El señor de los anillos: versiones extendidas

El retorno del rey (la que fue conclusión de la trilogía de El Señor de los Anillos) fue estrenada en España en diciembre de 2003. Además, con motivo de su 25 aniversario, la película regresó a los cines de toda España en mayo de 2026, proyectándose en formato 4K y en su Versión Extendida, que además fue emitida en diciembre de 2025 en Movistar +. 

Yo me he dedicado a ver en estos tres días pasados estas tres películas extendidas que seis meses después del estreno de El retorno del rey, en algunas salas de varios cines de Norteamérica y otros países, se proyectaron unas versiones extendidas de la trilogía con escenas inéditas y con escenas extendidas.

Estas versiones son más fieles a los libros de Tolkien que las versiones que todos hemos conocido en los cines, vienen a ser las versiones definitivas de los filmes de «El Señor de los Anillos”. 

No importa que duren casi cuatro horas cada una (y en el caso de la tercera y última, más de cuatro horas) pues la Tierra Media se merece eso y mucho más.

Lo cierto que hace seis meses Movistar + tuvo a bien emitir y crear un canal llamado Tierra Media, en el que junto a estas películas incluían el biopic sobre Tolkien , que ya puede ver con ese título homónimo así como versiones animadas tanto del señor de los anillos como una específica que tenñía como protagonistas a los Rohirrin.

Ni que decir tiene que ninguna - o casi- de las adiciones a estos filmes es de relleno. Mucho de lo agregado es relevante y ayuda a desarrollar mejor a los personajes, la narrativa o simplemente el mundo creado originalmente por Tolkien. 

«El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo” es decir, la primera entrega, es la película que más se beneficia de todo el material extra. Lógico, pues en esta entrega se establece lo que van a ser   las personalidades de los personajes y sus problemas; el conflicto central; la construcción del universo; la historia de trasfondo de Sauron, Isildur y el Anillo Único; las características de las diferentes razas (Hombres, Hobbits, Elfos, Enanos y más) y, por supuesto, el estilo que Jackson le daría a sus películas. 

En el prólogo en el que vemos a Bilbo Baggins (Ian Holm) escribiendo su libro y hablándonos a través de una narración en off sobre los Hobbits. Se nos da mucha más información sobre su cultura y la paz que buscan en el mundo. Además, se hace un mayor énfasis en la paranoia que Bilbo siente ahora que está adicto al Anillo, escondiéndose de sus familiares lejanos no solo al principio cuando está en su casa en Bag End, sino también ya en la fiesta de su cumpleaños, donde además comparte un momento callado e introspectivo con Frodo durante la fiestuki. Esto último, por supuesto, ayuda a desarrollar mejor la relación entre tío y sobrino.

Siguiendo con el inicio de la película, esta versión extendida ahonda un poco más en el prólogo que nos explica la guerra de la Segunda Edad. Vemos a Isildur siendo asesinado luego de que las fuerzas enemigas lo encuentran con el Anillo, a diferencia del corte regular de la película, donde simplemente aparece muerto en un río. Y también se hace un mayor énfasis en los conflictos internos de Aragorn, hijo de Arathorn (Viggo Mortensen), y heredero al trono de Gondor.  Precisamente, en Rivendel ante la tumba de su madre,  tiene lugar una conversación con Boromir  junto a la estatua que lleva los restos de Narsil, la espada de Isildur.

Parece que esta versión extendida de «El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo” se concentre más en Aragorn,  pues descubrimos sus miedos respecto a la debilidad del espíritu familiar. Evidentemente el personaje parece humanizado siendo m,ucho más que un ser heroico y apuesto y valiente y emocional capaz de renunciar a heredar el trono de Gondor.

Cuando Frodo y Sam Gamyee (Sean Astin) recién están saliendo de Hobbiton, se encuentran con un grupo de elfos que están yendo a las Bahías Grises se nos informa del fin de la era élfica en la Tierra Media.  

Además, en esta primera entrega tenemos la versión completa de la entrega de los regalos por parte de Galadriel (Cate Blanchett) a los nueve miembros de la Comunidad, lo cual ayuda a justificar el que todos tengan capas de Elfos a partir de cierto momento, así como dagas para Merry (Dominic Monaghan) y Pippin (Billy Boyd), o una soga irrompible para Sam que le será útil en la segunda entrega. 

Esto no interfiere demasiado con el ritmo de la cinta — «El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo” se sigue moviendo igual de rápido que siempre, con intención e intensidad, sin que los momentos más emotivos, como la “muerte” de Gandalf (Ian McKellen), dejen de funcionar tan bien. 

La versión más larga de “El Señor de los Anillos: Las Dos Torres” también funciona  en esta Versión Extendida.

Para empezar, todo el inicio con Frodo (Elijah Wood) y Sam (Sean Astin) caminando por una zona rocosa en dirección a Mordor se ha alargado —como para darle un mayor uso a la cuerda que Galadriel (Cate Blanchett) le regaló a Sam, pero no mucho más. Es algo que se aprecia porque algo de contexto adicional le da a las situaciones en las que los dos Hobbits se meten antes de encontrarse con Gollum/Sméagol (Andy Serkis), pero la verdad es que no se siente como algo vital. 

Algo similar se puede decir sobre las escenas adicionales con Gimli (John Rhys-Davis) y Legolas (Orlando Bloom). Ya en la versión original, Gimli es relegado básicamente a ser un personaje de comedia, cayéndose frecuentemente de su caballo y teniendo intercambios e interacciones algo incómodas con los personajes humanos. Pero ese sentido de comedia está presente cuando está sentado encima de un cadáver de orco luego de la Batalla de Helm’s Deep, y le dice a Legolas que la criatura se movió porque tiene su hacha metida en su sistema nervioso. 

También se extiende la historia de los Ents aquí entroncada con la historia de  Merry (Dominic Monaghan), Pippin (Billy Boyd) y Barbol. La voz del Ent es de John Rhys-Davis. La historia entre ellos dónde Pippin toma el agua que le hace crecer es graciosa pero a la vez curiosa, ya que hace referencia a una escena de la novela de “La Comunidad del Anillo” y no cuando Barbol se pone a recitar poesía mientras los Hobbits se duermen en sus ramas.

También un persona de Roham como Éowyn (Miranda Otto)  adquiere otro protagonismo ya que se le da más énfasis comienza a sentir por Aragorn (Viggo Mortensen). 

De los momentos nuevos que comparten, destaca la escena en la que ella le ofrece un mal estofado  que sirve para desarrollar un poco mejor la historia de trasfondo de Aragorn. Resulta que nuestro guerrero humano favorito, al ser descendiente de Isildur, es muy longevo, y a pesar de lucir cuarentón, ¡tiene ochenta y siete años! 

Por otro lado, casi al principio hay escenas que involucran al hijo del Rey Théoden (Bernard Hill). El poder ver a Éomer (Karl Urban) encontrar al chico medio muerto causa un mayor impacto, y la inclusión del funeral del joven, en el que Éowyn realiza unos cánticos desgarradores, complementa muy bien el momento posterior en el que vemos al Rey llorar por la muerte de su hijo. Se puede argumentar que estas escenas son inferidas en el corte original de la historia, pero el poder verlas y sentirlas en la Versión Extendida ayuda a justificar mejor las decisiones que Théoden termina tomando, dejando bien en claro el sufrimiento por el que tiene que pasar luego de ser “rescatado” por Gandalf (Ian McKellen). 

También en esta segunda entrega vemos a Faramir (David Wenham) cómo captura a Frodo, Sam y Gollum, lo vemos tener un flashback en el que lo vemos primero celebrar una victoria junto a su hermano mayor Boromir (Sean Bean) en Osgiliath, para luego ver cómo es subestimado y maltratado por su padre Denethor (John Noble). Se trata de una magnífica secuencia de recuerdo que logra comunicar muy bien los conflictos entre hijos y padre, así como el hecho de que Boromir siempre fue el favorito de Gondor. 

Por otro lado, en  “El Retorno del Rey” la versión extendida añade 62 minutos adicionales (aumentando su duración de 3 horas 21 minutos a 4 horas 23 minutos) con escenas cruciales, como la confrontación de Gandalf con Saruman en Isengard, el enfrentamiento de Aragorn con la repugnante Boca de Sauron y la resolución de la historia del elfo Legolas y el enano Gimli con los piratas de Umbar. 

Lo cierto es que “El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey” es la culminación de todo lo que Peter Jackson logró hacer con las dos películas anteriores y uno de los blockbusters épicos con once Premios de la Academia, y en su momento, uno de los filmes norteamericanos más exitosos en la taquilla. Tenemos ahora sí una escena que explica el destino de Saruman (Christopher Lee), mientras que en la versión regular simplemente lo dejan en su torre , pero ahora hay una escena de enfrentamiento verbal con Gandalf (Ian McKellen) y los demás en Isengard, la cual culmina con Grima (Brad Dourif) asesinando a su exjefe, quien cae de la torre y muere empalado. Junto a esta ahora vemos como Pippin (Billy Boyd) encuentre el Palantir en medio del agua. 

En esta Versión Extendida de “El Retorno del Rey” hace un mayor énfasis en el personaje de Faramir (David Wenham), en su enfrentamiento con su padre, el senescal Denethor (John Noble), así como un momento que comparte con Pippin, donde le cuenta que la armadura que el Hobbit estaba usando le solía pertenecer a él. E incluso más importante: tiene ahora dos escenas con Éowyn (Miranda Otto), las cuales dan a entender que se terminan enamorando y convirtiendo en una pareja. Todo esto ayuda a desarrollar mejor a sus personajes y a darle un final satisfactorio a las historias tanto de Faramir como de Éowyn. 

Adicionalmente, tenemos la línea narrativa de Aragorn (Viggo Mortensen), Legolas (Orlando Bloom) y Gimli (John Rhys-Davis) buscando al ejército de los muertos en la montaña. Evidentemente, esto es algo que también aparece en el corte regular de la película, pero que acá está mejor desarrollado. No solo tenemos un momento visualmente impactante, con un mar de calaveras cayendo encima de nuestros héroes o las mismas siendo pisadas por Gimli, mientras tratan de escapar de la caverna de los muertos, sino también un poema recitado por Legolas sacado directamente del libro de Tolkien. Junto a esto vemos al trío abordar el barco de los corsarios junto al ejército de fantasmas

Aragorn tiene un par de momentos más con él que me parece contribuyen al mejor desarrollo de la narrativa. Por un lado, tenemos la escena en la que confronta a Sauron a través del Palantir, con este último tratado de asustarlo mostrando imágenes de Arwen (Liv Tyler). Pero lo mejor está en la escena con la Boca de Sauron (el gran Bruce Spence), quien intenta intimidar a nuestros héroes justo fuera de la Puerta Negra en Mordor. El efecto de la boca enorme de dicho personaje es apropiadamente perturbador, pero lo mejor de la escena es que hace referencia a un momento similar en el libro y contribuye a la sensación de desesperanza que los personajes podrían tener antes de enfrentarse a las fuerzas de Mordor. 

Finalmente, en lo que se refiere a la historia de Frodo (Elijah Wood), Sam (Sean Astin) y Gollum (Andy Serkis), no hay demasiadas adiciones. Después de todo, son ellos los que cargan con el peso entero del conflicto, por lo que me imagino que Jackson y compañía decidieron no quitar mucho de su historia para el corte original. No obstante, sí hay una secuencia nueva en la Versión Extendida en la que vemos a los Hobbits metiéndose en un grupo de orcos marchando por Mordor, para luego comenzar una pelea y así crear una distracción y poder escapar. Puede que no suene a mucho, pero la escena ayuda a que la travesía de los Hobbits por Mordor se sienta un poco más difícil, contribuyendo a la tensión que uno siente por ellos. Después de todo, uno “no puede simplemente caminar por Mordor”, así que tenía sentido que Frodo y Sam se encontraran con más obstáculos en dicho lugar. 

Las escenas adicionales en la Versión Extendida de “El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey” son todas importantes. Ayudan a explicar la muerte de ciertos personajes, a desarrollar mejor a otros, a aumentar la tensión que debería desarrollarse a lo largo de la película, o simplemente a detallar mejor las situaciones por las que los protagonistas pasan.

La versión extendida de la trilogía de El Señor de los Anillos, dirigida por Peter Jackson, añade aproximadamente dos horas de metraje inédito en total. Estas ediciones no son solo recortes con escenas añadidas, sino nuevos montajes que profundizan en la Historia de la Tierra Media y el desarrollo de los personajes. Las adiciones cumplen el propósito de hacer las películas más fieles a los libros de J. R. R. Tolkien. Más contexto de la Comarca: Escenas iniciales con Bilbo Bolsón escribiendo su libro y detalles sobre las costumbres de los hobbits, pero también hay momentos donde los personajes cantan pasajes clásicos de los libros, como Aragorn cantando sobre Beren y Lúthien. En total más de 1800 kilómetros de película grabadas se recortaron hasta las 11 horas y 23 minutos (683 minutos) de duración que suman los tres DVD en versión extendida. 

El montaje fue la operación final en la que las películas tomaron su forma definitiva, y durante la que Jackson se dio cuenta de que hasta el mejor script puede quedar en ocasiones redundante en la pantalla. Se vio obligado a retirar a diario escenas completas de múltiples tomas. Con todo, lo cierto es que gran parte del metraje rodado no se utilizó en las películas proyectadas en las salas, y ni siquiera en sus versiones extendidas en DVD. 

Los descartes más relevantes produjeron el acortamiento de importantes escenas de la trama, eliminaron tomas sueltas, o, incluso, escenas completas. Entre los primeros se pueden mencionar las siguientes escenas significativas que fueron concebidas más largas que el montaje final: la Batalla de la Última Alianza, presentada en el prólogo de La Comunidad del Anillo; el diálogo del Concilio Blanco, en el que Gandalf explicaba cómo Sauron forjó el Anillo Único; el intento de Boromir de hacerse con el Anillo;las visiones de la Tierra Media que tiene Frodo al ponerse el Anillo;  la batalla en Parth Galen;

De los segundos, se pueden enumerar las siguientes tomas sueltas cortadas, conocidas por haber sido mencionadas por el equipo, o vistas en tráiler u otro material promocional: una oscura imagen de los tráileres de dos jóvenes elfas jugando en Rivendel; diversas tomas, mencionadas por el equipo en los comentarios de los DVD, de un animal (se usaron varios, desde conejos hasta un ciervo) molestando a Frodo y Sam en el Bosque Cerrado;

Y de los terceros, se enumeran las siguientes escenas completas desaparecidas de las películas: el ataque de los orcos de Moria sobre los flets en las lindes de Lothlórien después de que la Compañía saliera de las minas. 

Gran parte del metraje de esta se pudo ver como material promocional del lanzamiento en DVD de la versión de las salas de La Comunidad del Anillo, en sus folletos, como material documental en los DVD de las ediciones extendidas y en las imágenes de los juegos de cartas coleccionables; un ataque de un uruk-hai a Frodo y Sam en el río Anduin; una visión de Faramir en la que se imagina a Frodo transformándose en una criatura similar a Gollum; un combate entre Sauron y Aragorn en la Puerta Negra. 

En contra de lo aparente, la escena sí se incluyó en El retorno del Rey, pero con un troll generado por ordenador ocultando la imagen de Sauron y sustituyéndole en la acción, pues Jackson pensó que la escena con Sauron era inapropiada. En ella se ve también a Sauron bajo la apariencia maravillosa de Annatar, el Señor de los Dones.

Peter Jackson ha comentado que le gustaría incluir algunas de estas últimas escenas no empleadas en una futurible «Ultimate Edition» de la trilogía, probablemente en alta definición. No serían insertadas en los montajes existentes de las películas, sino accesibles para su visionado independiente. Esta edición también podría incluir tomas descartadas.

El gran Jack

George Sherman fue uno de esos artesanos cinematográficos que se especializó en el western. Títulos suyos y no pocos han pasado por aquí pero el último que rodó lo fue en el año 1971 y es precisamente esta película El Gran Jack.

Sherman gustaba de dar un toque humano incluyendo muchos momentos agradables, es una película bastante buena que podría convertirse en otro western digno de cualquier antología. 

Al principio Sherman realizó confiables cintas de bajo presupuesto para Columbia entre 1945 y 1948, luego pasó a hacer lo mismo en Universal durante otros ocho años. Sherman se especializó allí casi exclusivamente en westerns "B", incluida la serie "Tres mosqueteros", que presentaba a un joven John Wayne. 

George dirigió numerosos westerns como ¨The Last of the Fast Guns¨ , ¨The Lone Hand¨, ¨Santa Fe stampede¨ , ¨Red skin¨ , ¨Chief Crazy Horse¨ ¨Calamity Jane¨, ¨Relentless¨ , ¨Comanche Territory¨ , ¨Dawn at Socorro¨, ¨Border River¨ y muchos otros. 

También hizo incursiones ocasionales en los géneros de acción y terror, logrando a menudo un sentido de estilo sobre sustancia. Las únicas películas de la calificación "A" en su haber fueron dos westerns protagonizados por John Wayne: ¨Comancheros¨ (1961) (como productor) y este ¨The big Jack¨ (1971). 

Las últimas películas hechas por Sherman fueron realizadas en España como "Buscame a esa chica (Find That Girl)", ¨La nueva Cenicienta¨ con Marisol como protagonista y ¨Joaquín Murrieta¨ con Jeffrey Hunter y Roberto Camardiel. 

En el caso de Big Jack no está acreditado pero parece que muchas escenas fueron rodadas, principalmente en México,  por el mismo John Wayne aunque eso no sé reflejó en los títulos de crédito, pero era lógico ya que la película en gran medida es producto de su productora Baltjac Productions siendo el productor Michael Wayne, junto a Cinema Center Films. 

La dirección artística uno de los grandes logos de la película ubicando la película en el tiempo, 1909, recayó en manos de Carl Anderson, mientras que el guion lo fue de Harry Julian Fink y Rita M. Fink. La música de un clásico como Elmer Bernstein mientras que el maquillaje lo fue de Dave Grayson, la fotografía de William H. Clothier, el montaje de Harry Gerstad, mientras que el vestuario lo fue de Luster Bayless y los efectos especiales recayeron en manos de Howard Jensen.  

La película se desarrolla en 1909 en los Estados Unidos. El salvaje oeste empieza a ser reemplazado por el mundo moderno con la aparición de los primeros coches, la cultura y el confinamiento garantizado de los indios en las reservas. Aun así todavía hay mucha violencia en el lugar. En 1909, cerca de la frontera entre México y Estados Unidos, Martha McCandles dirige un enorme rancho con la ayuda de sus hijos Jeff, Michael y James. 

Comienza de una manera brutal puesto que el rancho McCandles un rancho que se autogestiona y que dirige Martha McCandles (Maureen O'Hara ) la mujer de un antiguo hombre del Oeste conocido como Big Jake, que no ha visto a su esposa Martha desde hace 18 años, va a recibir la visita inesperada de una banda de forajidos, unos 10, liderada por John Fain (Richard Boone). La banda de Fain está integrada por los hermanos Fain, los hermanos Devries, John Goodfellow (Gregg Palmer) , Kid Duffy ( Dean Smith), Breed O'Brien (Glenn Corbett), Pop Dawson (Harry Csarey Jr)  y Trooper (Jim Burk).

Los bandidos asaltan la finca sin ningún tipo de reparo matando a gran parte de las personas que allí viven, siete en concreto. Uno de los hijos de la dueña, Martha, Jeff mata al mayor de los hermanos Devries, pero resulta gravemente herido; y trabajan y además secuestrando al pequeño Jacob McCandles (Ethan Wayne), hiriendo al hijo de la dueña del rancho, Jeff McCandles (Bobby Vinton ), padre del nieto de Big Jack (John Wayne), que en ese momento y desde hace nueve años vive su propia vida en el oeste.Antes de irse dejan una nota: quieren un rescate por un millón de dólares. 

Ya que por el chico los forajidos piden un rescate de un millón de dólares, Martha guarda el rescate en una caja fuerte, y delegados del Ejército de los Estados Unidos y de los Texas Rangers se ofrecen a llevársela. 

Martha decide, en cambio, mandar llamar a su esposo, Jacob "Big Jake" McCandles, a quien se cree muerto, pero que en realidad vaga por el oeste como pistolero. Jake llega con su perro, un cruce de Collie de pelo largo negro llamado simplemente "Dog", ante esto regresará de su retiro para transportar el mismo el dinero del rescate y asegurarse de que el pequeño regrese sano y salvo. 

En toda esa atmósfera el legendario Jack McCandles, que no ha visto a su esposa Martha desde hace 18 años, regresa a su hogar, y va en busca de una banda de forajidos bajo el mando de John Fain la que ha cometido una matanza en su hogar, herido a uno de sus hijos y secuestrado a su nieto menor de edad, Little Jack, que no conoce, para exigir un millón de dólares a cambio de su liberación. 

Pero Jake, un duro y veterano pistolero, no va a ir solo irá acompañado de dos de sus hijos ,James (Patrick Wayne) y Michael (Christopher Mitchum ), que llega en su moto todoterreno, además de Sam (Bruce Cabot ) un guía indio al que Jake conoce desde siempre. Y junto a ellos su perro al que llama así Perro. 

Michael McCandles llega en motocicleta con la noticia de que ha encontrado a los secuestradores. Martha decide permitirle a él y a su hermano mayor, James, partir con los Rangers en vehículos REO Runabout para intentar alcanzarlos. Jake desaprueba la idea y parte con la caja, una mula, caballos de carga y su anciano amigo apache, Sam Sharpnose, prefiriendo hacer las cosas a la antigua usanza. 

Los Rangers de Texas, representantes de la ley en el territorio, comandados por su Capitán Buck Duggan (John Doucette ) persiguen a los secuestradores en desvencijados automóviles, pero son vencidos tras una emboscada y un tiroteo, donde algunos rangers caen y los coches son destrozados dejando los vehículos fuera de servicio, Jake permite que sus dos hijos lo acompañen, aunque la relación entre ellos es tensa. 

Jack cabalga con un explorador indio, Sam Sharpnose (Bruce Cabot) que ha vivido con él durante su ausencia de su hogar, y se hace acompañar de sus otros dos hijos sanos y presuntamente lleva una caja con el dinero del rescate que le ha entregado su esposa. Sin embargo en la caja no hay dinero. Solo hay recortes de periódico, ya que el rescate no entra en los planes de ambos después de todo lo que hicieron y sabiendo Martha que él tiene las habilidades para acabar con los forajidos . Quieren rescatar a su nieto matando para ello a los forajidos.

John Fain, fingiendo ser solo un mensajero, intercepta al grupo y les advierte que unos bandidos ahora van tras la caja. Les dice que la banda matará a Little Jake si Big Jake (que se hace pasar por un sicario) no hace las cosas exactamente como ellos quieren. También organiza el intercambio en el pueblo de Escondero. 

Al llegar, el grupo se registra en un hotel - aunque a Sam , como comanche, no se lo permiten. Al perro, sí- y tiende una trampa a los bandidos. 

Durante el ataque, la caja fuerte se abre accidentalmente, revelando que el dinero ha sido reemplazado por recortes de periódico. Ambos chicos creen que Jake ha robado el dinero, hasta que Jake explica que ni él ni Martha tenían intención de pagarle a la banda de Fain después de que tantos habitantes del rancho McCandles resultaran muertos o heridos por eso Martha y John McCandless han decidido no dar el dinero del secuestro, poniendo en riesgo la vida del pequeño.

El abuelo Dawson llega con un mensaje para reunirse con la banda y entregarles el dinero en un antiguo fuerte a las afueras del pueblo. Les explica las condiciones: deben ir juntos y no intentar nada hasta que la banda se haya marchado con el dinero, ya que el francotirador de la banda, Duffy, está escondido lejos, apuntando con su rifle al pequeño Jake en todo momento. 

El gran Jake convence a Dawson de que Michael fue asesinado por los bandidos, así que él, James, Sam y Dog siguen a Dawson hasta el fuerte. Fain revela que es el cabecilla y reitera las amenazas de Dawson. 

Jake le lanza la llave a Fain mientras Michael se posiciona en lo alto de la vieja torre de agua del fuerte con su rifle. Justo cuando Fain abre el cofre y descubre el engaño, Big Jake abre fuego y mata a Will, el hermano de Fain, que sujeta a Little Jake. 

Michael elimina a Duffy, Sam mata a Trooper y James dispara contra Dawson, el joven Billy Devries y O'Brien, pero se rompe el brazo izquierdo. Fain y Big Jake se encuentran heridos y en un punto muerto tras sus respectivos escondites, y Big Jake le dice a su nieto que corra hacia James. Goodfellow ataca a Sam y a Dog con su machete, matando al indio, y persigue a Little Jake hasta un establo, donde Dog ataca a Goodfellow por segunda vez y muere. 

Big Jake, sin balas, huye y mata a Goodfellow con una horca en el establo. John Fain acorrala al abuelo y al nieto desarmados fuera del establo, pero Michael, bajando de su escondite, dispara a Fain desde detrás de un muro de piedra. 

Mientras Fain agoniza, Big Jake finalmente le revela su verdadera identidad, tanto a él como a Little Jake, quien nunca antes había conocido a su abuelo. Reunidos por fin, la familia reconoce su renovado vínculo y se prepara para regresar a casa. Después del enfrentamiento a muerte, en el que su nieto finalmente conoce a su abuelo, la familia decide volver luego a casa y Jack, que quedó levemente herido en la lucha, decide esta vez quedarse allí con su esposa. 

La película es un contraste entre lo antiguo y lo moderno y lo hace entre bromas y sarcasmos como cuando antiguos conductores de diligencias como el viejo y entrañable Hank ( Hank Worden) se han reconvertido en chóferes, "Para conducir automóviles las espuelas solo sirven de estorbo".

Escrita originalmente como El secuestro del millón de dólares, título que se utilizó para el rodaje, se filmó en México desde principios de octubre hasta principios de diciembre de 1970 en los estados mexicanos de Durango y Zacatecas, incluyendo escenas filmadas en la cascada El Saltito y en el Parque Nacional Sierra de Órganos.

En la película participan hijos y nieto de Wayne o de su amigo, Robert Mitchum. Patrick, hijo de John Wayne, interpreta a James McCandles. Christopher, hijo de Robert Mitchum, interpreta a Michael McCandles. Ethan, el hijo menor de Wayne, interpreta a Little Jake o habituales compañeros de reparto como Hank Worden o Harrey Carey Jr. o el mismo Bruce Cabot . 

Esta película fue la última de George Sherman en una carrera como director de más de 30 años, y la última de Maureen O'Hara con John Wayne, antes de su retiro de veinte años. 

Estamos ante un western crepuscular , con un John Wayne con 64 años, con algún toque de comedia, como cuando adquieren el mulo o con la conversaciones entre Jack y Sam , o con el uso del arma la Bergman-Bayard 1911, por parte de uno de sus inexpertos hijos en su manejo, que se desarrolla a inicio del siglo XX cuando ya coches y motos están sobre el oeste en el que ya aparecen algunas armas automáticas.

La película presenta una hermosa cinematografía , paisajes glamorosos y una banda sonora excelente. con buen ritmo, bellamente fotografiado en Panavision de William H. Clothier, sólidamente estructurado y con un reparto que funciona como un reloj con mención aparte para Richard Boone, en el papel de villano de turno. 

La película guarda cierto parecido con ¨Cahill US Marshal¨ (1973) de Andrew V. McLagen con Wayne reemplazando al malo George Kennedy por Richard Boone.

La mayoría de las escenas que muestran a John Wayne cabalgando desde la distancia fueron filmadas con Chuck Roberson sustituyendo a Wayne. 

A Bruce Cabot le sorprendió que le ofrecieran el papel de explorador comanche, un rol para el que sentía que no era apto, pero lo aceptó simplemente porque le gustaba trabajar con su amigo John. "

La película tuvo una recaudación fue de 7 500 000 dólares estadounidenses, debido al éxito de esta película, John Wayne fue número uno en la taquilla de Estados Unidos por última vez, momento en que el cáncer ya se manifestaba. 

La película tuvo un reconocimiento cuando obtuvo una nominación en los Premios Image (1971) a la mejor actriz que tiene un minúsculo papel, Virginia Capers. 

En cuanto a la crítica Howard Thompson, de The New York Times, animó a los espectadores a "aguantar" hasta el emocionante clímax, del cual el resto de la película era un "largo preludio" que "simplemente avanza tediosamente por el camino del rescate, con el protagonista siendo el mismo lacónico, además de los convencionales estallidos de violencia, así como el humor a caballo".

Gene Siskel, del Chicago Tribune escribió: "Con un poco de moderación, el último western de John Wayne, 'Big Jake', podría haber sido uno de los mejores recientes de la veterana estrella. El exceso más obvio, y esto es inusual para una película de John Wayne, es la violencia".

Arthur D. Murphy, de Variety, escribió que la película tenía "[u]n guion por encima del promedio, además de una excelente dirección del veterano George Marshall y una fotografía superior de William Clothire en locaciones mexicanas", pero era "gratuitamente violenta mucho más allá de los requisitos legítimos de la trama de acción".

Kevin Thomas, del Los Angeles Times, afirmó: "Decir que 'Big Jake' es un típico John Wayne Western lo dice todo. Sus fans deberían estar muy satisfechos con su probada y verdadera combinación de acción y comedia. 'Big Jake' apenas se distingue, pero ciertamente es entretenida."

Gary Arnold de The Washington Post la llamó "una especie de vehículo 'típico' de Wayne bastante insoportable" con "una corriente subterránea de venganza que estropea el humor aparente. Es obvio que se necesitan actores jóvenes para atraer a los espectadores más jóvenes y para realizar el tipo de acción física que requiere juventud y destreza, y que Wayne es demasiado visiblemente masivo y lento para lograrlo en estos días, pero se les trata casi exclusivamente como títeres... No hay ninguna buena razón por la que a los jóvenes protagonistas de una película de Wayne no se les deba permitir funcionar con al menos tanta importancia y dignidad como Ricky Nelson en 'Rio Bravo' o el joven actor que actuó junto a Joel McCrea y Randolph Scott en 'Ride the High Country' o, mejor aún, Montgomery Clift en 'Red River'."

En la británica The guardian se escribió que "Una historia medianamente entretenida de secuestro y rescate frustrado por Big John, que decae irremediablemente cuando llega el gran tiroteo". Ya en España, Fausto Fernández dice de ella que "Armas flipantes para un western a principios del siglo XX, una motocicleta con un Mitchum al mando y un John Wayne 70s todavía gigantesco y sin problemas para el incremento de violencia gráfica en el cine ". 

Allen Eyles de The La revista Monthly Film Bulletin declaró: "Otra celebración genial de la capacidad de Big John para llevar una película prácticamente él solo. Aunque cuenta con el apoyo del grupo de actores habituales que suelen aparecer en sus películas, así como de una buena parte de su familia, es la personalidad de Wayne —cuidadosamente plasmada en el guion— la que explica la mayor parte del disfrute". 

Shakespeare enamorado

Recuerdo haber ido al cine en el año 1998, o a inicios del 99, aunque no recuerdo bien la sala. Pudo ser los Multicines del Zoco, pero no lo puedo asegurar. Hoy los mismos no existen, para mi desgracia, y para todos aquellos que gustan ir al cine paseando y no  tener que tomar el coche. 

Recuerdo que en los programas de cine de la época recalcaban como en la época isabelina las mujeres tenían estrictamente prohibido subir al escenario, por lo que los papeles femeninos eran interpretados siempre por hombres jóvenes. El feminismo necesario y justo creciente, pero en su versión cercana al wokismo, comenzaba. La historia era así a finales del siglo XVI, juzgar lo de ese siglo con nuestros valores parece absurdo, tanto como la medida que se aplicaba. Era una época, otra época. 

Me imagino que fueron las nominaciones o las críticas favorables las que me llevaron junto a mi mujer al cine. Finalmente, la película fue ganadora en 1999 del Oscar a la mejor película, a la mejor actriz principal (Gwyneth Paltrow) y al mejor guion original (entre numerosos premios más).

Desde que la vi me pareció una películita, bien realizada, fenomenalmente interpretada, pero no dejaba de ser una emotiva comedia romántica de tintes dramáticos y un estudio sobre el amor y el proceso de creación con el teatro isabelino como telón de fondo. 

La cinta, que se convirtió también en la gran triunfadora en los Globos de Oro y los BAFTA de dicho año. Contó con Joseph Fiennes - un actor que ha ido a menos, de hecho, lo he visto hace poco interpretando a Southgate, el seleccionador btitánico- interpretando el papel principal del joven Shakespeare mientras que la Paltrow dando vida a su clandestina e inesperada musa. Una historia de sueños, pasión y pérdida en una época marcada por persecuciones, seducciones e intrigas. 

Shakespeare enamorado se estrenó el 11 de diciembre de 1998 en Estados Unidos, distribuida por Miramax Films, y el 29 de enero de 1999 en el Reino Unido, distribuida por Universal Pictures. 

En la producción aparece The Bedford Falls Company que aportó 25 millones de dólares y aparecen como productores David Parfitt, Donna Gigliotti, Harvey Weinstein, Edward Zwick y Marc Norman La película recibió elogios de la crítica, recaudó 289 millones de dólares con un presupuesto de 25 millones y fue la novena película más taquillera de 1998. 

Como ya he señalado, recibió numerosos galardones, entre ellos tres Globos de Oro (incluidos Mejor Película - Musical o Comedia y Mejor Actriz en una Película - Musical o Comedia para Paltrow), dos Premios del Sindicato de Actores (Mejor Reparto y Mejor Actriz para Paltrow) y cuatro Premios BAFTA (incluido Mejor Película). Ganó siete premios Óscar de trece nominaciones en la 71.ª edición de los Premios de la Academia: Mejor Película, Mejor Actriz para Paltrow, Mejor Actriz de Reparto para Dench, Mejor Guion Original, Mejor Banda Sonora Original, Mejor Dirección Artística y Mejor Diseño de Vestuario. 

La película narra un romance ficticio entre el dramaturgo William Shakespeare (Fiennes) y Viola de Lesseps (Paltrow) durante la escritura de Romeo y Julieta. Varios personajes están basados en figuras históricas, y muchos de ellos, diálogos y recursos argumentales aluden a las obras de Shakespeare. 

Shakespeare in love o enamorado está dirigida por John Madden y escrita por Marc Norman y Tom Stoppard y protagonizada muchos grandes actores y actrices británicos, que en las películas de época, son inigualables como son Gwyneth Paltrow, Joseph Fiennes, Geoffrey Rush, Colin Firth, Ben Affleck y Judi Dench.

Richard Greatrex fue el responsable de fotografía, siendo el montador David Gamble y cuenta con la música de Stephen Warbeck. 

La película comienza en el Londres del año 1593. El joven dramaturgo William Shakespeare (Joseph Fiennes ) sufre un bloqueo total. Por mucho que lo intenta, y a pesar de la presión que recibe de financieros y dueños de salas de teatro, no consigue inspiración para su nueva obra. Lo que Will necesita es una musa. 

En ese Londres Shakespeare era actor ocasional en la compañía teatral Lord Chamberlain's Men y dramaturgo para Philip Henslowe (Geoffrey Rush ) , propietario del teatro The Rose. 

Aquejado de bloqueo creativo con su nueva comedia, Romeo y Ethel, la hija del pirata, Shakespeare intenta seducir a Rosalina ( Sandra Reinton ), amante de Richard Burbage (Martin Clunes ), dueño del teatro rival Curtain, y convencerlo de que le compre la obra a Henslowe. 

Shakespeare recibe consejos de su amigo y rival, el dramaturgo Christopher Marlowe (Rupert Everett ) , pero se desanima al descubrir que Rosalina tiene una relación con el maestro de ceremonias Edmund Tilney (Simon Callow ). 

El desesperado Henslowe, en parte por los efectos de la peste en la ciudad, está endeudado, con el despiadado prestamista Hugh Fennyman (Tom Wilkinson), comienza las audiciones de todos modos. 

En una representación está presente Viola de Lesseps (Gwyneth Paltrow ) , la hija de un rico comerciante, atendida siempre por su ayudante o aya (Imelda Staunton ) que había visto las obras de Shakespeare en la corte y junto a la Reina Isabel I (Judi Dench ).

Para la audición de la nueva obra de Shakespeare ella, Viola , se disfraza de hombre con el nombre de Thomas Kent para la audición. Kent despierta el interés de Shakespeare con un discurso de Los dos hidalgos de Verona, pero huye cuando Shakespeare la interroga. Persigue a Kent hasta la casa de Viola y deja una nota con su nodriza, pidiéndole que comience los ensayos en el Rose. 

Shakespeare se cuela en un baile en la casa, donde los padres de Viola arreglan su compromiso con Lord Wessex (Colin Firth ), un aristócrata necesitado de dinero. 

Bailando con Viola, Shakespeare queda sin palabras. Al ser confrontado por Wessex, Shakespeare se presenta como Christopher Marlowe. Wessex expulsa a "Marlowe" y amenaza con matarlo. Shakespeare encuentra a Viola en su balcón, donde confiesan su mutua atracción antes de que su nodriza lo descubra y huya. 

Inspirado por Viola, Shakespeare transforma rápidamente la obra en lo que se convertiría en Romeo y Julieta. Comienzan los ensayos, con Thomas Kent como Romeo, el destacado actor trágico Ned Alleyn (Ben Affleck ) como Mercucio y el joven Fennyman, con gran talento para el teatro, en un pequeño papel. Después de que Shakespeare descubre la verdadera identidad de Viola, comienzan un romance secreto. 

Mientras tanto,  Viola es convocada a la corte para obtener la aprobación de su propuesta de matrimonio con Wessex. Shakespeare la acompaña, disfrazado de prima de su niñera, y persuade anónimamente a Wessex en público para que apueste 50 libras a que una obra de teatro puede capturar la verdadera naturaleza del amor, la cantidad que Shakespeare necesita para comprar una participación en la compañía teatral Chamberlain's Men. La reina Isabel I declara que juzgará el asunto. 

Burbage se entera de que Shakespeare ha seducido a Rosalina y le ha estafado el pago por la obra, y provoca una pelea en el Rose con su compañía.

Los actores del Rose repelen a Burbage y sus hombres y celebran en el pub, donde un Henslowe borracho le confiesa a Viola que Shakespeare está casado, aunque separado de su esposa. 

Poco después llega la noticia del asesinato de Marlowe. Un Shakespeare atormentado por la culpa supone que Wessex mandó matar a Marlowe, creyendo que era el amante de Viola, mientras que Viola cree que Shakespeare es la víctima. 

Shakespeare aparece en su iglesia, tranquilizando a Viola y aterrorizando a Wessex, quien cree que es un fantasma. Viola confiesa su amor por Shakespeare, pero ambos reconocen que no puede eludir su deber de casarse con Wessex. 

John Webster, un muchacho desagradable que merodea por el teatro, jugueteando con unos ratones, espía a Shakespeare y Viola mientras hacen el amor e informa a Tilney, quien clausura el Rose por infringir la prohibición de actrices. 

La identidad de Viola queda al descubierto, dejando a Shakespeare sin escenario ni actor principal, hasta que Burbage ofrece su teatro y el desconsolado Shakespeare acepta el papel de Romeo. Tras su boda, Viola se entera de que la obra se representará ese mismo día y huye al otro teatro al norte de la ciudad, el Curtain. 

Oye que el joven que interpreta a Julieta no puede actuar, pues le ha cambiado la voz, y Henslowe le pide que lo sustituya. Ella interpreta a Julieta junto al Romeo de Shakespeare ante un público extasiado. 

Justo después de que la obra haya terminado, Tilney llega para arrestar a todos por indecencia debido a la presencia de Viola, pero la Reina se revela entre los asistentes y lo detiene, fingiendo que Kent es un hombre con un "notable parecido" a una mujer. 

Incapaz de disolver un matrimonio legítimo, ordena a Viola que zarpe con Wessex hacia Virginia. La reina también le comunica a Wessex, de quien Webster revela que ha seguido a Viola al teatro, que Romeo y Julieta ha ganado la apuesta para Shakespeare, y le pide a Kent que le entregue sus 50 libras a Shakespeare con instrucciones de escribir «algo más alegre la próxima vez, para Noche de Reyes». 

Viola y Shakespeare se despiden, y él jura inmortalizarla, imaginando el comienzo de Noche de Reyes, donde aparece una mujer llamada Viola disfrazada de hombre tras un viaje a una tierra extraña. La idea como una mujer que desembarca en una playa desierta, mientras van saliendo los títulos de crédito.

La idea original de Shakespeare in Love fue sugerida al guionista Marc Norman a finales de la década de 1980 por su hijo Zachary. Norman escribió un borrador del guion que presentó al director Edward Zwick, el cual atrajo a Julia Roberts, quien aceptó interpretar a Viola. Sin embargo, a Zwick no le gustó el guion de Norman y contrató al dramaturgo Tom Stoppard para mejorarlo (el primer gran éxito de Stoppard había sido con la obra de teatro basada en Shakespeare, Rosencrantz y Guildenstern han muerto). 

La película entró en producción en 1991 en Universal, con Zwick como director, pero aunque la escenografía y el vestuario estaban en construcción, aún no se había elegido al actor para el papel de Shakespeare, ya que Roberts insistía en que solo Daniel Day-Lewis podía interpretarlo. Day-Lewis no estaba interesado, y cuando Roberts no logró convencerlo, ella se retiró de la película seis semanas antes de que comenzara el rodaje.

Zwick y el estudio intentaron realizar pruebas de química entre Roberts y varios actores desconocidos, entre ellos Hugh Grant, Ralph Fiennes, Jeremy Northam, Rupert Graves, Colin Firth y Sean Bean, pero Roberts faltó a las reuniones o les encontró defectos a todos. 

Tras una última prueba de pantalla con Paul McGann, Roberts se retiró de la producción, lo que Zwick atribuyó a la inseguridad que sentía ante la presión por tener éxito en el papel.

La producción se paralizó y Zwick no logró convencer a otros estudios para que se interesaran por el guion. La cancelación de la película le costó a Universal 6 millones de dólares. 

Finalmente, Zwick consiguió que Miramax Films se interesara por el guion, pero Miramax eligió a John Madden como director en lugar de Zwick, quien en su lugar ejerció como productora. El jefe de Miramax Films, Harvey Weinstein, también fue productor. Que el presidente de un estudio se atribuyera el crédito de productor provocó una gran polémica en la industria, lo que dio lugar a la llamada «Regla Harvey», que estipula que, para obtener el crédito del Sindicato de Productores, un productor debe haber desempeñado un papel fundamental en la realización de la película. Para justificar su crédito, Harvey afirmó que se había ausentado de sus funciones ejecutivas en Miramax para trabajar en esta película, lo que Mark Gill, veterano ejecutivo de Miramax Films, calificó de «una completa farsa».

Weinstein convenció a Ben Affleck para que interpretara un pequeño papel como Ned Alleyn.A Kate Winslet se le ofreció el papel de Viola tras el éxito de Titanic, pero lo rechazó para dedicarse al cine independiente. Winona Ryder, Diane Lane y Robin Wright también fueron consideradas para el papel principal. 

El rodaje principal comenzó en marzo de 1998 y finalizó en  junio de 1998. La película fue considerablemente modificada tras las primeras proyecciones de prueba. La escena de Shakespeare y Viola en la barca se volvió a filmar para hacerla más emotiva, y se regrabaron algunos diálogos para aclarar las razones por las que Viola tuvo que casarse con Wessex. 

El final se filmó varias veces, hasta que Stoppard finalmente concibió la idea de que Viola le sugiriera a Shakespeare que su despedida podría inspirar su siguiente obra.

Entre los lugares utilizados en la producción se encontraban Hatfield House, Hertfordshire (para la escena de los fuegos artificiales), el Castillo de Broughton, Oxfordshire (que representó la mansión de los de Lesseps), la playa de Holkham en Norfolk, la capilla del Eton College, Berkshire, y el Gran Salón del Middle Temple, Londres. 

Gran parte de la acción de la película evoca la de Romeo y Julieta. Will y Viola recrean las famosas escenas del balcón y el dormitorio; al igual que Julieta, Viola cuenta con una ingeniosa nodriza y está separada de Will por el deber (aunque no por la enemistad familiar de la obra: se supone que las "dos familias" de Romeo y Julieta están inspiradas en los dos teatros rivales). Además, ambos amantes están igualmente marcados por el destino: no están destinados a estar juntos (ya que Viola proviene de una familia de comerciantes ricos y ambiciosos, y está prometida en matrimonio con Lord Wessex, mientras que Shakespeare es pobre y ya está casado). Rosalina, de quien Will está enamorado al principio de la película, lleva el mismo nombre que el interés amoroso de Romeo al comienzo de la obra. 

Hay referencias a versiones cinematográficas anteriores de Shakespeare, como la escena del balcón que imita la versión de Romeo y Julieta de Zeffirelli. Muchos otros recursos argumentales utilizados en la película son comunes en las comedias shakespearianas y otras obras de la época isabelina: el monarca que se mueve sin ser reconocido entre el pueblo ,  los disfraces de travestismo, las identidades equivocadas, el duelo de espadas, la sospecha de adulterio, la aparición aparente de un fantasma (cf. Hamlet y Macbeth) y la «obra dentro de la obra». 

Según Douglas Brode, la película retrata con destreza muchos de estos recursos como si los acontecimientos representados hubieran inspirado el propio uso que Shakespeare hizo de ellos en sus obras. 

Christopher Marlowe es presentado en la película como el maestro dramaturgo a quien los personajes consideran el más grande dramaturgo inglés de la época; esto es históricamente preciso, pero también humorístico, ya que el público de la película sabe lo que finalmente le sucederá a la reputación de Shakespeare. Marlowe le da a Shakespeare un argumento para su siguiente obra, «Romeo y Ethel, la hija del pirata». Se cita repetidamente el Doctor Fausto de Marlowe. También se hace referencia a la última obra inconclusa de Marlowe, La masacre de París, en una escena donde Marlowe (Rupert Everett) le pide a Richard Burbage (Martin Clunes) que le pague por el acto final. Burbage promete pagarle al día siguiente, por lo que Marlowe se niega a entregar las páginas y parte hacia Deptford, donde muere.

El niño John Webster (Joe Roberts), que juega con ratones, es una referencia a una figura destacada de la siguiente generación de dramaturgos, la jacobina. Sus obras (La duquesa de Malfi, El diablo blanco) son conocidas por su "sangre y violencia", a lo que el niño hace referencia humorísticamente al decir que disfruta de Tito Andrónico, y también al decir de Romeo y Julieta, cuando la reina le pide su opinión: "Me gustó cuando ella se apuñaló a sí misma".

Asimismo, el barquero del Támesis que transporta a Shakespeare a la finca de Robert de Lesseps, y trata de obtener la opinión de Shakespeare sobre su propia escritura, hace referencia a John Taylor. 

La película «no se ve limitada por preocupaciones sobre la precisión literaria o histórica» e incluye anacronismos, como una referencia a las plantaciones de tabaco de Virginia, en una época anterior a la existencia de la Colonia de Virginia.

Otra licencia histórica concierne al tema central de la lucha de Shakespeare por crear la historia de Romeo y Julieta, mientras que en la vida real simplemente adaptó una historia ya existente. Arthur Brooke tradujo al inglés el relato en verso italiano La trágica historia de Romeus y Julieta en 1562, 32 años antes de la obra de Shakespeare, Romeo y Julieta. 

Uno de los personajes principales es un conde de Wessex, un título que en la época de Shakespeare no existía desde hacía más de 500 años. El Sunday Telegraph informó que el príncipe Eduardo, tercer hijo de Isabel II, se sintió atraído por el condado de Wessex, que se convirtió en su título al casarse, después de ver la película y conocer al personaje, y eso, según The Sunday Telegraph, el Príncipe Eduardo que iba a ostentar el título de Duque de Cambridge tras su matrimonio con Sophie Rhys-Jones en 1999, un año después del estreno de la película. Sin embargo, tras ver Shakespeare enamorado, se sintió atraído por el título del personaje interpretado por Colin Firth y solicitó a su madre, la Reina Isabel II, que se le otorgara el título de Conde de Wessex, recuperándose así el título. . 

De ella los críticos han escrito con más o menos satisfacción. En Gran Bretaña Quentin Curtis en el Telegraph valora la película "En su matrimonio de farsa y sentimiento, hay una magia innegable, un espíritu cómico que puede llamarse con certeza Shakespeariano. (...) 

Ian Nathan en Empire consideró que "Esto es posmodernismo sin pretenciosidades, una obra de época sin la pomposidad (...) La inteligencia de 'Shakespeare In Love' no aliena (...). 

Time Out valoró la película como una " (...) muestra su superficialidad con buen humor y el reparto merece gran parte del reconocimiento (...) Es el inteligente guion de Tom Stoppard el que la hace tan satisfactoria" 

En la BBC, William Gallagher escribió que "Es una comedia alegre y muy inteligente (...) Todo el reparto está excelente (...)" En The Guardian Alex von Tunzelmann dejó negro sobre blanco que "La entretenida versión de John Madden del proceso creativo de Shakespeare hace suficientes alusiones ingeniosas para contentar a todos excepto a los estudiantes de Shakespeare más rigurosos" 

En Radio Times, Lorien Haynes escribió que era "Una película que es apasionada, inteligente e histéricamente divertida (...) 

En los Estados Unidos críticos como  Janet Maslin, del New York Times, incluyó la película en su lista de "Recomendaciones de la Crítica del NYT", calificándola de "puro encanto". Según Maslin, «Gwyneth Paltrow, en su primera gran interpretación protagonista, crea una heroína tan impresionante que resulta totalmente creíble como la inspiración del dramaturgo». Janet Maslin además en estas páginas del The New York Times consideró que la película "Introduce con inteligencia el lenguaje y la emotividad de Shakespeare en un romance glamuroso y embriagador." 

Roger Ebert, del Chicago Sun Times escribió: «El humor contemporáneo (como la taza de café de Shakespeare, con la inscripción "Recuerdo de Stratford-upon-Avon") hace que la película parezca una competencia entre Masterpiece Theatre y Mel Brooks. Luego, la película incorpora una dulce historia de amor, intrigas palaciegas, política entre bastidores y algunos momentos encantadores de Romeo y Julieta... ¿Es una película o una antología? Me daba igual. Me dejé llevar por el ingenio, la energía y una dulzura sorprendente». 

En otro diario de Illinois como el Chicago Reader en el que escribía Lisa Alspector consideró que "Su inteligente relación con lo que se conoce y lo que no está resuelto es en parte lo que la hace tan intrigante y romántica".

Keith Phipps de AV Club valora el film al decir que era "Una película entretenida pero bastante ligera (...) 'Shakespeare In Love' ofrece lo que promete".

Lael Loewenstein en Variety la describió como "Exquisitamente interpretada, dirigida con firmeza y ensamblada de forma impresionante." 

En la revista Rolling Stone, Peter Travers escribió que "No te puedes perder una película que habla el lenguaje del amor con tanta pasión y deleite. 

Stephen Hunter en The Washington Post aseveró que "La película se convierte en algo único y mágico: un texto sobre un texto que está lleno de vida (...) ¡Es posmoderna y divertida a la vez! 

En línea opuesta a los demás está la opinión del cineasta canadiense David Cronenberg que criticó la película diciendo que «me molestó mucho» porque era «cine deconstructivista, pero también es solo Romeo y Julieta otra vez». 

Ya en España Carlos Boyero entonces en El Mundo calificó la película como "Obra maestra; maravillosa, espléndida". 

En El País, Ángel Fernández Santos consideró que era un "Agradable pasaratos, pero menos de lo que parece" y en este mismo diario, 

Omar Khan, consideró que era una "Película delicada y conmovedora de demostrada capacidad para seducir y complacer a todos (crítica y público), su eficacia radica en su capacidad narrativa y en su historia de amor, sin intenciones historicistas" .

Para terminar y acabar con la película reconozco que sí recuerdo donde fui a ver otra película de aquel año 1998 que me impactó y que creo que sí tuvo que ganar el Oscar a la mejor película. Se trata la de Salvar al Soldado Ryan que sí que recuerdo haberla vista en el Zoco. No entiendo como Shakespeare in love obtuvo la victoria como Mejor Película o como Judi Dench se llevó el galardón interpretando a la reina Isabel I apareciendo únicamente unos ocho minutos en toda la cinta, y como compitió y venció a la gran favorita de la crítica: Salvar al soldado Ryan de Steven Spielberg. No hay color en favor de la de Spielberg.

Amaya

Luis Marquina fue un director español nacido en Barcelona (1904) - y que murió en Madrid (1980), y está considerado como uno de los artesanos cinematográficos españoles cuando tuvimos nuestra floreciente industria cinematográfica. 

En sus inicios fue ingeniero de sonido, pero Luis Buñuel  le dio la oportunidad de rodar su primera película: Don Quintín el amargao (1934), basada en la obra de Carlos Arniches. 

Marquina fue escritor, productor y director, y tuvo una prolífica carrera, escribiendo y dirigiendo todo tipo de géneros con inclinación por el musical y la comedia; también realizó varias coproducciones internacionales. 

Entre sus obras destacan El chismoso (1938), La viudita naviera (1962), Asedio del terror (1970), ¡Backfire!. Crucero de verano, Su hermano y él, Malvaloca, Torbellino, El capitán veneno, Noche fantástica, Ventolera, Navidades en Junio, Fabuloso fraude, Adiós Mimí Pompón, Maribel y la extraña familia. Aunque curiosamente iba a dirigir Amaya años antes Arturo Ruiz Castillo. El rodaje fue bastante accidentado y se interrumpió durante casi un año por cuestiones económicas. Por suerte, casi todo el equipo estuvo disponible para continuarla. José Luis Merino fue ayudante de dirección

Amaya fue uno de sus éxitos. Es una película del año 1952 que comienza con una cartela que dice que los primeros vascos nacidos en los montes de España procedían de una tribu, llegada de Oriente, y regidas por Aitor. Cuantas generaciones se sucedieran conservarían el respeto casi fanático al patriarca Aitor ya cuanto él estableció. Tal fanatismo se convirtió solo en ley de tradición cuando aquellas gentes empezaron a convertirse al cristianismo. 

Aitor trajo de Oriente un fabuloso tesoro, pero temeroso de que su posesión sembrada el odio en la discordia entre los suyos, antes de que se creara un verdadero pueblo , lo escribió celosamente prohibiendo que nadie usara de él mientras no se extinguiera la línea masculina de sus descendientes directos. El secreto del escondite pasaba de padres a hijos sin que ninguno osara violar la consigna de Aitor decretó. 

Por mandato del patriarca su primera descendiente femenina sería la dueña de tal tesoro, la heredera de sus derechos patriarcales como y si se casaba, sería su marido el primer rey de los vascos, pudiendo ambos disfrutar del tesoro para bien de su súbditos. 

Llama la atención que empiece así esta película de la productora valenciana CIFESA y cuenta con José Bodalo como Teodosio entre sus actores pero que también cuenta con Rafael Luis Calvo como Eudonio, Julio Peña Iñigo García y con Susana Canales como la bella Anaya. Así otros como Pedro Porcel como Vladimiro, Ramón Elías como Hermano Paconio, Armando Moreno como Capitán Munio, Porfiria Sanchiz como Amagoya y muchos más, entre ellos colabora igualmente Manolo Morán.

La película se inspira en la novela de de Francisco Navarro Villoslada del año 1879 de título: ‘Amaya o los vascos en el siglo VIII’ y en la ópera de JM Arroitajauregui, del año 1920, con libreto de José María Arroita Jáuregui siendo adaptada y teniendo un guión literario escrito por José Luis Albéniz y Jesús Azkarreta. El guión técnico es de Luis Marquina. 

La banda sonora fue creada por Jesús Guridi basada en la ópera del mismo autor e interpretada por profesores de la orquesta sinfónica de Madrid y en la película igualmente aparece un baile representativo de la cultura vasca, la  Espatadatza, que fue a cargo del grupo de danzas Batz Alai de la Juventud Antoniana vinculada con los padres franciscanos y con Irala Barri de Bilbao.

La fotografía fue la voz de José F. Aguayo y Heinrich Gärtner y los exteriores aparenmtemente  se rodaron en el País Vasco siendo el responsable de cámara Eloy Mella. El montaje fue labor de Magdalena Pulido. Le ofrece el producción fue Felipe Mayo y los exteriores Enrique de Lama. El vestuario sigue los bocetos de Iturribarria Legorburu y fueron confeccionados por Peris hermanos.  Gran parte de la película se rodó en los estudios de Sevilla films siendo objeto jefe general de sonido Jaime torrens y el jefe neto de sonido Gabriel Basagañas. 

Cogió el crédito sindical que fue concebido por el sindicato Nacional de espectáculos y colabora Producciones Cinematográficas HudeSA. 

Se trata de una curiosa película de aventuras medievales ambientada en los tiempos de los Reyes nuevos, antes de iniciarse en la Reconquista. El escenario es el norte de España donde godos y vascos viven en continuo enfrentamiento hasta que Pelayo los une en una lucha común contra los infieles. 

La historioa previa es nuestra gran desconocida a la hora de ver la película. El príncipe godo Ranimiro (Pedro Porcel) se casa con Paula, descendiente del patriarca vasco Aitor. Fue el patriarca Aitor el que trajo consigo un fabuloso tesoro, que ocultó para evitar conflictos entre sus súbditos. Debía ser entregado únicamente a su primera descendiente femenina, que será la hija del vasco y el godo Ranimiro . Ese brazalete cuyo tesoro simboliza tradición de los vascos y que guarda en su interior un lema "El fin es el principio" , es ambicionada por Amagoya, hermana de Paula, que quiere ser la reina de los vascos. Pues bien, Ranimiro y Paula, tiuvieron una hija a la que llaman Amaia. Por la constante pugna y peleas en que vive  vascos y godos es incendiado el palacio de Aitor, en cuyo accidente muere Paula y el marido de Amagoya, pero se salva Amaya. Esto es lo que sabemos pero nos enteramos a lo largo de la película. 

Ranimiro es acusado de haber provocado el incendio, pero más tarde nos enteramos que realmente fue el marido de Amagoya.

En un momento dado, caso al inicio de la película, el príncipe godo Ranimiro y su hija Amaya caen emboscados por los vascos y son hechos hechos prisioneros. La intención de quien ha guiado el ataque, Iñigo Diaz de Amezkua (Julio Peña ) es que sea juzgado por el Consejo de Ancianos, y está a punto de ser condenado a muerte. 

Pero es la persona que dirige el ataque, uno de los señores vascos Íñigo , quien arrestó a Ranimiro, se enamora de su hija Amaya; mientras que el auténto líder, el joven hijo del señor de Goñi, Teodosio de Goñi (José Bódalo), se niega a esto, ya que ha jurado vemnganza por la quema del palacio de Aitor. 

Este intenta impedir la unión entre vascos y godos, pero cuando Ranimiro está a punto de ser condenado a muerte, es cuando llega Pelayo (Rafael Arcos), sobrino del rey Rodrigo, anunciando la invasión de los infieles, y los vascos deciden ir a la lucha por la cruz contra los invasores. Como señala Amaya en un momento de la película "No peligra el imperio, la religión peligra", tal es la proclama la descendiente de Aitor ante el ataque de las fuerzas musulmanas. Los godos y los vascos que han abandonado los ritos paganos para abrazar la fe cristiana deben abandonar sus luchas intestinas y hacer frente al enemigo común. 

Entonces Pelayo, lugarteniente y sobrino del rey visigodo Don Rodrigo, llega anunciando la invasión de los infieles y llamando a los vascos a luchar por la cruz contra los invasores infieles. 

Mientras todo esto ocurre el Señor de Goñi  que presionado por su odio y el de su hijo Teodosio, conspiran para acabar con Ranimiro, pero para desgracia de Teodosio, en una noche de tormenta, está dispuesto a ejecutar su sentencia de muerte así que disàra a un hombre pensando que es un godo resultando ser su padre.

Esto lleva al líder vasco a retirase a una cueva, a renunciar a la guerra y a la jefatura de los vascos, siendo ahora Iñigo quien reuna las mejores condiciones para ellos. Y todo esto ocurre cuando quieren alcanzar el trono su ambiciosa tía, la pagana Amagoya (Porfiria Sanchiz), mientras que en Pamplona, los judíos y el duque de Cantabria (Rafael Luis Calvo) también intentan hacerse con el poder. 

Sin embargo, el caudillo vasco Íñigo que se ha enamorado perdidamente de  Amaya, y tras no pocas peripecias, esta y su marido Íñigo son proclamados reyes de baskonia. 

Rodada en San Lorenzo del Escorial, la película presenta la exuberante y lujosa cinematografía de Enrique Guerner y José F. Aguayo. A pesar de los créditos iniciales que revelan que se rodó en exteriores  del País Vasco y Navarra, la película en realidad se rodó cerca de Madrid.

Jesús Azcarreta y José Luis Albéniz escribieron un guion muy enrevesado, muy declamatorio, con múltiples personajes y demasiados incidentes, resultando en una adaptación pesada que no resulta del todo entretenida ni especialmente bien desarrollada. 

Como era típico de la época, se enfatiza el poder de la cruz, la oración y el espíritu religioso, y gracias a todo ello, los diversos pueblos de España se unen para derrotar al invasor infiel. Todo esto se ve realzado por un vestuario de época algo inapropiado y los habituales decorados de papel maché. 

La historia coherente con el espíritu dominante de una España oficialmente católica, exalta la nobleza, la fe cristiana y el orgullo del pueblo vasco, además de su amor a España en ese período de tiempo en que tuvieron conflictos con la monarquía goda de Don Rodrigo (Rodericus), quien fue traicionado por algunos de sus socios hispanos por lo que el imperio se perdió después de la Batalla del Río Guadalete (711 a.C.), y los resilientes guerreros católicos españoles tuvieron que trasladarse al norte de España para unir sus fuerzas .

"¡Odios, luchas y traiciones en la gigantesca epopeya de una raza! Magnífica visión histórica del siglo VIII, en un apasionado relato novelesco". Así rezaba la publicidad del Teatro Coliseo Albia de Bilbao, allá por agosto de 1954.

El Drácula de Coppola revisado

Me encanta está historia de amor y muerte que pude ver, fascinado, en un cine de Pontevedra como ya comenté en una entrada anterior. . Recuerdo igualmente que fui a una sesión llena de adolescentes impresentables que si bien molestaron de lo lindo, no me impidió apreciar de que estaba ante una obra de arte. 

El Drácula de Coppola (1992) es una adaptación visualmente fastuosa y romántica de la obra de Bram Stoker. Transformó el terror clásico en una trágica historia de amor reencarnado, destacando por el uso de efectos prácticos en cámara en lugar de imágenes generadas por ordenador sino que logró su aspecto gótico y teatral utilizando efectos prácticos tradicionales:. En lugar de ser solo un monstruo, el Drácula de Oldman es un ser trágico impulsado por la pérdida de su amada esposa en el siglo XV.Se trata de la historia de amor trágica que lleva a Drácula (Gary Oldman), en el siglo XV, a renegar de Dios y convertirse en un vampiro que guarda eterno luto a su amada, hasta que 400 años después observa que ella se ha reencarnado en una joven inglesa, Mina Murray (Winona Ryder), prometida de Jonathan Harker (Keanu Reeves), el huésped en el castillo de Transilvania que está preparando al Conde los papeles para instalarse en su nueva residencia de Londres.  

La película fue ganadora de 3 Premios Óscar (Mejor maquillaje, Mejor diseño de vestuario y Mejores efectos de sonido). Como anécdota curiosa señalar que durante la escena de la boda en Rumania, utilizaron a un sacerdote real, por lo que tanto Keanu Reeves como Winona Ryder han bromeado a menudo sobre estar realmente casados "ante los ojos de Dios".

Gary Oldman se entregó por completo al papel mediante un proceso físico y psicológico extremo en el que estaba presente el aislamiento, al recluirse de todo el reparto durante el rodaje para proyectar una energía de soledad y misterio absoluto. Un papel importante fue el uso de su voz dinámica, ya que trabajó con instructores de canto para bajar su voz una octava completa, logrando el tono cavernoso del viejo conde. Papel fundamental es el maquillaje tortuoso que le hacía pasar hasta seis horas diarias en la silla de maquillaje para las prótesis del Drácula anciano. además le permitió todo ello superar una fobia , ya que el actor sufría de una fuerte aversión a las prótesis completas, pero la superó usando técnicas de meditación. 

El compositor polaco Wojciech Kilar, como ya destaqué en su momento en una entrada, creó una de las partituras más icónicas del cine gótico en los que estaba presente el poder Coral al utilizar cantos en latín y armonías disonantes para transmitir el horror de la inmortalidad. Por supuesto está presente el tema de amor creando una melodía desgarradora con cuerdas y maderas para simbolizar la tragedia de Drácula y Mina. Y el legado musical pues parece ser que su obra influyó tanto en la cultura pop que su tema principal fue sampleado por bandas de metal y música gótica. Por último destacar la cnción de Cierre durante los créditos, "Love Song para un Vampiro", interpretada por Annie Lennox. el vestuario de la japonesa Eiko Ishioka (de cuyo trabajo se recuerda con frecuencia la asombrosa armadura muscular que Drácula luce en el prólogo, así como el atuendo rojo que porta en el castillo) o el maquillaje y peluquería de Michèle Burke tuvieron importante responsabilidad. 

Cada escena de la película tiene un diseño, una planificación y un montaje que evoca a soluciones formales del cine clásico (por ejemplo, proyecciones de rostros de personas en las que alguien está pensando, sobrepuestas en un lado del cuadro) pero también a la voluntad vanguardista de creación de lenguaje que la generación del Nuevo Hollywood, de la que Coppola fue punta de lanza, exhibió en sus momentos más ambiciosos. En este sentido, el uso de una intensa y colorida iluminación guiando el tono de la historia o los inestables decorados que, durante la acción, se desintegran y reconfiguran puede considerarse la revancha del director tras su vilipendiado experimento ‘Corazonada’ (1982). 

Coppola y el guionista James V. Hart aprovechan la coincidencia temporal de la ficción de Bram Stoker, situada en la última década del siglo XIX, con la invención del cinematógrafo, aparato por el que el Conde Drácula, en su llegada a Londres, demuestra gran interés.. Una maravilla.

Como señala Jaime Lorite en Fotogramas la película fue "una adaptación distanciada de las versiones cinematográficas previas que, entre otros hitos, logró cambiar la percepción de un personaje tan asentado en el imaginario popular como el del Conde Drácula, tanto a nivel temático, al hacer de él un antihéroe romántico capaz de pronunciar la frase “He cruzado océanos de tiempo para encontrarte”, como a nivel estético".

El legado del ‘Drácula’ de Coppola también pasa por la reinserción en el canon de una desacomplejada carga erótica, hasta entonces más propia de películas de vampiros minoritarias o de explotación: todo lo soterrado y sugerente se materializa aquí sin apenas ambages, incluso con escenas de bestialismo. Parte del fondo religioso del libro parece conservarse en el tratamiento del personaje de Lucy Westenra (Sadie Frost), una “concubina de Satán” a ojos del doctor Abraham Van Helsing (Anthony Hopkins), a quien se presenta como mucho más liberada que otras mujeres de la época victoriana… y se ve sancionada narrativamente por ello. 

La película logró un rotundo éxito internacional, con una recaudación de más de 200 millones de dólares, y batió el récord que entonces ostentaba ‘Regreso al futuro II’ (1989) como mejor estreno en un mes de noviembre en EE UU. precisamente en una película en la que Coppola ajustó su ‘Drácula’ al presupuesto previsto de 40 millones, entregar la película en el plazo acordado y rodar en estudio con la esperanza de tener mayor control del entorno.

No me chilles, que no te veo

La comedia estadounidense de los años 80 está considerada como una época dorada que definió un antes y un después en el género. Se caracterizó por el humor absurdo, el nacimiento de la comedia gamberra adolescente y el salto al estrellato de grandes cómicos que combinaban humor con acción y ciencia ficción.Fue la década de humoristas "gamberros" que venían de la televisión, de programas como Saturday Night Live, destacando figuras como Eddie Murphy, Bill Murray, Chevy Chase y Dan Aykroyd. En estos años 80 se estableció el estilo de comedia de gags visuales rápido o el inicio de la comedia adolescente (Teen Comedies) con directores como John Hughes que marcaran a toda una generación con historias sobre el instituto, las fiestas, el paso de la adolescencia,... o aparecen comedias que dejan de ser producciones menores y se convierten en auténticos éxitos masivos, mezclándose con otros géneros como el de aventuras o fantasía con ejemplos claros son Los cazafantasmas o Regreso al futuro. 

También en esta década se consolidan actores que ya estaban asentados en el sistema. Sin pestañear, como el personaje de Wally , aquí Richard Pryor, puedo asegurar que está película ochentera, que en su versión original llevaba por título See No Evil, Hear No Evil, en la estética y en la música, siendo dirigida por Arthur Hiller en 1989. Los protagonistas eran dos cómicos del momento como Richard Pryor y Gene Wilder, estrellas absolutas durante la década - ambos ya desaparecidos, uno en 2005 y otro en 2016, y junto a ello un jovencito  Kevin Spacey y una bellísima y posteriormente desaparecida del mapa, Joan Severance.

Arthur Hiller recurre a una estructura clásica de comedia para contarnos la historia de no me chilles que no te veo en la que unos personajes que se ven y mis cuidas sin comerlo ni beberlo en la ilícita manipulaciones de una banda criminal presidida por un ciego y que consiguen escapar sano y salvos tras arriesgar su vida en innumerables avatares y peripecia. 

El director artístico de la película fue James T. Singelis en esta producción de Marvin Worth para TriStar Pictres que invirtió en ella 18 millones de dólares. La película contó con el guion de Earl Barret, Arne Sultán, Eliot Wald, Andrew Kurtzman, Gene Wilder.  Contó con la música de un The Police como Stewart Copeland, la fotografía de Víctor J. Kemper, el montaje de Robert C. Jones y el vestuario de Ruth Morley.

Se trata de una comedia alocada que fue en la tercera en la que se dieron una cita Richard Pryor y Gene Wider después de El expreso de Chicago de 1976 y de Locos de remate de 1981.

Wallace "Wally" Karew (Richard Pryor), un ciego, y David "Dave" Lyons (Gene Wilder), un sordo. Conocemos a uno y a otro en la calle, dando muestras de su personalidad. Wally, bronco y malhablado, y Dave, un hombre que no quiere asumir sus minusvalía. 

Ambos se conocen cuando Wally solicita un trabajo en el quiosco de periódicos de Dave en la ciudad de Nueva York. Después de un breve período de confusión y antagonismo, Wally y Dave se vuelven buenos amigos y parece compenetrarse. Dave lee los labios y guía a Wally cuando viajan, y Wally le cuenta a Dave sobre las fuentes invisibles de sonido y lo que la gente dice a sus espaldas. 

En un bar local, Wally derrota a un matón agresivo en una pelea a puñetazos con la ayuda de Dave, quien usa las direcciones del reloj para decirle a Wally dónde está su oponente. Dave contrata a Wally. 

Una mañana, mientras Wally esta esperando afuera por los periódicos del día, un hombre entra en la tienda de Dave y compra un periódico. Cuando el hombre es abordado por una hermosa mujer llamada Eve (Joan Severance), rápidamente saca una moneda de oro de un compartimento secreto de su maleta y la coloca en una caja de puros llena de monedas sobre el mostrador. La mujer coge la maleta y en el forcejeo dispara accidentalmente al hombre en el estómago mientras Dave, quien está de espaldas, leyendo el prospecto de una caja de antiácidos, no ve ni escucha el tiroteo, pero si ve de espaldas las piernas de Eve cuando esta sale de la tienda. Wally, que escuchó el disparo, entra en la tienda y tropieza con el cadáver del hombre. Dave luego se apresura a ayudar a Wally y coge el arma, que Eve dejó encima del cadáver. Cuando llega la policía, encuentran a Dave y Wally de pie junto al cuerpo con Dave sosteniendo el arma. 

Antes de ser arrestados, Dave le pide a Wally que recoja el dinero de la caja de cigarros. En la comisaría, Dave y Wally son interrogados por el capitán Emile Braddock (Alan North), un detective que inmediatamente les desagrada y los convierte en sus principales sospechosos debido a su relativa inutilidad como testigos. 

Cuando Eve y su cómplice Kirgo (Kevin Spacey), con la esperanza de recuperar la moneda, llegan para rescatarlos haciéndose pasar por abogados, Wally reconoce el perfume de Eve y Dave reconoce sus piernas, pero Braddock los ignora cuando insisten en que ella es la asesina. 

Deseando evitar a Eve y Kirgo cuando sean liberados, Dave y Wally escapan de la comisaría de policía, pero los criminales pronto los encuentran. Eve saca la moneda del bolsillo de Wally y telefonea a su jefe, el Sr. Sutherland (Anthony Zerbe) para recibir instrucciones, lo que le permite a Dave conocer los planes de los criminales leyendo sus labios. Cuando Kirgo intenta matar a Dave y Wally, usan el método de la pelea a puñetazos que aprendieron en el bar para dejarlo inconsciente. 

Luego roban un coche de policía y se van, mientras Eve, Kirgo y Braddock los persiguen. Trabajando juntos para guiar el coche patrulla, Dave y Wally evaden tanto a la policía como a los criminales, pero accidentalmente lanzan el coche a una barcaza de basura transportada por el agua. Después de esconder el coche de la policía, los dos hombres caminan hasta un motel y llaman por teléfono a la hermana de Wally, Adele (Kirsten Childs) para pedir ayuda. 

La policía sigue a Adele y registra su habitación de motel, pero ella, Wally y Dave consiguen esconderse y se marchan después de que la policía se haya ido. 

Habiendo leído incorrectamente los labios de Eve, Dave cree que necesitan encontrar a una mujer llamada «Grace George», pero Adele se da cuenta de que Eve debe haberse referido a un centro turístico llamado «Great Gorge». En el resort, Wally se hace pasar por un doctor visitante sueco. 

Mientras tanto, Dave se cuela en la habitación del resort para robarle la moneda a Eve. Mientras Dave busca en su bolso, Eve sale de la ducha vestida solo con una toalla. Dave tiene una erección enorme y Eve lo confunde con un arma. Al darse cuenta de esto, Dave hace que Eve levante las manos y suelte la toalla dejándola completamente desnuda. Luego Dave mira a Eve y sale de la habitación. 

Mientras tanto, Adele distrae a Kirgo chocando su coche contra el de él. Al mismo tiempo Wally debe dar una conferencia sobre la sexualidad femenina en la tercera edad. 

Después, Kirgo y Eve secuestran a Adele y la llevan a la finca de Sutherland. Después de un percance con el coche, Dave y Wally ponen en marcha su plan de rescate, con el resultado de que Adele escapa pero los dos hombres son capturados. 

En su mansión, Sutherland, que también es ciego, revela que la moneda es un superconductor a temperatura ambiente, que es extremadamente valioso. Kirgo y Sutherland mueren durante una discusión sobre compartir las ganancias del robo de la moneda, después de lo cual Dave y Wally escapan del estudio y tienen un altercado violento con Eve y su piloto de helicóptero. 

Cuando llega la policía, los delincuentes restantes son arrestados y Wally y Dave son liberados después de haber sido absueltos de todos los cargos. 

Poco después, los dos protagonistas van a un parque local y repiten la escena del comienzo de la película arrojándose cucuruchos de helado en la cabeza del otro. 

La película se estrenó en Estados Unidos el 12 de mayo de 1989. La productora TriStar Pictures estaba buscando producir otra película protagonizada por Wilder y Pryor, pero Wilder solo aceptó protagonizar la película si se le permitía reescribir el guion. 

El estudio estuvo de acuerdo y See No Evil, Hear No Evil se estrenó en mayo de 1989 con una buena recaudación, que alcanzó los los 47 millones de dólares. Pero las críticas en su mayoría fueron negativas. 

Muchos críticos elogiaron las actuaciones de Wilder, Pryor y Kevin Spacey, pero en su mayoría estuvieron de acuerdo en que el guion era absolutamente terrible.

Roger Ebert del Chicago Sun Times de Illinois lo llamó «un verdadero fracaso». En otro diario de Illinois, el Chicago Reader , Dave Kehr comenta que es "Un extraño mejunje: una comedia de mal gusto con un gran corazón". 

Kevin Thomas de Los Angeles Times escribió que se trataba de una "Comedia enérgica, ingeniosa y divertida que reúne felizmente a Richard Pryor y Gene Wilder" En el Deseret Morning News describió la película como «estúpida», con un guion «idiota» que tenía un «historia y demasiados chistes juveniles»

Por otro lado, el columnista del New York Times , Vincent Canby, lo llamó «con mucho el vehículo coprotagonista más exitoso para el Sr. Pryor y el Sr. Wilder», mientras también reconocía que «esta no es una película elegante y no todos los chistes son igualmente ingeniosos», aunque termina señalando que nunca han trabajado mejor juntos. 

Jay Carr del Boston Globe señalaba que la película era "Un revoltijo estúpido con más guionistas que risas". Y ya en España , Miguel Ángel Palomo en El País afirmaba que " Sólo para fans del dúo, que alguno hay".

Su siguiente película juntos, No me mientas que te creo de 1991, fue un fracaso de taquilla además de crítica y, a la postre, fue la última colaboración de Pryor y Wilder juntos