Death Proof

Hace unos 11 años que vi la película y , por supuesto, cuando la vi nadie sospechaba del tormento que estaría sufriendo un grupo de actrices que estaban sometidas a todo tipo de chantaje por parte de uno de los más importantes productores, algunos de los más laureados de Holllywood , que nos desvelaron la cara oculta del oropel hollywoodiense: el del sexo.

Una de las impulsaras de este movimiento reivindicativo por parte de un grupo de actrices y que se conoce con el nombre de #Metoo fue la actriz , nacida en Italia, Rose McGowan.

La familia McGowan se mudó a los Estados Unidos desde su Italia natal cuando Rose tenía diez años de edad. Allí, acabó viviendo en Oregón, con su madre. Comenzó a trabajar a los trece años. Tuvo varios trabajos temporales como camarera o acomodadora de cine. Rose se emancipó legalmente de sus padres a la edad de quince años, e incluso se representó a sí misma en el juicio.

Entró en el mundo del cine siendo una adolescente entrando de lleno con la película Scream de Wes Craven en 1996. Aunque habrá que reconocerle algunas rarezas como que fuera pareja de Marilyn Manson entre 1997 y 2001; David Zinczenko, el editor de la revista Men’s Health, o, años más tarde , con Robert Rodriguez (2007-2009) que quiso contar con ella para su proyecto bicefálico de Grindhouse , una vez que ella había puesto fin a carrera televisiva con Charmed, que le tuvo en la pequeña pantallla desde 2001 a 2006.

Este proyecto de Grindhouse tenía dos propuestas: Planet Terror que dirigiría Robert Rodríguez como la que hará el colega de su compañero sentimental , Quentin Tarantino, titulado, Death Proof. Las películas se estrenaron en 2007. Rose también hizo un cameo en la película de Robert Rodríguez del año 2010, Machete, basada en el falso trailer que marcaba el comienzo de Planet Terror.

En 2017 la McGowan acusó públicamente al productor de Hollywood Harvey Weinstein de haberla violado a los 23 años, es decir, en 2006, y acusó a la industria de mantener una cultura de complicidad y silencio que permitía que sucedieran ese tipo de cosas. McGowan había sido activista por los derechos de las víctimas de abuso sexual durante muchos años previo a que se descubriera lo sucedido con Weinstein. McGowan había sido silenciada en el momento mediante un acuerdo de confidencialidad firmado por ella y Weinstein a cambio de una suma de dinero de 100 000 dólares. 

Lo cierto es que cuando he empezado a ver Death Proof ha sido siendo los títulos de crédito que prodríamos estar dando con la clave original de la historia de acusaciones entre McGowen y Weinstein.

Pero vayamos al grano. Death Proof es una película estadounidense del año 2007 escrita y dirigida por Quentin Tarantino.

Tarantino, un obseso de la cultura pop, del cine de los setenta y un buscador de universos que crearan auténticas  referencias cinematográficas dio años antes con otros compañeros de viaje como  el cinéfilo  Robert Rodríguez.

Entre uno y otro idearon un film doble, que sería un homenaje al cine de serie B que se exhibía en sesiones continuas de los cines de  los años setenta, sesiones que eran conocidas como Grindhouse.

Se caracterizaban por ser película de escaso presupuesto, aparentemente llena de errores y casi mal confeccionadas que saciaban a espectadores voraces  en busca de evasión cinematográfica sin mayores pretensiones. Ambos se juntaron, además de otros amigos comunes (Eli Roth, Rob Zombie), para crear un film doble que sirviera de homenaje a esta manera de concebir el cine.

Cada uno se ocuparía de un género distinto y lo vestirían de sabor añejo, le añadirían tráilers falsos y se convertiría en un producto de culto. Sin embargo, lo que podía haber sido un bombazo se convirtió en un desastre en la taquilla de los Estados Unidos y obligó a separar ambos largometrajes para el mercado internacional, como forma de rentabilizar la producción.

‘Death Proof’ es el film de Grindhouse que dirigía Quentin Tarantino y en el  mismo se quería homenajear, el típico slasher con chicas sexys en peligro de muerte violenta y el cine de acción, el cine de persecuciones de coches. En estas historias se trufan los diálogos inteligentes desarrollados por un guión que se divide en dos mitades, con momentos muy tarantinianos y , como marca, de la casa la idea de recuperar a un actor , en este caso, Kurt Rusell que asume el papel de  un psicópata especialista que asalta chicas jóvenes antes de asesinarlas con su coche de especialista «a prueba de muerte».

Esta película está considerada como la película de exploitation de Tarantino, al igual que Reservoir Dogs es su película de atracos, Pulp Fiction la de cine negro, Kill Bill la de artes marciales y Jackie Brown su película de blaxploitation.

En este caso se trataba de una producción en la que estaban de lleno Quentin Tarantino, Elizabeth Avellán,  Erica Steinberg y Robert Rodriguez por medio de sus productoras  A Band Apart , Dimension Films , Troublemaker Studios y con la distribución de los Weinstein por medio de Dimension Films la productora que se había integrado en famosa por las películas Scream, Spy kids y Scary Moviey y que se integraron en la empresa Miramax y desde 2005 en The Weinstein Company. Contó con un presupuesto de $53 millones. Fue la primera película dirigida por Quentin Tarantino no producida por Lawrence Bender .

La película contaba con el guión de Quentin Tarantino, la música de David Arnold, la fotografía de Quentin Tarantino y el montaje de Sally Menke. El elenco lo encabezaba Kurt Russell como el especialista Mike, Rosario Dawson como Abernathy "Abbie" Ross, Mary Elizabeth Winstead como Lee Montgomery, Vanessa Ferlito como Arlene, Jordan Ladd como Shanna 'Banana', Rose McGowan como Pam Greer, Sydney Tamiia Poitier como Jungle Julia Lucai, Zoë Bell como Zoë Bell, Tracie Thoms como Kim Mathis, Marcy Harriell como Marcy, Omar Doom como Nate, Michael Bacall como Omar, Quentin Tarantino como el camarero Warren, Eli Roth como Dov, Monica Staggs como Lanna-Frank, Michael Parks como el sheriff McGraw, James Parks como Edgar McGraw, Tim Murphy como Timmy el camarero, Marta Mendoza como Punky Bruiser, las gemelas Electra y Elise Avellán como las niñeras, Marley Shelton como Dr. Dakota Block - McGraw, Jonathan Loughran como Jasper y Nicky Katt.

La película comienza cuando tres amigas, Arlene (Vanessa Ferlito), Shanna (Jordan Ladd) y Jungle Julia Lucai (Sydney Tamiia Poitier) salen de fin de semana y conducen por Colorado Street en Austin, Texas, para celebrar el cumpleaños de Jungle Julia, en una casa aislada y cercana a un lago, sin darse cuenta que están siendo acechadas por un tipo.

Antes de ir a la casa de campo paran en un local al que van asiduamente para tomar una copa. Se trata del Bar Taco Güero, en donde Jungle Julia confiesa que esa mañana ofreció por la radio un baile sexy que realizaría Arlene al que llama la mariposa, a la primera persona que le comprara una bebida y le recitara un fragmento de un poema.

En el bar se encuentra el especialista Mike (Kurt Russell) un antiguo doble de acción en películas de Hollywood, que está comiendo nachos de manera grosera y que estaba especializado en escenas peligrosas con coches.

Viste con look retro de los años setenta, tiene una cicatriz que cruza verticalmente su cara en la parte izquierda y conduce coche de exhibición, un muscle car.

Durante la noche las chicas se encontrarán con Pam (Rose McGowan), una enemiga de la infancia de Jungle Julia, mientras ésta es estudiada por especialista Mike, un hombre guiado exclusivamente por sus apetitos. Mike guiña directamente un ojo a cámara justo antes de entrar en acción.

Tras presentarse a Arlène en la forma modo requerido desde el programa de radio por Jugle Julia le pide que realice un baile, algo que ella hace tras resistirse inicialmente. Como se había comprometido con una de las clientas del bar, con Pam, a la que le sirve Warren ( el mismísimo Tarantino) la lleva a su casa.

Sin embargo, desde el primer cruce de caminos sabemos que le va a pasar a Pam (Rose McGowan) en el asiento del copiloto .

Vemos que el especialista Mike se muestra como un asesino  perverso muy en la línea del género slasher que tras acabar con Pam se lanza con las luces apagadas contra el coche de las otras tres chicas que fallecen mutiladas en el acto.

La segunda parte de la película tiene lugar 14 meses después y en otro Estado, vemos como Mike encuentra a otro grupo de chicas y está dispuesto a perseguirlas para conseguir sus fines. Pero Mike no tendrá la misma suerte con este grupo de chicas.

En esta segunda mitad la película invierte su estrategia ante este segundo grupo de chicas (todas ellas relacionadas con la industria del cine). Ahora son en principio tres mujeres jóvenes, Abernathy Ross (Rosario Dawson), Kim Mathis (Tracie Thoms) y Lee Montgomery (Mary Elizabeth Winstead) , y conducen por Lebanon, Tennessee . Las tres se detienen en una tienda . Desde el exterior de la misma Mike las mira desde su auto.

Las mujeres recogen a su amiga, la especialista Zoë Bell , desde el aeropuerto, mientras Mike las sigue. Zoë les dice que quiere probar un Dodge Challenger de 1970 , el mismo tipo de auto de la película de 1971 , Vanishing Point , que es vendido por un tipo en las cercanías de dónde se encuentran.

El propietario les permite probarlo sin supervisión después de que Abernathy le dice que Lee es una estrella del porno y se quedará con él.

Zoë le dice a Abernathy y Kim que quiere hacer un ejercicio que llama "Mástil de la nave", por el que monta el capó sujetándose por los cinturones atados al automóvil mientras Kim conduce a gran velocidad. Kim duda, pero está de acuerdo.

Las tres disfrutan el truco, sin darse cuenta de que Mike los está mirando desde un alto. Tras un rato Mike coloca su coche por detrás provocando que Zoë se suelte de uno de los cinturones.

Después de varias colisiones más, él Mike ha estado a punto de tirar a Zoë desde el capó, aunque , en un momento dado, sale despedida. Al parar, Kim, de la que sabemos que lleva un arma, ante la oposición de sus amigas, dispara a Mike en el hombro y él huye en su auto.

Abernathy y Kim lloran por la pérdida de su amiga, hasta que Zoë sale de la maleza ilesa. Los tres acuerdan alcanzar a Mike y matarlo.

Mike se ha detenido en un camino estrecho para tratar su herida con whisky. Las mujeres lo siguen a toda velocidad. Zoë sale y lo golpea , pero él se resiste y se aleja de nuevo. Después de una larga persecución, las mujeres empujan el auto de Mike fuera de la carretera. Lo arrastran y casi lo matan a golpes acabando con uno mortal la película.

'Death Proof' fue ideada en su origen como la segunda mitad de un proyecto bicéfalo, luego quizá eso explique por qué Tarantino habla de ella como "una peli zurda": nunca gozó de una libertad total de movimiento, pues su existencia estuvo condicionada desde el principio por las reglas de 'Grindhouse', ese macro-homanaje (en forma de double feature, anuncios añejos y trailers falsos creados para la ocasión) al cine de derribo que supuso, a la postre, la última colaboración entre él y Robert Rodriguez.

La idea les sobrevino después de comprobar que ambos tenían el mismo póster de un programa doble —integrado por dos títulos tan sonoros como 'Dragstrip Girl' y 'Rock All Night'—, de modo que decidieron realizar su propio homenaje a esa cultura de la explotación cinematográfica.

Con el beneplácito de los hermanos Weinstein, 'Grindhouse' convocó a cineastas como Edgar Wright, Rob Zombie o Eli Roth para acompañar a los dos platos principales: 'Planet Terror', una película de zombis con la que Rodriguez llevaba soñando desde los tiempos de 'The Faculty' (1998), y 'Death Proof', con la que Tarantino intentaría corregir el error que, a sus ojos, supuso aplicar la tecnología CGI a las persecuciones automovilísticas. 'Grindhouse' se estrenó el 6 de abril de 2007 en Estados Unidos y, pese al entusiasmo de gran parte de la crítica, acabó resultando un fracaso comercial sin precedentes, por lo que la decisión de estrenar las dos películas separadas en el resto del mundo acabó confirmándose como la más sensata.

Con todo, 'Death Proof' tampoco arrasó por separado: sus menos de 31 millones de dólares palidecen frente a los 332 de 'Kill Bill' (2003-2004) ó los 321 de 'Malditos bastardos' (2009). Es, por tanto, una película pequeña, bastarda y (definitivamente) zurda que ni siquiera pudo recuperar el dinero que había costado. esta es la película más libre de toda la filmografía tarantínica.

La historia de Death Proof se desarrolló a partir de la fascinación de Quentin Tarantino por la forma en que los dobles de riesgo se juegan su vida en los coches a “prueba de muerte” para que un conductor pudiera sobrevivir a choques y colisiones horribles a alta velocidad. Esto inspiró a Tarantino para hacer una película de slasher que asume un rol de especialista desquiciado que acecha y asesina a chicas  jóvenes sexys con su auto "a prueba de muerte".

Tarantino recuerda: “Me di cuenta de que no podía hacer una película de slasher , porque con la excepción de las películas de mujeres en prisión , no hay otro género tan rígido. Y si rompes eso, realmente ya no lo estás haciendo. Es inorgánico, así que me di cuenta, déjame tomar la estructura de una película de Slasher y simplemente hacer lo que hago. Mi versión va a ser jodida y desarticulada, pero parece que utiliza la estructura de una película de Slasher, con suerte contra ti ".

Según Robert Rodríguez, "[Tarantino] tuvo una idea y una visión completa de la misma cuando habló por primera vez. Comenzó a contarme la historia que en una entrevista con Newsweek, Quentin Tarantino dijo que se le ocurrió la idea de "Death Proof" cuando estaba hablando con este amigo sobre la compra de un automóvil. Tarantino quería comprar un Volvo porque "no quería morir en un accidente automovilístico como el de Pulp Fiction (1994)". En lo que respecta a la seguridad del automóvil, su amigo había dicho: "Bueno, puedes tomar cualquier automóvil y dárselo a un equipo de especialistas, y por $ 10,000 o $ 15,000, pueden hacerlo a prueba de muerte". y dijo: 'Tiene este auto a prueba de muerte'. Le dije: 'Tienes que llamarlo Prueba de muerte '. Ayudé a titular la película, pero eso es todo ".

De las persecuciones de autos como los dos autos "a prueba de muerte" del Stuntman Mike son un Chevy Nova de 1970 y un Dodge Charger de 1969, y de los efectos especiales Tarantino comentó que los " CGI para las acrobacias de autos no tiene ningún sentido para mí, ¿cómo se supone que eso sea impresionante? [...] No creo que haya habido ninguna buena persecución de autos desde que empecé a hacer películas en el '92; para mí, la última gran persecución de autos fue en Terminator 2 . Y Final Destination 2 tenía una magnífica pieza de acción de coches. Entre eso, no mucho. Cada vez que ocurre un truco, hay doce cámaras y usan todos los ángulos para la edición , pero no lo siento en mi estómago. Es solo acción ".

Para Death Proof  Tarantino apostó por él como director de fotografía, además de los tradicionales papeles de guionista, director y productor. Se trata de la única película de Quentin Tarantino que se desarrolla completamente en orden cronológico y sin flash-backs.

La película se rodó en el invierno de 2006 en Austin, en concreto en el Texas Chili Parlor, sito en el 1409 Lavaca Stret, Austin, y en Buellton, California. La escena final tiene lugar en Figueroa Mountain Road, cerca de la entrada a Midland School, y cerca de Neverland Ranch en la localidad californiana citada.

Tarantino intentó contar con John Travolta , Willem Dafoe , John Malkovich , Mickey Rourke , Ving Rhames , Ron Perlman , Bruce Willis , Kal Penn y Sylvester Stallone&nbsp o el actor australiano John Jarratt; en Death Proof , pero ninguno pudo trabajar debido a compromisos anteriores. En una entrevista, Tarantino reveló que seleccionó a Kurt Russell como el conductor asesino de acrobacias porque "para la gente de mi generación, Russell, es un verdadero héroe ... pero ahora, hay toda una audiencia que no sabe lo que Kurt Russell puede hacer. Cuando abro el periódico y veo un anuncio que dice 'Kurt Russell in Dreamer ' o 'Kurt Russell in Miracle ', no estoy despreciando estas películas, pero estoy pensando: ¿cuándo será Kurt Russell una vez más un loco? "

Como era de esperar hubo un hilo común de actores entre esta Death Proof y la obra de Rodríguez en Planet Terror , y ese hilo actoral lo asumen  Eli Roth , la actriz principal Rose McGowan, y el propio Tarantino que aparecen en la película de su amigo y la suya. Roth voló desde Europa, donde estaba filmando Hostel: Part II , para filmar sus escenas, lo que llevó un día.

En esta película también incluyó a la especialista Zoë Bell.  Después de ser sorprendida por la doble Zoë Bell , quien trabajó como doble  de Uma Thurman en la película anterior de Tarantino, Kill Bill , Tarantino le escribió el papel principal de la mujer. Esta fue su primera actuación en pantalla, que Bell inicialmente pensó que iba a ser un papel secundario. El personaje Zoë se basó en la misma acrobática e incluye pequeñas historias basadas en sus experiencias de la vida real, algunas con Tarantino. Cuando su nombre apareció en los carteles de la película junto a Kurt Russell, Rosario Dawson y Rose McGowan, se dio cuenta de cuán grande era el papel. Quentin Tarantino nombró al personaje "Jungle Julia Lucai" en honor a su asistente personal, Victoria Lucai

Death Proof utiliza varias técnicas no convencionales para hacer que la película se pareciese más a las que se mostraron en los teatros de grindhouse en la década de 1970. A lo largo de la película, la película se dañó intencionalmente para que pareciera a muchas de las películas de exploitation  de la década de 1970, que generalmente se enviaban de cine en cine y terminaban en mal estado. La película fue rayada físicamente para lograr su apariencia sucia, en lugar de rayar digitalmente las imágenes de la película. A esto se suman los cortes de salto deliberados de la película que se ven al principio, cuando el título Quentin Tarantino's Thunderbolt se muestra por una fracción de segundo antes de ser reemplazado abruptamente por un inserto con el título Death Proof , que aparece en letras blancas sobre negro. fondo.

Las películas de exploitation se retitularon comúnmente, especialmente si recibieron mala prensa en el lanzamiento inicial. En la edición de Death Proof , Tarantino declaró: "Hay una diferencia de media hora entre mi Death Proof y lo que se está reproduciendo en Grindhouse . [...] Era como un brutal distribuidor de explotación estadounidense que cortó la película casi al punto de incoherencia. Lo corté hasta el hueso y le quité toda la grasa para ver si aún podía existir, y funcionó ".

Una versión extendida de 127 minutos de Death Proof fue proyectada en competencia por la Palma de Oro en el 60º Festival de Cine de Cannes .  Tarantino comentó que "Funciona muy bien como una función doble, pero estoy tan entusiasmado como si no estuviera más emocionado de que el mundo vea a Death Proof sin filtrar.

La película estuvo en compitiendo por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2007 . Una de las primeras proyecciones de Death Proof se realizó en el Festival Internacional de Cine de Edimburgo el 20 de agosto de 2007, con la estrella Zoë Bell asistiendo a las proyecciones.

Ambas películas fueron lanzadas por separado en versiones extendidas internacionalmente, con una diferencia de aproximadamente dos meses. Aunque Death Proof fue estrenada en los cines de Estados Unidos junto a la película de Robert Rodríguez Planet Terror, bajo el título colectivo Grindhouse, que emula la experiencia de visualizar dobles sesiones de películas exploitation en los cines "grindhouse". El presupuesto se estimó en $53 millones. Consiguió en taquilla unos $ 30.7 millones de dólares.

La banda sonora de Death Proof consiste completamente en música no original, que incluye extractos de las partituras de otras películas.

Tarantino intentó contar con la participación de John Travolta, Willem Dafoe, John Malkovich, Mickey Rourke, Ron Perlman, Bruce Willis, Kal Penn y Sylvester Stallone para Mike, pero ninguno fue capaz de participar debido a compromisos previos.

En una entrevista, Tarantino reveló que decidió optar por Kurt Russell como el asesino porque “para la gente de mi generación, él es un verdadero héroe …pero ahora, hay toda una audiencia que no sabe lo que Kurt Russell puede hacer. Cuando abro el periódico y veo que dice ‘Kurt Russell en Dreamer,’ o ‘Kurt Russell en Miracle’ no menosprecio esas películas, pero pienso: ¿Cuando volverá Kurt Russell a ser un tipo malo?”.

Death Proof ha recibido críticas generalmente moderadas. En una mesa redonda de directores de 2012 dirigida por The Hollywood Reporter, Quentin Tarantino dijo que : "Death Proof tiene que ser la peor película que haya hecho.  Entonces, si eso es lo peor que he visto en mi vida. entiendo, que estoy bien ".

La revista Empire la describe como la película en la que va "Tarantino conduciendo salvajemente bajo la influencia" y "seriamente entretenido".

Anna Smith, de la BBC, dijo que si bien era "divertida" , y añadió que "su imitación de un estilo de filmación difunto y de bajo presupuesto es quizás demasiado precisa cuando se trata de las fallas del género".

Peter Bradshaw de The Guardian expresó admiración por la escena del accidente automovilístico, describiéndolo como "un rugido letal de entretenimiento", pero dijo que la película estaba acolchada con "largos, largos y largos tramos de extraña conversación intrascendente [...] que es una gran caída de los gloriosos riffs de Reservoir Dogs y Pulp Fiction ", y que en general" el genio retorcido de Tarantino está ahí para que todos lo vean, pero, ahora debe admitirse, muy brevemente ". En general, se considera que Death Proof es la película más débil de Tarantino, un sentimiento con el que el propio Tarantino está de acuerdo, aunque no le disguste la película.

Todavía en el Reino Unido Henry Cabot Beck del The Guardian afirmaba que "Tiene todos los elementos apropiados (...) Lo mejor de 'Death Proof' es Kurt Russell (...) Un homenaje afectuoso y con frecuencia hilarante al cine" 

Para Roger Ebert que le dio a Grindhouse un valor medio a la saga, señalaba que Death Proof era la mitad más agradable de la cuenta, aún estaba desfigurado por escenas demasiado largas de diálogos expositivos.  Roger Ebert en su Rogerebert.com señaló que "'Grindhouse' es a la vez impresionante y decepcionante."

Según Claudia Puig columnista en USA Today se trata de una película "Sangrienta y buena diversión. (...) El desfasado terror de Rodriguez es más divertido en plan absurdo, pero el de Tarantino tiene mejores diálogos y una de las más deslumbrantes persecuciones de coches de las que se tienen memoria. (...) una gamberra sacudida de escapismo cuasi-nostálgico. (...) ."

Para Rene Rodriguez de Miami Herald "Mientras que 'Planet Terror' es un vacío y tímido homenaje, 'Death Proof' es el trabajo de un director que se esfuerza por hacer algo original mientras permanece fiel a las películas que le influenciaron."

Opina Peter Travers de Rolling Stone que "No me siento culpable por decir que 'Grindhouse' es un placer. Siendo modesta y sin venderse, este tour de force de chicas y balas consigue engancharte al cine de nuevo (...) ."

Todd McCarthy de Variety se trata de "Una obra jugosa y deliciosa cuyos placeres residen más en los buenos diálogos y las eléctricas actuaciones que en su juego con las convenciones del género"

Keith Phipps de AV Club concluye que "'Grindhouse' es lo suficientemente emocionante para mantener a los espectadores en el asiento y además tiene momentos para degustar mientras vuelves a casa"

Para   Jeremiah Kipp de Slant "'Grindhouse' es más un homenaje que una reinvención de lo cutre (...) "  Y Owen Gleiberman Entertainment Weekly "'Grindhouse' quiere hacerte pasar un buen rato y lo consigue (...) Te dejará riendo, sin aliento, sobresaltado por una película que sabe lo que es la maldad."

Para terminar con críticas de los paisanos  de Tarantino  destaca la de Todd Gilchrist de IGN que afirma que "Tarantino quiere homenajear a las películas que le hicieron gritar y reír cuando era niño, pero no está dispuesto a renunciar a sus habituales técnicas cinematográficas"

Por último  James Berardinelli de ReelViews entiende que "No cabe duda de que 'Grindhouse' consigue lo que los directores se proponen (...) "

Ya en  España Jordi Costa en  El País comenta que es "Un camino hacia la esencia del placer Z, ritualizado a través de la digresión en apariencia vacía, pero siempre relevante (...) 'Death proof' tiene mucha miga y no lo parece. (...) Tarantino se ha desnudado como nunca."

José Manuel Cuéllar del ABC entiende que es "Un loco disparate de esos que le salen a Tarantino en plena juerga de su cabeza con ella misma. (...) en cada escena, en cada mirada, en cada toma, deja su sello. (...) ."

Para  Alberto Bermejo de El Mundo "El supuesto homenaje a las películas de serie Z de los 70 toma lo más superficial de todas, magnifica las peores y trivializa algunas estupendas (...) no pasa de ser una fantasía calentorra en torno a unas chicas de buen ver y sus tontas conversaciones."

La película fue elegido por "Les Cahiers du cinéma" (Francia) como una de las 10 mejores películas de 2007 (# 02, empatado con Inland Empire (2006) y "Still life").

Como ya he señalado The Hollywood Reporter organizó una de sus clásicas mesas redondas para directores y, de paso, aprendió lo que sucede con el resto de invitados a tu fiesta cuando él se presenta en ella. Tarantino no solo dominó la conversación, sino que también la aprovechó para reflexionar sobre su propio legado, incluyendo ese trabajo que siempre consideró su ofrenda menos poderosa a los dioses del cine. La china en su zapato. Su peor trabajo, que no tuvo demasiados problemas en identificar como 'Death Proof' (2007). "Para mí", declaró entonces, "lo único que importa es mi filmografía, y me quiero retirar con una filmografía alucinante. 'Death Proof' tiene que ser la peor película que he hecho. Y, para ser una peli zurda, no estaba tan mal, ¿verdad? Así que, si eso es lo más bajo que puedo caer, estoy tranquilo".

Como señala Noel Ceballos en la revista GQ lo más detscable es "Su rarísima estructura, casi siamesa, parece motivada por las difícultades que el propio cineasta experimentó con su tarea autoimpuesta —rodar un slasher a través de persecuciones de coches—, lo que dio origen a una trama mínima que se despliega y defiende a sí misma a través de diálogos. Las protagonistas de 'Death Proof' hablan y hablan sobre una cantidad de temas solo tangencialmente relacionados con el hecho de que un psicópata se mueve por los márgenes del encuadre, y no podría ser de otra manera: estos personajes no saben lo que les espera, luego el objetivo de la película consiste en introducirnos en sus vidas, en llegar a conocerlas realmente, para que la tragedia nos impacte aún más. Es solo la primera regla sagrada del género slasher que 'Death Proof' vuela por los aires: en lugar de dar un par de pinceladas sobre las víctimas antes de conducirlas al matadero, sabiendo en todo momento que el interés de la platea está en otro lado, la película se asegura de que sintamos como amigas nuestras a estas mujeres alucinantes, humanas, malhabladas, inolvidables. Y la forma en la que nos acercamos emocionalmente a ellas es escuchándolas hablar. 'Death Proof' no finge que le importan sus mujeres muertas. 'Death Proof' vive y respira por sus mujeres muertes. Todos esos ejemplos de masculinidad tóxica acaban siendo castigados, pero ninguno de una forma tan apoteósica como la del Especialista Mike.

Por eso en esta época de alta castración la participación de Bell que , como dice Jesús León en Espinof " encarna el triunfo femenino sobre el macho y lo hace en su terreno. Con una persecución, verdadera escena cuidada y mimada al extremo por Tarantino y con la que pretendía situarse en la historia del cine por su destreza (y cierto que consigue una escena muy lograda), en el momento álgido y más brillante del largometraje, pero que resulta demasiado aislado en un conjunto falto de brillantez".

La película se ha dicho que es meándrica, imprevisible y particularísima, como declaró Tarantino fue la película más zurda y una flor rara en su jardín. Puro entretenimiento al menos para nosotros, aunque una vez reflexionado lo que pudo ser para Rose McGowen, un enucnetro en la vida real con un Stundant Mike de la producción, un depredador.

Alí Baba, los 40 ladrones y María Montez

Guillermo Cabrera Infante es, en gran medida , el responsable que yo haya vuelto a ver esta película. Me imagino que ya la vi de muy pequeño. Fue emitida en un lustroso blanco y negro en televisión española allá por la navidad de 1969. Pero en todo caso - creo - que apenas puedo tener recuerdos de la misma, aunque extraña no me ha resultado. Es una típica película de aventuras de acción inagotable. Pero no, insisto, apenas la recuerdo o, mejor dicho, es probable que me empeñe en recordarla. 

Con todo el responsable fue la lectura del que fuera Premio Cervantes en el año 1997. Un par de años más tarde me estaba firmando su lubro Cine o sardina en la feria del libro . Fallecía en 2005. Insisto el responsable de haber visto Alí Babá y los 40 ladrones fue el escritor cubano y la participación en la película de María Montez. 

Precisamente en el libro mencionado tiene un capítulo denominado Latino y ladinos en Hollywood", y entre oros muchos actores y actrices que desarrollaron su carrera en este barrio angelino hablaba de dominicana María Montez. Decía de ella el cubano que " Nadie es capaz de creer ahora lo que lo lejos que llegó María..." Y prosigue diciendo "No era una mala actriz, era una actriz pésima (...) No cantaba , no bailaba . Era de hecho esa zona de desastres que declaran un territorio después que pasa un huracán. Sin embargo, demostrando que el amor en el cine no es sólo ciego sino sordo, tuvo millones de fans feroces que atacaban a cualquiera que siquiera dijera "Pues yo no se que le encuentran". Y proseguía el cubano narrando que María Montez " cuyo verdadero nombre era África Vidal de Santos Siles - aunque he leído que también podría ser María África Gracia Vidal- y era hija de un cónsul español en la República Dominicana (...) era la reina de esa tierra que se inventó Hollywood, Exótica. Y efectivamente, exótico es un calificativo que es acorde con la película que he visto. 

En términos parecidos se refiere Terenci Moix, aunque éste junto al exotismo contextualiza más el cine en el que ella intervino, el realizado principalmente entre los años de la segunda guerra mundial, y lo llama escapismo en tiempos de guerra. 

En este caso el escritor catalán señalaba que este periodo de tiempo que hay entre el inicio de la segunda guerra mundial y el fin de la misma se caracteriza por una "avalancha de títulos de ambiente oriental" . 

Tanto es así que el escritor barcelonés hablaba de un auténtico "filón de Alá". Este rebrote del cine oriental, que vive un nuevo renacimiento parecido al que hubo en su momento en los años 20 "a partir de los jeques de Valentino" presentaba ahora otras caracteristicas. Entre ellas la explotación del Technicolor y la sustitución del apecto romántico por un tono más aventuresco como reflejo de lo que estaban viviendo los combatientes. Terenci Moix señala como los títulos de este periodo llegaron a España una vez acabado el conflicto por lo que Montez y su sustituta, Yvonne de Carlo, sociológicamente se convirtieron en "las grandes iniciadores de sexualidades precoces". 

La película forma parte de las series de cuentos "exóticos" lanzados por Universal Pictures durante los años de guerra en la que se incluyen otros títulos incluyen como Arabian Nights, White Savage y Cobra Woman. 

Si hay una productora que apostara por este tipo de productos esta fue la Universal. Cuando esta "major" descubrió "el filón de Alá" tardó muchos años en soltarlo. Y todavía a mediados de los cincuenta presentando en pantalla nuevas odaliscas (Maureen O´Hara, Arlene Dahl o Rhonda Fleming) que compartían pantalla con los jóvenes Rock Hudson o Tony Curtis. 

Así que lo que hoy son joyas del cine de serie B, las de esos años 40, rebosan de elementos tales como el movimiento, la acción sin parar, pero también de una absoluta ingenuidad presentados bajo la belleza visual y colorista del Technicolor. 

El resultado serán película hechas en muchos casos por grandes directores que cuentan con grandes guionistas - pensemos en "La reina de Cobra" dirigida por Robert Siodmak y con guión de un futuro directo , Richard Brooks, con la Montez de protagonista-. Respondían a una idea básica: héroe, heroína y villano, a los que se unían las figuras del pícaro y el bromista en algunos casos papeles que asumían , como en esta película, Turhan Bey y Andy Devine, respectivamente. Su la heroína era María Montez, el príncipe consorte del Technicolor será Jon Hall. Entre uno y otro, como pareja, realizarán cinco películas. Siendo la primera "La Salvaje blanca" y la segunda la que aquí nos trae. 

Al igual que otras el esquema era invariable: bondadosos , sabios y honorables sultanes son embaucados por visires perversos. En esa historia se intercalan princesas obligadas a desposarse, príncipes encubiertos que se hacen pasar por ladrones, damas que traicionaban a sus señoras, criados que saben como sortearlo todo, así como los "rescates en el último minuto". Todo ello se ofrecía en una estética "kitsch" con bailes, galas, torturas imaginativas, palacios de cartón piedra. 

Algo similar a estos extremos nos encontramos con Ali Baba and the Forty Thieves , una película de aventuras del año 1944 dirigida por Arthur Lubin. Lubin era un responsable de muchos filmes de Abbott y Costello y de la serie de la mula Francis. Fue además productor y actor cinematográfico , y la primera persona que contrató al gran Clint Eastwood. 

Lubin, inicialmente centrado en melodramas, se encontraba ya en junio de 1932 en Hollywood trabajando para William Le Baron. Allí empezó a dirigir Little Theatre y cine para compañías de bajo presupuesto como Monogram Pictures y Republic Pictures. 

A partir del 15 de abril de 1936, Lubin fue contratado por Universal. Con sus comedias para los humoristas la revista Variety nombró a Lubin el director de Hollywood de mayor éxito commercial de 1941. 

De todas las películas de Lubin, la de mayor recaudación fue El fantasma de la ópera (1943), pasando al año siguiente a dirigir Ali Baba and the Forty Thieves (1944) 

Como ocurría en ese periodo oriental que vive Hollywood y especialmente sus estadios de la Universal, la película pretendían su filiación del libro Las mil y una noches, pero su historia se aparta mucho de la original e incluye un acontecimiento histórico real. La razón por la que la trama del cuento de hadas no se usó para la película puede haber tenido algo que ver con el hecho de que en el cuento de hadas original, hay unos 42 asesinatos; y aparte del número de hombre de Alí Babá se conserva la historia de introducirlos en barriles de aceite que no vino. El personaje eral es la presencia en el filme de Hulagu Khan , del hermano de Kublai Khan, el conquistador de Asia, y el líder mongol que conquistó Irán y la ciudad de Bagdad. 

Como ya he dicho la película no sigue la trama de la historia original. Se trata de una producción de Paul Malvern para la Universal con guión de Edmund L. Hartmann y música de J. Keirn Brennan y canciones de Edward Ward. La fotografía en una luminoso technicolor es de W. Howard Greene y George Robinson y el montaje de Russell F. Schoengarth. 

Los protagonistas son Maria Montez como Amara, Jon Hall como Alí Babá, Turhan Bey como Jamiel, Andy Devine como Abdullah, Kurt Katch como Hulagu Khan y Frank Puglia como el Príncipe Cassim. Junto a ellos aparecen Fortunio Bonanova como el Viejo Babá, Moroni Olsen como el Califa Hassan, Ramsay Ames como Nalu, Chris-Pin Martin como el ladrón gordo, Scotty Beckett como Alí Babá niño, Yvette Duguay como Amara niña, Noel Cravat como un Capitán mongol, Jimmy Conlin como el pequeño ladrón y Harry Cording como Mahmoud. 

La historia comienza justo después de la exitosa conquista mongola de Bagdad por Hulagu (Kurt Katch). El califa Hassan (Moroni Olsen) ha escapado de la ciudad y junto con su joven hijo Ali (Scotty Beckett), se preparan para reagrupar a sus tropas. Ambos cuentan con la cobertura y protección del príncipe Cassin que los refugia en su casa. 

Durante su estancia en la mansión del príncipe Cassim (Frank Puglia), unos niños, el hijo del califa , Ali , y la hija de Cassin, Amara (Yvette Duguay) por temor a no volver a verse, hacen un pacto de sangre y de fidelidad para el futuro. Mientras llega el califa y cuando se prepara para salir, Cassim lo detiene en el último momento. 

Esto, sin embargo, es el inicio de una emboscada tendida por los mongoles, a quien el príncipe como traidor que era le ha jurado lealtad. En el enfrentamiento el califa y su séquito son masacrados, y sólo escapa Ali, que se protege en el río. Por este medio escapa.

Solo y perdido en el desierto, lleva a un acantilado rocoso y , de repente, este se abre en la montaña y ve a un grupo de jinetes de una cueva oculta que se cierra con un "Ciérrate Sésamo". El intenta entrar pero no puede , pero diciendo la frase ("Ábrete Sésamo!"), la puerta se abre y entra en la cueva y la encuentra llena de tesoros. 

A su regreso, los 40 ladrones dirigidos por Babá (Fortunio Bonanova ) encuentran al niño dormido en su escondite. Al enterarse de que él es el hijo del califa, e impresionados por su coraje y determinación, los ladrones le permiten quedarse, y su líder, el viejo Baba (Fortunio Bonanova), lo adopta como su hijo, llamándole el pequeño Babá, aunque el prefiere su nombre, Ali, Ali Baba. 

Diez años más tarde, la banda de ladrones se había convertido en un grupo de combatientes de resistencia a los mongoles, asaltando a sus tropas y sus caravanas . Un día, se enteran de una caravana que lleva a la nueva esposa de Khan a Bagdad, lo que parece ser una presa rica, porque aparentemente está débilmente protegida. 

Ahora Ali (Jon Hall),un hombre adulto, decide asaltar la caravana, acompañado únicamente de uno de los suyos. No obstante sospecha y decide explorar la primera caravana, junto con su 'niñero' Abdullah (Andy Devine). 

Antes de que ellos lleguen , vemos que la novia es Amara (Maria Montez), la hija de Cassim, que se va a casar con el Khan a fin de consolidar la relación de Cassim con los mongoles. Mientras tanto, Amara, asfixiada por el calor del desierto, decide tomar un baño en el oasis, donde se encuentra con Ali (sin reconocerse el uno al otro). Teniéndola a ella como una simple sirvienta y haciéndose pasar por un viajero, le pregunta acerca de la caravana, y luego, sobre sí misma. 

Pero resulta que la caravana esta fuertemente custodiada, Ali es emboscado y capturado, mientras que Abdullah escapa. Al enterarse de que la "criada" es la novia del Khan, Ali la maldice por su supuesta traición. 

Herida por sus palabras y en medio de una creciente admiración por él y por su causa, le pide a su criado y guardaespaldas, Jamiel (Turhan Bey), que le de a Ali un poco de agua para el viaje en un carromato que le sirve de prisión. 

En Bagdad, Ali es presentado al Khan, a pesar de que no es reconocido como el líder de los 40 ladrones, y atado a una picota en la plaza del palacio para ser ejecutado públicamente al día siguiente. Cassim lo visita en privado y descubre que lleva colgando un amuleto propio de la familia califal. Tras eso se da cuenta de que la verdadera identidad de Ali, pero lo mantiene el secreto. 

Poco después, los ladrones montan un rescate, pero el Viejo Baba durante el asalto es herido de muerte; Amara, que fue a ver a Ali para aclarar el malentendido entre ellos, es secuestrada, y Jamiel corta personalmente las ataduras de Ali soltándolo. 

Los ladrones se refugian en su cueva. Al día siguiente, los ladrones capturan a Jamiel, quien los estaba siguiendo. Ali lo reconoce como un amigo, y Jamiel, le jura lealtad a Alí Babá, y se le asigna como misión la de espía en el palacio. 

Una vez enterrado su jefe, su primera tarea es entregar una nota de rescate para el Khan: a cambio entregarán a su prometida a Hulagu Khan y que éste entregue al traidor Cassim. La nota llega en forma de papel lanzada por los cuchillos habilidosos de Jamiel. 

Los ladrones penetran en el palacio de Cassim para esperar la llegada del traidor. Cuando Amara entra en el jardín, Ali la reconoce como su amor perdido, y sus sentimientos hacía ella despiertan de nuevo. 

Ante esta nueva situación, decide ponerla en libertad sin esperar a su padre. Sin embargo, esto despierta la ira de su banda, pero todavía siguen siendo leales a él. 

Cuando Amara regresa a Bagdad, su padre le confiesa la verdadera identidad de Ali a ella y al Khan. Hulagu Khan decide celebrar la boda de inmediato; Amara se niega, pero su padre aparentar ser torturado por ello ante sus ojos (en realidad, una treta) lo que le obliga a darle el si al Khan. 

Ante las nuevas circunstancias, Jamiel contacta con Ali, quien decide liberar a su amada y con el fin de llegar al palacio desapercibido, elabora un plan para hacerse pasar por un mercader de Basora. 

Como regalo para la boda aparenta llevar cuarenta frascos enormes de aceite como regalo de bodas. Jamiel vuelve al palacio para contarle el plan Amara, pero capturan a uno de sus sirvientes domésticas que era la persona que le estaba pasando la información a Cassin. Cassim y Khan, sabedor por otro lado del plan deciden darle la bienvenida a Ali en una manera apropiada. 

El día de la boda, Ali aparece como el comerciante del sur que lleva sus ofrendas y es admitido en calidad de invitado. Durante un interludio, aparecen unos bailarines Tártaros portadores de espada que, en primer lugar, bailan y realizan su rutina y de repente clavan sus espadas en las jarrones ante la mirada atónita de Alí Babá. 

Sin embargo, los frascos contienen sólo arena, ya que al ser descubierto el plan original, Alí había decidió hacer algunos cambios: la mayoría de los ladrones han llegado disfrazados entre la multitud, y algunos otros fueron escondidos en tarros que no fueron llevados ante el Khan. 

Hulagu Khan ante la vergüenza mata Cassim por su fracaso en la ejecución de Alí, pero luego Jamiel ordena a la rebelión mediante el lanzamiento de los cuchillos sobre los guardias que detienen a Ali . Mientras que los ladrones atacan a los guardias del palacio, él y Amara abren las puertas a la turba, quienes toman por asalto y dominan a los mongoles. 

Hulagu Khan es asesinado por Abdullah, mientras éste se preparaba para terminar con Ali, y como un signo de victoria Jamiel se sube a la torre más alta e iza la bandera verde ¿Arabia? acabando así la película. 

La película se rodó entre el 28 de junio y agosto de 1943 en exteriores de Coral Pink Sand Dunes en el área de Kanab en Utah y en el Red Rock Canyon State Park en Cantil, California. También se rodó en decorados y plató de la Universal. 

Esta producción de Paul Malvern,tuvo su estreno el 14 de enero de 1944, llegando a España una vez acabada la guerra y siendo estrenada en televisión en 1969. 

Es , simple y llanamente un filme de evasión o escapismo tan propios de los que se rodaron en aquellos momentos de guerra. Se suman a otras obras y películas del momento , unas de la Universal y otras de la Paramount entre cuyos títulos están igualmente los ya citados "Las mil y una noches" (1942) "La reina de Cobra" (1944), etc. 

Aprovecha el tirón popular de María Montez, que en 1944 rueda 4 películas. Señalar que el papel de Jamiel estaba destinado a ser interpretado por Sabu . Sin embargo, cuando entró en el ejército, el papel fue asumido por Turhan Bey . 

El film se sirve como muestra perfecta del costoso technicolor, que da brillo y espectacularidad al relato. He leído que en la narración pudiera subyacer lo que estaba ocurriendo en algunos países de Europa: ocupación alemana de Europa, régimen despótico nazi, líder tiránico que se considera amo del mundo, colaboracionistas, etc. El negro de los mongoles es el de las SS, el rojo y blanco de los que luchan por la libertad son los de la bandera americana, las frecuentes combinaciones de azul, blanco y rojo evocan los ideales de libertad, igualdad y fraternidad de la Revolución francesa. Bueno, es una teoría. 

Como en muchas de estas obras hay una estética que se mueve entre lo "kitsch" de falsas apariencias en los palacios y elementos de interior y lo "camp" con el gusto por la ostentación en los ropajes, joyas , bailes , etc... 

Como no podía faltar y respondiendo a lo comentado en líneas superiores el papel de Abdullah interpretado por un clásico en este tipo de papeles como Andy Devine es el de contrapunto humorístico con sus compañeros, con su protegido . 

A esto se suma una actividad frenéticas de los ladrones cuando avanzan a toda velocidad a caballo levantado sus espadas y casi siempre acompañadas de una banda sonora de la que fue responsable de Edward Ward ("Copacabana", 1943), a las que, en ocasiones, se suman las canciones cantadas por los ladrones con sus melodías de tono épico o triunfales (en el caso de los ladrones) y algo más dramáticas (en el caso de los mongoles). 

Eso sí unos de los aspecto más brillantes de la película es su fotografía en Technicolor, marca de la casa y la que la Universal Pictures fue pionera en explotar el technicolor con sus colores intensos, en ciudades de cartón piedra de escenarios orientales. 

En cuanto a la forma decir que estamos ante la obra de uno de los eficaces cineastas del momento, un director de la industria más auténtica de Hollywood, atrevido en sus escenas, con buenos travellings con efectos especiales artesanales.

Estamos ante una película entretenida, de indudable valor que sirve para documental una época y un estilo de hacer cine en lo que no importa el fondo pero sí la forma y lo que se quiere es que el espectador disfrute, se evada, huya de la realidad , se refugie en los desiertos de Arabia o de Iraq, en historias entretenidas, pseudoliterias y pseudohistóricas ya que , simple y llanamente, esto era cine. 

Para acabar diré que he visto la película por ver o recordar (por que verla ya la había visto) a María Montez, pero también tengo que decir que recordaba el terrible final de la actriz, tan diferente al de sus películas, en las que como esta acababa abrazada pudorosamente a su compañero de reparto habitual , a John Hall. En este caso Cabrera Infante afirma que "María Montez, en el mejor tradición creada por Lupe Vélez, feneció en el baño, escaldada en la bañera de agua hirviente. La "Reina del Technicolor" como llegaron a llamarla, murió a los 36 años". Y concluye diciendo el escritor: "Algunas actrices simplemente no debían declarar su edad". 

Con todo, y para puntualizar también he leído que la actriz , que efectivamente murió a los 39 años de edad, el 7 de septiembre de 1951, aparentemente debido a un ataque al corazón y fue encontrada ahogada en el baño de su residencia en Suresnes. Está enterrada en el Cementerio de Montparnasse. Que la tierra le sea leve.

Las vírgenes suicidas

Pocas veces un regalo envenenado viene en tan bonito envoltorio, incluso estampado en unicornios. Pocas veces una película que habla a voces sobre la muerte provocada y que presenta  un tema de fondo tan cruel no es presentado como un retrato de adolescentes. Pocas veces, una grandiosa banda sonora nos riega los oídos para tapar los gritos de desesperación de cuatro muchachas. Pocas veces, un olmo que está secándose afectado por la enfermedad holandesa del olmo es la representación de lo que se está muriendo y es necesario cortar para salvar al resto de árboles.

Eso y mucho más es lo que me ha transmitido lo visualmente narrado por Sofía Coppola en lo que fue su debut en un largometraje - había debutado con un corto que llevaba por título Lick the star el año anterior -a finales del pasado siglo, en concreto en 1999.

Lo curioso es que Sofia Coppola reconoció que " que nunca jamás se había planteado dirigir una película hasta que leyó la novela y vi tan claramente cómo tenía que hacerse"".“Vi en ella cosas que no había visto en ninguna parte. Me dio la sensación de que Eugenides entendía perfectamente lo que era ser adolescente: el deseo, la melancolía, el misterio que existe entre chicos y chicas. Toda esa confusión”. Y añadió "Inmediatamente vi que la historia central era sobre lo que la distancia, el tiempo y la memoria te hacen, y sobre el extraordinario poder de lo insondable".

Es posible que esta temprana actriz , directora, productora y guionista haya desarrollado su carrera al amparo de su genial padre, Francis Ford Coppola,  y su poderosa productora, American Zoetrope, convirtiéndose ambas en su auténtico padrino profesional.

De hecho, la recuerdo con nitidez en El Padrino III, en un papel que no me gustó, pero muy importante en la película, por no decir determinante en la misma, y menos claramente en otras películas familiares como The Outsiders o Rumble Fish que ya han pasado por aquí.

Sin embargo, el papel profesional que más trascendente ha sido para ella es el de guionista ( fue Premios Óscar al Mejor guion original en 2003 por Lost in Translation, así como premiada con un Globos de Oro y Premio Independent Spirit por la misma película) así como el de directora llegando a ser premiada con el premio a la Mejor directora en Cannes 2017 con la revisión del clásico de Don Siegel , The Beguiled, o son premiadas sus películas con el León de Oro (Somewhere, 2010).

Su debut en The Virgin Suicides impresionó en su momeno y a mi me ha impresionado hoy. Se trata de una película basada en la novela homónima de Jeffrey Eugenides, publicada en 1993. Con ella Coppola ganó los Premios MTV Movie como mejor directora.

En marzo del presente año, 2018,  Laura Fernández en El Pais escribió  sobre el escritor y su obra que "La idea se la había dado la niñera de su sobrino. Al parecer, la chica tenía un puñado de hermanas. Y todas habían intentado suicidarse en algún momento siendo aún adolescentes. Eugenides imaginó qué hubiera pasado si todas lo hubieran conseguido. También, qué hubiera pasado si él hubiera vivido en el mismo barrio que ellas. Y aquella misma noche se puso a escribir la historia de las malogradas hermanas Lisbon –Cecilia, Lux, Bonnie, Mary y Therese–, cinco hijas del vacío existencial del suburbio norteamericano, y de la idea, siempre sospechosa, de la familia perfecta".

Tras la lectura de la obra por Sofia Coppola la que hasta ese momento era actriz, se lanzó a redactar el guión y tras el mismo comenzó la producción que estuvo en manos de su padre, Francis Ford Coppola , pero en la que también aparecen como productores ejecutivos Willi Bär y Fred Fuchs y como productores Suzanne Colvin, Julie Costanzo, Jordan Gertner (este asociado), Dan Halsted y Chris Hanley , así como Gary Marcus y Fred Roos como co-productores. Pero reciben igualmente el apoyo de la Paramount Vantage , de la sempiterna si aparece el apellido Coppola, American Zoetrope, así como Muse Productions y Eternity Pictures. A pesar del conglomerado de las productoras el filme que fue rodado con un presupuesto relativamente  modesto ,  con un presupuesto de $ 6 millones,  en parte, y eso fue de agradecer por que los principales protagonistas con alto caché - Kirsten Dunst, Kathleen Turner y James Woods- decidieron participar en él cobrando un sueldo bastante inferior al habitual.

Como ya hemos señalado el guion de Sofia Coppola está basado en la novela que este 2018 ha cumplido sus 25 años The Virgin Suicides de Jeffrey Eugenides . Este señor nacido en 1960 es natural de un suburbio de Detroit y estudió en las universidades de Brown y Stanford . Es el autor de tres aclamadas novelas, todas ellas publicadas en España por Anagrama y que son  Las vírgenes suicidas que irrumpió en el mercado hispano en  octubre de 1994; Middlesex, que obtuvo el Pulitzer 2003 ; y La trama nupcial.

El novelista irlandes  John Banville dijo de la primera de sus grandes novelas que era «Una de las mejores novelas, insisto, de las mejores, que he leído en años, y si nuestra época se tomara aún la literatura en serio, debería ser saludada como El guardián entre el centeno de nuestros confusos años noventa, y un debut literario tan importante como el de John Updike, con La feria del asilo, hace más de treinta años»

Para Gordon Burn, crítico en el Times Literary Supplement comentó de ella que era «Una primera novela asombrosa y original, que explora un territorio afín al de John Cheever, pero también al retorcido guiñol de Blue Velvet de David Lynch, o Carrie de Brian de Palma».

La historia novelada es el relato de la progresión de las  historias de las chicas protagonistas desde el suicidio de Cecilia, la más pequeña y la primera en quitarse la vida, hasta el adiós del resto, que es presentado a través de un grupo de chicos adolescentes obsesionados con ellas. Eugenides explicó en una entrevista a Dazed &  Confused Magazine , una revista británica para jóvenes que había concebido a las Lisbon como una entidad con varias cabezas: "Como una hidra, pero no monstruosa. Una hidra agradable"."Las hermanas Lisbon pasaron a convertirse en todo lo que funcionaba mal en el país, de los males que este infligía hasta en sus ciudadanos más inocentes". Ellas atisbaron cómo sería el futuro y decidieron convertirse en un mito como también lo fue el sueño americano.

Tras llevar a un guión cinematográfico esta historia de Eugenides la Coppola, que recibió el libro de Thurston Moore de la banda Sonic Youth , apostó por algo que será marchamo o marca de la casa: la música contando en este sentido con las composiciones de los franceses - son versallescos- Jean-Benoît Dunckel y Nicolas Godin componentes del dúo de música electrónica Air.

En otros apartados técnicos contó con la fotografía muy brillante, luminosos  y con texturas setenteras de Corine Day así como el montaje de James Lyons.

El elenco los integran James Woods como Ronald Lisbon, el padre de la familia, Kathleen Turner como Mrs. Lisbon, la madre de la familia, Kirsten Dunst como Lux Lisbon,  A. J. Cook como Mary Lisbon, Hanna Hall como Cecilia Lisbon,  Leslie Hayman como Therese Lisbon y Chelse Swain como Bonnie Lisbon.

Junto a ellos aparecen Jonathan Tucker como Tim Weiner, uno de los chicos enamorados de las Lisbon y narrador, Noah Shebib como Parkie Denton, otro de los chicos atraído por las Lisbon,  Anthony DeSimone como otro de los chicos, Chase Buell, al igual que Lee Kagan como David Barker. Robert Schwartzman como Paul Baldino, el chico que habla de los subterráneos que llevarían a todas las casas del barrio, Josh Hartnett como Trip Fontaine, el enamorado de Lux. En papeles menores o muy cortos Michael Paré como Trip Fontaine de mayor, Scott Glenn como el padre Moody,  Danny DeVito como Dr. Horniker, el psiquiatra de Cecilia . Tambien aparecen en la película Joe Roncetti como Kevin Head, Hayden Christensen como Jake Hill Conley, Joe Dinicol como Dominic Palazzolo - el chico que se suicida por amor, pero que no muere- , Sherry Miller como la Sra. Buell, Jonathan Whittaker como el Sr. Buell, Suki Kaiser como Lydia Perl, Kristin Fairlie como Amy Schraff, Sally Cahill como la Sra. Hedlie y Giovanni Ribisi como la voz del narrador .

La historia se desarrolla a mediados de los años 70, en un barrio residencial de una ciudad americana , aunque narrada en el presente - finales de los 90- como descubrimos con la narración frente a la cámara de un ya mayor Trip Fontaine ( Michael Paré)- . La película no es narrada desde la óptica de uno de los cuatro chicas que tira de sus recuerdos y que reflexiona sobre las cinco hermanas adolescentes de Lisbon, que eran sus vecinos en Grosse Pointe, Michigan durante su juventud. Allí vive en una aparente perfecta armonía la familia Lisbon. Lo único que parece alterar en algo es que el servicio municipal talará algunos de los olmos de la calle al detectar que comienzan a estar enfermos.

La familia está integrada por  cinco hermosas hermanas que son las hijas de uno de los profesores del instituto , el profesor de ciencias y matemáticas, Ronald Lisbom ( James Woods) y de su estricta esposa, la Señora Lisbon (Kathleen Turner ). Ellas son Cecilia (Hanna Hall) de 13 años, - que deja su huella en uno de los olmos heridos de muerte- ,  Lux (Kirsten Dunst) de 14, Bonnie (Chelse Swain) de 15, Mary (A. J. Cook) de 16 años  y Therese (Leslie Hayman) de 17, todas ellas rubias e hipnóticas, que tienen la casa llena de discos y de unicornios, son el objeto de atención, al menos, para cinco chicos que habitan igualmente en ese barrio residencial al que se suma algún amigo más como Paul Baldino. Las chicas son  el objeto de deseo de los chicos, que suspiran por ellas cada vez que ven que salen a la calle o muestran sus  rubias melenas al viento.

Lo cierto es que los chicos , que son los narradores y observadores de la historia, y que reconocen que "Nosotros no sabemos nada sobre ellas pero ellas lo saben todo sobre nosotros" siempre han vivido fascinados por esas inalcanzables jóvenes en flor, atraídos por esa casa de densa femineidad enclaustrada dominada por una madre de fuertes e inquebrantables convicciones como  católica ferviente y moralista que no dejaba que sus hijas salieran con chicos; con una  el padre, profesor de matemáticas dócil y benévolo, que aceptaba las muy estrictas normas de su mujer. De cualquier manera ellas son el foco de sus deseos.

Sin embargo, algo no parece ir bien. Especialmente, cuando descubrimos que la menor de ellas, Cecilia, intenta suicidarse cortando las venas a la altura de sus muñecas e intentando  ahogarse en su bañera.

Tras este hecho los padres están alerta, al igual que las hermanas. Entre otras medidas mandan a la pequeña a ver al psiquiatra, el Dr. Horniker (Danny DeVito) que tras pedirle que analice unas láminas y preguntarle  “¿Qué haces aquí, guapa? Si todavía no tienes edad para saber lo mala que es la vida...” recibe una sentencia evidente y inesperada de Cecilia  cuando le dice que "Está claro, doctor, que usted nunca ha sido una niña de trece años".

Tras escucharlo el Doctor  le recomienda a los estrictos y conservadores Señores Lisbon que aumente la actividad social de sus hijas y , especialmente de la pequeña, con niños del sexo opuesto.

Haciendo caso a las indicaciones, los padres , además de invitar a cenar a algún alumno que ayuda al padre con sus trabajos, planean una pequeña fiesta con los chicos del vecindario, con música y refrescos, en la cual las hermanas mayores empiezan a establecer amistad con sus invitados , que son sus mayores admiradores. Pero en un momento dado, Cecilia, se siente indispuesta y le dice a su madre que quiere subir a la habitación. Segundos después , se lanza por la ventana de la segunda planta de la casa y se suicida   al caer encima de una cerca puntiaguda, que más tarde sería retirada por los vecinos a petición de los padres.

La familia siente la pérdida de la niña durante ese verano. Reciben de hecho la visita del padre Moody (Scott Glenn) que intenta consolar a un padre que parece no estar y a su madre incapacitada para hablar. Eso sí, le dice a la madre el sacerdote que ha anotado en el libro parroquial la muerte de Cecilia como un accidente y no un suicidio para poder ser enterrada en Camposanto.

Pero son conscientes de que la vida sigue y hasta que las hermanas mayores vuelven a sus actividades escolares actuando como si nada hubiese pasado; cuando por fin sus vidas están volviendo a la normalidad. Siendo , por supuesto, la admiración de compañeras y compañeros.

Entre los chicas vemos que quien centra la atención de todas en el guaperas del centro, Trip Fontaine (Josh Hartnett), el chico que juega al fútbol , que fuma hierba y que las vuelve locas a todas, salvo a Lux que parece pasar de él.

Vemos como Trip la descubre por casualidad y desde ese momento intenta contacta con ella , aunque ella se resiste. a pesar de que también se siente atraída por el chico.

Tras un encuentro en el cine, el chico se acerca al padre y lo convence para salir un día coincidiendo con el baile de graduación al que Trip Fountaine. Este galán que quiere llevar a Lux al mismo, tras enamorarse de ella y le asegura al padre que no tiene malas intenciones. Así que trama un plan para conseguir esto. El mismo consiste que para que salga Lux han de ir, igualmente,  todas las hermanas, así Trip le pide a otros tres chicos, uno del equipo de fútbol , a otro que es uno de los mejores estudiantes del centro y al que conduce un cadillac, que sean sus respectivas parejas.

Efectivamente esa noche llega. Ellas se visten con trajes blancos , más que blancos, virginalmente inmaculados, y van despampanantes a la fiesta.

Y en esa noche del baile todas ellas se divierten , bailen con sus parejas, se besan y aplauden al ver coronar a Trip y a Lux como rey y reina del baile.

Más tarde esa noche, todas regresan a casa después del baile, exceptuando a Lux, que hace el amor con Trip en el campo de fútbol de la escuela, donde pasa la noche. Para sorpresa de unos y otros, Trip la deja ahí abandonada al darse cuenta de que en realidad no la quería como él pensaba. Eso nos lo narra el propio Trip 25 años después - ya como Michael Paré- mientras asiste a una terapia de grupo, dando a entender que él esta afectado por  algún tipo de inestabilidad psicológica.

Cuando Lux se despierta al día siguiente y vuelve a casa en un taxi, horas después de la llegada del resto de las hermanas, se  encuentra con su madre furiosa conocedora que una de sus vírgenes, ha dejado de serlo.

Debido a esto, las cuatro chicas son encerradas permanentemente dentro de la casa como castigo,confinadas, sin posibilidad de ir a la escuela, - algo que le cuesta al padre su trabajo- e incomunicadas con el mundo exterior, soñando con viajes a lugares exóticos de todo el mundo a través de catálogos vacacionales que llegan a su casa por correo. Es una de sus pocas salidas a la calle , al igual que cuando el servicio de parques y jardines fue con la intención de cortar los olmos como en el que Cecilia dejó su huella, en la que salen en pijama con la intención de proteger la memoria de su hermana.

Todo esto es detectado por el grupo de chicos que vive obsesivamente la vida de las Lisbon y a los que hemos conocido a lo largo de la película como son Tim Weiner (Jonathan Tucker)  , Parkie Denton ( Noah Shebib)  David Barker (Lee Kagan) así como dos vecinos más ( Anthony DeSimone  y Chase Buell) que no sólo se imaginan viajando con ellas, sino que las observan todas las noches con sus prismáticos y catalejos la promiscuidad de Lux, pero que admiran igualmente ese reino de las otras vírgenes.

Un día comienzan a contactar con ellas vía telefónica y enviarles música - no saben que la madre obligó a Lux a quemar gran parte de su colección de discos-  usando clave morse y notas dejadas en sitios específicos, hasta que descubren las llamadas telefónicas donde no conversan con las chicas, sino que reproducen canciones a través del teléfono y las chicas les responden con otras canciones.

Finalmente las chicas les piden a sus vecinos ayuda para escapar de casa, a lo que ellos acceden robando el automóvil de la madre de uno de los chicos para la huida. El día y a la hora convenida por medio de juegos de luces, Lux les permite entrar a su casa a mitad de la noche y le dice a los chicos que esperen dentro de la casa a que las demás estén listas mientras ella iba al garaje, y ellos aceptan con nerviosismo por temor a que los padres despierten.

La sorpresa para los chicos es que al comenzar a buscar a las hermanas por la casa, descubren inicialmente el cuerpo de Bonnie colgando de las vigas. Luego los cadáveres de todas tras suicidarse una vez : Therese ha consumido una sobredosis de somníferos, Mary metiendo la cabeza en el horno, Bonnie , como ya sabemos, ahorcándose, y, al día siguiente, los bomberos descubren a  Lux siendo la última en morir encerrándose en el garaje con el coche en marcha y un cigarro en la mano. Todas las chicas se han suicidado en un aparente pacto de suicidio.

Los Lisbon, que desde la muerte de Cecilia,  ya habían captado la atención de los medios , vuelven a ser sujetos de atención, y ahora tanto el medio televisivo como los vecinos especulan el por qué las otras cuatro hermanas hayan decidido suicidarse . Los padres no paran de declarar que a sus hijas nunca les faltó amor. Finalmente, los señores Lisbon venden su casa, a una joven pareja del área de Boston . Todas las cosas de sus hijas y se van de la ciudad, dejándolo todo como si la existencia de las hermosas chicas jamás hubiese ocurrido.  De hecho,  esa es la razón por la que conocemos por lo narrado por Tim lo que había escrito Cecilia en su diario.

La vida continúa con normalidad a pesar de la tragedia como comprobamos en una fiesta de disfraces con más caras anti gas, excepto por el recuerdo que conservaban de ellas los chicos del vecindario, quienes aún veinte años luego de los sucesos trágicos, conservan en su memoria a las hermanas, cuya razón para el suicidio jamás se supo. Acaba así la película.

La película fue rodada en 1998 en Toronto, como en en el número 28 de Dunloe Road, en el Varsity Stadium de la Universidad de Toronto, en el St. John's Norway Cemetery and Crematorium de la ciudad y en el Monarch Park Collegiate Institute sustituyendo a los suburbios de Detroit, Michigan , y el rodaje duró aproximadamente un mes. Algo también se rodó en Los Ángeles.

Como ya hemos señalado Sofia Coppola escribió el guión de la película en 1998 después de que el proyecto ya estuviera iluminado en otro estudio, adaptándolo de la novela original, de la que ella era fan. Otro guión ya había sido escrito por Nick Gomez , pero la productora que era propietaria de los derechos en ese momento, Muse Productions, no estaba satisfecha con el guión.

Después de que caducaran los derechos de la novela, Coppola presentó lo escrito por ella a los ejecutivos de Muse, Roberta y Chris Hanley, el último de los cuales se unió a la coproducción, siendo Papá Francis el productor principal.

Para  el casting realizado por un equipo integrado por John Buchan, Robert McGee, Howard Meltzer - que actuaba en calidad de director de casting - y Linda Phillips-Palo , Sofia Coppola contó con Kathleen Turner que fue la primera actriz que se unió al proyecto,  una vieja colaboradora de su padre, pues Turner había trabajado con  Coppola después de que co-protagonizaran juntos en Peggy Sue Got Married (1986). Otro veterano con el director de origen italiano, James Woods fue lanzado junto a Turner como el padre pasivo; Woods recibió el guión del padre de Coppola, Francis, y quedó tan impresionado con el guión y el "humor negro" del personaje que aceptó interpretar el papel. Se contó con otro habitual de Coppola, Scott Glenn. Y pasaron por la audición muchos actores y actrices como Alicia Silverstone al que se le ofreció el papel de Mary Lisbon, pero lo rechazó. Como seña de identidad de los Coppola, el actor Robert Schwartzman (Paul Baldino) es el primo de la vida real de la escritora y directora Sofía Coppola .

Para el papel de Lux, Coppola audicionó a numerosas actrices, pero señaló a Kirsten Dunst, quien tenía dieciséis años en el momento de su casting. Dunst dijo: "Estaba nervioso. Era mi primer rol que era más 'sexy'. Tampoco estaba seguro de cuán grande iba a ser el rol, porque gran parte era sin diálogo. Cuando conocí a Sofía, inmediatamente supe que ella lo manejaría de una manera delicada ... [ella] realmente sacó a relucir el aspecto luminoso de las chicas, las hizo como ángeles etéreos, casi como si no fueran realmente ahí."

Para el tono de la película Sofia  Coppola se inspiró en las fotografías del fotógrafo Takashi Homma de los suburbios de Japón al elegir los lugares de rodaje; "Siempre me ha sorprendido la belleza de los detalles banales", dijo, "y de eso se trata el estilo suburbano".

El uso ocasional de fotogramas y collages de la película pretendía evocar la "fantasía" de la adolescencia. Para la misma contó con el director de fotografía Edward Lachman , mientras que su hermano,  Roman , fue el director de la segunda unidad de la película.

Durante el rodaje se personó en el mismo, Jeffrey Eugenides visitó el set de la película durante tres días.

A la música  original compuesta para la película de Air , se añadirán  canciones de artistas de la década de 1970 y cinco temas de la década de 1990 de Sloan . Sofía Coppola quería transmitir el tema de la adolescencia en los suburbios en la banda sonora . Un álbum de bandas sonoras se lanzó en 2000 con música de Todd Rundgren , Steely Dan , Boston , Heart , Sloan , The Hollies , Al Green , Gilbert O'Sullivan , 10cc , Styx , y dos canciones de Air (una grabada previamente y otra compuesta por para la película).

La película se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 1999 y siendo más tarde estrenada , aunque de forma  limitada el 21 de abril de 2000 en los Estados Unidos, y luego se  generalizó en mayo de 2000.

La película fue bien aceptada tanto por el público - llegó a recaudar algo más de 10 millones de dólares- como por  la crítica que, en gran parte fue positiva, tanto con las actuaciones como con la dirección nobel de la Coppola

El crítico Graham Fuller de The New York Times  no la valoró en demasía y dijo de ella que "La Sra. Coppola ha hecho una [...] inquietante celebración metafísica de la adolescencia con el aura de un mito. Sin embargo, en la superficie, hay algo que no funciona". No obstante también en este diario  The New York Times alguien escribió de la película que era "Un film deslumbrante".

Pero , por su parte, Kevin Thomas, de The Los Angeles Times, elogió la dirección, el reparto y el diseño de producción de Coppola, pero también señaló que si bien la película "es exitosa  ... es necesario saber que es también una verdadera decepción ". El sabrá el por qué.

Para "el Pope" Roger Ebert  la película le remitía a Picnic en Hanging Rock (1975): "[Coppola] tiene el coraje de interpretarla en una clave menor", dijo.   "Ella no insinúa ideas e interpretaciones. Está contenta con el aire de misterio y pérdida que cuelga en el aire como un amargo sentimiento".

Ed González, de Slant Magazine, observó la naturaleza infantil y de ensueño de la película, y escribió: "El narrador habla de la juventud como si existiera y todavía exista en un estado casi fugado. En este sentido, la película es una visión relevante de la adolescencia y "Las relaciones entre hombres y mujeres son un acto de recuerdo. Las escenas de la película (primeros besos, chismes sobre vecinos) son de naturaleza arriesgada y parecen sacadas de las páginas de un álbum de fotos perdido".

El crítico Richard Crouse , por su parte, fascinado dijo que era "una de esas raras ocasiones en que una película supera el libro en el que se basa", y la incluyó en su libro Las 100 mejores películas que nunca has visto (2003).

La película fue elegido por "Les Cahiers du cinéma" como una de las 10 mejores película de 2000 , igualada en séptima posición con otra ya vista y comentada aquí, "Yi-Yi".

En España   para M. Torreiro del El País se trata de  "Una pequeña, escondida, sincera maravilla" . Por su parte,  Javier Ocaña en  Cinemanía sostiene que es "Sorprendente, magnífica, ensoñadora"

Pablo Kurt en filmaffinity comenta que "La hija de Coppola deslumbra en su ópera prima con un envolvente y sugerente drama que cautiva por su atmósfera embriagadora, desgarrador guión y su estética hipnótica. No es perfecta, pero es una pequeña joya de obligada visión que recuerda a "Picnic at Hanging Rock", 1975, de Peter Weir".

Para el escritor Gustavo Martín Garzo en febrero de 2012 en El País escribe "(...) Las vírgenes suicidas es una obra llena de humor y ternura, que indaga en el secreto de la feminidad, el deseo y la muerte; una novela sobre esa belleza indisociable del dolor que es uno de los misterios más hondos de la existencia humana.

(...)  La película de Sofía Coppola habla de esa eterna disociación entre la realidad y el deseo que no ha dejado de torturar a los hombres, y que es sin duda el descubrimiento más doloroso a que se tienen que enfrentar los adolescentes en su tránsito hacia la edad adulta. Todos deben aceptar que esa vida a la que se encaminan es demasiado estrecha para albergar los anhelos que albergan en su interior. Tal es la enseñanza de la película de Sofia Coppola: la muerte de las tiernas vírgenes no se debe a un rechazo de la vida sino a un exceso de amor. Aman tanto la vida que no pueden soportar la idea de que esa verdad que ocultan nunca llegue a ser real.

Y Mina López en El diario.es sostiene hablando más sobre el libro que sobre la película que  "más allá de la incomprensión del suicidio, el tema de la novela es la decadencia de la clase media americana en los años 60, que ve como la bonanza y la paz de la posguerra se empieza a desvanecer como un espejismo." Y acaba diciendo que "Sin quitarle mérito alguno a Eugenides, la huella que su historia ha dejado en la generación que la leyó por primera vez y a las sucesivas, se debe en gran parte a la adaptación que Sofia Coppola hizo para la gran pantalla. La directora se adelantó décadas a Instagram y con el filtro amarillento de la película y la pegajosa banda sonora que el grupo francés Air consiguió reproducir a la perfección el clima asfixiante que destilan las páginas del libro".

La película es un ejercicio de memoria, un deseo por no olvidar por parte de los chicos que fueron y adultos que son, y pudiera responder a eso que James Cameron comentaba en un documental con el actor británico Peter Capaldi sobre la fascinación que ejerce la muerte en las narraciones cinematográficas y televisivas. Más aún en este relato que te remite al dicho "muere joven, incomprendido, rebelde".

Hay también eso que Proust denominó en su obra "En busca del tiempo perdido", al fin y al cabo eso es la base de la narración en ese sentido me remite a esa película de Richard Linklater vista no hace mucho tiempo que era "Danzed & Confused" aquí conocida como "Movida del 76", una película que quiere captar un recuerdo. 

Es un buen relato del proceder de los adolescentes y como los retazos  en este momento vital permanecen de manera (in)alterable en el recuerdo, al menos, en la sensación de lo que quieres y te esfuerzas en recordar. 

Técnicamente la película me ha parecido una maravilla, por la combinación de imágenes estrictamente narrativas, con imágenes en las que las chicas, especialmente Kirten Dunst juega abiertamente con la cámara, sabedora de que ella es en parte la protagonista principal del relato. Es cierto que, en ocasiones, en relación a la música pudiera recordarnos a un Videoclip, pero eso no merma, sino que en , en este caso, ayuda a darle más valor. 

A valorar igualmente su montaje, en el que colocar en orden lo rodado, pensemos en la idea de tiempo expresada en la imagen de una casa llena en su vida interna, pero vacía en su exterior. 

En definitiva una buena película con magníficas interpretaciones , algunas brillantísimas como las de James Woods o Kathleen Turner, o la misma Dunst, la actriz de New Jersey, pero de origen alemán que pude conocer con Jumanji , pero en la que todos los demás participan activamente para hacer de este terrible historia coral sobre la memoria y muerte,  todo un monumento a una película que me ha parecido magnética en su historia y en sus personajes que no dejan de envolvernos jugando con elementos que pudieran ir desde los naïf hasta lo dulce, pasando por lo inocente, por lo mágico o fantasmagórico - como vemos a Cecilia en algún momento tras su muerte- hasta acabar siendo un película dura, nociva, cruel y brutal que te deja la sensación de haber recibido un bofetón en plena cara dado con guantes de seda del que , eso sí, salen no estrellas, sino unicornios.