lunes, 18 de mayo de 2026

Until Dawn



Le he preguntado al mayor de mis hijos si conocía til Dawn. Me ha dicho que sí, aunque no había jugado al mismo. Until Dawn es un videojuego de terror y drama interactivo desarrollado por Supermassive Games, donde tus decisiones determinan qué personajes sobreviven a una noche de pesadilla en una cabaña aislada en la montaña. Inspirado en los clichés de las películas de terror adolescente, la historia sigue a un grupo de ocho amigos que se reúnen en la montaña Blackwood un año después de la misteriosa desaparición de dos de sus amigas. 

Durante el juego hay un "efecto mariposa" : Cada elección que tomas modifica el desarrollo de la trama y el destino del grupo, lo que te permite experimentar múltiples finales. El juego combina exploración, cinemáticas y Quick Time Events (eventos de tiempo rápido) en los que un solo error puede ser fatal. Y es normal que no hayan podido jugar mis hijos. Yo les compré la PS· y su lanzamiento original fue para PS4 en 2015, más tarde en una versión renovada llegó a la PlayStation 5 y PC. Eso lo explica casi todo.

Película de terror del año 2025 que se inspira en el videojuego de terror y supervivencia homónima en el que cada decisión fue de significado la diferencia entre la vida y la muerte. La película una coproducción estadounidense y húngara llega la gran pantalla de la mano del director David F. Sandberg, de la que aquí pude ver ya Anabelle: Creative . 

La película se realiza a partir de un guion de Gary Dauberman. Está basado en el videojuego de 2015 del mismo título desarrollado por Supermassive Games. En la Producción intervienen David F. Sandberg, Gary Dauberman, Mia Maniscalco, Lotta Losten, Roy Lee, Asad Qizilbash y Carter Swan que representaromn y pusieron los 15 millones de dólares a través de sus empresas Screen Gems, PlayStation Productions, Vertigo Entertainment, Coin Operated y Mangata. La película cuenta con la música de Benjamin Wallfisch, la fotografía de Maxime Alexandre y el montaje de Michel Aller.

Esta película presenta varias diferencias con respecto al juego y es un terrorífico slasher en la que unos jóvenes se verán envuelto en una pesadilla entre enloquecedora que revivirán una y otra vez no ser que consigan llegar vivos al amanecer. 

La historia comienza con el intento de escapar una chica por parte de sus "captores" subterráneos. Un año después de que la chica es Melanie (Maia Mitchell ) yq ue desapareciera misteriosamente, así que su hermana Clover (Ella Rubin) y sus amigos,Max (Michael Cimino), exnovio de Clover, Megan (Ji-young Yoo ) la hermanastra de Max; Nina (Odessa A'zion ) , la mejor amiga de Clover; Abe (Belmont Cameli ) , el novio de Nina . 

Un año después, este grupo se dirige a un valle remoto donde desapareció Melanie en busca de respuestas, aunque antes paran en una tienda siendo atendidos por el Dr. Alan J. Hill (Peter Stormare), psiquiatra. 

El grupo , una vez visitada la tienda, llegará a un lugar con un edificio tras pasar una tormenta y allí acabarán explorando un centro de visitantes abandonado, donde, tras el movimiento de un reloj de arena, se encuentran acechadas por un asesino enmascarado y asesinadas horriblemente una a una... sólo para despertar y encontrarse de nuevo al principio de la misma noche. 

Atrapados en el valle, se ven obligados a revivir la pesadilla una y otra vez, sólo que cada vez la amenaza asesina es diferente, cada vez más aterradora que la anterior. 

Con la esperanza menguando, el grupo pronto se da cuenta de que les queda un número limitado de muertes, y la única forma de escapar es sobrevivir hasta el amanecer. Allí, son asesinados horriblemente, pero al despertar se encuentran de nuevo al principio de la misma noche. 

Atrapados en el valle, se ven obligados a revivir la pesadilla una y otra vez, solo que cada vez, la amenaza asesina es diferente, cada vez más aterradora que la anterior, y la única forma de escapar es sobrevivir hasta el amanecer 

Para crítica del The New York Times la película es "en parte la película es un homenaje al género y en parte elige tu propia aventura y en parte casa encantada interactiva " esta protagonizada por los jóvenes Ella Rubín, Michael Cimino, Yoo Ji-Young, Odessa A' Zion, Belmonte Camli, Maia Mitchell, junto a Peter Stormare, que también aparecía en el juego. 



En enero de 2024, se anunció que Screen Gems y PlayStation Productions estaban desarrollando una adaptación de acción real basada en el videojuego Until Dawn, con David F. Sandberg como director y Gary Dauberman como guionista. El guion está basado en un borrador anterior de Blair Butler. Asad Qizilbash, director de PlayStation Studios, explicó que «era muy importante que la trama de la película no fuera la misma. En vez de ello, contará con personajes nuevos y una historia novedosa y original». No obstante, se seguirán algunas líneas del juego. 

En junio, Ella Rubin, Michael Cimino, Ji-young Yoo y Odessa A'zion se unieron al elenco en papeles no revelados. Dos meses después Maia Mitchell, Belmont Cameli y Peter Stormare se unieron al reparto, este último repitió su papel del Dr. Alan J. Hill, lo que lo convierte en el único actor del juego que aparece en la película. 

Ni el director ni Gary [Dauberman], querían simplemente rehacer la historia original, escena por escena». Sandberg, en respuesta, dijo: ...el juego es más o menos una película de 10 horas, así que creo que no habría sido tan interesante para mí si hubiéramos hecho sólo el juego, porque entonces sería como una versión reducida y no interactiva del juego, lo que simplemente no sería lo mismo. Sandberg aclaró además que la película era otra entrega del universo del videojuego, no una adaptación, en una entrevista con William Earl de Variety. 

El rodaje del filme comenzó en Budapest (Hungría) en agosto de 2024, con Maxime Alexandre como director de fotografía y concluyó en octubre de 2024. 

En cuanto a la crítica Erik Piepenburg de The New York Times comenta que "Ver a alguien jugar a un videojuego al que nunca te dejan jugar es un tipo de aburrimiento muy particular. Un aburrimiento similar al de '¿por qué estoy aquí?' llega pronto y se queda hasta tarde en este filme"   Louis Peitzman, de Vulture, escribió que la avalancha de ideas de Until Dawn «amenazaba con derrumbar la película por su propio peso», pero elogió su creatividad y su metacomentario sobre el género slasher. Concluyó que la película se salvó gracias a su humor, comparándola favorablemente con La cabaña en el bosque.

Brian Tallerico, de RogerEbert.com, escribio que tenía ideas muy ingeniosas, pero una ejecución mediocre. Añadió que la fotografía de Maxime Alexandre era poco iluminada y deprimentemente plana, y que el lenguaje visual del videojuego era más potente.

Katie Walsh de Los Angeles Times también le dio a la película una crítica positiva. Elogió al director por abrazar las raíces del terror de serie B de la película, describiéndola como «en parte homenaje al género, en parte elige tu propia aventura, en parte una casa encantada interactiva». Elogió también el guion y al elenco principal por ser «personajes completamente desarrollados». Concluyó que Until Dawn era «diversión sangrienta, aunque ligera».

William Bibbiani, de TheWrap, criticó Until Dawn por su superficialidad, sus caracterizaciones superficiales y su guion confusamente vago, que contradice la lógica. Sin embargo, algunos de los sustos le resultaron agradables y describió la premisa como ingeniosa. Escribió: «En su mejor momento, Until Dawn de Sandberg es un sistema divertido para sustos de terror aleatorios en autocines, como una máquina tragamonedas de cine de género», concluyendo que la película no era ni muy buena ni muy mala. 

Alison Foreman, de IndieWire, escriibió que, aunque «traiciona» al videojuego, la película fue un «experimento ingenioso con toques de humor explosivo que logran entretener seriamente». Concluye que "Hace innumerables guiños hacia la comedia de terror -algunos buenos, otros malos-, pero funciona mejor enfocada como una parodia en toda regla" Comentó que hubiera preferido que la película se hubiera promocionado con un título original, ya que Until Dawn funcionaba mejor como una «parodia de terror a gran escala» y tenía pocas similitudes con el juego homónimo.

Varios críticos elogiaron especialmente a Ji-young Yoo y a su personaje, Megan. Meagan Navarro, de Bloody Disgusting, escribió que, en el reparto principal, «la única que se acerca a una personalidad distintiva es Megan, interpretada por Ji-young Yoo».

Owen Gleiberman de Variety afirma que "El problema no es que la película sea como un videojuego. Es que es como un videojuego que no tiene nada de gracia"Elisabetta Bianchini de Yahoo News describió a Megan como el personaje más interesante del elenco principal y agregó que «sientes su viaje emocional más que incluso el del personaje principal, Clover».

En el Reino Unido Benjamin Lee, de The Guardian la elogió por estar «realizada con maestría y animada por un sólido grupo de jóvenes actores», también elogió al elenco principal por ser «simpático y comprometido». Describió la película como «bien montada y totalmente inofensiva», añadiendo que era sin duda mejor que otras películas de terror recientes como El mono y El abismo secreto, aunque carecía drásticamente del «coeficiente intelectual y la ambición» de Sinners.

Del mismo modo, Harry Stainer de Empire elogió la actuación de Yoo en su reseña de la película, escribiendo: «Ji-young Yoo se destaca como Megan, la psíquica del grupo, y parece divirtiéndose más que cualquier otra persona en la pantalla»

Ya en España Carmen L. Lobo en La Razón destaca que "Los entendidos se quedarán a buen seguro con el original antes que la copia, ya que el filme se toma varias licencias discutibles, el resultado, sobre todo la segunda mitad, resulta pringosamente entretenido" 

Daniel Quesada de Hobby Consolas comenta que "No agradará a todo el mundo, pero si pasas por el aro de su "más difícil todavía", disfrutarás de una buena fusión de terror y humor. Especialmente pensada para los que hayan sufrido los QTEs del juego original." 

Miguel Ángel Romero de Cinemanía escxribió sobre ella que "Resulta entretenida y divertida, pero queda a medio gas en la traslación de una trama de enorme éxito que ya había nacido con un espíritu meramente cinematográfico, dejando con ganas de que el director David F. Sandberg hubiera dado un paso más allá." 

Pablo Vázquez de Fotogramas destaca que "Ni las pavisosas presencias de Ella Rubin y Michael Cimino (...) logran un resultado valioso más allá de su condición de fugaz matarratos; y es que su delirio acaba convirtiéndose en fórmula descascarillada y estéril. (...)

Lo más interesante de la película es que cada vez que mueren, reviven para repetir la noche, acumulando el conocimiento y el dolor del día anterior hasta que logran sobrevivir al amanece. Algunos críticos valoran positivamente los efectos visuales prácticos, las escenas sangrientas (gore) y los homenajes al cine slasher y a clásicos como Evil Dead. Por mi parte, lo más evidente para mi ha sido lo indiferente que me ha dejado puede que por su guion flojo o por que los personajes se sienten o son muy planos. definiticva, película de consumo fast food.

sábado, 16 de mayo de 2026

Asesinato en ocho mm



Mientras veía esta película no paraba de pensar en Tesis, la película que nos hizo descubrir a Alejandro Amenábar. Es inevitable no poner en relación a ambas películas por su temática: ambas exploran el submundo de las snuff movies (grabaciones de asesinatos reales hechas para el morbo). Aunque Tesis (1996), escrita y dirigida por Alejandro Amenábar se adelantó a Asesinato en 8 mm (1999), una producción estadounidense dirigida por Joel Schumacher. Ambas historias siguen a un protagonista que investiga la autenticidad de un vídeo en el que una joven es torturada y asesinada. 

Mientras que Tesis se desarrolla en el ámbito universitario de Madrid con un tono de thriller de suspense, Asesinato en 8 mm se centra en la investigación de un detective privado (Nicolas Cage) que desciende a los bajos fondos de la industria de la pornografía y el crimen en Estados Unidos. A menudo se considera que Tesis se adelantó a esta tendencia, ya que el filme de Amenábar se estrenó tres años antes que la película de Schumacher, y abordó el concepto del snuff cuando aún era una temática poco tratada en el cine comercial.

Asesinato en 8 mm es una película el año 1998 dirigido por Joel Schumacher, un director que llevó a estar nominado al oso de Oro en el Festival de Berlín por esta cinta. Aquí hace un retrato del ser humano a través de sus miedos e inseguridades. Se trata de una producción de la Columbia y Hofflund/Polone Production en la que están implicados Judy Hofflund, Gavin Polone, Joel Schumacher. Parte de un guion de Andrew Kevin Walker y cuenta con la música de Mychael Danna, la buena fotografía de Robert Elswit y el montaje de Mark Stevens.  

Protagonizada por Nicolas Cage, película cuenta también con la interpretación de Joaquin Phoenix, James Gandolfini, Anthony Helad , Chris Bauer y Catherine Keener.

Tom Welles (Nicolas Cage) es un detective privado, casado con Amy (Catherine Keener ) y con una niña pequeña , Cindy ( ) , lleva una vida modesta y resignada junto a su esposa e hija. Acostumbrado a resolver casas rutinarios una pequeña bobina encontrada en una caja fuerte dará un giro total la subida llevándolo al rincón más oscuro y aterrador de la sociedad. Lo que hueles ha visto en la película comienza a perturbar su imaginación y su conciencia y ayudado por Max California, dependiente de una librería para adultos, aprenderá a ir más allá de sus peores pesadillas cuando caigan la cuenta de lo mortal que puede ser un árbol una bobina de 8 mm. 

El detective privado Tom Welles es contactado por Daniel Longdale (Anthony Heald ), abogado de una adinerada viuda, la señora Christian (Myra Carter ), cuyo esposo ha muerto recientemente. Mientras limpiaba la caja fuerte de su difunto marido, ella y el señor Longdale encuentran una película de 8 mm que parece representar un verdadero asesinato, pero la señora Christian quiere saber con certeza de dónde proviene tal película. 

En su investigación del caso Welles descubrió un mundo sólido de sexo, sangre y de grabación más allá de lo imaginable y se esforzará por destapar una oscura trama de comercio ilegal de películas snuff, en las que aparecen violaciones y asesinatos reales vinculados a destacados personajes de la política y de las finanzas. 

Después de mirar varios ficheros de personas desaparecidas, Welles descubre que la joven es Mary Ann Mathews (Jenny Powell ), entonces visita a su madre, Janet Mathews (Amy Morton ) , y al que fuese novio de ella Warren Anderson, (Norman Reedus ) que en ese momento se encuentra en la cárcel. 

Mientras recorre la casa con el permiso de la madre, encuentra el diario de Mary Ann, en el que dice que fue a Hollywood a convertirse en una estrella de cine. Le pregunta a la señora Mathews si quiere saber la verdad, aunque sea horrible. Ella dice que quiere saber qué le pasó a su hija. 



En Hollywood, con la ayuda de un empleado de una tienda de videos para adultos llamado Max California (Joaquín Phoenix), Welles entra en el sórdido mundo de la pornografía ilegal. El contactar a un sórdido director pornográfico llamado Eddie Poole (James Gandolfini ), los conduce al director Dino Velvet ( Peter Stormare) , cuyas violentas películas pornográficas tienen como protagonista a un hombre enmascarado conocido como «Máquina» (Chris Bauer ) . 

Para obtener más evidencia, Welles pretende ser un cliente interesado en la puesta en marcha de una película pornográfica dirigida por Velvet y protagonizada por Máquina. Velvet acepta y organiza una reunión en la ciudad de Nueva York. 

En la reunión, el abogado Longdale aparece y explica que Christian lo contrató para obtener una película snuff. Longdale dice que le comentó a Velvet que Welles podría venir a buscarlos. Al darse cuenta de que la película era auténtica, Welles sabe que su vida corre peligro. Velvet y Máquina atacan salvajemente a Max California, a quien secuestran para obligar a Welles a traerles la única copia existente de la película ilegal. 

Una vez que lo entrega matan a California. Cuando están a punto de matar a Welles, este les dice que Christian había pagado un millón de dólares por la película. Velvet, Poole y Máquina recibieron menos de lo que esperaban y Longdale conservó la mayor parte. 

En una pelea subsiguiente, Velvet y Longdale son asesinados; Welles hiere a Máquina y escapa. Llama a la señora Christian para contarle lo descubierto y le recomienda ir a la policía, con lo que ella está de acuerdo. 

Llegando a su finca, a Welles se le dice que la Sra. Christian se suicidó después de escuchar la noticia. Dejó sobres para la familia Mathews y Welles, en el cual se encuentra el resto de su pago y una nota que dice: «Trata de olvidarnos». 

Welles decide buscar justicia para la muchacha asesinada matando a la gente restante implicada. Siguiendo a Poole, Welles lo lleva al lugar donde pensaba dispararle e intenta matarlo. Llama a la señora Mathews para hablarle acerca de su hija y le pide permiso para castigar a los responsables. Con eso, regresa y lo mata golpeándolo con su pistola. Luego quema su cuerpo y el material pornográfico que se encontraba dentro de su auto. 

Welles le sigue el rastro a Máquina, atacándolo en su casa. Welles lo desenmascara, revelando a un hombre normalizado, calvo y con gafas llamado George. Él dice: «¿Qué esperabas, un monstruo?» 

George continúa diciéndole a Welles que no tiene ningún motivo oculto para sus acciones sádicas, él los hace simplemente porque las disfruta. Terminan luchando y Welles lo mata. 

Después de regresar a casa con su familia, Welles recibe una carta de la Sra. Mathews, agradeciéndole y diciéndole que él y ella eran los únicos que se preocupaban por Mary Ann. 

El guion original del escritor Andrew Kevin Walker era completamente diferente. En la primera versión, más oscura y titulada Sexy World, Welles era un solitario que encontró la conexión humana en su amistad con el propietario de una aislada tienda de pornografía a un lado de la carretera. Walker más tarde tuvo una discusión con el director Schumacher sobre el contenido oscuro de la película y Schumacher, por indicaciones del estudio, cambió completamente el guion. Schumacher cortó una porción significativa de varias escenas de la película con el fin de no obtener una clasificación «X». Los cambios al guion ocasionaron la molestia de Walker, quien abandonó la filmación y se negó a ver el filme. 

David Fincher fue la primera opción para dirigir la cinta. Los directores William Friedkin y Paul Verhoeven también fueron considerados. Bruce Willis rechazó el papel principal, mientras que Val Kilmer, Charlie Sheen, John Travolta, Mel Gibson y Nick Nolte fueron opciones. Eric Roberts, Tommy Lee Jones, Charles Dance, James Woods, Willem Dafoe y Rutger Hauer fueron considerados para el papel de Dino Velvet. Mark Wahlberg rechazó el papel de Max California. 

El rodaje comenzó en febrero de 1998 en Miami, Florida. También se filmó en Nueva York, y los Sony Pictures Studios. 

8mm contó con un presupuesto de cuarenta millones de dólares y recaudó alrededor de noventa y seis millones de dólares. 

Se estrenó el 26 de febrero de 1999 y recibió críticas mixtas. El afamado crítico Roger Ebert del Chicago Sun Times señaló: «8mm es un filme real. No un astuto ejercicio de explotación con todo lo llamativo de la depravación pero sin sus consecuencias. No es un filme donde los problemas morales se olvidan en la emoción del clímax». 

Derek Elley de Variety dijo de ella que es "Un turbio mejunje de préstamos de películas muy superiores como 'Seven', 'Hardcore' y 'El silencio de los corderos'" 

Kenneth Turan para Los Angeles Times señaló que "Dado que Schumacher y sus acólitos habrán tenido sus razones para querer hacer esta película, deben ser los únicos a los que les ha acabado gustando" 

Janet Maslin de The New York Times consideró que "'Asesinato en 8 mm' escarba en el perverso submundo del negocio de la pornografía, sacudiendo al público con el hecho de que el sexo y la violencia puedan ser tan aburridos" 

Para Desson Thomson del The Washington Post la película se mueve "En una zona incierta entre lo tonto y lo verdaderamente retorcido está '8MM', una película confusa y desagradable que ofrece una experiencia desconcertante." 

Nathan Rabin de AV Club destacó "Que fracase miserablemente como thriller psicológico es perdonable. Que sea tan aterradora, ruin y manipuladora como las películas pornográficas que condena, no lo es." 

En el  Reino Unido en cobncreto en Radio Times John Ferguson afirmaba que "Cage está carismático y está bien acompañado (...) Pero la película es demasiado estridente y el final es malo (...) " 

Ya en España  Oti Rodríguez Marchante, habitual en ABC pero en este caso en Cinemanía destacó de la misma que "Como el corredor de fórmula 1, este Schumacher tiene fuerza en las salidas y negocia en las primeras curvas (...) pero a diferencia del piloto alemán sus llegadas son renqueantes, sin fuerza, vulgares y patosas"

Fernando Morales en El País destacó que era una "Inquietante leyenda urbana (...) acertadísimo Joaquin Phoenix"

Miguel Ángel Palomo también en El País consideró que la película "Narra con seriedad una durísima intriga policiaca que se adentra en el execrable mundo de las 'snuff movies'." 

Finalmente decir que fue nominada para el Premio Oso Dorado de Berlín en el Festival Internacional de Cine de Berlín de 1999.

Destcar de esta película de 1999 su inmersión en los bajos fondos a través de la mirada de un hombre corriente. Su atmósfera opresiva, el guion de Andrew Kevin Walker (autor de Seven) y el contraste moral entre el detective Tom Welles y el sórdido submundo hacen de la cinta un thriller arriesgado e incómodo. 

Destacar de la misma la interpretación de Nicolas Cage que Interpreta a Tom Welles, un investigador de extrarradio que pasa de resolver casos rutinarios a obsesionarse con el destino de la víctima, representando la pérdida de la inocencia. Igualmente destaca su contrapunto en el personaje de Max California de Joaquin Phoenix que aporta vulnerabilidad y realismo como el guía de Welles en los infiernos del cine clandestino. 

A destacar igualmente la atmósfera y dirección, en este caso de parte del director Joel Schumacher que emplea una fotografía sucia y contrastada que dota al largometraje de un tono lúgubre que incomoda al espectador y esa reflexión sobre el mal. La película plantea cuestiones morales sobre la fascinación por la violencia y cómo la maldad corrompe a quienes se acercan a ella. Está mucho mejor de lo esperado.

martes, 12 de mayo de 2026

Lisa Frankenstein



Cuando en 1990 Tim Burton estrenó Eduardo Manostijeras (1990) introdujo en el cine una fábula moderna y una obra maestra del romanticismo gótico. La película definió la estética visual de Tim Burton, combinando el horror gótico con la sátira de los suburbios estadounidenses de colores pastel. Eduardo se convirtió en un símbolo de los marginados, abordando temas de autismo, incomprensión y la dificultad de encajar en una sociedad superficial.

Burton reinterpretó clásicos como Frankenstein , Pinocho o La Bella y la Bestia para el público moderno, demostrando que se pueden contar historias emotivas sobre la soledad. No sabemos si Lisa Frankestein pretendía hacer lo mismo , pero lo cierto es que esta película del año 2024 dirigida por Zelda Williams y que tiene su cuenta con el guión de Diablo Codi la ganadora del oscar al mejor guion original en el año 2007 por Juno quiso ir por allí, pero, desde luego, no llegó a tanto. En este caso la película es una comedia de terror que fue la ópera prima de esta directora, hija de la leyenda del cine, Robin Williams. Diablo Cody - cuyo nombre real es Brook Maurio- escribió el guion de Lisa Frankenstein y anunció que produciría la película junto a su colaborador Mason Novick en junio de 2022 contando con el apoyo de la MXN Entertainment y Lollipop Woods, así como de la distribución de Focus Features y la Universal Pictures manejando un presupuestode $13 million. En el apartadon técnico se contó con Paula Huidobro en la fotografía, Brad Turner en el montaje y la música de Isabella Summers.  

Zelda Williams debutó como directora de largometrajes, y se reveló que Kathryn Newton y Cole Sprouse serían los protagonistas. En agosto de 2022 se anunciaron más incorporaciones al reparto, incluyendo a Liza Soberano, Carla Gugino, Joe Chrest y Henry Eikenberry, coincidiendo con el inicio del rodaje en Nueva Orleans, que se esperaba que se extendiera hasta septiembre. 

Algunos críticos que cubrieron la película teorizaron que su título es una combinación de "Lisa Frank", una empresa conocida por producir pegatinas y material escolar de colores brillantes, y Frankenstein. Sin embargo, Cody ha declarado que este juego de palabras fue involuntario. En realidad, el nombre del personaje principal es un homenaje a un personaje de la película de John Hughes de 1985, Weird Science, ya que, al igual que Lisa Frankenstein, presenta protagonistas que dan vida a sus intereses amorosos fantásticos. 

Desde que su madre fue asesinada por un enmascarado, Lisa Swallows (Kathryn Newton) lucha por sobrevivir con su malvada madrastra, y su comprensiva hermanastra. Con esta situación familiar es su único consuelo su amor platónico, un hombre que murió en el siglo XIX  y que está enterrado en un cementerio de una localidad indeterminada.

En 1989, la adolescente Lisa Swallows aún lucha por superar la pérdida de su madre, asesinada con un hacha dos años antes. Su padre, Dale (Joe Chrest ), se ha vuelto a casar con Janet (Carla Gugino ) , una mujer egocéntrica que también tiene una hija, Taffy (Liza Soberano ) , de un matrimonio anterior. 

Lisa va a una fiesta con Taffy, quien la anima a socializar. Tiene un encuentro incómodo con Michael (Henry Eikenberry), su amor platónico, y una de las amigas de éste la droga accidentalmente. 

Bajo los efectos de la droga, sufre acoso sexual por parte de su compañero de laboratorio, Doug. Lisa regresa al cementerio local que frecuenta y habla con la tumba de un joven pianista que murió alcanzado por un rayo en 1837 tras enamorarse de una mujer que lo abandonó por otro hombre. Un rayo cae sobre su tumba después de que Lisa se marcha, y el hombre vuelve a la vida como un zombi. 

El hombre (conocido como "La Criatura" (Cole Sprouse , en los créditos de la película) irrumpe en la casa de Lisa mientras ella está sola. Lisa, aterrorizada al principio, finalmente lo reconoce como el hombre cuya tumba venera, y decide esconderlo en su armario. 

La Criatura es muda, está cubierta de escombros y le faltan varias partes del cuerpo, características de las que se avergüenza. Lisa afirma que un ladrón entró para explicar el desorden causado por la Criatura, pero Janet asegura que se lo está inventando para llamar la atención. 

Cuando la Criatura deja un gusano en la comida de Janet, esta culpa a Lisa y amenaza con internarla en un manicomio. 

Mientras Janet continúa intimidando y humillando a Lisa, la Criatura sale del armario, mata a Janet y le corta una oreja. 

Posteriormente, él y Lisa arrojan el cuerpo de Janet al cementerio. Lisa cose la oreja de Janet a la Criatura, pero descubre que las piezas no funcionan sin corriente eléctrica. Usan la cama de bronceado de Taffy para revivir la oreja, lo que también le devuelve a la Criatura una apariencia más humana. 

Lisa atrae a Doug al cementerio para cortarle la mano para la Criatura. La Criatura mata a Doug y esconde su cuerpo junto al de Janet. La Criatura se alegra de poder volver a tocar el piano, y él y Lisa comienzan a estrechar lazos. 

La policía comienza a investigar las desapariciones de Janet y Doug. Lisa está implicada, pero se niega a cooperar con la investigación. Va a buscar a Michael, pero accidentalmente lo encuentra en la cama con Taffy, lo que la deja devastada. La Criatura entra y le corta el pene a Michael, luego se prepara para atacar a Taffy antes de que Lisa intervenga y lo siga mientras huye al cementerio. Lisa le da a Taffy el rosario de su madre como muestra de agradecimiento por su amabilidad y compasión antes de perseguir a la Criatura en el bosque. 

Lisa se enfrenta a la Criatura, quien le profesa su amor. Abandonan el cementerio tras arrojar a un policía a una tumba. Lisa le coloca el pene de Michael a la Criatura para tener relaciones sexuales. 

Con la policía pisándoles los talones, Lisa le ruega a la Criatura que la queme viva en la cama de bronceado para evitar ser arrestada, a lo que él accede. 

Tiempo después, Dale y Taffy visitan la tumba de Lisa. Taffy se sorprende al descubrir que se ha añadido una inscripción que dice "Amada esposa" a la lápida de Lisa, que ha sido dañada por un rayo. 

A continuación, se ve a la Criatura sentada en un banco, recitando en voz alta el poema de Percy Shelley, "Oh, María". Una Lisa resucitada yace en su regazo y abre los ojos. 

Relacionada por su estética con cintas como Eduardo Manostijeras o Bertlejuice, ambas de Tim Burton,  Lisa Frankenstein recupera el espíritu de las mejores comedias de terror de la década de 1980 tanto es así que la historia se desarrolla o termina en el año 1989. 

En la película participa Catherine Newton, Cole Dprouse, Liza Soberano, Henry Eikenberry, Joe Crest y Carla Gugino. Tras su estreno la película ingresó $9.9 millones de dólares.  

Richard Roeper del Chicago Sun-Times escribió que la película "sufre del síndrome de género mixto y salta de parodia de terror a historia de superviviente de trauma a puro camp a comedia de instituto, sin llegar a encontrar nunca su rumbo". Y añade que "Tiene algunas similitudes superficiales con películas como 'Weird Science' y 'Edward Scissorhands', pero los gags asquerosos que involucran a Zombie Boy son más repugnantes que hilarantes (...)" ; pero hablando de Tim Burton David Fear en la revista Rolling Stone sentencia diciendo que "Te hará echar de menos a Tim Burton. Mucho" .

Owen Gleiberman de Variety describió la película como derivada y "ni aterradora ni divertida", llamándola "un batido de terror-comedia hecho principalmente de fruta vieja y mohosa". Y añade "Diablo Cody guioniza una falsa y escandalosa vomitona de terror adolescente no-muerto que nunca se encuentra la gracia"

David Ehrlich, de IndieWire, elogió las actuaciones de Newton y Sprouse, pero lamentando que "las escenas carecen de estructura, el mundo se siente a medio construir y la realidad que supuestamente las mantiene unidas es demasiado errática para que Williams pueda establecer una base emocional sólida". Y completa su artículo diciendo que "Kathryn Newton y Cole Sprouse son la salvación de esta comedia romántica a medio cocinar, sobre una chica que se enamora de su cadáver favorito". .

Valerie Complex, de Deadline Hollywood, elogió la estética visual de la película y las actuaciones de Newton y Soberano, pero criticó su ritmo: "La inconsistencia en el ritmo, si bien refleja la ambición de la película de mezclar géneros y tonos, podría restarle cohesión a la narrativa".

Meagan Navarro, de Bloody Disgusting, calificó el romance central de la película como poco desarrollado, pero elogió la actuación de Newton, así como la película en general. diseño de producción y humor, calificándola como "una comedia negra linda, peculiar, inconexa e inofensiva que está menos interesada en una narración fluida que en defender a los adolescentes raros y marginados a través de una vibra de los 80".

Alissa Wilkinson del New York Times también elogió el diseño de producción y concluyó: "Breve, agradable y divertida de ver, la película no está interesada en nada más que el amor y ser comprendido, y en ese sentido es un gran regreso a los romances adolescentes de una época anterior". Estusiasta se muestra Dylan Roth del The New York Observer al decir "Parece llegada en una máquina del tiempo desde el año 1989 (...) Retorcida, cachonda y sangrienta diversión (...)

Benjamin Lee de The Guardian criticó su ritmo y guion, y escribiendo que "la película se siente un poco atrapada entre dos mundos, una comedia de pijamada de preadolescentes al borde del terror corporal total".

Robbie Collin, de The Telegraph, le dio a la película dos estrellas de cinco, escribiendo que se ve "perjudicada por su obsesión con los clásicos de culto de los 80". 

Por último, Ella Kemp de Empire comenta que "Puede que estos adolescentes sean un poco caóticos, pero es una alegría tener de vuelta a Diablo Cody para telegrafiar un nuevo tipo de horror adolescente, con una sonrisa llena de dientes (...)". 

Lisa Frankenstein se ha quedado en menos, en mucho menos. Es cierto que reintrodujo una estética visual vibrante que mezcla la sensibilidad gótica con el estilo pop/kitsch de los años 80, diferenciándose del realismo actual es cierto que la película rinde homenaje a clásicos del terror y comedia de los 80 y 90, adoptando un tono de "pop necrorromántico". Igualmente ofrece una nueva perspectiva a la historia de Mary Shelley, enfocándose en temas de autoaceptación, el aislamiento social y la búsqueda de pertenencias a través de una historia de amor con un cadáver reanimado de la época victoriana. 

Por último, es cierto que pretende combinar humor negro y momentos de comedia romántica con toques sangrientos, logrando una atmósfera peculiar que busca la incomodidad y la diversión al mismo tiempo, pero lo que no es menos cierto es que la misma fue el debut como directora de Zelda Williams, la hija de Robin, destacando por su manejo de la ambientación, el color y la dirección de actores. Poco más, poco menos.

lunes, 11 de mayo de 2026

Black Dog



Guan Hu dirigió en 2024 esta película que fue ganadora del premier Un certain Regard el Festival de Cannes de ese año. Nacido en Pekín (China) en 1968, está considerado uno de los pioneros de la sexta generación de directores chinos. Debutó en 1994 con ‘Dirt’ y una década después su película ‘Eyes of a Beauty’ (2002) formó parte del ciclo dedicado por Seminci al cine chino. 

En 2009 estrenó ‘Cow’ en el Festival de Venecia dentro de la sección Orizzonti, antes de ganar los premios al mejor guion adaptado y al mejor actor en el Festival de Cine de Taipei Golden Horse. Tres años después rodó ‘Design of Death’, a la que siguieron ‘The Chef, The Actor, The Scoundrel’ (2013) y ‘Mr. Six’ (2015), que clausuró el Festival de Venecia y cosechó un notable éxito de taquilla en su país. En 2019 participó junto a varios cineastas chinos emergentes en la película colectiva ‘My People, My Country’, uno de los mayores éxitos del cine chino de todos los tiempos.  

La película de Guan Hu - su sexta obra- parte de un guion del mismo Guan Hu, Ge Rui y Wu Bing y que cuenta como productores con Liang Jing, Zhu Wenjiu, Justine O., Wang Donghui representantes de las productoras The Seventh Art Pictures, Huayi Brothers, Momo Pictures y con un grupo de actores y actrices encabezado por Eddie Peng, Tong Liya, Jia Zhang-ke, Zhang Yi, Zhou You, Xin.

La película se adentra, con influencias y cameo del maestro Jia Zhangke, en la historia de un héroe sin patria que protagonizará una estimulante aventura en moto en los alrededores del desierto de Gobi. La película comienza con un hecho inesperado: un autobús vuelca en las afueras del desierto de Gobi, en una carretera infestada de perros callejeros. 



Estamos en los días previos al inicio de los Juegos Olímpicos de Pekín, Lang, un exconvicto, regresa a su ciudad, ahora semiderruida y casi fantasmal, en la que apenas queda ya gente. 

Uno de los pasajeros es Lang, antiguo motociclista acróbata y músico, una celebridad local antes de ir a prisión por homicidio involuntario hace una década. 

Al regresar a casa en libertad condicional, Lang descubre que el pueblo ya no es lo que era. Muchos residentes se han marchado, dejando una gran cantidad de perros callejeros. Su banda de amigos se ha disuelto. 

El padre de Lang es dueño de un zoológico que ha cerrado, del que apenas queda un tigre siberiano, y sufre problemas de salud debido al alcoholismo. Su hermana atraviesa dificultades económicas y lleva mucho tiempo sin poder visitarlo. 

Se ofrece una recompensa por un perro negro que ha estado mordiendo y afectando de rabia a la gente, como parte de un programa para eliminar animales callejeros o no registrados, en preparación para los Juegos Olímpicos de Verano de 2008 en Pekín y para revitalizar el pueblo de cara al futuro desarrollo comercial. 

Lang persigue la recompensa, pero regresa derrotado y mordido. Se une al equipo local de captura de perros liderado por el tío Yao, pero desarrolla compasión por los animales. 

Tiene conflictos con los miembros del equipo, pero el tío Yao lo perdona siempre. El equipo captura al perro negro, y a Lang se le encarga transportarlo, pero fuertes vientos los dejan varados en la naturaleza durante la noche. Se acurruca con el perro en el frío y luego vuelve a ser mordido. 

Recibe ayuda de un grupo de circo ambulante que llega al pueblo, entre ellos Grape, una bailarina con la que entabla amistad. Lang enferma y pasa un tiempo en cuarentena con el perro negro antes de adoptarlo del tío Yao. 

El criador de serpientes, Butcher Hu, acosa a Lang varias veces para vengarse de la muerte de su sobrino diez años atrás. 

La salud del padre de Lang empeora y es ingresado en el hospital, donde le pide a Lang que desconecte el soporte vital. Más tarde, Lang bebe con Grape y la oye quejarse de la vida y del matrimonio. 

Mientras regresa a casa borracho con su perro, es capturado por la banda de Butcher Hu. Escapa de su cautiverio durante un terremoto, pero no logra encontrar al perro negro por ninguna parte. Cuando visita la granja de serpientes del Carnicero Hu, lo encuentra mordido por una serpiente venenosa y lo salva. 

El Carnicero Hu le da las gracias a Lang, le explica que el perro se había escapado y se ofrece a reconciliarse. 

Finalmente, Lang encuentra al perro negro en estado crítico en un hipódromo a las afueras de la ciudad. De vuelta en casa, el perro negro muere, pero se revela que ha engendrado un cachorro con otra perra callejera qu ya había visto merodear e incluso entrar en su casa.

Todo el pueblo viaja al desierto para ver el eclipse solar, mientras que los animales del zoológico son liberados y vagan por las calles del pueblo vacío. 

Se ve a Grape marcharse en un autobús de larga distancia en lugar de viajar con el circo. La noche de la ceremonia de inauguración de los Juegos Olímpicos, Lang comparte una última copa con su padre en el hospital y lo desconecta del soporte vital. 



Lang abandona el pueblo y se adentra en el desierto con el cachorro eso sí, fracasa como siempre cada vez que quiere cruzar en su moto por un estrecho puente de madera. .

Un thriller humanista sobre la redención, los códigos de lealtad y la supervivencia, a golpe de espacios abiertos en los que late la compleja historia de las transformaciones sociales e identitarias de la China moderna.

Black Dog es una emocionante historia sobre el vínculo sanador que se establece entre un perro viajero y un hombre que acaba de salir de la cárcel: dos almas solitarias que solo buscan que los quieran. 

Tras salir de la cárcel, Long regresa a su ciudad y se une a una patrulla encargada de capturar perros callejeros antes de los juegos Olímpicos de Pekín del año 2008 y pronto sin cariño de un galgo negro. 

Con black Dog director vuelve al cine de sus primeros proyectos más realista íntima y de personajes marginal. En este drama el cineasta lleva a cabo una reflexión sobre esas personas a la que progreso socioeconómico y vida los pueblos que se vacían y sobre todo aquello que ya no interesa.

La película cuenta con la fotografía de Gao Weizhe, el moontaje de Mathieu Laclau, el sonido de Kang Fu y la música de Breton Vivian. Guan Hu buscaba contar la historia de la gente común que quedó rezagada por el rápido desarrollo económico de China y eligió actores que pudieran aportar realismo al proyecto. 

Eddie Peng estableció un vínculo tan fuerte con Xin, el perro protagonista de la película, que lo adoptó una vez finalizado el rodaje. 

Además del premio en Cannes, el director fue nominado en los Gotham Awards así como en los Independent Spirit Awards a la mejor película internacional. Diversas nominacioes se llevó en los Asian Film Awards a la mejo película, mejor actor (Eddie Peng), Mejor diseño de producción (Huo Tingxiao, Li Chang) y mejores efectos especiales (Danny Yin). 

En los Hong Kong Film Awards Black Dog estuvo nominada a major película y en los Belgian Film Critics Association ganó su Grand Prix, no recibiendo el César a la mejor película extranjera y en la Seminci no se llevó el de Mejor Película a la Espiga de Oro, pero sí el de Mejor dirección (Guan Hu) y Mejor fotografía (Weizhe Gao). 

La crítica fue en general positiva. En los Estados Unidos Jessica Kiang de Variety escribió que se trataba de "Un solitario con problemas regresa a su pueblo natal y establece lazos con un can potencialmente rabioso en esta fábula conmovedora y magníficamente rodada"

Christian Zilko de IndieWire considera que "Aunque la trama se queda sin gas y a veces amenaza con descarrilar, la sólida dirección visual de Guan garantiza que 'Black Dog' nunca deje de ser interesante" 




Jordan Mintzer del The Hollywood Reporter considera que "Guan Hu demuestra ahora que es capaz de hacer algo fuera de lo común y extrañamente cautivador a la vez" 

Phil de Semlyen de Time Out declara que "Es posible que el director chino Guan Hu haya creado la obra maestra perdurable de las películas protagonizadas por hombres y perros (...) " 

Leonardo Goi de The Film Stage comenta que se queda con "La sensación de catarsis que se desprende de los últimos planos de la película es digna de mención" 

Para los críticos británicos como Wendy Ide de Screendaily estamos ante "Una película cálida y reconfortante, mezcla difícil de realismo abrasivo y un elemento, casi al estilo Lassie, de fantasía canina ingeniosa" 

Jonathan Romney del Financial Times "Es como una fábula existencial sobre el aislamiento, la redención, la posibilidad de establecer conexiones contra viento y marea. También es un thriller policíaco y una deslumbrante pieza de cine paisajístico" 

William Stottor de The Independent considera que "A través de una relación floreciente entre un hombre y un perro, Guan consigue crear algo que es a la vez arrollador e íntimo (...) " 

Phil Hoad del The Guardian destaca "La espléndida desolación de la visión de China hace que la película sea aún más vital (...)

Ya en España Javier Ocaña  en El País nos dice que "Cinematográficamente poderosa, con una fotografía realista en las secuencias exteriores, pero más matizada y artística en las de interior (...) una película cruda, áspera y con un rugoso poder de fascinación." 

Luis Martínez de El Mundo cree que estamos ante "Un delicado, divertido y salvaje western chino contemporáneo (...) una resplandeciente y triste fábula, trágica y cómica a la vez, de redención y ladridos (...)" 




Quim Casas de El Periódico dice que "Es una película muy curiosa, fruto de cierta apertura en el cine chino (...) Es agresiva y hierática. Discursiva y entretenida. Con demasiados momentos sin tensión y otros de insospechada ternura (...) " 

Desde Barcelona  Philipp Engel en La Vanguardia nos dice que "Recuerda al mundo de Jia Zhang-ke aunque también guarda curiosas correspondencias con algunos planos del cine de Wes Anderson (...) Hu demuestra ser un cineasta de lo más versátil. (...) "

Sergi Sánchez en La Razón considera que esta "Singular película (...) el personaje de Lang, tan lacónico como un Clint Eastwood en los tiempos de Leone, acaba por seducirnos con su nobleza (...) Lo mejor: La relación entre el protagonista y el perro ( ...) )" 

En Cinemanía Nando Salvá habla de que estamos ante una "Cautivadora fábula existencial, seca, cálida, realista y romántica. (...) es una película que se define sobre todo por la mezcla de ternura, comedia y amargura que exhibe (...) " 

Por último,  Ricardo Rosado en Fotogramas sostiene que "Es un viaje hipnótico que confirma al realizador chino como una voz imprescindible a la hora de encontrar flores entre los escombros. (...) "



La película combina elementos de western contemporáneo con una estética de "cine de autor" y un ritmo pausado todo ello con una destacada fotografía, una gran química entre el protagonista y el animal, y un buen retrato de la transformación social de China y lo hace explorando temas que tienen que ver con la soledad, la naturaleza humana, la lealtad y la redención sin sentimentalismos excesivos. Casi ná.

jueves, 7 de mayo de 2026

Land of The Dead



Desde que 1968 George A. Romero se presentara como realizador cinematográfico y creara un subgénero dentro del cine de terror con La noche de los muertos vivientes, el nombre del veterano director de culto George a Romero ha quedado indisolublemente ligado a la palabra zombie. 

Así que presenta otra entrega sarcástica y apocalíptica que retrata un mundo de pesadilla en el que los vivos conviven con los llamados Walker o muertos que andan haciendo con esta su cuarta película de zombies tras la del año 1968 , Zombi, el Día de los muertos. El resultado es una película de terror postapocalíptica de 2005 escrita y dirigida por George A. Romero; la cuarta de las seis películas de la saga de los muertos vivientes de Romero, precedida por La noche de los muertos vivientes, El amanecer de los muertos y El día de los muertos, y que antecede a Diario de los muertos y La supervivencia de los muertos. 

George a Romero decidió retomar a sus historias de zombies y nos planteó una película en la que los humanos sobreviven encerrado tras los muros de una ciudad fortificada mientras los muertos vivientes vagan por los extensos páramos existentes a extramuros y mientras se van vigilando sorprendentemente los unos a los otros. Se estrenó en 2005 con un presupuesto de entre 15 y 19 millones de dólares, el más alto de la saga de Romero, y recaudó 46 millones de dólares. La película fue producida por Mark Canton, Bernie Goldmann y Peter Grunwald para las productoras Atmosphere Entertainment MM, Romero-Grunwald Productions, Wild Bunch, S.A. y Rangerkim. Y contó para su reaalización con el fotógrafo Mirosław Baszak, como montador con Michael Doherty y en el apartado musical con Reinhold Heil y Johnny Klimek. 

La historia de La tierra de los muertos trata sobre un ataque zombi a Pittsburgh, Pensilvania, donde existe un gobierno de tipo feudal. Los supervivientes de la película han huido al Triángulo Dorado del centro de Pittsburgh, protegido por dos lados por ríos y por el tercero por una barricada electrificada llamada "la Garganta". 

Años después del apocalipsis zombi, los dispersos restos de la civilización humana han establecido una cadena de ciudades-estado protegidas en Norteamérica. Uno de estos santuarios se encuentra en el centro de Pittsburgh, gobernado por un sistema casi feudal. Rodeada por dos ríos y protegida por una valla electrificada custodiada por una milicia, la ciudad se ha convertido en un refugio relativamente seguro. Fuera de sus límites se extienden campos áridos y pueblos suburbanos en ruinas, abandonados hace mucho tiempo por los humanos pero infestados de zombis. 

Los ricos y poderosos viven en un lujoso rascacielos llamado "Fiddler's Green", mientras que el resto de la población subsiste en la miseria. Todo el comercio dentro de esta zona protegida está controlado por Paul Kaufman (Dennis Hooper), el despiadado plutócrata que gobierna la ciudad y poseedor de Dead Reckoning, un vehículo blindado de transporte de personal capaz de desplazarse fácilmente por zonas infestadas de zombis. 

La misión de conseguir comida y suministros esenciales así como los raros de objetos de lujo que codiciaban los habitantes de ese barrio exclusivo está en manos de un grupo de mercenarios a las órdenes de Riley (Simon Baker) y su segundo de a bordo, Cholo ( John Leguizamo). Pero la vida está cambiando dentro y fuera de los muros de la ciudadela. Dentro crece el desorden en la anarquía; y fuera el ejército de los muertos ha evolucionado y está aprendiendo a organizarse y comunicarse.

Riley Denbo (Simon Baker) , diseñador y comandante de Dead Reckoning, y su tripulación pilotan el vehículo hacia la tierra de nadie para buscar alimentos y suministros médicos necesarios para los ciudadanos, así como artículos de lujo para intercambiar con el opresivo régimen oligárquico de Kaufman. En una misión, observan que muchos zombis exhiben un comportamiento inteligente, especialmente el antiguo empleado de la gasolinera, "Big Daddy". 



Durante la misión, el novato Mike es mordido por un zombi mientras intenta recoger unos cigarrillos esparcidos. Poco después, llegan Riley y Charlie Houk (Robert Joy) . Al darse cuenta de que Mike ha sido mordido, Cholo DeMora inicialmente intenta acabar con su vida, pero Riley dispara al zombi. Sin otra opción, Mike se suicida para evitar ser convertido en zombi. 

Tras la misión, Riley se retira del mando de Dead Reckoning. Cansado de una existencia precaria en una ciudad postapocalíptica, planea partir hacia Canadá una vez que terminen las reparaciones de su coche. 

De vuelta en la ciudad, descubre que le falta su coche y visita a un proxeneta, un enano, llamado Chihuahua ( el mítoico Ed Gale, fallecido el pasado año) cuyos hombres supuestamente debían repararlo. En el local de Chihuahua, ve a una prostituta llamada Slack (Asia Argento)  siendo obligada a entrar en una jaula con algunos zombis para entretener a los clientes. Riley y su mejor amigo Charlie rescatan a Slack; después de que Charlie mata a Chihuahua en el caos resultante, el trío es arrestado. 

Slack revela que Kaufman ordenó su ejecución por ayudar a un líder de la resistencia llamado Mulligan. Mientras tanto, a Cholo le niegan un apartamento en Fiddler's Green a pesar de haber ayudado a Kaufman a erradicar a sus enemigos políticos. 

Cholo se apodera del vehículo y amenaza con destruir Fiddler's Green a menos que Kaufman le pague un rescate de 5.000.000 de dólares. Kaufman se acerca a Riley y les encarga a él, a Charlie y a Slack que recuperen el vehículo. 



Tras reunirse con Dead Reckoning, Riley se acerca al vehículo solo. Al darse cuenta de que Riley trabaja para Kaufman, Cholo los apunta con un arma a él y a Charlie. 

Mientras Cholo se prepara para disparar los misiles de Dead Reckoning contra Fiddler's Green, Riley desactiva los sistemas de armas a distancia. Motown, el secuaz de Kaufman, abre fuego y casi mata a Riley y a Cholo, pero un zombi lo muerde y Slack lo mata. Riley le pide a Cholo que lo acompañe, pero Cholo prefiere enfrentarse a Kaufman en Fiddler's Green. De camino, un zombi muerde a Cholo, mientras que Riley regresa a Fiddler's Green en Dead Reckoning. 

Mientras tanto, un zombie enorme y de color, Big Daddy, lidera una legión de zombis que cruzan el río, atraviesan la valla perimetral, dominan a los guardias fronterizos e invaden la ciudad. Primeros los espacios marginales y luego los barrios de los pocos ricos y poderosos que quedan tratan de mantener la ilusión de que viven igual que antes dentro de las exclusivas torres de Fiddler's Green, el último bastión de la clase dominante. Por encima de todos ellos, ricos y pobres manda un puñado de implacables oportunistas dirigido por Kaufman (Dennis Hopper), que controla tanto los negocios ilegales como los sucios. 

Kaufman huye, pero se encuentra con un Cholo zombificado en el estacionamiento, donde Big Daddy los mata a ambos con la explosión de un tanque de propano. 

El grupo de Riley logra escapar, donde usan misiles para dar muerte a las personas que están siendo devoradas por los zombis. Mulligan aparece y revela que rescató a la mayoría de los pobres; él y Riley se despiden antes de separarse con sus respectivos grupos. 

Al ver a Big Daddy y a los zombis abandonar la ciudad, perdonando a los humanos supervivientes, Riley decide perdonarlos también, dándose cuenta de que ellos también buscan refugio. 

Tras encender los fuegos artificiales restantes, el grupo de Riley se embarca rumbo a Canadá en el Dead Reckoning. 

Tras una década de desinterés por el género zombi durante los años noventa, este volvió a ganar popularidad en la década de 2000 gracias a éxitos de taquilla como 28 Days Later (2002) y Shaun of the Dead (2004). Esto inspiró a George A. Romero a realizar la tan esperada cuarta entrega de la saga zombi, desde la última, Day of the Dead, estrenada en 1985. 

Romero negoció con 20th Century Fox, que quería que la película se titulara Night of the Living Dead. Romero se negó, prefiriendo usar el título Dead Reckoning, y el estudio quiso entonces titularla Night of the Living Dead: Dead Reckoning. Cuando Romero cuestionó la idea de incluir Night of the Living Dead en el título, resultó que Fox pretendía ser propietaria de los derechos de la franquicia, por lo que decidió no negociar con ellos. 

Tras negociar con Universal Pictures, a Romero se le ofreció un presupuesto de entre 15 y 19 millones de dólares, convirtiéndola en la película con mayor presupuesto de la saga. Aprovechó esta oportunidad para incorporar algunos elementos que no pudo utilizar en El día de los muertos debido a las limitaciones presupuestarias. 

Rodada en Canadá, en concreto en Toronto y Hamilton, Ontario, entre octubre y dociembre de 2004. A pesar de contar con un presupuesto mayor que en la mayoría de sus películas, Romero prefirió elegir actores menos conocidos para los papeles principales, como Simon Baker y Robert Joy, con excepciones como Dennis Hopper y John Leguizamo. A este último lo contrató tras quedar impresionado por la mayoría de sus películas. Romero eligió a Asia Argento para el papel de Slack después de haber trabajado con su padre, Dario Argento, en algunas de sus películas, como Dawn of the Dead (1978) y Two Evil Eyes (1990). 

También contrató a su amigo de toda la vida, el maquillador Tom Savini, a Simon Pegg (estrella de Shaun of the Dead) y al director Edgar Wright para los papeles de zombis. Savini retomó su personaje de motociclista, Blades, de Dawn of the Dead, ahora como zombi, mientras que Pegg y Wright aparecieron como zombis de cabina fotográfica. 

Estrenada en Norteamérica el 24 de junio de 2005, fue nominada en los Premios Saturn 2005 a Mejor película de terror y Mejor maquillaje (Howard Berger, Greg Nicotero). 

La tierra de los muertos recibió críticas mayoritariamente positivas. Roger Ebert cronista cinematográfcicos del Chicago Sun Times valoró positivamente sus hábiles y creativas alusiones, algo que, según él, era común en las tres entregas anteriores de Romero, que contenían numerosas metáforas satíricas de la vida estadounidense escribiendo que "Sienta bien volver a verle [a Romero] en el género que inventó con 'Night of the Living Dead', y sobre todo que siga utilizando a los zombis no sólo como divertimento, sino también como sátira social (…) Ebert señaló la distinción que hace esta entrega entre ricos y pobres, entre los que viven en Fiddler's Green y los que viven en los barrios marginales. 

También desde Illinois Michael Wilmington, del Chicago Tribune, escribe positivamente diciendo que «Es otro ejercicio crudo, divertido, perverso y violento de terror y repulsión cinematográfica, con una visión cada vez más oscura de un mundo fuera de control. A estas alturas, Romero se ha convertido en un clasicista que utiliza tanto los personajes y los diálogos como los efectos especiales escalofriantes para provocar escalofríos». Y añade "Lo nuevo de Romero es una película de terror para los fans incondicionales de lo sangriento y lo truculento y una película de género clásico para los aficionados al género"

Por su parte, Mike Clark de USA Today consideró que "Es una película realmente sólida y entretenida aunque no aporte nada nuevo al género (…) " 

En Los Angeles Times Kevin Thomas consideró que "Romero domina con facilidad un enorme reparto, una plétora de secuencias de acción y una cornucopia de efectos especiales

Para Michael Rechtshaffen del The Hollywood Reporter la película "Bien podría ser la obra maestra de Romero. Aprovechando al máximo el maquillaje y los efectos visuales de última generación, tiene a su disposición un lienzo más vívido"

Stephen Hunter del The Washington Post considera que "Nunca alcanza la rabia de 'Night of the Living Dead' of el ingenio sarcástico de 'Dawn of the Dead'. Pero tiene algo."angrientos- y crea una imagen oscuramente deslumbrante tras otra" 

John Lutz, en Zombies of the World, Unite: Class Struggle and Alienation  sostuvo que Land of the Dead, estableció comparaciones entre los fuegos artificiales que se lanzaban para distraer a los zombis en Land of the Dead y las exhibiciones de "conmoción y pavor" del ejército estadounidense que se ven en sus acciones militares. 

Para  Jeffrey Westhoff, del Northwest Herald, afirmó que «Lo más impactante de La tierra de los muertos no son los desmembramientos vívidos, sino la audacia con la que Romero refleja, de forma macabra, la América posterior al 11-S». 

El New York Sun la declaró «la película estadounidense del año».  Y también desde la "gran manzana"  Manohla Dargis del  The New York Times destaca que es "Uno de los grandes placeres del cine de género es ver a los grandes directores desafiar la forma y la previsibilidad, como hace brillantemente Romero. Una cosa es segura: no te irás a casa con hambre".  

Owen Gleiberman del Entertainment Weekly comentó que "Puede que Romero sea la última persona sobre la faz de la Tierra que siga pensando que los muertos vivientes son una metáfora de algo importante. Su última película es una locura zombie apática y sin inspiración alguna." 

Justin Chang de Variety valoró que "George A. Romero les muestra cómo se hace en 'Land of the Dead', resucitando su legendaria franquicia con efectos visuales de primera clase, una gran inteligencia de género y tentadoras capas de insinuación" E

Wesley Morris del Boston Globe destaca que  "Se ve y se siente como la basura mejor hecha de alguien más"

Keith Phipps de AV Club sostuvo que "La sátira está a la altura de los titulares, las escenas de acción siguen el ritmo de los blockbusters veraniegos y nadie filma una evisceración con tanta habilidad"

Desde la costa atlántica en las páginas del  Philadelphia Inquirer se die que "Curiosamente, aunque 'Land of the Dead' es más inteligente y grandiosa que los primeros clásicos de Romero, no es tan inquietante" 

Desde Gran Bretaña Kim Newman en Empire destaca que "Suspense original, personajes punzantes, horror escandaloso y sátira perversa. Bienvenido de nuevo, George, has estado fuera demasiado tiempo" 

Ya en España Javier Ocaña en El País considera que la "Producción con algunas ideas resultonas y toneladas de vísceras y hemoglobina que sólo contentará a los que aún lo tienen en los altares del cine de terror"

Antonio Weinrichter del ABC destacó la capacidad del aquí durector y guionisa  "Romero es quien mejor explota el mito creado por él mismo (...) no recurre a la alta tecnología (...) dentro de la genuina serie B (...) 

Varios cineastas, entre ellos John Landis, Eli Roth, Clive Barker y Guillermo del Toro, rindieron homenaje a Romero en un especial de La tierra de los muertos. 

Guillermo del Toro dijo: "Por fin alguien tuvo la inteligencia de darse cuenta de que ya era hora y le dio a George las herramientas. Debería ser motivo de celebración para todos que Miguel Ángel haya comenzado otro techo. Es un acontecimiento realmente trascendental..."

Por mi parte destacar que la película de 2005, dirigida por George A. Romero, destaca principalmente por ser una sátira social mordaz que utiliza el apocalipsis zombi para explorar la lucha de clases, el consumo y la respuesta política ante las crisis, posicionando a los muertos vivientes como la clase trabajadora oprimida que se rebela contra una élite egoísta. Los zombis que comienzan a pensar y organizarse, liderados por "Big Daddy". Este personaje evoluciona de ser una simple amenaza a un líder rebelde que enseña a los suyos a utilizar herramientas y armas para derrocar a sus opresores. La trama ofrece una metáfora poderosa donde los zombis, convertidos en la clase "baja" o marginada, atacan el rascacielos de los ricos, subvirtiendo el papel tradicional de monstruos para convertirlos en agentes de una revolución social. A destacar igualemnte que la película cuenta con excelentes efectos especiales de gore a cargo de Greg Nicotero. Destaca el diseño de "El Azote de los Muertos" (Dead Reckoning), un camión blindado impresionante utilizado por los mercenarios. Se considera la última gran película de zombis dirigida por Romero, cerrando efectivamente su "cuatrilogía" original con un tono entretenido, visceral y lleno de crítica social.


martes, 5 de mayo de 2026

Revisión de la casa torcida



Una película de Agatha Christie, siempre genera interés y en el caso de La casa torcida, una película del año 2017 es un fiel adaptación del estilo tan característica de la autora con su natural "whodunit" (¿quién lo hizo?). En este caso no se ha ido al periodo victoriano sino que la historia está ambientada en la década de 1950. Como suele ocurrir en sus obras la investigación se complica porque, según el estilo habitual de la Doña, todos en la mansión tienen motivos y secretos para querer al patriarca muerto. La familia del finado convive en una peculiar mansión de estructura inclinada de ahí el título.



Después de conseguir el premio al mejor director por La llave de Sara en el Festival Internacional de cine de Tokio, el director francés Gillet Paquet- Brenner vuelve con la adaptación cinematográfica de la enigmática novela homónima de Agata Christie, La casa torcida, publicada en 1949. Se trata de una película con guion de Julian Fellowes, Tim Rose Price y el mismo Gilles Paquet-Brenner, producida por James Spring, Sally Wood, Joseph Abrams para las productoras Metro International, Brilliant Films Entertainment, Fred Pictures que invirtieron en ella unos $10 millones. 

La película contó con la fotografía de Sebastian Winterø siendo una coproducción británico-estadounidense  protagonizada por Max Irons , Terence Stamp , Glenn Close , Gillian Anderson y Stefanie Martini, Julian Sands, Christina Hendricks . 



La película del año 2017 cuenta la historia de tres generaciones de la familia de Arístides Leonides un multimillonario griego que conviven en una curiosa mansión de estructura inclinada. La rutina de la mansión se trunca cuando Arístides es envenenado ya que se sospecha que el culpable de ser alguien de la familia. 

Sophia pedirá entonces a Charles un antiguo amante que haga lo posible para esclarecer el asesinato. El caso se completará con más muertes y con el hecho de que nadie tiene una firme coartada en esta historia que se desarrolla a mediados de la década de 1950, en Londres.

La película comienza cuando Sophia Leonides (Stephanie Martini), nieta del difunto magnate griego Aristide Leonides, visita al detective privado Charles Hayward (Max Irons). Le pide que investigue la muerte de Aristide, sospechando que fue asesinado. 

Charles accede a regañadientes, sintiéndose dividido debido a un antiguo romance con Sophia en El Cairo . 

Charles solicita la autorización del inspector jefe Taverner (Terence Stamp) de Scotland Yard para investigar el caso. Aristide era el patriarca autoritario y manipulador de la numerosa y peculiar familia Leonides, cuyos miembros vivían juntos en la finca familiar. Aparentemente murió de un infarto después de que su inyección habitual de insulina, administrada por su esposa Brenda, fuera adulterada con eserina procedente de sus gotas oftálmicas. 

Brenda(Christina Hendricks ) es la segunda esposa de Aristide, una exbailarina de casino de Las vegas mucho más joven que su marido. 



Por su parte, Lady Edith de Haviland (Glenn Close) era la hermana de la difunta primera esposa de Aristide, a quien le gustaba merodear por la finca y disparar a los topos en el césped con una escopeta. Despreciaba a su cuñado. 

Philip (Julian Sands), el hijo mayor de Aristide, odiaba a su padre por haberlo excluido como sucesor en el negocio familiar y por negarse a financiar la producción de un guion que escribió para su esposa, Magda (Gilliam Anderson) , una actriz de teatro en decadencia. 



Sus hijos (nietos de Aristide) son Sophia, Eustace, un adolescente cínico, amante del rock and roll y afectado por la polio , y Josephine, una niña inteligente de 12 años que se entera de todo. 

El hijo menor de Aristide, Roger, es director general de una importante empresa familiar, pero es un fracasado que ha necesitado múltiples rescates financieros. Su dominante esposa, Clemency, es bióloga botánica con amplios conocimientos sobre venenos. 

Además en la casa está Laurence Brown, un profesor particular, mantiene una relación extramatrimonial con Brenda. Su alumna Josephine lo espía desde su escondite en la casa del árbol. 

Charles entrevista a la familia y se topa con hostilidad por parte de todos. Todos los miembros de la familia tienen motivos para el asesinato: todos resentían el comportamiento intimidatorio y manipulador de Aristide, y ahora esperan una cuantiosa herencia. La mayoría sospecha de Brenda, como la persona ajena a la familia que administró la inyección letal. Sus sospechas se refuerzan cuando se descubre que el testamento de Aristide no estaba firmado, lo que resulta en que Brenda herede toda su fortuna según las leyes de sucesión intestada . 

En un momento dado, Josephine insinúa haber encontrado pistas, pero se niega a revelarlas. La escalera que lleva a la casa del árbol de Josephine es saboteada, ella cae y queda inconsciente. Las sospechas recaen sobre Sophia tras el descubrimiento de otro testamento, debidamente firmado, que le deja toda la herencia. 

Por su parte, el inspector Taverner llega para hacerse cargo del caso; siente que el pasado de Charles con Sophia lo compromete. El descubrimiento de cartas de amor entre Brenda y Laurence le proporciona a Taverner pruebas suficientes para arrestarlos por el asesinato de Aristide y el intento de asesinato de Josephine. 



Charles, sin embargo, sigue sin estar convencido. Josephine está furiosa porque su cuaderno personal ha desaparecido. Su niñera le prepara chocolate caliente. Josephine lo rechaza y su niñera muere tras beberlo. 

Charles le ruega a Josephine que revele la identidad del asesino. Una vez más, Josephine se niega, incluso cuando Charles le advierte que corre peligro. 

En esto a Edith le diagnostican una enfermedad terminal y le dicen que solo le quedan unos meses de vida. El forense determina que la niñera murió por envenenamiento con cianuro . Charles sospecha de Edith, quien usaba cianuro para matar topos. 

Registra el cobertizo del jardín de Edith y encuentra una botella de cianuro, así como el cuaderno desaparecido de Josephine, enterrado en cal viva . 

Finalmente vemos a Edith llevando a Josephine al campo a dar un paseo en coche. Deja una nota confesando los asesinatos. 

Charles y Sophia los persiguen en otro coche. Mientras conducen, Sophia lee el cuaderno de Josephine y descubre la verdad: que Josephine había asesinado a Aristide por haberle interrumpido sus clases de ballet. También había simulado su caída desde la casa del árbol, envenenado a la niñera (que ya sospechaba de ella) y falsificado las cartas de amor de Brenda. Edith se dio cuenta de que Josephine era la asesina y confesó falsamente para exonerar a Brenda y Laurence, y evitarle a Josephine una vida en un centro psiquiátrico. 

Cuando Charles y Sophia los alcanzan, Edith se precipita por el borde de una cantera y tanto ella como Josephine mueren acabando así la película. 

En 2011, el cineasta estadounidense Neil La Bute anunció que dirigiría una versión cinematográfica, para 2012, de la novela con un guion de Julian Fellowes . En mayo de 2011, se anunció que Gemma Arterton , Matthew Goode , Gabriel Byrne y Dame Julie Andrews encabezarían el reparto. 

En un informe publicado el 10 de junio de 2012, Sony Pictures Worldwide Acquisitions adquirió todos los derechos en EE. UU., Canadá e internacionalmente para la película, lo que podría ayudar a asegurar su lucrativo estreno, aunque el reparto y el equipo creativo habían cambiado. 

El rodaje comenzó en septiembre de 2016.  Parte del rodaje se realizó en la Biblioteca Maughan del King's College de Londres . Minley Manor, cerca de Fleet, Hampshire , se utilizó como lugar para las tomas exteriores de Three Gables, también conocida como la Casa Torcida que da título a la película. Los interiores se filmaron en cuatro lugares diferentes,  incluyendo Hughenden Manor , West Wycombe House y Tyntesfield , cerca de Bristol . 

El diseñador de producción fue Simon Bowles .  La ​​banda sonora original de la película es de Hugo de Chaire. 

La crítica la considera una adaptación sólida y entretenida, fiel a la obra original, que era una de las favoritas de la propia Agatha Christie. Algunos críticos señalaron que el ritmo puede ser lento para algunos espectadores, y la actuación de Max Irons fue descrita por algunos como plana, contrastando con actuaciones destacadas como la de Glenn Close eso una vez estrenada la película  en el Reino Unido por Channel 5 el 17 de diciembre de 2017.


En cuanto a la crítica británica en el Telegraph Gerard O'Donovan afirma que "En general, una adaptación muy entretenida y suntuosa que, aunque no rompe los moldes de Christie, impregna la historia de un tinte agradablemente contemporáneo (…) " 

Terry Staunton de Radio Times sostiene que se trata de "[Una] adaptación fallida (...) La ordinaria dirección de Paquet-Brenner hace que la obra parezca una producción resacosa no profesional (…) 

En la estadounidense Variety Peter Debruge  escribe que presenta "Una dirección elegante y un reparto deliciosamente perverso refuerzan el misterio más retorcido de Agatha Christie." 

Chuck Bowen de Slant comenta que "Gilles Paquet-Brenner dirige esta película de manera efectiva e impersonal (...) La película se desarrolla en piloto automático alternando entre lo prestigioso y lo teatral (…) " 

Emily Yoshida de Vulture  sostiene que "A veces chirría, pero tiene suficientes giros y momentos impactantes para resultar atractiva durante todo el metraje (...) La MVP es Christina Hendricks" 

Ya en España Jordi Costa en El País dice de ella que "Paquet-Brenner se aplica (...) sin atisbo de inspiración expresiva, pero Glenn Close, Julian Sands y Gillian Anderson, entre otros, le sacan las castañas del fuego con su colectivo retrato de una aristocracia endogámica y monstruosa" 

Alberto Luchini de El Mundo lo que destaca es que hay "Aburrimiento en la mansión (...) diálogos absolutamente impostados, una puesta en escena impersonal y apabullantemente teatral y un reparto de campanillas (…)" 

Oti Rodríguez Marchante de  ABC comenta que "Todavía procura cierto interés, o intríngulis, si no se conoce la obra original, pero es inimaginable sacarle algo de carne a ese hueso si ya se sabe quién es el asesino en esta historia sin mayordomo. (…) " 

Desde Barcelona Quim Casas en El Periódico la describe como una película con "Un detective inexperto y sin nada de carisma intenta resolver el caso mientras el director del filme inclina la cámara para mostrar lo descentrados que están los personajes. Todo bastante previsible y en exceso mecanizado. (…) " 

Daniel De Partearroyo en Cinemanía comenta que "Cuando, como en el caso de 'La casa torcida', no hay detective carismático a lo Poirot o Miss Marple para llevar de la mano la narración, esa tosquedad mecánica chirría más. (...) una adaptación criminal. (…) " 

Y en Fotogramas Jordi Batlle Caminal lo que destaca es que "La intriga es tan descafeinada como inexistente la dirección, plúmbeo el ritmo narrativo y discretas las interpretaciones; el protagonista, Max Irons, bien merece el premio al actor más soso en lo que va de siglo. (…)"

Ernesto J. Pastor en X señala que "¡Qué espanto de realización! ¿Para qué montar una secuencia en 10 planos si se puede montar en 100 y además cámara en mano para que se note más? Y no es cuestión de ritmo. "




Por mi parte destacar que de lo más interesante de la misma es su escenografía pues la película se filmó en varias mansiones históricas de Inglaterra, como Minley Manor (exteriores) y Tyntesfield (interiores), lo que le da un aire gótico y opulento muy característico. 

Por otro lado la película consigue capturar el ambiente provocado por a tensión familiar, la codicia y la manipulación más que en la violencia física.

Y por último elogiable es su guion coescrito por Julian Fellowes, conocido por "Gosford Park" y "Downton Abbey", lo que asegura un estilo refinado en los diálogos.  En fin, me ha gustado esta Crooked House 

lunes, 4 de mayo de 2026

Klute



Alan J. Pakula, fue un aclamado director, productor y guionista estadounidense, que falleció en noviembre de 1998 a los 70 años de edad. Pakula murió a causa de un extraño accidente automovilístico en la autopista de Long Island (Nueva York). Un tubo de metal salió despedido de otro vehículo, atravesó el parabrisas de su Volvo y le golpeó en la cabeza, causándole la muerte instantánea. Fue un pilar del cine de intriga política y suspense psicológico de los años 70. Klute es considerada la primera parte de su famosa "trilogía de la paranoia", seguida por The Parallax View (1974) y Todos los hombres del presidente (1976). Estas películas definieron su reputación como un maestro del suspense psicológico y la conspiración. Con Klute consolidó su reputación como un director de primer nivel. Pakula demostró su capacidad para obtener actuaciones magistrales. La película estableció una colaboración clave con el director de fotografía Gordon Willis, utilizando una estética sombría y tensa que se convirtió en sello de la casa, y que estarán presentes en otras películas como La decisión de Sophie (1982), Presunto inocente (1990), El informe Pelícano (1993) o La sombra del diablo (1997).




Pero centrémonos en Klute, una película estadounidense de suspenso psicológico neo-noir de 1971 dirigida y producida por Alan J. Pakula y protagonizada por Jane Fonda, Donald Sutherland, Charles Cioffi, Nathan George, Dorothy Tristan, Roy Scheider y Rita Gam.

Es la primera entrega de lo que se ha llegado a conocer informalmente como la "trilogía de la paranoia" de Pakula, seguida por The Parallax View (1974) y Todos los hombres del presidente (1976), todas películas que tratan temas de paranoia, conspiraciones y vigilancia.

Klute es un thriller del año 1971 dirigido por Alan J Pakula y que le valió un amplio reconocimiento al director de un éxito George básicamente en el trabajo en la personalidad de su protagonista Jane Fonda, tras Danzad, danzad, malditos, su carrera convirtiendo este papel inicialmente aceptado como un remiso económico en el centro de la historia algo que sirvió para hacerse con el oscar a la mejor actriz principal.Su trama sigue a una prostituta de lujo de la ciudad de Nueva York que ayuda a un detective de Pensilvania a resolver el caso de la persona desaparecida de un cliente que podría estar acosándola 

Alan J. Pakula estuvo en la producción de la misma por medio de las productoras Gus Productions y la Warner Bros. Pictures. La crítica recibió con un entusiasmo y especialmente la interpretación del fondo en el que para muchos es el mejor trabajo de su carrera. Y el papel masculino protagonista le correspondió a Donald Sutherland, carisma y estilo propio reconocido un papeles múltiples que le han dado uh el gran reconocimiento hasta la fecha e de su muerte. 

La historia comienza en una comida o cena entre amigos. Entre los comensales está el dueño de una empresa, su mujer, ejecutivos de la misma y el mejor amigo del empresario. Casi de inmediato nos enteramos de que el empresario ha desaparecido.

Tras la desaparición de Tom Gruneman, ejecutivo de una empresa química de Pensilvania, la policía encuentra en su oficina una carta obscena dirigida a Bree Daniels, una prostituta de Nueva York que había recibido varias cartas similares. 

Después de seis meses de investigación infructuosa, Peter Cable, otro ejecutivo de la empresa de Gruneman, contrata a John Klute, amigo de la familia y detective, para investigar la desaparición. Klute alquila un apartamento en el sótano del edificio de Bree, interviene su teléfono y la sigue mientras ejerce la prostitución. 

Bree parece disfrutar de la libertad de trabajar como prostituta independiente mientras audiciona para trabajos de actuación y modelaje, pero le confiesa a su psiquiatra el vacío que siente en su vida. 

Tras descubrir que Klute la ha estado vigilando, Bree afirma no reconocer a Gruneman. Admite haber sido agredida por un cliente dos años antes, pero no puede identificarlo en una fotografía. Además, le confiesa a Klute que es una persona nerviosa y paranoica. 



Bree lleva a Klute a conocer a su antiguo proxeneta, Frank Ligourin, quien había representado a Jane McKenna, una prostituta que le había recomendado al cliente abusivo. Al parecer, McKenna se suicidó, y su otra compañera, Arlyn Page, se convirtió en drogadicta y desapareció. 



Klute y Bree inician un romance, aunque ella le confiesa a su psiquiatra que desearía que la relación terminara porque se sentía más segura de sí misma cuando ejercía la prostitución. Encuentran a Page, quien les dice que la foto de Gruneman no corresponde al cliente, que era un hombre mayor. 

Poco después, el cuerpo de Page aparece más tarde en el río. Klute relaciona los aparentes suicidios de las dos prostitutas, deduciendo que el cliente usaba el nombre de Gruneman. También cree que el cliente mató a Gruneman y que podría matar a Bree a continuación. Klute vuelve a contactar con los conocidos de Gruneman. 

Mediante comparación tipográfica, las cartas obscenas se rastrean hasta Cable, a quien Klute ha estado reportando durante su investigación. Klute le pide dinero a Cable para comprar la "agenda negra" de los clientes de McKenna y así descubrir la identidad del cliente abusador. Deja suficientes pistas para ver si Cable revela su propia complicidad en los asesinatos. 

Cable sigue a Bree hasta la oficina de un cliente y le revela que él le envió las cartas. Le cuenta que, después de que Gruneman lo descubriera accidentalmente abusando físicamente de McKenna, Cable temió que Gruneman usara el incidente para sabotear su carrera, así que intentó incriminarlo dejando la carta en su oficina. 

Tras reproducir una grabación de audio de un asesinato que realizó mientras asesinaba a Page, ataca a Bree. Al ver a Klute entrar corriendo, Cable retrocede bruscamente y se estrella contra una ventana, muriendo en el acto. 

Bree abandona su apartamento con la ayuda de Klute. Una conversación en off con su psiquiatra revela su reticencia a renunciar a su autonomía para iniciar una relación tradicional con Klute, afirmando que perdería la cordura si se sometiera a una vida doméstica. Ella admite que, aunque echará de menos a Klute, no puede decírselo y bromea diciendo que probablemente el médico la verá de nuevo la semana que viene. Al salir del apartamento, Bree recibe una llamada de un cliente y le informa de que se marcha de Nueva York y no piensa volver. Ella y Klute abandonan el apartamento juntos sobreponiéndose los títulos de crédito en rojo sobre la pantalla anunciando el fin. 



El policía deja el cuerpò y ahora se transforma en un detective de medio pelo de una pequeña ciudad de Pensilvania, John Klue, que abandona el cuerpo de policía para investigar la muerte es su mejor amigo, un ingeniero visto por última vez en Nueva York. 

La única pista para seguir su rastro es una carta suya a una prostituta, Bree Daniels, que se dice no saber nada el desaparecido pero que reconoce haber  descubierto a alguien siguiéndola y haber recibido llamadas a nuevas. 

Otra vez de la vida de Bree, conociendo su trabajo y su ambiente, Klute podrá conocer los verdaderos motivos por los que su amigo encontró la muerte o al menos su desapareció. Juntos un sentimiento romántico despiertará entre ellos. 

El guion original de Klute fue escrito por los hermanos Andy y Dave Lewis. Andy en colaboración con su hermano mayor, Dave. Los hermanos se comunicaban por carta y teléfono —Andy desde su residencia en Massachusetts y Dave desde su casa en California— y Andy se encargó de gran parte del guion. Andy comentó que la escritura fue altamente colaborativa, concluyendo: "Me costaría atribuir alguna parte del guion original únicamente a uno u otro de nosotros".  Se inspiró en una serie que leyó de niño sobre un hombre que intenta resolver el asesinato de su hermano en la ciudad. El rodaje principal tuvo lugar a finales de 1970 y principios de 1971 en Nueva York. Andy Lewis, un escritor que había trabajado principalmente en televisión, desarrolló el guion de Klute con el objetivo de pasar al cine. Su inspiración inicial para el guion provino de una historia por entregas que había leído de niño en The Saturday Evening Post sobre un hombre del campo que se aventura en la ciudad en un intento de resolver el asesinato de su hermano, quien fue asesinado allí en un terreno baldío. Lewis se centró en dos temas que, a su parecer, resonaban con los estadounidenses: primero, «el paleto que le da la vuelta a la tortilla a los urbanitas», y segundo, la paranoia: «Estoy seguro de que esto afecta a gente de todo el mundo, pero de alguna manera lo considero algo típicamente estadounidense. El patrón oculto de las cosas. La oscuridad. La gente que te observa, que conspira contra ti, que espera para hacerte daño. Los ruidos que oyes por la noche. Los silencios al teléfono. Todo eso. Decidí escribir esto, fuera como fuera, para sacar el máximo partido a este —¿cómo llamarlo?— instinto. Deliberadamente». 

El guion especulativo fue completado por Andy Lewis en colaboración con su hermano mayor, Dave. Los hermanos se comunicaban por carta y teléfono —Andy desde su residencia en Massachusetts y Dave desde su casa en California— y Andy se encargó de gran parte del guion. Andy comentó que la escritura fue altamente colaborativa y concluyó: «Me costaría atribuir alguna parte del guion original únicamente a uno de nosotros»

En cuanto al casting, Jane Fonda,  a final del 69 había terminado de rodar They Shoot Horses, Don't They? (1969). En abril de 1970 fue seleccionada para la película En ese momento, Fonda había atraído un escrutinio significativo por su activismo contra la guerra de Vietnam , y gran parte de la publicidad en torno a la película hizo mención de esto. 

Para prepararse para el papel, Fonda pasó una semana en la ciudad de Nueva York observando a prostitutas y madamas de clase alta . También las acompañó en sus salidas a clubes nocturnos para buscar hombres. Fonda notó que ninguno de los hombres mostró interés en ella, lo que ella creía que se debía a que podían ver que en realidad era solo una "pretendiente de clase alta y privilegiada". 

Fonda tenía dudas sobre si podría interpretar el papel y le pidió a Alan Pakula que la liberara de su contrato y contratara a Faye Dunaway en su lugar, pero Pakula se negó. Una de las principales preocupaciones de Fonda era que ella, como feminista emergente, no debería interpretar a una prostituta, pero cuando Fonda le confesó esta preocupación a una feminista veterana, le dijeron: "Si el guion es bueno y es una oportunidad para ser tridimensional, ¡por supuesto que deberías hacerlo!". Para superar sus dudas sobre si podría interpretar tal papel, Fonda recurrió a sus recuerdos de varias prostitutas que había conocido mientras vivía en Francia, todas las cuales trabajaban para la famosa Madame Claude . Recordó que todas ellas habían sufrido abusos sexuales en su infancia, y Fonda usó esto como una "entrada" a su propio personaje y como una forma de comprender las motivaciones de Bree para convertirse en prostituta. A destacar el vestuario realizado por Ann Roth

Donald Sutherland fue elegido para el papel del detective privado John Klute, y se unió al proyecto en mayo de 1970. Sutherland admitió más tarde que tuvo roces con Pakula durante la producción, comentando que "era una película donde el director tenía una idea específica, que yo no entendía particularmente, ni me interesaba particularmente". 




Roy Scheider fue elegido para el papel del proxeneta de Bree, Frank Ligourin, un papel que le brindó una atención significativa y que impulsó notablemente su carrera.

El rodaje principal de Klute comenzó en diciembre de 1970 en la ciudad de Nueva York. En marzo de 1971, se informó que el rodaje había concluido. 

La película fue filmada por el director de fotografía Gordon Willis , colaborador frecuente de Pakula, conocido por su uso de la oscuridad y las sombras en su cinematografía. El estudioso de cine Terence McSweeney escribe en The Other Hollywood Renaissance (2020) que la cinematografía de la película es deliberadamente desestabilizadora y desorientadora, utilizando primeros planos y careciendo de planos generales, y que su estilo de edición cuyo montador fue Carl Lerner presenta transiciones abruptas y una falta de señales cinematográficas tradicionales. 

Donald Sutherland, reflexionando sobre la película, comentó que, "había muchas cosas en Klute que no tenían ningún sentido en términos cinematográficos".

La banda sonora de la película fue compuesta por Michael Small . Klute fue la segunda banda sonora de Small para una película, y la primera en Hollywood después de Out of It (1969). El editor consultor de esa película, Carl Lerner , recomendó posteriormente a Small a Pakula. Small tuvo una gran libertad en el desarrollo de la banda sonora y utilizó una orquesta de cámara , con un xilófono microtonal , percusión poco convencional y voces femeninas. Un motivo central dentro de la banda sonora es la idea de un "llamado de sirena", utilizado para identificar tanto al personaje de Fonda como al asesino. 

Al igual que otras bandas sonoras de Small, la de Klute se prensó en cantidades relativamente pequeñas, y las copias de su edición original en vinilo han alcanzado precios elevados en el mercado de segunda mano. 

Klute se estrenó en cines en Estados Unidos el 23 de junio de 1971, distribuida por Warner Bros. Pictures, con gran éxito de crítica y público.  La película recaudó más de 12 millones de dólares con un presupuesto de 2,5 millones. 

Klute recibió dos nominaciones en la 44.ª edición de los Premios Óscar, incluyendo Mejor Guion Original, y Fonda se alzó con el premio a Mejor Actriz. En la 25.ª edición de los Premios BAFTA, Fonda fue nominada a Mejor Actriz Protagonista. En la 29.ª edición de los Globos de Oro, recibió una nominación a Mejor Guion, y Fonda se alzó con el premio a Mejor Actriz en una Película Dramática.

En los Premio del Círculo de críticos de Nueva York del año 1972 Fonda se llevó el premio a la mejor actriz. Premio NYFCC 1971: a la mejor actriz (Jane Fonda). 

El Premio de la National Society of Film Critics -NSFC 1972- le concedió el premio  a la mejor actriz (Jane Fonda) y en los Premios Image los premiados fueron tanto Donald Sutherland como Jane Fonda al mejor actor y actriz. 

También se llevó el Premio Fotogramas de Plata 1973: a la mejor intérprete de cine extranjero (Jane Fonda).

La crítica elogió la dirección y el guion, y la actuación de Fonda recibió una amplia aclamación. La escritora Karen Gai Dean señala la paranoia y la vigilancia como temas principales en Klute. Escribe que el uso recurrente de cintas de audio en la película como "temas visuales y auditivos... evocan de manera premonitoria la paranoia de la era Watergate". 

Charles Champlin, del Los Angeles Times , elogió las actuaciones de Fonda y Sutherland, resumiendo: « Klute es visualmente impresionante, llena de sorpresas, desconcertante y llena de suspense, impecable en su ritmo... Como siempre, los mejores misterios ofrecen más que sus distracciones y redime sus sórdidos elementos al comprenderlos y encontrarlos dignos de compasión, no de diversión». 

Roger Ebert, del Chicago Sun-Times, escribio que, si bien los elementos de suspense estaban mal ejecutados, las actuaciones de Sutherland y, sobre todo, de Fonda, fueron las que sostuvieron la película. Sugirió que la película debería haberse titulado Bree, en honor a su personaje, quien es el "alma" del filme y evita el estereotipo de la prostituta de buen corazón . ¿Qué tiene Jane Fonda que la convierte en una actriz tan fascinante? Posee una especie de intensidad nerviosa que la mantiene tan firmemente metida en el personaje que este parece distraído por los acontecimientos de la película. 

Gene Siskel del Chicago Tribune se mostró igualmente elogioso, escribiendo: «Más interesante que el misterio es el personaje de Bree... lo mejor de su personaje (gracias al guion y a la excelente actuación de la señorita Fonda) es que esta prostituta no tiene un corazón de oro. Es una mujerzuela resentida que, cuando se ve acorralada por la violencia o la ternura, araña y muerde. La película del director Alan Pakula, con su edición impecable, se alarga demasiado solo para extender su conclusión... Los ojos perspicaces resolverán el misterio a mitad de la película. La actuación de la señorita Fonda es superior a su trabajo más reciente en They Shoot Horses, Don't They? ... Sutherland... presenta una postura controlada como el detective diligente. Su bajo perfil equilibra perfectamente el papel explosivo de la señorita Fonda».

J. Luria, en un artículo para la revista Professional Psychology: Research and Practice , elogió la película por sus elementos psicológicos, en particular por su representación matizada de la prostitución, señalando que «una buena trama de misterio y excelentes actuaciones hacen que esta película sea entretenida. Pero el análisis sociopsicológico de la subcultura de la prostitución la hace sobresaliente. La película se desarrolla en varios niveles: la descripción de la prostituta, la lucha por su crecimiento personal, la relación entre Klute y Bree, y el tema del misterio. En general, es una excelente combinación de lo clínico y lo literal».

Roger Greenspun, del New York Times , en una de las pocas críticas negativas, escribió: «Pakula, cuando no se entrega a la subjetividad de la cámara, se esfuerza por dotar a su película de una apariencia de geometría estructural, pero a pesar de los bordes definidos, los espacios dramáticos y la presencia cinematográfica propia de Ciudadano Kane, todo sugiere una mezcla tibia y bastante insípida. La actuación en Klute parece semi-improvisada, y en ella Jane Fonda, que es buena confesando, tiene un éxito general. Todos los demás simplemente hablan mucho, excepto Sutherland, que apenas habla. Siendo un actor normalmente ingenioso, aquí se le da precisamente la libertad para evocar una figura romántica con toda la misteriosa intensidad de un joven Calvin Coolidge ».

En un artículo para el Chicago Reader en 1985, el crítico Dave Kehr declaró que la película era "lo más cercano a un clásico que cualquier cosa producida por el Nuevo Hollywood ".

Marjorie Baumgarten en el Austin Chronicle "Fonda y Sutherland están mejor que nunca en este thriller de misterio que también ofrece una visión fascinante de la mente y el alma de una prostituta de lujo neoyorkina".

En Variety se la describe como "Con una atractiva producción neoyorkina, pero una dirección tediosa de Pakula, es una película de suspense sin mucho suspense". 

Jay Cocks en Time la vio como "Un thriller agudo y hábil sobre asesinato, perversión, paranoia y prostitución y un montón de otras cosas maravillosas sobre la vida en Nueva York" 

Ya en España en El País , Fernando Morales la consideró como una película de "Intriga policial dirigida con maestría y excelente ambientación" . Y en este mismo diario, Luis Martínez la describe como que "Sutherland anima uno de esos detectives con vocación de eternidad. Un thriller con profundo y desgarrado sabor clásico". 

Klute la película dirigida por Alan J. Pakula, es una obra fundamental del cine estadounidense de principios de los años 70 y un pilar del thriller psicológico. Con ella Fonda ganó su primer Óscar a la Mejor Actriz por su interpretación de Bree Daniels, una prostituta de lujo neoyorquina. Su actuación es descrita como compleja y valiente, retratando a una mujer sensible ocultada tras una máscara de dureza. Destaca por su tono sombrío, pesimista y una atmósfera lúgubre, potenciada por la fotografía de Gordon Willis. Y aunque funciona como un thriller sobre la búsqueda de un hombre desaparecido por parte del detective John Klute (interpretado por Donald Sutherland), la película pone mayor énfasis en la psicología de los personajes y la dinámica entre Bree y Klute. La cinta fue filmada íntegramente en exteriores de la ciudad de Nueva York (incluyendo Harlem y Wall Street), logrando captar una visión cruda y sórdida de la urbe en esa época. La película aborda el voyeurismo, la deshumanización y la exploración del sexo y la prostitución con un enfoque maduro para la época