Fort Osage

Western de serie B inspirada en una localidad del sur de Missouri al norte del territorio de Oklahoma en la que, en su momento, fue área de una tribu nativa americana , los Osage. Hablamos de Fort Osage que fue un punto de partida para la expansión norteamericana hacia el Oeste y , especialmente, al territorio de California. 

La película lleva el nombre de ese que fue un importante asentamiento. Es del año 1952 y fue dirigida por Lesley Selander , uno de los directores más prolíficos de Hollywood, de donde era natural este angelino que abarca 127 largometrajes, muchísimos de ellos western de serie B como el que nos ha traído aquí, y docenas de capítulos para series de televisión, que trabajó desde 1936-68. ç

Antes de eso, Selander fue asistente de dirección en películas como The Cat and the Fiddle (1934), A Night at the Opera (1935) y la película Fury o Furia de Fritz Lang (1936). Un dato a modo de ejemplo en 1950 realizó 7 western o en 1951 hizo 9. Siendo al año siguiente, otros siete entre ellas Fort Osage. 

La película fue producida por Walter Mirisch, productor de cine estadounidense, neoyorkino de origen judío polaco, que fue presidente y director ejecutivo de producción de The Mirisch Corporation , una productora de cine independiente , que formó en 1957 con sus hermanos, Marvin y Harold . Walter , que empeó siendo acomodador de cine en Jersey City, a la edad de 29 años, Mirisch se convirtió en jefe de producción en Allied Artists Studio, una división de Monogram Pictures, responsable de esta película, supervisando unas 30 películas , antes de fundar The Mirisch Company (1957) con la que produjo 68 películas para la United Artists, algunas de ellas muy exitosas y premiadas. Un dato, todavía a sus 97 años sigue al frente de su Compañía. 

En este caso la historia de Fort Osage fue escrita por Daniel B. Ullman , uno de los guionistas que entre 1949 y el año 1958 escribió algo 16 guiones siendo gran parte de ellos western como Forajidos de Texas (1950), Longhorn (1951 ) ,Incidente de Montana (1952), Resumen de Wyoming (1952), Waco (1952), Territorio de Kansas (1952) o A punta de pistola (1955) , además de Fort Osage también escrito y estrenado en 1952.

La película emplea la música de Marlin Skiles, la fotografía de Harry Neumann y el montaje de Richard V. Heermance. También participa en la misma Dave Milton responsable de los sets de la película como director de arte.  

El elenco lo componen Rod Cameron como Tom Clay,  Jane Nigh como Ann Pickett , Morris Ankrum como el padre de la anterior, Arthur Pickett , Douglas Kennedy como George Keane , John Ridgely como Henry Travers , William Phipps como Nathan Goodspeed , Myron Healey como Martin Christensen I. , Stanford Jolley como Sam Winfield , Lane Bradford como Henchman Rawlins , Dorothy Adams como Mrs. Winfield,  Iron Eyes Cody como Osage Brave , Francis McDonald como jefe de Osage , Barbara Woodell como Martha Whitle.

Tras presentarnos como Fort Osage como un sumidero en el camino hacia el Oeste puesto que es el lugar de llegada de muchos pioneros que buscan caravanas para marchar a una idealizada California sin saber que a la llegada a la ciudad serán explotados por empresarios sin escrúpulos que encarecen sus productos dada la escasa oferta y la mucha demanda y sobre todo las largas esperas hasta la salida de la caravana.

Uno de estos empresarios sin escrúpulos es Arthur Pickett (Morris Ankrum) que junto a su socio George Keane (Douglas Kennedy )  han ido aumentando los precios de la caravana. Sin embargo, el sueño por conseguir llegar y lo que allí les espera (verdes prados o minas de oro) hace que el negocio sea cada vez más lucrativo como comprueban los daneses hermanos Christensen  que pagan lo que sea con el fin de montar en California una granja y traer a sus muchos hermanos y hermanas que han dejado en Europa.

Ajena a todo ello es Ann Pickett (Jane Nigh) que no es consciente de cómo suben los precios y de lo apurados que llegan estos colonos, impaciente por una incierta salida que está pendiente de la llegada de un guía de renombre en la zona: Tom Clay (Rod Cameron ).

Este se encuentra de retorno de California tras una caravana, pero días antes de llegar es testigo de como una carreta integrada por tres miembros de una misma familia es atacada por la tribu de los Osage que acaba de levantarse por los incumplimientos de la administración federal que no les hace entrega de los suministros acordados en un tratado de paz y al no aceptar la condiciones precarias que viven , desconociendo que la razón de la llegada menguada de los víveres pactados se debe a que el socio de Arthur Pickett, George Keane se está quedando con una buena parte de ellos , no distribuyéndolos entre los nativos americanos.

Al llegar a la localidad Tom Clay le manifiesta a Pickett que no cuente con él para llevar a cabo una expedición puesto que él ya está cansado y , además, considera que es una locura partir hacia el oeste con los Osage levantados.

La única opción está por salir en dirección sur , hacia Oklahoma y Kansas para después marchar hacia el oeste.

Cuando se produce la renuncia de Clay, es Keane el que se propone llevar la expedición, pero Pickett es consciente de su incapacidad y de cómo el tiene una alta responsabilidad en el levantamiento.

Por su parte, Clay sale del pueblo y es atacado por un hombre que resulta ser un colaborador de Keane. En principio, cree que ha muerto, pero al regresar Clay a Fort Osage, lo desenmascara en el saloom y , finalmente, lo mata tras intentar este dispararle de nuevo.

Todo esto genera tensión entre los que quieren partir al oeste que exigen a Pickett que le devuelvan el dinero, pero éste con buenas palabras y muchas promesas amansa a los colonos.

Por otro lado, un hombre del Gobierno, Nathan Goodspeed ( William Phipps ) habla con Clay con la intención de convencerlo de que lleve la expedición. Por su parte,  Ann Pickett siguiendo las indicaciones de su padre y del socio de este intenta convercerlo durante una fiesta en la que Clay se fija en ella. A pesar de la mutua atracción, Clay sólo accede cuando el representante del Gobierno le pide que considere su decisión.

Clay por su parte, considera que lo importante es saber el por qué los Osage se han levantado contra los colonos. Por eso tiene lugar una entrevista con los jefes de los Osage. Así que habla con uno de sus guerreros (Iron Eyes Cody) y con su jefe (Francis McDonald) que explicas las razones de su levantamiento.

Una vez descubierto el engaño de Keane, éste mata a su socio, a Arthur Pickett, cuando se opone a esta situación injusta tanto con los colonos que quieren ir al oeste como con los nativos.

Ahora el enfrentamiento entre lo que representa Clay y lo que representa Keane es abierto. Clay se siente arropado por los colonos y por Goodspeed, así como por Ann Pickett, mientras que Keane cuenta con sus pistoleros. Al enfrentamiento se suman los Osage que , evidentemente, prestan apoyo a Clay al verlo como un hombre justo que ha de devolver la justicia al territorio. La victoria cae a favor de la gente de Clay, que con el visto bueno de los Osage, parten de Fort Osage abuscar un futuro de esperanza. Entre las que se suma a la caravana está Ann, ahora junto a Tom Clay, acabando así la película.

La película , un western de serie B, fue presentada en sociedad por parte de la Monogram Pictures un 10 de febrero de 1952. Se había rodado el año anterior en las localidades californianas de Newhall donde estaba el Monogram Ranch en Oak Creek Avenue, en Garner Valley, en Keen Camp cerca de la State Highway 74,de las San Jacinto Mountains, y en Simi Valley donde estaba Corriganville, en concreto, en el Ray Corrigan Ranch. También se rodó en Idyllwild.

Los Osage o "La gente de las aguas Medio" pues , aunque su nombre deriva de un término francés que hace referencia a  los "guerreros o bélicos" que fueron los que llamaron así a una tribu de las Grandes Llanuras  establecida cerca de la confluencia de los ríos Missouri y Mississippi.

La tribu controlaba el área entre los ríos Missouri y Red , los Ozarks al este y las estribaciones de las montañas Wichita al sur. Dependían de la caza nómada de búfalos y la agricultura .

Era una raza feroz, valiente y guerrera que vestían con pieles rojas o blancas. En el siglo XIX, los Osage se vieron obligados a trasladarse de Kansas al Territorio Indio (actual Oklahoma), y la mayoría de sus descendientes viven en Oklahoma. 

DEcir que los arqueólogos redescubrieron los cimientos de Fort Osage en la década de 1940. La estación fue reconstruida para recrear Fort Osage como era en 1812 . El puesto reconstruido se conoce como Fort Osage National Historic Landmark y es propiedad y está operado por Jackson County Parks and Recreation.

Fort Osage (también conocido como Fort Clark o Fort Sibley ) fue un lugar que surgió con una función de casa de postas y centro comercial en la zona a principios del siglo XIX. Era administrado por el Gobierno de los Estados Unidos , en la frontera estadounidense que se encuentra en la actual Sibley, Missouri . Este espacio fue lugar de paso de Meriwether Lewis y William Clark al que llegaron en junio de 1804, mientras acampaban para pasar la noche al otro lado del río. 

William Clark a su regreso dirigió un equipo en septiembre de 1808 de regreso al sitio para comenzar la construcción de Fort Osage. En noviembre de ese año, Pierre Chouteau negoció el Tratado de Fort Clark con ciertos miembros de la Nación Osage , para construir el fuerte para la protección del área de  Osage bajo el mandato del Presidente Thomas Jefferson. 

El Tratado de Fort Clark se firmó con algunos miembros de la Nación Osage y fruto del mismo es el nacimiento de Fort Osage, uno de los tres fuertes establecidos por el ejército de los EE. UU. que tenían como fin el control sobre los territorios recién adquiridos de Luisiana. Los otros fueron Fort Madison al sureste de Iowa fue construido para controlar el comercio y pacificar a los nativos americanos en la región superior del río Mississippi y Fort Belle Fontaine, cerca de St. Louis, que controlaba la desembocadura del Missouri. 

A cambio del acceso al puesto comercial, los  Osage acordaron ceder todas sus tierras al este de la fortaleza en el territorio de Louisiana  dando lugar a dos espacios , el Gran Osage  y el Pequeño Osage. 

El fuerte fue bautizado oficialmente como "Fort Osage" por el Capitán Eli Clemson, quien estuvo a cargo de la guarnición militar en Fort Osage desde 1808 hasta que fue evacuado en 1813. También se le conoce informalmente como "Fort Clark" en honor a William Clark quien estaba a cargo de los asuntos indios. Fue una de las primeras instalaciones militares de los Estados Unidos en el territorio de Luisiana y se convirtió en un importante punto de parada para los visitantes que viajaban por Missouri. 

Fue lugar de parada de ilustres leyendas de los pioneros del oeste como Daniel Boone que lo visitaría en 1814, a la edad de 81 años, en uno de sus últimos viajes de caza o la joven Sacagawea y su esposo, Toussaint Charbonneau  de regreso al norte hacia el territorio de Dakota. 

Fort Osage fue abandonado en junio de 1813 pero se volvió a ocupar en 1815. A partir de ese momento un comerciante, George C. Sibley, creó un comercio próspero con el Osage en base a vender  "a precios inferiores a la mitad de lo que los comerciantes les extorsionan ... " 

A medida que Osage cedían cada vez más  tierras surgió otro puesto comercial , el de Fort Scott, Kansas que  se estableció más cerca de las aldeas ancestrales cerca de las cabeceras del río Osage, cerca de Nevada, en el territorio de Missouri . 

Fort Osage se cerró formalmente en 1822, pero siguió siendo un hito en el sendero de Santa Fe y un punto de tránsito para suministros que van al norte. Sin embargo, para 1836 había sido totalmente destruido con su madera precortada utilizada por los colonos locales para construir casas y graneros. 

Los restos de su estructura  se quemaron hasta el suelo, dejando solo los cimientos de la roca. El fuerte cesó sus operaciones en la década de 1820 cuando el Osage en tratados posteriores cedió el resto de sus tierras en Missouri. Una réplica de la fortaleza fue reconstruida en el sitio entre 1948 y 1961.

Señalar que la película no deja de ser un producto creado para acompañar a títulos de más peso y dar satisfacción a un mercado que buscaba ( y devoraba) western. Tanto el director Selender como los principales actores y actrices son de perfil bajo, pero especialista en sacar un trabajo adelante sin brillantez pero con solvencia. Prueba de ello es la aparición de Rod Cameron, Jane Nigh, Morris Ankrum, Douglas Kennedy, John Ridgely, William Phipps, Myron Healey.

La película es de consumo rápido y de olvido similar. Lo mejor para mi es haber descubierto la historia de una localidad de referencia en la historia de la expansión norteamericana hacia el oeste no exenta de crítica a lo que fueron estos espacios y con la idea de que los grandes perjudicados eran los pobres que se desplazaban y las comunidades nativo americanas con las que contactaban. Además es entretenida, además con la ventaja de durar poco, como prescindible.

Revuelta en Haiti

Señalaba Terenci Moix que hubo un momento en la historia del cine que los directores apostaron por hacer un ciclo femenino o cine para mujeres siendo la Warner la major que apostó por este modelo. Los maestros que se dedicaron a llas eran grandes artesanos que trabajaron para Bette Davis , Joan Crawford, Barbara Stanwyck, etc... y cuyos títulos eran filmados por Edmund Goulding, Curtis Bernhardt o Vincent Sherman. 

Pero algunos lo fueron por los que serán conocidos como los grandes maestros como William Wyler o el rumano Jean Negulesco, un todoterreno que dominaba como pocos el melodrama ( con títulos como Humoresque, Belinda o Road House). Pero que además era capaz de manejarse extraordinariamente el género del cine negro trabajando con la nobleza del grupo de los secundarios encarnados en Peter Lorre o Sidney Greenstreet, Paul Henreid o , en el ámbito femenino, Hedy Lamarr en títulos como The Mask of Dimitrios, The Conspirators o Three Strangers todas ellas basadas en éxitos literarios , la primera de Eric Ambler, y la última de John Huston. 

Pues bien. una de esas novelas llevadas al cine por el director nacido en Rumanía será Lydia Bailey, una novela histórica del escritor estadounidense Kenneth Roberts, que se publicó por primera vez en 1947 y que pasó doce semanas en lo más alto de la lista de los más vendidos del New York Times Fiction en ese año 47 . 

Cinco años después Jean Negulesco amparado por el productor Jules Schermeron y , sobre todo , el respaldo de la 20th Century Fox llevaban al cine el éxito literario una película que conjuga aventuras, la guerra y el romance en una trama histórica. En este caso el guión lo firmaban Michael Blankfort y Philip Dunne . Los dos aunque partían de la Lydia Bailey de Kenneth Roberts y la enmarcaba en los inicios del siglo XIX durante la Revolución haitiana (1791-1804) se centraba en la historia que trascurre en Haití , ignorando lo que en la obra literaria se aventuraba en Francia y entre los piratas de Berbería . Eso sí la historia tenía , junto a los personajes históricos, como protagonistas a Albion Hamlin, un joven estadounidense que se obsesiona con Lydia Bailey, una mujer a la que nunca ha visto. 

Para desarrollar su obra Negulesco contó con la música de Hugo Friedhofer, la fotografía de Harry Jackson en un poderoso y vistoso Technicolor y el montaje de Dorothy Spencer. 

Como marca de la casa, el director contó con un elenco de secundarios muy eficaces ante la cámara encabezados por Dale Robertson como Albion Hamlin y la bellísima Anne Francis como Lydia Bailey. 

Junto a ellos aparecen Charles Korvin como el señor D'Autremont, William Marshall como el King Dick, Luis Van Rooten como el general Charles Leclerc, Adeline De Walt Reynolds como Mme. Antoinette d'Autremont, Angos Pérez como Paul d'Autremont, Juanita Moore como Marie, Roy Glenn como el jefe de los cimarrones Mirabeau , Bill Walker como el General LaPlume , Rosalind Hayes como Aspodelle. 

Albion Hamlin (Dale Robertson ) es un joven abogado de Boston que viaja a Haití en 1802 para reunirse con Lydia Bailey (Anne Francis), cuyos problemas de herencia debe resolver. Lo hace en barco y desde el mismo momento en que se acerca a Cap Français suenan intensamente unos tambores que , entre otras cosas, avisan de su llegada. 

La isla está devastada por el conflicto que enfrenta a Toussaint L’Overture, el presidente negro, y los franceses, que tratan de apoderarse nuevamente del país una vez la revolución ha sido controlada por Napoleón Bonaparte. Nada más llegar a la capital Hamlin intenta ponerse en contacto con la heredera de una herencia , con Lidya . Y para conseguir su objetivo recibirá la ayuda de algunos haitianos encabezados por un interesante personaje como King Dick (William Marshall) que le ayuda a llegar hasta donde se encuentra la chica, una finca del interior de la isla conocida como Le Chateau. 

Para llegar allí han de sortear diversos problemas , especialmente frente a la pobreza y sobre todo frente a las huestes de un cimarrón, Mirabeau (Roy Glenn) al que King Dick salvo hace años, pero que se ha convertido en un problema para franceses y haitianos. 

Por esa razón, Dick le embadurna la cara a Albion para asimilarlo a un hombre de color. Mientras se desplazan los hombres de Mirabeau los descubren pero gracias a la información dada por Dick, Albion logra escapar y llegar a Le Chateau. 

Este es propiedad de la familia D'Autremont, encabezada por el señor (Charles Korvin), su madre Mme. Antoinette d'Autremont, (Adeline De Walt Reynolds) y el hijo de éste Paul d'Autremont (Angos Pérez). Junto a ellos vive Lydia que conoce a los S´Autremont de su periplo por París, ciudad en la que residió desde que su madre fue abandona por su padre. Albion le dice que ha de cobrar la herencia , aunque ella no se muestra interesada pues no guarda buen recuerdo de su padre. 

Sin embargo, Albion Hamlin, un agricultor y abogado de Maine, defiende al que fuera editor de Boston , su Mecenas y el hombre que le ayudó a estudiar una carrera. Por eso se obstina en entregarle la herencia. De cualquier manera ya en Le Chateau es invitado a pasar unos días y durante los mismos se enamora de Lydia. 

De cualquier manera Le Chateau no está al margen de lo que ocurre en Haití que está en el vórtice de una revolución. Por un lado, Mirabeau asolando el interior, por otro, Toussaint Louverture que intenta consolidar su poder y por otro los franceses que intentan desembarcar y recuperar la isla. 

Poco después de su llegada se persona en Le Chateau King Dick que se hace pasar por su sirviente bobalicón. Sin embargo, éste detecta la presencia de algún general negro y traidor que en connivencia con el señor D´Autremont tiene previsto abrir el puerto de Cap Français a la flota francesa que está próxima al llegar. Aprovechando que hay un festival de animistas y voudou con bailes en la casa, el general negro intenta marcharse pero es asesinado por Dick que a su vez huye. Al identificar a Dick como el asesino, desmonta la coartada de Hamlin que huye de Le Chateau. 

En su huida se vuelve a unir a King Dick y se enfrenta una vez más con Mirabeau. De cualquier manera se nos informa que los franceses han desembarcado y comenzado la ocupación de la isla. El grueso de las tropas francesas es dirigido por el general Charles Lecler (Luis Van Rooten) que es cuñado de Napoleón, al estar casado con Paulina Bonaparte. 

A estas tropas se une el señor D´Autremont a pesar de los ruegos de su madre Mme. Antoinette d'Autremont, y el hijo de éste Paul d'Autremont, así como su novia Lydia. 

La historia se centra ahora en el periplo de King Dick junto a Hamlin. Ambos han de separarse nuevamente y dada la presión que ejerce sobre la zona Mirabeau, Hamlin vuelve al Chateau. De allí han huido todos quedando los D´Autremont, el pequeño Paul y la sirvienta Marie (Juanita Moore). La llegada de Albion es providencial pues los hombres de Mirabeau están en ese momento asaltado la casa de la que acaban de huir Marie, Paul, Lydia y Albion. 

Todos salvo Marie van embadurnados y en la casa únicamente queda Mme. Antoinette d'Autremont que muere en el incendio provocado por los hombres de Mirabeau que detectan que han huido. La marcha por la isla es complicada. 

La presión de Mirabeau es permanente y ellos siendo blancos no pasan desapercibidos a pesar del camuflaje. 

Mientras tanto, el acercamiento entre Albion y Lydia va a más. En varios momentos solventan la situación, pero la presión es tan intensa que , finalmente, son detectados. Para que escapen Albion ayuda a que crucen por un puente, aunque el para impedir que sigan a las chicas y al pequeño decide cortar el puente., lanzándose después a un torrente. 

Del torrente escapa con vida y es encontrados por los hombres de Toussaint L’Overture, entre los que se encuentra King Dick. Éste lo acoge en el grupo que se opone a los franceses. Estos, por su parte, en una partida encabezada por el señor D´Autremont encuentran a Lydia, Marie y al joven Paul y son llevados a la corte de Cap François al norte de la isla. Allí tratan con la retornada aristocracia de la isla encabezada por Leclerc y Pauline Bonaparte. Ella en la corte cuenta su aventura. 

Por su parte, Albion es curado por los hombres de Toussaint L’Overture junto a Dick , convirtiéndose en consejero del Presidente negro. En Cap François los franceses están convencidos de que derrotaran a los Haitianos y que volverán a integrar la isla en el Imperio Napoleónico. 

Para ello se sirven de un ardid para atraer a Toussaint L’Overture y posteriormente apresarlo y poner fin a la sedición. 

Sin embargo, Marie , a instancias de Lydia, llega al campamento de L´Overture e informa de lo que puede ocurrir. Ante eso King Dick y Albion deciden marchar a la ciudad para frenar el golpe. 

Albion se persona en la corte y denuncia lo que han pretendido, y casi de inmediato el señor D´Autremont, que se siente traicionado `por Lydia en la personal y en lo político se dispone a matar a Albion sin embargo, la mala suerte se cruza en su camino alcanzando al pequeño Paul, su hijo y heredero. 

Un pavoroso incendio arrasa la ciudad mientras huyen Albion y Dick que han sido apresados previamente. Sin embargo, ambos logran escapar y cumplir con sus objetivos. La liberación de Haití y la salvación y eterna compañía con Lydia Bailey. 

La película fue rodada en Calabasas en California. Decir que la 20th Century Fox obtuvo por primera vez los derechos de la novela de Kenneth Robert en 1946. Se hicieron varios planes para filmar la obra, incluido uno producido por Sol Siegel que se rodaría en Inglaterra y Jamaica para aprovechar los beneficios. 

La película iba a estar originalmente protagonizada por Tyrone Power, quien suspendió su participación . Power dijo que había filmado cinco películas históricas seguidas y deseaba hacer una película en la que "la gente habla normalmente y no en diálogos forzados". Ante la negativa de Power se le dio la opción a uno de los actores contratados de la Fox, Dale Robertson. 

Con los derechos de autor en poder de Fox se decidió rodar en sus estadios en California. La película fue también el debut cinematográfico de William Marshall . 

La película fue encargada por la Fox a Jean Negulesco, estudio al que llega en 1948 - desde la Warner- y en el que se mantuvo hasta 1970, rodando para la empresa 22 películas, una de ellas esta. Negulesco tiró del guión de Michael Blankfort y Philip Dunne - guionista entre otras de “Qué verde era mi valle” o “El fantasma y la señora Muir- que decidieron adelgazar la historia centrándola por completo en Haití. 

Varias actrices aspiraron al papel de Bailey, entre ellas Micheline Presle , Jean Simmons , Linda Darnell y Susan Hayward , sin embargo la elegida fue una bellísima Anne Francis . 

La película tuvo su estreno , su World première, en la capital de Haití, Port-au-Prince, en junio de 1952. A lo largo de su recorrido consiguió unos $ 1.75 millones en taquilla. 

Estamos ante una gran película de aventuras, enmarcada en un momento político singular de la historia mundial, el inicio de las revoluciones, pero alejado del epicentro francés o estadounidense. 

La película cuenta con un elenco formado principalmente por actores dse color entre el que destaca King Dick interpretado por William Marshall y el actor francés Charles Korvin como Monsieur D´Autremont. A destacar de la misma su puesta en escena, los atractivos escenarios, que sirven de marco para una muy entretenida película sobre la "Perla de las Antillas" que surge como toda esperanza , pero que caerá en la pobreza, la corrupción las dictaduras, los necios generales, dictadores sangrientos, interferencias extranjeras o terribles terremotos. 

Como señala Terenci Moix en esta película vuelve a mostrar su sentido de la plástica y colorida película por parte de un director que era tan elegante como eficaz o competente. A ello ayuda , y tanto, la buena y colorista fotografía de Harry Jackson, no su habitual fotógrafo Arthur Edeson, y una banda sonora en la que prevalece el sonido del tambor de Hugo Friedhofer. 

Decía de él el escritor catalán que Negulesco era una de las carreras más contradictorias de Hollywood, pero lo que está claro que apostó por un modelo en el que la mujer siempre tenía gran protagonismo, sabía manejar a las actrices , a las ya mencionadas se suman Claudette Colbert o Sofía Loren con ciclos que iban desde "cine de recorrido turístico" hasta "película de parejas". Esta al menos te gustará. A mi me ha gustado.

Capitán Panamá

Hubo una época dorada de Hollywood en la que grandes artesanos de la dirección , personas que sabían sacar con maestría películas con un corto guión, sabían desarrollarlo y coordinar el trabajo de un buen equipo técnico. Los actores y actrices jugaban en las mismas un papel de polo de atracción para el gran público y la película, mejor que peor, tenía salida incluso era un producto de una calidad más que destacable, aunque la historia fuese poco compleja. 

Esa época dorada , como cuenta en su Historia del Cine, Terenci Moix estaba próxima a su fin. El señala que entre los años 50 y 60 el Hollywood clásico comenzó su agonía. El principio del fin acabó con el sistema de estudios y con ella, el star system. Ese inicio del film comienza a finales de los cuarenta cuando la ley antimonopolio obliga a las majors a deshacerse de sus locales de exhibicióm y con ella una importante fuente de ingresos. Esto coincide con el inicio de la televisión, y continuó con un alarmante cierre de salas que alcanza niveles nunca vistos hasta ese momento a finales de los cincuenta y eso que fueron apareciendo los "drive-in"o "cines aparcamientos". Los nuevos sistemas técnicos que aparecen desde el relieve al Cinerama , el primero de los grandes sistemas de proyección, no palían la derrota ante el nuevo medio televisivo. 

Es más algunos de los estudios venden parte de sus archivos al medio competidor. Todo ello se tradujo en descenso del número de filmes, especialmente de serie B - el gran dagnificado- y de salas. Años antes de ello, en 1952 la industria se plantea poner freno a la crisis apostando por fórmulas de éxito asegurado en lo técnico, pues el Technicolor deja de ser exclusividad de su inventor Kalmus, y se deriva hacia sistemas menos caros, vistorsos, pero de menos calidad como el Eastmancolor, el anscolor, el Metrocolor, el color dDe Luxe o el colorido "Trucolor" de la Republic. 

La película que acabó de ver responde un poco a ese modelo. Contaba con un director con bastante experiencia, aunque escasamente laureado, con técnicos que con el tiempo consiguieron un reconocimiento de la Academia y con actores y actrices que prometían sustanciosas taquillas. 

Este es el caso fehaciente del modelo de cine del Hollywood dorado y Scarlet Angel, o El Capitán Panamá, un buen ejemplo de ello. Se trata de una película del año 1952, producida por una de las mayor más poderosas de la época, la Universal International Pictures (UI) , que sabía sacar partido de los directores que estaban bajo su contrato, como en este caso, Sidney Salkow, de los guionistas contratados , un abogado de Boston llamado Oscar Brodney con contrato en los Universal Studios y de la labor de un jefe de producción como Leonard Goldstein, uno de los productores de cine estadounidense que produjo principalmente películas de bajo presupuesto, capaz de hacer varias películas a la vez. Un hombre que trabajó para la RKO Pictures y la International Pictures que luego se fusionó con Universal Pictures. Director, guionista y productor vivieron en la historia que había rodado en 1941 René Clair titulada La llama de Nueva Orleans (1941) hacer una relectura y convertirla en Scarlet Angel. 

Pero vayamos por partes. Como ya he señalado el director , Salkow, fue en su momento director asistente de teatro y dramaturgo, aunque formado en la Universidad de Columbia y en derecho en Harvard. Más tarde, se estableció como director teatral, pero en 1932, se unió a la industria cinematográfica comenzando como director de diálogo, y poco después, se convirtió en un prolífico guionista y director de cine capaz de tocar todos los géneros desde el western ( fue director de Sitting Bull - ya comentada aquí- ), terror y ciencia ficción (Twice-Told Tales y The Last Man on Earth ambas protagonizados por Vincent Price ) pero también de drama, del crimen organizado . También se implicó con el mundo de la televisión dirigiendo episodios de muchas series de televisión populares, como Lassie , The Cisco Kid y The Addams Family . 

Su carrera fue extensa con más de 50 películas, desde el año 1936 a 1965. A la edad de 59 años, Salkow se retiró de la dirección y enseñó cursos de cine en la California State University-Northridge , donde se convirtió en profesor emérito y dirigió la parte cinematográfica del Departamento de Radio, Televisión y Cine. Murió el 18 de octubre de 2000 en Valley Village, California, por causas naturales a la edad de 89 años. 

Para esta película contó como director de fotografía con Russell Metty, el que fuera oscarizado en 1960 por su labor en Spartacus. Para la música contará con Milton Rosen, Hans J. Salter y Frank Skinner y en el montaje con Ted J. Kent. 

La película contó con un reparto de campanillas encabezado por dos interpretes en estado de gracia, Yvonne de Carlo como Roxy McClannahan y un joven Rock Hudson como Frank Truscott. Junto a ellos aparecen Richard Denning como Malcolm Bradley, Whitfield Coonor como Norton Wade, Bodil Miller como Linda Caldwell, Amanda Blake como Susan Bradley, Henry O'Neill como Morgan Caldwell, Henry Brandon como Pierre, Maude Wallace como Eugenia Caldwell, Dan Riss como Walter Frisby y Tol Avery como Phineas Calhoun. 

La película comienza en Nueva Orleans, en el año 1865. La guerra ha terminado. Los yankies siguen haciendo de las suyas molestando a la gente del sur y no respetando sus símbolos, como la bandera, a los que humillan. También pretenden sacar tajada de la derrota y presionan a los locales. Uno de ellos es el capitán Frank Trascott , un hombre que se arruinó durante la guerra al intentar romper el bloqueo . 

Acaba de regresar de Panamá y le reclama al empresario del norte que lo ha contratado lo prometido 1172 dólares, que el empresario no quiere pagar puesto que en la travesía ha perdido el capitán parte de la carga de café, pues el barco permitía la entrada de agua lo que ha fastidiado parte de la carga. Sin embargo, al final, consigue el dinero para comprar otro barco y resarcirse después de que hundieran el suyo cuando intentó burlar el bloqueo. 

Antes entra en un bar, el Scarlet Angel, regentado por Pierre y en su interior conoce a Roxy McClanahan (Yvonne de Carlo), una joven que ve como es acusada de robo por uno de los clientes que primero intenta estafarle con la bebida, le ponen té en vez de whisky, y que después se va con ella a beber vino a una habitación. 

Aunque Trascott es difícil de engañar, Roxy consigue llevarle a una habitación para beber. Pero cuando están en ella escuchan a una chica , Linda Caldwell (Bodil Miller) y a un bebé. Esa misma noche Linda le dice que se marchará de la ciudad y Roxy, que sabe el dinero que porta, el Capitán Trascott decide robarle los más de 1.000 dólares y tras dejarle sin dinero, se dedicado al cuidado de Linda, una viuda de guerra, y del niño. 

La enferma relata su vida con el soldado con el que tuvo el hijo, pero la chica muere de golpe. Cuando el médico certifica la defunción de Linda ella decide adoptará la personalidad de esa otra mujer e inicialmente tiene la idea de dejar al niño con las monjas. Pero un golpe de fortuna hace que esa mañana se persone en la casa un abogado que le comunica que ha localizado a la familia de su difunto y acaudalado esposo en San Francisco. 

Mientras tanto, Trascott sigue buscándola. Roxy y el abogado , junto al niño se dirigen a San Francisco y se encuentran con los parientes ricos de la mujer, con la esperanza de traer de vuelta al bebé y recibir una compensación. Nada más llegar es recibido con amabilidad, pero con ciertas dudas por los padres y los primos de la Linda. Susan Bradley (Amanda Blake) no confía en Roxy, mientras que el hermano Malcolm Bradley (Richard Denning) desarrolla un interés romántico y económico en ella. 

A los padres del fallecido lo que le interesa es el bebé y que ella vaya puliéndose socialmente. Roxy se va adaptando a las circunstancias sociales y en un fiesta en la que conoce a algunos pretendientes se persona Frank que vuelve repentinamente para complicar sus ambiciones y exigir el dinero que robó. Ella se ve presionada para revelar su verdadera identidad y la del niño. 

Al día siguiente ella va al barco con la idea de saldar la deuda. Pero mientras va a pagar se presenta Susan Bradley que le ofrece 50.000 dólares si le dice la verdadera identidad de la chica. Sin embargo, el Capitán Panamá, un hombre con un honor peculiar prefiere mantener un trato con Roxy que se ejecutará al año siguiente cuando el barco retorne a puerto tras marchar al continente asiático. 

El barco retorna. Ella en ese año ha ido tonteando con unos y con otros, pero sigue pensando en el Capitán Panamá. Cumple su palabra y nada más regresar Roxy y Frank van , junto a la tripulación, a un bar del puerto donde beben, y ella discute con las "amigas" de sus marineros y acaba peleando y formado un tumulto enorme. 

Desde la pelea Frank y Roxy se prometen. Pero al día siguiente llegan a casa un investigador privado y Pierre (Henry Brandon) que , evidentemente, saben la verdad de Roxy. Antes de ser desenmascarada Roxy decide por un lado escribir una carta a Frank, y por otro, forzar la boda con Malcolm. Poco antes de que la misma se desarrolle la abuela del niño entra en la habitación y le dice a Roxy, mientras viste al nieto, que tiene la misma mancha identificativa que su padre. 

Mientras Frank bebe en la taberna del puerto para olvidar a Roxy esta se persona y le dice que ya es libre. No se ha casado y le ha dado el futuro al niño que era su intención. Mientras se personan en la taberna Pierre y el investigador que se enfrentan verbalmente a Frank y Roxy iniciándose una nueva y multitudinaria pelea, acabando así la película. 

La película fue rodada en noviembre de 1951, en los Universal Studios en el 100 Universal City Plaza, Universal City, y en San Francisco. Yvonne de Carlo acordó cumplir con un nuevo contrato que había firmado con Universal para hacer una película al año, tras dejar la Paramount pues ya era una diva , mientras que para Rock Hudson era su primer papel como estrella. 

La fecha de estreno fue el 15 de junio de 1952 en Los Ángeles y cinco días más tarde en el otro extremo del país, el 20 de junio de 1952 en Nueva York. Tuvo una interesante taquilla de $ 1.5 millones. Una de las películas más taquilleras del año. 

De la película las únicas críticas que he encontrado son españolas. Miguel Ángel Palomo en El País dijo de ella que era un "Folletín aventurero que, pese a su reducido presupuesto, se esfuerza por mantener el tipo" 

En el Mundo se dice que "Pese a ser una pequeña película de serie B, de apenas hora y cuarto de duración, aquí en España se estrenó como una gran superproducción. En parte fue debido a la presencia de Yvonne De Carlo en su época de esplendor. Junto a ella, un joven Rock Hudson, en el primer papel de importancia de su carrera." 

Yo, por mi parte, decir que es una historia entretenida, aunque efectivamente algo folletinesca, realizaba en un Technicolor vistosísimo. Con una Yvonne de Carlo en pleno estrellato, así estaba desde el año 1945, una actriz dotada para el baile, para el drama, para el humor y para el cine negro. Como señaló Cabrera Infante una magnífica "femme fatale" , en su artículo de Cine y Sardina, "la plus que noire" como demostró en la película Los asesinos o Criss Cross en "los papeles de su vida". 

Aquí unido a un joven galán de este Hollywood que entraba en declive y que lo había contratado en la Universal en 1949 al considerarlo un actor muy prometedor, con gran magnetismo para el público femenino, y que lo someterá a un adiestramiento que incluye clases de interpretación, baile y canto, esgrima, montar a caballo. Aquí vemos a uno y a otra en dos escenas para mi memorables, casi lo mejor de la película: dos peleas tumultuarias en un bar, dignas continuadoras de la mítica Dodge City, ciudad sin ley, la película de Michael Curtiz de 1939  con Errol Flynn de figura. . Sólo por eso, merece la pena ver la película.

Vivir

Días de cine: 60 aniversario de 'Vivir' ('Ikiru'), de Akira Kurosawa

En el curso que hice sobre cine para el ITE en concreto en el Módulo V vinculado con la Historia del cine entre los años 60 y 70 y con el epígrafe "El cine entre Oriente y Occidente", se decía lo siguiente de Kurosawa: 

La carrera cinematográfica de Akira Kurosawa (1910-1998), procedente de una familia de samurais, empezó en 1936, pero no debutó en la dirección hasta 1943. A partir de este momento, escribió y dirigió sus más de 30 películas, además de escribir para otros realizadores. hasta el final de la guerra mundial dirigió algunas cintas de propaganda nacionalista. 

Su obra más personal se inició en 1946 con No añoro mi juventud (Waga seishun ni kui nashi), en la que ya dejó ver su espíritu humanista y su estilo refinado. Kurosawa obtuvo el reconocimiento a nivel internacional a raíz del éxito de Rashomon (1950), que causó un fuerte impacto en occidente debido a su perfección técnica, su intensa carga psicológica y su uso diacrónico del tiempo. En esa película Kurosawa planteaba el concepto de subjetivismo, a través de la historia de un crimen narrado desde diferentes y contradictorios puntos de vista. Los premios en Venecia y los Oscar dieron un impulso a su carrera, que pudo plantear desde ese momento con mayor libertad creativa. 

A  Rashomon le sucedieron El idiota y  Vivir. Con ellos Kurosawa se manifestaba, desde los años 50, como uno de los cineastas más abiertos a la cultura occidental, como he podido comprobar en la magnífica Vivir (Ikiru , 1952) un película japonesa pero ue impactó especialmente en Occidente. Steven Spielberg lo definió como “el Shakespeare pictórico”. Juan Sardá en 2010 escribía en El Cultural sobre Kurosawa en el centenario de su nacimiento "Muy influido por el cine y la narrativa occidental, John Ford y el propio Shakespeare fueron sus iconos, la obra de Kurosawa sigue brillando por la fuerza de su humanismo y la belleza plástica de sus imágenes". Además el espíritu de la obra de su autor se caracterizaba en la dicotomía entre la vileza y la bondad. Se trata de mostrar cómo los seres humanos pueden escoger entre una y otra las incalculables consecuencias que tiene esa elección sobre ellos mismos y los demás.

Tal y como nos presentó un compañero en la Filmoteca de Andalucía, el director japonés Akira Kurosawa ha sido para los orientales el director más occidental, mientras que , por contra, en el mundo occidental ha sido prototipo de director oriental. Ocurre como en Rashomon, todo depende de un punto de vista. Juan Sardá comenta que los japoneses consideraban excesiva su querencia por la cultura judeocristiana y su gusto por adaptar al contexto japonés las grandes obras literarias tanto europeas como estadounidenses.

Durante la misma se presentó la importancia vital del director hasta Vivir. Akira fue el más joven de los ocho hijos de Isamu y Shima Kurosawa, quienes vivían en un suburbio de Tokio. Shima Kurosawa, la madre, tenía cuarenta años cuando nació Akira, y su padre Isamu cuarenta y cinco. Akira Kurosawa creció por tanto en una casa llena de gente, ocupada por sus padres, uno de sus hermanos mayores y tres de sus hermanas. De los hermanos restantes, uno había fallecido antes de que naciera Akira, y otros dos (uno de los chicos y uno de las chicas) ya se habían independizado. El padre era el director de un instituto del ejército japonés, y la propia familia Kurosawa descendía de una línea de antiguos Samurais. Desde el punto de vista económico, su situación era superior a la media.

Isamu Kurosawa era además un admirador de la cultura occidental, tanto en los programas deportivos que organizaba, como en su afición al cine, que acababa de ser introducido en Japón en aquella época. Incluso cuando, más adelante, la cultura japonesa renegó de las películas occidentales, Isamu Kurosawa siguió pensando que constituían una experiencia educativa positiva.

En la escuela primaria Kurosawa comenzó a dibujar bajo la tutela de un profesor que se interesó por su talento. Su hermano mayor, Heigo, tuvo también un profundo impacto en él: Heigo era muy inteligente, ganó varias competiciones académicas, pero tenía también lo que podría denominarse un "lado oscuro" o "cínico". En 1923, tras el gran terremoto de Kanto destruyó Kanto y mató a más de 100.000 personas. Heigo, de 17 años, y Akira, de 13, pasearon juntos entre la devastación. Los cadáveres de humanos y animales se apilaban en cualquier rincón. Cuando Akira intentó apartar la vista, su hermano Heigo le obligó a sostenerla.

Akira recordaría más tarde que esta experiencia le enseñó que mirar de frente a lo que nos aterra es el modo de vencer su capacidad de causar terror.

Heigo pronto comenzó una carrera en los cines de Tokio como benshi, o narrador de películas mudas para el público japonés. Sin embargo, con la llegada del cine sonoro, el trabajo de los benshi estaba desapareciendo, lo que llevó a Heigo a intentar organizar una huelga, que fracasó.

Akira también estaba implicado en las luchas de sindicatos, escribiendo varios artículos para un periódico radical al mismo tiempo que perfeccionaba sus destrezas como pintor. A pesar de estas actividades, que el propio Akira calificó de "imprudentes" más adelante, nunca se consideró a sí mismo como “comunista”.

Comienzo de su carrera en 1936, Kurosawa se enteró de la existencia de un programa de aprendices de director en un gran estudio de cine, Nikassu. Fue contratado y trabajó como ayudante del director Kajiro Yamamoto.

Después de su debut tras las cámaras con Sanshiro Sugata (La Leyenda del gran Judo), sus siguientes películas fueron cuidadosamente supervisadas por el belicista gobierno japonés, e incluyeron frecuentemente temas nacionalistas. Así por ejemplo, Ichiban utsukushika (La mas bella) era una película de propaganda sobre unas mujeres de Japón trabajando en una fabrica militar. También la segunda parte de la saga de "el gran Judo" ha sido interpretada como una película explícitamente anti-americana, por retratar al judo japonés como superior al boxeo americano.

Su primera película post-bélica, Waga seishum ni kuinashi (No añoro mi juventud) es crítica con el anterior régimen japonés, ya que trata sobre la mujer de un disidente izquierdista arrestado por sus tendencias políticas.

Kurosawa hizo muchas otras películas que trataban del Japón contemporáneo, en especial Yoidore tenshi (El ángel borracho) o Nora inu (El perro rabioso). Sin embargo, sería una película de época, Rashomon, la que le haría conocido internacionalmente, al ganar el Leon de Oro del festival del cine de Venecia.

Vivir o Ikuri fue estrenada en el año 1952. Yo la pude ver en el Ciclo ¡Qué grande es el Cine! ciclo que presentaba José Luis Garci y que duró una década en  Televisión Española (1995-2005). en el programa se emitieron 476 episodios dedicados a otras tantas películas.

Cada vez que se realiza la encuesta a los personajes importantes en el campo cultural y artístico en Japón, con la pregunta de qué película nacional después de la guerra mundial les ha conmocionado más, a menudo aparece en cabeza esta película “Ikiru (Vivir)” de Kurosawa, a veces situándose delante de su otra película más famosa en Occidente “Siete Samuráis”.

Dicen que la clave para entender esta preferencia por parte de los japoneses está en la emotiva canción Gondola No Uta (Canción de la góndola) por el actor principal, Takashi Shimura en un par de ocasiones a lo largo de la película que dice algo así como que "La vida es corta, enamórate, chica, antes de que el rojo de los labios no desaparezca, antes de que la sangre caliente se enfríe. No tendrás nunca asegurada la vida de mañana. La vida es corta, enamórate, chica, antes de que el color negro del pelo pierda su fuerza, antes de que la llama del corazón se apague. No volverá nunca a repetirse el día de hoy.

Akira Kurosawa participa en la misma tanto como director como guionista , en este caso acompañado de Shinobu Hashimoto e Hideo Oguni. La película fue producida por Sōjirō Motoki para la productora Toho, una productora establecida en la ciudad de Chiyoda, Tokio y, ¡¡¡sorprendentemente!!! especializada en cine de kaiju (monstruos) - entre ellas creó Godzilla- y tokusatsu (efectos especiales), así como en numerosas películas de anime. Al inicio de la película nos recuerda que es este el vigésimo aniversario de esta compañía que en los años cincuenta abrió la sala de cine La Brea en Los Ángeles con el fin de mostrar sus películas y poder distribuirlas. La compañía fue conocida entonces como el Teatro Toho durante las décadas de 1960 y 1970. Toho también inauguró una sala de cine en San Francisco y en Nueva York.

La música esencial en esta y en todas sus película fue labor de Fumio Hayasaka, mientras que la afamada fotografía en blanco y negro lo fue de Asakazu Nakai. El montaje fue realizado por Kōichi Iwashita.

El reparto está integrado por  Takashi Shimura como Kanji Watanabe,  Shinichi Himori como Kimura , Haruo Tanaka como Sakai,  Minoru Chiaki como Noguchi, Bokuzen Hidari como Ohara,  Miki Odagiri como Toyo Odagiri, unos de los empleados, Kamatari Fujiwara como el Jefe de Sub-Sección Ōno,  Nobuo Nakamura como el Teniente de Alcalde y  Saito Makoto Kobori como Kiichi Watanabe, el hermano del kanji,  Nobuo Kaneko como Mitsuo Watanabe, el hijo de Kanji Atsushi Watanabe . Además aparecen Yūnosuke Itō , Minosuke Yamada  y Noriko Honma .

La historia nos presenta a Kenji Watanabe, un funcionario público en la burocracia japonesa de post-guerra, jefe de la sección civil del ayuntamiento,  que en estos momentos se siente cansado y deprimido  por su monótono y vacío trabajo que realiza de manera implecable tras una vida labora que se extiende por un periodo de 30 años como un funcionario ejemplar sin faltar ni un día.

Día tras día, no hace más que escuchar las quejas de los ciudadanos, que son respondidas con excusas por parte de sus colaboradores con los que trabaja de forma igualmente seria, aburrida y rutinaria.

Cierto día, este hombre de edad avanzada, viudo desde hace un tiempo y con un hijo y su nuera, que viven con él, que lo respeta, pero que sólo lo aprecia por sus ahorros y que parecen preocuparse principalmente por la pensión de Watanabe y su herencia futura o sus compañeros que lo hacen esperando conseguir el puesto que algún día les dejará, tiene que ir de visita al médico.

Cuando está a la espera un conocido le dice que si el médico le dice que no tiene importancia y que le manda un par de pastillas es que su situación es desesperada y que posiblemente tenga una enfermedad mortal, cáncer de estómago. Efectivamente eso es lo que le dice el médico. Ante la noticia de que le queda un año de vida, a causa de un cáncer en el estómago, comienza a darse cuenta de su vida vacía.

Sin embargo, en el día previo han ocurrido dos pequeñas cosas mientras trabajaba. Un joven , recien incorporada a su sección se ha reído alegremente  tras contar un chiste de funcionarios y , por otro, un grupo de mujeres, algunas de ellas madres, se han quejado de como frente a sus casas se forma un lodazal que sólo trae enfermedades y muerte , y quieren proponer que en la zona se drene y se monte un parque de juegos, y no un bar como quiere un grupo inversor controlado por la Yakuza. La inacción y el marasmo funcionarial y departamental ha provocado que el grupo de madres haya pasado de un departamento a otro cuando lo único que piden es que el ayuntamiento sanee ese a´rea central y húmeda frente a sus casas y dignificar la zona.

Ante las nuevas circunstancias de limitación vitales el Sr. Watanabe intenta descubrir como darle sentido a su vida antes de morir.

Ante esta desgracia, se lanza a la calle con la intención de descubrir los placeres de la vida nocturna de Tokio, guiado por un novelista excéntrico que acaba de conocer y a emborracharse de bar en bar, preguntándose lo que fue exactamente su vida.  En uno de los locales, Watanabe solicita una canción del pianista, y canta " Gondola no Uta " con gran tristeza. Su canto afecta enormemente a los que lo observan.

Después de una noche sumergida en la vida nocturna, se da cuenta de que esta no es la solución. Ya en casa cuando quiere contárselo nuevamente a su hijo se da cuenta de que éste pasa olimpicamente de él.

Ese mismo  día por la mañana, Watanabe se encuentra con una joven subordinada, Toyo, - la que había contado el chiste- que necesita de su firma para  su renuncia en el puesto. Watanabe se siente atraído por la lagería de su carácter e parece sentir un gozoso amor tardío por la vida y el entusiasmo de la joven. Watanabe trata de pasar el mayor tiempo posible con ella , que , ya está trabajando en una fábrica de muñecos. Con el tiempo ella se cansa de él, de su rutina y se siente molesta cuando incluso va a verla a la fábrica. Además sospecha de sus intenciones pues piensa que es la locura de un amor tardío por su parte.

Después de convencerla para que se vean por última vez quedan en un restaurante. Allí Watanabe le dice que lo que le guste es su carácter alegre y ella le dice que el  el secreto de su felicidad es el amor por la vida.

Ella dice que encontró felicidad en su nuevo trabajo haciendo juguetes, lo que le hace sentir como si estuviera jugando con todos los niños de Japón y que lo que él  tendría que hacer es encontrar un propósito en su propia vida.

Sin embargo, cuando lo piensa y sigue buscando el sentido de su vida se da cuenta que existe todavóa algo que está en sus manos: la realización de un parque infantil.

Inspirado por ella, Watanabe se da cuenta de que no es demasiado tarde para él y que todavía puede hacer algo en el entramado de la burocracia de la ciudad hasta que conseguir el área recreativa en el espacio insalubre. Él sorprende a todos volviendo al trabajo después de una larga ausencia, y comienza a presionar para la construcción del patio de recreo a pesar de las preocupaciones de que se está metiendo en la jurisdicción de otros departamentos.

Sin embargo, en la película se produce una elipsis cuando nos enteramos que Watanabe ha muerto. Será en la conmemoración de la misma, en el duelo, cuando asisten sus ex compañeros de trabajo y algún representante del ayuntamiento como el Teniente de Alcalde cuando nos enteramos que lo ha conseguido.

Todos hablan de su papel en la apertura del patio de recreo, y tratar de averiguar lo que causó un cambio tan dramático en su comportamiento. Su transformación de un burócrata apático a un apasionado defensor lleva a todos a pensar en su papel. Impresionante es la veneración que sienten por él las mujeres a las que finalmente atendió.

A medida que los compañeros de trabajo beben sake, poco a poco, se dan cuenta de que Watanabe debe haber sabido que estaba muriendo, incluso cuando su hijo y el hermano del protagonista niegan esto, ya que no estaba al tanto de la condición de su padre.

También escuchan de un testigo que vio como el último día  en la vida de Watanabe lo vio sentado en un balancín en el parque que él construyó. Y mientras cae la nieve, balanceándose en el columpio del parque, escuchamos que vuelve a entonar "Gondola no Uta" volviendo a escuchar que “La vida es corta, enamórate, chica, antes de que el rojo de los labios no desaparezca, antes de que la sangre caliente se enfríe. No tendrás nunca asegurada la vida de mañana”

Ante el comentario los burócratas algunos empiezan a ponerse de pie excitados en parte por lo narrado y sobre todo por el sake se comprometen a vivir sus vidas con la misma dedicación y pasión que él.

Sin embargo, la rutina vuelve y en la última escena ya que con los funcionarios en el trabajo, vemos que todo se repite y su labor se torna  monótona y gris, sin hacer prácticamente nada , sobre todo, uno de ellos descubre que carecen del valor de su recién descubierta convicción.

La larga película con más de dos horas se presentó al mundo el 9 de octubre de 1952. La película , con dos partes muy definidas, toca muchos temas como es el sentido de la vida, la ineficacia de la burocracia y la decadencia de la vida familiar en Japón.

El guión fue inspirado parcialmente en la novela de Leo Tolstoi de 1886 La muerte de Ivan Ilyich. La película marcó la primera colaboración entre el director Akira Kurosawa y el guionista Hideo Oguni .

Según Oguni, la génesis de la película fue el deseo de Kurosawa de hacer una película sobre un hombre que sabe que va a morir, y quiere una razón para vivir por un tiempo corto.  Oguni era un escritor experimentado y se ofreció ¥ 500,000, mientras que el co-escritor Shinobu Hashimoto fue ofrecido ¥ 150,000.

Inicialmente, Kurosawa le dijo a Hashimoto que el tema de la película versaba sobre un hombre que debía morir en 75 días tenía y ​​que la carrera del personaje era lo menos importante. Tras consultar la obra de León Tolstoy La muerte de Ivan Ilyich , Oguni pensó colocar la muerte de Watanabe a mitad de película.

Kurosawa fue quien planificó  la escena donde Watanabe está en el columpio, y mencionó la letra de inicio de " Gondola no Uta ". Como ninguno de los hombres estaba familiarizado con la canción, consultaron  con otras personas el resto de la letra y el título de la canción.

Kurosawa renombró el proyecto que inicialmente se llamaba La vida de Kanji Watanabe por el de Vivir / Ikiru , que Hashimoto encontró pretencioso, pero Oguni apropiado. El guión se completó el 5 de febrero de 1952.

La muerte en contraste con el título  es un tema esencial e importante en la película, que lleva a la búsqueda del protagonista Watanabe para encontrar el sentido de su vida.  El profesor Alexander Sesonske escribe que en la escena del club nocturno, Watanabe se da cuenta de que "el placer no es la vida", y que un objetivo le da nueva felicidad, con la canción " Feliz Cumpleaños" que escuchar tras hablar con Toyo en el restaurante y que simboliza su renacimiento.

El autor Donald Richie escribió que el título de la película, que significa simplemente "vivir", podría significar que "la existencia es suficiente". Sin embargo, Watanabe encuentra que la existencia es dolorosa, y toma esto como inspiración, queriendo asegurar que su vida no haya sido inútil. La justificación de su vida, encontrada en su parque, es cómo Watanabe descubrió cómo "vivir". Al final, Watanabe ahora canta "Gondola no Uta" con tristeza por lo inminente pero con gran satisfacción por lo realizado.

El papel principal es el protagonizado por uno de los actores fetiche del maestro: Takashi Shimura que ya participó con él en ‘Trono de sangre’ o ‘Los siete samuráis’. aunque también en ‘Sanjuro’, ‘Yojimbo’, ‘Los canallas duermen en paz’, ‘El infierno del odio’, ‘La fortaleza escondida’, ‘Crónica de un ser vivo’,  ‘El idiota’, ‘Rashomon‘, ‘Escándalo’ y otros muchos más títulos.

Con influencias de la literatura rusa, Kurosawa compuso una de las películas más notables sobre la redención del ser humano. Pero al mismo tiempo, la cinta es una auténtica critica a la burocracia japonesa y la pasividad en tiempos de postguerra y al propio ser humano y su capacidad de ser capaz de buscar el beneficio propio a costa de los demás.

Ikiru es también una "acusación de la burocracia japonesa ". En Japón después de la Segunda Guerra Mundial , se esperaba que el sararīman (hombre de sueldo) trabajara de acuerdo con las reglas de una organización. La escena donde las madres visitan por primera vez la oficina de la ciudad solicitando un patio de recreo muestra la "despreocupación" en los burócratas, que envían a los visitantes de una administración a otra, antes de pedirles una solicitud por escrito, una actividad sin sentido ".

También está presente el tema de la vida familiar. El autor Timothy Iles escribe que, como con la película Tokyo Story de Yasujirō Ozu de 1953, Ikiru puede plantar una opinión negativa sobre el estado de la vida familiar en el Japón moderno. Watanabe ha vivido con su hijo durante años, pero sin una relación verdadera. Su hijo, Mitsuo, ve a Watanabe como una molestia, y lo  único que piensa en qué le corresponderá cuando muera Watanabe. Al igual que Whitman , del que hablamos por aquí no hace mucho, Kurosawa ve en el proceso de urbanización el inicio de la deshumanización de la sociedad tradicional japonesa y éste puede ser una razón para los cambios negativos en la sociedad japonesa, aunque también la preocupación de Watanabe con el trabajo.

El actor nos brinda -al igual que en sus otros trabajos- un fantástico trabajo a nivel interpretativo. Ya no es el mero hecho de conseguir transmitir y meterse en el personaje, es que consigue traspasar la pantalla con sus gestos, sus impresionantes y expresivas miradas llenas de sentimientos muy dispares (alegría, esperanza, odio o miedo). El personaje parece “no odiar a la gente porque no tiene tiempo para ello”. Quiere dar sentido a sus últimos meses de vida y sentirse útil, sentir que ha servido para algo.

Es impresionante la estructura narrativa que Kurosawa nos presenta, valiéndose de recursos como los flashbacks o las elípsis temporales, al mismo tiempo que el narrador traspasa la pantalla dirigiéndose a los espectadores (cuarta pared) o dividiendo la cinta en dos partes claramente diferenciadas, una primera mediante las vivencias del protagonista y la crisis existencial y humana ante la noticia de su muerte, y una segunda ya en su duelo o funeral donde son los demás los que dan su visión de los hechos y entran a valorar su trabajo y si se podrían hacer mejor las cosas.

Kurosawa intenta darnos un mensaje claro y esperanzador con esta cinta a través de una maravillosa reflexión existencial sobre la vejez y el sentido de la vida.

La banda sonora fue compuesta por Fumio Hayasaka y para la dirección de fotografía -impresionante- se contó con Asakazu Nakai (‘Los siete samuráis’, ‘Crónicas de un ser vivo’, ‘Barbarroja’, ‘No añoro mi juventud’, ‘Un domingo maravilloso’).

La película ha recibido la aclamación de la crítica difundida, y en Japón ganó los premios para la mejor película en los premios de la película de Kinema Junpo y de Mainichi . Fue rehecho como una película de televisión en 2007.

La película ganó multitud de Premios en ese año 1959. Fue nominada en los Premios BAFTA: al mejor actor extranjero (Takashi Shimura)

Fue presentada en el Festival de Berlín en la  Sección oficial  donde consiguió el Premio Especial del Senado de Berlín , además donde Akira Kurosawa a la mejor dirección.

Como ya hemos señalado en los Premios Kinema Junpo a la mejor película Akira Kurosawa consiguió el galardón.

También fue premiada en los Premios  Mainichi a la mejor película y Akira Kurosawa al mejor director. Al Mejor Guión también lo fueron Akira Kurosawa , Shinobu Hashimoto y Hideo Oguni , asñi como a la mejor grabación de sonido en la persona de Fumio Yanoguchi. También lo premió el Ministerio de Educación

En Japón, Toho lanzó la película el 9 de octubre de 1952. En Europa fue proyectada en Berlín en el marco de su Festival Internacional de Cine .

En los Estados Unidos, la película se mostró por un corto tiempo en California en 1956, bajo el título de Doomed posiblemente en la sala que Toho tenía en La Brea. Ikiru fue presentada igualmente en la ciudad de Nueva York el 29 de enero de 1960.

La película ganó la aprobación crítica desde su lanzamiento. Bosley Crowther , en el  The New York Times , calificó la película de  " extrañamente fascinante y que nos afecta, hasta cierto punto, el gran mensaje que envía su viejo héroe al más allá", que él consideraba " magnífico ". Crowther elogió el trabajo de  Shimura, diciendo que "se mide a través de su actuación en esta película con los principales actores del cine en cualquier parte del mundo", y añade que se trata de "un variado y detallado retrato de la vida de la clase media en el Japón contemporáneo, con un buen puñado de observaciones sociales cáusticas y una capa extra de sentimiento" concluye felicitando a Miki Odagiri, Nobuo Kaneko e Yunosuke Ito.

El crítico de Variety dijo de la película que era "un tour-de-force", "manteniendo un hilo dramático a lo largo de toda la película".

Un crítico Bazin alabó el alarde formal que supuso cortar el relato en mitad del metraje para prolongarlo, muerto el protagonista, en los testimonios de los asistentes a su velatorio.

Considara Ty Burr en las páginas del Boston Globe  que "Nunca ha habido una película sobre la muerte inminente más inteligente o más compasiva"
Bosley Crowther: The New York Times

Para Michael Wilmington en las páginas del Chicago Tribune la película es grandiosa, afirmando que  "Si no la has visto nunca, deberías. Si ya la has visto antes, tu admiración sólo irá a más"

Roger Ebert del  Chicago Sun-Times dijo de ella que "Una de esas escasas películas que realmente podría inspirar a alguien a cambiar su vida (...) " Además Roger Ebert lo añadió a su lista de Grandes Películas en 1996, diciendo: "A lo largo de los años he visto Ikiru cada cinco años, y cada vez que me ha conmovido, y me ha hecho pensar. Watanabe parece un viejo patético, y cada día se parece más a cada uno de nosotros. Para el crítico de Chicago junto a Siete Samuráis  , Ebert la llamó la película más grande de Kurosawa.

Ese el año 2008, Michael Sragow del New Yorker lo describió como "obra maestra", y eso que destacó como Kurosawa se asoció generalmente más con sus películas de acción .

En Gran Bretaña Philip French en las páginas del The Guardian dice que "La narración tiene un ritmo cuidadoso y las interpretaciones principales son magníficas" .

En 2008, Wally Hammond de Time Out elogió a Ikiru como "uno de los triunfos del cine humanista ".

La escena con Watanabe en el columpio en el patio de recreo que construyó se ha descrito como "icónica".

La británica revista Empire clasificó a Ikiru en el puesto 459º en su lista de las 500 mejores películas de todos los tiempos en el año  y en el 44º lugar en "Las 100 mejores películas del cine mundial" en 2010.

La película tiene una calificación 100% positiva de los críticos en el sitio web del agregador de críticas Rotten Tomatoes , basado en 32 revisiones.

En España de ella dijo Fernando Morales en las páginas del diario El País que es una "Profunda reflexión sobre la vida y la muerte (...) Excelente trabajo de su intérprete principal para uno de los grandes clásicos del cine japonés de todos los tiempos"

Para Javier Rioyo, en Cinemanía, se trata de una "Inolvidable reflexión sobre la muerte y sobre una nación que estaba cambiando"

En 2003, DreamWorks intentó hacer un remake de Estados Unidos, que pondría a Tom Hanks en el papel principal, y conversó con Richard Price sobre la adaptación del guión. Jim Sheridan acordó dirigir la película en 2004, aunque aquello no cuajó.

En cuanto a la escenografía son muy destacables  la fotografía, el montaje, la composición de la la escenrafía, los elementos de la composición, el papel de los actores y atrezzo, la iluminación, planos de la cámara y su valor significativo.

La técnica cinematográfica de Kurosawa responde a su deseo de emplear lentes teleobjetivo por el modo en que aplanaban el encuadre, además le permitía que sus actores lograsen mejor su interpretación. También le gustaba usar múltiples cámaras al mismo tiempo, lo que le permitía grabar una misma escena desde diversos ángulos.

Otra peculiaridad del estilo de Kurosawa era el empleo de los elementos meteorológicos en sus películas, como la  lluvia o la nieve visible en Ikiru (Vivir)

Conocido tambien como Tenno (literalmente, "El Emperador"), por su estilo dictatorial como director. Era un perfeccionista que dedicaba enormes cantidades de tiempo y esfuerzo para lograr el efecto visual deseado.  dado su espíritu dominado por el perfeccionismo.

Este perfeccionismo también se manifestaba en su elección del vestuario: le parecía que dar al actor un traje recién hecho restaba autenticidad al personaje. Para solucionarlo, repartía el vestuario a los actores semanas antes de la filmación, y les obligaba a usarlo diariamente para "establecer un vínculo" con la ropa.

Kurosawa también pensaba que una música "acabada" no pegaba en el cine. Al elegir una pieza musical para acompañar a una escena, solía reducirla a un solo elemento (por ejemplo, sólo trompetas). Únicamente al acercarse el final de sus películas escuchamos músicas más "acabadas".

En Vivir justa de introducir por ejemplo cortinillas de transición barriendo horizontalmente el cuadro, encerrando precisas elipsis que hacen a sus síntesis narrativas; tendencia hacia la caricatura en la presentación de ciertos tipos humanos, crítica constructiva pero nada complaciente, referencia al arte occidental, o en este caso a la sociedad occidental o el fundido en negro como cuando aparece la radiografía en una imagen fija para fundirse una vez más con la imagen del protagonista.

Gusta de introducir la voz en off. Kurasawa empieza Vivir  con un narrador en off, que es el que nos permite saber que Kanji Watanabe, jefe de la “Sección del ciudadano” del ayuntamiento de Tokio”, es un hombre muerto a pesar de estar vivo porque ha malgastado su vida y empezará a recapacitar.

La cámara a lo largo de la película presenta un encuadre narrativo  por medio de planos secuencias , planos largos y contraplanos y , por supuesto, los planos medios, dando importancia a los objetos que rodean a los personajes y en ocasiones planos subjetivos.

Kurosawa juega con los silencios, y , en ocasiones, lo incluye dentro de los diálogos . Da suma importancia al rostro, y miradas y representación gestual del cuerpo.

En esta película hay diversos saltos en el tiempo como cuando introduce el director con el recuerdo de su mujer, que murió joven o cuando “han pasado cinco meses” y él protagonista ya ha muerto. Serán la suma de diferentes anécdotas las que nos “traigan” otra vez los recuerdos de su vida en los últimos meses, estructurado  con  planos cortos y otros más abiertos. Cada uno toma la palabra y la escena será toda ya en la sala de velatorio. con rostros que son protagonistas absolutos.

Si atendemos a la composición de todas ellas, nos damos cuenta de que están perfectamente equilibradas, algunas como si fuesen dibujo de retratos, cuando juega con el grupo de personajes. No hay que olvidar que Kurosawa en un principio quiso dedicarse a la pintura y ese sentido desarrollado de componer imágenes se ve reflejado en cada escena.

La escena final del columpio está hecha de manera especial, con la música cantada por Watanabe. En el frío y la lluvia. Desde el plano técnico hay que reconocer que la película es arriesgada y magistral. Con encuadres asombrosos como el de la escalera durante el cumpleaños de una chica, o con el uso de plano sobre plano en paralelo. En definitiva, estamos ante una auténtica obra de arte del cine japonés y mundial. Personalmente, me ha encantado.

Make 'Em Laugh

Recuerdo hace años un programa de televisión española, la única, por los ochenta que comenzaba con el "Make 'Em Laugh"y con el que daba comienzo un ciclo de cine cómico allá por el 82 titulado creo que “Con H de humor”, no confundir con otros que llegaron más tarde, que buscaron en la H pingües beneficios. A veces me quedaba hasta que la canción terminaba, y tardé mucho tiempo en saber que pertenecía a "Cantando bajo la lluvia" e interpretada por uno de sus actores, Donald O'Connor. De aquella película que no vi hasta finales de los ochenta, creo que en el 88, únicamente conocía la que daba título a la misma: Cantando bajo la lluvia o Singin' in the Rain. Con el tiempo la emitieron y me encantó, no sólo poder insertar la canción en ella, sino en empezar lo que hasta ese momento me parecía un engorro como género al que consideraba menor por su inexistente argumento, sus interpretaciones absurdas o sus almibaradas historias: el musical. 

La película estrenada en 1952 que seguirá los esquemas clásicos de la Metro-Goldwyn-Mayer, tiene su inspiración en toda la serie de Melodías de Broadway que se fueron realizando en Hollywood en los 30 y 40, coincidiendo con la aparición del cine sonoro. Para ello contará con un grande como Stanley Donen todavía vivo, con 93 años, y que fue un coreógrafo, bailarín y director de cine estadounidense de los estudios de la productora MGM y es considerado como uno de los maestros del cine musical como no podía ser de otra manera pues no sólo era aficionado al cine, sino que era un admirador de Fred Astaire, y que lo que le decidió tomar clases de danza. Desde sus inicios apostó por el cine musical contando para ello con un colaborador excepcional: Gene Kelly, con el que trabajó no sólo aquí sino en Un día en Nueva York, otra de las películas que me hicieron cambiar mi percepción sobre este género, en este caso junto a la voz Frankie Sinatra.

Stanley Donen y Gene Kelly contarán con la inestimable ayuda del productor y compositor Arthur Freed que desde la década de los treinta fue contratado por la Metro-Goldwyn-Mayer y que durante años, escribió letras para numerosas películas con música de Nacio Herb Brow. La película es un producto de Arthur Freed, letrista afamado que terminaría como poderoso productor y daría a luz a un apabullante número de Obras Maestras en la época dorada de Hollywood. En 1939, después de trabajar en el papel de productor asociado en El mago de Oz , participando desde entonces en casi todo lo que sonaba en la MGM con grandes directados, directores de orquesta y presentando a muchos talentos del género dando forma a las carreras de estrellas como Gene Kelly , Frank Sinatra , Red Skelton , Lena Horne , Jane Powell , Esther Williams , Kathryn Grayson , Howard Keel , Cyd Charisse , Ann Miller , Vera-Ellen ,o llevando a la MGM a estrellas como Fred Astaire. Permitió que sus directores y coreógrafos dieran rienda suelta a su libertad creadora, algo insólito en aquellos momentos, y se le atribuye el permitir que en esas películas pueda haber un ballet de quince minutos como al final de un americano en París (1951), después de lo cual la película concluye momentos después, sin más el diálogo o que se permitió que el equipo musical de Lerner y Loewe tuviese control completo en la escritura de su Gigi (1958).Las dos , por cierto, galardonadas con un Oscar y joyas de la Metro-Goldwyn-Mayer.

En el guión de la película participan Betty Comden y Adolph Green , mientras que la música será de Roger Edens y Al Hoffman. En la fotografía destacan los colores de Harold Rosson y el montaje de Adrienne Fazan. En vestuario el trabajo correspondió a Susan Boyle. Todos trabajadores de la productora y distribuidora de la Metro-Goldwyn-Mayer . La película contó con un presupuesto de $2 540 000 y recaudó los $7 200 000 .

El reparto lo componen en sus principales papeles Gene Kelly como Don Lockwood, cuya actuación en la canción "Singin 'in the Rain" ahora se considera icónica, Donald O'Connor como Cosmo Brown y Debbie Reynolds como Kathy Selden. Junto a ellos aparecen Jean Hagen como Lina Lamont. , Millard Mitchell como RF Simpson, Cyd Charisse como pareja de baile de Gene Kelly en el ballet "Broadway Melody", Rita Moreno como Zelda Zanders. Además participa Douglas Fowley, Rey Donovan como Rod, el jefe del departamento de publicidad de la Productora, Judy Landon como Olga Mara, Madge Blake como Dora Bailey, locutora de radio, Kathleen Freeman como Phoebe Dinsmore, entrenadora de la dicción de Lina, Bobby Watson como entrenador de dicción durante el número "Moisés supone", Jimmy Thompson como la cantante de "Beautiful Girl" y Mae Clarke como el peluquero que pone los toques finales en el peinado de Lina Lamont.

La película nos muestra un estreno en ese Hollywood glamuroso y que vive el final del cine mudo. Allí una  locutora de radio, Dora Bailey, va presentando a los fans a la pareja del momento:   Don Lockwood (Kelly), un galán romántico y estrella del cine mudo a quien ha costado mucho llegar hasta la cima, junto  a su pareja cinematográfica - y de ficción en la vida real  a la que no soporta por ser vana, voluble e insoportable, Lina Lamont (Hagen),, una bella chica, no tan tonta como parece, pero bastante turbia en sus intenciones. Son la pareja de moda de los estudios cinematográficos, los Monumental Pictures, que dirige R.F. Simpson para aumentar su popularidad. Lina está convencida de que están enamorados, a pesar de las protestas de Don y en el estreno de su nueva película, The Royal Rascal, Don le dice a la multitud reunida una versión exagerada de su vida, incluyendo su lema: "Dignidad, siempre la dignidad." Sus palabras se contradicen con los comentarios humorísticos de su mejor amigo y compositor  Cosmo Brown (O'Connor) pues hasta llegar a triunfar en Hollywood ha llevado un largo camino.

Tras uno de los estrenos, y la fiesta posterior Don huye de un grupo de fans y salta en un coche que pasa conducido por Kathy Selden (Reynolds)., una actriz de teatro aún desconocida, que primero menosprecia el arte del cine y  que se  burlar de sus logros "indignos" como una estrella de cine.

Más tarde, en una fiesta, el jefe del estudio de Don, RF Simpson (Millard Mitchell), hace una breve demostración de una película sonora , pero los asistentes no se dejan impresionar por la novedad. Para la diversión de Don, Kathy sale de una tarta simulada justo delante de él, revelándose a sí misma como una corista. Furiosa ante las bromas de Don, le lanza un verdadero pastel, que da en el rostro de Lina. Ella huye pues es una de las bailarinas del coro que va a la fiesta.

Don de cualquier manera está encantado con ella y la busca durante semanas sin descanso.  Lina le dice mientras graba una escena de amor para la nueva película, 'El Caballero Duelista'. que fue ella la que ha sacado a Kathy del circuito y que lo despidió.

Don finalmente encuentra a Kathy trabajando en otra producción de Monumental Pictures. Ella confiesa haber sido una fan de él todo el tiempo.

Después de un estudio rival tiene un enorme éxito con su primera película sonora, El cantor de jazz (1927), RF decide que no hay más remedio que convertir la próxima película de Lockwood y Lamont, en una película sonora.

Los inicios no son fáciles y la producción está plagada de dificultades, pero con mucho, la peor es la voz chillona de Lina, su falta de dicción  y su fuerte acento. Para educarla en el nuevo momento recibe clase por parte de una entrenadora de dicción que trata de enseñarle a hablar correctamente, pero en vano.

La proyección en un preestreno de la película es todo un desastre; Los actores son apenas audibles gracias a la colocación incómoda de los micrófonos, y Don repite ridículamente un "Te amo" a Lina una y otra vez, lo que provoca la hilaridad en el personal que asiste al preestreno.

Viendo el fracaso asegurado Don, Kathy y Cosmo conciben  la idea de convertir la película en un musical llamado El Caballero bailarín, con un número musical moderno llamado "Broadway Melody".

Sin embargo, no saben qué hacer con la voz de Lina. Cosmo, inspirado en una escena de la película en la que se producía la desincronización y la voz de Lina estaba fuera de sincronía, sugiere que Kathy ponga  la voz de Lina.

RF aprueba la idea, pero no les dice a Lina nada sobre el doblaje. Cuando Lina se entera, se enfurece. Ella se pone aún más enojada cuando descubre que RF tiene la intención de dar a Kathy un crédito de pantalla. Asñi que Lina se pone en contacto con sus abogados  y contrata una campaña de publicidad después para potenciar su protagonismo en la productora. Lina amenaza con demandar a RF a menos que ordene a Kathy seguir trabajando sin acreditar como voz de Lina.

RF de mala gana acepta sus demandas. El estreno de la película es un tremendo éxito. Cuando los clamores del público obligan a cantar a Lina en vivo, Don, Cosmo, y RF deciden que haga Lina la sincronización de labios en el micrófono mientras Kathy, escondida detrás de la cortina, canta.

Mientras Lina está "cantando", Don, Cosmo y RF levantan alegremente la cortina. Lina huye abochornada y una afligida Kathy trata de huir también, pero Don orgullosamente anuncia a la audiencia que ella es "la verdadera estrella de la película".

Más tarde, Kathy y Don se besan delante de una valla publicitaria para su nueva película, Cantando bajo la lluvia.

Y toda la historia se presenta completamente trufada de canciones y bailes , algunos inolvidables y otros que enmarcan la historia y los actores / actrices como "Fit as a Fiddle (And Ready for Love)" de  College Coach (1933) con musica de Al Hoffman and Al Goodhart;  "Temptation" (canción instrumental ) de Going Hollywood (1933);  "All I Do Is Dream of You" de Sadie McKee (1934); "Singin' in the Rain" de la Revista de Hollywood de 1929 (1929); "Make 'Em Laugh" considera como una canción original pero muy cercana a otra de Cole Porter "Be a Clown", usada en otro musical de Freed  The Pirate (1948);  "Beautiful Girl Montage" compuesta por "I've Got a Feelin' You're Foolin'" "The Wedding of the Painted Doll" y "Should I?" procedentes básicamente de Broadway Melody of 1936 (1935); "Beautiful Girl" de Going Hollywood (1933); "You Were Meant for Me" de The Broadway Melody (1929), al igual que "You Are My Lucky Star" ; "Moses Supposes" (musica de Roger Edens, con letras de Comden and Green);  "Good Morning" de Babes In Arms (1939); "Would You?" de San Francisco (1936); o "Broadway Melody Ballet" compuesto de "The Broadway Melody" y  "Broadway Rhythm" procedentes de Broadway Melody of 1936 (1935) con música de Nacio Herb Brown y Arthur Freed). o Moses supose

El director Stanley Donen y Gene Kelly insistieron en los actores y actrices que habían de intervenir en la película. Desde el principio querían a Debbie Reynolds como primera actriz y principal , a pesar de que la película gira en torno a la idea de que Kathy es corista y actriz de segunda que ha de doblar la voz de Lina, estando por delante de Jean Hagen que ya había triunfado en La jungla de asfalto. Millard Mitchell como RF Simpson cuyas iniciales como productor de la Monumental Pictures son una referencia al productor Freed.  También contrataron a Cyd Charisse como pareja de baile de Gene Kelly en el ballet "Broadway Melody"; a Douglas Fowley como Roscoe Dexter, el director de películas de Don y Lina; a Rita Moreno como Zelda Zanders y amiga de Lina; a King Donovan como Rod, el jefe del departamento de publicidad la productora. Judy Landon como Olga Mara, una vampiresa del cine mudo que asiste al estreno de The Royal Rascal. Madge Blake como Dora Bailey, una locutora de radio. Kathleen Freeman como Phoebe Dinsmore, entrenadora de la dicción de Lina; Bobby Watson como entrenador dicción durante el número "Moisés supone", a Jimmy Thompson como la cantante de "Beautiful Girl". Mae Clarke como el peluquero que pone los toques finales en el peinado de Lina Lamont y , por supuesto, a Donald O'Connor como el pianista Cosmo Brown, que reconoció que se fumaba durante el rodaje cuatro paquetes de cigarros al día. La tensión que es muy mala y ganador de un Globo de oro al mejor actor por una comedia o musical por su intervención en la misma. La escala salarial estaba lejos de ser pareja: Kelly ganaba $2500 por semana, mientras que Debbie Reynolds apenas $300 por semana.

La película fue un gran éxito gracias a sus escenas de baile,  especialmente inolvidable es  la de Gene Kelly cantando y bailando bajo la lluvia.

Se estrenó en abril de 1953 y fue la película más taquillera durante ese mes y la décima de 1953. La paradoja de esta película, que es cine dentro del cine, y que la actriz que en realidad canta y dobla a Debbie Reynolds fue Jean Hagen, la actriz a quien en la ficción dobla ésta.

Cantando bajo la lluvia es un musical basado en un  libro de Betty Comden y Adolph Green, contando con las letras musicales de Arthur Freed, y la música de Nacio Herb Brown que irán adaptándose a la trama que tiene lugar en Hollywood en los días cercanos al cambio de década, 1929, en la que el cine mudo comienza a verse lastrado por su silencio frente al sonoro. La historia de “Cantando bajo la lluvia” es, en realidad, la historia de una canción y la película se llamó así antes de que se hubiese previsto toma alguna bajo la lluvia , y todo por el deseo del productor Arthur Freed.

Es uno de los más famosos y mejores musicales que se haya producido “Singin’in the rain” (Cantando bajo la lluvia), producida por la MGM, lo tenía absolutamente todo: grandes canciones, grandes bailes, una historia maravillosa, nostálgica, y un elenco completísimo, con Kelly y O”Connor como almas de la misma, una gran dirección por el mismo Gene Kelly y Stanley Donen, quienes intentaron reflejar el deslumbramiento, la velocidad y la locura de los musicales de los años 20, en los Estados Unidos. Para ello utilizaron lo mejor del repertorio de musicales de MGM, muchos de los cuales fueron realizados por Nacio Herb Brown y Arthur Freed, y escritos por Adolph Green y Betty Comden. Este tipo de películas musicales son las que hicieron furor durante el período de transición de los filmes mudos a los sonoros, por lo que decidieron centrar su historia en esos tiempos, en los cuales las nuevas estrellas “parlantes” sustituyeron a las otras, que tenían grandes dificultades para sumarse al cine hablado, por su incapacidad vocal.

La película, que fue estrenada en 1952 en el Radio Music City Hall de Nueva Cork, marcó un verdadero hito. La película fue eclipsada por el estreno casi simultáneo de la muy bien recibida –y también muy taquillera- “Un americano en París”. De hecho, “Cantando bajo la lluvia” fue retirada de la distribución en favor de la primera, incluso después de haber ganado como mejor película.

La escena de Gene Kelly bailando bajo la lluvia no estaba en el guion original, y en el primer borrador iba a ser cantado por Debbie Reynolds. Pero la historia canción y con ella la historia de la película. Durante el rodaje de esta misma escena, Gene Kelly, el protagonista se encontraba además de girando el paraguas, salpicando charcos y empapado en la piel,  con 39 grados de fiebre. Stanley Donnen le propuso a Kelly realizar otro baile y eliminar el de la lluvia para que no se mojara el enfermo actor. Kelly se negó a cambiar la escena y la rodó. La  leyenda cuenta que Kelly rodó la canción entera en una sola toma, gracias a varias cámaras situadas en diferentes lugares predeterminados, aunque en realidad la secuencia tomo 2-3 días. Otro mito es que la lluvia estaba hecha mezclando agua y leche, para un mayor efecto visual en la cámara; el efecto visual deseado se consiguió, aunque con dificultad, gracias a efectos de contraluz. La escena del baile bajo la lluvia fue ensayada por Gene Kelly y el director Stanley Donnen durante semanas.  La escena costo 600.000 dólares un tercio del presupuesto del film.


En la película se utilizaron escenas filmadas de "Los tres mosqueteros" para incluirlas como parte de "El truhan real", la película de cine mudo con la que se abre la película.

Después de un número musical, Gene Kelly ayudó a Debbie Reynolds por su falta de experiencia en el baile. Debbie Reynolds no era una  bailarina por aquel entonces .  Su fondo era el de una gimnasta. En un encuentro posterior en el que Fred Astaire estaba en el estudio, se encontró Reynolds llorando bajo un piano. Al escuchar lo que había sucedido, Astaire se ofreció para ayudarla con su baile. Kelly más tarde admitió que no había sido amable con Reynolds y se sorprendió de que ella todavía estaba dispuesta a hablar con él después. Por las noches Kelly la encerraba en un cuarto para ensayar.  Después de rodar "Good morning", que llegó a ser rodada hasta ocho veces en una misma sesión. Se había rodado desde las 8:00 de la mañana  hasta las 11:00 de la noche los pies de Reynolds estaban sangrando  y lastimados. Años después, fue citado diciendo que "Cantando bajo la lluvia y el parto fueron las dos cosas más difíciles que he tenido que hacer en mi vida." Debbie Reynolds, agradeció las enseñanzas de Kelly en el canto, pues sin ellas no hubiera podido continuar con la carrera que logró.

Parece ser que Donald O’Connor y Debbie Reynolds debían aparecer en el gran Ballet de Broadway final, pero se negaron a trabajar en esas condiciones. El papel de Donald en esta fantasía -el de agente de Kelly- se redujo considerablemente, y Debbie fue sustituída por Cyd Charise, para la escena del número musical "Broadway Melody", en la que Charisse interpreta a una atractiva mujer que intenta seducir con su danza a Kelly, fue considerada de alto contenido erótico para la época debido al roce corporal y los movimientos que había en la misma. Por esta razón, luego de la edición final de la película, se recortaron unos pocos segundos de la secuencia de baile, por considerarse muy sexual un movimiento realizado por ambos bailarines. La escena recortada es fácilmente distinguible y notable en la película, pero dicho recorte fue parcialmente disimulado con la pista musical.

Por otra parte, otro pequeño inconveniente que surgió con la escena fue la diferencia de estatura que había entre ambos bailarines, puesto que Cyd Charisse era una mujer bastante alta y Gene Kelly un hombre de una estatura media baja. Sumado a esto, Charisse debía llevar tacones, incrementando aún más dicha diferencia, quedando algo antiestética, especialmente en las partes en que los dos bailarines bailaban muy cerca o cuerpo a cuerpo. Esto fue cuidadosamente disimulado, de manera que, según puede apreciarse en la película, en los momentos en que Charisse se acerca mucho a Kelly, tiene sus rodillas levemente semiflexionadas.

Donald O'Connor tuvo que ser hospitalizado tras hacer la secuencia de "Make 'em Laugh" normal para un hombre que fumaba hasta cuatro paquetes de cigarrillos al día. La canción aunque se dijo que era original para la película, se inspira en “Be a clown” de Cole Porter. Éste último, elegantemente, decidió no interponer demanda alguna en beneficio de la película, que siempre fue una de sus favoritas. Gene Kelly adoptó durante el rodaje un tono déspota tanto con Debbie como con Donald O,Connor, al que consideraba un actor muy discreto. Tras el espectacular rodaje de la canción bailada y cantada por Donald, “Make’hem laugh”, que le costó al bailarín una semana de reposo, la actitud de Gene con él cambió considerablemente.

La mayor parte de los trajes de esta película fueron adquiridos eventual por Debbie Reynolds y alojados en su colección masiva de trajes originales de la película, de sistemas y de apoyos. Muchos de estos artículos fueron vendidos en una subasta 2011 en Hollywood. Mientras que la mayoría de los artículos fueron vendidos a coleccionistas privados,  algunos trajes y  zapatos fueron comprados para ser exhibidos de forma permanente en el Museo del Traje de la Broadway Collection en Pompano Beach, Florida .

La escena en la que Don Lockwood improvisa un ridículo diálogo de amor repitiendo constantemente “te amo”, fue hecha a propósito, para parodiar al actor de cine mudo John Gilbert, que hacía lo mismo en una escena filmada durante su carrera actoral

La película obtuvo diversos premios en ese 1952. Por lo pronto dos nominaciones al Oscar: a la mejor actriz secundaria (Jean Hagen), y a la mejor banda sonora original (Musical)

En los Globos de Oro obtuvo el de mejor actor comedia/musical para el citado O'Connor, con una nominación a la mejor película Musical o Comedia por su interpretación de Cosmo Brown.

En los Premios BAFTA fue nominada a la mejor película. Para el Sindicato de Directores (DGA): la película fue nominada al Mejor director.

En 1952 la National Board of Review la incluyó en el  Top de las Mejores películas del año o

Betty Comden y Adolph Green recibió el Premios WGA, el de los guionistas,  al Mejor Musical estadounidense.

Cantando bajo la lluvia ha aparecido dos veces en Sight & Sound en la lista de las diez mejores películas de todos los tiempos entre 1982 y 2002. Su posición en 1982 estaba en el número 4 en la lista de los críticos; En la lista de los críticos de 2002 fue catalogado como número 10 y empató para 19 en la lista de directores. La película es reconocido por el American Film Institute en multitud e  listas.

En Rotten Tomatoes informó que el 100% de las críticas han dado a la película una revisión positiva basada en 48 comentarios, con una nota media de 9.2 / 10. La película es actualmente el número 10 en la lista de películas mejor valoradas de Rotten Tomatoes. Rotten Tomatoes resume el consenso crítico como "inteligente, incisiva y divertida, Cantando bajo la lluvia es una obra maestra de la clásica musical de Hollywood."

En 2008, Cantando bajo la lluvia se colocó en 500 Mayores Películas de Empire en su listado de todos los tiempo, situándose en el # 8.

En 1989, Cantando bajo la lluvia fue de las primeras 25 películas elegidas para el recién creado Registro Nacional de Cine de películas que se consideran "cultural, histórica o estéticamente significativa" por la  Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos y seleccionada para su conservación.

Uno de los Popes de la críticas cinematográfica Roger Ebert del  Chicago Sun-Times dice que "No hay musical más entretenido que "Singin' in the Rain", y pocos permanecen tan frescos con el paso de los años. (...) ".

Para Terenci Moix la película "representa para muchos cinéfilos la culminación del musical Metro. Y añade "Lúdica meditación sobre Hollywood, sobre el musical de ayer y el de hoy, sobre el cine mismo, "Cantando bajo la lluvía" aprovecha las lecciones  dinámicas del nuevo musical pero no desdeña las experiencias de espectáculo total propuestas por maestros anteriores como Berkeley o Minnelli. Asé se intercambia  sabiamente el musical  narrativo, con el lírico, la pantomima bufa  con la apoteosis revisteril, la caricatura con la nostalgia. Acaso la esencia del filme aparezca expresada  en el enorme plató vacío donde Gene Kelly y Debbie Reynolds bailan a los acordes de "You are my lucky star" mientras van creando alrededor toda la magia de la ficción.

En cuanto las críticas en español Pablo Kurt se cuestiona si es es ¿El mejor musical del cine? Muy probablemente. Sin duda el más memorable de la época dorada del cine con grandes musicales. Por cierto que el año anterior otra cinta muy famosa y adorada de aquellos tiempos, "Un americano en París" (An American in Paris, 1951), también con Gene Kelly, había arrasado en los Oscars, impidiendo que esta joya triunfara en los premios de una Academia que consideró que el género ya había sido suficientemente recompensado con las 6 estatuillas -incluyendo mejor película- de la película de Vincente Minnelli. En cualquier caso, "Singin' in the Rain" tiene algunos de los bailes más maravillosos y cinematográficos de la historia del séptimo arte; Gene Kelly canta enamorado bajo la lluvia... y el mundo se detiene. Genial y vitalista, una imperecedera obra maestra que empapa de nostalgia.

Para Francisco Marinero del Diario El Mundo es "Simplemente perfecta. Lo más admirable es que su acumulación de números musicales (que aislados son magistrales) resulte una unidad coherente y fluida (...) Una obra maestra"

Para Javier Trigales en blog de cine comenta que "Existen películas especiales que poseen la capacidad de afectar al estado de ánimo. ...‘Cantando bajo la lluvia’  que era una excusa para amortizar añejas canciones ya existentes como la propia “Singing in the rain” o “Melodías de Broadway” (y, sin embargo) ...Todo funciona como un maravilloso mecanismo de relojería emocional (...) La película es un arrebatado canto de amor al cine de estudio y a los decorados irreales y maravillosos que triunfaban en un Hollywood que ya no es el que conocemos, invadido por molestas pantallas verdes. Es un cine que ya no existe, pero que con películas como esta ‘Cantando bajo la lluvia’, seguirá fascinando a generaciones de nuevos espectadores que quieran disfrutar de una sensación tan poco común como es la alegría frente a una pantalla. Ése es el secreto. Gran cine." Y , por supuesto, uno tras verla incluso cuando piensa en ella no puede dejar de sonreir: Make 'Em Laugh.