Alto Secreto

Una comedia después de alguna decepción no viene nada mal. En este caso una comedia de los comediantes cinematográficos estadounidenses más prolíficos y famosos de los años ochenta como fueron el trío calavera formado por Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker que dieron con una clave del éxito cinematográfico: parodia que algo queda. Lo importante de parodiar es que tienes el control absoluto de la comunicación y de los elementos básicos de la comunicación o del lenguaje, en este caso aplicada a lo cinematográfico. 

Me explico y me alejo de los elementos reales de la comunicación cinematográfica que en este magnífico y claro enlace vienen recogidos, nada que ver con las tonterías que yo voy a decir. No se si recordaréis aquel primer tema de Lengua de COU que iba sobre los elementos del lenguaje. A mi de hecho me cayó en Selectividad. 

El lenguaje se compone de seis elementos: el emisor, el receptor, el mensaje , el canal, el código y el contexto. El emisor era la persona que transmitía algo a los demás pongamos en este caso a los directores que a su vez son los guionistas ( en este caso Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker, a los que su suma la pluma de Martyn Burke). El receptor que en este caso es el público que está en la sala de cine o en su casa. En tercer lugar estaría el mensaje que es la información que el emisor envía al receptor. Asumiendo que el canal es la pantalla la clave está en el código y en el contexto. Es el contexto y el código son respectivamente dos conjunto de términos , en el primer caso, que facilitan la comprensión del mensaje y , el segundo, de signos y reglas que conocen el emisor y el receptor. En el primer caso , el del contexto, los términos en la película son las palabras que usadas en su juego nos producen una sonrisa , pero sobre todo lo que funciona es el código que , conocido por el emisor y receptor, que en este caso es el homenaje en forma de un cocktail de parodias sobre las película bélicas, las de espías, la de los musicales protagonizados por Elvis Presley dan como producto una película de éxito, puede que no tanto como la primera gran parodia de esta cuadrilla: Airplane! aquí conocida como Aterriza como puedas, pero mantuvo el tipo y tono de las películas. En este caso fue Top Secret! . 

Esta película de Alto Secreto es una película estadounidense filmada en 1984, que supuso el debut de un actor que fue muy importante , Val Kilmer y en la que aparecen algunos integrantes de la nobleza cinematográfica de los sesenta y los setenta como Omar Sharif, Peter Cushing, Michael Gough y Jeremy Kemp, y que estuvo dirigida por David Zucker, Jim Abrahams y Jerry Zucker. 

La película fue una producción de Jon Davison y Hunt Lowry responsables de las productoras Paramount Pictures - que fue igualmente distribuidora- y Kingsmere Properties que contribuyeron con un presupuesto de $ entre 8.5 y 9 millones. 

Para dar caché y formato de gran película se contrató en la banda sonora a Maurice Jarre y participó igualmente John Williams. La fotografía fue de Christopher Challis, el montaje de Francoise Bonnot y Bernard Gribble 

El elenco estuvo integrado por Val Kilmer como Nick Rivers, Lucy Gutteridge como Hillary Flammond, Michael Gough como Dr. Flammond, padre de Hillary, Peter Cushing como propietario de la librería, Billy J. Mitchell como Martin, el agente de Nick Rivers, Jeremy Kemp como el General Streck, Christopher Villiers, como Nigel «La Antorcha», líder de la Resistencia. 

Junto a ellos aparecen Warren Clarke, como el Coronel Von Horst, Harry Ditson, como Rococó o Du Quois,uno de los miembros de la Resistencia, Jim Carter como Tour Eiffel o Déjà Vu, miembro de la Resistencia, Eddie Tagoe como Chocolate Mousse, miembro de la Resistencia, Dimitri Andreas, como Latrine, miembro de la Resistencia, y Omar Sharif el como Agente Cedric. También aparecen John Sharp como Maitre'D, Ian McNeice como vendedor de recuerdos ciegos, Gertan Klauber como el alcalde de Berlín, Richard Mayes como Vladimir Biletnikov, Tristram Jellinek como el Mayor Crumpler, John Carney como Klaus, Vyvyan Lorrayne como Madam Bergeron, Doug Robinson como el Sargento Kruger y Max Faulkner como Oficial de Alemania del Este. 

La historia se inicia con el agente Cedric en lo alto de un vagón de tren en Alemania del Este luchando contra un par de integrantes del Ejército de la DDR , la parte no democrática de la República Democrática Alemana (RDA) o DDR en alemán. Se enfrenta con ellos en la parte alta de un vagón y si bien uno cae , el otro un gigante capaz de romper con su cuerpo un puente, provoca que el agente Cedric tenga que lanzarse del tren. 

Tras esto nos enteramos que en la República Democrática Alemana (RDA) se va a desarrollar un acto cultural por los 25 años de la creación del estado. 

A ese acto cultural se invitarán algunos cantantes del Europa del Este, pero la estrella que pretende estar allí en la conmemoración se les cae y en su defecto es llamado una famosa estrella del rock americano Nick Rivers (Val Kilmer) que canta el rock surfing ("Skeet Surfin '"), que nos remite a los Beach Boys y se mueve por su aspecto juvenil como Elvis Presley. Tras ver el éxito de su música en las playas californianas nos encontramos como llega a Alemania Oriental para presentarse a el importante festival cultural acompañado de Martin su inseguro representante ( Billy J. Mitchell ) . 

Pero este hecho forma parte de un plan para distraer la atención del mundo exterior sobre lo que está sucediendo realmente: el Alto Mando de Alemania Oriental (representada como el régimen de Hitler ), encabezado por el general Streck (Jeremy Kemp), se propone reunir nuevamente las dos Alemanias bajo un sólo Gobierno. 

Tras llegar a Berlín, tiene lugar la presentación oficial del acto por el alcalde berlinés (Gertan Klauber) y en el mismo vemos a los artistas invitados. Casi de inmediato por las calles de Berlín un vendedor ciego de productos de goma (Ian McNeice) al que se aproxima el agente Cedric y que descubrimos que realmente es un agente encubierto. 

Después de varios episodios absurdos el agente Cedric va al lugar concertado en un complejo de depósito de coches y, en vez de presentarse su contacto, un mítico agente conocido con el nombre de "la antorcha", pero para su sorpresa el coche es metido en la trituradora de vehículos con él dentro. Tras eso tiene lugar una cena de gala. 

En la misma Nick se encuentra con Hillary Flammond (Lucy Gutteridge), un miembro del movimiento de resistencia local, que intenta evitar a las autoridades tras una operación de contacto igualmente fallida, finge ser su cita para conocerla, y tras ser presentado por el Maître del local (John Sharp) como un gran cantante , aunque se refería a un cantante de ópera soviético de nombre Vladimir Biletnikov (Richard Mayes), el que sale es Nick que interpreta una canción improvisada y un baile (" Tutti Frutti "), pensando erróneamente que se le pidió que lo hiciera, para deleite de Hillary y de los comensales, pero para la molestia del general Streck , el autor intelectual de la trama de la "reunificación". 

Más tarde, Nick, en otro acto cultural, ve a Hillary en un ballet, donde ella esperaba encontrarse con el líder de la resistencia, pero la policía la intenta detener. Nick la salva y tratan de escapar, pero Nick se entrega para que Hillary pueda escapar. Por esta razón Nick es llevado a una prisión donde lo interrogan y lo torturan, pero no sabe nada y no puede denunciar a nadie. 

Como su representante Martin no puede sacarlo, Nick opta por realizar un intento de fuga. En su fuga termina en el laboratorio de la prisión secreta del Dr. Paul Flammond (Michael Gough), un brillante científico que desarrolla la "mina naval Polaris", un dispositivo que puede destruir toda la flota submarina de la OTAN como parte del plan del gobierno. 

Los alemanes lo obligan a trabajar amenazando con matar a su hija Hillary. Nick es recapturado y programado para su ejecución. Los alemanes orientales deciden que Nick debe actuar para evitar un incidente internacional, y lo hace para la alegría arrebatadora de las chicas locales durante sus dos temas. 

Tras actuación es rescatado por Hillary al final de la misma , después de lo cual pasan la noche en el desván de una librería sueca al que van tras recibir instrucciones. El librero (el mítico Peter Cushing ) que con su ojo gigante le da ese alojamiento. Nick canta para ella (" Are You Lonesome Tonight? ") Y hacen el amor. 

A la mañana siguiente, son trasladados a la "Granja de papatas" donde se reúnen con miembros de la Resistencia francesa. El grupo es liderado por Nigel "La Antorcha" (Christopher Villiers), quien era un amante de Hillary desde que se quedaron varados en una isla en su juventud, una isla que nos remite a la película El Lago azul. 

En el grupo se encuentran igualmente Rococó o Du Quois (Harry Ditson) , Tour Eiffel o Déjà Vu (Jim Carter) , el resistente negro Chocolate Mousse (Eddie Tagoe) así como Latrine ( Dimitri Andreas). Nick está molesto por el amor residual de Hillary por Nigel, pero acepta que deben trabajar juntos por la causa. 

Después de luchar contra un ataque de los alemanes, son alertados de que en la Resistencia hay un misterioso traidor, tras eso van a un restaurante de pizzas, donde Nick demuestra que no es el traidor cantando para los locales con una de sus canciones (sospechosamente parecidas a las de Elvis Presley, The Beach Boys y Little Richard), Ahora el objetivo de Rivers y de Hillary Flammond (Gutteridge) junto a la Resistencia es liberar a su padre el brillante científico que está en manos de los alemanes y al que obligan a construir la mortal mina Polaris. 

El grupo de resistencia organiza un rescate del Dr. Flammond, donde Nigel y Du Quois o Rococó, se visten con un traje de vaca falso para desactivar las defensas de la prisión. Mientras los otros miembros se infiltran con éxito en la prisión, Nigel se revela como el traidor. El Dr. Flammond es rescatado, pero Nigel se va secuestrando a Hillary, y Nick se ve obligado a rescatarla en una pelea . Será el Doctor sacado del país en un avión.

Con el vuelo a punto de partir, Hillary decide irse con Nick y su padre a América. El bien ha vencido y la película terminado. 

La película fue rodada en Gran Bretaña en el verano de 1983. En concreto en diversos condados como Middlesex, Slough Berkshire, Cornwall, Buckinghamshire, Northamptonshire, Cambridgeshire. 

En concreto se rodó en Osterley Park House como si fuese Berlín en Isleworth (Middlesex), en Fulcrum entertainment centre, en Thames Hall (Slough Berkshire), en las playas de Holywell Bay de Newquay y en Godrevy en St Ives (ambas eb Cornwall) , en Rockingham Castle de la localidad de Corby (Northamptonshire) como la prisión y castillo, en Nene Valley Railway de Peterborough, (Cambridgeshire) , y sobre todo en los Pinewood Studios sitos en Iver Heath (Buckinghamshire). Las secuencias de surf se filmaron en Holywell Bay, Cornwall, Reino Unido (a unas pocas millas de la costa de Newquay, una popular ciudad de surf). Las palmeras eran falsas, y la choza de surf era, de hecho, la choza del salvavidas real (que todavía está allí). La playa es reconocible por las dos grandes formaciones rocosas ubicadas a la izquierda de la playa, aproximadamente a 100 metros del mar. 

Una escena cuando Nick llega por primera vez a Berlín muestra un mapa con solo los lugares "París", "Berlín" y "Pinewood". La película fue filmada en los estudios de Pinewood. 

La película se estrenó el 8 de junio de 1984 consiguiendo una taquilla que casi doblaba lo invertido -$ 20.5 millones- que había sido de $8.5 millones, cuando su antecesor Airplane! solo costó $3.2, pero muy por debajo de lo esperado sobre todo tras el gran éxito de Airplane! con lo que las expectativas del grupo ZAZ (Zucher, Abrahams, Zucker) no se cumplieron. 

David Zucker declaró que "Eramos fans de las películas en blanco y negro sobre la Segunda Guerra Mundial. Pero eso no era suficiente, queríamos hacerla contemporánea. Ese fue el concepto de ‘Top Secret!’: no necesitaba ser realista, tendría un alto grado de locura – incluso el tema que habiamos elegido era bastante loco, un híbrido entre los musicales de Elvis y las películas de espías. Y casi estaban trabajando en ello - como dice Aznar- desde el guión desde Airplane! "pero no pudimos averiguar cómo hacerlo. Hicimos intentos repetidos de combinar una película de rock and roll con una película de la Segunda Guerra Mundial, pero fue muy difícil de hacer ... Ya teníamos ideas para las escenas que queríamos Hacemos y tratamos de encajar en la trama alrededor de esas escenas ". 

Además del trío ZAZ contaron para el guión con Martyn Burke. "Si no fuese por Martyn nunca habríamos acabado," dijo Jerry Zucker. 

Kilmer fue contratado después de verle en la obra teatral Slab Boys con Sean Penn y Kevin Bacon.​ Val. que debutaba en el cine, y que en ese momento salía con Cher, triunfó en la prueba presentándose vestido como Elvis Presley. "Me gusta pensar que es el papel que Elvis nunca obtuvo pero que debería tener", dijo Abrahams. Las canciones que Val Kilmer canta en la película en realidad son interpretadas por el mismo Kilmer y se presentaron en la banda sonora de la película lanzada en 1984 bajo el nombre de Nick Mermer, el personaje de Kilmer. Se sacó un LP de la banda sonora de la película con el canto de Val Kilmer y bromas, como un tiempo de reproducción total muy breve, y desde entonces se ha convertido en un objeto de colección. Después de que Nick termina de cantar en el restaurante, se puede ver a un músico con una banda para la cabeza golpeando su guitarra. Esta es una referencia a Pete Townsend de The Who.

Para su compañera protagonista se eligió a Lucy Gutteridge, la valiente resistente hija del científico, que había trabajado en la Royal Shakespeare Company. En su autobiografía "The Varnished Untruth", Pamela Stephenson recuerda que hizo una audición para el papel de Hillary Flammond, pero luego escuchó a través de su agente de casting que Zucker, Abrahams & Zucker estaban buscando a una actriz francesa. Stephenson le pidió al agente de casting , Todd Smith, que le consiguiera una segunda audición, esta vez haciéndose pasar por la actriz francesa "Danielle Bergeronette". Al final de la reunión, se quitó la peluca y se echó a reír con los tres directores, pero aún no obtuvo el papel. 

A fin de garantizar un dispositivo de maquillaje adecuado, Peter Cushing se puso una máscara. Esta máscara permaneció almacenada durante más de 30 años hasta que fue utilizada por los artistas de efectos visuales durante la creación de ROGUE ONE para ayudarlos a generar una duplicación de captura de movimiento CGI de rasgos faciales de Cushings en el rol de Gobernador Tarkin. Fue de hecho la última aparición en una producción estadounidense de Peter Cushing. La mordaza visual de Peter Cushing y la lupa es una parodia de una foto similar de Cushing de La maldición de Frankenstein de Terence Fisher (1957). 

La escena en la que Hillary y Nick entran en la librería sueca fue puesta en escena, filmada y luego ejecutada hacia atrás para hacer que el diálogo suene "único". Si graba la escena y la reproduce al revés, encontrará que todo el diálogo es exactamente lo que se muestra en los subtítulos, excepto el título del libro que Hillary solicita. El título que realmente pide es "Europe On 5 Quaaludes A Day". 

Fue una película con ingenio y ese ingenio y humor (como el teléfono y el ojo gigante) se tuvo que aplicar a muchas cosas como a las vacas. Las vacas odian que les pongan cosas en el pie, así que para que una usara dos pares de botas Wellington, se tuvieron que cortar los fondos y luego las botas se unieron a las patas de la vaca con Velcro. 

Se muestra a Jeremy Kemp llevando la medalla The Blue Max alrededor de su cuello. Estuvo en la película de 1966, "The Blue Max", y su personaje en esa película ganó la medalla al obtener 20 muertes aéreas. 

Los directores estaban muy contentos de que Omar Sharif aceptara el papel de agente británico, por lo que lo invitaron a una cena después de que completara sus escenas. Sharif aceptó la invitación y le prepararon una cena muy especial. Pero no se presentó, y pronto se descubrió que ya se había ido de Inglaterra. Cuando más tarde se le preguntó por qué no había venido, respondió: "Es una tradición en mi cultura no 'rechazar' cualquier oferta. Ejemplo: alguien le ofrece una bebida, debe aceptarla aunque no la tome. . " Sin darse cuenta, ZAZ disfrutó de una cena muy cara, todos ellos solos. 

En la película con acento alemán se emplea mucho yiddish y el latín hablado por el sacerdote en la prisión de Fleurgendorf en el camino a la sala de ejecución son frases aleatorias, tomadas en parte de las profesiones religiosas, médicas y legales, con otras palabras y nombres. 

Como se menciona en los créditos de la banda sonora, la canción interpretada como el "Himno Nacional de Alemania Oriental" es una versión ligeramente modificada de la marcha de Shorewood, Wisconsin High School ya que Jim Abrahams, Jerry Zucker y David Zucker son todos alumnos de Shorewood High School. 

Por ultimo señalar que , a pesar de que hay cameos, no se acercan a los de su éxito anterior. Como señaló uno de los Zucker: "Ya habíamos hecho eso y no queríamos repetirnos" dijo Zucker."La lección que tomamos de la anterior. Se trataba de llenar 90 minutos con chistes, y tienes una película ", reflexionó David Zucker más tarde. "Con 'Top Secret', es muy divertido, pero en realidad no es una buena película. Realmente no tenía una trama o personajes reales o una estructura real". 

En cuanto a la crítica decir que Roger Ebert aplaudió el humor, señalando que "describir la trama sería un ejercicio inútil" y "Esta película irá alegremente a reír donde sea que sea posible encontrar una". 

Para el historiador de cine Leonard Maltin la describió como: "Probablemente una tontería, con muchas risas pero sin mucho ímpetu ... y ¿dónde está el final? 

Ya en España Fernando Morales en El País comenta que es "Desternillante y alocadísima producción que se sitúa entre lo mejorcito del tándem Abrahams-Zucker. Una comedia de espionaje llena de imaginación y con unos gags decididamente divertidos. Lo pasarán en grande."

Es una película entretenida, sorprendente en el sentido de ver a grandes actores interpretando pequeños papeles, pero no deja de ser una película intrascendente, con un grupo de directores y guionistas que conocen a los emisores , el contexto y los códigos que conoce el lenguaje cinematográfico en el sentido lingüístico, que te lleva a la sonrisa, pero no es un secreto a voces que está muy alejada de lo inolvidable. 

El año en que nació Big Brother

Hay cifras que a uno se le quedan grabadas y más aún si corresponden con un obra literaria y un autor. El autor es George Orwell y el título - un inolvidable-  1984 o Nineteen Eighty-Four en su versión original.

Orwell, escritor y periodista británico, nacido en la India, cuando estaba integrada en el Imperio Británico y cuya obra , entre las que destacan dos - Rebelión en la Granja y la citada 1984- tienen mucho de experiencias personales vividas por el autor en las tres etapas de su vida: su posición en contra del imperialismo británico que lo llevó al compromiso como representante de las fuerzas del orden colonial en Birmania durante su juventud; a favor del socialismo democrático, después de haber observado y sufrido las condiciones de vida de las clases sociales de los trabajadores de Londres y París; y en contra de los totalitarismos , tanto el nazi como el estalinista, tras su participación en la Guerra Civil Española. 

1984 (aunque escrita en 1949), fue escrita en sus últimos años de vida y publicada poco antes de su fallecimiento, y en la que crea el concepto de «Gran Hermano», que desde entonces pasó al lenguaje común de la crítica de las técnicas modernas de vigilancia. De todo ello surge el adjetivo «orwelliano» referencia al distópico universo totalitarista imaginado por el escritor inglés. 

Indudablemente 1984, libro que vi en la colección RTV que estaba en mi habitación desde que era un niño es una obra literaria que se transformó en película de ficción ese mismo año dirigida por el director británico Michael Radford y estrenada en 1984. 

Michael Radford curiosamente nacido en la India , en concreto en Nueva Delhi, en 1946 es conocido como director y guionista cinematográfico que desarrolló su carrera en parte en el documental para la BBC de Escocia estrenándose en el cine con Another Time, Another Place (1983), film que acabó siendo seleccionado para la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes de 1983 realizando al año siguiente esta de 1984. Muy recordada para bien fue su obra El cartero (y Pablo Neruda) (Il postino) (1994) como director y guionista y para mal por La Mula (2012) , basada en la novela de Juan Eslava Galán y los desencuentros que tuvo con los productores españoles. 

En este caso y para 1984 Michael Radford contó en la producción con Simon Perry y Marvin J. Rosenblum, quien dijo en una ocasión que esta película tenía "El mayor anzuelo de marketing que haya habido jamás para una película: una película de 1984 realizada en 1984." realizado para la productora Virgin Films y Umbrella-Rosenblum Films, contando con la distribución de la 20th Century Fox y un presupuesto de £5.500.000. 

La película seguía un guión de Michael Radford, basado en la obra de George Orwell. Para la banda sonora contó con la música de Dominic Muldowney con "Oceania, Tis for Thee", y canciones de Eurythmics. 

La fotografía es del multipremiado Roger Deakins, mientras que en montaje el responsable fue Tom Priestley. 

El reparto lo encabeza John Hurt como Winston Smith, que aparece acompañado por Richard Burton como O'Brien, Suzanna Hamilton como Julia, Cyril Cusack como Sr. Charrington, Gregor Fisher como Parsons. Junto a ellos están James Walker como Syme, Andrew Wilde como Tillotson, Corina Seddon como la señora Smith, Rupert Baderman como el joven Winston Smith, John Boswall como Emmanuel Goldstein, Phyllis Logan como la voz del Telescreen Announcer y Roger Lloyd-Pack como el camarero. También aparece Bob Flag como Gran Hermano (solo como imagen fija ) y Shirley Stelfox como la prostituta de $ 2.00. 

El prólogo de apertura de la película dice: "Quién controla el pasado controla el futuro. Quién controla el presente controla el pasado". Estamos en el futuro, en el año 1984. Winston Smith (John Hurt) un funcionario de bajo rango en un Londres , en concreto en la parte de una región llamada Franja Aérea 1, "... que alguna vez fue llamada Inglaterra o Britania" ​ integrada, a su vez, en un inmenso estado colectivista: Oceanía , un superestado totalitario, que comprende el Reino Unido, Irlanda, toda América, Australia, Nueva Zelanda y el sur de África en una zona regida por un gobierno totalitario liderado por el Gran Hermano. Su existencia, como la de todos está bajo la continua vigilancia de las autoridades de la Oceanía totalitaria. 

La sociedad de Oceanía está dividida en tres grupos. Los miembros "externos" del Partido Único, los miembros del Consejo dirigente o círculo interior del partido y una masa de gente, a la que el Partido mantiene pobre y entretenida para que no puedan ni quieran rebelarse, los proles.

Los miembros "externos" constituyen la burocracia del aparato estatal (de ahí la necesidad de la estricta vigilancia), viven sometidos a un control asfixiante y a una propaganda alienante que los desmoraliza y les impide pensar críticamente. 

El estado suprime todo derecho y condena a una existencia poco más que miserable, con riesgo de perder la vida o sufrir vejaciones espantosas, a aquellos que no demostrasen suficiente fidelidad y adhesión a la causa nacional. Para ello se organizan numerosas manifestaciones, donde se requiere la participación activa de los miembros, gritando las consignas favorables al partido, vociferando contra los supuestos traidores y dando rienda suelta al más desaforado fanatismo. Solo con fervor fanático se puede escapar a la omnipresente vigilancia de la policía del pensamiento. 

Los tres grandes Estados mantienen una guerra "eterna". Esta guerra se caracteriza porque siempre hay dos naciones que se alían contra la otra y siempre alguna nación acaba traicionando a su aliada para aliarse con su enemigo . 

Comienza con una guerra de Oceanía y Asia Oriental - donde impera la "adoración de la muerte" o "desaparición del yo" y comprende China, Japón y Corea- contra Eurasia, donde impera el neobolchevismo. Eurasia comprende la Unión Soviética (incluida la parte asiática) y Europa (excepto Islandia, el Reino Unido e Irlanda). 

Smith, es un trabajador del Ministerio de la Verdad. Se encarga de revisar las noticias y modificarlas para que sean publicadas. El Ministerio de la Verdad (Minitrue o Miniver) se dedica a manipular o destruir los documentos históricos de todo tipo (incluyendo fotografías, libros y periódicos), para conseguir que las evidencias del pasado coincidan con la versión oficial de la historia, mantenida por el Estado. 

El Gran Hermano suple a todo personaje político: él es el comandante en jefe, el guardián de la sociedad, el dios pagano y el juez supremo. Él es la encarnación de los ideales del Partido, el Partido ubicuo, único y todopoderoso que vigila sin descanso todas las actividades cotidianas de la población, al punto que inclusive, en las calles y casas hay dispositivos de vigilancia para conocer todos los actos de cada individuo ("telepantallas"). 

El Partido es la organización a la que han de pertenecer todas las personas, a excepción de los "proles", que con todo, constituyen la inmensa mayoría de la población. Estos últimos están mantenidos en la miseria más abyecta, pero se les entretiene de diversas formas por parte del Partido para preservarlos contentos en su situación. Prácticamente solo saben obedecer órdenes y se los considera incapaces de rebelarse; se les conceden los mismos derechos que a los animales y, de hecho, la Policía del pensamiento apenas los vigila: «a los proles se les permite la libertad intelectual porque no tienen intelecto alguno». 

La familia es apenas tolerada por la ideología del Partido; es una práctica común la denuncia de traición al Partido por parte de hijos pequeños a sus padres. 

Se critica permanentemente aquellos que han participado en El libro de Goldstein que dice que las tres naciones no creen en la victoria y no quieren que la guerra acabe, ya que el objetivo de la guerra es mantener al pueblo pobre, ignorante y que transmita todo el odio que siente por su precariedad contra países extranjeros. 

Mantener la producción armamentística, prácticamente el único tipo de producción abundante en esta distopía, también provoca un estado de guerra continuo entre los tres superestados, que han de seguir manteniendo dicha industria a toda costa. 

Ante esta situación, Smith (John Hurt) se esfuerza por mantener su cordura y su dominio de la realidad a medida que el poder e influencia abrumadores del régimen persigue el individualismo y el pensamiento individual tanto a nivel político como personal. Así que en su casa guarda escondida una libreta en la que escribe sus pensamientos y cuestiona los axiomas del Partido. Winston guarda este diario secreto de sus pensamientos privados, así creando evidencia de su pensamiento-crimen . 

Winston Smith se va volviendo consciente de que los retoques de la historia en los que consiste su trabajo son solo una parte de la gran farsa en la que se basa su gobierno, y descubre la falsedad intencionada de todas las informaciones procedentes del Partido Único. 

Su vida transcurre como la de cualquier otro ciudadano, salvo por una vocación por la reflexión, lo cual no les está permitido. Todos son vigilados constantemente a la vez que reciben mensajes sobre el desarrollo de la guerra en la que se ve inmersa Oceanía, mensajes de rebeldes que se arrepienten y claman en ser ejecutados, así como mensajes del Gran Hermano. Es famoso el lema: "LA GUERRA ES LA PAZ, LA LIBERTAD ES LA ESCLAVITUD, LA IGNORANCIA ES LA FUERZA". 

En su ansia de evadir la omnipresente vigilancia del Gran Hermano (que llega inclusive a todas las casas) encuentra el amor de una joven rebelde llamada Julia (Suzanna Hamilton), Julia es una compañera trabajadora del Partido Exterior , también desengañada del sistema político y a la que ha visto en uno de esos mitines de adoctrinamiento a inicios de la película. Ella le envía un mensaje. 

Se encuentran y entablan una relación amorosa, dentro de lo que les es posible. Una temeridad que la Policía del Pensamiento no está dispuesta a permitir, aunque sea la resistencia de dos contra una sociedad que se vigila a sí misma. 

El régimen tiene prohibido ese tipo de relaciones entre miembros del Partido interior, es decir entre los ciudadanos de Oceanía. 

Winston durante ese período es llamado por un dirigente del Partido, el que le proporciona "secretamente" material subversivo para su lectura. Winston siente factible la existencia de la resistencia y confía en que lo único que no podrán arrebatarle, de ser arrestado, son sus sentimientos. 

Su primer encuentro tiene lugar en el remoto campo donde intercambian ideas subversivas antes de tener relaciones sexuales. 

Poco después, Winston alquila una habitación encima de una casa de empeños (en el área proletaria menos restrictiva) regentada por el Sr. Charrington (Cyril Cusack) donde continúan su enlace. 

Julia, una joven sensual y de espíritu libre, compra comida y ropa de contrabando en el mercado negro, y durante unos breves meses se reúnen en secreto y disfrutan juntos de una vida idílica de relativa libertad y alegría. 

Juntos Winston y Julia creen afiliarse a la Hermandad, un supuesto grupo de resistencia dirigido por Emmanuel Goldstein —un personaje casi tan ubicuo y omnipresente como el propio Gran Hermano, el Enemigo del Pueblo, traidor a la Revolución y escritor de El Libro, el cual Winston lee hasta llegar a comprender los mecanismos del doblepensar, herramienta base de dominación del Partido—, y que es en realidad uno más de los instrumentos de control del Partido. 

Es en este momento en que se vida se convertirá en una pesadilla cuando pruebe el amor prohibido y cometa el crimen de pensar libremente. Al descubrir que los presuntos "miembros de la resistencia" formaban parte también del mecanismo represor.   Llega a su fin una noche, con el ataque repentino de la Policía del Pensamiento. 

Ambos son arrestados y se revela que hay una telepantalla escondida detrás de una imagen en la pared de su habitación, y que el propietario encantadoramente anticuado y aparentemente sensible de la casa de empeño, el Sr. Charrington, es un agente encubierto del Pensamiento. 

Winston y Julia son llevados al Ministerio de Amor para ser detenidos, interrogados y "rehabilitados" por separado. Allí, se encuentran a merced de O’Brien (Richard Burton), un cruel oficial decidido a destruir su libertad de pensamiento y a quebrantar su voluntad. O'Brien , un miembro de alto rango del Partido Interior al que Winston había creído anteriormente le acusa de ser un criminal de pensamiento y agente del movimiento de resistencia liderado por el archienemigo del Partido, Emmanuel Goldstein , sistemáticamente lo tortura. Winston es torturado, y tendrá que hacer frente a sus peores temores. 

Durante el proceso tendrá que ponerse en cuestión tanto sus ideas acerca de la realidad como sus sentimientos hacia Julia. Winston es obligado a reconocer que un enunciado evidentemente falso como 2+2=5 es en realidad verdadero. O'Brien instruye a Winston sobre el verdadero propósito del estado y lo instruye en una especie de catequesis sobre los principios del doblepensamiento : la práctica de mantener dos pensamientos contradictorios en la mente simultáneamente. 

Su fortaleza sorprende a los torturadores en la Habitación 101 , donde O'Brien le dice que será sometido a la "peor cosa del mundo", diseñada específicamente en torno a las fobias personales de Smith. 

Cuando se enfrenta a este horror insoportable, que resulta ser una jaula llena de ratas hambrientas y salvajes, la resistencia psicológica de Winston finalmente se rompe irremediablemente, y él histéricamente repudia su lealtad a Julia. 

Ahora completamente subyugado y purgado de cualquier pensamiento rebelde, impulsos o apegos personales, Winston acaba, tras largos e inhumanos meses, aceptando interiormente que la verdad es lo que el partido dice y no lo que su intelecto deduzca, o ni siquiera lo que sus sentidos perciban. Winston es restaurado a la salud física y liberado. 

En la escena final, Winston regresa al Chestnut Tree Café, donde había visto anteriormente a los criminales de pensamiento rehabilitados como eran Jones, Aaronson y Rutherford (ellos mismos prominentes pero luego deshonrados miembros del Partido) que desde entonces han sido "vaporizados" y han dejado de ser personas. 

Mientras se sienta en la mesa de ajedrez, Julia, que ha sido también torturada, se acerca a Winston, que también se "rehabilitó". Comparten una botella de Victory Gin e intercambian impasiblemente unas palabras sobre cómo se han traicionado. Actúan indiferentemente el uno hacia el otro. Ahora son dos extraños. 

La finalidad del Partido Único se ha cumplido pues de hecho el amor entre Winston y Julia ha desaparecido, reemplazado por el amor hacia el Gran Hermano, único sentimiento afectuoso tolerado por el régimen. 

Después de que ella se va, Winston ve una transmisión de sí mismo en la gran pantalla que confiesa sus "crímenes" contra el estado e implora el perdón de la población. Al escuchar un informe noticioso que declara la derrota total del ejército de Oceanía de las fuerzas enemigas ( euroasiáticas ) en el norte de África, Winston mira la imagen fija de Gran Hermano que aparece en la pantalla, luego se da vuelta y tiene lágrimas en los ojos. Así acaba la película. 

La obra publicada el 8 de junio de 1949, y publicitada entonces como una crítica a los regímenes totalitarios, nos traslada hasta una sociedad futura en el Imperio de Oceanía donde el Partido Único tiene un dominio incontestable y el ojo del Gran Hermano controla todo y a todos. Una sociedad maniatada donde todo atisbo de intimidad y libre pensamiento están terminantemente prohibidos.se alude a ella cuando se quiere denunciar cualquier tipo de opresión del poder y control sobre el ciudadano, también en nuestras sociedades modernas. 

1984 es —junto a títulos como 'Un mundo feliz' o 'Fahrenheit 451'— una novela clave dentro de la ficción distópica, un término que engloba obras que se centran en la perversión de la visión de una utópica sociedad futura donde todo funciona a la perfección y todos sus ciudadanos son felices. 

Sonia Orwell, la viuda de George, firmó el contrato para permitir que esta película se realizara, el 1 de diciembre de 1980, mientras estaba en el hospital. Nueve días después, la Sra. Orwell falleció. Originalmente quería tener control artístico total sobre la producción, pero al final, renunció a esto cuando aceptó los términos y condiciones del contrato y lo firmó. Eso sí, la Sra. Orwell finalmente acordó permitirle producir la película, solo bajo la estipulación de que no se usarán efectos especiales futurísticos de ciencia ficción para contar la historia. Se decía que la Sra. Orwell odió la versión de 1984 realizada en 1956, protagonizada por Edmond O'Brien y Jan Sterling . También se horrorizó ante la propuesta de  David Bowie de convertir el libro en un musical de rock a mediados de los años setenta. 

El productor Simon Perry dijo sobre la película que "La idea de hacer la película realmente me emocionó. Había leído el libro cuando tenía quince años, y me había impresionado enormemente. Convertirlo en una película sería claramente difícil, especialmente el corto tiempo disponible, si lo lanzáramos en el año del título, pero era la oportunidad de su vida ". 

En el invierno de 1983, el director Michael Radford le pidió a su productor que probara los derechos de la novela de Orwell, con pocas expectativas de que estuvieran disponibles. Resultó que los derechos estaban en manos de Marvin Rosenblum, un abogado de Chicago que había intentado por su cuenta hacer que se produjera una película de este tipo. Rosenblum aceptó convertirse en productor ejecutivo, y mientras el productor Simon Perry recaudó el dinero de producción de Richard Branson , dueño de Virgin, lo que tuvo sus consecuencias.

Radford escribió el guión, inspirado en su idea de hacer una "película de ciencia ficción hecha en 1948". El guión finalizó en tres semanas. A Hal Ashby , Milos Forman y Francis Ford Coppola se les pidió que dirigieran, pero todos declinaron. Hugh Hudson quiso dirigir, pero fue rechazado por los productores, ya que era desconocido en ese momento. El elegido por lo tanto fue Radford. 

Para el papel de O'Brien , Paul Scofield fue contratado originalmente para interpretar el papel, pero tuvo que retirarse después de sufrir una fractura en la pierna durante el rodaje de The Shooting Party . Ante esta situación, Anthony Hopkins , Sean Connery y Rod Steiger fueron todos considerados. Finalmente, Richard Burton, que vivía en Haití, se unió a la producción seis semanas después . 

Algunas fuentes de Internet afirman que la fotografía principal comenzó el 19 de marzo de 1984 y terminó en octubre de 1984. Sin embargo, la película fue lanzada ese mismo mes, y una tarjeta de título al final de la película afirma explícitamente que "fue fotografiada en y alrededor Londres durante el período de abril a junio de 1984, la hora exacta y el entorno imaginado por el autor ". El presupuesto originalmente era de £ 2.5 millones, pero aumentó durante la filmación y se requirieron fondos adicionales a casi el doble. 

Las primeras escenas de la película se filmaron en un hangar de la RAF en Hullavington cerca de Chippenham en Wiltshire . Algunas escenas ambientadas en Victory Square también fueron filmadas en el Alexandra Palace en Muswell Hill de Londres. Senate House (Universidad de Londres) se usó para fotografías exteriores del Ministerio de la Verdad . La Central eléctrica de Battersea o Battersea Power Station que está en Londres , en Wandsworth , fue la fachada de las Victory Mansions; y el Beckton Gas Works en los Docklands de Newham también en Londres fue utilizado como escenario de las zonas proletarias. El exterior de la casa de empeños, una escena de pub y una escena con una prostituta se filmaron en Cheshire Street , en Shoreditch, en el East End londinense, un área que Orwell había visitado y comentado en su primer libro, Down and Out en París y Londres . 

Los interiores de la cantina se filmaron en un molino de granos en desuso en Silvertown. En contraste, el idílico y onírico "País Dorado", donde Winston y Julia reparan su primera cita y que se repite en las fantasías de Winston, fue filmado en el condado de Wiltshire , en el suroeste, en un círculo natural de colinas llamado "The Roundway", cerca del ciudad de Devizes . 

Las escenas en el tren fueron filmadas en Kent y East Sussex Railway . Las imágenes en estudio se rodaron en los Shepperton Studios, de Shepperton en Surrey. 

También se rodó en la londinense Wood Green, La película fue filmada durante abril, mayo y junio de 1984. 

Los créditos de cierre declaran que "esta película fue fotografiada en Londres y alrededores durante el período de abril a junio de 1984, la hora exacta y el entorno imaginado por el autor ( George Orwell )"  , vamos, en los días anotados en el diario de Winston Smith. 

La escena en la que Smith ingresa a su departamento y escribe en su diario, fechado el 4 de abril de 1984, fue filmada el 4 de abril de 1984. 

En la película, los miembros del Partido Interior y Exterior se llaman "hermano" o "hermana" en lugar de "camarada" como en la novela. La película compartió varios lugares con la película Brasil de Terry Gilliam , que se filmó el mismo año. 

Durante la mayor parte del rodaje, durante la filmación, Richard Burton tuvo grandes dificultades para recordar sus líneas y, a veces, tuvo que filmar una escena docenas de veces antes de que pudiera hacerlo bien. 

La escena en el departamento de O'Brien donde O'Brien está hablando con Winston sobre el libro de Goldstein llevó un registro de cuarenta y una tomas para que Burton dijera su discurso sin perder el hilo. Esta fue la última película de Richard Burton antes de su muerte el 5 de agosto de 1984, a la edad de cincuenta y ocho años tal y como se indica al final de la película. Lo cierto es que el director y los productores se opusieron al casting de Richard Burton como O'Brien, sobre todo porque no había hecho una película en cinco años, y ya no se consideraba una atracción de taquilla. Sus últimas películas, Tristán e Isolda (1981) y Círculo de dos (1981), fueron filmadas en 1979 y no tuvieron un estreno teatral. Richard Burton fue la cuarta opción para el papel de O'Brien. Filmó todas sus escenas durante un período de tres semanas en mayo de 1984. La película está dedicada a Richard Burton . La dedicación durante los créditos de cierre dice: "Con amor y admiración. Richard Burton 1925-1984". 

Según Michael Radford, Richard Burton insistió en que su guardarropa fuera creado por Savile Row Tailors, a pesar de su personaje (junto con el resto del elenco) O'Brien vistiendo solo trajes de caldera durante toda la película. 

La publicidad de esta imagen informó que Sir John Hurt fue el único actor que el productor Simon Perry y Michael Radford alguna vez consideraron interpretar a Winston Smith. La película presenta un saludo que nunca se usó en la novela. Se realiza alzando los brazos hacia arriba y haciendo que las muñecas se crucen entre sí en forma de una pequeña V. Un saludo similar se ve en la película, Pink Floyd: The Wall (1982). 

Los soldados de Oceanía en la película llevan cascos del Ejército Rojo soviético, pintados de negro.Las noticias sobre telespectadores en Oceanía enfatizaron las cifras de producción, tal como lo hizo en la Unión Soviética, donde el establecimiento de récords en las fábricas (por "Héroes del Trabajo Socialista") fue especialmente glorificado. Las imágenes omnipresentes de Gran Hermano, un hombre de mediana edad con bigote, se parece al culto a la personalidad construido alrededor de Joseph Stalin en la URSS durante los años 1930, 1940 y 1950. 

La descripción de Emmanuel Goldstein, con una "pequeña barba de chivo", evoca la imagen de León Trotsky. La película de Goldstein durante la manifestación del Odio de dos minutos en la escena de apertura se describe como una muestra de que se está transformando en una oveja balando. Esta imagen fue utilizada en una película de propaganda durante el período Kino-eye de la película soviética, que mostraba a Trotsky transformándose en una cabra. El libro de Goldstein es similar al análisis sumamente crítico de Trotsky de la URSS, "La revolución traicionada", publicado en 1936. 

Las confesiones de los "Thought Criminals" Rutherford, Aaronson y Jones están basadas en los juicios show soviéticos de la década de 1930, que incluyeron confesiones inventadas por los prominentes bolcheviques Nikolai Bukharin, Grigory Zinoviev y Lev Kamenev en el sentido de que estaban siendo pagados por los nazis gobierno para socavar el régimen soviético bajo la dirección de León Trotsky. 

En la escena final, cuando Winston juega al ajedrez en el Chestnut Tree Café, toma una pieza blanca del tablero y contempla un movimiento. La disposición de las piezas en el tablero de ajedrez sugiere que está considerando una táctica de dar la vuelta y golpear al ejército negro opuesto desde atrás. Solo unos minutos más tarde, el presentador de la pantalla de televisión informa que las fuerzas de Oceanía acababan de derrotar al enemigo de Eurasia en África, utilizando la misma táctica. 

El director Michael Radford y el director de fotografía Roger Deakins originalmente querían rodar la película en blanco y negro, pero los patrocinadores financieros de la producción, Virgin Films, se opusieron a esta idea. En cambio, Deakins usó una técnica de procesamiento de película llamada derivación de blanqueo para crear el aspecto distintivo y deslavado de las imágenes en color de la película. La película es un ejemplo muy raro de la técnica que se está haciendo en cada impresión de lanzamiento, en lugar de la inter-negativa o inter-positiva; como la plata se retiene en la impresión, y el laboratorio no puede reclamar la plata, el costo es más alto, pero la plata retenida le da una "profundidad" a la imagen proyectada. El lanzamiento de DVD de 2003 (el único lanzamiento para restaurar la puntuación musical completa de Dominic Muldowney ) se masterizó a partir de los negativos originales (no una versión impresa) y, por lo tanto, inadvertidamente restauró la saturación de color original de la película. 

Michael Radford dijo una vez sobre esta película: "Hay actitudes de doblepensamiento a nuestro alrededor. (George) Orwell lo señaló en una forma muy extrema. Estaba escribiendo cuando el mundo acababa de experimentar un levantamiento de la derecha (nazismo), pero desde entonces tenemos un levantamiento de la izquierda (comunismo soviético), y ahora podemos ver ambos lados. Lo que he tratado de hacer es recorrer un delicado camino entre la sátira y la parodia, y dejar en claro que Orwell estaba ofreciendo una visión del totalitarismo derivado del mundo que él conocía. La película no es un pseudo-documental sobre lo que podría pasar si los soviéticos se apoderaran de Gran Bretaña. En la parte inferior, 1984 es sobre un ser humano, y eso es todo. Orwell era un filósofo de la decencia humana No hay referencias a nada que sucediera después de 1948. En cierto sentido, es una película de época. He tratado de hacer que la historia sea completamente real, aunque el escenario es completamente irreal. Todos se comportan de la manera más normal posible, lo que produce una efecto extraño y surrealista. Así es como sentir cuando lees el libro. Creo que esta es la primera película de ciencia ficción naturalista ". 

Virgin Films, de Richard Branson , la compañía de producción que financió la película, quería un acto pop comercialmente viable para componer la música de la película y aumentar su potencial de mercado. Originalmente, se acercaron a David Bowie , quien había usado la novela de Orwell como inspiración para algunas canciones en su álbum de 1974, "Diamond Dogs", pero exigió demasiado dinero para el trabajo. Optaron por Eurythmics , que inicialmente habían rechazado la oferta pero luego aceptaron. Michael Radford no conocía este plan y ya había contratado a Dominic Muldowney para componer la totalidad de la partitura musical de la película. 

Virgin Films ejerció su derecho de corte final, y reemplazó la mayor parte del puntaje de Muldowney con el puntaje Eurythmics, por el lanzamiento de la película (parte de la composición de Muldowney permaneció, particularmente el himno estatal, "Oceania, Tis for Thee"). 

Radford estaba disgustado con este desarrollo y tomó represalias al retirar la película para ser considerada para el premio BAFTA a la Mejor Película. Cuando la película ganó el premio Evening Standard a la Mejor Película del Año, Radford usó su discurso de aceptación en la ceremonia televisada a nivel nacional para denunciar la participación de Eurythmics contra su voluntad.

The Eurythmics publicó una declaración de que desconocían la disputa y que no habrían aceptado la comisión si supieran que se hizo en contra del consentimiento del director. La banda sonora de Eurythmics se lanzó como el álbum "1984 (For the Love of Big Brother)" en 1984; el puntaje completo de Muldowney finalmente se lanzó como un CD de edición limitada "Mil novecientos ochenta y cuatro: La música de Oceanía" en 1999, para conmemorar el décimo quinto aniversario de la película. 

Tras su estreno en los Estados Unidos, Vincent Canby dijo que la película era "admirable, absolutamente hermosa", aunque "no era una película fácil de ver". 

Roger Ebert dijo de ella que "penetra mucho más profundamente en el corazón de la oscuridad de la novela" que las adaptaciones anteriores, y describiendo a Hurt como "el perfecto Winston Smith". 

La película ganó el premio a la "Mejor Película Británica del Año" y Mejor actor en los Evening Standard British Film Awards. Allí fue donde Radford expresó su descontento con el tema de la música. En los Premios BAFTA fue nominada a Mejor diseño de producción .

En España fue premiada en la Seminci de Valladolid al mejor nuevo director y mejor actor, (Richard Burton). En Turquía igualmente fue premiada y ganó el Premio Golden Tulip en el Festival Internacional de Cine de Estambul en 1985.

Por mi parte diré que la película es un enorme trabajo interpretativo de John Hurt y una adaptación bastante cercana a la obra literaria. Desde luego la recreación de un Londres posapocalíptico está muy bien conseguido.

Es una película oscura y pesimista como siempre que hablamos del totalitarismo, y vemos hasta que punto puede levar a la degradación del hombre hasta cosificarlo y convertirlo en un ser servil. Portadora de imágenes impactantes e imborrables como el de las ratas durante el interrogatorio, momento en el que sufrí. 

La película es una buena referencia en lo literario , aunque es compleja desde el punto de vista de la narración si no la has leído previamente, pues hay momentos dónde situar a los personajes y lo que representan en un pelín complejo. Pero, desde luego es una película que merece ser vista y un homenaje al gran actor que fue y que murió prematuramente como fue Richard Burton. con un peso interesante en la película.  

París, Texas

París, Texas son tres historias en una. La historia de un reencuentro fraternal, la de un encuentro paterno filial y el reencuentro de una pareja. Es además una película integral en todos los sentidos. Tiene un sentido musical y visual hermoso. Además de una historia múltiple de amor coincidente con el dolor. Es una película que se va construyendo poquito a poco. Es ese sentido, es de cocción lenta, pero que da un magnífico resultado.

Paris, Texas fue dirigido por Wim Wenders y producido por Anatole Dauman y Don Guest . Y es una historia escrita por LM Kit Carson y Sam Shepard .

Y es que Wilhelm Wim Ernst Wenders (Düsseldorf, 14 de agosto de 1945) es un guionista, productor, actor y director de cine alemán fue , conjuntamente con otros alemanes de su tiempo como Werner Herzog, Fassbinder, y algunos más integrantes de lo que se vino a llamar el Nuevo Cine alemán, que , a diferencia del francés, no surgió de la crítica sino de auténticos técnicos del medio , como es su caso, con buena formación en cine tanto por lo visto - en 1966, en París, iba diariamente a la filmoteca - como por lo formado en 1967 finalmente comenzó a estudiar en la Escuela de Cine y Televisión de Múnich.

De 1967 a 1970, Wenders frecuentó la Hochschule für Film und Fernsehen , o sea, la Universidad de Televisión y Cine sita en Múnich, un centro de estudios superior cinematográfico de carácter público donde se formarán productores y directores como Bernd Eichinger, Roland Emmerich, Florian Gallenberger, Katja von Garnier o Mika Kaurismäki.

Ya en 1967 realizó su primer corto y empieza a colaborar como crítico en Filmkrit y Suddeutsche Zeitung. En 1972 realiza su segunda película , El miedo del portero ante el penalty, basada en una novela de Peter Handke, de quien se sentirá cerca toda su vida, desde 1967, y con el que trabajará una y otra vez. Desde entonces hará una película al año.

Desde 1974 e instalado en parte en los Estados Unidos (con Coppola y Fred Ross), Wenders comenzó lo que podría denominarse su etapa más prolífica, encadenando títulos experimentales como El amigo americano (Der amerikanische Freund), Lightning Over Water (Relámpago sobre el agua) (1980), documental sobre la agonía y muerte del director Nicholas Ray, que lo codirigió, y Hammett, 1982, El estado de las cosas (1982) con historias intimistas como Paris, Texas (1984), Cielo sobre Berlín (1987) o su secuela ¡Tan lejos, tan cerca! (1993).

En la película que nos ocupa , se trata de una Coproducción entre Alemania del Oeste (RFA)-Francia-Reino Unido-Estados Unidos; por medio de Road Movies Filmproduktion GmbH , la francesa  Argos Films ,  WDR ,  Channel Four Films  y  Pro-ject Filmproduktion , la distribución quedó en manos de la 20th Century Fox, siendo el presupuesto de la misma de algo menos de 2 millones de dólares, en concreto de $ 1.8 millones. 

De entre esas películas, París Texas tendrá una enorme repercusión. Lo mismo que el director, papel fundamental jugó el peso de uno de sus guionistas, Sam Shepard. Esto se debe a qué la película se inspiraba en un escrito del dramaturgo , escritor, músico y actor,ganador de un Premio Pulitzer; recientemente fallecido a consecuencia de la ELA, Samuel «Sam» Shepard Rogers III, uno de los dramaturgos contemporáneos más importantes de Estados Unidos y heredero de los grandes autores estadounidenses y producto de la contracultura de la década de 1960, que combinaba un humor salvaje, sátira, mito y un lenguaje característico para crear una visión subversiva y pop de los Estados Unidos.

Sus personajes, y aquí es una buena muestra de ello, se caracterizan por su franqueza, sus argumentos oblicuos, la aparición frecuente del absurdo, y por captar perfectamente el estilo y la sensibilidad del oeste de los Estados Unidos. En general son una mezcla de imágenes del Oeste, el arte pop, la ciencia ficción, el rock and roll y otros elementos de la cultura popular. También es habitual que planteen complejos problemas familiares. Aborda los problemas de la sociedad moderna, la alienación individual y los destructivos efectos de las relaciones familiares que dan lugar a personajes que suelen ser perdedores.

Si sus obras expresan un sentido de pérdida, de nostalgia por el mundo rural y los mitos populares destruidos por el pragmatismo, el dinero y el poder, en la película hay reflejada muchos elementos de su escritura. Esto se debe a su idea de que en el mundo moderno se ha roto la conexión entre mito, tierra, comunidad y sentido de la vida. Todo lo que nos queda, en sus propias palabras, son «ideas que no dicen nada en absoluto a nuestro yo interior». Pues bien,  todo esto se refleja en el guión que le encargó el director alemán Wim Wenders y estaba inspirado en el libro de Shepard, Crónicas de motel.

Pero sí esencial en la película es el tono impreso por Shepard no es menos cierto el papel en la banda sonora del angelino Ry Cooder, un virtuoso multiinstrumentista especialmente conocido por su trabajo con la guitarra slide, siendo uno d los más importantes instrumentistas de todos los tiempos con un estilo musical enraizado en la música tradicional norteamericana de pobres, negros y blancos, de los Estados Unidos, es decir , en el blues, country, folk rural y gospel.

Con estos mimbres amplió su recorrido incluyendo culturas en los márgenes de la sociedad americana. De hecho en este caso la musica de Ry Cooder da una impronta muy característica a la película. Cooder , como músico de estudio compuso muchas bandas sonoras para películas, como esta de París, Texas (1984).

Cooder basó esta banda sonora y la canción principal "Paris, Texas" en "Dark Was the Night" de Blind Willie Johnson, que describió como "La pieza más conmovedora y trascendente de toda la música estadounidense". Músico Dave Grohl ha declarado el puntaje de Cooder para Paris, Texas, uno de sus álbumes favoritos.

En 2018 Cooder le dijo a los oyentes de BBC Radio 4: "[Wenders] hizo un muy buen trabajo capturando el ambiente en el desierto, simplemente dejando que los micrófonos y la guitarra rodasen y obtuvieran tonos y sonidos del desierto en sí.

Según algunos críticos, la película es reconocida, entre otras cosas, por la forma como captura el espíritu de Texas mostrando de manera "majestuosa" los paisajes gracias al trabajo entre el músico , el director y el director de fotografía, nacido en Willemstad, Antillas Neerlandesas, Robby Müller.

Junto a Wenders trabajarían juntos en producciones como Alabama: 2000 Light Years from Home (1969). , Summer in the City, Alicia en las ciudades, En el curso del tiempo, The American Friend y Paris, Texas. Robby Müller tras su vínculo con Wenedrs pasó a ser uno de los directores más acreditados del cine independientes realizando películas como To Live and Die in L.A. de William Friedkin, The Tango Lesson de Sally Potter, My Brother Tom de Dom Rotheroe, Breaking the Waves y Dancer in the Dark, ambas de director Lars von Trier y , más atrde, las películas Down by Law, Mystery Train, Dead Man y Ghost Dog: The Way of the Samurai de Jim Jarmusch.

A esta conjunción estelar integrada por el director, el guionista, el músico y el fotógrafo se unió el papel del montador Peter Przygodda y la del actor principal Harry Dean Stanton en el papel de Travis Henderson, el eterno Travis.

Además de Harry Dean Stanton participa en la película Sam Berry como el asistente de la gasolinera, el actor alemán  Bernhard Wicki como Doctor Ulmer,  Dean Stockwell como Walt Henderson, el hermano de Travis,  Aurore Clément como la mujer de éste, Anne Henderson . Junto a eelos aparecen Claresie Mobley como la empleada de alquiler de automóviles cercana a Houston, Hunter Carson como Hunter Henderson. Aparece igualmente Socorro Valdez como Carmelita , Edward Fayton como el amigo de Hunter,  Justin Hogg como Hunter (a los 3 años), así como un breve pero intenso papel para  Nastassja Kinski como Jane Henderson. Por últimos en momentos puntuales aparecen Tom Farrell como hombre gritando sobre el puente, John Lurie como Slater, así como  Jeni Vici  y la banda Mydolls del prostíbulo. 

Paris, Texas es una road movie que comienza en Monument Valley en el que un amnésico hombra vaga por el desierto con medio galón de agua.

Descubriremos más tarde que es Travis Henderson (Harry Dean Stanton) que, después de salir misteriosamente del desierto del oeste de Texas, llega a Travis Henderson camina solo por el desierto del oeste de Texas , antes de tropezar con una destartalada estación de servicio en mitad de la nada. Tras conseguir un poco de hielo que se mete en la boca, pierde el conocimiento.

Momentos después un médico con fuerte acento alemán, el Doctor Ulmer (Bernhard Wicki) lo examina y determina que está mudo , pero descubre que en el pantalón hay un número de teléfono y lo llama.

La llamada es respondida por Walt Henderson (Dean Stockwell), hermano de Travis que vive en Los Ángeles. Walt no ha visto o no ha  tenido contacto con Travis desde hace cuatro años, y acepta viajar a Terlingua (Texas), la localidad en la que ha aparecido y está siendo atendido para rescatarlo. Walt es publicista y le va relativamente bien. Está casado con su esposa francesa, Anne (Aurore Clément) , y está preocupada por el asunto, ya que han adoptado al hijo de Travis, Hunter (Hunter Carson) , ya que  la madre biológica de Hunter, Jane, también está desaparecida.

Walt toma un avión que lo lleva a Texas . En el aeropuerto alquila un coche y llega a la perdido Terlingua, un poblado de carromatos en mitad de la nada.  Cuando Walt paga por los servicios, el Doctor Ulmer le comenta que Travis se ha fugado por la mañana. Walt toma el coche y se lo encuentra por mitad del desierto.

Tras verlo deambulando por el desierto, Travis sigue sin soltar palabra.  Los dos hermanos comienzan a conducir de regreso a Los Ángeles. Con Walt cada vez más frustrado con  el silencio de Travis, Travis finalmente pronuncia el nombre "París", pidiendo ir allí.

Walt erróneamente supone que se refiere a París , Francia. Más adelante en la carretera, Travis le muestra a Walt una fotografía de una propiedad vacía en París, Texas , que había comprado, creyendo que había sido concebido en esa ciudad.

Cuando van a montar en avión a Travis le da un taque de pánico , así que han de seguir el camino en coche y , con dificultades consiguen el mismo, ya que Travis se empecina en ella. Durante una parada en un bar de carretera Walt llama a casa , habla con Anne y, tras ello, le dice a Travis que si recuerda que tiene un hijo, Hunter, que ahora vive con él.

Los hermanos Henderson llegan a Los Ángeles, donde Travis se reúne con Anne y Hunter. Hunter, de siete años, tiene muy poco recuerdo de su padre y desconfía de Travis hasta que la familia ve una películas caseras de los días en que estaban todos juntos. Hunter se da cuenta de que Travis aún ama a Jane. La normalización en la casa no es fácil. El pequeño no siente contacto con el padre, y éste todavía se siente alejado de su hijo.

Un día, una vez que Hunter y Travis ya han comenzado a reencontrarse, Anne revela a Travis que Jane (Nastassja Kinski)  ha tenido contacto con ella, y hace depósitos mensuales en una cuenta bancaria para Hunter. Anne ha rastreado los depósitos a un banco en Houston .

Travis se da cuenta de que posiblemente pueda ver a Jane si está en el banco de Houston el día del próximo depósito, a solo unos días de distancia.

Ante esta posibilidad se compra una furgoneta, un Ford Ranchero de 1958,  es el vehículo elegido por Travis y le pide prestado dinero de Walt. Cuando le dice a Hunter que se va, en el recreo, Hunter desea ir con él, aunque no tiene el permiso de Walt o Anne.

A cierta distancia y ya atardeciendo Hunter llama a Walt y a Anne, que se encuentran preocupados y desconsolados por la posible pérdida del chica, algo que Anne lleva temiendo desde la aparición de Travis.

Travis y Hunter conducen a Houston, mientras Hunter relata el Big Bang y los orígenes de la Tierra. Cuando llegan al banco de Houston, Hunter identifica a su madre en un automóvil, haciendo un depósito en lo que parece un antiguo autocinema.

Hunter llama a Travis a través de un walkie-talkie. Despierta a Travis , que al igual que él, le ha cogido la situación durmiendo  , y ellos siguen un coche rojo por la autovía que rodea a Houston  llegando a un club de "peep-show" o de cabinas donde ella trabaja como chica ante los clientes.

Mientras Hunter espera afuera, Travis entra, descubriendo que el negocio tiene habitaciones con espejos unidireccionales , donde los clientes conversan con las strippers por teléfono.

Eventualmente ve a Jane en la barra del bar con un chulo y más tarde en una cabina, aunque ella no puede verlo, y se va.

Esa misma tarde Travis comienza el camino de regreso , aunque no se sabe a dónde. A mitad de camino en mitad de ninguna parte Travis para y entra en un bar, y bebe. Bebe uno y otra vez. A la mañana siguiente se monta en el coche y en el cruce de camino vuelve a tomar el camino de Houston.

Al día siguiente, Travis deja a Hunter en el Hotel Méridien en el centro de Houston, con el mensaje de que se siente obligado a reunir a la madre con su hijo, ya que se siente responsable de separarlos hace cuatro años, aunque todavía no sabemos el por qué.

Travis regresa al peep show. Al ver a Jane otra vez, y con ella aparentemente ignorante de quién es él, él le cuenta una historia, aparentemente sobre otras personas. Él describe a un hombre y una niña más joven que se encuentran, se casan . Son felices. Se rien juntos. Pero un día ella le dice que está embarazada y que van a tener un hijo. El hombre entra en ese momento en el circulo de alcoholismo, mientras que la joven esposa sufre de melancolía y sueña con dejar a la familia.

El hombre también sueña con retirarse a un lugar desconocido "sin lenguaje ni calles". Un día tuvo lugar un incendio en la casa remolque , después de un incidente de abuso doméstico , finalmente el hombre separa a la familia.

Finalmente, Jane se da cuenta de que está hablando con Travis. Éste le pide que apague la luz y que encienda una lámpara. En ese momento Travid y Jane se ven las caras. Ella llora desconsolada. Él le dice que Hunter está en Houston y que necesita a su madre. Jane ha anhelado reunirse con su hijo y , por la noche, entra en la habitación del hotel donde Hunter espera, mientras Travis observa desde el estacionamiento y observa el reencuentro. Se sube a su vehículo y se marcha acabando así la película.

El director de Alemania Occidental, Wim Wenders, viajó a los Estados Unidos y dijo que deseaba "contar una historia sobre Estados Unidos".  Así que se centró en las historia escrita por el compañero sentimental de Jessica Lange y optó por desarrollarla en la ciudad de París , en Texas, aunque la misma  no aparece en ninguna escena. siendo únicamente la ubicación de un lote desocupado propiedad de Travis que se ve en una fotografía, y se utiliza como una metáfora.

Wenders había tomado fotografías de este tipo mientras exploraba el lugar en el oeste de los Estados Unidos al principio de su carrera, fotografiando lugares como Las Vegas y Corpus Christi, ambas en Texas .

El guionista Sam Shepard se reunió con Wenders para hablar sobre lo que quería. El proyecto de Wenders, inicialmente se centraba en Hammett , pero Shepard dijo que no estaba interesado en escribir sobre o como Hammett , pero consideraron adaptar una obra menor de Shepard, Motel Chronicles , y desarrollaron una historia entre  hermanos, en el que uno había perdido la memoria.

Su guión creció a 160 páginas, y con ella lo que fue inicialmente una historia de relación hermano-hermano disminuyó en importancia, y se consideraron numerosos finales.

Poco después se configuró de forma mucha más clara cuando se consiguió la financiación para el proyecto desde la productora alemana, por entonces de la RFA, Road Movies Filmproduktion GmbH. Entrando en el mismo como productores Anatole y Pascales Dauman, Don Guest y Chris Sievernich, este último como productor ejecutivo.

Tras eso llegó la selección de personal. En este caso de los actores, pues el equipo técnico estaba más que definido.

Para el papel principal el elegido fue Harry Dean Stanton, un gran secundario, que  había aparecido en más 100 películas antes de París, Texas , con pequeños papeles que iban desde La leyenda del indomable o  Cool Hand Luke o alguna de Sam Peckinpah  como la de Pat Garret y Billy The Kid.

Tras seleccionar a Stanton como  Travis , éste declaró que: "Después de todos estos años, finalmente conseguí el papel que quería hacer". Sin embargo, Wenders también dijo que Stanton estaba inseguro de su parte, y la disparidad de edad entre él y la joven Nastassja Kinski que también fue rápidamente seleccionada. Kinski escribió un diario para el personaje de Jane para desarrollar su historia de fondo, imaginándola como una chica que emigra de Europa, y que  intenta conseguir el mayor afecto posible de Travis que de cualquier otra persona.

Wenders declaró que había descubierto a Dean Stockwell, ya que estaba preparado para dejar de actuar, sin encontrar papeles deseables y considerando comenzar una carrera en el sector inmobiliario.

Para el papel de chico el elegido por el reponsable del casting, Gary Chason, fue Hunter Carson,  el hijo del coguionista LM Kit Carson , y aceptó actuar mientras estuviese acompañado por su madre, Karen Black , quien lo ayudó a memorizar el diálogo.

Según Stockwell, su personaje en los primeros borradores iba a viajar con Hunter, Travis y Anne antes de que Anne volviera a Los Ángeles y Walt se perdiera en el desierto, en paralelo a Travis en la primera escena. Las partes de Stockwell y Aurore Clément se redujeron posteriormente

Para el rodaje,  Wenders dijo que la película se filmó en solo cuatro o cinco semanas, entre septiembre y diciembre de 1983, con solo un pequeño grupo trabajando las últimas semanas, un equipo muy pequeño y un rodaje muy rápido. Hubo un descanso en el rodaje durante el cual se completó el guión. La película se rodó entre California, Texas y alguna localización en Nuevo México como Deming. En California se rodó en el área de San Bernardino, en Cabazon, en Acton , Burbank y su aeropuerto el Hollywood Burbank así como en el Thomas Jefferson Elementary School , en la zona californiana de mi querido - ya que lo he cruzado y he paseado por el mismo - de sierto de Mojave, en San Fernando Valley con sus carreteras tales como San Fernando Road & State Highway 14 o Interstate 5 & State Highway 118, y varios puntos de Los Ángeles como 10060 Olivia Terrace Los Angeles o en la angelina Lanark Street & Edmore Place de Sun Valley . Por su parte, en Texas se rodó en puntos de la ciudad de Marathon, en el Big Bend National Park, en Nordheim, en el aeropuerto texano de El Paso, en Port Arthur, en la agreste Terlingua, en Brewster County y sus carreteras , en Fort Stockton, en Galveston, en la parte texana de Four Corners, en Port Arthur, y en muchos puntos de Houston tanto de la ciudad como del área circundante.

La cineasta Allison Anders trabajó como asistente de producción en la película.  La filmación se produjo en gran medida en Fort Stockton y Marathon en la región Trans-Pecos del oeste de Texas.

La película marcó la primera vez que Wenders evitó el storyboard por completo, pasando directamente de los ensayos al rodaje.

El rodaje ya comenzó en 1983 cuando el guión aún no estaba completo, con el objetivo de filmar en el orden de la historia. Shepard planeó basar el resto de la historia en su comprensión de los personajes y las observaciones de los actores. Sin embargo, cuando Shepard se involucró en otro trabajo, envió a Wenders notas sobre cómo debería terminar el guión.  Shepard acreditó a Wenders y a LM Kit Carson en la idea de un peep show y los actos finales de la historia.

Los cineastas optaron por no retratar un peep show realista, ya que necesitaban un formato que permitiera una mayor comunicación entre los personajes.  Kinski no podía ver a nadie, solo un espejo, en las escenas de peep show, y dijo que esto creaba una genuina sensación de soledad.

Los desafíos surgieron cuando la película se quedó sin dinero, pero Wenders se sintió alentado cuando completaron la escena con Kinski, y comentó: "me di cuenta de que íbamos a tocar a la gente a lo grande. La idea me asustó un poco".

Robert Phillip Kolker y Peter Beickene escribieron que la película representa a los EE. UU. como "una tierra de fantasía, un lugar de imágenes llamativas, una puesta en escena del desierto y la ciudad". Aparte del paisaje, hay referencias a la cultura y cine estadounidense,  y similitudes con la película The Searchers de John Ford de 1956 por ejemplo en el inicio de en Monument Valley o en la búsqueda a través del desierto.

El académico Roger Cook argumentó que hay una conexión entre el personaje de Travis y su entorno observable en el viaje a California. El personaje se mueve gradualmente de la "desolación" a la civilización, y Travis continuamente intenta separarse de esta difícil transición.

El profesor Thomas Elsaesser habló sobre cómo París, Texas encaja con la descripción de mujeres de Wenders, y dice que muchos de los viajes en su filmografía son para encontrar a una mujer en particular. En el caso de Paris, Texas , esto es con el objetivo de "escapar de ella 'ahora' para encontrarla como era 'entonces'".

Otros críticos, Kolker y Beickene comentaron sobre la falta de tacto, o incluso la "satisfacción emocional" entre Travis y Jane al final, aparte de que sus rostros se fundieran en el espejo y sus discusiones sobre sus emociones.

El profesor Marc Silberman examinó cómo la identidad personal también es un tema en la película, ya que el nombre "París" es engañoso, conjurando imágenes de Francia pero refiriéndose a Texas. Esto es evidente en lo que Travis llama el "chiste de papá" acerca de que la madre de Travis es de París, y su creencia de que fue concebido allí le hace creer que ir allí logrará la autorrealización.

Elsaesser creía que el final significaba que Travis enviaba a Hunter en su lugar para reunirse con Jane.  Elsaesser descubrió que este es un ejemplo de un sistema complicado en el que varios personajes se ven a través de la fantasía y se rehacen unos a otros como lo desean.  El padre de Travis había visto a su madre como parisina, y no lo que era, una hispana, y esto se convirtió en "una obsesión enfermiza".

Cook opinó que regresar al santuario de la carretera es la respuesta de Travis a haber sufrido la peor experiencia moderna de Estados Unidos, entregar a su hijo a la madre del niño.

El escritor Stan Jones sugirió que la historia involucra una teoría europea de la percepción, a medida que Travis evoluciona como un personaje desde el que percibe, hasta una fuerza motriz, volviendo a percibir, y luego retirándose. Jones citó al crítico francés Jean-Louis Comolli : "Nunca pasivo, un espectador funciona".  El final también puede sugerir la esperanza de un nuevo comienzo para Jane y Hunter.

El mismo Wenders dijo que marcó el comienzo del próximo capítulo en su propia filmografía, explicando la salida de Travis: "Esta escena para mí tuvo un efecto liberador ... Lo dejé desaparecer a mi manera, y todo mi anterior masculino los personajes se fueron con él. Todos se instalaron en una casa de retiro en las afueras de París, Texas ".

A pesar de que  París, Texas es una road movie  el crítico de The Guardian Guy Lodge sugirió que también podría considerarse una película del oeste .

El ya citado Stan Jones notó que Mark Luprecht había clasificado a París, Texas como una tragedia y había detectado temas edípicos en su descripción de la familia.

En cuanto al estilo señalar que París, Texas es ,a nte todo, una película de imágenes y música. En ella el papel de paisaje y del clima de Texas está omnipresente. La apertura ofrece una perspectiva aérea del desierto seco.

El diseño de producción de la película fue de Kate Altman. El director de fotografía Robby Müller que había trabajado frecuentemente con Wenders hace un trabajado fotográfico impresionante en París, Texas , combinando azules y rojos , luminosidad, incluso en las escenas oscuras absolutamente brillantes. El director escocés, Steve McQueen definió como "un lenguaje visual para capturar lo que parecen ser los hombres que mueren a cámara lenta" .

Para el crítico de cine Lee Hill también   comparó la fotografía con el arte de Edward Hopper y Edward Ruscha .

La película está acompañada de una partitura de guitarra deslizante por Ry Cooder , empleando Blind Willie Johnson " Dark Was the Night, Cold Was the Ground ", que Cooder elogió como "la pieza más trascendente en toda la música estadounidense". Su inicio es la inolvidable entradilla del que fuera imprescindible programa de TVE ,  Documentos TV, que tan buenos reportajes nos presentó desde hace más de dos décadas.

Nick Roddick, editor de Screen International , escribió que la música da "una calidad de anhelo ante la desolación del paisaje".  En 2018, Cooder reveló una fuente de inspiración específica durante una entrevista en BBC Radio 4 : "[Wenders] hizo un muy buen trabajo al capturar el ambiente en el desierto, simplemente dejando que los micrófonos ... adquieran tonos y el sonido del desierto mismo, que descubrí estaba en  clave musical... ese es el viento, fue agradable. Así que sintonizamos todo  en esa clave".

París, Texas compitió en el Festival de Cine de Cannes de 1984 , un 19 de mayo de 1984 , con Wenders afirmando que Stanton estaba tan ansioso por ir a Cannes que contrataron a Sean Penn para ayudar con los preparativos de Stanton para la proyección.

Roddick comentó que la interpretación afectiva de la película de los Estados Unidos fue bien recibida por los cineastas europeos en Cannes en un momento de alto antiamericanismo , dada la presidencia de Ronald Reagan .

El recorrido de la película no fue fácil pues hubo conflictos entre la compañía y la distribuidora  Filmverlag y Wenders sobre cuántas copias de París, Texas deberían ser lanzadas en Alemania Occidental después de Cannes, así que le negaron inicialmente un estreno teatral allí, . Road Movies lanzó una demanda para romper vínculos con Filmverlag, y la película llegó a los cines  de la Alemania Occidental ocho meses después.

Se proyectó en el Festival de Cine de Sundance en 1985 y nuevamente en 2006 como parte de la categoría de la Colección Sundance .

Regresó a Cannes para la sección de Cannes Classics del Festival 2014 , después de ser restaurado por Cinepost.

El  2 de noviembre de 1984  se estrenaba en los Estados Unidos. La taquilla no fue elevaba y, prácticamente  se llegó a poco más de lo invertido, $ 2.2 millones .

La recepción crítica fue elogiosa. En Estados Unidos el "pope" de la crítica Roger Ebert del Chicago Sun-Times dijo de ella que "Paris, Texas es una película con el tipo de pasión y voluntad por experimentar que era más común hace 15 años que ahora.  Tiene más vínculos con películas como Five Easy Pieces y Easy Rider. y Midnight Cowboy , que con los elegantes juegos de arcade que son los ganadores de taquilla de los años 80. (...) Es veraz, profunda y brillante. (...) "

Para Jonathan Rosenbaum en otro diario de Illinois, el Chicago Reader firmaba su columna diciendo que "Tiene un atractivo épico (con una excelente fotografía en color de Robby Müller) (...) Trata en gran medida de los espacios que hay entre las personas y lo que estos dicen"

Para  Vincent Canby del  The New York Times "'Paris, Texas' empieza tan bien y de forma tan lacónica que cuando, aproximadamente a los 3/4 de la película, empieza a hablar más y a decir menos, te entran ganas de gritar que se calle."  Vincent Canby añadió "La película es maravillosa y divertida y lleno de emoción real, ya que detalla los medios por los que Travis y el niño se reconcilian. Luego sale volando por la ventanilla del automóvil cuando padre e hijo deciden irse a Texas en busca de Jane ".

En  Variety Holly Willis  elogió la cinematografía y acreditó a Wenders por un digno retrato europeo de los EE . UU.  y Willis  escribió que "Lo que realmente impresiona es la visión del escritor-dramaturgo Sam Shepard (...) Es una película hermosa (...) 'Paris, Texas' es cine de autor refinado"

Noel Murray de la revista Rolling Stone dijo de ella que era "[Una] obra maestra desgarradora y profundamente americana (...) El clímax (...) presenta un sorprendente monólogo que es una de las interpretaciones más hipnóticas jamás grabadas"

Por su parte, A.A. Dowd de AV Club afirmaba que "Parece más profunda cuando dice lo mínimo, dando más importancia a la iconografía que a la psicología (...) Es más satisfactoria y conmovedora cuando es más ambigua narrativamente"

Con todo, no gustó a todo el mundo . Por ejemplo, David Denby del New York Yorker criticó París, Texas  diciendo que era una película "sin vida" y un "fiasco".

En el  Reino Unido Guy Lodge de The Guardian dijo de ella en  2015, que era su favorito de la Palma de Oro , afirmó que se trataba de "Una de las películas más agudas y exquisitas que se han hecho sobre la familia (...) El logro más importante de la carrera con puntos negros, aunque con frecuencia brillante, de Wenders"

Según   Chris Peachment de  Time Out "La colaboración de Wenders con el escritor Sam Shepard es una jugada maestra, que beneficia totalmente a ambos talentos"

En la revista Empire,  William Thomas sostenía que "'Paris, Texas' es una de las mejores películas sobre Estados Unidos, dirigida por un alemán (...) Enigmática y fascinante (…) "

Para un peso pesado de la crítica  Tom Hutchinson de Radio Times "La música evocadora de Ry Cooder le da a la película una inmediatez que la hace parecer casi improvisada (…) "

En España, Omar Khan en El País afirmaba que destacaba de ella " ...(la) emotividad y elegancia poco usuales en los ejercicios intelectuales del autor (...) La escena telefónica del peep-show alcanza un dramatismo estremecedor. Un filme para atesorar"

Sin embargo, ese año, The Hollywood Reporter argumentó que su prestigio había disminuido un poco, y lo nombró la 44 ° mejor de la Palme d'Or, ganadora hasta la fecha.

En su momento obtuvo muchos reconocimientos.  En el Festival de Cine de Cannes de 1984 , la película ganó la Palma de Oro del jurado oficial, así como el Premio FIPRESCI y el Premio del Jurado Ecuménico . Pasó a ganar otros honores y aclamaciones críticas. La decisión del jurado principal en la Palma de Oro fue unánime,   con uno de los miembros siendo el director de fotografía francés Henri Alekan , que más tarde dirigió la fotografía para la película Wings of Desire de Wenders en 1987.

Estuvo nominada al Globo de Oro a la mejor película extranjera y en los BAFTA al  Mejor director. mejor Película, Guión adaptado y Música. En los Bafta fueron nominados por tanto, Chris Sievernich y Anatole Dauman , al mejor guión adaptado Sam Shepard y Mejor puntuación para Ry Cooder. Ganó el Premio a la mejor dirección Wim Wenders

En los Premios César fue nominada a Mejor película extranjera y obtuvo una nominación al Premio un David di Donatello, el llamado Premio René Clair a la mejor película extranjera

En los Premios del cine Alemán fue la segunda más reconocida, aunque le dieron el premio al mejor largometraje. Obtuvo el Premios Bodil 1985 a la Mejor película europea y el Círculo de críticos de cine de Londres la consideró la mejor película de 1985 . Consiguió una nominación, por último, los Premios Young Artist al Mejor actor joven para Hunter Carson.

La película está incluida por Steven Schneider en el listado de 1.001 películas que hay que ver antes de morir. Y para algunos ilustres fallecidos así fue. Tanto para Harry Dean Stanton , para los músicos como Kurt Cobain y Elliott Smith fue su película favorita , pero también una de las favoritas de otro ilustre fallecido, Roger Ebert.

Por mi parte,  decir que, como ya he dicho en muchas ocasiones, las road movies, tienen para mi una enorme fascinación. En este caso, la fascinación además engloba en esta película la fotografía, muy pictórica y artística, estando de acuerdo con la inspiración de Hopper especialmente en los espacios cerrados; a esto se suma los inolvidables e impactantes acordes de Ry Cooder que me generan un enorme desasosiego, la gran y sentida actuación de todos los actores, y , en especial, Harry Dean Stanton así como esta idea de encapsular tres historias familiares que pasan de lo fraternal a lo filial, y de éste a la pareja, concluyendo en lo maternal. Sin duda, una gran película.