Resaca asiática

La primera sí, la segunda no. Resacón en Las Vegas fue una agradable sorpresa tal y como expresé mi opinión hace tiempo. Resacón en Bangkok en una desagradable decepción. No hay peor comedia, desde mi punto de vista, que aquella que sólo te saca una mueca y ésta bien queda alejada de la risa , incluso de la sonrisa. Esa sensación de cara de palo he tenido viendo esta segunda entrega de Resacón, película conocida internacionalmente como The Hangover: Part II y en España como Resacón 2: Ahora en Tailandia.

La estructura de la primera y de la segunda es la misma. Los resultados son diametralmente opuestos. Volvemos a encontrarnos con la mimética estructura de la película del año 2009, pero ahora en 2011 y con el mismo director Todd Phillips y protagonizada por el mismo cuarteto que la primera Bradley Cooper, Justin Bartha, Zach Galifianakis y Ed Helms.

Entiendo que visto el éxito de la primera, Todd Phillips, optó por involucrarse nuevamente en su doble calidad de director y productor en esta segunda entrega junto a Daniel Goldberg por medio de las productoras Green Hat Films , Legendary Pictures y Warner Bros y un elevado presupuesto de $80.000.000.

La película partía de los redactado en el guión por Scot Armstrong, Craig Mazin y Todd Phillips partiendo de los personajes creados por Jon Lucas, Scott Moore. La película contó con la música de Christophe Beck, incluso con un cameo rapeando de Mike Tyson - sombra de lo que fue- , la fotografía de Lawrence Sher y en montaje de Michael L. Sale y Debra Neil Fisher (cuando hay dos montadores siempre tengo la impresión de que algo no ha ido bien).

El reparto lo encabeza Bradley Cooper como Phil Wenneck , Ed Helms como el Dr. - es dentista- Stuart "Stu" Price, Zach Galifianakis como Alan Garner, Justin Bartha como Doug Billings, Sasha Barrese como Tracy, Ken Jeong como Leslie Chow, Jamie Chung como Lauren, Mason Lee como Teddy, Paul Giamatti como Kingsley, Gillian Vigman como Stephanie Wenneck, y hay un par de cameos con Mike Tyson y Nick Cassavetes como el tatuador.

" Ha vuelto a pasar". El lo que le dice Phil a Tracy ( Sasha Barrese) cuando lo llama desde lo alto de un edificio de la capital tailandesa después de que Lauren (Jamie Chung ) esté nerviosa esperando en un hotel cercano al mar, la llamada de su novio , Stu (Ed Helms) que lleva un día sin dar señales de vida.

La historia se inicia dos años después de su aventura anterior que tuuvo lugar en Las Vegas. Stuart Price (Ed Helms) ha vuelto a decidir que se casarse ahora con su nueva novia, Lauren (Jamie Chung), una joven tailandesa , hijo de un rico hombre de negocios en su país natal, Tailandia.

Esta vez Stu ha decidido no organizar despedida de solteros, dado el desastre que tuvo lugar dos años antes, y, por supuesto, no invitar a Alan Garner (Zach Galifianakis) al que responsabiliza de todo lo ocurrido.

Cuando le dice a sis amigos Phil Wenneck (Bradley Cooper) y Doug Billings (Justin Bartha) que la despedida de soltero será un desayuno cutre en una cafetería, estos se cabrean, sobre todo, Phil y le echa en cara que la boda le saldrá por un riñón en el país de su novia.

Así que Stu cambia de parecer y además Phil y sobre todo Doug le convence de que ha de invitar a Alan a la misma ya que lo está pasando mal psicológicamente. Así que los tres amigos van a casa de Alan y lo invitan. a pesar de que las rarezas han ido a más.

Los cuatro se reúnen en el aeropuerto para viajar a Tailandia , pero allí se les une otro invitado que resulta ser Teddy ( Mason Lee) el hermano de Lauren. Desde el principio la actitud de Alan - que recordemos no había sido invitado a la boda de Stu debido a que este teme que vuelva a ocurrir lo mismo que paso hace dos años- con respecto a Teddy es muy desagradable. El chico que tiene 17 años está acabando medicina en Standford y toca el violonchelo.

Tras llegar a Thailandia tiene lugar una cena previa a la boda. Durante el brindis del padre de Lauren (Nirut Sinijanya), da un discurso a todos los invitados en el cual deja en ridículo a Stu y lo compara con el arroz que se les da a los enfermos mentales. También el discurso de Alan es lamentable.

Al final de la noche, Stu que sabía el desprecio que sentía el padre de Lauren hacia él, sólo quiere subir a la habitación, pero en esto que se presentan los amigos que le piden ir a la playa para hacer una hoguera y tomarse unas cervezas. Allí van Phil, Doug, Alan, Stu y Teddy alrededor del fuego. Phil lleva las cervezas cerradas para evitar que alguien le haya echado algo y Alan ofrece una nubes para ponerlas al fuego. Sentados en una fogata y comiendo los esponjas de Alan, el grupo da brindis a Stu y Lauren por su felicidad futura.

A la mañana siguiente, Phil, Stu y Alan, despiertan sudorosos en la habitación de un hotel sucio en Bangkok, sin recordar lo que pasó la noche anterior. Al despertar ven que allí se encuentra con ellos Leslie Chow (Ken Jeong) - quien se hizo amigo de Alan después de los acontecimientos ocurridos en Las Vegas Leslie Chow.

Luego de lo sucedido en Las Vegas, se ha comunicado con Alan vía Internet y se han vuelto amigos, y él lo ha invitado a Bangkok. Junto a ellos hay un mono capuchino que fuma y hace mamadas. Por su parte, Stu tiene un tatuaje en la cara (una réplica del tatuaje de Mike Tyson), y la cabeza de Alan esta rapada completamente. Los chicos descubren horrorizados el dedo de Teddy dentro de un cubo de hielo derretido y descubren que Teddy ha desaparecido sin dejar rastro.

Chow les va a contar lo que pasó la noche anterior, pero justo cuando iba a contar lo que le pasó a Teddy, se mete un chute de coca y aparentemente muere después de inhalar una raya de cocaína. Presos del pánico, Stu, Phil y Alan deciden qué hacer.

Como Phil ha leído que en el piso 15 hay una máquina de hielo, deciden esconder el cuerpo de Chow en un congelador. Cuando van a subir, ven que el ascensor está roto, así que suben andando y dejan el cuerpo de Chow en el interior del congelador.

Phil llama a Doug al móvil y se alivia al saber que Doug está bien. Doug le cuenta que no sabe lo que pasó la noche anterior ya que tuvo que irse inmediatamente porque su esposa, Tracy (Sasha Barrese) se encontraba mal y ellos le cuentan que el único que falta es Teddy.

Después de un rato, Doug llama a Phil y le dice que la noche anterior Teddy fue detenido por la policía por provocar disturbios, y que si van a la comisaría lo soltarán sin hacer preguntas.

Stu, Phil y Alan van a la comisaría a recoger a Teddy, pero en su lugar les dan a un anciano en silla de ruedas, monje budista que llevaba la documentación de Teddy. El monje sabe más de lo que pasó la noche anterior, pero no revela nada ya que ha hecho un Voto de silencio, y rechaza también una alternativa como escribir algo. Entre la documentación que le entrega la policía encuentran una tarjeta de un local: Red Lyon - I believe- .

Al llegar ven que el local ha sido quemado y que parte del barrio es una ruina humeante como el coche de policía. Cerca del local ven un salón de tatuajes . En la fachada hay una foto de Stu con su tatuaje. Al entrar el tatuador (Nick Cassavettes) reconoce a Stu que le comenta que ellos fueron los que provocaron los disturbios la noche y que Teddy en ese momento estaba con ellos. Recuerda incluso como le dio su sudadera donde llevaba su documentación al monje y por eso el monje llevaba la documentación de Teddy cuando lo detuvieron.

El trío luego regresa al templo del monje budista, allí unos monjes le dicen que pueden intentar recordar lo que pasó la noche anterior mediante un ritual de meditación. Alan es capaz de recordar que habían estado en un club de striptease. Al ir allí se enteran de que Stu había mantenido relaciones sexuales con una prostituta transexual (Yasmin Lee).

Al salir, el grupo es atacado por dos mafiosos rusos que a punta de pistola, dicen que el mono es suyo y que se los devuelva. Alan devuelve el mono pero los mafiosos le disparan a Phil en el brazo haciéndole un arañazo.

Después de que Phil es tratado en una clínica, Alan confiesa que él los había drogado con las nubes que comieron en la noche anterior, con relajantes musculares y medicamentos para el TDAH para dormir a Teddy , pero accidentalmente mezcló las bolsas, lo que enfurece a Phil. Después ven una anotación que estaba escrita en la barriga de Alan en la cual ponía que tenían que ir a un restaurante a una reunión a las 6 de la tarde. Están casi a tiempo y llegan con cierto retraso.

Al llegar allí y se encuentran con otro mafioso, Kingsley (Paul Giamatti), que exige la clave de acceso que Chow se había comprometido a entregar. Se trata de una cuenta bancaria y la contraseña para se la han de entregar a la mañana siguiente a cambio de eso le devolverán a Teddy.

Ante esto vuelven al congelador del hotel para tratar de encontrar la contraseña en el cadáver de Chow, pero sorprendentemente descubren que Chow no esta muerto. Resulta que después de inhalar la raya de cocaína, se le paró el corazón durante unos minutos y después volvió a latirle de nuevo. Chow les dice que guarda la contraseña dentro del chaleco del mono. Ellos le cuentan que hace unas horas le devolvieron el mono a unos mafiosos rusos. Chow les explica que el mono es realmente un correo para el tráfico de cocaína y que un mono nunca podrá ser imputado si lo detienen con la sustancia.

Así que van en busca del animal. Phil, Stu, Alan y Chow consiguen encontrar al mono y hacen como que van a comprar cocaína, situación que aprovechan para robar el mono a los mafiosos. Esto da lugar a una violenta persecución en auto por las calles de la ciudad en la que el mono es herido de un disparo para dolor de Alan.

Después de sacar el papel con la contraseña y dejar al mono en una clínica veterinaria, el grupo completa el acuerdo con Kingsley. Dicho encuentro tiene lugar en lo alto de un hotel. Allí Chow da la clave y justo en ese momento aparecen agentes de la Interpol y arrestan a Chow.

Kingsley resulta ser un agente secreto, y le dice al grupo que la policía había utilizado la información que Teddy había desaparecido para arrestar a Chow . Kingsley en realidad no sabe dónde está Teddy. 

Desesperado y sin pistas, Phil llama a Tracy , como vimos al inicio de la película, para decirle que Teddy había desaparecido y que no saben donde está. Stu entonces tiene una revelación en el momento en que se va la luz y todo lo que funciona se paraliza y de repente se acuerda de dónde está Teddy. Los tres se dirigen de nuevo al hotel donde encuentran a Teddy en el ascensor del hotel vivo (aunque con un dedo menos).

Resulta ( y eso lo descubrimos en las fotos de los títulos de crédito) que la noche anterior Teddy había perdido un dedo al hacer una apuesta en el juego del cuchillo cortándoselo él mismo. Metió el dedo en un cubo de hielo, y al derretirse el hielo tomo el ascensor para subir a la planta donde estaba el congelador para obtener más hielo para su dedo, pero se fue la luz y se quedó atrapado en el ascensor. Teddy es liberado del ascensor y a pesar de la pérdida de su dedo no está molesto con nadie ya que es la primera vez que se ha divertido de verdad.

También descubre que llevaba en el bolsillo las llaves de la lancha motora de Chow y usan la lancha para llegar a la boda de Stu a tiempo.

Al llegar a la boda, el padre de Lauren está a punto de cancelar la boda. Stu hace un discurso desafiante, harto de que lo dejen en ridículo y de que lo comparen con el arroz que se le da a los enfermos. En cambio dice que él es, de hecho, bastante salvaje como ha descubierto una y otra vez con su lado salvaje.

Impresionado, el padre de Lauren le da su bendición a la pareja. Después de la boda, Alan sorprende a Stu con un regalo especial en el baile posterior a la recepción: un espectáculo musical con Mike Tyson como invitado especial. Teddy descubre más adelante que él había tomado muchas fotos durante la noche en su teléfono móvil pero que estaba sin batería desde hace dos días y por eso no pudo llamarles cuando se quedó atrapado en el ascensor.

Una vez más, el grupo se dispone al ver las fotos de aquella noche, junto con Tyson, una vez, antes de borrarlas todas. Y con ellas se completan la parte de la historia que no han sido vistas pero sí narradas, acabando así la película.

La película se rodó entre el 8 de octubre de 2010 y 1 de enero de 2011. Se rodó gran parte de ella en las calles y locales de Bangkok, así como en el Lebua at State Tower de Bangrak, en la capital de Tailandia., pero también en Phulay Bay en Krabi. Por último, algunas escenas se rodaron en el Ontario International Airport en Canadá.

En un principio Mel Gibson iba a realizar un cameo interpretando a un tatuador, pero la idea fue rechazada, y fue sustituido por Liam Neeson. Sin embargo Todd Phillips quiso rodar de nuevo la escena en la que intervenía el actor, pero éste no estaba disponible en ese momento, por lo que el cameo fue finalmente realizado por Nick Cassavetes.

Durante la filmación de la escena en la que Stu descubre su tatuaje en la cara, Bradley Cooper se echó a reír en repetidas ocasiones y el director decidió incorporarlo al guión porque le resultó divertido.

Bill Clinton visitó el set de rodaje y numerosas publicaciones escribieron erróneamente que éste iba a realizar un cameo.

La secuela de The Hangover (2009) se estrenó el 26 de mayo en Estados Unidos con éxito de público alcanzando una recaudación de $581.464.305. Sin embargo, la crítica estuvo más cerca de mi opinión que de los elogios.

Peter Travers escribió para Rolling Stone que "toma los mismos ingredientes, añade una nueva localización -Bangkok reemplaza a Las Vegas- y la historia se repite a sí misma. Excepto porque esto, no sucede. The Hangover Part II es un plomazo".

El ya fallecido Roger Ebert en las páginas del Chicago Sun-Times señaló que "The Hangover, Part II es como un reto a la tolerancia del público hacia lo escabroso (...) Alan (Zach Galifianakis, el personaje roba escenas de la película original de 2009), también se lleva una buena parte de ésta". 

Por su parte, Nick De Semlyen de Empire afirma que "Según Todd Phillips, el 'Part II' del título es un guiño a la segunda parte de 'El Padrino', que igualó el genio de su predecesora. Irónicamente, esta secuela es una oferta que debes rechazar. (...) "

Andrew Barker en Variety comenta que es "La rutinaria profesionalidad que muestra raya el cinismo, y a pesar de algunas chispas ocasionales, esto es una considerable decepción"

Ann Hornaday del The Washington Post sostiene que "'The Hangover Part II' no ofrece absolutamente nada nuevo a los seguidores del primer filme (...) "

Ya en España Fausto Fernández en Fotogramas comenta que la "Secuela que repite mismo esquema, e incluso repite los mismos gags... a una escala muchísimo mayor de ofensa y descojone (...) "

Oti Rodríguez Marchante en el ABC "La espera [de la risa] es larga, aunque fructífera: justo al final, entre títulos de crédito, (...) unas fotografías te hacen pagar con creces las risas que le habías dejado a deber. (...) "

Carlos Marañón en Cinemanía dice que "Funciona, el caso es que funciona. Cierto es que ha perdido frescura (...) comedia que va de desfasada y se queda en traviesa (...) "

Jordi Costa en El País dice que "Visible mejora del original (...) Los créditos finales parecen diseñados para acallar a quien acuse a Phillips de tibieza"

Sergi Sánchez en La Razón escribe que es "Una comedia que no hace nada por superar los límites de su fórmula magistral y que aspira a reivindicar el 'status quo' sin que el tono melancólico, de 'última fiesta de la juventud', que tenía el original vuelva a manifestarse"

Eulàlia Iglesias en Público me sorprende al decir que es "Igual de hilarante que la primera"

Diego Lerer en Clarín comenta que "Si bien la estructura funciona, ya uno quisiera, directamente, ver qué pasó anoche y compartir la diversión con los muchachos, más que sufrir las consecuencias..."

Personalmente creo que es una mala película. A veces hasta molesta , por no llegar a más exabruptos. Sin escatología , pero escatológica por momentos fue merecedora de los Premios Razzie al menos quedando nominada a la peor secuela/remake y al peor actor secundario en la persona de Ken Jeon. 

Yo ya he manifestado que como comedia me ha dejado mucho que desear. Es lo visto en la primera , pero sorprender ya no sorprende. En la primera había cierto encanto, la prostituta aparentaba ser amable y encantadora. La aportación de Giamatti, aparte de sobrepeso, es nada de nada y de Mike Tyson y su capacidad para moverse en el escenario lo mismo. Sólo explica que hubiese una tercera entrega, que la hubo, en 2013, dado el taquillazo. Pero desde luego no era merecedora, visto lo visto, de continuidad. Ha sido repetir lo que ya vimos. No hay nuevos gags y lo que hay me sobran: animales pajilleros y rabos. Un coñazo. Sin paliativos.

Cherbourg, on connaît la chanson

Hace años, en concreto en 1997, leí de la existencia de una película francesa en la que los personajes tras un breve diálogo se ponían a cantar famosas canciones populares francesas de maestros consagrados como Aznavour, Edith Piaf, Josephine Baker, France Gal, Leo Ferre, Gilbert Bécaud, Johnny Holliday, Silvie Vartan y lo hacen de manera manifiesta desarrollando así su historia de relaciones cruzadas y de malentendidos. Al leer como se presentaba la idea me pareció interesante.

La película obtuvo ese año algunos reconocimientos tanto en el Festival de Berlín, como en los Premios del Cine Europeo o los Premios César. Pude ver la película algún tiempo después y sin que me encantará , ratificó lo que pensé en un primer momento de la misma, de que , al menos, era original. Esa película de la que hablo se llamaba On connaît la chanson y estaba dirigida por un hombre de la "nouvelle vague" -Alain Resnais- y protagonizada por entre otros por Sabine Azéma y Pierre Arditi. 

Eso sí, en en esta película, las canciones eran cantadas en playback a diferencia de lo que vi ayer Les Parapluies de Cherbourg o Los paraguas de Cherbourg . Una película de Jacques Demy del año 1964 en la que cantaban los propios actores o mejor dicho se le ponían voces a los actores.

Desconocida para mi reconozco que me ha sorprendido descubrir esta joya oculta del musical francés, que por otro lado es un clásico. El reportaje previo de Días de cine...clásico , así como Gerardo el director del programa señalaba que "hay Cine, y hay películas. Son algo parecido, pero no es lo mismo. Hoy veréis CINE (enteramente cantado) " 

El responsable de esta joya es Jacques Demy que en 1963 era un joven director cercano a la órbita de la nouvelle vague aunque no tan prestigioso como sus compañeros de ola Alain Resnais, Jean-Luc Godard, o Jacques Rivette. El primero estaba más interesado por la experimentación formal,mientras que los otros dos agitación política, pero tan moderno aunque visto por ellos y por la crítica como algo más clasicista. Su concepción se acercaba más a otro gran cineasta de la Nouvelle Vague, François Truffaut. 

Para ese año 1963 Demy había dirigido ya dos largometrajes, Lola (1961) en la que está muy presenta la música (gracias a su colaboración con Michel Legrand) y el espacio de la costa atlántica de su niñez o en La bahía de los ángeles (1963) , que como en la anterior hacía referencia a la importancia del destino sobre todo en su historia de amor . Había contado con los actrices que eran musas de la nouvelle vague: Anouk Aimée y Jeanne Moreau. Se trataban de películas blanco y negro, pero visualmente muy sofisticadas, pero con marca de la casa: un tono ligero y amable, pero con trasfondo cargado de una amarga melancolía. 

En esos momentos Jacques Demy estaba casado con la también directora nacida en Bélgica , Agnès Varda, también integrante de esa corriente. Ambos formaban una interesante pareja. Jacques Demy falleció en 1990. La causa de su muerte fue el SIDA, según reveló en 2008 su viuda, Agnès Varda, en un nuevo documental sobre el director, titulado Les plages d'Agnès. 

Tras su muerte ella no tuvo problemas en hablar de la homosexualidad de su marido, y de la influencia de esta condición en su cine . En la película Jacquot de Nantes (1991) Varda traza un relato de la infancia de Demy y su amor por el teatro y el cine. Le rindió homenaje también en Les Demoiselles ont eu 25 ans (1993) y L'Univers de Jacques Demy (1995). Tuvieron un hijo en común, el actor Mathieu Demy nacido en 1972. 

Varda- que todavía vive en París y está considerada por algunos críticos de cine la «abuela de la Nueva Ola» - , por cierto,una de las pioneras del cine hecho por mujeres y del cine feminista y que en 2017 recibió el Óscar Honorífico por su carrera, había estrenado un año antes Cléo, de 5 à 7, una reflexión sobre el amor a la vida, la falta de humildad y la muerte y una de las mejores películas de la nouvelle vague, que por su combinación de vivacidad, melancolía y solapado mensaje político parecía anticipar la filmografía posterior de Demy. 

Él era muy aficionado a los musicales de Hollywood, de los que en particular apreciaba Cantando bajo la lluvia, de Stanley Donen y Gene Kelly, y deseaba realizar un ejercicio similar bajo una perspectiva más moderna. Junto con el compositor musical Michel Legrand con el que ya había trabajado en su primer largo, había comenzado a trabajar en un guion que estaba localizado en lo que al principio era una tienda de discos, comercio que pronto cambió para vender paraguas. 

Conseguir la financiación para este proyecto fue un asunto complicado, ya que por aquel entonces los musicales norteamericanos que le servían de modelo no funcionaban demasiado bien comercialmente en Europa. Además, la suya era una apuesta de alto riesgo, ya que toda la película debía estar cantada, lo que suele ocurrir con las óperas pero no con este género en teoría más ligero. Finalmente, la joven productora Mag Bodard, fascinada con el proyecto, logró reunir el presupuesto de 1.300.000 francos franceses, aunque durante todo el rodaje fue necesario mostrar a los inversores las tomas filmadas para convencerlos de que fueran abonando los importes necesarios. Para ello se concretó esta película en régimen de coproducción entre Francia y Alemania, con la participación de Madeleine Films , Parc Film y la germana Beta Film GmbH. 

El guión era suyo y la música fue compuesta por Michel Legrand. La fotografía fue responsabilidad de Jean Rabier y el montaje de Anne-Marie Cotret y Monique Teisseire. 

El reparto lo encabezaba Catherine Deneuve como Geneviève Emery, Nino Castelnuovo como Guy, Anne Vernon como Madame Emery, Mireille Perrey como Tía Élise, Marc Michel como el joyero Roland Cassard, Ellen Farner como la bella Madeleine, Jean Champion como Aubin, Pierre Caden como Bernard y Jean-Pierre Dorat como Jean. 

La acción transcurre entre 1957 y 1963. Se divide en tres partes o actos como una ópera con escenas cronológicas: la partida, la ausencia y el regreso. 

La partida 

Cherbourg o Cherburgo, noviembre de 1957. Comienza con el trabajo de un joven mecánico en un taller de nombre Guy, un hacendoso chaval que comenta cantando a sus compañeros de trabajo que esa noche irá al teatro acompañado por su chica, una joven de 17 años de nombre Geneviève (Catherine Deneuve). 

Es su novia y ella vive y trabaja en la tienda de paraguas de su madre, la viuda Madame Emery (Anne Vernon ) que atiende junto a su hija Geneviève. Ambas sobreviven vendiendo paraguas en su colorida tienda del puerto de Cherburgo. Geneviève está enamorada de Guy, pero ella del mecánico no le dice nada a madre al considerar que es muy joven para salir con alguien. Pero desde el primer momento descubrimos que la joven Emery está enamorada de Guy, y que piensa casarse a pesar de la oposición de su madre, que considera a Geneviève demasiado joven y a Guy demasiado pobre. 

Guy vive con su tía , Tía Élise (Mireille Perrey) una mujer mayor y enferma que lo ha cuidado desde pequeño. Al estar mala de salud es atendida por otra chica, Madeleine ( Ellen Farner) que se siente silenciosamente atraída por Guy. 

Guy de todas maneras se muestra cariñoso con su tía y le informa de casi todo, especialmente de su estado de enamoramiento. 

La situación de la tienda es mala y las numerosas facturas y pocas ventas hacen que pagar las deudas, especialmente una, la madre se vea obligada a vender un collar a un rico joyero de la localidad. Este , en principio, no se la quiere comprar , sin embargo, casualmente en ese momento en la joyería hay otro joyera algo más joven de nombre Roland Cassard (Marc Michel) que se enamora de Geneviève desde el primer momento. 

Mientras tanto, la situación de Guy cambia de la noche a la mañana cuando reciba una carta del ejército que le informa que tendrá que ausentarse dos años para ir a Argelia a hacer el servicio militar en un país ya asolado por la guerra de Independencia. 

Guy deja a su vieja tía Élise al cuidado de Madeleine. Antes de incorporarse , lo que implica perder su puesto de trabajo y ausentarse de Cherburgo, Guy le cuenta a Geneviève que ha recibido una carta instándole a incorporarse a un servicio militar de dos años en Argelia, ambos quedan desconsolados ante la perspectiva de la separación. 

Ella teme que él conozca a otras mujeres y la olvide, y él no soporta la idea de dejarla sola. “Debemos guardar de nuestros últimos momentos un recuerdo más bello que nada, un recuerdo que nos ayudará a vivir”, le canta. 

Aprovechando que su tía está postrada en la cama y tras darle una tisana pasan la pareja a la habitación y consuman su amor en un acto que recordarán toda su vida . Entonces se produce una elipsis, y la pareja continúa entonando la misma canción, pero ya es la mañana siguiente, y se encuentran en una estación de tren, y ella lo sigue a él hasta el andén, y Guy monta en el vagón, y el tren se va alejando, y la cámara se aleja con él, y Geneviève queda sola y le promete esperarlo afligida en la estación de Cherbourg. 

La ausencia 

Enero de 1958. Las noticias de Guy son escasas. Geneviève va al médico pues se madre detecta que está débil y se encuentra mal. La tienda no va mejor. Sobre viven gracias al dinero que les dio Roland. 

La madre se siente en deuda con él y esa noche lo ha invitado a cenar. Sin embargo, antes de la cena Geneviève confiesa a su madre está embarazada de Guy. La cena tiene lugar. Ella siente aprecio por lo que ha hecho Roland con la familia. 

Pero al sentirse indispuesta se va a la cama. La situación le es favorable a Roland Cassard para hablar con Madame Emery. El confiesa que está enamorado de su hija y le pide la mano a Geneviève desconocedor de que ella está embarazada. Roland evoca un amor desafortunado, el de Lola en el contexto de la ciudad de Nantes. 

Al día siguiente el marcha de viaje. Estará ausente durante tres meses y le pide Madame Emery que le comente el ofrecimiento a su hija. Ella lo ha escuchado desde la cama. No sabe que hacer. Los meses van pasando y apenas hay cartas. 

En el mes de abril Roland cumple con su promesa y ella ya manifiesta un embarazo evidente. Empujada por su madre, Genevieve acepta casarse con Roland Cassard, quien criará a la niña que lleva puesto como si fuera el suya. La chica se llamará Françoise. 

Mientras pasean la pareja de la mano por el puerto de Cherbourg son vistos por Madeleine. La boda tiene lugar y la pareja y su madre se mudan a París dejando atrás la tienda de paraguas. 

El regreso 

Marzo de 1959. Guy ha vuelto de Argelia. Ha sido herido en la pierna. Nada más llegar se entera que Genevieve y su madre abandonaron la ciudad. Su tía sigue viva esperando su llegada y atendida por Madeleine. El se muestra amargado por lo ocurrido. Bebe y está de mal humor. 

Reanuda su trabajo en el garaje, pero pronto lo deja tras pelearse por el jefe pues su negligencia ha costado la rotura de un motor del coche de un cliente. El vagar sin rumbo por la ciudad. Bebe cada vez más , se enfrenta a un tabernero y , finalmente , acaba cerca del puerto en una casa de citas. 

Tras pedirse un cognac pasa la noche con una chica, una prostituta de nombre Jenny. Al regresar a casa le abre Madeleine que le cuenta entre lágrimas que su tía ha muerto esta noche. 

Gracias al dinero que heredó de ella, Guy que inicia una relación con Madeleine que también se siente sola y que, a diferencia de Geneviève, lo esperó los dos años que estuvo destacado en Argelia. 

La tía muere, y, con la herencia, Guy cumple con un sueño que tenía antes de ir a Argelia: hacerse con una estación de servicio blanca. Además se casa con Madeleine, que había estado enamorada de él durante mucho tiempo.  

El tiempo pasa. Es diciembre de 1962. Madeleine ha tenido un hijo de Guy. Se llama François. Sale para comprar un regala pues la Navidad esta cerca. Un Mercedes se para para llenar el tanque de gasolina. Nieva. Atiende a la rica Genevieve en su flamante estación de servicio. El breve encuentro será el último; la niña que acompaña a Geneviève es obviamente la hija de Guy: se llama Françoise. 

La hija que ambos tuvieron está en el coche, pero Guy apenas la mira, y cuando Geneviève se brinda a presentársela (“Se llama Françoise, tiene mucho de ti”) él rehúsa el ofrecimiento con un seco: “Creo que te puedes ir”. Pero no tienen nada más que decirse. Geneviève, cabizbaja, se defiende del frío ambiental –pero sobre todo del que desde dentro hiela su corazón– alzando las solapas de su abrigo de piel, regresa al coche y abandona la escena, mientras Guy se pone a jugar en la nieve con el hijo ya no siente nada por ella. 

La película se rodó entre agosto y octubre de 1963 en espacios de Cherbourg en el Departamento de la Mancha. Entre esos lugares están la estación de Cherbourg,un almacen de la rue du Port - que a día de hoy conserva una placa conmemorativa de la película-, en Carrefour du garage, Cour Marie, el Puerto pesquero (Port de pêche) así como el Passage Pommeraye de Nantes, en el Departamento de Loire-Atlantique. 

Las canciones de la película alcanzaron una celebridad internacional enorme. Fue traducido al inglés con el nombre de "I will wait for you", e interpretado por Tony Bennett, Frank Sinatra, Liza Minnelli, Johnny Mathis, Caravelli, Ray Conniff, Franck Pourcel, Paul Mauriat, y Ronnie Aldrich, así como Connie Francis, Matt Monro, Nana Mouskouri y muchos otros artistas. 

Es una película que trató una aparentemente historia frívola y pueril, la de una pareja de jóvenes enamorados , pero separados por temas que sangraban en la sociedad francesa del momento dada las circunstancias políticas (como la guerra argelina) o sociales (los prejuicios de una madre con pretensiones burguesas) . Hay reflejos de un amor juvenil, pero también del arribismo, de la necesaria supervivencia, de las familias disfuncionales, del sexo prematrimonial, de la prostitución, de hijos ilegítimos y todo ello cantando. 

Demy no pudo contar con las estrellas que habría deseado, como su musa Danielle Darrieux (a quien quería como madre de la protagonista) , y a cambio reclutó a Anne Vernon y a un joven actor italiano llamado Nino Castelnuovo, que había desempeñado un papel muy secundario en Rocco y sus hermanos, de Visconti, y que prácticamente no hablaba francés. Inicialmente era poco importante puesto que en principio los actores iban a ser doblados por cantantes profesionales. 

Como protagonista femenina se contrató a Catherine Deneuve, a la que Demy había visto junto a Darrieux en una película llamada L’Homme à femmes. Deneuve tenía entonces dieciocho años y era prácticamente una desconocida -aún no había protagonizado películas como Repulsión, de Polanski, o Belle de Jour, de Buñuel–, pero su aire virginal se ajustaba al personaje. En un giro inesperado de los acontecimientos, sucedió que durante los preparativos de la película quedó embarazada del director Roger Vadim. 

Demy decidió mantenerla en el equipo, aprovechando la gestación para avanzar en los decorados y vestuario y dar los últimos toques al guión y la partitura. Ya con todo listo, el rodaje puedo comenzar pocos días después del nacimiento de Christian, el hijo de Deneuve. 

Pese al efecto de artificialidad de la película, el rodaje se desarrolló en su mayor parte en escenarios reales de la pequeña ciudad normanda de Cherburgo, al noroeste de Francia. 

Catherine Deneuve fue sometida a una transformación física para convertirla en el personaje de Geneviève: atendida por peluqueros que aclararon su cabello castaño hasta proporcionarle un tono rubio topacio que después mantendría durante décadas como su sello de fábrica, y además despejaron su frente, lo que fue una experiencia casi traumática para la actriz que, muy tímida, utilizaba el flequillo como medida de protección ante las miradas ajenas. Gracias a la peluquería, el maquillaje y el vestuario, pródigo en lazos y colores rosas y azules, Deneuve parecía aún más joven de lo que era, pese a haber sido ya madre. 

El rodaje duró algo más de los meses de verano de 1963, aunque las escenas tenían lugar en un ambiente lluvioso, con un epílogo invernal nevado. Las jornadas eran larguísimas, extenuantes, y no era extraño que el equipo terminara el rodaje diario desayunado antes de retirarse a descansar durante unas pocas horas. 

Demy, muy perfeccionista, exigía que los actores sincronizaran al milímetro el movimiento de sus labios con la letra que cantaban sus dobladores, lo que finalmente sí resultó muy complicado, en particular en el caso de Nino Castelnuovo. Tras unas tomas adicionales, el rodaje finalizó en otoño. 

En la película reaparece el nombre de Lola la mujer de Nantes que dejó a Armand. El resultado era una completa rareza , posiblemente para algunos una película más genuinamente pop. En los colores de la fotografía predominaban los azules, rosas o verdes ultrasaturados. Los decorados eran una sinfonía de papeles con listas o flores, de molduras en contraste, muros pintados con brillo y mobiliario neorrococó. 

En algunos de los momentos cumbres de esta estética extrema, los vestidos de Catherine Deneuve se hacían combinar con el papel del fondo, sin que quedara claro si en ello existía intención irónica, dramática (con el fin de subrayar la objetualización del personaje) o la mera voluntad de llevar la apuesta visual hasta sus últimas consecuencias. Hasta un simple garaje se convertía en un lugar colorista o el piso que compartían Geneviève y su madre en la tienda de paraguas. 

Y luego estaban las canciones con la melodía de Michel Legrand, que no dejaba de sonar ni un minuto de los 91 de metraje, hacía avanzar la historia con fluidez en una sucesión endiablada de temas. 

Pero lo que convertía a Los paraguas de Cherburgo en verdaderamente excepcional era la doble fractura que operaba en ella. Estaba en primer lugar el contraste entre los espinosos asuntos sociales que trataba , que para la época rozaban lo sórdido, y la estilización irrealista de la puesta en escena. Del mismo modo, colisionaba la tristeza que casi siempre sentían los personajes con la aparente ligereza de las canciones que expresaban esos sentimientos en esta ópera popular. 

Prueba de esa concepción es la división en tres actos: la partida, la ausencia y el retorno. La película adquirió con el tiempo la categoría de película de culto dado su cromatismo, el ejemplar pase de moda del momento combinado con situaciones domésticas. 

La película catapultó a la fama a la joven Catherine Deneuve, que entonces contaba con 20 años de edad, y que era doblada por la cantante Danielle Licari. La cantante Christiane Legrand, hermana del compositor, dobló al personaje de la madre de Deneuve.  

La película obtuvo sus premios. Fue presentada en el Festival de Cannes avalada por el premio Louis-Delluc . En Cannes consiguió la Palma de Oro, Premio técnico y Premio OCIC. En el pase oficial a concurso del festival de Cannes de 1964 no quedó un ojo seco. 

La arriesgada propuesta de Demy fue recibida con fervor popular, y se convirtió de largo en la película más comentada por el público de aquella edición, por encima de los últimos trabajos de Truffaut (la hermana de Catherine, Françoise Dorléac, protagonizaba La piel suave) , Marco Ferreri o Pietro Germi. Y lo mismo ocurrió con el jurado –compuesto entre otros por el gran director alemán Fritz Lang y el dramaturgo español Joaquín Calvo-Sotelo–, que le otorgó la Palma de Oro. Curiosamente fue una película nominada en los Oscars del año 1964 y 1965. 

En el año 1964 fue nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa y en el 65 lo fue en otras 4 nominaciones como guión, y bso . En los Globos de oro del 1965 fue nominada a la Mejor película de habla no inglesa Fue ganadora del Premio de la Crítica del Sindicato de Críticos de Cine Francés 1964. 

En cuanto a la crítica en la versión en español de Vanity Fair Ianko López señala que "No creemos en las coincidencias. Por eso alguien debería estudiar los motivos de que las películas más comentadas en las dos últimas ediciones de los Oscars se inspiren (es una manera de decirlo) en un mismo filme rodado hace 55 años. Si tras rememorar las encantadoras coreografías llenas de colorido y el tono melancólico de La La Land, de Damien Chazelle, o la devastación que sintieron en las escenas del tren y el plano final de Call me by your name, de Luca Guadagnino, pensaran que Jacques Demy ya hizo todo eso hace más de medio siglo, quizá cambiaría el modo en que han contemplado estos fenómenos cinematográficos recientes. Pese a las décadas transcurridas desde su estreno y su estética típica de aquel momento, Los paraguas de Cherburgo mantiene hoy una asombrosa vigencia, y como todas las grandes películas tiene también su peculiar intrahistoria. " 

De hecho según declaró el mismo era la película favorita del autor / director Damien Chazelle responsable de La la Land y que citó esta película como la principal fuente de inspiración para su película ganadora del Oscar en 2016. También lo es del compositor Justin Hurwitz, ganador igualmente de un Oscar.  

Se ha transformado en obra teatral que ha sido interpretada en teatros de Nueva York (1979), París (1979), Los Ángeles (1979), Londres (1980), Tokio (1983), Dinamarca (2014) y está incluida entre las "1001 películas para ver antes de morir", elaborado por Steven Schneider. 

Para Filmaffinity se trata de "Una película que obtuvo en su época numerosos reconocimientos en forma de importantes premios y un gran éxito de público". 

En El País Ángel Fernández Santos escribió sobre ella diciendo que es "El resultado es ciertamente agradable, si se quiere algo blando y tontorrón, pero siempre brillante, y a veces incluso muy brillante."

Tereni Moix considera que  que Jacques Delmy era autor de un inolvidable de personaje femenino en Lola. Sin embargo, de sus dos filmes musicales el considera que fue un intento de imitar a la escuela del musical americano, pero poniendo demasiado azúcar. Y  con Los paraguas de Cherburgo "era tolerable, pero Les Demoiselles de Rochefort (1966) fue una de las mayores cursiladas perpretadas en cualquier cinematografía".

En ABC se destaca que es una " Original película, la más famosa de su director, Jacques Demy, que dentro de la Nueva Ola francesa supo crear una nueva y particular forma de entender el musical que casi no ha sido imitada posteriormente. Se trata de un filme cantado de principio a fin; en este sentido, podría entenderse el guión como una partitura y comparar a la película con una ópera. Por otro lado, Demy da forma a un mundo de ensueño a partir de un original uso del color y del movimiento de cámara, y también con unos decorados y un vestuario calificados de kistch. Todo ello para hacer un canto contra la guerra y contra todo lo que hace pedazos la felicidad". 

Para Ianko López en la versión española de Vanity Fair "Quizá Los paraguas de Cherburgo haya aligerado su incorrección política, pero mantiene intacta su originalidad, su poder de fascinación estética y su capacidad para emocionar. Y eso la convierte en una obra intemporal que seguirá provocando mucha inspiración –y también algunas lágrimas– en el futuro. " 

La película fue un enorme éxito comercial que reunió casi millón y medio de espectadores solo en Francia, algo que ningún otro jovenzuelo de la nouvelle vague podía soñar. Esto bastó para convertir en hits varios de los temas de la banda sonora (en especial ese Je t’attendrai de la estación, quizá una de las canciones más pegadizas de la historia del cine) y para lanzó al estrellato a Catherine Deneuve.  

También permitió a Jacques Demy emprender otro proyecto musical más caro y complejo, Las señoritas de Rochefort. Allí volvió a contar con Deneuve, a la que esta vez arropó un espléndido reparto que incluía a su propia hermana Françoise Dorléac, junto a un par de grandes nombres norteamericanos (George Chakiris, reciente aún su Oscar por West Side Story, y Gene Kelly, protagonista de Cantando bajo la lluvia) y, al fin, su adorada Danielle Darrieux interpretando a la madre de las protagonistas. 

En 2013, a punto de cumplirse medio siglo desde su primer pase en Cannes, la película volvió a verse en la Croisette con una versión restaurada donde fue saludada como uno de los grandes clásicos que marcaron la historia del festival. 

Un año más tarde, Michel Legrand dirigió a la orquesta Nacional de Île-de-France y a la soprano Nathalie Dessay en una versión para la escena. Lo cierto es que en mayo del 2009 el veterano Michel Legrand ya había aparecido en un homenaje de la televisión francesa donde la diva de ópera Natalie Dessay cantó la canción a dúo con él. 

Parece ser que la película se convirtió en un icono gay, algo favorecido por el romance prohibido entre Geneviève y Guy o incluso por subvertir en esta película la rígida compartimentación en géneros, produciendo un drama musical en el que todos los diálogos son cantados o por el colorido en un saturado supercolor, que destaca el impacto visual de cada detalle (las corbatas, el papel de pared o incluso el cabello rubio de Catherine Deneuve). Lo cierto es que toda la filmografía de Demy ha sido especialmente apreciada por el público homosexual, a lo que tampoco ha sido ajena la complicada vida personal del director.

Para terminar comentar que yo tenía mis dudas, pero le di una oportunidad ... ganó mi atención y respeto. Y mereció la pena. Musical y cromática esta ópera cinematográfica en tres actos es una joya. Por cierto Catherine Deneuve , impresionante, así como la fotografía y el vestuario. Un premio este descubrimiento. 

El hombre de Kentucky

Tocaba western y vimos western. Y el elegido, uno desconocido , The Kentuckian, pero que contaba con todos los ingredientes para ser una gran película.

Se desarrolla en Kentucky, el decimoquinto estado estadounidense en formar parte de la Unión al incorporarse en junio de 1792 , un estado circundado por ríos , entre ellos el Tennessee, , pero también un estado que nunca pudo quitarse la vitola de la violencia entre familias, de degradación en las relaciones personales como si revivieran un eterno enfrentamiento como el que hubo entre los Hatfield y los McCoy (1863–1891) y que involucró a dos familias residentes en la región fronteriza entre Virginia Occidental y Kentucky. Aquí en la película están implicadas otras familias, pero la violencia y el odio entre ellas es similar, por no decir la misma, con el mismo grado de salvajismo y fanatismo.

Como he dicho la película tiene todos los ingredientes para serlo. Una buena dirección, en la que descubrimos al mismísimo Burt Lancaster, en la que fue una de las dos únicas películas dirigidas por el neoyorkino (la otra fue The Midnight Man ), Y es que el actor que creció en el Spansih Harlem, tocó casi todo en el mundo del cine, siendo esta película la única por la que tiene crédito de director . Además tiene un gran  guión basada en una obra literaria, la titulada por The Gabriel Horn o El cuerno de Gabriel , una obra escrita por Félix Holt y publicada en su primera edición en 1951.

Junto a ellos el actor y aquí director supo acompañarse de grandes técnicos. Nada más y nada menos que Bernard Herrmann y Harold Hecht que estaban detrás  de la banda sonora y del producción . O el mismo Ernest Laszlo, responsable de la brillante fotografía en color. A ellos se sumó el guionista A.B. Guthrie Jr. un novelista e historiador que lo convirtió en guión , no olvidemos que fue el autor de la novela La conquista del Oeste The Way West por la que ganó el Premio Pulitzer de Ficción en 1950 , y sobre todo del guión de Shane (1953), para nosotros Raíces Profundas por lo que fue nominado para un Premio de la Academia .

Además contó con buenos actores algunos veteranos como John McIntire, que hace del hermano del protagonista y otros debutantes como Walter Matthau en su debut cinematográfico. Y a todo ello se suma un elemento a tener presente en el género, la violencia, a veces contenida y otras veces con una fuerza que estalla puntualmente y lo hace de forma explosiva.

Con estos ingredientes tendría que salir un buen caldo cinematográfico, ¿no?  Pero lo cierto es que el resultado es un western atípico.

Pero comencemos por el principio de la historia de este filme. Burt Lancaster que había debutado en el cine en 1946 en la película Forajidos o The Killers a las órdenes de Robert Siodmak , junto a Ava Gardner, en un clásico del cine negro, uno de los clásico más representativos de este género para Cabrera Infante, va a iniciar una campaña profesional con un meteórico recorrido. Parece que desde aquí , inicialmente con personajes de carácter rudo y directos pasó a producciones de todo tipo de géneros desde dramáticas y de intriga, pasando por las bélicas y las de aventuras, siendo con estas últimas con la que alcanzó un enorme gran éxito de taquilla, como El halcón y la flecha o El temible burlón, acompañado de su amigo de la infancia y compañero del circo y acróbata Nick Cravat, que solía representar personajes mudos, posiblemente debido a que su marcado acento de Brooklyn no entonaba demasiado con las épocas en las que se desarrollaban los argumentos de sus películas.

Pero en la primera mitad de la década de 1950 comenzó a aceptar papeles cada vez más exigentes y variados que le siguieron manteniendo el reconocimiento del público y de los profesionales del medio que pasaron a ser clásicos del cine como De aquí a la eternidad (1953) del director Fred Zinnemann o Veracruz (1954) de Robert Aldrich.

La experiencia de todo ello le facultó la confianza de Harold Hecht , uno de los más importantes productores cinematográfico de Hollywood, pero también director de danza , agente de talentos pero también literario y teatral que trabajó con artistas de la tala de los Hermanos Marx , Mae West , Bing Crosby , Cary Grant , WC Fields , Gary Cooper , Maurice Chevalier y Marion Davies . Hecht se asentó en la producción cinematográfica  después de conseguir el Oscar con su película "Marty" en 1956.

Lo cierto es que tras una apasionante historia personal y profesional Hecht en 1947 decide cofundar la Productora Norma Productions centrada en cine independiente , con su socio comercial y actor Burt Lancaster . Fue con ella con la que se lanzó a producir las películas de las que los grandes estudios huían tras la crisis del sistema . Para realizarlas el tándem formado por Hecht y Lancaster crea un entramado de productoras subsidiarias de la Norma Productions como eran la Hecht-Lancaster Productions y Hecht-Hill-Lancaster Productions, pioneras de la producción independientes más importantes de Hollywood.

Si bien en el verano de 1953, Hecht cofundó otra filial de Norma Productions, Hecht-Lancaster Productions, con Burt Lancaster también firmó un acuerdo de dos películas con United Artists (el acuerdo se renegociaría y ampliaría varias veces durante los próximos años) , Para la United Artists realizaron  Apache ( 1954), un western relatado desde la perspectiva de un nativo americano , personaje asumido por Burt Lancaster y en la que aparece John McIntire , con Robert Aldrich de director y James R. Webb como guionista partiendo de la novela original de Paul Wellman .

Tras la misma tuvo lugar el rodaje de otro western , Vera Cruz, una película en Technicolor, con alto presupuesto y una de las primeras películas en utilizar el formato de pantalla ancha , el SuperScope, protagonizada por Lancaster y Gary Cooper con papeles para Denise Darcel , Sara Montiel , César Romero , George Macready , Ernest Borgnine, Charles Bronson , Jack Elam y Jack Lambert.

Ese mismo año 1954 Burt Lancaster solicitó ser miembro del Screen Directors Guild , es decir, el "Gremio de Directores"  pero fue rechazado "porque supuestamente había expresado opiniones acerca de los directores que la organización consideraba no adecuados". El gremio , sin embargo, le otorgó a Lancaster una exención para que le permitiera dirigir la película.

Tras esta llegó por parte de la Hecht-Lancaster Productions tres exitosas películas en taquilla financiadas por la United ARtist como fueron la oscarizada Marty, dirigido por Delbert Mann con Betsy Blair y Ernest Borgnine , en su primer papel protagonista en una película, siendo una película de bajo presupuesto. Tras ella le siguió The Kentuckian , de la que ahora hablaremos , y la tercera y última película estrenada bajo el paraguas de la Hecht-Lancaster Productions (antes de cambiar el nombre de la compañía) fue la película de circo Trapeze , con presupuesto elevado , filmada en tecnicolor con lentes CinemaScope, y protagonizada por Lancaster, Tony Curtis y Gina Lollobrigida . El guión pasó por varios escritores como James Jones ( De aquí a la eternidad ), Ernest Lehman , Ben Hecht , James R. Webb, Wolf Mankowitz y Liam O'Brien .

Pues bien en el caso de la película que nos ocupa El hombre de Kentucky el guión fue escrito por el ganador del Premio Pulitzer AB Guthrie Jr. partiendo de la citada novela de Felix Holt, El cuerno de Gabriel. Fue el debut oficial como director de Burt Lancaster. Guthrie ya había adaptado a Shane en 1952 y su novela, The Big Sky , se había convertido en un western de Howard Hawks ese mismo año.

Hecht - junto a James Hill- y Lancaster contrataron al famoso compositor Bernard Herrmann para la banda sonora aunque en la misma también estuvo presente Roy Webb, ya reconocida en su momento por su trabajo con Orson Welles .

Como parte de su publicidad, Hecht contrató al artista Thomas Hart Benton y para la edición de la misma se contrató a George E. Luckenbacher, quedando la United Artist en la distribución.

El reparto estuvo encabezado por Burt Lancaster como Elias Wakefield, acompañado por Dianne Foster como Hannah Bolen, Diana Lynn como la maestra Susie Spann, Donald MacDonald como el joven Eli Wakefield, John McIntire como Zack Wakefield y Una Merkel como Sophie Wakefield. Junto a ellos aparecen en su debut Walter Matthau como Stan Bodine, John Carradine como Ziby Fletcher, John Litel como Babson, el hombre que lleva en el vapor y le invita a ir a Texas, Rhys Williams como el sheriff, Edward Norris como el de la ruleta, Lisa Ferraday como la acompañante del jugador y Clem Bevans como el piloto del vapor (sin acreditar). Aunque hay que señalar que la directora de casting, Betty Pagel , también se planteó contratar junto a Burt Lancaster y a Hecht a Brandon De Wilde como Little Eli Wakefield , a Jane Wyman como Susie Spann y a Kim Novak como Hannah Bolen así como a Constance Smith .

La película se inicia en el año 1820. En ese momento vemos que un padre, Big Eli o Elias Wakefield (Burt Lancaster) y su hijo el joven Eli (Donald MacDonald) deciden abandonar Kentucky para empezar una nueva vida en Texas. Van acompañados de su perro Blackie, así como de dos elementos materiales, una bolsa con monedas que suponen unos 200 dólares así como un cuerno , el "Cuerno de Elias" que usa el mayor de los Wakefield para llamar a su perro. El pequeño Eli aún no puede usarlo y su padre le dice que sólo conseguirá sacar sonido alguno de él, cuando sea mayor.

Van buscando nuevos espacios para cazar bisontes y ciervos, vivir más cómodamente y en libertad en plena naturaleza. Además es un espacio que han ido ocupando colonos en los antiguos territorios pertenecientes a la Corona española.

Padre e hijo, acompañado de su perro , van parando en el bosque, durmiendo cerca de los ríos y alejándose , pues han tenido problemas con algunas familias vecinas. De cualquier manera , Elias trasmite a su hijo que lo importante es el futuro en Texas.

En su desplazamiento pasan por un pueblo y el perro de los Wakefield se enfrenta a otro que es propiedad del sheriff, un hombre corrupto y sis escrúpulos que impone su ley. La pelea de perros da lugar a un altercado que acaba con Elias en prisión , quedando el pequeño Elias desamparado.

La única persona que lo atiende en Hannah Bolen ( Dianne Foster) una joven que trabaja en semiesclavitud en un local de la localidad. Hannah le da de comer al chico , a pesar de la oposición de su jefe.

Mientras "big Eli" está en la cárcel Hannah , Hannah se entera que el el sheriff ha llamado a la familia enemiga de los Wakefield, los Frome, con el fin de matarlo, así que Hannah, ante la llegada de los Frome al pueblo (Douglas Spencer y Paul Wexler ) libera a Big Eli de su encierro en prisión y huye junto a éste y su hijo.

Sin embargo, los tres son localizados por el sheriff y el propietario de Hannah que fue comprada. Para salvar la situación Elias decide pagar los 200 dólares por la liberación de la chica, lo que le impide tomar el barco de vapor que desde el Tennessee los llevaría a Lousiana y desde allí a Texas. Los tres anhelan una vida de aventuras como pioneros en Texas.

Mientras se desplazan a una localidad en la que vive el hermano de Elias , los viajeros tienen un encuentro con un vendedor ambulante, Ziby Fletcher (John Carradine) . Este estafa a un buen , pero ignorante Eli , con unas perlas de agua dulce que les permitiría hacer negocio.

De cualquier manera, antes de llegar a su destino, se detienen en el pueblo, cercano al río Tennessee y con un puerto desde dónde salen los barcos hacia el sur y te acercan a Texas. Allí vive Zack (John McIntire), el hermano mayor de Elias que se dedica al negocio del tabaco. Nada más llegar Zack le ofrece trabajo a Eli, pero este está empeñado en la idea de Texas.

La taberna del pueblo es regentada por Stan Bodine (Walter Matthau ) un hombre bronco y violento que se maneja muy bien con el látigo. En la taberna, Hannah incómoda por la deuda contraída encuentra acomodo.

Mientras Eli busca un trabajo pero encuentra ciertas dificultades. A pesar de ser un gran cazador, Eli no encuentra oportunidades y lo cierto es que Elias busca trabajo para pagar el billete de barco a Texas pero su hermano Zach cree que debe establecerse en el pueblo, casarse con la maestra Susie (Diana Lynn) y mandar a Eli a la escuela. Pero eso no es lo que quieren padre e hijo.

De cualquier manera Zach organiza junto a su mujer una velada a la que asiste igualmente la joven y bella profesora. La velada culmina con un concierto en la pianola por parte de Susie , que es completado por las peticiones que le hacen Zach y los Eli padre e hijo.

Desde ese momento el acercamiento entre Eli padre y la maestra es evidente . Frente a ellos los recelos de Eli hijo, pero también de Hannah son mayores pues parece que la idea de ir a Texas se esfuma.

A esta compleja situación se suma la humillación que sufre tanto Elias padre en el bar por parte de Stan y de Ziby al reirse de él, por escribirle una carta al Presidente de los Estados Unidos y por creer el tema de las perlas de río. La situación de Elias hijo no es mejor en la escuela y sólo la intervención de la maestra Susie ( Diana Lynn ) templa los ánimos en los Wakefield que están considerados como personas rudas, sin conocimientos y sin cabeza, pero que no reaccionan violentamente. Eso es lo quiere paliar tanto Zach que preferiría que Big Eli se casara con la maestra como Suzie y que se establecieran definitivamente en la ciudad.

No obstante la idea de salir de Kentucky sigue estando presente tanto el Elias hijo como en Hannah. De hechos las relaciones de ambos con Elias padre van a peor.

La llegada un día de un barco a vapor a la localidad y el desembarco en la localidad de un hombre Babson (John Litel), que promete llevarlos a Texas no hace sino distanciar más a padre e hijo.

Un día recibe la carta de respuesta por parte del Despcho del Presidente sacando a la luz la escasa formación de Wakefield, sin embargo Elias está más lista y miente sobre el contenido de la carta, pero decide mejorar en sus formas y en el fondo. En ello colabora su hermano Zach que le pide que vista mejor, se pele y que vaya a la ciudad y saque dinero del banco para ampliar su negocio de tabaco.

A la vuelta de la ciudad a través del Tennessee, en el barco  padre e hijo se ven inmersos en un conflicto. Al ver que llevan dinero en lo alto, un grupo de jugadores profesionales (James Griffith, Edward Norris y  Lisa Ferraday ) que residen en el barco le insisten a Elias para que juegue a la ruleta. Indudablemente la ruleta está trucada.

Los jugadores y , especialmente, como la acompañante del jugador quieren que Elias se confíe en las apuestas para después desplumarlo. Pero Elias que ahora se muestra distinto , una vez pelado y vestido decentemente, se muestra astuto y se retira del juego con las ganancias, algo que intentan evitar los empleados de la ruleta y los jugadores que esperaban sacar dinero del de Kentucky.

Pero Elias al ver que el barco ni tan siquiera va a parar ya que los jugadores le piden al capitán del barco (Clem Bevans) que no pare en el puerto fluvial , así que se pelea con unos y con otros y , finalmente, con su hijo saltan al río, salvando el dinero y la situación. Su llegada como hombre de negocios exitoso , con dinero hace cambiar su rol en la localidad. Participa activamente en el negocio del tabaco, se gana una merecida fama además de consolidar su relación con Susie, algo que desespera a su hijo y a Hannah.

Además la situación entre Big Eli y Stan Bodine ( Walter Matthau ) es conflictiva llegando a estallar en un día festivo en el que Stan , primero incita a un chico a pergarle con una cuerda al joven Eli, y luego se enfrenta con su látigo a Elias. Este resulta herido, pero una disimulada intervención de Hannah bloqueando el látigo hace que Elias derrota en una pelea a puños a Stan.

Tras poner a Stan en su sitio, Elias parece más próximo a su matrimonio con la maestra lo que llega a enfrentar ya de forma seria a padre e hijo. Cuando Elias padre le pide a su hijo que entierre el cuerno llamado "cuerno de Elias" que tenía como finalidad llamar a su perro para que regresa, el hijo de este se niega y estando sólo en el bosque sopla en el mismo, sonando. En ese momento Elias padre se da cuenta de que su hijo ya es un hombre ( siempre le decía que sería capaz de tocar el cuerno cuando fuese mayor) y por lo tanto sabe que no lo puede convencer de que permanezca allí contra su voluntad.

A esto se suma que Stan , al sentirse humillado ha llamado a los enemigos de los Wakefield, a los Frome, que van con la intención de matarlo. Para atraer al padre, secuestran al hijo que es llevado junto a la destilería que tiene Stan cerca de una lamina de agua y esperan a que se presente. Viendo que la intención de ellos es matar con toda frialdad a Elias , Stan se niega a colaborar y es brutalmente asesinado.

Por su parte, Elias padre sale a buscar a su hijo acompañado de Babson (John Litel) el veterano señor que ve en Elias Wakefield el hombre ideal para instalarse en Texas. Mientras se desplaza hace un último intento para convencerlo, viendo que es un hombre ingenuo pero de buen corazón y valiente; pero cuando están cerca de la destilería, Babson es alcanzado por las balas de los secuestradores.

Sin embargo, uno de ellos es abatido por Hannah, cuando el otro intenta cargar su arma para matar a Elias, este cruza rápidamente la lámina de agua y mata a su enemigo.

Tras lo acontecido Elias Wakefield toma la determinación de cumplir con su hijo y con Hannah , relegando su boda con Susie y dejando el negocio de su hermana. Prefiere empezar una nueva vida junto a Little Eli y Hannah apostando por los campos abierto de Texas y por la libertad.

La película se filmó en Kentucky, en el área de Cumberland Falls , en el Parque Estatal Levi Jackson Wilderness Road cerca de Londres , en la localidad Owensboro y , además, en Green Rivery en Abraham Lincoln Memorial Village cerca de Rockport, en este caso en Indiana .

El rodaje no estuvo exento de complicaciones. Durante la feroz pelea entre Lancaster y e Matthau con látigo, Matthau que fue doblado por el experto en látigos Whip Wilson, y cortó a Lancaster en el hombro cuando éste le pidió que "le golpeara y lo hiciera parecer real".

La película también presenta una aparición del famoso barco fluvial de Gordon C. Greene, el Delta Queen, el mismo barco de vapor usado en Gone with the Wind y Steamboat Round the Bend . La compañía gastó casi $ 10,000 para agregar las falsas chimeneas.

Como parte del marketing, el estudio encargó a Thomas Hart Benton la realización de una pintura que es conocida como The Kentuckian , que representa una escena de la película. Tanto Lancaster como el productor Harold Hecht eran admiradores de Benton y tomaron la iniciativa de contratar la obra . Entre los bocetos de Benton para la pintura hay una versión en la que los personajes se dibujan como figuras cúbicas. La pintura pertenece en la actualidad al Museo de Arte del Condado de Los Ángeles desde 1978. La misma es un retrato de tamaño real de Lancaster y Donald MacDonald posando con su perro Faro. La pintura se exhibió por primera vez en el estreno de la película en Washington, DC. Más tarde, se usó en la etiqueta de una marca de whisky . La pintura perteneció a Lancaster y no se exhibió en público nuevamente hasta que fue entregada al Museo . Ha sido exhibida en varios museos a lo largo de los años y actualmente forma parte de la colección permanente del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles.

La película compitió en el Festival de Cine de Venecia por su primer premio, el Golden Lion Award y fue nominada al León de Oro Fue lanzada al gran público el 1 de agosto de 1955 consiguiendo en taquilla $ 2.6 millones.El estreno de Los Ángeles fue a beneficio de la Sociedad de Esclerosis Múltiple.

Con todo, parece ser que las críticas fueron tan destructivas en el momento del estreno que Lancaster tardó veinte años en volver a sentarse en la silla de director, según dice Alberto Abuín, y eso a pesar del relativo éxito en taquilla .

Lo cierto es que Burt Lancaster continuó su carrera como actor no sólo en Hollywood sino también en Europa trabajando a las órdenes de directores como Visconti o Bertolucci. Sin embargo para la dirección el hiato que se tomó fue largo ya que desde 1955, no volverá a repetir en esta tarea hasta el año 1974 cuando codirigió "El hombre de la medianoche".

Para Alberto Abuín en Espinof estamos ante un " peculiar western " Y añade que "no nos encontramos ante una buena película, tampoco mala, pero está más cerca de lo segundo. Y prosigue diciendo que a "Lancaster le gustaba especialmente. La película, y el cachondeo también. 'El hombre de Kentucky' intenta aunar en un argumento delirante el amor por la naturaleza, el amor por las raíces, por la familia, por las nuevas oportunidades y por el amor verdadero, ese que siempre permanece oculto.

Y prosigue el crítico diciendo que "Curiosamente 'El hombre de Kentucky' muestra sus mejores cartas en algunas de las acciones de sus personajes secundarios entre los que también merece citarse a John McIntire, como el hermano de Elias, a quien sólo quiere retener para beneficio propio, o el gran John Carradine, vendedor ambulante, más charlatán que otra cosa y que ofrece un mal uso de la cultura. El desperdicio del talento malgastado. Irregular en buena parte de su metraje porque a veces no sabe por dónde tirar, 'El hombre de Kentucky' no ha pasado a la historia del cine más que por suponer el debut como director de uno de los mejores actores de aquellos años el cual ofrece una intensa interpretación, como siempre, pero se le va la mano como director con la parte sentimental de la historia, y es que el odioso personaje del niño no aporta absolutamente nada a la trama".

La película se deja ver. Es atractiva por su fotografía, por su música con impresionantes números musicales, que para Manuel Valls Gorina y Joan Padrol en su libro "Música y Cine" está llena de hallazgos orquestales. También a destacar algunos valores presentes en la película como la defensa de la armonía del hombre - al menos de los protagonistas - los Wakefield- con la naturaleza , la necesidad de buscar la paz y la convivencia . Aunque para conseguirlo haya auténticos estallidos de violencia como la escena del látigo o alguna pelea más que fuerte y flaquea por el desarrollo de algunos de los personajes como el niño que , en muchas ocasiones, es un obstáculo para la película, un freno para este western, que como diría un amigo italiano es "molto particulare"

Centenario de The Lost Battalion

He vuelto a las viejas y buenas costumbres en esta primera entrada del año. Consiste en ver una película realizada hace un centenar de años para que ese cine silente no caiga en el olvido y recordar, por otro lado, aquel curso sobre el centenario del inicio del cine gracias a la invención del cinematógrafo por los hermanos Lumière que hice allá por el año 1994 . En este caso la veterana película elegida ha sido The Lost Battalion , una película del año 1919. Cien años nos separan de ella. Un océano de tiempo y de cine.

Es cierto que el papel de los Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial ha sido tratado tangencialmente en algunas ocasiones en el cine norteamericano. Muchas películas se contextualizan en ese momento ahora mismo recuerdo desde Leyendas de Pasión o - tirendo de la memoria- El Enemigo Público con James Cagney, pasando por la hilarante y para mi inolvidable remake de Sargent Pepper´s Lonely Hearts Club Band protagonizado entre otros por los Bee Gees y Peter Frampton. Pero no son tantas las películas que se centran en la intervención directa, sobre el terreno,  de los soldados de los Estados Unidos en la Gran Guerra.

Aunque hay honrosas excepciones como la de El Sargento York de Howard Hawks , Adiós a las armas de Frank Borzage , curiosamente ambas interpretadas por Gary Cooper, la dirigida por Trumbo, Dalton Trumbo, Johnny cogió su fusil , una de las primeras películas de animación con interés propagandístico de la historia, El hundimiento del Lousitania de Winsor McCay,  pero lo cierto es que el papel de ese millón de hombres de la Fuerza Expedicionaria de los Estados Unidos comandada por John J. Pershing han pasado bastante desapercibidos.

Este "Batallón Perdido" o The Lost Batallion es una película - realmente poco más que un mediometraje- de guerra muda de nacionalidad estadounidense sobre un grupo de soldados integrantes en las unidades de la 77 División de Infantería (conocido como el " Batallón Perdido ") que se adentra profundamente en el Bosque Argonne de Francia durante la Primera Guerra Mundial .

La película fue dirigida por Burton L. King , un director nacido en Cincinati, en el Estado de Ohio en 1877 y que vivió hasta el año 1944. También conocido como Mr. King, fue uno de los pioneros capaz de ser director, productor y actor cinematográfico de nacionalidad estadounidense, uno de los más activos en la época del cine mudo. Su carrera comenzó trabajando en el cine en la primera década del siglo XX para la Broncho Film Company.

A lo largo de su carrera dirigió un total de 141 filmes desde 1913 a 1934. También produjo más de treinta y actuó en 29 películas. En los primeros años 1920 colaboró con el famoso "mago" Harry Houdini, al que dirigió en dos películas, The Master Mystery (1920) y The Man from Beyond (1922). También participó en otras como La batalla de Gettysburg (1913), Bajo la Media Luna Roja (1915), El Hechizo del Yukón (1916), La pregunta eterna (1916), La mariposa negra (1916), A la muerte (1917), Los vendedores del silencio (1917), Más verdad que poesía (1917). Para 1919 está implicado en El misterio maestro (1919) así como en El batallón perdido (1919). Su carrera siguió en Por amor o por dinero (1920), El hombre de más allá (1922), Las calles de Nueva York (1922), El truco justo (1923), La verdad sobre las mujeres (1924), Los juguetes del deseo (1924), Una niña en una gran ciudad (1925), Armiño y diamantes de imitación (1925), El Truco Adorable (1928). Desde los años 30 se centró en la producción con títulos como Quick Trigger Lee (1931), El Código Penal (1932) , El hombre de Nuevo México (1932) , Murder at Dawn (1932) o $ 20 por semana (1935) .

Burton L. King falleció en Hollywood, California, en 1944. Fue enterrado en el Cementerio Inglewood Park, en Inglewood (California).

Sin embargo , una de sus producciones más recordadas fue The Lost Battalion (1919). En este caso la película fue producida por Edward A. MacManus, un productor presente en otros filmes como The Woman Who Fooled Herself (1922) y de The Tents of Allah (1923) por medio de su productora MacManus Corporation.

Para esta historia se basa en una historia real ocurrida apenas dos años antes durante la intervención norteamericana en la Primera Guerra Mundial cuya finalización se conmemoró hace un par de meses. Sin embargo, para llevarla al cine contó con el guión escrito por Charles A. Logue. En la cámara tuvo el trabajo de AA Cadwell.

La película contó con personajes reales presentes en el campo de batalla francés y con actores profesionales de este incipiente arte que ya contaba casi 25 años.

Entre los que son actores reales destaca el Mayor General Robert Alexander ( que se interpreta a si mismo), al igual que el Teniente Coronel Charles W. Whittlesey , el Mayor George McMurtry, el Capitán William J. Cullen , el teniente Arthur F. McKeogh, el teniente Jordan el teniente Augustus Kaiser así como el soldado Abraham Krotoshinsky , entre otros. Junto a ellos un conjunto de actores y actrices formado por Helen Ferguson como la taquígrafa, Marion Coakley como Nancy Crystal, Sra. Stuart Robson como la casera, Blanche Davenport como la madre, Bessie Learn como la chica de al lado o la vecina, Sidney D'Albrook como el ladrón, Gaston Glass como Harry Merwin, Jack McLean como el Pateador, al igual que William H. Tooker, Stephen Grattan y JA King.

La historia se desarrolla con una serie de intertítulos que nos hablan de los acontecimientos que protagonizaron un conjunto de soldados norteamericanos en el frente occidental durante la campaña en Francia.

Los protagonistas son algunos de los hombres del 308º Regimiento de Infantería , parte de la 77.a División de Infantería y que vamos conociendo el Mayor General Robert Alexander ( que se interpreta a si mismo), al igual que el Teniente Coronel Charles W. Whittlesey , el Mayor George McMurtry, el Capitán William J. Cullen , el teniente Arthur F. McKeogh, el teniente Jordan el teniente Augustus Kaiser así como el soldado Abraham Krotoshinsky , que vamos viendo de manera precisa y de cómo serian más tarde reconocidos con medallas al mérito militar por su actuación dentro de lo que se conoce como The Lost Battalion, un grupo que sufrirá en sus propias carnes las bajas tras un embolsamiento "The Pocket" por parte de las tropas alemanas.

Descubrimos que los hombres han sido reclutados de diversos grupos étnicos, económicos y sociales en la ciudad de Nueva York, el otro gran espacio protagonista , junto a una breve reseña inglesa previa a su Paso por Calais .

Los hombres son trabajadores de una empresa que se alistas, el hijo de un rico empresario de origen alemán que se niega a luchar contra la tierra que le vio nacer, o un par de chinos que están intentando asesinarse en los "Five Points" , en el barrio de Chinatown.

También vemos que uno de ellos es un ladrón de los bajos fondos neoyorkinos buscado por la fiscalía y otro el hijo de un rico comerciante enamorado de la taquígrafa de su padre, que sueña con convertirse en una gran actriz de cine, otro es un soldado enamorado de una chica y que va a visitarla a su alcoba, aunque eso es algo que molesta a la casera, la Sra Stuart Robson. Finalmente está " el pateador, "que encuentra faltas en todo.

Tras su reclutamiento y conociendo sus historias son llevados desde la ciudad a Connie island donde está el campamento de entranamiento de Yaphank. Allí reciben algunos de ellos visitas y entraban amistades.

Más tarde tras su paso por Gran Bretaña, pasan a Francia . En el país , en parte ocupado por las tropas alemanas los 463 hombres avanzan hacia el frente bajo el mando del teniente coronel Charles W. Whittlesey .

Vemos inicialmente como comienzan a intervenir en e campo de batalla en un área de trincheras para pasar posteriormente a un ofensiva y desde allí iniciar la operación de combate se nos ha mostrado de forma muy gráfica sobre dónde y cómo había de enfrentarse con el enemigo en la zona conocida como "The Pocket" sita en el bosque de Argonne, para ayudar a romper la defensa alemana supuestamente inexpugnable.

La operación comienza y en ella se emplean 500 hombres de de nueve compañías. Desde el principio se ve la complejidad de la misma. Nada más entrar en el bosque de Argonne se produce la incomunicación y la desaparición del "Battalion" para los estadounidenses y franceses

Comprueban como se les han cortado el acceso a los reemplazos y la llegada de suministros aliados, ya que están rodeados por el enemigo alemán - por cierto con un casco blanco y mal colocado- .

Pronto no tendrán ni comida ni agua (la única agua disponible estaba siendo vigilada por los alemanes y cualquier intento de alcanzarla generalmente significaba el final de su vida), y muy poca o ninguna munición. Desde ese momento el grupo es conocido como "El Batallón Perdido", que resiste seis días sin comida ni agua.

Vamos viendo como el batallón pierde algunos de sus hombres y caen heridos. Estos hombres quedan completamente rodeados por los alemanes y bajo un ataque constante por disparos armas cotas y largas, disparos de ametralladoras, ataques con morteros y artillería.

Al no tener servicio de teléfono, radio o corredores disponibles para ellos, el servicio de palomas era la única forma en que podían ponerse en contacto con cualquier persona, y esa era solo una dirección en un solo sentido sin ninguna garantía de que la paloma que estaba siendo enviada realmente había llegado. Cuando el comandante alemán les pide que se rindan, Whittlesey responde: "¡Dígales que se vayan al infierno!"

Vemos que para ese momento los que antes eran rivales chinos luchan conjunta y valientemente, mientras que el ladrón muere heroicamente. Gracias al uso de las palomas mensajeras , como la utilizada , Cher Ami, para pedir ayuda logran contactar con los mandos superiores que al saber lo que ocurre van en su ayuda.

Después de su rescate, los supervivientes participan en un gran desfile por la ciudad de Nueva York, y se reúnen con sus familias y novios. Se nos informa al principio y alguna referencia se da al final que al comandante Charles W. Whittlesey , el capitán George G. McMurtry y el capitán Nelson M. Holderman fueron galardonados con la Medalla de Honor . Un número de los oficiales inferiores y soldados alistados fueron galardonados con las distinciones The Distinguish Service Cross o Silver Star que luego se pasó a ser la Medalla Silver Star.

La historia nos es narrada de forma sencilla, lineal, sin alardes técnicos, poniendo  el foco de la cámara- nunca mejor dicho-  en los sujetos protagonistas. Las escenas son muy planas y se huye de la profundidad de campo que en nada se consigue. Por últimos las peleas son muy del gusto del cine mudo, muy teatrales, especialmente la lucha cuerpo a cuerpo.

En la medida de lo posible se intentó que los eventos aquí narradas que tuvieron lugar entre el 2 de octubre de 1918 hasta el 8 de octubre de 1918, estuviesen protagonizados por los protagonistas originales que sobrevivieron. Los mapas y documentos reales se utilizaron en la película, que fue autorizada por el Gobierno de los Estados Unidos.

Algunas imágenes del Cuerpo de Señales de los Estados Unidos también se usaron en la película. Lo cierto es que los alemanes los rodearon completamente, enviando todo lo que tenían, incluidos los ataques de gas y los lanzallamas.

Algunos de los participantes tocaron la gloria con sus manos como ocurrió con el Mayor General Robert Alexander  que fue quien informó sobre el incidente de este Batallón Perdido y que publicaría en 1931 sus Memorias de la Primera Guerra Mundial. Otros tendrán sus reconocimientos como el comandante Whittlesey, el capitán McMurtry y el capitán Holderman fueron excepcionales, al juntar a estos hombres y realizar un virtual milagro para repeler cada ataque alemán. McMurtry fue herido 7 veces, pero rechazó el tratamiento y permaneció en la línea liderando a sus hombres. Algo parecido a Holderman , mientras que el papel de Whittlesey fue el de mantener a todos juntos. Sus hombres a menudo estaban asombrados por la forma en que viajaba por la línea, a plena vista de los francotiradores alemanes, los alentaba y les daba esperanza. A él nunca pareció importarle un poco su propia seguridad.

La película fue estrenada el 2 de julio de 1919 y fue distribuida por W.H. Productions Company (1919) y la Gardiner Syndicate (1919) y su éxito fue enorme .

Whittlesey, condecorado con la Medalla al Honor y gracias a ella y a liderar el grupo será todo un personaje público, reconocido prácticamente por todas las personas en Estados Unidos en ese momento y fue un héroe nacional. Posiblemente se convirtió en un personaje de la película por lo que fue obligado a revivir  los horrores que tuvieron lugar durante esos 6 días.

Finalmente, en silencio y sin previo aviso, tomó el pasaje en un vapor a Cuba alrededor de la medianoche del 26 de noviembre de 1922, luego de que otro pasajero le pidiera que le contara todo sobre esa horrible experiencia, Charles Whittlesey se subió silenciosamente a la barandilla y se deslizó hacia el mar. No fue visto nunca más.

La película pasó a ser parte del legado de los Estados Unidos al integrarse en The Library of Congress Motion Picture, Broadcasting and Recorded Sound Division para su preservación.

Por último decir que un remake de la película fue realizada 82 años más tarde, en 2001, por el director Russell Mulcahy . Pero esa es otra historia. Puede que toque o no. Feliz año 2019 a todos y todas.