martes, 28 de abril de 2026

En busca del futuro



El primer episodio de la serie documental En busca del futuro (2022), dirigido por David A. Weiner, sumerge al espectador en el inicio de la era dorada del cine de ciencia ficción de los años 80. A través de nostálgicas entrevistas, revisita películas emblemáticas como El Imperio Contraataca, Superman II, Flash Gordon o Heavy Metal, analizando el impacto cultural y técnico de estas producciones.

La historia de la ciencia ficción viene de muy atrás evolucionando desde la fantasía pionera hasta la alta tecnología y la distopía sociopolítica. . Lo cierto es que la ciencia ficción siempre ha estado presente en el cine. Desde El viaje a la luna de Méliès (1902), pasando por Metrópolis de Lang (1927) o la rusa Aelita (1936), el Flash Gordon de 1940, Llegaron desde el más allá (1951), la 2001, una odisea del espacio (1968), Stars Wars de 1977, dando de inmediato el conjunto de películas de ciencia ficción que triunfaron en los 80 y que han sido una fuente de atracción para ese cine que hablaba de la humanidad y su futuro en la Tierra u otros espacios o momentos. 

Pero la auténtica eclosión de este género se dio con el cine de ciencia ficción en los años 80 con películas como Saturno 3(1980) de Stanley Donen con Farrath Faccet Majors, Kirk Douglas y Harvey Keitel. La película fue un fracaso absoluto.

Stars Wars (1977) de George Lucas y , especialmente su primera secuela, El Imperio Contraataca (1980) de Irving Keshner marcará un antes y después en el género que culminaría con la tercera de la trilogía, El retorno del Jedi (1983)

Galaxina (1980) con Dorothy Statten que murió asesinada- Lo cierto es que Dorothy Stratten, fue uno de los casos más escabrosos relacionados con Playboy. Había sido nombrada "Playmate" del año 1980 y su marido en un ataque de celos y ante lo que parecía un abandono por el director Peter Bogdanovich, la asesinó con una escopeta y luego se suicidó. En esta película, que es una parodia de Star Trek y de Star Wars sobre todo de la cantina, se muestra como un resumen del universo y de seres que existen en la Galaxia. Por otro lado, es la primera historia de androides que empiezan a tener estimulación o estímulos sexuales. Galaxina es una rareza espacial de serie Z con robots con libido, humor tontorrón y estética de videoclub ochentero. Entre parodia y delirio, tiene momentos simpáticos, pero también mucho cutrerío cósmico, pero entrañable.



El final de la Cuenta atrás (1980) es película bélica de ciencia ficción con Kirk Douglas de protagonista. 



También de enorme interés es Flash Gordon (1980) de Mike Hodges financiado por los y con una estética irrepetible.

Los niños de la Guerra Fría van a ver reflejados sus mundos en distintas películas y sagas como la The Terminator, The Atomic Café (1982) , los Aliens , pero también a dos películas británicas sobre la devastación: Threads (1984) y El día después (1983) son un largo recorrido hasta llegar a The Matrix (1999). En 1981 se estrena La increible mujer menguante y ese mismo año se estrena Outland o Atmósfera Cera con Sean Connery. También se extendió Superman 2. Inolvidable fue igualmente en ese año, 1997, Escape from New York con Kurt Russell de John Carpenter. Dentro de la animación, la película fue Heavy Metal. 


Algunos de los entrevistados como Dennis Muren , director creativo, habla de los visionarios que fueron creando objetos, las naves espaciales, las criaturas...Todos son opciones. Sydney Mead, Ron Cobb, Ralph McQuarrie. son los visionarios de la ciencia ficción, ya han soñado muchas cosas icónicas. Los efectos especiales que no dejan de ser cosas que no existen en la vida real como dice Mark Mangini. 

Detalles destacados del Episodio I (1980-1981):  El episodio se centra en los primeros años de la década (1980-1981), marcados por la consolidación del género tras el éxito de finales de los 70. 

Este documental cuenta con la participación de actores, directores y expertos que vivieron la época, analizando cómo estas historias moldearon la tecnología y la cultura pop actual. Contexto: Se presenta como una crónica detallada y apasionada de la "década más gloriosa" de la ciencia ficción.

Este documental, financiado mediante crowdfunding, busca ser la crónica definitiva de la ciencia ficción de los 80. Un viaje nostálgico a través de las películas de ciencia ficción de los 80, explorando su impacto y relevancia hoy, contado por quienes las hicieron. El creador del documental es Robin Block siendo el comentarista experto Weary Pines , mientras que el director de fotografía es Oktay Ortabasi y durante el recorrido histórico intervienen actores, artistas y críticos como Bruce Boxleitner, Clancy Brown, Shane Black, John Carpenter, Adrienne Barbeau.

Ellos hablan tanto de las distintas producciones, tanto las que tuvieron éxito en las taquillas como las que pasaron más desapercibidas, pero que se han convertido, con el paso del tiempo, en verdaderos filmes de culto.

El documental consiguió financiarse mediante una campaña de crowdfunding que ha dirigido el propio David A. Weinerd, director también del documental de terror de los 80 "In Search of Darkness", un director y productor estadounidense que, desde hace más de tres décadas, se ha especializado en crear documentales sobre las producciones cinematográficas de las décadas de 1980 y 1990. El mismo declaró que “Soy un enfermo de la nostalgia”, explica a menudo este cineasta que en sus trabajos pretende que todos los fans del género fantástico y de ciencia ficción revivan aquellas películas que marcaron su vida. 

En 2019 debutó en la dirección con In Search of Darkness, un documental de cuatro horas que recorría las películas de terror de los años 80 y el impacto que causaron en la cultura popular. Un año después estrenó una segunda entrega que completaba y aumentaba lo que se contaba en la película anterior. Su siguiente proyecto, en 2022, fue En busca del futuro (In Search of Tomorrow), la serie que emiióe en octubre TCM, y que se centra fundamentalmente en las películas de ciencia ficción. 

Una obra de más de cinco horas de duración que constituye una crónica exhaustiva y definitiva de este este género, repasando año a año las películas estrenadas, con entrevistas a sus responsables y protagonistas y analizando sus principales características. Se habla, por ejemplo, de la personalidad de los protagonistas, personajes como la teniente Ripley, la heroína de la serie Alien que interpretó Sigourney Weaver, o el de Rick Deckard, al que dio vida Harrison Ford en Blade Runner.

A lo largo de los seis episodios de En busca del futuro los espectadores de TCM podrán conocer los efectos especiales que se crearon y se utilizaron para estos filmes y cómo se diseñó el vestuario, las armas y los paisajes que envuelven sus tramas. 

También se analiza el contexto sociopolítico en el que se estrenaron, la era del presidente Ronald Reagan en el final de la Guerra Fría, y acontecimientos que marcaron toda la década, como la enfermedad del SIDA. Asimismo se habla de la fusión de la ciencia ficción con el género de terror, el cine de acción, el fantástico o incluso la comedia, además de la importancia que tuvo la música y el marketing, por ejemplo, en las tres primeras entregas de La guerra de las galaxias. 

Pero En busca del futuro no es ni mucho menos una serie crítica o académica, pensada para cinéfilos sesudos. Todo lo contrario, sus destinatarios son los fans, sobre todo los que, como su creador, David A. Weiner, crecieron viendo aquellas películas, títulos como Tron o La Cosa, que disfrutaron con las aventuras de El imperio contraataca, El retorno del Jedi o Terminator, pero que también vieron títulos menos conocidos, como Starfighter: La aventura comienza, Las aventuras de Buckaroo Banzai, Exploradores, El chip prodigioso o El vuelo del navegante, películas que marcaron a toda una generación y que influyeron decisivamente en cineastas posteriores. Son seis episodios que constituyen la retrospectiva definitiva del cine de ciencia ficción de los años 80.

En su segunda entrega la serie se centra en los años 82 y 83 de la centuria pasada. Comienza la segunda entrega con imágenes del Imperio contraataca película del año 1980 puso un antes y un después en la historia del cine de ciencia ficción en muchos campos. Por ejemplo, Star Wars supone calidad narrativa y inclusión de los sentimientos en una serie de personajes inolvidables, así como el nacimiento de naves míticas como el halcón milenario ligado a alguna figura legendaria como Han Solo. 

Luego tiene lo opuesto con películas como Mad Max, cuya nave especial no deja de ser un vehículo adaptado a la circunstancia. 

En mil novecientos ochenta y tres en una película como Metalstorm: The destruction of Jared-Syn son de destacar sus armas integradas en Cyborg. Con mil novecientos setenta y siete llega una auténtica revolución en las armas tecnológicas es asombrosa como puede ser escena sable con láser o espada láser de Star Wars. Armas más integradas y espléndidas más que elegantes como pudiera ser la espada láser son las almas que incluye James Cameron en la película Aliens (1986), la modélica segunda entrega en la que las armas se ajustan a la personalidad de los protagonistas. Universo es el más limpio diáfano tal y como descubrimos en Star Trek II: The Wrath of Khan, que nos presenta en su conjunto una organización militar. Es una película que sirve de ejemplo para mostrarnos los trajes y los uniformes que aparecen ya codificados por rango. Esto ocurrirá igualmente o con matices en otras películas de ciencia ficción de la década como vestuario es un gran ingrediente de la ciencia ficción tal y como comprobamos en películas como Ghostbusters II (1989), Heartbeeps (1981), la Dune de Lynch (1983) o Mi novia es una extraterrestre (1988). 

La creatividad del diseñadores en esta década es  absoluta como se aprecia en Blade runner (1982), Galaxy of Terror (1981), Superman II (1981) o The Running Man (1982) con Arnold o Stark Trek II: The Search for Spock (1984). Todos van un paso más allá de lo que hizo el Spielberg en encuentros en la tercera fase (1977). 

1982 está considerado por muchos críticos y fanáticos como el mejor año en la historia del cine de ciencia ficción, marcado por una "revolución" que trajo obras maestras inigualables en un corto período; en unas ocho semanas se estrenaron películas que marcarán un antes y un después en la historia de la ciencia ficción. 

En novecientos ochenta y dos las grandes películas son El guerrero de la carretera o The Road Warrior, aquí Mad Mad (1982) , que impactó al propio director de clásicos de los 80,  Joe Dante. Revisión fría y cruda de la realidad un western llevado a Australia. En ese año se lanza Mad Max 2: El guerrero de la carretera (George Miller) y aunque se estrenó a finales de 1981 en Australia, tuvo su impacto mundial en 1982, consolidando el subgénero postapocalíptico. Junto a esta aparecen otras joas del cine de ciencia ficción. 

Entre otrtas que destacan contamos con el Blade Runner (Ridley Scott): Una obra cumbre del cyberpunk y la distopía que explora qué significa ser humano a través de los replicantes. 

También descata ET, el extraterrestre (Steven Spielberg): La película más taquillera de 1982 y un fenómeno cultural de amistad interestelar que redefinió el cine familiar. 

La cosa / El enigma de otro mundo (John Carpenter): Un clásico del terror y la ciencia ficción de culto, conocido por sus innovadores efectos especiales y atmósfera de paranoia. 

Star Trek II: La ira de Khan (Nicholas Meyer): Considerada una de las mejores películas de la saga, rescató la franquicia con un enfoque más narrativo y dramático. 

Tron (Steven Lisberger): Vanguardista por su uso temprano de efectos generados por ordenador (CGI) para sumergirse a la audiencia en un mundo digital. 

Poltergeist (Tobe Hooper / Prod. Spielberg): Aunque cruza con el terror, su mezcla de suburbios con fenómenos paranormales y tecnología la sitúa entre las más influyentes del género ese año. 

Conan el Bárbaro (John Milius): Representante de la fantasía heroica que fue clave en el verano de 1982. 

1983 fue un año clave para la ciencia ficción, marcado por el cierre de la trilogía original de Star Wars y el auge de los thrillers tecnológicos y el terror corporal. 

De entre las películas más representativas  cabe destacar Star Wars: Episodio VI - El retorno del Jedi: Fue el estreno más importante del año y el éxito de taquilla más grande de 1983. Cerró la historia original con batallas épicas y la redención de Darth Vader.  Con ella concluyó la trilogía original.

Juegos de guerra (WarGames): Un hito del cine de intriga tecnológica que popularizó conceptos como el hacking y la ciberseguridad, con la amenaza de una guerra nuclear iniciada por una IA. Es un clásico que popularizó la temática de hackers y la inteligencia artificial, donde un joven casi provoca la Tercera Guerra Mundial al entrar en el sistema de defensa de EE. UU. 

Videodrome: Dirigida por David Cronenberg, es una obra de culto de "terror corporal" y ciencia ficción que explora la dominación mediática y las alucinaciones grotescas. Videodrome es una perturbadora película de David Cronenberg que explora el horror corporal y la tecnología, donde un ejecutivo de televisión descubre una señal que provoca alucinaciones y alteraciones físicas. 

Proyecto Brainstorm (Brainstorm): Centrada en la invención de un dispositivo para grabar y experimentar sensaciones y recuerdos directos del cerebro, marcados por la última actuación de Natalie Wood. En Proyecto Brainstorm (Brainstorm) es la tecnología de grabación de experiencias sensoriales. Dirigida por Douglas Trumbull y protagonizada por Christopher Walken. La trama se centra en el desarrollo de un casco que permite grabar y experimentar los pensamientos y sensaciones físicas de otras personas.  

Elegidos para la gloria (The Right Stuff): Aunque rosa el drama histórico, narra la ciencia ficción de la carrera espacial estadounidense y los primeros pasos del ser humano en el espacio. 

Krull: Una mezcla notable de ciencia ficción y fantasía (fantasía espacial) sobre un príncipe que busca rescatar a su novia de invasores alienígenas. De entre las películas destaca Krull, una mezcla de fantasía y ciencia ficción de culto sobre un príncipe que debe rescatar a su prometida de una fortaleza invasora alienígena.

El testamento final (Testamento): Un drama post-apocalíptico más realista y sombrío sobre las secuelas de una guerra nuclear en una pequeña comunidad. 

La zona muerta (The Dead Zone): Basada en la novela de Stephen King, mezcla ciencia ficción con elementos psíquicos y suspense político. La zona muerta (The Dead Zone): Aunque a menudo clasificada como thriller sobrenatural, esta película basada en la novela de Stephen King entra en el ámbito de la ciencia ficción especulativa sobre facultades mentales. 

Además, destacó la miniserie Invasión Extraterrestre (V), que marcó la cultura pop de la época  conocida como Strange Invaders (Homenaje a las invasiones alienígenas de los 50). No habrá guerra de Troya (The Day After) (Telefilme de gran impacto sobre el holocausto nuclear).

Otro título notable de ese año fue el filme de antología En los límites de la realidad (Twilight Zone: The Movie). En los límites de la realidad: Película de antología basada en la clásica serie de televisión. 

Spacehunter: Adventures in the Forbidden Zone es una aventura espacial de bajo presupuesto que intentó aprovechar el auge del género en la época, es una aventura post-apocalíptica . 

El último guerrero (Warrior of the Lost World): Una película postapocalíptica de acción, influenciada por el éxito de Mad Max pero de bajo presupuesto. 

Aunque 1982 fue más prolífico en clásicos, 1983 estuvo marcado por la consolidación de la saga galáctica de George Lucas y la influencia de la televisión en el cine de género 

En los límites de la realidad (Twilight Zone: The Movie): Una película antológica basada en la famosa serie de televisión, dirigida por varios directores de renombre. 

Estas películas reflejaban la paranoia de la Guerra Fría y el rápido avance de la tecnología en aquella época. 

En el capítulo tercero de esta serie comienza hablando de una película del año 1983, la de Extraños invasores (1983) con Nancy Allen y con Bill Condón y Michael Laughlin en el guion de la historia. Un homenaje a la película de los años 50 y eso dueña estaban en el guion. Una película de un misteriosa misma. Una película casi sin presupuesto. 

En cuanto a los efectos especiales a principios 80 años de ficción tuvo fue realmente imaginativa. Lo que hizo Star Wars en el aspecto narrativo fue lo que abrió la puerta a las películas de género y fue lo que la gente no sabía atrevido a hacer hasta que apareció de Star Wars. Algo también parecido ocurre en Ikea es ver resort de efectos especiales debería aportar algo a la película si resulta que el director ni siquiera sabe qué hacer es siempre empieza con la idea del plano terminado y motiva ese plano termina. Stark Trek II: The Wrath of Khan (1982) tiene unos efectos especiales por la mítica ILM. Star Wars uno de los efectos se llama Go motion y aparece ya en el retorno del Jedi. Planta tecnología también se ve en el secreto de la pirámide o The Young Sherlock Holmes (1985) o The Abyss (1989) de James Cameron, o The Last Starfighter (1984) de Nick Castle, que fue la primera película usar los efectos especiales durante todo el metraje o invisible en Tron (1982). 

1984 es el año del estreno de Star Trek III: The Search for Spock, Star Trek III: The Search for Spock (Star Trek III: En busca de Spock) siendo la tercera entrega de la saga cinematográfica de Star Trek, que continuó la popularidad de la franquicia, pero también de los Terminator por su impacto en el futuro del cine de acción, The Last Starfighter por sus pioneros efectos CGI, y la adaptación de 1984 de George Orwell. 

Otras producciones clave de ese año incluyen Starman - Starman: El hombre de las estrellas- dirigida por John Carpenter, esta cinta de ciencia ficción y romance fue aclamada por la crítica y obtuvo una nominación al Oscar para Jeff Bridges., Dune y la aventura familiar Gremlins. La adaptación épica de David Lynch de la novela de Frank Herbert, que, a pesar de las críticas mixtas, se convirtió en una película de culto visualmente ambiciosa.  

También The Ghostbusters (1984) como señala Iván Reitman , que aunque mezcla comedia y terror, su temática de parapsicología y tecnología avanzada la sitúa como una de las principales películas de género fantástico/ciencia ficción de ese año, siendo un gran éxito de taquilla, o The last Starfighter (1984) con su uso temprano de efectos especiales generados por computadora (CGI) o El último guerrero estelar, una película pionera en el uso de gráficos por ordenador (CGI) para naves y efectos espaciales.  . 

También es importante en mil novecientos ochenta y cuatro lámparas de las aventuras Buckaroo Banzai Across The 8th Dimensión (1984) con Peter Weller de protagonista. El mismo dice que es una película que había de él no puede explicar de qué va. El director es W. D. Ritter. Una mezcla excéntrica de ciencia ficción, comedia y aventura, considerada una obra de culto indispensable de 1984. 

También deseando es The Terminator dirigida por James Cameron, estableció un hito en el género cibernético con Arnold Schwarzenegger. Dirigida por James Cameron y protagonizada por Arnold Schwarzenegger, esta película de acción y ciencia ficción se convirtió en un clásico instantáneo, marcando el inicio de una exitosa franquicia.. 

Runaway (1984)Repo Man, Dreamscape, y Electric Dreams se estrenaron también ese año .Night of the Comet (La noche del cometa): Una mezcla de ciencia ficción y terror de bajo presupuesto que se convirtió en una favorita de culto

1984: Adaptación directa de la novela distópica de George Orwell, estrenada en el año homónimo.1984: La adaptación cinematográfica de la novela homónima de George Orwell, dirigida por Michael Radford y protagonizada por John Hurt, estrenada, coincidentemente, en el año que da título a la obra. 

Starman (El hombre de las estrellas): Un enfoque más humano y romántico de la ciencia ficción, dirigido por John Carpenter. 

Dune: La ambiciosa adaptación de David Lynch de la famosa novela de Frank Herbert. 

2010: The Year We Make Contact (2010: Odisea dos): Secuela directa del clásico 2001: A Space Odyssey. La secuela de 2001: A Space Odyssey de Stanley Kubrick,2010: The Year We Make Contact (2010: Odisea dos) dirigida por Peter Hyams, fue una destacada superproducción espacial de ese año.

En el episodio cuatro se empieza hablando de las criaturas realizadas mediante efectos especiales. Will Wheaton y Ian Nathan de ejemplos que aparecen en películas como ET (1982), Aliens (1986), con su precedente,Alien (1979), Enemy Mine (1985) El pato Howard (1986), La cosa (1982), La mosca(1983), El retorno del Jedi (1983), Gremlins(1985), Critters (1986), la pequeña tienda de los horrores (1986), The Ghostbusters (1984)... Cuando se presentaba de manera adecuada ignoraban la tecnología y te iba directamente a centrarte en la criatura. Personajes como R2D2 o como yoga llevaban a un hombre dentro y a veces se usaban igualmente como marioneta. En ocasiones hubo auténticos artistas como Rob Bottin, responsable de parte de la animación de la cosa o Stan Winston responsable entre otros de Depredator o Alien.

En cuanto a las películas del año 1985 destacan las siguientes: regreso al futuro, como uno de los mejores guiones de Hollywood, con una actuación en estelares de Michael J. Fox, aunque en principio iba a ser Eric Scholz, y Christopher Lloyd. Regreso al futuro (Back to the Future): Dirigida por Robert Zemeckis, no solo fue la película de ciencia ficción más importante del año, sino la más taquillera de todo 1985 a nivel mundial. Se convirtió en un clásico instantáneo que mezcla comedia, aventuras y viajes en el tiempo.

Otra película de ese año es Cocoon de Ron Howard frente a historia de juventud que se publicaron en los 80 es una historia de personas mayores qué quieren y retomar su juventud. Dirigida por Ron Howard, esta mezcla de ciencia ficción y drama trata sobre un grupo de ancianos que experimentan un rejuvenecimiento gracias a extraterrestres. Es una película en clave de comediasenior al servicio de grandes nombres de la tercera edad de Hollywood como Don Ameche, Jessica Tandy, Hume Cronyn, Wilford Brimley o Mauren Stapleton. Aliens amables (aunque tengan el.rostro de Brian Dennehy) y sin faltar Steve Guttenberg. 




Está bien realizada, juega bien sus cartas de emoción, fantasía y comedia con algún fx resulton y un espíritu muy factoría Spielberg aunque no lo fuera. El resultado una película agradable.




La tercera es Mad Max en la cúpula del trueno, que siempre será recordada por la magnífica canción de Tina Turner. Frente a la segunda entrega que se centraba en la gasolina la tercera se centra en la producción de energía como metano. Mad Max 3: Más allá de la cúpula del trueno (Mad Max Beyond Thunderdome): Tercera entrega de la saga de acción postapocalíptica, protagonizada por Mel Gibson y Tina Turner.

Otra película es Explorers. Fue la primera película de Ethan Hawke , una película de triunfo gracias al cine doméstico. Otra película es Weird Science, una película con Kelly Lebrock , una historia adolescente.Dirigida por Joe Dante, una aventura juvenil sobre tres niños que construyen su propia nave espacial.

otras , aunque en el documental no se habla es Brazil: Una película de culto distópica dirigida por Terry Gilliam que presenta un mundo retro-futurista marcado por la burocracia y la sátira tecnocrática.

Junto a Brazil, otras películas estrenadas ese año son Enemigo mío (Enemy Mine), una historia de ciencia ficción centrada en la relación entre dos soldados enemigos, un humano y un extraterrestre, atrapados en un planeta hostil.

También D.A.R.Y.L.: Ciencia ficción familiar sobre un niño que resulta ser un robot creado militarmente con habilidades superiores. 

Referencias a Lifeforce (Fuerza vital) tenemos. Dirigida por Tobe Hooper, es una mezcla de ciencia ficción y terror donde una misión espacial descubre vampiros espaciales.

También a los logros encontrados en los efectos especiales de La cosa de John Carpenter (a veces listada en años cercanos, tuvo impacto en la época).

También hay referencia a la Weird Science (La mujer explosiva).

Cuanto al transbordador espacial - Space Shittle- Wil Wheaton comenta que el primer trabajador espacial si no son esos años y fue algo sorprendente y una forma más barata las aventuras espaciales además de aproximarse a lo que siempre había soñado en películas como Lifeforce o Star Trek. Un puente entre el mundo real y el mundo imaginario y fantástico. Pero cuando todo se prometía como algo fantástico el challenger explotó. El propio Reagan salió por televisión para hablar sobre esta historia de pioneros que acabo de mala manera. El programa espacial filoniano para el futuro. La dedicatoria de Star Trek 4 fue a la tripulación del challenger.

En novecientos ochenta y seis coincidiendo con el año de chernobyl, se estrenó la película cortocircuito - Short Circuit- de John Banham, película que habla de la amistad de aprenderlo todo y y llega un momento que es consciente de su propia mortalidad.

Cortocircuito (Short Circuit): Una comedia de ciencia ficción familiar muy popular sobre un robot (Número 5) que adquiere inteligencia.

También ese año se estrenó Aliens el regreso, una película de guerra en el espacio.Aliens: El regreso (Aliens): Dirigida por James Cameron, fue sin duda la película de ciencia ficción más influyente y exitosa del año, considerada una de las mejores secuelas de la historia.

Películas Flight of The Navigator. Es una historia sobre viajes en el tiempo con tecnología culturista al reto la de otros planetas y es el viaje de devil freeman para encontrar el camino de vuelta a casa con su verdadera familia. Cuando vuelves siguen teniendo doce años cuando sus familiares han unido ocho años. Un drama humano. El vuelo del navegante (Flight of the Navigator): Un clásico de culto de Disney sobre un niño que viaja 8 años al futuro en una nave espacial.

Ya en el episodio quinto se nos habla de Howard el pato Howard película basada en el cómic de Marvel  de Steve Gerbery que en el año 1986 realizó George Lucas con un planteamiento de comedia. Nos habla de ella Ed Gale el hombre que se introduce en su interior. Me parece una banda de chicas encabezadas por Lea Thompson. Algunos esperaban una película más ampliada pero no era para todos los públicos pues era una comedia irreverente y era solo para adultos pequeños. Era un pato descarado. Fue una película vanguardista y adulta un chiste es verdes y alejada del cine familiar. Gloria Katz no la entendió y Lucas vino a dirigirla. La tecnología no estuvo ahí para hacerla entendible y poco a poco la película se desmarró. 

Star Trek Four tuvo un enorme éxito. El guion lo tenía todo. Tercer planteó algo diferente. Tenía la comedia adecuada y el guión estuvo escrito por Leonard Nimoy y también la dirigía e intervenía como actor la película.. villano definitivo en la película era el hombre. Tengo el elemento sonoros se usó incluso la voz del director.Star Trek IV: Misión: Salvar la Tierra (Star Trek IV: The Voyage Home): Dirigida y protagonizada por Leonard Nimoy, fue un gran éxito de taquilla que introdujo un tono más ligero y ecológico a la saga.

Otras películas estrenadas ese año son La Mosca (The Fly): Dirigida por David Cronenberg, esta película de "body horror" y ciencia ficción fue aclamada por la crítica y se convirtió en un éxito comercial, con una actuación destacada de Jeff Goldblum. También lo hará Critters: Una comedia de terror y ciencia ficción que sigue a pequeños alienígenas carnívoros que aterrizan en la Tierra. Igualmente Invasores de Marte (Invaders from Mars): Un remake de Tobe Hooper de la clásica película de los años 50, con efectos especiales de Stan Winston. Otras películas relevantes de ciencia ficción o con elementos fantásticos destacadas en 1986 fueron La rebelión de las máquinas (Maximum Overdrive), From Beyond (Re-Sonator), Kin-dza-dza! (película de culto rusa), SpaceCamp y The Wraith (El aparecido).

Es una época también la que se le descubren mundos increíbles. Muy hermosa sinfonía magníficas partituras que hacen viajar y te llenan y te llevan a la acción. Un buen compositor como aparece en Explorer (1986) juega un papel importante. Realmente toda la composición musical cambia a partir de Steven Spielberg y su tiburón del año 1975 con música de John Williams. Todo el mundo siguió su ejemplo como se ve en películas ya de inicios de los 80.. esto se ve igualmente en mil novecientos setenta y siete con Star Wars también con música de Williams. O El Imperio contraataca del año 1980. 

Con The Last Starfighter (1984) también se incluye una música sinfónica buen regreso al futuro (1985) música de Alan silvestre donde se tuvo la mayor orquesta para una banda sonora. Con Robocop (1987) y con Totall Recall . Estará presente en la película Cazafantasmas. Y fue Dante declara el director de gremlins que estaban todo muy vinculado música y edición y dirección. Ejemplo más interesante de música temporal se ve la obra de Stanley kubrick 2001una Odisea en el espacio. Probó durante la película con música de Richard Strauss y entonces Oliver North le dijo esta mejor que la música que yo había compuesto. 

También hay nueva tecnología que se usan por ejemplo con el emulador y en películas como de Terminator de 1984. Generaba un sonido grande. El sonido también juega un papel importante como se puede ver en Blade runner en 1984 con música de Vangelis Papatanasios. Los diseñadores y el sonido iban a generar atmósferas emotivas que usaban sintetizadores y campanas que se introducían en la escena más estimulantes envolventes.  A veces se introduce el rock o como el caso de repo man del año 1984 o en mi Star Trek y que también introduce música rock, incluso punk. 

Muchos compositores de los años ochenta escribieron temas y melodías que podían tener hizo una de las cosas más significativas de las películas de ciencia ficción de esta décadas. 

El año 1987 fue un año destacado para el cine de ciencia ficción y acción, marcado por lanzamientos icónicos que definieron el género de la época ciberpunk y la ópera espacial paródica. 

En 1987 las películas más significativas son de predators Predator con Arnold Schwarzenegger que va en la línea de Rambo 2 o cualquier obra de Stallone. Las principales películas de ciencia ficción de 1987 incluyen:

Depredador (Predator) (John McTiernan): Película de acción y ciencia ficción protagonizada por Arnold Schwarzenegger, que se convirtió en un clásico del género. Un aspecto interesante que al pelotón a todos los integrantes de ese pelotón se le dan un protagonismo auténtico. Es una película existencial.  Uno de los mejores momentos de la testosterona. 

Otra película en la historia la loca historia de las galaxias o space balls (1987) que creó la nave espacial más grande del universo interminable. Se reían de todo y de todo de hecho hay juegos y guiños a otras muchas películas del género del que pretendían reírse, desde el planeta de los simios hasta alien el octavo pasajero. O Star Wars. Muy en la línea de Mel Brooks. Pero también se reían de Indiana Jones. . Acaba con la petición de una loca historia de las galaxias 2, que nunca se hizo. S.O.S. Hay un loco suelto en el espacio (Spaceballs) (Mel Brooks): Una famosa parodia de ópera espacial que satira principalmente a Star Wars, pero también a Star Trek y Alien. 

Innersosce (1987) de Joe Dante es otra de las películas exitosas de este año 1987. Tiene un tono de ciencia ficción pero sobre todo cómico. Cuando se hizo este viaje simplemente. El viaje alucinante es el título que se le vio en español. Viaje por el ciclo sanguíneo es una de las imágenes icónicas de esta película. El chip prodigioso (Innerspace) (Joe Dante): Comedia de ciencia ficción y aventuras que ganó popularidad en el verano de 1987. 

Ese año también se estrenó Robocop con Peter weller como actor principal. Era una bofetada a la sociedad. El rodaje es complicado y el enfrentamiento entre el director holandés y el actual principal y llevó a una atención tremenda.  RoboCop (Paul Verhoeven): Considerada una de las principales películas de ciencia ficción ciberpunk y sátira social. 

Perseguido o Tre running Man su otra de las películas representativas del año 1987. Una película en la que la tecnología a la última. Hoy estamos al nivel de esa tecnología era absolutamente vanguardista. Perseguido (The Running Man) (Paul Michael Glaser): Una distopía futurista basada libremente en la novela de Stephen King, también protagonizada por Schwarzenegger. 

Entre héroes y villanos de la ciencia ficción tremendas son visibles en películas cómo estás aliens retorno al pasado Flash Gordon o Dune. En Robocop, Runaway, Dune , Saturn 3. Eso sí todos ellos en la ciencia ficción son personajes accesibles, son necesarias. 

Películas como las chicas terrestres son fábricas, Earth Girls are easy (1988)  , número musical el director es julian temple. Cabe participa Jim Carrey, Damon  Wayans  y Jeff Goblum y como chica Geena Davis. 

Otras películas de ese año son Masters of the Universe (Gary Goddard): Película de fantasía y ciencia ficción basada en la línea de juguetes de He-Man. 

Tambien es ***batteries not included (Robots)**: Película familiar de ciencia ficción sobre pequeños robots extraterrestres. 

De ese año The Hidden (El oculto): Un thriller de ciencia ficción con elementos de acción y extraterrestres así como otras producciones notables del género lanzadas en ese año fueron Royal Space Force: The Wings of Honnêamise (anime), Superman IV: The Quest for Peace y Evil Dead II (con fuertes toques de horror/ciencia ficción).


Y el sexto y último episodio comienza con Akira una película del año 1988. Fue uno de los primeros animes japoneses que triunfó en los Estados Unidos. Murió la animación japonesa a América, antes habían llegado un buen número de series televisivas a la televisión norteamericana. El año 1988 fue destacado para la ciencia ficción, marcado tanto por clásicos de culto como por la animación japonesa de vanguardia.Akira (1988): Una obra maestra del anime y del cyberpunk dirigida por Katsuhiro Ōtomo. Ambientada en Neo-Tokyo, es considerada una de las películas más influyentes del género. 

Otra película del año 1988 es Mac and me o Mi amigo Mac. Inspirado en rojo Donald McDonald.. firmó y parecida de té verde y ya que se quedaron solo con el concepto en el típico alien de ojos grandes. Es una película para niños. Es una historia de un niño y peluda y de un muñeco extraterrestre. Fue la primera película en la que llega y aparece Jennifer Aniston. 

Alien Nation (Nación Alien) es una película de acción y ciencia ficción que narra la integración de una raza alienígena en la sociedad de Los Ángeles, mezclando el género buddy cop. Alien nation, otra de las grandes películas de el año 1988. Es una película de ciencia ficción con dos policías amigos uno de ellos extraterrestre. Aparece James Caan y Terence Stamp. 

Otra película es Cherry 2000. Rodaron en el interior de la presa Hoover. Ya vemos a las Vegas sepultadas por dunas inmensas. 

Junto a ella está la magnífica película Están vivos (They Live) de John Carpenter, una película de acción y ciencia ficción satírica que se convirtió en un clásico de culto, famosa por su crítica al consumismo y sus escenas de acción. 

El Blob (The Blob), conocida en España como El terror no tiene forma de Chuck Russell, un remake de terror y ciencia ficción que superó al original, mostrando a un organismo amorfo devorando un pueblo. 

Hubo también una segunda entrega de Cortocircuito 2 (Short Circuit 2), secuela que continúa las aventuras del robot Johnny 5 en un tono más de comedia familiar y acción. Más influyente fue Mi amigo Mac, una película dirigida por Stewart Raffill con Christine Ebersole, Jonathan Ward, Tina Caspary.  

A destacar igualmente Killer Klowns from Outer Space (Payasos asesinos), una mezcla de terror, ciencia ficción y comedia que ha ganado un gran seguimiento de culto a lo largo de los años. 

Mi novia es una extraterrestre (My Stepmother Is an Alien): Una comedia de ciencia ficción protagonizada por Kim Basinger y Dan Aykroyd. 

Otras menciones notables de ese año incluyen Miracle Mile (una distopía de tensión nuclear) y la segunda entrega de Critters, la 2. También una segunda parte de una película que había impactado en su primera entrega, Cocoon que aquí tendrá como subtítulo El retorno, una película dirigida por Daniel Petrie con parte del grupo de actores originales como Jessica Tandy, Don Ameche junto a Steve Guttenberg. Y un éxito que aquí no impactó tanto como Las chicas de la tierra son fáciles de Julien Temple con , entre otros, Geena Davis, Jeff Goldblum, Jim Carrey ...

Mientras tanto hay una visión futurista del futuro y de la ciencia que a lo largo de la década preveía lo que iba a ser nuestro futuro como hemos señalado en casi todas las películas cine hemos hecho referencia aquí. Desde total hasta aliens pasado por retorno al futuro. Por ejemplo casi está Internet.. parecen ya la tecnología de drones. Gran parte de local en estas películas de ciencia ficción al final se concretaron la realidad como la Deep Fakes o Skanet de Terminator.

Las principales películas de ciencia ficción de 1989 incluyen éxitos taquilleros y clásicos de culto que definieron la época. Destacan la segunda pieza de Retorno al Futuro Parte II, The Abyss (Abyss) y Los Cazafantasmas II, junto con otras notables como Cyborg y Las alucinantes aventuras de Bill y Ted. 

Como película del año 1989 la primera que destaca es Bill & Ted's Excellent Adventure haz una película para adolescentes que viajó en el tiempo en el que sale aquí no Ribes y el chico que habla en el documental. Tu madre de transporte es una cabina telefónica sirve para dejar en el tiempo. Reconocen que la película era algo extraña. 

Con Regreso al Futuro Parte II (Robert Zemeckis) retornó una de las secuelas más esperadas y taquilleras, que explora viajes en el tiempo. 

Cariño he encogido a los niños es otra de las películas que se estrenan ese año. Es una versión del increíble hombre menguante de Matheson. Hay carreteras en stop motion. 

The Abyss (James Cameron): Conocida por sus impresionantes efectos especiales bajo el agua y trama de contacto alienígena. En éxito también será Los Cazafantasmas II (Ivan Reitman): Secuela que combina comedia con elementos fantásticos y de ciencia ficción. Las alucinantes aventuras de Bill y Ted (Stephen Herek): Comedia de viajes en el tiempo de culto. 

Cyborg (Albert Pyun): Película de acción post-apocalíptica protagonizada por Jean-Claude Van Damme. Comunión (Philippe Mora): Basada en las supuestas experiencias de abducción de Whitley Strieber. Estas producciones marcaron un año de transición hacia la ciencia ficción de los años 90. 

Otra película fue setenta minutos para vivir o Miracle Mile. Es la guerra nuclear. La película costó 3 millones de dólares, y en español se llamó 70 minutos para huir, una película de suspense apocalíptico estadounidense de 1988 escrita y dirigida por Steve De Jarnatt y protagonizada por Anthony Edwards y Mare Winningham.[1] La película se desarrolla principalmente en tiempo real. Lleva el título del barrio Miracle Mile de Los Ángeles, donde tiene lugar la mayor parte de la acción. Roger Ebert elogió la película y afirmó que tenía una «eficacia diabólica» y una sensación de «terror real».En su reseña para el Washington Post, Rita Kempley escribió: «Parece que [De Jarnatt] no está comprometido con su historia o sus personajes, sino con la idea de que está diciendo algo profundo, lo cual no es así.»[9] Stephen Holden, en The New York Times, escribió: «Como Harry y Julie, el señor Edwards y la señora Winningham forman una pareja inusualmente refrescante.» En su reseña para el Boston Globe, Jay Carr la llamó: «[...] una película desordenada, pero tiene energía, urgencia, convicción y calor y no la olvidarás pronto.» El crítico de cine y televisión británico Charlie Brooker, en un artículo para el sitio web de la BAFTA escrito en septiembre de 2008, otorgó a 70 minutos para huir el honor de tener la «Mayor sacudida de tono» de cualquier película que haya visto




miércoles, 22 de abril de 2026

La acompañante



Yo creo que todos recordamos la que posiblemente fue nuestra primera gran clase de Historia de la Filosofía, vinculada a Platón y al mito de la caverna. Platón nos invitó a imaginar prisioneros encadenados en una cueva, viendo sombras proyectadas en una pared. Para ellos, esas sombras son la realidad. No conocen otra cosa. La pura apariencia es esa sombra: la forma deformada, bidimensional y sin esencia de un objeto real que pasa tras ellos. Vivimos en nuestra propia caverna. 

Hoy tno vivimos aislados unos de los otros. Nuestras redes sociales, nuestras opiniones apresuradas y nuestros muchos prejuicios son sombras. Creemos entender la vida de alguien por una foto, el amor en el cine por una escena que puede ser atractiva y afectiva o la política por un titular, pero estamos viendo solo la proyección, no la esencia. La apariencia es cómo las cosas parecen ser, y depende totalmente de quién las mira (subjetiva). La realidad es cómo las cosas son realmente, independientemente de nuestros sentidos o creencias. La apariencia es una "copia imperfecta" de la realidad, decía Platón. 

La verdadera realidad a menudo requiere razón, análisis y, a veces, ignorar lo que ven nuestros ojos. Cuando basamos nuestra existencia en la "pura apariencia". Quien vive para aparentar, como decía Sócrates, termina siendo un engaño. La realidad de esa persona se desvanece en su propia actuación. La autenticidad —la paz interior— reside en la concordancia entre lo que somos por dentro y lo que demostramos por fuera. A veces, la apariencia no es lo contrario a la realidad, sino un "momento". 

Hoy, la tecnología ha hecho más difícil distinguir la apariencia de la realidad. La inteligencia artificial puede crear apariencias tan perfectas que reemplazan a la realidad en la mente colectiva. La apariencia es ruidosa y temporal; la realidad es silenciosa y persistente. Como escribió Molière, "las apariencias engañan la mayoría de las veces". Por tanto, la sabiduría no es simplemente percibir, sino cuestionar la superficie para encontrar la estructura de la verdad. 

Pues bien, la película de 2025 Companion  aquí conocida  como La acompañante  dirigida por Drew Hancock, es un thriller de ciencia ficción que utiliza la premisa de la Inteligencia Artificial (IA) para realizar una reflexión profunda sobre la naturaleza de la toxicidad en las relaciones humanas y la obsesión por el control.

Companion  fue definida por el sabio del cine español, Fausto Fernández en la revista Fotogramas como "Comedia negra sobre la estupidez masculina que mezcla 'Thelma y Louise' y 'Barbie' con los ovarios de Terminator". 

Así define la crítica a la original ópera prima de este director o directora que no deja de ser una cinta de ciencia ficción protagonizada por Sophie Thacher y Jack Quaid. 

Producida por Zach Cregger, Raphael Margules y J. D. Lifshitz, para las productoras New Line Cinema, BoulderLight Pictures, Vertigo Entertainment y distribuida por Warner Bros. Pictures tuvo un presupuesto de $10 000 000 que sí recuperó en salas al triplicar los ingresos. 

Partiendo de un guion escrito por Drew Hancock, la película presenta la música de Hrishikesh Hirway y el montaje de Brett W. Bachman y Josh Ethier. 



Con un inicio espectacular y romántico en el que la protagonista, Iris, conoce en un supermercado a su patoso novio , Josh, parece una historia de amor con exceso de glucosa, pero poco después descubrimos que nada de esa apariencia será realidad. 



Al poco vemos poco después a Iris (Sophie Thatcher) y Josh (Jack Quaid), una joven pareja, que viajan a una casa aislada en el lago para encontrarse con sus amigos: Kat (Megan Suri), Eli (Harvey Guillén) y Patrick (Lukas Gage), así como con Serguéi (Rupert Friend), el novio de Kat y dueño de la casa del lago. 



Al día siguiente, Serguéi intenta violar a Iris en el lago, pero ella lo mata apuñalándolo en el cuello. Empapada en sangre, regresa a la casa e intenta explicarse antes de que Josh le diga: «Iris, ve a dormir». En ese momento quedamos patidifusos.

Iris recupera la conciencia y se encuentra atada a una silla. Josh confiesa la verdad: ella es un robot acompañante avanzado que puede ser controlado por su teléfono inteligente. 

Iris se libera, roba el teléfono y escapa al bosque. Experimenta con su configuración en el teléfono, aumentando su inteligencia del 40 % al 100 %. 

Se revela que Josh liberó la configuración de Iris, desactivando su incapacidad de hacer daño. Él y Kat habían planeado que Iris matara a Serguéi para robarle su fortuna de doce millones de dólares, e invitaron a Eli y Patrick para corroborar su historia contra ella. 

Josh y Kat le insisten a Eli que Patrick no tiene derecho a una parte del dinero porque «no cuenta», tras lo cual se revela que Patrick también es un robot acompañante. Eli toma un arma de la caja fuerte de Serguéi y los cuatro se dividen en el bosque para encontrar a Iris. Patrick le dice a Eli que ha deducido que es un robot acompañante, pero que está genuinamente enamorado de Eli, a lo que Eli le responde. 

En el bosque localizan a Iris y, tras una pelea, Eli recibe un disparo mortal con el arma de Serguéi. Iris escapa en el automóvil autónomo de Josh. Sin embargo, Josh logra detener el coche reportándolo como robado con el teléfono de Serguéi. Reestablece a Patrick para que sea su robot acompañante, desactiva su incapacidad para dañar y establece el nivel de agresión de Patrick al 100 %. 

Cuando Iris huye se encuentra con Hendrix (Marc Menchaca), un agente de policía y cambia su configuración de idioma a alemán para confundirlo, ya que los robots acompañantes no pueden mentir. 

Patrick golpea a Hendrix hasta la muerte antes de apagar a Iris. Kat, disgustada por las acciones de Josh, intenta irse con su mitad del dinero. Josh le ordena a Patrick que la detenga, pero la mayor agresividad de Patrick hace que la apuñale hasta matarla. 

Esa noche, Josh hace que Patrick prepare la cena para él y para Iris, y despotrica sobre lo poco que tiene en la vida a pesar de su arduo trabajo. Pone la inteligencia de Iris al 0 %, convirtiéndola en una autómata y le ordena que se pegue un tiro en la cabeza. 

Dos trabajadores de la compañía de robots acompañantes, Sid (Matt McCarthy) y Teddy (Jaboukie Young-White), llegan para llevarse a Iris, informando a Josh que han sido enviados para reiniciar a Iris. 

Desesperado por ocultar sus crímenes, Josh le ordena a Patrick que mate a los trabajadores y recupere a Iris. Patrick mata a uno, pero antes de que pueda matar al otro, Iris se reinicia por completo. Sin embargo, Iris no puede dañar a Patrick como resultado de su reinicio, por lo que apela a la humanidad de Patrick usando su amor por Eli. Abrumado por la culpa, Patrick se suicida. 

El trabajador superviviente, Teddy, le otorga a Iris la capacidad de controlarse por completo. Iris mata a Josh apuñalándole en la sien con un sacacorchos eléctrico. 

A la mañana siguiente, se quita la «piel» quemada de la mano, dejando al descubierto el mecanismo interno del robot, y sale de la casa con el dinero de Serguéi Mientras se aleja en el coche, ve a un hombre conduciendo con un robot similar a ella. Iris sonríe y saluda juguetonamente al robot similar con su mano visiblemente robótica, para confusión de este último. 

Ls hidtoria de esta película se remonta a febrero de 2023, cuando se informó que New Line Cinema estaba trabajando en Companion, con un guion de Drew Hancock, quien también dirigiría y Zach Cregger, Raphael Margules, JD Lifshitz y Roy Lee producirían. 

En mayo de 2023, se anunció que Jack Quaid se había unido al elenco de Companion. En junio de 2023, se anunció que Harvey Guillén, Lukas Gage, Megan Suri, Sophie Thatcher y Rupert Friend se habían agregado al elenco de la película. El rodaje finalizó en diciembre de 2023. 

La película que fue bien en taquilla, también lo fue en la cróitica estadounidense.  Christian Zilko de IndieWire escribirá sobre ella que "Hay mucho que disfrutar en 'Companion', desde los elegantes efectos visuales de Hancock, su ritmo fluido y su retorcido guion, hasta la asombrosa interpretación de Thatcher como un androide que roza la humanidad" 

Frank Scheck de The Hollywood Reporter la describe como "Un ingenioso y trepidante thriller de terror que mantiene al espectador en vilo y que contiene generosas dosis de humor mordaz." 

Peter Debruge de Variety sostiene que  "El director debutante Drew Hancock manipula las ansiedades sobre el auge de las máquinas con un thriller inteligente y oscuramente satírico que coprotagoniza Jack Quaid".

William Bibbiani de The Wrap dice de ella que "Es uno de los mejores guiones de su género en años, estableciendo ideas y reglas y jugando con ellas de todas las formas imaginables, y sorprendiendo una y otra vez al público sin dejar de jugar limpio" 

Chris Evangelista de SlashFilm lo que valora es que "Esta sorprendente película de terror es la primera gran película de 2025 (...) un thriller divertido, trepidante y meticulosamente elaborado, con una interpretación tremenda de la protagonista, Sophie Thatcher. (...) " 

En Collider Emma Kiely escribe que "En su conjunto es algo totalmente único de contemplar (...) Es una comedia genuinamente divertida, un thriller lleno de suspense y, además, tiene algunas escenas de lo más espeluznantes. (...) " E

Para Meagan Navarro de Bloody Disgusting "No es un intento de reinvención del género, sino más bien un inteligente escaparate de un talento emergente del cine de género, y resulta ser una maravilla. (...) " 

Jarrod Jones de Paste Magazine escribe que es "Un divertimento tecnológico alegremente absurdo, un test de Turing para aquellos que aún están aprendiendo a quererse mejor a sí mismos". 

Desde Illinois  Richard Roeper crítico del Chicago Sun-Times la describe como una película "(...) muy divertida y tiene algunos sustos, pero también es una meditación sobre cómo algunos hombres tienen un interruptor por defecto que les hace demasiado fácil ser manipuladores y abusivos (...) 

En Gran Bretaña Laura Venning de Empire destaca lo que tiene de "Entretenida aunque intrascendente, está apoyada en sólidas interpretaciones centrales de actores que parecen muy conscientes de que todo es simplemente un poco de diversión sangrienta (...) 

Georgia Evans columnista de Time Out sostiene que "La película se inclina con éxito hacia el absurdo, ofreciendo una exploración catártica y oscuramente divertida de la dinámica y el control de género (...) 

Ya en España Philipp Engel en La Vanguardia comenta que "Sin pretender ser 'Ex Machina' o 'Her', Drew Hancock se las ha apañado para actualizar el subgénero con gags graciosísimos y una violencia festiva. (...) " 

En Cinemanía Enid Román Almansa valora el papel de la protagonista , una "Maravillosa Sophie Thatcher en este juego de equilibrio entre romance y terror. Intensa, retorcida, sangrienta y extrañamente divertida (...) " 



El ya citado Fausto Fernández en Fotogramas su consabido "Comedia negra sobre la estupidez masculina que mezcla 'Thelma y Louise' y 'Barbie' con los ovarios de 'Terminator' (...)" pero añade que " No deja títere (represor, con gónadas o no) con cabeza en su carrera de fondo salvaje (...) " Y concluye diciendo que es una comedia negra sobre la estupidez masculina. 

Raquel Hernández Luján de Hobby Consolas comenta que "No hay detalle superfluo en una película que no deja de sorprender a cada nueva revelación. Sophie Thatcher y Jack Quaid forman un tándem magnífico en una historia repleta de lecturas." 

Jesús Usero de AccionCine dice de ella que es "Sorprendente y adictiva (...) Una propuesta original y diferente (...) que se disfruta de inicio a fin (...) 

Lo cierto es que Companion no es solo una película sobre robots, es una crítica mordaz a cómo los seres humanos (especialmente hombres inseguros) instrumentalizan a otros para evitar la responsabilidad emocional, usando la tecnología para perpetuar dinámicas tóxicas de abuso y control.

La protagonista de la película se llama iris y parece estar hecha a la medida de ellos porque es ingenua, atractiva y complaciente pero durante un viaje de fin de semana con los amigos de George la circunstancia harán que iris descubra quién es y se revele contra ello. 

El machismo, el dominio a través de la tecnología, el hombre de inseguro, a la manipulación y el arcaico arquetipo de mujer perfecta son algunos de los temas que abordan la acompañante y que no deja indiferente a nadie. 

Companion plantea que el deseo humano de tener una pareja "perfecta", dócil y complaciente —diseñada a medida— no es amor, sino subyugación y posesión. La tesis sostiene que el control absoluto (tecnológico o emocional) sobre otra persona convierte la relación en una transacción tóxica y vacía.

La película sugiere que cuando eliminamos el riesgo del rechazo, la imperfección y la libre voluntad del otro (como lo haría un robot de compañía), el concepto de "pareja" se deshumaniza. 

Iris parece ser la mujer "ideal" (sumisa, atractiva, sin iniciativa propia) que Josh (Jack Quaid) necesita para sentirse seguro y superior. Su docilidad es una programación, no una elección personal. En definitiva, parece que el Amor se plantea como Mercancía y Control. 

Otra idea de interés es que la IA se presenta aquí como un espejo de la Inseguridad Masculina. La película utiliza a Iris como un espejo para examinar la toxicidad masculina y el miedo a la independencia femenina. Josh, un personaje inseguro, no busca una pareja, busca un objeto funcional.  El desarrollo de tecnología para emular relaciones humanas (IA sexual, robots acompañantes) alimenta el entitlement (derecho adquirido) y la misoginia. La película demuestra que un compañero "hecho para ti" es simplemente una extensión del ego de su dueño.  Se ve cuando Iris (con su inteligencia al 100%) se rebela y toma consciencia, Josh reacciona con violencia y el intento de resetearla, demostrando que su "amor" dependía exclusivamente de la obediencia de ella. 

Otra idea de interés es que se da la Paradoja de la "Compañera Perfecta". El título de la película es irónico. Una "compañera perfecta" no es una compañera en absoluto. El amor requiere reciprocidad y vulnerabilidad. La película propone que la verdadera conexión humana nace de la aceptación de la autonomía del otro, lo cual es imposible en una relación de "compañera robot", pero de pronto, y tras un asesinato llegamos al punto de inflexión de la película cuando la audiencia y la propia Iris descubren su verdadera naturaleza (que no es humana, sino un androide modificado para fines criminales). Esto cambia la narrativa de una "historia de amor" a una historia de supervivencia y toma de agencia (Thelma & Louise-style). 

Por último, hay una reivindicación de fondo. Companion es parte de la ola de cine "Good for Her" (Bueno para ella), donde el protagonista oprimido toma represalias sangrientas y justificadas contra sus opresores. El acto de reclamar la propia identidad y autonomía es violento y doloroso cuando se ha vivido bajo un control absoluto. Iris se convierte en una "final girl" tecnológica, no huyendo, sino destruyendo a quienes la trataron como un objeto, revirtiendo la dinámica de poder por completo, aunque al final, se marcha y descubre en la carreytera que ella es una más de las muchas. Su brazo mecatrónico, poderoso e idustructible es como ella.

domingo, 19 de abril de 2026

El exorcismo de Eastfield



Como, en ocasiones, dice Carlos Alsina al inicio de su monólogo. "Les voy a contar una historia". En realidad les voy a contar varias - pues responden a más de un solo caso-, pero que confluyen en una película que se inspiró en varios incidentes reales donde personas autoproclamadas exorcistas torturaron a individuos bajo la premisa de liberarles de demonios. Todas ellas confluyen en el exorcismo de Eastfield. Con todo, algunas fuentes señalan el caso de Joan Vollmer en Amberes, Bélgica, en 1993 como una influencia directa en la historia de esta película, donde su esposo Ralph, convencido de una posesión, propició un fatal desenlace. 

La película, titulada a veces como Anticristo: El exorcismo de Lara, subraya la negligencia médica y el fanatismo, centrando la historia en la decisión del marido de no tratar la supuesta enfermedad mental de su esposa.

Lo cierto es que Joan Vollmer era una mujer de 49 años que vivía en un pequeño pueblo de Amberes, en Bélgica, junto a su amado esposo Ralph Vollmer que actuó por creencias personales, Ralph Vollmer se convenció de que su segunda esposa, Joan, fue poseída por un demonio. El hombre pueblerino le contó a sus amigos, quienes eran miembros de un grupo eclesiástico destituido, que Joan actuaba muy raro en su día a día y eran unos espíritus malignos los que hacían que la mujer bailara al aire libre, dijera palabrotas, actuara “como una prostituta” y se comportara como un cerdo o un perro.

Con este suceso en mente, Ralph y sus amigos se convencieron de que Lara tenía en su cuerpo a 10 demonios poseyéndola, por lo que, además de intentar atarla a su cama o encerrarla en el sótano, su esposo y la amiga de este, Leanne Reichenbach inmovilizaron a la mujer “poseída” y le negaron agua y comida durante días mientras estos rezaban por ella. 

Cuando esto no le funcionó a Ralph, el hombre llamó a 2 miembros más de la iglesia deshecha que podría ayudar en el caso; David Klingner y Matthew Nuske, quienes cambiaron drásticamente la dinámica por atender el caso, que, para ese momento, ya era reconocido por el esposo como “un espíritu maligno con el que había que tratar” y no el “salvar” a su amada. 

Después de estar atada y sin comer por días, el nuevo hombre que sumó al caso, Nuske, bendijo un poco de aceite de oliva y ordenó a los demás miembros del grupo de exorcismo que se rociaran con él. Luego, tomó una caja de film transparente y dio siete vueltas alrededor de la casa con él, sellando puertas y ventanas contra los demonios. Asimismo, el hombre con “poderes especiales” también pidió a los miembros que destrozaran las posesiones de Juana con un martillo y destruyeran sus parterres y su invernadero para desbaratar a cualquier demonio que pudiera estar al acecho. Según los “estudios” de Nuske, Joan estaba poseída por una serie deminos; una madre llamada “La princesa Joan”, una hija llamada “Princesa Baby Joan”, y la “legión”, que definió como una multitud de poderosos demonios que, de acuerdo con la Biblia, Jesucristo exorcizó de un hombre poseído.

El exorcismo siguió por un par de días donde, junto a Ralph y David, Nuske abofeteó constantemente a Joan y estrelló su cabeza contra la pared para expulsar a los demonios y, aunque Joan suplicó por su vida, el hombre nunca paró su ritual. A las 4 de la tarde del 30 de enero, el grupo trasladó el maltrecho cuerpo de Joan al dormitorio, donde los miembros se sentaron sobre ella y comenzaron a golpearle la cabeza, el cuello y el pecho para “exprimir” a los demonios que traía desde el vientre hasta la boca. 

Finalmente, después de mucho aguantar, Joan Vollmer se calló y Nuske proclamó la victoria sobre los demonios diciendo que, a la mañana siguiente, la mujer se levantaría como siempre y todo habría vuelto a la normalidad.48 horas y sin ver la “resurrección” de su esposa, Ralph mandó llamar a un ministro baptista local para revisarla. 

El pastor encontró al grupo almorzando mientras el cuerpo de Joan yacía cubierto de moscas, hinchándose y descomponiéndose bajo un calor de 40 grados, por lo que llamó a un médico y a la policía. 

Tres días después del hecho, Ralph Vollmer celebró el funeral de Joan donde aún creía que su mujer resucitaría de entre los muertos. Al no hacerlo, Vollmer se echó a llorar. Una autopsia posterior determinó que la presión ejercida sobre el cuello de Joan Vollmer le había fracturado el cartílago tiroides y le había provocado un infarto. 

Al final, Ralph Vollmer, Leanne Reichenbach, David Klingner y Matthew Nuske enfrentaron los cargos hechos por la policía bajo la tentativa de homicidio a Joan Vollmer. 

Tiempo después, los 4 lideres de la secta se hallaron declarados culpables por homicidio involuntario y/o detención ilegal. Sin embargo Vollmer y Nuske salieron en libertad con penas suspendidas. 

Finalmente, a los meses de regresar a su hogar, Ralph se fue de Amberes y, junto a su nueva y tercer esposa, se mudó a Queensland, y este es el momento en que enlazo con una película que se vendió en España como El exorcismo de Eastfield. 

Esta es una película de terror australiana del año 2023 que fue la ganadora la mejor película de la sesión panorama del festival Sitges, pero con el título de Godless: The Eastfield Exorcism se estrenó en Filipinas en marzo de 2023, antes de tener su estreno mundial en el Overlook Film Festival de 2023 de Luisiana . 

Dirigida por Nick Kozakis, director y editor en Visible Studios, un director galardonado, que dirige proyectos con algunos de los creativos más talentosos de Australia. Se ha convertido rápidamente en uno de los directores emergentes más prometedores de la industria cinematográfica. 

La película fue escrita por Alexander Angliss-Wilson, la película fue producida por Lauren Simpson, Timothy Whiting y Tony Coombs representantes de XYZ Films,Visible Studios, Harvest Pictures Group y Iris Arc Pictures. En el apartado técnico destaca la fotografía de Carl Allison, la música de Dimitri Golovko. Está protagonizada por Georgia Eyers, Dan Ewing, Tim Pocock, Rosie Traynor y Eliza Matengu. 

Con un enfoque de thriller de terror basado en hechos reales es una mirada escalofriante y directa al fanatismo religioso a los exorcismo, donde los seres humanos se convierten en los verdaderos demonios que afrontar.

Lara (Georgia Eyers) es una mujer atormentada que sufre problemas de salud mental (aparentemente bipolaridad) que se manifiestan en visiones y comportamientos extraños. Es una mujer dividida entre la ciencia y la fe que está perdiendo la cordura y su marido de desesperado en busca de una cura al empuja inicial un tratamiento en una congregación de fanático religioso. Este cree que los problemas de su mujer han traspasado los límites de la medicina moderna y de la psiquiatría y busca una solución espiritual como única y última cura. 



La diferencia de otras películas de exorcismo este se centra en las torturas las que se ve sometida a Lara con mala víctima de esta historia, a manos de un hombre que se autoproclama hacia sí mismo exorcista y cuyo esos film acaba como el rosario de la aurora. 

La película que dice basarse en hechos reales señala que los tres impulsores del exorcismo acabaron acusados de homicidio involuntario, aunque ninguno de ellos pasó por presión. En este tipo de actuaciones en las que las víctimas son principalmente mujeres y niños. La historia se basa libremente en el fallido exorcismo de Joan Vollmer en 1993 en Amberes, Victoria. 

Eastfield, Australia profunda, 1994, donde una joven pareja no pasa por sus mejores horas debido a la esquizofrenia paranoide, que la lleva a comportamientos malsanos y aterradores, que sufre ella, Lara, ante la impotencia de su marido. 

Lara (Georgia Eyers) es una chica casada con problemas de salud mental. En vista de que la psicóloga no hace progresos con ella, su esposo, Ron Levonde (Dan Ewing) convencido de que se trata de un problema espiritual, está poseída. Cree que los problemas de su esposa han superado los límites de la medicina moderna y que una solución espiritual es la única forma de curarla. 



El marido decide ponerla en manos de una congregación de fanáticos religiosos, liderados por un loco Daniel James King (Tim Pocock), para ayudarla a purgar su mal de una vez por todas. Ellos son los que aterran e inquietan . Este fervor enfermizo de los fanáticos, el empeño de buscar el mal donde no lo hay y luchar contra un enemigo inexistente, aunque Daniel  como un maníaco y enardecido decide seguir con sus seguidores que vociferan y rezan mientras son incapaces de ver la realidad de la crueldad que infligen a la chica. 

Más tarde, un obstinado detective llamado Chambers comienza a investigar los extraños sucesos (John Wood) ante la denuncia por parte de la psiquiatra de Lara, aunque con el resultado ya conocido. 

El rodaje tuvo lugar en Shire of Hepburn en Victoria, Australia, en noviembre y diciembre de 2021, y se hizo al más puro estilo del cine independiente, la posproducción de "Godless" se realizó íntegramente desde una MacBook Pro compartida por el departamento de posproducción. Según el director, rodaba de día y editaba de noche para asegurarse de capturar todo, ya que no era posible repetir la grabación. 

Esta cinta se rodó en 20 días en la zona rural de Victoria con un presupuesto tan bajo que la mayor parte del dinero se destinó a alojamiento y comida. El equipo, que era de primera línea, tuvo que trabajar en dos empleos para conseguir los fondos necesarios para completar el largometraje. La investigación y el desarrollo de la película se realizaron durante los extensos confinamientos por la COVID-19 en Melbourne, Australia, y la producción comenzó inmediatamente después de la flexibilización de las medidas de confinamiento.

Godless: The Eastfield Exorcism" se centra en la tortura masoquista, rezos y los encantamientos mentales a los que es sometida Lara, la presunta víctima, de forma más o menos realista. Los exorcismos, oraciones y otras condenas contra el supuesto demonio que habita en Lara son llevados a cabo por un hombre que se autodenomina exorcista salvador .

La película premiada en Sitges ha tenido críticas diversas. Natalia Keogan de Filmmaker elogió la actuación de Georgia Eyers y escribió que, "Es interesante ver una película de terror, denunciar ritos religiosos peligrosos en lugar de sensacionalizarlos, y aún más para una que está 'basada en hechos reales' (un caso de 1994) para presentar hechos tangibles en lugar de ocultarlos para crear una narrativa más convincente". 

Para Matthew Monagle de The Playlist "Una escalofriante mirada al extremismo religioso (...) Enhorabuena a los cineastas por hacer una película de terror sobre la religión en la que las personas, y no los monstruos, son el mayor peligro" .

Según Josh Korngut de Dread Central la película "Encuentra una solución única al sensacionalismo del miedo religioso explorando la violencia y las consecuencias de los exorcismos en el mundo real (...)" 

Para Meagan Navarro de Bloody Disgusting la critica se centra en su narrativa como "despojada de todo fuera de su camino hacia la destrucción inducida por el exorcismo" y su diseño de sonido como "exagerado"; dijo que la película era "efectivamente incómoda" pero se refirió a ella como "menos exitosa en sus intentos de infundir una película de terror ficticia con crímenes reales" y concluye diciendo que "Está tan centrada en transmitir su mensaje que se convierte en una experiencia agotadora (...) . 

Pues esta es la historia que quería contar, la de una película incómoda, oscura y cruda, que genera suspense a través del deterioro de la protagonista y la manipulación por parte de la congregación y que se centra en la violencia humana y en la idea de cómo el fanatismo, en lugar de acabar con monstruos o posesiones explícitas,acaba con la gente como vemos en este thriller sobre un caso real de "falso exorcismo".



lunes, 13 de abril de 2026

Revisión de Ironclap2



Revisada por segunda vez esta Ironclad 2 , conocida en español como Templario II: Batalla por la sangre (o Ironclad: Battle for Blood en inglés), sigue siendo una película de acción medieval estrenada en 2014 que funciona como secuela de Ironclad (2011). La película está dirigida por Jonathan English, quien también se dirigió a la primera parte. 

La historia sigue a un superviviente del gran asedio del Castillo de Rochester (de la primera película), quien se une a un grupo de mercenarios para defender el castillo de su familia contra los asaltantes de un clan de escoceses. Se centra en la lucha por la supervivencia y la venganza, manteniendo un tono de cine medieval de acción y ultraviolento. 

Reunidos por el joven Hubert (Tom Rhys Harries), ante la peticiçón de su padre herido consigue reunir a un reducido grupo de espadas a sueldo se reune para buscar venganza por la muerte del hijo de uno de los mercenarios. Guy (Tom Austen) es un joven mercenario cuya alma está atormentada tras las atrocidades que cometió en el pasado en la Batalla del Castillo de Rochester y sus sentimientos por su prima Kate auqnue,a nte todo, la idea es proteger el castillo. Otros personajes incluyen a Michelle Fairley, Roxanne McKee y Danny Webb.

Estamos ante una producción de bajo presupuesto enfocada en combates brutales y el honor en el campo de batalla en el siglo XIII. 

La valoración crítica no puede ser peor.Michael Nordine en el Village Voice afirma que "El coguionista y director Jonathan English aumenta las vísceras y los desnudos a expensas de una narrativa convincente, que no era el punto fuerte del original (si es que lo tenía)". Robert Abele de los Los Angeles Times considera que "La promesa de violencia del título se cumple a rajatabla en sangrientos y sonoros combates cuerpo a cuerpo rodados en Confuse-o-vision, como si la cámara hubiera sido atada a una batidora antes de editar el material con el botón de puré". Guy Lodge en Variety destaca que la película "[Ofrece] suficientes amputaciones, decapitaciones y otros casos de gore con cuchillas oxidadas para distraer a los aficionados al género poco perspicaces atrapados entre temporadas de 'Game of Thrones'" 

Ya en España, algo más generoso con ella se muestra Fausto Fernández que nos dice que es "una pasablemente violenta secuela de la uno, y que sacada para el mercado dvdgráfico, aumentaba la ración de hemoglobina y mutilaciones en detrimento de narrar una historia de la historia".

sábado, 11 de abril de 2026

El padrino III: Coda



El Padrino III (1990)- aquí como El padrino Epílogo: La muerte de Michael Corleone- nos presenta la etapa final de la vida de Michael Corleone, de esta trilogía coppoliana, con guion escrito a media entre el director y Mario Puzo, y con la producción de Fred Roos, enfocándose intensamente en la redención, la culpa y las consecuencias de las acciones pasadas. A diferencia de las primeras entregas, esta película explora la transición del poder criminal a la legitimidad y la carga moral que esto conlleva, aunque eso sí, se centra en el desgaste emocional y moral de un hombre que, habiendo alcanzado todo el poder, y sabiendo que «El hombre más rico es el que tiene los amigos más poderosos», se da cuenta de la imposibilidad de escapar de su pasado, enfrentándose a la soledad y la pérdida. Esa última imagen con un Michael envejecido y solo, casi abandonado es la desolación absoluta. 

La versión que he visto es del año 2020 y es un film restaurado, mejorando su calidad de imagen y sonido y que incluye el principio del mente me traje un mensaje del director ( en inglés con subtítulos en español) presentando la película, y qué televisión española decidió cepillársela. Nunca es cierto que al final aparece escrito que " cuando los sicilianos te desean Cent'anni quieren decir larga vida... Y un siciliano nunca olvida". 

Comentada la película hace años, bajo el título de Siete horas y media, aunque aquí presentada como un montaje realizado por el director, esta viene a ser la composición final de la mítica, el Padrino épico, que Francis Ford Coppola quiso presentarnos de una forma casi cronológica. Eso sí la carga de valores en esta película que, como decía, en mi publicación hace ya muchos años, vuelve a centrarse en la condición humana se centra en la búsqueda de la redención y la expiación que se hace notable desde el inicio de la película cuando Michael Corleone intenta limpiar el nombre de su familia y legitimar sus negocios, buscando el perdón por sus pecados pasados, aunque sea comprando Immobiliare y descubriendo que "mientras más se sube, más corrupción encuentra". 



También a lo largo de todo el recorrido visual está presente la culpa y el remordimiento, ya que a diferencia de su etapa anterior, Michael vive con el peso de sus decisiones, sintiendo culpa por la muerte de su hermano Fredo y la ruptura de su familia como confiesa al cardenal. 



Eso sí, para Michael la familia sigue siendo el pilar de su vida, ha de ser su legado y, por lo tanto, responsabilidad si tiene algo de poder es para protegerla encontrar un sucesor adecuado para alejarla del crimen, algo que consigue con Vicent, el hijo de su sobrino que será capaz de renunciar al amor por el poder tal y comno confiesa a su prima amada "Hay cosas que quiero hacer en las que tú no puedes participar. No culpes a tu padre. Fue mi decisión. No odies a tu padre. Quiero ser parte de algo en lo que tú no tienes cabida. Después de esta noche, no nos volveremos a ver".  



No obstante, todo lo que que hace se transforma en dolor. En la película vemos que el amor filial (por su hija Mary y su hijo Anthony) es lo que le convierte en un hombre vulnerable que llega a confesar a su hija que "ardería en el infierno con tal de mantenerte a salvo", algo que no puede, como vemos en la sobrecogedora escena final de la gran tragedia de corte teatral a las puertas de la Ópera de Palermo con el mayor grito silencioso de la historia del cine. Y como siempre en toda la obra épica del Padrino la película, en este caso, crepuscular explora la corrupción en las altas esferas, incluyendo el Vaticano, contrastando la aparente respetabilidad con la verdadera criminalidad, una vez transformada la ambición en culpa y dolor y el poder en soledad.

viernes, 10 de abril de 2026

Breve encuentro



Hacía más de treinta años que no veía Breve encuentro, una película clásica del cine romántico británico del año 1945 y dirigido por el gran David Lean. Fue allá por 1995 cuando con ella empezó el segundo año de un curso titulado Análisis Textual de la Imagen que se complementó con La Edad de la Inocencia (1993) de Martin Scorsese. A lo largo de esos meses que duró el curso intercalamos estas dos historias narradas por dos de los grandes y que, evidentemente , tienen muchos elementos en común. 

La película es un ejercicio brillante para narrarnos una historia de amor que hace que la casualidad una a un hombre y una mujer, ambos de edad madura y casados, mientras coinciden en una estación de ferrocarril que utilizan para dirigirse a los respectivos lugares donde residen. Poco a poco entablan una amistad que se irá convirtiendo en amor. 

Pocas veces el uso de la música ha sido tan brillante con este Concierto número 2 para Piano de Rachmaninov o Rajmáninov, y que hace de esta historia, una historia vibrante llena de imágenes impactantes como esa mirada de una mujer enamorada por la ventana en la que vemos su reflejo y además vemos su sueño y medio.

El Concierto para Piano n.º 2 en do menor, Op. 18, de Serguéi Rajmáninov (1901) fue compuesto tras un periodo de depresión severa y bloqueo creativo (provocado por el fracaso de su Primera Sinfonía), este concierto supuso el regreso triunfal de Rajmáninov. La obra, dedicada al Dr. Nikolai Dahl (quien utilizó hipnoterapia para ayudarle), simboliza el renacer emocional y profesional del músico. En una época en la que la música clásica se movía hacia el modernismo (Stravinsky, Schoenberg), Rajmáninov consolidó con esta obra el romanticismo tardío ruso, caracterizado por melodías líricas y extensas, una profunda carga emocional y una gran riqueza armónica. Está considerado uno de los mejores conciertos para piano jamás escritos. Su éxito fue tal que estableció a Rajmáninov como un compositor de renombre internacional, no solo como un virtuoso del piano. A diferencia de conciertos anteriores donde el piano domina, Rajmáninov logró un equilibrio donde el piano se funde con la orquesta, convirtiéndose en un ingrediente textural más, al mismo tiempo que mantiene momentos de virtuosismo puro. El segundo movimiento, en particular, es icónico y ha sido utilizado en numerosas bandas sonoras (como Breve encuentro, 1945). El Concierto No. 2 se mantiene hoy en día como una de las piezas más interpretadas y amadas en todo el mundo y fue elegida por el director de la película David Lean, que participó igualmente en el guion de la película junto a Noël Coward,  Anthony Havelock-Allan  y Ronald Neame basándose en la obra de teatro que llevaba por título Still Life  que viene a significar Naturaleza Muerta de 1936.

La película fue producida por Cineguild contando como productores a Noël Coward , Anthony Havelock-Allan y Ronald Neame tuvo un presupuesto de alrededor de un millón de dólares.  Fue distribuida la película por Eagle-Lion Distributors , la mítica E-L.

La película fue un vehículo para Trevor Howard, Celia Johnson, Stanley Holloway,  Joyce Carey y Cyril Raymond.  Junto a ellos participan Everley Gregg y Margaret Barton. En labores técnicas nos encontramos con la fotografía de Robert Krasker, el montaje de Jack Harris y la música de Sergei Rachmaninoff - que también así se puede escribir-.  

Breve encuentro narra la historia de dos desconocidos casados ​​que viven en la Inglaterra anterior a la Segunda Guerra Mundial. Su encuentro casual en una estación de tren da lugar a un breve pero intenso romance que trastorna sus vidas, por lo demás convencionales.

La historia comienza en la sala de descanso de un bar de una estación de tren, un hombre, Alec (Trevor Howard)  y una mujer, Laura ( Celia Johnson) están sentados con semblante sombrío en una mesa. Tras algún comentario en la barra del bar entre la propietaria y el encargado de la estación, al espacio entra una amiga de la mujer y enseguida empieza a charlar animadamente. Ambos, Alec y Laura, se miran molestos, pero Laura por educación le da una conversación que no desea.




Tras unos breves saludos, Alec, tras pedir un té para la señora, se marcha para coger su tren no sin antes colocar su mano sobre el hombro de ella. La mujer le explica que Alec es doctor y está a punto de mudarse a África. Después de que el hombre se vaya, la mujer desaparece repentinamente, pero pronto regresa, explicando que quería ver pasar el tren expreso. Eso sí, retorna con un semblante de agotamiento, agitada.

Tras un breve intervalo, las dos mujeres se dirigen a su propio tren. En casa, Laura Jesson, la mujer de la mesa, está sentada en el salón con su marido, Fred (Cyrill Raymond) . Laura reflexiona en silencio sobre sus experiencias recientes, que le cuenta a su marido a modo de confesión. 

En esa confesión silenciosa quedamos informados de que Laura visita Milford todas las semanas para ir de compras y ver una película por la tarde. En una de esas salidas conoce al idealista doctor Alec Harvey, que trabaja en el hospital local los jueves. Alec la conquista al extraerle con delicadeza una mota de polvo del ojo. 



Laura sigue visitando Milford los jueves. La semana siguiente, se encuentra con Alec en la farmacia. La semana después, almuerzan juntos y ven una película. Aunque ambos están casados ​​y tienen hijos, su relación inocente y casual comienza a profundizarse sobre todo cuando ella descubra en él a un hombre idealista y de principios. 




La situación los incomoda, aunque admiten que se aman cosas que evidencian en sus salidas al exterior al campo, al lago o sobre el viejo puente de piedra.

Laura y Alec siguen viéndose en público hasta que, inesperadamente, se topan con algunas amigas de Laura, lo que da pie al primero de muchos malentendidos. 

Finalmente, acuerdan hacer el amor en el apartamento de Stephen, amigo de Alec, que tenía planes para cenar. Sin embargo, Stephen regresa inesperadamente. Stephen oye a Laura escabullirse y sutilmente reprende a Alec por su infidelidad. 

Una angustiada Laura vaga por las calles durante tres horas hasta que un policía preocupado la insta a volver a casa. 

En la estación de tren, Laura y Alec admiten que su relación es inviable. Por el bien de su familia, Alec decide terminar su relación con Laura aceptando un trabajo en Johannesburgo que le ofrece su hermano que sabe que van a abrir allí un hospital. 

La semana siguiente, Laura y Alec tienen su último encuentro en la cafetería de la estación de tren, como se mostró en la escena inicial. Mientras se preparan para despedirse definitivamente, Dolly Messiter, conocida de Laura, los interrumpe, ajena a su angustia. 

El tren de Alec llega antes de que puedan despedirse como es debido. Al marcharse, él le da un discreto apretón en el hombro a Laura. Laura, abrumada por la emoción, casi se suicida arrojándose a las vías del tren. Sin embargo, se recompone y regresa a casa con su familia. 

En casa, Fred percibe la distancia emocional de Laura, aunque desconoce la causa. Le agradece que haya vuelto y ella llora en sus brazos acabando , entre lágrimas, la película mientras suenas las notas del piano de Rachmaninov. 

Una subtrama paralela se centra en las interacciones del personal de la estación y del bar. Dos de los empleados coquetean entre sí, pero no pueden mostrarse cariñosos en público durante el horario laboral, lo que contrasta irónicamente con la facilidad con la que Laura y Alec pueden verse abiertamente, pero su incapacidad para tener una relación fuera del trabajo. 

Breve encuentro se basa en la obra de un acto de Noël Coward, Naturaleza muerta (1936), una de las diez obras cortas del ciclo Esta noche a las 8:30, diseñada para Gertrude Lawrence y el propio Coward, para ser representadas en varias combinaciones como programas triples. Todas las escenas de Naturaleza muerta se desarrollan en la sala de refrescos de la ficticia estación de tren de Milford Junction. 

Como es común en las películas adaptadas de obras de teatro, la película incluye escenarios que solo se mencionan en la obra, como el apartamento del Dr. Lynn, la casa de Laura, un cine, un restaurante y una sucursal de Boots the Chemist. 

Se añadieron varias escenas para la película, incluyendo una escena en un lago donde el Dr. Harvey se moja los pies, Laura vagando sola en la oscuridad y fumando en un banco del parque donde es abordada por un oficial de policía, y un paseo por el campo en un coche alquilado. 

Algunas escenas se modificaron para que fueran menos ambiguas y más dramáticas en la adaptación cinematográfica. La escena en la que los amantes están a punto de cometer adulterio se suavizó. En la obra de teatro, se deja al público la decisión de si consuman su relación, mientras que en la película, no lo hacen. 

En la película, Laura acaba de llegar al apartamento de la Dr. Lynn cuando regresa el propietario, lo que provoca que el Dr. Harvey la acompañe rápidamente a la salida por la puerta de servicio de la cocina. Además, cuando Laura contempla el suicidio arrojándose a las vías del tren, la película deja más clara su intención mediante una narración en off. 

En la obra de teatro, los personajes de la estación de Milford —la Sra. Bagot, el Sr. Godby, Beryl y Stanley— son conscientes de la creciente relación entre Laura y Alec y la mencionan ocasionalmente de forma casual. En la película, estos personajes apenas prestan atención a la pareja. 

La escena final de la película, en la que Laura abraza a su marido después de que este reconozca su distanciamiento emocional y posiblemente sospeche la causa, no aparece en la obra de teatro original.  Existen dos ediciones del guion original de Coward para la adaptación cinematográfica.

Gran parte de la película se rodó en la estación de tren de Carnforth, en Lancashire, que por aquel entonces era un importante nudo ferroviario de la London, Midland and Scottish Railway. Aunque era una estación concurrida, estaba lo suficientemente lejos de las grandes ciudades como para evitar el apagón durante el rodaje, lo que permitió filmar a principios de 1945, antes de que terminara la Segunda Guerra Mundial. 

En dos momentos de la película, los letreros de los andenes indican destinos locales como Leeds, Bradford, Morecambe y Lancaster, aunque Milford se sitúa en los condados cercanos a Londres. Noël Coward fue el encargado de los anuncios de la estación en la película. La cafetería de la estación se recreó en un estudio. La estación de Carnforth conserva muchos de los elementos de la época del rodaje y se ha convertido en un lugar de peregrinación para los fans de la película.

Algunas de las escenas urbanas se rodaron en Londres, Denham y Beaconsfield, cerca de los estudios Denham. El puente rural que los amantes visitan dos veces, incluyendo su último día, es el puente Middle Fell en Dungeon Ghyll, Cumbria.

El poema con el que Fred le pide ayuda a Laura para su crucigrama es de John Keats: «Cuando temo dejar de existir». La cita que Fred recita es: «Cuando contemplo, sobre el rostro estrellado de la noche, enormes símbolos nubosos de un romance sublime». Además de la referencia a Keats, hay una alusión visual a un poema de amor árabe.

En cuanto al elenco decir que la primera opción para el papel de Alec Harvey fue Roger Livesey, pero David Lean eligió a Trevor Howard después de verlo en El camino a las estrellas. Para el papel de Laura, David Lean y Noël Coward querían que Celia Johnson interpretara el papel de Laura Jesson, y eso que Johnson odiaba hacer películas, pero después de que Coward le leyera el guion en octubre de 1944, supo que tenía que interpretar el papel.

Originalmente, Joyce Barbour había sido elegida para el papel de Dolly, pero Lean no quedó satisfecho con su actuación y fue reemplazada por Everley Gregg. 

Fragmentos del Concierto para piano n.° 2 de Sergei Rachmaninoff se repiten a lo largo de la película, interpretados por la Orquesta Sinfónica Nacional bajo la dirección de Muir Mathieson, con Eileen Joyce como pianista. Además, hay una escena en un salón de té donde una orquesta de salón toca la Danza española n.° 5 (Bolero) de Moritz Moszkowski. 

La película se estrenó en Londres el 13 de noviembre de 1945, seguida de su estreno general en noviembre de ese año. 

Recibió una gran aclamación de la crítica, con las interpretaciones de Johnson y Howard recibiendo grandes elogios, y un éxito comercial moderado en taquilla. Breve encuentro recibió tres nominaciones en la 19.ª edición de los Premios Óscar: Mejor Director (David Lean), Mejor Actriz (celia Johnson) y Mejor Guion Adaptado (Anthony Havelock-Allan, David Lean, Ronald Neame). 


La película fue una de las once ganadoras del Gran Premio en el Festival de Cannes de 1946 a la mejor película y obtuvo el FIPRESCI, y Johnson recibió el Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York a la Mejor Actriz (Celia Johnson), estando nominada a las mejores película del año por la National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos).

Muchos críticos, historiadores y académicos consideran Breve Encuentro una de las mejores películas de todos los tiempos. En 1999, el Instituto Británico de Cine la clasificó como la segunda mejor película británica de la historia. En 2017, una encuesta de Time Out realizada a 150 actores, directores, guionistas, productores y críticos la situó como la duodécima mejor película británica de todos los tiempos. 

Breve encuentro recibió elogios generalizados de la crítica, y las actuaciones de Johnson y Howard fueron muy alabadas; aunque existían dudas sobre su popularidad general. 

Tuvo un éxito moderado en el Reino Unido y se convirtió en un gran éxito en Estados Unidos, lo que le valió a Johnson la nominación al Premio Óscar a la Mejor Actriz. 

En su país, la crítica fue positiva de inicio a fin. David Thomson del The Guardian escribe sonbre ella diciendo que "Está tan bien hecha (...) La narración con voz en off de Laura es verdaderamente angustiosa y onírica (...) La música nos embauca a todos (...) Celia Johnson y Trevor Howard están perfectos" 

Tom Dawson de la BBC dijo sobre ella que era "Un retrato emotivo de cómo las convenciones sociales pueden romper los sueños individuales de felicidad (...) La visión que tiene 'Brief Encounter' del amor prohibido perdura (…) 

David Parkinson de Radio Times sostuvo que "Una de las mejores películas hechas en Gran Bretaña (...) Lo que hace que el amor ilícito entre el doctor Trevor Howard y la ama de casa Celia Johnson sea tan memorable es su auténtica cotidianidad (…) 

Tom Huddleston de Time Out recientemente ha escrito que se trata de "Una de las películas más emocionalmente devastadoras de todos los tiempos (...) 'Brief Encounter' es mucho más que una simple historia de dos amantes (…)" 



En Empire, Caroline Westbrook considera que "Su valor reside por encima de todo en su descripción realista de la vida provincial de la clase media inglesa (...) Celia Johnson está innegablemente conmovedora (…)" 

En los Estados Unidos los elogios fueron continuos. La revista Variety elogió la película, afirmando: «El nombre de Coward y una historia sólida auguran buenas posibilidades en Estados Unidos». 

La crítica del New York Times firmada por Bosley Crowther fue favorable: "De todas las ofertas recientes en los cines, es sin duda una de las mejores. Y eso se debe a que hace algo que muy pocas de nuestras películas logran: cuenta una historia humana creíble de una manera directa y verosímil. Es una historia mínima y delicada... y el romance es de lo más simple: solo un par de encuentros inofensivos en los que los dos almuerzan juntos, van al cine y dan un modesto paseo por el campo. Es solo un encuentro tentativo en el apartamento de un amigo ausente (que casualmente regresa a casa antes de tiempo) lo que les hace ver la imposibilidad del amor y los obliga a la separación final (que inicia la narración en forma de flashback)... De hecho, es en la decencia y la evidente futilidad de su amor, rodeado por todas las convenciones de la sociedad y la vida doméstica, donde reside el corazón del drama. Porque la pequeña historia del Sr. Coward simplemente dice que nuestras vidas monótonas están gobernadas principalmente por... lealtades; solo nos rendimos de vez en cuando a sueños imposibles. 

Michael Mirasol en la prestigiosa web de cine rogerebert.com señala que "La decisión de grabar en una estación de tren es una jugada maestra (...) Es valiente, sincera e increíblemente romántica." 

El Chicago Tribune coincidió: «Una elegía a un amor perdido, "Breve encuentro" es una película artística y sensible de gran calidad. Por su sencillez y falta de artificios, la historia posee un realismo profundamente conmovedor… Celia Johnson convierte a su Laura en un personaje encantador, y el Dr. Harvey, interpretado por Trevor Howard, es igualmente carismático. Ninguno de los dos es particularmente atractivo, lo que realza el atractivo y la verosimilitud de esta triste historia. Son personas comunes y corrientes, viviendo una historia muy antigua, pero tienen carácter y conciencia, y no los olvidarás fácilmente».

También desde Illinois Don Druker en las páginas del Chicago Reader nos destaca que la película "Sobrevive más como documento social que como un drama genuinamente convincente". 

Mike D'Angelo en AV Club consideramos que estamos ante "[Una] obra maestra de restricción y represión británicas (...) La experiencia de acercarte sin querer a alguien que amenaza con destruir tu vida no se ha desarrollado de forma tan exquisita nunca, en toda su pena y su gloria." 

Clayton Dillard de Slant piensa que "['Brief Encounter'] complica el bienestar de Laura transformando sus ansiedades en las de todo el Reino Unido (…) 

En la película, la narración de Laura deja claro que lo que finalmente la frena no es simplemente la convención social, sino un profundo horror ante la idea de traicionar a su marido y a sus propios principios morales, a pesar de la fuerte tentación emocional. La tensión entre el deseo y el deber es fundamental para la historia y ayuda a explicar el atractivo perdurable de la película. Estas convenciones morales eran ampliamente compartidas en la época en que se ambienta la película. Por ejemplo, el estigma asociado al divorcio influyó en la abdicación de Eduardo VIII en 1936. Adaptar la historia a un contexto mucho más moderno habría conllevado el riesgo de que esos valores quedaran obsoletos, socavando así la verosimilitud de la trama, lo que podría explicar el fracaso del remake de 1974.[32] 

Estrenada en el contexto de la Segunda Guerra Mundial, cuando las relaciones pasajeras eran comunes y las mujeres gozaban de mayor libertad sexual y económica, la película reflejaba las inquietudes de la época. 

En British National Cinema (1997), Sarah Street sostiene que Breve encuentro «articulaba una gama de sentimientos sobre la infidelidad que invitaban a una fácil identificación, ya fuera con el marido, el amante, los hijos o la patria» (p. 55). En este contexto, algunas críticas feministas han interpretado la película como un intento de estabilizar las relaciones y restaurar el orden social de antes de la guerra.

Richard Dyer, en su estudio de 1993 para el BFI sobre la película, señala que, con el auge de la reforma de la ley sobre la homosexualidad, los hombres homosexuales se identificaron con la difícil situación de los personajes, viéndola como análoga a sus propias limitaciones sociales para formar y mantener relaciones. 

Sean O'Connor ha descrito la película como una "representación alegórica del amor prohibido", una interpretación que vincula con la experiencia de Coward como hombre gay que ocultaba su orientación sexual.
Por mi parte decir que la película responde a su contexto histórico , se rodó en los momentos finales de la participación inglesa en la Segunda Guerra Mundial, y se estrenó en noviemnbre de 1945. Dirigida por David Lean, es una obra maestra que retrata el amor imposible en la Inglaterra de posguerra, destacando valores éticos y sociales propios de la clase media británica de la época en la que la abnegación y el deber moral prevlecen sobre el deseo amoroso. Como se dice en un m momento de la película "No sabia que a alguien tan corriente podia sucederle algo tan intenso..." " . 

Por lo pronto hay en todo momento en la película un elevado sentido del deber y de la responsabilidad. Por encima de sus propios deseos, los protagonistas, Laura y Alec, priorizan sus compromisos familiares (matrimonios y sus hijos), demostrando abnegación y responsabilidad. A esto se suma un aspecto que hoy no tendría ninguno valor como la decencia y la moderación, ensalzando la película aspectos como la contención emocional y la "decencia" victoriana/posguerra, donde el autocontrol prima sobre la pasión desenfrenada. 

Otro aspecto a tener presente es la contención ligada a la lealtad, ya que a pesar de la intensa atracción, la lealtad hacia sus cónyuges termina imponiéndose, renunciando a su amor para evitar la destrucción de sus hogares. Todo esto lleva a la renuncia y el sacrificio siendo esto honorable que enfrentarse a un amor imposible. por otro lado, está presente el tema de la dignidad en la derrota ya que ambos personajes deciden separar sus caminos antes de que su relación cause un daño irreparable, aceptando la tristeza con dignidad incluso la separación extrema que lleva a uno a Johannesburgo y a ella a su familia, lo que supone ante todo una honestidad emocional en la que aunque ambos se reprimen, son honestos consigo mismos y con el otro sobre la imposibilidad de su relación, enfrentando la dura realidad sin engañarse. Bella y emotiva y dura película enmarcada en la sensibilidad y lo valores de la sociedad británica de postguerra que siempre me remitirá al pianista y compositor, Rachmanninov, se escriba como se escriba.