Los pioneros de Brighton

Una cosa me lleva a otra. Si la semana pasada fue la casualidad la que llevó a James Williamson y a ese descubrimiento del primer plano absoluto en la obra del novecento que se conoce como “The big swallow” , así como el travelling de Fire!. En el día de ayer fue la obra de Edwin S. Porter la que me trajo a Terenci Moix, y Terenci Moix me ha llevado a la obra de aquellos artistas que se agruparon alrededor de la llamada “Escuela de Brighton”.

Moix consideraba que esta llamada Escuela era en el fondo una serie de individualidades que trabajaban en esa localidad inglesa por motivos casuales. Entre otras razones aduce Terenci que en sus playas era posible el aprovechamiento de la luz solar que resultada impensable en otros lugares de la brumosa Inglaterra. Igualmente -señalaba el desaparecido autor catalán - que “ por su ubicación, los autores de la “Escuela de Brighton” aprendieron a utilizar el paisaje ventajosamente” frente a la apuesta por trabajar en decorados de papel de otras producciones.

Pero la mayor aportación de estos autores diversos de profesionales iniciados tanto en la fotografía como en la incipiente cinematografía tuvo que ver con los descubrimientos en el plano técnico y expresivo. Y eso lo he comprobado en la mañana de hoy a lo largo de los veintes cortos y mediometrajes que he visto gracias a iconauta y ya youtube, a los que se unen los que vi la semana pasada firmada, en este caso firmados por el más trascendente de todos ellos, James Williamson.

A veces han sido cuestiones puramente técnicas (en el sentido de los aparatos utilizados para grabar) lo que le han dado un papel más relevante. Este es el caso de Robert William Paul que partiendo de los modelos de Edison, no patentados en Inglaterra, construye en 1894 el kinetoscopio inglés, para el que creará, al año siguiente, una cámara portátil con la que producir sus propias películas, y que he podido comprobar en las dos primeras que he visto.Robert William Paul no será el único inventor ya William Friese-Greene que patentó un aparato "destinado a tomar fotografías en series rápidas".

La primera por antigüedad es la  titulada Rough Sea at Dover (Mar agitado en Dover,1896), también conocida como La playa en Dover o Las olas del mar en Dover,  filmada junto al fotógrafo Birt Acres con una cámara fija que graba el golpeo del mar sobre el muelle de Dover. La película se estrenó el 14 de enero de 1896 en la Real Sociedad Fotográfica en Hanover Street, Londres. Esta fue la primera proyección pública de una película en Gran Bretaña, un mes después de la primera proyección de la Hermanos Lumière en París.

Tras su exitosa proyección en Londres la película fue llevado a la Estados Unidos, donde se mostró el 23 de abril de 1896 en Koster and Bial Music Hall de Nueva York con una serie de películas estadounidenses realizadas por la compañía de Edison . A pesar de su naturaleza simple, este mar agitado en Dover se convirtió en una de las más populares películas británicas. La película consta de dos tomas diferentes de diferentes lugares que han sido editados juntos. No es posible saber con certeza si estas fueron editados juntos en la versión original. La primera foto es un gran choque de las olas contra el muelle Almirantazgo en Dover . En la segunda toma es de un lugar diferente a lo largo de la orilla del río que muestra una vista de agua de corriente rápida.

Come Along, Do! es la segunda película que he visto y está filmada por Robert William Paul. Es del año 1898 y vemos en ella a una pareja de ancianos que sentados en un banco esperando a entrar en un espacio nuevo , el exterior de una galería de arte o una sala de exposiciones. Una señal en la pared detrás de ellos apuntan a la sección de arte. La mujer da al hombre un sándwich y una bebida de su cesta. Cuando ha terminado de comer señala el signo 'Sección de Arte' con su bastón, se levantan y caminan cogidos del brazo hacia la puerta de entrada pues entra ya mucha gente, y deciden hacer lo mismo.

La historia tenía una segunda parte desaparecida de la que se ha conservado un único fotograma y parece ser que contaba con el interés que el hombre muestra ante una estatua desnuda, hasta que su ensueño es interrumpido por su mujer tirando de él hacia fuera, presumiblemente esta era la razón del título de la película ¡Venga, vamos!. Como he visto son filmes tremendamente simples en su realización.

El segundo maestro y pionero británico de la Escuela es George Albert Smith, que comienza rodando películas según el estilo Lumière, pero que pronto abordan pequeños relatos cómicos, dramáticos o de fantasía, para los que habrán de echar mano a algunos recursos narrativos muy innovadores. El movimiento de los personajes se realiza tanto a lo ancho como en profundidad, interrumpen el plano general de la acción para intercalar un plano más corto, un primer plano, que permita ampliar detalles. 

Aportaciones como éstas constituyen los pilares sobre los que habrá de construirse el montaje cinematográfico. También utilizan recursos innovadores como la sobreimpresión, la panorámica y el travelling. 

Esto lo he podido comprobar en la película Santa Claus and the children (Santa Claus y los niños) del año 1898. Este film tenía una considerable ambición técnica para el periodo en que fue rodado, donde se hace un alarde en el uso de efectos especiales para crear una escena fantástica. Básicamente la historia nos viene contada con cuatro personajes protagonistas: los dos niños – que esperan la llegada de Santa Claus- la babysitter que los cuida y deja todo preparado para la llegada de Santa, y el propio Santa que se nos muestra en un doble plano: el de la llegada y la entrada por la chimenea, y el de la entrada en la habitación por el fondo y que genera la alegría en los niños. Lo que hace a este film interesante es el modo en que el director une las tomas en términos de espacio y tiempo, poniendo la nueva imagen sobre el espacio previamente ocupado por una chimenea y al tiempo mostrando como duermen los niños.

Más interesante para mí ha sido la película dirigida y producida por George Albert Smith con título The Kiss in the tunnel (El beso en el túnel realizada en septiembre de 1899) y  protagonizada por Laura Bayley y el mismo George Albert Smith, cuya sinopsis podría resumirse en como una pareja disfruta de un momento de pasión mientras el tren en el que viajan entra en un túnel.

Lo novedoso en este film es la forma en que el director sitúa al cámara, al frente del tren, mostrando la entrada y la salida del túnel. En medio de estas dos tomas, otra en la que los dos amantes se besan. Esta escena marcará el comienzo de la edición narrativa.

El director, de acuerdo con Michael Brooke del British Film Institute, el BFI, y publicado en el Screenonline, "sentía que algo adicional era necesario," por lo que tomó fotos desde la parte frontal de un tren en movimiento", y concibió un disparo mostrando un breve momento, casi furtiva de pasión entre dos pasajeros, aprovechando la breve aparición de la oscuridad ". Michael Brooke escribe que "la iluminación aquí es totalmente irreal - podemos ver todo lo que está pasando", y, "no se ha tratado en el realismo en la creación – pues se ha pintado el decorado con diversos accesorios: maletas, sombrillas, etc, aunque no se ha hecho que la cámara se balanceara de un lado a otro para crear la ilusión de movimiento. La película fue rehecha bajo el mismo título por la Bamforth Company ese mismo año, a pesar de que, adoptó un enfoque bastante menos estilizada y notablemente más apasionado .

La tercera que he visto de George Albert Smith es Let Me Dream Again (Déjame soñar de nuevo) una película del año 1900 en la que un señor (Tom Green) sueña que está con una chica guapa, joven y atractiva (Laura Bayley) tomando una copa de champán.

Pero cuando se levanta está con su fea esposa. La película, de acuerdo con Michael Brooke del ya nombrado BFI Screenonline, "es un excelente ejemplo de una película de dos secuencias , y es particularmente interesante por la manera en que intenta disolver una primitiva dejando que el primer disparo deslizarse fuera de foco antes de cortar para la segunda tiro, que comienza fuera de foco y se agudiza gradualmente ". La película fue rehecha por Ferdinand Zecca para la Pathé como Sueño y realidad (1901). Fue distribuida por la Warwick Trading Company.

Otra de las obras obras filmadas por George Albert Smith ha sido As Seen through a Telescope (o sea, Vista a través de un telescopio del año 1900) en la que un tipo mira con su telescopio y se fija detenidamente y con mirada libidinosa el tobillo de una mujer. Lo que demuestra el alto gardo de “voyerismo”. Un señor de edad que está en una calle del pueblo, va buscando algo con su telescopio hasta que, de repente, se centra la mirada en una joven pareja que se acercaba por el camino. Se fija que los zapatos de la chica se han soltado, y su compañero accede voluntarioso a ponérselo. Aquí los cambios de escena, que muestran cómo se ve a través del cristal del anciano: sobre todo el tobillo a corta distancia.

La escena cambia de nuevo y nos muestra el anciano feliz por haber visto lo que ha visto. En eso que la pareja se dirige hacia él , y cuando el joven pasa por detrás de él, le da una colleja que con el que le tira el sombrero y del taburete sobre el que está sentado, quedando el anciano con un aspecto bastante ridículo. La película se rodó en Furze Hill, Hove, Inglaterra fuera de la entrada a los Jardines de Santa Ana lugar en el que Smith tenía su estudio.

Se basa en una comedia de tres golpes, en la que se utiliza una técnica similar a la que Smith fue pionera en  – La lupa de la abuela- (1900), "y aunque" la edición es muy complejo. La película, al menos, nos muestra un ejemplo muy temprano de cómo hacer uso de los puntos de vista de aproximación en el contexto de una narrativa coherente.

Para Michael Brooke se trata de que este autor , "se adelantó a los cineastas más contemporáneos, y en retrospectiva, se puede ver claramente que estaba sentando las bases de la gramática del cine como ahora lo entendemos". En esta obra de Smith se alternan planos en una misma escena combinando planos generales medio y plano detalle. La alternancia de planos en una misma escena constituye el principio del corte – pasar de una toma a otra separando escenas o separando tomas dentro de una misma escena -, con lo que Smith origina la primera compaginación verdadera, en el sentido en que en la actualidad se define como “corte”, por cuanto Lumière, y los restantes pioneros a ese momento, estaban condicionados obligatoriamente a la unidad de punto de vista – por lo que una escena integral se pegada a otra escena integral -, al que luego Mèlies le otorga un criterio artístico, es decir una concepción estética – estética teatral.

En penúltimo lugar dentro de las obras filmadas por George Albert Smith destacar Grandma's Reading Glass – La lupa de la abuela- (1900). Una historia en la que un nieto se apodera de la lupa y jugando con ella mira a través de la lente con lo que el realizador va alternando tomas en plano americano largo con planos detalles, y es así que nos muestra sucesivamente utilizando una mascarilla circular sobre la pantalla un reloj, la jaula con un canario, el ojo de la abuela, la cabeza de un gato.

El ojo de su abuela es presentado al detalle o el gato en primer plano. Estamos ante el gran primer plano que llevaría a lo excelso James Williamson. Y es que Smith se vale de la lupa que, observada por un niño, ampliaba el ojo de su abuela a un tamaño descomunal. Esta protagonizada por Harold Smith. La lupa de cristal de la abuela nos muestra a un joven Willy que pide prestado una gran lupa para centrarse en diversos objetos.

La obra se presentó para mostrar la nueva técnica de primer plano . La película, de acuerdo con Michael Brooke del BFI Screenonline ", fue una de las primeras películas de corte entre plano medio y el primer plano . "Los primeros planos en sí eran simulados por fotografiar los objetos relevantes están dentro de una máscara circular negro fijada en frente de la lente de la cámara", según Michael Brooke, "que también tuvo el efecto de crear una imagen circular que les ayudó a destacar lo importante entre la resto de la película. " El crítico Michael Brooke de la BFI señala que "hay muy poca narrativa para hablar más allá que la del niño mirando a su alrededor para objetos adicionales para examinar", "pero en el momento en que se presentó la película fue una novedad suficiente para mantener el interés del público ».

Por último, dentro de la obra de George Albert Smith es Sick Kitten (El gatito enfermo) de 1903 en la que vemos dos niños pequeños jugando a ser mayores alimentando a un gatito enfermo. En este film Smith continúa las técnicas de edición que ya explorara en las dos anteriores películas.

Según Michael Brooke del BFI Screenonline esta obra distribuida por la Warwick Trading Company ", continúa la técnica de edición que exploró por primera vez en el vidrio de lectura de la abuela (1900), y según lo visto a través del telescopio (1900), "pero , "sin la máscara negro circular para diferenciarlo", como supuestamente, "Smith cree que su audiencia se habría vuelto más sofisticado y sería capaz de notar la diferencia entre un plano medio y primer plano sin preguntar" Vemos pues que Smith gustaba de los planos generales largos y medianos, pero advirtió que con ellos no podía mostrar todo lo que le interesaba. Tuvo entonces la idea de alternar planos generales con otros menores en una misma escena.

Junto a estas innovaciones de George A. Smith existe también películas al estilo de los Lumière como la realizada por la Bamforth Company y que lleva por título The Biter Bit (1900). Estamos ante una nueva versión – algo más larga- del regador regado.

La Bamforth & Co Ltd era una compañía de publicidad, de cine y de ilustración con sede en Leeds en West Yorkshire (Inglaterra). Bamforth & Co Ltd fue fundada en 1870 por James Bamforth, un fotógrafo de Holmfirth , West Yorkshire. En 1883 comenzó a especializarse en la fabricación de la linterna de diapositivas. En 1898 'Bamforth & Co. Ltd' comenzaron a hacer películas monocromas mudas con los hermanos Riley de Bradford también de West Yorkshire, que había estado haciendo películas desde 1896. La experiencia de James Bamforths con placas de linterna resultó muy valiosa para la realización de películas. Usaron una cámara desarrollada por cine el inventor de Bradford Cecil Wray. Esta asociación con Riley y Bamforth, conocida como las películas "RAB" se prolongó hasta 1900. Aunque la producción de la película se reinició en 1913 fue detenido de nuevo en 1915, cuando la producción de la película fue cambiado a la llamada 'Holmfirth Company.

La compañía comenzó a hacer películas en blanco y negro de 1898. La popularidad de estas películas, en particular las que ofrece un personaje llamado Winky, dio lugar a una industria del cine en West Yorkshire que durante un tiempo superó a la de Hollywood en términos de productividad y originalidad. También se cree que la compañía inventó la edición con la publicación en 1899 de El beso en el túnel . 

Esta nueva versión británica del regador regado fue la primera comedia popular y slapstick de los hermanos Lumières provocó este remake inglés elaborado por la Bamforth , proporcionando un buen ejemplo de cómo el cine al principio las empresas plagiaban sin rubor el trabajo del otro. Hay algunas pequeñas diferencias entre la Bamforth y el cine Lumière, sobre todo una vez más sensación de espacio y profundidad en la versión Bamforth. Hay tres planos distintos a la acción: el árbol en primer plano, el jardinero en el centro y un espectador divertido en el fondo. El árbol también entra en juego cuando el jardinero busca su venganza, mientras persigue el comodín alrededor de ella antes de darle un poco de su propia medicina. 

Por su parte, la Bamforth Company también emplea el sentido cómico en la película Ladie's Skirt Nailed to a Fence o la falda de las señoritas clavadas a una cerca. Se trata de una película de 1900. En ellas vemos a dos “tiparacos” disfrazados de señoritas que tontean entre, llevan largas, con sombreros, y llevar sombrillas. Las dos mujeres están chismorreando junto a una valla. Dos hombres en el otro lado de la valla llegan a través observan lo que aparece casi un espectáculo “homo” se refiera. Uno de los tipos, el gracioso de turno, aprovechando la intimidad que buscan, les clava la falta a unos maderos, que finalmente, rompen cuando persiguen al graciosillo.

Lo cierto es que los artistas de esta escuela de Brighton irán poco a poco descantardo la construcción de estas películas en el estilo Lumière o Méliès, en se limitaban a fijar la cámara y comenzaban a actuar. Y optarán por la fluidez de cámara desde distintos ángulos y aportando puntos de vista distintos sobre lo que filman, según el ángulo empleado, capaz de dar al cine la expresividad que no tenía: los actores se mueven con total libertad mientras la cámara los sigue. 

Las películas luego se convierten en pequeños relatos dramáticos, en los cuales van a utilizar nuevas fórmulas narrativas al adoptar distintos puntos de vista (tomas) y se trasladan de decorados con una agilidad y dinamismo que le aportan a la obra cinematográfica un sentido expresivo del cual carecía hasta entonces. Utiliza escenarios naturales –calles, playas, jardines- y los personajes se mueven con total libertad, tanto a lo ancho como a lo profundo del campo visual. Para ello no dudan en usar el Primer Plano, el Montaje como elemento narrativo y su fragmentación de una escena en diferentes planos, la sobreimpresión, el montaje paralelo, los movimientos de cámara que captura los diferentes puntos de vista, los travellings, el plano y contraplano o las persecuciones y asuntos realistas con escenarios realistas (calles, playas, jardín).

James Williamson como vimos será el estandarte de esta nueva narración pero no se les quedan atrás George Albert Smith cuando en 1903 nos cuenta la fantástica historia titulada Mary Jane's Mishap (1903), o sea, El accidente de Mary Jane.

Aquí la vemos que su primer e inocente accidente es pintarse bigote involuntariamente un bigote, tras descubrirlo y hacerle gracia, decide hacer otra gracia, ahora más explosiva, al usar parafina y meterla en el fuego, con lo que estalla todo y sale disparada – en trocitos- por la chimenea. De inmediato vemos su lápida y ante ella unas plañideras que le lloran. Ante esto Mary Jane sale de su tumba provocando estragos entre las mujeres que están en el cementerio.

El relato lo resuelve en 12 tomas alternando planos generales medios, planos americanos cortos e incluso un plano detalle, variado el punto de vista según las necesidades narrativas. A esto se le une superposiciones.

Tan interesante como la anterior es ver la evolución en la obra de Robert W.Paul. La primera de su películas que he visto es The Countryman and the Cinematograph (1901). Una película en la que un vaquero se mofa de una chica que baila y del tren que llega a lo “Lumiére”.

Finalmente se le ve tonteando con una chica. Aquí la referencia al creador del cine es absoluta como antes la vimos en la obra de la Bamforth Company.

Dos años más tarde, Robert W. Paul realiza A Chess Dispute (Disputa por el ajedrez, 903). La historia es muy simple. En un bar con camarero incluido dos jugadores pasan del campo de batalla del tablero a la pelea física. El camarero intenta separarlos , pero a pesar de sus intentos de separar a los gandules de su pelea no hay manera. Al fondo un escenario que nos acerca a los pinos de Roma entre arcadas.

Al año siguiente Robert W. Paul hace una película que yo entiendo es altamente moralizante y su nombre es Buy Your Own Cherries (1904). Se trata de una fabula moralizante en la que un pobre que se gasta su dinero en alcohol, le pega a su mujer y casi a sus hijos.

Cuando es echado de casa entra en una Iglesia y se convierte en un honrado ciudadano que llega a comprar cerezas ante el antiguo bar donde se gastaba el dinero.

Al final vemos que es un hombre nuevo. Está bien vestido y lleva fruta a sus hijos que antes eran harapientos y estaban muertos de hambre.

Por último he descubierto a un Robert W. Paul absolutamente cómico en el motorista. The Motorist es una película del año 1906. La historia nos presenta como un coche que es llevado por un señor acompañado de una dama, se va encontrando con obstáculos diversos.

Un señor que es atropellado y se sube al capó, un policía también atropellado y que posteriormente lo sigue, y con edificios, pero no para, y prosigue por sus fachadas. Después continúa en el aire sobrevolando toda la ciudad llegando hasta el cielo. Se desplaza por las nubes y llega hasta la luna sobre la que da vueltas. Llega hasta Saturno gracias a un cometa.

Tras dar un par de vueltas el coche cae nuevamente hasta la tierra destrozando un tejado que resulta ser Handover Court y que están asistiendo a uno de los atropellados, al primero, pero el coche pasa por delante del juez y policía y continua su viaje hasta que para. Cuando se baja el conductor llega la policía y el coche se transforma en un coche de caballos. Peor al subirse el conductor nuevamente el coche se transforma en eso, en un vehículo motorizado, y la película acaba cuando los que han parado al coche los persiguen nuevamente. Aquí ya se emplean las nuevas técnicas que antes vimos en los planos, en los travellings, en los enmascaramientos celestes, etc… 

Otros maestros de la Escuela de Brighton son Cecil Milton Hepworth, William Haggar y Lewis Fitzhamon 

Del primero, Cecil Milton Hepworth, destacar dos películas de interés la primera – creo – versión de la obra de Lewis Carroll Alice in Wonderland (1903) y la controvertida por su autoría Rescued by Rover (1905) – también atribuida a Lewis Fizthamon-. 

Alice in Wonderland es una película británica de 1903 dirigida por Cecil Hepworth y Percy Stow. Es la primera adaptación de la película de Lewis Carroll libro para niños : Las aventuras de Alicia en el País de las Maravillas. Está protagonizada por May Clark, Cecil M. Hepworth – también el fotógrafo- , Mrs. Cecil Hepworth y Norman Whitten. Fue distribuida por Americana Mutoscope y Biograph Company., Edison Manufacturing Company y Kleine Optical Company. La película es memorable por su uso de los efectos especiales, incluyendo la reducción de Alicia en el Salón de muchas puertas, o la transformación en gran tamaño atascando el interior de la casa del conejo blanco, buscando ayuda a través de una ventana. Sólo se conoce una copia de la película original.

El British Film Institute la ha restaurado parcialmente la película y su original, tintado película y puesto en dominio público el 24 de febrero del 2010. Los títulos que aparecen en la películas original son cinco: "Sueña Alicia que ve un conejo blanco y lo sigue al interior de su madriguera, llegando al Salón de muchas puertas." "Alice, ahora es muy pequeña, ha tenido acceso al jardín donde se encuentra con un perro y trata de jugar con ella." "Alice entra pequeña en casa del conejo blanco, pero, después vuelve a su tamaño normal, y ella no puede salir hasta que ella recuerda el abanico mágico." "La gata de la duquesa de Cheshire se encuentra con Alice y es dirigida por el Sombrerero Loco -. La merienda de locos." "La procesión real - La Reina invita a unirse a Alice -. Alice ofende sin querer a la reina que se llama el verdugo para decapitarla, pero Alice, cada vez más audaz, y en la confusión que resulta, ella se despierta.". 

En  Rescued by Rover (1905) tenemos otro modelo de la Escuela con la familia Hepworth como protagonista absoluta, ya que no sólo interpretan, sino que el guión fue elaborado por Margaret Hepworth.

La película trata sobre un secuestro de un pequeño por una mendiga. Un perro la identifica. Aquí como ya había realizado James Williamson en el Ataque a una misión china (1900) vemos en cuatro cuadros el salvamento de una niña secuestrada por una gitana y recuperada gracias a un perro fiel (un collie).

Se irán alternando dos secuencias diferentes entrelazadas por un motivo dramático común. La asociación provoca en el espectador el interés por el desarrollo final, cuando las dos secuencias coincidían, en este caso la liberación del crío en "last minute rescue".

La película se abre con Rover, un collie jugando con un niño delante de una chimenea . Más tarde ese mismo día, el bebé es sacado en un cochecito de niño por su asistenta. La asistenta se niega a ayudar a un mendigo mujer y luego se distrae al conocer a un soldado. Mientras habla con el soldado, que no presta atención a la bebé, y los enfoques mendiga por detrás y le arrebata el niño dormido.

En la siguiente escena, la enfermera le confiesa a su madre que el niño se ha perdido. Rover, que está sentado en la sala, escucha antes de saltar por la ventana y corriendo por la calle, dar la vuelta a una esquina y al otro lado de un río. El perro se abre paso por un barrio pobre y sobre las barcazas a través de cada puerta, se encuentra y entra. En un ático, la mendiga está cambiando de la ropa del niño;. El perro entra y es expulsada por la mendigo. El perro sale de la casa y nada al otro lado del río, en la calle y entra en su hogar. En un estudio, el padre del niño está sentado; Rover / Blair entra y le insiste para que le siga. Se van, con el hombre después de que el perro en el río en un barco a los barrios bajos. Entran en la habitación donde está escondido el niño y el padre se lleva rápidamente al niño de la mendiga y se va con el perro. A su regreso a casa, el niño es colocado en los brazos de la madre, mientras que Rover juega alegremente alrededor de ellos.

Parte del protagonismo recae en un el perro Rover o Blair - el protagonista perruno-  que lleva a su amo al hijo secuestrado. Blair el perro está considerado la primera estrella de cine perro. La película, que según Michael Brooke del BFI Screenonline, "marca una etapa importante en el desarrollo del medio a partir de una novedad divertida del séptimo arte , "y," posiblemente el único punto de la historia del cine al cine británico llevó sin duda el mundo " fue un avance en técnicas de filmación, edición, producción y narración de cuentos. Cuatrocientas copias fueron vendidas. Todo un éxito. 

Rescatado por Rover era predominantemente un asunto de familia – participan la esposa de Cecil Hepworth, Margaret, que escribió el guión y desempeñó el papel de la madre en la pantalla. La dirige Hepworth, quien pintó el paisaje y actuó como el padre. Y su hijo era el bebé en la pantalla, también participa el perro de la familia, Blair. Además de Barbara Hepworth, Cecil Hepworth y Margaret Hepworth contó con dos actores profesionales se les pagaba a aparecer, y la película se cita como la primera película que han utilizado actores mejor pagados. Dos actores profesionales se les pagaba por aparecer, Sebastian Smith como el soldado y su mujer , May Clark, como la anciana que robó el bebé. Los dos actores se les pagó la mitad de una guinea cada uno; Hepworth recuerda "No podíamos conseguir por menos". La película es a menudo citada como la primera película que han utilizado actores mejor pagados. Completando el elenco fue Mabel Clark , que había actuado previamente como Alice en la versión de Hepworth de Alice in Wonderland , de enfermero del niño. Clark también fue el asistente de sala de corte. La película tuvo tanto éxito que Hepworth tuvo que volver a rodar toda la película dos veces. El presupuesto de esta película de la Hepworth Film Studios fue de £ 7, 13 chelines y nueve peniques 

De William Haggar he visto una película de enredos y persecución llamada Desperate Poaching Affray o Los cazadores furtivos (julio de 1903) producida por la William Haggar & Sons e interpretada por Walter Haggar, Will Hagger Jr. con asesinatos incluidos por una caza furtiva. En sus tres minutos de duración, la película es reconocida como una influencia temprana en el drama narrativo en el cine estadounidense, especialmente en el género de persecución.

La película utiliza una serie de innovadoras técnicas , incluyendo la ubicación de la cámara, sus tomas panorámicas y el uso inteligente de los bordes de la pantalla. La película, junto con la obra de Frank Mottershaw influyó en la idea del nacimiento del subgénero de la persecución e influyó en la obra de Edwin S Porter tras ser distribuida por la Gaumont Film Company.

La película está protagonizada por dos de los hijos de Haggar, Walter y William Jr., un rasgo común de sus películas. El argumento de una película es leve y consiste en un grupo de tres cazadores que vienen a través de dos cazadores furtivos. Una persecución sobreviene y los cazadores furtivos huir mientras se intercambian disparos. A pesar de entorno rural de la película, los cazadores son capaces de recurrir a agentes de la policía que se unen en la carrera antes de que los cazadores furtivos son detenidos al cruzar un arroyo. En su estreno la película fue un gran éxito con el público, y fue distribuida por Gaumont Film Company en Europa y los Estados Unidos. Fue tan popular que fue ampliamente pirateada, y ahora se ve como una película influyente en el género de persecución, inspirador Edwin S. Porter es El gran robo del tren .

En la película de Haggar hay un corte de la acción, cuando un personaje corre hacia la cámara para salir a través del borde de la pantalla. Los perseguidores no son vistos en ninguna toma, antes de entrar dramáticamente en la pantalla de la parte delantera. Haggar utilizó diferentes ángulos en la película y presenta su primera foto panorámica, mostrando que Haggar tenía un conocimiento rudimentario de la gramática y las convenciones de las primeras películas. A pesar de su procedencia vinculada con el teatro Haggar, y aparte de un salvaje puñetazo de William Haggar Jr. que manda al suelo a un oponente, la película se niega a seguir teatralidad o de puesta en escena. La película fue calificada en Pensilvania como de "violencia sensacionalista.

Y a otro maestro que es Lewis Fitzhamon con una magnífica obra titulada A Fatal Sneeze (1907). La historia interpretada por Thurston Harris y Gertie Potter y producida por la Hepworth Manufacturing Company es la siguiente.

Un nieto puñetero empieza a gastar bromas a su abuelo, poniendo un producto que produce estornudos. Lo vemos inicialmente en el desayuno y más tarde el chico (interpretado por una chica) arroja más componente en la ropa del abuelo rociándolo todo hasta que el viejo despierta.

Los estornudos del abuelo son tan fuertes que la habitación queda destrozada al segundo estornudo. El señor sale le casa seguido de cerca por el nieto que sigue espolvoreándolo de tal manera que al pasar por una tienta desmonta con sus estornudos el exterior. Esto provoca que el tendero, así como algunos viandantes como algún marinero salgan a detenerlo. Al pasar por otra tienda se repite.

Ahora son dos los tenderos perseguidores, así como otras cuatro personas. El chico sigue tras ellos. El siguiente estornudo tiene como víctima un policía que cae destroza una valla. Igualmente cae sobre la calle una farola. El hombre corre pero no puede frenar sus estornudos por lo que, ahora, deriva una fachada de una casa. Con las ventanas y puertas por los suelos sale la dueña, pero al estornudar la peluca de la señora sale por los cielos. Un grupo cada vez mayor va en su persecución.

El señor encuentra una escalera por la que sube y se protege en el interior de una casa. Eso no frena a los "persecutores" por lo que suben, pero el peso hace que la escalera ceda y se rompa. El hombre que huye está en la calle y se estornudo provoca un movimiento sísmico. La cámara se balancea y el señor se tienen que agarrar a las vallas cercanas.

Se sitúa ahora en el centro de una calle y con el nuevo estornudo se lo traga la tierra desapareciendo del mapa. De ahí el título el estornudo fatal. 

Simon Brown del BFI comenta que fue uno de los temas más populares de la compañía Hepworth y esto se refleja en la marca de Hepwix, que aparece como el nombre de la tienda con la ventana de cristal que explosiona. La película combina tres formas populares del cine. El primero es el elemento cómico en el que un niño travieso juega una mala pasada a un anciano (en este caso relacionado con pimienta). El segundo es la persecución: cada vez que el viejo hombre estornuda, y causa estragos en una propiedad, el propietario de una tienda o de un transeúnte, esa persona se une a la multitud cada vez mayor que lo perseguían.

El tercer elemento es la película de truco, en el que la capacidad de la cámara para mostrar lo que parecía imposible y explotarlo para el efecto cómico o dramático. Varios trucos diferentes aparecen en la película. En primer lugar están los diversos efectos "estornudo. Como dice el viejo hombre estornuda en cada lugar, diversos artículos estén provistas de cables de una caída o saltan. Los dos trucos más espectaculares se dejan para el final, después de la persecución haya terminado. Inusualmente, la secuencia de la persecución no termina con la captura del hombre viejo, o con él engañando al público. En su lugar, dos escenas antes de que finalice la multitud perseguir se dispensan con, para permitir que los dos estornudos espectaculares finales. En uno, el estornudo es tan grande se hace el mundo a balancearse hacia atrás y adelante, un efecto que se consigue mediante la colocación de la cámara en una tarjeta de balanceo. El efecto final tiene el anciano explotó con la fuerza de su estornudo, promulgada por detener la cámara, moviendo el actor y colocar en el mismo lugar un pequeño dispositivo que se desprendía una nube de humo.

Por último he podido ver otra obra del principal maestro de la Escuela, James Williamson, realizada por la Williamson Kinematograph Company y que tiene por título An Interesting Story (1905). Y es realmente interesante por lo cómica, pero también por la inclusión de muy buenos efectos especiales.

Nos muestra a un hombre tan absorto en su libro que es peligrosamente ajeno a lo que sucede a su alrededor. Un hombre que lee en su casa y se echa la leche y el café a su propia sombrero. Al descubrirlo tira el café manchando el interior de la casa. Lo importante es la lectura. Por la calle continua leyendo y sufre multitud de accidentes (con la limpiadora, con un grupo de niños, con un transportista con burro, con otros caballeros,…). Finalmente es atropellado por una apisonadora.

Dos ciclistas lo encuentran y con sus bombas de aire lo inflan y lo recupera. Pero el no aprende y tras dar las gracias sigue leyendo. Los ciclistas se parten de risa de ver como ese señor no aprende.

Así ha sido el maratón cinematográfico de esa veintena de películas que me han llevado a los orígenes del cine británico y conocer a sus pioneros.