La linea de extinción

En ocasiones tienes que ver cine palomitero para pasar un rato. Esta es una de ellas ya que La línea de extinción, que tenía como título oficial en inglés Elevation es una película adecuada. Este filme estadounidense de acción y suspense postapocalíptica fue dirigida por George Nolfi y escrita por Kenny Ryan y Jacob Roman. La película está producida por Brad Fuller, John Patrick Glenn, George Nolfi, Joel Viertel, Jeremy Kipp Walker, Natalie Sellers, Alexander Black y Anthony Mackie para Lirical Media, Grinder Monkey, Inspire Entertainment, King's Ransom Media, Story Ink y John Glenn Entertainment manejando un presupuesto de $18 millones. La película cuenta con la música de H. Scott Salinas, la fotografía de Shelly Johnson y el montaje de Joel Viertel. Está protagonizada por Anthony Mackie como Will,Morena Baccarin como Nina y Maddie Hasson como Katye. 

La historia se inicia con una breve introducción en relación al presente. Tres años antes de los acontecimientos de la película, unos misteriosos depredadores alfa llamados Reapers o Segadores emergieron de sumideros subterráneos y comenzaron a exterminar a la humanidad, con un 95 % de la población muerta en el primer mes. 

Los supervivientes viven en comunidades aisladas a 2400 metros o más sobre el nivel del mar, altitudes a las que estas criaturas no se aventuran. 

Tras eso descubrimos que la historia trascurre en un refugio, el  Lost Gulch en Front Range, Colorado. Allí vive Will (Anthony Mackie  ) , un viudo, junto a su hijo Hunter (Danny Boyd, Jr ), quien padece una enfermedad pulmonar. 

Will está atormentado por la muerte de su esposa Tara a manos de los Segadores durante una expedición con Nina, una científica, para descubrir las debilidades de estos seres. 

Tras meses de aislamiento, Hunter se frustra al ver que las comunidades vecinas ahorran electricidad apagando las radios y comunicándose con banderas. 

Will se da cuenta de que se están quedando sin filtros de oxígeno para Hunter. A pesar de las advertencias de Nina sobre ir a Boulder, Colorado, a buscar más filtros, Will la convence para que lo acompañe a su antiguo laboratorio y encuentren la manera de acabar con los Segadores. 

La amiga de Will, Katie, se une a ellos, y entran en el Camino de Elba que los lleva a una mina por debajo de la línea de seguridad. Nina tiene un dispositivo de brújula que ella misma inventó y que puede detectar a un Segador cercano debido a sus altos pulsos bioelectromagnéticos . Recogen provisiones por el camino, incluyendo un lanzagranadas, y siguen el camino que los lleva a una antigua estación de esquí. Un Segador los ve, pero Will enciende en el último momento  los generadores de respaldo del telesilla , lo que permite al grupo escapar por poco del Segador que está por encima de la línea de seguridad. 

Descansan en el antiguo refugio, donde Nina explica que los Segadores no comen ni duermen, teorizando que no son criaturas biológicas. 

A la mañana siguiente, el grupo llega a un antiguo túnel minero que Will conoce de su época como minero; sin embargo, los niveles inferiores de la mina descienden por debajo de la línea de seguridad, y si entran, la brújula de Nina no les avisará de la presencia de los Segadores, ya que no funciona bajo tierra. 

Al entrar en la mina, descubren que el nivel superior a la línea de seguridad fue sellado con soldadura durante la invasión inicial, lo que los obliga a descender a los niveles inferiores. Un Segador ataca entonces al grupo, y sus tentáculos arrastran a Katie hasta la muerte. 

Nina y Will logran escapar y regresar a la superficie, por encima de la línea de seguridad. Nina quiere volver a su laboratorio por su reserva de óxido de magnesio, hipotetizando que las impenetrables escamas del Segador producen mecanismos de defensa magnéticos y que si una de las balas está impregnada con un mineral de magnesio, penetrará y matará a la criatura por combustión interna. 

Se dirigen a Boulder y logran encontrar filtros de oxígeno en un hospital abandonado. Un Segador los ataca, pero Will dispara a los tanques de oxígeno para detenerlo, dándoles tiempo suficiente para escapar. Will quiere volver con su hijo, pero Nina lo convence de que la ayude a regresar a su antiguo laboratorio en el Departamento de Energía de los Estados Unidos . Will se entera de que Nina perdió a su familia en un ataque de Segadores mientras estaba en el trabajo. 

Nina deja que Will vuelva con su hijo mientras ella investiga cómo matar a las criaturas. Mientras experimenta impregnando balas con una mezcla de cobalto y magnesio , un Segador la ataca. 

Will se marcha en una camioneta, pero sufre un accidente debido a un reventón de neumático, lo que lo obliga a correr hacia la línea de seguridad mientras es perseguido por tres Segadores. Los Segadores lo acorralan, pero Nina llega justo a tiempo. Su exitoso experimento le permitió matar al Segador que la atacó en el laboratorio, y los elimina con sus balas impregnadas de cobalto y magnesio, provocando que exploten por combustión interna al impactar. Se dan cuenta de que los Segadores no son seres biológicos, sino máquinas construidas con tecnología alienígena avanzada, lo que demuestra que la teoría de Nina era correcta. 

Regresan a Lost Gulch y Will se reúne con Hunter. Nina iza una bandera pirata para las comunidades cercanas en las Montañas Rocosas, indicando que un Segador ha sido abatido. 

Las comunidades reanudan el contacto por radio y comienzan a armarse con balas recubiertas de cobalto y magnesio para luchar contra los Segadores. 

Tiempo después, Nina observa a través de un telescopio con Will a su lado cómo tres meteoritos verdosos entran en órbita. 

Elevation se estrenó en Estados Unidos el 8 de noviembre de 2024, pero fue un fracaso absoluto alcanzando en taquilla $3,6 millones. Mejor recorrido ha tenido en plataformas trelevisivas, siendo esa una de las razones para verla. 

La historia de esta película se remonta a octubre de 2022, cuando se anunció que una película de acción y suspense postapocalíptica titulada Elevation estaba en desarrollo, con George Nolfi contratado para dirigir y Kenny Ryan y Jacob Roman escribiendo el guion. Anthony Mackie , Morena Baccarin y Maddie Hasson iban a protagonizarla. 

El rodaje comenzó en noviembre de 2022 en Colorado , y terminó a finales de marzo de 2023. Partes de la película se filmaron en Copper Mountain . 

En cuanto a las críticas, digamos que son mayoritariamente mixtas. Natalia Winkelman del The New York Times señaló que "'Elevation' se distingue no por sus innovaciones formales o narrativas -no tiene nada nuevo que ofrecer-, sino por las angustias y actitudes que transmite" 

Zachary Lee, de la web RogerEbert.com, escribió: «Así pues, aunque Elevation quizás nunca supere las limitaciones de su género ni escape de la sombra de sus influencias, nunca cae tan bajo como para ser insustancial. Con una ejecución sencilla de noventa minutos, es un escapismo de primer orden, que ofrece peligros a la distancia segura de la pantalla» 

Shawn Van Horn de Collider dijo de ella que "Es perezosa y poco inspirada, pero si hay algo a lo que aferrarse es que Anthony Mackie se ha convertido en un protagonista tan genial que puede tomar el material más soso y hacerlo, al menos, disfrutable" 

Dennis Harvey de Variety consideró que "Está lo suficientemente pulida y emocionante como para hacer de su familiaridad una virtud, al menos durante una entretenida hora y media." 

Bob Strauss de San Francisco Chronicle señaló que "Aun siendo estándar y floja a veces, 'Elevation' mantiene el interés" ; mientras que Brianna Zigler de AV Club consideró que "No es una gran película de monstruos" 

En Gran Bretaña Phil Hoad del The Guardian dijo de ella que "El thriller de monstruos en las alturas ofrece una vuelta de tuerca a la fórmula de 'A Quiet Place' (...)" Y en Radio Times, Jayne Nelson, escribió que "Mackie y Baccarin están totalmente comprometidos, Colorado tiene un aspecto magnífico y no se puede negar que luchar contra bichos gigantes mola (...) " 

Ya en España, Juanma González en Cinemanía consideró que estabamos ante "Un trabajo suficiente en lo técnico pero derivativo y soso en lo todo lo demás. (...) apenas puede camuflar su uniformidad y ausencia de personalidad de obra que únicamente aspira a fondo de catálogo. (...) " 

Roger Salvans de Fotogramas dijo de ella que "Es evidente que aspira a ser algo más que una serie B, pero termina siendo lastrada por sus efectos visuales y un clímax que podría ser más explosivo. Un entretenimiento con nervio puntual que no acaba de elevarse. (...)

Poco más que decir de este filme que es un thriller postapocalíptico de ciencia ficción con una premisa llamativa , esa limitación en altura ya que no pueden subir a más de 8 000 pies (unos 2400 metros) de altitud , pero una ejecución calificada de irregular y derivativa. Recuerda fuertemente a propuestas ya vistas como las dos entregas de A Quiet Place (Un lugar tranquilo), pero con menor tensión y un ritmo que a menudo se vuelve plano. Es para pasar el rato, sin más.

La batalla de Oslo

Con el título de Blücher co ienza el título de esta película bélica noruega que se centra en un episodio para mi desconocido de la Segunda Guerra Mundial en el área escandinava. Se trata de una película del año 2025 que se basa en hechos reales que tienen que ver con el hundimiento del Blücher, el segundo de los cinco cruceros pesados clase Admiral Hipper de la Kriegsmarine (la «Armada de Guerra» de la Alemania nazi), construidos tras el ascenso del Partido Naziy la revocación del Tratado de Versalles. 

Bautizado en honor a Gebhard Leberecht von Blücher, el vencedor prusiano de la batalla de Waterloo, su construcción comenzó en agosto de 1935 y fue botado en junio de 1937. Su construcción finalizó en septiembre de 1939, poco después del estallido de la Segunda Guerra Mundial. Después de completar una serie depruebas en el mar y ejercicios de entrenamiento, el buque fue declarado listo para entrar en servicio con la flota el 5 de abril de 1940. 

Estaba armado con una batería principal de ocho 203mm (8 pulgadas)y, aunque nominalmente estaba por debajo del de 10.000 toneladas largas (10.160t) establecido por el Acuerdo Naval Anglo-Alemán, en realidad desplazabamás de 16.000 toneladas largas (16.260t).  Inmediatamente después de entrar en servicio, el Blücher fue asignado a la fuerza de tarea que apoyó la invasión de Noruega en abril de 1940. 

El Blücher sirvió como buque insignia del Contralmirante Oskar Kummetz , comandante del Grupo 5, y era el barco que lideró la flotilla de buques de guerra hacia el fiordo de Oslo la noche del 8 de abril, para tomar Oslo , la capital de Noruega. 

Lo cierto es que dos antiguos cañones costeros de 28 cm (11 pulgadas) en la Fortaleza de Oscarsborg atacaron al barco a muy corta distancia, logrando dos impactos, al igual que varios cañones más pequeños en otras baterías. Dos torpedos disparados por una batería de torpedos en la fortaleza impactaron al barco, causando graves daños. Se desató un gran incendio a bordo del Blücher , que no pudo ser contenido. El fuego se propagó a uno de sus depósitos de municiones antiaéreas, causando una gran explosión, y luego se extendió a los depósitos de combustible del barco. El Blücher entonces zozobró y se hundió con una gran pérdida de vidas. 

Los restos del naufragio yacen en el fondo del fiordo de Oslo, y en 2016 fueron declarados monumento conmemorativo de guerra para protegerlos de los saqueadores. Se han recuperado varios objetos del pecio, entre ellos uno de sus hidroaviones Arado 196 , que fue hallado durante una operación para extraer el fueloil que se estaba derramando del barco en 1994. 

Pues de todo esto va la película noruega del año 2025 que dirigida por Daniel Fahre y siguiendo el guion de Axel Hellstenius, Melike Leblebicioglu. La película cuenta con la música de Johannes Ringen, la fotografía de Torfinn Rønning Sanderud y fue producida por Tom Marius Kittilsen y Knut Inge Solbu para la Fenomen Studios AS. 

Con un reparto liderado por Bjørn Sundquist y dirigida por Daniel Fahre, esta impactante película bélica noruega basada en hechos reales revive uno de los momentos más cruciales de la Segunda Guerra Mundial. 

La trama gira en torno al coronel Birger Eriksen (Bjørn Sundquist) jefe de la fortaleza de Oscarsborg, quien, enfrentando la invasión alemana el 9 de abril de 1940, toma una decisión histórica desde la Fortaleza de Oscarsborg sita en el estrecho de Drøbak, que cambiará el destino de Noruega al hundir el crucero alemán *Blücher*. 

La película alterna entre los intensos eventos de Oscarsborg en los que estaban presentes entre otros la hija del protagonista , Borghild Eriksen (Andrea Berntzen ) así como otros un no combatientes, y los procedimientos pasados por alto de 1946, donde Eriksen es convocado para justificar sus acciones ante una investigación militar por parte de la Comisión Militar de Investigación de 1946. 

La película comienza en 1946 con la declaración de Eriksen ante la comisión. Y en la misma se recrea como comenzó todo. Eriksen rememora que todo comenzó cuando el Blücher que había zarpado rumbo a Noruega, y que era el buque insignia de la fuerza que debía tomar Oslo, la capital noruega, el llamado Grupo 5 de la fuerza de invasión. En esa acción iba acompañado por el crucero pesado Lützow (el antiguo Deutschland ), el crucero ligero Emden y varias escoltas menores. 

Antes de entrar en la zona, los británicos, por medio del submarino Triton habían , a pesar de la niebla de la zona, habían avistado el convoy que navegaba por el Kattegat y el Skagerrak y disparó una salva de torpedos; sin embargo, los alemanes los esquivaron y continuaron con la misión. 

Era la noche del 9 de abril de 1940, el coronel Birger Eriksen, comandante de la fortaleza de Oscarsborg, tomó una difícil decisión que marcaría la historia de su país. 

Con Noruega sitiada por las fuerzas alemanas, y siendo consciente de tener pocos efectivos y no contar con órdenes claras, Eriksen decide atacar a los buques de guerra que se acercan a Oslo. 

Eriksen va narrando las órdenes que irá dando a los suyos. Comenzando con el Capitán Magnus Sødem (Eldar Skar ) , comandante de la batería principal y su segundo, el teniente August Bonsak (Fridtjov Såheim) , así como al comandante de grado superior Andreas Anderssen (Øystein Røger ) , comandante interino de la batería de torpedos así como al subteniente Sigurd Bexrud (Axel Bøyum), oficial de torpedos conforme recibe información del capitán Thorleif Unneberg ( Håvard Bakke ) , comandante del destacamento de inteligencia y señales. Igualmente da órdenes al capitán Vagn Jul Enger (Elias Holmen Sørensen ) , comandante de la batería de Kopås , y a segundo teniente Bjarne Berntsen (Odin Waage ) oficial de señales cuando las comunicaciones se rompen. 

Ya había anochecido cuando la flotilla alemana llegó a las aproximaciones del fiordo de Oslo . Poco después de las 23:00 (hora noruega), la patrullera noruega Pol III avistó la flotilla. El torpedero alemán Albatros atacó a la Pol III y la incendió, pero no antes de que la patrullera noruega diera la alarma con un informe de radio de que estaba siendo atacada por buques de guerra desconocidos. 

A las 23:30 (hora noruega), la batería sur de Rauøy avistó la flotilla en el reflector y disparó dos tiros de advertencia. 

Cinco minutos después, los cañones de la batería de Rauøy dispararon cuatro rondas contra los alemanes que se aproximaban, pero la visibilidad era escasa y no se logró ningún impacto. Los cañones de Bolærne dispararon solo un tiro de advertencia a las 23:32. 

Antes de que el Blücher pudiera ser atacado de nuevo, estaba fuera del sector de tiro de estos cañones costeros y no fue visto por ellos de nuevo después de las 23:35. La flotilla alemana navegó a una velocidad de 12 nudos (22 km/h; 14 mph) . Poco después de la medianoche (hora noruega), se transmitió por la NRK ( Norsk rikskringkasting ), la Corporación de Radiodifusión Noruega, una orden del Almirante Comandante para apagar todos los faros y luces de navegación . 

Entre las 00:30 y las 02:00, la flotilla se detuvo , pero el Blücher prosiguió adentrándose en el fiordo para continuar con el cronograma para llegar a Oslo al amanecer que es el el momento en que se produce la máxima intensidad en el combate. 

A las 04:20, los reflectores noruegos iluminaron nuevamente el barco y a las 04:21 los cañones de 28 cm (11 in) de la Fortaleza Oscarsborg abrieron fuego contra el Blücher a muy corta distancia, comenzando la Batalla del Estrecho de Drøbak con dos impactos en su costado de babor. 

El primero fue muy por encima del puente, impactando en el puesto de batalla del comandante de los cañones antiaéreos. El telémetro principal en la parte superior del mástil de batalla se desalineó, pero el Blücher tenía cuatro telémetros principales más. 

El segundo proyectil de 28 cm impactó cerca del hangar de aviones y provocó un gran incendio. A medida que el fuego se propagaba, detonó los explosivos que llevaba la infantería, dificultando las labores de extinción. Los alemanes no pudieron localizar la fuente del fuego. 

Blücher pasó a máxima potencia disponible en un intento de acelerar más allá de los cañones noruegos, pero el barco solo había aumentado la velocidad a unos 12 nudos (22 km/h; 14 mph) antes de que se tuviera que dar la orden de cambiar de rumbo para evitar encallar en las aguas estrechas. Los cañones de 15 cm (5,9 in) en Drøbak también abrieron fuego. A una distancia de 500 m Blücher entró en el estrecho entre Kopås y Hovedbatteriet, la batería principal, en Kaholmen. 

La batería de Kopås cesó el fuego contra Blücher y atacó el siguiente objetivo, Lützow , logrando múltiples impactos. 

A las 04:34 dos torpedos de una batería oculta y desconocida en la fortaleza de Oscarsborg impactaron en el buque. Según el informe de Kummetz, el primer torpedo impactó en la Sala de Calderas 2, justo debajo de la chimenea, y el segundo en la Sala de Turbinas 2/3 (la sala de turbinas para los ejes laterales). La Caldera 1 ya había sido destruida por el fuego enemigo. Solo quedaba una caldera, pero las tuberías de vapor que atravesaban las Calderas 1 y 2 y la Sala de Turbinas 2/3 habían resultado dañadas y la Turbina 1 había perdido potencia. A las 04:34, el barco había sufrido graves daños, pero había logrado atravesar la zona de fuego; la mayoría de los cañones noruegos ya no podían apuntarle. Los cañones de 15 cm de la batería de Kopås estaban todos en posiciones abiertas con un amplio sector de tiro y aún se encontraban dentro del alcance. 

Las dotaciones de la batería pidieron órdenes, pero el comandante de la fortaleza, Birger Eriksen , concluyó: «La fortaleza ha cumplido su cometido». 

Después de pasar las baterías de cañones, la tripulación, incluido el personal que manejaba los cañones, recibió la tarea de combatir el incendio. Para entonces, el barco había tomado una escora de 18 grados, aunque el fuego finalmente alcanzó uno de los pañoles de munición por lo que explotó violentamente. La explosión rompió varios mamparos en las salas de máquinas e incendió los depósitos de combustible del barco. El barco maltrecho comenzó a zozobrar lentamente y se dio la orden de abandonarlo. El Blücher volcó y se hundió a las 07:30, con numerosas bajas. 

La pérdida de Blücher y los daños sufridos por Lützow obligaron a las fuerzas alemanas a retirarse. Las tropas terrestres desembarcaron en la orilla oriental del fiordo; avanzaron tierra adentro y capturaron la fortaleza de Oscarborg a las 09:00 del 10 de abril. Posteriormente, atacaron la capital. 

La narrativa no solo explora el heroísmo y las tensiones militares, sino también las consecuencias posteriores, mostrando a Eriksen frente a la Comisión Militar de Investigación de 1946 presidida por Erik Solem (Terje Strømdahl), el capitán Per Askim (Jon Øigarden ) , representante de la Armada noruega . 

Con temas de valentía, dilemas éticos y el impacto de decisiones individuales, esta obra ofrece una mirada profunda a la historia y sus protagonistas que optarán por iniciar un combate que acabarán por hundir al Blucher, lo que retrasó al enemigo y dio a la ciudad tiempo para evacuar antes de que comenzara el intenso bombardeo con el que respondieron los alemanes. El retraso provocado por la retirada temporal del contingente de Blücher permitió al gobierno noruego y a la familia real escapar de la ciudad.

El rodaje comenzó el 9 de abril de 2024 en las ubicaciones auténticas de la fortaleza de Oscarsborg. Se utilizaron armas de 1916 para filmar la película. Inauguró el 53.º Festival Internacional de Cine Noruego el 17 de agosto de 2025. 

Una proyección pública al aire libre de la película tuvo lugar en la fortaleza de Oscarsborg el 15 de agosto de 2025 antes de su estreno en el festival. 

La película tuvo su estreno internacional en la sección World Cinema Now del 37º Festival Internacional de Cine de Palm Springs el 3 de enero de 2026

La película de Daniel Fahre ofrece a través de un extenso flashback , un relato bélico correcto y bien construido, centrado en la figura del coronel Birger Eriksen, de 64 años, interpretado por Bjørn Sundquist. El está al mando de la fortaleza de Oscarsborg, un punto de control clave por el que deben pasar todos los barcos en su camino a Oslo. 

La película entrelaza dos historias, convirtiéndose así en una entretenida película bélica y un thriller. La película profundiza en el juicio planteado por la Comisión qué evalua a Eriksen tras la guerra que ha de defender sus acciones frente a las críticas por la rendición prematura de la fortaleza, aunque los militares y civiles de la isla quedaron atrapados durante un extenuante bombardeo de diez horas y que llevaron, finalmente, a Eriksen a rendir la fortaleza a las fuerzas alemanas. 

Al final vemos como el informe de Eriksen no será aceptado por la Comisión que no supo valorar la importancia que esa acción supuso para el país.

La Momia

Si hablo de la momia es probable que lo primero que te venga a la cabeza sea la película de la Universal del mismo nombre del año 1999- que lanzó al estrellato a Brendan Fraser y que tiene en común con la versión original, la de 1932, el mismo estudio, su personaje principal que se llama Imhotep, resucitado por el Libro de los Muertos, y busca la encarnación actual del alma de su amada Anck-su-namun, y presenta a un Medjay egipcio llamado Ardeth Bay (en este caso, un guardián de la ciudad y de la tumba de Imhotep). Esta película dio lugar a tres secuelas: El Regreso de la Momia (2001), La Momia: La Tumba del Emperador Dragón (2008). 

También dio origen a una precuela derivada de su antagonista, El rey escorpión (2002), que , a su vez, se lanzó sobre otro universo. También es probable que el título te remita al año 2012, cuando la Universal anunció un reinicio de la película, más acorde con las películas de terror, de la franquicia de películas Universal Monsters .

Decía Terence Moix que " la momia abre otro apartado en el acreditado filón del estremecimiento. De hecho, es una variante del gothic feeling, pero un desviado hacia la pasión por el extinto en descubrimiento de la tumba de Tutankamón había puesto de moda. En realidad, este evento era innecesario, pues nada había en el filme que no se presintiese en la novela de una momia" de Théophile Gautier, " The Jewell of Seven Stars, de Stoker, y obras parecidas. Solo que, en esta ocasión, el filme venía a romper un molde, pues, más que una película terrorífica rusa era una hermosa historia de amor trascendido más allá de la muerte".

El reinicio fue dirigido por Alex Kurtzman y esta Momia fue planeada como la primera película de una serie de películas de monstruos interconectadas, ya que Universal había planeado construir una serie de películas de universo compartido a partir de su archivo de películas clásicas de monstruos.  Tom Cruise era el protagonista de la película.

Pero no, me estoy refiriendo con La Momia a la película clásica de la Universal del año 1932, anterior al Código Hays, algo que se hace visible en la protagonista, Zita Johann, dirigida por Karl Freund con guion de John L. Balderston que fue adaptado de un tratamiento escrito por Nina Wilcox Putnam y Richard Schayer .

Producida por Carl Laemmle Jr. para la Universal Studios que narra la historia clásica de la momia interpretada por el gran Boris Karloff, Zita Johann, David Manners y Edward Van Sloan. 

La película cuenta con una pieza de música clásica que se escucha durante los créditos iniciales, tomada del ballet El lago de los cisnes de Chaikovski , ya se había utilizado anteriormente (con el mismo arreglo) para los créditos iniciales de Drácula (1931) y Los crímenes de la calle Morgue (1932) de Universal; y se volvería a utilizar como música de cabecera de El secreto del cuarto azul (1933) del mismo estudio.

Pero a la que nos refererimos es la historia que nos cuenta que unos arqueólogos invaden la tumba de un cadáver momificado que resulta ser un sumo sacerdote del antiguo Egipto. 

La maldición de perfecta pero que por un descuido o la ambición transformará la momia en un nuevo ser dándole nueva vida e intentará atrapar a una joven descendencia que se parece a la princesa llamó en vida y que fue el motivo de su ejecución. 

El director, Karl Freund, fue el director de fotografía de la película Drácula aunque el responsable de la fotografía en esta película será Charles Stumar, mientras que el montaje que dió lugar a una hora de terror fue de Milton Carruth y que contó con la música de James Dietrich. 

En este caso la película comienza en 1921, cuando una expedición arqueológica dirigida por Sir Joseph Whemple (Arthur Byron ) encuentra la momia de un antiguo sumo sacerdote egipcio llamado Imhotep . Una inspección cular de la momia realizada por el amigo de Whemple, el Dr. Muller (Edward Van Sloan ) , revela que las vísceras no habían sido extraídas, y por las señales de forcejeo, Muller deduce que, aunque Imhotep había sido envuelto como una momia tradicional, había sido enterrado vivo. 

También se encuentra enterrado con Imhotep un cofre en cuyo interior contiene una maldición . A pesar de la advertencia de Muller, el asistente de Sir Joseph, Ralph Norton (Bramwell Fletcher ) , lo abre y encuentra un antiguo pergamino que otorga vida , el "Pergamino de Thoth ". Traduce los símbolos y luego lee las palabras en voz alta, lo que provoca que Imhotep (Boris Karloff ) resucite. 

Norton se horroriza y ríe histéricamente mientras Imhotep se aleja arrastrando los pies con el pergamino. 

Diez años después, Imhotep se ha integrado en la sociedad moderna, adoptando la identidad de un excéntrico historiador egipcio llamado Ardath Bey. Llama al hijo de Sir Joseph, Frank (David Manners ) , y al profesor Pearson (Leonard Mudie ) , y les indica dónde excavar para encontrar la tumba de la princesa Ankh-es-en-Amon .

Tras localizar la tumba, los arqueólogos presentan sus tesoros al Museo de El Cairo , tras lo cual Ardath Bey desaparece. El profesor recuerda que el asistente de Sir Joseph, Norton, enloqueció y murió de risa poco después. 

Tras la inauguración de una exposición sobre lo descubierto en la tumba de la princesa Ankh-es-en-Amon, vemos al grupo de arqueólogos que han encontrado la tumba y al que lo precedió, menos Norton que tras enloquecer falleció, celebrando una fiesta. A la misma asiste Helen Grosvenor (Zita Johann )  que baila con los Whemple y con el Dr. Muller. Ella agradece a unos y a otros no estar en este momento en Sudán, puesto que el padre trabaja en la embajada al sur de Egipto. 

Pero Ardath siente que el espíritu de la princesa Ankh-es-en-Amon esta cerca. Y la atrae al Museo con el fin de conocer a Helen Grosvenor, esa mujer medio egipcia que guarda un asombroso parecido con la princesa, pero que se queda inicialmente con Muller. 

Pero la belleza de ella atrae a Ardath que se enamora de ella, al igual que Frank. Además en el Museo ocurren dos extraños acontecimientos. Por un lado, Helen se siente atraída y sucumbe a las pertas del mismo, siendo encontrada por Frank; mientras que en el interior, la policía y los guardias de seguridad encuentran a uno de los suyos asesinado. 

Todas las sospechas  recaen en Ardath, pèro tanto el Dr. Muller como Sir Joseph están convencidos de que Ardath es la momia Imhotep, Muller insta a Joseph a quemar el Pergamino de Thoth, pero cuando Joseph intenta hacerlo, Ardath usa sus poderes mágicos para matarlo y luego hipnotiza al sirviente nubio de Joseph para que sea su esclavo y le traiga el Pergamino, ya que el linaje egipcio del nubio es susceptible a la magia de Imhotep. 

Después de que el sirviente lo hace, hipnotiza a Helen para que vaya a su casa y allí le revela en las imñágenes que aparecen en una fuente que su horrible muerte fue un castigo por sacrilegio , pues intentó resucitar a su amante, la princesa Ankh-es-en-Amon. Creyendo que ella es la reencarnación de la princesa , intenta convertirla en su esposa inmortal matándola, momificándola y resucitándola.

Frank y Muller acuden en su rescate y distraen a Ardath el tiempo suficiente para que Helen, ahora poseída por el espíritu de Ankh-es-en-Amon, implore a Isis que la ayude. La estatua de Isis alza su brazo y emite un destello que incendia el Pergamino de Thoth, rompiendo el hechizo que le había otorgado la inmortalidad a Imhotep, cuyo cuerpo muere y se convierte en polvo. En los brazos de Frank, el espíritu de Ankh-es-en-Amon abandona el cuerpo de Helen, y ella despierta siendo ella misma acabando así la película. 

Inspirado por la apertura de la tumba de Tutankamón en 1922 y la supuesta " maldición de los faraones ", el productor Carl Laemmle Jr. encargó al editor de historias Richard Schayer que encontrara una novela que sirviera de base para una película de terror con temática egipcia, al igual que las novelas Drácula y Frankenstein inspiraron sus películas de 1931 Drácula y Frankenstein . Schayer no encontró ninguna,aunque la trama guarda un fuerte parecido con un cuento de Arthur Conan Doyle titulado " El anillo de Thoth ". 

Schayer y la escritora Nina Wilcox Putnam conocieron a Alessandro Cagliostro y escribieron un tratamiento de nueve páginas titulado Cagliostro .  La historia, ambientada en San Francisco, trataba sobre un mago de 4000 años que sobrevive inyectándose nitratos .  Satisfecho con el concepto de Cagliostro, Laemmle contrató a John L. Balderston para escribir el guion.  Balderston había colaborado en Drácula y Frankenstein , y había cubierto la apertura de la tumba de Tutankamón para el New York World cuando era periodista, por lo que estaba más que familiarizado con el sonado descubrimiento de la tumba. 

Balderston trasladó la historia a Egipto, renombrando la película como La Momia y a su personaje principal como Imhotep , en honor al arquitecto histórico. También cambió la historia, pasando de una de venganza contra todas las mujeres que se parecían a la ex amante del protagonista a una en la que el protagonista está decidido a revivir a su antiguo amor matando y momificando a su reencarnación antes de resucitarla con el hechizo del Pergamino de Thoth.  Balderston inventó el Pergamino de Thoth, lo que le dio un aura de autenticidad a la historia. Thoth era el más sabio de los dioses egipcios que, cuando Osiris murió, ayudó a Isis a traer de vuelta a su amado de entre los muertos. Se cree que Thoth fue el autor de El Libro de los Muertos , que pudo haber sido la inspiración para el Pergamino de Thoth de Balderston. Otra posible fuente de inspiración es el ficticio Libro de Thoth que apareció en varias historias del antiguo Egipto.

Karl Freund , el director de fotografía de Drácula , fue contratado para dirigir, convirtiéndose así en su primera película en los Estados Unidos como director.  

Karl Freund, quien después de su excepcional carrera en Alemania se había trasladado a los Estados Unidos, ejerciendo su influencia en títulos como " sin novedad en el frente" y " Drácula". En la presente ocasión, abordaba además las tareas de director

Freund eligió a Zita Johann como 'Anck-es-en-Amon', nombre que recibió en honor a la única esposa del faraón Tutankamón Ankhesenamón , cuyo cuerpo no se encontraba en la tumba del faraón. 

El rodaje comenzó en septiembre de 1932 y estaba programado para tres semanas, con un presupuesto de 196.000 dólares.  El primer día de Karloff se dedicó a filmar el despertar de la momia de su sarcófago . El maquillador Jack Pierce había estudiado fotos de la momia de Seti I para diseñar a Imhotep. Pierce comenzó a transformar a Karloff a las 11 de la mañana, aplicando algodón , colodión y goma laca en su rostro; arcilla en su cabello; y envolviéndolo en vendas de lino tratadas con ácido y quemadas en un horno, terminando el trabajo a las 7 de la tarde. Karloff terminó sus escenas a las 2 de la madrugada, y se dedicaron otras dos horas a quitar el maquillaje. A Karloff le resultó doloroso quitarse la goma laca de la cara, y en general consideró que el día fue "la prueba más difícil que jamás había soportado". 

Aunque las imágenes de Karloff envuelto en vendas son las más icónicas tomadas de la película, Karloff aparece en pantalla con este maquillaje solo para la viñeta inicial; En el resto de la película se le ve con un maquillaje menos elaborado.  Una secuencia de flashback larga y detallada era más larga que la que existe ahora.  Esta secuencia mostraba las diversas formas en las que Anck-es-en-Amon se reencarnó a lo largo de los siglo 

Henry Victor aparece acreditado en la película como "Guerrero Sajón", a pesar de que su actuación fue eliminada.  Existen fotogramas de esas secuencias, pero el metraje (salvo la aparición de Karloff y los eventos sacrílegos que llevaron a su momificación en el antiguo Egipto) se ha perdido. Aunque el Rollo de Thoth es un artefacto ficticio, probablemente se basó en el Libro de los Muertos , un texto funerario del antiguo Egipto que, según se decía, contenía conjuros mágicos para ayudar al alma a pasar al más allá. El epónimo Thoth era el dios egipcio del conocimiento y se le atribuía la invención de los jeroglíficos, a los que se les atribuía un poder mágico. 

La película también hace referencia al mito egipcio de la diosa Isis resucitando a Osiris tras su asesinato a manos de su hermano Set . Los conspiradores fueron capturados en un complot para asesinar al faraón Ramsés III alrededor del año 1151 a. C. Las transcripciones del juicio en papiro revelan que a los conspiradores se les impusieron "grandes castigos de muerte", y la evidencia arqueológica sugiere que al menos uno de ellos pudo haber sido enterrado vivo. Si bien tal castigo no era una práctica común, este descubrimiento probablemente influyó en el guion de la película.  

No hay evidencia que sugiera que los antiguos egipcios creyeran o consideraran la posibilidad de momias reanimadas. La momificación era un proceso sagrado destinado a preparar un cuerpo muerto para que transportara el alma a través del más allá, no para que se reencarnara y volviera a vivir en la Tierra. Si bien es posible que algunos individuos fueran momificados al ser enterrados vivos, es improbable que los antiguos egipcios pensaran que la resurrección era posible, ya que eran muy conscientes de que se habían extraído todos los órganos necesarios y el cuerpo ya no sería de mucha utilidad en la Tierra. 

El egiptólogo Stuart Tyson Smith señala que «la idea de momias móviles no era del todo ajena al antiguo Egipto», citando una de las historias de la época helenística de Setna Khaemwas , que presenta tanto la momia animada de Naneferkaptah como un Libro de Thoth ficticio y que pudo haber inspirado al guionista John Balderston. 

La momia tuvo una promoción acorde a la estrategia del espanto: "Karloff...The uncanny" . El tráiler de la promoción americana proclamaba:" no es extraña que Drácula... Más fantástica que Frankenstein... Más misteriosa que el hombre invisible", rentabilizando así los treses se torna mayores de terror Universal. 

Universal Pictures estrenó La Momia en cines en Estados Unidos en diciembre de 1932 y  no fue tan rentable en Estados Unidos como las películas de terror de Universal estrenadas anteriormente, como Drácula y Frankenstein .

En enero de 1933, después de sus primeras tres semanas en cartelera, se observó que la venta de entradas de la película "disminuyó notablemente en algunas ciudades, pero se mantuvo estable en otras", a pesar de haber recibido críticas favorables.  La película fue un gran éxito de taquilla en Australia.

En cuanto a la crítica  la película recibió críticas variadas a pesar de ser un éxito de taquilla moderado. Cuando la película se estrenó en el cine RKO Mayfair de Nueva York, un crítico de The New York Times finalmente no quedó impresionado: Para generar terror, hay dos escenas en La Momia que resultan bastante extrañas, sin lugar a dudas. En la primera, la momia cobra vida y un joven arqueólogo, cada vez más enloquecido, ríe de una manera que pone los pelos de punta. En la segunda, Im-Ho-Tep es embalsamado vivo, y el momento en que le tapan la boca y la nariz con cinta adhesiva, dejando solo sus ojos desorbitados mirando desde el ataúd, es de un horror absoluto. Pero la mayor parte de La Momia es un melodrama de disfraces para niños. 

Las críticas modernas han sido, en general, mucho más positivas. James Lowder reseñó La Momia  afirmando que "A pesar de ser una descarada reelaboración del romance sobrenatural Drácula de Universal , La Momia de 1932 logra ser una película de terror efectiva y escalofriante. Dos personas merecen la mayor parte del crédito por su éxito: el actor Boris Karloff y el director Karl Freund". 

Cliff Aliperti, de Immortal Ephemera, opina: "La explicación perfecta de la calidad de La Momia proviene del comentario final del historiador de cine William K. Everson en la breve sección sobre La Momia de su libro Clásicos del Cine de Terror de 1974: 'Si uno acepta La Novia de Frankenstein por su teatralidad y El Ladrón de Cadáveres por su literatura, entonces uno debe considerar a La Momia como lo más cerca que Hollywood estuvo de crear un poema a partir del horror'". 

La película La Momia ha sido criticada por algunos espectadores modernos por su actitud de " otredad " hacia la cultura egipcia y oriental contemporánea, al retratarla como más primitiva, supersticiosa y poco confiable que la cultura occidental. Un ejemplo que da la crítica Caroline T. Schroeder es una escena en la que Helen Grosvenor añora el Egipto "real" ( clásico ), menospreciando el Egipto islámico contemporáneo . 

Según Mark A. Hall, del Museo y Galería de Arte de Perth, las representaciones cinematográficas de Egipto, especialmente en lo que respecta a la arqueología egipcia, suelen abordar temas como la apropiación y el control de los peligros de las culturas no europeas, o bien tratan el pasado en relación con leyendas y supersticiones. Las momias, afirma Hall, son un ejemplo común de esto. Si bien elogió la sabiduría arqueológica expuesta por Sir Joseph Whemple en la película, escribe que «se aprende mucho más estudiando fragmentos de cerámica rota que con todos los hallazgos sensacionales» y que la labor de los arqueólogos consiste en «aumentar el conocimiento humano del pasado», y menciona que el elemento arqueológico solo se utilizó como contrapunto a los elementos sobrenaturales.  En consecuencia, según Hall, lo que ofrecían esta película y otras similares era una «representación de la arqueología como una imposición colonial mediante la cual se apropia la herencia cultural». 

A diferencia de otras películas de Universal Monsters , La Momia no tuvo una secuela oficial. El personaje fue reinventado en La Mano de la Momia (1940) y sus secuelas: La Tumba de la Momia (1942), El Fantasma de la Momia (1944), La Maldición de la Momia (1944) y la película de comedia y terror del estudio Abbott y Costello conocen a la Momia (1955). Estas películas se centran en el personaje principal llamado Kharis (Klaris en la película de Abbott y Costello). La Mano de la Momia recicló metraje de la película original para usarlo en la narración de los orígenes de Kharis, donde Karloff es claramente visible en varias de estas escenas recicladas pero no fue acreditado.

Tom Tyler interpretó a la Momia en La Mano de la Momia , y Lon Chaney Jr. interpretó a la Momia en La Tumba de la Momia , El Fantasma de la Momia y La Maldición de la Momia

A finales de la década de 1950, la productora británica Hammer Film Productions retomó el tema de la momia , comenzando con La momia (1959), que, en lugar de ser una nueva versión de la película de Karloff de 1932, se basa en La mano de la momia (1940) y La tumba de la momia (1942) de Universal. 

Las secuelas de Hammer — La maldición de la tumba de la momia (1964), El sudario de la momia (1966) y Sangre de la tumba de la momia (1971) — no tienen relación con la primera película ni entre sí, salvo por la aparición del pergamino de la vida en La maldición de la tumba de la momia y Sangre de la tumba de la momia. Despues están las otras, de las que ya hemos hablado. 

Por mi parte, debemos decir que estamos ante una obra fundacional del cine de terror clásico de la Universal, que sustituye el sobresalto físico del cine actual por apostar por una atmósfera de tragedia romántica y fascinación por el Antiguo Egipto. 

Tras su éxito en Frankenstein , Boris Karloff demuestra aquí una gran versatilidad; con apenas unas pocas líneas de diálogo, transmite una melancolía hipnótica y una amenaza latente a través de la mirada y la postura. Aprovechando el impacto real por el hallazgo de la tumba de Tutankamón en 1922, la película arranca con una secuencia de apertura cargada de tensión y misterio cuando se lee el pergamino prohibido. Lejos de ser un monstruo sin seso que persigue a víctimas, Imhotep (como Ardath Bey) busca resucitar a su amor perdido de hace 3.700 años (la princesa Ankh-es-en-amon), otorgándole a la trama un tono de mito trágico.

Terenci Moix escribe en su Historia del Cine publicada en Blanco y Negro, el semanal adjunto al diario ABC que " Es cierto que filme contiene una de las escenas más terroríficas de todos juntos- la resurrección de la momia ante una emocionado joven que se ha quedado de guardia a su lado-, pero con todo y ser perfecta, esta escena tiene el poder de despistar sobre el contenido último de la historia, que continúa siendo un canto desesperadamente romántico. Cuando Imhotep muestra a Helen Grosvenor lo que fue en realidad un pasado milenario, marca el tono exacto de la historia: " mi amor ha durado más que los monumentos de nuestros reyes". El crítico catalán añadió que "  la momia abandonada las criptas góticas por la fascinación de las pirámides". 

La transformación de Boris Karloff como el antiguo sacerdote Imhotep (y su alias moderno, Ardeth Bey) es mítica. La secuencia inicial donde la momia cobra vida tras la lectura del Pergamino de Thoth mantiene una tensión desasosegante y elaborado que inicia una historia que se desarrolla a un ritmo pausado, casi hipnótico y una vertiente romántica pues el trasfondo de una historia de amor y reencarnación que abarca más de tres milenios entre Imhotep y la joven Helen Grosvenor (Zita Johann).

  

Torremolinos 73

Comedia española del año 2003 dirigida por Pablo Berger y que fue un auténtico éxito y hay que reconocer que es una gran película. Se estrenó en cines españoles en abril de 2003. Producida por Tomás Cimadevilla para Estudios Picasso, Nimbus Film Productions, Mama Films, Telespan 2000 Producciones.  

La historia se centra en Alfredo López (Javier Cámara ), un cansado vendedor del enciclopedias a domicilio, y Carmen (Candela peña) , su esposa fiel y que trabaja como peluquera. Sus vidas cambian para siempre cuando se empieza a venderle los kioscos las enciclopedias porfa ciclos semanales. Es entonces cuando Don Carlos (Juan Diego), director de la editorial Montoya y jefe de Alfredo, y que parece tener una aventura con su "sobrina" Vanessa (Malena Alterio) que es la Secretaria del jefe del Departamento en el que trabaja Alfredo, y les hace una proposición: participar en el material audivisual de una enciclopedia audiovisual sobre la reproducción humana por lo que tendrían que realizar películas eróticas con un fin educativo en Super 8 y de producción casera, que se ofenderán en los países escandinavos bajo la excusa de una falsa enciclopedia de la reproducción en el mundo. 

Debido a una situación económica muy difícil y sobre todo al deseo de Carmen de tener un hijo sí o sí la pareja acepta la oferta, pero antes debe participar en un curso acelerado sobre cómo hacer películas eróticas. 

Algunos ccompañeros como Romerales y su esposa ( Ramón Barea y Nuria González) se niegan como también les ocurre a los Anasagasti (Germán Montaner y Mariví Bilbao), aunque ella está dispuesta. Para ello, Alfredo recibe unas clases de dirección de cine por parte de un supuesto ayudante de Ingmar Bergman. 

Mientras Alfredo se aficiona al cine de Bergman, Carmen, que desea tener un hijo, las películas de Alfredo y de Carmen resultan ser todo un éxito. Ajenos a ello, Alfredo comienza a sentirse y apasionarse por el cine de Bergman y Carmen se convierte en una estrella del cine erótico aficionado en los países escandinavos. Pero a pesar de muchos los muchos intentos, Carmen no se queda embarazada. 

Cansado de hacer pequeños películas, Alfredo escribe el guión de un largometraje inspirado en una película de Bergman. Y la película resulta ser Torremolinos 73 que su jefe don Carlos está dispuesto a producir con la interpretación de Máximo Valverde como principal actor y Carmen como protagonista. 

Alfredo también consigue un equipo de filmación danés para la producción. Así que todo el grupo , incluído otros empleado, Juan Luis (Fernando Tejero), se desplaza a la ciudad malagueña de Torremolinos donde se les une un equipo danés que trae a su propio protagonista, Magnus, (Mads Mikkelsen) y la propia Carmen protagonizan la película. 

Una vez en Torremolinos descubren que no es oro todo lo que reluce, más aún ante la tristeza que alberga Carmen al no poder tener un hijo , tal y como le ha informado el Ginecólogo ( Jaime Blanch). A sugerencia de Carmen, el jefe de Alfredo cambia la escena final para que Carmen tenga relaciones sexuales con su coprotagonista masculino y así quede embarazada. Alfredo se enfada al principio, pero finalmente lo acepta.

Al final de la película vemos a Alfdredo que se dedica a la grabación de eventos como bodas, pero también a rodaje en Super 8 de película familiares. Entre ella la del cumpleaños de su hija, siendo esta la razón que llevó a Carmen a permitir tener relaciones con el actor danés. 

También se nos informa que la película rodada por Alfredo López se estrenó con el nombre de "Aventuras y desventuras de una viuda muy cachonda" (Die Abenteuer und Unglücke einer geilen Witwe). Tuvo mucho éxito en países como Dinamarca.

Torremolinos 73 fue el primer largometraje del bilbaíno Pablo Berger tras una brillante carrera como director de cortometrajes. Es una comedia delirante y agridulce inspirada en un hecho real, el de un matrimonio infeliz que se deja arrastrar al mundo del porno en la España de los 70 . 

La película fue ilustrada musicalmente por la banda sonora de Mastretta. Contó con la labor en el sonido de Agustín Peinado, en el maquillaje de Jorge Hernández, la fotografía de Kiko de la Rica, el montaje de Rori Sáinz de Rozas, el vestuario de Estíbaliz Markiegi y los efectos especiales de Félix Cordón.  

Alfredo y Carmen son Javier Cámara y Candela Peña pero en la película aparece igualmente Fernando Tejero, Juan Diego, Malena Alterio, Ramón Barea, y sorprende la presencia de un jovencísimo Mads Mikkelsen. 

Telespan 2000 vendió los derechos de la película a la productora china Shenzhen Golden Coast Films que realizó en 2008 una versión china libremente inspirada en el guion original. Lleva el título Two Stupid Eggs y la dirigió un director chino conocido como Agan.

La película se llevó multiples premios y tuvo crítica positivas por parte de los cróiticos. M. Torreiro en Fotogramas escribe sobre ella que "Sorprendente, muy madura opera prima (...) Cómo logra hacerlo es la cuestión esencial del film: con una cuidadosa recreación del cine de la época (...) Y, por encima de todo, con un total respeto por sus personajes (…) ".

Torremolinos 73 se proyectó en el 6º Festival de Cine de Málaga en abril de 2003. En los Goya tuvo 4 nominaciones , aunque no se llevó ninguno ni el de Mejor actor principal (Javier Cámara), Mejor actor de reparto (Juan Diego), Mejor dirección novel (Pablo Berger) y Mejor guion original (Pablo Berger). 

En el Festival de cine de Málaga, al contrario,  se llevó sabiamente por el Jurado el de Mejor película - Biznaga de Oro, Mejor dirección (Pablo Berger), Mejor actor (Javier Cámara) y Mejor actriz (Candela Peña). Estos dos últimos premios se repitieron en los Premios Ondas 2003 y en los 59.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos y en la 54.ª edición de los Fotogramas de Plata la nominación volvió a ser a Mejor actriz de cine (Candela Peña) y Mejor actor de cine (Javier Cámara). Por último, en los 48 Premios Sant Jordi (películas de 2003) se llevó el de director novel Berger.

Por mi parte comentar que Torremolinos 73 (2003), la ópera prima de Pablo Berger, es una comedia agridulce y entrañable que funciona como una carta de amor al cine y un retrato brillante de la España del tardofranquismo. Javier Cámara (en el papel de Alfredo, el vendedor de enciclopedias reconvertido en cineasta) y Candela Peña (Carmen) ofrecen una química tierna, natural y llena de humanidad. Sus personajes transmiten una inocencia conmovedora. La historia de un matrimonio que empieza a grabar películas de contenido para adultos destinadas al mercado escandinavo —para luego intentar transformarlas en cine de autor al estilo de Ingmar Bergman— está llevada con un atrevimiento único. 

El filme clava la estética de los años 70, como señala fausto Fernández en X " la cinefilia porno bergmaniana del desarrollismo" : el vestuario, los peinados, los tonos de color y una banda sonora cargada de nostalgia con canciones de Fórmula V, Mocedades o los Pop Tops y la imagen realmente conseguida. Berger mezcla el humor absurdo, la parodia cinéfila y el drama social sin perder ligereza, logrando que la película pase en un suspiro y deje un poso emotivo, y ya adelanta imágenes de su siguiente película, Blancanieves en un momento dado. 

A mi me ha gustado y mucho esta una ópera prima arriesgada, divertida y tierna que demuestra que detrás de las situaciones más extravagantes puede latir un profundo amor por el séptimo arte.

Ned Kelly

Ned Kelly viene a ser el rey del Oeste australiano. Es un mito, un Robin Hood del mundo austral y mucho más cercano en el tiempo. Su vida y sus peripecias han sido varias veces llevadas al cine, de hecho la versión que acabo de ver fue la séptima versión cinematográfica de la historia del bandolero australiano del siglo XIX Ned Kelly , y fue la primera película de Kelly que se filmó en color,  pero de cualquier manera he de reconocer que desconocía que en el año 1970 Tony Richardson, uno de los principales referentes del New Cinema o el Free Cinema  británico,  llegó a la gran pantalla a este personaje y que, además, para asumir el papel protagonista tiró de Mick Jagger, el líder de los Rolling Stones y leyenda del rock.

Jagger interpreta a este joven australiano cuya historia legendaria comienza cuando a los 17 años es acusado de un robo de caballos iniciando con ello una vida llena de detenciones cárceles. 

La película que sigue el guion de Ian Jones y Tony Richardson, con la música de Shel Silverstein, la fotografía de Gerry Fisher, el montaje de Charles Rees y la producción de Neil Hartley para la Woodfall Film Productions, comienza por el final su ejecución y tras eso empieza la historia propiamente dicha. 

Está codirigida porGregor George y en la misma aparecen Allen Bickford , Clarissa Kaye - Masón, Frank Thring, Geoff Gilmour. El actor de origen escocés Mark McManus interpretó a Joe Byrne, amigo de Kelly.

Si bien fue una producción británica, se filmó íntegramente en Australia, principalmente en los alrededores de Braidwood , al sur de Nueva Gales del Sur , con un reparto secundario mayoritariamente australiano.

Un aspecto significativo de la misma es que la película funciona igualmente como un buen musical,  puesto que la música recorre toda la película especialmente desde más de origen irlandesa. La banda sonora de Ned Kelly incluye música compuesta por Shel Silverstein e interpretada por Kris Kristofferson y Waylon Jennings , producida por Ron Haffkine , con un tema en solitario cantado por Jagger en su caso una canción tradicional australiano irlandesa como " The Wild Colonial Boy" y otra al final de la película llamada "Hey Ned" interpretada por Tom Ghent. 

La historia nos lleva a Australia, al año 1880. Un joven que sabemos por el principio, que es el final, que es huérfano, brutalizado y encarcelado, aunque el afirma ante el juez que "Mi conciencia es nítida como la nieve del Perú. ".

Desde su más tierna infancia Ned Kelly ha jurado vengar a su familia, los Kelly, y golpear al sistema judicial y social del país que los ha empujado a una vida criminal para poder sobrevivir. 

Junto a su hermano y dos amigos, Ned recorre la estepa australiana desvalijando bancos y atacando poblaciones, burlando siempre a los agentes del orden. 

Ned Kelly (1854-1880), “el bandido social”, “el nuevo Robin Hood”, “el anticolonialista”. Su resentimiento contra los ingleses –colonizadores de Australia y de Irlanda de donde eran originarios sus padres- comenzó con la muerte en la cárcel de su progenitor, John “Red” Kelly, luego de haber sido condenado a seis meses de trabajos forzados por no haber tenido el dinero con qué pagar una piel de buey que, supuestamente, había robado. 

Su madre, Ellen Quinn, quedó viuda con ocho hijos a su cargo, y Edward (“Ned”) que era el tercero, junto a su hermano Daniel, siendo todavía muy jóvenes tuvieron que ayudarla a salir adelante y defender la pequeña tierra que consiguieron cerca a Greta en el estado Victoria, de la cual los terratenientes querían apoderarse. 

En cierta ocasión, Ned hirió a un oficial de la policía que, tras haber ido a detenerlo bajo el cargo de robo de caballos, quiso abusar de su hermana Kate… pero, fue a su madre a la que condenaron a tres años de prisión, en represalia por no haber podido prenderlo a él. 

Esto  hizo polarizarse al rebelde Ned, y junto a su hermano Dan y sus amigos Joe Byrne y Steve Hart, conformaría una cuadrilla de proscritos que se enfrentaría contra la corrupción judicial, las expropiaciones de los terratenientes y el gobierno colonialista, por cuya captura llegaría a ofrecerse la mayor recompensa de la historia. 

Los hechos por los que se convirtieron en héroes populares y, Ned Kelly, pasó a ser el mayor ícono de la cultura australiana -el primer largometraje de la historia del cine lleva su nombre: “The Story of the Kelly Gang”  de Charles Tait, 1906; la obra artística que sobre él hizo Sidney Nolan, es considerada una de las más grandes creaciones del siglo XX; la novela “True Story of the Kelly Gang” de Peter Carey, fue un éxito de ventas en el año 2001; se crearon los Ned Kelly Awards para novelas de True crime… y hasta ha sido objeto de canciones de Midnight Oil, Johnny Cash, Waylon Jennings y otros-.

Y de esa historia de leyenda y aventura es lo que nos cuenta el director Tony Richardson, en esta atrayente y reivindicadora película, que sirvió de lanzamiento como actor del celebrado vocalista de los Rolling Stones, Mick Jagger. 

A principios de la década de 1960, Karel Reisz y Albert Finney anunciaron sus planes para realizar una película sobre Ned Kelly a partir de un guion de David Storey . 

Finney y Reisz viajaron a Australia en octubre de 1962 y pasaron diez semanas buscando locaciones e investigando. En enero de 1963, se informó que la película estaría protagonizada por Finney y Angela Lansbury .  La película iba a ser el siguiente proyecto de Finney después de Tom Jones (1963) y el rodaje iba a comenzar en marzo de 1963. La filial británica de Columbia Pictures accedió a financiar todo el presupuesto. Sin embargo, las normas sindicales británicas exigían un equipo mayoritariamente británico, y el coste de su alojamiento en Australia superaba con creces lo que Columbia estaba dispuesta a pagar. ( Tom Jones aún no se había estrenado). 

En su lugar, Finney y Reisz rodaron Night Must Fall (1964). Después de esto, Finney todavía tenía previsto hacer la película. Sin embargo, él y Reisz finalmente se retiraron por lo que el proyecto pasó a manos de Tony Richardson , director de Tom Jones , quien escribió el guion en colaboración con Ian Jones, escritor y productor de dramas televisivos de Melbourne y experto en Ned Kelly. 

Según Kevin Brownlow , Ian McKellen iba a interpretar originalmente el papel principal, pero los productores optaron por Mick Jagger.    «Me tomo esta película muy en serio», dijo Jagger en aquel entonces. «Kelly no se parecerá en nada a mí. Ya verán cómo soy. Quiero concentrarme en ser un actor de carácter». 

Durante la preproducción, otros cineastas, entre ellos Tim Burstall , Gary Shead y Dino de Laurentiis , anunciaron sus propios proyectos sobre Ned Kelly. 

La realización de la película estuvo plagada de problemas; incluso antes de que comenzara la producción, Actors' Equity y algunos descendientes de Kelly protestaron enérgicamente por la elección de Jagger para el papel principal y por la ubicación propuesta para el rodaje en la zona rural de Nueva Gales del Sur , en lugar de en Victoria , donde habían vivido los Kelly. 

La novia de Jagger en ese momento, Marianne Faithfull , había venido a Australia para interpretar el papel femenino principal (la hermana de Ned, Maggie), pero su relación se estaba rompiendo y ella tomó una sobredosis de pastillas para dormir poco después de llegar a Sídney.  Fue hospitalizada en coma , pero se recuperó y fue enviada a casa.  Fue reemplazada por una actriz australiana entonces desconocida, Diane Craig , que estudiaba en El Instituto Nacional de Arte Dramático, NIDA. 

La película tuvo una mala acogida en su estreno y aún se la considera uno de los trabajos menos exitosos de Richardson. Richardson y Jagger prácticamente la repudiaron, ya que ninguno de los dos asistió al estreno en Londres. Incluso en 1980, Jagger afirmó no haber visto nunca la película.  Sin embargo, la cinematografía de Gerry Fisher ha sido elogiada por su maestría —el repoussoir , las sombras, los reflejos y la iluminación sutil— que le confieren a la película un aire melancólico. 

Arthur Krim, de United Artists, realizó posteriormente una evaluación de la película como parte de una valoración del catálogo de la compañía : Cuando programamos esta película, pensamos que Mick Jagger sería una gran figura entre el público joven. Desafortunadamente, su otra película, Performance, se estrenó justo antes que Ned Kelly y fracasó. Estamos convencidos de que Ned Kelly tampoco tendrá éxito. Además, Tony Richardson, el director, manejó el material con un ritmo muy lento y no hemos podido persuadirlo para que realice los cortes necesarios para mejorar la película. Este es, una vez más, un caso de programar una película en un momento de mucho mayor optimismo sobre el tamaño del llamado público juvenil, especialmente cuando está protagonizada por uno de los nuevos ídolos populares. 

AH Weiler, del New York Times, dijo: Ned Kelly muestra todos los indicios de una producción cinematográfica dedicada. Desafortunadamente, la dirección y el guion del Sr. Richardson, en el que colaboró ​​con Ian Jones, no profundizan demasiado en los personajes. Tampoco se proyectan las motivaciones de los protagonistas de manera relevante para el público estadounidense no especializado. Ned Kelly , con canciones explicativas e intrusivas de Shel Silverstein interpretadas por Waylon Jennings , se presenta como una balada folk algo pretenciosa que a menudo explica poco más que la acción. ... 

Filmada con hermosos colores en auténticos escenarios australianos, Ned Kelly brilla intermitentemente con variadas bellezas. Un baile de bienvenida al son de una salvaje danza irlandesa es memorable, al igual que las carreras de caballos en una ladera boscosa y una pelea amistosa a puño limpio en una feria de pueblo. Igualmente impresionante es la armadura de hierro ideada por Kelly como protección contra sus perseguidores. Pero estas son viñetas coloridas que solo rozan, pero no revelan por completo, el drama o la historia detrás de los eventos. 

Filmink argumentó: "Jagger era conocido como una estrella de rock salvaje, pero en la película interpretó a Ned Kelly como un... eh... para ser honesto, no estoy seguro de cómo Jagger interpretó a Kelly, pero no era el mismo tipo que cantó 'Sympathy for the Devil'". 

El traje de armadura corporal original que usó Jagger está en exhibición en la Biblioteca de la Ciudad de Queanbeyan , Nueva Gales del Sur, y las iniciales "MJ" están grabadas en el interior.  El tocado, al igual que el original, fue robado.

Por mi parte valorar positivamente este western moderno de los años 70, dirigida por el maestro del Free Cinema británico Tony Richardson, la cinta logra plasmar de manera vibrante el espíritu rebelde de la época al deconstruir el mito del forajido australiano más famoso de la historia y todo ello muy bien fotografiada por Gerry Fisher, rodado al aire libre en escenarios reales y con luz natural - como marcaban los canones del "Free Cinema"- que refleja en la película y que utiliza magistralmente las luces y las sombras de la densa estepa ( bush ), envolviendo al espectador en una atmósfera gris, visceral e impresionista que se aleja de la estética limpia de Hollywood. 

Además, Tony Richardson, integrante del grupo de los "Angry Young Men" , aplica su sensibilidad de cineasta social para retratar una Australia dura, donde la pobreza y el acoso de las autoridades empujan inevitablemente a una familia orgullosa hacia el crimen. 

La narrativa no pierde el tiempo; avanza de manera ágil y descarnada directa hacia los hechos en un momtaje tan curioso ( el principio es el final, y el final es el largo principio) .Los últimos veinte minutos de la película son una auténtica obra de arte visual. Entre los integrantes de la cuadrilla que cuentan hasta diez para acabar con sus vidas en el interior de la cantina ferroviario o el tiroteo final en Glenrowan, entre los guardias contra el hombre que lleva la mítica e imponente armadura de hierro de Ned Kelly, regala imágenes imperecederas y una de las puestas en escena más potentes del cine de forajidos de los setenta. 

La música country y folk escrita por Shel Silverstein e interpretada por Waylon Jennings, entre otros, añade un fuerte carácter lírico y melancólico al metraje, convirtiendo la historia en una balada cinematográfica sobre la libertad y el destino trágico . Por último, no olvidemos la presencia en la película en la que fue su debut como actor de Mick Jagger.

Taboo

Una ciudad recreada antes de la aparición de la IA tiene su mérito, y lo cierto es que la recreación que hizo la BBC de ese Londres portuario y sucio de inicios del siglo XIX es todo un ejercicio creativo y que tiene tan mal o buen aspecto como el esperado. Y eso hizo la serie la BBC cuando planteó en 2017 la serie Taboo.

Taboo es una serie dramática de la BBC producida por Scott Free London y Hardy Son & Baker  que se estrenó en BBC One en el Reino Unido en enero de 2017 y en FX en Estados Unidos el 10 de enero de 2017. 

La serie de ocho episodios fue creada por Steven Knight , Tom Hardy y su padre, Chips Hardy , basándose en una historia escrita por Tom y Chips Hardy.Taboo parte de una historia escrita por Tom y Chips Hardy. Knight y Tom Hardy trabajaron juntos anteriormente en la película Locke de 2013 y la serie de televisión Peaky Blinders , que se estrenó en 2013. 

La primera y - en la actualidad - única temporada fue dirigida por Kristoffer Nyholm - los cuatro primeros-  y, los cuatro últimos Anders Engström. La música fue compuesta por Max Richter .

La serie cuenta en sus principales papeles con  Tom Hardy como James Keziah Delaney , hijo de Horace Delaney , Leo Bill como Benjamin Wilton, un oficial de registros de la Compañía Británica de las Indias Orientales, Jessie Buckley como la actriz irlandesa Lorna Delaney (de soltera Bow), la viuda de Horace. Oona Chaplin como Zilpha Geary (de soltera Delaney), hermanastra y amante de James Delaney. Igualmente aparece Stephen Graham como Atticus, un informante del mundo del hampa de Delaney , Jefferson Hall como Thorne Geary, esposo de Zilpha y corredor de seguros. Tambien aparece David Hayman como Brace, el viejo y fiel sirviente de Horace Delaney,  Edward Hogg como Michael Godfrey, secretario de actas de la Compañía Británica de las Indias Orientales,  Franka Potente como Helga von Hinten, la Madame de un burdel instalado en los almacenes portuario de los Delaney. También intervienen Michael Kelly como Edgar Dumbarton, Tom Hollander como George Cholmondeley, un químico y científico, Marina Hands como la condesa Musgrove/Carlsbad, una jefa de espías estadounidense en Londres. Como mandario máximo de la Compañía trabaja Jonathan Pryce como Sir Stuart Strange, presidente de la Compañía Británica de las Indias Orientales, Jason Watkins como el escocés Solomon Coop, secretario privado del soberano. El soberano es Mark Gatiss como el príncipe Jorge , príncipe regente durante la enfermedad mental del rey. 

En papeles menores están Nicholas Woodeson como Robert Thoyt, el abogado de Delaney,  Edward Fox como Horace Delaney, el difunto propietario de una compañía naviera con sede en Londres, Ruby-May Martinwood como Winter, la hija de Helga, Scroobius Pip como French Bill, el asistente de Atticus, Fiona Skinner interpreta a Brighton, miembro de la banda de Atticus, Christopher Fairbank como Ibbotson, el arrendatario de Delaney,  Richard Dixon como integrante del Consejo de la Compañía Edmund Pettifer, del departamento de África de la Compañía Británica de las Indias Orientales, Roger Ashton-Griffiths como Abraham Appleby de la Compañía Británica de las Indias Orientales, Danny Ligairi como Martínez, un asociado polinesio de Delaney, Lucian Msamati interpreta al ilustrado de color George Chichester, un abogado de los Hijos de África. Louis Ashbourne Serkis como Robert, el hermanastro de James Delaney. 

La idea inicial de Steven Knight era planear dos temporadas más y lo cierto es que Taboo fue renovada para una segunda temporada en marzo de 2017, pero a partir de allí, la incertidumbre. En noviembre de 2021, Knight confirmó que seis de los ocho episodios planeados para la segunda temporada habían sido escritos, y el inicio de la filmación dependía del calendario de Hardy.  En mayo de 2022, Knight señaló finales de 2023 como una posible fecha de inicio de la filmación. Dos años más tarde, en marzo de 2023, el productor Dean Baker declaró que se estaba trabajando en la segunda temporada de Taboo ; perop lo cierto es que no se ha anunciado ninguna fecha de lanzamiento. 

Taboo explora el lado oscuro del Londres del siglo XIX , la corrupción política y empresarial que involucra a la Compañía Británica de las Indias Orientales , las bandas criminales y la miseria de la clase trabajadora. 

La historia se remonta al año 1814, cuando el aventurero y empresario James Delaney (Tom Hardy) regresa a Inglaterra tras pasar doce años en África, después de la muerte de su padre y ante la inminente finalización de la guerra de 1812 entre Gran Bretaña y Estados Unidos . 

Como señalamos James Delaney, a quien se creía muerto, regresa a Londres para asistir al funeral de su padre, Horace. 

Aparte de poseer una pequeña parte de la costa oeste de Norteamérica, Horace no ha dejado nada de valor. La tierra, Nootka Sound o el estrecho de Nootka, un área frente a la isla de Vancouver que está en disputa entre Gran Bretaña y Estados Unidos, que están en guerra . 

Lo cierto es que la Compañía Británica de las Indias Orientales tenía un acuerdo para comprar la tierra a Zilpha Geary (Oona Chaplin) , la hermanastra de Delaney, cuando el padre , enfermo, falleciera, pero Delaney sabe que la guerra entre Gran Bretaña y los jóvenes Estados Unidos está llegando a su fin, lo que aumentará enormemente el valor de la tierra, y, como heredero legal, hijo de la primera esposa, una nativa nootka,  desprecia su oferta. Más aún, cuando el joven Delaney descubre que su padre murió por envenenamiento con arsénico . 

Delaney se dispone a reclamar su herencia; compra un barco español arrebatado por los corsarios británicos en alta mar, en una subasta y comienza a reunir a su tripulación. 

La lectura del testamento de Horace concluye con la aparición de Lorna Bow (Jessie Buckley  ) , una actriz irlandesa, quien afirma que ella y Horace estuvieron casados. Delaney paga a los numerosos acreedores de Horace un total de un as 200 libras y contacta con el Dr. Dumbarton (Michael Kelly ), un médico estadounidense en el Hospital St. Bartholomew y que actúa como espía de los estadounidenses. 

Esto descoloca a la Compañía Británica de las Indias Orientales que ahora planea el asesinato de Delaney. Un hombre con diente de plata apuñala a Delaney, quien, a pesar de las graves heridas, logra matarlo. Después de que Dumbarton cura la herida de Delaney, queda clara su ayuda con respecto a Nootka Sound. Desde ese instante Delaney protege su vida de la Compañía Británica de las Indias Orientales y de la Corona nombrando al gobierno de los Estados Unidos beneficiario de su testamento. 

Cuando Lorna reclama la mitad de los bienes de Horace, se le advierte que su vida corre peligro y que debe huir a París. 

Por su parte el secretario de la compañía, Michael Godfrey (Edward Hogg) , que fue compañero de armas de Delaney en la Compañía, y quien se trasviste en privado, es chantajeado por Delaney para que le revele secretos de las reuniones de la Compañía Británica de las Indias Orientales. 

Lorna es secuestrada al salir del teatro, pero Delaney la rescata. Lorna, animada por Delaney, se deja arrestar por la Corona. A punto de ser violada por Solomon Coop (Jason Watkins), el escocés  secretario privado del soberano que interviene en el tema cuando ella ataca a un Duque, el de Windsor, cuando pretende violarla, pero es rescatada cuando la Compañía Británica de las Indias Orientales interviene, tras haber sido alertada por Delaney sobre el intento de violación por parte del duque a Lorna. 

Un químico de gran presencia en la sociedad londinense como Cholmondeley (Tom Hollander) aconseja a Delaney sobre cómo conseguir pólvora. Planean robar salitre refinado de un almacén de la Compañía. 

Un intento de asesinato contra Delaney, instigado por el agente secreto estadounidense Carlsbad, termina con el destripamiento de su atacante, un malayo. 

Cuando Delaney es invitado a un baile organizado por la condesa Musgrove (Marina Hands) que resultará ser  la jefa de espías estadounidense en Londres, le pide a Lorna que lo acompañe. Aunque ella no lo confirma ni lo niega, Delaney se da cuenta de que Musgrove es Carlsbad. 

El celoso y envidioso cuñado de Delaney,  Thorne Geary (Jefferson Hall ), bajo los efectos del gas de la risa proporcionado por Cholmondeley, desafía a Delaney a un duelo a muerte. Cuando el disparo de Thorne al pecho de Delaney resulta haber sido saboteado, Delaney dispara al testigo de Thorne, el Sr. Hope, matándolo. 

Como la Corona había comprado el salitre, la Compañía paga las consecuencias del robo. El Príncipe Regente decide complicarle las cosas a la Compañía y envía a George Chichester, abogado de los Hijos de África, a investigar el hundimiento del Influence , el barco de esclavos que con el nombre de Cornuealles, ha estado atormentando los recuerdos de Delaney y en el que murieron 280 personas. 

Dumbarton le dice a Delaney que los estadounidenses saben de su granja secreta. Lorna ha seguido las instrucciones de Delaney y le ha traído el baúl de su padre; encuentra el tratado que prueba que Nootka Sound fue comprado a los nativos, en lugar de tomado por la fuerza. Delaney cree que su padre compró a su madre, una mujer nootka, por cuentas. 

Por su parte, un hombre negro y liberado con gran formación, George Chichester,  descubre que el nombre original del barco de esclavos fue cambiado a 'Influence' para ocultar su verdadera identidad; fue registrado como vacío cuando zarpó en su viaje fatal; solo tenía una tripulación mínima y el hermano de Sir Stuart Strange era dueño de una plantación de azúcar en la isla de Antigua . 

Mientras tanto, Brace le cuenta a Delaney que su madre fue internada en un manicomio después de intentar ahogarlo cuando era un bebé; su padre le salvó la vida. 

Zilpha, después de sufrir un exorcismo y tras violada repetidas veces por su marido,  asesina a Thorne, y Delaney hace que Dumbarton retire el cadáver, que es enterrado a gran profundidad en un funeral católico. 

El granjero Ibbotson se confiesa con un sacerdote católico, quien revela la ubicación de la fábrica de pólvora de Delaney a la Compañía. Delaney mata a Ibbotson, dejando su cuerpo en el confesionario. Antes de que los soldados de la Compañía puedan apoderarse de su pólvora, Delaney la retira en una barcaza y la transporta a su barco. 

El representante de la Compañía, Benjamin Wilton, encuentra a Delaney en el muelle y le transmite un mensaje de Sir Stuart que dice que ahora es la guerra entre ellos. El barco de Delaney explota, convirtiéndose en un amasijo de llamas. Delaney mata al hombre que debía custodiar el barco y se emborracha. 

A la mañana siguiente, despierta en el lodo y encuentra el cadáver de Winter cerca. Tras el funeral de Winter, Delaney teme haberla matado en estado de embriaguez. A diferencia de Helga, Lorna cree en su inocencia, sobre todo porque acoge a otro joven huérfano, Robert. 

Chichester visita a Delaney y lo acusa de complicidad en el hundimiento del barco de esclavos, pero le ofrece inmunidad si denuncia a la Compañía Británica de las Indias Orientales. 

Por us parte, un doolido Brace confiesa a Delaney que fue él quien envenenó a Horace con pequeñas dosis de arsénico, desencadenando así la cadena de acontecimientos. 

Mientras tanto, una vengativa Helga informa a Strange sobre la pólvora, lo que lleva a que Delaney sea encarcelado por traición y torturado. Lorna investiga por su cuenta para demostrar la inocencia de James en el asesinato de Winter, mientras que Godfrey, aliado de Delaney en la Compañía, acepta testificar en su contra, lo que obliga a George a sacarlo de allí para protegerlo. 

Con el Príncipe Regente aún enfrentado a la Compañía Británica de las Indias Orientales, Delaney se sorprende al encontrar a Strange ofreciéndole una solución de compromiso. 

En prisión a la espera de juicio, Delaney le hace saber a Strange que está al tanto de su participación en el hundimiento del barco de esclavos, un hecho que Godfrey revelará a la Comisión Real, obligando así a Strange a gestionar su liberación. 

Delaney se angustia al descubrir que Zilpha se ha suicidado tirándose al Támesis. Lorna y Atticus también rescatan a Helga, diciéndole que la Compañía Británica de las Indias Orientales incriminó a Delaney por el asesinato de Winter. 

Delaney resuelve asuntos con Dumbarton, quien resulta ser un agente doble de la Compañía, en nombre de los estadounidenses. 

El Príncipe Regente, despreciado por los repetidos desaires de Delaney, ordena su muerte. Delaney, Lorna, Atticus, Michael y sus asociados se preparan para una emboscada contra las fuerzas del Príncipe Regente. Tras una larga y dura batalla en el puerto, escapan en el barco que Strange les ha proporcionado, a costa de la vida de Helga. 

George Chichester, guiado por un Brace ahora libre, encuentra las pruebas que necesita para desacreditar definitivamente a la Compañía Británica de las Indias Orientales. Strange muere a causa de un artefacto explosivo colocado por Delaney, consumando así su venganza. 

En el barco, la bandera británica es arriada y la estadounidense izada, simbolizando su nuevo destino como estadounidenses mientras van en busca de un hombre en las azores. 

Kristoffer Nyholm y Anders Engström dirigieron cada uno cuatro episodios de la primera temporada. Max Richter compuso la banda sonora. 

La serie ha recibido críticas generalmente favorables, y los críticos elogian la actuación de Hardy, la presentación visual y el ritmo narrativo. La serie ha recibido críticas generalmente favorables, con elogios a la actuación de Hardy, la estética y el desarrollo lento de la trama. También ha tenido algunos premios como en los BAFTA 2018, los Premios de la academia de cine y TV británicapues fue nominada a la Mejor fotografía e iluminación de TV (Mark Patten) , a la Mejor música original para TV (Max Richter) al mejor diseño de vestuario de TV (Joanna Eatwell), al Mejor sonido de TV (Sound Team) y a los mejores efectos visuales de TV (Bluebolt, Colin Gorry SFX, Goldcrest) y ganadora al Mejor maquillaje y peluquería de TV (Jan Archibald, Erika ÖKvist, Audrey Doyle)

En la 22 edición de los Satellite Awards fue nominada a la Mejor serie de TV - Drama y al Mejor actor en una serie de TV - Drama (Tom Hardy) 

En cuanto a la crítica Ben Lawrence de The Telegraph dijo de ella que la fuerza de Taboo radica en que, a pesar de tomar prestados elementos de los westerns , las películas de gánsteres e incluso de Charles Dickens , aún logra sentirse completamente original. 

Sam Wollaston de The Guardian señaló que, si bien algunos diálogos "hacen estremecerse", la actuación y la presencia en pantalla de Hardy lo compensan con creces. 

En un artículo para The Hollywood Reporter , Tim Goodman señaló que Taboo es una sólida incorporación, aunque lenta al principio, al catálogo de series de FX, con una convincente actuación de Tom Hardy. Y acabando su artículo comentó que "A pesar de un comienzo más lento de lo que sería ideal en un paisaje lleno de gente, la serie muestra signos en su inicio de poder convertirse en algo mucho más grande y mejor." 

Kevin Yeoman de Screenrant escribió en su reseña que todo ello se sumaba a un drama oscuro, de ritmo lento pero no obstante intrigante, con secretos que se irían revelando a su debido tiempo. También dijo que era probable que aquellos atraídos por la intensidad en pantalla de Hardy y su capacidad aparentemente ilimitada para convertirse en la encarnación física de la amenaza sombría fueran los más propensos a quedarse hasta el final, y al hacerlo cosecharían las posibles recompensas. 

David Wiegand en las páginas del californiano diario SFgate "Un melodrama con una mayor atención a los detalles de los personajes y a unas interpretaciones con finos matices. Está lleno de oscuridad, peligro y misterio, y tiene un nivel de calidad y relevancia que no suele verse en miniseries" 

Al otro lado de la costa, al Este, Matthew Gilbert en el Boston Globe comentó que "Me quedé fascinado con los tres primeros episodios (...) Si te gustan las ficciones históricas sombrías y los adoquines sucios, si no te importa mirar algunas de las facetas más sombrías de la humanidad, esta [serie] es para ti." 

Sonia Saraiya de Variety la describió como una serie "Agotadora y tosca, este nuevo drama de época desperdicia a sus talentosos actores con su claroscuro y su angustia." 

Ben Travers en IndieWire comentó que "Aunque 'Taboo' quizás da prioridad al estilo sobre la profundidad, el resultado es una historia adictiva, que se cuece a fuego lento y un viaje terriblemente entretenido." 

En Illinois Tom Long en Detroit News comenta que e"Es una mezcla rica de intrigas con los ocasionales episodios de violencia brutal ya que Delaney trata de construir su propio imperio y recuperar su verdadero e ilícito amor." 

Desde Chile Ernesto Garrat en El Mercurio entiende que "Una serie oscura, con espesuras morales profundas y una puesta en pantalla que por ratos puede parecer el viaje al subconsciente de un protagonista torturado." 

Algunos historiadores han expresado su preocupación por la posible representación inexacta de la Compañía Británica de las Indias Orientales . Antes de la emisión de Taboo , Steven Knight declaró: «Este hombre, James Delaney, es un ser humano profundamente imperfecto y atormentado. Su mayor lucha será contra la Compañía Británica de las Indias Orientales, que, a lo largo del siglo XIX, fue el equivalente a la CIA , la NSA y la corporación multinacional más grande y malvada del mundo, todo ello fusionado en un monolito moralista y con motivaciones religiosas». 

Tirthankar Roy, historiador económico de la London School of Economics , argumentó que ofrecía una visión excesivamente negativa de la Compañía Británica de las Indias Orientales. 

Nick Robins, autor de The Corporation That Changed the World , añadió que la organización había realizado una contribución positiva, pero que, para cuando se disolvió, hacía tiempo que había «sobrevivido a su utilidad».

Taboo es una gran serie, acorde con la imagen que tenemos nosotros de la series de la BBC que destaca como un relato gótico, visceral y sumamente magnético. Estrenada en 2017 y cocreada por Steven Knight, Tom Hardy y su padre, Chips Hardy, la serie subvierte las producciones de época tradicionales para ofrecer un viaje oscuro a las entrañas del Londres de 1814 y en concreto se área portuaria. Ofrece una actuación magnética, brutal y llena de matices, cargando el peso dramático con una presencia física imponente y una mirada perturbadora. Todo queda lejos de ese Londres victoriano idealizado; la producción retrata la decadencia, el barro, la conspiración y la crudeza visual con una fotografía espectacular. El guion entrelaza la geopolítica de la época, los secretos de la Compañía de las Indias Orientales y el misticismo chamánico en un complejo juego de ajedrez. La serie brilla especialmente por su audacia. No busca complacer al espectador con héroes tradicionales ni romances pulcros. James Keziah Delaney es un antihéroe en toda regla: un hombre dado por muerto que regresa de África envuelto en misterio, ritos oscuros y una sede inquebrantable de justicia y beneficio propio. El ritmo de la narrativa se cuece a fuego lento, permitiendo que el misterio alrededor del monopolio comercial y las tierras del Estrecho de Nutka o Nootka Sound se vuelvan adictivo. Cada episodio es una lección de tensión ambiental, enriquecida por una banda sonora lúgubre que te sumerge por completo en este thriller histórico de tintes sobrenaturales lleno de barro y cargado de humedad, suciedad y ambición desmedida.