Johnny Guitar

Se verdadero nombre era Johnny Logan pero ha pasado a la historia como Johnny Guitar, posiblemente una de las película con los mejores 45 minutos de diálogo que haya visto, y lo digo después de haberla visto en multitud de ocasiones. Pero no me canso de ver esta maravilla de Nicholas Ray. Ni de la música de Victor Young, compositor nacido en Vhicago, pero curiosamente formado musicalmente hablando en polonia, y que participó en más de 350 películas, pero que aquí en la composición musical  no deja un par de  joyas, la música y la canción interpretada por Peggy Lee que siempre nos remitirá a la imagen icónica de Joan Crawford.

De la película se ha dicho de todo. Principalmente que es atípica o que es un western feminista, el único del siglo XX. Pues esta joya , para mi una de las mejores películas del cine fue obra de uno de los grandes, Nicholas Ray cuyo auténtico nombre era Raymond Nicholas Kienzle. Se trataba del primer proyecto de Nicholas Ray después de dejar los RKO Studios, donde había estado bajo contrato durante siete años. Aunque pudiera parecer de los cineastas nacidos en Europa, el nació en Wisconsin, aunque era de origen alemán. 

Compañero en momentos del arquitecto Frank Lloyd Wright. Con apenas 100 dólares en el bolsillo, Ray se une a un grupo de Teatro de Improvisación de Nueva York. Allí conocerá a Elia Kazan. De hecho, cuando Kazan dirige Lazos humanos, su primera película en Hollywood, contratará a Ray como ayudante. En 1948 con Los amantes de la noche dirige su primera película, siendo seguida en 1949 por El secreto de una mujer, en la que trabaja Gloria Grahame, con la que se casará tras el rodaje. 

Luego rodará Llamad a cualquier puerta, con Humphrey Bogart, y En un lugar solitario (1950)con Bogart y Grahame de protagonistas. A estas le siguieron otras como Nacida para el mal, Infierno en las nubes (con John Wayne), La casa en la sombra, Hombres errantes , vinculas con la RKO, pero en 1954 comienza el rodaje en Sedona, mi querida Sedona , la ciudad de Arizona de Johnny Guitar. La película fue un gran éxito de taquilla y tras este siguieron otros títulos que impresionan desde Rebelde sin causa (Rebel Without a Cause, 1955), pasando por Más poderoso que la vida (Bigger Than Life, 1956) y las míticas Los dientes del diablo (The Savage Innocents, 1959), Rey de reyes (King of Kings, 1961) o 55 días en Pekín (55 Days at Peking, 1963), pero esa es ya otra historia, ya veremos si cercana. 

Volviendo a Johnny Guitar señalar que fue producida por Nicholas Ray y Herbert J. Yates para la Republic Pictures , - una compañía que originalmente se dedicada a la producción y distribución de filmes con muchas películas de serie B y bastantes western, aunque apoyo la carrera de John Ford y Orson Welles como su Macbeth - que también la distribuyó ya que el fundador Yates estaba detrás. En este caso Ray contó con un guión escrito por Philip Yordan y basado en la novela de 1953 titulada Johnny Guitar de Roy Chanslor. Con el tiempo se dijo que otro guionista, Ben Maddow , escribió el guión y la mayoría de las críticas cinematográficas no creerían que Philip Yordan fuera el verdadero autor hasta que el mismo Maddow, después de ver la película, afirmara que no escribió el guión. Parece ser que Philip Yordan reescribió el guión en la ubicación. 

La película contará la música de Victor Young, la fotografía de Harry Stradling rodada en Trucolor el sistema a color utilizado y propiedad de la división Consolidated Film Industries de la Republic Pictures . Se introdujo como reemplazo para el propio proceso Magnacolor de Consolidated .Republic utilizó Trucolor principalmente para sus westerns , hasta la década de 1940 y principios de la de 1950 como alternativa al Technicolor. Aunque hay quien afirma que esta película fue pensada para su visualización en 3D.

El montaje fue encargado a Richard L. Van Enger, mientras que el sonido fue para T.A. Carman y Howard Wilson; el vestuario fue labor de Sheila O'Brien y los efectos especiales , especialmente las explociones fueron de Howard Lydecker Theodore Lydecker. El reparto lo encabeza Joan Crawford como Vienna acompañado de Sterling Hayden como Johnny Guitar o Johnny Logan, Mercedes McCambridge como Emma Small y Scott Brady como el Kid, el bailarín (Dancin' Kid). Secundarios de lujo están presentes como Ward Bond como John McIvers, Ben Cooper como Turkie Ralston, Ernest Borgnine como Bart Lonergan y John Carradine como el viejo Tom. Junto a ellos aparecen Royal Dano como Corey, Frank Ferguson como Marshal Williams, Paul Fix como Eddie, Rhys Williams como el Sr. Andrews, Ian MacDonald como Pete y Robert Osterloh como Sam. 

La película comienza con la llegada de un jinete que en vez de portar un rifle lleva a sus espaldas una guitarra. Mientras avanza por estas tierras del Norte de Arizona ve tres cosas que parecen llamarle la atención. 

Por un lado, una explosión en un área rocosa y montañosa realizada por los trabajadores de un ferrocarril que va avanzando hacia el oeste, un grupo de cowboys que guía ganado y el asalto a una diligencia y el asesinato por parte de cuatro bandidos de uno de sus ocupantes. 

Poco después el jinete llega a un establecimiento envuelto entre nubes de polvo en una tormenta de arena. Tras desmontar de su animal entra en el local, un saloom, que está vacío de cientes y en el que hay un camarero y tres croupiers sobre las mesas de juego. El jinete pide un vaso de whisky y le dice a los barman que tiene una cita con la dueña del local, Vienna. Cuando le preguntan por su nombre , lo dice. Dice llamarse Johnny Guitar (Sterling Hayden). 

Tras tomarte el whisky espera sale de una habitación en la parte superior Vienna( Joan Crawford) y le dice con bastante altivez que tiene una cena de trabajo con un cliente. Vienna, la propietaria de un salón situado en las afueras de una ciudad del Oeste, se entrevista con un hombre de negocios local que rechaza la proposición de Vienna de transferir la titularidad del mismo a su nombre a cambio de una importante suma de dinero. 

A favor del local es que frente al mismo pasará el tren y puede ser el embrión de una futura ciudad si en ella se monta una estación. 

Mientras, abajo,  Johnny Guitar habla con los trabajadores de las mesas y sobre todo con el viejo Tom (John Carradine) que le informa de la tensión que vive en la zona entre Vienna y los grandes ganaderos locales, los hermanos Small y John McIvers que temen que con la llegada del ferrocarril el área se pueblo de agricultores que limitarán sus terrenos de pasto. 

Después baja Vienna que habla con cierto desdén a Johnny , dejando entrever que ha dejado de ser un famoso pistolero Johnny Logan , un portentoso pistolero, que ha cambiado su revólver por una guitarra. Vienna lo ha llamado pues le ha ofrecido un trabajo como músico. La relación entre ambos viene de antiguo, pero han pasado cinco años desde que Johnny y Vienna rompiesen sus amor debido a la negativa de Johnny a echar raíces. 

En este tiempo, ella ha adquirido una casa de juego en un terreno que piensa vender a la compañía de ferrocarriles cuando el trazado de la línea llegue hasta allí. 

Tras concretar el acuerdo , Vienna le dice a Tom que le de de comer a Johnny mientras ella sube al piso superior. Al rato llega una partida de hombres en la que parece encabezarla una mujer. Se trata de Emma ( Mercedes McCambridge ), hermana del hombre asesinado, que junto a John McIvers (Ward Bond) y el Marshall Williams (Frank Ferguson ) acusa del asalto a la diligencia al que posiblemente sea el antiguo amante de Vienna, pero también pretendiente de Emma que es conocido con el nombre del bailarín, Dancing Kid ( Scott Brady) y su banda, que viven de explotar una mina de plata oculta en las montañas. 

El propósito de Emma no sólo vengar a su hermano que acaba de ser asesinado, sino aniquilar Vienna y sus sueños de prosperidad con el ferrocarril, a quien envidia, y a Kid, su amante, por quien Emma siente una profunda pasión que tiene que reprimir. Emma tiene el apoyo del sheriff y de John McIvers , el otro gran ganadero al que no le gusta la llegada del ferrocarril. Emma Small no duda en culpar a Dancin' Kid y a su banda que , casualmente llega en ese momento. 

La llegada de Kid y sus chicos altera aún más a los ganaderos locales. El conductor de la caravana es presionado para culparles, pero dice una y otra vez que tenía el sol, de cara y que no pudo ver sus rostros con claridad , pues iban tapados. Vienna se enfrenta a ellos con su arma, y ellos le dice que no puede con todos pues son muchos, pero en ese momento vemos que sale en su defensa desde la cocina el misterioso y recién llegado Johnny Guitar. 

Como el Marshall no puede acusarlos son una prueba directa la tensión baja aunque los ganaderos, liderados por John McIvers e incitados por Emma Small, decididos a forzar a Vienna , a Johnny Guitar, y a Kid y sus hombres a salir de la ciudad, le dan 24 horas para ello. Tras poner su ultimátum los ganaderos se marchan llevándose el cuerpo del fallecido. "The Dancin Kid" y a sus compañeros se quedan tomándose una copa. Uno de ellos Bart Lonergan (Ernest Borgnine) fuerza a Johnny a beber un whisky, tras el primero viene un segundo, pero Johnny ya no acepta y deciden pegarse a las puertas del local. Johnny le da una paliza a Lonergan. 

Tras eso Kid, Lonergan y sus otros dos compañeros, que viven de la explotación de una desconocida mina de plata en la que no están teniendo mucha fortuna, el joven Turkie Ralston (Ben Cooper) y el reflexivo - y lector- Corey (Royal Dano) deciden marcharse. No obstante, el joven Turkey , se retrasa un poco y antes de irse le dice a Vienna que está encantado de haberla conocido y que por supuesto la protegería con su revolver, comenzando a alardear con el mismo. Johnny nos sorprende a todos disparando sobre el revolver que empeña Turkey al que reduce disparando con suma habilidad, aunque con ojos de desquiciado. 

Una vez se tranquiliza y es atendido por Vienna que resulta ahora lo reconoce como actuaba cuando era ex amante y pistolero pendenciero conocido por su nombre real es Johnny Logan.

Esa misma noche vemos que Vienna se desvela y baja encontrándose en la cocina a Johnny que le pide que recuerde su antigua relación. Entre ellos se ve que hay una relación de amor / odio latente. Es en ese momento cuando se produce uno de los diálogos más sugerentes de la historia del cine entre Vienna y Johnny Guitar: 

VIENNA: ¿Se divierte, Sr. Logan? 

JOHNNY: No podía dormir. 

VIENNA: ¿Y eso le ayuda? 

JOHNNY: La noche pasa más deprisa. ¿Por qué estás despierta? 

VIENNA: Sueños. Pesadillas. 

JOHNNY: Yo a veces también los tengo. Con esto los ahuyentarás. 

VIENNA: Ya lo he probado. No me ayudó demasiado. 

JOHNNY: ¿A cuántos hombres has olvidado? 

VIENNA: A tantos como tú mujeres. 

JOHNNY: ¡No te vayas! 

VIENNA: No me he movido. 

JOHNNY: Dime algo bonito. 

VIENNA: Claro. ¿Qué quieres que te diga? 

JOHNNY: Miénteme. Dime que me has esperado todos estos años. 

VIENNA: Te he esperado todos estos años. 

JOHNNY: Dime que habrías muerto si yo no hubiera vuelto. 

VIENNA: Habría muerto si tú no hubieras vuelto. 

JOHNNY: Dime que me quieres todavía, como yo te quiero. 

VIENNA: Te quiero todavía, como tú me quieres. 

JOHNNY: Gracias. Muchas gracias. 

Tras esto la relación se ablanda entre ambos y parece que pasan la noche juntos. Al día siguiente, ambos deciden ir al banco a sacar el dinero que tiene depositado allí Vienna. El banco está cerrado pues en esos momentos se está desarrollando el entierro del fallecido Small. 

El banco está cerrado por esa razón, el entierro, con todo al ver que la que pide entrar es Vienna le abren la puerta. En ventanilla ella pide recuperar el dinero depositado, no en oro, como le ofrecen , sino en billetes. 

Justo cuando la caja está abierta y sacado el dinero se persona los hombres de Dancin 'Kid en el pueblo, aunque el único que es visible es Turkey que pide hacer un ingreso. Pero aunque le abren con dudas en el momento en que la puerta está abierta bajan del carro Lonergan y Corney, así como el bailarín que entran en el banco con la finalidad de robarlo y financiar así su fuga a California tal y como habían acordado en el día anterior. Se manifiestan violentamente pegando a uno de los empleados y amenazando al otro, y cuando el bailarín descubre que Vienna éste se despide y la besa. 

El grupo de ladrones huye con el botín dejando el dinero a Vienna y Johnny que decide no intervenir. Al llegar al río deciden los asaltantes mantenerse unidos aunque dudan entre ir a California cruzando el desierto o ir a través de las montañas. 

Como "el bailarín" se niega hacerle caso a Lonergan , que apuesta ir cada uno por su lado y si no por el desierto, van por el camino de la montaña. Un camino muy duro pero que además se encuentra su paso limitado pues los operarios del ferrocarril que se adentra en su camino están colocando barrenos para adaptarlo a las vías. Ante la imposibilidad de seguir avanzando y dado que Turkey queda herido en una de las explosiones deciden regresar a su escondite secreto detrás de una cascada. 

Mientras tras el entierro, los asistentes se enteran del asalto y Emma Small convence a la gente de la ciudad de que Vienna es tan culpable como el bailarín y los suyos del robo. Ante eso el grueso del grupo se dirigen al saloom, mientras que otros se dirigen a la zona en la que piensa que puede estar la mina de plata del "bailarín" y los suyos, es decir, cerca del río. Esta presión de la persecución se hace notar entre los hombres de The Dancin 'Kid que avanzan sin mirar atrás. Y en su avance no perciben que Turkey se ha caído del caballo , dándose cuenta cuando llega al refugio. 

Ante las dudas sobre si buscarlo o no, el peso de Bart Lonergan se hace notar y deciden quedarse en el refugio. 

Por su parte, Vienna nada más llegar indemniza a sus hombres. Su objetivo es cerrar el local para luego cuando llegue el tren fundar la ciudad. También le paga a Johnny que dolido se marcha. 

Pero al cabo del rato se presenta Tom y no llega sólo. Se ha encontrado con un Turkey herido que pide cobijo en el local, justo en el momento en que llegan los ganaderos. 

Cuando el grueso del grupo llega Vienna se encuentra tocando el piaño la balada de Johnny Guitar con un vestido blanco. Tras irrumpir el grupo en el local , este se enfrenta a Vienna culpándola del robo . Ella desmonta su teoría. 

Pero cuando parece haber convencido a John McIvers y al Marshall Williams, aunque no a Emma, Turkie es detectado en el local y descubierto debajo de una mesa. Emma convence a los hombres para que cuelguen a Turkie . Este pide clemencia y Emma le dice que se le dará si reconoce la intervención en el robo de Vienna. Turkie que no quiere morir responsabiliza a Vienna. Tras lo cual Emma propone el ahorcamiento de ambos a lo que McIvers accede, aunque no Williams. Tom, por su parte, se niega , pero es golpeado y hiere mortalmente a Williams, tras o cual no queda ningún freno para ahorcar a ambos y quema el salón. 

Tras eso se disponen a ahorcar a Turkey y Vienna. A Turkey lo ejecutan pero cuando van a colgar a Vienna aparece en el último segundo Johnny Guitar quien salva a la chica. Vienna y Johnny huyen a caballo y se escapan encontrando refugio en una cueva pasando la noche. 

Una vez se ha alejado el peligro ambos van al escondite secreto de The Dancin 'Kid que es conocido por Vienna. 

Mientras el grupo de Anna y McInvers rastrea la zona. Nada más llegar Vienna junto a Johnny , el bailarín descubre que entre ambos hubo una relación tan poderosa que impedía que Vienna lo quisiera a él. Con todo se sorprende al saber que Johnny Guitar es realmente Johnny Logan, un pistolero de renombre. 

Entretanto Corvey y Bart salen fuera. Corvey ve como el grupo se dispone en la zona mientras él lee. Pero , después, es sustituido por Bart, que en un momento dado, traiciona al grupo que penetra en el área del escondite tras ver como el caballo de Turkey entra tras la catarata. 

Tras llegar a un acuerdo con Emma y los suyor va en busca de Corney para invitarle a unirse en su traición, pero éste se niega por lo que es asesinado por Bart. Cuando este huye se enfrenta a Johnny Guitar que sabe de la traición, justo cuando el grupo de Emma los sorprende.

Emma dispara sobre Vienna que es herida en el hombro y tras la intervención de Kid recibe un disparo en la frente de Emma. Tras eso continua el baño de sangre que culmina con la muerte de Emma ha mano de los disparos de Vienna. 

Lo tristemente acontecido hace reflexionar al líder de los perseguidores, con McIvers a la cabeza que decide dejar a Johnny y Vienna salir del escondite en paz, viéndolos ir. Con la cascada en la imagen suena la canción de Peggy Sue de Johnny Guitar y acaba la película. 

La historia fue rodada entre Arizona y California. La zona principal de rodaje fue Sedona, sobre todo el área de Red Rock Canyon, Bell Rock, Boynton Canyon, Schnebly Hill, Courthouse Butte, Oak Creek Canyon, así como en los Republic Studios en Radford Avenue, en North Hollywood de Los Angeles. Fue rodada entre octubre y diciembre de 1953. De hecho destacan las escenas filmadas en el distrito de Red Rock que abarca muchas de las famosas mesetas y mesas de roca roja, y los cañones que han hecho de Sedona una ciudad turística famosa. Justo al norte de Sedona se encuentra el cañón Oak Creek, uno de los muchos cañones grandes ubicados a lo largo del borde de Mogollon. Oak Creek Canyon forma parte del llamado Bosque Nacional Coconino (National Forest Coconino) una de las pocas áreas en el bosque donde los árboles de hoja caduca son el tipo de vegetación dominante y Ponderosa. Sedona está a 4,500 pies (1,400 metros sobre el nivel del mar) que el resto del bosque, lo que resulta en temperaturas más altas durante todo el año permitiendo el rodaje entre octubre y diciembre tal y como fue. 

El filme se rodó gracias al impulso de Joan Crawford, quien había adquirido los derechos de la novela y la había vendido a la Republic Pictures poniendo un requisito: ella sería la protagonista y tendría peso en la toma de decisiones.  Joan Crawford que actuaría por segunda vez en un western,  ya que no se prodigaba en este género - el anterior la de Luz de Montana (1930)- .  

La actriz y diva insistió en que sus primeros planos solo fueran filmados en el estudio, donde la iluminación podía controlarse rígidamente y de hecho no se rodó ningún primer plano de ella mientras rodaban en Sedona. Esto contrasta con lo que sobre ella dijo George Cukor "Tiene un rostro absolutamente perfecto, como una máscara griega. Todo está en su sitio exacto...Puede usted fotografiarla desde desde cualquier ángulo, de cualquier lado, no importa en qué lugar ni bajo qué condiciones. Siempre es magnífica. Pero su verdadero talento es su forma de andar..." 

Crawford que tenía previsto trabajar con Nicholas Ray - estaban programados para hacer una película llamada Lisbon en la Paramount, pero como el guión les resultaba inaceptable- Crawford que sostuvo los derechos cinematográficos del libro, derivó para la dirección de esta película al director de Wisconsin. 

La película era parte de un paquete que incluía a Roy Chanslor, un ex periodista convertido en guionista, quien escribió el guión especialmente para Joan Crawford. En ese momento, Republic era considerado el más prestigioso de los estudios menores y el contrato de Nicholas Ray con ellos le daba mucha libertad creativa a pesar del modesto presupuesto de la película. 

Se comenta que Nicholas Ray tuvo una aventura con Joan Crawford y quiso presentarla en una de sus películas. Pero durante la filmación, Ray se enfrentó con  Crawford, llegando hasta el punto de que Philip Yordan, para tranquilizarlo y animarlo, le dijo que cuando hubiese terminado de filmar nunca volvería a trabajar con Joan Crawford

Una de las primeras cosas que hizo el director fue contratar a Philip Yordan para una reescritura completa del guión. Yordan dijo más tarde: "Colaboró ​​conmigo menos en el nivel dramático que en el arquitectónico, creando entornos como el salón, trabajando en las relaciones geométricas entre los lugares". Pero el resultado le decepcionó. 

Crawford quería a Bette Davis o Barbara Stanwyck para el papel de Emma Small, pero eran demasiado caras. Claire Trevor fue la siguiente en mente para el papel, pero no pudo aceptar porque estaba atada a  otra película y, finalmente, Ray se decantó por la McCambridge. A Crawford no le gustó la elección de la joven Mercedes McCambridge como oponente. Crawford, quería aparecer más favorecida en sus primeros planos, así que exigió que todos fueran rodados en estudio, con la iluminación adecuada, y no en exteriores con luz natural. 

Joan Crawford quería , además, que Paul Newman interpretara a The Dancing Kid y Robert Mitchum fuese considerado para el papel de Johnny Guitar, pero la RKO no lo prestó así que el elegido fue Sterling Hayden , una elección inusual para el papel principal ya que no sabía montar a caballo ni tocar la guitarra ni disparar un arma. 

La mayoría de las personas afirmaron que era fácil trabajar con Crawford, siempre profesional, generoso, paciente y amable, pero con Hayden y McCambridge la cosa cambió.  Los problemas entre las dos mujeres surgieron al principio, pero Ray no se alarmó. Las razones de la disputa parecen remontarse a una época en que Crawford había salido una vez con el esposo de McCambridge, Fletcher Markle . Según algunos de los miembros del elenco,  McCambridge molestó a Crawford al respecto, como tampoco que  Crawford y Ray , que tenían cierta relación, le molestaba la "atención especial" que Ray le estaba prestando a McCambridge. 

Para empeorar las cosas, McCambridge  coincidió con una Crawford que estaba luchando contra el alcoholismo durante este período, algo que ella admitió más tarde y que contribuyó a los problemas entre ella y Crawford. La actriz femenina secundaria declaró que Crawford era "una dama mezquina y poderosa". Por su parte, Crawford dijo de McCambridge: "Tengo cuatro hijos, no necesito una quinta".  Más tarde, Ray afirmó que Crawford, durante un ataque de ira, lanzó los vestidos de la McCambridge a la calle, cosa que reconoció la Crawford admitiendo lo ocurrido y que era cierto que  una noche, Nicholas Ray encontró a Crawford, bebida a un lado de la carretera, destruyendo todos los trajes de Mercedes McCambridge  con un cuchillo y arrojándolos a los matorrales.  El elenco y el equipo tuvieron que recoger los trajes.  Recoge en su Historia del Cine Terenci Moix que ella declaró una vez "Seguro que estaba loca cuando acepté hacer ese bodrio". ¡Qué mala opinión tenía de la película! pero cuánto se equivocaba igualmente.

La cosa fue a peor cuando McCambridge la culpó por los dos años de inactividad de los repetidos intentos de Crawford de ponerla en una lista negra. Curiosamente, Ward Bond que fue miembro de "Motion Picture Alliance for Preservation of American Ideals" y "uno de los líderes más activos en la lucha contra los comunistas en Hollywood" trabaja en la película junto a la actriz que dijo ser represaliada. ". Parece que Philip Yordan, el guionista de la película, dijo: "Le hicimos un buen truco a Ward Bond, que era, como saben, uno de los líderes de los miembros de la "Motion Picture Alliance for Preservation of American Ideals" en Hollywood. Le hicimos desempeñar el papel de líder de la milicia, un terrorista extremista. Y pensó que su personaje era un héroe, un buen tipo. ¡No se dio cuenta de ello, no lo entendió ! Aunque a Philip Yordan se le acredita como guionista en la película, su contribución al guión en realidad fue escrita por Ben Maddow, integrante de la lista negra, a quien Yordan lideró, repartiendo la cuota con el escritor.

Pero por otro lado la relación con Hayden tampoco fue buena. El llegaría a decir en una entrevista: "No hay suficiente dinero en Hollywood para seducirme a hacer otra película con Joan Crawford. Y me gusta el dinero" y continuo comentando que "Estaba en guerra con esa película, durante el día, con Joan Crawford ...y de noche con mi segunda esposa". A pesar de sus reservas sobre la película, Hayden reconoció la  popularidad que le vino con la película , pero llegó a  declarar que nunca había visto a nadie comportarse tan mal con Mercedes McCambridge.

Sin embargo, a Crawford le sorprendieron los comentarios de Hayden, afirmando que tenía una carta suya que decía que le encantaría volver a trabajar con ella.

Nicholas Ray se mostró bastante incómodo durante el rodaje y luego admitió: "Muchas veces, tendría que detener el automóvil y vomitar antes de ir a trabajar por la mañana".  Ray llegó a decir que en esos momento "Joan estaba bebiendo mucho y le gustaba pelear", pero que también era "muy atractiva, con una decencia básica".

Sus desagradables recuerdos de la producción solo se vieron reforzados por las críticas en su mayoría negativas que la película recibió de los críticos estadounidenses cuando se estrenó. Según "Flesh and Fantasy" de Penny Stallings, el equipo de rodaje dio un aplauso espontáneo después de una de las poderosas escenas de Mercedes McCambridge, lo que enfureció a la estrella Joan Crawford. Según Nicholas Ray, luego comenzó a filmar las escenas de la actriz que interpretada a la señorita Smell algo más temprano en la mañana antes de que Joan Crawford llegara allí para evitar conflictos. 

Con respecto a la banda sonora la música parece inspirarse o hacerse eco de varios temas de la danza española No. 5: Andaluza de Enrique Granados , que fue escrita para piano, pero a menudo se toca en la guitarra clásica. El instrumental para la canción se utiliza en los créditos de apertura y en toda la película. La canción aparece tocada en el piano por Joan Crawford (doblada) y cantada parcialmente al final por Peggy Lee . 

La película se estrenó el 7 de mayo de 1954 en Los Ángeles, y casi veinte días más tarde - el 26 de mayo de 1954 en Nueva York y , a partir de agosto en el resto de los Estados Unidos , y lo hizo con críticas negativas. Pero a pesar de una serie de comentarios negativos iniciales, en los Estados Unidos y Canadá. Sin embargo, esto no ocurrió en Europa , ya que el público  europeo, por otro lado, libre de sesgos convencionales, vieron a Johnny Guitar como lo que era: "una imagen estilizada, poco convencional, intensa, llena de ambigüedades y subtextos que la hicieron extremadamente moderna" como señalo Scorsese.

Johnny Guitar recaudó más de $ 2,500,000 en enero de 1955 y fue el número 27 en la lista de Variety de las más taquilleras de 1954. 

Esta misma revista dijo de ella que "Demuestra que [Crawford] debe dejar las sillas de montar y los Levis a otra persona y quedarse con las luces de la ciudad como fondo. [La película] es solo una pieza de entretenimiento justa. [El guionista] se involucra tanto con los matices de los personajes y las neurosis. , todo envuelto en un diálogo, que [la imagen] nunca tiene la oportunidad de levantarse en la silla de montar ... La gente en la historia nunca alcanza mucha profundidad, este personaje debe estar en desacuerdo con el pretencioso intento de análisis al cual Guión y dirección dedica tanto tiempo ". Y añadió "Amor, odio y violencia, con poca simpatía por los personajes, se mezclan en esta película demasiado larga." 

Dura, muy dura,  también fue la crítica de  Bosley Crowther destacó la resistencia física de Crawford para las críticas en su reseña del New York Times , afirmando que "no hay más feminidad en ella que en el robusto Sr. Heflin en 'Shane'. Para la dama, como de costumbre, no tiene sexo como los leones en los escalones de la biblioteca pública y tan aguda y románticamente prohibida como un paquete de hojas de afeitar sin envolver ". Además dijo en las páginas del The New York Times  "Ni Crawford ni el director Nicholas Ray evitan que sólo sea un simple paseo (...) por los clichés del western (...) El color es un poco desagradable y los paisajes de Arizona sólo son aceptables." 

Sin embargo, la película más tarde llegó a ser considerada como una de las mejores películas de Ray,  siendo una de las favoritas del cineasta francés François Truffaut , quien la describió como "La bella y la bestia de los westerns". Y añade Truffaut   Johnny Guitare fue hecho a medida para Joan Crawford, como El ángel de la maldición de Fritz Lang para Marlene Dietrich . Joan Crawford fue una de las mujeres más bellas de Hollywood; Ella está hoy fuera de los límites de la belleza. Ella se ha vuelto irreal, como el fantasma de sí misma. El blanco ha invadido sus ojos, los músculos de su rostro. Voluntad de hierro, cara de acero (sentido apenas figurado). Ella es un fenómeno. Se vuelve viril a medida que envejece. Su juego tenso, tenso, empujado a su clímax por Nicholas Ray, es en sí mismo un espectáculo extraño y fascinante ". Y también dijo " Johnny Guitar es una especie de remake de La Bella y la Bestia en la que la bestia sería Sterling Hayden" .  A Truffaut le impresionó especialmente la extravagancia de la película: los colores llamativos, la poesía del diálogo en ciertas escenas y la teatralidad que resulta en la desaparición y muerte de los vaqueros "con la gracia de las bailarinas ".

James Dean, al pasar por el área de Salinas en su última carrera, dicen que dijo "Aquí es donde le dispararon a Johnny Guitar ".  Según algunos de sus biógrafos, nunca olvidó mencionar a Johnny Guitare entre sus películas favoritas y estaba particularmente feliz de poder filmar The Fury of Living bajo la dirección de Nicholas Ray.

Según Martin Scorsese , el público estadounidense contemporáneo "no sabía qué hacer al respecto, por lo que o bien lo ignoraron o se rieron de él". 

En   1988, Mujeres al borde de una crisis nerviosa , el director español Pedro Almodóvar rindió un homenaje a la película. Su personaje principal, Pepa Marcos ( Carmen Maura ), un artista de la voz, se desmaya mientras dobla la voz de Viena en una escena en la que Johnny (expresado anteriormente por el ex amante de Pepa, Iván) y Viena bromean sobre su pasado conflictivo. La película de Almodóvar también termina con una persecución y una mujer obsesionada que dispara al personaje principal. 

Un década después, en 1998, la columna de Jonathan Rosenbaum en el Chicago Reader incluía a  Johnny Guitar como una de las 100 mejores películas americanas. 

La película fue reconocida por el American Film Institute en  sus principales listas a inicios de este siglo XXI.

En 2008, la Biblioteca del Congreso seleccionó a Johnny Guitar para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos como "cultural, histórica o estéticamente importante".

También ha sido incluida entre las "1001 películas que debes ver antes de morir", editadas por Steven Schneider y para Robert Ebert la incluyó en su particular lista de "Grandes películas".

En 2012, el director de cine japonés Shinji Aoyama nombró a Johnny Guitar como una de las mejores películas de todos los tiempos. Dijo: " Johnny Guitar es la única película que me gustaría rehacer algún día, aunque sé que es imposible. Probablemente sea la más cercana a la peor pesadilla que pueda tener. Estoy seguro de que mi deseo de rehacer esta película proviene de Mi torcido pensó que quiero rehacer mi propia pesadilla ". 

Para críticos actuales , hoy algunos de ellos fallecidos como Roger Ebert en su web rogerebert.com "La película tiene momentos extraordinarios (...) Es fascinante verla a ella y a Johnny usando palabras como si fueran armas de amor (…) "

Dave Kehr en otro diario de Illinois, el Chicago Reader señala que "A pesar de toda su violencia, es una película muy tierna y sensible (...) Con una inolvidable Mercedes McCambridge haciendo de némesis de Crawford"

Richard Brody en el The New Yorker comenta que  "Nicholas Ray es el director de Hollywood más emocionalmente furioso, extremo y sensible"

Para Scott Tobias de AV Club se trata de "Una película tan singular no es fácil de definir (...) Ray aportó una sensibilidad de izquierdas, feminista y revisionista que estaba 15 años adelantada a su tiempo"

Calum Marsh de Slant escribe que "Hay tantas cosas escondidas más allá de la superficie (...) Consigue humanizar el drama y la política del Macartismo al mismo tiempo que la transforma en algo casi surrealista (…) "

Para Bruce Bennett de IndieWire comenta que "En su primer tercio, 'Johnny Guitar' es una obra ingenuamente elaborada de teatro filmado (...) El espacio principal del salón es tan extrañamente moderno que podría ser obra del (...) arquitecto de producción Ken Adam."

En el Reino Unido Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian señala que es "Un western brillante, inolvidable y extraño (...) Un drama psicológico extraordinario (…)"

También desde las islas bitránicas  Tom Huddleston en Time Out dice que "Joan Crawford se sale de la pantalla en este emocionante y magistral western freudiano (…) "

Para  Kim Newman de Empire se trata de "Un western verdaderamente alocado, con localizaciones vívidas y coloridas y una intensidad casi operística de violencia física y emocional (…) "

En España Fernando Morales en  El País afirmaba que es "Uno de los mejores westerns de la historia (...) bellísima partitura musical de Victor Young y unas sobresalientes interpretaciones"

Terencia Moix en el tercer volumen de su Historia del Cine publicada por la revista Blanco y negro de ABC dice de Johnny Guitar que "es una de las cumbres del romanticismo cinematográfico , más allá de las coordenadas de western psicológico entonces de moda. Sigue siendo un filme majestuoso, poco comprendido en su momento".

Para muchos críticos, incluido Roger Ebert ,  han señalado que la película es un comentario oculto sobre la caza de brujas de McCarthy momento en que fue filmado y lo considera una parábola sobre la situación política de Estados Unidos en ese momento. Se sospechaba que Nicholas Ray simpatizaba con los comunistas, pero su productor Howard Hughes lo estaba protegiendo de las investigaciones en curso.

Es una gran película que responde un poco a esa idea que dio Eric Rohmer sobre el director "Nicholas Ray , es un poeta" o como señaló Terenci Moix refiriéndose al director , pero también y en concreto a Johnny Guitar, como una característica de la película y del director: "la capacidad de dotar a sus personajes de carga lírica que le hace sobresalir en sus relaciones con ambientes a menudo hostiles".

Para mi la película contiene los más impresionantes diálogos de un western en sus 45 primeros minutos. Como amante de los western lo consideró una inmensa obra de arte. Además rodada en esa ciudad y sus alrededores que alcancé desde Flagstaff de casualidad para descubrir un espacio en el que vi por primera y única vez en mi vida un diminuto colibrí volando. Un lugar de película.

War Pigs

Durante gran parte de la película he dudado de si se trataba de un telefilm o si se trataba de una película. Parece ser que fue producida para el cine, pero eso sí, dentro de lo que se conoce como serie B. Su titulo es War Pigs, que indudablemente me remitía aunque fuese por el título al menos en español de Perros de la guerra o The Dogs of War, una película británica de 1980 basada en la novela de Frederick Forsyth y dirigida por John Irvin sobre la intervención de unos mercenarios en un conflicto en el contienente africano. Sin embargo, una vez vista me ha parecido que la misma quería emular a Doce del Patíbulo , la gran película de Robert Aldrich, pero con sin los profesionales detrás y delante de la pantalla que tuvo el director entre otras de Veracruz, Apache y otras películas. 

Esta película bélica se centra en un episodio ficticio de la segunda guerra mundial en la que participan soldados estadounidenses mientras intervienen en el frente de Europa en el año 1944, tras asentarse en territorios francés. 

La película es del año 2015 y fue dirigida por Ryan Little, un director , encargado de la fotografía y productor canadiense de 47 años y natural de Vancouver que saltó a fama como director cuando dirigió en el 2003 el film bélico Saints & Soldiers que se desarrolla en Frente Occidental en aquel mismo año, el 44 , pero en este caso en territorio en Bélgica en el episodio de la masacre de Malmedy durante la Batalla de Bulge. Tras esa película que tuvo cierto éxito , el director optó por seguir ese camino iniciado con Saints & Soldiers sumando dos episodios más a la misma historia: Santos y soldados: Credo aerotransportado (2012) y Santos y soldados: el vacío (2014). 

Al año siguiente Little se encargaba de dirigir a Luke Goss , Dolph Lundgren , Chuck Liddell y Mickey Rourke en War Pigs. En este caso la película fue producida por Luke Daniels , Steven A. Lee , Steven Luke , Andre Relis , Brad Scott y Chad A. Verdi que respaldaban a las productoras Schuetzle Company Productions , VMI Worldwide, Verdi Productions y con la distribución de Cinedigm, Rialto Distribution , Signature Entertainment y la referida VMI. 

El guión fue escrito por Adam Emerson , Andrew Kightlinger y Steven Luke, mientras que en el apartado musical interviene Alex Kharlamov, siendo responsable de la fotografía Ty Arnold y el montaje de Katerina Valenti. 

El elenco está integrado por Luke Goss como el Capitán o Teniente Jack Wosick, Dolph Lundgren como el capitán o sargento francés Hans Picault, Chuck Liddell como Sargento McGreevy, Mickey Rourke como el mayor AJ o coronel Redding, Noah Segan como August, Steven Luke como el Sargento Preacher, Ryan Kelley como William York, Jake Stormoen como Frenchy Buckle y KC Clyde como Moffatte. Junto a ellos aparecen igualmente Apostolos Gliarmis como Shank, Maclain Nelson como el torturador alemán Fritz y Blake Webb como un Soldado americano. 

La película comienza contextualizando lo que vamos a ver. Se trata de un episodio que tiene lugar tras el desembarco de Normandía y el inicio de la ofensiva alemana en las Ardenas. Precisamente en este frente vemos como el capitán del ejército de Estados Unidos , Jack Wosick (Luke Goss) inicia un ataque a pesar de sus muchas dudas. Cumpliendo órdenes lleva a su pelotón a una encerrona y del resultado de la misma es no sólo que sale herido , sino que su camarada y amigo , el Sargento McGreevy (Chuck Liddell ) muere por protegerlo, demás de perder a muchos de sus hombres. 

Por un lado por este éxito , eliminar un nido de ametralladoras es condecorado, pero por quejarse por estar mal diseñada la operación parece ser que se le abre un expediente. Meses más tarde, y ya recuperado el Coronel Redding ( Mickey Rourke) lo ha seleccionado para realizar una operación secreta. Para ello tiene la oportunidad de redimirse dirigiendo una unidad de inadaptados conocida como los War Pigs en una misión secreta para aunque no lo transmite a sus subordinados tendrá lugar tras las líneas enemigas. 

Para llevar a cabo esta operación cuenta con la inestimable ayuda del Sargento Hans Picault que durante años ha servido en la Legión extranjera francesa y que incluso , en un momento dado, estuvo movilizado dentro del ejército alemán. Se trata de un francés de origen alemán criado entre Lorena y Alsacia y que es un antinazi especialista en preparación física y lucha cuerpo a cuerpo con arma blanca. 

Tras contactar uno con otro, Jack debe entrenar, liderar y ganarse el respeto de su nuevo equipo para convertirse en una unidad de reconocimiento en funcionamiento. Sin embargo, el grupo de inadaptados conocidos como War Pigs e integrado por August (Noah Segan) , el Sargento Preacher (Steven Luke), William York (Ryan Kelley), Frenchy Buckle (Jake Stormoen) , el soldado Moffatte ( KC Clyde) y Shank (Apostolos Gliarmis) se resiste a acatar con facilidad las órdenes. 

Tras un entrenamiento gestionado por Picault y dirigido por Wosick tanto en armamento, dibujo, lucha cuerpo a cuerpo, resistencia,... el grupo recibe la orden de actuar el capitán les comenta que la misma tendrá lugar detrás de las líneas enemigas , ya en territorio alemán, y que en concreto tiene como objetivo reunir información de inteligencia sobre una Super Arma que han ido desarrollando los nazis , el V-3 , un cañón de artillería masiva que le daría a los nazis una ventaja insuperable contra los aliados y la posibilidad de bombardear sin problemas Londres o París. 

El grupo se adentra en el bosques y , sin mucha dificultad, identifica el super cañón nazi que amenaza con bombardear las principales ciudades del viejo continente, pero su orden no es destruirlo, sino localizarlo. 

Todo cambia cuando algunos miembros del equipo son detenido y el capitán herido. Tras eso , los War Pigs, ahora formando una piña deciden liberar a sus dos compañeros presos. Tras penetrar en el campamento alemán disfrazdos de solados germanos, proceden a localizar en principio a sus compañeros y después, ya que están por destruir el arma. 

Lo primero lo realiza el capitán que llega justamente en el momento en que iban a ser colgados dos de los hombres tras matar uno de ellos el torturador responsable del interrogatorio al que ellos llaman Fritz ( Maclain Nelson ) y tras liberarlo su objetivo es disparar sobre el arma. La situación se complica al sobrevivir uno de los soldados alemanes iniciándose una lucha sin cuartel entre los estadounidenses con el apoyo de un Picault gravemente herido y los alemanes. Como era de esperar son los estadounidenses los que consiguen prácticamente exterminar a los nazis y explosionar el arma. 

Finalmente, Jack vuelve a ser condecorado por el andrajoso Coronel Redding y descubrimos que el grupo es un grupo cohesionado en el que se integra Picault que se ha salvado, acabando así la película. 

La película con aspecto de telefilm y que posiblemente se rodara con la de Saints & Soldiers en las montañas de Utah, -aunque realmente no he encontrado información sobre la misma y todo lo más que se rodó en este estado con peso por parte de los mormones- fue presentada a un Festival de Cine, el GI Film Festival (GIFF), una organización sin fines de lucro fundada en 2006 por la veterana del ejército Laura Law-Millett y su esposo Brandon Millett que se celebra cada mes de mayo en Washington, DC, y un festival anual de la costa oeste cada octubre en San Diego en la que el cine belico tiene su importancia, el 23 de mayo de 2015. Aunque su estreno en los Cines estadounidenses tendría lugar el 18 de septiembre de 2015 en los Estados Unidos. 

Me imagino que tuvo un corto recorrido comercial y su paso por la televisión tendría que ser inmediato para rentabilizarlo. 

Lo único positivo que tiene la película es que dura una hora y media. El resto invita a pensar que , efectivamente, estamos ante un telefilm, basado en un torpe guión con lagunas en el mismo y con diálogos triviales e intrascendentes, dirigido sin mucha fe , con una patética interpretación de un casi irreconocible Mickey Rourke, al que le cuesta hasta sentarse correctamente o ´incluso pelarse para la película, con voluntariosas interpretaciones del resto de actores que salen. Es un producto de serie B con intenciones de mantener el espíritu de la serie B.

Zalacaín

Si hace unos treinta años me hubiese preguntado por un autor no tendría dudas ese era Pío Baroja. Lo cierto es que en mi juventud y tras mi paso por la Universidad había leído mucho , muchísimo , del escritor nacido en  San Sebastián allá por 1872. Pasaron por mis manos y por mis ojos como lector muchas de las trilogías. De hecho fui en peregrinación al caserío de Itzea propiedad de los Baroja en Vera de Bidasoa en el año 1997, como también fui al de Sara en Ataún , propiedad del Aita Barandiarán en el que me atendió amabilísimamente su sobrina Pilar. Como se puede ver fui a estar con mis devotos inspiradores en mis lecturas literarias y mi interés por la Antropología y la cultura que me llegó a través de mi abuela, coetánea del aita y con el que compartía apellidos y posiblemente algo más que eso, además de historias que me llegaron a través de ella y de mi madre. Curiosamente uno y otro tenían una visión muy diferente en cuanto a los vasco, pero eso es ya otra historia.

Pero volviendo a lo que me atañe en este blog, que como recuerdo tiene como finalidad el recordar lo que he visto y lo que me remite a mi vida y entorno afectivo, tenía mucho interés en ver la película inspirada en el libro con el que empezó todo: Zalacaín, el aventurero (!908), la última novela de la trilogía Tierras vascas, junto con La casa de Aitzgorri (1900) y El mayorazgo de Labraz (1903). 

El Zalacaín que he visto es la versión que dirigió Juan de Orduña , uno de los directores grandes del cine español de los años 40 y 50. Presente como actor desde los años 20 , en concreto en el año 1924 participa en películas como La chavala (1924) o La revoltosa, La casa de la Troya (1925), Boy y Pilar Guerra (1926), llegando a la eclosión como actor en el año 1927 con películas como Estudiantes y modistillas , Las estrellas , Los vencedores de la muerte o Rocío del Albaicín (1927) y más tarde ya como actor y director en Una aventura de cine (1928) o El misterio de la Puerta del Sol y El rey que rabió ambas del año 1929. Y en los aós 40 está más detrás de las cámaras que delante con la honrosa excepción de la famosa, Nobleza Baturra del año 1935 de Florian Rey.

Siendo desde los 40 uno de los directores más prolíficos y de mayor éxito con película comprometidas con el régimen como ¡A mí la legión! (1942), comedias de teléfono blanco como Deliciosamente tontos (1943), Ella, él y sus millones , La vida empieza a medianoche , Yo no me caso o Tuvo la culpa Adán (1944). Pasando más tarde a los dramas Misión blanca (1946) , de contenido folklórico como La Lola se va a los puertos (1947)y a las películas del pasado español como Locura de amor (1948), Agustina de Aragón (1950), La leona de Castilla (1951) o Alba de América (1951), auténticos taquillazos del cine español de la época.

Para 1955 encontramos a un multipremiado especialmente por el público director que estrena dos películas: El Padre Pitillo (1955) y Zalacaín el aventurero (1955). La primera fue un exitazo y la segunda, sorprendentemente, no.

La película lo cierto es que era de encargo. Detrás de ella estaba la compañía creada por una actriz española, aunque nacida en Tanger en 1930, Elena Espejo , que desarrollará su carrera entre los años 50 y 60 , con películas de éxito como Apartado de correos 1001 ,El señorito Octavio , Un soltero difícil o El pasado amenaza(1950), Me quiero casar contigo o Duda (1951) o Maldición gitana (1953) y que , tras su éxito decidió. crear una Productora conocida como Espejo Films , aunque el canal de distribución era el habitual, la Compañía Industrial Film Español S.A. (CIFESA).

La película surge como un guion escrito por Manuel Tamayo partiendo de la novela de  Pío Baroja, pero de la que despoja toda la aventura para convertir en la historia de amor entre Martín Zalacaín y tres mujeres.

En la película participa el equipo técnico habitual de Orduña integrado en la música por Juan Quintero, en la fotografía por José F. Aguayo , en la edición por  Antonio Cánovas y en la decoración y arte por Sigfrido Burmann . El encargado del diseño de vestuario fue Peris.

El reparto lo integra uno de los habituales de Juan de Orduña , el actor portugués Virgilio Teixeira, como Martín Zalacaín , la que estaba detrás del proyecto Elena Espejo como Catalina , Margarita Andrey como Rosa Briones y Rosario León como Linda. Junto a ellos aparecen Jesús Tordesillas como José Miguel Tellagorri , Carlos Muñoz como Carlos Ohando,  María Dolores Pradera como Inazia- y por cierto su madre era de origen vasco-francés,, Humberto Madeira  como Bautista Irbide, Manuel Arbó como el asaltante Luchía. Junto a ellos José Sepúlveda,  Josefina Serratosa  . la madre de Rosa o Ramón Martori el dueño del circo y tío de Linda, junto a  Mariana Larrabeiti , la madre de Martín.

La historia se inicia en Zaro, una localidad del País Vasco francés en el que un hombre - que después sabemos que es Iñaki, el sepulturero de la localidad- entrega una carta que de inmediato es recibida por Pío Baroja en su casa de Madrid y que en ese momento se encuentra recibiendo una visita, la del director de la película, Juan de Orduña.

La carta es una respuesta esperada por don Pío Baroja respondiéndole a una anterior carta del novelista. Antes de abrir la carta y leer el contenido de ella, Pío Baroja le cuenta a Juan de Orduña, como conoció la historia de Zalacaín y los verdaderos detalles de la vida de Zalacaín que más tarde su mano plasmó en la novela.

Tras explicar como la carta, aun cerrada podría explicar toda la historia o leyenda que supuso el inicio de la escritura de Zalacaín, comienza un largo flashback  en la que vemos al escritor de joven de visita en Zaro y que mientras visita el cementerio descubre que sobre una tumba de Martín Zalacaín hay hay tres rosas , cada una de un color diferente: blanca, rosa y amarillo.

Cuando pregunta sobre las mismas , Iñaki el sepulturero le habla de la leyenda de Zalacaín y como desde su muerte muchos años atrás hay siempre rosas frescas sobre la misma. El escritor visita la  tumba de Martín Zalacaín durante varios días hasta que un día va de noche y descubre que en ese cementerio de Urbía entran tres viejecitas que le hablan de la historia de amor que les unen al fallecido.

Las tres se sientan sobre el mármol y cuentan a Pío Baroja la historia de Zalacaín. Desde sus orígenes.

De inmediato otro flashback nos muestra al joven Zalacaín como un chico huérfano de padre y como fue apenas educado por la madre. Zalacaín, vive en el caserío familiar de Urbía, con su hermana y su madre, una mujer de carácter débil que contrasta con la viveza y arrojo de su hijo. Vemos como desde pequeño gusta de ir complicándose la vida con sus amigos para vivir peligros y aventuras. Aunque también conocemos como tiene un enemigo al que odia a muerte. Se trata de Carlos Ohando, señor de la casa principal de la localidad que gusta de mirar por encima de los hombros a los demás del pueblo. Vemos que la opinión de éste sobre Martín es que es un ladrón, y la Martín sobre Carlos es que es un soberbio y un estirado.

El chico un día conoce a una chica a Rosa Briones, hija de un militar que marcha al exilio tras uno de los múltiples cambios políticos de la compleja historia de la España del XIX. También conocemos que Martín se siente atraído por la hermana de Carlos, Catalina, que admira igualmente el espíritu aventurero del chico.

Y , por último, conoce a Linda, la sobrina de un dueño del circo que pasa por unos días en el pueblo. De hecho Zalacaín da la cara por ella cuando su tío le da una somanta de palos por facilitar que se cuelen.

Al día siguiente van a la función todos los protagonistas y en un momento dado , tras los payasos, viene una de las actuaciones estrella,  de la chica con el león. El tío (Ramón Martori) da paso al domador de leones (Harry Belli) e informa que Linda meterá su cabeza en la boca del león, algo que irrita a Tellagorri que protesta por ello. Finalmente, abren la puerta del león y el animal escapa generando el pánico.

En esa situación de pánico la afectada es Ama, la madre de Martín que días más tarde muere en su lecho, no , sin antes, hacer prometer a Martín que cuidará de su hermana y mantendrá los muros del caserío familiar. Martín queda al cuidado de su tío abuelo Tellagorri (Jesús Tordesillas), mientras su hermana entrará a servir en casa de los Ohando, que últimamente han estado socorriendo a la familia.

El tiempo pasa y Martín Zalacaín , que ya ha enterrado a Tellagorri, ese cínico de la taberna de Arkale, y heredado un buen montón de monedas de oro, es un joven inquieto que trabaja en la diligencia que atraviesan la frontera del franco-española, donde llegará a ser postillón y que vive enamorado de Catalina, pero la diferencia de clase social hace imposible esta relación sobre todo ante la oposición de Carlos, que sigue siendo un tipo malvado y envidioso, para desgracia de Martín, corteja de forma cruel a Inazia , «la Iñasi», (María Dolores Pradera) , que trabaja en la casa solariega de los Ohando.

Ante esta incómoda situación y sabedor que las aviesas intenciones de Carlos, decide sacar a su hermana de la casa y casarlo con un hombre bueno, aprendiz de panadero, Bautista Irbide (Humberto Madeira) .

El mismo día de la boda que tiene lugar con Catalina como invitada y con aurresku y zortziko y canciones de la misma Inazia. Esa misma tarde tiene lugar un enfrentamiento entre Carlos y Martín , lo que incomoda a Catalina.

Esa noche se ven y acaba besándola, aunque casi de inmediato se persona Carlos que le dispara. Mientras va para el pueblo escucha unos disparos similares a los que antes se habían escuchado. Y al llegar al pueblo se encuentra con una partida de mercenarios que trabajan al mejor postor en esa guerra que libran carlistas y liberales.

Curiosamente, entre los que van en la partida encabezada por un osco Luchia (Manuel Arbó) se encuentra Bautista que ha sido capturado e incluido a la fuerza en la partida. Martín les miente diciendo que él se dedica al contrabando de armas y que tiene algunas escondidas en Urdax en la frontera vasco navarra con Francia en una cueva.

El grupo de Luchía quiere esas armas, así que Bautista y Martín van camino de Urdax hasta que ven de lejos una diligencia y Martín propone su asalto. Esto es aceptado por Luchía. La diligencia es detenida por la partida. En la misma va un grupo de personas con dos mujeres. Casualmente una de ellas es Rosa Briones (Margarita Andrey) que reconoce a Martín por su apellido Zalacaín.

Martín y Bautista se las apañan para escapar con Rosa y la otra señora, librándose de Luchía. Martín y Bautista dejan a Rosa en Bayona e intentan retornar al País Vasco en el barco de un francés.

Cuando regresan a Urbía descubren que no queda nadie en la casa de Ohando, que ha sido destruida tras el enfrentamiento entre liberales y carlistas.

Se entera por Inazia que Carlos se ha unido a los carlistas y que está en Estella, llevándose a la hermana tras la muerte de su madre. Ante la situación y con el fin de rescatar a Catalina que ha sido recluida en un convento por orden de su hermano don Carlos decide marchar a Estella, lacorte de Carlos VII. La Corte es un lugar en el todo está ocupado. Sólo queda , además de los soportales de la plaza, un sitio para pasar la noche. Se trata del Casino al que llegan Martín siguiendo las indicaciones de un sereno.

Al entrar en el Casino da su nombre y es escuchado por la encargada de sala que no es otra que Linda, que le ofrece alojamiento. Este desestima la oferta, aunque lo que sí accede a pedirle ayuda sobre todo cuando descubre entre los jugadores a Carlos Ohando, un jugador empedernido. Entre Linda y Martín atraen a un reservado a Carlos y en el mismo Zalacaín le golpea y le quita el uniforme carlista.

Más tarde, , disfrazado de general carlista, se hace pasar por don Carlos y rescata a la muchacha del convento, yendo acompañado de Linda que decide dejar la ciudad. Se inventa una historia ante la madre superiora, pero ante la insistencia de la misma, decide presentarse y decir la verdad: se llevará a Catalina, le guste o no. Linda , Catalina, martín y Bautista parten para Logroño.

Al llegar Martín es detenido precisamente por su disfraz y apresado por los liberales al no poder demostrar su identidad. Zalacaín les cuenta su historia y es al fin liberado tras tener a alguien que acredite su persona, ya que la ciudad está a cargo del General Briones, el padre de Rosa que también está en la capital riojana. Las tres mujeres deciden marchan junto a Martín a Bayona con el fin de casarse.

De hecho, toman una diligencia para llegar a la localidad vasco francesa para casarse con Catalina. Sin embargo, Zalacaín desconoce que Don Carlos Ohando , finalmente, ha decidido acabar con la vida de Zalacaín en venganza de sus agravios. Así que busca colaboración y la encuentra en Luchía que no puede olvidar que Martín lo humilló.

Entre ambos diseñan un plan para detener la diligencia. Tras conseguirlo Martín es separada de las mujeres y llevado a la Fonda donde le esperan los hombres armados de Luchía con éste al frente y Don Carlos.

Don Carlos y Matín se enfrentan acabando Zalacaín con su eterno enemigo, sin embargo, recibe por parte de Luchía y sus hombres muchos disparos que acaban con su vida. Desde entonces en el cementerio de Zaro , el pueblo vascofrancés en el que empezó la historia, las tres mujeres ya ancianas depositan esas flores.

Tras el fin de la narración , la historia vuelve al presente con la conversación entre Don Pío y Juan de Orduña y como tal escribió lo que escucho o soñó. El escritor vasco abre la carta que ha recibido del sepulturero de Zaro y en la misma lo único que dice es que todavía las frores están frescas y así acaba la película.

La película se rodó en los Estudios Orphea Films en Barcelona, aunque también se rodaron algunos exteriores en localidades posiblemente del País Vasco y Navarra. Se trata de la segunda adaptación basada en la obra de Pío Baroja dirigida por Juan de Orduña.

La primera versión se realizó en 1929 de la mano de Francisco Camacho y fue interpretada por Pedro Larrañaga, María Luz Calejo y Ricardo Baroja. Han sido cinco las películas inspiradas en argumentos barojianos: una muda, de 1927, titulada “Al Hollywood madrileño”, adaptación de la obra “El horroroso crimen de Peñaranda del Campo” y cuatro sonoras, todas rodadas en blanco y negro entre ellas dos que ya han pasado por aquí, Las Inquietudes de Shanti Andía y La busca una adaptación de Angelino Fons, rodada en 1966 con el actor francés Jacques Perrin.

La película fue rodada en blanco y negro con un gran presupuesto y abundantes medios técnicos y fue una de las grandes superproducciones del cine español de principios de los años 50. Cabe destacar que el propio Pío Baroja se interpreta a sí mismo y que el propio director, Juan de Orduña, cuenta con una breve aparición en la película, al igual que ya hizo con "Una aventura de cine", película con la que debutó en 1927.

Curiosamente la historia no se desarrolla durante la Tercera guerra carlista (1872-1876), aquella que comenzó en Ataún, sino en 1857, aunque aquí no se enfrenta en el conflicto armado si en la rivalidad con Carlos y en la historia de sus tres grandes amores, las tres damas que depositan, cada noche tres rosas sobre la tumba de Martín Zalacaín, asesinado a los 28 años.

Destacar, como ya hice con "Las Inquietudes ..." dirigida por Arturo Ruiz Castillo la aparición de Pío tanto al inicio como al final. Es más, en la primera versión que se hizo de la misma, el “Zalacain el aventurero”, de 1929, aparecían los hermanos Baroja, Ricardo haciendo el papel de Tellagorri y Pío de sargento carlista, pero la película anda perdida y sólo conocemos de ella testimonios de la época y algunas fotografías. La película tuvo su estreno el 24 de enero de 1955 y... no fue un éxito y eso que era de Juna de Ortuña.

En el diario ABC se nos dice que está "Basada en una conocida novela de Pío Baroja perteneciente a su trilogía "La tierra vasca". No fue la primera vez que esta obra se llevó al cine, también existe una versión muda de 1920. En esta ocasión, el director fue Juan de Orduña ("Agustina de Aragón", "El último cuplé"), y el protagonista, el actor portugués Virgilio Teixeira. El mismo Pío Baroja participó con un papel en la película.

Para Santiago Navajas en Libertad Digital nos comenta que "A los Baroja les gustaba el cine... Popular y desclasado, entretenimiento a la búsqueda del estatuto de arte y vilipendiado por los puristas de la estética, podía sintonizar el séptimo arte, que entonces apenas era considerado una distracción de feria para analfabetos e iletrados, con el novelista más sencillo y menos florido del panorama literario español. No sólo simpatizó Baroja con el cine, aunque siempre desde su actitud descreída y su talante cascarrabias, sino que intervino en él, como actor en Al Hollywood madrileño (1927) interpretando a un castizo Guardia Civil en la adaptación de su obra El horroroso crimen de Peñaranda del Campo o haciendo de sí mismo, como en Las aventuras de Zalacaín.

En Las horas solitarias, una colección de ensayos y artículos de 1917, hay una descripción perfecta de la vibración contemporánea en alguien tan moderno y, a la vez, tan conservador como es Baroja: Esas ciudades modernas, que visten a la moda y que tienen la adoración por el lujo, han encontrado la diversión más a propósito para sus gustos: el cinematógrafo. El cinematógrafo impresiona la vista, pero no el espíritu; no hay necesidad de discurrir, ni de razonar, con él todo es cortical. A pesar de esto, tal es la cantidad de modernidad que llevan algunas de invenciones, que el cinematógrafo será con el tiempo uno de los elementos mayores de divulgación y cultura (...) Baroja pensaba , como otros intelectuales de su época, que el nuevo invento del cine haría a la gente (todavía) más estúpida y alienada. Sin embargo, y pesar de cierta hostilidad moral, no hay duda que le resultaba atractivo estéticamente. Si a Alberti, Lorca y compañía le encantaban Buster Keaton, el espíritu más sencillo de Baroja se inclinaba por Charles Chaplin.

Y añade diciendo "Zalacaín el aventurero tiene un plus extraordinario: ¡Pío Baroja interpretándose a sí mismo! Pocas veces alguien de su categoría ha realzado una película con su presencia. (...) Combinación de historias amorosas y bélicas, espionajes y aventuras, sin embargo, Juan de Orduña, el director, nunca consigue superar esa artesanía "cortical" para elevarse al plano de la reflexión que era la condición que ponía Baroja al cinematógrafo para conseguir superar su estado de producto cultural dirigido a las masas para convertirse en una auténtica y legitimada obra de arte.

Y acaba añadiendo " Baroja murió poco después del rodaje de Zalacaín el aventurero sin poder ver esta adaptación. Sesenta años después de su fallecimiento va siendo hora de que la industria española sea capaz de recuperar la obra con tantas posibilidades cinematográficas como la del novelista vasco".

En Historia de nuestro cine Elena Sánchez y Andrea Gutiérrez Bermejo comentan que se trata de una película metacinematográfica ya que arranca con el encuentro entre Pío Baroja - doblado por el actor celedonio Merino- y Juan de Orduña y en el encuentra le explica sobre cómo conoció a Zalacaín .

Como señala Andrea G. Bermejo la película se estructura a través flashbacks contando por mujeres pero ellas a su vez está contenidas en un flashbacks del propio escritor que habla de la leyenda de Zalacaín y su historia tal como se la contaron tal como la vivió o tal como la soñó. Bermejo destaca que Baroja no era muy afín al régimen por su carácter anticlerical y anticarlista. Hubo que purgar la para la censura de ahí que la acción transcurra en el año 1857, no coincidiendo con la Tercera Guerra Carlista.

La película no gustó por la representación de Estella como ciudad de corte y casino, ni al ser Carlos , el enemigo, un hombre débil y engreído. Tampoco gustó las muchas referencias a lo vasco, lógico en una obra perteneciente a la Trilogía de la Tierra vasca, ni por el uso de vasquismo en los nombres como Iñaki , Inazia, ni el uso del folklore con el aurresku.

La película es de encargo , en concreto de la actriz Elena Espejo, una de las protagonistas que por medio de su recien creada productora Espejo Films - la primera actriz - productora de España, quien recibió una recomendación de un crítico de ABC para que rodara una obra de Baroja. le encargó a Juan de Orduña la película, quien se llevó a su equipo técnico habitual para la realización de la película . La misma productora y actriz reconoce que con la película no ganó dinero, pero que no perdió. Sin embargo, la plícula fue el primer fracaso de Orduña. La prensa le criticó que no incluyese muchas de las aventuras y que apostara por las historias de amor. Además al director nunca le llegó a gustar el guión.

Con este prólogo se inicia la historia de Martin Zalacaín, en la que los escarceos amorosos de la vida de Zalacaín cobran protagonismo en detrimento de las bélicas, convertidos en mero telón de fondo. 

El producto final es una digna adaptación, que resulta interesante, en la que destaca el vestuario , el reflejo de la cultura vasca y sobre todo y ante todo, como ocurrió en Las Inquietudes de Shanti Andia la aparición de Pío Baroja. Y aquí es como lo que siempre deseó , ser el reflejo de un hombre de acción que en este caso tuvo la valentía de ponerse delante de las cámaras para cumplir con un proverbio vasco “El buen valor asusta a la mala suerte”. 

Soldados

A través de una compleja estructura narrativa Alfonso Ungria nos presenta esta película sobre cinco perdedores de la guerra civil, tres soldados y dos mujeres, , derrotados independientemente de su bando en esta adaptación de uno de los autores más nombrados y menos leídos de la literatura española: Max Aub. Como he dicho anteriormente la historia está presentada como si de grandes lienzos se trataran que sólo al final se irán entrelazando para dar una lectura completa a la película. 

La , hasta hoy, desconocida película es obra del director madrileño Alfonso Ungría, un director que desarrolló su carrera entre la Televisión en la década de los setenta y en el cine entre otras de la Conquista de Albania , de África , de un panfleto político llamado ¡Hay motivo!. Además de la señalada y alguna más , Ungría fue el realizador de Soldados, su cuarto largometraje . Lo hizo con 32 años y su carrera ni con ella ni con el resto remontó vuelo. 

De hecho ha tenido más dificultades de las habituales para conseguir comercializar sus películas que han pasado en el anonimato más absoluto a la historia del cine español, salvo con La Conquista de Albania. Pero de El hombre oculto, Tirarse al monte, Gulliver así como de Soldados poco o nada conozco. Para eta película contó como ayudante con Rafael Feo. 

Soldados es una adaptación libre de la novela de Las buenas intenciones una obra de Max Aub publicada en Mexico en el año 1954. Y es que el parisino Max Aub de origen judío es uno de los numerosos autores cuya vida y obra se vio trastocada por la Guerra Civil española. A nivel personal este escritor amante del cine se vio obligado a huir al exilio al posicionarse en defensa de la República. Desde 1942 hasta su muerte en 1972 estuvo afincado en México, no regresando a España hasta 1969. 

A nivel literario la experiencia bélica condicionó su obra posterior siendo la más importante la serie “El laberinto mágico”, compuesta por 6 novelas publicadas entre 1943 y 1968 , una serie de obras de ficción interesantes para conocer el conflicto incivil que sacudió España entre 1936 y 1939. 

El guión fue elaborado por el mismo director Alfonso Ungría, conjuntamente con Antonio Gregori inspirándose en la citada novela de Max Aub. La producción estuvo en manos de uno de los guionistas, Antonio Gregori , por medio de la productora Antonio Gregori P.C. 

La banda sonora de la película que se repite una y otra vez es del romántico Franz Schubert. La fotografía correspondió a José Luis Alcaine. El montaje correspondió con Javier Morán siendo el responsable de la decoración Antonio Cortés. Del departamento de arte responsables fueron Mariano García Rey. 

El reparto está encabezado por la actriz argentina exiliada en España Marilina Ross- famosísima en aquellos años por su papel de la Raulito- como Remedios, el actor valenciano pero afincado en Barcelona Ovidi Montllor en el papel de Agustín , Francisco Algora, José María Muñoz, Julieta Serrano, Lautaro Murúa, Marisa Porcel, José Calvo, Pilar Bardem.

Junto a ellos aparecen otros actores que eran caras muy conocidas durante la transición como Francisco Algora como El Tellina, la argentina también Claudia Gravy como Tula , el actor Chema Muñoz como Javier. Además aparecen José Calvo , Pilar Bardem como la madre de Vicente, la actriz Julieta Serrano como la Librera, el también argentino Lautaro Murúa como el señor , el padre de Agustín. 

La historia se inicia con la llegada de un grupo de soldados republicanos que van en retirada y que llegan a un pueblo cuando intentan alcanzar la costa levantina desde donde podrán partir hacia el exilio. La llegada del destacamento de soldados al pueblo entre los que van Agustín ( Ovidi Montllor) y Tellina (Paco Algora) así Javier (Chema Muñoz) que acompaña permanentemente al sargento. Nada más llegar al pueblo bajan de camión que les transporte y descubre que en la plaza del pueblo haty dos ahorcados. 

Al lado de ellos, un minusválido, lo que ante se llamaba el tonto el pueblo. Ante las distintas preguntas que le plantea el sargento no contesta salvo cuando pregunta por el Comisario político y el alcalde en las que el chico apunta a los ahorcados. Pero cuando reclama por la nueva autoridad que los ha ejecutado el chico lleva al sargento y a un soldados al ayuntamiento. 

Allí se encuentras reunidos los tres representantes de la nueva autoridad y que habían ordenado la ejecución. Cuando intentan explicarse y justificar su acción el sargento les dice que se han adelantado y le dispara a uno de ellos matándolo. Tras eso salen del Ayuntamiento y el sargento ordena que se queden esa noche descansando. 

A la mañana siguiente en pueblo se ve inmenso en un ataque por parte de los nacionales y del resultado del mismo es que fallecen todos, salvo el sargento, que queda gravemente herido por una bala en el estómago, y Javier que queda como su muleta. Por su parte, Agustín y Tellina se van en el camión y huyen del pueblo. 

Por otro lado , vamos viendo que un coche se dirige desde el este a Madrid , la capital que ya ha caído en manos de las tropas franquistas. En el coche va un señor acompañado de dos chicas, Remedios (Marilina Ross) y Tula (Claudia Gravy) que parecen ser prostitutas que van a ser negocio en la capital. Pero el coche es detenido en la carretera por dos hombres que lo paran que resultan ser Javier y el sargento herido. El conductor se resiste y recibe un disparo, así que Tula huye, pero Remedios se queda junto al coche. 

Javier le propone irse junto a ellos con destino a la zona republicana que resiste, Alicante, con el fin de escapar del país. 

A partir de esa momento comenta un flashback de corta duración en la que nos presenta a Remedios (Marilina Ross) una chica que se ha quedado embarazada y que busca trabajo. (Este uso del flashback de corta duración e interrumpido permanentemente será una práctica común a lo largo del filme), lo que complica la narración. 

Volviendo a la historia de Remedios y descubrimos que la chica se ha quedado embarazada de su amante, algo escandaloso para la casa en la que trabaja. Esa casa resulta ser la de Agustín. Además sabe que el padre de la criatura es el señor de la casa, es decir , su padre. Así que Agustín Alfaro, hijo único de una familia de clase media, asume la paternidad del bebé de la humilde chica, aunque el niño es de su padre, amante de la joven. Agustín decide autoinculparse para evitar el sufrimiento de su madre. 

Desde ese momento y , a través de algunos flashbacks, vamos viendo que Agustín siente una cada vez mayor atracción por la chica, pese a la presencia permanente de su padre que no tiene reparo en meter mano a la mujer en la casa de Agustín. 

Por su parte, y en paralelo, se desarrolla la historia de Tellina un jugador que vive en los bajos fondos que tras una pelea mata a un opositor del juego y tras huir se enrola en el bando republicano. Igualmente nos enteramos de la historia de Javier, un chico que un día conoce a una mujer (Julieta Serrano) con la que tiene una relación estable y un hijo. Ella está perdidamente enamorada de Javier, pero éste se encuentra cada día más implicado en política. De hecho en la casa en la que viven se reúne Javier con unos amigos del Partido Comunista aunque él simpatiza con la opciones anarquistas. Esto molesta sobremanera a la librera, su mujer, que echa de la casa a los amigos de Javier, pero que éste decide irse igualmente. 

Poco después Javier vuelve a la casa, pero inesperadamente encuentra el cadáver de su hijo en el suelo que parece haber sido arrojado por la librera, una mujer que se ha vuelto loca y que en su enajenación ha tirado al chico. 

Desde ese momento, ella queda recluida en un psiquiático. Allí va Javier ha despedirse pues se va enrolar en el ejército republicano. Al llegar al frente es atendido precisamente por su sargento que , desde ese momento , será su mentor. 

Mientras tanto vamos viendo fogonazos de lo que viven tanto Remedios como Agustín y Tellina. Pero sobre todo de Remedios que marcha junto a Javier y también por Tula. Así conocemos a esta mujer formal, bella y natural , que duda en casarse con un hombre con dinero pero que ve que no se separa de la falda de su madre. Sin embargo, y por presión familiar se casa, pero que choca con su suegra y sobre todo un día descubre que mantiene una relación incestuosa con su marido por lo que decide dedicarse a la prostitución. Como prostituta conoce el éxito y la miseria. 

Ya , en el presente, tiene lugar la fuga de Tula campo a través y, las casualidades d la vida, hace que coincida en su marcha tanto con Agustín como Tellina por esos terrenos del levante español. Por su parte, la que coincide igualmente es Remedios en este caso con Javier y con el Sargento. Éste cada vez con peor aspecto dadas las heridas , finalmente, fallece junto a Javier y la chica que tras enterrarlo , siguen su camino llegando a un pueblo en el que Agustín y Tellina decidieron no entrar a sabiendas de su peligrosidad. 

Más tarde,  pasan caminando Javier y Remedios, y el primero le dice a la se hunda que lo espere en la carretera mientras busca un vehículo. Tras lugar a la chica en la carretera escuchamos algunos tiros y poco antes de caer la noche, Remedios decide montarse en un camión que lleva a refugiados con destino a las localidades republicanas que todavía no han caído en manos de los franquistas. El camión en el que subió Remedios pasa por la noche por un campamento en el que hay muchas personas que huyen.

En el mismo está Agustín y Tellina, y al mismo llega caminando Tula que es recibid por ambos que la invitan a comer y a protegerse. Tras comer algo y alejarse la chica Agustín busca calor humano en Tula que no tiene en problema en tener sexo con él. A la mañana siguiente, el campamento se levanta y la chica decide cruzar por un vado junto a los dos soldados para pasar a lado republicano. 

Tras cruzar el río intentan descansar pero Agustín es descubierto por los nacionales que lo van a detener, pero es , por contra Tellina, quien muere baj los disparos de los sublevados. 

Finalmente, Agustín y Tula llega a un Alicante repleto de refugiados que están dispuestos a todo contar de salir del país. Tula se despide de Agustín no sin antes haberle dado una dirección a su compañero de viaje. La dirección es la de una casa de citas y éste llega a la misma. La señora que lo regenta le habla de los tiempos gloriosos, pero Agustín sólo quiere descansar, pero la señora insiste que dene conocer a la única prostituta que le queda. 

Para sorpresa de ella y de Agustín resulta ser Remedios que acaba de llegar y que acoge en su cama al soldado. Hacen el amor, pero a la mañana siguiente, siendo los últimos días de marzo de 1939, entran en el lupanar hombres vestidos de la Falange en busca de sexo. Encuentran en su lecho a Remedios junto a Agustín. A éste lo sacan de la cama y se lo llevan a darle un paseo . En su desplazamiento lo llevan hasta una muro allí se detienen y colocan frenet a un pelotón a Agustín que muere bajo las balas y con la música de Schubert que no ha parado de sonar durante toda la película. 

Como vemos la acción transcurre en los dos últimos meses de la guerra civil española y más que presentarlo como un drama político presenta la historia como un tragedia humana que afecta a todos los protagonistas.La muerte y la destrucción ejercen como trasfondo histórico donde se mueven los personajes, cada uno con su drama personal, reflejo del destrozo que hizo el conflicto. Un conflicto que deja un paisaje aberrante y desolador que deja en una mal lugar esos "buenas intenciones" que presentaba el título de la novela de Aub. 

La película fue rodada en Toledo , en concreto en la localidad de Borox y estrenada en los cines el 20 de noviembre de 1978, o sea, en unos días cumplirá sus cuarenta años. 

Ungría en una entrevista en El País en su estreno declaró que "«La novela en la que está basada la película no es idea mía, parte del productor. Al enfrentarme a un drama psicológico, que es en realidad Las buenas intenciones, me planteé el forzar un poco esas mismas situaciones dramáticas y que llegasen a tener el estilo de melo, estilo o categoría o subcategoría, que eso no lo sé muy bien. Creo que el drama psicológico es más literario, porque necesita de acotaciones más subjetivas, descripciones exhaustivas de los personajes, etcétera. Sin embargo, el melodrama, al ser una síntesis de esa psicología para afrontar directamente el conflicto, resultaba visualmente más eficaz, exige más de la acción, es decir, de lo cinematográfico.» Y añadía el director madrileño «Ciertamente, el peligro del melodrama es el pasarse. La única manera de contrarrestarlo, al menos en mi caso, es con una planificación exhaustiva y muy pensada. Por ejemplo, en la escena en la que Marilina Ross presenta su hijo ilegítimo a su presunta "suegra", me preocupaba la situación: joven desamparada con hijo del pecado, ante madre política aristócrata. La resolví con la utilización de un decorado muy amplio y un espejo, a través del cual se refleja la escena, lo que viene a resultar casi una elipsis.»" 

El director siguió explicándose en prensa diciendo «Lo más interesante de la novela, y no sólo de ésta, sino de su serie sobre la guerra civil, es que vi por primera vez el ambiente psicológico de los protagonistas de un conflicto social. En Las buenas intenciones la guerra sólo aparece en las dos últimas páginas, y, sin embargo, a través de toda serie de frustraciones de los personajes, de sus represiones, de su violencia latente, de su sistema de valores sociales, se presiente una eclosión social. Es decir, también aquí se puede hablar de una elipsis en la cual, a través sólo de un ambiente y de unos personajes, se está hablando del fin de una época carcomida en sus cimientos.» «Más que sobre la guerra, pretendí reflexionar sobre esa situación social límite de la que hablaba, procurando en todo momento el no caer en el maniqueísmo habitual. Los personajes del bando republicano de la película son humanos en cuanto yo me acerco a ellos con mi afecto y mi simpatía y, por tanto, los enfrento con sus virtudes y sus defectos. Incluso, su gran crispación creo que resulta evidente que no viene dada por una especial maldad, sino por los condicionamientos a que se ven sometidos dentro de su entorno.» 

El entrevistador de El País le pregunta si el filme es político y el director le comenta que "no es una película estrictamente política, al menos en el concepto habitual de la mencionada tendencia cinematográfica..." Y añade Ungría «Efectivamente, no es una película política, porque para hacer una película de esas características se necesitaría una disposición reflexiva en cuanto a la dialéctica del pasado, del presente y del futuro de la que en este momento estoy muy alejado. Sin embargo, todos mis actuales deseos son de incidir en un cine más espectacular, y explico lo de espectacular: no quiero decir con ello que hay necesidad de grandes superproducciones, con gran aparato de escenarios, decorados, escenas de acción, etcétera, sino de devolver al cine esa cualidad de fascinación y emotividad de la que últimamente le hemos -me incluyo- despojado un poco, probablemente a causa de los necesarios simbolismos a los que nos obligaba una censura montaraz.» 

Yo tengo que señalar que esta visión de la Guerra Civil realizada poco después de la muerte del dictador, la mayoría de ellas con el mismo mensaje no es ni oportunista ni maniquea. No está presentada como una película de buenos y malos, desde un punto de vista exclusivo , dogmática y sectaria o presentándola como en una romántica visión ideológica de los perdedores. Más bien lo contrario, la película no presente héroes o heroínas, presenta , simple y llanamente a supervivientes o , al menos, que intentan serlo. 

Destaca de la misma su estructura narrativa de saltos en el tiempo, el tono amargo y en gran medida desesperado, su pesimismo existencial, su tono gris, sin tomar partido. La película fue aplaudida en el Festival de Venecia del año 1977 y se estrenó junto a otras muchas películas que habían sido prohibidas por el régimen franquista pasando por las carteleras sin pena no gloria. Únicamente fue premiada en el Festival de Cartagena de Indias, en el que logró los premios destinados al mejor director (Ungría) y al mejor actor (Ovidi Montllor). 

En Fotogramas se dice "Adaptación de la novela de Max Aub "Las buenas intenciones" con unos resultados cuya irregularidad no le impiden llegar a tener un aceptable tono ìmedio. Lo mejor de la función reside en su depresiva atmósfera y en el excelente reparto. Lo peor es un ritmo errabundo e imprevisible, con unas lagunas insalvables, que lastra su desarrollo aunque no llegue a invalidarlo."

En unas declaraciones en Televisión Española Alfonso Ungría declara que pretendía crear un fresco histórico y al mismo tiempo contar un ambiente o una época incidiendo en los personajes .

Para que Elena Sánchez que estuvo presentándola en el programa de la 2 "Historia de nuestro cine" se trata de una valiente, arriesgada en su estructura y soberbia en sus interpretaciones. Por su parte en ese mismo programa Luis E. Parés habla de como la película presente a las personas en sus derivas vitales. Y destaca que lo más interesante en Soldados es "presentar las condicionamientos sociales e ideológicos que hicieron que los protagonistas tomaran partido".  Lo más destacado para Parés es el uso de la elipsis con un flujo del pasado / presente se desarrolla continuamente sin que exista ninguna fricción. Destaca como película coral y destaca la presencia de muchos actores y artistas femeninas. El crítico señala que fue ignorada tras su estreno , pero que fue reivincidada por la crítica especializada en los años 90. 

Y, por último, Ángel S. Hanguiney en El País escribía en 1978 "Quizá el aspecto más espectacular de Soldados sea su decidida apuesta por el melodrama, como estilo narrativo." 

Para finalizar diré que se trata de un claro ejemplo del cine de la transición que no culpaba, que no estaba con unos más que con otros . Que utilizaba a grandes actores nacionales y a otros argentinos que sabían como eran las dictaduras. Poco más que decir de ella. Ha sido un descubrimiento en cuanto que era desconocida y en cuanto se inspiraba en un texto de Aub. Poco más de esta road movie sobre la guerra civil.