El Menú

Acabo de descubrir en Twitter que hoy comienza un evento gastronómico. De hecho así aparece en esta red ahora llamada X: "¡Hoy comienza “Eat Spain México 2026”! Desde el 21 de septiembre al 4 de octubre, se podrá descubrir la gastronomía, los alimentos y las bebidas de España a través de promociones, degustaciones y experiencias en varios establecimientos de CdMx. La comida y la cocina hoy son auténtica Marca España. 

¿Quién me lo iba  a decir? Mi abuela tuvo un bar. Era una gran cocinera. Como vasca que era, y por haber estado sirviendo como muchas mujeres a inicios del siglo XX, manejaba como nadie la cocina. Su bacalao y, en mi memoria, guardo sus boquerones en vinagre, imposibles de igualar, eran toda una referencia local. 

La vida da muchas vueltas y yo, como profesor que he sido, tuve la fortuna de impartir clase en la antigua Formación Profesional de Hostelería. Allí di con aspirantes a cocineros, algunos, a día de hoy, han conseguido su reconocimiento y su estrella Michelin. 

Recuerdo que en clase yo enfocaba la materia para hacer la clase atractiva y lo hacía a través de una Historia de la alimentación que casi tuve que sacar de la nada apoyándome en los poquitos textos que de eso había en aquel momento. Menos más que podía tirar del Bueno para Comer de Marvin Harris o de otros que ahora no recuerdo. 

Hoy las cosas han cambiado. Recuerdo que una vez les leía los alumnos y alumnas un texto sobre Paul Bocusse. Ese día algunos alumnos aprendieron que podía aspirara ser un gran chet y tener un gran reconocimiento profesional. 

¡Qué poco se parece el papel de aquellos y aquellas humildes personas que se movían en la cocina a los de ahora! ¡Qué poco se parecen sus platos! ¡Qué endiosamiento tienen algunos chefs! Pensemos en la Guía Michelin y sus estrellas. La actual consideración de los restaurantes referenciados por Michelin tienen a su favor el hecho de su reconocimiento aporta valor tanto al sector gastronómico como a los comensales a través de la estandarización de la calidad, el impulso económico y la visibilidad global de la excelencia culinaria. Los principales aspectos positivos de su reputación actual está en la calidad de los ingredientes, en poner en valor el dominio de la técnica culinaria, el potenciar o buscar la armonía de los sabores, en reconocer el buen trabajo permanente y la personalidad del chef. Esto parece asegurar al cliente un estándar confiable sin importar el país. La llegada de la guía o la consecución de una estrella a un local de una ciudad lo pone en un punto de mira y lo acerca al turismo de alta gama, algo que beneficia al sector hoteleros, y , por extensión , a los transportes y comercios locales. El prestigio de una distinción motiva a los equipos de cocina y servicios a mantener la excelencia, investigar nuevas técnicas y preservar las tradiciones culinarias locales. Parece ser que en los últimos años, la guía ha diversificado su enfoque, otorgando estrellas no solo a la alta cocina clásica, sino también a puestos de comida callejera, bistrós locales y conceptos vanguardistas. Además en este mundo lo sostenible tiene su peso y la introducción de la Estrella Verde Michelin premia preventivamente a los restaurantes con prácticas eco-responsables, promoviendo el respeto al medio ambiente y los productos de proximidad.

Pues a qué viene todo esto, pues lo cierto es que he visto la película The Menu es una película estadounidense que se mueve entre la comedia, terror y suspenso, que es del año 2022 y que fue dirigida por Mark Mylod y escrita por Seth Reiss y Will Tracy . 

La película fue producida por Adam McKay, Betsy Koch y Will Ferrell para las `productoras Alienworx Productions, Hyperobject Industries contando con la distribución de Searchlight Pictures, y la Disney+. Manejó un presupuesto de $30 millones.

En el apartado técnico  la película tiró de la fotografía de Peter Deming , el montaje de Christopher Tellefsen  y la música de Colin Stetson que compuso la banda sonora, lanzada por Milan Records en noviembre del 22, coincidiendo con el estreno de la película. 

La película está protagonizada por Ralph Fiennes , Anya Taylor-Joy, Nicholas Hoult, Hong Chau,  Janet McTeer , Judith Light y  Juan Leguizamo en los principales papeles. 

La película comienza cuando un sibarita Tyler Ledford (Nicholas Hoult ), un auténtico enamorado de la cocina y con dinero, lleva a su cita, una chica con la que parece tener una relación, Margot Mills (Anya Taylor-Joy ), a Hawthorn , un restaurante exclusivo sito en una isla privada regentada por el famoso chef Julian Slowik (Ralph Fiennes ) . 

Para acceder a la isla hay que tomar un pequeño barco en el que ya le sirven un aperitivo que Tyler fotografica curiosamente, aunque tomar fotos  está expresamente prohibido. Entre los demás comensales que van en el barco se encuentran la crítica gastronómica Lillian Bloom (Janet McTeer) y su editor Ted Feldman (Paul Adelstein ), los adinerados clientes habituales Richard y Anne Liebrandt (Reed Birney y Judith Light , respectivamente) , una estrella de cine en decadencia George Diaz (John Leguizamo) y su asistente personal Felicity Lynn (Aimee Carrero ) , los socios comerciales Soren (Arturo Castro) , Dave (Mark St. Cyr ) y Bryce, que trabajan para el inversor de Slowik, Doug Verrick, y la madre alcohólica de Slowik, Linda (Rebecca Koon). 

La jefa de sala. Elsa (Hong Chau ) , les recibe amablemente y les ofrece un recorrido por el restaurante y detecta que Margot no es la invitada original de Tyler, una tal Sra. Westerbelt. 

Tras un breve paseo por la isla, mientras ven como marisquean ostras , el frigorífico de maduración de la carne o el exterior de la casa del chef, comienza la cena y Slowik, desde el primer momento, les presenta una serie de platos cada vez más inquietantes que generan cierta tensión entre los comensales,y todo ello mientras el sumiller (Peter Grosz ) va describiendo y sirviendo el vino para el maridaje, mientras se hace gala de que no habra pan. 

Para el tercer plato, verdades incómodas sobre cada comensal se graban con láser en tortillas. En este caso la tensión va a más, puesto que saca una imegen de Tyler haciendo la foto al aperitivo, una crítica feroz de Lilliam, una comprometida foto del señor Liebrandt, o una cuenta de resultados en las islas Caiman del trío de gestores. El malestar va en aumento. 

El sous-chef Jeremy Louden se suicida al comienzo del cuarto plato, y cuando Richard Liebrandt intenta marcharse, el personal le corta un dedo como advertencia a los demás. Disgustado por la intromisión en el negocio del propietario,  Verrick, Slowik ordena que lo ahoguen delante de los comensales. 

El quinto plato comienza con Slowik dejándose apuñalar en la entrepierna por Katherine, una empleada a la que acosó sexualmente en un par de ocasiones. En este plato, las mujeres cenan con Katherine mientras que a los hombres se les da la oportunidad de escapar de la isla, pero el personal de Slowik los atrapa a todos; Ted, el último en ser capturado, recibe un plato de huevos Passard como recompensa. 

En este momento,  Slowik explica que los invitados fueron invitados porque o bien le hicieron perder la pasión por su oficio o bien explotaron a artesanos culinarios como él, y afirma que todos estarán muertos al final de la noche. 

Dado que la presencia de Margot no estaba planeada, Slowik le llama en privado la opción de morir con el personal o con los invitados. Cuando ella duda, él elige al personal, al sospechar que ella yambién trabaja para el sector servicios como señorita de compañía, algo que ella reconoce. Margot admite ser una escort llamada Erin, entre cuyos clientes se encontraba Richard, quien la contrató para que se hiciera pasar por su hija. 

Slowik revela que Tyler fue informado de que los invitados serían asesinados, pero estaba tan desesperado por experimentar el restaurante que contrató a Margot para reemplazar a su exnovia porque Hawthorn no admite comensales solitarios. 

Invitado a cocinar por Slowik, Tyler prepara apresuradamente un plato que el mismo improviosa con puerros, chalotas y cordero, pero que para el chef resulta tan poco halagador que no está a la altura de sus pretensiones que Slowik lo humilla y le susurra al oído, lo que provoca que un Tyler abatido y derrotado abandone la cocina. 

Slowik envía a Margot al ahumadero de carne a buscar un barril necesario para el postre, pero encuentra a Tyler, quien se ha ahorcado avergonzado. 

Al colarse en la vivienda de Slowik, Margot es atacada por una celosa Elsa, que teme que Margot la reemplace, lo que resulta en una pelea donde Margot apuñala mortalmente a Elsa. 

Margot ve un premio enmarcado al empleado del mes que muestra a un joven y feliz Slowik cocinando hamburguesas. También encuentra una radio y pide ayuda antes de regresar al restaurante con el barril. 

Un oficial de la Guardia Costera que dice llamarse Dale (Matthew Cornwell ) llega, convenciendo a los clientes de que están a salvo, pero se revela como uno de los cocineros de Slowik disfrazado. 

Tramando un plan, Margot acusa a Slowik de cocinar por obsesión en lugar de por amor a la comida. Se queja de que el plato no fue de su agrado y que todavía tiene hambre. Pide una simple hamburguesa con queso y patatas fritas, que Slowik disfruta preparando personalmente. 

Después de disfrutar un bocado, Margot pide llevarse la comida para llevar . Slowik la empaqueta, le da una bolsa de regalo y la deja marchar. 

La cena ha culminado pero falta el plato postrero. Para el postre inspirado en los s'mores , el personal decora el restaurante con salsas y galletas Graham trituradas, y viste a los comensales con estolas de malvavisco y  chocolate industrial. Slowik prende fuego al restaurante, detonando el barril y matándose a sí mismo, al personal y a los comensales. 

Mientras escapa en la lancha de la Guardia Costera, Margot observa el fuego, come su hamburguesa con queso y se limpia la boca con una copia del menú acabando así este menú nada palomitero. 

El origen de esta película está en el momento en que Will Tracy cenó en Cornelius Sjømatrestaurant , un restaurante en una isla cerca de Bergen , Noruega, durante su luna de miel y más tarde le sugirió a Seth Reiss una historia inspirada en la experiencia. 

Varias figuras del mundo de la alta cocina fueron contratadas como consultoras para la película, incluyendo a la chef Dominique Crenn , quien recreó varios platos de su restaurante Atelier Crenn de San Francisco para el restaurante ficticio Hawthorn, y al director de segunda unidad David Gelb , quien fue contratado para recrear el estilo de realización cinematográfica de su docuserie de Netflix Chef's Table . 

En abril de 2019 se anunció que Alexander Payne dirigiría la película, cosa que finalemnte no fue. En diciembre de 2019, el guion apareció en la Black List anual , una encuesta que muestra las películas más populares que aún están en desarrollo. 

Para mayo de 2020, Searchlight Pictures tenía los derechos de distribución, y Payne había abandonado la película debido a conflictos de agenda, siendo Mark Mylod reemplazado como director. 

Meses antes, en abril de 2019, se anunció que Emma Stone y Ralph Fiennes protagonizarían The Menu . En junio de 2021, Anya Taylor-Joy inició negociaciones y fue confirmada en julio para reemplazar a Stone, quien se había marchado debido a compromisos con otros proyectos; poco después se sumaron Hong Chau y Nicholas Hoult y se unieron al elenco ese mismo mes como también hará John Leguizamo ,   Janet McTeer ,  Judith Light ,  Reed Birney , Rob Yang , y Aimee Carrero se unieron en septiembre.  En octubre, Paul Adelstein , Arturo Castro , Mark St. Cyr, Rebecca Koon y Peter Grosz fueron confirmados como parte del elenco. 

El rodaje comenzó el 3 de septiembre de 2021 en Savannah, Georgia , con el director de fotografía Peter Deming y el editor Christopher Tellefsen . Entre las localizaciones de rodaje se incluye la costa de Jekyll Island . 

The Menu se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 10 de septiembre de 2022,   y también tuvo su estreno en Estados Unidos en Fantastic Fest ese mismo mes. en un buen número de salas de cine, el estreno más amplio en la historia de Searchlight.  La película se lanzó en plataformas digitales en enero de 2023.

La película The Menu recaudóun total mundial de 79,6 millones de dólares. Críticos y comentaristas observaron que Hawthorn de The Menu satirizaba varios restaurantes de alta cocina de la vida real, incluidos los postres estilizados de Alinea , la bolsa de granola de Eleven Madison Park , la pesca del propio pescado del restaurante en Fäviken , la "severidad escandinava" de Noma y la remota ubicación en una isla del Willows Inn. 

Fue bien valorada por distintas asociacioes de críticos como las de Georgia, Hollywood, Londres o San Diego y nominada en los  80ª Globos de Oro  al mejor actor principal  (Ralph Fiennes) , Mejor actriz principal (Anya Taylor-Joy). También el Sindicato de Guionistas (WGA) la nominó al Mejor guion original (Seth Reiss, Will Tracy).

En los 51 Saturn Awards 2023 la nominación fue al Mejor thriller , Mejor dirección (Mark Mylod) ,  Mejor guión (Seth Reiss, Will Tracy) , Mejor actriz (Anya Taylor-Joy) , Mejor actor (Ralph Fiennes) ; y en los 27 Satellite Awards (International Press Academy) la nominación fue al Mejor actor principal - (Ralph Fiennes).

En cuanto a la crítica Ann Hornaday del The Washington Post escribió sobre ella que era "Una elegante sátira sobre el elitismo, los excesos capitalistas y la cultura gastronómica fetichista (...) 

Valerie Complex de Deadline consideró que "'The Menu' aporta una inquietante sátira sobre la división de clases y cómo los ricos son un pozo sin fondo de necesidades que nunca serán satisfechas (...) El elenco de estrellas está en perfecta sintonía" 

Tasha Robinson de Polygon vio "Una deliciosa película de suspense (...) Hay cierta tensión mientras los espectadores esperan a ver cómo se desarrolla todo, pero Mylod y los guionistas también sugieren que vale la pena reírse un poco de todos los implicados" 

Meagan Navarro , habitual de Bloody Disgusting , dijo de ella que "Aunque esta comedia de horror sofisticada e irónica te tienta con un festival para los sentidos y un atractivo reparto coral, a su sátira le falta mordacidad (...)" 

Owen Gleiberman de Variety consideró que "Todos los actores son divertidos, pero los dos protagonistas (lo siento, no puedo resistirme) son tan buenos que resultan deliciosos" 

Chase Hutchinson de Collider declaró que "La comida cinematográfica que se prepara aquí es familiar, pero tan carente de sustancia que querrás enviarla de vuelta a por algo mejor" 

Christian Blauvelt de  IndieWire "'The Menu' considera que la película " hace una cosa excepcionalmente bien: capta tu atención y te hace pensar durante un tiempo que todo es posible. Solo eso ya es algo que hace que uno salive" E

Lovia Gyarkye de The Hollywood Reporter destaca que la película "Se prodiga en oportunidades para despojar al emperador de su ropa, y aunque eso no necesariamente se traduce en la más reveladora de las reflexiones sociales, es una experiencia entretenida" 

En Vanity Fair Esther Zuckerman señala que "No es lo que esperas: es mejor (...) Esta sátira sobre el mundo de la comida erupciona en una guerra de clases, pero lucha contra los estereotipos a cada momento"  

Charles Bramesco de The Playlist considera que "Todo lo que hay en el menú de 'The Menu' parece bastante bueno, pero una vez que su enmohecida perorata contra el uno por ciento ha sido completamente repartida, es evidente que no queda mucha carne en el asador" 

En la progresista Slant Wes Greene dice de ella que es "Divertida, sangrienta pero desigual (...)"

Para el británico Peter Bradshaw del The Guardian estamos ante "Un thriller 'foodie' oscuramente cómico, que resulta sabroso, aunque poco hecho (...) Tiene algunos momentos fantásticamente ridículos (...) 

Por su parte, Siddhant Adlakha en las páginas de Empire afirma que "Puede que no sea muy creativa ni emocionante, pero la película rara vez es aburrida (...) 

Wendy Ide de Screendaily destaca que "El enrarecido mundo de la alta cocina no es precisamente un objetivo difícil de satirizar, pero esta comedia deliciosamente salvaje de Mark Mylod hace que cada amargo bocado cuente (...) Vigorosamente rencorosa y muy divertida" 

Ya en España Javier Ocaña columnista de El País afirma que este "Entretenido ‘thriller’ de cocina (...) es una experiencia cercana a lo teatral, sucesivamente inquietante, procaz, graciosa, cruel y macabra. De limitada profundidad, pero efervescente. (...) imaginativo guion" 

Para Oti Rodríguez Marchante en ABC "Estamos ante una película con punta, aunque no se vea claro a dónde señala, pero con gracia y algo de elegante suspense, y con buenos duelos de miradas entre Fiennes y Taylor-Joy. (...) " 

Desde Barcelo, Quim Casas , de El Periódico considera que la película "Plantea un juego ingenioso, pero atropellado. (...) Hay más suspense que viandas selectas (...) tras crear un cierto interés general, el filme se pierde en pequeñas cuitas individuales. (...)" 

Santiago Alverú de Cinemanía considera que la película "Es el reverso tenebroso que, sin negar la artesanía o el sentimiento detrás de un menú minimalista merecen ver todos aquellos que se excitan ante un fenómeno de dudosa integridad. (...) " 

En  Fotogramas Ricardo Rosado describe El Menú como algo que  "[Nos engancha] más por el uso del glutamato monosódico que por una presentación a la que le falta un postre casero que compartir en redes. ¿Volverás? Probablemente. (...)

Como crítica satírica hacia este mundillo la he visto y he de reconocer que el mundo de la cocina es muy complejo. Lo primero desde el punto de vista de los chefs es que hay una gran presión psicológica que puede afectar a su salud mental. Hay un auténtico "síndrome del inspector" según el cual muchos chefs permiten que terminen cocinando de manera encorsetada pensando en agradar a los inspectores anónimos en lugar de buscar la felicidad directa del cliente. La búsqueda de la perfección milimétrica y el estrés crónico han propiciado históricamente horarios extenuantes y, en ocasiones, dinámicas de trabajo abusivas o hiperagresivas bajo la excusa de la alta exigencia. Parece ser que grandes figuras del sector culinario han optado por devolver sus estrellas o cerrar sus negocios para priorizar su salud mental y recuperar la libertad en la cocina. Por otro lado, algo que se describe en la película puede haber incluso una falta de libertad culinaria y que , al final, cocines lo que otros quieren valorar pero no con lo que tú te sientas cómodo. 

Por otro lado, y para ir terminando hay que reconocer que por cada estrella, un comensal de mediana capacidad económica se retire del local pue muchas personas no pueden permitirselo, o , al menos, piensa que esta experiencia gastronómica no es para ellos. Además la estrellita, el sol o lo que sea puede desgraciadamente aumentar los costes o, incluso, dispararlos. Lo que si está claro es que mantener los estándares exige vajillas de diseño, un ratio de personal altísimo (a veces hay más cocineros y camareros que mesas), ingredientes de lujo y reformas constantes. Esto reduce excesivamente el margen de beneficio. Se suma a esto una especia de inflación colateral, ya que al ganar la distinción, los proveedores suelen subir los precios de la materia prima y los propietarios de los locales tienden a incrementar los alquileres, asumiendo que el restaurante ahora genera fortunas así que se despide la clientela habitual, y puede llegar el momento del engolamiento ante algo que no deja de ser subjetivo, incomprensible y todo ello adornado por una tradición o una historia como la gastronómica que pudo ser pero que , seguro, fue diferente. 

Uno de cualquier manera puede y debe disfrutar de todo lo que un buen restaurante le presente. Es una experiencia, por lo general, cara, con maridaje de vino, carísima, - al menos eso me parece- , pero que hay que disfrutarla , en la misma medida que yo disfrutaba del bacalao de mi abuela, de los boquerones en vinagre que ella hacía y que estuve años sin probar cuando ella murió, o de lo mucho y bien que cocinaba mi otra abuela, pues todavía no he encontrado a nadie que repita sus tortitas de garbanzos o sus riñones al Jérez. !!!Puro delicatessen!!!    

El secreto de Marrowbone

Desconocía la existencia de esta película dirigida por un español Sergio Gutiérrez Sánchez en el año 2017 que fue estrenada y que fue una de las películas españolas más taquilleras del año 2017 con más de siete millones de euros recaudados. 

Se trata de un thriller de terror escrito y dirigido por el mismo director con el que debutó como director de largometrajes. Tenía una larga trayectoria como guionista de películas entre ellas Palmeras en la nieve o lo imposible y Sergio Gutiérrez Sánchez ganó el Goya al mejor guión original en el año 2007 por el orfanato dirigida por José Antonio Bayona y que de alguna manera se remite por momentos también la película. Precisamente José Antonio Bayona ejerce aquí el papel de productor de la película implicando también a Telecinco, junto a Starz Entertainent. 

La película se desarrolla en la costa este de los Estados Unidos. En 1968, una señora, Rose Fairbairn lleva a sus cuatro hijos: Jack, Jane, Billy y Coco desde Inglaterra hasta su hogar de la infancia, la Residencia Marrowbone, en una zona rural de Maine. 

Nada m,ás llegar a la casa familiar, que ella recordaba en mejores condiciones, marca una línea en el suelo y les dice que a partir de entonces usarán el apellido "Marrowbone", su apellido de soltera. 

La familia vive en una armonía y solidaridad ante el pasado que desconocemos y siempre están juntos. Un día mientras se dirigen a la playa topan con una chica local llamada Allie, que vive en una mansión cercana, pero alejada en el espacio y se hace amiga de ellos. 

Sin embargo, la salud de la madre, Rose,  empeora y muere, dejando a Jack, el mayor, a cargo de sus hermanos. 

Antes de morir, Rose hace que Jack le prometa que se mantendrán juntos y que ocultarán la noticia de su muerte hasta que él pueda convertirse en su tutor legal cuando cumpla los 21 años. Todavía les queda un tiempo para ello. 

Poco después, un hombre aparece en la propiedad y dispara contra la ventana, no sabemos quien es, pero se puede suponer que es de la persona que huye: su padre. 

Seis meses después, los hermanos aún viven en la casa, con los espejos cubiertos para protegerse de un "fantasma" en el desván del que el pequeño Billy es especialmente temeroso.

Un día, Jack va al pueblo para conseguir lo necesario y corteja a Allie, quien trabaja en la biblioteca, mientras oculta su pasado. Tom Porter, un joven abogado del pueblo que administra la herencia de los Marrowbone, está enamorado de Allie, pero no es correspondido. Tom que encuentra a Jack en la biblioteca que regenta Allie le dice a Jack que recogerá el pago y la firma de Rose para finalizar la transferencia de la propiedad. 

Desesperados por dinero y temiendo que Tom descubra la muerte de su madre, los hermanos deciden usar la caja con el dinero de su padre y falsificar la firma de Rose en los documentos. 

Tras varios incidentes, comienzan a creer que el "fantasma" del padre ha regresado, y eso que fue encerrado en el ático y dejado para morir de hambre después de encontrarlos. 

Mientras tanto, Tom intenta convencer a Allie de irse a Nueva York con él, donde empezará a trabajar en una gran firma de abogados, pero Allie rechaza sus avances. 

Antes de irse, él le entrega información sobre el pasado de la familia Marrowbone. Allie descubre que su padre, Simon Fairbairn, era un asesino en serie , que abusó de su hija y que fue condenado y posteriormente escapó de la cárcel. 

Mientras tanto, Jane está convencida de que Simon sigue vivo. Tom se entera de que su nuevo empleador ya no busca un empleado, sino un socio. Le ofrecen una participación en la firma, algo que no puede pagar. Tom cree que los hermanos Marrowbone tienen más dinero, así que chantajea a Jack. 

Billy confronta a Jack por lo de Simon y le insta a que aborden el asunto juntos, pero Jack sufre una convulsión. Jane decide que deben contarle la verdad a Allie. 

Los hermanos organizan un encuentro con Allie en el lugar apartado donde se conocieron por primera vez, pero Allie solo encuentra el diario de ellos. Lo lee y descubre que Simon encontró la casa hace seis meses, y que Jack encerró a sus hermanos en el ático para mantenerlos a salvo. Jack intentó devolverle la caja de dinero a Simon, quien lo llevó al lugar apartado, pero allí su padre lo arrojó por un acantilado y lo dejó inconsciente. Cuando Jack recuperó el conocimiento, regresó a la casa solo para descubrir que Simon había asesinado a sus hermanos. 

Tras tapiar el ático con ladrillos, Jack, devastado, se preparó para suicidarse, pero desarrolló múltiples personalidades de sus hermanos para convencerse de que aún estaban vivos, cubriendo todos los espejos de la casa para no recordar que estaba solo y evitando subir al ático por la misma razón. 

Mientras tanto, Tom llega a la casa y descubre la entrada al ático tapiada, convencido de que el dinero está escondido allí. Derriba la pared, pero Simon lo ataca. Allie va a la casa Marrowbone y encuentra a Jack discutiendo con las personalidades de sus hermanos. Ella intenta hacerlo reaccionar, pero él la rechaza, incapaz de aceptar la muerte de sus hermanos. Al ver las pertenencias de Tom, Allie sube al ático y encuentra los cadáveres momificados de los hermanos de Jack, junto a Tom, que agoniza. 

Simon la ataca mientras ella llama a las personalidades alternativas de Jack para pedir ayuda. Finalmente, Jack permite que "Billy" tome el control y mata a Simon. 

Tiempo después, Allie cuida de Jack tras su salida del hospital psiquiátrico. Ella ignora la recomendación del médico de asegurarse de que Jack tome su medicación, sabiendo que Jack es más feliz cuando cree que sus hermanos siguen vivos y bien.

Rodaba en inglés este cuento gótico con inquietante caserón espejo cubiertos y fantasmas esta protagonizada por George McKay, protagonista de la película 1917, Anya Taylor Joy, que se dará a conocer por gambito de gama, Charlie Heaton, una de las caras más reprensibles de strangers things, Mia Goth, coprotagonista en Emma precisamente con Anya, y pequeño Matthew Stagg.

Esta película estuvo nominada al Goya a lo mejor dirección Nobel en el año 2018. Se proyectó en la sección de presentaciones especiales en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2017. La película fue estrenada en España el 27 de octubre de 2017 por Universal Pictures. Fuera del país fue comercializada bajo el título de Marrowbone.. 

La película ha recibido críticas mixtas, algunas malas y otros, bastantes,  positivas. Al ser una película española comenzara con la crítica de nuestro país. Jordi Costa, habitual columnista de El País , escribió - parece ser que en la revista Fotogramas-  que la película «tiene energía, solvencia técnica y rasgos de originalidad, pero también sus problemas (...); se requiere al espectador tener una excesiva manga ancha en cuestiones de punto de vista (...)». 

Carlos Boyero en El País crítica no vio gran cosa positiva y señaló "Aquí solo percibo monotonía narrativa, un esforzado intento con resultado vano de transmitir emoción, lirismo y miedo." y añadió que "Tiene energía, solvencia técnica y rasgos de originalidad, pero también sus problemas (...) se exige al espectador tener una excesiva manga ancha en cuestiones de punto de vista (…)  

Luis Martínez de El Mundo escribió que "Construida sobre una intuición. Y con ella, vibra. (...) una sabia y elaboradísima película (...) es una cinta virtuosa y hasta feliz (...)" 

El habitual de ABC, Oti Rodríguez Marchante nos dijo que "Tanto sorprende «El secreto de Marrowbone» por su potencia visual y su preciso mecanismo, como, también, por su falta de pegada emocional (...) y por su innecesaria caída en ciertos clichés de género (…) " 

Beatriz Martínez de El Periódico afirmó que "El director sabe cómo manejar el choque entre realidad y fantasía, pero cae en la trampa del efectismo (…) " 

Carlos Loureda de Fotogramas señaló que "Es una historia con pegada, con mucho empaque visual y que coquetea con el terror psicológico y con los dramas familiares y psiquiátricos" 

Janire Zurbano de Cinemanía aseveró que "Intenta abarcar tantos géneros (terror, drama, amor, thriller), giros de guion y subtramas, que termina siendo asfixiada por esa ambición. (…)" 

Para Fausto Fernández, con el que discrepo en esta ocasión,  " Su director se enfada mucho cuando le comentan que El secreto de Marrowbone es A las nueve cada noche de Jack Clayton con faltas de ortografía, pero es que es así. Calificando la película como gótico artrítico opinando que la película se quedaba en un quiero y no puedo ser con innecesarios giros, concluyendo con un "Puro aburrimiento".  

En los Estados Unidos John DeFore, de The Hollywood Reporter, dijo que «presenta algo conocido y profundamente satisfactorio (...) Es lo suficientemente aterradora como para agradar a los fanáticos del género».

Matt Fowler de IGN escribió que "Aunque titubea constantemente, no sabe qué tipo de historia quiere contar (...) 'Marrowbone' es irrisoriamente manipuladora" 

Tina Hassannia para la web de rogerebert.com destaca "La elaboración tiene elementos satisfactorios, pero es algo irrelevante en una película tan mala." 

Jessica Kiang de The Playlist enaltece que siendo "Una historia de fantasmas con buen aspecto pero tonta y sobrecargada (...) No es buena" 

Greg Cwik de Slant consideró que la película es "Un batiburrillo poco memorable de elementos trillados (...) Cada giro de 'Marrowbone' parece existir sólo para mover hacia delante una trama enrevesada (...) 

En Gran Bretaña  Tim Grierson de Screendaily dijo de ella que "No le falta ambición ni elegancia visual (...) Es bastante frustrante, arruinada por un estilo narrativo con adornos y cuyos giros sólo engendran más giros" 

Por su parte Dan Jolin de Empire comentó que "Si has visto 'El orfanato' todo te parecerá muy familiar (...) Un thriller de terror más sólido que espectacular (...)".

Indudablemente Marrowbone no es una obra maestra contemporánea del de suspense y , si bien es cierto, que trasciende las fronteras del terror convencional para convertirse en un desgarrador y lírico poema sobre el amor fraternal y la supervivencia, lo cierto es que presenta algunos peros, como ese aire al "Orfanato" ya comentado . Dirigida por Sergio G. Sánchez, la película destaca como un ejercicio cinematográfico impecable, elegante y profundamente conmovedor que atrapa al espectador no a través de sustos fáciles, sino mediante una atmósfera absorbente y una narrativa de una sensibilidad extraordinaria. Hay que reconocer el papel de la dirección artística y la atmósfera que se crea. La puesta en escena es de una belleza gótica sobrecogedora. 

La fotografía utiliza la luz natural y las sombras para crear un entorno que se siente vivo, donde la vieja casona familiar se convierte en un refugio sagrado y, a la vez, en el reflejo de los traumas ocultos de sus habitantes. 

El elenco joven, encabezado por George MacKay, Anya Taylor-Joy, Charlie Heaton y Mia Goth, actúa muy convincentemente creando unos personajes llenos de vulnerabilidad, fuerza y una química colectiva tan auténtica que el espectador se convierte instantáneamente en un guardián de su secreto al intuir lo que está pasando. 

La narrativa teje con absoluta maestría el drama familiar con el thriller psicológico. Cada pista está colocada con delicadeza, culminando en un giro argumental revelador en el último tercio de la película que la resignifica y eleva el relato a una metáfora inolvidable sobre el duelo, la madurez forzada y los sacrificios de la mente para proteger a quienes ama. 

La banda sonora es evocadora y decadente obra de Fernando Velázquez que actúa como parte del filme, guiando las emociones desde la melancolía más pura hasta la tensión más vibrante, consolidando el tono de fábula oscura e íntima. 

En última instancia, Marrowbone no es solo una historia de fantasmas; es un homenaje definitivo a la resiliencia humana y al lazo inquebrantable de la hermandad. Es una película valiente que demuestra que, incluso ante la oscuridad más densa y los monstruos más reales del pasado, la pureza del amor y la promesa de proteger a los tuyos puede construir un refugio eterno contra el dolor del mundo. Esa última imagen en las que todos retornan es , simplemente, emocionante y necesaria. Un momento a la fraternidad, nunca mejor dicho.

La extinción

Únicamente los franceses son capaces de hacer cine alternativo a todo lo que se hace en el mundo, bueno los franceses y los coreanos del sur. Ese es el caso de la película la extinción una película sobre catástrofes que en francés llegó el título de Survivre, es decir, Sobrevivir. Y comentar al hilo del título , cuando he terminado de bucear en la historia de esta película he descubierto algo que me ha impresionado. la actriz principal que , al final del rodaje, anunció que se encontraba enferma no logró sobrevivir a su enfermedad falleciendo en marzo de 2025. Por lo que La extinción fue su último filme, aunque en internet he encontrado que en 2024 particpó en TKT de Solange Cicurel. 

Es una película del año 2024 y está dirigida por el francés Frédéric Jardín con guion de Matt Alexander, y Mathieu Oullion. Cuenta con la música de Nicolas Errèra y la fotografía de Pierre Aïm en lo que fue una producción franco belga en la que se involucraron Jean-Yves Robin, Marc-Etienne Schwartz, Marc Stanimirovic representantes de las compañías  M.E.S. Productions, Monkey Pack Films, Umedia y uFund invirtiendo en la película 5 millones de euros. Con todo, la película es la comprobación de que con poco dinero, con no muchos medios, pero con buena ideas y con poquísimos actores y actrices se puede mantener la atención de un espectador durante una hora y media que dura. ¡Bien por el cine francés!

La película está protagonizada por Emilie Dequenne y Andreas Pietschmann. Junto a ellos aparecen Lisa Delamar, Lucas Ebel y Olivier Ho Hio Hen. 

La película comienza hablando del hecho desde que empezó la Tierra, ha habido cinco extinciones masiva y... ahora comienza la sexta. 

En esa momento descubrimos a una familia en barco. Está de vacaciones en el mar Caribe a bordo de un pequeño yate, Orca - igual que el barco de Tiburón-. Se trata de una pareja y sus dos hijos, una chica y un chico. Ella es Julia (Émilie Dequenne), una médico francesa, formada en Niza, y el Tom (Andreas Pietschmann ) , un oceanógrafo, profesor de biología marina que da clase en la Universidad de Miami. Allí están junto a Cassie (Lisa Delamar)  , su hija adolescente, y Ben (Lucas Ebel ), que ese mismo día cumple trece años.

Mientras están en el barco comienzan a percibir extraños fenómenos. En principio, el mar está en calma, pero vemos en un momento que la brújula del barco empieza a volverse loca. La razón es que los polos magnéticos del planeta se han invertido, provocando que los océanos se retiren y luego arrasen los continentes en una catástrofe sin precedentes. De cualquier manera, nadie parece percibir nada, y mientras Tom está pescando con su hijo, Ben, será la madre la primera víctima de este cambio cuando se lance al mar, pues una inesperada corriente está a punto de llevarse a Julia. Cuando ella se da cuenta está alejada del barco, pero no puede acercarse. Tom en un momento dado la observa y dirige el barco hacia ella, salvándola. 

Por la noche mientras celebran el cumpleaños de Ben, que recibe un ordenador de regalo, y , a la hora de la tarta, Cassie recibe una videollamada de su novio. Mientras hablan se ve una enorme tormenta que se desata sobre la ciudad en la que está el novio, interrumpiéndose la llamada. Casi al momento un grupo de ballenas desorientadas que van a dañar la hélice del barco. 

Poco después empiezan a caer del cielo una serie de bolas de fuego que son satélites que se desploman sobre el agua , mientras la brújula comienza a girar sin sentido. La familia sabe con certeza que algo muy malo está ocurriendo y que tiene que ver con el cambio de los polos magnéticos. 

Al desatarse en el mar una tormenta sin precedentes parece que el final está cerca. Sin embargo, al amanecer la situación en el exterior se ha calmado, aunque el barco está destrozado. 

Al salir fuera Tom descubre que el mar ha desaparecido y que está encallado en el fondo marino ahora sin agua. Intenta activar la radio y tras varios intentos logran contactar con un batiscafo que se encuentra a unos días de la posición del barco. El interlocator es Nao (Olivier Ho Hio Hen), un asiático, que ha perdido a sus dos compañeros y que les comenta lo de los polos y lo que pasará en unos días , pues el mar retornará y lo hará de manera brutal. Los padres les piden ayuda para dar refugio a sus hijos y él, finalmente, acepta a dos tripulantes. 

Mientras el niño, Ben, ha decidido colocar globos en el exterior en solicitud de ayuda por si alguien los ve. Efectivamente una persona los ve. Se trata de un hombre (Arben Bajraktaraj ) que va solo junto a un perro y porta una lanza. Tras verlo, Tom sale a recibirle, le ofrece agua, algo que el viajero acepta, pero de inmediato le apuñala, ante los ojos de Julia. Ella huye , busca refugio en el barco y protege a sus hijos. De inmediato el hombre sube al barco e intenta localizar a julia, pero esta se esconde y, en un momento, salta al exterior siendo atacada por el perro. Pero ella no se amilana y mata con un cuchilo al perro. 

Luego entra en el barco y es atacada por el hombre, rabioso por la pérdida de su perro, pero mientras la lucha se produje, Cassie, la hija, sale del escopndite y dispara con la pistola de señales al señor que queda paralizado en el barco, que de inmediato se incendia.

Los tres supervivientes de la familia huyen y mientras lo hacen descubren que el hombre está vivo y va a su persecusión. Así durante toda la jornada. 

Los integrantes de la familia encuentran restos de un avión y allí buscan refugio. Esa noche la pasarán allí puesto que hay ropa y cobijo. 

Al amanecer Cassie siente una necesidad fisiológia que la lleva al exterior y , mientras mea, aparece el hombre. Mientras ataca a Cassie aparece la madre y lo mata. Cuando salen poco después los tres supervivientes descubren que algo ha devorado al hombre. Siguen avanzando por el relieve del que fue fondo marino y al tiempo descubren unas sillas que le sirven para pasar la noche, especialemnte pues Ben parece que no puede más. 

Esa noche la madre descubre lo que ha devorado al hombre. Son unos artrópodos abisales voraces. Al huir del sitio llegan a unos contenedores que dan cobijo a tres trabajadores que al verlos cierren y se esconden en el contendor. La familia corre al sentirse perseguida por los artrópodos que , por un hueco del contenedor entran los animales y acaban con los trabajadores. 

Al huir de allí,   la familia se queda con las armas , pero antes de salir contactan nuevamente con Nao. Este responde, pero lo vemos herido. Los artrópodos han pasado por allí y lo han dejado gravemente herido. Con su pistola de señales marca la situación y ellos se dirigen para el batiscafo. Están cerca pero han de salvar una falla marina enorme.

 

La falla es inestable y por la misma logran pasar, pero la madre hace todo lo posible para que pasen los hijos quedándose ella al otro lado de un desprendimientos. Lo bueno es que los chicos están cerca de la navce. 

Al llegar descubren que Nao está moribundo y cede su plaza a la madre que es buscada a oda prisa por Cassie. Cuando ella llega ve que Julia está siendo atacada por los artrópodosy se defiende con las armas que consiguieron en los contenedores. 

Con todo Cassie tira de la madre y logra salvar el obstáculo, llegando finalmente a la nave submarina, justo cuando una inmenda ola lo arrasa todo. Cuando el mar se tranquiliza abren la compuerta y descubren que ha llegado a un área costera , pero en la misma, todo está arrasado, acabando así esta película llena de catástrofes y supervivencia en estado puro. La extinción ofrece una atención sin pausa, aventuras, acción y apocalipsis humano. 

El proyecto surgió de una reunión entre el director Frédéric Jardin y los productores Marc-Étienne Schwartz y Marco Stanimirovic. Le ofrecieron el guion de Survivre , escrito por Matthieu Le Naour y Alexandre Coquelle. Ante el mismo, Frédéric Jardin reelaboró ​​el guion, en particular, anclando a los personajes en la realidad Frédéric Jardin llevaba varios años queriendo trabajar con Émilie Dequenne tal y como declaró en Allocine « […] es una actriz completamente genuina y auténtica que lo da todo, que puede llegar a los extremos pero al mismo tiempo permite que te identifiques fácilmente con ella » . 

Sin embargo, la actriz dudó, a pesar de que había disfrutado de las películas de género desde su adolescencia . Inicialmente pensó que no encajaba físicamente con el personaje, pero luego se sintió conmovida por el papel de una madre dispuesta a hacer cualquier cosa para salvar a sus hijos . Señalar que la protagonista recibió entrenamiento físico con un entrenador y en la piscina.

La película se rodó en tan solo 20 días con un presupuesto de 5 millones de euros en las Gargantas del Dadès en Boumalne-Dadès en Marruecos . Las escenas marinas también se filmaron en exteriores frente a la costa de Marruecos  El rodaje tuvo lugar de octubre a noviembre de 2022. He de señalar que la actriz protagonista Émilie Dequenne poco después de rodar cayó enferma de un cáncer. desgraciadamente , en 2025 se anunció que había fallecido. Tenía 43 años.  

En cuanto a la crítica señalar que en la web de: rogerebert.com, Robert Daniels escribió que  "Una película de serie B lo bastante decente como ruido de fondo (...) " 

En la británica The Guardian, Phil Hoad escribió que la película era   "Inteligente y surrealista, una película de catástrofes llena de imágenes oníricas (...) " 

En Argentina Diego Lerer en MicropsiaCine.com  señaló que "Su equilibrio entre el terror verosímil y la estupidez absoluta es prácticamente igual, para bien o para mal"

Y Juan Pablo Cinelli de  Página 12 consideró que se trataba de un "Nuevo exponente de cine catástrofe hecho fuera de los Estados Unidos, pero que se ve exactamente igual a todo lo que filma Hollywood. (...) " 

Por mi parte, señalar que Survivre funciona notablemente como un disfrutable "placer culpable" sabatino. No revolucionará la ciencia ficción ni aguantará un análisis lógico riguroso, pero su valentía formal y su ritmo endiablado justifican el visionado para los amantes del cine de supervivencia. 

La película de Frédéric Jardin es un estimulante ejercicio de supervivencia que destaca por su atrevimiento conceptual, aunque flaquea notablemente en su profundidad dramática. Si algo hay que aplaudirle a esta producción es la audacia intrínseca del cine francés actual, capaz de lanzarse sin complejos al cine de catástrofes de serie B con un presupuesto limitado pero con ideas visuales potentes. Mientras que el Hollywood saturado de CGI prefiere fórmulas seguras, Jardin se atreve a plantear una premisa surrealista y perturbadora: la inversión de los polos magnéticos de la Tierra provoca la desaparición instantánea de los océanos, dejando a una familia varada en un desértico y hostil fondo marino seco. Y si bien es cierto que el guion encadena giros bastante inverosímiles y situaciones forzadas, eso no impide, por un lado, destacar el esfuerzo físico de la actriz Émilie Dequenne, aunque la suma total del resto de interpretaciones queden atrapadas en unos diálogos planos y situaciones estereotipadas que impiden que el espectador empatice verdaderamente con el destino de la familia.

Furia Ciega

Nicolas Cage es como es. Acepta cualquier papel y arriesga con todo debido a unamezcla de su visión artística experimental, deudas financieras pasadas y una absoluta libertad creativa. Nicolas Cage inventó su propio método de actuación, el lo llama chamanista al que llama Nouveau Shamanic , inspirado en el teatro antiguo, el expresionismo alemán y los cómics. Apuesta por la experimentación total. Usa cada película como un laboratorio para probar gestos exagerados, tonos vocales extraños o inspirarse en animales. Pasa sin problemas del cine de autor oscarizado a películas de acción de serie B, comedias absurdas o terror cósmico. 

¿Y por qué lo hace? 

La verdad es que no lo sé. Puede que lo haga por problemas económicos. En el pasado, gastó una fortuna en compras excéntricas (como castillos, islas y cráneos de dinosaurios) y sufrió graves problemas con Hacienda, lo que lo obligó a aceptar una enorme cantidad de proyectos seguidos para recuperar la [ruina financiera. Puede que sea por puro amor puro al oficio: Ha declarado en entrevistas que nunca considera un trabajo "por debajo de él" y que necesita trabajar constantemente para mantenerse cuerdo y activo como artista. Puede que sea por la búsqueda de la libertad ya que al no importarle el qué dirán ni mantener una imagen tradicional de estrella de Hollywood, abraza el riesgo absoluto e incluso se ríe de sí mismo en películas. Lo que no hay dudas es que tiene un talento descomunal. ¿Cómo no iba a ver yo Furia Ciega o como se llamó en su tierra Drive Angry?

Drive Angry es una película de acción del año 2013 dirigida por un montador habitual como Patrick Lussier y que tiene como principales protagonistas a Nicolás Cage y Amber Heard.

Lussier, responsable de montar películas como screen ya había ejercido de director y filmes de terror como un Valentín y otras propuestas para la pequeña montaña. Con furia ciega da un salto a una producción de mayores envergadura al servicio de Cage. Sin embargo, la cinta, una apuesta por la acción y el exceso de violencia en tono de cómic, no tuvo una trayectoria demasiado exitosa. Y guion, poco consistente y lleno de diálogos sin sentido, la pésima interpretación del propio protagonista fueron los dos blancos principales de la crítica especializada punto de hecho el protagonista fue nominado a doso razzies por esta propuesta al Peor actor (Nicolas Cage) y Peor pareja en pantalla (Nicolas Cage y cualquiera que comparta pantalla con él).

Tampoco le fue demasiado mejor en su voluntad palomitera pues el público le dio la espalda tanto en España como en los Estados Unidos y finalmente la recaudación fue tan baja que ni siquiera pudo recuperar el presupuesto invertido , unos $50.000.000. El gasto de explosiones petardazos rotura de coches y efectos especiales fue muy superior a lo recaudado en taquilla que no alcanzó los $29 millones de dólares, aquí que quedó como una película adecuada al nivel del canal Syfy.

La película es una producción de René Besson y Michael De Luca amparando a las productoras  Saturn Films Millennium, Media Millennium Films 

El guion fue escrito- es un decir- por Todd Farmer y al mismo su sumó el director, Patrick Lussier La música fue labor de Michael Wandmacher , mientras que la fotografía lo fue de Brian Pearson y el montaje de los Lussier, Devin C. Lussier y Patrick Lussier.

Los principales protagonistas son Nicolas Cage, Amber Heard, William Fichtner, Billy Burke y David Morse.        

La historia comienza con un grupo de individuos que huyen en auto a toda velocidad de un hombre. Ese hombre se llama Milton (Nicolas Cage), quien, tras hacerlos estrellarse, los asesina de forma sistemática y sin piedad. 

Antes de matar al último sobreviviente logra hacerle confesar que la persona a quien busca se encuentra en un lugar llamado Stillwater. 

Mientras tanto, en un restaurante de carretera Milton se entera de que Stillwater gracias a una camarera que es una prisión abandonada de Luisiana. Lo hace por medio de una camarera, pero lo que le llama la atención es que hay otra camarera, una chica guapa pero ruda  llamada Piper (Amber Heard) que parece preocuparse por los clientes, especialmente por las chicas y por las niñas que están intimidadas por hombres. Además conduce un Dodge Charger 440 del '69. 

Además Piper comenta a una compañera que la noche anterior por fin logró que su novio decidiera casarse con ella. Cuando se mete en problemas con su jefe por haber regalado comida a una familia sin dinero, éste intenta acosarla sexualmente y ella le presiona los testículos y , finalmente, renuncia a su trabajo. 

Tras eso se marcha, y se mete en carretera pero , al poco, el coche parece ir mal. En esto que aparece Milton y le ayuda con una avería a cambio de llevarlo parte del camino. 

Poco después, un misterioso hombre de traje negro que se hace llamar "El Contador" (William Fichtner) aparece en el restaurante rastreando a Milton. Es un ser extraño que, después irá diciendo que trabaja para el FBI. 

Una vez en su casa, Piper descubre a su prometido Frank está teniendo sexo con una de sus amigas, discuten y éste la golpea cuando planea abandonarlo y llevarse el Dodge, que considera suyo a pesar de ser propiedad de Piper. 

Milton, quien estaba cerca en una cabina telefónica y revisando una extraña arma que escondía en su equipaje, sale en su ayuda, propina una paliza a Frank, toma el auto y se lleva a Piper rumbo a Oklahoma. 

Esa noche, mientras paran en un local a pasar la noche, Piper nota cosas peculiares sobre Milton: quienes lo conocen se sienten aterrados de su presencia, además de dar por hecho que había muerto y que las identificaciones que lleva son tan viejas que usan formatos obsoletos. 

Mientras, el Contador llega a casa de Frank y tras torturarlo para obtener toda la información que necesita, lo asesina, demostrando poseer habilidades sobrehumanas; cuando se encuentra con la policía demuestra poderes mágicos con los que crea una identidad como agente del FBI y logra que cooperen en la búsqueda de Milton al tentarlos con beneficios a cambio que disparen a matar. 

Esa noche en el motel, mientras sostiene relaciones con una camarera, Milton es emboscado por un grupo liderado por un hombre con una cicatriz en su rostro llamado Jonah King (Billy Burke), pero los asesina sin dificultad y, a pesar de que mientras huye uno de los policías que acompaña al Contador le dispara en el abdomen, esto no parece significarle algún inconveniente. 

Al ver que muchos de sus hombres han muerto, King y los demás seguidores escapan, con Milton y Piper persiguiéndolos. 

El Contador aparece en una patrulla e inicia una persecución por carretera que solo acaba cuando Milton le dispara con la extraña arma que lleva consigo y que parece poseer poderes mágicos. Según explica a Piper, es lo único que puede lastimar a gente como el Contador y, aunque no consigue darle salvo una rozadura en el rostro, logra hacerlo caer desde un puente. Poco después este sale ileso desde los restos del auto, exceptuando el corte producido por el roce de la bala, para continuar siguiendo a Milton. 

Cuando Piper exige explicaciones, Milton revela que King asesinó a su hija y secuestró a su nieta recién nacida, por lo cual ha regresado para salvarla; según relata Milton, su hija se unió a una comunidad dirigida por King para posteriormente descubrir que se trataba de una secta satánica que planea usar magia negra para iniciar el fin del mundo. 

Dos años después de unirse logró huir tras atacar a King y desfigurar su rostro. Tiempo después King la encontró y la asesinó junto a su esposo, y se llevó a su hija recién nacida sin que Milton pudiera hacer algo ya que se encontraba encerrado desde hacía años. 

Milton y Piper llegan a una extraña iglesia, pero allí son emboscados. Allí, Milton revela frente a todos secretos de Kinɡ que no debería poder saber, como que su hija no solo lo desfiguró sino también lo castró, por lo que King le dispara a la cabeza y secuestra a Piper. Milton, sin embargo, se despierta de nuevo y acaba con los hombres restantes en la iglesia para después perseguirlo, Piper escapa y se reúne con Milton, pero King logra huir tras dañar el motor del Dodge. 

El Contador, mientras tanto, llega a la iglesia e interroga a los moribundos, enterándose de cuál es el plan de King. 

Milton contacta a Webster (David Morse), su mejor amigo, quien le revela a Piper que Milton lleva muerto muchos años. En vida Milton fue un peligroso criminal y un mal esposo, pero un buen padre. Webster es su mejor amigo y socio; para él lo único valioso y sagrado en el mundo era su hija, por ello decidió abandonarla en su adolescencia para mantenerla segura del peligroso mundo en que vivía. 

Tiempo después ambos se involucraron con gente muy peligrosa y Milton los enfrentó, sin decirle nada a Webster para que ambos pudieran salir de la mala vida. Como consecuencia él falleció pero Webster se vio libre para vivir honestamente. 

Según les relata Milton a ambos, la cárcel a la que se refería anteriormente era el infierno y su condena consistió no solo en ser torturado sino en ver todo el sufrimiento en tiempo real de sus seres queridos sin ser capaz de ayudarlos. Por ello, al ver que su hija y yerno fueron asesinados y su nieta recién nacida secuestrada, escapó del infierno para vengarse y salvarla. 

Webster les proporciona un auto nuevo y muestra su deseo de acompañarlos ya que siente que falló a su amigo desde que no lo acompañó el día que murió, sin embargo Milton le prohíbe ir y le pide algo en secreto. King, anónimamente, culpa ante la policía a Milton como el culpable de la masacre del motel y señala en qué carretera podrán encontrarlo. 

La policía corta la carretera con demasiadas patrullas como para enfrentarlos, el Contador aparece manejando un camión que usa como ariete para abrir paso a Milton. 

Tras esto, en su papel de federal, revela a la policía que uno de sus agentes es seguidor e informante de King y lo obliga a hacerle creer que Milton murió. 

Esa noche, Milton y Piper llegan a Stillwater y mientras vigilan son encarados por el Contador, quien les revela que el plan de King consiste en una ceremonia donde sacrificará a la bebé para liberar el infierno en la Tierra y causar el Armagedón. También dice a Piper que, al huir del infierno, Milton robó la extraña arma que lleva consigo, llamada el "Matadioses", y tres de sus balas; como su nombre lo indica tiene el poder de destruir seres espirituales y en el caso de los humanos destruir también su alma. Finalmente le explica que la creencia popular sobre el infierno es errónea; Lucifer no es el cruel gobernante de un reino de maldad, sino un estricto y tranquilo sujeto que cumple el rol de alcaide en la cárcel donde van las almas de los pecadores, por lo que lejos de las expectativas de King, que alguien deje escapar a sus cautivos esta fuera de discusión para él, especialmente si para hacerlo debe asesinar niños. 

Según el Contador, que realmente es un demonio, los ayuda porque desde que se enteró de los planes de King comprendió que los intereses de ambos coinciden, así permite a Milton enfrentar a la secta y entrega el Matadioses a Piper para que lo apoye cuando necesite ayuda. 

Aunque Milton logra diezmar la secta atropellándolos y acribillándolos, King hace explotar su auto dejándolo gravemente herido y a merced de sus enemigos. Piper les dispara con el Matadioses pero falla el tiro, aunque da a Milton la oportunidad de disparar la última bala para destruir a King. 

Milton, moribundo, se despide de Piper y le pide que críe a su nieta como si fuera su madre, explicándole que Webster ha prometido ayudarlas y protegerlas. La muchacha jura que se encargará de criarla tras lo cual el cuerpo de Milton y El Contador desaparecen. 

Después que Piper y Webster se retiran, se revela no solo que el Contador no se ha ido, sino que Milton está ileso, ya que nunca estuvo vivo y no puede ser lastimado; todo se trataba de una forma de despedirse sin que protestaran porque regresaba al infierno. Milton le advierte al Contador que está dispuesto a volver pero que si lo torturan nuevamente escapará, a lo que el demonio responde que cuenta con que así será, tras esto invoca un automóvil que abre un portal por donde regresan juntos al infierno. Así acaba la película.

La misma se rodó entre el mes de marzo y  mayo de 2010 en diversas localizaciones del estado de Louisiana, en localidades como Shreveport, Minden o Plain Dealing.

Los tres coches conducidos por Nicolas Cage en la película son un Buick Riviera de 1964, un Dodge Charger de 1969 y Chevrolet Chevelle de 1971.

Nicolas Cage describió el argumento en la convención Comic-Con de 2010 

En cuanto a la crítica decir que en el Chicago Sun Times, Roger Ebert, señaló que es «un ejercicio de deliberada vulgaridad, burdo exceso y pornografía de la violencia [...] La ambición de Drive Angry 3D es hacer un grindhouse de serie B tan excesivamente increíble que incluso Quentin Tarantino debería mandarles flores [...]».

En la revista Rolling Stone, el habitual columnista de cine, Peter Travers, publicó: «Admítelo. Secretamente te mueres por ver a Nicolas Cage y su alocada conducción en 3-D y una hilarante peluca mientras destroza algún diálogo estúpido hasta el punto de lo incomprensible. Gracias por su amabilidad, señor Cage [...]»  Rolling Stone "

Elizabeth Weitzman del New York Daily News consideró que la película era "Puro grindhouse, tan comprometido con su propia basura, que es, a su manera, un placer de contemplar (...) 

Para el británico Chris Hewitt de la revista Empire se trata de "Un lío sin rumbo y pesado que pretende ser un clásico culto trash, y que termina en la basura -exepto Fichtner-. Y la mayor decepción de todas es que ni siquiera hay mucha furia en ella. (...) 

Ya en España Carmen L. Lobo Diario de La Razón dice de ella que "Desajustes de guión, el atolondramiento del director y una evidente tendencia al exceso desmedido confirman lo complejo que resulta siempre emular lo ya emulado. Aunque el original ya fuera un estupendo disparate" 

Y, por último, el gran Fausto Fernández en Fotogramas comenta que es  "Una aparatosa, maravillosa y genial macarrada (...) No deberán perderse este film lleno de rabia, cachondeo, furia, sexo, frases lapidarias, aroma de western y un funcionario infernal (...). 

Y añadió en X que " Uno de los temas de conversación con el majo William Fichtner en el pasado Sitges - se referería al del 2025- fue sobre su personaje de demonio cazarrecompensas fan de la música new wave 80s en Furia Ciega, tridimensional chute satanista y satánico con Nicky Cage on fire (¿cuándo no?)". Coemnta igualmente en los que fue Twitter que "Nicky Cage de permiso desde el Infierno para acabar con un puñado de satanistas hipsters en esa apoteosis del Cageinismo que es la empalmadísima". Además comenta que esta película planteada en 3D invita a que "Brindemos con una calavera humana rebosante de cerveza por el permiso infernal de Nicky Cage a la caza de satanistas". Y añade para terminar"Nicky Cage sale de permiso del Infierno (también, con una misión nada divina, William Fichtner fan del brit pop) para emborracharse, fornicar y matar a los satanistas que tienen a su hija. William Fitchner también, en modo Depeche Mode. Mi peli favorita aquel año. Muy de puta madre" Palabra de Fausto. 

La asistenta

Tercera película que he visto a través de Prime, una vez vuelto al Gym, película de la que me habló mi mujer el pasado año por estas fechas para ir al cine y que , obviamente, no pude ir. 

Con el título en inglés de The Housemaid y aquí presentada como La asistenta la película cuenta con tener a dos pibones en su repertorio como son la estrella en alza Sydney Sweeney y otra más consolidada como Amanda Seyfried, superando ser la protagonista joven y enamorada de Mamma Mía, es m ucho m´ñas que eso como comprobé en una serie. Invitado de piedra es Brandon Sklenar. La película es obviamente estadounidense, de suspense psicológico con cierta carga erótica teniendo a quien tiene y del año 2025. 

Fue dirigida por Paul Feig y escrita por Rebecca Sonnenshine basada en la exitosa novela de 2022 de Freida McFadden, razón por la que mi mujer me comentó la posibilidad de ir al cine. 

La película está producida por Todd Lieberman, Laura Fischer y Paul Feig, aunque en la misma aparecen como productoras ejecutivas la escritora McFadden y Alex Young, aunque para mi sorpresa en octubre de 2024, Sydney Sweeney y Amanda Seyfried se unieron en esa función. Esta última, la Seyfried, no supo que estaba acreditada como productora ejecutiva hasta tres semanas después de comenzar la producción; afirmó que este crédito era un “crédito de vanidad” negociado por su agente y aclaró que “no hizo nada para hacer esa película. Solo actué”. Al final, Media Capital Technologies cofinanció la película, junto con las más clásicas Feigco Entertainment, Hidden Pictures, Lionsgate invirtiendo en ella 35 millones de dólares. 

En el apartado técnico su sumaron en la buena fotografía de John Schwartzman, en el montaje Brent White y en la música Theodore Shapiro en su octava colaboración con Feig. 

La película comienza con la llegada a una mansión por parte de "Millie" Calloway (Sydney Sweeney) , una chica, guapa, inteligente, con buen curriculo, pero de la que después descubriremos secretos ocultos, como que malvive en un coche y que recientemente puesta en libertad condicional. Tras abrirle la puerta Enzo ( Michelle Morrone), un italiano sin papeles, es contratada por una encantadora Nina Winchester (Amanda Seyfried) como empleada doméstica interna en una mansión de Great Neck, Long Island , ya que como ex-reclusa en libertad condicional, y pendiente de cumplir otros 5 años de condena por asesinato cuando era adolescente, Millie debe mantener un empleo legal. 

En la casa viven el adinerado esposo de Nina, Andrew (Brandob Sklenar) , y su hija, Cecilia - Cece- (Indiana Elle)  . 

Le asignan una habitación en el ático con una ventana sellada y una puerta con cerradura exterior. Supuestamente, Nina la contrata porque está embarazada y necesita ayuda en la casa. 

Casi desde el principio ella detecta cosas extrañas como el papel del jardinero, Enzo , o como el cambio de carácter de su empleadora. 

Una mañana, Nina acusa a Millie de tirar sus notas de la reunión. Andrew interviene, asegurándole a Nina que tiene tiempo para revisarlas. Le amenaza con echarla, pero el marido la para. 

Una noche, Nina encuentra a Andrew viendo Family Feud con Millie, ya que ninguno puede dormir; aunque inofensivo, la amenaza con despedirla, advirtiéndole que se mantenga alejada de él. Las rarezas de Nina van a más en diversas ocasiones. Ella es testigo de como las amigas de Nina, hablan a su espalda y la consideran una loca de atar, o del papel omnipresente de la madre de Andrew (Eloizabeth Perkins) , una Winchester orgullosa de su dentadura, de su hijo y de sus bienes materiales. 

Millie se preocupa cada vez más por los cambios de humor y los arrebatos violentos de Nina, y comienza a buscar otras oportunidades laborales. 

Millie se entera de que los padres de Nina murieron en circunstancias sospechosas en un incendio en su casa, que no puede tener más hijos debido a una insuficiencia ovárica prematura , que toma antipsicóticos y que fue internada por intentar ahogar a Cece e intentar suicidarse con una sobredosis . 

Un día Nina le pide a Millie que reserve entradas para un musical de Broadway y un hotel para la pareja, el señor y la señora Winchester, pero luego se niega, ya que el horario coincide con el campamento de ballet de Cece en Washington. 

Por supuesto , le dice que ella ha de abonar los gastos generados. Mientras Nina la lleva al campamento, Andrew, que le ha dicho a la asistenta, que no se preocupa que anulará los pagos de la tarjena, pero como no puede finalmente le pide a Millie que asistan en secreto al espectáculo. Tras esto cenan juntos y se registran en el hotel. 

Tras recibir numerosos mensajes furiosos de Nina, esta busca protección en Andrew, quien consuela a Millie, tienen relaciones sexuales y regresan a casa. Al llegar Nina parece más tranquila, pero casi de inmediato le confiesa a Millie que sabe de sus diez años en prisión, los confronta sobre su romance y amenaza a Millie. Andrew defiende a Millie y le exige a Nina que se vaya. Cosa que ella hace , pero ¿ y Cece? - me pregunto, en este momento desaparece totalmente de la película y de la historia , salvo que retorna en la escena casi final. 

Los dos nuevos amantes continúan su relación, mientras que Nina, tras mostrarse visiblemente afectada al principio, parece, una vez fuera de la casa, aliviada y feliz de haberse separado de Andrew. Millie, sin saberlo, sirve el desayuno a Andrew en un plato de porcelana antigua que le había regalado su madre , la señora controladora, pero al ver al jardinero Enzo afuera, se asusta y lo rompe accidentalmente. Andrew despide a Enzo y le dice a Millie que recoja los pedazos y los meta en una bolsa de plástico para restaurarlos. 

Esa noche, la lleva al ático, beben burbujas del champán, pero también la droga y la encierra en el ático. Cuando Millie despierta, exige que la liberen, pero Andrew se niega. ¡Éste si que está loco! 

Mientras desde su nueva habitación, Nina le escribe una carta a Cece para cuando sea mayor, explicándole que ella no tuvo la culpa de la muerte de sus padres. Cuando era estudiante universitaria, un profesor de derecho casado, la dejó embarazada, la abandonó al enterarse del embarazo y ella se enamoró de Andrew mientras criaba a Cece como madre soltera. 

Al principio, Andrew le pidió a Nina que se tiñera el pelo castaño de rubio. Cuando Nina faltó a una cita para teñirse las raíces, Andrew la encerró en el ático hasta que se arrancó cien cabellos, incluyendo los folículos. La obligó a hacerlo de nuevo alegando que a un mechón le faltaba un folículo. Luego, Andrew la drogó, la incriminó por intentar ahogar a Cece y drogarse a sí misma, y continuó torturándola con confinamiento en el hospital psiquiátrico y en el ático. Negándose a quedar embarazada del hijo de Andrew, Nina se puso un DIU en secreto, fingiendo insuficiencia ovárica prematura como excusa para justificar sus dificultades para concebir. Enzo, consciente de la situación, intentó sin éxito ayudar a Nina y Cece a escapar de los abusos de Andrew. Finalmente, contrató a Millie, con la esperanza de que Andrew la dejara. 

Millie es justo el tipo de chica que le gusta a Andrew: joven, guapa, solitaria y problemática. Como castigo por romper la porcelana, Andrew le da a Millie un trozo, exigiéndole que se corte el estómago una vez por cada una de las 21 piezas del plato. Una vez terminado, Millie se queda dormida. 

Cuando Andrew entra en la habitación, ella lo apuñala con un cuchillo que Nina le había dado y luego lo encierra. Millie le ordena a Andrew que le arranque uno de los dientes delanteros con unos alicates. 

Para obligar a Andrew a obedecer, Millie rompe más vajilla de su madre y amenaza con quemar el ático. Revela que estuvo diez años en prisión por haber matado a golpes al violador de su mejor amiga. Pero , con todo, fue condenada a 15 años de cárcel, siendo abandonada por amigas y sus padres, al ser el chico un niño bien. 

Cuando Nina recoge a Cece del campamento, Cece le sugiere que salve a Millie - aunque yo esto no lo he visto- . 

Esa noche, Nina se cuela en el ático, creyendo que Millie sigue dentro. Andrew ataca a ambas mujeres, pero Millie escapa. Intenta convencer a Nina de que vuelva con él, pero ella se niega. Entonces intenta matarla, pero Millie regresa y lo empuja hacia la escalera, donde cae al vacío y muere. Nina deja caer una bombilla como si Andrew se hubiera caído al intentar instalarla. Le dice a Millie que huya y llama a Enzo para que la ayude a limpiar la escena. 

La agente Jessica Connors considera que las pruebas y la declaración de Nina no son convincentes. Sin embargo, su hermana quedó traumatizada cuando estuvo comprometida con Andrew, por lo que afirma que su muerte fue un accidente fortuito. 

Tras el funeral de Andrew, Nina le da a Millie 100.000 dólares y se marcha con Cece a California para empezar de cero. Nina recomienda los servicios de Millie a su amiga Lisa, quien insinúa que su marido la maltrata. Al comprender el verdadero motivo por el que Lisa quiere contratarla, Millie acepta el trabajo encantada. 

El rodaje comenzó en enero de 2025 en Nueva Jersey, y concluyó en marzo de 2025. Canciones comerciales que aparecieron en la película, pero que no se incluyeron en los álbumes de la banda sonora aparecen y son de Lyn Lapid, Linda Ronstadt, René Rapp, Lana Del Rey, Clare y Oliver Manchon, Jessie Murph , Kelly Clarkson, Linda Ronstadt, la "Danza alemana n.º 1 en do mayor" que aparece en Barry Lyndon, pero también de Taylor Swift y Goldie Boutilier. 

La película The Housemaid recaudó un total mundial de 400,5 millones de dólares. Un exitazo. Algún premio se llevó como en los 53 Saturn Awards 2026 dobde fue nominada al Mejor thriller. 

En cuanto a la crítica William Bibbiani de The Wrap escribió: " The Housemaid tiene sus giros, y probablemente verás venir algunos de ellos a kilómetros de distancia, incluso si no sabes exactamente cómo se revelarán los secretos o qué forma tomará el peligro. En más de una ocasión, el giro es que The Housemaid es incluso más extraña y divertida de lo que esperas, y eso es una grata sorpresa". 

Tim Robey de The Daily Telegraph afirmó que "Esto es un regreso total a los tropos del ' thriller erótico ' de la década de 1990". 

Kyle Smith de The Wall Street Journal escribió: " The Housemaid es un delicioso salón de espejos en el que la realidad resulta estar sujeta a una modificación infinita". 

David Rooney en The Hollywood Reporter habla de que es "Una lobotomía podría ser útil para tragarse todos los giros impactantes de esta absurda historia (...) Pero la contraprogramación de vacaciones no puede ser mucho más jugosa" 

Owen Gleiberman en Variety señala que "The Housemaid', un thriller doméstico que te aprieta los tornillos, no es nada más (ni nada menos) que una pieza de pulp postfeminista chillona, divertida y eficaz" 

Jeff Ewing de Collider nafirma que "En general, la película es estructuralmente confusa, con un ritmo inicial lento al principio (...) A pesar de todo, 'The Housemaid' logra uno de los finales más entretenidos de este año. (...)" 

Mick LaSalle en San Francisco Chronicle considera que "Es muy divertida y encaja a la perfección con lo que parece ser el plan maestro de Sweeney para establecerse como una actriz sin complejos especializada en situaciones extremas" 

Jesse Hassenger de AV Club destaca de la misma que es "Un enfrentamiento apropiadamente sórdido entre Seyfried y Sweeney (...) Paul Feig siempre ha parecido un poco incómodo con la 'exploitation', pero hace algunos progresos con este thriller" 

Anzhe Zhang de Slant no tan generoso dice de ella que "Su vuelta de tuerca es increíble, pero no llega a ser una deconstrucción de los valores de las esposas tradicionales y amas de casa. Esto se debe a que esta película incongruente desde el punto de vista tonal (...)" 

Brian Truitt de USA Today algo más benévolo que el anterior dice de ella que "La película del director Paul Feig no alcanza todas las marcas de su adictivo material de origen, pero la cosa es lo suficientemente salvaje como para ser un placer culpable de vacaciones. (...)" 

En las páginas de IndieWire, Kate Erbland, destaca a "Amanda Seyfried realiza su segunda gran actuación de 2025 en un thriller demasiado tímido para ser totalmente 'camp'" 

En el Reino Unido Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian considera que "Puede que sea una tontería, pero Feig y su reparto la interpretan con un gusto tremendo; es un inocente regalo navideño. (...) " 

En Time Out, Olly Richards comenta que "Casas estupendas, lástima de la trama. El tipo de tontería lustrosa que podrías ver a medias en un domingo perezoso. (...)" 

Clarisse Loughrey del The Independent comentó que "Sydney Sweeney tiene un éxito 'camp' en sus manos (...) ['The Housemaid'] tiene un arma secreta en la forma de una muy brillante Amanda Seyfried (...)

Ya en España, Luis Martínez en El Mundo afirma que es "Una solemne, divertida y muy consciente majadería, pero muy disfrutona y con un guión con más giros que el scalextric de Marty Feldman (...) 

En El País, Javier Ocaña "Una intriga psicológica tan demencial como irresistible (...) Cine travieso para espectadores juguetones. Sin freno." 

Desirée de Fez en El Periódico considera que es "Un 'thriller' juguetón y adictivo, lleno de volantazos y decisiones imprevisibles, que Paul Feig ha sabido trasladar al cine con una mezcla equilibradísima de elegancia y guasa. (...)" 

Janire Zurbano de Cinemanía dice de ella que "Feig se consagra como maestro del thriller femenino con una Amanda Seyfried brillante (...) que disfrutarán los que busquen una adaptación fiel al libro y los amantes del género (...)" 

Sergi Sánchez en La Razón considera que "No parece tomarse demasiado en serio a sí misma, acentuando la dimensión ‘camp’ de sus excesos, que son muchos e implausibles. (...) A ratos recupera el encanto desmelenado de clásicos del thriller de los noventa como “La mano que mece la cuna” (...) 

Marta Medina del Valle de El Confidencial calificó el "artefacto posposmoderno",  declarándolo la "mejor peor película" de los últimos tiempos. 

En enero de 2026, Lionsgate anunció que se había dado luz verde a una secuela, con Feig, Sweeney y Morrone de regreso. La secuela será una adaptación de El secreto de la criada , el segundo libro de la serie La criada de Freida McFadden . En marzo de 2026, Lionsgate Studios anunció que la secuela se estrenaría el 17 de diciembre de 2027, con Kirsten Dunst añadida al reparto.

Por mi parte decir que la historia de esta película la ves venir. Es un thriller psicológico que cumple con entretener, pero flaquea al recaer en lugares comunes y resoluciones que el espectador intuye desde su primer tramo.

Desde el inicio, la propuesta asume los modismos clásicos del thriller doméstico de sobremesa. El marido seductor y perfecto, la esposa desquiciada pero educada y los secretos tras las paredes de lujo se configuran como fichas de un dominó que caen exactamente en el orden previsto Aunque la cinta juega a proponer giros de guion en su tramo final, la naturaleza de estos artificios se huele con demasiada antelación. Las pistas que la trama siembra en pantalla son tan evidentes que anulan el factor sorpresa. 

En lugar de generar genuina tensión o incomodidad profunda, la historia transita por un camino de comodidades narrativas donde el espectador siempre va un paso adelante de los personajes. Lo mejor de la propuesta recae en el duelo actoral entre Amanda Seyfried y Sydney Sweeney. Ambas intentan elevar el material de origen con una contención elegante que dota de cierta atmósfera a escenas que, de otro modo, se sentirían planas. 

Sin embargo, el esfuerzo del reparto no logra rescatar al filme de su gran debilidad: un libreto previsible que prefiere la seguridad del molde comercial antes que la osadía del misterio real.