Camino de la venganza

Western actual que tiene su principal interés en la participación de Nicolás Cage y que participa conjuntamente con muchas productoras como Saban Films , Saturn Films, Skipstone Pictures, Capital Intercute, EchoWolf Productions y productores como R. Bryan Wright, Miqueas Haley, Sasha Yelaun, Roberto Paschall Jr., Brett Donowho, Colin Floom y Fred Roos para presentarnos un western de venganza y redención que culmina en la la lucha final que tendrá lugar en la localidad de Santa Rosa en Colorado. Es un western lleno de traumas, de memoria, pero también de olvido de angustias y que presentó como título original The Old Way. 

La pelíocula cuenta con la banda sonora de Andrew Morgan Smith y la fotografía de Sion Michel así como el montaje de Frederick Wardell.  

Durante la poco más de hora y media que dura conocemos la historia de un viejo pistolero retirado, Colton Briggs, y su hija que deberán afrontar las consecuencias de su pasado cuando el hijo de un hombre al que asesinó hace años de apellido MacCallister regresa al pueblo con una banda de forajidos para vengarse.

La historia se inicia en 1878, en el Territorio de Montana , cuando el bigotudo pistolero Colton Briggs que forma parte de una cuadrilla extrajudicial organizada para arrestar y ahorcar al hermano de Walter McAllister, un conocido bandido. Walter y sus hombres intentan frustrar la ejecución pública, lo que resulta en un tiroteo en el que muere el marshall, alguno de los McAllister y sus hombres y que deja a Colton y al hijo de McAllister, James, como los únicos supervivientes. 

Colton le asegura al hermano de Walter que no lo matará; su ejecución fue solo una finta para obligarlo a salir de su escondite. Enfurecido, el joven McAllister intenta dispararle por la espalda. Sin dudarlo, Colton lo abate y se marcha tranquilamente, mientras James, el joven sobrino de Walter, observaba. Del bolsillo del Marshall muerto saca un dinero que le parece poco por lo que entra a la tienda del marshall se sale con más dinero haciendo ver que con eso ha cobrado. 

Veinte años después, Colton es un hombre diferente: bajo la influencia de su esposa Ruth, se ha convertido en un comerciante respetable y de vida limpia, ha renunciado a su gran bigote, regenta una tienda y una pequeña granja, y criando a una hija de doce años llamada Brooke. 

Para consternación de Colton, Brooke se muestra desafiante y rebelde; él nota que también es emocionalmente retraída e incapaz de comportarse como "gente normal", rasgos que le recuerdan su vida anterior. 

Ese mismo día, cuatro hombres llegan a la granja de Colton; su líder se identifica como James McAllister. Su banda apuñala a Ruth hasta la muerte antes de pintar un mensaje burlón con su sangre en la pared y marcharse. 

Colton y Brooke regresan y encuentran a Franklin Jarret, el alguacil estadounidense que rastrea a la banda de McAllister, esperándolos en la granja con varios agentes. 

Mientras Ruth es enterrada, Jarret le revela a Brooke que él y Colton fueron amigos íntimos y que está orgulloso de que Colton haya dejado la violencia para criar una familia. Antes de irse, le insta a su viejo amigo a no dejarse llevar por el deseo de vengarse de James. 

Sin embargo, Colton decide hacerlo de todos modos y le dice a Brooke que lo acompañará. Vestido con su antigua ropa de pistolero y armado con sus viejas pistolas, Colton incendia su granja y su casa antes de irse con Brooke. 

La pareja finalmente alcanza a Jarret que ha sido emboscada por MacAllister y sus hombres. Tiene un agente herido por su caballo; James había tendido una trampa a sus perseguidores, matando a tres y dejando a los demás demasiado heridos para continuar. 

Colton y Brooke desarman a los supervivientes y amenazan con torturarlos si Jarret no habla. Finalmente, admite que James viaja a Santa Rosa, un pueblo del sur de Colorado , para recuperar un alijo de pesos enterrado y huir al otro lado de la frontera mientras se calma la presión sobre él. 

Colton le informa a Jarret que tomará un caballo y le advierte que no interfiera en su venganza o lo matará. 

Al llegar a Santa Rosa, Colton le dice a Brooke que visite a un comerciante local y le pregunte por el paradero de James mientras espera a las afueras del pueblo. James no se deja engañar y captura a Brooke cuando intenta irse. 

Anticipando más emboscadas, Colton logra matar a cinco miembros de la banda de McAllister usando su experiencia e ingenio antes de que el último miembro restante salga con una escopeta apuntando a Brooke. 

James le dice a Colton que tiene dos opciones: puede matarlo, en cuyo caso Brooke morirá, o puede hacerlo él mismo. Tras evaluar la situación, Colton decide matar al segundo hombre mientras James le dispara en el pecho. 

Mientras James se jacta de su victoria, Brooke toma el arma de su padre (habiendo aprendido a disparar durante sus viajes) y lo venga matando a James. 

Más tarde, el marshall Jarret llega y acuerda con Brooke contarles a todos que Colton Briggs tuvo una muerte heroica al detener a los criminales, a cambio de quedarse con el dinero de la banda de McAllister. Sin embargo, Jarret no lo sabía, pero la mayor parte del dinero se había transferido a un par de alforjas, con las que Brooke se prepara para regresar a casa al final de la película. 

Es del año 2023 y cuenta con director con Brett Donowho, a partir de un guion de Carl W. Lucas y junto a Cage como Colton Briggs están presentes Ryan Kiera Armstrong como Brooke , Noah Le Gros como James McAllister , Shiloh Fernández como Boots, ​Nick Searcy​ como el Marshall Jarret , Abraham Benrubi​ como Big Mike,  Clint Howard​ como el viejo Eustice,  Dean Armstrong como Clark, Kerry Knuppe como Ruth Briggs , Adam Lazarre-White como Greg, Craig Branham como Arnie y Beau Linnell como Mark 

En octubre de 2021, los miembros del equipo de la película se quejaron del manejo de armas de fuego por parte de la asistente y armera Hannah Gutierrez-Reed , incluido un incidente en el que disparó un arma sin previo aviso e hizo que el actor principal Nicolas Cage abandonara el set.  Gutierrez-Reed, la hijastra de Thell Reed , luego trabajaría como armera en el set de Rust y se convirtió en una figura principal en el tiroteo que mató a Halyna Hutchins e hirió al director Joel Souza .

El rodaje tuvo lugar en mi querida Montana, que son unos magníficos espacios para rodar westerns

En enero de 2022, Saban Films adquirió los derechos de distribución de la película. La película se estrenó en cines por Saban Films el 6 de enero de 2023 y recibió críticas mixtas por parte de los críticos.

De entre las críticas destacamos algunas como la que firma desde Ilinois Richard Roeper en las páginas del Chicago Sun-Times al decir que "A Cage le queda bien el sombrero de vaquero y tiene algunos momentos interesantes, pero 'The Old Way' llega a una conclusión que se veía venir a la legua (...) " . Desdde la web de maestro Rogert Ebert  Peter Sobczynski en la web rogerebert.com afirma que "Puede que el western aún no esté del todo muerto, pero 'The Old Way' no le está haciendo precisamente ningún favor (...)"

Por su parte, Jake Cole de Slant comenta qie la película está "Llena de clichés desde el principio (...) " 

David Ehrlich de IndieWire sostuvo que "No está mal pero es poco convincente y no tiene suficiente chicha" 

Desde Texas en el  Austin Chronicle Richard Whittaker  comenta que "Sí, 'The Old Way' es, a primera vista, la clásica película de venganza, pero también cuenta con el clásico Cage, y eso sigue siendo fascinante (...)" 

Calum Marsh de The New York Times defiende que "Desde la trama simplista hasta la interpretación de Cage, no tiene mucho nivel"  En otro diario neoyorkino el The New York Observer Rex Reed  comenta "Nicolas Cage aporta un nuevo enfoque a una antigua idea (...) Demuestran que las viejas costumbres aún son las que mejor funcionan (...)" 

Andy Crump de Paste Magazine dejó negro sobre blanco "Su mayor mérito es la química entre Cage y Armstrong. Cuando se construye en torno a su compenetración, es un placer verla. Pero cuando Donowho la devuelve al terreno trillado de las viejas películas del Oeste, se queda anticuada" 

Estados Unidos Collider Robert Brian Taylor Collider "Todo esto ya se ha hecho antes y mejor"

En el Reino Unido Leslie Felperin en las páginas del The Guardian comenta que "Cage, uno de los actores más trabajadores y menos caprichosos de la industria pero todavía con talento, vuelve para hacer películas de pacotilla (...)"  En este mismo diario Wendy Ide comenta que la película  "Es predecible pero la conmovedora dinámica padre-hija entre Cage y Ryan Kiera Armstrong lo compensa (...) 

En el  Telegraph Robbie Collin  escribe que "No es ni lo suficientemente buena ni lo suficientemente loca y no cumple las expectativas (...)" 

Kevin Maher en The Times nos dice que "Cage camina como un sonámbulo por este western barato (...) "

El circo

Como ya he comentado, Charles Chaplin vinculaba su origen familiar al de los Gitanos. Siempre pensó y defendió que su abuela era gitana y ambulante, así  que es normal que siempre su personaje prototípico, Charlot o The Tramp fuese un nómada que deambualaba de un sitio a otro. En toda su obra es evidente, pero dondee más evidente es y se hace , especialmente, por su temática es el The Circus una película del año 1928 dirigida, producida - en esta época para la United Artists- y protagonizada por Charles Chaplin. La película fue escrita por Chaplin y por Joseph Plunkett.

Lo curioso es que para muchos y , posiblemente, para el propio Chaplin se trataba de una obra tan querida como maldita.. Querida por los réditos generados, al ser entre las películas mudas de mayor recaudación, ocupa el séptimo lugar, con unos ingresos de más de 3,8 millones de dólares en 1928, el año de su estreno, pero el actor británico consideraba que se trataba de un largometraje maldita dentro de su filmografía y no solo por los continuos accidentes que convirtieron su filmación en un auténtico infierno.

La producción de la película fue una experiencia difícil en la carrera de Chaplin. Hubo varios problemas y retrasos, se produjo un incendio en el estudio, el fallecimiento de la madre de Chaplin, así como el amargo divorcio de la segunda esposa de Chaplin, Lita Grey, y a todo ello se unía la reclamación de la Agencia federal de recaudación fiscal, que sostenía que Chaplin debía impuestos. Todos estos problemas llevaron a que el rodaje se estancara durante ocho meses De cualquier manera esto no impidió que cosechara un Óscar aunque realmente se trataba de un premio honorífico al genial cineasta por su incontestable aportación al séptimo arte. 

Con todo, Chaplin volverá a montar la película en diversas ocasiones añadiendo incluso una canción al inicio de la película en la que ejerció de esa lista y que sin duda aportó una dimensión más emotiva y cercana a la espectador a un filme del todo o no del todo perfecto pero lleno de momento inolvidable como su persecución inicial y la lucha con los espejos o la lucha con los monos sobre un alambre o una prodigiosa escena final en la que siempre vemos como se retira una vez marchado todo el circo. La fotografía fue tomada por Rolland Totheroh, Jack Wilson y Mark Marlatt. 

La película muestra al personaje Charlot hambriento y sin blanca, como siempre en una feria local en la que también está instalado un circo. Mientras ve uno de los epsectáculos de la feria cerca de un carterista que realiza impunemente su actividad y que le mete inteligentemente una cartera robada a Charlot cuando detecta que el afectado presiente que se la han birlado.

Así que en un aparte el ladrón justifica su inocencia, mientras que Charlot intenta comer algo. Cuando se fda cuenta de que tiene una cartera compra comida pero levanta las sospechas de un pòlicía que inicia una persecusión en la que también participa el verdadero ladrón (este último le había escondido una cartera y un reloj robados en el bolsillo para evitar ser detectado).

Perseguido por un oficial de policía, que lo confunde con un carterista, llega a diversas atracciones de la ferie como un laberinto de espejos o un muestrario de marioneta humanizadas Finalmente, corre huyendo de la policía hasta la carpa principal de un circo intentando escapar donde el dueño confunden su huida con parte de un número circense.

El maestro de ceremonias - y propietario del circo en apuros- le da una prueba al día siguiente, pero el Vagabundo fracasa estrepitosamente. Sin embargo, cuando los encargados del atrezo renuncian por falta de pago, lo contratan de inmediato para ocupar su lugar. Una vez más, sin querer, crea un caos cómico durante una función. El maestro de ceremonias lo contrata astutamente como encargado del atrezo mal pagado, siempre apostado en la zona de actuaciones de la carpa principal, para improvisar material cómico sin saberlo. Como éste ve los beneficios potenciales, es evidente que no puede ser divertido a propósito, sino solamente de manera espontánea. 

En cada función, a causa de su torpeza, desencadena la hilaridad del público y se convierte en la estrella del espectáculo. 

Mientras tanto Charlot se enamora de Merna, hijastra del director del circo. Más tarde, ella le informa que él es la estrella del espectáculo, obligando al maestro de ceremonias a pagarle como corresponde. Con el éxito del circo gracias a él, el Vagabundo también consigue que Merna reciba un mejor trato.

Tras escuchar a una adivina informar a Merna que ve "amor y matrimonio con un hombre moreno y apuesto que está cerca de ti", el Vagabundo, rebosante de alegría, le compra un anillo a otro payaso. Para su desgracia, conoce a Rex, el equilibrista recién contratado . El Vagabundo escucha a escondidas mientras ella se apresura a decirle a la adivina que se ha enamorado del nuevo hombre. Con el corazón roto, el Vagabundo no puede entretener al público. Tras varias actuaciones mediocres, el maestro de ceremonias le advierte que solo le queda una oportunidad.

 

Merna prefiere a Rex, el funámbulista, pero empatiza con Charlot. Un día, cuando no encuentran a Rex para una función, el maestro de ceremonias (sabiendo que el Vagabundo ha estado practicando el número de cuerda floja con la esperanza de suplantar a su rival) lo envía en su lugar. A pesar de algunos contratiempos, como meterse sin querer en la jaula del león o como le afecta la fuga de varios monos traviesos mientras está a gran altura, logra sobrevivir y recibe un gran aplauso del público. Sin embargo, cuando ve al maestro de ceremonias abofeteando a Merna después, lo golpea y es despedido. 

Charlot sabrá aceptar esta decisión y contribuir a su unión antes de abandonar el circo. Merna huye para reunirse con él. El Vagabundo encuentra a Rex y lo lleva consigo para casarse con Merna. El trío regresa al circo. El maestro de ceremonias empieza a reprender a su hijastra, pero se detiene cuando Rex le informa que es su esposa. Cuando el circo ambulante se marcha, el Vagabundo se queda. Se levanta y se aleja caminando con paso alegre. Sale del circo que ha sido su vida. La huella que deja es el círculo que configura el mundo. Ha estado dentro. Chaplin mira al horizonte y abandona el círculo. Sabe que está fuera del mundo, de lo que ha sido hasta ese momento su mundo.  

En la película participa junto a Chaplin, Merna Kennedy, Steve Murphy, Harry Crocker que asume el rol de Rex, el funámbulo, pero también el de montador, George Davis, Tiny Sandford y Alan García así como contó con la actuación de Al Ernest Garcia como el dueño del circo y jefe de pista y Henry Bergman como payaso viejo. 

Chaplin comenzó a discutir sus ideas para una película sobre un circo ya en 1920. A finales de 1925, regresó de Nueva York a California y comenzó a trabajar en el desarrollo de la película en los estudios Charlie Chaplin . 

El escenógrafo Danny Hall esbozó las primeras ideas de Chaplin para la película, con Chaplin retomando una de sus películas más antiguas, El vagabundo (1916), y recurriendo a ideas y temas argumentales similares para El circo . Chaplin fue un admirador de mucho tiempo del comediante francés Max Linder , quien había fallecido en octubre de 1925, y a menudo tomaba prestados gags y recursos argumentales de las películas de Linder. Algunos críticos han señalado las similitudes entre El circo y la última película completa de Linder, El rey del circo.

El rodaje comenzó el 11 de enero de 1926 y la mayor parte se completó en noviembre. Después del primer mes de rodaje, se descubrió que el negativo de la película se había rayado; los trabajos de restauración pudieron finalmente ajustar el negativo. Un gran incendio estalló en los estudios de Chaplin en septiembre, lo que retrasó la producción durante un mes. Chaplin recibió los papeles de divorcio por parte de Lita Grey en diciembre, y el litigio retrasó el estreno de la película durante otro año. 

El cineasta irlandés George Clarke descubrió que en El circo, de 1928, en una escena de los extras sobre la presentación de la película se ve a una mujer hablando y sosteniendo arrimado a la oreja un aparato que Clarke interpreta como un teléfono portátil. Sin embargo, esa interpretación es discutida por otros, que consideran que podría ser un amplificador acústico, como los que se había comenzado a emplear varios años antes. 

El circo finalmente se estrenó en la ciudad de Nueva York el 6 de enero de 1928, en el Strand Theatre , y en Los Ángeles el 27 de enero en el Grauman's Chinese Theatre . La película llegó justo al comienzo de la era del cine sonoro , con el primer largometraje sonoro, El cantante de jazz (1927), habiéndose estrenado apenas unos meses antes. 

La película fue reelaborada por Chaplin y Hanns Eisler en 1948; sin embargo, fue Günter Kochan quien escribió finalmente la partitura para la música de la película. Chaplin compuso una nueva banda sonora para la película en 1967, y esta nueva versión de la película fue registrada en 1968 a nombre de "The Roy Export Company Establishment" y estrenada en 1969 en la que se escuchaba «Swing Little Girl». 

El circo fue bien recibido por el público y la crítica, y aunque su desempeño en taquilla fue bueno, recaudó menos que La quimera del oro (1925). Chaplin escribió la letra de la música y cantó él mismo los títulos para el reestreno en 1970. En la versión que he visto, restaurada por la Ceneteca de Bolonia, suena al inicio de la misma.

Chaplin fue candidato a tres Premios Óscar en 1928, pero la Academia lo retiró de los premios en competencia al entregarle un Óscar honorífico. La Academia ya no enumeró las candidaturas en su lista oficial, pero consta en la mayoría de las listas extraoficiales como nominado para los Óscar a mejor director, mejor actor y mejor argumento. 

La crítica ha lanzado en general grandes elogios a la película. De ella han dicho lo siguiente: Roger Ebert en su web rogerebert.com afirmó que era "Una de sus películas más divertidas y ciertamente la más accidentada (...) Aun así, de la agitación salió una película deliciosa (…)" 

Mordaunt Hall en The New York Times sostuvo que 'The Circus' seguramente agradará intensamente a los que encontraron algo atractivo en 'The Gold Rush' (...) [pero] será algo decepcionante para aquellos que disfrutaron la poesía, la emoción y el humor elegante de su anterior aventura"Hall continuó escribiendo que había pasajes "sin duda demasiado largos y otros demasiado extravagantes incluso para esta mezcla de humor. Pero la inagotable imaginación de Chaplin ayuda incluso cuando la secuencia claramente está perdiendo gracia". 

Christian Blauvelt en Slant afirmó que "'The Circus' quizás sea el film que definitivamente silencie a los críticos que decían que las películas de Charlie Chaplin no eran cinematográficas (...) No resulta sensiblera ni autocompasiva (…)" 

Almar Haflidason de la BBC consideró quue "La visión clásica del pequeño vagabundo que accidentalmente tropieza con la carpa del circo para después convertirse en su principal atracción es siempre entretenida (…)" 

En Time Out se afirmó que "Chaplin consigue hacer un milagro, explotando las diferentes actividades del circo con bastante efecto cómico." 

Alan Morrison de Empire aseveraba que "No hay ni un momento aburrido de principio a fin (…)" 

Dave Kehr de Chicago Reader sostuvo que "Aunque parece menos ambiciosa que 'The Gold Rush', es en realidad más satisfactoria, con su pathos perfectamente calibrado, sus fragmentos totalmente integrados con el desarrollo dramático y sus imágenes poéticas." 

Variety publicó una crítica muy positiva, afirmando que "Para los espectadores de cine, todos ellos, y para una diversión amplia y risible, lo mejor de Chaplin. Es la mejor película de Charlie Chaplin para crear diversión por otras razones: porque es la mejor historia directa que ha empleado para la realización cinematográfica en general, y porque aquí su material divertido es casi completamente creativo u original en su punto principal". 

Al comentar sobre la larga espera para el estreno de la película, Film Daily escribió que "valió la pena, porque, si eres propenso a favorecer los superlativos, aquí tienes la oportunidad de acuñar varios nuevos" y que Chaplin era "tan inimitable hoy como lo era en los días de sus películas de dos bobinas". 

En The New Yorker , Oliver Claxton escribió que la película era "un poco decepcionante. Hay uno o dos momentos en los que es muy divertida, pero hay largos tramos en los que es suave o aburrida".Por último, J. Hoberman del Village Voice consideró quue era "La última película muda pura de Chaplin es la más compleja formalmente (...) La película nunca ha cogido altura con la audiencia."

Como hemos visto en algunas de las críticas, la película continúa recibiendo grandes elogios. El Archivo de Cine de la Academia conservó El Circo en 2002. Se renovaron los derechos de autor de la película, aunque pasó al dominio público el 1 de enero de 2024.

El historiador de cine Jeffrey Vance considera El circo como una metáfora autobiográfica: Se une al circo y revoluciona la comedia barata y superficial entre los payasos circenses, convirtiéndose en una enorme estrella. Pero al final de la película, el circo hace las maletas y se marcha sin él. Chaplin se queda solo en la pista vacía... Me recuerda a Chaplin y su lugar en el mundo del cine. El espectáculo sigue adelante sin él. Filmó esa secuencia cuatro días después del estreno de El cantor de jazz (la primera película sonora de éxito) en Nueva York. Cuando compuso la banda sonora de El circo en 1928, Chaplin la musicalizó con « Blue Skies », la canción que Jolson había hecho famosa, solo que Chaplin la interpretó lenta y tristemente, como un canto fúnebre. En su comentario para el lanzamiento en video doméstico de la película de Criterion Collection, Vance señala: Chaplin, un gran autor cinematográfico, reveló sus sentimientos más íntimos a través de sus películas. En El Circo, creó un escenario que sitúa al Vagabundo en los confines de un circo y, al hacerlo, documenta, celebra y conmemora su propia posición como el mejor payaso de su época. Y ese logro, más allá de su maravillosa comedia, convierte a El Circo en una película de Chaplin de considerable importancia. Para terminar y valorar la trascendencia de esta película una pequeña anécdota referente a otro dee los grandes del cine: el sueco Igmar Bergman. De él se suenta de que en cada cumpleaños, el 14 de julio, había una película de Chaplin: El circo (1928) fue probablemente la más querida por Ingmar. A menudo se veía un cortometraje a modo de apertura según contaba Lena Bergman.  

Barbarian Queen

 

Una sabe que Roger Corman era un todoterreno. Con cuatro duros era capaz de sacar oro.El mítico Corman, fallecido el pasado año era todo: director de cine, productor y actor estadounidense. Reconocido como un pionero en el mundo del cine independiente. Era "El Padrino Espiritual del Nuevo Hollywood " y "El Rey del Culto" y eso lo demuestra a lo largo de sus 500 largometrajes dirigidos o producidos por Corman que fueron películas de bajo presupuesto que posteriormente se convirtieron en películas de culto. 

En marzo de 1985, Corman anunció la creación de una cooperativa de distribución, Concorde Pictures, donde los productores podrían obtener una distribución relativamente barata de Concorde a cambio de contribuir a los gastos generales de la compañía. Sus primeros estrenos fueron producciones de Corman como School Spirit , Wheels of Fire y Barbarian Queen, esta última inspirada en el éxito obtenido en la película de Conan, el bárbaro. 

El resultado fue una coproducción de Argentina y Estados Unidos de fantasía-aventura dirigida por Héctor Olivera y protagonizada por Lana Clarkson. Este filme de 1984 fue uno de los diez que el productor estadounidense Roger Corman realizó con su productora Rodeo Productions en Buenos Aires y en asociación con Aries Cinematográfica Argentina del director, en el período entre 1982 y 1990. El caso es que en la producción aparece Roger Corman, Alejandro Sessa y Frank K. Isaac. 

La película está protagonizada por Lana Clarkson como Amethea, Katt Shea como Estrild, Armando Capó como Arrakur, Frank Zagarino como Argán y Dawn Dunlap como Taramis entre otros. Barbarian Queen fue filmada en Don Torcuato , Argentina, por el director Héctor Olivera contando con Américo Ortiz de Zárate como ayudante de dirección , así como María Julia Bertotto en la dirección artística y como parte de un acuerdo de nueve películas entre Aires Productions de Olivera y Concorde-New Horizons, con sede en Estados Unidos, de Roger Corman . 

Corman buscaba producir películas de espada y brujería de bajo presupuesto para capitalizar el éxito de Conan el Bárbaro (1982), mientras que Olivera buscaba financiar proyectos cinematográficos más personales con las ganancias de su acuerdo con Corman. Lana Clarkson , quien había aparecido en un papel secundario como una guerrera amazónica en la coproducción previa de Aires y Concorde, Deathstalker , fue elegida para el papel principal como Amethea. 

Clarkson realizó todas sus propias acrobacias en la película. La película tenía peleas de espadas y aventuras, hablaba de liberación, pero también de violaciones y de erotismo. 

La película contó con un equipo técnico en parte local y en parte norteamericano. El responsable del guion fue Howard R. Cohen, mientras que la música fue labor de Christopher Young y James Horner , aunque el tema del film Battle Beyond the Stars, no está acreditado. En el sonido el responsable fue Daniel Castronuovo, en el maquillaje María Laura López, en la fotografía Rodolfo Denevi y Rudi Donovan, siendo en el montaje Silvia Ripoll y Leslie Rosenthal. Además responsable del vestuario fue Beatriz Quiroga y de los efectos especiales Arny Alfieri y Willy Smith. 

La historia comienza en una pacífica aldea bárbara que se prepara para celebrar la boda de la reina Amethea ( Lana Clarkson ) con el príncipe Argan ( Frank Zagarino ). Durante los preparativos para la ceremonia nupcial, las fuerzas del tirano de la zona, Lord Arrakur (Arman Chapman) atacan la aldea. Tras violar dos de sus hombres, un viejo barbudo y un guerrero a la hermana menor de Amethea, Taramis ( Dawn Dunlap ), los atacantes asaltan la aldea que está con los preparativos de boda. 

Tras una breve batalla los hombres de Arrakur toman prisioneros al príncipe Argan y a algunos de sus guerreros, además de Taramis, junto con varios otras. Los aldeanos restantes son masacrados. 

La reina Amethea, su doncella Estrild ( Katt Shea ) y la guerrera Tiniara (Susana Traverso) sobreviven al ataque y parten hacia la ciudad de Arrakur para rescatar a los prisioneros y buscar venganza por la destrucción de su aldea. 

En el camino, las tres mujeres se topan con un pequeño campamento de las fuerzas de Arrakur. Amethea y Tiniara emboscan y matan a los hombres, descubriendo a Taramis cautiva dentro del campamento, quien aparentemente ha quedado traumatizada por su experiencia y se muestra retraída y delirante. 

En las afueras del reino de Arrakur, las mujeres se encuentran con miembros de una fuerza de resistencia clandestina que tiene a un niño de guía y será quien los lleve con el grupo mayoritario con el fin de poder ayudar a introducir clandestinamente al grupo de Amethea en la ciudad, pero se niegan a alzarse en armas con ellos contra el tiránico Arrakur. 

Dentro de las puertas de la ciudad, Amethea descubre que Argan y los demás hombres secuestrados de su aldea están siendo obligados a luchar como gladiadores en la arena del centro de la ciudad. Taramis ve a Arrakur y deja que las otras mujeres lo sigan; intentan encontrarla, pero mientras la buscan, Estrild es atacada y violada por dos guardias de Arrakur. 

Cuando Arrakur encabeza una procesión de tropas hacia su palacio, reconoce a Taramis del campamento y le permite acompañarlo al interior. Amethea y Tiniara acuden en defensa de Estrlid, pero son dominadas y hechas prisioneras. 

Estrild se une al harén de los gladiadores, donde se reencuentra con Argan y le cuenta sobre su fallido intento de rescate. Amethea y Tiniara son interrogadas por separado; Tiniara muere en un intento de fuga, mientras que Amethea es enviada a la mazmorra para ser torturada. Una vez allí, la desnudan por completo, quedando solo con su tanga, y la atan con correas de cuero en un potro de tortura. Arrakur y Taramis, quien finge ser una concubina voluntaria, se dirigen a Amethea en la cámara de tortura. Taramis finge no conocer a Amethea, mientras Arrakur exige información sobre los rebeldes que ayudaron a Amethea a entrar en la ciudad. Amethea se niega a hablar, y Arrakur exige respuestas para la mañana siguiente. 

Mientras tanto, Argan, los demás gladiadores y Estrild planean un levantamiento contra Arrakur. De vuelta en la mazmorra, el torturador comienza a violar a Amethea aparentemente planeando embarazarla como un experimento científico, pero ella usa su vagina para apretarlo tan dolorosamente que puede obligarlo a liberarla, con lo cual Amethea lo arroja a un charco de ácido y escapa de la mazmorra. 

Tras encontrar a Estrild, las dos mujeres huyen del castillo y se reagrupan con los rebeldes, quienes aceptan ayudar en el plan de derrocar a las fuerzas de Arrakur, lideradas por Argan, durante los juegos de gladiadores. 

Amethea y los rebeldes se unen a los gladiadores en el ataque. Amethea lucha contra Arrakur en un combate cuerpo a cuerpo, pero es derrotada y desarmada por él. Antes de que Arrakur pueda asestar el golpe mortal, Taramis lo apuñala por la espalda, matándolo. Amethea y Argan se reencuentran y celebran la liberación de la ciudad de la tiranía de Arrakur. 

La Reina Bárbara tuvo un estreno limitado en cines el 26 de abril de 1985. [ 8 ] Vestron Video lanzó originalmente dos versiones de la película en VHS: la versión para cines con clasificación R y una edición sin clasificación que contenía una versión extendida de la secuencia de la mazmorra. Todos los lanzamientos posteriores en DVD solo incluyeron la versión con clasificación R que es la que visto en Prime. 

En cuanto a la crítica decir que el crítico de cine de serie B, Joe Bob Briggs le dedicó a la película una crítica positiva irónica, escribiendo: «No es Conan el Bárbaro II , pero tiene lo necesario, a saber: Cuarenta y seis pechos, incluyendo dos en el protagonista masculino. Treinta y un cadáveres. Cabezas rodando. Cabezas derramadas. Tres violaciones en grupo. Mujeres encadenadas. Orgía en las que participan las esclavas compartiendo. Un sostén de nido de pájaro. La diabólica tortura de garbonza. ...tienes que verlo para creerlo)». 

Roman Martel de DVD Verdict escribió que la película es agradable pero problemática por su misoginia. 

RL Shaffer de IGN la llamó una imitación involuntariamente divertida de Conan el Bárbaro .

En  TV Guide se escribió que, a pesar del contenido explotador de la película, Olivera "le inyecta estilo y ritmo a los sucesos bastante tontos". 

Stuart Galbraith IV de DVD Talk escribió que la película "no es tan terrible" y atrae a su público objetivo. 

Varios críticos han comentado sobre la ambigüedad de la narrativa aparentemente feminista de la película y la naturaleza explotadora de sus numerosas escenas de violación femenina, desnudez y esclavitud. La reseña de Variety sugirió que «el concepto de guerreras superando a oponentes masculinos en el campo de batalla resulta poco convincente tal como se presenta, siendo las chicas más efectivas como objetos sexuales… El énfasis en la violación y la tortura es exagerado». 

En The Modern Amazons: Warrior Women On-Screen , Dominique Mainon y James Ursini señalan que la película sigue una «trama de empoderamiento pseudofemenino… Sin embargo, durante la búsqueda, Amethea es capturada, desnudada hasta quedar en tanga y atada a un dispositivo de tortura durante una parte inusualmente larga de la película». El hecho de que la pieza central de la película sea la secuencia extendida de la supuestamente empoderada Amethea, en topless y con influencias BDSM , mientras es torturada/interrogada ha dado lugar a lecturas de la película como "un delicado equilibrio posfeminista de tres elementos discordantes: un tímido espectáculo de violación y esclavitud, un feminismo incoherente y una estructura de trama muy patriarcal... un arco narrativo feminista aparentemente motiva imágenes de violación". 

Rikke Schubart sugiere que la culminación de la secuencia de la mazmorra —en la que Amethea literalmente aplasta el pene del torturador con sus músculos pélvicos— representa una auténtica «dislocación feminista» de los códigos de género, que toma imágenes «de la mujer víctima de violación como débil e indefensa y las reubica… como una víctima de violación peligrosa y letal». Sin embargo, la discusión de Schubart también implica que el feminismo se ve mitigado, al menos parcialmente, por el uso erotizado de imágenes de esclavitud en la secuencia y la presentación objetivada de la desnudez de Clarkson: «Los hombres no tienen problema en identificarse con los hombres como víctimas y las mujeres como castradoras si esto ocurre en un contexto erótico donde es obvio que la mujer está ahí para ser observada ». 

Señalar que la película tuvo cierto impacto, tanto que hubo una segunda película titulada Barbarian Queen II: The Empress Strikes Back , anunciada como una secuela, pero que, en realidad, ni la trama ni los personajes tenían nada que ver con la película original, a excepción de Lana Clarkson protagonizando nuevamente el papel principal y la inclusión de una secuencia prolongada que recuerda a la primera película, con el personaje de Clarkson, la princesa Athalia, que se supone que es la reencarnación de Amethea, siendo capturada, desnudada y torturada en un potro. 

El rodaje tuvo lugar en México en 1988; sin embargo, la película no se estrenó en los EE. UU. hasta 1992, cuando pasó directamente a video. En 1990 se anunció que Barbarian Queen III: Revenge of the She-King se filmaría en Bulgaria; sin embargo, el proyecto nunca se completó. 

Por último, Roger Corman afirmó años después que el personaje principal fue una inspiración para Xena: La princesa guerrera . 

Para acabar decir el triste final de la protagonista Lana Jean Clarkson que en 2003, cuando el productor discográfico Phil Spector, al que acababa de conocer, le disparó y mató a Clarkson dentro de su casa; fue acusado de asesinato en segundo grado y condenado en 2009. Spector declaró posteriormente que la muerte de Clarkson fue un «suicidio accidental» y que ella «besó el arma».Spector fue sentenciado el 29 de mayo de 2009 a entre 19 años y cadena perpetua en una prisión estatal. Falleció en 2021 mientras cumplía su condena.

Fuera de la ley

Apache Junction es uuna ciudad que recibe su nombre de la unión del Apache Trail y la Old West Highway. Era el título de este western de medio pelo o neowestern del año 2021 con estética actual y que cuenta con alguna estrella rutilante venida a menos y con secundarios hiper desconocidos que intentan mantener como pueden una historia de venganza en el viejo oeste de Arizona. 

Para desarrollarlo todo y supuestamente basada en las historias del oeste de George Hearst, la película producida en coproducción entre Tailandia-Estados Unidos participaron Justin Lee y Daemon Hillin como cabezas de las productoras Benetone Hillin Entertainment, Benetone Films, Origo Financial Services, TB Films contando con al distribución de Saban Films , dirigido por Justin Lee y con fotografía de Logan Fulton y con Eamon Long en el montaje mientras quela música la firman Christopher Cano y Eduardo Olguin, y que cuenta como actores y actrices con Stuart Towsend como Jericho Ford, Tracy Adams como el capitán Hensley,  Scott Taylor Crompton como Annabelle Angel , Victoria Pratt como Christine Williams y Thomas Jane como Al Longfellow, Danielle Gross como Mary Primm, Ricky Lee como el indio Wasco - fiel a un Jericho hasta su muerte, Ed Morrone como el malvado y vengativo Oslo Pike, entre otros. 

Apache Junction es un puesto fronterizo del Viejo Oeste en el que no hay ley, por lo que es un refugio para ladrones y asesinos. Cuando la reportera Annabelle Angel es enviada por el mismísimo George Hearst , el padre de William Randolph Hearts , el que fuera periodista, editor y magnate estadounidense conocido por su creación de la llamada prensa amarilla a finales del siglo XIX y principios del XX, creador de un imperio de prensa fue influyente, pero también famoso por el sensacionalismo y la invención de noticias para aumentar las ventas y promover sus propias agendas políticas. El magnate, que tras establecerse en San Francisco a principios de la década de 1860, se dedicó a la política, representando primero a San Francisco en la legislatura estatal durante un mandato y que mantuvo intereses mineros a través de su empresa, siendo nombrado senador de los Estados Unidos en 1886 para cubrir una vacante y fue elegido demócrata ese mismo año por su propia iniciativa y que actuará como senador californiano desde 1887 hasta su fallecimiento en 1891. 

Pues bien, éste le pide a Anabelle que escriba sobre el Oeste. La chica llega para escribir un artículo sobre la ciudad, corre peligro de convertirse en una posible víctima. Pero el famoso pistolero Jericho Ford decide acudir en su ayuda para salvarla de un grupo de criminales sin piedad. Anabelle como periodista se aventura en el Oeste para traer nuevas historias sobre estos forajidos. 

Tras entrevistarse con el capitán Hensley (Tracy Adams) que no le recomienda ir a la localidad decide marchar a Junction. La primera noche conoce en el bar la volencia que se vive con una pelea como apuesta y el asesinato de un jugador por parte de otro. 

Al día siguiente, Anabelle Angel (Scout Taylor-Compton) está en peligro , pues parece carne nueva sin probar lo que despertó los instintos primitivos de algunos soldados hambrientos dispuestos a violarla a cualquier precio. Entonces llega en su ayuda Jericho Ford (Stuart Towsend), un hombre blanco errante, criado entre los indios que vivía con su amigo nativo más cercano, Wasco (Ricky Lee), en una choza lejana. En el enfrentamiento, tres soldados murieron, uno de ellos era el hijo del Capitán Hensley (Trace Adkins), quien posteriormente ofreció una alta recompensa por obtener la cabeza de Jericho Ford en su escritorio, incluso de la chica. 

De ella escribió Joe Leydon en las páginas de Variety que "Stuart Townsend y Scout Taylor-Compton están bien elegidos como personajes arquetípicos del Oeste, mientras que Trace Adkins demuestra una vez más una presencia imponente en la pantalla. Stuart Townsend sabe transmitir una aspereza viril y una confianza de matón (...) Los valores de producción son impresionantes para ser una producción independiente que se paró con la pandemia". 

Si crees que este western se parece a la serie Deadwood de George Hearst, con sus innumerables escenas de desnudos, olvídalo. Parece una propuesta rígida que, de por sí, debilita la trama, que ya de por sí es débil. Por otro lado, algunos personajes pintorescos, como el nativo Ricky Lee, el despiadado villano Ed Morrone y el dueño del bar, Thomas Jane, refuerzan la película, aunque merece la pena verlo con menos rigor.

Frontier(e)

Había leído cosas de esta película debido a su llegada a Prime. Me llamó la atención los comentarios sacásticos de algunos y críticos de otros. Los primeros hablaban de una película destinada al cine familiar- y, en cierto, modo hay que reconocer que la historia se mueve alrededor de una familia, extraña, pero familia-, otras sobre el contenido político de la misma , que , evidentemenete tiene. Pudiera parecer una distopía, pero hay elementos de la realidad política que vive actualmente el mundo occidental; pero lo que sí me esperaba de esta película francesa es que fuera de terror, aunque desconocía el toque y gore que la acercan a una Matanza de Texas, pero casi en la Picardie. 

El creador de esta hoy, sin duda, original película es Xavier Gens quien la ha escrito y dirigido por Xavier Gens. Siendo del momento que era , 2007, no es de extrañar que detrás de la misma estuviesa EuropaCorp, la productora de Luc Besson, el mayor productor de Europa por aquellos años aunque no está solo pues aparece acompañado de Laurent Tolleron, Rodolphe Guglielmi, Frederic Ovcaric, Teddy Percherancier, Hubert Brault, Eric Garoyan, Karim Guellaty, Bertrand Ledélézir y Noël Muracciole. 

Protagonismo en la misma también tiene Olivier Afonso responsable de la dirección artística y del diseño de producción. Como responsables técnicos destacan igual Jean-Pierre Taieb en el apartado misucal, en el sonido Jérôme Aghion, Thomas Bernard, Christophe Bourreau,Lohengrin Braconnier, Jean De Sagey, Loïc Gourbe, Alexandre Hecker, Florent Lavallée, Jacques Sans, Yann Vernier y Jean-Noël Yven. En la fotografía destaca la labor de Laurent Barès y el montaje Carlo Rizzo. Igualmente importante fue la labor del vestuario realizada por Eléonore Dominguez. Por último, los efectos especiales en los que participaron Guillaume Castagné, Nicolas Herlin, Laetitia Hillion y Frédéric Lainé. 

La película la protagonizan Karina Testa, Aurélien Wiik, Samuel Le Bihan y Estelle Lefébure. 

La historia se desarrolla en el presente. Las elecciones francesas se resuelven entre un partido conservador y otro de extrema derecha. La banlieue ha estallado en protestas, y un grupo de jóvenes han decidido aprovechar el tumulto para perpetrar un robo en el momento en que un candidato de extrema derecha llega a la segunda vuelta de las elecciones a la presidencia francesa , lo que desata disturbios en París . 

Con la esperanza de escapar de París, pero necesitados de dinero, una banda callejera compuesta por jóvenes árabes musulmanes (Alex, Tom, Farid, Yasmine, embarazada, y su hermano Sami) aprovecha el caos para cometer un robo. 

Uno de los chicos, Sami (Adel Bencherif ) el hermano de la protagonista, Yasmine, es herido al recibir un disparo siendo herido mortalmente y es llevado al hospital por ella y su novio, Alex (Aurélien Wiik) , mientras que Tom (David Saracino) y Farid (Chems Dahmani ) llevan el dinero y se dirigen hacia la frontera norte del país. 

Estos dos últimos deciden parar en un hostal aislado que parece ser el refugio perfecto para reunir al grupo. Allí son atendidos por Gilberte (Estelle Lefébure ) y Klaudia (Amélie Daure), aunque más tarde aparece Goetz (Samuel Le Bihan), su hermano. 

Gilberte y Klaudia afirman que sus habitaciones están libres y enrrollándose entre ellas  seducen a Tom, ya que Fariq alega que tiene novia. 

Mientras en el hospital, el personal de urgencias informa a la policía de la lesión de Sami. Sami insiste en que Yasmine huya antes de que la policía la atrape. Su último deseo es que Yasmine no aborte. Tras ser unciada por una sanitaria que llema a uno de seguridad, Alex y Yasmine huyen, dejando atrás a Sami, mortalmente herido. 

Por su parte Alex y Yasmine llaman a sus amigos para pedirles indicaciones sobre cómo llegar a la posada. Tom y Farid se las dan, pero poco después son brutalmente atacados por Gilberte, Klaudia y Goetz, así como otro hermano que aparece de la nada, Karl, tras una desagradable cena en la que también est´presente la madre. . 

Cuando Tom y Farid intentan escapar, Goetz hace que su coche se caiga por un precipicio, que es realmente una antigua mina abandonada. Los hombres heridos se adentran en el pozo de una mina, donde Tom es rápidamente recapturado. Farid debe valerse por sí mismo con unos extraños seres, que resultan ser - eso lo sabemos más tarde- los hijos rechazados de la familia que vive en la mina. 

Sin darse cuenta del peligro, Alex y Yasmine llegan a la posada y son capturados por la familia. Alex y Yasmine están encadenados en una pocilga con suelo de barro. Alex rompe las cadenas de Yasmine y la deja escapar. 

Cuando los captores descubren la fuga de Yasmine, el patriarca de la familia, von Geisler, corta brutalmente el tendón de Aquiles de Alex . 

Mientras tanto, en la mina, Farid encuentra el almacén de las víctimas. La familia se da cuenta de que algo anda mal en la mina, y el carnicero de la familia, Hans (Joël Lefrançois) persigue a Farid hasta una caldera donde lo cocina vivo. Yasmine huye de la posada, pero Goetz la rescata rápidamente al cruzarse en su camino. 

De vuelta en la pocilga, von Geisler concede personalmente el último deseo de Alex: ser sacrificada rápidamente. 

Inicialmente, von Geisler desea que Karl (Patrick Ligardes) se "case" con Yasmine para continuar el linaje familiar, pero cuando von Geisler se entera de que ya está embarazada, la confía a la humilde Eva, quien le dice a Yasmine que llegó a la familia de una manera muy similar y que es obediente porque la familia le prometió que sus padres volverían a buscarla algún día. Eva también le cuenta a Yasmine sobre los niños sin hogar rechazados que ella y Hans cuidan en la mina. Finalmente, Eva (Maud Forget) lleva a Yasmine a cenar, donde la familia la espera. 

Se revela que Von Geisler (Jean-Pierre Jorris) es un ex nazi (y aún practicante) que ha vivido en la posada desde el final de la Segunda Guerra Mundial . 

Von Geisler ofrece un brindis por la sangre nueva, y Yasmine rápidamente agarra un cuchillo grande y toma a von Geisler como rehén. Hans agarra una escopeta y dispara a von Geisler en la confusión; Karl dispara a Hans matándolo a su vez. Yasmine escapa y es perseguida por Karl y Goetz hasta la mina. 

Yasmine finalmente llega a una de las salas de almacenamiento de cadáveres, donde pelea con Goetz. Después de una lucha sangrienta, lo golpea repetidamente con un hacha antes de empalarlo en una sierra de mesa giratoria . Karl atrapa a Yasmine cuando intenta regresar a la superficie, pero Eva llega al rescate, volándole la cabeza a Karl con una escopeta. Yasmine busca las llaves del auto para escapar, pero es emboscada por Gilberte y Klaudia con metralletas. Yasmine alcanza un tanque de gasolina durante el tiroteo, haciendo estallar la habitación. 

Mientras Yasmine sale al exterior vemos que Gilberte ha sobrevivido a la explosión e intenta matar a Yasmine, pero esta le arranca la garganta. 

Con todos los demás miembros de la familia neonazi muertos, Yasmine intenta convencer a Eva para que se vaya con ella, pero Eva se queda para cuidar a los niños en la mina. 

En el camino, se escucha en la radio que el candidato de extrema derecha en las elecciones ha ganado la segunda vuelta, convirtiéndose así en el nuevo presidente francés. 

Yasmine se topa con un bloqueo policial cerca de la frontera, donde se entrega a las autoridades. 

Después de su estreno en Francia en el Festival de Cine de Agde en 2007, la película tuvo un estreno limitado en los Estados Unidos el 9 de mayo de 2008, como parte del After Dark Horrorfest .Fue presentada en España en el 40 Festival Internacional de Cinema de Catalunya - Sitges 2007, siendo nominada a Mejor película, al igual que al Méliès d'or 2008. 

Los estudiosos del cine francés han citado Frontier(s) como ejemplo de la Nueva Extremidad Francesa , películas de terror producidas en Francia desde inicios del siglo XXI que representan el horror visceral y la violencia extrema. 

Alexandra West señala que Frontier(s) trata "sobre la evolución de la extrema derecha en Francia" y que explora los "elementos desatendidos de la sociedad, los sectores a los que se les permite permanecer en realidades que ya no existen en los entornos urbanos". 

La crítica optó por extremarse. O se le ama, o se le odia. Entre los primeros destacan las de Manohla Dargis en el The New York Times cuando escribió que "Aunque a veces Gens se acerca peligrosamente a lo imperdonable, con imágenes que evocan el Holocausto con demasiada fuerza, Frontier(s) funciona finalmente porque sus escalofríos son tan verosímiles como indignantes". Y añadió que "Hay suficiente sangre en la película de terror francesa sin clasificar Frontier(s) para saciar incluso a los más voraces amantes del gore. La verdadera sorpresa es que esta película espeluznante y contemporánea también tiene algunas ideas, visuales y de otro tipo, encajadas entre sus gotas sangrientas, ganchos de carne oscilantes y sierra de mesa zumbante. ". 

De la misma opinion fue Maitland McDonagh en TV Guide al escribir sobre ella que Aunque no es ni sutil ni particularmente original, la vuelta de tuerca de Gens tiene energía de pesadillesca de sobra". 

También gustó en las páginas especializadas en cine de terror como Bloody Disgusting donde Brad Miska señaló "Estás a punto de entrar en una nueva frontera del horror"; o en Reel Film cuando David Nusair afirmaba que se trataba de "Una entretenida película de terror que se beneficia de la inclusión de varias secuencias de asesinatos alegremente exageradas". 

En Gran Bretaña , Peter Bradshaw, el habitual ncrítico de cine de The Guardian, la califico como «Una película solo para fanáticos incondicionales». 

Menos amables fueron Scott Tobias de AV Club al describirla como una película en la que "No hay profundidad, sorpresas ni ingenio en el guión, que parece motivado por el único deseo de generar las personas y las imágenes más viles y repugnantes imaginables", añadiendo además que "Las comparaciones con La masacre de Texas , Hostel , The Descent y la larga tradición de películas de terror de "la última mujer en pie" son inevitables, pero Gens no parece tan interesado en la originalidad como en tratar de superar sus influencias" 

Peor opinión tuvo John Anderson en Variety al preguntarse sobre ella lo siguiente "¿Puede una película ser un viaje cargado de adrenalina y sangre y, a la vez, aburrida? Eso parece". Además la comparó con Hostel (2005) y Saw (2004), y agregó: " Frontier(s) es una hemorragia de 100 minutos que no aporta nada a la mesa de operaciones de la pornografía de tortura excepto más sangre, crueldad y miseria. Lo cual, para algunos, por supuesto, puede ser suficiente". 

Más o menos en esa línea están Jim Ridley de Village Voice cuando afirma que "Es tan implacable como odiosa, mal dirigida y derivada de la bazofia más lúgubre del cine de terror americano contemporáneo". ; y peor le parece a Ed Gonzalez de Slant cuando concluye que "En 'Frontiere(s)' está explícita la creencia de su creador de que no hay que dejar nada a la imaginación". Y añadió «Ah, el triunfo de la globalización: si se les da a los franceses una muestra de neofascismo, disturbios raciales y represión paramilitar, buscarán consuelo en el pasatiempo favorito actual del cine estadounidense: la pornografía de tortura con una dirección artística vigorosa». En fin para gustos , colores.

Revisión de accidente sin huella

Como comenté hace un poco más de un año en una entrada estamos hablando de una película que lleva como t`´itulo original Que la bête meure (“Que la bestia muera”)del año 1969 dirigida por el director Claude Chabrol que junto con Paul Gégauff fue el responsable del guion y que es capaz de convivir con la nueva ola pero centrándose en películas en los que thriller estaba presente. 

Es la historia de la muerte del hijo de Charles Thenier que muere atropellado por un conductor que se da la fuga, sin dejar rastro alguno. El padre dispuesto a encontrar al culpable decide investigar el caso por su cuenta, ya que está obsesionado con la venganza. Charles decide investigar por su cuenta para encontrar al responsable.

En su investigación, Charles logra acercarse a Hélène Lanson, una actriz, haciéndose pasar por guionista para poder entablar una relación más íntima, porque sospecha que ella podría estar relacionada con el culpable. A medida que va conociéndola, Charles comienza a sentir empatía por ella y su familia, lo que complica su deseo de venganza. 

Como ya señalé se trata de una coproducción Franco italiana basada en la novela con tintes policiacos titulada The beast must Die escrita en mil novecientos treinta y ocho por el poeta británico Cecil Day  Lewis bajo el seudónimo de Nicolás Blake. 

La película está dirigida por el director guionista y actor francés Chabrol que fue considerado maestro del género de misterio lleno de los precursores del movimiento de la nouvelle vague, surgido en la década de los años cincuenta como atracción en contra de las estructuras impuestas en el cine francés del momento. 

Michel Duchassoy que interpreta al personaje principal Charles Thenier y Jean Yanne como la bestia Paul Decourt encabezan la lista de actores. El papel de este último fue ofrecido en su primer lugar a Philippe Noiret, que lo rechazó. Emntre las actrices destaca la bella Caroline Cellier como Hélène Lanson y la que hace de su hermana en la película Anouk Ferjac como Jeanne Decourt. 

Un año después del estreno del filme, Chabrol y Yanne volvieron a coincidir con el carnicero con el actor como protagonista de la nueva historia de charol pero eso ya es otra historia. 

Como temas que toca esta película destacan el de la Venganza vs humanidad: La película no es solo un thriller de acción o persecución, sino que profundiza en los dilemas morales del protagonista: su deseo de matar al culpable y, al mismo tiempo, su conexión emocional con personas que descubre en su camino. También n muestra el retrato psicológico del padre, de la chica herida psicológicamente al igual que su hermana y la "bestia" , así como el hijo de ambos, ya Chabrol se enfoca mucho en la psicología de los personajes, más que en la espectacularidad. La “bestia” a la que alude el título original no es tanto un monstruo literal, sino una metáfora de lo monstruoso que puede haber en una persona. Destaca igualmente la estética de suspense: Utiliza recursos de género (thriller) para mantener la tensión emocional y moral, sin caer en trucos baratos. Desde la planificación cuidadosa hasta la música, todo está al servicio de esa atmósfera de “cuento de venganza” y la crítica a la burguesía: Como muchas películas de Chabrol, hay un trasfondo social: las clases, el poder, la hipocresía.

Según Fotogramas, es una adaptación interesante de la novela y mantiene “una considerable dignidad expositiva”, aunque no todos los elementos dramáticos están completamente resueltos. Para algunos críticos, es una de las mejores películas de Chabrol de finales de los 60, una obra “hermosa y sencilla” pero con profundidad emocional y ha sido valorada como un “diario de venganza” muy bien estructurado.

Claude Chabrol es uno de los cineastas más destacados del cine francés, especialmente por su dominio del thriller psicológico y esta película se considera representativa de su “etapa policíaca” y de su interés.

 por explorar los rincones oscuros de la condición humana.

Boo

El hospital de la muerte es una mala película del año 2.005 que fue dirigida y escrita por Anthony C. Ferrante y producida por las compañías Graveyard Filmworks, Kismet Entertainment Group y en los que están presentes como productores David E. Allen y Harmon Kaslow , así como coproductores como Sheri Bryant o Brian Patrick O'Toole. La música de la película - imperceptible- fue compùesta por Alan Howarth y Carey James y que contó con la fotografía de Nick Franco para contarnos una tonta historia de fantasmas, miedos y hospitales adecuada para Halloween con sus teenaggers, las viejas glorias del cine Blackxplotion y que juega con unos jóvenes aventures y asustadizos y , en proceso de descomposición como Trish Coren como la rubia y traumatizada Jessie Holden una chica con visiones y que vive con el pesar de la muerte de su madre, Rachel Harland como su querida pequeña amiga Cindy - que aparece a inicios de la película- ,  Rachel Melvin como  Meg , Jilon Ghai como el guaperas Kevin que busca darsela a su novia Jessie,  Dig Wayne como el policía Arlo Ray Baines, antigua estrella del cine negro con el nombre de Dynamite Jones ,  Happy Mahaney como Emmet, Dee Wallace como la enfermera que frena al mal causado por un enfermo como Jacob, interpretado como M. Steven Felty  que son los que forman el reparto de esta película junto con Shirlene Quigley como Honey, Algie Hamilton, Rosamaria Juarez como Louise, Nicole Rayburn como Marie, Josh Holt como Freddie ,y Michael Samluk como Allan. 

La sinopsis de la película te cuenta que algunos hospitales carecen de planta trece... en el hospital angelino de Santa Mira que está cerca de la mítica Avenida de Cortez y Marriott, parece ser que no debería haber existido nunca la tercera... esto es algo que descubrirá un grupo de estudiantes que se queda atrapado en este hospital la noche de Halloween. Sin darse cuenta, los jóvenes se adentrarán en los misterios que se ocultan en el sanatorio, sobrepasando los límites que se esconden en la planta tercera donde convive el mundo de los vivos y el de los muertos.

Lo cierto es que la guapa Jessie Holden, que como ya he dicho, es una chica madura que vive atormentada por la muerte de su madre y por las continuas visiones que tiene recibe la llamada de una amiga, Marie,  para pasar la noche de Halloween, y el sitio elegido es un hospital abandonado y cerrado tras sufrir un incendio en su ala de psiquiatría hace años provocada por un interno y que cuanto se intentó reformar una serie de extraños incidentes obligaron a su cierre. Según las malas lenguas del lugar se trata de un hospital embrujado por los habitantes que murieron allí en un incendio. 

Allí se personan cuatro jóvenes - Jessie y Marie, dos chicas y dos chicos, Kevin y Freddie- que van en busca de otro de los amigos que ha entrado para preparar espacios adecuados para dar sustos. Pero pronto descubrimos que el chico y iba acompañado de su perro ha tenido un encuentro con los fantasmas del hospital al llegar a esa tercera planta.

Los jóvenes estudiantes universitarios están a punto de descubrir que estas historias que cuentan del lugar son ciertas. De hecho, el amigo al que habían enviado como avanzadilla resuelta ser atacado igual que su perro. 

Por otro lado, y en paralelo, entran en acción un policía - un antiguo actor de cine de acción- y Allan, el hijo de un antiguo compañero que busca a su hermana, Meg, cuya última noticia es que había entrado junto unos amigos en el Hospital. 

Unos y otros se van a encontrar sumido en el caos que supone la planta tercera del hospital encantado a pesar de estar abandonado y por supuesto embrujado, así que a lo largo de los 100 minutos que dura la película veremos que en su caótico recorrido como caen en manos de las garras del malvado Jacob todo ello trufado de sustos que nos llegan a través de personajes con máscaras, visiones, posesiones demoníacas, fantasmas buenos , como una enfermera, y malos como el antiguo paciente Jacob, cuyo espíritu quiere escapar del hospital, perros zombies, gelatinas, fantasmas de niñas que sucumbieron al enfermo Jacob, puertas que se abren solas, con algo de música de miedo, gusanos, muertos vivientes, personas que explotan...Así que vamos de disparate en disparate con un guion errático, con diálogos inverosímiles y patéticos, con personajes que deambulan ante la pantalla y que, en ocasiones, enloquecen y se disparan entre ellos, entre efectos especiales que todo a vente tronchos y que se remiten a los años ochenta en un homenaje sin intención y todo ello ante apariciones fantasmales que no inquietan a nadie , ni a la protagonista.

Al final lo que tenemos es una película de serie Z nada entretenida, sin valor alguno, nada recomendable