Los caballeros de la tabla cuadrada

Nueva entrega de los Monty Python , del que salvo Terry Gilliam y algunos de sus integrantes, John Cleese y Michael Palin, trabajando por cuenta ajena, practiamente hasta el pasado años no había visto nada. Y eso que está considerado uno de los grandes mitos del humor británico, pero bueno creo que me llegué tarde y salvo cómicos como los clásico Charlie Chaplin, Peter Sellers- lanzado por un programa humorístico de radio en la BBC ‘The Goon Show’ , o los más actuales Benny Hill o Rowan Atkinson . Sin embargo, a estos Monty Python, ese sexteto daista de la TV británica formada por cinco británicos (John Cleese, Terry Jones, Michael Palin, Eric Idle y Graham Chapman) y un norteamericano (Terry Gilliam), fueron los líderes indiscutibles del humor británico de los años 1960 y 1970. De los actuales como Simon Pegg y Nick Frost, etc... 

Pero , al igual que Sellers su trampolín fue la BBC por medio fe uno de sus programas de de TV en los 70 de humor surrealista semanal que fue el ‘Monty Phyton´s Flying Circus’. Tras cosechar un gran éxito en televisión con su humor osado, irreverente y absurdo, este grupo de humoristas británicos decidieron probar suerte también en el cine.

Tras una primera incursión titulada ''Se armó la gorda' o' And Now for Something Completely Different , y que era, en realidad, una recopilación de sus mejores 'sketches', su primer auténtico trabajo para la gran pantalla fue esta disparatada visión sobre las leyendas artúricas y la búsqueda del Santo Grial. Fue concebido durante el paréntesis entre la tercera y la cuarta serie de su serie de televisión de la BBC , Monty Python's Flying Circus .

Monty Python and the Holy Grail o Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores como se llamó en España fue dirigido por Terry Jones y Terry Gilliam, siguiendo los escrito o improvisado por el sexteto integrado por Terry Gilliam, John Cleese, Michael Palin, Graham Chapman, Eric Idle y Terry Jones inspiradas en las leyendas artúricas que serán reinterpretadas. En este caso fue una producción de Mark Forstater, Michael White y Charles Otte por parte de las productoras Monty Python Pictures, Michael White Productions y National Film Trustee Company que contó con un reducidísimo presupuesto de $ 400,000 que condicionaron algunas de las ocurrencias que vemos en la película - y eso que fue un éxito de público y de crítico con lo que alcanzó los $ 5 millones en taquilla gracias a la distribución de EMI y Columbia.

Para la música la banda contó con las composiciones de Neil Innes y Ron Wasserman, la fotografía de Terry Bedford, el montaje de John Hackney y el vestuario de Hazel Pethig

El reparto lo encabeza Graham Chapman como el rey Arturo así como la Voz de Dios / Jefe Medio de Caballero de Tres Cabezas o Guardia desocupado en Swamp Castle, John Cleese como Sir Lancelot o Sir Lanzarote, Terry Gilliam como Patsy, sirviente de Arturo y el Caballero Verde , Eric Idle como Sir Robin, el no tan absolutamente valiente como Sir Lancelot, Terry Jones como Bedevere así como la Madre de Dennis , el Caballero francés o la Cabeza izquierda del Caballero de tres cabezas y Michael Palin como Galahad el casto.

Junto a ellos aparecen Connie Booth como Miss Islington o la bruja, Carol Cleveland como Zoot, Neil Innes como el líder de los juglares de Robin, Bee Duffell como la vieja bruja, John Young como Frank, el historiador, Rita Davies como la esposa de Frank, Avril Stewart como Dr. Piglet o cerdito, Sally Kinghorn como Dr. Winston, Mark Zycon como Sir Robin, Sandy Johnson como el jefe que dice "Ni", Julian Doyle como el sargento de policía que detiene la película o Richard Burton como el rey negro con una pierna.

La película aborda la historia del legendario rey Arturo y de sus caballeros que van a la búsqueda del Santo Grial. Comienza con unos títulos de crédito en los que se nos infoma de mala manera que los subtítulos de créditos son parciales y aparecen escritos en sueco, pero que no hay preocuparse pues el encargado de los mismos  y su subtituto ha sido cesado y que parte de los problemas se deben a presupuesto.

El desarrollo de la misma comienza en el año 932 después de Cristo con el rey Arturo "hijo de Uther Pendragón, del castillo de Camelot"  cabalgando por la campiña británica sin caballeros - y sin caballos pues el sonido de los cascos está realizado por un escudero , Patsy, que choca las dos mitades de un coco imitando el sonido de los cascos. Se encuentra con unos guardias que hablan de cómo podrían transportar cocos unas golondrinas.

También se encuentra con unos campesinos que dicen abiertamente que no tienen rey, que viven en una comuna anarcosindicalista.

En principio va buscando infructuosamente el castillo de Camelot, aunque poco a poco se le unen los caballeros, el rey Arturo y sus caballeros, los Caballeros de la Mesa Redonda .  Arturo o Arthur  recluta a Sir Bedevere el Sabio , Sir Lancelot el Valiente , Sir Galahad el Puro , Sir Robin el No tan Absoluto como Sir Lancelot y el Señor que no aparece en esta película, junto con sus escuderos y los trovadores de Robin. Arthur lleva a los hombres a Camelot , pero decide que es "un lugar irrelevante" y se marcha a otra parte.

En ese momento dado y cuando se alejan reciben un encargo divino: partir en búsqueda del Santo Grial, para lo cual Arthur y sus hombres buscan en la tierra pistas sobre el Grial y deberán luchar contra enemigos muy diversos: malignos caballeros rivales, bestias sanguinarias (que solo son visibles como dibujos animados), groseros soldados franceses que están en el interior de un castillo fortificado y que dicen tener el Grial e insultan a los ingleses. Los franceses, se defienden lanzando primero animales o alimentos a los británicos, rememorando la estrategia que utilizaron los franceses de arrojar ganado y comida al enemigo ( algo que ocurrió en la ciudad francesa de Carcassonne, asediada por Carlomagno, estaba a punto de quedarse sin víveres y decidió marcarse un farol: lanzaron al enemigo el único cerdo y el único saco de trigo que les quedaba. Ante tal derroche de suministros, Carlomagno los creyó perfectamente abastecidos y desistió de la intentona.) Para tomarlo Arturo y sus hombres presentan un plan para colarse usando un Conejo de Troya , pero manejan mal su ejecución y son forzados a alejarse.

Arthur decide entonces que los caballeros deben ir por caminos separados para buscar pistas sobre el paradero del Grial.

Un historiador moderno que está siendo filmado para un documental que describe las leyendas artúricas es asesinado abruptamente por un caballero a caballo, desencadenando una investigación policial moderna.

Mientras tanto aparecen brujas, adivinos mefistofélicos, Scotland Yard, en esos viajes de los caballeros. Por ejemplo, Arturo y Bedevere intentan satisfacer las extrañas peticiones de los temibles Caballeros que dicen Ni , que tras amenazar a Arturo y sus seguidores huyen despavoridos cuando éstos repiten inadvertidamente la palabra "eso" en sus diálogos y que se enfrentan Arturo y compañía a cortar el árbol más alto del bosque utilizando un arenque o a que les lleve un parterre, buenos, dos. También Sir Robin evita una pelea con el Gigante de Tres Cabezas huyendo mientras las cabezas discuten.

También vemos al caballero negro, que sigue luchando sin desalentarse aún después de haber  sido amputado en todas sus extremidades y que dice qie  "combatirá con sus dientes".

Sir Galahad es conducido por un faro en forma de Grial al Castillo de Ántrax , en el que viven 160 mujeres jóvenes, atractivas , solas y desesperadas - en todos los sentidos- , pero a su pesar es "rescatado" por Lancelot cuando  pretendían  secuestrar al casto Sir Galahad .

Por su parte, Lancelot, después de encontrar una nota que ha sido lanzada desde una ventana del torreón Swamp Castle que  cree que proviene de una dama obligada a casarse en contra de su voluntad, se apresura al castillo y mata a casi todos los asistentes a la fiesta de bodas, así como a los soldados o guardias (lo que supone al señor del castillo de unas 50 libras por la pérdida de cada uno a destajo, este caballero de Camelot recibe una nota de la que cree que será una muchacha en apuros. solo para descubrir que la nota fue enviada por un príncipe afeminado que quiere cantar y que no hace caso a su padre.

Y en su devenir  Arturo y sus caballeros se reagrupan y se les unen Hermano Maynard y sus monjes seguidores. Todos van a dar con  Tim , el mago, que los dirige a una cueva donde se dice que está escrita la ubicación del Grial, pero está custodiada por el letal Conejo de Caerbannog . El Mago Tim les dice que : "Ese no es un conejo normal, es el roedor más cruel, maligno y temible que jamás ha existido". El problema es que el conejito blanco resulta ser un asesino letal y carnívoro. Después de que el conejo mate a varios de los caballeros, Artuor usa "la granada de mano sagrada de Antioquí o "Santa Granada de Mano de Antioquía" , proporcionada por Maynard y traída de las Cruzadas, para destruir a la criatura.

En el interior, encuentran la inscripción de José de Arimatea, dirigiéndolos al Castillo de Aarrgh aunque con una advertencia:  "Quien el puente desea atravesar, tres preguntas deberá contestar, o al abismo caerá".

Después de evitar  a un monstruo gigante, llegan al Puente de la Muerte y en el mismo deben responder tres preguntas del guardían del puente para pasar.

Lancelot responde primero y correctamente, y pasa. Los señores Robin y Galahad no responden correctamente y son arrojados al precipicio que cubre el puente; entonces Arturo engaña al guardián del puente, permitiéndole pasar junto a Bedevere. Cuando Arturo y Bedevere llegan al final del puente, no pueden encontrar a Lancelot, ya que fue arrestado por los policías modernos que investigan la muerte del historiador.

Arturo y Bedevere siguen hasta el Castillo de Aarrgh, pero está ocupado por los franceses. Ellos amasan un gran ejército de caballeros para asaltar el castillo, cuando de repente aparece una gran fuerza policial, arresta a Arthur y Bedevere por la muerte del historiador, y cierra la producción de la película.

Los caballeros de la mesa cuadrada y sus locos seguidores es realmente una excusa de los Monty Python para ejecutar una ácida crítica de los estereotipos de la vida moderna, utilizando elementos de la Edad Media como base para su sátira.

La historia de la producción es compleja al igual que el montaje. Quince meses antes de que la BBC visitara el set en mayo de 1974,  la compañía Monty Python montó una primera versión del guión.  La mitad del material resultante se establecería en la Edad Media , y la mitad se estableció en la actualidad. Pero , finalmente, el grupo optó por centrarse en la Edad Media, en torno a la leyenda del Santo Grial .

En la cuarta o quinta versión de su guión, la historia estaba completa, y el elenco bromeaba diciendo que el Grial nunca se recuperaría sería "una gran decepción ... un gran anticlímax".

Graham Chapman dijo que un desafío era incorporar escenas que no se ajustaban al motivo del Santo Grial. Ni Terry Gilliam ni Terry Jones habían dirigido una película anteriormente, y la describieron como una experiencia de aprendizaje en la que aprenderían a hacer una película haciendo un largometraje entero.

El reparto humorísticamente describió el estilo de dirección de novatos como el empleo del nivel de falta de respeto mutuo que siempre existía en cualquier trabajo de los Monty Python.

El presupuesto inicial de la película, de aproximadamente £ 200,000, se recaudó al convencer a 10 inversionistas independientes de contribuir con £ 20,000 cada uno. Tres de esos inversionistas fueron las bandas de rock Pink Floyd , Led Zeppelin y Genesis , quienes fueron persuadidos para ayudar a financiar la película por Tony Stratton-Smith, director de Charisma Records (el sello discográfico que lanzó los primeros álbumes de comedia de Python).

Según Terry Gilliam, los Pythons recurrieron a estrellas de rock como Pink Floyd, Led Zeppelin y Elton John para obtener financiación ya que los estudios se negaron a financiar la película y las estrellas de rock lo consideraron como "una buena amortización fiscal" debido a UK el impuesto a la renta es "tan alto como 90%" en ese momento.

Monty Python y el Santo Grial fueron filmados principalmente en Escocia , especialmente alrededor del Castillo de Doune , Glen Coe y el Castillo privado Stalker . Los numerosos castillos que se vieron a lo largo de la película fueron principalmente el Doune Castle filmado desde diferentes ángulos o miniaturas colgantes .  La película se rodó en tan solo un mes, por falta de presupuesto.

Hay varias excepciones a esto: la primera toma exterior de un castillo al comienzo de la película es Kidwelly Castle en el sur de Gales ,  y el único plano exterior del Swamp Castle durante "Tale of Sir Lancelot" es Bodiam Castle en East Sussex;  todas las tomas posteriores del exterior y el interior de esas escenas se filmaron en el Castillo de Doune.

El diseñador de producción Julian Doyle contó que su equipo construyó muros en el bosque cerca de Doune.

Terry Jones más tarde recordó que el equipo había seleccionado más castillos alrededor de Escocia para las ubicaciones, pero durante las dos semanas anteriores a la fotografía principal , el Departamento del Medio Ambiente de Escocia rechazó el permiso para el uso de los castillos en su jurisdicción, por temor a daños.

La película está trufada de anécdotas.  Al comienzo de "The Tale of Sir Robin", hay una cámara lenta que se acerca al paisaje rocoso (que en la voz en off se describe como "el bosque oscuro de Ewing"). Esta es en realidad una fotografía fija de la Garganta en el Parque Nacional Mount Buffalo en Victoria, Australia. Doyle declaró en 2000 durante una entrevista con la revista Hotdog que se trataba de una imagen fija filmada con velas debajo del marco (para dar una bruma de calor). Este fue un método de bajo costo para lograr un efecto de ubicación convincente.

En el comentario de audio en DVD, John Cleese describió el rodaje como un desafío así como el montaje.

Lo rodado en el Castillo de Anthrax en el llamado "The Tale of Sir Galahad", reconoce que  la toma más cómica no se usó porque era visible un pelaje anacrónico. Parte de las imágenes del Castle Anthrax se rodaron en Doune, donde la diseñadora de vestuario Hazel Pethig desaconsejó la desnudez y vistió a las chicas por turnos .

En la escena en la que los caballeros combatían al Conejo de Caerbannog , se usó un verdadero conejo blanco, cambiado por un muñeco tras su asesinato. Estaba cubierto de líquido rojo para simular sangre, aunque el dueño del conejo no quería que el animal estuviera sucio y no se lo sabía. El líquido era difícil de eliminar de la piel con lo que al final hubo problemas. Según explican en IMDB, se utilizó un conejo blanco real y un tinte rojo supuestamente lavable... Que no se lavaba tan bien como se esperaba, con gran enfado para el dueño del conejo.

También Cleese afirmó que pensaba que, si hubieran tenido más experiencia en el cine, el equipo habría comprado un conejo en su lugar. De lo contrario, el conejo saldría ileso. Además, los efectos de la mordida de conejo fueron hechos por muñecos diseñados por Terry Gilliam y el técnico de efectos especiales- SFX-, John Horton.

John Cleese (sir Lancelot, el caballero francés y otros) tenía miedo de cruzar el puente, que verdaderamente estaba encima de un desfiladero, y utilizaron un doble para que lo cruzara.

La escena del caballero negro se rodó después de tiempo y contó con la colaboración de solo siete personas: Terry Jones como director, Terry Gilliam (que era también director) interpretando al caballero verde y a Patsy, Graham Chapman como Arturo, John Cleese como el caballero negro, un técnico de sonido, el productor, que también fue el cámara, y el doble que interpretaba al caballero negro cuando solo tenía una pierna (aunque John Cleese volvió a ser el caballero negro una vez sin piernas). La idea de este mítico combate se le ocurrió a John Cleese rememorando una historia que había escuchado en la universidad. En ella, dos gladiadores romanos estaban tan destrozados tras una intensísima lucha que lo único que podrían hacer era empujarse el uno al otro con sus torsos.

En un documental   se reveló que Chapman sufría los efectos del alcohol y tenía temblores y ataques de olvido durante el rodaje. La adicción al alcohol de Chapman desde hace mucho tiempo, era un problema y decidió a partir de ese momento mantenerse "equilibrado" mientras la producción continuaba.

Algunas escenas se improvisaron. Por ejemplo, Sir Bedevere en su método para descubrir si alguien es o no es una bruja. La situación era tan hilarante que hasta los actores se ríen

Casi tres años después del Santo Grial , Chapman juró dejar de beber por completo (lo logró con éxito en diciembre de 1977).

Originalmente los caballeros iban a montar caballos de verdad, pero cuando quedó claro que el pequeño presupuesto de la película impedía caballos reales,  así que los Monty Phyton decidieron que sus personajes imitarían a los caballos mientras sus escuderos trotaban detrás de ellos golpeando conchas de coco . La broma se deriva del efecto de sonido pasado de moda que utilizan los programas de radio para transmitir el sonido de los cascos. Esto fue referido más adelante en el lanzamiento alemán de la película, que tradujo el título como Die Ritter der Kokosnuß ('Los Caballeros del Coco').

Los créditos iniciales de la película incluyen subtítulos que aparenta ser  suecos, y mal , que pronto se convierten en un atractivo para visitar Suecia y ver a los alces del país . Los subtítulos se detienen pronto, pero las referencias a los alces continúan a lo largo de los créditos reales hasta que los créditos se detienen nuevamente y se reinician en un estilo visual diferente y con referencias a las llamas , animales que a menudo se mencionan en Flying Circus .

Los subtítulos fueron escritos por Michael Palin como una forma de "entretener a la audiencia cautiva" al comienzo de la película. Los  títulos de crédito (subtitulados al suecol) con los que arranca la película dejaron su producción para el final y se quedaron sin presupuesto.

Como siempre desde ese momento había un número musical principal , en este caso es  Camelot que se convirtió en la canción más significativa de la película.

Monty Python y el Santo Grial tuvieron su debut en los cines del Reino Unido el 3 de abril de 1975, seguido de un lanzamiento en los Estados Unidos el 27 de abril de 1975. Fue relanzado el 14 de octubre de 2015 en el Reino Unido.

La película tuvo su estreno en la televisión el 25 de febrero de 1977 en CBS Late Movie . Según se informa, a los Phyton no les gustó descubrir que el canal hizo una serie de ediciones para reducir el uso de blasfemias y mostrar sangre. La compañía retiró los derechos y luego los transmitió en los Estados Unidos solo papar el canal público de los Estados Unidos, el PBS y luego por otros canales como IFC , donde se ejecuta sin cortes.

Las críticas contemporáneas fueron mixtas. Vincent Canby, de The New York Times, escribió en una crítica favorable que la película tenía "algunos puntos bajos", pero tenía chistes que eran "sin parar, ocasionalmente inspirados y no deberían ser divulgados, aunque no es demasiado revelador para decir que particularmente Me gustó una secuencia en la que los caballeros, para obtener acceso a un castillo enemigo, tienen la idea de construir un conejo de Troya ".

Charles Champlin de Los Angeles Times también fue positivo y escribió que la película, "como los comics de Mad , no es seguro que satisfaga todos los gustos. Pero su exuberancia juvenil y su engreimiento entusiasta son difíciles de no gustar. de hecho, la sensación de diversión es peligrosamente contagiosa "

Penélope Gilliatt de The New Yorker llamó a la película "a menudo graciosamente graciosa y algunas veces una cuestión de genio cómico".

Otras críticas fueron menos entusiastas. Variety escribió que la trama era "básicamente una excusa para piezas sueltas, algunas entretenidas, otras exageradas".

Gene Siskel del Chicago Tribune le dio a la película dos estrellas y media, y escribió que sentía que "contenía unos 10 momentos muy graciosos y 70 minutos de silencio. Demasiadas bromas demoraron demasiado en establecerse. , un rasgo compartido por ambos ' Blazing Saddles ' y ' Young Frankenstein '. Supongo que prefiero Monty Python en pedazos, en su formato original de televisión. "

Gary Arnold de The Washington Post calificó la película como "una parodia entretenida de las leyendas del rey Arturo" pero "bastante picante" en el ritmo, citando la mordaza de los subtítulos suecos en los créditos de apertura como un ejemplo de cómo los pitones "no saben cuándo soltar cualquier shtik ".

Geoff Brown de The Monthly Film Bulletin escribió en una crítica mixta que "las bufonadas visuales y juegos verbales del equipo (algunos buenos, algunos malos, pero sobre todo indiferentes) se amontonan uno encima del otro sin prestar atención a la sincronización o estructura juiciosa , y una forma que comenzó como un ataque desenfrenado sobre el boceto de la revista bien hecha y un mal uso ingenioso del estilo de presentación fragmentado de la televisión, amenaza con volverse tan inflexible y estéril como las convenciones a las que originalmente atacó.

Monty Python y el Santo Grial recaudó más que cualquier película británica exhibida en los EE. UU.    hasta ese momento. La reputación de la película creció con el tiempo. En 2000, los lectores de la revista Total Film votaron como esta película era la quinta mejor película de comedia de todos los tiempos.  La siguiente película de Python, Life of Brian , ocupó el primer lugar.  Una encuesta similar de televidentes de Channel 4 en 2005 colocó Holy Grail en el sexto lugar (con Life of Brian nuevamente encabezando la lista).

En 2005, la película engendró un spin-off musical de Broadway ganadora del Tony Award , Spamalot . Escrito principalmente por Idle, el programa tiene más de una trama general y deja de lado ciertas partes de la película debido a las dificultades para reproducir ciertos efectos en el escenario. No obstante, muchos de los chistes de la película están presentes en el espectáculo.

En 2011, un especial de ABC sobre las mejores películas de nuestro tiempo , contó entre las mejores películas elegidas por los fan según los resultados de una encuesta realizada por ABC y People . considerándola como la segunda mejor comedia después de Airplane! , o sea, Aterriza como puedas

En 2013, los Phyton  perdieron un caso legal ante Mark Forstater , el productor de la película, por las regalías por el trabajo derivado, Spamalot . Debían un total combinado de £ 800,000 en honorarios legales y regalías a Forstater. Para ayudar a cubrir el costo de estas regalías y tarifas, el grupo organizó e interpretó en un espectáculo de escenario, Monty Python Live (principalmente) , que tuvo lugar en el O2 Arena de Londres en julio de 2014.

La película recibió diversos Premios en 1976 como una nominación a los Premios Hugo a la Mejor Representación Dramática y como ya hemos dicho Eric  Idle ya en este milenio utilizó la película como base para el musical Spamalot 30 años después.

A destacar en ella su final original y sorprendente , las situaciones surrealistas , absurdas, humor inteligente, ironía una dura crítica a una sociedad anclada en las supersticiones, leyendas y en la ignorancia envueltas en leyendas caballerescas y mezclando fragmentos de Malory, C.S. Lewis y pasajes populares de la leyenda y los contrastan con los temas políticos, sociales e culturales de la época de los 70.

Experimentos cinematográficos

Hace años , cuando hice el curso sobre el centenario del cine , allá por 1995, recuerdo que hubo una sesión sobre el cine experimental. Al tratarse de un curso sobre la historia del cine los cineastas seleccionados fueron, entre otros, Fernand Léger y su Ballet Mécanique, que realizó junto a Dudley Murphy en 1924, L´étoile de mer de Man Ray (1930) o Witch's cradle, película filmada por Marcel Duchamp y Maya Deren, entre otras. Fueron películas que , sólo pude entender como una parte más de los ismos artísticos propios del siglo XX. 

Lógicamente comprendí con ella el significado de lo que se entiende como cine experimental. Se suele ver como un medio de expresión más artístico, que gusta romper de las barreras del lenguaje audiovisual y , por lo tanto, huye del cine narrativo o simplemente estructurado. En su manifestación usa recursos, muchas veces muy básicos, para expresar y hacer sentir emociones, experiencias, sentimientos, acrecentando su estético y artístico, buscando efectos plásticos o rítmicos, ligados a al tratamiento de la imagen o el sonido. 

 El cine experimental es un cine desvinculado de la industria, es un refugio creativo, por parte de las escuelas de cine, o por francotiradores con cámara e ideas de cambio. Por supuesto, rehuye del público amplio, quedando lo elaborado como algo marginal es su conocimiento.

La sesión de cine experimental, aparte de aquella sesión dedicada a El hombre con la cámara, película soviética de 1929 dirigida por Dziga Vertov, ha consistido en una recopilación de cortos de Guy Sherwin, Gunvor Nelson y Patrick Bokanowski. Un ojo, un bol de agua, una bicicleta, una mano sobre la cara y la cámara, unos padres, el pie de un bebé y un hombre en el espejo (Man with mirror) por parte del realizador británico Guy Sherwin. A estas creaciones se han sumado a la evolución de la vida en la obra True to life de la directora sueca radicada en San Francisco Gunvor Nelson, en el 2006. Por çultimo, se han sumado postales en movimiento junto a un lago o frente al mar. Compleja la sesión de hoy. Pero también original, diferente, dilatante, sorprendente, pictórica y agotadora por momentos. 

El británico Guy Sherwin nacido en 1948 después de haber formado en pintura en la Chelsea School of Art de Londres entró en los sesenta en el mundo del cine vinculandose con la London Film-Makers 'Co-operative ,(ahora LUX, que ha publicado gran parte de su obra) dedicada al cine de vanguardia , y comenzó a hacer performances y películas de corta duración que más tarde llegaría en forma de series en las llamadas Short Film series. 

En sus películas, Sherwin lleva a cabo una investigación plástica sobre el medio con el que trabaja, jugando con las diferentes velocidades e indagando las posibilidades de la luz, el movimiento y el sonido. Estas obras se basan en un plano de una duración sistemática de tres minutos, basada en un pensamiento básico que , sin continuidad secuencial , domina toda la película. Vive en Londres y enseña en la Universidad de Middlesex y en la Universidad de Wolverhampton. Su obsesión parece centrase en el concepto de la luz y el tiempo. Igualmente es un divulgador de la experimentación como he comprobado cuando ha participado en el llamado "Nicho Experimental", una organización independiente, creada en 2010, enfocada en ampliar la apreciación de la música experimental, haciendo énfasis en proyectos específicos que se realizan en vivo y que mantienen un festival "El Nicho". En la edición 2015, el Laboratorio Experimental de Cine - creo de Oaxaca en México participó con la coproducción de instalaciones organizadas en torno al cineasta inglés Guy Sherwin y la cineasta de Singapur Lynn Loo. Además de una charla sobre su trabajo se habló de la experimentación del Cine sin Cámara y la viabilidad de la experimentación sonora.  

De entre lo que vimos el programa comenzó con Eye (1978) realizada ajustando simultáneamente la apertura de la cámara y el brillo de una bombilla solitaria. Mientras que la luz se atenúa y la apertura se abre podemos ver el iris de un ojo abriéndose también. En sus comentarios nos enteramos que la protagonista es Stephanie era una estudiante de la Wimbledon School of Art, donde daba clases en esa época. Fue capaz de mantener la vista fija sin parpadear " en demasía". 

La segunda proyección fue Tap (1978) en el que vemos que un grifo que gotea perturba el agua, inicia una acción y establece un ritmo, como una nota de piano repetida debilitándose. Nos dice el autor que "estaba interesado en el juego de las superficies, el agua, la taza, las nubes reflejadas que se veían por la ventana. Una amplia apertura de las lentes ofrece una pequeña profundidad de campo con la que se puede seleccionar cada superficie". 

La tercera fue Cycle (1978) en la que una cámara aparece sujeta a la espalda de una bicicleta y graba los círculos con la bicicleta alrededor de un charco de agua acumulado en los caminos esperando secarse con el sol. Y nos comenta que "Mi sombra da vueltas por el encuadre". Cycle y  también se puede mostrar como instalación en loop proyectada en el suelo. 

La cuarta entrega fue Hand/Shutter (1976), una obra, tan simple como compleja. Hecha bloqueando alternativamente la lente de la cámara y tapando mis ojos, de modo que mi mano funciona como un obturador secundario respecto al de la cámara. 

La quinta fue Portrait with parents ( 1975). Este retrato fue la primera película de las Series de Cortos. El comenta que "Mis padres me visitaron y yo hice este retrato de los tres, en el que aparezco reflejado en el espejo, enrollando la película a mano. La cámara está colocada en un trípode de madera que se mueve suavemente al girar la manija". Durante la escena vemos la naturalidad de la madre, como se cruza una chica, como , desde el silencio clamoroso, se le habla a la cámara. Muy naïf, pero ¿no es una nueva visión del hombre de la cámara? 

Mei (2010) es la protagonista y el nombre de la hija más pequeña de Guy Sherwin. Unos días después de que le hubiera ayudado a nacer (la matrona llegó demasiado tarde) muestra la planta del pie y el pie en sí mismo, desenfocando la cámara. ¿El nacimiento de alguien no desenfoca la vida de los que le rodean? 

Por último , vimos de Guy Sherwin, Man with mirror , una obra que acabó siendo una performance cinematográfica que se inició en Inglaterra en 1976 y que culminó en 2010. Es una obra que ha sido interpretada en varias ocasiones hasta mediados de los años 80 en un primer momento, que después fue después abandonada por el autor, que no volvió a retomarla hasta el año 2000.

Desde entonces, Sherwin vuelve a interpretarla habitualmente. En ella vemos como por medio de un proyector de ocho milímetros (donde Sherwin proyecta lo que filmó en 1976) y él mismo situado, 35 años después, frente a ese proyector sosteniendo, al igual que en las imágenes de 1976, y usando una lámina de doble cara (por un lado una superficie blanca y por otra un espejo), consigue con ese efecto que une pasado y presente es simplemente mágico.  Hay un juego de imágenes, pero también de las formas geométricas que van oscilando de unas formas a otras  hasta que el hombre , en este caso Guy, se convierte en el protagonista absoluto.

Se trata de una performance lúdica y brillante, que surge de una extremada economía de medios y obtiene una eficacia máxima, y que aparece como una de las propuestas más originales que se hayan formulado en este periodo de intensa experimentación. Ejemplo de una forma artística que se situaría en el encuentro entre el cine y la perfomance, Man with mirror, mezcla la experiencia íntima y la reflexión sobre el medio en una obra cuyo propósito es a la vez el envejecimiento y la representación del espacio y del tiempo. 

La segunda autora experimental fue una mujer, Gunvor (Grundel) Nelson , la llamada cineasta inesperada que en 2013 participó en el Festival de Cine Europeo de Sevilla. Se trata de una cineasta que apuesta por las imágenes y sonidos que se superponen, en una suerte de juego rítmico de capas, en el que podemos ver la principal marca de Nelson como autora. Nelson, sueca pero que pasó un tiempo instalada en la Bahía de San Francisco, ya tiene una carrera dilatada, con 20 cortos, y más tarde se pasó al vídeo, realizando más tarde cinco piezas, y una instalación. Ella gusta de mostrar el poder estético de la naturaleza.

Obtuvo un Master en Artes en el Mills College en Oakland, California. Su experiencia docente incluye el San Francisco Art Institute de 1970 a 1992, después de lo cual se trasladó a Suecia en 1993. Otros puestos que ha ocupado incluyen un año en la San Francisco State University desde 1969 hasta 1970 y un semestre en 1987 en la Escuela del Art Institute de Chicago.

Su trabajo ha sido presentado en numerosos festivales europeos y norteamericanos, muestras individuales, y ha recibido varios premios y becas. Las películas de Nelson se mostraron de forma discreta en el circuito underground de la costas este y oeste de los Estados Unidos, hasta mediados de los años 70 cuando empezaron a obtener eco en la prensa a partir de fuentes diversas, desde los editores de Playboy hasta Pauline Kael.

En sus obras los temas que toca y relacionados con el mediometraje visto - True of life- está presente el envejecimiento y la muerte, y el simbolismo de las fuerzas naturales . Su talento para la edición de lo que son a menudo imágenes oníricas, en combinación con una fina atención a los efectos de la lengua y el sonido sobre la imagen en movimiento, sirven para afianzar la consistente estética de sus películas experimentales.

Ella considera que darle el nombre de películas experimentales a lo que hace le parece algo incompleto. "He hecho películas tanto surrealistas como expresionistas, pero yo prefiero el término 'película personal'. Eso es de lo que se trata. Aunque muchos no entienden el significado de la palabra. Por otro lado, puede ser más fácil referirse a ellas como películas de vanguardia. Pero me gusta la descripción de 'película personal', ya que surge de una persona. Cuando se pinta, el término que elijas será descrito por e el método, pintores de murales, por ejemplo, y así sucesivamente. Pero cuando se trata de películas nos falta capacidad para describir lo que realmente estamos haciendo".

En True to life (2006) toma lo de la cámara táctil al pie de la letra y se acerca lo máximo posible a flores y otros elementos vegetales, llegando a tocarlos y buscando planos que vayan más allá de la representación para, de nuevo, buscar formas abstractas. El roce del micro con los objetos está muy presente, tan en primer plano como las coloridas flores que llenan el cuadro. De nuevo, un protagonismo compartido que deja perplejo al espectador.

En True to life Gunvor Nelson toca de manera libre y natural la vida en un jardín y lo hace introduciendo la cámara en la naturaleza, y la naturaleza en la cámara para revelar una la nueva fuerza vital y el ciclo de la vida. La cámara con los colores , empezando con el color blanco de una escarcha espinosa donde se esbozan las paredes de una flor en ciernes. Con la cámara ella friega, barre la flor y el tallo hasta llegar al suelo.

La planta y la vida realmente crujen en el suelo del jardín. La lente penetrante es pesada en las hojas delicadas y en la retina del espectador. El resultado es una película en primerísimos planos, agotadora, cegadora , que te deja derrotado, como te derrota al final la vida. Al fin y al cabo, es un ciclo vital.

La última entrega han sido dos cortos filmados por el francoargelino Patrick Bokanowski. En este caso no se trata de "un lobo solitario" sino de una autor al que le gusta trabajar acompañado por una banda sonora de su esposa, Michèle Bokanowski pues , según él, la música, le añade una calidad táctil. Su manera de tratar el material fílmico es por medio de una investigación que lo lleva a la frontera de las artes ópticas y visuales, siempre en un "intermedio" para crear.

El autor pone en tela de juicio la idea de que la esencia del cine debe ser reproducir la realidad, es decir, nuestros hábitos de pensar y sentir. Sus películas contradicen la "objetividad" de la fotografía que es sólidamente esencial para la mayoría de las producciones cinematográficas globales. Los experimentos de Bokanowski, con el objetivo de abrir el cine a otras posibilidades expresivas -por ejemplo, la "deformación" de las lentes objetivas (aunque prefiere el término "subjetivo" )- dan testimonio de visiones puramente mentales que ignoran las representaciones convencionales que afectan a la realidad, dando al espectador de sus películas nuevas aventuras perceptivas.

El trabajo de Patrick Bokanowski puede considerarse como el inicio de la animación contemporánea. Este antiguo pintor, alguna vez ha reconocido que "al principio no estaba seguro de si mis deseos eran la fotografía, la escritura, el cine o la pintura. Sus películas se caracterizan por el uso del vidrio y otros materiales para cambiar la percepción directa de una cosa y con la necesidad de ver las cosas desde un ángulo diferente.

De este investigador óptico enamorado del cine y nacido en 1943 hemos visto dos obras. La Plage (1992), una obra en cuatro actos en las que vemos imágenes trabajadas y coloreadas que de personas que están en la costa. Al final transforma la pantalla en un lienza, dando lugar a una obra pictórica.

La segunda ha sido Au bord du lac (1994). Con ella Bokanowski regresa a la compleja red de arreglos ópticos de espejos, prismas y sustratos refractarios de su anterior película, La Plage, para crear el extravagante y lúdico Au bord du lac.

La película se compone de escenas cotidianas que son recreadas en un día soleado y idílico en un parque que domina un lago - remar un barco, jugar al voleibol, patinar, andar en bicicleta, leer un periódico, tomar el sol, montar a caballo , o dar un paseo por el paseo marítimo - todo ello es modificado o visto a través de distorsiones ópticas dando lugar a imágenes fracturadas y anudadas que se asemejan a las ilustraciones de cuento de hadas gótico embellecido, a patrones geométricos que parecen llevarnos al cubismo. Evocando los colores vibrantes y la paleta empañada por el sol de un vigorizado Vincent van Gogh en Arles, Bokanowski transforma lo cotidiano en un caleidoscopio dinámico infinitamente fascinante de texturas que cambian la forma y objetos auto-reconstituyentes del arte orgánico y abstracto.

Es curioso pero ante una pregunta realizada en la revista Avoir. alire en la que se le cuestiones sobre ¿Qué experiencia puede tener al espectador ver la película no convencional cuando ve sus películas, o la experiencia que él tiene cuando ve películas otros creadores? Responde que a él le atraen los realizadores más atrevidos, y sentencia diciendo que él nunca se embarcará en narrativas que ya ha visto mil veces. Puede que tenga razón, pero creo que el cine experimental está bien, pero en pequeñas dosis están mejor.

Nicholson voló sobre el cine

De este VHS me quedaba únicamente por ver “Alguien voló sobre el nido del cuco”. Curiosamente ha sido hoy el día que el diario “El mundo” publicaba un artículo sobre el 80 aniversario de su director Milos Forman. Las otras películas que lo componían ya han sido comentadas. 

One Flew Over the Cuckoo's Nest, o sea, Alguien voló sobre el nido del cuco es una película estadounidense de 1975 basada en la novela homónima de Ken Kesey que tuvo esta experiencia en un psiquiátrico mientras trabajaba en el Hospital de la Administración de Veteranos en Palo Alto, California..

Dirigida por el director checo Miloš Forman. El guión cinematográfico fue obra de Bo Goldman y Lawrence Hauben. Protagonizada por Jack Nicholson (Randle Patrick McMurphy) y Louise Fletcher (Enfermera Mildred Ratched) en los papeles principales, y secundados por otros actores de lujo como Danny DeVito (Martini) , Christopher Lloyd (Max Taber) , Brad Dourif (Billy Bibbit) y Will Sampson ("Jefe" Bromden) en los papeles principales, así como otros magníficos actores como William Redfield (Hardy), Vincent Schiavelli (Frederickson) o William Duell (Jim Sefelt)…

En la producción estuvieron presentes Michael Douglas y Saul Zaentz para la productora Fantasy Films, aunque la distribución recayó en United Artists. La música repetitiva al inicio y al final es obra de Jack Nitzsche basándose en la estructura de acordes de la canción "Please Release Me". La fotografía estuvo en manos de Haskell Wexler y Bill Butler, quien sustituirá al primero debido a diversas diferencias creativas con el productor Michael Douglas . El montaje fue obra de Sheldon Kahn y Lynzee Klingman. 

Ganadora de numerosos premios internacionales. One Flew Over the Cuckoo's Nest fue la primera película en 41 años en ganar las máximas categorías (película, director, actor, actriz y guion).segunda película en obtener los cinco principales premios de la Academia: Óscar a la mejor película, Óscar al mejor director, Óscar al mejor actor, Óscar a la mejor actriz, y el Óscar al mejor guión adaptado, hazaña que ya había sido lograda por It Happened One Night en 1934 y que luego fue lograda en 1991 por The Silence of the Lambs. Obtuvo además otras 4 nominaciones : mejor actor de reparto (Brad Dourif), al mejor montaje (Lynzee Klingman, Richard Chew y Sheldon Kahn), a la fotografía y banda sonora con los maestros antes señalados. Además obtuvo la pel´ñicula otros premios como el Globo de Oro a la mejor película dramática, el BAFTA a la mejor película y Premios David di Donatello: Mejor director y actor extranjero (Jack Nicholson). Está claro Nicholson voló sobre el cine. 

En los 133 minutos de este drama, Randle Patrick McMurphy (Jack Nicholson) ha cometido un delito por el que debería ir a prisión. Consigue en cambio que le envíen a un centro psiquiátrico. Allí se hace pasar por enfermo mental y logra que le ingresen en un departamento de cuidados especiales. 

Tratando de pasar el rato de la forma más agradable posible, organiza con sus compañeros, juegos y toda clase de diversiones, hasta el extremo de que infringe las normas de disciplina, situación que la enfermera jefe Mildred Ratched (Louise Fletcher) no está dispuesta a tolerar. 

Comienza entonces una lucha de voluntades entre McMurphy y Ratched. La trama de la película se centra en un personaje que es acusado por cinco casos de estupro y, por consiguiente, debe entrar en prisión por ello, pero debido a su aparente desequilibrio mental es trasladado al hospital psiquiátrico del estado para ser examinado. 

Este personaje llamado R.P. McMurphy, en realidad, no presenta ningún tipo de problema psiquiátrico sólo intenta eludir el ingreso en prisión. De ahí partirá la historia que prosigue con el internado obligatorio de McMurphy por ser considerado peligroso para la sociedad. 

 En el transcurso de su estancia en el hospital psiquiátrico será protagonista de numerosos episodios de descontrol entre los enfermos e incluso de huidas, suya y del resto de los pacientes, interrumpiendo la sosegada y cuadriculada vida de los enfermos. 

La enfermera principal del centro psiquiátrico, la señorita Ratched, es un ser totalmente estricto, ordenado, serio y autoritario. Ello se hace evidente en sus apariciones, siempre soberbias y pulcras, sin expresividad en su rostro, no se altera ante ningún hecho, es fuertemente represiva y poco compasiva. Siempre que no viste su uniforme lo hace de riguroso negro. 

En la película, se administra a todos los pacientes una cantidad considerable de medicación, además, si alguno se niega, se hace por la fuerza. Por lo que los pacientes consideran a la medicación como sagrada, adoctrinan lo que deben de tomar como si ello les fuese a salvar el alma. 

Si alguno de ellos se sale del orden establecido, se les castiga con descargas eléctricas (electro-shock), o incluso se les practica una lobotomía (como a McMurphy tras atacar a la enfermera Ratched). El ambiente del psiquiátrico es totalmente estricto, monótono y cuadriculado. 

Siempre hacen lo mismo, y en la única medida que pueden alumbrar algo de terapia psicológica, es cuando se sientan en círculo con la enfermera Ratched para dialogar sobre lo que sienten o lo que piensan. Aunque este hecho queda empañado por la enorme rigidez y represión que presenta esta particular enfermera. 

Por todo ello, es causa de desagrado de McMurphy, pues él desea hacer lo que le plazca y no se deja controlar, pero aun así, incluso McMurphy, se dirige hacia ella de forma respetuosa y educada (como se puede observar en la escena en la que McMurphy desea ver los campeonatos de béisbol). 

Otra escena que refleja la fuerte represión que produce la enfermera Ratched, es el momento en el que ésta dice que para ver los partidos de liga de béisbol, se ha de contar con el voto de todos los compañeros. En este momento McMurphy, piensa que contará con sus votos, pero éstos se muestran sumisos a los deseos de la enfermera Ratched. Destaca también la forma inquisitoria que adopta la enfermera Ratched al formular sus preguntas. Llega hasta tal punto de represión, que Billy es capaz de suicidarse por temor a las represalias de su madre cuando es encontrado en la cama con una chica. 

El caso de Billy es un claro ejemplo de la extrema represión, no sólo en el hospital psiquiátrico sino también, en su propia familia, lo cual puede ser el origen de su tartamudez. Hecho que queda implícito en la escena en la que Billy deja de tartamudear cuando está con la chica o cuando se enfrenta a la enfermera Ratched. Otra escena represora significativa, es el momento en el que la enfermera Ratched le dedica una sonrisa a McMurphy, por lo que se denota cierta atracción hacia él, pero claro, sería totalmente imposible, por lo que se muestra una imagen de la gran represora como la gran reprimida. 

Incluso tras el suicidio de Billy, ella trata de volver al orden, como si no hubiese ocurrido nada, volviendo a las actividades diarias. Se puede mencionar además que el orden del hospital psiquiátrico aparece como un negador de la chispa de la vida, de la libertad, coartando toda espontaneidad. 

A pesar de ello, y aquí viene lo más sorprendente, la mayoría de los pacientes se encuentran allí por su propia voluntad, pues son personas que temen a la realidad social, que no se encuentran integradas en ella, autoexcluidas, apartadas y sin el valor suficiente para enfrentar la terrible sociedad en la que vivimos. 

Por ello, no escapan cuando McMurphy se lo ofrece. Billy le responde que no es capaz de hacerlo. O el caso de Chief Bromden o Gran Jefe (como lo llama McMurphy), no es realmente sordomudo, sino que finge serlo para evadirse así de la realidad. Él mismo hace una alusión a la marginación que sufría su propio padre, lo que llevó a éste a la bebida, y ésta a la muerte: “no es él quien bebe de la botella, sino la botella quien se lo bebía a él". Además debemos de resaltar la obra de amor que realiza Gran Jefe cuando decide escaparse con McMurphy, pero decide quitarle la vida a su compañero con el fin de que no padeciera tras haber sufrido una lobotomía. 

Finalmente este personaje se arma de valor, se llena de vida y escapa como si volara por la ventana hacia la libertad. El título de la novela viene de una rima popular los niños americanos. que recuerda el Jefe Bromden en su estancia en el manicomio. Su abuela decía: "Uno voló hacia el este, uno voló hacia el oeste, y uno voló sobre el nido del cuco". 

Sin duda estamos ante una de las mejores películas de la historia del cine, pero sobre todo de la historia de la interpretación. El personaje principal McMurphy (Jack Nicholson), hace una interpretación realmente magistral de la vida en el centro psiquiátrico, y a lo largo de la película se lleva todo el peso emocional e interpretativo con su habitual gesticulación, que le da incluso más que de normal, un punto de genialidad a su actuación, y es ahí donde reside la grandeza de esta película, en que llegas a creer realmente que lo que sucede en el centro psiquiátrico escenario dela película puede ocurrir en la realidad. 

Y esta grandeza y realismo no viene sólo por Nicholson, sino por Louise Fletcher, cuya interpretación dictatorial e impositiva hace que la odies por su poca humanidad. 

Además, los secundarios, en este caso, los locos del manicomio, hacen un gran trabajo, cada uno con su diferente característica de locura, pero juntándolos a todos junto con los dos protagonistas, nos embarcan en una historia magnífica, que reside tanto en la gran actuación de los actores, como en una historia que resulta totalmente creíble.

En ella se nos cuenta la estancia en un manicomio de Randle Patrick Mc Murphy (Jack Nicholson), un vividor acostumbrado a constantes temporadas en prisión y que tras su último encuentro con la justicia decide hacerse pasar por perturbado y ser ingresado para evitar los trabajos forzados de la prisión, pues “un agradable hospital psiquiátrico es preferible a una temporada en la cárcel”. 

Sin embargo descubre una realidad muy diferente al comprobar que los internos, aún estando bien cuidados, se encuentran sometidos a la férrea disciplina de la enfermera jefe. La señorita Ratched (Louise Fletcher), bajo una máscara de dulzura y comprensión dirige el lugar con mano de hierro, controlando a trabajadores y especialmente a internos, a quienes somete cruelmente dentro de unas normas que no son sino la extensión del rechazo de ese mundo exterior que los olvida por su incapacidad para adaptarse. 

Pronto Mc. Murphy se convertirá en la voz de los encerrados, atacando con su rebeldía un orden tan rígido que había logrado que ni siquiera se escuchase una risa auténtica en el lugar. Pero enfrentarse al poder establecido cuando tu libertad y tu vida están en sus manos, pueden acarrear graves consecuencias. De todas maneras hay un estudio filosófico sobre la película que aparece en este enlace. 

La película tuvo un presupuesto de 4,4 millones de dólares, pero recaudó 112 millones sólo en los EE.UU. Jack Nicholson solicitó un porcentaje de las ganancias en lugar de un pequeño salario para una película de bajo presupuesto. 

La medida dio sus frutos cuando la película llegó a recaudar de más de $ 120 millones de dólares. Kirk Douglas poseía los derechos de la película durante mucho tiempo, antes de que su hijo Michael Douglas finalmente comenzara el proyecto. Kirk Douglas protagonizó en 1963 la producción de Broadway después de comprar los derechos de la película antes de su publicación, que más tarde pasó a los derechos cinematográficos de su hijo Michael Douglas , pero mantuvo un porcentaje de las ganancias. 

Todos los grandes estudios se habían negado a hacer la película durante el período ya que el quería interpretar el papel principal. Tras asumir Kirk que era demasiado mayor para el papel principal, se reunió con Milos Forman en Praga durante una gira del Departamento de Estado y le prometió que le enviara el libro después de decidir que iba a ser un buen director para la película, el libro nunca llegó, probablemente, confiscado por los censores del gobierno checo, que era comunista en el tiempo. 

Ken Kesey escribió un guión para la producción, pero Forman la rechazó porque Kesey insistió en mantener en primera persona la narración del Jefe Bromden . Milos Forman pensó inicialmente para el papel protagonista a James Caan, a Marlon Brando y a Gene Hackman , pero se decantó por Nicholson. 

Muchos extras eran auténticos enfermos mentales. El elenco y el equipo tuvo que acostumbrarse a trabajar con los extras y el apoyo a los sanitarios que se encontraban recluidos en el Hospital Mental del Estado de Oregon, cada miembro del elenco y el equipo profesional, inevitablemente, trabajó en estrecha colaboración con al menos dos o tres enfermos mentales. 

La escena de Jack Nicholson con el Doctor Brooks, el director del Psiquiátrico se basó en gran medida en la improvisación – incluyendo las preguntas acerca de la foto de pesca, el peso del salmón o el de la cadena y hablando de su condena por violación, las reacciones de Brooks eran auténticas ante la declaración del actor. 

El papel del capitán será interpretada por Mel Lambert , que era realmente un hombre de negocios local en lugar de un actor profesional, que tenía una fuerte relación con los nativos americanos en toda la zona, y fue él quien sugirió Will Sampson para el papel de Jefe Bromden. 

El director Milos Forman intentó sacar para la película las reacciones de los personajes en diversas escenas. En algunas escenas de terapia de grupo, hubo hasta diez minutos de reacciones grabadas sobre Jack Nicholson aunque este tuviera muy poco diálogo. 

La imagen de Louise Fletcher buscando fríamente a Nicholson después de regresar de una terapia de choque era en realidad su reacción irritada de la grabación de Forman. El guión decía que McMurphy debía besar aun guardia nada más llegar al hospital. Durante el rodaje, el director Milos Forman decidió que la reacción de la guardia ante el beso no era bastante fuerte y le dijo a Nicholson que besará a otro de los vigilantes. Esto sorprendió al actor que interpreta el segundo guardia en gran medida, y en algunas versiones se le puede ver la atención que le presta Nicholson. 

La película fue el debut de Brad Dourif (que recibió una nominación al Oscar como "Mejor Actor de Reparto"), de Christopher Lloyd y de Will Sampson , así como Tom McCall (ex gobernador de Oregon) y el Dr. Dean R. Brooks , director del Hospital Estatal de Oregon en Salem, la ubicación de la película. Louise Fletcher sólo se dio cuenta de que el papel de la enfermera Ratched fue un papel muy reñida entre las actrices más importantes del momento (Colleen Dewhurst , Shelley Duvall, Geraldine Page , Anne Bancroft , Ellen Burstyn , Lily Tomlin, Jane Fonda y Angela Lansbury), cuando un reportero al visitarla se lo mencionó casualmente. Louise Fletcher estaba tan disgustada con el hecho de que los otros actores podrían reír y ser feliz mientras ella tenía que ser tan fría y sin corazón que cerca del final de la producción se quitó el vestido y se quedó sólo en sus bragas para demostrar a los actores que no era "un monstruo sin corazón". 

Durante el rodaje, un miembro de la tripulación la instalación de cables dejó una ventana del segundo piso abierto en el Hospital Mental del Estado de Oregon y un paciente real subió a través de los barrotes y cayó al suelo, hiriéndose a sí mismo. Will Sampson , quien interpreta a Jefe Bromden, era un guarda parque en Oregon en un parque cerca de donde la película fue filmada. Fue seleccionado para el papel porque él era el único nativo americano del Departamento de Casting podría encontrar que coincidía con un tamaño increíble del personaje. 

El co-productor Michael Douglas estuvo explorando diversos lugares de la costa oeste, y eligió el Hospital Estatal de Oregon, porque el superintendente Dean Brooks acordó dar el acceso ilimitado cineastas. Una parte de la emisión de radio original de la NBC del Juego 2 de la Serie Mundial de 1963 se utilizó para la escena en la que los enfermeros están escuchando el partido por la radio. 

Cuando la filmación de la secuencia del viaje de pesca fue filmada en Depoe Bay, Oregon - el más pequeño puerto en el mundo -, todo el elenco de actores, excepto Jack Nicholson se mareó. La escena final fue rodada en una sola toma, mientras que la escena de la fiesta tuvo cuatro noches. En 1993, la película fue considerada "cultural, histórica o estéticamente significativa" por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry. 

La película fue exhibida en los cines de Suecia entre 1975 y 1987, lo que fue y sigue siendo un récord. Saul Zaentz productor de la película aparece como un hombre en el bus de salida de los internos. Anjelica Huston hace un pequeño cameo integrando parte de la multitud que espera el regreso de la barca con sus enfermos mentales.