miércoles, 27 de noviembre de 2024

El fantasma de la ópera



Magnífica versión del clásico en este caso del año 1943 dirigido por Arthur Lubin, responsable que fue de entre otras , “Pasos en la niebla” (1955) una joya del cine de terror victoriano interpretada por Stewart Granger y Jean Simmons que continua con los parámetros estéticos de esta o la vistosa y entretenida Alí Babá y los 40 ladrones, con la bella María Montez, y que contó como asistente con Charles Gould y que cuenta como protagonista absoluto con Claude Rains. 

El contenido de la misma es el consabido un compositor un ingenuo , romántico y veterano violinista que es explotado y expoliado de su obra al sentirse humillado ataca a su jefe y la respuesta por parte de una de las compañeras del jefe es echarle ácido en el rostro quedando desfigurado de por vida. 

Dado por muerto se ocultará en los subterráneos de la ópera de París y raptará a la joven cantante de la que se siente enamorado y a la que pretende convertir en una prima donna. 

Esta versión de lubin obtuvo un Óscar la mejor fotografía (Color) (Hal Mohr, W. Howard Greene) y a la mejor dirección artística (Color) (John B. Goodman, Alexander Golitzen, Russell A. Gausman, Ira S. Webb). Fue igualmente nominada a la Mejor banda sonora (Edward Ward) y al Mejor sonido (Bernard B. Brown). 

La película contó además con la presencia de Nelson Eddy, Susanna Foster, Edgar Barrier, Leo Carrillo, Jane Farrar y Gladys Blake, junto a J. Edward Brovberg.

Reconozco que me ha llamado la atención esta versión por su carácter clásico en el sentido musical del término y brillante en el sentido del dominio del cole Technicolor realizado para la Universal pictures que contó como productor con George Waggner. Es la única película de terror de Universal Studios que ha ganado un Óscar. Aunque no se la considera la versión más clásica que estos estudios cinematográficos han realizado de El fantasma de la Ópera, alguna veces aparece en las listas de películas de terror de Universal Studios porque la versión de 1925 de Rupert Julian, con Lon Chaney es de dominio público. 

La película se basa en el clásico escrito por Gastón Leroux aunque es una versión muy libre de la novela homónima publicada en 1910 y de la película de 1925, aunque aquí es una adaptación de Jon Jacob que sigue el guion escrito por Eric Taylor y Samuel Hoffenstein. 

La historia original se revisó completamente y no hubo ningún intento de rodar la secuencia del baile de máscaras; aunque la famosa caída de la gran lámpara de araña se recreó de forma grandiosa con elaborados equipos de filmación por parte de los directores de fotografía que fueron Hal Mohr y W. Howard Greene. 

Los directores artísticos fueron Young B Goodman y Alexander Golitzen. En una película tan musical como esta destaca el papel que muestra Bernard B Johnson, que contó con la ayuda del técnico Joe Lapis y del trabajo en los decorados de R.A. Gausman e Ira S. Webb, decorados que son los reutilizados , al menos en su escenario, construido para la película de 1925, que era una réplica del interior de la Ópera de París. 

Aparte de los escenarios, esta versión de El fantasma de la ópera tiene poco que ver con la anterior. Es importante es esto último también lo fue el vestuario bajo la dirección de Vera West, el papel del montador que correspondió a Russell Schoengarth. 

Edward Ward fue el responsable de la dirección musical, quedando la secuencias de la ópera dirigidas por Lester Horton y William von Wymetal, siendo la dirección coral de William Tyroler y la orquestación dejaron a Zweifel junto a Schutt. 




La historia comienza con una ópera, Marta, de Federico Flotow. Vemos en el foso de la orquesta a un violinista Erique Claudin (Claude Rains) al que se le ve embelesado con su violín y con la actuación de la soprano titular, Christine Dubois  (Susanna Foster ) que aparece cantando un dúo con un joven barítono, Anatole Garron ( Nelson Eddy) que parece, al igual que el veterano violinista, sentir algo por la artista con la que canta. 

Mientras cantan son observados por un recién llegado. Se trata de Raoul Dubert (Edgar Barrier), un inspector de policía, igualmente enamorado de Christine, que desea que ella deje el mundo del espectáculo. 

La ópera resulta un éxito absoluto, aunque no parar todos ya que Erique Claudin  es llamado tras la actuación y despedido por el director de la Ópera de París cuando se descubre que está perdiendo el movimiento de los dedos de la mano izquierda. 

El director de la orquesta asume que Claudin tiene medios económicos suficientes para vivir después de 20 años tocando con la afamada orquesta. Pero ignora que ha estado pagando de forma anónima las lecciones de canto Christine Dubois, la joven soprano de la que está enamorado. 

En un intento desesperado por ganar dinero, Claudin ha envido un concierto de piano, que ha escrito, para su publicación. 

Cuando pasa el tiempo y no obtiene ninguna respuesta, Claudin se presenta en la casa de los editores, Pleyel & Desjardins, para averiguar lo que ocurre. Nadie sabe nada o nadie le importa. Claudin insiste; Maurice Pleyel le dice que se vaya con malas maneras. 

Sin embargo, antes de salir empieza a oírse una música que viene de la habitación contigua, Claudin se asombra y reconoce su concierto. Convencido de que Pléyel pretende robárselo, le estrangula. 

Justo cuando deja el cuerpo de Pleyel en el suelo, aparece la asistente del editor, Georgette, y le lanza ácido en la cara. Entre quejidos y lamentos, alcanza la puerta y sale a toda prisa refugiándose tras la huída en las alcantarillas de la ciudad.

La policía empieza a buscarle por el asesinato; Claudin que ha huído por las cloacas, llega a la Ópera y se apropia de una máscara del vestuario para tapar su cara desfigurada. 

Paralelamente, el inspector Raoul Dubert (Edgar Barrier) quiere que Christine deje el canto y se case con él. Pero el famoso barítono Anatole Garron (Nelson Eddy) intenta enamorar a Christine. Christine considera a los dos buenos amigos pero no muestra abiertamente su amor. 

Durante una representación de la ópera Amore et Gloire, Claudin echa un narcótico en un vaso de vino para la prima donna Biancarolli (Jane Farrar ) , que lo bebe y no puede actuar. El director pone a Christine sustituyéndola y deslumbra a la audiencia con su canto. 

Por su parte, Biancarolli sospecha que Garron y Christine están detrás del episodio del narcótico; así ordena al inspector Dubert que los arreste. Pero no es posible por falta de pruebas. 

Entonces Biancarolli ofrece olvidar todo el asunto si la actuación de Christine no aparece en la prensa. Se aceptan estas condiciones a regañadientes con gran consternación de Christine y Garron. 

La noche siguiente, Claudin entra en el camerino de Biancarolli y la asesina. Como consecuencia, se cierra la Ópera. 

Al cabo del tiempo, los propietarios de la Ópera reciben una nota solicitando que Christine sustituya a Biancarolli. 

Para atrapar a Claudin, Dubert, que se da cuenta de quién es el fantasma, está planeando no dejar cantar a Christine durante la representación de la ópera rusa  Le prince masqué du Caucase (“El príncipe enmascarado del Cáucaso”) para sacar a Claudin a la luz, mientras que Garron planea que el propio Liszt (Fritz Leiber ) toque el concierto después de la representación. 




Pero Claudin estrangula a uno de los hombres de Dubert y se dirige a la cúpula del edificio. Descuelga la lámpara de araña sobre el público. Al caer, cunde el pánico. 




Mientras todos huyen, Claudin se lleva a Christine a los sótanos; le dice que la quiere y que podrá cantar cuanto quiera, pero solo para él. 


Sin embargo, Christine no reconoce a Claudin, le da miedo. Dubert, Garron y la policía les siguen por las profundidades del edificio. Cuando Claudin y Christine llegan a su guarida escuchan a Liszt y la orquesta tocando el concierto de Claudin. 

Claudin les acompaña con el piano y Christine se da cuenta de que el concierto está escrito alrededor de una nana de su infancia. Dubert y Garron oyen tocar a Claudin y se guían por el sonido. Lleno de alegría, Claudin pide a Christine que cante. Mientras Claudin está distraído con la música, Christine se acerca sigilosamente, le arranca la máscara y ve su cara desfigurada por el ácido. 

Entonces llegan Dubert y Garron. Claudin coge una espada para defenderse. El inspector dispara su arma, Garron le hace desviar la puntería y el disparo llega al techo que se desploma sobre Claudin, mientras el resto escapa. 

Por último, Dubert y Garron piden a Christine que elija. Les sorprende eligiendo seguir su carrera de cantante sin casarse con ninguno de los dos, acabando siendo dos buenos amigos. 

Universal Studios primero anunció una versión de «El fantasma de la ópera» en 1935. Esa versión estaría ambientada en el París del momento y el «El fantasma» sería un herido psíquico de la Primera guerra mundial. El guion estuvo merodeando hasta 1941, cuando Henry Koster fue nombrado director. 

Koster descartó el primer guion se imaginó una nueva versión en que «El fantasma» era el padre de Christine. El productor, George Waggner, despidió a Koster y lo remplazó con Arthur Lubin.




Cesar Romero, Boris Karloff, Feodor Chaliapin, Charles Laughton y Broderick Crawford fueron considerados como posibles fantasma en algún momento de la producción, antes de que le ofreciera el papel a Claude Rains para protagonizar este musical melodramático. 



martes, 26 de noviembre de 2024

India song



Maguerite Duras como cineasta es una autora difícil, a pesar de su veintena de películas. Debutó en el cine como guionista en Hiroshima, mon amour de Alain Resnais. 

Coetáneos de la nouvelle vague eran los integrantes de la rîve gauche. Gente bohemia, militantes de izquierda, y que se acercaban al cine desde las técnicas y géneros cinematográficos más variados ya fuesen responsables de la fotografía, montadores, guionistas como el caso de Alain Resnais, Agnes Varda, Chris Marker, Jacques Rivette o la propia Duras, principalmente escritora. Ellos, todos y todas , son capaces de intercambiar imágenes con una banda sonora, pues en una película nos querrán decir algo a través de las imágenes, pero en otra, esa misma banda sonora transmitirá otra cosa. 

En el cine de Duras hay una idea de (re)crear sus imágenes a partir de la palabra que deviene del recuerdo como germen y que se irá expandiendo progresivamente el verbo y las imágenes mientras avanza el discurso de cada una de las voces. 



En obras posteriores de la Duras como Le Camion (1977), Agatha y las lecturas ilimitadas (1981) o Baxter, Vera Baxter (1977), en la que una música interminable que arranca en los primeros minutos a modo de loop, marca un tempo que no culmina hasta el final del filme. La propia autora en algunos casos interviene poniendo la voz y, en otros, hasta su propio cuerpo o su propia imagen.. 

Indian song es una película de sus películas. Algunos consideran que es su película, la más importante de su carrera. Eso si es una película que requiere verla asumiendo que tiene un "tempo" distinto. 

La influencia de Duras llegó a directores actuales como Atom Etoyam. Su forma de narrar es muy musical. Carlos d' Alessio, la que fuese su pareja, compuso la banda sonora sin ver la película, en ocasiones, sin tenerla presente. Su cadencia es lenta con diálogo entre imagen y la música. Es un caso evidente de contaminación entre la literatura y el cine, cualquiera arte podía preceder al otro. 



Difícil entender una película en la que únicamente deambulan unos personajes que no hablan entre ellos, que pueden bailar, pero que se mueven en la pantalla, que nos miran, que se tocan pero parecen sentir poco, mientras una voz en off narra el nulo acontecer de un grupo de personas vinculadas con la embajada francesa en La India. 

Parece ser que Marguerite sufrió un intento de agresión a la salida de un cine, posiblemente por su manera de concebir el cine. Al ver India song me ha permitido recordar una película de Louis Malle en la que no se habla simplemente las imágenes nos llevan de un sitio a otro. En este caso, y siguiendo la teoría de Oliveira la palabra aquí es imagen. Bresson hizo algo parecido, aunque distinto. La película apuesta por el contraplano y por el fuera de plano, por sugerir más que por mostrar. 

La película se centra en una bella joven, Anne-Marie Stretter (Delphine Seyrig), que resulta ser la promiscua esposa del embajador francés en la India en la década de 1930. Con pleno conocimiento del embajador francés, Anne-Marie tiene muchas relaciones que se sugieren aunque abirteamente no se muestran,  mientras el mundo en el que habitan se desintegra pues Japón ha invadido China y ya ha comenzado incluso la sangrienta toma de Shanghai. 



Mientras el vicecónsul de Lahore (Michael Lonsdale), un hombre que no cambiaría Lohore por nada del mundo, habla de una aventura amorosa con ella, una que resulta imposible debido a un escándalo anterior en el que disparó contra leprosos, espejos e incluso contra sí mismo. 

En la embajada de Francia tiene lugar una recepción a la cual llegarán los invitados. Allí están sus amantes,  y junto a ellos, el vicecónsul de Francia le gritará su amor a Anne-Marie Stretter. 

Luego de la recepción ella se va por los caminos del Delta a las islas del Ganges. De forma paralela y homóloga a esta historia de amor, se da otra historia de hambruna y lepra de lo que la gente moría en India cotidianamente. 


Mientras que dentro de la casa se sucede en lento devenir de la mujer del embajador, de Anne-Marie Stretter y sus amantes, en el exterior de la embajada de Francia, en los parques, una mendiga canta las canciones de su infancia. Es la misma que cantaba al inicio de la película cuando el sol se iba poniendo en el horizonte. 

La película está basada en una obra de teatro no estrenada, escrita por Duras y que terminó en julio de 1972 (que a su vez se basó en su novela publicada Le Vice-Consul). Aunque está ambientada en la India, la película se rodó principalmente en el Château Rothschild. 

La obra había sido encargada para el Royal National Theatre por Peter Hall. Duras sólo había visitado la India brevemente en su adolescencia, pero decidió no consultar ninguna fotografía de Calcuta mientras trabajaba en India Song, prefiriendo imaginarlo todo.

La producción de la película en la que estuvo presente como productor Stephane Tchalgadileff y en la que participan Sunchild Productions y Les Films Armorial manejó un presupuesto de 254.542 francos, de los cuales 250.000 procedieron del CNC. Dominique Sanda fue la primera opción para el papel protagonista, pero abandonó y fue reemplazado por la bella Delphine Seyrig. 

Encontrar la localización principal llevó varios meses; finalmente Duras eligió el Château Rothschild en Boulogne, que había visto durante un paseo y que la había impresionado. La familia Rothschild había abandonado el edificio después de la Segunda Guerra Mundial y había comenzado a deteriorarse. Otras escenas se rodaron en el Gran Trianón de Versalles y en dos apartamentos de París que estaban a punto de ser demolidos. 

El rodaje que contó con la magnífica y precisa fotografía de Bruno Nuytten comenzó el 13 de mayo de 1974 y duró dos meses. Las voces fueron pregrabadas. 

India Song que fue montada no sin dificultad y dudas por Solange Leprince como ella reconoce en la entrevista con Xavière Gauthier que puedes leer al final del texto, se presentó en el Festival de Cine de Nueva York de 1975, y, fuera de competencia, en el Festival de Cine de Cannes de 1975. 

Fue seleccionada como la candidata francesa a la mejor película en lengua extranjera en la 48.ª edición de los Premios Óscar, pero no fue nominada. 

Vincent Canby, en las páginas del The New York Times, le dio a la película una crítica negativa, encontrando que era estéticamente agradable pero superficial. Canby describió a India Song como "sin contenido y todo estilo", aunque sintió que la interpretación de Seyrig como Anne-Marie era "maravillosa de contemplar". 



Por contra, la película está incluida en el libro 1001 Movies You Must See Before You Die, donde Travis Crawford la cita como la mejor película del director, describiéndola como "fascinante" en su uso del lenguaje y el sonido en contraste con las imágenes, y calificándola un "poema onírico elíptico en lugar de una narrativa lineal". Sin embargo, reconoce que las opiniones están marcadamente divididas sobre la película y que los espectadores la encontrarán "hipnóticamente seductora o enloquecedoramente pretenciosa". 

Para el actor Michael Lonsdale fue su mejor actuación. Consideró su papel como su "papel favorito", añadiendo que "me ayudó a exorcizar el sufrimiento por el que estaba pasando en ese momento en mi vida personal".



India Song fue nominada a tres premios César en 1976: Mejor música escrita para una película para Carlos d'Alessio, Mejor sonido para Michel Vionnet y Mejor actriz para Delphine Seyrig. Sin embargo, la película no ganó en ninguna de las categorías nominadas. 

Como ya hemos dicho fue la candidata de Francia a Mejor película en lengua extranjera en la 48.ª edición de los Premios Óscar, pero no recibió una nominación. 

En 1976 se estrenó una secuela titulada Her Venetian Name in Deserted Calcutta. Eso sí, la película forma un díptico integrado tanto por India song (1975) como por Son nom de Vénise dans Calcutta Désert (1975), dos películas que utilizan la misma banda sonora como contrapunto de diferentes flujos de imágenes, con la misma historia de base sobre la temeraria sentimental Anna Maria Guardi que es nombrada en varias ocasiones en esta película. 



La película es un profundo recuerdo auditivo. En el caso de India Song (1975) de Marguerite Duras, el recuerdo de su infancia quedaría impregnado en la partitura que arriba de un piano aparece bajo el título de «India Song», y de la que habla en repetidas ocasiones.  «En casa, en Neuilly, en un salón hay un gran piano negro cerrado (…) en el atril está India Song. Mi madre tocaba India Song. Yo la oía desde mi cuarto. La partitura está allí desde su muerte», dice una de las voces de la película.

La película filmada en 1975 nace del libro que escribió ella misma en 1972 a pedido del National Theatre de Londres, y que lleva como subtítulo: teatro/poesía/cine. Duras hizo su propia transposición del texto a la pantalla buscando en lo cinematográfico lo que en el teatro y la literatura sería imposible. En este caso el teatro, la poesía y la música convergen en el cine; cada una transforma y se nutre de la otra. 

La autora total francesa señala: «Lo primero que armé fue la música, el sonido llegó después, por lo tanto, el filme fue musical antes de ser hablado. El filme ya es un moderato cantabile, al comienzo, sin juegos de palabras, y luego un vivace en el medio, y al final un andante interminable».



La singularidad en el cine de Marguerite Duras —aparte de por sus virtuosos travellings que no sólo transitan el espacio, sino también el tiempo— resalta por su evidente y peculiar uso de la banda sonora, representados por dos recursos fundamentalmente: la música extradiegética y la voz en off. El diálogo entre las voces que nunca será representado en la pantalla por medio de una interacción, permite darles vida a estos cuerpos y escenificarlos. 

El poder de la palabra evoca a estos personajes de la vida de Duras y les permite ser y existir. En ese sentido, la película trabaja también con la temporalidad, mediante la simultaneidad y el anacronismo, no solo por las voces en off que se superponen con el diálogo de los personajes, o por la duplicidad de los espacios, sino también porque la aparición de estos personajes llega al unísono. 

La película se compone de un diálogo a cuatro voces (dos de hombre y dos de mujer, de las que no conocemos su procedencia) de los recuerdos de dos días de la historia de un amor en la India de los años 30. Ninguna de las voces recuerda por completo la historia, pero tampoco la olvidó del todo. 



Además de la melodía de India Song que se da de forma repetitiva como leit motiv, las voces también enfatizan constantemente en lo que se escucha o lo que recuerdan escuchar, y en el volumen y la forma en el que llegan estos recuerdos sonoros. El recuerdo es y será siempre incompleto, confuso y opaco. 

Las cuatro voces narradoras recuerdan algo, pero no del todo; esta ambigüedad le permite a Duras variar por momentos la literalidad de la voz que coincide con lo visto, y por otros, mediante una dialéctica entre lo que se dice y lo que se ve; Duras sugiere lo que les permite la memoria a estas voces anónimas.



En India Song, Duras busca penetrar en esos instantes de su infancia y de aquellos personajes que construyeron y definieron su porvenir. La melodía se escucha a orillas del Ganges; es India Song. Pero parece que la melodía es la que llevará el alma de los protagonistas no sólo a India, sino que seguirá por un recorrido que nos lleva desde el Ganges hasta el Mekong, y desde la India y Birbania- hoy Mianmar- a Indochina, hoy Vietnam, Laos, Camboya y ya no sé si hasta la China del Norte. ¿Estará buscando Duras a su amante? ¿Quién sabe?

Para saber más de esta complicada película aquí tienes en este enlace una entrevista entre Xavière Gauthier y Marguerite Duras ; y en este otro un magnífico análisis cinematográfico a cargo de Fernando Usón Forniés en su blog Capricho cinéfilo.



lunes, 25 de noviembre de 2024

La emboscada



En la guerra de Vietnam murieron cincuenta y ocho mil doscientas personas  valientes dieron su vida por su país, a veces, cumpliendo órdenes absurdas como las que refleja esta película. 

La película retoma el tema de la guerra de Vietnam es del año 2023 y en este caso se traslada al inicio de la guerra cuando todavía los soldados norteamericanos no tienen constancia de la esencia de túneles que permiten a los integrantes sorpresas nada agradables a las tropas norteamericanas que se encontraban en punto de avanzada. 

Con el título de Ambush la película dirigida por Mark Burman y con guion de Mark Burman, Johnny Lozano, Michael McClung, Dillon Slack que nos presenta un grupo de jóvenes que se encuentran bajo la autoridad del sargento Ackerman (Connor Paolo ) de ingenieros que están consolidando un punto relativamente cercano al frente. 

Allí es mandado el capitán Mora quien siguiendo las órdenes del general Drummond ( Aaron Eckhart ) ha de recepcionar un cuaderno que contiene una valiosa información sobre su vietnamitas colaboradores del régimen que apoya Estados Unidos. La información altamente clasificada puede cambiar el destino de la Guerra. 

Cuando Mora recibe el cuaderno coincide con el inicio de un ataque por sorpresa de los norvietnamitas, acaban robándole el cuaderno. 

Al final, mandan a un militar experto en acciones e inteligencia como Miller (Jonathan Rhys Meyers ) que ordena a un grupo de soldados de ingenieros a una misión para obtener material de inteligencia que ha sido obtenido por parte de las fuerzas enemigas del Vietcong (VC) tras una veloz ofensiva al partir de los extensos complejos de túneles subterráneos que el VC ha construido bajo tierra en todo Vietnam del Sur durante el conflicto. 

Así que Ackerman y sus hombres han de penetrar por el laberinto de túneles donde el enemigo les espera. La operación compleja y desconocida para esos militares encabezados por el joven e inexperto Ackerman ha de culminar con la recuperación de la libreta. 

Y, tras las bajas de casi todos sus hombres, consigue recuperarla el cuaderno que, ya en manos de los oficiales, deciden destruirlo , ante la incredulidad de los ingenieros que se preguntan el por qué.   

Al final tenemos una película bélica muy física de cuerpo a cuerpo casi completamente claustrofóbica en la que los actores principales juegan un papel secundario como es el caso de Jonathan Rhys  Meyers o como Aaron Eckhart, aunque el protagonismo lo asumen Connor Paolo , Jason Genao, Mara Lane y Mac Brant, entre otros. 

La película es una coproducción entre Colombia, donde posiblemente sea rodada, y Estados Unidos y respaldada `por las productoras ADME Studios, BondIt, Burning Bull SPFX, Dark Mark Productions, Jaguar Bite con Mark Earl Burman como productor. 

La película sigue la música de Nicci Kasper y Deantoni Parks así como We Are Dark Angels, y la fotografía de Dan Frantz dominantemente oscuros y rodada mínimamente iluminados en penumbras. Matthew Cassel fue el responsable del montaje.  



En cuanto a la crítica Todd Gilchrist en Variety escribió que "Con una premisa intrigante, un reparto convincente y una realización atractiva, casi puede calificarse como una obra sobre Vietnam por encima de la media, si no fuera por las interpretaciones mediocres de Eckhart y Rhys Meyers" y añade que "Ambush se puede sentir como un retroceso, en su mayoría en el buen sentido, a las películas de "Namsploitation" que compañías como Cannon produjeron en la década de 1980, cuando las historias sobre la guerra estaban en su punto más popular comercialmente". "; por su parte, Phil Hoad del británico The Guardian "Es un cliché tras otro y carece de perspectiva moral (...)" 




Julian Roman de MovieWeb hizo una crítica negativa, escribiendo: "La película oscila entre el combate crudo, la hermandad de soldados y una trama elaborada con problemas críticos. El ritmo también se convierte en un factor durante un segundo acto subterráneo prolongado e indiscernible".

Al final tenemos una típica película de Vietnam que como bien señala Todd Gilchrist es muy ochentera, muy física , como hemos dicho anteriormente, casi muy viril. 



Las ciervas



Últimamente le estoy cogiendo gusto a películas de la nouvelle vague, siendo ésta que llevaba por título Les Biches una de las más representativas de Claude Chabrol, pues combina una historia de un triángulo amoroso con elementos del cine e incluso con una relación lésbica algo absolutamente novedoso dentro de aquella corriente. 

El director de "Les Cousins" (1959), "Les Bonnes Femmes" (1960) y "Los crímenes de Champagne" (1960), o las más conocidas , "Le boucher" o "Accidente sin huella" a diferencia de sus colegas de la Nouvelle Vague (Godard, Truffaut, Resnais), dijo Rogert Ebert que dentro de la nouvelle "se había alejado de la política , pero que había optado por un estilo de dirección muy fluido, casi etéreo". 

"Les Biches", fue una película exitosa cuando se presentó en Estados Unidos en el Festival de Cine de Nueva York de 1968 y para el crítico de Chicago antes citado se encuentra entre sus mejores trabajos.  

Protagonizada por Jean-Louis Trintignant, Jacqueline Sassard y Stéphane Audran,  ganó el Oso de Plata a la mejor interpretación femenina en la 18.ª edición del Festival Internacional de Cine de Berlín del año 1968".

La película cuenta con una banda sonora impresionante, de lo mejor que he podido escuchar últimamente compuesta por Pierre Jansen. 

La película Concebida como una especie de novela (prólogo, dos capítulos -cada uno dedicado a un personaje femenino- y un epílogo), , se desarrolla entre París donde empieza la película y donde acaba y la localidad mediterránea de centro Saint Tropez. 

Dividida en cuatro entregas, puesto que contiene un prólogo y un epílogo,  pero mientras la segunda mitad se lo dedican a Frederique la tercera tiene como protagonista a Why.. 

Su trama se centra en la relación entre una mujer adinerada, Frédérique (Stéphane Audran), y una artista callejera, Why (Jacqueline Sassard), que se ve alterada cuando el arquitecto Paul Thomas (Jean-Louis Trintignant) intenta conquistar a la segunda.

Todo comienza en los puentes parisinos . Sobre uno de esos puentes conocemos a Frederique, una lesbiana rica y de temperamento apático, que se encuentra en el "Pont des Arts", vamos, en la calle, y se fija en Why, una joven artista callejera, y tras llamar la atención de Why lanzándole un billete de 500 francos, la invita a tomar un té en su casa, pero para sorpresa de todo Why le pide luego  bañarse en su  bañera. 



Tras eso hay una seducción lésbica por parte de Frédérique, que se la lleva a vivir con ella a su casa de Saint Tropez. 



Durante algún tiempo son felices en su mansión en la que vive la millonaria, propietaria de un área portuaria. En su casa no vive sola, pues es atendida por una señora y en ella , a demás se han instalado, algunos amigos vividores que adulan a la chica y a la recién llegada.

Pero en una fiesta Why comienza a sentirse atraída por uno de los asistentes, Paul, un joven arquitecto que acaba esa noche seduciéndola. Frederique enfurece el tono con todos, pero especialmente con su invitada , Why, y decide visitar a Paul para dejarle claro cuál es el precio de acostarse con Why.

Pero Fredérique, lejos de darse por vencida, utilizará también sus artes de seducción para cambiar las reglas del juego y convertirse en el vértice dominador de un triángulo en el que dos ganan y uno no tiene más remedio que perder.  

Un día, aprovecha la coyuntura, y la necesidad de ver una obra de construcción que levanta Paul cerca del puerto para beber y , con la excusa de la bebida, la  bella Frédérique, se enrolla con el arquitecto. Desde ese momento Paul pierde su interés por Why y se interesa por la burguesa. 

Ahí comienza otra historia. El romance entre Frédérique y Paul provoca cierto distanciamiento y una extraña manifestación interna en la vida de Why, la cual, en la casa, parece estar abducida por su mentora, vistiendo su ropaje , maquillaje imita casi el peinado de su amiga. Paul advierte el detalle, pero no actúa, sino que se deja llevar por la personalidad dominante de su novia. 

Una noche en la que Why propone celebrar y emborracharse, los tres pasan una velada maravillosa, charlando, bebiendo, escuchando música. No obstante, el deseo no sobrepasa la rivalidad entre las amigas y Frédérique rechaza a Why al irse a la cama y ella queda tras la puerta masturbándose, en una escena poderosamente sensitiva. 



Al día siguiente cuando los novios deciden irse por unos días a París a atender negocios de Paul, ella se queda en la provincia, pero en un ataque, que según Why son unas voces que escucha, parte a la capital y llega al apartamento. En él está su mentora. 

Comienza en un diálogo extraño en el cual la joven le dice que en la casa rural no se siente bien, sola, y prefiere estar con ellos porque los ama, pero ella le argumenta que ya no cabe en esa situación. Las voces, repite una vez más le atormentan y la música lo invade. De su bolso, Why saca un puñal y lo clave en la espalda a su amiga cuando le abraza. Frédérique muere. Why se queda. En la escena final se ve entrar a Paul al departamento acabando así la película. 

Les biches está considerada la primera película que aborda abiertamente el amor lésbico en la Nouvelle Vague francesa. Jean Rabier participa en la fotografía. Se trata de un film  escrito por el habitual colaborador de Chabrol, Paul Gégauff, responsable tanto de "El carnicero", 1970 como de la recientemente vista . 

La película se rodó en escenarios naturales de Paris y Saint Tropez. La película fue presentada emn Berlín fuera de concurso pero ganó el Oso de plata para la actriz Stéphane Audran, en ese momento musa y esposa de Chabol en la vida real. Producido por André Génovés, se estrenó en la primavera de 1968, poco antes del mayo francés.. 

El film desarrolla una fábula, intensa y perturbadora, en el que está presente el deseo, la seducción y la venganza, que una historia que el realizador envuelve en una atmósfera creciente de extrañeza, misterio y fatalismo. 

El director nos presenta el comportamiento indolente y despreocupado de la burguesía, sus fastos y miserias, que le sirven para establecer su habitual acotación de denuncia y crítica social. La homosexualidad y la bisexualidad son tratadas con cuidadoso respeto en el marco del claro propósito de reivindicar su naturalidad y glosar, tempranamente (1968), su igualdad en relación a las orientaciones heterosexuales. 

Como siempre en Chabrol prioriza las relaciones humanas inspiradas en esta caso dominadas por la sumisión y la manipulación, estando igualmente presente la fragilidad en Why y la ambivalencia. El director lo expone de una manera sencilla, natural, clara y directa, sin un ánimo presuntuoso y sin las habituales referencias freudianas de Hitchcock. 

La comicidad es aportada por el dúo de vividores que viven en casa de Frédérique formado por Henri Attal y Dominique Zardi, en sus papeles de músicos aficionados y parásitos sociales que viven a expensas de la "pobre niña rica". Ella es presentada como una mujer voraz y posesiva seductora/cazadora sexual, de hombres y mujeres, como ponen de manifiesto los trofeos de caza y las lanzas, flechas y armas que conseguidas en Mozambique , entre otros lugares, decoran su casa. Ella es cualquier cosa menos una cierva. 




Se considera que el film, con la asistencia del guionista Paul Gégauff y del productor André Génovés, como el inicio de la tercera etapa, la de la madurez, de la filmografía del realizador.

La música, del francés Pierre Jansen, colaborador habitual de Chabrol, se apoya en una partitura que sugiere y crea sentimientos de tensión e intriga conseguidos por medio de instrumentos de viento y cuerda .

La fotografía, de Jean Rabier ("El bello Sergio", 1959), aporta al film la visualidad propia de Chabrol, colorista, luminosa y apoyada en una excelente composición. 

Las interpretaciones de Stéphane Audran (entonces casada con Chabrol) y de Jacqueline Sassard son cautivadoras y nos sirve para enmarcar la lucha de clases: los usos y costumbres , incluyendo el abuso de los ricos sobre los pobres quedando la tesis de que el mundo burgués se muestra decadente, lleno de hipocresía y sobre todo vacío, en donde la soledad se apodera de unos personajes plenos de aburrimiento, indolentes y miserables que encarna esta mujer burguesa y su círculo.

El resultado es un melodrama que parte de lo intimista y sensual para transformarse al final en un thriller eso sí presentado con mucha sutilidad. Más allá de prejuicios, el lesbianismo se convierte en la película casi un juego seductor y de rivalidad 




En cuanto a la critica que estaba al tanto de la película que fue presentada como "La película femenina más atrevida del 69", destaco , entre las que he encontrado, la de Rogert Ebert al escribir en enero de 1969 que ""Les Biches" de Claude Chabrol depende casi por completo del estilo, y como estilo lo consigue. A Chabrol no le interesa tanto la historia como la manera de contarla. Prefiere los colores apagados, sobre todo los pasteles, y muchas de sus escenas están filmadas a la luz del atardecer. Sus personajes encajan en esos colores y estados de ánimo; a veces parecen estar en trance, moviéndose lentamente, hablando distraídamente. Y el movimiento de cámara está meticulosamente planeado. Observamos escenas en las que la cámara y los actores se mueven juntos en una especie de minué. Tres o cuatro planos, utilizando pasos que no vemos o espejos que no esperamos, tienen la gracia de la danza. " Y añade que "hay que decir que "Les Biches" no es en ningún sentido una película de explotación, no es particularmente erótica y logra su propósito principalmente al seducirnos para que nos involucremos en el estado de ánimo de los personajes. La joven se encuentra en una situación extraña: ama tanto a la mujer como al hombre y está feliz de que se amen. Pero tiene miedo de que la excluyan. Ha salido de la nada y tiene miedo de volver atrás. Así, poco a poco, unos celos enormes van creciendo en ella " Y concluye diciendo que ", "Les Biches" se convierte en una expresión melancólica, tranquila y altamente personal. ",

A partir de Les Biches , Chabrol comenzó a trabajar con el productor André Génovès y su colaboración dio como resultado una serie de thrillers psicológicos nítidos y gélidos, entre los que se incluyen La Femme Infidèle , This Man Must Die (1969), Le Boucher (1970), La Rupture (1970) y Just Before Nightfall (1971), todos ellos relatos lentos y desconcertantes salpicados de actos de violencia cuidadosamente observados y preparados, y que a menudo presentaban resoluciones ambiguas. 

Pauline Kael bromeaba diciendo que estas películas se parecían a sardinas en lata, aunque en gran medida siguen siendo sus obras más famosas. Con el tiempo, Chabrol volvió a variar su producción, intercalando los thrillers por los que ahora era famoso con dramas políticos y personales e incluso alguna que otra comedia negra, hasta su muerte en 2010.



domingo, 24 de noviembre de 2024

El piloto



Nada esperaba, pero me lo he pasado bien con Plane, una película del año 2023 dirigida por un francés, Jean François Richet y que cuenta con un guion escrito por Charles Cumming y J.P. Davis y con elenco encabezado por Gerard Butler y en el que también están Mike Colter, Yoson An y Tony Goldwyn.

Los productores ejecutivos de Plane son Nik Bower, Deepak Nayar, Alastair Burlingham, Gary Raskin, Michael Cho, Tim Lee, Osita Onugha, JP Davis, Vicki Dee Rock, Allen Liu, Christian Gudegast y Edward Fee quedando Lionsgate Films como distribuidora y MadRiver Pictures, Olive Hill Media, G-BASEDi y Di Bonaventura Pictures como responsables de la producción de la película. 

La película contó con la música de Marco Beltrami y Marcus Trumpp, la fotografía de Brendan Galvin y el montaje de David Rosenbloom. 

La historia se centra en Brodie Torrance (Gerad Butler), un piloto comercial, protagonista de esta película y que en ella se convierte en un piloto del vuelo 119 de Trailblazer Airlines con 14 pasajeros y tres miembros de la tripulación de cabina que vuela desde Singapur a Honolulu vía Tokio y que está dispuesto a asumir cualquier riego con tal de salvar a su tripulación en este trepidante thriller de acción con alta dosis de tensión, violencia y mucho ritmo. 

La historia comienza en Singapur cuando un piloto comercial escocés, Brodie Torrance,  que ha sido integrante del ejército británico se hace cargo de un avión de la línea Trailblazers que es copilotado por Samuel Dele ( Yoson An) un inexperto piloto de origen hongkongnés. 

Siguiendo las instrucciones de uno de sus superiores, Brodie toma un atajo a través del Mar de China Meridional, y al poco tiempo se ve afectado por una tormenta eléctrica que apaga todos los aparatos del avión.  


El avión sufre daños críticos por la tormenta eléctrica y prácticamente sin que nada funcione finalmente aterriza de emergencia en una pista de tierra de la isla filipina de Jolo en  Filipinas, una zona remota de Filipinas gobernada por milicias antigubernamentales fuertemente armadas. y que está devastada por la guerra. 

Para desgracia del piloto y de la tripulación donde hay de inicio dos bajas - la de un policía que acompaña a un preso y la de una chica de la compañía Trailblazer-, la isla no la controla el Gobierno sino una guerrilla separatista encabezada por un violento jefe Datu Junmar (Evan Dane Taylor) que se beneficia de los secuestros de occidentales que por allí aparecen y de la extorsión de extranjeros a los que piden rescate por su vida. Se trata de una guerrilla super violenta que no tiene piedad con nadie. 

Pues bien, mientras que Torrance y el preso que iba en el avión escolado por la policía, Louis Gaspare, (Mike Colter) un pasajero extraditado por cargos de homicidio el que sabe que era un convicto que iba a Canadá para ser entregado a la Justicia y que se refugió durante años en la Legión francesa, van en busca de ayuda por la isla. Brodie se adentra en la jungla en busca de ayuda, acompañado de Louis. 




En un almacén abandonado, Brodie conecta un teléfono para llamar a sus superiores y a su hija para decirles dónde están. Brodie lo consigue, pero es atacado por un rebelde al que mata. Louis también mata a otros rebeldes en el edificio. Encuentran un sitio utilizado por los rebeldes para hacer videos de rescate y corren de regreso al avión. 

Pero , mientras tanto, la milicia local encuentra a los pasajeros, mata a una pareja que intenta escapar y , al resto, los toma como rehenes, con la intención de obtener grandes rescates de sus familias. 

En paralelo el dueño de la compañía, Terry Hampton (Paul Ben-Victor ) decide enviar a un equipo de operaciones especiales mientras el ejército filipino promete que llegara, pero 24 horas después. Así que la empresa de aviones decide contratar a expertos de rescate internacionales como Scarsdale ( Tony Goldwyn ) que organiza un comando que salta sobre la isla y que está dispuesto a luchar por encontrar su ubicación. 

Mientras que a los retenidos se les acaba el tiempo, a Brodie no le queda más remedio que contar con el apoyo total del asesino convicto que tenía la tarea de transportar y unirse a él para salvar a los pasajeros y encontrar una forma de salir de la isla.  

Después de que el grupo se va, Brodie y Louis dominan a los rebeldes restantes y los obligan a revelar la ubicación de su guarida. Antes de irse, Brodie deja una nota para informar a los equipos de rescate de la situación. 




En el escondite rebelde, Brodie y Louis matan a los guardias y meten a los pasajeros y la tripulación en un autobús. Brodie decide quedarse atrás para distraer a los rebeldes. Cuando está a punto de ser ejecutado, llega el equipo de rescate, infligiendo muchas bajas a los hombres de Junmar. 

El equipo de rescate le dice a Brodie que la aerolínea no puede enviar un equipo formal para sacarlos de la isla durante otras 24 horas y que no tienen suficiente dinero de contingencia para negociar su salida de la isla. Brodie le dice al equipo de rescate que tiene otro plan. 

De vuelta en el avión, Brodie y su copiloto Samuel Dele logran encender el avión y reunir a todos dentro para el despegue. El grupo de Scarsdale prepara un rifle antimaterial Barrett M82 para aumentar la potencia de fuego y, junto con Louis, luchan contra los hombres de Junmar. Louis decide quedarse atrás para distraer a las fuerzas de Junmar, lo que permite que el equipo de Scarsdale aborde el avión. Sus acciones evitan un intento de Junmar y un terrorista de hacer estallar el avión con un RPG. Luego huye a la jungla con una bolsa de dinero del rescate traído por los mercenarios. 

Enfadado y desesperado, Junmar intenta usar otro RPG en un último esfuerzo por destruir el avión y hiere a Brodie nuevamente, esta vez en el hombro. Pero Brodie, a pesar de sus heridas, es capaz de poner el avión a toda velocidad, lo que le permite despegar de manera segura y golpear a Junmar con las ruedas en el proceso, matándolo. 

Lo cierto es que el avión está demasiado dañado y le queda poco combustible para hacer un largo viaje, pero Brodie logra aterrizar en la vecina y pacífica isla de Siasi. Mientras el equipo de rescate de la isla atiende a los pasajeros y a la tripulación, Brodie llama a su hija, que le esperaba para pasar el fin de año en Honolulu, para decirle que va a volver a casa. tras salvar a los pasajeros y a la tripulación del fatídico vuelo.

La cinta dirigida por el cineasta francés Richet completa su reparto con personajes como Mike Colter, Kelly Gale o Tony Goldym. 

La película fue anunciada en 2016, ya que en julio de 2016, MadRiver Pictures adquirió The Plane, un lanzamiento original del novelista Charles Cumming, con Marc Butan y Lorenzo di Bonaventura y Mark Vahradian de Di Bonaventura Pictures anunciados como productores. Pero años después cuando se había anunciado a Gerad Butler en el reparto y también produciría junto a Alan Siegel , fue adquirida por Lionsgate Films en 2019, productora que abandonó el proyecto tras no poder obtener un seguro de producción que cubriera un brote de COVID-19, ya que el estudio no quería arriesgar el presupuesto de 50 millones de la película. 

Poco después, en 2020, fue vendida a Solstice Studios y readquirida por Lionsgate Films en 2021, en lo que Andreas Wiseman de Deadline Hollywood describió como un "caso de voleibol de Hollywood de alto perfil". La película fue filmada en Puerto Rico. 

Plane fue estrenada en los Estados Unidos el 13 de enero de 2023. La película fue regularmente recibida por la crítica, más bien mixtas, aunque muy mal recibida en Filipinas. 

Michael O'Sullivan del The Washington Post escribió sobre ella que era  "Un chute de adrenalina y diversión absurda. ¿Qué más se puede pedir en pleno mes de enero? (...) " 

Frank Scheck del The Hollywood Reporter comentó que "No es precisamente una película innovadora. Pero cumple su cometido, que es más de lo que se puede decir de la mayoría de las películas de género de hoy en día" 

Katie Walsh de Los Angeles Times sostuvo que "Si solo esperas ver a un Butler sudoroso maltratando a unos tipos malos mientras Colter le maltrata a él, quedarás más que satisfecho. Un entretenimiento barato y bien ejecutado" 




Steve Davis en las páginas del texano Austin Chronicle señaló que "Si las películas más importantes de la carrera de Butler fueran tan entretenidas y convincentes como 'Plane', quizá se le respetaría un poco más (...) 

Jordan Hoffman de AV Club señalaba "Si compras un billete para este viaje, debes saber que no hay opción de primera clase. Pero con unas expectativas moderadas, llegarás a tu destino" 

David Fear de las revista Rolling Stone fue contundente "Este thriller es flojo y flácido, incluso para los estándares de enero" 

David Ehrlich el habitual crítico de IndieWire dijo de ella que "Puede que 'Plane' no te lleve a ningún sitio nuevo, pero si vas a comprar una entrada para una película llamada 'avión', lo más probable es que te lleve exactamente a donde quieres ir" 

Desde Illinois Michael Phillips en el Chicago Tribune señaló que "En unos meses seguiré acordándome de la película con cariño (...) Me gustó (...) " ; mientras que Richard Roeper del Chicago Sun-Times señaló un sí, pero no al decir que "El reparto es estupendo. El problema está en el guion, que se preocupa tanto por hacer humor de la cultura pop que las tramas enrevesadas y cada vez más extrañas parecen secundarias con respecto al metahumor (...) 

Simon Thompson de The Playlist defendió que "En la línea de los trabajos de Gerard Butler, una entretenida película para ver con palomitas y empezar bien el año"

Ya en España, Oti Rodríguez Marchante del ABC le da su visto bueno comentando que "Lo que era un vuelo rutinario se tuerce y empieza una peripecia que no hay otro calificativo para ella que el de muy entretenida, llena de accidentes (...) y situaciones en las que sobrevivir construye el grueso del guion" 

En Cinemanía Sergio F. Pinilla destaca de ella que "Concebida para disfrutarse en pantalla grande (...) y el oficio del cineasta Richet para escoger el tamaño del plano, 'El piloto' sirve para contrastar también a Butler como nuevo héroe corriente (...)" 

Sergi Sánchez en las páginas de La Razón le gusta la dirección pues destaca que "Richet firma una película con cierto aroma ‘vintage’, de la que agradecemos su modestia, pero a la que le faltarían las toneladas de locura de “Serpientes en el avión” para convertirse en definitivo placer culpable (...) " 

Desde Barcelona Salvador Llopart en La Vanguardia, uno de los diarios de la prensa que se ha ido de twitter - ahora X-  que se trata de un "Cine de acción trepidante -siempre trepidante- aunque predecible, bien realizado y mejor interpretado. (...) 'El piloto' es "fast food" cinematográfico, vale. Comida rápida, pero bien hecha... (...) " 

Y , por último,  Pablo Vázquez en Fotogramas escribió sobre ella que se trata de  "Un artefacto para nostálgicos irredentos que prueba que el libro de estilo de Golan y Globus no se ha quedado obsoleto (...). Cine de acción sin zarandajas ni prurito de corrección política (...)"




En Filipinas la película sentó entre mal y muy mal. El actor y senador filipino Robin Padilla condenó la representación que la película hace de Filipinas, señalando cómo la película muestra a Jolo como un lugar gobernado por separatistas y milicianos, y al ejército filipino como "cobardes". En la vida real, el grupo yihadista Abu Sayyaf estableció su base de operaciones en Jolo, pero no pudo expulsar a la autoridad del gobierno filipino en la isla. Su presencia también ha disminuido significativamente desde su apogeo en la década de 2000. La crítica de Padilla fue apoyada por su compañero senador Ronald de la Rosa y el presidente del Senado Migz Zubiri, quienes argumentaron que la película podría dañar el turismo del país. 

Mientras tanto, el Sindicato de Directores de Filipinas se opuso a la prohibición propuesta, diciendo que constituye una censura, y argumentó que la prohibición podría sentar un precedente sobre la libertad de expresión artística de cualquier representación del país. También argumentaron que la película no era un comentario confiable sobre los asuntos del país, afirmando que Plane era solo "entretenimiento de película B sin sentido". 

Puede que esta crítica, la última se ala más acertada, pues tiene razón es puro cine de entretenimiento, no un sesudo ensayo sobre la coyuntura política de un estado. Entretenimiento, puro y duro. Eso es. 

Gladiator revisada



Como El primer Óscar del milenio u Óscar milenario , he vuelto a ver Gladiator con el fin de ver que había y que deja de haber en esta segunda entrega del personaje creado por Ridley Scott casi 25 años después. 

Sobre el contenido nada voy a decir pues la película es la que fue, pero como clásico moderno creo que destacaré ciertos aspectos como el uso innovador de CGI para "revivir" a un actor fallecido; el hecho de ir modificando el guion conforme se desarrollaba el rodaje- según parece-; la influencias en el arte y la historia antigua, el impacto cultural que fue su irrupción o el dolema de su banda sonora. 

En cuanto al primer punto destacar que el actor Oliver Reed, quien interpretó a Proximo, murió durante el rodaje, dejando incompletas algunas de sus escenas. Como había que buscar una solución se optó por recurrir a los efectos visuales (CGI) para recrear su rostro en un doble de cuerpo. Fue uno de los primeros usos significativos de esta tecnología en una película de gran presupuesto, marcando un precedente para futuros casos similares en Hollywood. 

Con respecto al guion  destacar que el de Gladiator no estaba completamente terminado cuando comenzó el rodaje. El equipo de escritores, incluyendo a John Logan, David Franzoni y William Nicholson, trabajaba sobre la marcha para desarrollar escenas, lo que llevó a una sensación de improvisación controlada. Incluso Russell Crowe improvisó algunas de sus frases  memorables

En cuanto a la influencia del arte y la historia antigua Ridley Scott se inspiró en las obras de pintores del siglo XIX como la de Jean-Léon Gérôme, famoso por sus representaciones del Imperio Romano, la misma que usó el actor egipcio Omar Shariff en un documental para explicarnos el mundo romano o en películas clásicas como Ben-Hur y Spartacus. Además, Scott se esforzó por lograr una estética históricamente plausible, pero no siempre precisa, lo que generó debate entre los historiadores que atacan el historicismo no asumiendo que el cine está más próximo a la recreación artística que a las ciencias sociales. Eso pasó por ejemplo en la armadura de Máximo o en la recreación del personaje del emperador Cómodo, interpretado por Joaquin Phoenix.

Relacionado con lo anterior destacar que la película tuvo un impacto cultural inesperado pues revitalizó el interés por la cultura romana, generando un aumento en la producción de películas épicas de carácter histórico en la década posterior como Troya, 300 y El reino del Cielo del mismo Scott, entre otras. 

Por último hubo un debate sobre la banda sonora de Hans Zimmer y Lisa Gerrard es una de las más recordadas, pero generó controversia. Algunos fragmentos fueron acusados de plagiar obras previas, especialmente piezas de Gustav Holst y Ennio Morricone. A pesar de esto, la música se convirtió en un clásico, y la pieza principal, Now We Are Free, es reconocida en todo el mundo, especialmente, si paseas por un trigal supuestamente cercano a Mérida, aunque sea genuinamente toscano.  

Poco más que decir que no se haya dicho y quedamos a la espera de ver mañana las variantes generadas por la película 25 años después. Fuerza y honor. 

viernes, 22 de noviembre de 2024

Jersey Boys



En principio uno puede pensar que Clint Eastwood nunca se ha dedicado a hacer película musicales. Pero cuando lo piensas fríamente tu mente se remite a Bird o a Jersey boys, una de estas películas que de pronto descubres que ha hecho el director pero que para mí había pasado sin pena ni gloria. Y es un error por mi parte porque Jersey Boys es una buena película. Puede que no sea la mejor, posiblemente,  pero es una película que en sus dos horas largas de duración transmite una historia que la música complementa magníficamente. 

Hay que reconocer que tiene mucho de biopic en el sentido de que nos cuenta la historia de cómo a mediado del siglo XX en Nueva Jersey cuatro jóvenes que iban por muy mal camino terminaron por convertirse en uno de los grupos musicales más populares de la década de los años sesenta en los Estados Unidos, The Four Seasons, cuando estos dejaron de llamarse The Four lovers igual que antes habían sido Variety Trio. 

Dos de sus componentes, desde luego, han pasado en la historia de la música como es el caso de Frankie Valli o el caso de Bob Gaudio, cantante y compositor respectivamente de los éxitos de este grupo. Frente a ellos Gaetano "o Tommy" de Vito o Nick Massi, cuatro chicos integrantes de la comunidad italoamericana, típicos "guidos" de Nueva Jersey a los que les quedaban únicamente tres salidas: o servir en el ejército y morir por la patria, o integrarse en la mafia y morir por los negocios o convertirse en una estrella. Ellos, como dices en la película optaron por las dos últimas opciones. 

La película comienza en Belleville, Nueva Jersey, en el año 1951. Al primero que conocemos es a  Tommy DeVito quien actúa junto con su hermano Nicky y su amigo Nick Massi como The Variety Trio. Es un joven cercano a la la mafia que se queda con lo que se pierde de los contenedores del puerto ( abrigos, zapatos, trajes,...) . Tiene su anclaje con uno de los jefes locales de la mafia, Angelo DeCarlo.

También conocemos a Frankie Castelluccio, de 16 años, hijo de un barbero, ya muy conocido en el barrio por su voz. Frankie tiene la admiración de un mafioso de la Familia Genovese, Angelo "Gyp" DeCarlo, que se interesa personalmente por él. La madre de Frankie le preocupa que su hijo salga por la noche ya que el barrio es el que es. 

Una noche, el grupo intenta robar una caja fuerte, pero arman tanto ruido y finalmente al no poder meter la caja fuerte en el coche que , finalmente, se estrella en un escaparate que días después todos son arrestados por  resulta en que la policía. 

En el tribunal, Frankie sale libre con un tirón de orejas, pues no ha cumplido ni los 17 , mientras que Tommy es sentenciado a seis meses de prisión. 

Después de su liberación, Tommy se reúne con el grupo y agrega a Frankie como cantante principal. Frankie Castelluccio cambia su nombre profesional a Frankie Vally, y luego a Frankie Valli sobre todo cuando tras una  actuación, Frankie conoce y queda fascinado por una mujer llamada Mary Delgado. La invita a cenar y pronto se casan. 

El grupo, ahora llamado "The Four Lovers", cantan y tocan bien, pero ninguno de sus temas tiene "punch" para tener éxito en la música. Son conscientes de que necesitan a un compositor después de que Nicky se vaya. 

Uno de los amigos de Tommy, Joe Pesci, le habla de un talentoso cantautor, Bob Gaudio, y lo invita a escuchar al grupo. Gaudio queda impresionado con la voz de Valli y acepta unirse. 

La banda, que ha grabado varias maquetas, intenta atraer el interés del grupo, pero tiene poco éxito. Un día, en la ciudad de Nueva York, el productor Bob Crewe, que conoce a los chicos del barrio, especialmente a Frankie,  les firma un contrato. Sin embargo, rápidamente se dan cuenta de que sólo les permite realizar coros para otros grupos. Crewe dice que el grupo aún no tiene una imagen o un sonido distintivos. Como eso no les permite ganar dinero, buscan bolos donde cantar. 

Precisamente en una bolera de la que son expulsados cuando el dueño descubre entre ellos a Tommy  al salir a la calle descubren que con Four lovers no llegarán a nada, pero inspirados por el cartel de una bolera, la banda cambia su nombre a "The Four Seasons" . Poco después Bob Gaudio, mientras viaja en bus, tiene una inspiración y compone un tema. Tras cartar esa nueva canción que Gaudio ha escrito, "Sherry", a Crewe, éste queda fascinado y acepta grabarla. 

"Sherry" se convierte rápidamente en un éxito comercial, seguido por dos más, "Big Girls Don't Cry" y "Walk Like a Man". El éxito lleva a las giras y en ellas todos se divierten salvo Frankie que al tener responsabilidades familiares queda al margen. No obstante, su presencia - más biuen su ausencia- familiar lleva a su ruptura con su mujer. Son tres chicas las hijas, pero Frankie se desvive especialmente por la pequeña. Con todo, se divorcian.

Sin embargo, antes de una aparición en The Ed Sullivan Show, Valli es abordado por el mafioso Norman Waxman, un usurero de una de las otras Cinco Familias, quien afirma que Tommy le debe $150,000. 

Frankie acude a DeCarlo, quien consigue que Waxman permita al grupo pagar la deuda, que resulta ser considerablemente mayor ya que hay un agujero importante con el fisco de medio millón puesto que Tommy ha dispuesto del dinero del grupo sin control.

Tommy debe ir a trabajar para los socios de la mafia en Las Vegas hasta que se pague. Nick, irritado por la irresponsabilidad de Tommy y su incapacidad para vivir en sociedad, al no verse estar involucrado en las decisiones del grupo y nunca poder ver a su familia, también abandona el grupo. 

Al tener que hacer giras constantemente para pagar la deuda, la banda contrata a un grupo de músicos de estudio y se convierte en Frankie Valli and the Four Seasons, con Gaudio actuando ahora únicamente como compositor y productor. 

Valli se entera por su ahora ex esposa, Mary, que su hija, Francine, ahora drogadicta, se ha escapado de casa. Valli se encuentra con su hija distanciada y lamenta no haber actuado como un mejor padre para ella cuando estaba creciendo. También consigue que Gaudio le ofrezca clases de canto y que Crewe grabe una maqueta para ella. 

Unos años más tarde, el grupo finalmente ha pagado la deuda de Tommy. Sin embargo, esto coincide con la noticia de la muerte de Francine por sobredosis de drogas. 

Frankie y Mary lloran a su hija. Gaudio compone un nuevo número para que cante Valli, su primero como solista. Al principio, Frankie duda, ya que todavía está de luto, pero finalmente acepta. La canción, "Can't Take My Eyes Off You", se convierte en un éxito comercial. 

En 1990, los Four Seasons están a punto de ser incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll. La banda interpreta "Rag Doll" en el escenario, su primera actuación juntos en más de veinte años. La música se desvanece mientras los cuatro hombres se turnan para dirigirse al espectador. 

En un giro irónico, Tommy ahora trabaja para Joe Pesci, que se ha convertido en un actor ganador de un Oscar (su papel premiado fue un relato ficticio de otro gánster de la vida real que, casualmente, también se llamaba Tommy DeVito). 

Nick afirma que no se arrepiente de haber dejado el grupo y que disfruta del tiempo que pasa con su familia. 

Frankie sigue de gira con su carrera en solitario, pero añora los días en los que actuaba con el resto, mientras que Bob se ha retirado a Nashville, Tennessee. 

Frankie afirma que el mejor momento que tuvo durante su tiempo con los Four Seasons fue antes de su éxito, "cuatro tipos bajo una farola, cuando todavía teníamos todo por delante".

Tras esto vemos un flashmob con todos los actores de la película mientras suenan los éxitos de la banda  mientras se mueven por una calle.  



Clint Eastwood adaptó al cine el exitoso musical del mismo título estrenado en 2004. Lo cierto es que en 2010, GK Films adquirió los derechos para producir la película, adaptada del musical. Para ello Brickman y Elice habían escrito el guion de la película. En agosto de 2012, Jon Favreau había sido contratado para dirigir y completar el casting que había comenzado, pero finalmente la película cayó en manos de Eastwood. Éste comienza a asumir el proyecto en 2013 como director.



El proyecto llegó tres años después del lanzamiento de la película anterior de Eastwood, J. Edgar, que Variety señala como "su brecha más larga entre proyectos de dirección desde 1980". Aunque Eastwood disfrutó del guion, pidió una reescritura, señalando que a la versión "le faltaban muchas cosas". Esto se consideró inusual para Eastwood, ya que se hizo algo notorio por usar los primeros borradores como guion final.

Para el casting, Eastwood buscó contratar actores de la propia obra en lugar de estrellas de cine más comercializables. Eastwood señaló que se sintió presionado para elegir protagonistas más famosos; Sin embargo, se negó, diciendo: "Hay gente que ha hecho 1200 actuaciones; ¿cuánto mejor puedes conocer a un personaje?". 

Hubo una dura selección para interpretar a Valli, sobre todo entre dos valores: John Lloyd Young de Broadway y Ryan Molloy del West End, pero, finalmente, Young fue elegido. El favorito personal de Valli era Molloy. El hijo de Massi, Nick Massi Jr., expresó interés en interpretar a su padre, pero no fue considerado seriamente en parte debido a incidentes pasados ​​en los que había intentado revender entradas en espectáculos teatrales de Jersey Boys y había causado disturbios detrás del escenario.

La película se rodó en Los Ángeles, California, donde se gastaron 58,6 millones de dólares y recibió el Crédito Fiscal para Cine y Televisión de California. Sobre este aspecto en una entrevista de 2015 con Daily Express, Valli criticó que "sacaron la música de la película. Eso me molestó. Se suponía que debía participar en la posproducción, pero no sucedió. Me hubiera gustado que más de la película se filmara en Nueva Jersey, no en estudios. Podrían haber elegido a los actores de otra manera. Hubo muchos desacuerdos. ¿Fue culpa de Eastwood? Bueno, él era el director. Si fuera yo quien hiciera una película sobre personas reales y las personas reales estuvieran allí, les estaría haciendo preguntas. No fue una mala película, pero podría haber sido mejor".



En una entrevista posterior , del año 2021 en The Washington Post, Valli volvió a revelar sus pensamientos sobre la película y dijo: "No creo que el reparto fuera adecuado ni que se hiciera bien. No se armó todo el conjunto de forma adecuada. Creo que Clint Eastwood es un gran director y actor. No creo que esto fuera lo adecuado para él". 

Como ya he dicho diez años más tarde en 2014 dio vida a los cuatro integrantes del grupo contando para ello con John Lloyd Young, actor que interpreta en el filme a Frankie vale el cantante del grupo, que era el mismo que había representado a este cantante y el musical de Broadway, una interpretación que le valió el premio Tony. Junto a ellos aparece el veterano Christopher Walken que da vida al mafioso Gyp DeCarlo. Junto a ellos aparecen los jóvenes Erich Bergen como Bob Gaudio, Vincent Piazza como DeVitto y Michael Lomenda como Nicki Massi.

La historia de los fracasos y triunfos del grupo acompañada por canciones inolvidables como " Sherry", "Big Girls Don't Cry", "Rad Doll" o " Bye bye Baby", melodías que hicieron de este grupo uno de los más influyentes de su generación. 

La película como es lógica es producida por mal paso aunque distribuida por la Warner y en la misma participan los protagonistas Gaudio y Vallie en la producción, aunque los productores reales fueron Clint Eastwood, Graham King y Robert Lorenz por medio de la RatPac-Dune Entertainment, GK Films y Malpaso Productions. En el apartado técnico estuvieron Tom Stern encargado de la fotografía, Joel Cox y Gary D. Roach del montaje y , evidentemente, Bob Gaudio de la música.

Con respecto a la veracidad de lo narrado hay puntos que no son del todo reales. Por ejemplo, aunque la hija de Valli, Francine, finalmente murió de una sobredosis de drogas, ocurrida en 1980 la canción que suena se compuso 13 años antes. Por lo que Valli había tenido un gran éxito con "Can't Take My Eyes Off You" con anterioridad.

Gaudio reconoció que la narrativa en Jersey Boys yuxtapone dos líneas de tiempo diferentes, de ahí que la edad de Francine salte de una niña a una adolescente y luego a una joven adulta en el momento de su muerte.

Si bien Valli, Gaudio y Devito fueron arrestados en Ohio en 1965, no ocurrió en Cleveland como sugiere la película, sino en la Feria Estatal de Ohio en Columbus. Brickman y Elice trasladaron el arresto a Cleveland como licencia artística, vinculando el evento que inició la caída en desgracia del grupo con su reunión en el Salón de la Fama 25 años después.

Algunos de los detalles de la película sobre la vida de Devito, como su higiene, la inspiración para el personaje de Joe Pesci en Uno de los Nuestros llamado Tommy Devito y el motivo por el que dejó The Four Seasons son inexactos. El propio Devito negó prácticamente todas las afirmaciones hechas por el ficticio Nick Massi en la película (y el musical) sobre los hábitos de Tommy con la ropa interior, el uso de toallas y un incidente en el que supuestamente orinó en el lavabo, diciendo "Probablemente yo era el tipo más limpio allí". Devito también había afirmado anteriormente que, de hecho, dejó The Four Seasons por su propia voluntad. Contrariamente a la sugerencia de la película de que la mafia lo obligó a irse, Devito culpó a cosas como los viajes excesivos y el cambio de ropa tres veces al día . 

Brickman y Elice insistieron en que DeCarlo había hecho la sugerencia de que DeVito no se reubicara en Nueva Jersey después de su compra.

Nick Massi, aunque había tocado ocasionalmente con DeVito y Valli a principios de los años 50, no fue miembro permanente del grupo que se convirtió en Four Seasons hasta después de que Gaudio se uniera en 1960; también se fue mucho antes que DeVito, pasando solo cinco años en el grupo (no los diez que se afirman en la película), antes del arresto en la Feria Estatal.

El personaje de Barry Belson, que aparece solo en una escena que le dio al grupo su difusión radial de gran éxito, estaba basado en Joey Reynolds, quien había presentado a "Sherry" mientras trabajaba en WPOP en Hartford, Connecticut.

La crítica elogió los números musicales pero criticó la narrativa y la duración, y recaudó 67 millones de dólares en todo el mundo. 

Para Richard Roeper la película "captura la emoción eléctrica del musical, pero por cada momento emocionante, hay 10 minutos de disputas o meditaciones"

Andrew Barker de Variety consideró que "Christopher Walken crea la mayoría de las risas de la película por el simple hecho de ser Christopher Walken" y añade "La relativa escasez de destacadas actuaciones musicales convierte lo que podría haber sido un bonito baile en algo un poco pesado."

Por su parte, Todd McCarthy en The Hollywood Reporter afirma que la película "Pierde un punto del dinamismo del mundo del espectáculo, pero la versión cinematográfica de la exitosa y todavía próspera obra teatral 'Jersey Boys' ha ganado una bienvenida profundidad emocional."

En el New York Post Lou Lumenick comenta que "'Jersey Boys' cuenta una historia conocida, sí - pero pocas veces contada tan bien y con tanta alma y corazón (...) " 

Claudia Puig columnista de USA Today destaca que "Los pegadizos hits de The Four Seasons son imborrables, pero 'Jersey Boys', la apagada película basada en el musical de Broadway sobre estas canciones, es tristemente olvidable" 

Kenneth Turan de Los Angeles Times afirma que "Eastwood, como siempre, ha hecho simplemente las cosas a su manera y el resultado es un pausado entretenimiento de la vieja escuela con un poquito más de agudeza de lo que podría esperarse" 

Y en las páginas de Rolling Stone Peter Travers sostiene que  "'Jersey Boys' (...) parece extrañamente diluida (...) es la conexión con la mafia lo que permite a Eastwood darle un enfoque más profundo e inteligente (...)". 

Ya en España algunas la pusieron a parir como Carlos Boyero que en El País se preguntaba "¿Qué es esto, señor Eastwood? (...) tedioso, inane y olvidable musical" . Más o menos, en Cinemanía, Manuel Piñón afirmaba que "Elipsis que parecen saltos al vacío, secuencias farragosas, narrativa ausente (...) no hay indicios que hagan pensar que esta película es del hombre que la firma (...)" . Más generoso, en Fotogramas, Noel Ceballos decía que "Como mausoleo para la edad dorada de la melodía, 'Jersey Boys' tiene un acabado algo endeble, pero su diseño es fascinante. (...)". 

Por mi parte señalar que de todas las películas que he visto de Eastwood esta era la menos recordada y que esa es la razón para volver a revisarla. Es larga, sí, pero también entretenida y la musicalmente hablando , brillante. Nadie discute la conjunción de genialidades que hubo entre Vallli y Gaudio, aunque uno espera el guantazdo de DeVito en cualquier momento en la película. Sin embargo, lo que creo que la película es un encargo realizado con la solvencia y la capacidad de un maestro que además es buen músico y que admira la música como es , todavía lo es, el gran Clint Eastwood, tito Clint.