Badland

Yo me lo guiso y yo me lo como. Kevin Makely es el protagonista de la película pero también el productor mediante la Papa Octopus Productions de este western del año 2019, escrito y dirigido por Justin Lee. 

Un hombre de Pinkerton, Mathias Breecher, que sueña con montar una granja en Oregón, ha de cumplir con el mandato otorgado por el ahora  Senador y antiguo esclavo, Benjamín Burke (Tony Todd ) , un hombre de color que quiere poner fin a los desmanes de algunos militares confederados cometidos durante la guerra de Secesión. Todos han sido condenados a morir en la horca. 

Mathias Breecher, un hombre de palabra , pero parco en las mismas y pródigo en causar bajas dada su habilidad en el manejo de las armas ha de recorrer todo Oeste en busca d criminales de guerra que lucharon en el bando confederado. 

El detective es un veterano de la Unión y un hombre serio, eficaz, eficiente y letal. Está encargado de ejecutar la sentencia de horca, o, simplemente, ejecutar a los condenados por crímenes de guerra.

La película se divide en capítulo que corresponde con la búsqueda de los delincuentes de la Guerra de Secesión. 

Capítulo 1; el general. El primer encuentro en Breecher los fuera de la ley tiene lugar en un granero donde encuentra al llamado General, un ex general confederado Corbin Dandridge (Trace Adkins), junto a cuatro de sus hombres. La acción tiene lugar en Mississippi.

Capítulo 2: Los Cooke's . Recibe ese título por tanto Sarah (Mira Sorvino) como por su padre, Purvie o R. (Bruce Dern), un hombre enfermo y en estado terminal , aunque cuyas tierras quieren ser arrebatadas por un terrateniente, Quaid. 

Antes de llegar aquí tiene lugar en su camino al Oeste un encuentro entre Breecher y un cazarrecompensas nativoamericano, Harlan Red (Wes Studi), quien afirma que algún día entrarán en conflicto. 

Breecher cuyo objetivo es viajar al oeste en busca de Reginald Cooke (Bruce Dern). Al llegar se encuentra encuentra que la granja de los Cooke está siendo presionada pòr un grupo de maleantes que son repelidos por la hija del dueño. 

Nada más llegar se entera de que Reginald está siendo cuidado por su hija, Sarah (Mira Sorvino), mientras se está muriendo de neumonía. Breecher decide no disparar ni colgar a Cooke, sino quedarse en su propiedad hasta que muera de la enfermedad. 

Durante su permanencia, se hace amigo de Sarah. Breecher viaja para visitar a un terrateniente vecino, Fred Quaid (James Russo) y le ofrece dinero a Quaid para que deje de amenazar a los Cooke para que les venda sus tierras. 

Quaid ofrece dejarlos en paz si Breecher puede vencer a uno de los suyos en una pelea a puñetazos. Breecher acepta y gana la pelea, luego regresa a la casa de los Cooke. Sin embargo, al día siguiente, Quaid y varios hombres atacan la casa de los Cooke. 

Breecher y Sarah Cooke los detienen. Reginald sale con un arma para ayudar, y Quaid le dispara, quien a su vez es baleado por Breecher. 

Después de construir un ataúd para Reginald y ayudar a Sarah a enterrarlo, Breecher se dirige al oeste a Nuevo México en busca del ex capitán confederado Huxley Wainwright (Jeff Fahey). 

Capítulo 3: El Sheriff

Sabemos que Mathias tiene una orden de arresto contra Huxley Wainwright que , finalmente , vive en Willowsburg / Knife Edge.

Breecher se aloja en un hotel y un bar, y se encuentra con el ahora sheriff Wainwright (Jeff Faheit) después de un tiroteo dentro del bar. 

Wainright sospecha de los recién llegados desde que dejó de recibir cartas de Dandridge, y hace que atrapen a Breecher y lo aten a una silla temprano a la mañana siguiente. Wainwright descubre que Breecher es detective después de ver su placa y las órdenes de arresto que lleva Breecher. Lo somete a ahogamiento y lo deja inconsciente, luego ordena a dos de sus hombres que lo entierren vivo fuera de la ciudad. 

Breecher recupera la conciencia mientras los hombres de Wainwright están cavando su tumba y logra escapar, matando a ambos. Se tambalea hasta la iglesia local donde encuentra a la señora que regenta el bar, Alice Hollenbeck (Amanda Wyss) rezando y le da un mensaje para que lo envíe a su patrón, el senador Benjamin Burke (Tony Todd). 

Ella regresa con la respuesta de Burke de que Breecher debe usar su propia discreción y proceder "por cualquier medio necesario". Después de darle una carta dirigida a Sarah Cooke, Breecher le ordena a Alice que se esconda hasta que termine la pelea y abandona la iglesia. 

Marcha hacia el bar y se involucra en un tiroteo con los hombres de Wainwright, que gana. Wainwright se muestra atraído y desafía a Breecher a un enfrentamiento en el que ambos reciben un disparo. Breecher sobrevive a su herida, le da la placa de sheriff de Wainwright a Alice y se va de la ciudad, para luego desplomarse en un bosque.

Capítulo 4: Breecher (Mathias). Breecher llega malherido y cae bajo un árbol. Allí Harlan Red lo encuentra y le venda las heridas. En agradecimiento, Breecher le dice a Red dónde encontrar el cuerpo de Wainwright para cobrar la recompensa. Breecher continúa y finalmente llega a la granja de los Cooke, donde encuentra a Sarah.

Badland pretende ser una revisión moderna del western, mostrando a un grupo de personajes llenos de grietas.

El personaje principal es representado por Kevin Makely. Completan el reparto Mira Sorvino, Bruce Dern, Wes Sturdy y Trace Adkins. 

La película cuenta con la buena fotografía de Idan Menin y el montaje de Michael Tang. El rodaje se llevó a cabo en Santa Clarita, California, en el rancho Veluzat Movie. Lee había visto el western revisionista Hostiles de 2017 y se sintió inspirado, pero también comenzó a recordar películas que vio con sus abuelos y se sintió inspirado "a escribir algo como un retroceso a ese tipo de películas, pero sin hacer algo 'cursi' de alguna manera. Algo con mucho drama pero que aún mantuviera esas viejas tradiciones y tropos de los años 60 y 70".  

Joe Leydon en Variety dijo: "El western independiente de Justin Lee debería satisfacer a los entusiastas del género con un elenco fuerte y una versión entretenida de una historia familiar". 

Noel Murray de Los Angeles Times dijo de ella que se trataba de una película con una " historia inteligente, pero su estilo es tediosamente sombrío y referencial (...) Su reparto es, fácilmente, lo mejor de la película" 

Jeffrey M. Anderson de Common Sense Media comentó que a la película se le nota su " (...) su bajo presupuesto y su poca energía, este wéstern empieza flojeando, pero gracias a sus veteranos actores, rápidamente encuentra un tono adecuado y lacónico que agradará a los fans del género (…) "

Reconozco que la he tenido que ver dos veces para sacar conclusiones y , sí, al final me ha gustado, aunque por momentos la he visto pobre y son ritmo, pero da el pego como western de corte contemporáneo. 

Los otros

Recuerdo haber ido a su estreno allá `por el año 2001. Creo que era la tercera película de un director que había irrumpido en el cine español con una fuerza nunca vista, con un thriller, titulado Tesis (1996), que nos dejará boquiabiertos a todos los aficionados al cine y al género. 

La siguiente, en 1998, fue otra obra espectacular, pues Abre los ojos, nos volvió a dejar patidifusos a tirios y a troyanos , no ya sólo españoles, pues la idea fue comprada como la película por una multinacional para hacer un remake de Hollywood. 

Los otros fue la tercera, convirtiéndose en una de las películas más exitosas del cine español y un clásico contemporáneo, protagonizado por gente de Hollywood como Nicole Kidman y Christopher Eccleston.

Alejandro Amenábar parecía que iba a tener una carrera inigualable. Había creado una obra que competía en temática con una de las película que más impactó aquel año, El Sexto Sentido. 

La idea era común, en este caso una historia que se desarrolla en la británica isla de Jersey. Y aunque la guerra ha terminado , el marido de la protagonista, Grace ( Nicole Kidman) no ha regresado a casa. Grace espera el regreso de su esposo, que se encuentra combatiendo en la guerra y tiene fe en ella pues es una mujer de fuertes creencias religiosas . Sus dos hijos, una chica y un chico, Anne (Alakina Mann) y Nicholas (James Bentley), además sufre de una extraña enfermedad por la que no pueden recibir la luz del sol, son fotosensibles hasta un extremo nunca visto. Pero la llegada de tres nuevos sirvientes que vienen cruzando una niebla espesa e infinita rompe la rutina de la casa.

Estamos en 1945, y Grace Stewart vive en una remota casa de campo en Jersey, una isla del Canal que antes estaba ocupada por los alemanes, con sus dos hijos pequeños, Anne y Nicholas, ambos con una gran sensibilidad a la luz. Por ello, Grace mantiene la casa a oscuras con pesadas cortinas. 

Un día, llegan la señora Bertha Mills (Fionnula Flanagan), el señor Edmund Tuttle (Eric Sykes), y una joven muda llamada Lydia (Elaine Cassidy) ya que buscan empleo. Grace los contrata como ama de llaves, jardinero y criada, y se alegra de saber que los tres habían trabajado en la misma casa años antes y Grace acepta contratarlos.Grace advierte de las estrictas normas a seguir, especialmente una: todas las habitaciones deben permanecer en penumbra. Para ello, Grace le entrega a la señora Mills un juego de 15 llaves que abren las 50 puertas que hay en la casa. Otra de las normas que han de seguir rigurosamente es la de cerrar las cortinas de las habitaciones, de tal manera que no entre luz, ya que Anne y Nicholas son fotosensibles y podrían llegar incluso a morir por ello.

Tras conocer a los niños de la casa, cada uno comienza con su rutina. La madre ejerce de maestra de los niños. Con ella leen las Sagradas Escrituras, pintan , pero también discuten sobre la verdad o la existencia del Limbo. 

Entre tanto silencio, Grace se siente temerosa de que cualquier sobresalto pueda afectar a sus hijos, quienes advierten a la madre de que allí viven fantasmas. Tras percibir extraños ruidos y cambios dentro del acomodo de la casa, Grace intenta averiguar lo que ocurre en la mansión. 

Una noche Anne le comenta a su madre y hermano que recibe visitas periódicas de un niño llamado Víctor, un chico que dice vivir allí con sus padres y una anciana ciega. 

Grace cree que se trata de una fantasía, pero cuando ella misma empieza a oír pasos y voces incorpóreas, ordena que registren la casa, creyendo que hay intrusos en el interior. 

En un trastero, encuentra un álbum de fotografías del siglo XIX que contiene fotografías de personas que han fallecido, una práctica habitual al final del siglo XIX para guardar recuerdos de los familiares. 

La señora Mills relata que muchos de los habitantes de la isla se marcharon en 1891 debido a un brote de tuberculosis. 

Grace comienza a temer que haya entidades sobrenaturales en la casa, pero lucha por reconciliar tales cosas con su rígida fe católica. 

Por la noche, Grace es testigo de un piano que toca solo y se convence de que la casa está embrujada. Sale corriendo en busca del sacerdote local para bendecir la casa y le ordena a Tuttle que revise el cementerio cercano para ver si hay una familia enterrada allí. Al poco vemos que el señor Tuttle cubre las lápidas del terreno con hojas por orden de la Sra. Mills. 

Justo a la mitad de la película tiene lugar un hecho determinante en la película. Grace tras hablar con sus criados sale de la propiedad y mientras recorre el camino flanqueado por el bosque, se encuentra con su esposo Charles, a quien creía que había muerto en la guerra. 

Charles actúa muy distante durante su corta estadía en la casa, presumiblemente sufriendo un trastorno de estrés postraumático como resultado de su servicio en la guerra. 

Un día, Grace ve a Anne vestida con traje de primera comunión , aunque parece de boda. Como no para de hacer ruido le regaña y cuando va a quitarle el velo, para su horror, en su lugar encuentra a una anciana que usa el vestido de comunión de su hija y que habla con la voz de Anne. Grace ataca a la anciana, solo para descubrir que ha atacado inadvertidamente a su propia hija. 

Charles le informa a Grace que debe regresar al frente, rechazando su insistencia en que la guerra ha terminado.

 

A la mañana siguiente, Charles se ha ido y Grace se horroriza al descubrir que se han quitado todas las cortinas de la casa, exponiendo a Anne y Nicholas a la luz del sol. Acusa a los sirvientes de hacer esto y los expulsa de la casa. 

Esa noche, los niños descubren que las lápidas del cementerio pertenecen al trío de sirvientes y huyen cuando ven que los sirvientes se acercan a ellos. 

Mientras Grace busca por la casa encuentra una fotografía post mortem de la Sra. Mills, Tuttle y Lydia, quienes fallecieron durante un brote de tuberculosis más de cincuenta años antes. 

La Sra. Mills le dice a Grace que hable ellos han estado en la casa para protegerlos de los "intrusos". Grace descubre que la anciana ciega es de hecho una médium que está celebrando una sesión espiritista con los padres de Victor, quienes han descubierto a través de la escritura automática que Grace, abatida después de que Charles muriera en la guerra, asfixió a sus hijos con una almohada antes de suicidarse. 

Horrorizada, Grace se da cuenta de que "los otros" de la casa son la familia que vive en su casa y que, al igual que los sirvientes, ella, Anne y Nicholas son espíritus que rondan la casa y provocan la actividad sobrenatural. 

Abrazando a sus hijos, Grace admite su acto de asesinato-suicidio: se había despertado después y creía que Dios había devuelto la vida a todos después del asesinato. 

Después de la actividad sobrenatural en la casa causada por Grace y sus hijos, Victor y su familia se mudan. Anne y Nicholas se dan cuenta de que ya no están afectados por la luz del sol como lo habían estado en vida. 

La casa se pone a la venta nuevamente y la Sra. Mills informa a los Stewart que tendrán que aprender a cohabitar con los residentes vivos, solo para que Grace declare siniestramente que la casa es solo de ellos. 

La historia de esta producción se liga a lo comentado al principio sobre el éxito internacional de Amenábar y como llamó la atención de Tom Cruise, quien le propuso a Aménabar dirigir la adaptación de Abre los ojos, titulada Vanilla Sky, pero él se negó. Cuando llegó el proyecto de Los otros, Cruise compró los derechos e invitó a Aménabar a dirigir - sumándose así a la escritura del guion y a la música- , quien aceptó que Cruise y la producción recayó en José Luis Cuerda, Fernando Bovaira y Sunmin Parklos como integrantes de Las Producciones del Escorpión, Sogecine y Cruise-Wagner Productions, y por su implicación en la distribición aparecen igualmente los hermanos Weinstein de Miramax produjeran su película. Impuso una condición: rodar en España con su equipo, que incluye a Javier Aguirresarobe, cinematógrafo. 

Las localizaciones elegidas para el rodaje fueron en España como aparece en los títulos de créditos finales y en concreto se realizó en la localidad cántabra de Las Fraguas y Madrid.

Aunque la película está basada en un guion original de Aménabar, está influenciada por la obra Otra vuelta de tuerca de Henry James. Amenábar no negó este parecido y sufrió diversas bromas al ser nominado al BAFTA al mejor guion original, aunque el argumento de la película y la novela no tengan mucho en común. El argumento de la película también tiene semejanzas con el cuento Ellos ("They", publicado en Traffics and Discoveries en 1904) de Rudyard Kipling. 

La película se estrenó en los cines de Estados Unidos en agosto de 2001 por Dimension Films, participando en la producción, por lo tanto, los hermanos Weistein-, y en España en septiembre de 2001 por Warner Sogefilms. 

En el apartado técnico se sumaron Ricardo Steinberg en el sonido, en maquillaje Ana López-Puigcerver, en la fotografía Javier Aguirresarobe, en el montaje Nacho Ruiz Capillas y en el vestuario Sonia Grande. El resultado final fue un gran éxito de taquilla, recaudando 210 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de 17 millones de dólares, y recibió críticas positivas de los críticos, que elogiaron el guion y la dirección de Amenábar, así como la atmósfera y las actuaciones del elenco (en particular Kidman). 

En la 16.ª edición de los Premios Goya, la película obtuvo quince nominaciones y ganó en ocho categorías, incluidas Mejor película, Mejor director y Mejor guion original. Fue la primera película en idioma inglés sin una sola palabra de diálogo en español en ser galardonada como Mejor película en los Premios Goya de España. Ganó 8 de los 15 Goya , incluyendo mejor sonido, mejor fotografía. Junto a Días contados (1994) y Celda 211 (2009), también con 8 galardones, es la cuarta en la lista de películas más galardonadas en los Goya. Consiguió igualmente tres medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos para la dirección, guion y fotografía como también fue premiada por los críticos online, los de Kansas City y de Londres.  

Los Otros también recibió seis nominaciones en la 28.ª edición de los Saturn Awards, de las que ganó tres: Mejor Película de Terror, Mejor Actriz (para Kidman) y Mejor Actriz de Reparto (para Flanagan). 

Obtuvo nominaciones a Mejor Actriz en un Papel Protagónico (para Kidman) y Mejor Guion Original en la 55.ª edición de los British Academy Film Awards, y a Mejor Película en la 14.ª edición de los European Film Awards. Kidman también fue nominada a Mejor Actriz en una Película Dramática en la 59.ª edición de los Golden Globe Awards, como también lo fue en los Fangoria Chainsaw Awards, donde fueron nominadas igualmente a la mejor película y Fionnula Flanagan coimo secundaria. 

En cuanto a la crítica en los Estados Unidos fue unánimemente positiva. Para A. O. Scott, del New York Times "Los Otros es un vehículo defectuoso, aunque interesante. La indeterminación ansiosa de la primera sección resulta difícil de sostener, y a medida que Amenábar se aleja del minimalismo elegante, la historia comienza a volverse desordenada y confusa, en lugar de simple y enigmática". Scott destacó la actuación de Kidman, escribiendo que "encarna esta amalgama inestable con una convicción que es en sí misma aterradora. La reserva gélida que a veces se interpone en el camino de sus dones expresivos aquí se convierte en la base de su actuación más emotiva hasta la fecha". 

Dennis Harvey en Variety dijo de ella que "Los adultos ansiosos por ver suspense sin explosiones se verán recompensados (...) El control del director es magistral, creando muchas escenas terroríficas memorables" 

Scott Tobias de AV Club declaró que "Cada efecto está cuidadosamente calibrado para generar preguntas sin ofrecer respuestas inmediatas, lo que da un aire amenazante a la oscuridad" 

Lisa Alspector del Chicago Reader comentó que "Todas las imágenes y sonidos son sutiles (...) En un misterio no revisionista, la recompensa importa tanto como la idea, y el secreto de esta película de 2001 es muy fácil de adivinar." 

Roger Ebert del Chicago Sun Times elogió que "... Alejandro Amenábar tiene la paciencia de crear una atmósfera lánguida y onírica, y Nicole Kidman logra convencernos de que es una persona normal en una situación perturbadora y no solo una histérica típica de una película de terror". Sin embargo, señaló que "al desarrollar sus efectos, Amenábar confía demasiado en que el estilo puede sustituir a la sustancia". 

La revista Time Out elogió la película como "segura y controlada... La ausencia hace que el corazón lata más rápido: la ausencia de luz, la ausencia corpórea de seres queridos. Con un reparto astuto, Kidman es perfecta. Es una película húmeda e ingeniosa, una de las mejores películas de estudio del año". 

Kenneth Turan de Los Angeles Times citó la actuación de Kidman como la mayor fortaleza de la película, escribiendo que "se ha lanzado a su papel como si fuera Lady Macbeth en el escenario de Londres, con resultados formidables. Aunque Kidman no duda en hacer que Grace sea tensa y tensa como puede serlo, también proyecta vulnerabilidad y coraje cuando se lo requiere. Es una película intensa y envolvente. "La interpretación es una parte fundamental de la película, y domina y da energía a una película que se perdería sin ella". 

Mike Clark de USA Today escribió que "Aun siendo una película elegante que llama la atención, agota sin ofrecer demasiado (…) " 

Wesley Morris del SFgate la describe como una "película inteligente, pero es un ejercicio de retención narrativa que genera más dolor de cabeza que suspense agobiante." 

Ed Gonzalez de Slant destacó que "El ojo de Amenábar recuerda a las historias más claustrofóbicas y espeluznantes de Poe (...) Es bastante aterradora (…) " 

La prensa británica también la elogió. De ella dijo Peter Bradshaw en The Guardian que "Kidman hace una interpretación muy hermosa e imponente (...) El verdadero placer de la película es la relación entre Kidman y los niños" 

Caroline Westbrook de Empire destacó que era una " (...) película más terrorífica y atmosférica de los últimos años (...) Amenábar ha creado una obra evocadora e imaginativa que seguramente se quede en tu mente varios días después (…)" 

Alan Jones de Radio Times valoró positivamente el trabajo de "Nicole Kidman que hace una interpretación poderosa (...) Este melodrama frío y macabro es para aquellos que prefieren el terror sofisticado, no a lo bruto (…) 

Neil Smith de la BBC escribió que : "Filmada en un sepia opresivo en medio de una oscuridad casi total (los hijos de Grace tienen una enfermedad rara que les impide la exposición a la luz del sol), Amenábar aumenta la tensión a niveles insoportables". 

Ya en España, Carlos Boyero, entonces en El Mundo señaló que "No me conmovió ni me aterró, no me provocó ninguna de las impagables sensaciones que me regala el gran cine. Reconociendo su impecable factura (...) a pesar de la admirable actuación de Nicole Kidman y de Fionnula Flanagan (...) a esta película le falta vida, verdadero aliento lírico, fuego, corazón." 

Ángel Fernández Santos de El País señalaba que "La película funciona, se respira, divierte, cautiva, crea tensión, hace disfrutar a la inmensa mayoría con un espectáculo elegante, bien elaborado y de vieja noble estirpe, y hay dentro de ella un trabajo de cine comercial minucioso e inteligente, sobre todo si se carga esta palabra en lo que tiene de expresión de astucia y de capacidad de cálculo. Y hay ráfagas de cine vivo, además de cine comercial, en el sagaz dispositivo dramático, en los contrapuntos y choques de luz -que proceden de una fotografía muy hermosa" 

Aunque la película trata principalmente de la interacción espiritual de los fantasmas entre sí en lugar de con seres humanos vivos, William Skidelsky de The Observer ha sugerido que se inspiró en la novela de 1898 The Turn of the Screw escrita por Henry James como ya se reflejó anteriormente durante la entrega de los BAFTA. 

Vista con el tiempo hay que reconocer que estamos ante una gran película, de gran factura tanto en lo narrativo como en lo técnico y con una Nicole Kidman que además de preciosa hace un trabajo espectacular, así como los actores infantiles y los pocos secundarios que aparecen. Una gran película. 

Sin perdón

El mismo comienzo y el mismo fin, y entre medias el retorno de las vieja actividades profesionales de William Munny como ya comenté en una entrada del año 2015, precisamente cuando lo vi en un videocassette, que tengo que reconocer que fue el último videocassette que me compré en un videoclub que estaba vendiendo a saldo sus volúmenes en los primerísimos años de este milenio. 

La historia evidentemente no ha cambiado. Han pasado once años desde que William Munny dejó la pistola, dejando atrás su mala vida como asesino a sangre fría que robaba trenes y asaltaba ciudades, matando a mujeres y niños si era necesario o a cualquier marshalls que se le cruzara. Ahora vive con sus dos hijos criando cerdos en Kansas, ya que su esposa -cuya influencia lo ha cambiado profundamente- ha muerto hace tres años. Sin embargo, la dura realidad de las praderas durante la década de 1880 ha hecho que Munny y sus hijos estén en la quiebra. Así, acuciado por la necesidad, decide aceptar el encargo de un joven pistolero que lo requiere para asesinar a dos vaqueros que han marcado la cara de una prostituta. 

Mientras suena una guitarra y van apareciendo los títulos créditos de la Warner Bros y Malpaso produttión, y vislumbramos la imagen de una persona con un atardecer de Kansas de fondo  bajo un árbol, se nos informa que " ella era una muchacha guapa y con ofertas de matrimonio. Así que su madre se le rompió el corazón cuando decidió contraer matrimonio con William Munny , un asesino y un ladrón, un ñhombre notorio por su carácter vicioso e inmoderado. Cuando ella murió, no fue él , como esperaba la madre, que la mató sino la viruela. Fue en el año mil ochocientos setenta y ocho." Tras eso comienza una auténtica historia de violencia  en la pequeña localidad de Wyoming de nombre Big Whiskey. Después iremos conociendo a los protones como son William Munny de Missouri, , Little Bill, Bob el inglés, Ned  y el Salón Greely con sus chicas, pues todos son   protagonistas.

Con sentencias tan ciertas como " matar a un hombre es algo muy duro. Le quitas todo lo que tiene y todo lo que podría tener". 

Al final volvemos casi a la misma imagen de ese crepúsculo de Kansas y mientras suena la guitarra leemos que" , la Señora Antonia Feathers el arduo viaje Hodgeman County para visitar el último descanso de su única hija.  William Munny había desaparecido con sus hijos mucho tiempo atrás decían Casa San Francisco y dicen que prosperó por la venta de provisiones. Y ya no había nada en la tumba no había nada en la tumba para explicarle a la señora feathers porque su hija se casara con un ladrón y asesino, conocido un hombre notorio por su carácter vicioso e inmoderado". 

Considerada unánimemente por el público y la crítica como la mejor película de 1992, "Sin perdón" representó la consolidación de la leyenda como realizador del también actor, productor y músico Clint Eastwood, uno de los nombres legendarios de Hollywood. 

Esto ha escrito Lorenzo Silva a los veinte años del estreno en Madrid de la película 

Un cine oscuro, triste, poco concurrido, dicho sea de paso. Me la había recomendado con entusiasmo un amigo, pero hasta entonces Clint Eastwood era para mí una especie de discípulo poco aventajado del gran Sergio Leone. No lo digo con la pretensión de que resulte una afirmación fundada: no era más que mi percepción subjetiva, basada en alguna película de la serie de 'Harry el Sucio' y en 'El jinete pálido', que me había gustado, sin alharacas. 

Vi la película, conteniendo cada vez más el aliento. Y cuando se encendieron las luces pensé algo que he pensado muy pocas veces en un cine: «Esto tengo que volver a verlo, ya». Volví a verla, inmediatamente, y desde entonces la he revisado al menos media docena de veces. 

Me he preguntado pues con bastante frecuencia por qué 'Sin perdón' es tan buena, por qué desde ese día y sólo con ella, aunque no hubiera hecho nada más, Clint entró en el club de los grandes. Y me he ido suministrando una serie de respuestas, de las que cada vez estoy más convencido, y que son las que trataré de resumir aquí. 

Para empezar, una película son los seres humanos que aparecen en pantalla. Los personajes cinematográficos no son ideas, ni mera escritura, como los literarios. Tampoco son personas que respiran ante nosotros y nos hacen sentir su carne y su sudor, como en la representación teatral. Son algo extraño a medio camino: una proyección en dos dimensiones (o en tres, qué más da) del alma de unas personas que aciertan (o no) a darles vida, verdad y fascinación a las escuetas líneas de un guion. El día que Eastwood decidió juntar a Gene Hackman, Richard Harris, Morgan Freeman y él mismo delante de una cámara (los cuatro en un momento de madurez interpretativa absoluta) debió de pensar, mejor dicho, debió de saber que tenía entre las manos algo que iba a recordarse. Como no parece tener excesivos problemas de humildad (para prueba, su reciente reprimenda a Obama) debía constarle que prestar su corpachón gastado y su mirada incólume al terrible y desdichado asesino William Munny era un punto de partida inmejorable. Nos lo encontramos al comienzo de la historia rehabilitado, persiguiendo torpemente a unos cerdos de los que saca el sustento de su familia y que lo esquivan una y otra vez. Pero en la primera ocasión en que decide apelar al asesino dentro de sí, para cobrar el dinero que unas prostitutas ofrecen a quien liquide a los 'cowboys' que han vejado a una de ellas, basta que mire a cámara, o a cualquiera de los demás personajes, para que sepamos que es él, ese tipo al que la voz en off que abre la película define como un hombre de carácter destemplado y notoriamente disoluto. Pero qué decir del temible cazarrecompensas británico encarnado por Richard Harris, apodado 'el Duque', que acude a disputarle el premio. O de Little Bill, el sheriff que se cree capaz de parar a cuantos acudan al reclamo de las meretrices, al que interpreta Gene Hackman y que en una de las más memorables secuencias de la película humilla al Duque, con el recochineo añadido de cambiarle todo el rato el apodo, de Duke a Duck (pato). O, en fin, del amigo de Munny a quien da vida, en uno de sus más sobrios y hermosos papeles, el siempre seguro Morgan Freeman. Rodar con actores así es jugar con demasiada ventaja, algo abusivo para quienes tratan de perpetrar películas con intérpretes corrientes. Bien dirigidos, como Eastwood ha demostrado sobradamente que sabe hacer, son capaces de conseguir que la pantalla tiemble con la tensión que surge entre ellos. Súmese a lo anterior el impecable elenco de secundarios (ese detallito que es la gran baza del cine norteamericano, incluso del de menor nivel, y que es en cambio el talón de Aquiles que hunde a otros, incluso en sus mejores manifestaciones). O la fotografía espléndida, ya sea en campo abierto, ya en la oscuridad de la taberna, la fiebre o las noches lluviosas que se suceden a lo largo del relato. O la sencillísima pero sobrecogedora música original del propio Eastwood. 

Sólo falta un texto que esté a la altura (máxima) del resto de los ingredientes. Y para terminar de redondearlo, he aquí que Eastwood lo tiene. No el texto. Sino el Texto. Una de las más bellas demostraciones de ese axioma que los cineastas imprudentes ignoran (o si no lo ignoran, porque ningún cineasta sensato puede permitirse tal despropósito, prefieren pasarlo por alto): no hay película grande con un guion pequeño, nadie filma algo memorable y definitivo si no lo hace a partir de algo memorable y definitivo que ha sido escrito antes, cuando la película no era más que una posibilidad incierta. El guión de 'Sin perdón' es probablemente uno de los más brillantes de toda la historia del cine. Por la narración perfectamente engarzada, por el desarrollo de los personajes y por su estructura de tragedia clásica (el héroe cuyo don es su maldición, cuya potencia es su vicio, cuyo triunfo es su hundimiento). Pero también por unos diálogos que invitan una y otra vez a quitarse el sombrero. Preparando estas líneas empecé a buscar esos pasajes que me dejaron clavado a la butaca aquella primera vez, y que aún hoy me sacuden cuando vuelvo a paladearlos. He descubierto que son demasiados, y no quiero convertir esta pieza en una galería de citas. Así que me he permitido destacar sólo dos. Se trata, en ambos casos, de réplicas: una de Munny y otra de Little Bill. Son sintéticas, una más que la otra, pero tienen en común que cualquiera de las dos está a la altura de las mejores de la Historia. No desmerecen del «Nobody’s perfect» de Wilder o del «I've been going to bed early» de 'Érase una vez en América', la más deslumbrante de las películas del maestro Sergio Leone. 

Réplica 1: Munny mata a sangre fría al dueño del saloon del pueblo, después de preguntar de quién es ese local a cuya puerta han expuesto el cadáver de su amigo, para escarmiento público. Atónito y furioso, el sheriff le afea haber disparado contra un hombre desarmado. Le espeta Munny, sin pestañear: «He should have armed himself if he was gonna decorate his saloon with the body of my friend» («Debió haberse armado, cuando consintió en decorar su local con el cuerpo de mi amigo»). 

Réplica 2: Little Bill apalea a Munny, en su primer enfrentamiento, y cuando lo echa a la calle una de las prostitutas le dice que ha pateado a un hombre inocente. Pregunta el sheriff, con un mohín de asco: «Innocent of what?» («¿Inocente de qué?»). Confieso que gustándome mucho la primera, esta segunda es mi favorita. Esas tres palabras valen por un libro entero, el que relata la historia mísera y grandiosa de todos: de Munny, del propio Little Bill, de los buscavidas que tratan de salir adelante en esta historia oscura como la noche y vibrante como el golpeteo de la sangre en las venas que permite saberse vivo. El libro donde se resume nuestra propia historia, en la que siempre estamos pagando nuestros crímenes, tan indisolubles de lo que somos como nuestros actos de nobleza o generosidad. Por cierto, lo he dejado para el final con toda la intención. El artista que escribió el guión se llama David Webb Peoples. Para que no se olvide, y se le honre como se le debe y merece.

La película está basada en un guión sin fisuras de David Webb Peoples , que fuera con guionista de Blade runner o doce moños, teniendo el filme cuatro premios oscar a la mejor película mejor director mejor actor secundario para hartman y mejor montaje. Adobe además de el oscar se llevó el globo de oro y el basta al mejor actor de reparto por este papel. Junto a ellos secundarios en no menor estado de gracia como Jaimz Wool ett, Saúl Rubinek, Francés Fisher y Anna Levine. 

Megalodón (re)revisado

(Re)Revisión de una película que vi hace poco dirigida por John Turtahaub. Se trata de megalodón la película hecha para la gloria de Jason Statham y que nos cuenta la historia de que durante una misión rescate no hubo profunda el especialista Jonas Taylor se ve obligado a abandonar algunos de esos hombres cuando el vehículo de rescate el submarino hundido son atacados por algo muy grande. 

Cinco años después un pequeño submarino de la estación de investigación de Marina uno está intentando comprobar la existencia de un mundo por debajo de la profundidad de la fosa de las Marianas. 

Y lo que sacan de aquí es un  sanguinario e inteligente un monstruo marino en este terrible locura de ciencia ficción, del año 2018, protagonizado por la actriz china Li Bingbing en está superproducción chino-estadonnidense que costó más de ciento cincuenta millones de dólares y que ha tenido una secuela en Megalodón 2, ya vista y comentada. Se trata de una adaptación del best seller escrito por Steve Allen, pero que sigue sin aportarme nada de nada. En todo caso sueño. 

El día de la bestia

Estamos ante una de las mejores películas del cine español. Esta comedía con tintes de terror es, sin duda, una auténtica joya. Se trata de una película inteligente, que abre, se desarrolla y cierra con una perfección de relojero suizo. 

Pocas veces el maligno ha sido tan beneficioso para la salud cinematográfica del cine español. El padre Berriartúa, el heavy José Mari, el presentador Argan, la madre de José Mari son personajes que han de estar presentes en la historia de nuestro cine porque son inteligentes, son divertidos, son sabios y saben que enlazan unos diálogos geniales escritos por Jorge Guerricaechevarría y Álex de la Iglesia - que además dirige magistralmente esta joya-, lo que tienen que hacer en cada momento. 

Si a eso le suman la oscurísima fotografía de Flavio Martínez Labiano, y el genial montaje de Teresa Font que nos presenta el Madrid nocturno que en nada difiere a Los Ángeles de los replicantes, con elementos cañís, pero también con su submundo, con la música de Def con Dos, con las miserias televisivas tan españolas, la visión apocalíptica de los extremismos tan premonitoria por parte de director y guionista estamos ante algo tan bien elaborado como el día de la bestia una historia creada para evitar el nacimiento del Anticristo en Madrid durante la Nochebuena, en la que colaboran un cura, con un aficionado al heavy metal satánico y un estafador ocultista.

La película comienza en el Santuario de Aranzazu. Allí Ángel Berriartúa ( Alex Angulo) , un sacerdote vasco y profesor de teología, le confiesa a otro sacerdote que tiene la intención de cometer todo el mal que pueda. El otro sacerdote se sorprende hasta que Ángel le susurra su razonamiento. Cree haber encontrado el mensaje secreto del Apocalipsis según San Juan Evangelista. Este mensaje consiste en que el Anticristo nacerá el 25 de diciembre de 1995 en Madrid, lugar donde ha empezado una ola de vandalismo y delincuencia. Su interlocutor , un sacerdote anciano (Saturnino García) admite que tendrá que llevar el peso de esa cruz. Cuando el otro sacerdote acepta ayudarlo, una gran cruz cae y lo aplasta. 

Tras esto, Ángel se dirige al centro de Madrid, cometiendo varios pecados y crímenes, como quitarle dinero a un vagabundo, empujar a un artista callejero, decirle a un moribundo que se vaya al infierno y robarle la cartera. 

Como llueve y no sabe muy bien que hacer se mete en una tienda de discos y conoce a José María (Santiago Segura ), un autodenominado satanista y fanático del heavy metal, más concretamente del " death metal", del barrio de Carabanchel, quien le da una cinta de la banda más "malvada" que se le ocurre. 

José María recomienda a Ángel la pensión que regenta su madre, Rosario (Terele Pávez ) donde vive con su madre, su abuelo y Mina ( Nathalie Seseña) , una mujer que le atrae y que ayuda a su madre con el negocio. 

Luego, Ángel va a la Fnac e intenta robar un libro de una librería escrito por el presentador de un programa de televisión ocultista, el profesor Cavan, quien cree que puede decirle cómo vender su alma a Satanás. Ángel intenta explicarle al encargado de la tienda su teoría: un código secreto en la Biblia dice que el Anticristo nacerá a la medianoche en la víspera de Navidad, y él tiene la intención de vender su alma antes de que acabe la noche para entrar en la ceremonia del nacimiento y matar al Anticristo. Le comenta que es muy difícil contactar con el maligno. 

El encargado de la tienda no le cree y avisa a su encargado de seguridad, pero cuando se da la vuelta lo golpea con una plancha y huye. 

Ángel y José María, tras ver un programa de televisión que es llevado por un investigador de lo oculto, el Profesor Cavan (Armando de Razza), se unen para secuestrar Cavan en su casa, al final de la calle Callao. 

Tras entrar en su piso, lo atan e intimidan para que les diga cómo completar un ritual en el que Ángel puede vender su alma al Diablo. El ritual requiere la sangre de una virgen, por lo que Ángel primero intenta obtenerla de la novia de Cavan, Susana (Maria Grazia Cucinotta ) , pero después de noquearla por error, Cavan admite que no es virgen. 

Ángel luego regresa a la pensión, tras informarse si Mina es doncella o no, al tener una respuesta afirmativa, droga a Mina y le saca un poco de sangre, pero la madre de José María cuando ve que algo pasa con el sacerdote lo espía y al ver que intenta algo con la chica intenta matarlo con una escopeta de cañones recortados. 

Ángel escapa con parte de la sangre, pero accidentalmente mata a la madre de José María en el proceso al caer por el hueco de la escalera.  

Ángel, José María y Cavan consiguen quemar un trozo de papel, tomar LSD y completar el ritual, que Cavan cree que, como la mayoría de sus prácticas "ocultas", es inventado. Sin embargo, un macho cabrío aparece en la habitación y se pone de pie sobre sus patas traseras frente a Ángel, luego desaparece. 

Ángel luego encuentra los trozos de papel quemados que identifican como un posible mensaje que es traducido por José Mari,  en el que el diablo se burla de él, no engañado por las acciones de Ángel. 

Ángel, José María y Cavan huyen del apartamento cuando llega la policía bajo sospecha del secuestro de Cavan. 

Una calle abarrotada de personas observan lo que ocurre en los luminosos de Callao, pues ven como tres personas intentan huir por los mismos. Las tres personas juegan con el peligro, especialmente José Mari, muy afectado por la droga.  Éste está a punto de caer a la calle Preciados, cuando la misma está especialmente concurrida durante la Navidad. Sin embargo, el que cae es el profesor Cavan. 

Ángel y José María logran bajar y huyen por la calle. Tras eso José Mari asalta a un conductor y conducen frenéticamente por la ciudad buscando una señal que indique a Ángel la dirección correcta. 

Ángel , tras bajar del vehículo y esconderse de una policía que lo persigue, primero intenta obtener la información sobre el nacimiento del Anticristo de un hombre que da un discurso sobre las predicciones de Nostradamus, . Luego, sin José Mari,  Ángel intenta encontrar la información en un espectáculo de heavy metal, pero los asistentes lo golpean. Mientras todo esto ocurre el sacerdote se va encontrando la brutalidad de un grupo extremista, xenófobo y violento que azota las calles con actos vandálicos, bajo el lema «Limpia Madrid».  

José Mari ha vuelto y ayuda a un magullado Ángel que está decepcionado por sus actos infructuosos, Cavan aparece en la televisión y Ángel llama al teléfono del programa especial que ha montado y le pide a Ángel que lo llame, diciéndole que se dio cuenta de que Ángel tenía razón y que sabe dónde será el nacimiento del Anticristo. 

Cavan, que no ha muerto a pesar de la caída, ha descubierto, a través de algunos signos publicados en su libro de ciencias ocultas, que la Puerta de Europa es el lugar donde nacerá el Anticristo. señala que el diablo usa sus propias marcas, similares pero opuestas a la cruz cristiana, para burlarse de Dios, y los señala hacia un par de edificios con la misma forma de la marca del diablo: la Puerta de Europa. 

Un monumento de piedra se encuentra en el centro. Dos rascacielos se inclinan hacia el centro. Son las llamadas en su momento , Torres KIO. Mientras el cielo se ha visto alterado siniestramente. La Puerta de Europa son los edificios inclinados donde ocurre la pelea final. 

 

Los tres hombres se involucran en una pelea con una pandilla de extrema derecha que se ha escondido allí y se la ha visto a lo largo de la película asesinando a personas sin hogar y pintando con aerosol Limpia Madrid por todas partes. Su líder se revela como el diablo cuando arroja a José María del edificio hasta su muerte. La pandilla golpea brutalmente a Cavan, pero Ángel consigue un arma y mata a la pandilla, que también estaba matando a un bebé que es el Anticristo. Luego también le dispara al diablo. 

Algún tiempo después, otro actor (El Gran Wyoming) se hace cargo del espectáculo de Cavan, y Ángel y Cavan se convierten en vagabundos sin hogar; mientras Cavan se queja constantemente de que nunca podrán contarle a nadie cómo salvaron al mundo, Ángel simplemente extraña a José Mari, pero ha aceptado los eventos como el destino del dúo, vemos como la pareja de los dos ahora vagabundos avanzan mientras vemos la estatua del Ángel caído en el Retiro. 

La película, una coproducción entre España e Italia en un 80%-20%, fue producida por Iberoamericana Films Producción de Andrés Vicente Gómez junto con Sogetel y M.G. S.R.L en colaboración con Sogepaq y Canal Plus España. Lo cierto es que Álex de la Iglesia quería producirla él mismo; tenía que conseguir 250 millones de pesetas, pero solo consiguió 60, por lo que De la Iglesia abandonó la idea de producirla y la enviaron a distintas productoras que desecharon la idea. Finalmente tuvo un presupuesto de 300 millones de pesetas.

La película está ambientada y filmada en las calles de Madrid (aunque algunos edificios son reconstrucciones en estudio) entre los espacios reconocibles está la Puerta de Europa o el Edificio Carrión en Callao. Fuera de Madrid se filmó en el Santuario de Aranzatzu en la localidad guipuzcoana de Oñate. 

El personaje de Ángel Berriartúa, según declaraciones a varios medios, está inspirado en un profesor universitario de Álex de la Iglesia que le influyó mucho personalmente. La música original de la película fue compuesta por Battista Lena, sin embargo ninguna de sus piezas fueron incluidas en la banda sonora. 

Según se puede leer en la portada, el disco es el «Primer recopilatorio de temas satánicos seleccionados por Álex de la Iglesia», y solamente dos de los temas que incluye pueden escucharse en la película: "El día de la bestia" de Def Con Dos (que de hecho es el tema principal) y "Apocalipsis 25D" de Ktulu. Se lanzó una banda sonora para la película en España y Corea. Contó con bandas como Ministry, HeadCrash, Pantera, Sugar Ray y Def Con Dos.

El grupo Def Con Dos había participado en la banda sonora de Acción mutante. Extremoduro aportó una canción que fue incluida en su disco Agíla; esta versión contaba con la colaboración de Albert Pla. También se incluyó el tema "Feliz falsedad", de Soziedad Alkoholika, que hasta aquel momento solo había sido editado dentro de un maxisingle homónimo. 

En 1995, Álex de la Iglesia fue demandado junto al guionista Jorge Guerricaechevarría y la productora Iberoamericana Films por presunto plagio. Tomas Cuevas Arroyo, un joven autor denunció ante los juzgados de primera instancia de Madrid que El Día de la Bestia era en realidad una transformación no autorizada de una obra suya, «La luz», que nunca había sido publicada y que él mismo había remitido a la productora de Pedro Almodóvar, El Deseo S.A., en junio de 1992, época en que producían Acción mutante, primera película de Álex de la Iglesia. 

Aquel año del estreno la película tuvo un enorme impacto que se transformó en recocimientos. Lo más importante fueron las diez nominaciones a los premios Goya consiguiendo el de mejor dirección para Alex de la Iglesia, actor revelación para Santiago Segura y algunos técnicos como el de Mejor dirección artística en la persona de José Luis Arrizabalaga, Mejor maquillaje y peluquería para José Quetglas y José Antonio Sánchez. También el de Mejor sonido para Miguel Rejas, Gilles Ortion, José Antonio Bermúdez, Carlos Garrido y Ray Gillon, así como el de Mejores efectos especiales en las personas de Reyes Abades, Juan Tominic y Manuel Horrillo. 

La nominación en los Goyas quedó a la Mejor película, Mejor actor que hubiese sido más que mereceido en la persona de Álex Angulo; Mejor dirección de producción (Carmen Martínez) y Mejor diseño de vestuario (Estíbaliz Markiegi); Mejor guion original (Jorge Guerricaechevarría y Álex de la Iglesia); Mejor música original (Battista Lena), Mejor fotografía (Flavio Martínez Labiano) y Mejor montaje (Teresa Font). 

En el Festival de Sitges fue nominada a la mejor película y obtuvo dos Premios Ondas 1996 a la Mejor película y Mejor actor (Álex Angulo), con todo justicia. 

Obtuvo además el Gran premio del jurado en el Fantastic'Arts de 1996; el Premio Melies d'Or de Bruselas y el Premio al Mejor Film Fantástico Europeo del Festival Internacional de Bruselas. 

En cuanto a la crítica ha sido unánimemente positiva a nivel nacional e internacional. El crítico Ricky D. escribió que la película es "Delirante, demente y diabólicamente divertida, El día de la bestia es una película imprescindible". 

Para Marc Savlov en la texana  Austin Chronicle defendió que "No es para todo el mundo, pero no hay duda alguna de la visión salvajemente única de Alex de la Iglesia (...) " 

Nigel Floyd de Time Out comentó que "Esta película inteligente y más segura que 'Acción Mutante' es una comedia de terror diabólicamente divertida" 

En una reseña retrospectiva para Daily Grindhouse, el crítico Johnny Donaldson escribió que El día de la bestia "puede que no sea exactamente una película navideña tradicional, incluso para los estándares del género de terror, pero es perfecta para aquellos que quieren burlarse de la parte 'Cristo' de la Navidad". 

En la prensa británica  Adam Mars-Jones en The Independent comentó que "Tiene muchas escenas picantes para recomendarla (...) Con una duración de dos horas, tiene mucho gore pero la diversión escasea." 

Annie Billson del Telegraph  afirmaba que se trata de "Una comedia de horror espléndidamente blasfema" 

Kim Newman de Empire valoraba lo que había hecho Alex de la Iglesia y como si "'Acción Mutante' fue uno de esos trabajos casi fallidos que realmente querría ser una película de culto, pero lo intenta demasiado. Esta siguiente película es, sin embargo, una gran mejora (...) " 

Ya en España, Pablo Kurt en Filmaffinity  señala que estamos ante una película " delirante, macabra y divertidísima comedia de acción satánica no solo supuso una de las más sorprendentes ofertas del cine español de los noventa, sino que además descubrió al gran público a Santiago Segura. Excelente ritmo, buena dirección y un ingenioso guion para un film de culto"

Fernando Morales en El País afirma que tiene una "Acción a toda pastilla, música heavy y crítica televisiva para un oscuro esperpento que barrió en las taquillas españolas. Muy buena" 

En Fotogramas se presentó como una "Espléndida comedia donde lo fantástico y lo cotidiano se entrelazan en un sutil juego donde lo probable y lo posible no siempre coinciden. Su riqueza significativa se agazapa bajo la apariencia de un tebeo (…)" .

Por último, Fausto Fernando describe la película como un " Sainete demoníaco de Adviento, en la que la extraordinaria película documenta el advenimiento del Mal en un Madrid ad hoc" Y añade " Una película genuinamente navideña , en la que el Bien convoca al Mal en el Madrid del Anticristo que ha sido visto e invocado merced a los sabios, saineteros y hammerianos hardboiled Carabanchel por medio de sus salmos satánicos de un trio salvaje en una obra maestra que muestra como esta bario madrileño alumbró al Maligno (y premonitoriamente también a los cayetanos) , una diabólica y costumbrista película que es el alumbramiento o el año cero del nuevo fantastique nacional gracias a su satánica majestad, el maestro Alex de la Iglesia. ¡Brindemos por el Maligno! " .

Como señalé al inicio estamos ante una obra de culto, todo un icono del cine español, una película referencial del cine noventero, posiblemente la más popular, con momentos memorables, con una grupos de actores tocados por la genialidad y que brilla con luz propia , especialmente Alex Angulo y Santiago Segura, perfectamente dirigida por un director que será encumbrado de forma definitiva por esta película , y una puesta de escena maravillosa. En definitiva, una joya. 

La mujer rey

Los niños de mi generación estudiamos de memoria y al detalle el mapa de África. Por aquel entonces reconocíamos países que acababan de  hacerse independientes como Angola y Mozambique, incluso España acababa de dejar su provincia en el Sahara. En el Golfo de Guinea descubrimos países y hoy ya no existen al menos con ese nombre como era el Alto Volta - hoy Burkina Faso- y Dahomey, ahora conocido con el nombre de Benin. 

Dahomey y lo que fue es protagonista directo de esta película que supongo que es un producto de la cultura woke,- vamos del "wokismo" - del proceso de descolonización de la historia que vivimos, incluso en el sector cinematográfico,  y de una historia de empoderamiento femenino así como de sororidad, pero que casi me remite más a Wakanda , forever que a una historia heroica con base real. Si todos los metes en una coctelera y lo agitas, te sale La mujer rey o The Woman King, título que en inglés es casi contradictorio, pero bueno..., que sabré yo.

La película nos remite al siglo XI, de hecho comienza en 1823, a un momento histórico en el que los reinos africanos se enriquecían vendiendo como prisioneros a los negreros blancos y en los que las mujeres estaban sometidas a los deseos de los padres y maridos. Esta historia transcurre en el reino de Dahomey , sí ese estado que estudiamos en los libros de geografía de niños y que de pronto una noche de desaparición de edificio de Benín. Es decir estamos hablando de uno de los estados que había en el golfo de Guinea al oeste de África. 

Estamos en 1823 y parece estar basada en hechos reales. La película nos lleva al reino africano de Dahomey que se encuentra en una encrucijada. un nuevo rey, Ghezo (John Boyega), acaba de llegar al poder. Su enemigo, el Imperio Oyo, se ha aliado con el pueblo Mahi para asaltar las aldeas de Dahomey y vender sus prisioneros a los negreros europeos. Un comercio perverso que ha metido a ambas naciones en un círculo vicioso. 

Los poderosos Oyo tienen nuevas armas, entre otras, fusiles, y caballos, pero el joven rey tiene su propia y terrible arma: un grupo formado por mujeres soldados, las agojles, dirigidas por la general Nanisca. Ahora estas guerreras son lo único que se interpone entre los Oyo y la aniquilación de Dahomey. 

La película comienza con un ataque dirigido por la general Nanisca (Viola Davis), líder del regimiento de guerreras compuesto exclusivamente por mujeres, las Agojie. Su lugarteniente es Amenza (Sheila Atim)

Tras la victoria del clan encabezado por Nanisca, libera a las mujeres Mahi que fueron secuestradas así como todas aquellas mujeres de la aldea mahi que quieran sumarse a las Agojie, que tienen relaciones amistosas o de sumisión.

Nanisca comienza a entrenar a una nueva generación de guerreros para que se unan a los Agojie para proteger el reino. Entre estas guerreras se encuentra Nawi ( Thuso Mbedu) , una niña de voluntad fuerte, y de la que vimos en paralelo como fue ofrecida por su padre al rey cuando se negó a casarse con hombres que la golpearan. 

Nawi se hace amiga de Izogie (Lashana Lynch ) , una veterana Agojie. También le revela a Nanisca que es adoptada y le muestra una cicatriz en el hombro izquierdo, lo que la sorprende. 

A las costas del Golfo de Guinea llegan algunos traficantes. Entre ellos llegan portugueses y brasileños em busca de esclavos liderados por Santo Ferreira (Hero Fiennes Tiffin )  y acompañados por el medio dahomeano Malik (Jordan Bolger ) , un joven de padre blanco y cuya madre fue esclava de Dahomey llevada a Brasil. Uno y otro llegan a Ouilah, como parte de una alianza con los Oyo, liderada por el general Oba Ade ( Jimmy Odukoya) . 

Nawi, junto con un buen grupo de Agojie encabezado por Nanisca,  se encuentra en la capital de los Oyo con una delegación de las  Agojie cuando estas hacen entrega de los tributos a los Oyo. Pero en vez de entregar tributos, les entregan las cabezas de los recaudadores Oyo en el Reino. 

La reacción de los Oyo no se hace esperar y se inicia un enfrentamiento entre la lideresa de las Agojie y el general Oba Ade, que resulta ser la persona que violó a Nanisca cuando fue retenida por los Oyo en su juventud, Los soldados Oyo no logran salir gracias a una rápida maniobra de Nawi, rompiendo la cuerda de elevación del portón de la fortaleza Oyo. 

Todo esto es presenciado por Malik que queda admirado por la capacidad de lucha de Nawi, que , finalmente, logra huir junto a Nanisca lanzándose por las murallas hacia el mar. El resultado de esa acción es que todo esto provoca que el rey Ghezo de Dahomey se prepare para una guerra total con los Oyo.  

Malik y Santo van al territorio del rey Ghezo y mientras lo cruzan el primero decide bañarse. Mientras este último se está bañando sus ropas son arrebatadas por Nawi. Tras esto los dos se hacen amigos. 

Allí los brasileños son invitados a ver la ceremonia de graduación de las nuevas Agojie. Poco después de graduarse del entrenamiento para convertirse en un Agojie de pleno derecho, Nawi se escapa para hablar con Malik y se entera de que los Oyo planean atacar. Ella le informa esto a Nanisca, quien la regaña por su imprudencia. En medio de una acalorada discusión entre los dos, Nanisca revela que en su juventud, Oba la capturó, la violó y la dejó embarazada. Después de dar a luz a una hija, Nanisca se incrustó un diente de tiburón en el hombro izquierdo antes de entregarla. Nanisca ayuda a Nawi a extraer el diente, lo que confirma que ella es su hija biológica. 

Tras esto que descoloca a ambas, Nanisca lidera a los Agojie en un ataque contra los Oyo. El ataque tiene éxito, pero Oba escapa y Nawi, Fumbe (Masali Baduza) e Izogie son capturadas. 

Con el consejo de Nawi, Fumbe escapa e informa a Nanisca sobre el destino de los demás. Ghezo se prepara para otorgarle a Nanisca el título de Mujer Rey, su compañera e igual en el gobierno de Dahomey, pero se niega a autorizar una misión de rescate para la cautiva Agojie. 

Mientras tanto, Izogie se encuentra con el brazo roto y totalmente desanimada. Cumpliendo copn lo que le había contado Nanisca debe suicidarse. Sin embargo, Nawi, la convence para que le ayude, pues espera liberarse.

Las tres Agojie retenidas son vendidas como esclavas, pero en la subasta Nawi y Izogie inician su fuga. Izogie muere en un intento de fuga y Malik compra a Nawi para protegerla. 

Nanisca desafía las órdenes y se pone en camino con un grupo de guerreros con ideas afines para rescatar a los cautivos. La llegada de Nanisca y los Agojie así como algunos guerreros varones genera el caos más absoluto, lo que permite que Nawi escape y se reúna con Nanisca. 

Malik libera a varios otros esclavos que ahogan a Ferreira, y Nanisca mata a Oba en un combate singular a vida o muerte. 

Las triunfantes Agojie regresa a Dahomey, donde Ghezo amonesta en privado y brevemente a Nanisca por desobedecerlo, antes de coronarla Mujer Rey. 

Después de las festividades, Nanisca y Nawi reconocen en privado su relación familiar. Tras los título de crédito Amenza canta por sus antepasados y por las guerras muertas. 

Asi es , más o menos, la película del año 2022 que trataba sobre "las Amazonas" de Dahomey, la unidad guerrera exclusivamente femenina que protegió el reino de Dahomey en África Occidental durante los siglos XVII al siglo XIX. Estamos en un momento donde los enemigos son implacables, las batallas son épicas, donde triunfará el heroísmo y la lealtad entre compañeras de armas y Nanisca es la persona que dirige este ejército de mujeres y quiere romper ese círculo porque su intención es que el reino prospere con otro tipo de comercio por lo que su lucha no será solo contra el imperio Oyo sino que también deberá enfrentarse al estatus quo y a las tradiciones impuestas por los hombres. 

Esto es lo que quiere recrear esta película que pretende ser una espectacular epopeya sobre las poderosas guerreras Agoines africanos de inicio del siglo XIX. 

La película del año 2022 fue dirigida por la directora Gina Prince- Bythewood, que sigue lo escrito por Dana Stevens, basada en una historia que escribió con Maria Bello. Bello concibió la idea de The Woman King en 2015 después de visitar Benín, donde estaba ubicado Dahomey, y aprender la historia de las Amazonas. Convencida de que había encontrado una historia que valía la pena contar, reclutó a Cathy Schulman, entonces directora de la organización Women in Film y jefa de producción de STX Films, para que la ayudara a hacer la película y convertirla en un largometraje. 

En 2015, Bello aprovechó un momento en el que le entregaba un premio a la actriz Viola Davis en el Centro Cultural Skirball de Los Ángeles para presentar su idea para la película frente a la multitud que vitoreaba a la noción de ver a Davis en el papel principal. Después de dejar STX en 2016, Schulman trabajó con Bello, Davis y Julius Tennon, el esposo de Davis y socio productor en JuVee Productions, para llevar la idea a otra parte. 

Los estudios que la rechazaron mencionaron una posibilidad poco probable de que la película obtuviera ganancias; otros, según Davis, querían elegir actrices conocidas de piel clara, lo que se negaron a hacer por precisión histórica y por el bien de la audiencia. 

A principios de 2018, el éxito comercial de la película de superhéroes Black Panther, que presentaba una versión ficticia de las Amazonas, motivó aún más al equipo a seguir adelante con el proyecto. Se lo propusieron a varios estudios, que lo rechazaron debido a preocupaciones financieras. Después de reunirse con TriStar Pictures en 2017, la película recibió luz verde en 2020 sumándose Entertainment One y TSG Entertainment. En ella participan en la producción Cathy Schulman, Viola Davis, Julius Tennon y Maria Bello. 

La directora trabajó con el diseñador de producción Akin McKenzie para aprender sobre las Amazonas. Su investigación incluyó libros, textos agotados, fotografías y escritos del profesor de Princeton Leonard Wantchekon. "Lo más revelador", dijo, "fue cuánta información errónea hay sobre estas mujeres y esta cultura, dado que gran parte de su historia fue escrita desde el punto de vista del colonizador. Así que realmente se trataba de separar los textos que eran desde ese punto de vista, que eran tan denigrantes e irrespetuosos, de la verdad.” 

Durante cuatro meses antes del rodaje, el elenco ya cerrado en el que estaban actrices de la talla de Viola Davis o actores como John Boyega, así como otros actores y actrices menos conocidos como es el caso de Thuso Mbedu, Lashana Lynch, Sheila Atim, Adrián e Warren o Héro Fiennes Tiffin. 

Todos realizaron 90 minutos diarios de levantamiento de pesas con la entrenadora Gabriela Mclain, seguido de tres horas y media de entrenamiento de lucha con el coordinador de dobles Danny Hernández, que incluyó carreras, artes marciales y trabajo con espadas y lanzas Davis se inspiró en la boxeadora profesional Claressa Shields.

La producción comenzó en Sudáfrica en noviembre de 2021, se cerró debido a la variante de COVID-19 Ómicron unas semanas más tarde y se reanudó a principios de 2022. 

La directora Prince-Bythewood priorizó a los jefes de departamento que eran mujeres y personas de color, incluida la directora de fotografía Polly Morgan,​ la diseñadora de producción Akin McKenzie, la diseñadora de vestuario Gersha Phillips, la peluquera Louisa Anthony, la supervisora de efectos visuales Sara Bennett y la editora Terilyn Shropshire. 

El maquillaje estuvo a cargo de un artista sudafricano local, Babalwa Mtshiselwa. "La cuestión es que para las mujeres y las personas de color", dijo Prince-Bythewood, "a menudo los currículos no son largos porque se trata de falta de oportunidades, no de talento. Entonces, cuando estás en mi posición, es importante mirar más allá de ese currículum". 

El rodaje de las dos primeras semanas tuvo lugar en la provincia costera de KwaZulu-Natal para rodar escenas de la jungla. Luego se mudaron a la ciudad capital de Ciudad del Cabo, donde se llevaría a cabo la mayor parte de la filmación. 

En su tercera semana en Sudáfrica, la variante ómicron de COVID-19 llegó a la producción; Davis y Tennon estaban entre los infectados. Como resultado, la producción se detuvo durante algunas semanas y se reanudó a mediados de enero de 2022. Prince-Bythewood lo calificó como el rodaje más difícil de su carrera porque los días de filmación se redujeron y las escenas, como una secuencia de batalla de 11 días con cientos de artistas, tuvieron que reorganizarse y ensayarse. 

Durante la postproducción, Terence Blanchard compuso la banda sonora. El compositor sudafricano Lebo M. compuso y produjo cinco canciones originales para la película. La edición estuvo a cargo de Terilyn A. Shropshire. 

The Woman King tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto en septiembre de 2022 y Sony Pictures Releasing estrenó la película en los cines de los Estados Unidos pocos días después. Luego de la proyección del festival, la película recibió críticas positivas, y los críticos elogiaron a su elenco, particularmente a Davis, y las coreografías de acción. 

En cuanto a las críticas, no nos engañemos, han sido más favorables en aquellos países con más población de color que en otros. En España han sido poco elogiosas, por no decir malas. 

En Estados Unidos fue muy favorable como lo demuestran las críticas que se pueden leer en The Hollywood Reporter firmada por Lovia Gyarkye al decir que "Las enérgicas interpretaciones y la precisión técnica se unen con un efecto glorioso en la emocionante película de acción de Prince-Bythewood. Es una pieza de entretenimiento exuberante y de primera calidad en muchos aspectos" 

Kate Erbland de IndieWire considera que "La película está repleta de elementos notables: una ambientación vívida y completa, secuencias de batalla sorprendentes, personajes muy bien dibujados y actuaciones maravillosas de todos" 

Kristy Puchko de Mashable destaca la dirección al señalar que "Gina Prince-Bythewood ha vuelto a crear una asombrosa película de acción, que deslumbra por sus feroces secuencias de lucha, pero que impacta sobre todo por su emotiva narración" 

Igual piensa Martin Tsai en The Wrap al escribir que "'The Woman King' tiene un gran atractivo. Se trata de una historia conocida, pero con un nuevo enfoque y una moraleja significativa. Y también tiene algo que ofrecer a los que prefieren el género de acción" 

Discrepa ligeramente Peter Debruge que en Variety señala que la película "Es emocionante, pero un poco pesada, pensada para resistir el paso del tiempo" 

En el Reino Unido Caryn James de la BBC sigue los elogios leídos en Estados Unidos al decir que "Se inclina hacia la fantasía en sus momentos heroicos, pero está arraigada en la verdad sobre la guerra, la brutalidad y la libertad. Una vistosa película palomitera con conciencia social. (...) " 

Y algo parecido pasa en The Guardian cuando Benjamin Lee afirma que "La ganadora del Oscar lidera un sólido conjunto de mujeres negras en un drama muy entretenido sobre las guerreras del siglo XIX (...) " 

En Screendaily , Tim Grierson, sostiene que "No siempre juega con éxito con sus innumerables ambiciones narrativas, pero Gina Prince-Bythewood ha creado secuencias de batalla que son emocionantes y conmovedoras al mismo tiempo."

Ya en España los elogios desaparecen salvo la crónica de Fotogramas escrita por Ricardo Rosado al decir que el "Cine clásico de aventuras en una África irresistible. (...) Thuso Mbedu y Lashana Lynch destacan en un brillante reparto (...) una gran producción a la antigua con grandes guerreras de protagonistas. (...) 

No se lee nada de eso en el resto de la prensa española. Por ejemplo, Javier Ocaña en El País escribe que "Destaca más por lo que cuenta que por cómo lo cuenta (...) un eje central del relato quizá demasiado cerca del folletín familiar, pero que se hace fuerte en torno a la relación entre los personajes femeninos" 

Nando Salvá en El Periódico comenta que "Demuestra no estar segura de si prefiere funcionar como cine de acción o explorar con un mínimo de hondura asuntos como el esclavismo, el colonialismo y el abuso sexual. (...)" 

Y en Cinemanía, Rubén Romero señala que "Tiene dos problemas. El exceso de elementos melodramáticos unido a la falta de escenas de acción (...) Y lo más importante: (...) se limita a sustituir a los Leónidas de turno por féminas hípermasculinizadas. (...) " 

Yo, como siempre , estoy con Fausto Fernández que en Twitter , o sea ahora X, escribe lo siguiente " El equipo de (ir)responsables de La mujer rey no es todavía consciente de que han perpetrado el CASI 300 de la supuesta épica filowakandesa basada en (no te lo crees nunca) hechos reales. Ojalá cuando llegue al bluray sea con un doblaje extra coñón a lo El Informal. Y en otro tuit señala que esto es "Prueba acusatoria de la razón de la decadencia del Hollywood mainstream con agenda, La mujer rey es un mamotreto entre 300, Wakanda For Ever y Greta Gerwig que si al menos diera risa podría sobrellevarse·. Y termina diciendo que estamos ante "Un Wakanda sin Wakanda, o un Zulú sin blancos y afroamerican friendly, aburrido a muerte y con Viola Davis ". Nada más que decir.