The Deep Sea Blue

Me cuesta entrar en el cine llevado al teatro. Lo teatral y su lenguaje específico, considero que lastra el resultado final. Me ha pasado en múltiples ocasiones. Recuerdo dos por poner un par de ejemplos: La Venus de las Pieles de Roman Polanski, obra del escritor austriaco Leopold von Sacher-Masoch o Tío Vania en la calle 42 de Louis Malle inspirado en la obra cumbre de Antón Chéjov, y reinterpretado por David Mamet en 1994.

Tanto una como otra tuvieron cierto éxito, especialmente por parte de la crítica, pero llegar, reconozco que no me llegó al alma.

Existen sus honrosas excepciones como aquella inmensa La Prueba o Sleuth que llevó al cine Joseph L. Mankiewicz, todo un duelo interpretativo por parte de dos grandes: Laurence Olivier y Michael Caine, que partía de otra obra teatral, la escrita por Anthony Shaffer. Pero, en general, me cuesta - y no poco- atenderlas en la justa medida.

Algo parecido me ha pasado con The Deep Blue Sea , una película dramática británica del año 2011 dirigida por Terence Davies , uno de los directores más personales del cine británico nacido en Liverpool, pero que también es guionista, cineasta, novelista y actor . Aunque esta película es , al menos diferente dentro de su obra de trabajo , pues no refleja como suele ocurrir en su obra, la influencia de la memoria en la vida cotidiana o los posibles efectos paralizantes de la religiosidad dogmática sobre la vida emocional de los individuos y las sociedades, aunque en The Deep Sea Blue, alguna píldora contra la moral, en ocasiones,  castrante de lo religioso,sí que aparece.

La película en cuestión, The Deep Sea Blue, está basada en una adaptación de la obra teatral del año  1952 perteneciente al dramaturgo londinense Terence Rattigan fallecido en 1977. Este escritor de origen irlandés y que estrenó habitualmente comedias y dramas durante veinte temporadas seguidas fue uno de los escritores de más éxito en la escena británica. Sus obras solían describir ambientes de clase media inglesa lo que , en parte, explicaría su éxito popular.

Rattigan también trabajó como guionista cinematográfico en películas como Mesas separadas (1958) o la inolvidable Adiós, Mr. Chips, 1969 así como El Rolls Royce amarillo, 1964. Fue en su momento el dramaturgo mejor pagado del mundo y uno de los más populares. Esta obra que podría traducirse como "Un profundo mar azul" ha sido llevada a la gran pantalla en dos ocasiones. La primera en 1955, dirigida por Anatole Litvak y protagonizada por Vivien Leigh y esta, la que nos ocupa. La segunda, es la que he visto en el día de hoy.

La dirección de Davies - un director homosexual al igual que lo fue Rattigan- en este The Deep Sea Blue se centra en la esposa de un juez que se involucra en una aventura con un ex piloto de la RAF y,  en este caso,  lo hace por medio de una composición simétrica , que empieza como acaba, respondiendo a eso que es la llamada estructura "sinfónica" que suena especialmente en el final de la obra o que se hace sensible en el ritmo mesurado de presentarnos la historia, más que visible, audible en todos y cada uno de los intervinientes.

The Deep Blue Sea fue realizada en el año 2011 y según tengo información - que puede ser más que errónea- y su antepenúltima película, seguida de Sunset Song (2015) y A quiet passion (2016).

La película toma su título del dilema que supone en este caso para la protagonista femenina en optar por estar atrapada entre el Diablo y el mar azul profundo, dos situaciones que son igualmente indeseables.

Esta versión cinematográfica , como muchas de las realizadas por Davies , por decir una la imborrable The long day closes - que ya comentamos- , fue financiada por productoras británicas tales como la UK Film Council,  Film4  junto a Lipsync Productions, Camberwell , Protagonist Pictures , Artificial Eye, Fulcrum Media Finance y Fly Films y estuvo producida por Sean O'Connor y Kate Ogborn . La película contó con un presupuesto de $ 8,000,00. quedando la distribución en manos de la Music Box Films

Como suele ser habitual en  Terence Davies, el mismo se encargó de adaptar el guión  de la película basándose en la obra del otro Terence , Rattigan.

A destacar el papel de la música de fondo orquestal que está tomada del concierto para violín de Samuel Barber escrito en 1939, así como la fotografía de Florian Hoffmeister

El corto reparto lo encabezan Rachel Weisz como Hester Collyer al que se suman  Tom Hiddleston como Freddie Page y Simon Russell Beale como William Collyer . Junto a ellos aparecen Harry Hadden-Paton como Jackie Jackson , Sarah Kants como Liz Jackson , Karl Johnson como el señor Miller , Barbara Jefford como la madre de Collyer , Oliver Ford Davies como el reverendo, padre de Hester .

La película nos informa que estamos a mediados de 1950, en la puritana sociedad londinense de los 50, una ciudad en la que la segunda guerra mundial , que acabó hace cinco años, todavía está en el recuerdo de gran parte de la población y sus huellas se manifiestan en calles y casas, todavía muchas de ellas devastadas.

En una de esas casas cercanas a una zona víctima de la devastación , a la caída de la noche ,  descubrimos mirando a través de una ventana a Hester Collyer (Rachel Weisz), la esposa de un juez de la Corte Suprema William Collyer (Simon Russell Beale ). Lo hace con la mirada perdida .

La imagen pasa al interior de una habitación medio iluminada. Vemos que Hester abre la espita del gas y se prepara para tirarse sobre una manta frente a la salida del gas. No hay duda, su intención es suicidarse.

Antes de dormirse por efecto del gas en lo que se supone que es la muerte dulce, vemos una imagen suya en un flashback de su pasado. Ella aparenta estar aburrida , mientras que su marido lee en silencio.

Sin embargo,  momentos después, descubrimos que la protagonista Hester Collyer (Rachel Weisz), no ha fallecido.

 Ahora , mientras que es atendida por un supuesto doctor,  el señor Miller (Karl Johnson) y la gobernanta de la casa en la que vive, la Sra. Elton (Ann Mitchell). Mientras todo esto ocurre y ella se recupera ,  vamos viendo retazos de su vida y las razones por las que se ha intentado suicidar.

La mayoría de la película tiene lugar durante un día en el apartamento de Hester. Un día en el que ha decidido suicidarse y ha fracasado en el intento,  y, a medida que se recupera, vamos viendo la historia de su aventura y la su vida conyugal   en un mosaico de flashbacks,  breves y esporádicos que se insertan en la historia de ese día.

Efectivamente, vemos que como esposa de un juez del Tribunal Supremo Sir William Collyer (Simon Russell Beale), lleva una vida privilegiada, pero también es víctima de las miserias familiares . En este caso lo es de una complicada relación con su suegra (Barbara Jefford) . Entre ellas las cosas no pueden ser peores. Con ella la tensión es máxima. El marido intenta mediar entre ambas. Pero chocan una y mil veces. Por todo. Nada de ella es del gusto de la dura e impertinente suegra.

Pronto descubrimos las limitaciones que le habían supuesto su cómodo  matrimonio cómodo con un hombre afectuoso pero sin pasión sexual.

Sin embargo, los más significativo es que en una de esas visitas el marido , casualmente, se entera por una llamada telefónica, nosotros por un flashback de que ella se ha embarcado en un apasionado romance con Freddie Page (Tom Hiddleston), un apuesto y joven piloto de la RAF que vive apasionadamente de sus recuerdos como piloto en  la Segunda Guerra Mundial.

Esa desbordante vitalidad que presenta él, ese deseo y gusto por la aventura, es  tan opuesta a la de su marido y eso es lo que le atrae, primero sensiblemente y luego sexualmente. Esa relación , de hecho, parece haberle dejado emocionalmente conmocionada.

Pero todo cambia cuando, tras una visita a casa de su suegra , su marido escucha esa conversación telefónica que delata su relación y, casi de inmediato, se produce la ruptura en la pareja , ya que  ella decide dejar a su marido , aunque éste le dice abiertamente que no se divorciará. Con  todo ella decide irse a vivir con Freddie Page (Tom Hiddleston). Ha caído profundamente enamorada.

Cuando se descubre el romance de Hester, ella deja su vida de lujo comparativo y se muda a un pequeño y lúgubre apartamento de Londres con Freddie.

Lógicamente busca el apoyo en su padre, un reverendo ( Oliver Ford Davies), pero éste se opone a la relación.

Inicialmente la pasión con  Freddie es intensa, pero ella va detectando que  esa mezcla de pasión y emoción que hubo una vez, va desapareciendo como lo demuestra cuando él regresa a la vivienda en la que viven, tras pasar fuera un fin de semana,  y entre otras cosas, se ha olvidado de su cumpleaños.

Lo peor viene cuando descubre en el bolsillo de ella una nota de despedida, la que le había preparada para el suicidio.

En ese momento , Freddie se va de casa y busca refugio en su amigo Jackie Jackson (Harry Hadden-Paton) con el que se reúne en su pub habitual, al que iba ella junto con la mujer del anterior,   Liz Jackson (Sarah Kants) y que conocemos a través de algunos  flashbacks.

El marido acude a la vivienda en la que ella vive su pasión y su desventura ya que ha sido llamada por la casera. Allí en el  lugar de los hechos ambos restablecen su relación de aprecio mutuo, pero Hester , reconoce que no puede volver atrás. Está claro que Freddie nunca podrá darle el amor y la estabilidad que su esposo le dio. Sin embargo, volver a una vida sin pasión sería insoportable.

Ella va al pub en el que está Freddie, pero , para evitar una escena escandalosa, deciden salirse fuera mientras le monta un espectáculo . El parece furibundo por haberle hecho sentir responsable de su intento de suicido.

Esa misma noche Freddie Page regresa a la habitación que tienen ambos, pero no duerme con ella. A la mañana siguiente,  él de dice que se marchará a trabajar a Brasil , ya que un amigo le ha conseguido un trabajo. Volverá de esa manera a sentir  la atracción que le falta, la necesidad de vivir su vida intensamente y se compromete a abandonar la bebida.

Freddie , aunque sea temprano,  se marcha. Mientras ella, al cabo de un rato, mira por la ventana como hizo al principio. Ahora con la luz del día  vemos lo que le rodea no es lo que parecía. Es destrucción, mediocridad, suciedad, es posible que sea lo que le espera en la vida. Acaba así la película.

La filmación comenzó a finales de 2010, entre noviembre y diciembre de ese año, y se rodó en 25 días , principalmente en la capital británica, Londres. En concreto se rodaron en los estudios Three Mills en Three Mill Lane, en Bow. En el Pub Ye Old Mitre de Ely Place, en el Dulwich Picture Gallery, en la Estación de metro de Aldwych, en Holborn, o en Granville Square de Islington, todas ellas , insisto, en Londres.

Terence Davies quería a Rachel Weisz para el papel de Hester Collyer después de que vio en ella un "talento increíble" en El hombre que vino del mar (1997). Lo llamativo es que no había oído hablar de ella antes de ver esa película. Así que llamó a su agente y le preguntó: "¿Alguna vez has oído hablar de esta chica, Rachel Weisz?" Su agente se rió y dijo: "¡Es una ganadora del Oscar!" Weisz se divirtió con esto y dijo: "No creo que Terence [Davies] conozca muy bien a nadie que no esté en una película en blanco y negro".

Davies también contó con la veterana actriz teatral  Barbara Jefford aparatada del cine desde La novena puerta (1999).

La citada Rachel Weisz , junto a Tom Hiddleston y Simon Russell Beale son los encargados de dar vida a esta historia de amor, una relación con tres protagonistas que se enfrentan a la pasión amorosa desde tres posiciones antagónicas: la entrega total, la aventura pasajera y el cariño incondicional.

La película fue lanzada en el Reino Unido en 2011, el año del centenario de Rattigan. y al año siguiente, en los Estados Unidos por medio de la distribuidora Music Box Films. La película consiguió en taquilla $ 3,143,316.

Por su actuación, Weisz ganó el Premio a la Mejor Actriz en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York 2012 y también ganó el Premio a la Mejor Actriz de la Asociación de Críticos de Cine de Toronto en el mismo año. En diciembre de 2012, Weisz fue nominada como Mejor Actriz en los 70º Golden Globe Awards .

La película también fue elegida como una de las diez mejores películas del año por The New York Times y The Los Angeles Times .

La película fue presentada en el Festival de San Sebastián en la  Sección oficial a concurso y fue  un éxito crítico en los Estados Unidos en parte por la actuación de Weisz  alabada por David Edelstein en la revista New York .

Tuvo nominaciones tanto la película como los actores . En los BFI London Film Festiva fue elegida como mejor película . En los 39 ° Evening Standard British Film Awards obtuvo una nominación a la Mejor actriz Rachel Weisz . El Círculo de Críticos de Cine de Londres nominó igualmente a Simon Russell Beale.

En cuanto a las críticas destacar las presentadas en el Reino Unido por Damon Wise en Empire al decir que   "Presenta la visión única de un artista (...) y en una época de alboroto, su paciente elegancia es una virtud que debemos valorar. (...) "

Otro crítico como Philip French del The Guardian "Davies ha trabajado con maestría sobre la obra teatral (...) Davies saca excelentes interpretaciones de su triángulo central"

Para Tim Robey del  Telegraph afirmaba que era "Una adaptación hermosa y desgarradora (...) " Mientras que, por su parte, Jonathan Romney del The Independent "Los tres actores [Weisz, Hiddleston y Beale] están excelentes (...) Es una película muy distinguida"

En  Estados Unidos A. O. Scott del The New York Times afirmó que "Las pinceladas sociales y psicológicas y los maravillosos detalles de época son parte del escenario. Y los señores Hiddleston y Beale, aun siendo actores disciplinados y sensibles, existen en la penumbra de la incandescencia de Weisz"

Kenneth Turan de Los Angeles Times comentaba que "Excepcionalmente bien realizada y completamente audaz en su descripción del nivel más alto de las emociones románticas, esta es una película tan comprometida con la pasión como su heroína y eso es decir mucho"

Para  Roger Ebert en rogerebert.com  la película era digna de elogio, así como al director Davies por crear "dos escenas luminosas (...) "

Según Todd McCarthy dre The Hollywood Reporter la película era "Inteligente pero sin sangre (...) El control y la discreción no vienen de forma natural para Weisz"

Entendía  Leslie Felperin de Variety que "Davies está en plena forma, con luminosas actuaciones, especialmente la de Rachel Weisz"

Decía  Richard Brody en el The New Yorker que "Davies no sólo es un director profundamente emocional y uno de los grandes estilistas de la imagen y el sonido (...) sino también un increíble director de actores."

Ya en España Carlos Boyero en  El País valoraba que en ella "Habla de la pasión con un lenguaje tan cuidado como frío, (...) Si no fuera por (...) la hermosura de Rachel Weisz me importaría un comino este amor volcánico entre personajes prescindibles." En este mismo diario, Javier Ocaña escribía que era "Puro cine británico: olor y sabor a pub, a pinta de Guinness (...) inmensa Rachel Weisz"

Por su parte, Luis Martínez de El Mundo decía que "Con una Rachel Weisz resplandeciente, el cineasta se empeña en buscar el eco a los sonidos profundos, cualquiera de ellos. (...) una las formas más auténticas y originales de hacer cine que aún se mantienen en pie."

Yo como dije al principio reconozco el enorme papel de los actores y de la actriz en la película. Me ha gustado de la película en sí el carácter contenido de la misma, especialmente la de la actriz principal y del que hace de su esposo, el actor  Simon Russell Beale en un trabajo simplemente grandioso. Frente a ellos el papel de auténtico arrebato que fue para Tom Hiddleston , el hombre temperamental y un personaje en busca de acción.

A destacar la banda sonora, audible en gran medida al final de la película , así como el papel de coro que se vive en el bar, con canciones cantadas "a capella" que reviven los momentos de unidad frente al sufrimiento del pueblo británico ante la batalla de Inglaterra, así como la buena recreación de escenarios y personajes por parte de Terrence Davies. Sin ser magnífica es digna de verse.

Los culpables

El cine es hijo de su tiempo, y como tal es hijo también de las modas. Pero también de las circunstancias. A veces , hablando con un sobrino muy interesado por el mundo del cine, le he contado como el cine español llegó a ser una industria solvente ,  sobre todo en Madrid,  a partir de la década de los cincuenta. Con sus limitaciones, tanto presupuestarias como técnicas, y sobre todo creativas, dada la ominosa censura, ese ojo que todo lo ve, aquella industria producía obras para el público,  para subsistir, para el régimen, y , a veces, a pesar del régimen. 

El cine español responderá a las influencias exteriores sobre todo a las corrientes que encajaban bien con la realidad española. Así tendremos un cine muy próximo al neorrealismo, pero también descubriremos que otros géneros, unos patrios (cine folklórico, el melodrama, la comedia fácil, o el drama moral e incluso pervive algo del cine de teléfono blanco o alta sociedad), pero otros tan externos como el western cuajan, más en unos sitios que en otros. 

Es cierto que el centro industrial cinematográfico estaba en Madrid, pero había otro foco de producción: Barcelona. Y en esta ciudad se desarrollará una corriente que apostó además de todos los géneros señalados, por el cine negro o policíaco.

Se da en los años en los que en Cataluña vive una industrialización acelerada, hay una enorme especulación inmobiliaria , irrumpe el turismo que afecta a lo anterior, y llegan cientos de miles de personas desde todo España y este fenómeno migratorio tendrá igualmente sus efectos en algunas películas. 

Por estos años llegan al mundo de la cultura una nueva generación que no había participado en la guerra civil y que había empezado a preocuparse por otros temas, inclusive los problemas del país a finales de la década de los cincuenta. Esta generación buscaba ya una normalización cultural , en esa anomalía cultural que era la España franquista llena de limitaciones. 

En 1962 sobreviene un desastre para el cine catalán y español en general: los estudios Orphea desaparecen tras un incendio. A pesar de la tragedia, Barcelona no perderá su vocación de ciudad-plató y el número de filmaciones crece, hasta una media superior a los 20 films anuales, aunque muchos de ellos eran coproducciones , realizados por técnicos y artistas unos hispanos , otros foráneos, muchos con Italia.

Aunque habrá que esperar a finales de los 60 con los estudios IFI y Producciones Balcázar e Isasi Isasmendi que apostarán por el subgénero familiar, el "peplum", el "spaghetti western" - gracias a que en 1965, un sector que tenía su espacio en Esplugues de Llobregat, sede de unos estudios dedicados al rodaje de "spaghetti westerns" en coproducciones con Italia,  y en los que Alfonso Balcázar realiza , entre otros, "Pistoleros de Arizona" (1965), "Clint el solitario" (1967) o "Dinamita Jim" (1969). A esto se suman incluso película con agentes secretos - no , no es Mortaledo y Filemón, los personajes de Ibáñez, sino con intención de proyección internacional, como se refleja en "Estambul 65" (1965) y "Las Vegas, 500 millones" (1968) de Isasi- o película dedicadas a la música del momento, lo ye- ye o "yeyeísmo". 

Pero no sólo Barcelona y sus área metropolitana la que sirve de plató a historias complejas y novedosas, como , por ejemplo, la que dirige Pere Balañà , fundador de los estudios Kinesa, "El último sábado" (1966), una historia sobre las ciudades-dormitorio del cinturón industrial del área metropolitana de Barcelona y el problema del bilingüismo- . A este espacio se suman otros que serán localidades de rodaje como Gerona.

En 1962, el ministro de Información y Turismo , Manuel Fraga Iribarne y el director de Cinematografía García Escudero, apuestan por una política reformista, eso sí, dentro del régimen. En este contexto político aparece la llamada "Escuela de Barcelona", que parte de nuevos planteamientos ideológicos mayoritariamente burgueses,  y con ello buscan la autofinanciación o un sistema cooperativo de producción, un trabajo en equipo  una estética definida en la imagen y en la narración, con posibilidades para la experimentación, incluso para la vanguardista, eso sí, adaptado a la idiosincrasia catalana.  

En esas circunstancias comienza a tener auge un género interesante , en esa Cataluña burguesa en la que llegan miles de personas de otras partes del país lo que le da una mayor cualidad , surgiendo así un típico genero que cuaja: el "thriller" o cine negro. Lo cierto es que los cineastas y así como productores provenían de clases acomodadas, así que parecen ver lo que pasa en la ciudad desde su balcón social, y que nos muestran como entre sus historias de amor y desamor tienen cabidas las traiciones, los asesinatos, el encubrimiento, etc.

Existe un interés de algunos realizadores de este género por reflejar la realidad urbana y social del momento, las calles barcelonesas, el "lumpen", etc. Para muestra un botón la del realizador barcelonés , Francecs Rovira i Beleta , que realiza una interpretación comprensiva de la delincuencia en "Los atracadores" (1961), historia basada en la novela de Tomás Salvador sobre tres jóvenes marginados que llegan al asesinato;  o la más conocida posiblemente del director "Los Tarantos" (1963), con Carmen Amaya, inspirándose en Romeo y Julieta, aquí payos y gitanos, Tarantos y Zorongas, que fue nominado para el Oscar, lo mismo que otra cinta del mismo autor, "El amor brujo" (1967).

El film de Francisco Pérez-Dolç "A tiro limpio" (1963) trata de una banda de atracadores que se va autoeliminando poco a poco debido a las diversas diferencias que surgen entre ellos.

Un film sensible al momento social del país fue "La piel quemada" de Josep M. Forn, 1967, patética plasmación del subdesarrollo económico y cultural español de la época, del caciquismo meridional y de la inmigración en Cataluña, a partir de las relaciones entre un albañil andaluz y una turista francesa. 

Pero lo cierto es que el barcelonés Josep Maria Forn i Costa , director de cine, guionista, productor y actor español en el Cine desde los cincuenta y que comenzó con el cortometraje Gaudí (1954) se lanzó al cine comercial y especialmente al de género negro y policíaco como adivinados en sus títulos Yo maté (1957), Muerte al amanecer (1959), La vida privada de Fulano de Tal (1960), La rana verde (1960), ¿Pena de muerte? (1961) y La ruta de los narcóticos (1962) dejando para ese mismo 1962 la película que he visto, Los culpables. 

Tras eso siguió su camino en la dirección y en el mundo de los actores con obras centradas en el cine social , como la citada La piel quemada que fue Medalla del Círculo de Escritores Cinematográficos al mejor guion, y con la entrada de la democracia en personajes de la Historia de Catalunya como Companys, procés a Catalunya (1979), o la más reciente, El coronel Macià (2006) o mundo de la actuación como en Un drac, Sant Jordi i el cavaller Kaskarlata o Puny clos o como director general de cinematografía del departamento de cultura de la Generalidad de Cataluña, President del Colegio de Directores de Cine de Cataluña (1994). En 2001 recibió la Cruz de San Jorge.  

Pues bien , muchísimos años antes de que Josep Maria Forn se convirtiera en alto cargo de la Generalitat,  optó por desarrollar un guión junto con Luis Alcofar basado en una pieza teatral de uno de los autores más interesantes del mundo teatral español de la segunda mitad del siglo XX, el barcelonés Jaime Salom - dramaturgo autor de una obra como La casa de las chivas llevada al cine por el director León Klimovsky y un ejemplo de realismo social, y médico, como uno de los protagonistas de su película-  un autor que pretendía analizar los principios de moral burguesa imperantes en la época en este caso para tratarlo como un filme de suspense. 

Era la primera obra en la que Forn no trabajaba a las órdenes del director y productor tarraconense , de Valls, Ignacio F. Iquino, especializado en adaptar obras teatrales como El difunto es un vivo  y responsable de una de las primeras muestras del Thriller patrio con Brigada criminal (1950), pero responsable igualmente del primer film rodado en catalán tras la Guerra Civil con El Judas (1952).

Pero en los sesenta se aparta ligeramente de esta temática, así que deja a Forn en manos de la productora de Teide P.C. siendo su  productor ejecutivo J.L. Infiesta y cierta libertad creativa para rodar la película que he visto: Los culpables. 

Al interesante guión inspirado en lo escrito por Salom, se le sumó en la parte técnica la labor musical de  Federico Martínez Tudó , la buena fotografía de Ricardo Albiñana y la edición de Juan Luis Oliver.  

El reparto lo encabezan Tomás Blanco como Don Pablo Ibáñez, el francés Yves Massard como Dr. Andrés Laplaza, la bellísima argentina Susana Campos como Arlette y Félix Fernández como Comisario Ruiz. Junto a ellos Florencio Calpe como el director del banco, Ana María Noé como dueña de la tienda de telas, Luis Induni como Juan , Carmen Mejías como Gloria, Gonzalo Medel como hombre que da el pésame, Salvador Muñoz como Juez, Joaquín Navales como Luis. Roberto Samsó como agente de la compañía de seguros.  

La película se inicia con imágenes de una mujer, Arlette (Susana Campos) que se desplaza bajo la lluvia por las calles del casco viejo de Girona. Se trata de la bella mujer de un importante hombre de negocios local, el empresario Don Pablo Ibáñez (Tomás Blanco).

Ella va a una tienda de telas  regentada por una señora (Ana María Noé) que en cuyo piso superior tiene un cuarto que alquila por un dinero, en el que Arlette se suele encontrar con su amante, el Doctor Andrés Laplaza (Yves Massard) con el que mantiene una relación furtiva desde hace algún tiempo a espaldas de su marido.

Tras el infructuoso encuentro que no tiene lugar ya que él amante no se presenta , ella marcha al chalet en el que vive, sito en las afueras de la ciudad.

La relación entre marido y mujer es respetuosa, aunque ella vive al margen de la realidad de la empresa que , poco después, nos enteramos que está en quiebra. Mientras la mujer está a punto de salir, se cruza con el gerente de la empresa Salvador García,  la persona de confianza de Don Pablo, cruzándose una fría mirada.

Ella marcha a la consulta del Doctor Andrés Laplaza. Allí la recibe la enfermera, auxiliar del Doctor , y tras eso, entra en la consulta.

Al Doctor le extraña la presencia de Arlette, y más aún cuando minutos más tarde se persona en el despacho con cierta urgencia su marido, Don Pablo, alegando una urgencia relacionada con un conocido problema en el corazón .

Sin embargo, Andrés se sorprende aún más cuando Don Pablo habla sin tapujos sobre la relación que el médico tiene con su mujer y exige a la misma que salga del lugar en el que se ha escondido.

Tras eso les explica que es conocedor de todo desde hace un tiempo, pero sobre todo les habla de las dificultades económicas que está pasando su empresa. También les comenta que hay una solución para las mismas, ya que ha firmado un seguro de vida en caso de muerte cuya beneficiaria es su mujer. Ante esto les propone fingir su propia muerte con la complicidad de su esposa y el amante de ésta. La mujer está de acuerdo y la condición es que el médico y amante se encargará de firmar el certificado de defunción. Así podrá cobrar un seguro de vida de cinco millones de pesetas, y los amantes tendrán el camino libre para casarse.

Tras dudar, ambos aceptan. El fingimiento tendrá lugar ese próximo fin de semana en una finca de Don Pablo con la cooperación de un hombre de confianza, Juan (Luis Induni).

Lo pactado se ejecuta, aunque no está exento de pequeños problemas ya que al sellar el féretro con bronce para evitar desplazamiento del cadáver podría poner al descubierto que está, en principio, vacío.

Una año después del entierro al que asisten Arlette y Andrés así como personajes de la localidad vemos que la pareja plantean casarse,  aunque verán complicarse las circunstancias a su alrededor  en parte por el agente del seguro que firmó la póliza (Roberto Samsó), por el chantaje de la propietaria de una tienda que servía como casa de citas para la pareja, o por el peligro que suponen unas cartas anónimas que amenazan con ciertas inconvenientes revelaciones que llegan a manos de un viejo policía, el Comisario Ruiz (Félix Fernández  ), amigo de la familia de Andrés, y que ha recibido la orden de investigar el caso dado los anónimos recibidos.

Estas circunstancias enfrían y enturbian las relaciones entre la pareja, especialmente, cuando se plantee la orden de necesidad de que el forense compruebe el cuerpo del fallecido. El temor de Andrés y Arlette  se multiplica pensando en qué los responsabilizarán de fraude al no aparecer cuerpo alguno.

Sin embargo, la exhumación supone un importante sorpresa: el féretro contiene un cadáver y todas las evidencias parecen que se trata de Don Pablo, como confirma una radiografía. También el forense determina que no hubo envenenamiento, por lo que el seguro se retira del caso.

Desde ese momento Andrés responsabiliza a Arlette del asesinato de su esposo y pone en duda la veracidad de su relación, viciada y trufada de medias verdades y enormes mentiras.

El Comisario Ruiz informa que el caso se ha cerrado aunque todavía hay pequeños flecos que cerrar como el emisario  de los anónimos que abrieron el caso.

Las dudas de Andrés van a más y casi rompe con Arlette, pero ante lo ocurrido, inicia una investigación personal que le encamina hacia García, el hombre más cercano a Don Pablo. Las pistas llevan a éste . Tanto en una agencia de viajes como en una entidad bancaria todo parece confirmar que García está implicado en el asunto. De hecho ha desaparecido como confirma Andrés a través de  la entrevista que tiene lugar con la madre adoptivo en la que se reafirma la idea de que con ellos mantiene una fría y casi nula relación.

A esto se sumará el nuevo intento de chantaje económico por parte de la alcahueta que le alquila la habitación y que en un momento dado reconoce que García pasó por allí y mantenía alguna relación con Arlette.

Ante la suma de las dudas y las evidencias , y tras comentar el Comisario Ruiz que daba el caso por cerrado aunque recibe la información de que el coche de García ha podido cruzar la frontera, decide Andrés volver al origen, la casa de campo en la que se inicio el suceso.

Al llegar habla con Juan que le dice que nadie se ha llegado a la casa últimamente. Sin embargo, Andrés tiene alguna duda que va más allá de lo sensato,  cuando encuentra las marcas de un vehículo.

Lo busca en las dependencias de la Massía y descubre un coche camuflado detrás de unas ramas. Ante eso decide entrar en la casa y busca en la dependencia principal. Ante su sorpresa se encuentra con Don Pablo descansando sobre una cama.

Al despertarse Don Pablo le comenta que acaba de llegar tras cruzar la frontera en el coche de García. Y cuenta todo lo ocurrido a un sorprendido Andrés.

Ahora sabe que ha sido víctima de un complot entre Arlette y Don Pablo. La intención de Don Pablo era cobrar el seguro , marchar a Suiza y dar pistas , a través de los anonimos, para responsabilizar a García, precisamente el finado de la caja fúnebre.

Don Pablo comenta que la razón de todo era la mala gestión de la empresa, pero que en un arrebato asesinó a García. Posteriormente, junto a la maquiavélica Arlette ideó todo el embrollo. El, de hecho, era quien enviaba los anónimos a la compañía de seguros y el que alertó así a la policía. El fin era implicar y responsabilizar de todo a García, mientras el desaparecía del mapa con el dinero.

Tras eso amenaza con un arma a Andrés y le dice que su intención es volver a salir del país con destino a Suiza. En el coche se montan Don Pablo y Arlette. Justo al salir escucha las sirenas de la policía que hilando fino ha llegado a la idea de la implicación de Don Pablo y Arlette en el fraude.

En el transcurso de la persecución y el tiroteo el coche que lleva a la pareja se accidenta , falleciendo Don Pablo y con ello acaba la película.

Esta película enmarcada dentro del género del cine negro con connotaciones de intriga policial llena de equívocos, sospechas y deducciones, se rodó en escenarios urbanos de la capital gerundense en lo que identificamos aspectos de su casco viejo - como la escalinata que lleva a la Catedral- , la ribera del río Oñar, y los alrededores y calles de la misma. La película se estrenó en diciembre de 1962.

No es una película llena de acción, aunque sí lleva de un preciso relato , magnificamente interpretado por los dos principales actores, el francés Gérard Tichy y un grande de la interpretación sobre todo teatral como era Tomás Blanco. A ellos se suman la bellísima actriz argentina, Susana Campos, que también nos sirve, como su primera hora en un retrato social de la vida de provincias, que pudiera complementarse con la narrado en Calle Mayor , historia que trascurre en Palencia. Destacable igualmente incluso es la muy convincente y aprovechada Ana María Noé.

Javier Ocaña , en Historia de nuestro cine , que emitió la película aclaró que es la primero que no realiza junto a Ignacio F. Iquino . El crítico de cine afirma que Los culpables fue un soplo de aire fresco y de liberación. Destaca el crítico el papel de Jaime Salom por el gran atrevimiento de sus temas como el adulterio en esta película. La obra de teatro se había estrenado dos años antes. En su crítica destaca el retrato de una ciudad de provincia, o la corrupción empresarial así como el aliento trágico de los personajes.  Ademas afirma que el director despoja de toda retórica, logrando crear un filme tenso en su corrección, de impacto directo, bien planificado y con un sentido del melodrama lleno de dignidad.

Reconozco que la película me ha sorprendido mucho y que ha parecido interesante con momentos muy acertados como el de la exhumación del cadáver. Entra en aspectos casi tabú en la época como la infidelidad conyugal en personas de la clase alta, o la amoralidad de sus personajes, sobre todo en el caso de Pablo, dispuesto a todo con tal de salvar su fortuna o Andrés dispuesto a firmar un acta de defunción, aunque en su caso con el fin de casarse con Arlette.

Como declaró el director Forn, era una obra básica, casi alimenticia , pero técnicamente es muy acertada tanto en lo narrativo como estrictamente en  los técnico con buena fotografía en blanco y negro de Ricardo Albiñana y gusto muy americano en el sentido de la búsqueda de planos y contraplano para mostrarnos rostros y la sorpresa de los mismos o la banda sonora de Francisco Martínez Tudó.

Películas que sacan a relucir el buen hacer que hubo en la industria cinematográfica del momento y especialmente de aquellas producida en Cataluña tanto por el nivel de sus realizadores ( hablamos de Julio Salvador, Miguel Iglesias o Julio Coll a la que se sumaron Juan Bosch, Ignacio F. Iquino, Rovira Beleta o el mismo José María Forn y que iba en paralelo a la de otros como el castellano José Antonio Nieves Conde , director de Surcos, o se consolidan otros como  el gallego Mur Oti,  o un algo más tardío Antonio Drove,

Para acabar con el cine catalán de la época, decir que Forn  como realizador fue un hombre apegado a su tierra y a su tiempo y, pero lo más importante fue que permitió la continuidad y consolidación de de la industria cinematográfica en Barcelona.

A ello contribuyeron otros directores con más o menos éxito como Jaime Camino Vega de la Iglesia, un escritor, guionista barcelonés fallecido en 2015 y director entre otras de "Los felices 60" (1964), desmitificación de aquella época de desarrollo, de "boom" turístico y de mucha "apariencia" social; o de "España, otra vez" (1968), en la que Camino retoma el tema de la guerra civil aunque a partir de una situación que transcurre durante el desarrollismo; el film, a pesar de las dificultades habituales con la censura, puede estrenarse y es nominado para el Oscar.

Sin embargo, para mi sus dos películas más conocidas serán Las largas vacaciones del 36 (1976) y sobre todo Dragón Rapide (1986), protagonizada por el gran Juan Diego que asume como Francisco Franco el golpe militar de los que con el tiempo se llamarán nacionales en los días previos al comienzo de la Guerra Civil.

Otro de los protagonistas de esta "Renaixença" del cine catalán fue el director de Distrito Quinto (1957) , Los cuervos (1960) o Un vaso de whisky (1958) , Julio Coll i Claramunt, 1961, que , como ya hemos dicho, comenzó como guionista de, por ejemplo, Apartado de correos 1001 (150) y productor de cine, e importante realizador de televisión, escritor, periodista y crítico musical y teatral español. A destacar la señalada del año 1960 , una historia ambientada y con connotaciones con Los culpables , una historia de la alta burguesía industrial de Barcelona en la que el secretario de un magnate industrial se apodera de la mayoría de sus acciones, aprovechando su convalecencia después de haber sido operado.

El papel de la burguesía media catalana es el núcleo principal de otra película de la época "Vida en familia" de  Josep Maria Font y Espina,  guionista y director natural de Vic,  que comenzó su carrera como guionista con Vamos a contar mentiras (1961) debutando como director ese mismo año con una obra escrita por él, Cristo fusilado director igualmente de Diálogos de la paz (1965), El arte de casarse (1966) o El arte de no casarse (1966).

Y para terminar señalaré que no sólo crítica social o cine negro también hay capacidad para pasar del lo plano de las letras al volumen de los actores. Así que en esta década igualmente aparecen película con referencias en la literatura algunas se ellas del propio José María Forn  como "La respuesta" (1969) o Armand Moreno , que se inspira en la obra dramática de Angel Guimerà, para rodar "Maria Rosa" (1964) con una joven llamada Núria Espert, sobre un crimen pasional, un film que pudo estrenarse en catalán gracias a la justificación de que si estaba permitido el teatro en catalán el cine no era más que teatro filmado, y más tratándose de una adaptación teatral.

No podemos olvidar en este repaso al cine catalán de los sesenta son nombrar al barcelonés Jordi o Jorge Grau, un director versátil, un todoterreno que rodó desde cine documental, a cine comprometido socialmente, - como Ocharcoaga (1961) - filmado en cuatro días en colaboración con José Luis Guarner y Jesús Yagüe- o Noche de verano (1962) - rodado en Barbate- , cine literario "Una historia de amor" (1966) aborda una situación triangular entre dos hermanas y el marido de una de ellas o el cine experimental e incluso el de terror y fantástico entre las que se encuentran Ceremonia sangrienta (1972), la mítica - gracias Chico Ibáñez Serrador por enseñársela a una generación- No profanar el sueño de los muertos (1974) o La trastienda (1975).

Otros directores hubo como Alexandre Martí, Antoni Ribas , que llevó al cine a Joan Manuel Serrat para "Palabras de amor" (1968), aunque también hubo cine de humor en alguna película del ya citado Josep M. Font Espina o , casi experimentales e independientes como Llorenç Soler . Con ellos nacen otros cineastas como Vicente Aranda y algunos más que trabajan en la ciudad condal como Carlos Duran, 1967), Ricard Bofill, José M. Nunes, unos joveesn Gonzalo Suárez o Jaime Camino, junto a Pere Portabella, Jacint Esteve Grewe , Joaquim Jordà.

Con ellos se consolidó la Escuela de Barcelona que logró su proyección teórica en las Jornadas Internacionales de Escuelas de Cinematografía (Sitges, 1967). En ellas los cineastas participantes se declaran totalmente a favor de la absoluta libertad creativa y expresaron su voluntad por transformar los esquemas habituales de la industria cinematográfica, de manera que se modificaran los canales habituales de producción y distribución. Todo un logro.

Me quedó con la localidad finalmente señalada: Sitges. Pero como dije al principio, el cine es hijo de su tiempo, y en esa localidad costera de Barcelona, al año siguiente tuvo lugar un auténtico acontecimiento cinematográfico, al tener lugar un Festival de cine fantástico, ciencia-ficción y terror, organizado por Pedro Serramalera como "Semana Internacional de Cine Fantástico" . Desde entonces fue la sede permanente del Festival Internacional de Cinema de Cataluña, uno de los eventos cinematográficos más importantes de España y de Europa que en 1997 empezó a abrirse a otros géneros. Pero esto ya es otra historia, una hermosa y terrorífica historia.

Adiós Sabata

Este fin de semana en una casa de campo me la he querido dedicar. Mi apuesta ha sido por un más que necesario Dolce far niente. Así que , tras intentar poner fin a este tercer volumen de Ken Follet , su último libro publicado en España en el pasado 2017 y que lleva por título Una columna de fuego - siendo la tercera entrega de la serie "Los pilares de la Tierra" me he dedicado a ver una película que sin duda no pasará a la historia del cine y que fue un claro ejemplo de lo que se entiende por spaghetti western y que tuvo en los sesenta y primeros setenta su momento dorado. 

Además se suma que hace unos años, bastantes años, cuando estuve en Almería y fue a ver los espacios vinculados con el rodaje de los westerns de estas décadas me informaron que uno de los muchos actores que aparecieron por allí fue el mítico Yul Brynner. Así que apunté el título de su personaje, Sabata. 

Como suele ser normal en este género o subgénero detrás de la misma se encontraba una productora europea, italiana o española, con directores y actores de la misma nacional y que, en ocasiones buscaban a un actor de renombre para dar empaque a la película. Este fue el caso de Indio Black, sai che ti dico: Sei un gran figlio di... que en España se comercializó por el nombre de Adiós, Sabata. 

Como en muchas del género se rodó entre los estudios de Cinecittà (Italia) y en el desierto de Tabernas en España. En este caso era una película del año 1971 dirigida por el director Frank Kramer. Pero no os engañéis se trata del director italiano Gianfranco Parolini que, precisamente falleció hace unos meses, en abril de 2018.

Fue un hombre fecundo en cuanto realizador y escritor, en este sentido, decía haber escrito más de 100 novelas. Como director fue responsable de la llamada The Sabata Trilogy , integrada por Sabata ( Ehi amico ... c'è Sabata, hai chiuso!, 1969), Adiós, Sabata ( Indio Black, sai che ti dico: Sei un gran figlio di... 1970) y Retorno de Sabata ( È tornato Sabata ... hai chiuso un'altra volta, 1971), pero también de otros spaguetti como Johnny West il mancino o Left Handed Johnny West, 1965), Se incontri Sartana prega per la tua morte , 1968). A esto sumó algunos peplums como Sansón (1961), La furia de Hércules (1962), 79 DC (1962), El Antiguo Testamento (1962), Los diez gladiadores ( I dieci gladiatori , 1963) , algunas películas bélicas Misión al infierno (1964), que fue seguida después por Cinque per l'inferno , también conocido como Five Into Hell, 1969), concluyendo su periplo como director con una película que tuvo un éxito relativo como No somos ángeles ( Noi non siamo angeli , 1975). 

La película fue producida por el gran y mítico Alberto Grimaldi - que empezó en este subgénero pero que su obra está acompañada de trabajos con Federico Fellini, Gillo Pontecorvo, Pier Paolo Pasolini, Bernardo Bertolucci o Martin Scorsese como Gangs of New York , aquí amparada por la productora Produzioni Europee Associati (PEA), que fue distribuidora para Italia y contando con el apoyo de la poderosa United Artists para los Estados Unidos. 

La película surge de un guión escrito por Renato Izzo y Gianfranco Parolini y entre los técnicos más representativos destaca la música de Bruno Nicolai, muy en la línea de Ennio Morricone que aporta un elemento clave para dar fuerza a las escenas de acción. También a destacar , aunque no así en la copia del DVD que he visto la fotografía de Sandro Mancori y el montaje del mismo Gianfranco Parolini (sin acreditar) La escenografía estuvo en manos de Pierluigi Basile, mientras que el vestuario fue labor de Claudio De Santis y los efectos especiales fueron por parte de Mario Van Riel y Stacchini. 

El elenco estuvo formado por Yul Brynner como Sabata / Indio Black ( en sustitución del primer Sabata, Lee Van Cleef, del mismo director) a los que se suman Dean Reed como el Rubio o Ballantine, Ignazio Spalla o Pedro Sánchez como Escudo, Gérard Herter como el malvado austriaco coronel Skimmel, Sal Borgese como Septiembre, Franco Fantasia como Señor Ocaño, Turam Quibo o Joseph P. Persaud como Gitano.

Andrea Scotti como José, Gianni Rizzo como Folgen, Salvatore Billa como Manuel, Massimo Carocci como Juan de los Angeles, Omar Bonaro como Jesús, Luciano Casamonica como Juanito, Vittorio Fanfoni como barman, Bruno Corazzari como Hertz, Vitti Caronia como primer teniente Stejar, Franco Marletta como mexicano, Lina Franchi mujer mexicana, Antonio Gradoli como el Mayor Matternich, Giuseppe Castellano o Thomas Kerr como Graduato, Federico Boido o Rick Boyd como Geroll, Giovanni Siragusa o Johnny Nation como Perdido, Andrea Aurelli como el ayudante de Ocaño, Calisto Calisti como el jefe Eagle Pass, Thomas Rudy como Cortejo, Furio Pellerani como García, Stefano Rizzo como un revolucionario mexicano, Nieves Navarro o Susan Scott como cantante de salón, Giovanni Cianfriglia o Ken Wood como agente austríaco, Angel Alvarez como gerente de agencia de cazarrecompensas, Furio Meniconi como Murdock. José Galera Balazote como el enano, Elio Angelucci como un aldeano barbudo así como José Canalejas y Fortunato Arena. 

La historia se desarrolla en México, en el año 1867 coincidiendo con la revolución de Benito Juárez y su lucha contra las tropas del Emperador Maximiliano de Austria.

La situación en México y en la frontera del país es confusa y muy compleja. Los bandidos campan por sus respetos, cruzan la fronteras y roban a la ya empobrecida población campesina mexicana. Especialmente cruel están siendo la fuerza de ocupación en apoyo al Emperador Maximiliano de Austria. 

El único consuelo para la población campesina viene de la Iglesia y del apoyo de algunos pistoleros como Sabata (Yul Brynner) , un hombre que ha apostado por ayudar a los más oprimidos y enfrentarse a bandidos e invasores. 

Lo cierto es la resistencia mexicana se está organizando, y cada vez más brotes rebeldes están estallando en las ciudades y pueblos. El jefe de la revolución, Ocaño, instruye a Escudo, un rebelde mexicano, a robar una enorme carga de oro que unos días más tarde saldrán de un fuerte austriaco cercano a la frontera con los Estados Unidos. 

Para ayudar a Escudo y sus hombres en la empresa, Ocaño busca a Sabata / Indio Black, un formidable pistolero "gringo". Tras mostrar sus habilidades con el rifle y con su puntería, Ocaño , uno de los líderes de la revuelta planea robar un ingente cargamento de oro en poder del despiadado coronel Skimmel que servirá para financiar la revuelta. 

Ocaño y los suyos deciden contratar al hombre más adecuado para la empresa, un mercenario conocido por su puntería que responde al nombre de Sabata. Se trata de un pistolero a sueldo al que se suman un pintoresco grupo de revolucionarios mexicanos encabezado por Escudo ( Ignazio Spalla) a los que se suman Septiembre (Sal Borgese ) , un mexicano mudo y muy hábil, así como Gitano (Joseph P. Persaud ) , un mexicano muy habilidosos que baila flamenco antes de matar a sus victimas . Todos van en búsqueda de un cargamento de oro en poder de los austríacos que apoyan militarmente al emperador Maximiliano I.

El coronel austriaco Skimmel los conocemos mientras dispara sobre los revolucionarios mexicanos presos que apoyan a las fuerzas republicanas que intentan devolver al poder al ex presidente mexicano Benito Juárez. Los austriaco se aprovechan de la posición de neutralidad que mantienen los Estados Unidos una vez acabada la Guerra Civil Americana. 

Sin embargo, cuando Sabata y sus socios mexicanos encabezados por Escudo y ayudado por otro truhán, un pistolero, ladrón, jugador y pintor conocido con el nombre de El Rubio o Ballantine están preparados para hacerse con el carro del oro , descubren que un grupo de mexicanos se hacen con la carga. 

Al no reconocerlos, Sabata / Indio Black y Escudo y sus hombres atacan y matan a los que parecen guerrilleros. Después de vencer se hacen con el carro con oro e intentan entender más acerca de lo que sucedió: los guerrilleros eran en realidad austriacos disfrazados. 

Tras asaltar un transporte de los imperiales que transportan aparentemente el oro, descubren que no es así y que se han jugado la vida por unos sacos de arena. A partir de ese momento los hombres que van con Sabata son perseguidos por las tropas imperiales que intentan recuperar el aparente cargamento. Además han de enfrentarse a las dudas que tienen entre ellos ya que Sabata no se fía de sus compañeros mexicanos y estos se fían bastante menos de El Rubio que parece el más interesado en llevarse el tesoro. 

Cuando hablan con Ocaño, este le informa que el oro que se iba a usar para comprar otras armas para la revolución, comprenden que la revolución casi ha terminado: los austriacos se están retirando en casi todas partes, por lo que los cinco supervivientes deciden dividir el oro en lugar de entregarlo ya que son conscientes de que el carro no está lleno de oro sino de arena, y que el oro sigue en poder del coronel austríaco Skimmel que, simplemente, es un ladrón de guante blanco y que quiere justificar el robo como un asalto , pero con la intención de quedarse con el oro. 

El grupo de Sabata planea recuperar el oro, aunque se encuentra en la fortaleza de los austriacos, un Fuerte, un sitio inexpugnable. Además desconocen dónde se encuentra dentro de la misma. Tras penetrar en la misma organizan un plan para localizar el oro. 

El plan tiene éxito , gracias a las habilidades de cada uno de los miembros del grupo, intentan robar el oro pero algunos de los que acompañan a Sabata son heridos caen o aparentan caer. Entre los que parecen morir es el Rubio que realmente ha localizado el oro en el interior de un tonel de cerveza alojado en la bodega. Aunque los demás creen que ha muerto descubren que el pintor ha huido con un carromato cargado con el tonel. 

Tanto Escudo como Gitano como Septiembre , instados por Sabata disparan al tonel mientras el Rubio va lanzado hacia Texas con el fin de pasar el dinero por el único puente , el de Guadalupe, que separa México de los Estados Unidos, que, ellos previamente han dinamitado. 

Los disparos dan en el blanco y del tonel va saliendo el oro que cae sobre territorio de México; mientras que El Rubio hace estallar la carga explosiva del puente pensando que el oro queda con él. Sin embargo, desde el otro territorio ve como Sabata y los mexicanos se ríen de él, mientras que El Rubio les pide ayuda. Unos puntos suspensivos indicando que la historia seguirá en otro momento ponen fin a la película. 

Indio Black, ya sabes lo que voy a decirte ... Eres un gran hijo de ... "es el título original de esta película del año 1970 en este modelo claro de Spaghetti Western dirigida por Gianfranco Parolini . Se trataba de la segunda película de esta The Sabata Trilogy de Parolini y en esta ocasión el elegido fue Yul Brynner el que asume el papel principal de Lee Van Cleef , quien protagoniza la primera y la tercera película. 

La película fue rodada en la primavera de 1970 en el Desierto de Tabernas así como en el Mini Hollywood de Tabernas , en Gergal , en Almería, entre otros espacios, pero también en los Incir De Paolis Studios, de Roma, en los Elios Studios, en el Valle de Treja, en los Cinecittà Studios.

La película tuvo su estreno en septiembre de 1970. Esta en principio no era originalmente una película de Sabata. El título original en italiano se traduce como "Indio Black, ¿sabes qué? Eres un gran hijo de ...", Indio Black es el personaje interpretado por Yul Brynner , pero el nombre del personaje y Brynner fueron cambiados para el lanzamiento estadounidense con el fin de sacar provecho de Oro sangriento (1969), la película original de Sabata, tras tener cierto éxito. 

La película es un ejemplo perfecto de este subgénero y tanto es así que fue seleccionado por Quentin Tarantino para el Primer Festival de Cine Quentin Tarantino en Austin, Texas, 1996. Originalmente, Van Cleef se le había ofrecido el papel protagónista en la película, pero tuvo que declinar porque estaba comprometido con The Magnificent Seven Ride en el papel de Chris Adams, que Brynner había hecho famoso en The Magnificent Seven . 

Interesante es lo que porta Sabata , un rifle de palanca y un cargador de carga lateral que contiene siete cartuchos . Se trata de una Remington Rimfire . Este tipo de armas con carga horizontal se llamaron armas de armónica. 

No es una gran película aunque cumple al 100 % con el género en el papel de la música, la figura del vengador, el tono cómico por momentos asumido por los mexicanos, la modificación de los estereotipos del western estadounidense, a los que se añaden el realismo, la brutalidad de algunos personajes, el escenario almeriense o el peso de la violencia. la ambientación en la Revolución Mexicana , el fin de la operación en la que unos ladrones solidarios roban a dos ladrones de guante blanco, búsqueda de un oro que sirva para financiar su lucha contra la ocupación austriaca. Vamos, un clásico del subgénero. Si te gusta el mismo lo pasarás bien, si no déjala a un lado.

Juerga hasta el fin

En una casa de New Jersey, en una localidad vecina a New York, en concreto en el vecindario de Union City, una localidad llena, llenita de hispanos, pude ver en parte, casi toda realmente esta película que titulada This Is the End al llegar a España me enteré que era conocida como Juerga hasta el fin. Lógicamente la vi en latino, pero me quedé sin ver el final. Ayer , después de pasados tres años, pude ver de nuevo la película que si bien me pareció una tontada, me quedé con la gana de acabar de verla por dos cosas: como acaba y como es posible que tantos actores y actrices importantes participaran en ella. 

Se trata de una película de la que nunca había oído hablar dirigida por dos directores de los que uno de ellos, el canadiense Seth Rogen, aunque reside en Los Ángeles desde los 16 años, que participa como actor. El otro es también canadiense Evan Goldberg. Ambos son presentados como comediantes, escritores y productores de cine , aunque el primero, además como actor al que hemos visto en películas como Donnie Darko o Fanboys. Del segundo decir que This is the End fue su debut profesional en la dirección. El y Rogen, han sido nominados en numerosos premios como los Premios Emmy, los Globo de Oro, Premios Independent Spirit, etc.Junto a Seth Rogen, desde el 2007 trabajan conjuntamente como guionistas en su caso desde 2004 y productores cinematográficos en diferentes películas de humor que han alcanzado un gran éxito internacional como Knocked Up, Superbad, Pineapple Express, Funny People, The Green Hornet, 50/50, The watch, The Guilt Trip y el cortometraje Jay y Seth vs The Apocalypse. Contó para su desarrollo con las productoras Columbia Pictures - como distribuidora- , Point Grey Pictures y Mandate Pictures y un presupuesto de 32 000 000 $

En este caso el guión estuvo escrito por Seth Rogen, Evan Goldberg - que aquí también son productores- , además de Jason Stone inspirándose en un trabajo anterior, Jay and Seth vs. The Apocalypse. 

En el apartado musical la película cuenta además de las canciones que se escuchan en las fiestas como Bad Street Boys incluidos con la música de Henry Jackman y la fotografía de Brandon Trost. Asimismo participan Zene Baker en el montaje y Danny Glicker en el vestuario. 

El reparto lo interpretan actores y actrices que a su vez hacen un remedo de si mismos o visiones exageradas como Jay Baruchel - también actor y guionista canadiense e integrante de los Fanboys o Million Dollar Baby y Tropic Thunder, - , James Franco, Jonah Hill, Danny McBride y Craig Robinson en los principales papeles al igual que el director Seth Rogen. 

Junto a ellos participan Emma Watson, Rihanna, Michael Cera, Christopher Mintz-Plasse, Channing Tatum, Mindy Kaling, David Krumholtz, Martin Starr, Paul Rudd, Kevin Hart, Aziz Ansari, Backstreet Boys, Howie Dorough, Nick Carter, Brian Littrell, A.J. McLean, Kevin Scott Richardson, Samantha Ressler, Douglas M. Griffin, Lo Graham, Carol Sutton, Yohance Myles que en muchos casos hacen un breve cameo hasta morir en el apocalipsis filmico. 

La película se inicia con la llegada de Jay Baruchel a Los Ángeles para visitar a su viejo amigo y compañero actor también canadiense Seth Rogen. Ve a éste algo cambiado pues no quiere comer comida basura, pero de inmediato ve que ha preparado para él, en su nueva mansión, mucha maría, juegos , petas ya liados,...Pero finalmente le dice que han sido invitados a asistir a una fiesta de inauguración del chalet de James Franco . 

Durante una fiesta celebrada en Los Angeles con motivo de la inauguración de la nueva casa de James Franco, van otras muchas celebridades. Allí Jay puede ver a actores que aprecia y otros que detesta. En un momento dado, aburrido, sale a comprar tabaco y le acompaña a regañadientes, Steh. Mientras compran ve lo desagradable que es la vendedora. Pero en ese momento se escucha un estruendo que parece un terremoto. 

Sin embargo, segundos después vemos como unas luces azueles se llevan algunos de los clientes y otros, como la vendedora, muere trágicamente. Descubren los dos que se están enfrentando al fin del mundo, el Apocalipsis pronosticado por la Biblia. 

Tras sortear peligros retornan a la casa. Al llegar Jay y Seth, descubren que todos son ignorantes de lo que ocurre en el exterior. Ambos relatan como los rayos de luz azul bajan y succionan a muchas personas hacia el cielo. Poco después se produce un terremoto y la multitud de los que estaban sale corriendo despavoridos. 

Al salir ven el Apocalipsis en forma de gran incendio que arrasa la ciudad y , de repente, un enorme sumidero se abre de repente en el patio de James, tragándose a varios asistentes entre ellos Rihanna, Jason Segel, Christopher Mintz-Plasse, Mindy Kaling, Aziz Ansari, Martin Starr, Michael Cera, Kevin Hart o David Krumholtz. Seth, James, Jonah Hill y Craig Robinson vuelven dentro de la casa. 

Los supervivientes realizan un inventario de sus suministros, establecen un sistema de racionamiento, protegen la casa y esperan ayuda. 

A la mañana siguiente, un problemático y egoista Danny McBride , ajeno a lo que vive, desperdicia gran parte de su comida y agua. Las tensiones aumentan debido a diversos conflictos, incluido el creciente alejamiento de Jay y Seth, y el escepticismo de los demás sobre la creencia de Jay de que el desastre podría ser el Apocalipsis del que hablaba el Libro de Apocalipsis. 

Tras varios días, Emma Watson entra en la casa con un hacha de James, pero debido a un malentendido - ya que los hombres hablan de que es la única chica con tanto chico- cree que el grupo planea violarla y se va con las bebidas restantes del grupo. 

Entre todos comienzan a buscar agua cavando en el salón ya que James Franco que diseño su propia casa sabe que hay dos garrafas en la bodega que está debajo del salón. Jay y Set cavan el suelo y buscan agua, pero tras encontrarla. 

Pero el conflicto surge nuevamente por la insolidaridad de Danny que la desperdicia por completo y los otros lo echan de la casa. 

Antes de irse, Danny revela que Jay estuvo en la ciudad dos meses antes, pero se quedó en un hotel en lugar de ir con Seth debido a Jay estaba cansado de su amistad pues la veía forzada. Jay y Craig Robinson, tras un sorteo, han de salir a casa de los vecinos para intentar buscar víveres. Le ha tocado a Seth, pero se ha negado. 

Ante eso Jay se presenta voluntario y Craig decide acompañarlo. Encuentran comida, pero son atacados por un demonio que los persigue, aunque logran esquivar. Por su parte, Jonah molesta a Jay, quien lo golpea en la nariz. 

Más tarde, Jonah reza para que Jay muera y , entonces, es poseído por un demonio que lo viola. Seth y James son atacados por el poseído Jonah. Jay y Craig someten a Jonah y lo atan. 

Durante un intento de exorcismo, Jay y Seth se pelean y golpean una vela e inician un incendio que afecta a Jonah y quema la casa, lo que obliga a los demás a salir en busca de un nuevo refugio. James sugiere conducir a su casa en Malibu, pero descubre que su auto está custodiado por el demonio. Craig se ofrece como voluntario para sacrificarse y es arrebatado al cielo cuando el plan tiene éxito. Los demás se dan cuenta de que pueden salvarse realizando un acto desinteresado. 

Poco después el coche con el que van destino a Malibú es golpeado por una furgoneta ocupada por un grupo de caníbales liderados por Danny. Cuando James se ofrece voluntariamente para sacrificarse, un rayo azul comienza a arrastrarlo al Cielo, pero cuando se burla e insulta a Danny, el rayo desaparece. Danny y los otros caníbales devoran a James mientras Seth y Jay escapan. 

Mientras huyen se encuentran con un enorme ser demoníaco. Jay se disculpa con Seth por sus acciones mientras el ser intenta perdonar igualmente. Un rayo golpea a Jay, y él comienza a ascender mientras que Seth no lo hace. Jay agarra la mano de Seth, pero su presencia le impide ascender al Cielo. 

Seth obliga a Jay a dejarlo ir y aparece otro rayo alrededor de Seth. La pareja llega al cielo donde Craig los saluda y les dice que es un lugar donde cualquier deseo se hace realidad. 

En ese momento, Jay muestra el desea de que en la fiesta aparezcan los Backstreet Boys y la banda interpreta " Everybody (Backstreet's Back) " mientras todos los asistentes bailan, acabando así la película. 

This Is the End es una película de terror de comedia negra en la que un grupo de actores conocidos hace frente a un apocalipsis bíblico mundial. 

La historia surgió , según comentaron los guionistas, directores y productores Rogen y Goldberg en una entrevista que "Siempre quisimos hacer una película en la que la gente se interpretara a sí misma y sucedió algo extraordinario: la versión inicial de la película era Seth Rogen y Busta Rhymes filmaban un video musical y mientras se rodaba una película en el Sony Store , Antmen era atacado desde el centro de la tierra ". La película también está basada en Jay y Seth versus Apocalypse , un cortometraje creado por Goldberg y Jason Stone en 2007. 

Durante la producción, la película se tituló The Apocalypse , más tarde cambió a The End of the World . El nombre cambió a This Is the End el 20 de diciembre de 2012. 

En una entrevista con The Guardian , Goldberg comentó que las influencias que contribuyen a la película: "Si profundizas hasta lo más profundo de lo que hago, solo estás robando pequeñas partes de Charlie Kaufman . Seth y yo siempre nos encantó The Larry Sanders Show también. Y la popularidad de los "TV reality" ahora también se alimenta de la idea de si lo que estamos viendo es realmente real. Pensamos que trabajar con nuestros amigos en esa situación sería increíble porque todos somos comediantes dispuestos a apuñalarse a sí mismos ". Los actores interpretan versiones exageradas de sí mismos, y solo James Franco no tiene objeciones a hacer lo que el guión quería que hiciera. 

A pesar de desarrollarse la historia en Los Ángeles, el rodaje principal se hizo en Nueva Orleans debido a los incentivos financieros de esa ciudad. La filmación se realizó entre febrero y principios de julio de 2012. 

Modus FX realizó 240 efectos visuales para la película, incluidos los desastres naturales, extensiones de la casa o los demonios generados por ordenador así como los rayos raptores. Tras el rodaje Rogen y Goldberg estaban insatisfechos con su final; consideraron poner a Morgan Freeman en el Cielo, pero él lo rechazó. 

Dado que " Everybody de Backstreet's Back " ya se había reproducido en una escena y los directores querían cerrar con una nota musical excesiva, los directores decidieron incluir a los Backstreet Boys en la escena. 

La película se estrenó en el Fox Village Theatre el 3 de junio de 2013 y fue estrenada teatralmente en los Estados Unidos el 14 de junio de 2013 por Columbia Pictures antes de ser relanzada el 6 de septiembre de 2013. 

La película fue un éxito de crítica y comercial recaudando $ 126 millones cuando tenía un presupuesto de $ 32 millones. 

Ganó diversos premios o nominaciones como el de los Critics Choice Awardsa la Mejor Comedia y el Premio a la Mejor Comedia para la Sociedad de Críticos de Las Vegas. 

En cuanto a la crítica me ha sorprendido las críticas positivas de gran parte de los gurus estadounideneses. Para Owen Gleiberman de Entertainment Weekly dijo de ella "Podrías sentarte durante todo un año en comedias de Hollywood y aún no ver nada que sea realmente audaz, pero This is The End verdaderamente lo es. Es la comedia de la pantalla más salvaje en mucho tiempo y también la más inteligente, la más inspirada sin miedo y la más divertida ". Para Peter Travers de Rolling Stone comenta que "Seguro que te lo pasarás en grande. En su debut en la dirección, Rogen y Goldberg salen victoriosos, mezclando la hilaridad y el horror como profesionales (...) " 

Michael Phillips del Chicago Tribune dice que es "Más que extravagante, pero a menudo hilarante (...) " 

Claudia Puig en USA Today comenta que "La película no es uniforme y le sobran unos 15 minutos. Pero cuando quiere ser divertida, resulta hilarante (...) " 

Todd McCarthy del The Hollywood Reporter afirma que "Rogen y Goldberg toman el último enfoque de una manera inmadura, pero a veces sorprendentemente directa que se puede interpretar en serio. O no" 

Cree Justin Chang de Variety que "Este debut en la dirección de los co-guionistas Rogen y Evan Goldberg compensa su premisa algo petulante con un sentido inteligente de la auto-parodia y unos niveles de vulgaridad casi catastróficos" 

A. O. Scott en The New York Times señala que "La película (...) tiene una sensación terminal. Sugiere que el subgénero cómico basado en la inmadurez, el pánico sexual y la tendencia a la auto-burla de los hombres que deberían ser lo suficientemente mayores como para saber hacer mejor las cosas ha alcanzado su fecha de caducidad" . 

Por contra la crítica de The Globe and Mail de Canadá fue dura. Comparó la película con la espera interminable de un autobús cancelado. La crítica se refería a los actores de la película como "los perezosos, los privilegiados y los sin ánimos". 

Ya en España Javier Ocaña en El País afirma que "Hollywood, pero (casi) más divertido que nunca. (...) La mejor película de zombis, desastres y alienígenas del verano".

Fausto Fernández en Fotogramas dice que "Seth Rogen, Evan Goldberg y toda la amplia nómina del neohumor siglo XXI USA salen desnudos, interpretándose a sí mismos, al sacrificio colectivo en un masoquista (rabiosamente divertido) ejercicio de autoflagelación e ironía simplemente antológico (...) " 

En otra revista de cine,  Irene Crespo en Cinemanía señala que "La película funciona como juerga independiente (...) También es delirante como parodia apocalíptica (...) Pero sobre todo es insuperable como hilarante autocrítica a ellos mismos (...) " 

Desde Barcelona Jordi Batlle Caminal en La Vanguardia informa que "Ésta es una comedia desmadrada que tiene muy claro el público al que va dirigida: los fans de Supersalidos, Superfumados (...) El despropósito pasa por todos los niveles (lo más malo, lo simplemente divertido y media docena de pasajes hilarantes) (...) 

Para Iosu Eguren del vasco El Correo afirma que la película "Se regodea en las miserias de un microuniverso endogámico para producir una buena colección de gags que pese a su tacto agradable, saben a una fórmula muchas veces vista y oída" 

Desde México J. Ivan Morales planeta en Cine Premiere que se trata de "Una comedia inteligente para un público muy específico. " 

En Argentina Horacio Bernades la describió desde Página 12 como "Lo mejor de la película que reúne a varios figurones de Hollywood haciendo de sí mismos (es un decir) es que cualquier cosa puede suceder. Lo peor, que a veces lo que sucede es genial y a veces una absoluta tontería. Pero el entretenimiento está garantizado." Por su parte, Santiago García de Tiempo Argentino afirma que para "Hacer un análisis más profundo sería casi una falta de respeto a esta comedia ligera que, a pesar de ser muy revulsiva en muchos aspectos, no es tampoco una película políticamente incorrecta." 

A mi particularmente no me ha gustado mucho. Como comedia negra funciona, la canción de las bragas que hace divertir a la mismísima Rihama no está mal, pero como crítica a la sociedad de Hollywood se desploma. 

Me ha parecido una bufonada por parte de los actores dominantes de la comedia estadounidense encabezados por los Seth Rogen, Jay Baruchel, Channing Tatum y su compañero Jonah Hill, así como James Franco, actores con versátiles facetas como éste último algo que se suman colegas de profesión que considero que han de tener mayor recorrido para considerarlos grandes como Jason Segel , Christopher Mintz-Plasse, Michael Cera.Es posible que sean los Tom Hanks del futuro pero está muy lejos de ser la comedia graciosa y creativa que dicen que es. 

Yo la he visto como una gamberrada en la que unos chicos listos cuentan con sus amigos para pasarlo bien. Y eso , indudablemente gusta el espectador, especialmente al norteamericano que los conoce por el cine , pero sobre todo por la televisión. 

Creo que esta obra surrealista pudo dar mucho de si, quedándose en el intento. A destacar que el poder cerrar por fin mi ciclo de cine americano visto en los Estados Unidos. Una tontería, pero me quedaba como pendiente.

Far Cry o dos sobre diez

Tras echar un polvo los dos protagonistas, chico / chica de la película, el chico todo un lumbrera le pregunta a la chica que de una puntuación después de su primer encuentro sexual surgido algo más allá de la nada. La chica, una muy guapa actriz canadiense de nombre Emmanuelle Vaugier le dice al chico joven y atlético en la persona del alemán Til Schweiger, le dice que un 2 sobre 10, algo que él, como es un creído no se lo cree. 

Es posible que el director de esta nadería de película que es Far Cry, basada en un importante videojuego que he visto en acción en infinitas ocasiones en casa, el alemán Uwe Boll tuviese la premonición de que ese podría ser el valor que críticos , espectadores y aficionados en general al videojuego diesen a esa película: 2 sobre 10. 

Es llamativo que Uwe Boll nacido en 1965 en Wermelskirchen, sea un director alemán- y productor de cine , aunque hoy sea residente en Vancouver (Canadá)- que se dedica no tanto a hacer cine, sino a adaptar videojuegos de éxito al cine. Ha sido el responsable de las adaptaciones de House of the Dead, Alone in the Dark y Bloodrayne. Como en anteriores películas está rodada en inglés, aunque el alemán sea la lengua común de gran parte de los actores. A diferencia de la mayoría de directores que reciben dinero de los estudios de Hollywood, él financia sus propios trabajos a través de su compañía de producción Boll KG. 

Eso sí, todas sus películas han obtenido resultados pobres en taquilla. BloodRayne recaudó 3.6 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 25 millones. Alone in the dark recaudó $8 millones con un presupuesto de $20 millones. In the Name of the King: A Dungeon Siege Tale es hasta la fecha su mayor fracaso, ya que costó 60 millones de dólares recaudando en cines tan sólo 12. 

La película fue producida por el mismo Uwe Boll, Dan Clarke, Wolfgang Herold y Shawn Williamson y con el respaldo de las productoras Boll Kino Beteiligungs GmbH, Co. , Boll KG , Brightlight Pictures y Far Cry Productions, así como Touchstone Pictures y contando con la distribución de la 20th Century Fox para presentarla en Alemania y la Walt Disney Studios Motion Pictures en Estados Unidos y Canadá . La película, o lo que se esto,  contó con un presupuesto de $ 30 millones. 

El guión fue perpetrado más que escrito por Michael Roesch, Peter Scheerer y Masaji Takei impirándose muy de lejos, muy Far Cry en lo planteado por los "desarrolladores" y guionistas del juego creado por Crytek Ubisoft. 

La banda sonora pertenece a Jessica de Rooij, mientras que la fotografía lo fue de Mathias Neumann y el montaje de Karen Porter.

El reparto lo encabezan Til Schweiger como Jack Carver y Emmanuelle Vaugier como Valerie Cardinal. Junto a ellos aparecen Natalia Avelon como la malvada Katja Chernov, Michael Paré como Paul Summers, Clint Howard como uno de los científicos, Craig Fairbrass como Mike, Udo Kier como el malvado Dr. Krieger, Mike Dopud como el Sangento Ryder, Chris Coppola como Emilio, Ralf Möller como Max Cardinal -tio infiltrado de Valerie-, Don S. Davis como el general Roderick, Jay Brazeau como Ralph, Michael Rogers como Mercenary Kelly y Anthony Bourdain , el recientemente fallecido cocinero que hace un cameo como el científico Tad Chanko. 

Junto a ellos aparecen en papeles menores Carrie Genzel, Michael Teigen, Suzanne Ristic, Steffen Mennekes, Michael Robinson, Michael Rogers, Geoff Gustafson, Jamie Switch, Aaron Pearl, Reese Alexander, Adrian Holmes, Michael Benyaer, Peter Kent, Tyron Leitso. 

La película comienza en la jungla una noche en la que un escuadrón de mercenarios explora la zona cercana a una base científica. Están buscando a un supersoldados modificado en un laboratorio. Uno de los mercenarios busca a uno de los supersoldados, pero es sorprendido y asesinados, al igual que algunos de sus compañeros por el soldado mutante. 

Ante estas circunstancias el Dr. Krieger (el actor danés Udo Kier), un malvado científico con ansias de dinero y poder que consigue crear el soldado definitivo, es informado por sus hombres sobre lo ocurrido. 

Poco después se persona en la base un General que está al tanto de los experimentos y le pide que pare la investigación,el general Roderick (Don S. Davis) al ver que estos soldados no son controlables, pero Krieger se niega a hacerlo y prosigue desarrollando otros soldados. 

Tras eso la película salta a dos espacios. Uno marino, en el que Jack Karver (Til Schweiger), un antiguo soldado de élite que ahora se gana la vida como guía turístico en su modesto barco, y otro urbano, en la que la periodista Valerie Cardinal (Emmanuelle Vaugier) recibe una llamada y un email de un militar infiltrado en la base que quiere informarle de como la situación se le está yendo de las manos dadas las muertes de sus compañeros. 

El infiltrado resulta ser su tío, el sargento Max Cardinal (Ralf Möller). Pero su mensaje a la periodista que secretamente está recibiendo la información sobre los eventos y la investigación real es detectado por el grupo de seguridad que está a cargo de la malvada Katja Chernov (Natalia Avelon). 

Max es detenido tras ser interrogado y llevado al laboratorio donde Krieger lo modifica genéticamente. 

Ante el silencio generado tras la llamada Valerie decide ir a verse con su tío a la isla. Para llegar a la misma la periodista contrata al patrón de una embarcación que hemos conocido con anterioridad, un ex militar que bebe y que no le interesa mucho lo que hace. Se trata de Jack Carver (Til Schweiger) quien se encarga de llevarla a la isla. 

Mientras van navegando ella le revela a Jack que su informante se llama Max y que sirvió en las Fuerzas Especiales con él y que él es su tío. Jack niega haberlo conocido. Sin embargo, tras dar un nombre en clave lo admite. Jack luego la lleva a la isla. 

Sin embargo, los mercenarios que atraparon a Max están esperando a la chica pues conocían el lugar donde Max se reuniría con Valerie. 

Los mercenarios capturan a Valerie y destruyen el bote de Jack , aunque Jack logra escapar. Jack roba un arma de un guardia cercano después de noquearlo y rescatar a Valerie. Jack sugiere que abandonen la isla, aunque Valerie se niega a irse sin Max. 

Esa noche, tras estar calados hasta los huesos encuentran una cabaña abandonada que les sirve de refugio. Tras un momento de ridículo pudor , como ambos tienen frío se acercan el uno al otro y pasa lo que pasa: 2 sobre 10. 

A la mañana siguiente, los dos secuestran un humvee mercenario que llevan dos soldados y se visten con sus uniformes. Tras ello se dirigen a la base central donde primero es capturada ella de forma bastante ridícula y pueril, y luego él cuando va a su basca. 

Tras eso Jack es detenido cuando intentaba hacerse con un barco para salir de la isla. Sin embargo, es encarcelado en una celda vacía con el hombre que estaba en la barca y que era el encargado de los suministros alimenticios para el laboratorio, Emilio (Chris Coppola). 

Mientras ambos intentan escapar, Valerie se ve obligada a cenar con Krieger, quien ordena a los mercenarios liberar a Max (que ahora es un mutante). Su objetivo es enfrentarse a Jack. Después de una breve pelea, Jack logra convencer a Max de quién es realmente. Max, apenas convencido y mentalmente frágil, ataca a los mercenarios y libera a los otros mutantes. Los mutantes intentan matar a todos los humanos en la isla. 

Después de sufrir grandes bajas, la mitad de las Fuerzas mercenarias se dan cuenta de que no hay esperanzas de controlar a los mutantes y deciden formar equipo con Jack y escapar de la isla. La otra mitad de los mercenarios siguen siendo leales a Krieger y a Katjia muy a su pesar y tratan de mantener el control de la isla. 

Las dos partes comienzan a luchar entre sí y los mutantes al mismo tiempo. A medida que la batalla continúa, Max es asesinado con un certero tiro al ojo, junto al cuello su único punto débil por Katjia , la mujer más fiel a las órdenes de Krieger, y la mayoría de los mercenarios en la isla son asesinados por los mutantes. Esto deja solo a Krieger y su segunda con vida . 

Mientras que por la otra quedan Jack y Valerie, y el cocinero. Mientras trata de encontrar a Valerie, Jack se enfrenta con la segundo al mando de Krieger y acaba con ella. Jack encuentra a Valerie y le cuenta sobre Max. El suministrador de alimento, Jack y Valerie secuestran un bote en los muelles. 

Cuando Krieger llega a los muelles poco después mientras es perseguido por mutantes, descubre que falta el bote. Se da vuelta y grita cuando la pantalla se torna en negro. 

La película termina con Jack en el puerto deportivo. Vemos que se ha comprado una embarcación nueva . Al amarre llega Valerie con la que mantiene una relación, mientras también continúa su trabajo como patrón. Valerie, como Jack, también trabaja con la CIA. Jack contrata a Emilio para su barco y los primeros clientes resultan ser los mismos que al principio de la película buscaban ballenas. 

La adaptación del videojuego Far Cry tuvo lugar en una locaciones de filmación ubicada en el oeste de Canadá , en la Columbia Británica. En concreto en Deep Cove Marina, el North Vancouver, Surrey y otros puntos de la isla de Vancouver,. El rodaje tuvo lugar entre la primavera y el verano de 2007. 

El entusiasta de los juegos y director / productor Uwe Boll obtuvo los derechos de una película de Far Cry de Crytek , supuestamente antes de que se lanzara el juego. En una entrevista en octubre de 2006, Uwe Boll dijo que la producción de Far Cry comenzaría en mayo de 2007. 

Los creadores de ScrewAttack "Stuttering Craig" y "Handsome Tom" habían intentado durante un mes recaudar dinero para comprar una parte de los derechos que tenia Uwe Boll y que habían colocado en una subasta en Internet. El 4 de julio de 2007, Craig anunció en el podcast ScrewAttack, Sidescrollers, que Uwe Boll le envió una respuesta por correo electrónico afirmando que habían logrado ser elegidos como extras. 

Y mientras el juego Far Cry de Crytek se convirtió en un gran éxito, generando varias secuelas, la película se convirtió en un estruendoso fracaso. Desde su estreno el 2 de octubre de 2008 en Alemania, - en diciembre en los Estados Unidos- la película que fue presupuestada en £ 30 millones, recaudó menos de $ 1 millón en la taquilla, en concreto, $ 743,634. 

El famoso y recientemente fallecido el chef Anthony Bourdain visitó el set Far Cry en Vancouver durante una grabación de su espectáculo Anthony Bourdain: No Reservations (2005). Esto explica cómo Bourdain llegó a ser elegido para el papel pequeño (y no acreditado) de un científico que recibe un disparo cerca del final de la película. 

El fracaso en taquilla fue total como ha ocurrido en otras películas de Boll, una enorme decepción para la crítica y el público. Al igual que la mayoría de las otras películas dirigidas por Uwe Boll, Far Cry recibió críticas negativas con la mayoría de los críticos diciendo que no hace justicia a los juegos. IGN dijo de ella: "Tal vez algún día las compañías de juegos aprendan a ser más exigentes acerca de los directores que eligen para realizar sus productos en la pantalla grande. Los fanáticos del juego y los fanáticos de las películas en general deben evitar esto a toda costa. A menos que, por supuesto, su propósito sea burlarse " 

Sebastian Zavala Kahn en Más Gamers dijo de ella que era "Una película de "acción" poco ambiciosa y limitada llena de diálogo estúpido, chistes malos, personajes desesperados y secuencias de violencia repetitivas y aburridas". 

Reconocer que la relación entre los dos protagonistas es extraña y surrealista, tan pronto son desconocidos, como son amigos, como son novios y , por supuesto, se acuestan y todo ello en cero coma. Hay acción , tiroteos y persecuciones en la selva o en lancha pero no es nada trepidante pues presenta un desigual ritmo trufada de chistes malos. 

La película está interpretada por parte de actores y actrices de serie B, encabezados por Til Schweiger, Udo Kier, Craig Fairbrass o Ralf Moeller hacen lo que les dicta un director con -parece ser pocos recursos para la dirección- y el disparate de los guionistas que llenan la historia de diálogos insufribles, estúpidos , ridículos y surrealistas. Parece como si Uwe Boll solo hubiera cogido el escenario del juego, al personaje con camisa floreada roja y la idea básica de la mutación y experimentación en el juego. Ahora como director parece centrase en unos soldados parecidos a un Hulk lleno de polvos blanquecinos y que tras su muerte nadie, ni la sobrina, lo lamenta. 

Lo cierto es que Boll, un director parece emular al mítico Ed Wood dado los múltiples reconocimiento en negativo que tiene. Fue galardonado con el Razzie a la peor carrera cinematográfica en la edición de 2008. Ese mismo año también obtuvo el Razzie a Peor director por Tunnel Rats, In the Name of the King: A Dungeon Siege Tale y Postal. Previamente ya había estado nominado por Alone in the Dark y BloodRayne. Es extraño que no se lo plantearan por esta. 

Puede que no sea un cero, pero yo creo que sabía que - aunque nunca pongo nota- la película se quedaba en un 2 sobre 10, siendo generosíiiiiisimo. Por eso parece hoy que a sus 53 años retirado del cine, al menos, de la dirección.