domingo, 19 de abril de 2026

El exorcismo de Eastfield



Como, en ocasiones, dice Carlos Alsina al inicio de su monólogo. "Les voy a contar una historia". En realidad les voy a contar varias - pues responden a más de un solo caso-, pero que confluyen en una película que se inspiró en varios incidentes reales donde personas autoproclamadas exorcistas torturaron a individuos bajo la premisa de liberarles de demonios. Todas ellas confluyen en el exorcismo de Eastfield. Con todo, algunas fuentes señalan el caso de Joan Vollmer en Amberes, Bélgica, en 1993 como una influencia directa en la historia de esta película, donde su esposo Ralph, convencido de una posesión, propició un fatal desenlace. 

La película, titulada a veces como Anticristo: El exorcismo de Lara, subraya la negligencia médica y el fanatismo, centrando la historia en la decisión del marido de no tratar la supuesta enfermedad mental de su esposa.

Lo cierto es que Joan Vollmer era una mujer de 49 años que vivía en un pequeño pueblo de Amberes, en Bélgica, junto a su amado esposo Ralph Vollmer que actuó por creencias personales, Ralph Vollmer se convenció de que su segunda esposa, Joan, fue poseída por un demonio. El hombre pueblerino le contó a sus amigos, quienes eran miembros de un grupo eclesiástico destituido, que Joan actuaba muy raro en su día a día y eran unos espíritus malignos los que hacían que la mujer bailara al aire libre, dijera palabrotas, actuara “como una prostituta” y se comportara como un cerdo o un perro.

Con este suceso en mente, Ralph y sus amigos se convencieron de que Lara tenía en su cuerpo a 10 demonios poseyéndola, por lo que, además de intentar atarla a su cama o encerrarla en el sótano, su esposo y la amiga de este, Leanne Reichenbach inmovilizaron a la mujer “poseída” y le negaron agua y comida durante días mientras estos rezaban por ella. 

Cuando esto no le funcionó a Ralph, el hombre llamó a 2 miembros más de la iglesia deshecha que podría ayudar en el caso; David Klingner y Matthew Nuske, quienes cambiaron drásticamente la dinámica por atender el caso, que, para ese momento, ya era reconocido por el esposo como “un espíritu maligno con el que había que tratar” y no el “salvar” a su amada. 

Después de estar atada y sin comer por días, el nuevo hombre que sumó al caso, Nuske, bendijo un poco de aceite de oliva y ordenó a los demás miembros del grupo de exorcismo que se rociaran con él. Luego, tomó una caja de film transparente y dio siete vueltas alrededor de la casa con él, sellando puertas y ventanas contra los demonios. Asimismo, el hombre con “poderes especiales” también pidió a los miembros que destrozaran las posesiones de Juana con un martillo y destruyeran sus parterres y su invernadero para desbaratar a cualquier demonio que pudiera estar al acecho. Según los “estudios” de Nuske, Joan estaba poseída por una serie deminos; una madre llamada “La princesa Joan”, una hija llamada “Princesa Baby Joan”, y la “legión”, que definió como una multitud de poderosos demonios que, de acuerdo con la Biblia, Jesucristo exorcizó de un hombre poseído.

El exorcismo siguió por un par de días donde, junto a Ralph y David, Nuske abofeteó constantemente a Joan y estrelló su cabeza contra la pared para expulsar a los demonios y, aunque Joan suplicó por su vida, el hombre nunca paró su ritual. A las 4 de la tarde del 30 de enero, el grupo trasladó el maltrecho cuerpo de Joan al dormitorio, donde los miembros se sentaron sobre ella y comenzaron a golpearle la cabeza, el cuello y el pecho para “exprimir” a los demonios que traía desde el vientre hasta la boca. 

Finalmente, después de mucho aguantar, Joan Vollmer se calló y Nuske proclamó la victoria sobre los demonios diciendo que, a la mañana siguiente, la mujer se levantaría como siempre y todo habría vuelto a la normalidad.48 horas y sin ver la “resurrección” de su esposa, Ralph mandó llamar a un ministro baptista local para revisarla. 

El pastor encontró al grupo almorzando mientras el cuerpo de Joan yacía cubierto de moscas, hinchándose y descomponiéndose bajo un calor de 40 grados, por lo que llamó a un médico y a la policía. 

Tres días después del hecho, Ralph Vollmer celebró el funeral de Joan donde aún creía que su mujer resucitaría de entre los muertos. Al no hacerlo, Vollmer se echó a llorar. Una autopsia posterior determinó que la presión ejercida sobre el cuello de Joan Vollmer le había fracturado el cartílago tiroides y le había provocado un infarto. 

Al final, Ralph Vollmer, Leanne Reichenbach, David Klingner y Matthew Nuske enfrentaron los cargos hechos por la policía bajo la tentativa de homicidio a Joan Vollmer. 

Tiempo después, los 4 lideres de la secta se hallaron declarados culpables por homicidio involuntario y/o detención ilegal. Sin embargo Vollmer y Nuske salieron en libertad con penas suspendidas. 

Finalmente, a los meses de regresar a su hogar, Ralph se fue de Amberes y, junto a su nueva y tercer esposa, se mudó a Queensland, y este es el momento en que enlazo con una película que se vendió en España como El exorcismo de Eastfield. 

Esta es una película de terror australiana del año 2023 que fue la ganadora la mejor película de la sesión panorama del festival Sitges, pero con el título de Godless: The Eastfield Exorcism se estrenó en Filipinas en marzo de 2023, antes de tener su estreno mundial en el Overlook Film Festival de 2023 de Luisiana . 

Dirigida por Nick Kozakis, director y editor en Visible Studios, un director galardonado, que dirige proyectos con algunos de los creativos más talentosos de Australia. Se ha convertido rápidamente en uno de los directores emergentes más prometedores de la industria cinematográfica. 

La película fue escrita por Alexander Angliss-Wilson, la película fue producida por Lauren Simpson, Timothy Whiting y Tony Coombs representantes de XYZ Films,Visible Studios, Harvest Pictures Group y Iris Arc Pictures. En el apartado técnico destaca la fotografía de Carl Allison, la música de Dimitri Golovko. Está protagonizada por Georgia Eyers, Dan Ewing, Tim Pocock, Rosie Traynor y Eliza Matengu. 

Con un enfoque de thriller de terror basado en hechos reales es una mirada escalofriante y directa al fanatismo religioso a los exorcismo, donde los seres humanos se convierten en los verdaderos demonios que afrontar.

Lara (Georgia Eyers) es una mujer atormentada que sufre problemas de salud mental (aparentemente bipolaridad) que se manifiestan en visiones y comportamientos extraños. Es una mujer dividida entre la ciencia y la fe que está perdiendo la cordura y su marido de desesperado en busca de una cura al empuja inicial un tratamiento en una congregación de fanático religioso. Este cree que los problemas de su mujer han traspasado los límites de la medicina moderna y de la psiquiatría y busca una solución espiritual como única y última cura. 



La diferencia de otras películas de exorcismo este se centra en las torturas las que se ve sometida a Lara con mala víctima de esta historia, a manos de un hombre que se autoproclama hacia sí mismo exorcista y cuyo esos film acaba como el rosario de la aurora. 

La película que dice basarse en hechos reales señala que los tres impulsores del exorcismo acabaron acusados de homicidio involuntario, aunque ninguno de ellos pasó por presión. En este tipo de actuaciones en las que las víctimas son principalmente mujeres y niños. La historia se basa libremente en el fallido exorcismo de Joan Vollmer en 1993 en Amberes, Victoria. 

Eastfield, Australia profunda, 1994, donde una joven pareja no pasa por sus mejores horas debido a la esquizofrenia paranoide, que la lleva a comportamientos malsanos y aterradores, que sufre ella, Lara, ante la impotencia de su marido. 

Lara (Georgia Eyers) es una chica casada con problemas de salud mental. En vista de que la psicóloga no hace progresos con ella, su esposo, Ron Levonde (Dan Ewing) convencido de que se trata de un problema espiritual, está poseída. Cree que los problemas de su esposa han superado los límites de la medicina moderna y que una solución espiritual es la única forma de curarla. 



El marido decide ponerla en manos de una congregación de fanáticos religiosos, liderados por un loco Daniel James King (Tim Pocock), para ayudarla a purgar su mal de una vez por todas. Ellos son los que aterran e inquietan . Este fervor enfermizo de los fanáticos, el empeño de buscar el mal donde no lo hay y luchar contra un enemigo inexistente, aunque Daniel  como un maníaco y enardecido decide seguir con sus seguidores que vociferan y rezan mientras son incapaces de ver la realidad de la crueldad que infligen a la chica. 

Más tarde, un obstinado detective llamado Chambers comienza a investigar los extraños sucesos (John Wood) ante la denuncia por parte de la psiquiatra de Lara, aunque con el resultado ya conocido. 

El rodaje tuvo lugar en Shire of Hepburn en Victoria, Australia, en noviembre y diciembre de 2021, y se hizo al más puro estilo del cine independiente, la posproducción de "Godless" se realizó íntegramente desde una MacBook Pro compartida por el departamento de posproducción. Según el director, rodaba de día y editaba de noche para asegurarse de capturar todo, ya que no era posible repetir la grabación. 

Esta cinta se rodó en 20 días en la zona rural de Victoria con un presupuesto tan bajo que la mayor parte del dinero se destinó a alojamiento y comida. El equipo, que era de primera línea, tuvo que trabajar en dos empleos para conseguir los fondos necesarios para completar el largometraje. La investigación y el desarrollo de la película se realizaron durante los extensos confinamientos por la COVID-19 en Melbourne, Australia, y la producción comenzó inmediatamente después de la flexibilización de las medidas de confinamiento.

Godless: The Eastfield Exorcism" se centra en la tortura masoquista, rezos y los encantamientos mentales a los que es sometida Lara, la presunta víctima, de forma más o menos realista. Los exorcismos, oraciones y otras condenas contra el supuesto demonio que habita en Lara son llevados a cabo por un hombre que se autodenomina exorcista salvador .

La película premiada en Sitges ha tenido críticas diversas. Natalia Keogan de Filmmaker elogió la actuación de Georgia Eyers y escribió que, "Es interesante ver una película de terror, denunciar ritos religiosos peligrosos en lugar de sensacionalizarlos, y aún más para una que está 'basada en hechos reales' (un caso de 1994) para presentar hechos tangibles en lugar de ocultarlos para crear una narrativa más convincente". 

Para Matthew Monagle de The Playlist "Una escalofriante mirada al extremismo religioso (...) Enhorabuena a los cineastas por hacer una película de terror sobre la religión en la que las personas, y no los monstruos, son el mayor peligro" .

Según Josh Korngut de Dread Central la película "Encuentra una solución única al sensacionalismo del miedo religioso explorando la violencia y las consecuencias de los exorcismos en el mundo real (...)" 

Para Meagan Navarro de Bloody Disgusting la critica se centra en su narrativa como "despojada de todo fuera de su camino hacia la destrucción inducida por el exorcismo" y su diseño de sonido como "exagerado"; dijo que la película era "efectivamente incómoda" pero se refirió a ella como "menos exitosa en sus intentos de infundir una película de terror ficticia con crímenes reales" y concluye diciendo que "Está tan centrada en transmitir su mensaje que se convierte en una experiencia agotadora (...) . 

Pues esta es la historia que quería contar, la de una película incómoda, oscura y cruda, que genera suspense a través del deterioro de la protagonista y la manipulación por parte de la congregación y que se centra en la violencia humana y en la idea de cómo el fanatismo, en lugar de acabar con monstruos o posesiones explícitas,acaba con la gente como vemos en este thriller sobre un caso real de "falso exorcismo".



lunes, 13 de abril de 2026

Revisión de Ironclap2



Revisada por segunda vez esta Ironclad 2 , conocida en español como Templario II: Batalla por la sangre (o Ironclad: Battle for Blood en inglés), sigue siendo una película de acción medieval estrenada en 2014 que funciona como secuela de Ironclad (2011). La película está dirigida por Jonathan English, quien también se dirigió a la primera parte. 

La historia sigue a un superviviente del gran asedio del Castillo de Rochester (de la primera película), quien se une a un grupo de mercenarios para defender el castillo de su familia contra los asaltantes de un clan de escoceses. Se centra en la lucha por la supervivencia y la venganza, manteniendo un tono de cine medieval de acción y ultraviolento. 

Reunidos por el joven Hubert (Tom Rhys Harries), ante la peticiçón de su padre herido consigue reunir a un reducido grupo de espadas a sueldo se reune para buscar venganza por la muerte del hijo de uno de los mercenarios. Guy (Tom Austen) es un joven mercenario cuya alma está atormentada tras las atrocidades que cometió en el pasado en la Batalla del Castillo de Rochester y sus sentimientos por su prima Kate auqnue,a nte todo, la idea es proteger el castillo. Otros personajes incluyen a Michelle Fairley, Roxanne McKee y Danny Webb.

Estamos ante una producción de bajo presupuesto enfocada en combates brutales y el honor en el campo de batalla en el siglo XIII. 

La valoración crítica no puede ser peor.Michael Nordine en el Village Voice afirma que "El coguionista y director Jonathan English aumenta las vísceras y los desnudos a expensas de una narrativa convincente, que no era el punto fuerte del original (si es que lo tenía)". Robert Abele de los Los Angeles Times considera que "La promesa de violencia del título se cumple a rajatabla en sangrientos y sonoros combates cuerpo a cuerpo rodados en Confuse-o-vision, como si la cámara hubiera sido atada a una batidora antes de editar el material con el botón de puré". Guy Lodge en Variety destaca que la película "[Ofrece] suficientes amputaciones, decapitaciones y otros casos de gore con cuchillas oxidadas para distraer a los aficionados al género poco perspicaces atrapados entre temporadas de 'Game of Thrones'" 

Ya en España, algo más generoso con ella se muestra Fausto Fernández que nos dice que es "una pasablemente violenta secuela de la uno, y que sacada para el mercado dvdgráfico, aumentaba la ración de hemoglobina y mutilaciones en detrimento de narrar una historia de la historia".

sábado, 11 de abril de 2026

El padrino III: Coda



El Padrino III (1990)- aquí como El padrino Epílogo: La muerte de Michael Corleone- nos presenta la etapa final de la vida de Michael Corleone, de esta trilogía coppoliana, con guion escrito a media entre el director y Mario Puzo, y con la producción de Fred Roos, enfocándose intensamente en la redención, la culpa y las consecuencias de las acciones pasadas. A diferencia de las primeras entregas, esta película explora la transición del poder criminal a la legitimidad y la carga moral que esto conlleva, aunque eso sí, se centra en el desgaste emocional y moral de un hombre que, habiendo alcanzado todo el poder, y sabiendo que «El hombre más rico es el que tiene los amigos más poderosos», se da cuenta de la imposibilidad de escapar de su pasado, enfrentándose a la soledad y la pérdida. Esa última imagen con un Michael envejecido y solo, casi abandonado es la desolación absoluta. 

La versión que he visto es del año 2020 y es un film restaurado, mejorando su calidad de imagen y sonido y que incluye el principio del mente me traje un mensaje del director ( en inglés con subtítulos en español) presentando la película, y qué televisión española decidió cepillársela. Nunca es cierto que al final aparece escrito que " cuando los sicilianos te desean Cent'anni quieren decir larga vida... Y un siciliano nunca olvida". 

Comentada la película hace años, bajo el título de Siete horas y media, aunque aquí presentada como un montaje realizado por el director, esta viene a ser la composición final de la mítica, el Padrino épico, que Francis Ford Coppola quiso presentarnos de una forma casi cronológica. Eso sí la carga de valores en esta película que, como decía, en mi publicación hace ya muchos años, vuelve a centrarse en la condición humana se centra en la búsqueda de la redención y la expiación que se hace notable desde el inicio de la película cuando Michael Corleone intenta limpiar el nombre de su familia y legitimar sus negocios, buscando el perdón por sus pecados pasados, aunque sea comprando Immobiliare y descubriendo que "mientras más se sube, más corrupción encuentra". 



También a lo largo de todo el recorrido visual está presente la culpa y el remordimiento, ya que a diferencia de su etapa anterior, Michael vive con el peso de sus decisiones, sintiendo culpa por la muerte de su hermano Fredo y la ruptura de su familia como confiesa al cardenal. 



Eso sí, para Michael la familia sigue siendo el pilar de su vida, ha de ser su legado y, por lo tanto, responsabilidad si tiene algo de poder es para protegerla encontrar un sucesor adecuado para alejarla del crimen, algo que consigue con Vicent, el hijo de su sobrino que será capaz de renunciar al amor por el poder tal y comno confiesa a su prima amada "Hay cosas que quiero hacer en las que tú no puedes participar. No culpes a tu padre. Fue mi decisión. No odies a tu padre. Quiero ser parte de algo en lo que tú no tienes cabida. Después de esta noche, no nos volveremos a ver".  



No obstante, todo lo que que hace se transforma en dolor. En la película vemos que el amor filial (por su hija Mary y su hijo Anthony) es lo que le convierte en un hombre vulnerable que llega a confesar a su hija que "ardería en el infierno con tal de mantenerte a salvo", algo que no puede, como vemos en la sobrecogedora escena final de la gran tragedia de corte teatral a las puertas de la Ópera de Palermo con el mayor grito silencioso de la historia del cine. Y como siempre en toda la obra épica del Padrino la película, en este caso, crepuscular explora la corrupción en las altas esferas, incluyendo el Vaticano, contrastando la aparente respetabilidad con la verdadera criminalidad, una vez transformada la ambición en culpa y dolor y el poder en soledad.

viernes, 10 de abril de 2026

Breve encuentro



Hacía más de treinta años que no veía Breve encuentro, una película clásica del cine romántico británico del año 1945 y dirigido por el gran David Lean. Fue allá por 1995 cuando con ella empezó el segundo año de un curso titulado Análisis Textual de la Imagen que se complementó con La Edad de la Inocencia (1993) de Martin Scorsese. A lo largo de esos meses que duró el curso intercalamos estas dos historias narradas por dos de los grandes y que, evidentemente , tienen muchos elementos en común. 

La película es un ejercicio brillante para narrarnos una historia de amor que hace que la casualidad una a un hombre y una mujer, ambos de edad madura y casados, mientras coinciden en una estación de ferrocarril que utilizan para dirigirse a los respectivos lugares donde residen. Poco a poco entablan una amistad que se irá convirtiendo en amor. 

Pocas veces el uso de la música ha sido tan brillante con este Concierto número 2 para Piano de Rachmaninov o Rajmáninov, y que hace de esta historia, una historia vibrante llena de imágenes impactantes como esa mirada de una mujer enamorada por la ventana en la que vemos su reflejo y además vemos su sueño y medio.

El Concierto para Piano n.º 2 en do menor, Op. 18, de Serguéi Rajmáninov (1901) fue compuesto tras un periodo de depresión severa y bloqueo creativo (provocado por el fracaso de su Primera Sinfonía), este concierto supuso el regreso triunfal de Rajmáninov. La obra, dedicada al Dr. Nikolai Dahl (quien utilizó hipnoterapia para ayudarle), simboliza el renacer emocional y profesional del músico. En una época en la que la música clásica se movía hacia el modernismo (Stravinsky, Schoenberg), Rajmáninov consolidó con esta obra el romanticismo tardío ruso, caracterizado por melodías líricas y extensas, una profunda carga emocional y una gran riqueza armónica. Está considerado uno de los mejores conciertos para piano jamás escritos. Su éxito fue tal que estableció a Rajmáninov como un compositor de renombre internacional, no solo como un virtuoso del piano. A diferencia de conciertos anteriores donde el piano domina, Rajmáninov logró un equilibrio donde el piano se funde con la orquesta, convirtiéndose en un ingrediente textural más, al mismo tiempo que mantiene momentos de virtuosismo puro. El segundo movimiento, en particular, es icónico y ha sido utilizado en numerosas bandas sonoras (como Breve encuentro, 1945). El Concierto No. 2 se mantiene hoy en día como una de las piezas más interpretadas y amadas en todo el mundo y fue elegida por el director de la película David Lean, que participó igualmente en el guion de la película junto a Noël Coward,  Anthony Havelock-Allan  y Ronald Neame basándose en la obra de teatro que llevaba por título Still Life  que viene a significar Naturaleza Muerta de 1936.

La película fue producida por Cineguild contando como productores a Noël Coward , Anthony Havelock-Allan y Ronald Neame tuvo un presupuesto de alrededor de un millón de dólares.  Fue distribuida la película por Eagle-Lion Distributors , la mítica E-L.

La película fue un vehículo para Trevor Howard, Celia Johnson, Stanley Holloway,  Joyce Carey y Cyril Raymond.  Junto a ellos participan Everley Gregg y Margaret Barton. En labores técnicas nos encontramos con la fotografía de Robert Krasker, el montaje de Jack Harris y la música de Sergei Rachmaninoff - que también así se puede escribir-.  

Breve encuentro narra la historia de dos desconocidos casados ​​que viven en la Inglaterra anterior a la Segunda Guerra Mundial. Su encuentro casual en una estación de tren da lugar a un breve pero intenso romance que trastorna sus vidas, por lo demás convencionales.

La historia comienza en la sala de descanso de un bar de una estación de tren, un hombre, Alec (Trevor Howard)  y una mujer, Laura ( Celia Johnson) están sentados con semblante sombrío en una mesa. Tras algún comentario en la barra del bar entre la propietaria y el encargado de la estación, al espacio entra una amiga de la mujer y enseguida empieza a charlar animadamente. Ambos, Alec y Laura, se miran molestos, pero Laura por educación le da una conversación que no desea.




Tras unos breves saludos, Alec, tras pedir un té para la señora, se marcha para coger su tren no sin antes colocar su mano sobre el hombro de ella. La mujer le explica que Alec es doctor y está a punto de mudarse a África. Después de que el hombre se vaya, la mujer desaparece repentinamente, pero pronto regresa, explicando que quería ver pasar el tren expreso. Eso sí, retorna con un semblante de agotamiento, agitada.

Tras un breve intervalo, las dos mujeres se dirigen a su propio tren. En casa, Laura Jesson, la mujer de la mesa, está sentada en el salón con su marido, Fred (Cyrill Raymond) . Laura reflexiona en silencio sobre sus experiencias recientes, que le cuenta a su marido a modo de confesión. 

En esa confesión silenciosa quedamos informados de que Laura visita Milford todas las semanas para ir de compras y ver una película por la tarde. En una de esas salidas conoce al idealista doctor Alec Harvey, que trabaja en el hospital local los jueves. Alec la conquista al extraerle con delicadeza una mota de polvo del ojo. 



Laura sigue visitando Milford los jueves. La semana siguiente, se encuentra con Alec en la farmacia. La semana después, almuerzan juntos y ven una película. Aunque ambos están casados ​​y tienen hijos, su relación inocente y casual comienza a profundizarse sobre todo cuando ella descubra en él a un hombre idealista y de principios. 




La situación los incomoda, aunque admiten que se aman cosas que evidencian en sus salidas al exterior al campo, al lago o sobre el viejo puente de piedra.

Laura y Alec siguen viéndose en público hasta que, inesperadamente, se topan con algunas amigas de Laura, lo que da pie al primero de muchos malentendidos. 

Finalmente, acuerdan hacer el amor en el apartamento de Stephen, amigo de Alec, que tenía planes para cenar. Sin embargo, Stephen regresa inesperadamente. Stephen oye a Laura escabullirse y sutilmente reprende a Alec por su infidelidad. 

Una angustiada Laura vaga por las calles durante tres horas hasta que un policía preocupado la insta a volver a casa. 

En la estación de tren, Laura y Alec admiten que su relación es inviable. Por el bien de su familia, Alec decide terminar su relación con Laura aceptando un trabajo en Johannesburgo que le ofrece su hermano que sabe que van a abrir allí un hospital. 

La semana siguiente, Laura y Alec tienen su último encuentro en la cafetería de la estación de tren, como se mostró en la escena inicial. Mientras se preparan para despedirse definitivamente, Dolly Messiter, conocida de Laura, los interrumpe, ajena a su angustia. 

El tren de Alec llega antes de que puedan despedirse como es debido. Al marcharse, él le da un discreto apretón en el hombro a Laura. Laura, abrumada por la emoción, casi se suicida arrojándose a las vías del tren. Sin embargo, se recompone y regresa a casa con su familia. 

En casa, Fred percibe la distancia emocional de Laura, aunque desconoce la causa. Le agradece que haya vuelto y ella llora en sus brazos acabando , entre lágrimas, la película mientras suenas las notas del piano de Rachmaninov. 

Una subtrama paralela se centra en las interacciones del personal de la estación y del bar. Dos de los empleados coquetean entre sí, pero no pueden mostrarse cariñosos en público durante el horario laboral, lo que contrasta irónicamente con la facilidad con la que Laura y Alec pueden verse abiertamente, pero su incapacidad para tener una relación fuera del trabajo. 

Breve encuentro se basa en la obra de un acto de Noël Coward, Naturaleza muerta (1936), una de las diez obras cortas del ciclo Esta noche a las 8:30, diseñada para Gertrude Lawrence y el propio Coward, para ser representadas en varias combinaciones como programas triples. Todas las escenas de Naturaleza muerta se desarrollan en la sala de refrescos de la ficticia estación de tren de Milford Junction. 

Como es común en las películas adaptadas de obras de teatro, la película incluye escenarios que solo se mencionan en la obra, como el apartamento del Dr. Lynn, la casa de Laura, un cine, un restaurante y una sucursal de Boots the Chemist. 

Se añadieron varias escenas para la película, incluyendo una escena en un lago donde el Dr. Harvey se moja los pies, Laura vagando sola en la oscuridad y fumando en un banco del parque donde es abordada por un oficial de policía, y un paseo por el campo en un coche alquilado. 

Algunas escenas se modificaron para que fueran menos ambiguas y más dramáticas en la adaptación cinematográfica. La escena en la que los amantes están a punto de cometer adulterio se suavizó. En la obra de teatro, se deja al público la decisión de si consuman su relación, mientras que en la película, no lo hacen. 

En la película, Laura acaba de llegar al apartamento de la Dr. Lynn cuando regresa el propietario, lo que provoca que el Dr. Harvey la acompañe rápidamente a la salida por la puerta de servicio de la cocina. Además, cuando Laura contempla el suicidio arrojándose a las vías del tren, la película deja más clara su intención mediante una narración en off. 

En la obra de teatro, los personajes de la estación de Milford —la Sra. Bagot, el Sr. Godby, Beryl y Stanley— son conscientes de la creciente relación entre Laura y Alec y la mencionan ocasionalmente de forma casual. En la película, estos personajes apenas prestan atención a la pareja. 

La escena final de la película, en la que Laura abraza a su marido después de que este reconozca su distanciamiento emocional y posiblemente sospeche la causa, no aparece en la obra de teatro original.  Existen dos ediciones del guion original de Coward para la adaptación cinematográfica.

Gran parte de la película se rodó en la estación de tren de Carnforth, en Lancashire, que por aquel entonces era un importante nudo ferroviario de la London, Midland and Scottish Railway. Aunque era una estación concurrida, estaba lo suficientemente lejos de las grandes ciudades como para evitar el apagón durante el rodaje, lo que permitió filmar a principios de 1945, antes de que terminara la Segunda Guerra Mundial. 

En dos momentos de la película, los letreros de los andenes indican destinos locales como Leeds, Bradford, Morecambe y Lancaster, aunque Milford se sitúa en los condados cercanos a Londres. Noël Coward fue el encargado de los anuncios de la estación en la película. La cafetería de la estación se recreó en un estudio. La estación de Carnforth conserva muchos de los elementos de la época del rodaje y se ha convertido en un lugar de peregrinación para los fans de la película.

Algunas de las escenas urbanas se rodaron en Londres, Denham y Beaconsfield, cerca de los estudios Denham. El puente rural que los amantes visitan dos veces, incluyendo su último día, es el puente Middle Fell en Dungeon Ghyll, Cumbria.

El poema con el que Fred le pide ayuda a Laura para su crucigrama es de John Keats: «Cuando temo dejar de existir». La cita que Fred recita es: «Cuando contemplo, sobre el rostro estrellado de la noche, enormes símbolos nubosos de un romance sublime». Además de la referencia a Keats, hay una alusión visual a un poema de amor árabe.

En cuanto al elenco decir que la primera opción para el papel de Alec Harvey fue Roger Livesey, pero David Lean eligió a Trevor Howard después de verlo en El camino a las estrellas. Para el papel de Laura, David Lean y Noël Coward querían que Celia Johnson interpretara el papel de Laura Jesson, y eso que Johnson odiaba hacer películas, pero después de que Coward le leyera el guion en octubre de 1944, supo que tenía que interpretar el papel.

Originalmente, Joyce Barbour había sido elegida para el papel de Dolly, pero Lean no quedó satisfecho con su actuación y fue reemplazada por Everley Gregg. 

Fragmentos del Concierto para piano n.° 2 de Sergei Rachmaninoff se repiten a lo largo de la película, interpretados por la Orquesta Sinfónica Nacional bajo la dirección de Muir Mathieson, con Eileen Joyce como pianista. Además, hay una escena en un salón de té donde una orquesta de salón toca la Danza española n.° 5 (Bolero) de Moritz Moszkowski. 

La película se estrenó en Londres el 13 de noviembre de 1945, seguida de su estreno general en noviembre de ese año. 

Recibió una gran aclamación de la crítica, con las interpretaciones de Johnson y Howard recibiendo grandes elogios, y un éxito comercial moderado en taquilla. Breve encuentro recibió tres nominaciones en la 19.ª edición de los Premios Óscar: Mejor Director (David Lean), Mejor Actriz (celia Johnson) y Mejor Guion Adaptado (Anthony Havelock-Allan, David Lean, Ronald Neame). 


La película fue una de las once ganadoras del Gran Premio en el Festival de Cannes de 1946 a la mejor película y obtuvo el FIPRESCI, y Johnson recibió el Premio del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York a la Mejor Actriz (Celia Johnson), estando nominada a las mejores película del año por la National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos).

Muchos críticos, historiadores y académicos consideran Breve Encuentro una de las mejores películas de todos los tiempos. En 1999, el Instituto Británico de Cine la clasificó como la segunda mejor película británica de la historia. En 2017, una encuesta de Time Out realizada a 150 actores, directores, guionistas, productores y críticos la situó como la duodécima mejor película británica de todos los tiempos. 

Breve encuentro recibió elogios generalizados de la crítica, y las actuaciones de Johnson y Howard fueron muy alabadas; aunque existían dudas sobre su popularidad general. 

Tuvo un éxito moderado en el Reino Unido y se convirtió en un gran éxito en Estados Unidos, lo que le valió a Johnson la nominación al Premio Óscar a la Mejor Actriz. 

En su país, la crítica fue positiva de inicio a fin. David Thomson del The Guardian escribe sonbre ella diciendo que "Está tan bien hecha (...) La narración con voz en off de Laura es verdaderamente angustiosa y onírica (...) La música nos embauca a todos (...) Celia Johnson y Trevor Howard están perfectos" 

Tom Dawson de la BBC dijo sobre ella que era "Un retrato emotivo de cómo las convenciones sociales pueden romper los sueños individuales de felicidad (...) La visión que tiene 'Brief Encounter' del amor prohibido perdura (…) 

David Parkinson de Radio Times sostuvo que "Una de las mejores películas hechas en Gran Bretaña (...) Lo que hace que el amor ilícito entre el doctor Trevor Howard y la ama de casa Celia Johnson sea tan memorable es su auténtica cotidianidad (…) 

Tom Huddleston de Time Out recientemente ha escrito que se trata de "Una de las películas más emocionalmente devastadoras de todos los tiempos (...) 'Brief Encounter' es mucho más que una simple historia de dos amantes (…)" 



En Empire, Caroline Westbrook considera que "Su valor reside por encima de todo en su descripción realista de la vida provincial de la clase media inglesa (...) Celia Johnson está innegablemente conmovedora (…)" 

En los Estados Unidos los elogios fueron continuos. La revista Variety elogió la película, afirmando: «El nombre de Coward y una historia sólida auguran buenas posibilidades en Estados Unidos». 

La crítica del New York Times firmada por Bosley Crowther fue favorable: "De todas las ofertas recientes en los cines, es sin duda una de las mejores. Y eso se debe a que hace algo que muy pocas de nuestras películas logran: cuenta una historia humana creíble de una manera directa y verosímil. Es una historia mínima y delicada... y el romance es de lo más simple: solo un par de encuentros inofensivos en los que los dos almuerzan juntos, van al cine y dan un modesto paseo por el campo. Es solo un encuentro tentativo en el apartamento de un amigo ausente (que casualmente regresa a casa antes de tiempo) lo que les hace ver la imposibilidad del amor y los obliga a la separación final (que inicia la narración en forma de flashback)... De hecho, es en la decencia y la evidente futilidad de su amor, rodeado por todas las convenciones de la sociedad y la vida doméstica, donde reside el corazón del drama. Porque la pequeña historia del Sr. Coward simplemente dice que nuestras vidas monótonas están gobernadas principalmente por... lealtades; solo nos rendimos de vez en cuando a sueños imposibles. 

Michael Mirasol en la prestigiosa web de cine rogerebert.com señala que "La decisión de grabar en una estación de tren es una jugada maestra (...) Es valiente, sincera e increíblemente romántica." 

El Chicago Tribune coincidió: «Una elegía a un amor perdido, "Breve encuentro" es una película artística y sensible de gran calidad. Por su sencillez y falta de artificios, la historia posee un realismo profundamente conmovedor… Celia Johnson convierte a su Laura en un personaje encantador, y el Dr. Harvey, interpretado por Trevor Howard, es igualmente carismático. Ninguno de los dos es particularmente atractivo, lo que realza el atractivo y la verosimilitud de esta triste historia. Son personas comunes y corrientes, viviendo una historia muy antigua, pero tienen carácter y conciencia, y no los olvidarás fácilmente».

También desde Illinois Don Druker en las páginas del Chicago Reader nos destaca que la película "Sobrevive más como documento social que como un drama genuinamente convincente". 

Mike D'Angelo en AV Club consideramos que estamos ante "[Una] obra maestra de restricción y represión británicas (...) La experiencia de acercarte sin querer a alguien que amenaza con destruir tu vida no se ha desarrollado de forma tan exquisita nunca, en toda su pena y su gloria." 

Clayton Dillard de Slant piensa que "['Brief Encounter'] complica el bienestar de Laura transformando sus ansiedades en las de todo el Reino Unido (…) 

En la película, la narración de Laura deja claro que lo que finalmente la frena no es simplemente la convención social, sino un profundo horror ante la idea de traicionar a su marido y a sus propios principios morales, a pesar de la fuerte tentación emocional. La tensión entre el deseo y el deber es fundamental para la historia y ayuda a explicar el atractivo perdurable de la película. Estas convenciones morales eran ampliamente compartidas en la época en que se ambienta la película. Por ejemplo, el estigma asociado al divorcio influyó en la abdicación de Eduardo VIII en 1936. Adaptar la historia a un contexto mucho más moderno habría conllevado el riesgo de que esos valores quedaran obsoletos, socavando así la verosimilitud de la trama, lo que podría explicar el fracaso del remake de 1974.[32] 

Estrenada en el contexto de la Segunda Guerra Mundial, cuando las relaciones pasajeras eran comunes y las mujeres gozaban de mayor libertad sexual y económica, la película reflejaba las inquietudes de la época. 

En British National Cinema (1997), Sarah Street sostiene que Breve encuentro «articulaba una gama de sentimientos sobre la infidelidad que invitaban a una fácil identificación, ya fuera con el marido, el amante, los hijos o la patria» (p. 55). En este contexto, algunas críticas feministas han interpretado la película como un intento de estabilizar las relaciones y restaurar el orden social de antes de la guerra.

Richard Dyer, en su estudio de 1993 para el BFI sobre la película, señala que, con el auge de la reforma de la ley sobre la homosexualidad, los hombres homosexuales se identificaron con la difícil situación de los personajes, viéndola como análoga a sus propias limitaciones sociales para formar y mantener relaciones. 

Sean O'Connor ha descrito la película como una "representación alegórica del amor prohibido", una interpretación que vincula con la experiencia de Coward como hombre gay que ocultaba su orientación sexual.
Por mi parte decir que la película responde a su contexto histórico , se rodó en los momentos finales de la participación inglesa en la Segunda Guerra Mundial, y se estrenó en noviemnbre de 1945. Dirigida por David Lean, es una obra maestra que retrata el amor imposible en la Inglaterra de posguerra, destacando valores éticos y sociales propios de la clase media británica de la época en la que la abnegación y el deber moral prevlecen sobre el deseo amoroso. Como se dice en un m momento de la película "No sabia que a alguien tan corriente podia sucederle algo tan intenso..." " . 

Por lo pronto hay en todo momento en la película un elevado sentido del deber y de la responsabilidad. Por encima de sus propios deseos, los protagonistas, Laura y Alec, priorizan sus compromisos familiares (matrimonios y sus hijos), demostrando abnegación y responsabilidad. A esto se suma un aspecto que hoy no tendría ninguno valor como la decencia y la moderación, ensalzando la película aspectos como la contención emocional y la "decencia" victoriana/posguerra, donde el autocontrol prima sobre la pasión desenfrenada. 

Otro aspecto a tener presente es la contención ligada a la lealtad, ya que a pesar de la intensa atracción, la lealtad hacia sus cónyuges termina imponiéndose, renunciando a su amor para evitar la destrucción de sus hogares. Todo esto lleva a la renuncia y el sacrificio siendo esto honorable que enfrentarse a un amor imposible. por otro lado, está presente el tema de la dignidad en la derrota ya que ambos personajes deciden separar sus caminos antes de que su relación cause un daño irreparable, aceptando la tristeza con dignidad incluso la separación extrema que lleva a uno a Johannesburgo y a ella a su familia, lo que supone ante todo una honestidad emocional en la que aunque ambos se reprimen, son honestos consigo mismos y con el otro sobre la imposibilidad de su relación, enfrentando la dura realidad sin engañarse. Bella y emotiva y dura película enmarcada en la sensibilidad y lo valores de la sociedad británica de postguerra que siempre me remitirá al pianista y compositor, Rachmanninov, se escriba como se escriba.



jueves, 9 de abril de 2026

Drugstore cowboy



Siempre me ha gustado la canción "The Israelites" que compuso en 1968 el jamaicano Desmond Dekker, una canción pionera del reggae que narra la pobreza y la lucha diaria de la clase trabajadora jamaicana. 

La letra utilizaba la metáfora bíblica de los israelitas esclavizados para describir la dura vida de sus vecinos, enfocándose en la falta de dinero y la lucha por sobrevivir ("slaving for bread", es decir, esclavizados por el pan o lo que es lo mismo luchando por sobrevivir). 

Dekker usó a los "Israelitas" como símbolo de un pueblo resistente frente a la adversidad económica, inspirado por una pareja que discutía por dinero en un parque. A tener presente que no es una canción religiosa, sino un reflejo de la realidad de la Jamaica post-independencia, donde la pobreza era extrema.

Desmond Dekker y su canción The Israelíes aparece en mitad y al fin del filme, un filme que transcurre en la bella localidad de Porland en Oregón y que dirige Gus van Sant y que también participa en el guion junto a Daniel Yost y un sorprendente William S. Burroughs con un diálogo adicional y sin créditos, aunque con presencia como el padre Tom Murphy. El punto de partida está basada en la novela autobiográfica de James Fogle, Un ladrón y asaltante de farmacias, para contarnos la historia de un drogadicto que roba en farmacias y que él y su banda consumen pastillas y evaden la ley. Fue la segunda película de Van Sant como director, después de su debut en 1988 Mala Noche . 

En este magnífico film independiente del año 1989 producido por Karen Murphy y Nick Wechsler para Avenue Pictures y la Metro Goldwyn Mayer y que manejó un presupuesto de 2,5 millones de dólares trabajó en el diseño de producción David Brisbin. 

La película fue el lanzamiento aunque ya era un actor contrastado de Matt Dillon como Bob Hughes, Kelly Lynch como la novia del anterior, Dianne , James LeGros como el joven Rick, la bellísima Heather Graham como Nadine, Ericj Hull, Max Perlich como David, James Remar como Gentry, Grace Zabriskie como Sra. Hughes, la madre del protagonista - y John Kelly. 

La banda sonora de la película fue compuesta por Elliot Goldenthal y contó con la fotografía de Robert Yeoman y el montaje de Mary Bauer y Curtiss Clayton. 

Una imagen cenital nos muestra al protagonista. Éste reflexiona sobre su pasado, pero también sobre su presente. En un momento dado descubrimos que está en el interior de una ambulancia. 

Estamos en 1971 en el área de Portland, Bob Hughes (Matt Dillon) lidera una banda de cuatro delincuentes toxicómanos —su esposa Dianne, su mejor amigo, Rick, y la novia adolescente de este, Nadine— que viajan por el noroeste del Pacífico robando farmacias y hospitales para mantener y cubrir su adicción a las drogas. 



Tras robar en una farmacia del barrio, regresan a casa para drogarse y reciben la visita de David, un delincuente local que busca Dilaudid , difícil de encontrar . Bob afirma que no tienen, pero le ofrece cambiarle morfina por anfetaminas . Aunque al principio se muestra reacio, David accede al intercambio y se marcha. 

Más tarde, unos agentes de policía, liderados por el detective Gentry, quien supone correctamente que el grupo es responsable del robo en la farmacia, allanan y destrozan su apartamento en una búsqueda infructuosa de las drogas robadas, que Dianne ha enterrado en el exterior. 

Tras mudarse a otro apartamento, Bob se da cuenta de que Gentry los tiene bajo vigilancia. Bob idea una elaborada estratagema que provoca que un vecino confunda a uno de los policías, Trousinski, con un mirón y le dispare, hiriéndolo. 

Al día siguiente, un furioso Gentry ataca a Bob y los cuatro deciden marcharse de la ciudad, iniciando una loca aventura por otras localidades del oeste. Así, tras un atraco a una farmacia por parte de Bob, Rick y Nadine, esta última comete un error que enfurece a Bob. 



Bob, que es un supersticioso, al igual que su mujer Diane (Kelly Lynch), así el día que Nadine (Heather Graham) y Rick (James LeGros) les proponen comprar un perro, Bob se enfada pues cree que el simple hecho de mencionar a un perro ya trae 30 días de mala suerte y así les avisa que tampoco dejen un sombrero encima de una cama, pues eso serían 15 años de mala suerte. Pero Nadine decide dejar un sombrero encima de una cama antes de un gran atraco en el que no está invitada a participar, para demostrar a Bob que sus supersticiones son una tontería. 



Con todo, y creyendo que les han echado una maldición , el grupo se lanza a robar una farmacia por una ventanuco que encuentran abierta . En el interior entre su botín de viales de Dilaudid en polvo puro, cada uno valorado en miles de dólares. 

Bob, con la frase «cuando estás en la cima, estás en la cima», convence a Dianne de que debería robar un hospital. 

Durante el atraco, Bob casi es sorprendido y tiene que ocultarse toda la noche. Por su parte, Rick y Diane vuelven a casa creyendo que lo han atrapado y descubren el cuerpo inerte de Nadine, que ha fallecido debido a una sobredosis de Dilaudid robada (pese a que hasta ese momento era la que menos consumía del grupo). 

Cuando Bob llega a casa poco después de ellos, descubre lo que ha sucedido y ve el sombrero encima de la cama. De todas maneras esconden a la chica en el sobretecho.

Al día siguiente, el dueño del motel donde se hospedan les avisa de que tienen que dejar la habitación debido a una convención de policías que se celebrará en la ciudad, por lo que todas las habitaciones del motel se encuentran reservadas. Tras guardar temporalmente el cuerpo de Nadine en el ático del motel, y dado el aviso del gerente deciden marcharse. 

Bob, con una ansiedad tremenda y visiones de esposas y prisión provocadas por el estrés, saca el cuerpo del motel a escondidas en una funda para ropa. 

Antes de enterrar a Nadine en el bosque, Bob le dice a Dianne que va a dejar las drogas y empezar un programa de tratamiento con metadona de 21 días . Conmocionada por la decisión de Bob, Dianne se niega a acompañarlo. 

De vuelta a Portand Bob decide dejar las drogas y el camino de la delincuencia, algo que no le hace ninguna gracia a Diane, su esposa y compañera de siempre, quien no desea dejar las drogas. Por ello Bob ya en su ciudad natal (tras enterrar el cuerpo de Nadine en un bosque) se apunta a un programa de metadona y encuentra un trabajo de tornero.

Bob se muda a un motel de larga estancia en Portland y consiguiendo el trabajo de baja categoría en una fábrica descubre en la clínica de metadona  a un sacerdote anciano y drogadicto llamado Tom, a quien Bob recuerda de sus días como monaguillo .



Gentry visita el motel y comenta que Trousinski ha estado amenazando con darle una paliza a Bob, a quien anima a mantenerse sobrio. 

Más tarde, Bob presencia cómo David intimida a un joven que supuestamente le debe dinero. Bob interviene y deja escapar al hombre, para gran frustración de David. 

Tras pasar un tiempo en su ciudad recibe una visita inesperada de Diane. Ella le revela que ahora tiene una relación con Rick, el nuevo líder del grupo. Dianne le pregunta a Bob qué sucedió en el camino para que cambiara su vida, y él responde que la muerte de Nadine, el maleficio que ella les lanzó y la posibilidad de una larga condena de prisión contribuyeron a su decisión. Bob revela un pacto que hizo con un poder superior: si lograba sacar el cuerpo de Nadine del motel, burlar a la policía y enterrarlo, enderezaría su vida. 

Bob le sugiere a Dianne que se quede a pasar la noche con él, pero ella se niega y le entrega un paquete de drogas antes de irse. Bob le da las drogas a Tom (quien las rechaza todas excepto un frasco de Dilaudid). Ella le desea suerte. 

Acto seguido, los antiguos conocidos de Bob -aunque en este momento enmascarados- , encabezados por David, a los que solía timar, afectados por el síndrome de abstinencia, van a su casa en busca de drogas, creyendo que este aún posee algo. Al no encontrar nada, Bob les dice que está limpio, pero David no le cree y le dispara.   

Un vecino llama para pedir ayuda y suben a Bob a una camilla. Cuando le preguntan quién le disparó, Bob le dice a Gentry que fue "el sombrero". 

Mientras viaja en la ambulancia, Bob concluye, mediante una voz en off, que ha "pagado su deuda con el sombrero" y que, por lo tanto, puede retomar su antiguo estilo de vida sin romper su compromiso. Le divierte la ironía que supone que la policía lo lleve a un hospital: "la farmacia más grande de la ciudad". Y mientras es llevado por la ambulancia al hospital piensa en los aciertos y errores de su vida, deseando que, más allá de ellos, pueda sobrevivir a todo lo acontecido, acabando así la película.

El rodaje principal de Drugstore Cowboy tuvo lugar en Portland en otoño de 1988. Se incluyó un área en el Pearl District que solía ser una estación de ferrocarril , con un viaducto que la cruzaba.  Las Columnas Lovejoy , que antiguamente sostenían el viaducto y exhiben arte marginal , aparecen en la película. La escena inicial de la farmacia se filmó en la farmacia Nob Hill en la calle NW Glisan.



Antes del rodaje, Van Sant y los actores principales pasaron tiempo juntos ensayando y visitando las locaciones de filmación.  Lynch dijo sobre los ensayos: "Lo que Gus quería de esos ensayos era que nos convirtiéramos en una familia, para que cuando llegáramos a filmar, Heather Graham, de 19 años, no se sintiera intimidada por Matt Dillon. Habíamos superado esas cosas y nos convertimos en un aquelarre de actores que pasaban el rato, decían sus diálogos y jugaban juntos. Eso me pareció genial". 

Tom Waits fue la primera opción de Van Sant para interpretar el papel principal, el de Bob, que finalmente pasó a Matt Dillon, aunque la compañía financiera no lo habría apoyado si lo hubiera elegido. Oficialmente, la razón dada fue que Waits estaba participando en otra película que estaban financiando, aunque Van Sant ha dicho que sospechaba que el premio Óscar que ganó Kiss of the Spider Woman , una película que también habían financiado, los había llevado a querer un protagonista que pudiera ganar un Óscar. Finalmente, Dillon fue elegido para el papel de Bob Hughes. 

Para prepararse para su papel, Dillon se reunió con drogadictos activos y recuperados. La bella Kelly Lynch fue elegida para coprotagonizar junto a Dillon el papel de Dianne, la esposa de Bob.  Lynch se basó en su experiencia de adicción a los opioides tras sufrir un grave accidente de tráfico por colisión frontal a los veinte años, que le fracturó ambas piernas (casi requiriendo la amputación de ambas) y la mantuvo hospitalizada durante un año.  "En lugar de reducirme la dosis , [los médicos] me la retiraron por completo, y sufrí un síndrome de abstinencia terrible que duró unos tres días; fue como descender a las entrañas del infierno", recordó Lynch. "Así que le dije a mi agente que sabía lo que era ser una drogadicta y que era perfecta para este papel. Fui a la audición y conseguí el papel ese mismo día".  

James LeGros y Heather Graham, quienes interpretan a los amantes Rick y Nadine, respectivamente, audicionaron para los papeles y fueron elegidos por Van Sant basándose en fotos Polaroid que les tomó. 

El productor Nick Wechsler recordó: "Era algo al estilo Warhol . Las colgaba en la pared, y la energía que transmitían le ayudaba a decidir a quién elegir para la película. Cuando Heather Graham llegó, su Polaroid simplemente resaltó". 

El rodaje comenzó el 26 de septiembre de 1988,  con un calendario de rodaje de aproximadamente seis semanas. 

La película se estrenó en cines en Estados Unidos el 6 de octubre de 1989. Recibió una gran canbtidad de premios y una aclamación de la crítica cinematográfica, que elogió las interpretaciones, la representación realista de la drogadicción y su humor negro. Entre los Premio recibió el CICAE en el 40 Festival Internacional de Berlín 1990 

Obtuvo numerosos galardones de asociaciones de críticos de cine tanto de Los Ángeles como el Círculo de Críticos de Nueva York por su guion; en los National Society of Film Critics se le premió a la mejor película , director y guion; en la quinta edición de los Independent Spirit Awards cuatro premios en los Independent Spirit Awards de sus ocho categorías nominadas . Desde su estreno, la película ha adquirido estatus de culto.

En su reseña impresa para el Chicago Sun-Times , Roger Ebert describió a Dillon como quien ofreció "una de las mejores actuaciones recientes del cine estadounidense" y destacó cómo la película tuvo éxito al retratar a los personajes no como "malas personas [sino] personas enfermas" que formaron una familia poco convencional para sobrellevar "la desesperación en sus vidas". Ebert también destacó el cameo de Burroughs como "una aparición especial de la Muerte".


 

Sheila Benson del Los Angeles Times elogió unánimemente las "actuaciones inquietantemente bellas" de la película y alabó su humor negro como "lacónico" y "macabro", comparando el guion con el de Straight Time (1978). 

Hal Hinson de The Washington Post también comentó sobre el humor de la película, escribiendo que el guion "está impregnado de una especie de hilaridad narcótica. Hay un tiempo de espera incorporado a los chistes, un período de espera, que está vinculado a las reacciones de las respuestas ralentizadas de los personajes. Al verla, uno se siente testigo de una farsa-farsa de la vida real, a cámara lenta, en un mundo sin tiempo".  También elogió las actuaciones por "su expresividad sin afecto". 

Stephen Holden, de The New York Times, destacó el tono visceral de la película, escribiendo: «El estilo de vida retratado en la película es chocante por sus abruptos cambios de ritmo, ya que las somnolientas pausas del consumo se ven interrumpidas por feroces espasmos de violencia y paranoia», pero también resaltó su sutil humor negro : «Debido a que los personajes están tan absortos en sí mismos y sus vidas son tan totalmente improductivas, hay un elemento de absurdo cómico en su continua desesperación. Después de la muerte de Nadine, su motel se convierte casualmente en el lugar de una convención de policías estatales. Con el lugar repleto de agentes de la ley con sobrepeso y uniformados, el problema urgente de retirar el cuerpo se trata como una comedia negra inexpresiva». 

Peter Travers en la revista Rolling Stone escribe que "Van Sant recrea algo que la mayoría de las películas sobre adictos evitan: la verdadera atracción de las drogas" Variety elogió de manera similar el retrato realista de la adicción a las drogas que hace la película, señalando que «ninguna película anterior sobre drogas tiene [tanta] honestidad u originalidad». 

La película figuró en las listas de los diez mejores tanto de dos de los principales críticos de Chiucago, Gene Siskel  como de Roger Ebert para 1989, cuya asociación la nominó, pero no premió.

Drugstore Cowboy recaudó 4.729.352 dólares en la taquilla de Estados Unidos frente a un presupuesto de 2,5 millones de dólares.

En Gran Bretaña , Scott Tobias de The Guardian dice de ella que fue "Un puntillista retrato cotidiano que resulta totalmente sincero con sus personajes y con la mentalidad y realidades de otros como ellos"


 . 
Para Barry McIlheney de Empire se trata de "Uno de esos clásicos de culto que merece la pena investigar incluso si ni has fumado un cigarrillo en tu vida (...)"; mientras que Geoff Andrew en Time Out sostuvo que era "Una mirada elegante, reflexiva y a veces, cómica, de la cultura americana de la droga, que logra, en su mayor parte, librarse de la moralina" . 

Ya en España Carlos Boyero cuando escribía en El Mundo afirmó que era una "Magistral y veraz, adopta formato de western moderno (...) Dillon: impresionante".

En El País, Fernando Morales afirmaba que era una película "Fascinante y creíble". Mientras en Fotogramas, Nuria Vidal, la veía como una película "Inteligente discurso sobre la droga (...) Soplo de aire fresco del cine USA".




Desde que apareció la película es una aportación fundamental al cine independiente o cine de autor y de culto por su retrato crudo, humano y alejado de los clichés moralistas de la adicción a los opioides en la década de 1970. A diferencia de otros dramas, la película evita la moraleja explícita, centrándose en el día a día, las supersticiones y la búsqueda desesperada de drogas con un enfoque íntimo y sensible hacia personajes marginados y a destacar entre los secundarios la aportación del escritor y referente de la contracultura, William S. Burroughs, interpretando al "sacerdote" yonqui octogenario, que aporta autenticidad y un peso cultural único a la obra. Además tiene esa composición de Dekker, el primer gran éxito de reggae a nivel mundial, alcanzando el número uno en el Reino Unido en 1969, a pesar de que su fuerte acento jamaicano dificultaba entender la letra.




lunes, 6 de abril de 2026

La ley de Teherán



El Corán prohíbe enérgicamente el uso de drogas, porque causa división, odio, enemistad o impide la oración a Alá. Sura 5;91: El plan de Satanás es (sino) incitar la enemistad y el odio entre vosotros, con intoxicantes y juegos de azar, y apartaros del recuerdo de Alá y de la oración: ¿acaso no os abstendréis? 

Sin embargo, algunas naciones islámicas prohíben el uso, la venta y la producción de drogas. Uno de los países con mayor problema es Irán. Hay muchos drogadictos: dos millones ochocientos mil, un porcentaje desproporcionado de la población: El año pasado, el ministro del Interior de Irán declaró que el 3% de la población del país es adicta a las drogas, principalmente a la heroína. 

A nivel internacional, esta cifra es elevada, pero no se encuentra entre las más altas del mundo. Sin embargo, si se considera el grupo de edad comprendido entre los 15 y los 64 años, el porcentaje asciende al 5,4%. Según Aslani, más de 2,8 millones de iraníes consumen estupefacientes con regularidad y, según datos de 2017, casi el 5,4% de los iraníes de entre 15 y 64 años son drogadictos.” 

El resultado de todo ello es una Tremenda película del año 2019 una auténtica joya del cine imagen de un fascinante thriller de acción sobre el tráfico de drogas en Irán que se convirtió en su estreno en la película más taquillera del país persa y un éxito para el productor Jamal Sadatian cara visible de la productora Boshra Film. Saeed Roustaee es el director y guionista de Metri Shesh-o Nim.

La historia nos cuenta como el jefe de la policía antidrogas de Teherán es Samad. Es duro e incansable en la búsqueda de los cabecillas del narcotráfico. Su principal objetivo es capturar al líder supremo: Naser. 

Tras muchos esfuerzos y pérdidas, Samad ( Payman Maadi ) que es un detective de narcóticos que persigue al capo de la droga Naser Khakzad ( Navid Mohammadzadeh ).

Samad es un personaje decidido. Es inflexible, obstinado. Habla alto, es nervioso, y los primeros planos decisivos y testarudos resaltan su personalidad. Su tarea es ardua; debe ser cruel, poseer un orgullo innato y despreciar a los adictos y criminales. Puede controlar su ira, pero su aversión es pesimista y vengativa. Un día, una redada lleva a la captura de un traficante de poca monta, quien a su vez conduce a un pez gordo, que de alguna manera como su sobrina , la antigua novia del jefe de los narcotraficantes, la bella Elham (Parinaz Izadyar), está conectado con el notorio narcotraficante, Naser, un hombre violento y colérico. Sufre de profundas debilidades depresivas, como lo demuestra su intento de suicidio. Será salvado por su archienemigo, Samad. 



La película que comienza con una impactante persecución a pie por las calles de Teherán está protagonizada por el policía Samad Majodi, un agente concienzudo y decidido que lleva años intentando detener a Nader Khakzad, el mayor narcotraficante de Irán. En un país en el que la posesión de drogas ya sean 10 gramos o 10 kilos está penada con la muerte, los traficantes juegan a lo grande, introduciendo nuevas drogas que están produciendo un crecimiento exponencial de la drogodependencia y con medio de la violencia , de la corrupción y de la brutalidad de la justicia representada por el juez (Farhad Aslani) . Su desmoralización se acentúa en el encuentro con su familia, antes de la sentencia de muerte. Tras su arresto, se le confiscan la vivienda, los beneficios sociales, los estudios en el extranjero, la casa de los padres de su esposa y sus hijos. Muere con el corazón roto al ver su sufrimiento. 



La comisaría es un caos. Incluso en el juzgado, los casos se resuelven con rapidez y sin piedad. Y luego está la cárcel. Es una turba de seres humanos repugnantes y traicioneros. Las celdas están llenas de reclusos, todos de pie, sin espacio para sentarse, desnudos en su repulsiva carnalidad. Es el realismo de la película. 

Una escena relevante es el ahorcamiento. Los numerosos ejecutados llegan al patíbulo cuando aún está oscuro. Comprenden que ya no hay esperanza. Lloran, gritan, se orinan encima; el miedo a la muerte les provoca incontinencia urinaria. Las escenas en el patíbulo se alternan con las de los familiares desconsolados mientras recogen los cadáveres. 

Por su parte, Samir que ve el ahorcamiento desde la distancia se rinde, está desencantado, ha ganado muchas batallas pero la guerra está perdida: "¡Había solo un millón de drogadictos cuando empecé como policía y después de todos estos años, arrestando, encarcelando, ahorcando, ahora son 6,5 millones!". 

Los adictos son numerosos, marginados de la sociedad, buscados por la ley, ejecutados por el Estado y la religión. Su fisicalidad es bestial tanto en las cárceles como en sus inmundas celdas. Duermen en tuberías de hormigón, en sus camas sucias. Viven entre la basura y el plástico. Solo salen a buscar heroína o porque llega la policía. Cuando llega la policía antidrogas, todos huyen, creando una fuga coreografiada.

Cientos de personas corren por el medio de la carretera, intentando evitar el tráfico. Un plano general muestra la repugnancia hacia los desdichados; ya no hay tiempo para ellos. Ha llegado su fin. 

La adicción las drogas ha cambiado en Irán y ya no es por algo oculto. Podemos ver a muchos adictos todos los días es en las calles, y cada vez son más" clica al director de la película y guionista de la ley de de, Saeed Roustayi, para la que realizó una minuciosa investigación sobre el mundo del narcotráfico en el país. 

Ganadora del premio el mejor director en el Festival de Tokio, la película también obtuvo el correspondiente a mejor actor que recayó en el actor Navid Mohammadzadeh, quien da vida al narcotraficante principal un personaje lleno de claroscuros ya que si bien quiere beneficiarse de su situación con el negocio es un hombre preocupado por el bien de su familia. El policía interpretado por Payman Maadi, protagonista de la película ganadora al Óscar a mejor filme de Albert inglesa " Nader y Simin, una separación ". La película contó con la fotografía de Hooman Behmanesh, el montaje de Bahram Dehghan y la música de Peyman Yazdanian.  

La película que en inglés se tituló Just 6.5 que responde literalmente al título en iraní Metri Shesh-o Nim , y que significa: Seis y medio por metro , aquí titulada Ley de Teherán  es una película iraní de suspense y drama de 2019 escrita y dirigida por Saeed Roustaee . 

Fue bien recibida por la crítica en el 76.º Festival de Cine de Venecia y ganó varios premios, incluido el Crystal Simorgh a la Mejor Película según la elección del público , en el 37.º Festival de Cine Fajr donde se proyectó  pero tuvo que ser reprogramada debido a dificultades técnicas para mostrarla el primer día.  .




El director fue premiado como director y guionista en el Festival Internacional de Cine Independiente de Burdeos  En los 47 Premios César (Francia) (2022)  fue nominada a Mejor film extranjero y en loss 32º Festival Internacional de Tokyo ganó a la Mejor director (Saeed Roustayi) y Mejor actor (Navid Mohammadzadeh) quien fue nominado a los Premios de Cine de Asia Pacífico siendo nominado al Gran Premio de Tokio 

Escribiendo para el sitio web Eye for Film , Anton Bitel calificó la película como un "sombrío comentario sobre el estado de la nación" de la sociedad iraní. Y el director William Friedkin dijo de ella que era uno de los mejores thrillers que había visto en su vida.  

En los Estados Unidos Deborah Young de The Hollywood Reporter escribió sobre ella que "Rodada con nervio, editada por un equipo técnico de primer nivel y con una notable banda sonora, 'Just 6.5' es una experiencia muy estimulante." 

Peter Debruge de Variety comentó que "Es tan emocionante como una película de acción de Hollywood, pero indagando en el sistema iraní. Este thriller tenso y bien interpretado lleva al género a otro nivel." 

En Gran Bretaña Sarah Ward de Screendaily la describió como "Un thriller criminal apasionante que además ofrece agudas observaciones políticas (...) Una propuesta impresionante, envolvente, elegante y llena de actuaciones estelares" 




Peter Bradshaw habitual crítico de The Guardian sostuvo que era "Un thriller feroz de los bajos fondos iraníes al estilo de Michael Mann (...) "  también en The Guardian Mark Kermode  sostuvo que era "Un descarnado thriller policiaco iraní (...) La tensa película de Saeed Roustayi sobre un policía a la caza de un capo de la droga mezcla hábilmente brutalidad y farsa (...) 

Ya en España, Oti Rodríguez Marchante en ABC la describe como una "Película con alma iraní pero con el torso y figura del cine de acción de ritmo, tensión y adrenalina. (...) una película conocida pero nunca vista" 

Sergi Sánchez de La Razón dijo de ella que "Este crítico prefiere cuando la película nos sorprende con su sórdida energía que cuando necesita el alarido para justificar la ira y la desesperación de un policía y un cabeza de cartel del narcotráfico (…)" 

Quim Casas en El Periódico la consideró como una "Sorprendente película sobre la lucha contra el narcotráfico en Irán (...) un retrato musculoso, realista y en absoluto moralista del problema. (...) una brillante pieza ‘noir’ (…) " 

En Cinemanía Yago García  destacó que "Funciona a la hora de hacernos sentir incómodos (...) supone una estupenda toma de contacto con el cine de género hecho en un país al que hemos aprendido a asociar con el drama solemne (...) y festivalero. (…)" 

Pablo Vázquez de Fotogramas dice de ella que "Sorprende porque es cine 100% de género (...) tiene unas características propias muy bien definidas y difícilmente equiparables (...) deja la sensación del trabajo bien hecho y del deber cumplido. (…).

El título internacional de la película es “Just 6.5” este es el número cada vez mayor de drogadictos en Irán: 6,5 millones. En este país, donde se consumen diariamente diez toneladas de droga y que limita con Afganistán, que ya se sabe que es el mayor productor del mundo de heroína. La película destaca por lo mucho que sorprende.



Más que exaltar valores tradicionales, la cinta pone en evidencia la moral ambigua de sus personajes y los dilemas éticos en un entorno desolador. La ley de Teherán destaca por mostrar el valor de la perseverancia en la lucha contra el crimen, al mismo tiempo que cuestiona profundamente la moralidad de los métodos utilizados y la propia justicia en un contexto de crisis social.

Los valores y dilemas principales que se aprecian son la persistencia y vocación de servicio en la persona de Samad, el policía protagonista, demuestra una dedicación implacable para atrapar al capo de la droga Nasser Khakzad, incluso trabajando en condiciones precarias y superando la corrupción interna. Sin embargo, su empeño roza el fanatismo y utiliza métodos cuestionables. OPtra de los elementos presentes tinen que ver con la idea de supervivencia. Como se dice en la película: "“Cuando alguien necesita sobrevivir, aunque sepa que sus decisiones son altamente arriesgadas, las tomará igualmente. Porque entre morir y sobrevivir, elegirá sobrevivir”. ".  

A esto se suma la complejidad moral y humanización del "enemigo". La película desafía la división simple entre buenos y malos. A medida que avanza la trama, se muestran aspectos más humanos de Nasser (el narcotraficante), quien actúa condicionado por un entorno social roto, llevando al espectador a empatizar con él. 

A destacar que hay compasión ante la desesperanza y se muestra el sufrimiento de las familias y la marginalidad de los adictos, lo que genera una reflexión sobre la empatía hacia los más vulnerables en una sociedad con graves fallas estructurales. 

La película cuestiona la eficacia de la pena de muerte y la severidad del sistema judicial iraní como única solución al narcotráfico, sugiriendo que la "justicia" aplicada a menudo no resuelve el problema de fondo.



sábado, 4 de abril de 2026

Nevenka



Hay películas que se basan en historias reales y que como historias son conocidas previamente por el espectador. Este es el caso de Soy Nevenka, una película española de drama biográfico dirigida por Icíar Bollaín, la directora de ‘Maixabel’ por la que consiguió tres premios Goya y la película dramática española más vista en las salas de cine en 2002, que , al igual que la película sobre la mujer vasca, viudad de un asesinado de ETA, se inspira en el caso real de Nevenka Fernández, la concejala de Hacienda del Ayuntamiento de Ponferrada que consiguió, por primera vez en España, una condena a un político por acoso. 

En este caso Iciar Bollaín coescribió el guion junto a Isa Campo y parece ser que se basó en la novela de  Juan José Millás. Para su película, la directora contactó como director artístico con Mikel Serrano en esta producción en la que está implicado Koldo Zuazua y que está avalada por la productoras Kowalski Films, Feelgood Media, con la producción asociada de la italiana Garbo Produzioni y Movistar Plus+ 

La película contó con la música de Xavi Font , el maquillaje de Karmele Soler, la fotografía de Gris Jordana, el montaje de Nacho Ruiz Capillas y el vestuario de Clara Bilbao.

Está protagonizada por Mireia Oriol y Urko Olazabal en sus principales papeles y se estrenó en cines españoles  en septiembre de 2024, de la mano de Buena Vista International España. 

La historia se inicia con la primera entrevista entre la protagonista, Nevenka Fernández(Mireia Oriol)  con su abogado, Adolfo Barreda (Font García). Éste le pide que empiece por el principio. Ella se remonta poco antes de las elecciones municipales de mayo de 1999, cunaod una joven Nevenka que acaba de terminar su licenciatura en Económicas en Madrid. Ese es el momento en que un edil de Ponferrada (Urko Olazabal) y un amigo de la familia, Mario (Carlos Serrano), se entrevistan con ella y le dicen que la quieren como tercera en las listas del Partido Popular de cara a las próximas elecciones municipales. 

Ella, que había pedido un cargo con el que poder compaginar sus prácticas, se vio, tras ganar por mayoría absoluta, con 24 años al frente de la concejalía de Hacienda y Comercio. 

La relación de amistad entre alcalde y concejala que, en principio, parece auténtica, especialmente cuando éste le hace partícipe de la enfermedad terminalk de su mujer, se desvirtúa y , tras el fallecimiento de ella, comienza una breve relación sentimental aunque con dudas por parte de ella. 

Nevenka, incómoda, decide ponerle fin y es entonces cuando empiezan los problemas: llamadas y mensajes insistentes, desplantes en el pleno, encerronas e insultos. "Eres muy tonta, Kenka y no sabes lo que te conviene", le espeta Álvarez en un momento de la película. 

Tal es el poder que tiene el edil que los propios padres de Nevenka, desconococedores de la relación que hubo entre la edil y el alcalde, se ponen en su contra. Ante la falta de apoyos y en vista de que el comportamiento del alcalde no cambia, Nevenka se marcha a Madrid a pasar un fin de semana y allí se reencuentra con un compañero de facultad, con Lucas (Ricardo Gómez), un amigo de la universidad en el que se apoya y con quien comienza a salir. 

Nevenka, fruto del miedo, comienza poco a poco a cambiar su aspecto y a hacerse más pequeña, más frágil. "Me quedé. No sé por qué. Dentro de mí yo sabía que no era verdad. Yo sabía que me estaba mintiendo. No entiendo por qué no me fui. No entiendo por qué hice tantas cosas. Es como si no fuera yo. Es... no me reconozco. A veces pienso que estoy loca. ¿Estoy loca?", se pregunta en un momento de la película. 

Nevenka decide denunciar, aunque sabe que deberá pagar un precio muy alto: su entorno no la apoya, la sociedad de Ponferrada le da la espalda y los medios la someten a un juicio público. 

En la capital, donde ella, tras varios episodios de acoso, tanto en lo progfesional, en un pleno en el que le increpa y le llama inepta, hasta en lo sexual, cuando van a una boda y el alcalde la viola, le expiden una baja por depresión debido al acoso sexual, se pone en contacto con Adolfo Barreda (Font García), el abogado que prepara su querella. 

Ella le cuenta la historia sabedora de que pocas personas testificarán a su favor si se plantea denunciarlo. Le cuenta como ha sufrido una persecución implacable, tanto sentimental como profesional, por parte del alcalde, un hombre acostumbrado a hacer su voluntad en lo político y en lo personal. 



En marzo de 2000 tiene lugar la rueda de prensa en la que denunció públicamente al alcalde de Ponferrada, Ismael Álvarez, por acoso sexual. Aquel día aseguró que luchaba por su dignidad, pero su credibilidad fue cuestionada desde el primer momento, incluso durante el propio juicio debido en parte a que la popularidad de Ismael Álvarez y sus años como edil —se mantuvo en el poder desde 1995 hasta 2002— consiguieron que el pueblo de Ponferrada se pusiera de su lado. No solo fue su amabilidad la que encandiló al municipio. Sus lazos como empresario, también con los padres de Nevenka, fueron clave para que muchos vecinos tuvieran miedo de testificar en su contra. 

Solo unas pocas personas, como la líder del PSOE la médico Charo Velasco ( Lucía Veiga), tuvieron el valor de hacerle frente. 

Nevenka, consciente de que no puede arruinar más la vida de sus seres queridos, redujo su número de testigos para no ponerles en un aprieto. Sus dudas —en realidad las de muchas víctimas— fueron cuestionadas en el juicio de 2002. 

En el Tribunal Superior de Justicia de Castilla y León, el fiscal José Luis García Ancos embistió contra ella en varias ocasiones, hasta el punto de que se le tuvo que recordar que no era la acusada. Fue el artífice de la polémica frase "Usted no tenía por qué aguantar eso. Usted no es la empleada de Hipercor que le tocan el trasero y se tiene que aguantar porque es el pan de sus hijos". 

Finalmente consiguió que los tribunales le dieran la razón y, por primera vez en España, un cargo político fue condenado por ese delito. Sin embargo, la sentencia no le evitó el desgaste y la incomprensión sociales: mientras su acosador conservaba apoyos, ella acabó marchándose al extranjero para rehacer su vida. 

La sentencia, de la que recibimos información al final de la película, y que fue ratificada por el Tribunal Supremo, condenó a Ismael Álvarez a una multa de 6.840 euros y 12.000 de indemnización por acoso sexual. 

Tras conocerse el fallo, Ismael renunció a todos sus cargos. Su escarmiento judicial no impidió que en 2011 volviera a presentarse a las elecciones municipales con la formación Independientes Agrupados de Ponferrada (IAP), con la que consiguió cinco concejales. 

Su caso inicia en España el movimiento #metoo mucho antes de que se invente el término. Una historia basada en hechos reales que convierte a su protagonista en una pionera al llevar por primera vez a un político influyente y popular ante los tribunales por acoso sexual y laboral. 

Como película en enero de 2023 se empezaron a difundir rumores de que Icíar Bollaín había visitado la ciudad de Ponferrada, en busca de localizaciones para rodar una película sobre el caso de Nevenka Fernández.​

El 18 de enero de 2024 se anunció que el rodaje de una cinta original de Movistar Plus+ sobre el caso, Soy Nevenka, había empezado su rodaje en Bilbao y Zamora, con Bollaín en la dirección y con Mireia Oriol y Urko Olazabal como protagonistas.​ El presupuesto total de la cinta es de 4.6 millones de euros, incluyendo 1.2 millones de euros procedentes de las ayudas generales del ICAA 

En enero de 2024, poco después del anuncio del inicio del rodaje de la película, el PSOE de Ponferrada, la localidad donde tuvo lugar el caso, criticó la decisión de no rodar la película en dicha localidad y demandó explicaciones al alcalde de Ponferrada,​ especialmente por el hecho de que Bollaín había visitado la localidad en verano de 2023, presuntamente en busca de localizaciones para el rodaje de la cinta.​ La productora de la película respondió que eligieron rodar en Zamora debido a las facilidades que la localidad les dio para el rodaje de la película, en contraste con el poco apoyo aportado al proyecto desde Ponferrada. El set se desplazó finalmente a Zamora, Bilbao y North Shields, en Reino Unido. 



La película compitió por la Concha de oro en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Durante la gira publicitaria Urko Olazabal que asume el papel del alcalde señaló declaró sobre el perfil psicológico de su personaje que "Lo primero que hacen es ser encantadores y agasajar a sus futuras víctimas. [...] Pero después, cuando la víctima se niega a seguir siendo agasajada, es cuando intenta recuperar, por las buenas o por las malas, a esa persona que está perdiendo. Y es ahí donde encontramos el perfil más detestable de los acosadores" 

Por su parte, Mireia Oriol recuerda el duro trabajo que fue hacer de Nevenka. "No queríamos hacer una imitación ni de Nevenka ni de Ismael, pero sí fue muy importante para mí poder hablar con ella y sentir cómo había logrado, tras haber sufrido ese trauma y tener que irse de su país, superar ese trauma e incluso convertirlo en algo bonito, en algo que nacía desde el amor y la sanación", cuenta. Además, reconoce que las secuencias, algunas muy duras, dejaban "un poso" en ella, así que tuvo que aprender a entrar y salir de su personaje para que no le afectara. 

Inspirada en el libro ‘Hay algo que no es como me dicen’ de Juan José Millás, publicado por Alfaguara, 'Soy Nevenka' está protagonizada por Mireia Oriol (‘El arte de volver’, 'Alma') y Urko Olazabal (Premio Goya al mejor actor de reparto por ‘Maixabel’). Los acompañan Ricardo Gómez (‘La ruta’), Carlos Serrano (‘La ley del mar’), Lucía Veiga (‘Rapa’), Luis Moreno (‘Vergüenza’), Javier Gállego (‘El desorden que dejas’), Mercedes del Castillo (‘Instinto’) y Font García ('Vida Perfecta', ‘En los márgenes’). 

En los 39 Premios Goya (2025) que valoraban las películas del 2024 obtuvo un ramillete de nominaciones al Mejor actor principal (Urko Olazabal), Mejor actriz revelación (Lucía Veiga), Mejor guion adaptado (Icíar Bollaín, Isa Campo) y Mejor fotografía (Gris Jordana) 

En la 72º edición del Festival de San Sebastián 2024 se presentó a la Concha de Oro a la Mejor Película 

En los XII Premios Platino del Cine Iberoamericano estuvo nominada al Premio Cine y Educación en Valores En la 30º edición de los Premios Forqué 2024 la película estuvo nominada a los Premio al Cine y Educación en valores; mientras que en los Premios Feroz 2025 la nominación fue al Mejor actor (Urko Olazabal). 

En la 80.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos la nominación fue al Mejor guion adaptado (Icíar Bollaín, Isa Campo) y al Mejor actor principal (Urko Olazabal), siendo ganadora a la actriz revelación (Lucía Veiga) 

En cuanto a la crítica Salvador Llopart en La Vanguardia sostuvo que "'Soy Nevenka' resulta, en realidad, un brillante ejercicio en el género del horror. Con una víctima, Nevenka, interpretada con sutileza por Mireia Oriol. (...)" 

Luis Martínez en El Mundo destaca que fue "Una mirada miope al cine y a la realidad (...) Un relato tan cuidadoso en no equivocarse que renuncia a ir más allá. Y que incluso se olvida de ser relato. (...) " 

En Cinemanía Andrea G. Bermejo dice de ella que "Logra transmitirnos la angustia, la confusión, la culpabilidad y el desgaste emocional que supone el acoso sexual. (...) Gran parte del mérito recae en los actores (...) funciona también como retrato de un país" Y en la misma revista Toni Vall comenta que "Bollaín relata con tino y claridad —quizá cierta planicie también— los hechos sustanciales del caso (...) Demasiado fría, es cierto, no se eleva fílmicamente por encima de su historia porque su historia es lo que más interesa (...)"

Carlos Boyero en El País escribe que es "Una adaptación que solo me parece correcta, a la que asisto sin que me provoque frío ni calor. No hay nada en ella detestable, pero tampoco que me altere para bien. La veo y la escucho sin tedio, pero con escasa pasión" En este diario, Gregorio Belinchón , por su parte, señala que  "Icíar Bollaín crea el relato que Nevenka Fernández merecía. (...) 'Soy Nevenka' es importante y necesaria".

Oti Rodríguez Marchante en ABC la describe como una pel´ícula en la que "La directora narra con enorme pulcritud los pormenores de aquel suceso (...) Está bien contada, bien ambientada y bien interpretada, especialmente por el 'mentiroso y despreciable' Urko Olazábal, que consigue dar repelús." 

Carlos F. Heredero en Caimán señala que  es una "Bienintencionada película, respetuosa (...), encuentra su mayor limitación al filmar todo ello de manera tan limpia como aséptica, tan convencional como transparente (...) Le falta capacidad de ahondar en el retrato del monstruo" 

En El Cultural Mariona Borrull dice de ella que  "No hay nada incorrecto, pero tampoco brillante en la recreación de Bollaín (...) Así como tampoco nada que resulte inaccesible fuera del sumario o el artículo del caso en la Wikipedia; si acaso, Soy Nevenka consigue hacer más gráfico el sufrimiento de ella"  España Diario El País 

En Fotogramas Eulàlia Iglesias señala que  "Para conocer a fondo a una mujer clave en la lucha contra el acoso en España (...) Lo mejor: Urko Olazabal (...) Lo peor: si se ha visto la serie, el film sabe a poco. (...) 

La verdad es que Nevenka  ganó en los tribunales, pero la sociedad española y los medios de comunicación y la presión mediática hizo que tuviera que marcharse, primero a Reino Unido y luego a Irlanda, donde vive en la actualidad con su marido y sus tres hijos. 

No fue hasta 2017, como ella misma cuenta, cuando consiguió un trabajo sin tener que ocultar quién era. En una entrevista en el Telediario de TVE animó a las víctimas a contar sus testimonios: "Hablar me salvó la vida". 

Yo tengo que reconocer que me había olvidado de una historia que realmente nunca seguí en prensa, aunque fue mediática. Sin embargo, en 2024 estuvo en Ponferrada. Recuerdo ir a la plaza de ayuntamiento, - dejé el coche relativamente cerca- y desde allí fuí al Castillo templario, su momento más significativo. Tras pasar la mañana en la localidad leonesa y pasera junto al río decidimos marchar a Astorga y dejar ya las localidades bercianas, pero cuando me dirigía en coche para la autovía ví algo que me llamó la atención. En una rotonda, vi que me hizo recordar la historia que colocó a Ponferrada en prensa, radio y televisión, era la rotonda o plaza dedicada a Nevenka Fernández, una glorieta que en marzo de 2023, el Ayuntamiento de Ponferrada inauguró como el nombre de Glorieta de la Valentía de Nevenka en homenaje a Nevenka Fernández, primera mujer en conseguir una condena por acoso sexual contra un político en España. El espacio está ubicado en la zona de la rotonda de La Peregrina. Si vas por ellí la verás, y sobre todo, te acordaras de la historia.