La batalla del Lago Changjin

 

Me han llamado la atención un par de detalles. La película cuando comenzó y descubrí que detrás de ella se encontraba el Ministerio de Defensa y sobre todo el Departamento de Publicidad del Partido Comunista Chino y que se anunciara en el marco del centenario del Partido Comunista de China.Lo segundo fue la presencia en la dirección de la la misma de un director de tanto peso como Chen Kaige, que firma la película junto a Dante Lam, Tsui Hark. Lo del primero, Chen Kaige sí que es llamativo. Lo recuerdo de Adiós a mi concubina, que pude ver en el desaparecido cine Santa Rosa. Este director nacido en Pekín y creció siendo compañero y amigo de otro de los nombres más conocidos de la Quinta generación, Tian Zhuangzhuang. 

Durante la Revolución Cultural, siendo adolescente, Chen se unió a la Guardia Roja, y como muchos otros jóvenes, denunció a su propio padre, el también director Chen Huaiai, una decisión de la que no tardó en arrepentirse, pues su padre fue condenado a trabajos forzados. Este periodo de su vida continúa influenciando su obra hasta la fecha, como puede verse en producciones como Adiós a mi concubina o Soñando juntos.

Con el final de la revolución cultural, en 1978, Chen se unió a la Academia de Cine de Pekín de donde se graduó en 1982 como parte de la Quinta generación del cine chino. En 1996 se casó con la actriz Chen Hong. Su primera película, Tierra Amarilla (1984), es uno de los primeros exponentes de la llamada Quinta generación del cine Chino. Rodada con Zhang Yimou como director de fotografía,

En 1989, Chen experimentó en la creación de un vídeo para la canción "Do You Believe In Shame" de Duran Duran. Ese mismo año rodó La vida pendiente de un hilo, una película esotérica que emplea la alegoría mítica y una escenografía lujosa para relatar la historia de un ciego maestro de er-hu y su aprendiz. Su obra más conocida en occidente, Adiós a mi concubina (1993), fue nominada a dos Oscar y ganó la Palma de Oro en el festival de Cannes. La película cuenta la historia de dos actores de la Ópera de Pekín, y les sigue durante las subsiguientes décadas de cambio en la China del siglo xx. 

Tras el éxito de esta obra, Chen dirigió Temptress Moon (1996), de nuevo protagonizada por Gong Li. A pesar de ser bien recibida por la crítica, la obra no fue tan aclamada como Adiós a mi concubina. Siguió a esta película la épica El emperador y el asesino (1999), en la que se retoma el relato del legendario rey de Qin y el asesino que intenta matarlo. 

En 2002 realizó su primera y única película rodada en inglés, Suavemente me mata, una historia de suspense con una alta carga erótica protagonizada por Heather Graham y Joseph Fiennes, que fue en gran medida rechazada por la crítica. 

Algunas obras posteriores incluyen películas como Soñando juntos (2002), que muestra la relación de un joven violinista y su padre, La promesa (2005), con la que regresa a la épica histórica, o la que he visto y que, por lo visto, fue el éxito de taquilla - alcanzó en taquilla los 913 millones de dólares- La batalla del lago Changjin (2021), una película que fue escrita por Lan Xiaolong y Huang Jianxin, producida por Yu Dong junto a Hong Chen, Defu Jiang, Candy Leung, Nansun Shi, a través de las productoras Alibaba Pictures, August 1st Film Studio, Beijing Dengfeng International Culture Communications Company, Bona Film Group, China Film, Huaxia Film Distribution, Shanghai Film Group que invirtieron en ella unos $200 millones. 

La película está protagonizada en los principales papeles por el actor especialista en artes marciales Wu Jing y la estrella de la canción china Jackson Yee. Junto a ellos aparecen Duan Yihong, Zhu Yawen, Kevin Lee, Li Chen, JohnF. Cruz y Han Dongjun.

La película cuenta con la típica música épica propia del cine bélico chino compuesta por Elliot Leung y Zhiyi Wang, la fotografía de Pan Luo y Peter Pau y el complejo montaje de Tsui Hark, He Yongyi y Li Dianshi. 

La película trata de un episodio de la guerra de Corea que deja en mal lugar al glorioso ejército de los Estados Unidos y, especialmente, al general Mac Arthur, responsable de la ofensiva Home-by-Christmas (A casa por Navidad). A pesar de que se centra en este episodio de la Guerra , se destaca en toda la película el papel del Ejército chino en la victoria tras la decisión de un recreado Mao Tse Tung que impresiona. 

La historia se desarrolla entre septiembre y diciembre de 1950. Se inicia la batalla, aunque antes hemos conocido al protagonista de la historia (Wu Jing ) retornando a casa con la cenizas de su fallecido hermano. 

Es el 28 de septiembre de 1950, cuando las fuerzas de las Naciones Unidas cruzaron el paralelo 38 en la campaña Pyongyang-Wonsan y atacaron Manpo en el río Yalu, la República Popular China envió a los Voluntarios Populares chinos a la batalla, con Peng Dehuai como comandante y comisario político de los Voluntarios y Mao Shanying, hijo de Mao Zedong, acompañando a las tropas. 

Entre el 27 de noviembre y el 13 de diciembre de 1950, los Voluntarios Populares Chinos y el Ejército de los Estados Unidos lucharon en la zona del lago Changjin de Corea. El 9º Cuerpo de Voluntarios Populares Chinos dividió y rodeó a más de una división estadounidense, hirió gravemente al 31º Equipo de Combate del Regimiento y destruyó por completo su mando, y capturó la bandera del Regimiento Oso Polar. 

Debido a la grave falta de suministros logísticos, tres compañías del 9º Regimiento de Voluntarios murieron congeladas mientras esperaban en una emboscada, con sus restos en una posición lista para la batalla, una escena que conmocionó a los oficiales estadounidenses en su camino de retirada hacia el sur. 

Yang Genshi, comandante de una compañía del 172º Regimiento de la 58.ª División del 20º Ejército de Voluntarios, murió con las tropas estadounidenses cuando se quedó sin munición, llevando una bolsa de explosivos en los brazos 

Al final vemos como los soldados chinos ganaron la batalla en el lago Changjin, también conocida como la batalla del embalse de Chosin, en condiciones climatológicas extremas en una de las consideradas como una de las batallas más violentas de la Guerra de Corea y uno de los puntos de inflexión de la misma.  

La batalla en el lago Changjin es una de las películas más caras jamás realizadas en China, con un presupuesto de producción de más de $200 millones. Hasta 70.000 soldados del Ejército Popular de Liberación trabajaron como extras. El rodaje comenzó en Pekín el 25 de octubre de 2020 y finalizó el 25 de mayo de 2021.

La película fue seleccionada como película de apertura del 11º Festival Internacional de Cine de Pekín, y se estrenó en septiembre de 2021. No levantó mucho revuelo aunque un periodista chino incluso fue arrestado por la policía por sugerir en las redes sociales que los soldados congelados hasta la muerte en la película habían sido estúpidos.De todas formas tal fue el éxito que en 2022 se estrenó la segunda parte de esta película. 

De ella han dicho y escrito entre otros el profesor de la Universidad de Pekín, Zhang Yiwu, señaló que la inusitada popularidad de las películas chinas es un desafío para la industria de Hollywood. “La industria cinematográfica de Hollywood produjo un producto estándar para audiencias globales en el pasado, pero es posible que tengan que aprender a atender al mercado chino. Por su parte, James Marsh en South China Morning Post que "A nivel técnico está conseguida, pero es ampulosa y le falta una historia humana (...) Parece una excusa para ver a China vencer a Estados Unidos en la gran pantalla (...) " 

En el bando de los que pierden la batalla, los norteamericanos, destaca la opinión de Todd McCarthy en Deadline al opinar que "Los que busquen acción grandiosa acabarán satisfechos, aunque la película es simplista y sus propósitos muy predecibles" 

En Variety, Richard Kuipers señala que "No ofrece más que un drama humano genérico entre escenas de batalla vastas e impresionantes." 

Para Elizabeth Kerr en las páginas del The Hollywood Reporter afirma que "A pesar de todo el escándalo y de sus bulliciosas secuencias de acción —y hay por lo menos dos por acto— hay muy poca historia. 

En la prensa británica Phil Hoad del The Guardian escribe que "Una crónica esporádicamente estimulante e históricamente dudosa sobre una guerra, con la sutileza de un lanzacohetes (...) 

Ya en España, Quim Casas en El Periódico de España escribe que "Una especie de hazañas bélicas monumental, tan ideológicamente discutible y narrativamente pesada, más allá de las cerca de tres horas que dura, como repleta de buenas ideas visuales. (…) " 

Yago García en Cinemanía considera que "El principal valor del filme, o el único, está en hacernos reflexionar sobre las mil y una veces que nos hemos tragado retóricas igual de nauseabundas (pero, a veces, mejor filmadas) por cortesía de Hollywood" 

Y , por último, la guionista y crítica de cine Marta Medina en las páginas virtuales de El Confidencial señala que "Si obviamos el origen chino, podría etiquetarse como americanada. Mucha explosión, mucho efecto especial, (...) una música omnipresente y muchos momentos de estudiada sensiblería. (…) ".

Por mi parte señalar que la película es de corte histórico y patriótico, épico y de tono propagandístico, con buenos efectos especíales, y juegos pirotécnicos muy al gusto de l consumidor chino,  similar a las que produce ultimamente Rusia, que destaca la valentía y el honor de las tropas chinas, pero el interés reside un ver la otra vertiente, la de China y su participación en esta Guerra de Corea que duró tres años, 1950- 1953. 

Entre noviembre y diciembre de 1950 unos 30 000 soldados de las Naciones Unidas (procedentes de EE UU y sus aliados), bajo el mando del general Edward Almond, fueron rodeados por 67 000 soldados chinos al mando de Song Shi-Lun. 

La batalla duró 17 días y fue una de las más feroces de las libradas en la Guerra de Corea. Aunque las tropas chinas eran superiores en número, las fuerzas de la ONU - y esto apenas se refleja algo al final de la película, consiguieron romper el cerco y retirarse, infligiendo grandes pérdidas en el bando chino, si bien la contienda se saldó con una victoria para las tropas chinas. La batalla fue un duro e inesperado golpe para el Décimo Cuerpo de Ejército Norteamericano, que tras romper el cerco huyó hacia el sur para evitar mayores bajas y una derrota en toda regla. 

La Guerra de Corea terminó en 1953 en un armisticio en lugar de un tratado de paz, dejando a las fuerzas de la ONU lideradas por Estados Unidos técnicamente todavía en guerra con Piongyang. Fue la primera guerra que EEUU no pudo ganar y la que hizo que China volviera a ocupar un lugar central como gran potencia en Asía.

La familia, bien gracias

Soy de una generación en la que Chencho no es un nombre cualquiera. Es el nombre de toda una generación, la mía, aquella que vio alucinada la primera entrega de lo que con el tiempo será una saga, la de La gran Familia.

Con La gran familia (1962), dirigida por Fernando Palacios, nos identificamos todos los chicos que nacidos en pleno "baby boom" veíamos reflejada a nuestras familias, casi siempre numerosas, en las que la unidad familiar, la nuclear y la ampliada era fundamental. También vimos, poco después ,  La familia y uno más (1965), dirigida igualmente por Fernando Palacios. Una película no tan redonda, pero con el mismo encanto. Vimos en ella como crecen las familias y al pasar la edad se complican.

Sin embargo, nunca me dio por ver La familia, bien, gracias (1979), dirigida por Pedro Masó, ni mucho menos La gran familia... 30 años después (1999), dirigida por Pedro Masó, fallecido en 2008, aunque con un Goya a su carrera en 2006.

Esta Navidad, estanos en casa de mi suegro emitieron, no sé en qué cadena, La familia, bien gracias, y , al principio, sin interés, y luego con sumo vi la tercera entrega dirigida como la cuarta por Pedro Masó en su doble papel - o triple- de productor, para Pedro Masó P. C. - Impala., director y guionista, aquí acompañado de Rafael Azcona. La película contaba con la música de Juan Carlos Calderón , el maquillaje de Julián Ruiz , la fotografía de Alejandro Ulloa rodado en panorámica y Eastmancolor, el montaje de Alfonso Santacana y la escenografía de Ramiro Gómez, junto con el vestuario de Asunción Vila.

Los protagonistas son los que fueron, aunque con algunas bajas, siendo los principales Alberto Closas como Carlos y José Luis López Vázquez como El Padrino , que aparecen acompañados de María José Alfonso (Mercedes), Jaime Blanch (Carlitos),  Francisco Benlloch (Roberto), Margot Cottens, una jovensísima Lola Forner (María), Tony Fuentes ( Críspulo), María Kosty (Sabina),  Julia Martínez (Lucía),  Cecilia Roth,  una monjil Julieta Serrano, Paco Valladares, Amelia de la Torre,  José Lifante, Valentín Paredes, Nélida Quiroga y Carlos Piñar.

La familia bien es del año 1979 y eso está en su ADN. La llegada de la democracia y con ella las nuevas costumbres y nueva concepción familiar está en contra del modelo de familia que se había consolidado con el franquismo.

Lógicamente relata las peripecias de una familia numerosa española de los protagonistas que conocimos en La gran familia (1962).

Los dieciséis hijos de Carlos (Alberto Closas) vuelven a reunirse en esta ocasión para rendir homenaje a su padre viudo con motivo de su jubilación como aparejador. 

Sin embargo, el encuentro no da lugar a que se espante el fantasma de la soledad en que vive sumido el patriarca, que sólo cuenta con la inestimable compañía del Padrino, Juan (José Luis López Vázquez). Sin embargo, y después de todo, se da cuenta de que aun puede ayudar a sus hijos y no sólo ser una carga para ellos. 

Los diversos hogares familiares le ponen frente a una realidad cruda a la que ambos personajes no han querido enfrentarse, tal vez porque nunca salieron de ese idealizado blanco y negro de quince años atrás, los niños han crecido y en muchos casos, su realidad no es la deseada por aquellos que los cuidaron. La idea de clan familiar unido siempre contra viento y marea es mas bien una quimera. 

Desde el inicio sabemos que Chencho trabaja como médico en Nueva York y no puede ir ni a la fiesta homenaje a su padre. La pequeña María, trabaja como azafata, no ha estudiado nada y por su trabajo , no para de viajar. De hecho, cuando en el piso del padre de plantifica El Padrino, tras su ruptura con su adúltera mujer, decide irse a vivir a un piso.

La idea del Padrino de vender el piso y buscar cobijo en la casa de uno de sus hijos parece genial, pero la realidad le hace descubrir a padre y padrino que la generosidad destaca por su ausencia.  

Nada más llegar a casa de su hijo mayor, un arquitecto de éxito , ve que no atiende a sus hijos debidamente, dejándoles salir a altas horas de la noche y sin importarle que fumen porros o beban, y que tiene en su estudio contratado a su hermano Carlitos (Jaime Blanch) , al que trata despóticamente algo que el padre no consiente, largándose de inmediato de la casa a instalarse a casa de Carlitos, que si bien vive decentemente y trata bien a la familia, no está en condiciones de alojar a su padre.

Comienza así un periplo que lo lleva por distintas casas y a vivir experiencias inesperadas, algunas nada agradables sobre la realidad de sus hijos, sus trabajos  o su familia políticas como ocurre con su hija Mercedes que, aunque viven en una gran casa, tienen que convivir con su impertinente suegra (Margot Cottens), o Críspulo, que dirige un hotel , que no es tal sino una casa de citas, o Roberto que se dedica a los negocios de la noche y que tiene relaciones múltiples con chicas de la discoteca o del local. 

La situación  va a peor cuando sabina, la feminista de la casa, confiesa que otras de sus hermanas va a Londres a abortar, cosa que al padre le parece un imposible; o los encuentros no deseados con prostitutas que tendrán muy a su pesar Padre y Padrino. Ni tan siquiera Carlota, la hija que fue llamada a la dedicación a los demás al entregarse como monja a Dios, y que está en una residencia de ancianos, que no es tal , sino un asilo para personas de edad, dan solución a sus problemas.

Carlota llama al resto de hermanos que se personan, pero ellos no quieren que nadie los acoja lanzándose a unirse a la carrera de Maratón que iniciaron a prepararla al inicio de la película. Una carrera hacia la Libertad, la que necesitaba la España de 1979. 

En Fotogramas se comenta que es el "Punto final de la saga iniciada con "La gran familia", al que se pretendió otorgar un tono entre sórdido y amargo. En este sentido, el guión ofrecía inflexiones inéditas en sus precedentes, en un registro casi depresivo. Por desgracia, la realización no se decantó por esta prometedora línea, siguiendo las habituales convenciones. Pese a ello, cuenta con momentos realmente afortunados. "

Un habitual de Fotograma, Fausto Fernández escribió en Twiter- ahora X- lo siguiente: "Soy un acérrimo defensor de los guiones que Rafael Azcona hizo para Pedro Masó, por ejemplo de esta ácida operación de desmontar con mucha bilis lo idílico de LA GRAN FAMILIA y LA FAMILIA Y UNO MÁS, y su desmitificación con mala leche (el Opus; sexo; política...) ".

La película es ácida y corrosiva, una vitriólica revisión del "clásico" de Fernando Palacios​ con un mensaje de fondo de la película triste, tremendo y  reflexivo sobre el papel de los padres cuando envejecen. Presenta un guion mordaz con fuerte peso de Rafael Azcona con tono pesimista y desencantado acompañado del habitual naturalismo de Masó en la dirección, lo que contribuye a crear un film con pequeñas píldoras divertidas dentro de un tono general, más bien, depresivo. Un epilogo con esa carrera a la libertad es lo menos esperado más llamativo pues el final no puede ser otro. La interpretación de José Luis López Vázquez es magistral y la actuación de Closas, soberbia como siempre, así como esos homenajes a algunos de los fallecidos de entregas anteriores especialmente al gran Pepe Isbert, el inolvidable abuelo.

Kiko Veneno. Un día Lobo López

Recuerdo una Fiesta de Primavera del año 1988 en la Facultad. Era viernes o sábado. Aquel día junto a otros grupos, algunos con alumnos de la Facultad, me contaron que había estado dando un pequeño concierto un músico andaluz que era un mito, pero que no arrastraba multitudes, aunque algún pelotazo había dado con un tema o un dísco, el de Seré mecánico por ti o una canción como Si tú, si yo (1984) un maxisencillo de tres canciones.

Era curioso pero siempre me había llamado la atención que ese músico que tenía un acento andaluz más fuerte que el mío había nacido en una localidad catalana, Figueras - su madre y su segundo apellido, Sanfeliu, eran de allí-. También lo recordaba de su etapa de  Veneno y lo relacionaba con Pata Negra y con los Amador, sobre todo con Raimundo. Me llamaba la atención que un músico que había estado implicado con Camarón o con la genial guitarra de Raimundo Amador parecía un exitoso músico de minorías. Parecía cumplirse ese lema que recordaba de Juan Ramón Jiménez sobre a quién dirigía su obra: " a la minoría, siempre".

El documental de Alejandro G. Salgado del año 2023 realizado con la compañía Maleta Films, junto con RTVE, producido por Irene Hens, y con guion de Guillermo Marrufo se centra en la trayectoria musical de Kiko Veneno uno de los artistas andaluces más peculiares de los años 90, pero si bien pasa casi de puntillas sobre sus orígenes - resaltando que a los veintitrés años conoce a un jovencísimo Raimundo Amador con el que dos años más tarde forma el grupo Veneno junto a su hermano Rafael Amador, grabando su primer disco con el mismo nombre del grupo, que entonces no tuvo apenas repercusión comercial, aunque hoy es considerado un disco fundamental en la renovación musical sevillana o colaborando en 1979 con un músico como Camarón de la Isla y su La Leyenda del Tiempo que lanzó su inmortal tema "Volando voy"- si que se centra en un Kiko Veneno que nos lleva principalmente al año 92, un año clave para Sevilla, y que fue un punto de inflexión en su vida porque el artista llevaba década centrado en la música como Veneno y entre sus saberes se encontraba el haber compuesto volando voy o lanzar el álbum Veneno uno de los discos de música urbana más importante de nuestra historia. 

Diez años antes, en el 1982, en plena movida madrileña, había grabado el citado LP Seré mecánico por ti, tras intentar abrirse camino musicalmente en Madrid. No consigue vivir de la música por lo que empieza a trabajar como programador cultural de la Diputación de Sevilla en 1982. 

En paralelo, va componiendo para otros artistas que sí triunfan como Martirio y entronca con grupos y músicos de Sevilla como Smash, Alameda o integrantes del blues sevillano.  

Sin embargo nunca había conseguido dedicarse profesionalmente a la música, aunque seguía vinculado intensamente a la "movida" sevillana que trabajaba en la Cabalgata de la Expo 92, con la que diariamente se marcaba el final de la tarde para dar paso al programa de actividades nocturnas. 

En ese año de la Expo´92 lanzó un LP titulado "Échate un cantecito" que él se planteó como su última oportunidad para triunfar en la música. Kiko veneno se había prometido en dejarla definitivamente, como declaró en La Vanguardia mientras promocionaba la película “Aposté por hacer mi último disco” y seguir como funcionario de la Diputación de Sevilla si no lo lograba. Al fin y al cabo era en esos años un trabajador laboral de la Diputación, del área de Cultura, con 40 años, casado y con hijos, pero esa era su situación a finales de los años ochenta. El desenlace ya es historia de nuestra música.

El documental repasa la carrera de Kiko Veneno y nos muestra el proceso creativo en un álbum rodado en Londres en la que fue fundamental la ayuda del cantante Santiago Auserón que lo acercó a Londres y al productor Joe Dworniak. El documental nos muestra el intenso trabajo en el estudio de grabación londinense, con alguno de sus músicos , pero también con trufados ingleses en la batería, bajo y percusión. En ese disco se graban sus creaciones "Echo de menos", "Lobo López", "Joselito" y "En un Mercedes blanco" fueron los principales grabados en los estudios Moody de Londres durante un mes y medio . Su popularidad se agrandó con la gira "Kiko Veneno y Juan Perro vienen dando el cante", donde también participaron, entre otros, Raimundo Amador y Luis Auserón. 

Tres años más tarde repite con el productor musical de Auserón con el nuevo álbum Está muy bien eso del cariño. Estamos en 1995, del mismo destaca el diseño de la cubierta, realizado por Javier Mariscal y la presencia de la guitarra flamenca de Raimundo Amador, que, junto con la producción de Dworniak, confiere al disco un sonido totalmente único. Temas a destacar son: "Viento de poniente", "Memphis blues", "Casa cuartel" o "Lince Ramón" .  

Al menos para mí y una vez visto el documental, desde entonces un Mercedes es ya otra cosa, sobre todo colocando en su lugar una vez superados los 30 años de la publicación de Échate un cantecito, el sexto disco de estudio de Kiko Veneno, producido por Joe Dworniak con la colaboración de Santiago Auserón. 

'Un día Lobo López' se adentra en las circunstancias vitales y el contexto artístico e histórico que hicieron posible la creación de un álbum que marcó camino en el pop español y que cambió la suerte de su autor.

Es cierto que el documental se centra en esos años no entrando en profundidad en la trayectoria posterior de Kiko Veneno como cantante, guitarrista y productor musical. Pero lo más importante de este documental rodado entre Londres y Sevilla es ver una película documental musical que habla de música.  Es cierto que algunas de las grabaciones que se ven de sus directos tienen una calidad precaria pero se integran perfectamente en la narración.

La narración audiovisual durante casi todo el documental tiene el formato visual de doble pantalla, que permite a la dirección de fotografía de Sergio Caro ilustrar la trayectoria del músico y facilitar la narración. “Un día Lobo López”, dentro del 26 Festival de Málaga 2023, recibiendo el premio a mejor obra de no ficción en los Premios 2023 de la Asociación de Escritores de cine Andaluces. 

El director para su documental contó con los que ayudaron a la grabación, Juan Ramón, Frank Tontoh, Lolo y Pájaro, los mismos músicos que participaron en la grabación de 1992, y vuelven a interpretar 30 años después las piezas del disco al tiempo que recuerdan su origen. “Era muy necesario mostrar el trabajo de la banda dentro del proceso creativo” explicó Alejandro en la presentación de la película en Barcelona, “un ejercicio liderado pero conjunto”. en el documental aparecen voces como la de Raimundo Amador, Santiago Auserón o Ana, su mujer y madre de los tres hijos de Kiko. Entre todos enhebran un relato en positivo de un periodo que el protagonista recuerda con felicidad desde el momento en que comenzó a preparar Échate un cantecito, allá por 1989. “Tenía mi estudio casero, componía canciones con otra calidad, me encontraba más confiado, tenía un trabajo, unos ingresos, y eso te da seguridad”. 

No hay duda la importancia de disponer de una nómina y un empleo que como Kiko Veneno reconoce le sirvió para “disciplinarme y aprovechar mejor el tiempo que tenía”. 

Como señala Sergio Lozano en La Vanguardia "“En Londres estaba feliz” explica, recordando la tranquilidad que le daba disponer de “un equipo de producción, que no había tenido nunca, una discográfica detrás, un presupuesto buenísimo, cosas que nunca había visto en mi vida”, una manera profesional de trabajar en la música que culminó con la gira conjunta de Kiko y Juan Perro. “A los 40 años veía gente que había comenzado conmigo que ya se estaba retirando”, explica. Se trataba de carreras enfocadas a un público más juvenil, un tren que él perdió, no logrando “identificarme con mi generación”. Un freno que le permitió “al cabo de un tiempo, con paciencia” armar un trabajo “más consistente y clásico”. El crítico que fue del Diario Vasco, Ricardo Aldaondo escribió sobre ella que era "Qué majo Kiko Veneno y qué estupendo el filme Un día Lobo López de Alejandro G. Salgado sobre su enorme talento y la creación de ‘Échate un cantecito’. Nada promocionero: es brillante reconstrucción de un tiempo mágico y una pasión por la música sin igual. ".  

Un documental necesario para conocer con más profundidad una época y la génesis de uno de los discos principales. 

Daybreakers

Con un "Tenemos una cura" termina Daybreakers, una película de terror del año 2009, una historia que combina el mundo vampírico con la ciencia ficción y que fue dirigida por los hermanos Michael y Peter Spiering. 

Lo llamativo de la película es el elenco encabezado por Ethan Hawke y Willem Dafoe, a los que se suman Sam Neill,  Isabel Lucas,  Claudia Karwan y Michael Dorman. El título hace referencia a como los primeros rayos del sol destruye a todos aquellos vampiros a los que toca. 

La película una producción en estadounidense y australiana se desarrolla en el año 2019 en un momento en que casi todos los habitantes del planeta han sido infectado por una misteriosa plaga que los ha transformado en vampiros. 

Los humanos son ahora una especie en peligro de extinción. La población humana ha caído en picado, dejando a los vampiros con una grave escasez de sangre;  Se han convertido en ciudadanos de segunda y se ven obligados a vivir recluidos, escondiéndose para escapar de los vampiros que se dedican a cazarlos o a criarlos en granjas. 

Y es que en 2009, una plaga causada por un murciélago infectado, transformó a la mayor parte de la población mundial en vampiros. Los vampiros privados de sangre degeneran en "subsidiarios" psicóticos, parecidos a murciélagos. La mayoría de los seres humanos son capturados y cosechados en granjas de laboratorio mientras los científicos investigan sustitutos sintéticos. Como la luz del sol es mortal para los vampiros, se construyen pasajes subterráneos y automóviles con filtros ultravioleta para viajar con seguridad, mientras que los pocos humanos libres viajan durante el día, escondiéndose en espacios abiertos. 

Su salvación está en manos de hematólogos como Edward Dalton, un vampiro experto en hematología que está intentando dar con un sucedáneo de la sangre que pueda alimentar a los vampiros y salvar así a los pocos humanos que quedan.  Edward Dalton es el hematólogo jefe de Bromley Marks, una compañía farmacéutica que es el mayor proveedor de sangre humana en los EE. UU. Edward y su colega Christopher Caruso están desarrollando un sustituto de la sangre. El propietario de la compañía es Charles Bromley (Sam Neill) , el despiadado propietario de Bromley Marks, el mayor proveedor de sangre de EE. UU. En 2008, poco antes de la plaga, le diagnosticaron cáncer y se esperaba que viviera sólo unos pocos años. Se convirtió en vampiro para salvarse del cáncer, a costa de ser rechazado por su amada hija Alison. No tiene ningún interés en volver a ser humano, ya que quiere utilizar el sustituto para convertirse en el hombre más rico del mundo y por toda la eternidad. 

Al regresar a casa después de un experimento fallido, Dalton accidentalmente saca a otro vehículo de la carretera. Al descubrir que los ocupantes son humanos, Dalton los esconde de la policía. Antes de separarse, su líder, Audrey, descubre el nombre y la ocupación de Edward a través de su tarjeta de identificación. 

Una vez en casa, Edward es sorprendido por su hermano Frankie, del que está separado por razones de peso, ya que después nos enteramos que Edward Dalton fue convertido en vampiro por su hermano Frankie. El regalo de Frankie, un militar de élite, de una botella de sangre humana pura reaviva una discusión de larga data: Edward se niega a beber sangre humana y en su lugar usa sangre animal, mientras que Frankie disfruta de su condición de vampiro. 

Tras tirar la botella contra la pared aparece en la casa un vampiro, que reconoce como un residente de la zona, un jardinero del barrio de Edward, es quien ha invadido la casa, obligando a los hermanos a matarlo. 

Todo parece perdido hasta que se reencuentra con Audrey, una superviviente humana. A la mañana siguiente, Audrey visita la casa de Edward y le da instrucciones para una reunión. Edward conoce a Audrey y Lionel "Elvis" Cormac, que le revela un impresionante avance médico: un humano que alguna vez fue vampiro.  Nos enteramos que Lionel "Elvis" Cormac es un antiguo mecánico , uno de los primeros en la ciudad en adaptar los automóviles para la conducción diurna, con pantallas ultravioleta retráctiles y cámaras exteriores. Una vez, mientras conducía durante el día, estaba exhausto por no beber sangre, lo que provocó que se distrajera y estrellara su Chevy Bel Air negro 1957 contra una cerca, expulsándolo a la luz del sol; Elvis estalló en llamas, pero su vida se salvó al caer al agua, convirtiéndolo nuevamente en humano debido a la precisa exposición al sol. Fue encontrado por Audrey. 

Antes de que Cormac pueda explicar su reversión, llega un equipo militar con Frankie, quien siguió a Edward y tiene la intención de capturar a Cormac y Audrey. 

Audrey deja inconsciente a Frankie y los tres escapan. Cormac revela que se curó del vampirismo cuando un accidente automovilístico lo expulsó de su vehículo a prueba de sol. Elvis estalló en llamas a la luz del sol, pero aterrizó en un río, después de haber estado expuesto al sol durante un período de tiempo preciso para volverlo humano nuevamente. 

Edward acepta ayudar a Cormac a encontrar una manera de recrear la cura y prevenir el genocidio humano. Esa noche, en un viñedo propiedad de la familia de Audrey, Edward conoce a más humanos y al senador Wes Turner (Jay Laga'aia), otro vampiro que secretamente siente simpatía por los humanos y quiere ayudar a la raza humana y , especialmente, a la colonia a desarrollar una cura. Allí nos enteramos que Audrey Bennett (Claudia Karvan),  estudiaba en la universidad durante la plaga, y con la misma decidió esconderse en el antiguo viñedo de su familia y, negándose a convertirse en vampiro, reuniendo a humanos y  protegiéndolos. También encontró a Elvis ya curado y lo protegió. Lideran al grupo para intentar encontrar otros supervivientes. 

Un convoy de humanos que se acerca es capturado y los soldados vampiros rastrean la ubicación del viñedo, lo que obliga a Turner y a los humanos a huir. Audrey, Cormac y Edward se quedan atrás y juntos recrean el método mediante el cual Cormac volvió a su forma humana, curando a Edward del vampirismo. Más tarde encuentran a Turner y a todos los humanos muertos. 

Descubrimos que Alison Bromley, una de los humanos capturados, es la hija de Charles Bromley (CEO de Bromley Marks), quien se niega a convertirse en vampiro como su padre. También nos enteramos que Christopher Caruso (Vince Colosimo), el hematólogo compañero de trabajo de Edward en Bromley Marks, aunque mucho menos ambicioso que Edward, consigue crear un sustituto de la sangre, lo que le haría rico y poderoso en un mundo de vampiros, por lo que se muestra hostil a la posibilidad de una cura para el vampirismo. 

Charles le pide a Frankie que convierta por la fuerza a su hija Alison en vampiro- una violación en plena regla- , pero ella se niega a beber sangre humana. Al convertirse en un chupasangres, Alison y otros son condenados a morir quemados por la luz del sol. 

Molesto al presenciar la muerte de Alison, Frankie busca a su hermano. Nos enteramos que Frankie Dalton que convirtió a su hermano en vampiro porque tenía miedo de perderlo. ya que no podía soportar que su hermano muriera. El ejército impone la ley marcial para controlar a la población en decadencia. Edward, Cormac y Audrey irrumpen en la casa de Christopher y le piden que los ayude a difundir la cura. 

Habiendo descubierto finalmente un sustituto de sangre viable y sintiéndose eclipsado por Edward, Christopher no está interesado en una cura y convoca a los soldados, quienes capturan a Audrey mientras Cormac y Edward escapan. 

Son encontrados por Frankie, quien acepta ayudar, pero sus instintos le hacen morder a Cormac, pero beber su sangre convierte a Frankie en humano, revelando que la sangre de vampiro curada es una cura en sí misma. 

Al intentar salvar a Audrey, Edward se entrega a Charles. Revela su plan para comenzar a suministrar el sustituto de la sangre a la población en general mientras caza humanos y vende su sangre a precios exorbitantes. Edward se burla de Charles para que lo muerda, volviéndolo humano. 

Edward deja que Charles muera a manos de tropas de vampiros hambrientas de sangre. Frankie llega y se sacrifica por los soldados, lo que permite que Edward y Audrey escapen. En el frenesí alimentario que siguió, sólo unos pocos soldados supervivientes se curan. Para ocultar la cura, Christopher dispara a los soldados y está a punto de dispararle a Edward y Audrey cuando Cormac lo mata con una ballesta. Los tres supervivientes se dirigen hacia el amanecer con la cura que cambiará a la población general para restaurar la humanidad.

Los hermanos Michael y Peter Spierig escriben el guión de este thriller to futurista de ciencia ficción. El filme se convierte en una fábula que le da una vuelta de tuerca al mundo de los vampiros. Daybreakers es una película de ciencia ficción, acción y terror de 2009 escrita y dirigida por Michael y Peter Spierig. 

La película tiene lugar en un mundo futurista invadido por vampiros y se centra en una corporación vampírica que se propone capturar y cultivar a los humanos restantes mientras investiga un sustituto de la sangre humana. Ethan Hawke interpreta al hematólogo vampiro Edward Dalton, cuyo trabajo es interrumpido por supervivientes humanos liderados por el ex vampiro "Elvis" (Willem Dafoe), quien tiene una cura que puede salvar a la especie humana. 

En noviembre de 2004, Lionsgate adquirió el guion de Daybreakers, escrito por Peter y Michael Spierig. Los hermanos, que dirigieron Undead (2003), fueron asignados para dirigir Daybreakers. 

En septiembre de 2006, los hermanos recibieron financiación de Film Finance Corporation Australia, y la producción se llevará a cabo en Queensland. 

En mayo de 2007, el actor Ethan Hawke fue elegido para el papel principal. Al principio, Hawke dudaba en unirse a la producción porque "no era un gran admirador" de las películas de género. Finalmente aceptó el papel de Edward después de decidir que la historia se sentía "diferente" a la de una típica película B. Hawke describió la película como una alegoría del ritmo del hombre con los recursos naturales: "Estamos comiendo nuestros propios recursos, por lo que la gente está tratando de idear sustitutos de la sangre, tratando de alejarnos de los humanos extraños". El actor también dijo que a pesar de la seria alegoría, la película era "arte bajo" y "completamente sencilla y tonta" A finales de mes, el actor australiano y ganadero en sus tiempos libres, Sam Neill se unió al elenco como el principal antagonista. 

Daybreakers comenzó a filmarse en Gold Coast en los estudios Warner Bros. Movie World y en Brisbane en julio de 2007.  El rodaje terminó en septiembre de 2007. 

El presupuesto de producción fue de 21 millones de dólares y el gobierno estatal aportó 1 millón de dólares a los realizadores. Weta Workshop creó los efectos de criaturas para Daybreakers. 

Los hermanos Spierig querían que los vampiros de la película tuvieran una estética clásica y al mismo tiempo pareciera una interpretación más contemporánea. Después de experimentar con diseños de maquillaje complejos, decidieron que un enfoque más minimalista del maquillaje tenía un efecto más poderoso. 

Daybreakers es una coproducción internacional entre Australia y Estados Unidos, se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto en 2009. Se estrenó tanto en el Reino Unido  como en Norteamérica en enero de 2010. La película recaudó más de 50 millones de dólares en todo el mundo.

En cuanto a la crítica, el crítico del Chicago Sun Times, Roger Ebert, afirmó que la "premisa intrigante... termina como tantas películas hoy en día, con peleas feroces y derramamiento de sangre". Y en la otra gran publicación de la ciudad de Illinois, la de Chicago Reader, Richard Roeper la calificó como "un buenísimo momento".​ 

En Variety se describe la película como un filme con un "aspecto frío, azul acero, negro y gris tipo Matrix" aunque luego se señala que Daybreakers "surge como un thriller de persecución competente pero rutinario que carece de diálogos que llamen la atención, únicos personajes o escenarios memorables que podrían convertirla en un guardián del género en lugar de un pulido relleno del tiempo". 

Por su parte, en la revista Rolling Stone la consideró una película B y una "pieza de género ingeniosa".

Ya en España, Fausto Fernández en Twitter señala que " Sorprendente, inteligentísima y sensacional vuelta de tuerca (con elementos western y ci-fi) sobre el vampirismo". 

El hombre leopardo

Jacques Tourneur es uno de los directores más interesantes que tuvo el cine en los años cuarenta y cincuenta. se atrevió a todo y y siempre desde bajos presupuestos pero con una gran imaginación y un poderoso diseño y puesta en escena que a falta de dinero estaba sobrado de creatividad. Si magistrales fueron yo anduve con zombie o  La mujer pantera, la tercera de esta saga que se mueve entre el terror y la ciencia ficción es El hombre leopardo / The leopard man, una película del año 1943 realizada para la RKO en la que está el omnipresente Val Lewton y en la que Tourneur vuelve a dar lo mejor de sí mismo con poco presupuesto y con una gran puesta en escena. Basado en el libro Black Alibi de Cornell Woolrich, y transformada en guion por Ardel Wray, relata una serie de violentos asesinatos en una pequeña población, que coinciden con el escape de un leopardo de un club nocturno. Es una de las primeras películas de la historia en presentar la figura de un asesino en serie. 

La película comienza con la presentación de dos de las protagonistas que son por un lado Kiki Walker ( Jean Brooks) y Clo- Clo (Margo) , dos artistas de variedades rivales que compiten en un night club de una pequeña localidad de Nuevo México. Kiki piensa en mejorar su espectáculo y para ello y como estrategia publicitaria ideada por su manager y novio Jerry Manning ( Dennis O' Keefe) , la cantante aparece en su club acompañada por un leopardo negro mientras Clo Clo actúa. 

 Clo Clo con sus castañuelas asusta a la pantera que escapa del local sembrando el terror en la ciudad. Charlie, el nativo americano dueño del leopardo que se lo arrendó a Jerry, comienza a molestarlo para que le dé dinero para reemplazar al animal. 

Pocas horas después y esa misma noche una joven aparece muerta posiblemente atacada por el felino que le ha destrozado su cuerpo con sus garras. Se trata de Teresa, una joven local, que va a comprar harina de maíz para la cena de su familia. 

Debajo de un puente en un arroyo, se encuentra con el leopardo y huye a su casa. La mata en la puerta justo antes de que su familia pueda dejarla regresar a la casa. El médico forense dictamina que la muerte de Teresa fue un accidente y concluye que fue mutilada por el leopardo. 

Poco después, Consuelo, otra chica local, va a visitar la tumba de su padre en el cementerio el día de su cumpleaños, aunque en realidad va en busca de su novio, pues allí ha quedado, aunque se ha retrasado. Perdida en sus pensamientos, Consuelo no logra salir antes de que el portero cierre la puerta y se encuentra atrapada entre los muros de piedra del cementerio. Cuando llega la ayuda, encuentran a Consuelo, otra aparente víctima del leopardo. 

Desde ese momento el pánico se extiende entre la población, pues son ya dos las mujeres que han aparecido asesinadas de forma brutal. Las pesquisas inducen a pensar que el causante de los asesinatos no es otro que el felino. Sin embargo, Jerry que además se siente responsable de lo que ocurre considera que los dos nuevos asesinatos que se producen, uno de ellos en el interior del cementerio. 

Después de enterarse del segundo asesinato, Jerry pregunta a la policía por qué el leopardo permaneció dentro de la ciudad, ya que le informaron que naturalmente huiría al desierto. Charlie también pregunta si el leopardo mató a Consuelo, pero el historiador local y responsable del museo Galbraith lo incita a creer que puede ser el responsable, cometiendo los asesinatos durante sus borracheras nocturnas de alcohol en las que se desmaya. A petición suya, Charlie pasa la noche en una celda. 

Por su parte, Clo-Clo en el night club pasa el rato con un anciano rico en el club nocturno, quien le da un billete de 100 dólares. Después visita a María, una adivina, quien le advierte que "algo negro" viene a reclamarla. De camino a casa, Clo-Clo pierde el billete de 100 dólares. Cuando sale a buscarlo, es atacada y asesinada en la calle cerca de su casa. 

Kiki y Jerry a pesar de ser los principales responsables de las masacres por haber traído al animal y haberlo dejado escapar sospechan que quizá el leopardo no sea el responsable directo de la muerte sino que un asesino o una banda de asesinos se está aprovechando de las circunstancias para actuar y pasar desapercibidos. 

Kiki y Jerry, desanimados ya que se sienten responsables de lo que está pasando, se preparan para partir hacia Chicago, coincidiendo con una procesión anual que ocurre en la ciudad, conmemorando una masacre de nativos americanos por parte de los conquistadores. 

Cuando parten hacia el tren, Kiki y Jerry reciben un ramo de flores de Galbraith, que Kiki desea colocar en la tumba de Consuelo antes de salir de la ciudad. En el cementerio, los recibe Charlie, quien les notifica que su leopardo ha sido encontrado muerto a tiros en el arroyo y que le han quitado la piel; supone que el animal lleva muerto al menos una semana, lo que sugiere que un humano puede ser responsable de los asesinatos. Charlie recuerda haber visto a Galbraith en la zona y sospecha que mató al leopardo. Jerry intenta entregar a Galbraith a la policía, pero no le creen. 

Durante la procesión de esa noche, Galbraith escucha el grito de una mujer en el cementerio. Posteriormente ingresa al museo, donde escucha el eco de las castañuelas. 

Poco después, Kiki llega al museo, donde se ofrece a acompañar a Galbraith para ver la procesión. Ella convence a Galbraith de que apague las luces y le comenta que así podrán ver mejor la procesión. Galbraith está de acuerdo, y una vez que se apagan las luces, Kiki deja caer un par de castañuelas. Galbraith la ataca, pero Jerry la salva. 

Galbraith huye a la calle, donde finalmente lo detienen entre los manifestantes de la procesión. Enfrentado por Jerry y Raoul, el prometido de Consuelo, Galbraith confiesa haber asesinado tanto a Consuelo como a Clo-Clo. Admite que se inspiró para hacerlo después de presenciar al leopardo matar a Teresa. Ver su cara blanca y aterrorizada le excitó. En busca de venganza, Raoul mata a tiros a Galbraith. 

Más tarde, mientras están en el cementerio, Jerry y Kiki reafirman su amor mutuo. 

Jacques Tourneur realizó en el mismo año para el productor Val Lewton dos pequeñas joyas del género fantástico como Yo anduve con un zombie y el hombre leopardo, siendo esta última un curioso thriller psicológico, pues en el fondo es un cruce entre fantasía e intriga criminal que toma como base una novela del conocido escritor Cornell Woolrich sobre un asesino en serie que comete varios asesinatos en un pequeño pueblo mexicano por un supuesto hombre y leopardo. 

La película se rodó en un corto periodo de tiempo de un mes , entre febrero y marzo de 1943.  Su convencional final no resto méritos a una en obra de enorme capacidad de sugestión gracias a su atmosférica puesta en escena donde resalta la contrastada iluminación del gran operador Robert de Grasse. A destacar la música de Roy Webb, la citada fotografía de Robert De Grasse y el montaje Mark Robson.

Tourneur demuestra una vez más su habilidad para crear atmósferas inquietantes, así como incluye diálogos que a favor de la clase social más desfavorecida e , incluso, incluye respuestas cínicas como la del vigilante del cementerio cuando le contesta a Kiki y Jerry, al preguntarle sobre si se siente sólo: " Tengo muchos amigos. Pero no me molestan con charlas". Requiere una especial mención la actriz y bailarina mexicana amargo sobrina y cantante de la orquesta de Xavier Cugat e introductora de la secuencias más conseguidas y valientes del filme.

Tras su estreno inicial en cines, The Leopard Man recibió críticas mixtas. En su reseña de la película de 1943, Bosley Crowther de The New York Times calificó la película como "a medias" y escribió: "El hombre leopardo no es más que un intento débil y obvio de asustar y sorprender a la audiencia con algunos ejercicios de caos"

Tourneur dijo más tarde que "no le gustó" la película porque "era demasiado exótica, no era ni pez ni ave: una serie de viñetas, y no se mantenía unida. Había algunas cosas sorprendentes en esa historia... Pero hubo demasiadas escenas malas, y aunque usamos una efectiva canción de cumpleaños mexicana, el efecto general fue irregular y desigual".

En los años siguientes, tras el estreno de la película, la respuesta crítica moderna ha sido mayoritariamente positiva, y muchos críticos elogiaron la atmósfera, la dirección y el suspenso de la película. Ed González de Slant considera que el uso que hace Tourneur del sonido y las sombras para crear tensión es magistral. 

Ya en España, Ernesto J Pastor comenta que Tourneur lo que hizo fue seguir la estela de éxito que se había iniciado con La mujer pantera y que en esta película como en la otra lo mejor estaba en sugerir más que en mostrar. Y en eso le alabo el gusto. 

Carancho

Uno con este título puede pensar que un caracara, un ave de la familia de las rapaces que tiene fama de carroñero que se da en Sudamérica, pero no. No es cierto, ya que nuestro caso Carancho es una película que tiene a Paulo Trapero como onmipresente. Él es el director de esta película argentina del año 2010 que cuenta con Ricardo Darín y con Martina Gusmán en los principales papeles. 

Carancho es, o parte del mismo, un guión escrito a ocho manos por parte de Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre y Pablo Trapero, actuando igualmente como productor por medio de la productora Youngjoo Suh en la que está el mismo Pablo Trapero, quedando como coproductores con Juan Pablo Galli, Alejandro Cacetta y Juan Vera. El director de fotografía de la película es Julián Apezteguía, y responsable de sonido Federico Esquerro. 

El montaje quedó en manos de Ezequiel Borovinsky y Pablo Trapero. Mercedes Alfonsín fue la directora de arte y la responsable del vestuario Marisa Urruti. La música de Lim Giong, entiendo que esta es la particioación coreana de esta película que está en coproducción.

 Lo cierto es que existen en Argentina un uso muy común del término Carancho, pero con una connotación despectiva o negativa del término. Se emplea para calificar a los sujetos oportunistas y como parte de expresiones que aluden a cuestiones indeseadas. Estos sujetos oportunistas son los Caranchos , que suelen ser abogados que aprovechan o incluso fuerzan determinadas situaciones para iniciar contiendas legales o negociaciones que pueden aportarle dinero de forma poco ética. En su operatoria, suelen estafar a sus clientes, ofreciéndoles acuerdos por afuera del ámbito legal. 

Un carancho puede, por ejemplo, recorrer hospitales en búsqueda de víctimas de accidentes laborales. A estos individuos les ofrece una suma para que renuncien a demandar a la empresa, asegurándoles que no lograrían un monto mayor por el camino legal. Con el documento ya en su poder, el carancho luego contacta con la aseguradora de la compañía en cuestión para venderle el compromiso de la víctima por una cantidad mucho más alta, aunque inferior a la que podría llegarse en un juicio. 

Un ejemplo del proceder de estos abogados puede verse en una película titulada justamente “Carancho”, dirigida por el argentino Pablo Trapero. Bajo su dirección se pusieron a sus órdenes Ricardo Darín, Martina Gusman, Fabio Ronzano, José Luis Arias, Carlos Weber 

El filme, estrenado en 2010, comienza aportando datos como los siguientes: En Argentina mueren al año en accidentes de tránsito mas de 8 mil personas, veintidós por día; más de ciento veinte mil resultan heridas. La última década ha dejado 100 mil muertos. Los millones de pesos que necesitan las víctimas y sus familiares para afrontar gastos médicos y legales, producen un enorme mercado, sostenido por las indemnizaciones de las aseguradoras y la fragilidad de la ley. Detrás de cada desgracia asoma la posibilidad de un negocio. La película nos introduce en una intriga criminal y un drama social donde Ricardo darín es el abogado venido a menos que acepta a trabajar para una organización que estafa a víctimas de accidentes de tráfico.La historia gira alrededor de la relación que oscila entre el amor y el odio entre dos personas: Sosa y Luján. 

El primero, Sosa (Ricardo Darín) es el "carancho", un abogado especialista en accidentes de tránsito, a punto de recuperar su matrícula. Se mueve entre guardias de hospitales, servicios de emergencias y comisarías en busca de posibles clientes. Ahora trabaja para una fundación de ayuda a las víctimas. En realidad es la pantalla de un turbio estudio jurídico. Sosa consigue los clientes, los testigos, las pericias; arregla con la policía, los jueces, las aseguradoras. Es, pues, - y en resumen- , un abogado corrupto que, al igual que el ave de rapiña carroñera, vive de las víctimas de los accidentes de tránsito. Gracias a una serie de contactos recibe el dato del accidente y llega al lugar antes que todos, para ofrecer sus servicios legales en nombre de una "fundación" (la cual en realidad es ilegal). Si logra captar a la víctima le gestionará una indemnización, de cuyo importe deberá pagarle comisiones (coimas) a policías y paramédicos. 

Luján (Nartina Gusmán) es una joven médica, adicta, que hace guardias en un hospital de San Justo. Está fakta de carino y necesitada de droga. Su trabajo le angustia y en unas de sus guardias conoce a Sosa, tras un accidente de tráfico  en el que auxilia.

Con el tiempo descubrirá a qué se dedica, lo encontrará otras veces en los accidentes, especialmente en una brutal, en el que paciente de una y el cliente de otro, fallece tras ser atropellado, y , previamente, tras partirle él con un mazo la pierna. Ambos tratarán de conducirse sin violar las reglas éticas. 

Pero es difícil, ya ue la organización está omnipresente, así que la vemos en el hospital, en la policía, en sus actuaiones mafiosas. 

Mientras la relación entre ellos va evolucionando, él entrará en problemas con su jefe en la Fundación y buscará junto a Luján escapar de ese mundo sin aparente salida. Pero casi imposible dado el entramado. Y , al final. ocurre lo que ocurre. Y en este caso quien ha hierro mata a hierro termina. 

Carancho fue una película que tuvo una gran aceptación. En su propio los críticos locales dijeron de ella entre otras cosas las siguientes. Diego Lereren las páginas de Clarín escribió que era un "Policial negro, puro y duro, que no da respiro al espectador, 'Carancho' nos mete en una situación que imaginamos en extremo realista pero la tiñe de la lógica." ; y en La Nación, Adolfo C. Martínez, escribió que "Pablo Trapero vuelve a poner de manifiesto en Carancho su indudable pericia pare relatar historias."  

Ya en España, Mirito Torretro en Fotogramas escribe que "Como en ella, se trata de denunciar que la corrupción es intrínseca a todo el mundo; de que apenas hay salidas; de que incluso una historia de amor, que parece ser la salvación, deberá rendir cuentas con el mismísimo Destino... y con los dados cargados. Así, ese Carancho, esa ave carroñera que encarna el bueno de Darín deberá afrontar todos sus errores, del pasado y presente. Trapero narra con la contención que en él es habitual, y también con el afilado sentido del realismo que sigue siendo su mejor marca de fábrica. Un film duro como el pedernal y con algunas de las mejores secuencias de acción vistas últimamente. " 

En la otra gran y prestigiosa revista cinematográfica, Cinemanía, Toni Vall, dejó por escrito que "Con un look de innegable atractivo, es una hábil parábola social (...) una buena peli de acción, un artefacto narrativo de impecable construcción y con un sensacional desenlace (...) Beatriz Maldivia en Espinof , cuando todavía era blog de cine, afirmaba que "Trapero realiza con tino la película, sin embargo, la progresión narrativa no alcanza un acierto equivalente. En una sucesión de arranques y frenazos, se van apuntando atisbos de una historia que parecen ser lanzados para inmediatamente ser atropellados sin excepción, como los seres que los protagonistas recogen en la vía pública. Los numerosos guionistas que firman el libreto quizá contasen entre sus intenciones crear este avance deslavazado y poco cohesionado para aportar a ‘Carancho’ un aire de realismo o de relato más interesado en la profundización psicológica que en la trama. " 

En ABC Play se describe esta pelñicula como "Casi una década después de deslumbrar a público y crítica con su ópera prima, "Mundo grúa", y tras firmar proyectos de diversa índole pero de igual buena acogida, el realizador bonaerense Pablo Trapero se embarcó en esta cinta con forma de thriller policíaco. Ambientes oscuros y sórdidos, personajes desencantados, una cuidada fotografía y un guión muy bien construido impregnan al filme de un realismo inquietante que atrapa al espectador desde los primeros minutos. Gran parte de la fuerza dramática de la cinta recae en la pareja protagonista, formada por Ricardo Darín y Martina Gusman. El entendimiento entre actores y director fue tan positivo que dos años más tarde ambos volvieron a ponerse a las órdenes de Trapero en el largometraje "Elefante blanco". 

Y en las páginas de ese díario , Oti rodríguez Marchante escribe que se trataba de "Una película potente (...) [Darín y Gusman] transmiten toda la sensación de riesgo, fatalidad, desesperación y lío que destila la trama (...) ".

Javier Ocaña en las páginas de El País subrayaba que la película era una "Enérgica mezcla de tragedia sentimental, intriga criminal y drama social (...) filmada con tal rabia, con tal hiperrealismo, que los últimos dos minutos de película te dejan literalmente seco"

Carancho tuvo una buena recepción en el Festival de Cannes ganó en los Premios Cóndor el premio Mejor Película del Año (2010) y obtuvo el premio a mejor película en Festival Rapa Nui Film Fest, obtuvo una mención en los Premios FIPRESCI y 11 nominaciones - a todo , casi- en los Premios Sur.

Una película con un , literalmente, impactante final, que te deja una extraña sensación y sabor indeterminado, donde los actores y actrices trabajan de maravilla y que responde a lo que dice el tango argentino compuesto en 1934 por Enrique Santos Discépolo y que magristralmente cantaba Julio Sosa- sí, Sosa- Cambalache que habla del desengaño, de los cínicos con un tono burlón y altanero. Así me ha parecido. 

La ruleta de la fortuna y la fantasía

Si pudieras pensar que se trata de un programa de Antena 3, un programa que considero que es un auténtico plomo, pero que ven millones de personas, incluso que les entusiasma, pero no, estamos hablando de una película japonesa del año 2021 cuya dirección - también el guion- recayó en Ryûsuke Hamaguchi quedando la fotografía en manos de Yukiko Iioka.

Obviamente se trata de un director japonés que saltó a la fama internacional por la película Drive me car, estrenada precisamente en el año de esta película, en 2021. Se trata de un aclamado director japonés de cine puramente de autor que saltó a la fama por la película antes citada así como por "Happy hour"  y que con esta que en japonés se titula Guzen to sozo - que significa en japonés "Coincidencia e imaginación", pero que se presentó en inglés como Wheel of Fortune and Fantasy ganó el Gran Premio del jurado del Festival de Cine de Berlín el llamado oso de Plata del año 2021 y en los Premios Asian Film fue nomianada al mejor director y mejor película , con esta fábula en clave femenina formada por tres historias impulsadas por el azar y la imaginación en la que las vidas de los personajes femeninos se ven marcadas por sus elecciones y sus arrepentimientos. 

A lo largo de estas tres historias conocemos a Kotone Furukawa como Meiko, Ayumy Nakajima como Kazuaki Kubota, Kyohiko Shibukawa como Segawa , Katsuki Mori como Nao, Aoba Kawar como Nana Aya, Fusako Urabe como Moka Natsuko que son los actores y actrices de estas tres historias separadas entre sí pero con los elementos y características que antes hemos citado. 

Se trata de un triángulo amoroso inesperado visible en el fragmento titulado Magia; una trampa de seducción fallida en la segunda historia Una puerta abierta de par en par y , en la tercera, Una vez más, con une encuentro surgido de un malentendido las historias que forman este tríptico de cuentos unidos por la memoria el engaño y el destino. Son tres historias, un tríptico,  impulsadas por el azar, las coincidencias , fragilidades, arrepentimientos y la imaginación en la que las mujeres son protagonistas absolutas de esta historia de falsa fidelidad, de impacto y de sororidad y que están construidos alrededor de la palabra.

En el episodio 1: "Magia (o algo menos seguro)" el director nos cuenta que durante un viaje en taxi de regreso de una sesión de fotos, la modelo Meiko se entera del nuevo interés amoroso de su mejor amiga Tsugumi. 

Después de que dejan a Tsugumi, Meiko toma el taxi de regreso a una oficina, donde se enfrenta a su exnovio, Kazuaki, de quien, según supuso, es la misma persona de la que Tsugumi estaba hablando. Ella relata cosas que Tsugumi le dijo, incluido que Kazuaki no podía olvidar a su ex novia. Después de discutir, él la abraza y Meiko huye cuando llega una compañaera de trabajo de Kazuaki. 

Mientras Meiko y Tsugumi están en un café, ven a Kazuaki afuera y Tsugumi lo llama para que entre, insistiendo en que Meiko se quede para dar su opinión sobre él. Meiko inmediatamente exige que Kazuaki elija entre ellos, lo que hace que Tsugumi huya y Kazuaki la persiga, pero rápidamente se revela que esto es una fantasía. En cambio, Meiko se disculpa y Kazuaki planea llevar a Tsugumi a algún lugar después del café. 

Episodio 2: "Puerta abierta de par en par"  comienza con la clase de un profesor que es interrumpida por un estudiante está suplicando en voz alta y se postra ante otro profesor, pidiéndole que no le suspenda, ya que eso descarrilaría su futuro como presentador de noticias. El profesor, el instructor de francés Segawa, sólo responde con indiferencia. 

El estudiante, Sasaki, está más tarde en su apartamento con su amiga , Nao, con la que mantiene una relación secreta. Nao es madre casada y se entera por la noticia de que Segawa ganó el prestigioso Premio Akutagawa por una novela que ha escrito. 

Sasaki le pide a Nao que seduzca al profesor para crear un escándalo. Nao entra a la oficina del profesor, presentándose como su ex alumna, cerrando la puerta detrás de ella, pero el profesor insiste en que permanezca abierta. 

Nao obtiene su autógrafo y le pregunta si puede hacerle preguntas sobre la novela. Lee en voz alta un pasaje erótico sobre un personaje al que le chupan los testículos y eyacula. Los dos tienen una conversación sincera. Nao revela que estuvo grabando al profesor todo el tiempo y él le solicita que le envíe el audio. Ella acepta, pero sólo después de pedirle que "se toque" mientras escucha la grabación de su voz, y él acepta verbalmente hacerlo. Una vez en casa, Nao envía accidentalmente el correo electrónico a "Sagawa" en la universidad, habiendo escrito mal el nombre. 

El error ortográfico de una sola letra en el nombre dirige la grabación a otra persona de la universidad que es administrador. La reputación de Segawa se arruina cuando el archivo de audio se hace público y el marido de Nao se divorcia de ella. 

Años más tarde, Nao se encuentra con Sasaki, del que está distanciado, en el autobús. Ella trabaja como correctora y él, como editor, y ambos llevan vidas separadas. Sasaki no muestra ningún remordimiento por arruinar a Segawa, y Nao se molesta por su conversación. Parece experimentar cierto remordimiento al recordar el asunto de la "grabación" y su resultado. Sasaki menciona que se va a casar. Cuando Nao llega a su parada, le da a Sasaki su tarjeta de presentación y lo besa mientras se baja del autobús. 

Episodio 3 se llama "Una vez más" Comienza señalando que en 2019, un virus provocó que las computadoras divulgaran sus datos sin darse cuenta, lo que hizo que todos volvieran a utilizar Telegram y el servicio postal. 

Tras eso vemos que una chica, Natsuko,  asiste a su reunión de chicas de la escuela secundaria y descubre que no encaja ni recuerda los nombres de sus compañeras de clase. 

Más tarde, en la estación de tren, reconoce a una compañera de clase con el que era cercana y la invitan a su casa. Las dos recuerdan el pasado y Natsuko le pregunta si es realmente feliz. Al darse cuenta de que Natsuko está a punto de desahogarse, la compañera de clase admite que ha olvidado el nombre de Natsuko. 

Las dos descubren que se han confundido con antiguos compañeros de clase, sin haber asistido siquiera a la misma escuela. Natsuko, avergonzada, intenta poner excusas y marcharse, pero está convencida de quedarse. Natsuko revela que la persona con la que confundió a la dama, Aya, fue su primer amor y que los dos rompieron en la universidad. Aya se ofrece a interpretar el papel de su exnovia de hace 20 años, ayudando a Natsuko a expresar sus muchos sentimientos no resueltos por su antigua amiga de la universidad. 

Cuando finalmente regresan a la estación de tren, Natsuko descubre que Aya la confundió con una compañera de clase con la que solía tocar el piano, y Natsuko interpreta su papel a su vez. El juego de roles ahora ayuda a Aya a resolver sentimientos pasados que antes no había podido resolver. 

Cuando finalmente se separan, Aya cambia de opinión y vuelve corriendo para alcanzar a Natsuko antes de tomar el tren de regreso a Tokio. Ella le dice que finalmente recordó el nombre de pila de su antigua compañera de clase, que se le había escapado durante las últimas horas. 

Los dos se abrazan reconociendo que cada uno ha podido resolver, al menos parcialmente, problemas del pasado que antes pensaban que habían quedado sin resolver con el paso del tiempo. 

Como nos explica Hamaguchi "el tema de la coincidencia siempre me ha interesado y representarla es una manera de considerar lo excepcional como la esencia del mundo, el lugar de lo real. Al crear un trabajo con ese título, comprendí que la historia se abre a un sinfín de posibilidades inesperadas ".

El mismo director cuando estuvo en San Sebastián comentó que gran parte de las historias habían surgido de la casualidad tales como conversaciones en un bar o de la imaginación. En parte son historias reales que él mismo ha vivido o que le han contado. Son historias sencillas que el director aprovecha para investigar los recodos del alma humana. 

En este director la sutileza es la norma incluso cuando hay conflicto. La explicación la encontramos en su forma de trabajar. Para el director lo más importante en una película son los sentimientos que transmiten los personajes. Por eso cuando empieza una película el director quiere que los actores, en lecturas de guión colectivas,  lean simplemente el texto, sin poner sentimiento en la lectura. Mientras que cuando ruedan le pide que pongan los sentimientos que le sugieren el texto. Por eso en sus películas el texto juega un papel fundamental. Y le pide que no añadan nada que no estén sintiendo en ese momento. 

Se trata de una película unánimemente elogiada de ella han dicho, por ejemplo, Peter Debruge en las páginas de Variety que se trata de una "Ligera pero gratificante (...) Al espectador no le suelen gustar las coincidencias en los dramas (...) Sin embargo, en las manos de Hamaguchi, los giros fortuitos (...) no dan la impresión de ser una forma de manipulación, sino una oportunidad para explorar interesantes escenarios".

Stephen Dalton de The Hollywood Reporter sostuvo que "Las instantáneas íntimas de Hamaguchi de la angustia de la clase media son inusualmente humanas en los estándares del cine moderno, recordando a las descripciones cálidas indulgentes de Eric Rohmer" 

Por su parte, Chuck Bowen de Slant comentó que era "Una fábula alternativamente mordaz, erótica, aterradora y reafirmante del poder primordial de la narrativa (...) . 

David Ehrlich de IndieWire escribió que "El producto final es más grande que la suma de sus partes, porque Hamaguchi entiende que la mejor ficción breve no es simplemente una versión pequeña de algo mayor" y Odie Henderson de rogerebert.com escribió que "Como en cualquier serie de antología, algunas partes funcionan mejor que otras. Pero incluso cuando la calidad baja un poco, seguimos constantemente intrigados (…) . 

En Gran Bretaña Peter Bradshaw en las páginas de The Guardian dijo que "Este trío de historias es elegante y entretenido, con un toque delicado y una verdadera e imaginativa calidez (...) y Jake Cunningham de Empire señaló que "Se trata de una colección de historias elegantemente interpretadas y magistralmente detalladas, que revelan la delicada y discreta magia que hay en una simple conversación (…)  

En la mexicana Cineteca Nacional se presenta como una película de mujeres " que se enfrentan a la naturaleza impredecible de la vida cotidiana. ". 

En El País Elsa Fernández-Santos dijo de ella que era "Una cautivadora inmersión en el teatro de la vida" . Luis Martínez en El Mundo dejó por escrito que "El director japonés compone con una delicadeza que es también hondura una deslumbrante descripción de los vértigos de la clase media, sus mediocridades y sus angustias." 

Y en las páginas del ABC , Oti Rodríguez Marchante la describió como ""Notabilísima película (...) tres historias con enorme dureza interior, de sentimientos profundísimos y que se entregan con una sencillez y elegancia de narrativa mayor, de escritura prodigios (…) ". 

Por último, Fausto Fernández señala que "La vida como una charada escrita en el mensaje de una galleta de la fortuna es una oda al azar sentimental y a las casualidades de un destino en un tempo Ozu".

Comentar que estamos ante una delicatessen, un filme sensible, tres historias complementarias que dan un sentido a unitaria a la historia. es difícil quedarse con una, pues en la última la relación de esas dos desconocidas nos conmueven, y en la segunda  nos llega a excitar, siendo la más menos impactante la primera, aunque se giro final la cierra perfectamente.  Una película unánimemente señalada como excelente y con toda la razón.