Vermiglio

El cine italiano cuando se pone, se pone y el resultado suele ser brillante, brittantísimo. Este es el caso de la película Vermiglio, una película del año 2024 dirigida por Maura Delpero que fue la película ganadora del Gran Premio de los jurados en el Festival de Venecia de ese año y la representante Italia en los oscar de dos mil veinticinco, responsable del guion, de la producción y dirección. En la producción está igualmente Francesca Andreoli, Leonardo Guerra Seràgnoli , Santiago Fondevila Sancet siendo los productores ejecutivos David Levine y Nick Shumaker responsables de las compañías Cinedora, Rai Cinema , Charadas Productions y Producción Versus. 

En el apartado técnico destacan la fotografía de Mijail Krichman, el montaje de Gian Luca Mattei, la música de Matteo Franceschini y la escenografía de Vito Giuseppe Zito, Pirra, así como en vestuario Andrea Cavalletto 

La película se desarrolla en 1944 , en el remoto pueblo trentino de Vermiglio , coincide con el final de la participación italiana en la Segunda Guerra Mundial, en la que los soldados italianos han sido llevados a Alemania y con la llegada a la localidad de Pietro, un veterano soldado, G. Riso (Pietro De Domenico) , de origen siciliano que ha ayudado a Attilio, el hijo de la Tia Cesira ( Orietta Notari), una de las habitante de Vermiglio. 

Su llefaga trastoca la vida cotidiana de Cesare (Tommaso Ragno), un profesor y Adele (Roberta Rovelli), su mujer, su familia, los Graziadei, que son los protagonistas absolutos de la película. Lucía ( Martina Scrinzi ), la hija mayor del profesor, se enamora de Pietro y decide casarse con él, más aún al estar embarazada. 

En cuanto llega la noticia del fin de la guerra, Pietro regresa a Sicilia con el objetivo de que sus seres queridos sepan que ha sobrevivido, prometiéndole a su esposa que regresará pronto. Sin embargo, tras la desaparición de Pietro, la familia se entera por el periódico de que Pietro, es bígamo, al estar ya casado con una siciliana, y que ha sido asesinado por ella. 

Mientras tanto, Lucía da a luz a Antonia, la bebé que esperaba con Pietro. La muerte de Pietro devasta a Lucía, quien cae en la desesperación y rechaza a la niña, considerando el suicidio, del cual su hermano Dino (Patrick Gardener), el rebelde de la familia, la salva. 

Durante su recuperación gradual, viaja a Sicilia, donde tiene un encuentro cercano con la primera esposa de Pietro y visita la tumba de su esposo. Mientras tanto, ha confiado a la niña a un orfanato, donde se ha refugiado su hermana menor, Ada (Rachele Potrich ), quien se ha convertido en monja. 

Finalmente, Lucía , como ya hicieron otras antes, como Virginia ( Carlotta Gamba), la querida amiga de Ada, decide ir a la ciudad a trabajar para una familia adinerada, prometiéndose a sí misma que regresará más tarde por su hija. 

El rodaje de la película comenzó el 28 de agosto de 2023 y terminó el 18 de diciembre en Val di Sole : en Vermiglio , la ciudad natal del padre del director, una comuna italiana de 1.767 habitantes de la provincia autónoma de Trento, en Carciato y en Comasine . 

Maura Delpero decidió hacer la película después de la muerte de su padre para que ayudara a preservar las tradiciones en las que creció, realizando también muchas entrevistas con la población local durante la preproducción. De ahí que aparezcan ceremonias tan interesantes como la procesión de Santa Lucía, protagonizada por los hermanos Graziadei. 

El coste total de producción fue de 4.265.736 euros.Vermiglio es un drama rural, íntimo y poderoso con ambientado durante la segunda Guerra Mundial en un remoto pueblo alpino del mismo nombre.La película se estrenó en el 81° Festival Internacional de Cine de Venecia el 2 de septiembre de 2024 recibiendo el Gran Premio del Jurado, el León de Plata, donde obtuvo un par de nominaciones. Tras su estreno generalizado recaudó 4 380 242 $. 

Vermiglio tuvo siete premios David de Donatello  en ese año mil veinticinco incluidos los de mejor película y dirección recayendo - aunque estuvo nominado en otros siete-  esta última en Maura Delpero quién " agarra el hilo que han ido dejando cineastas como Pierre Paolo Pasolini coman los hermanos taviani o Ermanno Olmi" (El País).

La película en los Globos de Oro fue nominada a Mejor película de habla no inglesa. En los Premios del Cine Europeo (EFA) tuvo otras dos nominaciones. En el Festival de Valladolid - Semincifue nominada a Mejor Película - Espiga de Oro. Y en los Premios Gotham fue nominada a Mejor película internacional. En Chicago obtuvo el Premio Hugo de Oro.

Es una cinta naturista, marcado por el realismo poético y llena de detalles. La llegada al pueblo de un taciturno desertor es el detonante que marca un antes y un después en la vida de los habitantes de este pueblo remoto. La película está protagonizada por actores profesionales y no profesionales y la mayor parte de ellos lugareños que en la versión original que es la que he visto, hablan en dialecto solandro, una lengua de origen rético-ladino con influencias lombardas, perteneciente al grupo romance de la familia lingüística indoeuropea. El dialecto solandro es hablado por aproximadamente 15.000 personas en los valles de Sole, Peio y Rabbi. Algunas fuentes lo consideran un dialecto . 

La película recibió críticas favorables de los críticos de cine italianos . Matteo Pasquini, de Ciak, escribe que, al igual que en la película anterior, Maternal, el guion nos habla de la relación madre-hijo en un «marco extremadamente refinado, coherente y homogéneo tanto lingüística como estilística y narrativamente». 

Federico Pontiggia, de Cinematografo, también afirma que la película sintetiza «la experiencia documental previa, con mayor ambición, libre albedrío y calma», afirmando que «la dirección de los actores es excelente, la calidad antiespectacular es preciosa, la poesía de la guerra y la paz es admirable, tenemos una gran autora: Maura Delpero». 

Pietro Masciullo, de Sentieri selvaggi, afirma que Vermiglio es «salvo algún esquematismo, una película sincera y honesta con sus espectadores, que confirma la mirada personal y consciente del director». 

Antonio Cuomo, de Movieplayer.it, define la película como «íntima y emotiva», afirmando que, si bien «en términos de ritmo y tono puede que no sea una película que llegue a todo el mundo, quienes logren sintonizar con ella quedarán impactados y se involucrarán en la vida de la comunidad que la acoge». 

En una reseña menos entusiasta, Davide Turrini de Il Fatto Quotidiano afirma que se nota «un intento de producción costoso y audaz de crear un set» ya que « los fotogramas de Vermiglio parecen vacíos», preguntándose si es «una indecisión o una inexperiencia de dirección, si las elecciones de los directores de fotografía y los operadores de cámara en el set son demasiado invasivas»

Ya en los Estados Unidos Jessica Kiang, de Variety , afirma que «la economía es la consigna de esta película», que es «engañosamente formalista» desde la dirección hasta el montaje, desde la composición musical hasta el vestuario, lo que contribuye a una fascinante distancia narrativa que se contradice con la nitidez de los primeros planos de las imágenes. Kiang escribe que, aunque la historia se ambienta en el pasado, «actúa como un futuro familiar secreto que se despliega en el presente» a través de «los espíritus de las madres, hermanas e hijas que la precedieron y la siguieron, y que confiaron en las imponentes montañas para guardar sus secretos».

Para Damon Wise de Deadline la película es "Técnicamente, es una maravilla del cine de época, una visión inmersiva de la vida rústica tan llena de autenticidad que puede inspirar a los espectadores más entusiastas a ponerse un sombrero folclórico" 

En la web de  rogerebert.com Matt Zoller Seitz  escribe que "La cinta da la sensación de un cuento transmitido de generación en generación (...) A veces basta una mirada silenciosa para comunicar un cambio, o que ha ocurrido fuera de la pantalla (...) 

En la prensa británica, Peter Bradshaw The Guardian "Un drama lleno de compasión, emoción y detalles. Está maravillosamente interpretada con un naturalismo impoluto (...) 

Para Wendy Ide del The Guardian "Desde la íntima contención de las primeras escenas, la dirección de Delpero se vuelve más fracturada y abrasiva. Es una obra sobresaliente (...)

Ya en España, Tommaso Koch de El País afirma que la película "[Una] muestra de sutileza, intención y capacidad de contar todo en su justo tono y equilibrio. (...) Con un talento asombroso y mesurado, con imágenes de gran hermosura, con una sensibilidad enorme para comprender y contar, sin juzgar, a todos sus personajes" En este mismo diario Javier Ocaña  es el responsable en señalar algo que ya he,mos señalado "La bella y poderosa 'Vermiglio' es el último eslabón de un estilo entre lo contemplativo y lo racial. Su directora agarra el hilo que han ido dejando cineastas como Pier Paolo Pasolini, los hermanos Taviani y Ermanno Olmi" 

Desde Barcelona, Nando Salvá en El Periódico la califica de "Hipnótico largometraje (...) Delpero construye el drama de su historia sobre constantes elipsis narrativas que a menudo relegan los acontecimientos al fuera de campo, y dejando que las consecuencias de estos se nos insinúen en silencio, tan sutiles como rotundas"  Para Quim Casas en este periódico "El filme destaca precisamente por el estudio atento de estos comportamientos directos e instintivos en un mundo en el que la guerra es un eco devastador. (...)". Igualmente desde esta ciudad, en Vanguardia Jordi Batlle Caminal Diario La Vanguardia "El registro, propenso al plano fijo, es extremadamente realista y la observación, rigurosa, detallista, austera y sin florituras. (...) Una obra (...) concebida con cierta pureza, sin recurrir a subrayados (...)

Oti Rodríguez Marchante habitial crítico de ABC dice de ella que es una "Película de enorme belleza visual (...) Un filme sencillo que provoca gran curiosidad visual y que tiene esa textura de fábula mientras pasan las estaciones del año y lo cotidiano y duro de la vida. (...) " 

Sergi Sánchez de La Razón "No hay en “Vermiglio” ni un subrayado, ni una sobreescritura, en una puesta en escena que destaca por su austeridad (...) es una película de gestos contenidos pero intensos. (...)" 

En la revista Cinemanía Paula Arantzazu Ruiz afirma que "La sencillez de las protagonistas de Delpero también nos enseña las complejidades de su existencia. Delicada y esencial, una película de otro tiempo que hay que celebrar con alegría (...) .

La película, me ha gustado y destaca de la misma lo delicada , lo realista y cómo huye del victimismo siendo un retrato histórico y realista que no recurrir al pesimismo ni al optimismo excesivo, sino por mostrar un realismo sincero y observar la vida cotidiana de una comunidad remota con cariño y aceptación. Es una gran película de inspiración familiar y temática íntima cpon una trama, lposiblemente, inspirada en la propia familia de la directora Maura Delpero. Se centra en la vida de una numerosa familia y cómo la llegada de un soldado refugiado (desertor) altera para siempre la dinámica del lugar. 

Además apuesta por una narrativa de "cuatro estaciones": La película está estructurada, casi como un ciclo natural, a través de las cuatro estaciones, como refleja Cesare con la música, explorando la represión conservadora, los cambios en una comunidad aislada y la vida de los personajes en este entorno severo. Tiene un estilo cinematográfico pausado algo quee fue elogiada por ser una película "de otro tiempo", delicada y esencial, centrada en los personajes y el entorno en lugar de en grandes giros dramáticos. En la película el paisaje juega un protagonista absoluto. La ubicación en la montaña se convierte en un elemento central, mostrando el paisaje alpino no solo como fondo, sino como un elemento que influye en la mentalidad y el ritmo de vida de sus habitantes. Hay cierto tono ético. El trasfondo está pleno de "modestia y respeto" Se destaca por honrar a seres humanos "poco espectaculares" y mostrar la vida en un lugar geográficamente aislado, con un profundo respeto por sus costumbres y cotidianidad. En definitiva, Vermiglio es una joya del cine italiano que combina un contexto histórico complejo (el final de la guerra) con una historia familiar íntima y paisajística, destacando por su sensibilidad, precisión y ritmo reposado. Muy recomendable.

L' amour ouf

Corazones rotos es una película francesa en coproducción con Bélgica del año 2024 dirigida por Gilles Lellouche , actor guionista y director francés responsable de la película El gran baño que en este caso no sólo dirige sino que además coincide esta mezcla de drama romántico y thriller criminal que fue presentada en el Festival de Cannes de 2024 .

La película parte de la novela de Neville Thompson titulada "Jackie loves  John ser Ok? (1997), publicada en francés bajo el título L'Amour ouf, que significa algo así como El ma¡¡amor, guay!!! . Está protagonizada por Adèle Exarchopoulos y François Civil . El reparto incluye a Mallory Wanecque , Malik Frikah , Alain Chabat , Benoît Poelvoorde , Vincent Lacoste , Jean-Pascal Zadi , Élodie Bouchez , Karim Leklou , Raphaël Quenard y Anthony Bajon.

La película fue dirigida por Gilles Lellouche que también fue el responsable del guion  junto a Ahmed Hamidi y Audrey Diwan. Los diálogos son de Gilles Lellouche . La película fue producida por Alain Attal y Hugo Sélignac representando a Producciones Chi-Fou-Mi, Trésor Films y StudioCanal contando con un presupuesto de 35,7 millones de euros que apenas se recuperó en taquillas al alcanzar 36 millones de dólares 

Contó con la fotografía de Laurent Tangy y el montaje de Simón Jacquet así como la música de Jon Brion La película narra la historia de amor a lo largo de veinte años de Jackie una chica que representa la clase burguesa francesa y Clotaire, un chico marginal, hijo de un estibador que crecieron el mismo pueblo aunque mundos diferentes. 

Cuando sus caminos se cruzan en un instituto de la Francia de la década del oso 80 en mitad de buena música que va desde The cure hasta cualquiera de las muchas que sonaban en aquellos años comienza un romance que parece condenada al fracaso. 

La película comienza en la década de 1990 con Clotaire, ya adulto, preparándose para vengarse de una banda rival, acompañado de sus aliados. Al mismo tiempo, Jackie, también adulto, corre hacia una cabina telefónica. El teléfono de Clotaire suena dos veces; no contesta. La escena se intensifica cuando Clotaire, tras un ataque de ira, llega al lugar; al subir a su coche, recibe un disparo en la cabeza. La acción se interrumpe y comienza un flashback , diez años antes, en la década de 1980 

Jackie, que entonces tenía quince años, acababa de ser expulsada de su antiguo colegio privado y empezaba en un nuevo instituto. Cargaba con el peso del dolor reciente, tras haber perdido a su madre, y mantenía una estrecha relación con su padre, quien la cuidaba. 

Por su parte, Clotaire, hijo de un estibador portuario y el niño rebelde de una familia numerosa, tenía diecisiete años y ya había abandonado la escuela. Vagaba por las calles con su hermano Kiki y su amigo Lionel, con sus días marcados por vagabundeos sin rumbo y pequeños robos. 

Cuando Clotaire vio a Jackie bajar del autobús escolar, se sintió inmediatamente intrigado por esta chica rebelde, la única que respondía a sus provocaciones. Intentaba llamar su atención, empezando con pequeños gestos, y luego haciendo cosas cada vez más imprudentes para impresionarla. Clotaire decidió apodarla Jackie, su verdadero nombre era Jacqueline. Para conquistar a Jackie, Clotaire no duda en cometer pequeños delitos, incluyendo el robo minucioso de un pequeño cargamento de flanes. Estas transgresiones tienen graves consecuencias para su hermano Kiki, quien es enviado a un centro de detención juvenil tras ser encontrado encerrado dentro del camión frigorífico. 

A pesar de estos reveses, Clotaire persiste en sus intentos de seducirla, llegando incluso a grabar una recopilación de canciones en un casete para regalársela. Su relación se oficializa rápidamente, y los dos adolescentes se embarcan en una apasionada y tumultuosa historia de amor. Esta intensa felicidad pronto se ve eclipsada por las realidades de sus respectivas vidas. Jackie sueña con la independencia y aspira a una vida mejor, mientras que Clotaire se ve cada vez más arrastrado a un mundo de delincuencia. 

Durante una noche de paseo con Lionel, Clotaire comete el error de robar un paquete de narcóticos escondido en la nevera de un gimnasio perteneciente a un conocido delincuente local apodado La Brosse. Este acto desencadena una serie de sucesos trágicos: conocido por sus impulsos violentos, Clotaire se ve obligado a trabajar para La Brosse para evitar represalias. Lionel, su fiel amigo, no soporta esta espiral descendente y se distancia, dejando a Clotaire aún más aislado. 

Al mismo tiempo, el padre de Jackie, preocupado por el futuro de su hija, desaprueba cada vez más su relación y la insta a centrarse en sus estudios. La tensión aumenta entre Jackie y Clotaire; su otrora intenso amor comienza a desmoronarse. 

El dramático punto de inflexión se produce durante un robo en los muelles, donde Clotaire, junto con Tony, el hijo de La Brosse, y otros cómplices, intentan robar un cargamento de lingotes de oro de un camión blindado, aprovechando una huelga en la fábrica donde trabajaba el padre de Clotaire antes de ser despedido. La situación se agrava cuando Tony, sin escrúpulos, dispara a uno de los guardias que intenta proteger la carga. Horrorizado por este acto, Clotaire corre a ayudar al guardia que yace en el suelo. Sus compañeros lo abandonan cobardemente. Tras una larga persecución con la policía, es arrestado y acusado de asesinato. 

La Brosse, deseoso de proteger a su hijo Tony, presiona a Clotaire para que guarde silencio durante el juicio. Clotaire obedece las órdenes y accede. Es condenado a doce años de prisión por un delito que no cometió, mientras que Jackie, devastada por la noticia, suspende sus exámenes. Pasan más de diez años. 

Tras salir de prisión, Clotaire se reencuentra con su familia, incluyendo a su madre y su hermano (su padre ha fallecido), quienes intentan consolarlo. El recuerdo de Jackie lo atormenta. Su padre le informa que ahora está casada con Jeffrey, el gerente de una agencia de alquiler de coches donde trabaja, y que incluso el padre de Jackie está considerando mudarse. 

Mientras tanto, Jackie intenta llevar una vida tranquila; no puede olvidar a Clotaire y se aburre. Cuando Jeffrey empieza a percibir su angustia, la distancia crece entre ellos. La situación da un giro dramático cuando su madre le da el número de Clotaire. En un arrebato de nostalgia y arrepentimiento, lo contacta. 

Mientras tanto, Clotaire intenta seguir adelante disculpándose con La Brosse, quien ahora disfruta de una jubilación tranquila, mientras Tony se hace cargo del negocio. El reencuentro entre los dos hombres termina en tragedia: Clotaire no reclama lo que se le debe por guardar silencio durante su encarcelamiento y es golpeado en el estacionamiento de una discoteca. En represalia, provoca un accidente automovilístico en el que mata a Tony. 

Clotaire luego se reencuentra con Lionel, y él y Kiki consideran reconstruir sus vidas en el submundo criminal. 

Más tarde, Lionel y Clotaire observan el eclipse solar de 1999 en la misma playa donde Clotaire y Jackie solían encontrarse. Al mismo tiempo, Jackie observa con Jeffrey, sin percatarse de la presencia de Clotaire. 

Durante la noche, Lionel es asesinado por una banda rival, sumiendo a Clotaire en un profundo deseo de venganza, el mismo deseo que lo lleva a la escena inicial de la película. Mientras tanto, Jackie se da cuenta de que ya no ama a Jeffrey y va a la cabina telefónica donde había hablado con Clotaire antes de su arresto. Esta es la escena de apertura de la película, excepto que Clotaire, al ver que su teléfono suena dos veces sin contestar (un código que él y Jackie habían establecido al principio de su relación), abandona inmediatamente su plan de venganza para encontrarla. Jeffrey ha seguido a Jackie y la agrede sexualmente. Ella se defiende y lo deja inconsciente con el auricular del teléfono. Clotaire llega entonces, finalmente reunido con su amor de la infancia. Juntos, van a urgencias para que Jackie pueda recibir tratamiento y hablan de su pasado y las decisiones que los separaron. Clotaire le confía que aprendió el significado de muchas palabras en prisión al crear una hoja con 457 palabras que escribió mientras pensaba en ella. Se vuelven a abrazar y se van juntos. 

Clotaire y Jackie, ahora trabajando en un supermercado, llevan una vida sencilla y tranquila. Cuando un supervisor reprende a Clotaire por una pequeña transgresión, este mantiene la calma, pues ha aprendido de sus errores y le ha prometido a Jackie que nunca volverá a pelear. Ella interviene para defender a su pareja, sacando fuerzas de su pasado común. 

Más tarde, los dos amantes disfrutan de una cena en un restaurante, celebrando esta segunda oportunidad que les ha sido dada, finalmente libres para vivir su amor sin violencia ni remordimientos. Clotaire le dice a Jackie que la ama por primera vez.. 

Lellouche , que define su película con razones rotos como " una especie de dulce mezcla de violencia y sentimientos exacerbados", eligió como protagonista adultos de esta conmovedora y dura historia a Adèle Exarchopoulos , una de las protagonistas de la vida de Adele, y a François Civil quien fue D' Artagnan en el díptico de los tres mosqueteros dirigidos por Martín Bourboulon. Su magníficas actuaciones le valieron a ambos la nominación al César 2025 a los mejores actores protagonistas premio que ganó en la categoría de secundario Alain Chanat por su interpretación como padre de Jackie. Reconozco que la película me ha encantado y que me ha mantenido en tensión a lo largo de toda la película. 

Presentada en competición oficial en el Festival de Cannes de 2024 , recibió trece nominaciones en la 50ª edición de los Premios César y sólo ganó un premio, el de mejor actor de reparto para Alain Chabat. 

En 2013, se anunció que Gilles Lellouche dirigiría una adaptación de la novela *L'Amour ouf* ( Jackie Loves Johnser Ok? ) del escritor irlandés Neville Thompson, publicada por primera vez en 1997 . Este era un proyecto de larga data para el actor y director, quien había recibido una copia del libro de Benoît Poelvoorde, quien le dijo que absolutamente tenía que ser llevado al cine . 

Gilles Lellouche había estado intentando durante años para que se hiciera esta película, que describió en ese momento como "una comedia romántica ultraviolenta" . La película tardaría aún más años en hacerse realidad. Resurgió en el marco del Festival de Cine de Cannes de 2021 con un póster presentado en el Mercado de Cine , anunciando un estreno en 2023.

Gilles Lellouche explica, durante la promoción, que había pensado en los dos actores principales mientras rodaba una escena con ellos en la película Bac Nord , luego eligió a Vincent Lacoste y Jean-Pascal Zadi después de conocerlos gracias a la película Fumer fait tousser.

En el Mercado de Cine del Festival de Cine de Cannes de 2023 , la película apareció en la portada de Le Film français .Mayo de 2023Se especifica que la película tuvo un presupuesto de 32 millones de euros . Este fue entonces el mayor presupuesto para una película francesa de Studiocanal , que también se benefició del apoyo de Canal+ , Netflix y France Télévisions 

La película fue producida por las compañías francesas Chi-Fou-Mi Productions , Trésor Films, Studiocanal, France 2 Cinéma y Cool Industrie, y coproducida por las compañías belgas Artémis Productions, RTBF , Proximus , BeTV y Shelter Prod  La película finalmente superó su presupuesto inicial. El presupuesto total para L'Amour ouf, según el CNC , fue de 35,7 millones de euros  , lo que la convierte en la segunda película francesa más cara de 2024, después de El conde de Montecristo (42,9 millones de euros). 

Gilles Lellouche coescribió el guion con Audrey Diwan y declaró: «Inmediatamente vi en ella un alter ego. Su pensamiento, que no es necesariamente el mío, obviamente, su capacidad de argumentación y de análisis de la época en la que vive son fenomenales. Es una mujer muy fuerte e inteligente, una feminista ilustrada que defiende las causas más justas ». 

La película está ambientada en las décadas de 1980 y 1990 . Incluye canciones de artistas como The Cure , New Order , Prince , Billy Idol, Foreigner, Soft Cell, Nas ... El colectivo de baile (La)Horde crea tres bailes para los protagonistas . Gilles Lellouche afirma que la película cita a Martin Scorsese , Quentin Tarantino y West Side Story (1957). El rodaje comenzó en mayo de 2023 y termina en  septiembre de 2023, es decir, una duración de ochenta y ocho días  durante un período de dieciocho semanas.

Se desarrolló principalmente en lar egión de Hauts-de-France, en particular enVilleneuve-d'Ascq,Lille,Dunkerque,Douai,Valenciennes,Cambrai,Avesnes-sur-Helpe,Calais,Saint-Omer,Béthune,Lens,Arras,Boulogne-sur-Mer,Montreuil-sur-MeryRoubaix .  Algunas escenas también se filman en el Instituto Saint-Henri, un instituto de secundaria en Comines, Bélgica.

El plan de Gilles Lellouche era que la película durase más de tres horas. En enero de 2024, la primera versión de la película tenía una duración de cuatro horas, Lellouche declaró a la revista estadounidense Variety que la película superaría las tres horas.  Lellouche declaró al periódico Le Parisien que continuó editando la película después de su proyección en el Festival de Cine de Cannes, y que cortó una escena de baile y dos secuencias de violencia que hacían que el personaje de François Civil fuera "estúpido, desagradable"  En una entrevista en el programa C à vous , Lellouche declaró que estuvo editando y reelaborando el final de la película hasta el fin de semana anterior, unos días antes de su estreno en cines, el 16 de octubre

La versión de la película estrenada en los cines franceses en octubre tiene una duración de dos horas y cuarenta y un minutos. La película tuvo su estreno mundial en competición oficial en el Festival de Cine de Cannes de 2024

En Francia , la película tuvo una recepción bastante buena por parte de la prensa. Un ejemplo de ello lo encontramos en la revista Elle que escribió sobre ella lo siguiente: "Después de Sink or Swim , Gilles Lellouche confirma que es un tremendo director de actores y un cineasta verdaderamente asombroso". 

El rítico de L' Humanité escribió: "Gilles Lellouche ha ido a lo grande, en un trabajo que oscila entre Scorsese , por los gánsteres y la galería de personajes, y Top Gun por las puestas de sol ligeramente kitsch".

Le Parisien planteó que "Entre el amor a primera vista y los puñetazos, las escenas de lucha viriles y un primer beso en un campo de colza, Crazy Love golpea fuerte y es un verdadero placer cinematográfico". 

En Première se señaló que "Hay un garbo kamikaze en este enfoque que a menudo arrasa con todo a su paso . Pero para que este viaje atronador funcionara sin que los momentos más íntimos parecieran fuera de lugar, se requerían actores en perfecta armonía". 

En el lado negativo de las críticas el periódico Libération consideró que "uno puede sinceramente imaginar a Lellouche queriendo denunciar el odio en este mundo injusto donde todos con pelotas luchan entre sí, bate en mano, pero atrapado en el mismo impulso de su dirección exagerada y deliberada, termina cumpliendo este deseo en un espectáculo nauseabundo, tanto más empalagoso y relajante porque convierte este mundo de brutos en una versión de video musical que se supone que debemos admirar". 

Para Les Échos , la película es una "saga de amor ambientada en el contexto de una guerra de pandillas en el norte de Francia; la nueva película de Gilles Lellouche se asfixia bajo el peso de sus ambiciones " o expresaron Les Inrockuptibles , "Incluso en su forma, L'Amour ouf flexiona sus músculos, realiza cada escena en un exceso espectacular y sobrefilma todo lo que mira como si cada toma fuera un ejercicio de levantamiento de pesas " .  En cuanto al público, en su estreno en salas, L'Amour ouf tuvo una muy buena acogida.

En un artículo para el periódico francés Le Parisien , Catherine Balle escribió: «Lo primero que sorprende de este largometraje es su forma. Nos dijeron que era un musical: solo dos escenas de baile se cuelan en estas 2 horas y 46 minutos, salpicadas de éxitos de los 80 ( The Cure , Prince …), donde los actores nunca cantan. Luego está su tema. ¿Es L'Amour una comedia romántica o una película de gánsteres? Entre ambas, entre Antes del amanecer y BAC Nord , el corazón de Gilles Lellouche vaciló. Y el cineasta no se decidía». Y también: «Nos molesta la complacencia del guion respecto a los arrebatos de su héroe». 

Para Juliette Hochberg, de la revista francesa Marie Claire , « Corazones que laten no es una comedia musical, como se anunciaba aquí y allá, pero el trabajo preciso del sonido, más aún del silencio, ofrece un espectáculo total. Tampoco es un modelo romántico, «idealizable». Clotaire acumula más ataques de ira que banderas verdes.» 

Samuel Douhaire, de la revista francesa Télérama, escribió: «Lellouche quiere representar a Paul Thomas Anderson , Martin Scorsese , John Woo y Jacques Demy al mismo tiempo. Es mucho para una sola película, aunque dure casi tres horas, sobre todo cuando aún no se tiene el talento de ninguno de los dos, y su visión, muy sentimental, del amor es la de un eterno adolescente. De esta interminable y, en última instancia, agotadora mezcolanza, rescataremos, sin embargo, la primera hora, protagonizada por la joven y formidable Mallory Wanecque (descubierta a finales de 2022 en Las peores ) y Malik Frikah. La conmovedora interpretación de Alain Chabat como un padre protector y cómplice. Y una hermosa secuencia de diálogos, tierna y tensa, entre Jackie, Clotaire y un gerente de supermercado despectivo, donde, por una vez, Gilles Lellouche se abstiene de ser astuto con su cámara». 

Para Céline Rouden, del periódico francés La Croix , «nada está bien en esta película que lleva todos los controles al límite: colores saturados, música omnipresente, diálogos inexistentes y una puesta en escena afectada cuya energía sobreexcitada enmascara mal la ausencia de propósito, cuando no remite a una moral simplista», [...] «Un Romeo + Julieta a la francesa (1996) que sin duda busca devorar a Baz Luhrmann y sus excesos pero que solo produce una pálida imitación e incluso cae en el ridículo». 

Julien Rousset, del periódico francés Sud Ouest, calificó la película como "una gran decepción". "La decepción es aún mayor. Ya no es el gran baño, sino el gran vano, un largo clip de dos horas y cuarenta y seis minutos ahogado en un diluvio de música y violencia".

Gautier Roos escribió para el sitio web francés Chaos Reign que "nada en esta película justifica el gasto en pantalla, ni esta duración de 2 horas y 46 minutos, ni el aliento épico que esta historia de amor impedida por el destino quisiera encarnar". 

Para el sitio web francés Écran Large , " Beating Hearts supera los límites. El resultado es una obra excesiva, desproporcionada y muy torpe, cuya rara sensibilidad se ve lastrada por sus artificios inflados y su violencia casi glorificada". 

Fabien Lemercier de Cineuropa escribió: "Este espectáculo de fuegos artificiales con un presupuesto de 35 millones de euros es lo opuesto a la delicadeza y sin duda encontrará su público gracias a una campaña de marketing agresiva y adecuada, pero habría sido mucho más razonable no lanzarlo en competición en el 77º Festival de Cine de Cannes, donde, aunque los maestros del cine a veces pueden cansarse, una cierta excelencia artística sigue siendo de rigor ". 

En la prensa británica  Peter Bradshaw de The Guardian  escribió que "apunta a una energía de clase trabajadora al estilo Springsteen, pero se derrumba bajo el peso de su propia ingenuidad".

Stéphane Gobbo, del periódico suizo Le Temps, afirmó que Beating Hearts - que fue el nombre con el que se distribuyó en el mercado británico-  no es una comedia musical y que había mejores películas proyectadas fuera de competición en el Festival de Cine de Cannes de 2024 que merecían ocupar su lugar en la competición oficial. 

En los Estados Unidos Arjun Sajip, de IndieWire,  señaló el decepcionante tratamiento que se le da a su único personaje de color: «Lionel, el fiel amigo de Clotaire, cuyo papel, tanto de niño como de joven desafortunado, se limita a ser blanco de insultos raciales, compañero o elemento cómico. (Quienes vieron la película anterior de Lellouche, Sink or Swim , recordarán una superficialidad similar en la escritura del personaje principal de color de esa película)». 

Tim Grierson, de Screen Daily, elogió las actuaciones de Malik Frikah y Mallory Wanecque como los adolescentes Clotaire y Jackie, pero también criticó la falta de química entre François Civil y Adèle Exarchopoulos como las versiones adultas de los dos protagonistas: «Desafortunadamente, una vez que la pareja se reencuentra en sus veintes, la euforia de la película se disipa. A pesar de la crudeza de Exarchopoulos y Civil, que pretende sugerir cómo estos adolescentes fueron golpeados por la vida, su relación no es tan brillante como antes. Este es, en parte, el punto, ya que los adultos Jackie y Clotaire intentan reconectar con cautela, pero el final deliberadamente exagerado de Beating Hearts requiere una química intensa que los dos protagonistas adultos no pueden reunir por completo».

En un artículo para el sitio web estadounidense The Playlist , Gregory Ellwood afirmó que «Lellouche hace poco durante la primera hora para retratar el romance adolescente entre ambos como algo que cambia la vida. A pesar del evidente talento de Frikah y Wanecque, la pareja no está vendiendo una historia de amor para siempre. Eso hace que sea un poco difícil involucrarse en lo que suceda después». [...] «A medida que avanza la película, las decisiones narrativas se vuelven aún menos creíbles y Lellouche empieza a lanzarlo todo a la pantalla. Hay números de baile recurrentes (más o menos), un montaje vergonzoso que presenta un cliché de videoclip de hip-hop estadounidense de los 90, y un preludio que resulta completamente inútil. En un momento dado, se produce una explosión de coche en el momento justo después de que Clotaire atropelle a alguien y uno se pregunta: ¿Se supone que esto es autoconsciente? ¿Ha visto Lellouche Hot Fuzz ? ¿Cree que esto mola?». [...] Ellwood también señaló la falta de química entre los actores principales de la película: "Al igual que sus contrapartes más jóvenes, tal vez si Civil hubiera tenido algo de química genuina en pantalla con Exarchopoulos, todo se perdonaría. Tal vez Beating Hearts valdría su viaje salvaje y accidentado. Pero, oh, no. Todavía nos quedan 20 minutos. Abróchense los cinturones".

Jordan Mintzer, de The Hollywood Reporter, calificó la película de "exagerada y francamente vulgar por momentos" y escribió: "Si tomaras Magnolia , Uno de los Nuestros , Los Chicos del Barrio y quizás Un Hombre y una Mujer de Claude Lelouch , las conectaras todas a la última versión de ChatGPT y le pidieras que escupiera una película completamente nueva, podrías terminar con algo como la apasionante novela policíaca francesa de Gilles Lellouche (sin parentesco con Claude), Beating Hearts ( L'Amour ouf )", y también que "Clotaire y Jackie también parecen caricaturas de la clase trabajadora francesa, incapaces de controlarse a sí mismos o sus emociones porque aparentemente así son los jóvenes de la clase trabajadora. Lellouche divide el mundo en estereotipos que amplifica en casi cada escena, como si el drama fuera de alguna manera creíble si todos gritan a todo pulmón. Esto sucede bastante a lo largo de la película y especialmente durante la última hora: la película llega a un 166 minutos desternillantes".  

Escribiendo para el sitio web estadounidense First Showing , Alex Billington dijo: "Incluir a dos personas atractivas en tu película no significa automáticamente que tengan química ni que su historia de amor sea fascinante. Pensé que ya ni siquiera se les permitía hacer películas con una trama tan poco original; es la relación más banal de la historia. La chica lista con el chico malo. ¿Y eso es todo? Por desgracia, sí. ¿Tres horas dedicadas a una historia de amor tan básica? Para cuando llegamos a la parte de la historia donde aparece Adèle Exarchopoulos, incluso ella parece no querer seguir en la película, ofreciendo una actuación completamente mediocre donde se supone que tiene sentimientos latentes por un chico al que no ha visto en 12 años. Esto ocurre después de que se casa con un imbécil astuto (Vincent Lacoste) que la despide del trabajo y luego la coquetea. ¿No es ilegal este tipo de narrativa misógina? Supongo que todavía no en Francia. Esta película es una pérdida épica de tres horas que... No ofrece ni una pizca de tentación, emoción ni romance en sus múltiples vistas panorámicas. Es una película derivada en su peor momento y ojalá el público la ignore. Mejor vean La La Land o Cherburgo de nuevo en lugar de esto.

Ya en España, Luis Martínez en El Mundo señala que "El problema, más allá de lo cargante de todo, es el raro empeño que demuestra la película en pretender originalidad a cada plano que ofrece sin conseguirlo ni una sola vez. (...) siempre se opta por lo más protocolario, lo más obvio, lo ya visto. (...)" 

Oti Rodríguez Marchante desde las páginas del ABC destaca que la película "Es una película muy entretenida y en la que Exarchopoulos, como siempre, le pone una pasión y una gracia y dramatismo de aplauso." 

Philipp Engel en Cinemanía sostiene que "Todo resulta atractivo (...) Pero, en la práctica, el metraje es a todas luces excesivo (...) Se nota el entusiasmo por hacer gran cine, pero no traspasa la pantalla. (...)" 

Desirée de Fez rn El Periódico no es tan positiva al señalar que "En contra (...) además de su duración, una descripción superficial de dos personajes (...) y una dirección dispersa y caprichosa. Hay muchas decisiones de dirección inesperadas pero resultan artificiosas (...)" 

Por su parte, en Fotogramas Pablo Vázquez destaca que "Rodada con el brillo de los maestros, la cinta más ambiciosa del actor Gilles Lellouche como director destaca por el visceral descaro de sus protagonistas (...) su ruido, artificioso o no, jamás aburre o agota. (...) " 

Por último, las opiniones que se plantearon en Caimán. En primer ligar, Àngel Quintana señala que "Es una película pomposa, grandilocuente de una duración cercana a las tres horas en las que lo que se cuenta ya ha sido visto en otras películas." ; mientras que Carlos F. Heredero sostiene que "El nivel de la propuesta no es mayor que el de un telefilm de sobremesa, pero lo verdaderamente inverosímil es que haya sido programado en la sección oficial." 

Como suele ser habitual disiento de esta última opinión puesto que me ha parecido una gran película, un buen cocktail que combina drama, thriler y romance, en este caso épico, que abarca décadas, ambientado en el norte de Francia durante los años 80 y años posteriores. La que fue segunda película en solitario de Gilles Lellouche fue un gran éxito de taquilla en Francia, superando los 5 millones de espectadores . Se le ha descrito como un "fresco generacional" con un ritmo vibrante, a menudo comparado con un videoclip y con gran influencia del cine independiente estadounidense de los 80/90. Una película que destila energía y una posición de la cámara alternativa, nada ortodoxa y con la banda sonora que nos alegró la vida.

La cicatriz

Película del año 1948 protagonizada y producida por Paul Henreid, por medio de la Eagle-Lion Films y Bryan Foy Productions que llevaba en su versión original el título de Hollow Triumph - que significaría Triunfo hueco- y que fue película una película en clave de cine negro y que tiene como protagonista a un hombre que se pasa por otro dada su similitud física , con la única diferencia de una enorme cicatriz en la cara y no en el lado opuesto de la misma como le ocurre al individuo al que imita, de ahí el título de la película en español, La cicatriz.

La película fue dirigida por Steve Sekely y Paul Henreid y contó con un guion de Daniel Fuchs partiendo de la novela escrita por Murray Forbes. Fue estrenada por la productora Eagle-Lion Films , basada en la ya citada novela homónima de 1946 escrita por Murray Forbes. Los decorados de la película fueron diseñados por el director artístico Edward L. Ilou . Responsable de la fotografía fue John Alton, mientras que la edición lo fue de Fred Allen y la banda sonora de Sol Kaplan. Junto al mítico actor de Casablanca participan Joan Bennett y Leslie Brooks . 

El protagonista es John Muller (Paul Henreid), un astuto criminal con estudios en medicina y psiquiatría, sueña con el día en que logre dar "el gran golpe". Tras salir de la cárcel se ve obligado a desempeñar un aburrido trabajo de oficina. 

Un día, Muller decide llevar a cabo su sueño, robar en un conocido club de juego, propiedad del mafioso Rocky Stansyck junto con los integrantes de su banda. Recién salido de prisión, John Müller planea un asalto a un casino ilegal dirigido por Rocky Stansyck. El robo sale mal, y los mafiosos capturan a algunos de los hombres de Müller y los obligan a identificar al resto antes de matarlos. 

Tras el golpe y durante su huida, Muller será confundido con el Dr. Bartok, prestigioso psquiatra, debido a su asombroso parecido. Muller tratará de aprovechar la ocasión para esconderse, suplantando la personalidad del doctor. Para ello, deberá autoinflirgirse una herida que le deja una cicatriz idéntica a la del conocido psiquiatra... 

Stansyck tiene fama de rastrear y matar a sus enemigos, sin importar el tiempo que tarde, así que Müller decide irse de la ciudad y esconderse. Acepta un trabajo de oficina recomendado por su hermano Frederick, un hombre respetuoso con la ley, pero pronto decide que trabajar para ganarse la vida no es para él. El encuentro casual con el dentista Dr. Swangron revela que Müller se parece mucho a un psicoanalista que trabaja en el mismo edificio, el Dr. Bartok, con la única diferencia de una gran cicatriz en el lado izquierdo de la cara del doctor. 

Aprovechando la oportunidad, comienza a investigar a Bartok, incluso entrando sigilosamente en su consultorio para revisar su historial. Lo descubre la secretaria del doctor, Evelyn Hahn. 

Ella lo confunde con su jefe y lo besa, pero pronto se da cuenta de que es otra persona. Él la convence de salir con él, aunque ella se ha amargado y afirma haber renunciado a cualquier sueño de encontrar el amor. 

Müller se propone hacerse pasar por Bartók, con la ayuda de haber estudiado psicoanálisis en la facultad de medicina antes de abandonarla. Toma una fotografía del médico y la usa como guía para hacerse una cicatriz idéntica en el lado derecho de la cara. Solo después de haber asesinado a Bartók y de estar preparándose para arrojar el cuerpo al río, descubre que Bartók en realidad tiene la cicatriz en el lado izquierdo de la cara, y que al imprimir la fotografía, el negativo debió de estar invertido sin querer, por lo que la cicatriz de Müller está en el lado equivocado. Aun así, sigue adelante con el plan, y (excepto la señora de la limpieza, cuyas sospechas consigue disipar) nadie nota la diferencia, ni siquiera Evelyn ni los pacientes de Bartók. 

Müller descubre entonces que "él" tiene novia, Virginia Taylor, y que frecuentan Maxwell's, un casino de lujo. También resulta que Bartók ha estado perdiendo mucho dinero. 

Cuando un preocupado Frederick Müller intenta contactar con su hermano, la pista conduce a Bartok. La cicatriz convence a Frederick de que el hombre que ve es solo un doble. Evelyn, que desconocía el cambio (pero ahora sospechaba mucho), revela que John Müller dijo que iba a París. 

Frederick Müller le dice a "Bartok" que su hermano ya no tiene por qué esconderse, porque Stansyck fue condenado por "problemas con el impuesto sobre la renta" y está a punto de ser deportado. 

Después, Evelyn se da cuenta de que Müller es un impostor y que debe haber asesinado al psicoanalista. Aunque él se lo confiesa, ella no lo denuncia a la policía, sino que compra un billete para ir junto a él a Honolulu. 

Müller se entera y promete acompañarla, pero ella no cree que deje pasar semejante oportunidad de enriquecerse. Müller consigue que otros médicos atiendan a sus pacientes y se dirige al muelle. Allí, sin embargo, es interceptado por dos hombres que quieren hablar sobre la deuda de juego de 90.000 dólares de Bartok. Cuando Müller intenta escapar, le disparan mortalmente. Evelyn se aleja navegando, sin saber que Müller pretendía cumplir su promesa acabando así la película. 

Henreid quería dedicarse a la producción tras firmar un contrato con Warner Bros. Opcionó una novela que le había sugerido el director Steve Sekely y montó el proyecto en la recién formada Eagle Lion. 

Henreid estaba entusiasmado por interpretar el papel principal, un gánster, ya que era un papel diferente para él. Contrató a Daniel Fuch para escribir el guion, tras admirar su trabajo en Entre dos mundos. Quería a Evelyn Keyes para el papel principal, pero tenía contrato con Columbia y Harry Cohn se negó a cederla, así que eligieron a Joan Bennett en el papel de Evelyn. 

Henreid manifestó que Eagle Lion no estaba contento con la dirección de Sekely, por lo que lo reemplazaron por Henreid. Henreid afirma que la película tuvo un buen desempeño en taquilla, pero que estaba vinculada financieramente con otras tres películas de productores estrella. Ninguna de estas tuvo éxito, por lo que Henreid no obtuvo ganancias.

En cuanto a la crítica el crítico del New York Times, Thomas M. Pryor, la calificó como "un análisis adecuado de un tipo de criminal inteligente. La trama carece de la lógica suficiente para resistir el escrutinio, pero la historia avanza con agilidad, las actuaciones son sólidas y siempre existe la promesa de más violencia a la vuelta de la esquina". 

Para Alain Silver en Film Noir: An Encyclopedic Reference to the American Style señala: "Como en muchos de estos thrillers de serie B, la trama es artificial, aunque la conclusión de la película es tan deprimente como la de cualquier película negra desde Scarlet Street ".

El western según Boyero

En el lejano oeste de Boyero emitido por Movistar+el crítico Boyero nos da sus razones principales para defender este género y los que lo hacen como John Ford, Howard Hawks , Sam Peckinpah o Clint Eastwood, que para él representan lo más excelso de este genuino género cinematográfico norteamericano y que refleja perfectamente el carácter la idiosincracia de un país que nace de la brutalidad y la violencia. Son la estética y la épica del paisaje lo que le fascina con sus escenarios áridos y desolados como el de Monument Valley así como la inmensidad de la frontera, que a menudo actúan como un personaje más. Son historias interpretadas por personajes duros y solitarios, pero capaces de transmitir sensibilidad especialmente en una noche estrellada al calor de una fogata. 

Boyero muestra debilidad por las narrativas que exploran la dureza, el aislamiento y el código ético de personajes complejos en tierras salvajes. Todo ello además suele coincidir con una conexión nostálgica en el que los actores, en el western tienen mucho más protagonismo que las actrices, con sonoras excepciones como la de Nicholas Ray en su Johnny Guitar. Fundamentales son John Wayne, Henry Fonda, Gary Cooper o James Stewart. 

Más allá de su labor como crítico, confiesa sentir debilidad por el género que empezó a versin saber que iba a ser en la vida. De lo último visto considera tan clásico aLa diligencia de Ford o Centauros del desierto como Río Bravo o Sin Perdón de Eastwood. Los hermanos Sister para él de lo más provechoso en el género de los últimos años. Boyero suele destacar que el western es un género que "crea" e invita a creer, mostrando una notable preferencia por la forma en que los directores clásicos utilizaban el paisaje y la música para contar historias trágicas o heroicas. Esto es, más o menos, lo que le cuenta el crítico Boyero a Cristina Teva en cuatro o cinco diferentes localizaciones del almeriense y tabernario Fuerte Bravo, que recrea un poblado del lejano Oeste, mientras Boyero desgrana las claves del wéstern (su épica, los personajes, la violencia como característica esencial, la realidad del wéstern en el siglo XXI), además de recordar y comentar los títulos y directores más destacados del género de cine estadounidense por excelencia.

El dragón rojo revisado

Se hace una semanas pude disfrutar viendo Hunter, la película de Michael Mann que fue la primera obra de Thomas Harris en llevarse al cine y transformarse en película, muna vez publicada la obra homonima de Harris. La que he visto hoy fue financiada por el grupo italiano De Laurentiis, que hizo revitalizar la figura de Hannibal Lecter.

La película nos presenta al ex agente Will Graham, un investigador experto que dejó el FBI después de estar a punto de perder la vida mientras perseguía al asesino en serie Lecter, accede a volver al servicio años después para ayudar a resolver una serie de asesinatos especialmente crueles. Muy pronto comprenderá que la mejor manera de coger al asesino conocido como El "duende de los dientes" - nuestro "Ratoncito Pérez", aquí Francis Dolarhyde, el antagonista principal, un hombre obsesionado con la pintura de William Blake, El gran dragón rojo y la mujer vestida de sol , creyendo que el dragón es una entidad que lo está transformando., es adentrarse en la cabeza de otro criminal igualmente inteligente y retorcido. Para eso Graham tiene que volver a enfrentarse a su pasado y a su gran enemigo en la hora encarcelado Lecter.

Brett Ratner lo adaptó en el año 2002 la novela de Thomas Harris en la que aparece por primera vez el personaje del níbal el caníbal que ya había sido llevada a la pantalla en el año 1986 por Michael mann con el título Hunter. 

El guion da mayor protagonismo el pequeño papel que tenía el  del libro original y en la película de Mann gracias al apoyo de un prólogo que escribió Harris para la reedición de la novela. 

Anthony Hawking ganador de un Oscar por su Hanníbal Lecter en El silencio de los corderos de Jonathan Demme del año 1991, vuelve a dar vida al siniestro y sector doctor en esta tercera entrega de la serie, que cronológicamente la acción se desarrolle ocho años antes de El silencio de los corderos y de la película Hanníbal de Riley Scott. 

Le acompañan en un reparto Ralph Fiennes, Edward Norton, Emily Watson, Harvey Keitel, Mary - Louise Parker y Philip Seymour Hoffman 

Un punto a favor de esta película es que acaba justamente en el punto inicial en el que comienza el silencio de los corderos al informar el psiquiatra de que una gente del FBI quiere entrevistarse con el doctor Lecter. Evidentemente se trata de Clarice. 

La película de 2002 dirigida porBrett Ratner funciona como una precuela deEl silencio de los corderos. El conflicto del Dragón lo asume Ralph Fiennes que interpreta a un villano complejo que busca su "transformación" a través de los asesinatos, influenciado por la pintura de William Blake. Su relación con Reba (Emily Watson), una mujer ciega, añade una capa de humanidad trágica que es de lo mejor de la cinta . 

A diferencia de la versión de 1986 ( Manhunter ), esta película fue diseñada para encajar visualmente con el universo de Hopkins. Incluso el guion fue escrito por Ted Tally , el mismo que ganó el Oscar porEl silencio de los corderos y como aquí menciono enlaza su final con el aviso por parte del Dr. Frederick Chilton , interpretado tanto en la película de 1991 como en esta por Anthony Heald, de la llegada de Clarice Starling, la protagonista de El silencio de los corderos, la secuela de El Dragón Rojo, esa joven y brillante estudiante de la academia del FBI que es enviada por Jack Crawford para entrevistar a Hannibal Lecter.

Twisters

Una "s" más, pero muchas menos ideas, eso es lo que yo he apreciado en este revival del clásico Twister con Helen Hunt y Bill Paxton de Jan de Bondt. Además lo más triste es que esto demuestra la falta de ideas y de creatividad del cine estadounidense, que mira al pasado para hacer una copia de lo ya realizado. 

Tras la interesante " Minari: Historia de mi familia" , el director nominado al oscar Lee Isaac Chung dirige está superproducción protagonizada por Glenn Powell y Daisy Edgar Jones que actualiza y amplía la clásica película de 1996. Este cineasta estadounidense de Colorado saltó a la fama por su ópera prima, Munyurangabo (2007), que fue seleccionada oficialmente en el Festival de Cine de Cannes de 2007 y el primer largometraje narrativo en kinyarwanda . Chung saltó a la fama por dirigir la película semiautobiográfica Minari (2020), por la que recibió numerosos premios y nominaciones importantes, incluyendo el Globo de Oro a la Mejor Película en Lengua Extranjera y nominaciones a Mejor Director y Mejor Guion Original en la 93.ª edición de los Premios Óscar . 

En 2023, dirigió un episodio de la tercera temporada de la serie de Star Wars The Mandalorian , y en 2024, dirigió esta película de catástrofes, Twisters . 

Las conversaciones para una secuela de Twister comenzaron en 2020. Kosinski presentó una idea a Universal Pictures y Helen Hunt , quien protagonizó la película original, también expresó interés en una secuela que finalmente fue rechazada. Se contactó con varios directores antes de contratar a Chung en diciembre de 2022. 

Este siguió el guion de Mark L. Smith que partía la historia escrita por Kosinski que partía, a su vez, de lo planteado por Michael Crichton y Ana María Martín y producida por Frank Marshall y Patrick Crowley como cabezas visibles de Universal Pictures, Warner Bros. Pictures y Amblin que invirtieron 155 millones de dólares. Contó con un equipo técnico como Dan Mindel en la fotografía, el montaje de Terilyn A. Shropshirehy la música de Benjamín Wallfisch. 

El elenco se unió a principios de 2023 siendo un grupo de actrices y actores bastante joven encabezados por Daisy Edgar-Jones, Glen Powell, Antonio Ramos, Brandon Perea, Maura Tierney y Sasha Lane. 

El rodaje se llevó a cabo en Oklahoma ese verano, con una breve pausa debido a una huelga  

En esta película del año 2024 la protagonista es Kate Carter (Daisy Edgar-Jones ) , una chica que quiere conseguir una beca para investigar los hurracanes en Oklahoma con un grupo de cazadores de tormentas Javi (Anthony Ramos ), Addy (Kiernan Shipka ) , Praveen (Nik Dodani ) y su novio, Jeb (Daryl McCormack ) . Junto con un Doppler Dorothy V , - que ya conocemos de la película de 1996- el equipo lanza barriles de perlas de poliacrilato de sodio a un tornado con la esperanza de reducir su intensidad y conseguir financiación para futuras investigaciones. Sin embargo, la cantidad de sustancias químicas es insuficiente para detenerlo y la tripulación queda atrapada en medio de la tormenta mientras se intensifica hasta convertirse en un EF5 . 

Debido al impacto en tierra del tornado Addy, Praveen y Jeb mueren, mientras que Kate y Javi sobreviven. 

Cinco años después, Kate trabaja en una oficina de la NOAA en Nueva York. Javi, que trabaja para la empresa de radares móviles para tornados Storm Par, le ofrece a Kate un puesto de una semana con su equipo para probar un nuevo sistema de escaneo de tornados con un radar de matriz en fase . 

Kate solo acepta después de que Javi le envíe un informe sobre un tornado que está destruyendo una ciudad. Kate y Javi se unen al equipo de Storm Par financiado por un hombre de negocios, Rigg (David Born) en Oklahoma, que incluye a Scott (David Corenswet ), socio comercial de Javi. 

Pero su equipo no es el único, pues hay un popular cazador de tormentas con un canal de YouTube, Tyler Owens (Glen Powell ), conocido como el "Tornado Wrangler", también llega a Oklahoma desde Arkansas buscando aprovechar la predicción de un brote de tornados. Tyler se une a su equipo: Boone (Brandon Perea ) , la mecánica Dani (Katy O'Brian ), el científico Dexter (Tunde Adebimpe ) y Lily (Sasha Lane ), así como al periodista británico Ben (Harry Hadden-Paton ) . 

El equipo de Storm Par y Tyler persigue un tornado EF1 que ha tocado tierra en un parque eólico cercano. Kate sufre un ataque de pánico , lo que la incapacita para ayudar a Javi a instalar el último escáner, por lo que se marcha en coche. 

El equipo rastrea otra tormenta que produce otro EF1, que a su vez produce un satélite que se separa. Storm Par persigue al satélite tras notar que se intensifica, pero al alcanzar la fuerza EF3, destruye el tercer escáner. Kate y Javi logran escapar por los pelos y se dirigen al cercano pueblo de Crystal Springs, devastado por el tornado, para ayudar en las tareas de recuperación, junto con el equipo de Tyler. 

Tras haber desestimado a Tyler y a su equipo como buscadores de gloria, Kate se sorprende al descubrir que utilizan las ganancias de las mercancías para ayudar a las víctimas del tornado, mientras que el inversor de Storm Par, Marshall Riggs, se lucra comprando terrenos dañados por el tornado. 

Tyler invita a Kate a un rodeo cercano en Stillwater , donde comienzan a unirse. Cuando golpea un gran tornado, Kate lleva a Tyler y a los residentes cercanos a refugiarse en la piscina vacía de un motel. 

Después, Kate y Javi discuten sobre las intenciones de Riggs, lo que hace que Javi culpe a Kate por las muertes de sus colegas. Angustiada, Kate se retira a la granja de su madre, Cathy (Maura Tierney ) en Sapulpa y a la que no ha visitado en cinco años . 

Tyler sigue y descubre la investigación previa de Kate con respecto al experimento de interrupción del tornado. Kate inicialmente rechaza la oferta de Tyler para ayudar a volver a intentar el experimento, pero finalmente acepta. 

Al día siguiente, liberan las cuentas en un tornado que pasa, pero no se disipa. Usando datos de escaneo proporcionados por un Javi que se disculpa, Kate plantea la hipótesis de un cambio en el experimento para corregir un descuido previo, es decir, agregar yoduro de plata . 

El equipo rastrea otro tornado que se desarrolla cerca de El Reno . La camioneta de Javi y Scott se volcó y volvió a enderezarse; escaparon justo cuando el tornado se incendió tras impactar una refinería de petróleo. El tornado aumentó de tamaño, convirtiéndose en un EF5 de una milla de ancho que se dirigía hacia El Reno. Javi intentó ir rápidamente a El Reno para ayudar en las labores de recuperación, pero Scott lo presionó para que continuara su misión en Riggs. Javi abandonó a Scott en la carretera y abandonó Storm Par. 

Kate, Tyler y su equipo evacuan a los habitantes del pueblo a un cine cercano. Un tranvía descarrilado y escombros atrapan a Tyler. Kate lucha por liberarlo, pero con la llegada de Javi, Tyler es rescatado. 

Kate conduce la camioneta de Tyler hacia el centro del tornado. Dispara el yoduro de plata al tornado y, tras un breve forcejeo con los controles, también lanza las perlas de poliacrilitos, pero el vehículo vuelca. 

El tornado destroza el cine, casi arrastrando a Lily y Tyler justo cuando las medidas surten efecto, debilitándolo. 

El equipo rescata a Kate y celebra la disipación del tornado. Tiempo después, mientras Kate espera en el aeropuerto su vuelo a Nueva York, Tyler la alcanza para reconciliarse. Al enterarse de que los vuelos se han retrasado debido a los fuertes vientos, ambos parten rápidamente hacia la tormenta. 

Un montaje final muestra que Kate que va a presentar su tesis doctoral y sus investigaciones y la vemos despidiéndose en el aeropuerto de Javi, al que ya ha perdonado,  y de Tyler. Los tres se han unido a un nuevo negocio de radares para tornados, pero Tyler siente algo más por Kate, pero no se atreve, menos aún cuanddo un guardia de seguridad le insta a que saque el coche de allí, pero propiciado y estimulado por Javi. finalmente, entra en el aeropuero para reencontrase con kate y ,  aprovechando un retraso por mal tiempo , se van a tomar algo, una vez que Tyler haya enraizado el vehículo en la acera, muy a pesar de la polícía. Por otro lado, descubrimos que la historia que quería contar el periodista británico, Ben, se centra en Kate en lugar de Tyler acabando así la película.

La historia de este proyecto se remonta a 2020, cuando Joseph Kosinski se reunió con Amblin Entertainment y Kennedy/Marshall Company para presentar una secuela de la película Twister de 1996 que giraba en torno a una "nueva generación" de cazadores de tormentas. 

En junio de 2020, Universal Pictures anunció que se reuniría con los escritores para desarrollar el reinicio , con Frank Marshall adjunto como productor y Kosinski en las primeras negociaciones como director. Casi al mismo tiempo, el estudio rechazó los planes de la actriz de Twister, Helen Hunt, de dirigir una secuela y de desarrollar una versión escrita por Hunt, Rafael Casal y Daveed Diggs. 

En octubre de 2022, Amblin, Universal y Warner Bros. se reunieron con los directores de Twisters , una secuela que se está acelerando para comenzar su producción a principios de 2023 después de que Steven Spielberg , productor ejecutivo de la película original, expresara su entusiasmo por un guion de Mark L. Smith . La pareja de cineastas Jimmy Chin y Elizabeth Chai Vasarhelyi , Travis Knight y Dan Trachtenberg estaban en conversaciones para dirigir el proyecto, ya que Kosinski había abandonado su puesto para dirigir F1 (2025). Según se informó, el estudio quería que Hunt repitiera su papel, con la esperanza de que la historia se centrara en la hija de ella y los personajes de Bill Paxton. 

Pero en diciembre de 2022, Lee Isaac Chung fue contratado para dirigir la secuela independiente .Los miembros del elenco asistieron a un "campo de entrenamiento meteorológico" para aprender sobre tornados de meteorólogos y cazadores de tormentas. El programa fue organizado por el meteorólogo y exanalista de la NOAA Kevin Kelleher, asesor técnico de ambas películas de Twister . 

El hijo de Paxton, James , tiene un cameo como un huésped de un motel que intenta alejarse de un tornado. 

Se programó  el rodaje inicialmente para el estado de Georgia , a las afueras de Atlanta , por razones presupuestarias . En cambio, comenzó en mayo de 2023 en Oklahoma , donde se desarrolla la historia, lo que marca el regreso de Chung al estado después de Minari  rodando allí en Prairie Surf Studios durante 40 días y en el área metropolitana de Oklahoma City durante 50 días. 

Finalmente, el rodaje duró 60 días, aproximadamente el 70 por ciento de los cuales se dedicó a capturar escenas de conducción.  Otras ubicaciones incluyeron las ciudades de Burbank , Calumet , Cashion , Chickasha , Fairview , Hinton , Kingfisher , Kremlin , El Reno , Midwest City , Okarche , Pawhuska y Spencer .  El rodaje se suspendió en julio debido a una huelga de guionistas. Como se necesitaron seis semanas de tiempo de preparación para reanudar la producción, a pesar de solo tener tres semanas de material para filmar, el equipo comenzó a preparar los sets antes de que terminara la huelga. La producción se reanudó con la conclusión de la huelga en noviembre y finalizó el mes siguiente.

Dan Mindel fue el director de fotografía. Patrick Sullivan, quien trabajó en el departamento de arte de la película original, fue el diseñador de producción que apostó para que Twisters se rodara en película de 35 mm , a petición de Chung tras recibir el apoyo de Spielberg y Mindel, con cámaras Panavision Panaflex Millennium XL2 y cámaras portátiles Arriflex 435 y 235 de Arri , utilizando lentes anamórficas Panavision T-Series, C-Series y Primo. 

Los tornados de la película se crearon utilizando efectos especiales y visuales , haciendo referencia a imágenes de nubes supercelulares y tornados reales filmados por consultores técnicos, incluido el cazador de tormentas Sean Casey . El tornado del final se inspiró en el tornado de El Reno de 2013 , el tornado del oeste de Kentucky de 2021 y un tornado en cuña que azotó Kansas en 2023. Los efectos visuales fueron manejados por Industrial Light & Magic . 

Twisters se estrenó en Cineworld Leicester Square en Londres en julio de 2024 y también se proyectó en el Festival de Cine de Taormina en Italia en julio de 2024.La película fue estrenada en los Estados Unidos por Universal Pictures en julio de 2024 y anticipadamente en algunos mercados internacionales por Warner Bros. Pictures y ya a escala mundial llegaría a alcanzar unos 372,3 millones de dólares. 

La película tuvo sus reconocimientos. En los 82ª Globos de Oro (2025) fue valorada por su logro en taquilla. En los 52 Saturn Awards fue nominada a Mejor película de acción / aventuras y a los Mejores efectos especiales (Ben Snow, Florian Witzel, Bill Georgiou, Scott R. Fisher) Y en la 29 edición de los Satellite Awards (International Press Academy) fue nominada al Mejor sonido.

En cuanto a la crítica fue , en general, positiva. En Entertainment Weekly , Jordan Hoffman escribió sobre ella que "Hay un montón de jerga técnica que debes tomar como algo seguro, pero Jones y Powell hacen más que venderla; la hacen convincente". 

Odie Henderson de The Boston Globe  afirmó que "ver la secuela es como jugar a Mad Libs con la trama de la original". 

No tan entusiasta, David Ehrlich de IndieWire  comentó que "Y a pesar de toda la buena voluntad inmerecida que Twisters extiende a los creadores de contenido viral, sigue siendo uno de los argumentos más enfáticos de este verano a favor de la experiencia de la pantalla grande". Y Ehrlich en IndieWire añadió que "Al igual que su predecesora, esta emocionante y sorprendentemente romántica ráfaga de diversión en el cine combina de forma peculiar varios géneros en un viaje convencionalmente satisfactorio" 

Owen Gleiberman, de Variety, elogió las actuaciones de Powell y Edgar-Jones, pero sugirió que la película no era tan innovadora como la original dada la prevalencia de internet y la disponibilidad gratuita de videos de tornados. Escribió: «Al contemplar los tornados en Twisters , sentí que ya había visto algo exactamente igual, y que, en cuanto a imágenes de tornados reales, ya había visto algo aún más increíble» 

Mick LaSalle San Francisco Chronicle valoró las actuaciones. "Los personajes, aunque bastante simpáticos, parecen más construcciones que personas. Está claro que hubo una idea de hacer un remake, pero no una segunda o tercera idea de por qué o cómo hacerlo (...) 

Katie Walsh de Los Angeles Times destacó que "'Twisters' es una superproducción veraniega sumamente entretenida, con un peso temático que la hace incluso mejor de lo esperado, y mejor que la primera" 

David Rooney del The Hollywood Reporter asumió que la película "Cumple con su cometido de provocar tornados mortales que dejan un rastro de destrucción a su paso. Pero la medida en que todo esto se conjura disminuye el temor que acelera el pulso ante la naturaleza en su forma más destructiva" 

Jeff Ewing de Collider consideró que "La película cuenta con una introducción asombrosa, grandes apuestas, personajes carismáticos y decorados memorables pensados para pantallas gigantes, lo que la convierte en una continuación satisfactoria de la original" 

Ya en el Reino Unido Robbie Collin de The Daily Telegraph  escribió que "mejora enormemente [la original] en todos los aspectos".

Tim Grierson de Screendaily no tan entusiasta señala que "El director se toma demasiado en serio esta película de evasión, y como resultado este potencial éxito de taquilla luce muy bien en la gran pantalla pero rara vez exhibe el entusiasmo desenfrenado de las poderosas tempestades de la película" 

Peter Bradshaw del The Guardian considera que es  "Una película divertida con algunas grandes escenas, y Ramos y Powell hacen de admiradores galantes de Kate. Sin embargo, creo que el cine aún no le ha dado a Edgar-Jones el papel bien escrito que se merece en la gran pantalla (...)

En Empire Beth Webb  condideró que "El concepto de mejorar un tornado puede parecer extraño, pero la secuela lo consigue con un despliegue visual que oscila entre lo terrorífico y lo escandalosamente divertido (...)" 

Nicholas Barber de la BBC valoró quie "Aunque cuenta con actores carismáticos y secuencias trepidantes, 'Twisters' no tiene mucho argumento (...)

Ya en España Javier Ocaña en El País afirma que la película "Huele al cine comercial de los noventa, con (...) un toque social contemporáneo (...) 'Twisters' ofrece justo lo que se pide a una producción de este calibre: entretenimiento, oficio, espectáculo y un par de intérpretes con química" 

Oti Rodríguez Marchante en las páginas de ABC señala que la película es un "Espectacular entretenimiento (...) Con (...) el buen armamento técnico del que se dispone, (...) y con un espectador entretenido, una película de estas características cumple su función." 

En La Razón Sergi Sánchez  sostuvo que "Las escenas de tornado de “Twisters” son mucho más sofisticadas que las del original (...), pero (...) se ha perdido (...) el ‘joie de vivre’ de una película que lo sacrifica en beneficio de una puesta en escena plana y formularia (...) " 

Desde barcelona Quim Casas en  El Periódico consideró que "En 1996, 'Twister’ convirtió a los tornados en una amenaza mucho más letal de lo que ya son. ‘Twisters’ dobla los ciclones e invierte más dinero en efectos digitales, pero la historia es calcada a la de aquella (...) "

También desde Cataluña Philipp Engel de La Vanguardia entiende que "Es una película admirablemente bien construida, que no abusa de sus elegantes efectos especiales (...) Es prácticamente la perfecta película de verano, ecológica sin dar sermones, entretenida sin dar tregua (...) " 

Para Fausto Fernández de Fotogramas la película es un producto "Para nostálgicos de los maravillosos blockbusters veraniegos de los noventa. (...) un acercamiento intimista y con trasfondo social al universo nacido del taquillazo dirigido por De Bont. (...).

Como ya comencé esto considera que la película se deja ver, es entusiasta en cuanto espectáculo, pero no aparta , salvo efectos especiales, nada novedoso en cuanto a la historia. Ver y dejar a un lado en mi opinión.  

One hand Clapping

En 1971, apenas un año después de la separación de The Beatles, Paul McCartney formó el grupo musical Wings, también conocido como Paul McCartney & Wings. Fue uno de los grupos con mayores ventas durante la década de los setenta, con cinco álbumes consecutivos encabezando las listas de éxitos estadounidenses. 

A sabiendas de que Paul McCartney era ya toda una referenbcia en el mundo de la mñusica, el ex beatle no dudó en plantear un documental que , dirigido por David Litchfield, reflejara lo que quería reflejar en su disco, One hand Clapping, con la intención de capturar su sonido característico. 

El documental fue rodado en los míticos estudios Abbey Road en 1974, donde los The Beatles habían grabado un mítico disco y una no menos icónica portada.

Esta producción muestra el funcionamiento interno de la banda mientras tocaban juntos. Incluye interpretaciones únicas de canciones de su icónico álbum “Band On The Run”, como “Live And Let Die” "Love" y “Jet”, así como una versión de un clásico de los Beatles. 

El documental también muestra imágenes personales de la banda, fragmentos de entrevistas en audio y una interpretación acústica inédita de “The Backyard Sessions” a cargo de Paul McCartney. 

Para ese momento Paul McCartney & Wings habían encontrado y definido su sonido característico con un toque mucho más rockero. Filmada durante cuatro días en los estudios Abbey Road en agosto de 1974, la película ofrece una visión del funcionamiento interno de la banda mientras trabajan y tocan juntos en el estudio, imágenes íntimas de la banda mientras pasan el rato en el estudio, combinadas con fragmentos de entrevistas en audio. 

La película también incluye secuencias completas e inéditas de una actuación acústica de Paul en solitario llamada Sesiones en el patio trasero. 

El documental cuenta con música de Denny Laine y de Paul McCartney y fue realizado por MPL Communications.

Para críticos británicos como Peter Bradshaw habitual en The Guardian "Este documental de rock es puro placer (...)".

One Hand Clapping”, es una oportunidad para que el público retroceda en el tiempo hasta 1974 con Paul McCartney y Wings  y en la trastienda de un LP como el álbum “One Hand Clapping” , publicado después del éxito de su álbum “Band on the Run”  en las listas del Reino Unido y medio mundo

Este documental se estrenó en cines el 26 de septiembre de 2024. A lo largo de los años, diversas partes del material han sido pirateadas y algunas han aparecido en lanzamientos oficiales de McCartney. No obstante, esta es la primera vez que se publica el audio completo de la película, junto con varias canciones adicionales grabadas fuera de cámaras. 

El proyecto capturó a Wings en una nueva formación, tras su regreso de Nashville, donde grabaron el sencillo ‘Junior’s Farm’. Después de la abrupta salida de Denny Seiwell y Henry McCullough el año anterior, Paul, Linda y Denny Laine continuaron entonces junto al guitarrista Jimmy McCulloch que había estado en Once a Million, Thunderclap Human y Stone the Crows y el batería Geoff Britton  veterano de bandas como East of Eden o Wild Angels, a los que el de Liverpool elogia. Britton dejaría el grupo seis meses después, entusiasta del karate, tuvo la oportunidad de trabajar en Japón en una película de artes marciales.

En este documental el arreglista orquestal es Del Newman y el saxofonista Howie Casey, quien había tocado con Paul en Hamburgo, y se unieron a la banda en el estudio. Al cumplirse casi 50 años de estas grabaciones, Paul McCartney decidió rescatarlo y publicarlo en diversos formatos, saliendo a la venta  en un doble CD y doble vinilo en edición especial incluyendo un disco de 7 pulgadas como bonus tracks, incluyendo las canciones grabadas en el Backyard, patio trasero de los estudios Abbey Road. 

Al inicio del film, aparece Paul Mccartney presentando el documental e introduciéndonos en su contenido, visionándose unas fotografías Polaroid de las grabaciones, tras el documental vuelve a aparecer presentándonos una grabación en la cual con su guitarra acústica interpreta canciones que tocaba en su adolescencia, clásicos del rock y un tema inedito, haciendo un homenaje a Buddy Holly, filmadas en los jardines traseros del estudio Abbey Road. 

Visionando el documental, entendemos como a pesar de los momentos encantadores que contiene, Paul optó por descartarlo en su día, mostraba una versión obsoleta del grupo, con un espíritu relajado, lejos de la reputación de Wings como una potencia del rock en grandes estadios. 

Cada uno aparece en su función definida Paul McCartney como voz, bajo, piano, piano eléctrico, órgano Hammond, celesta, armonio y guitarra acústica. Junto a él, su mujer, Linda McCartney a cargo del Moog, piano eléctrico, Mellotron, pandereta y coros. Junto a ellos el tercero de la banda, Danny Laine, responsable de la voz, guitarra eléctrica, guitarra acústica y bajo. Y junto a ellos los añadidos ese año Jimmy McCulloch para la guitarra eléctrica y los coros así como Geoff Britton responsable de la batería. Puntualmente aparecen Howie Casey en el  saxofón. Tuxedo Brass Band, metales y Del Newman, director de orquesta y arreglista así como Geoff Emerick, ingeniero de sonido. Por cierto,   Paul Mac Cartney aparece como productor ejecutivo.

Todas las canciones de este doble álbum fueron escritas por Paul McCartney y Linda McCartney entre ellas las que se ven en el documental como One hand Clapping, Jet, Soily, C Moon/Little Woman Love , Tal vez estoy asombrado, la mítica My love, Bluebird, Let's Love, All Of You, Te daré un anillo, Banda en Marcha, la James Bondiana Vive y deja morir, Mil novecientos ochenta y cinco (1985), Déjame rodarlo, Love My Baby y las procedentes de la etapa de The Beatles como son Let It Be , El Largo y tortuoso camino, , excepto las versiones de " Baby Face " de Benny Davis y Harry Akst; " Blue Moon of Kentucky " de Bill Monroe, "Go Now " una canción compuesta por Larry Banks y Milton Bennett, y las que se incluyen en el "Patio trasero" como son Twenty Flight Rock, Peggy Sue y " I'm Gonna Love You Too "