata de la inmensa Olimpia La Père (Hope Emerson) - que vimos hace unos días en Caravana de mujeres- En una demostración de su capacidad ante el tribunal supone una humillación para Adam al que lleva a levantarlo por encima del estrado. 

Esa misma tarde, Adam, aún enojado, se marcha más tarde de su apartamento iniciando así una relación de separación que  parece concluir en un divorcio.

Por último el juicio concluye en su vista y el tribunal se dispone a dictar sentencia. Antes de que se dicte el veredicto del juicio sobre Doris  Amanda hace una última intervención ante el jurado para que se sepa que realmente lo que van a "juzgar este caso es la hipocresía y el diferente rasero ante los sexos" y Amanda propone que eso tiene que cambiar. La alegación de Amanada resulta exitosa y Doris es absuelta.

Los medios de comunicación gráficos que han estado continuamente presentes en el juicio y han dejado tiras cómicas sobre el mismo, así como titulares hacen fotos de los encausados, afectados, sus hijos y los propios abogados, con una relación ya definitivamnte rota.  

Esa noche, Adam ve a Amanda y a su vecino Kip Lurie ( David Wayne ), quien ha mostrado un claro interés en Amanda, a través de la ventana. Adam entra en el apartamento, apuntando con un arma a la pareja. 

Amanda se horroriza y le dice a Adam: "¡No tienes derecho a hacer esto, nadie lo hace!" Adam siente que ha demostrado - a punta de pistola- su punto de vista sobre la injusticia de la línea de defensa de Amanda. 

A continuación, se pone el arma en su boca, aparentemente para suicidarse,  mientras que Amanda y Kip gritan de terror. Luego, Adam mordisquea la pistola y mastica el cañón, diciendo que  está hecho de regaliz. 

Amanda furiosa con esta broma, le agrede , iniciándose ​​una lucha a tres banda con Kip de por medio, que se extiende por el piso y el de Kip, ante la sorpresa de los vecinos restates. 

Al día siguiente,  Adam y Amanda, en medio de un divorcio, se reúnen a regañadientes para una reunión con su contador de impuestos para tarifar tras la concreción del inminente divorcio. 

Es ahora cuando hablan de su buena relación en el pasado. Adam se emociona cuando hablan de la granja que poseen y se dan cuenta de cuánto se han amado y cuánto aman. 

Tras eso deciden pasar el fin de semana junto en la granja, donde Allí Adám le dice que las lágrimas que soltó ante el gestor de los impuestos no necesariamente han sido ciertas, sino que los hombres cuando se lo proponen pueden llorar y hace una manifestación de la misma. Además le  anuncia que ha sido seleccionado como el candidato republicano para ser el Juez de la Corte del Condado. Amanda, ante esto,  bromea y dice que ella se propondrá para el puesto , pero en su caso como candidata demócrata, acabando así la película. 

Aunque la película se desarrolla en Nueva York, parte de  Adam's Rib fue filmado en los Estudios de la MGM en Culver City , Los Ángeles. La película fue filmada casi en su totalidad en la ciudad de Nueva York. Se rodó en diversos puntos de Manhattan como Bayard Street,  Bowling Green Park , en Broadway y Battery Place, , en Center Street, el el Edificio del Tribunal Penal en el  100 Center Street, , en la Franklin D. Roosevelt Drive, y en Newtown, en Connecticut. 

La película fue escrita específicamente como un vehículo para la pareja artística - era la sexta colaboración entre ambos, y ya sabemos que mucho más de eso- integrado por Tracy-Hepburn por unos amigos de la pareja, Garson Kanin y Ruth Gordon . Los dos, que estaban casados ​​entre sí, se inspiraron en el caso real de William Dwight Whitney y Dorothy Whitney, abogados casados ​​que terminaron divorciándose y casándose con sus respectivos clientes en su caso  y que representaron a Raymond Massey y a su ex esposa Adrienne Allen en su divorcio.  Los Whitney se divorciaron y se casaron con los respectivos Masseys. 

Kanin vio un gran potencial en la idea de los abogados casados ​​como adversarios, y fue fuente de inspiración de la trama. El título original de la película era El hombre y su esposa , pero la oficina de la MGM lo vetó rápidamente como peligrosamente indiscreto. y fue escrita específicamente para el dúo por Garson Kanin y Ruth Gordon. Esta historia de abogados casados que se oponen entre sí en la corte,  Hepburn la describió como «perfecta para [Tracy] y para mí». 

Fue una de las nueve películas que Katharine Hepburn y Spencer Tracy hicieron juntos y fue la primera de dos películas que unieron a  Katharine Hepburn y Spencer Tracy bajo un guión de Ruth Gordon y Garson Kanin - la segunda sería La impetuosa (1952)- ambas películas fueron dirigidas por George Cukor y por los que ganaron a Gordon y Kanin una nominación al Oscar al mejor guión.

Como era habitual durante el rodaje, Katharine Hepburn y Spencer Tracy se quedaron en casas separadas, como era costumbre cuando viajaban juntos. Eso les permitió mantener su relación de décadas sin ningún escándalo que apareciera en la prensa.

Se sabe que Hepburn y Kanin animaron a una joven y no muy experta actriz como Judy Holliday a interpretar el papel de Doris en la película - hay que decir que Judy estaba aterrorizada por actuar con Katharine Hepburn y que fue ella quien instó al director George Cukor a que la cámara enfocara a Judy Holliday durante varias de sus escenas compartidas, no sólo porque era una fan de la nueva de Holliday, sino porque se esperaba que los estudios pudieran ver lo fantástica que era Holliday - , y que fue utilizada por el presidente de Columbia Pictures, Harry Cohn, como una prueba de pantalla para  recrear en la película su obra de éxito que ya había triunfado en  Broadway surgida de la cabeza de Garson Kanin y que llevada por título Nacida ayer o Born Yesterday .  Holliday, tras su interpretación en esta película pasó al set de Nacida ayer al año siguiente y en   1950  ganó por su trabajo en ella  el premio de la Academia a la Mejor Actriz . 

Se puede  observar tomas en varias escenas de la película, que son inusualmente largas, donde la cámara no se mueve durante minutos , siendo en la mayoría de los casos, escenas de  los personajes principales cuando están discutiendo. 

En su primera escena de monólogo con Katharine Hepburn , Judy Holliday se puede ver temblando. Esto no era actuar, sino nerviosismo. La inexperta Judy Holliday estaba 

En la memorable escena de masaje Spencer Tracy - Katharine Hepburn suena en la radio la canción de Cole Porter  interpretada por Frank Sinatra  "Farewell, Amanda" de Cole Porter , el  regalo a Amanda Bonner  realizado por su vecino Kip Lurie ( David Wayne ) . Mientras Adam Bonner (interpretado por Tracy) está dando masajes a su esposa, apaga bruscamente la radio. 

La película se estrenó en los Estados Unidos el 18 de noviembre de 1949 llegando a España casi diez meses después , el 28 de septiembre de 1950. Según los registros de MGM, la película ganó 2.971.000 dólares en los Estados Unidos y Canadá y 976.000 dólares en otros lugares, resultando en un beneficio de 826.000 dólares. 

La película consiguió un buen número de premios y reconocimientos. Ruth Gordon  y Garson Kanin fueron nominados para el Premio de la Academia al mejor guión. Fue nominada igualmente a los Globos de oro dentro de la mejor actriz de reparto (Judy Holliday).

En 1950 el Sindicato de Guionistas (WGA) lo nominó al Mejor guión de comedia . 

En 1992, la película fue seleccionada para ser preservada en el National Film Registry de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso como "cultural, histórica o estéticamente significativa".  La película está reconocida por el American Film Institute , así como sus dos principales protagonistas en el apartado de actrices (Katharine Hepburn) y actores   (Spencer Tracy). 

La película ha sido incluido entre los "1001 Películas que debe ver antes de morir", editado por Steven Schneider . 

En cuanto a las críticas, un crítico del New York Times, Bosley Crowther, tuvo palabras de elogio para  la película y destacó «la perfecta compatibilidad» del dúo. La película fue bien recibida desde su lanzamiento y se le considera una comedia romántica clásica, 

Ya en Fernando Morales en el diario El País destaca que es "Todo un clásico del género"  ; mientras que el El Mundo Francisco Marinero la considera toda una "Aguda sátira de la falsa tolerancia machista. Muy buena" 

Se trata de una comedia ágil y entretenida del cine clásico por antonomasia y que funciona como un alegato feminista. Hoy sería , por mucho aspectos, tan elogiada como crítica por elementos que defienden lo políticamente correcto. La película fue muy valiente en su momento al poner de relieve la doble moral existente en la sociedad occidental ante el adulterio , incluso el tabaco o  el trato privilegiado que en la práctica se concedía en los tribunales de muchos países al marido que "defiende su honor" asesinando a su esposa infiel. 

La película tenía mucho que ver con la forma de ser de Katherine Hepburn en la defensa de la libertad . de la mujer y en su posicionamiento político. Cuando se le preguntó acerca de la política, Hepburn dijo en una entrevista: «Siempre digo que estoy a favor de las minorías y del lado liberal. No soy una persona con el "no"». Lo cierto es que la histeria anticomunista en el Hollywood de 1940 la impulsó a la actividad política y su nombre fue mencionado en las audiencias del Comité de Actividades Antiestadounidenses  aunque Hepburn negó ser una simpatizante comunista, y me imaginó que manifestó públicamente su cercanías con el Partido Demócrata. .

Y hasta aquí esta crónica de la «batalla de los sexos» por antonomasia, no in antes decir que la película llegó a impulsar piquetes en algunos cines de todo el país, No obsnate, Adam's Rib fue un éxito y una de las películas de Tracy-Hepburn más rentables hasta ese momento, además de ser la demostración de hasta dónde podemos llegar hacer de brutos la especie humana, cuando dejamos de percibirnos como sujetos, evidentemente con género, pero eso es lo de menos. O como dijo el escritor uruguayo fallecido en 2015, Eduardo Galeano,  "Si Eva hubiera escrito el Génesis , ¿cómo sería la primera noche de amor del género humano ? Eva hubiera empezado por aclarar que ella no nació de ninguna costilla , ni conoció a ninguna serpiente , ni ofreció manzanas a nadie , y que Dios nunca le dijo que parirás con dolor y tu marido te dominará. Qué todas esas son mentiras que Adán contó a la prensa".

Al rojo vivo en la cima del mundo

El título que preside esto, y que ahora ha sido apropiado con otros fines menos lúdicos,  da nombre a un programa televisivo de corte intelectualmente confesional, pero que aquí hace referencia a lo que es y merece la pena, una gran película. 

White Heat o como gustó llamarse en España, Al rojo vivo no es una película que te haga comulgar con ruedas de molinos, sino que es todo un clásico de cine de gángters, realizado por uno de los grandes de este arte y que es el canto de cisne de un género que fue muy fértil en los años treinte y que tenía un exponente en los protagonistas clásicos del género: James Gagney.

Con James Cagney me ocurre lo mismo que con Edward G. Robinson, han sido actores a los que he ido cogiendo el gusto a lo largo de los años. Cuando rondaba la decena de años, allá por los setenta, no me gustaban ni uno ni otro. Pero lo cierto es que en los ochenta, televisión española apostó por hacer una gran didáctica del cine mediante ciclos de directores, actores, actrices y géneros. Y con ellos pude descubrir la grandeza de dos de los protagonistas de estas película: Cagney y Robinson. 

James Cagney, al que seguramente conocí en una película del año 1939 y que llevada por título Los violentos años veinte, llegó a mi conocimiento a través de uno de esos ciclos declarados o encubiertos que gustaban en los inicios de los ochenta. Aquí director, Raoul Walsh y actor se habían unido para mostrarnos el proceder del hampa, en este filme que nos narra la ascensión y caída del gánster Eddie Bartlett (James Cagney), dedicado al contrabando de licor en la época de la Ley Seca y que parte del final de la Primera Guerra Mundial (1918) alcanzando al crack de Wall Street (1929), y la posterior elección presidencial de Franklin Delano Roosevelt (1932).

La película criticaba sin tapujos la Ley Seca y su indudable efecto en el incremento de la criminalidad, así como la corrupción policial imperante (un agente de policía entra en un bar clandestino ante la indiferencia general y se limita a reprochar a un parroquiano que haya dejado el vehículo mal aparcado) Para cubrir este lapso temporal, este grande entre los grandes que era Walsh , recurre como hace en otras de sus películas a hábiles efectos de montaje, utilizando en ocasiones material de archivo grabado en la época, pero también a titulares de periódico y a la voz en off que va comentando la historia y explicando los hitos fundamentales en la historia de la prohibición, introduciendo algo parecido a un documental.

Justo diez años más tarde director y actor vuelven a encontrarse para volvernos a mostrar el mundo de la criminalidad en este White Heat que podríamos traducir en lo literal como calor blanco como el procedente de una llamarada, explosión o el vapor de agua. Esta diez años más tarde fue la primera película de gángsters de James Cagney desde Los violentos años veinte (1939). Lo curioso es que este actor adoraba hacer comedia como demostró virtuosamente en 1961 con la maravillosa Un , dos , tres de Billy Wilder. Recuerdo igualmente su última película Ragtime, así como el especial que hubo tras su muerte en Informe Semanal , allí por 1986. Era uno de los grandes sin duda.

Walsh, uno de los tuertos con parche de Hollywood, es uno de esos todoterrenos que comenzaron trabajando como actores en una de las primeras firmas norteamericanas, la Biograph Company, donde debutó como actor a las órdenes de David W. Griffith.

En 1914 empezó a trabajar como asistente de dirección de D.W. Griffith, interpretando el papel del asesino de Lincoln en El nacimiento de una nación (1915). Siguió con él incluso después de estrenar como director en 1916 His return ("Su retorno").

Su trabajo con Griffith llamó la atención de la Fox Film Company (futura 20th Century Fox), que lo contrató ese mismo año. Durante su época en el cine mudo, Walsh solía escribir los guiones de sus películas, y a menudo actuaba también en ellas como protagonista. Destacan entre sus obras de esta época una de las primeras películas de gángsters de la historia del cine, Regeneration (1915), así como una obra maestra indiscutible, la innovadora y espectacular El ladrón de Bagdad (1924), interpretada por Douglas Fairbanks y Anna May Wong, que alcanzó un enorme éxito por su desbordante fantasía y su imaginativa escenografía, cercana a veces al expresionismo del cine alemán.

Walsh fue uno de los 36 profesionales de la pantalla que en 1927 fundaron la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood junto con colegas como Cecil B. DeMille, actores como Harold Lloyd y Mary Pickford y productores como Jack Warner e Irving Thalberg.

Su primer film sonoro fue El mundo al revés, comedia musical con Victor McLaglen. En los primeros días del sonoro dirigió para la Fox el primer western hablado, En el viejo Arizona (In Old Arizona, 1929), pero perdió un ojo cuando una liebre se cruzó en su camino mientras conducía buscando localizaciones para los exteriores de la película por las carreteras de California; el film tuvo que terminarlo Irving Cummings. Esto dio al traste con su carrera de actor y ya entonces tuvo que consagrarse en exclusiva a la dirección y el guion.

Poco después dirigió, en el espectacular western histórico La gran jornada (The Big Trail, 1930), a un entonces desconocido Marion Morrison, a quien Walsh cambió su nombre por el de John Wayne.

Continuó trabajando para la Fox hasta 1935, y pasó luego un corto período en la Paramount, hasta 1939, año en que fue contratado por Warner Brothers, productora en la que permanecería hasta 1953 y con la que rodaría muchas de sus obras más recordadas, entre ellas varios clásicos del cine de gángsters, como Los violentos años veinte (1939), El último refugio (High Sierra, 1942) y Al rojo vivo (1949), el filme que nos trae hasta aquí.
Se trata de una producción de Louis F. Edelman para la productora y distribuidora Warner Bros.

Su guión está escrito por Ivan Goff , Ben Roberts y Virginia Kellogg basándose en una historia previa de esta escritora, Virginia Kellogg. Esta última estuvo dos veces nominada como guionista; una en 1949 por esta obra, y al año siguiente por la película "Sin remisión" de John Cromwell. Los encargados reales de adaptar la obra de Kellogg a la gran pantalla serían Ivan Goff y Ben Roberts.

Para la banda sonora contó con la música de uno de los grandes de la época, Max Steiner, además que contar con la fotografía de Sid Hickox y  Owen Marcks en el montaje.

El reparto lo encabezan James Cagney como Arthur "Cody" Jarrett y una bellísima Virginia Mayo como  Verna Jarrett, Le acompaña Edmond O'Brien como  Hank Fallon o "Vic Pardo" , Margaret Wycherly as "Ma" Jarrett,  Steve Cochran como "Big Ed" Somers , Ford Rainey como Zuckie Hommel , John Archer como Philip Evans, Wally Cassell como"Cotton" Valletti , Fred Clark como Daniel "The Trader" , Winston Ian MacDonald como "Bo" Creel , Paul Guilfoyle como Roy Parker, Robert Osterloh como Tommy,  Ryley G. Pat Collins como "Reader" Curtin , Fred Coby como "Happy" Taylor

La historia se inicia con un asalto a un tren por parte de la banda criminal dirigida por Arthur "Cody" Jarrett (James Cagney),  un criminal despiadado y trastornado que no se fia de nadie, salvo de su madre  una mujer retorcida y decidida, "Ma" Jarrett (Margaret Wycherly), y que es su única verdadera confidente (el padre de Cody murió en un manicomio).

Después de asaltar con éxito un tren con éxito que transportaba 300.000 dólares en la frontera de California con otro estado, posiblemente, Nevada, Cody acaba asesinando a los maquinistas del tren de correo resultando finalmente  la muerte de cuatro miembros de la tripulación del tren, así como herido uno de los integrantes de la banda de Cody, Zuckie (Ford Rainey). con el agua hirviendo de la locomotora, ya que uno de los asaltantes se le ha escapado su nombre durante el mismo.

Cody Jarret y su banda huyen con el dinero a las Rocosas, pero son perseguidos por agentes federales que sospechan que Cody es el autor del robo.

En la casa de la Alta Sierra conocemos que Cody está casado con la bella Verna (Virginia Mayo), y el alto grado de apego a su madre que espera de él que llegue a la cima del mundo, "Top of the world" . Así como que Cody sufre dolores de cabeza que lo incapacitan momentáneamente . Sólo el consuelo y la atención de Ma lo  frenan. Descubrimos igualmente que Verna coquetea con otro miembro de la banda , "Big Ed" Somers (Steve Cochran) y que desde el robo han pasado allí un tiempo para intentar diluir las pistas que lo vinculan con el asalto.

Cuando uno de los miembros de la banda escucha por radio que se van a iniciar las nevadas informa al resto de  integrantes de la banda, Cody decide que ya es hora de salir de allí para refigiarse en Los Ángeles. Antes de salir da la orden de acabar con el moribundo Zuckie, que está completamente quemado y pide la ayuda de un médico, algo que Cody no atiende.

En Los Ángeles vive en el anonimato hasta que un día dan con su escondite gracias a la ayuda de informantes,  que localizan a Cody, Verna y Ma. Cody, cuando se ve rodeado dispara y hiere al investigador del Tesoro estadounidense Philip Evans (John Archer) y  escapa.

Una vez preparada una coartada perfecta, Cody se responsabiliza de un atraco a un banco sin víctimas la misma fecha realizado  en otro estado, cometido en Springfield, Illinois, que realizó un asociado y que fue cometió al mismo tiempo que el robo de tren, lo que le proporciona una falsa coartada. Tras asegurarse de que el responsable último del robo al banco ha sido él, decide entregarse a la policía.  Cody sabe que por ese delito sólo puede ser condenado por un tribunal de Illinois, a una condena de uno a tres años en una prisión estatal.

Tras ello es condenado sólo a dos años de prisión; sin embargo, los agentes del Tesoro, convencidos de que fue el cerebro del asalto, le tienden una trampa. Este plan no engaña a Evans, sin embargo, quien quiere introducir en la cárcel a un agente encubierto Hank Fallon (Edmond O'Brien) en la celda de Cody en la Penitenciaría del Estado de Illinois, donde Hank se llama Vic Pardo. Su principal tarea es encontrar el "Comerciante", el hombre  que lava el dinero robado por Cody. Así que el ahora  Vic Pardo comparte celda junto a Jarrett. Pardo es el hombre que ha de intentar establecer una conexión entre Jarrett y el atraco al tren correo.

En el exterior, "Big Ed" Somers (Steve Cochran), la ambiciosa mano derecha y uno de sus compinches de la banda de Cody, asume el liderazgo de la pandilla y traiciona a su jefe liándose con Verna, que se alía contra su marido encarcelado, ya que el rufián y su esposa están seguros de que Cody nunca saldrá de la cárcel.

Esto se debe a que Big Ed ha pagado a un socio que está en la prisión, Roy Parker (Paul Guilfoyle), para que mate a Cody. Efectivamente, un día mientras están los penados en el taller de la prisión Parker, que es el encargado de las grúas se la arregla para dejar caer una pieza pesada de la maquinaria sobre  Cody, pero Hank que lo ve le empuja salvando así su vida. En principio, Cody cree a Parker que le dice que ha sido un accidente, pero tras la visita de Ma a prisión le saca de dudas al comentarle la relación que tiene con Verna- la ha visto besándose con "Big Ed"- y le habla de los deseos ambiciosos de su excolega- Ma igualmente le promete acabar con  Big Ed, a pesar de los frenéticos intentos de Cody de disuadirla.

Un día en el comedor llega un viejo conocido de Jarret. Cody le pregunta si sabe cómo está su madre, pero recibe en cadena a través de los presos que comen junto a el la terrible noticia de la muerte de su madre. Esto llega a desesperar a Cody que como loco se desplaza por el comedor y agrede a gran parte de los guardias que lo custodian antes de ser dominado y arrastrado a la enfermería.

Cody en la enfermería permanece en cama  fingiendo una psicosis (pérdida de contacto con la realidad), mientras diseña un plan para escapar de la prisión. En la enfermería se le diagnostica psicosis homicida y se recomienda para un traslado a un centro psiquiátrico.

Cody finalmente convence a uno de los presos que le ayuda en la enfermería de que le pase una pistola a cambio de ayudarle a escapar. Consigue meterle la misma por la camisa de fuerza y cuando van a quitársela toma rehenes y logra escapar, junto a un par de presos entre los que está su compañeros de celda, Hank o Vic Pardo con el que comienza a tener confianza Jarrett logra escapar de la cárcel ,

También se lleva a Parker junto con él, planeando una "recuperación" del poder y vengarse con calma  de Parker por su intento de asesinato. En un momento dado Parker es encerrado en el maletero del auto.

Más tarde, cuando se queja y le dice que  "Está incómodo y que necesito un poco de aire", Cody-alegremente comiendo un muslo de pollo le responde: "¿Quieres un pco de aire?  ¿te voy a dar un poco de aire" y dispara su arma varias veces al maletero.

Los hombres restantes se dirigen a California en busca de la "justa" venganza de su compinche. Al enterarse de la fuga de Cody, Big Ed espera nerviosamente que aparezca. Verna intenta escabullirse pero Cody la atrapa. Aunque resulta que ella fue la que asesinó a Ma al disparar un tiro en la espalda, para salvar la vida a su amante, amenazado por la madre de Jarrett.  Pero ahora es ella la que convence a Cody de que Big Ed fue quien mató a Ma, así que Cody acaba disparando contra Big Ed.

La banda  da la bienvenida a los fugitivos, incluyendo a Hank, para quien Cody ha desarrollado un genuino apego siendo ahora su hombre de confianza. Cody insiste en compartir los ingresos de sus robos con él, declarando: "Lo hacía incluso con Ma, ¿no?"

Se planea un nuevo atraco.  En su refugio de la montaña aparece mientras lo diseñan el que parece un pescador perdido. Se trata de un hombre (Fred Clark) que  aparece pidiéndole usar el teléfono. Todo el mundo espera que el extraño sea asesinado ("Parece que Big Ed va a tener compañía").

Para sorpresa de Hank, Cody, confiado, le presenta al desconocido. Se trata de  Daniel "The Trader" Winston, la persona que le blanquea el dinero y por la que Hank entró en prisión con el fin de descubrir y rastrear quién limpiaba el dinero.

El robo es ahora una refinería de petróleo, donde le espera un botín de casi medio millón de dólares, cantidad correspondiente a la nómina de los empleados de esta planta petroquímica en Long Beach, California.

Para acceder al interior de la misma usarán un gran camión cisterna, vacío,a modo de caballo de Troya.

Hank, en una parada previa en una gasolinera,  se las arregla para enviar un mensaje a Evans y se prepara una emboscada. La banda se mete en la planta y se dirige a la oficina de nómina, pero cuando comienzan a abrir la caja fuerte, el conductor del camión cisterna, "Bo" Creel (Ian MacDonald), reconoce a Fallon ya que le detuvo hace cuatro años.

Mientras la policía ha rodeado el edificio y Evans desde el exterior le pide a Cody que se rinda, pero decide pelear.

Cuando la policía lanza gas lacrimógeno a la oficina en la que los malhechores están parapetados, Hank logra escapar. Se inicia así un tiroteo por toda la planta entre los asaltantes y la polícias. Las armas repiquetean y la policía mata a la mayor parte de la banda de Cody y mata a uno de sus hombres que intenta rendirse.

La policía, por su parte,  arresta a Verna, que estaba estacionada en un coche  preparado para la fuga frente a la planta, e intenta intercambiarse con Evans pidiendo clemencia, diciendo que puede convencer a Cody de rendirse y luego "puedes hacer lo que quieras con él", pero Evans se la lleva, comenzando a lanzar insultos.

Cody luego huye a la cima de un gigantesco tanque de almacenamiento de gas en forma de globo. Un tirador, posiblemente Hank, dispara varias veces a Cody con un rifle, Cody responde igualmente disparando, pero lo hace sobre el tanque del depósito que estalla en llamas y lo hiere. Herido, y todo, Jarrett grita y grita: "¡Lo he hecho, Ma! Estoy en la cima del mundo!" El tanque filnalmente explota matando a Cody. Mientras salen los tíulos de créditos vamos viendo como la planta química sigue afectada por el incendio, acabando así la película.

La película fue escrita por Ivan Goff y Ben Roberts, basada en una historia de Virginia Kellogg. El personaje de Cody Jarrett se basó en un asesino de Nueva York, Francis Crowley, que participó en una batalla campal con la policía en la primavera de 1931 a la edad de 18 años. Fue ejecutado en la silla eléctrica el 21 de enero de 1932, sus últimas palabras fueron: "Envía mi amor a mi madre".

Otra inspiración en los personajes parece estar en Fred Barker y Arthur Barker, famosos gángsters de los años 30, famosamente consagrados por su dominadora madre en la vida real con el nombre de Kate Barker, aunque más conocida como Ma Barker. Sí, sí, la misma que musicaron los Bonnie M.

El robo de tren con el que se abre la película parece haber estado estrechamente basado en el robo del "South Pacific" realizado por los Hermanos DeAutremont en 1923.

Una vez cerrado el guión el director Raoul Walsh contrató a  James Cagney, con el que ya había trabajado en The Roaring Twenties o sea en los Violentos años veinte (que también protagonizó Humphrey Bogart) y en The Strawberry Blonde. En este caso  interpretando a Cody.

Lo cierto es que James Cagney estaba cansado de estar encasillado como un tipo duro cercano al mundo del hampa. Creía que "Las películas deben ser entretenidas, y no baños de sangre", dijo en los últimos días de su contrato de Warners. "Estoy harto de llevar un arma y golpear a las mujeres."

El hecho de verse encasillado hizo que él fundará  su propia compañía de  producción con su hermano William, y que durante los cinco años siguientes sus fueron distribuidos por la United Artists. Sin embargo, hizo sólo cuatro películas en esos años, y ninguna de ellas con mucho éxito financiero. Así que Cagney regresó a Warner Brothers , eso sí, con un cierto grado de autonomía (su compañía de producción permaneció intacta) y volvió a hacer lo que sabía: un tipo duro que hace un "baño de sangre" , sí , a ese que le había dado la espalda siete años antes. "Es lo que la gente quiere que haga", gruñó. "Algún día, sin embargo, me gustaría hacer sólo un película para que los niños puedan ir a ver."

Habían pasado nueve años desde que Cagney había interpretado a un gángster. Y de todos los mafiosos que Cagney hizo  a lo largo de su carrera, Cody Jarrett puede ser considerado el más psicótico. Fue el propio Cagney quien tuvo la idea de hacer de Cody un auténtico psicótico. Cagney atribuyó su actuación a las furias alcohólicas de su padre, que había presenciado cuando era niño, así como a alguien que había visto en una visita a un hospital psiquiátrico.

Para el papel femenino Walsh contrató a una actriz de Saint Louis, Virginia Mayo, en el papal de su esposa Verna Jarrett. Hay que destacar que su enorme atractivo físico la convirtió desde su estreno en  en 1941 en una de las actrices más populares de la década  de los cuarenta y de los cincuenta.

Por otro lado, Edmond O'Brien fue elegido como Hank Fallon, un agente encubierto que está plantado en la prisión donde Cody está detenido.

La actriz inglesa Margaret Wycherly interpretó a la madre de Cody, mientras que el investigador del Tesoro estadounidense Philip Evans fue interpretado por John Archer. Steve Cochran fue elegido como "Big Ed" Somers, el ambicioso brazo derecho de Cody que se hace cargo de la banda y paga a Roy Parker, interpretado por Paul Guilfoyle. Ford Rainey hizo su debut como Zuckie Hommel, uno de los miembros de la pandilla de Cody. Wally Cassell, Fred Clark, Ian MacDonald, Robert Osterloh y G. Pat Collins fueron igualmente contratados  en papeles secundarios. 

La filmación tuvo lugar en California. Se rodó en  en las montañas de Santa Susana cerca de Chatsworth, en Los Angeles, para la imagen del robo del Southern Pacific Railroad tunnel. El robo del tren  ahora es propiedad de Union Pacific y fue la localización de una colisión frontal trágica en 2008 que mató a 25 personas. Se rodó también pero también en las californianas Torrance - en concreto en las planta de la empresa Shell en el 198.a de la Calle Figueroa en Torrance. Igualmente se rodó en  Van Nuys y sobre todo en Burbank, en los Warner Brothers Burbank Studios . Igualmente se rodó en  la  Joliet Prison en Illinois, White Heat fue filmado entre el 5 de mayo y mediados de junio de 1949.

Curiosamente se rodó en un autocine , en el que entran Cody, Verna y Ma y que ya está demolido, el  San Val Drive-In en la avenida 2720 Winona en Burbank, , el segundo cine después del "Drive-In Theatre" Era tradicional espacio de estrenos de la Warner Bros. . Durante la película se ven escenas de acción de una película de la Warner Bros. Task Force.

Walsh contó con la versatilidad de Cagney y se capacidad de improvisación como ocurre en la escena en la que se entera de que su madre ha muerto. La sorpresa expresada por los compañeros de James Cagney durante la escena del "juego telefónico" en el comedor de la prisión parece real, y lo es porque el director Raoul Walsh no le dijo al resto del reparto lo que estaba a punto de suceder, así que el estallido de Cagney les sorprendió. De hecho, Walsh mismo no sabía lo que Cagney había planeado. La escena escrita no funcionaba y Cagney tuvo una idea. Le dijo a Walsh que pusiera a los dos extras jugando en el comedor a su lado en el banquillo (usó sus hombros para levantarse sobre la mesa) y para mantener las cámaras rodando no importa qué. Cuando Cody recibe la noticia de la muerte de su madre, Cagney juega su primera reacción simplemente mirando hacia abajo, construyendo en la explosión emocional. Años más tarde le explicó al crítico de cine de Los Angeles Times, Charles Champlin: "Esa primera agonía es privada, si hubiera mirado de inmediato y comenzara a gritar, habría sido una compañía de acciones, 1912". El productor ejecutivo Jack L. Warner creía que la escena en la que Cody se vuelve loco en el comedor después de enterarse de la muerte de su madre sería demasiado costosa para filmar y le pidió a Walsh que la filmara en una capilla. Walsh, sin embargo, se dio cuenta del potencial dramático de la escena y alivió las preocupaciones presupuestarias de Warner disparando en tres horas.

Igualmente en la  escena donde Cody se sienta en el regazo de su madre fue idea de Cagney. Le dijo a Walsh: "Vamos a ver si podemos salir con esto", a lo que Walsh estuvo de acuerdo. Sin embargo, en su autobiografía de 1974 "Cada hombre en su tiempo", Walsh tomó crédito por la idea y dijo que la escena funcionó porque Cagney y Margaret Wycherly lo hicieron tan convincente.

La frase  de la película "Made it, Ma! Estoy en la cima del mundo !" ha sido votada como la cita de la película # 18 por el Instituto de Cine Americano (de 100).

A pesar de ello James Cagney en su autobiografía de 1985, Cagney llamó a la película "otro trabajo barato" debido a su limitado horario de rodaje. Cagney estaba particularmente irritado por el hecho de que él los presionó para echar a su viejo amigo Frank McHugh en el papel pequeño de Tommy para introducir  un toque de humor y de la ligereza a la pieza de otra manera pesada. Según la estrella, Warners acordó repetidamente hacerlo, pero en el primer día del rodaje le dijeron a Cagney que McHugh no estaba disponible.

Cuando las cámaras rodaban, Cagney se veía como "un tigre enojado", pero tan pronto como Raoul Walsh gritó corten, la estrella se acercaba a los actores como a O'Brien con un poema que había escrito y le preguntaría en un susurro: ¿Te importaría decirme lo que piensas de esto? Cuando llegó el momento de regresar al trabajo, Cagney diría: "Por favor, no se lo cuentes a nadie".

En una entrevista Virginia Mayo admitió que estaba asustada por Cagney porque era tan realista como Cody.

En el momento de la filmación, los efectos especiales todavía no estaban usando los minúsculos explosivos que simulan los efectos de las balas así que los productores empleaban tiradores calificados que usaban balas de baja velocidad para romper ventanas o mostrar balas golpeando cerca de los personajes. En la escena de la fábrica, Cagney se salvó  por unos pocos centímetros. En la autobiografía Cagney (1985), el actor dijo que él encontró el guión sin un toque de imaginación o originalidad". Al encontrar a Cody Jarrett como "otro matón asesino", Cagney dijo que sugirió a los escritores que modelaran el personaje de Jarrett y su madre después de los legendarios proscritos Ma Barker y sus hijos y que hicieran de Cody un psicótico. También se ha dicho que Cagney improvisó parte de su diálogo y decidió jugar a Jarrett como un hombre plagado de cegadoras migrañas (que sólo su madre podría calmar). Fue el propio James Cagney quien tuvo la idea de hacer a Cody psicótica. Cagney atribuyó su actuación a las furias alcohólicas de su padre, que había presenciado cuando era niño, así como a alguien que había visto en una visita a un hospital psiquiátrico.

Virginia Mayo elogió la actuación del co-estrella el neoyorkino James Cagney, diciendo que debería haber ganado un Oscar por ello.

Se planeó un remake de la película de 1958, protagonizada por Dolores Donlon, pero su producción no fue nunca confirmada.

James Cagney y Virginia Mayo siguieron su turno como la pareja casada asesina con un tipo muy diferente de cuadro, el musical The West Point Story (1950).

La reacción crítica a la película fue positiva, y hoy se la considera un clásico. White Heat fue incluido en las 100 mejores películas de la revista Time de todos los tiempos. Basado en revisiones de películas contemporáneas y más recientes, la película tiene una calificación 100% "fresca" en el sitio Web agregado de la revisión de la película Rotten Tomatoes.  En junio de 2008, el American Film Institute lanzó su lista "Ten Top Ten", las diez mejores películas de diez géneros de cine "clásicos" de Estados Unidos, después de haber consultado a más de 1.500 personas de la comunidad creativa. White Heat fue reconocido como el cuarto mejor en el género de la película del gángster.

Bosley Crowther, de The New York Times, la calificó como "la cumbre de la película de la cárcel de gángsters" y elogió su "intensidad térmica".

Tim Dirks en el sitio web Filmsite.org dijo de ella que "A destacar como elementos cinematográficos, la sombría fotografía en blanco y negro, el personaje de la mujer fatal , y la psique retorcida del gangster criminal. Además escribe que la película también puede haber inspirado muchas otras películas de éxito. De hecho es posible que esta película clásica anticipó las películas del añejo de los primeros años 50 como La selva del asfalto de John Huston o Atraco Perfecto o El asesinato de Stanley Kubrick, acentuado el estilo semi-documental de las películas del período.

En España Fernando Morales dijo de ella en El País que "Cagney vuelve a demostrar sus innatas dotes de gran actor en esta vibrante entrega de intriga que supuso uno de los films más violentos del mítico Walsh (...) Llena de fuerza y energía, una de las cumbres del género".

También, la cita final fue incluida en el número  # 18 en la lista del Instituto Cinematográfico Americano de las citas más grandes de la película.

En los Oscars de  1950 Virginia Kellogg fue nominada al mejor guión, junto a Ivan Goff y Ben Roberts. Los tres fueron fuern nominados en los Edgar Awards

Considerada una de las películas clásicas por antonomásia del género de los gángsters, esta película fue agregada al registro nacional de la película en 2003 como "cultural, históricamente, o estéticamente significativa" por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos.

Es una película que muestra perfectamente las características del cine de Walsh que destacaba especialmente por sus virtudes narrativas: sabe llevar la acción como nadie; otra de sus virtudes es la concisión: es capaz de ofrecer todas las posibilidades de una situación en un mínimo de planos y secuencias. Walsh cultivó también la música y la fotografía y fue un habitual colaborador en los guiones que dirigía. Para impedir que modificaran sus montajes rodaba pocas tomas. La dirección de Walsh imprime a la acción un ritmo intenso y sostenido, que no decae ni un instante. El movimientos de los personajes es magistral, sobre todo en la escena en la que los presos entran ordenadamente en el comedor desde tres accesos diferentes. Se trata de una película en la que destaca la magnífica interpretación de James Cagney, demostrando con ella que era uno de los grandes. A su trabajo se suman el la bellísima "femme fatale" Virginia Mayo. Técnicamente la fotografía luce un magnífico juego de luces y sombras, blancos y negros intensos, todos los grises, transparencias y brillos en los que relucen los pendientes, las pulseras, el vestido satinado de Verna, etc.). En una secuencia memorable un foco ilumina intensamente la escena hasta llenar de luz la pantalla.

A destacar los fantásticos travellings,en ocasiones,  sorprendentes, como los realizados a gran velocidad en movimientos de giro similares a los de unos coches que huyen o la banda sonora de Max Steiner, solemne y wagneriana, que incluye instrumentos de cuerda y aire que van desde lo grave a lo agudo, adaptándose como un guante de seda a la acción .

La película en muchos momentos es un estallido absoluto de violencia que rara vez se contiene. Una gran película, intensa. Una gran obra, una obra maestra en la cima del cine.

Ella portaba una cinta amarilla

Hace años se hizo famosa una canción que iba sobre una cinta amarilla. La cinta amarilla hacia referencia a las cintas que colocaban los familiares o novias de los solados norteamericanos que estaban en el frente, creo que de Vietnam. Sin embargo, en esta ocasión la cinta amarilla hace referencia a la que porta Olivia Dandridge en su pelo con el objeto de mostrarle a su amado, que piensa en él. Hasta el final no sabremos quién es. Es evidentemente un toque de lirismo de John Ford, ese director tuerto que decía que sólo hacía western. Esta claro que no decía la verdad, hacía muchas cosas más que películas del oeste. Dirigía películas de amor, de compañerismo, de comedia, de irlandeses, de pobreza, de grandeza, de venganza o de respeto al pasado. En resumen, hacía películas, grandiosas películas que han pasado a la historia como clásicas y de las que ya hemos realizado alguna mención como aquella del “Hombre tranquilo”. 

La película conocida en España como “La legión invencible” y que llevaba como título original “She Wore a Yellow Ribbon”, es decir, “Ella lleva una cinta amarilla”, es una película de 1949 protagonizada por John Wayne y dirigida por John Ford. La producción estuvo en manos del propio Ford y de Lowell J. Farrel y Merian C. Cooper para la Argosy Corporation y la RKO, compañía que la distribuye. 

El maestro Ford se basó en un guión de James Warner Bellah. Especial relevancia tiene el capítulo de la música y, sobre todo, de la fotografía que estuvo a cargo de Richard Hageman y de Winton C. Hoch, respectivamente y que desarrollaremos más tarde. 

La película de 103 minutos de duración está protagonizada por parte de la “troupe” de Ford, formada en este caso por John Wayne, Joanne Dru (Olivia Dandridge) , John Agar (Lt. Flint Cohill) , Ben Johnson (Sargento Tyree) , Harry Carey Jr. (2nd Lt. Ross Pennell), Victor McLaglen (Top Sgt. Quincannon), Mildred Natwick (Abby 'Old Iron Pants' Allshard), George O'Brien (Major Mac Allshard) y Arthur Shields (Dr. O'Laughlin) y Jefe John Big Tree ( Chief Pony That Walks).

La acción se sitúa en 1876, unos meses después de la derrota de Custer, en un territorio desértico castigado por los indios que ahora tras la victoria en Little Big Horn están envalentonados. Después de la muerte de George Armstrong Custer en 1876, parte del 7º Regimiento de Caballería se encuentra bajo el mando del capitán Nathan Brittles (John Wayne), un oficial al que en seis días pasará al retiro en el fuerte Starks. Tras ello abandonará definitivamente la vida militar. 

Es el capitán Nathan Brittles un viejo oficial abatido dada su retirada y sin un destino claro por carecer de un sitio donde ir y con quien ir. Se lo está pensando y parece optar por California, pero podría ir a cualquier lugar o a ninguno. Se retira del ejército y mira hacia atrás con nostalgia y con tristeza (su mujer está muerta y parece que sus hijos está enterrada en el fuerte. 

El futuro es de pura soledad, su única familia es la que vive en el fuerte. En esta semana debe realizar su último servicio: conducir a Sudross Weells a Abby (Mildred Natwick) la esposa de su superior, el mayor Mac Allshard (George O'Brien), , y a la sobrina de éste, Olivia Dandridge (Joanne Dru) para que aborden una diligencia con rumbo al este del país. También se le recomienda expulsar a nativos cheyennes que con otras tribus (kiobas, apaches, comanches,…) merodeaban en la zona que acaban de asaltar la diligencia que traía al pagador del ejército; la encomienda no satisface al capitán Nathan Brittles y muy a pesar de las protestas de éste la realiza. 

Antes de salir Olivia se pone, además de un traje que llama la atención del capitán (“Permítame que le diga que lleva usted la vestimenta más asombrosa que jamás he visto” ), un lazo amarillo en honor de su enamorado. Enamoramiento que se disputan desde antes de la salida dos tenientes, Lt. Flint Cohil (John Agar) y Ross (Harry Carey Jr.). 

Desde la salida el camino se presenta dificultoso en parte por la pesada carreta que ralentiza el paso, en parte por lo abrupto del terreno y la presencia de los indios que aparecen desplazándose, al igual que los bisontes. Del grupo sale un observador y, a su vez, recibe a un grupo de soldados que son perseguidos y atacados por los indios. Al llegar al punto de partida de la diligencia el puesto ha sido atacado. 

Al final misión se ve frustrada por acciones bélicas de los nativos. Entre medias se ve como un intermediario que intenta vender los rifles de repetición es asesinado por los indios. Además, tratará de alcanzar el tercer objetivo de su misión. 

De regreso en el fuerte Starks con parte de la compañía y con las damas, Brittles quiere volver por una patrulla que ha dejado al mando del teniente Flint Cohill (John Agar) en Paradise River. Sin embargo, el Mayor Mac Allshard se lo impide pues esa noche pone fin a su vida como militar. Desoyendo en parte las órdenes del mayor y sabedor que todavía le quedan unas horas como capitán, decide el arresto de su compañero de armas el Sgt. Mayor Quincannon (Victor McLaglen), al que también le quedan unas semanas como militar para protegerlo. El capitán se marcha en apoyo de sus hombres, y trata de llegar a un acuerdo de paz con los nativos y logra entablar conversaciones con Pony-That-Walks (Jefe John Big Tree), sin éxito. El jefe de dice, además de su cercana senectud, "Tú venir conmigo. Cazar muchos búfalos. Emborracharnos juntos. ¡Aleluya! ¡Aleluya!". Pero no puede impedir la guerra. 

Ante el fracaso, decide embestir a los indios quienes al final son forzados a regresar a sus reservas. Tras despedirse un mensajero lo retiene en el camino pues en el fuerte Starks, Brittles ha recibido una carta del Departamento de Guerra del país con un nuevo nombramiento y un ascenso como nuevo oficial de mayor rango. A su llegada al fuerte una fiesta se celebra en su honor, tras el baile de rigor, el se retira para volver a regar las flores de la tumba de su mujer y un elogio a la caballería pone fin a la película. 

Se trata de la segunda película de la "Trilogía de la Caballería", del tándem John Ford y John Wayne—después de Fort Apache (1948) y antes de Río Grande (1950)—. El título original está tomado de la segunda estrofa del himno que acompaña los créditos iniciales. Obtuvo el Oscar a la mejor fotografía en color. 

Miguel Ángel Palomo en el Diario “El País” dijo de ella que era "De insólita belleza plástica (...) una de las películas de Ford más amargas y radicales. Una obra maestra." Brendon Hanley en Allmovie señaló que «La segunda de la 'trilogía de la caballería' de John Ford y John Wayne le otorga a Wayne la oportunidad de demostrar su talento como actor, y no desilusiona». 

Paul Brenner en filmcritic.com dijo «El desempeño de John Wayne demuestra sin ninguna duda que es un gran actor» e igualmente señaló que «A pesar de sus evidentes defectos, La legión invencible se sobrepone, y concluye rebosante del western tradicional». 

La legión invencible es un western melodramático realizado al mejor estilo de John Ford. La obra constituye un homenaje a la caballería, a la importancia de su misión en la creación del país, a los enormes sacrificios asumidos por sus hombres. 

El protagonista encarna las virtudes del cuerpo: lucha sin tregua, planea las acciones con inteligencia, las ejecuta con precisión, vela por la seguridad de los hombres y practica la constancia hasta sumar 40 años de servicio. Pese a su fuerza, es un ser humano que lleva en el alma el desgarro de la pérdida de su mujer e hijos, cuya sepultura visita con frecuencia. La próxima jubilación será su último calvario: fuera del batallón no tiene nada. 

La obra combina momentos épicos (salida del batallón del fuerte, dispersión de los indios, galopadas de Ben Johnson), los humorísticos (roces de Flint y Pennell, y sobre todo la acciones del sargento borrachín y pendenciero Quincannon) y líricos (visitas del capitán al camposanto). El homenaje a la caballería incluye una apuesta clara por la paz. "Somos viejos para hacer la guerra, pero podemos impedirla", le dice Brittles a Caballo Loco. 

La fotografía, ganadora del Oscar, es de Winton Hoch, un habitual de Ford, que consigue probablemente algunas de las imágenes más bellas , cosa que también hizo en "Centauros del desierto", que se han rodado estéticamente en los westerns. La fotografía, en la que Ford puso especial interés, aporta una narración visual deliciosa, ambientada en "Monument Walley" de Utah y Arizona. Es el “The Ford Country” o como lo llamaron los indios navajos a un saliente de su paisaje con el nombre de “John Ford Point”., filmado como nunca hasta entonces. Un paisaje sometido a tormentas, cubierto por la nieve o simplemente rodado con unos colores rojos intensos que dibujan un crepúsculo fascinante. Pero también son esos caballos, que sudan, que miran a la cámara, que respiran y que actúan como protagonistas principales de esta historia conciliadora y que Ford usa, en muchos momentos, para cerrar definitivamente la brecha de la contienda civil visible en el entierro de un antiguo soldado del sur o en el respeto que siente Brittles por el hombre del sur que es el Sargento Tyree. 

Ofrece la película escenas de acción muy bien construidas y un dibujo bellísimo. Cada fotograma parece un cuadro extraído del museo de Frederic Remington, afamado pintor americano del XIX, inspirador de la estética del film. La dirección de la fotografía corrió a cargo del galardonado Winton Hoch ("Centauros del desierto"). 

La música exalta la acción con solemnidad, aporta himnos militares interpretados a coro, melodías suaves (soledad) y festivas (bailes). La banda sonora, excelente, de Richard Hageman que combina lo popular y tradicional con lo lírico. El guión se basa en el relato "War Party" de James Warner Bellah. En el libro de Scott Eyman “John Ford. Filmografía completa”, publicado por la Editorial Taschen, descubrimos que “la legión…” refleja las virtudes líricas de Ford. Según Scott Eyman, "La legión invencible" es una acumulación de viñetas, algunas de ellas bellísimas. Y es una de las películas más coloristas de Ford, con lo que éste suple un guión poco cohesionado. Se trataría de una balada lírica -como dice Eyman-, con la que se disfruta con la fotografía maravillosa de Winton Hoch, con escenas tan memorables y reconocidas como la de la tormenta o la del entierro con la bandera de la Confederación, y con esa narración sencilla que preside las películas de Ford. Podríamos decir que esta película es poesía, y como tal hay que entenderla. Ha dicho Javier Coma, gran estudioso de la obra de Ford, en su libro “La gran caravana del western”, que esta cinta es el vértice artístico de la llamada Trilogía de la Caballería No hay que perderse la escena inicial con los caballos de la diligencia desbocados, ni como el protagonista le da las últimas novedades a su mujer enterrada mientras riega las flores de su sepultura, y la del retorno al fuerte tras su jubilación. Los bailes, los funerales, los cementerios, la tropa en marcha…elementos comunes en una filmografía que elogia los valores tradicionales y de los que Ford se sentía orgulloso y defensor: la familia, el honor, la solidaridad, el respeto por los pueblos indios o la posición de mujer como elemento primordial en la sociedad.

No es un western de acción, sino un poema que muestra con melancolía los últimos días del capitán Nathan Brittles, fijándose con sencillez en la vida cotidiana del ejército. Si en ""Fort Apache"", el tono del film era mayoritariamente épico, en éste predomina el lirismo, la nostalgia, e incluso la elegía, con un retrato mucho más intimista y con menos concesiones a las escenas de acción. 

Capítulo aparte merece la interpretación de John Wayne que, a mi entender, es una de las mejores de toda su carrera. La soberbia interpretación de John Wayne, envejecido y encanecido por exigencias del personaje, es una de las mejores de su filmografía. La dirección demuestra sabiduría en el movimiento de actores y en la fluidez de una narración que traspira humanismo. 

John Ford no priva a esta película de su mirada mitómana, en este caso, en torno al ejército de caballería pero en cada plano, incluso en los más dinámicos, predomina la mirada afligida del capitán. Una mirada de viejo que juzga la vida como algo breve, que se escapa en un abrir y cerrar de ojos. 

La película cuenta con la "gran familia" de Ford, ya que así consideraba que un film salía adelante, con su grupo de guionistas (Nugent y Bellah son un lujo), compositores, fotógrafos, actores (extraordinario McLaglen), toda gente de confianza, tal y como sucede con la camaradería del ejército. 

Sin embargo, frente a estas secuencias en las que Ford vuelca todo su lirismo y sentimientos más profundos, destaca cierta concepción cíclica, en la pequeña subtrama paralela que implica a la joven Olivia (Joanne Dru) sobrina del mayor Allshard (George O'Brien), cuyos favores se disputan los jóvenes tenientes Flint (John Agar) y Ross (Harry Carey Jr.). Ford lo utiliza en un doble sentido, primero desde el punto de vista de Nathan, quien no puede evitar recordar los viejos tiempos, y al mismo tiempo proporciona un hilo de continuidad, una especie de relevo. Todo ello aderezado con las típicas secuencias de "descanso" en las que el film cede su protagonismo al siempre excelente Victor McLagen, interpretando al fiel escudero del capitán, y que compartirá con él el obligado retiro. Sin olvidarnos de los tradicionales bailes, una constante en el cine del genial director de origen irlandés. 

La acción está en este film algo más subordinada, aunque el director se sirve de ella para proporcionarle al capitán Brittles una despedida honrosa. Ford vuelve a exaltar los valores más puramente castrenses como la camaradería. Quizás use un tono un tanto idealizado, pero que sin lugar a dudas conecta con todo el lirismo que destila el film. También es cierto que circula un cierto pesimismo, y una sensación amarga, por la forma en la que el ejército trata a sus soldados, quienes a pesar de haber entregado toda su vida al ejército, éste no es capaz de corresponder a tan grande sacrificio. 

La película es un homenaje al legendario Regimiento del 7º de Caballería, la U.S Cavalry, considerada una legión invencible y a su conocido himno titulado "Garry Owen". Este regimiento de los EE.UU. todavía existe, como es obvio hoy en día no es a caballo sino que ha sido reconvertio en una unidad de infantería mecanizada; pero eso sí, mantiene la vieja tonada irlandesa de "Garry Owen" como su himno oficial. Tal es así, que incluso a los miembros de ese cuerpo se los conoce como los "Garry Owen" canción que puede oírse al principio y más adelante también a lo largo de la película. 

Let Bacchus' sons be not dismayed But join with me, each jovial blade Come, drink and sing and lend your aid To help me with the chorus: Instead of spa, we'll drink brown ale And pay the reckoning on the nail; No man for debt shall go to jail From Garryowen in glory. We'll beat the bailiffs out of fun, We'll make the mayor and sheriffs run We are the boys no man dares dun If he regards a whole skin. Our hearts so stout have got no fame For soon 'tis known from whence we came Where'er we go they fear the name Of Garryowen in glory. 

La película tuvo un presupuesto de 1,6 millones de dólares y generó por venta de taquillas la cantidad de 5,4 millones de dólares , más 2,7 millones de dólares por la venta de alquiler en los videoclubes, además recibió dos nominaciones a diferentes premios y/o festivales de cine 

Además es el comienzo de un subgénero dentro de las películas del oeste, como es el llamado “western crepuscular”, que queda inaugurado con esta maravillosa película y que se haría muy popular en la década de los sesenta y sobre todo setenta. Este crepúsculo se verbaliza en el diálogo magistral con el jefe indio: "Somos viejos para hacer la guerra pero podemos impedirla".