A la deriva

Dirigida por Jia Zhangke y escrita por Wan Jianhuan y Zhangke, basada en imágenes de 22 años, algunas de ellas de películas anteriores de Jia, en una mezcla impresionista y no lineal de ficción y no ficción, del mismo director del The World, una especie de Linklater chino, que mezcla la memoria personal y colectivo, integrado en la sexta generación de cineastas chinos. 

De formas tímidas, sutiles propios de un gran humanista que se centra en lo desposeídos. Este es un neodrama que lo confirma como un director romántico, aunque en esta película hay mucho de musical. 

Usa material descartado y con nuevo material rodado en la presa de las tres gargantas monta está película entrenada en el 2024, una película con tres momentos y tres espacios, uno al norte de China, otra en la Presa de las tres Gargantas y, una tercera, que se mueve entre el sur y el norte. 

Película construida en la sala de montaje de este maestro de las formas y de los cuerpos. Contiene imágenes muy atractivas como la última. Cuando no tiene diálogos, incluye cartelas o mensajes de texto,  llenas de elipsis, pasa de lo documental a la ficción. 

La película ha sido producida por Casper Liang Jiayan Shôzô Ichiyama para Xstream Pictures, Momo Pictures, MK2 Films, Huanxi Media Group Limited y Wishart Media Co., Ltd. La película que contó copn la música de Lim Giong y la fotografía de Yu Lik-wai y Éric Gautier. 

A destacar sobremanera la edición responsabilidad de Yang Chao, Xu Dong Lin y Matthieu Laclau. La película fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 2024, donde tuvo su estreno mundial. 

La película comienza con la quema de pasto y una frase: “Ni siquiera un incendio puede con todo el pasto. La brisa de la primavera lo hará crecer de nuevo”. Este proverbio ilustra los tres momentos temporales a lo largo de 20 años y los marcos geográficos que articulan una narración fílmica, dotada de una importante carga política en relación al Salto Adelante que representa la apuesta de “modernización” del capitalismo de estado iniciada en la República Popular tras la muerte de Mao Zedong (Mao Tse-Tung) y que revirtió de manera profunda la sociedad china. 

En 2001, en la ciudad septentrional china de Datong,ciudad situada al norte de China, centro industrial y minero con una notable degradación ambiental, una mujer de clase trabajadora llamada Qiao Qiao (Zhao Tao) mantiene una relación sentimental con su mánager Guao Bin (Li Zhubin) mientras ella se esfuerza por ganarse la vida como cantante, modelo y chica de discotecaen las lamentables condiciones vitales del lugar. 

El marco socio-político está ambientado en tiempos del mandato como líder supremo de Jiang Zemin, y con el fondo de la entrada del país en la Organización Mundial del Comercio y la elección de Pekín como sede de los Juegos Olímpicos, como se encargan de transmitir los medios de comunicación oficiales y celebra la ciudadanía con una manifestación “espontánea”. 

Guao Bin abandona Datong para intentar ganarse la vida en otra provincia, enviando a Qiao Qiao un mensaje de texto en el que le dice que la traerá cuando tenga dinero. 

Después de un tiempo, Qiao Qiao decide ir en su busca, pasando por comunidades que están siendo desplazadas por la Presa de las Tres Gargantas, así como por la provincia de Guangdong. Fengjie, a unos kilómetros de la presa de las Tres Gargantas, la planta hidroeléctrica más grande del mundo, que sepultó bajo sus aguas a 19 ciudades y a más de 300 pueblos. Las peripecias de esa búsqueda se conjugan con una demoledora visión del drama ecológico y destrucción medioambiental que representa dicho megaproyecto. 

Mientras tanto, Bin se dedica al “emprendimiento” en varios negocios, incluyendo una “relación comercial” con un político corrupto que ejerce como “capo” en el ámbito local al albur de los negocios inmobiliarios y formando parte de una “fraternidad mafiosa”.

Bin prueba suerte en varios negocios, incluyendo un turbio trato comercial con un político corrupto. Cuando Qiao Qiao encuentra finalmente a Bin, rompe con él. 

Finalmente se reencuentran en la China de la era COVID, después de que ambos hayan envejecido notablemente.Finalmente, unos años después, en 2022 se reencuentran en la ciudad de Zhanhai con el Mundial de fútbol de Qatar como fondo televisivo, en plena pandemia de COVID. 

Bin sufre un proceso de envejecimiento y deterioro físico notable y esta situación no despierta la conmiseración de Qiao que decide seguir su vida con autonomía y sin ataduras. 

La secuencia final de la película refleja la prioridad de Qiao por participar en un entrenamiento atlético nocturno que refuerce su “yo” compartiendo el esfuerzo físico con otros corredores y corredoras. 

Jia Zhangke aludió por primera vez a la película en una entrevista de 2016, donde declaró: «Entre 1999 y 2000 tuve mi primera cámara de vídeo digital, así que solía grabar sin rumbo fijo. Es un hábito que aún mantengo, y tengo mucho material sin editar grabado con diferentes tipos de cámaras y tomas a lo largo de los años. Quizás en el futuro edite este material y lo convierta en una película» 

La decisión de utilizar metraje anterior surgió a raíz de la pandemia de COVID-19, que dificultó el rodaje en China. Mientras Jia revisaba dos décadas de metraje, en parte rodado para experimentar con distintas técnicas y no para captar escenas concretas, se dio cuenta de que podía reutilizarlo como material para una nueva película. 

Como resultado, Caught by the Tides es una recopilación de 22 años de material, incluidos muchos de los personajes y lugares anteriores de Jia dando lugar a unos actores que envejecen naturalmente, incluido el personaje principal, Qiao Qiao, quien es interpretado por la esposa de Jia en la vida real, la actriz Zhao Tao. Caught by the Tides se compone de 22 años de metraje, incluyendo muchos de los personajes y lugares anteriores de Jia. 

Fragmentos y tomas descartadas de Unknown Pleasures , Still Life y Ash Is Purest White se usaron en Caught by the Tides . Aproximadamente 10 escenas de la película han aparecido en películas anteriores de Jia. Se usó película Kodak Vision 2 y 3 con cámaras Sony DSR-PD150, Sony Betacam , Sony HDV, Arricam LT 35mm y Arri Alexa 35 para la película. 

La sección final, ambientada en la China contemporánea, se filmó durante la pandemia. La edición se hizo con Final Cut Pro y se usó DaVinci Resolve para la corrección de color. Las escenas del primer momento en Datong reflejan las miserias de una clase obrera a la que los dirigentes la llevan según su conveniencia. Las minas, los ríos contaminados, los clubes decadentes, los karaokes tristes, constituyen la impresión visual de un mundo en profunda transformación y en el que la expresión oral queda dominada por la visual. 

De la segunda parte, destacan los desplazamientos forzados reflejados en el segundo momento, la destrucción a pico y pala de los edificios de las zonas a inundar y, en paralelo, las mega-construcciones en las zonas altas se contraponen con la movilidad fluvial y los recorridos por los nuevos espacios habitables. Son, en mi opinión, los logros más destacados. 

Existe una estrecha línea de separación entre la ficción y el documental mientras que, por otra parte, la música se convierte en un elemento clave para articular las vivencias de los personajes colectivos. La secuencia inicial del grupo de mujeres compartiendo canciones sobre deseos y esperanzas se complementa con la música, extraída de karaokes populares, óperas locales, fiestas electrónicas y actuaciones callejeras, estas últimas rodeadas de la “modernidad occidental”. Este manifiesto emocional compartido a través de la música, es uno de los grandes aciertos de la película. De hecho, el estribillo de una de las canciones, ese “a la deriva”, título no impostado, resume la crónica afectiva y tratado político como discurso articulador. 

La película se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 5 de septiembre de 2024. También fue seleccionada para la Gala de Presentación en el 29.º Festival Internacional de Cine de Busan y se proyectó el 5 de octubre de 2024. 

Más tarde, la película se estrenó en cines en China el 22 de noviembre de 2024. 

La crítica ha sido generalmente psoitiva. Justin Chang en The New Yorker comenta que "Es un logro a la vez fugaz y monumental: una serie de cápsulas del tiempo entrelazadas, una desgarradora hazaña de autorreflexión y un musical furtivo" 

Jessica Kiang de Variety sostuvo que estamos ante "Un drama épico y lírico que es tanto la reinvención retrospectiva de la carrera del maestro chino Jia como un retrato definitorio de la China moderna." 

Steve Pond en The Wrap señala que "Una especie de elegía, a veces airada y abrasiva, pero más a menudo suave y reflexiva" 

Rory O'Connor de The Film Stage sostuvo que "El último experimento del director para saquear su archivo -de hecho, sus recuerdos- y convertir lo que encuentra en algo novedoso" 

David Rooney del The Hollywood Reporter destacó que "El uso que hace Jia de las hipnóticas panorámicas lentas transmite la sensación de que ha pasado mucho tiempo, una conmoción que se refleja en la preciosa partitura de Lim Giong." 

David Ehrlich en IndieWire afirma que es un "Retrato de la desubicación, inquisitivo y disperso, que es tan probable que resuene entre los devotos de Jia Zhang-ke como que desconcierte a los que no conocen su obra." 

William Repass en Slant sostuvo que "Demuestra que hacer arte en las condiciones más adversas puede ser una cuestión de suerte (...) 

Manohla Dargis en The New York Times destaca que es "Tan emocionalmente eficaz como formalmente brillante" 

En Gran Bretaña  Dave Calhoun en Time Out comenta que "La última película de Jia Zhangke, ensoñadora, cautivadora y sin diálogos, es un retrato poético, musical y reflexivo del viaje de una mujer en busca de un antiguo amante (...)" 

Peter Bradshaw habitual columnista cinematográfico del The Guardian comenta que "Otra película profundamente sentida de Jia Zhangke, con un arte muy contemporáneo."

Fionnuala Halligan en Screendaily destaca que "Resultará muy atractiva para los seguidores de este director de su 'Sixth Generation' como resumen de la obra de su vida hasta la fecha, y de la implacable marcha hacia delante de un país." 

Ya en España Javier Ocaña en El País comenta que  "Jia Zhangke filma otra joya melancólica sobre la China que se desvanece (...) 'A la deriva' exige un férreo compromiso del espectador. Paciencia, arrojo e interés. Si se entra en su tempo y en su mundo, la recompensa es inmensa." 

Luis Martínez en El Mundo escribió que "Jia Zhang-Ke compone un fascinante puzzle con los pecios de su filmografía para componer un mural de su país y nuestro siglo (...) Arrebatada, sonámbula, lírica, carnal y memorable. (...) " 

Oti Rodríguez Marchante en ABC afirma que "Es una película difícil, de exigencia suma, de evocaciones latentes. (...) Es puro Jia Zhangke, para lo excelente y para lo empinado." 

Sergi Sánchez en La Razón aseveró que es una película "Magnífica (...) Zhang-ke no solo vuelve a hablar de los cambios socioeconómicos de la historia de su país, (...) sino también reflexiona sobre la capacidad de su cine para reflejar esos cambios." 

Carlos F. Heredero en Caimán afirma que es uuna "Obra compleja y de profunda originalidad, nos permite recuperar los mejores registros de su director y sacude, con su atrevida y exigente propuesta formal (...) la mayoría de la sección oficial." También en Caimán Àngel Quintana escribe que "'Caught by the Tides' es una película clave en su filmografía [de Jia Zhangke] porque funciona como documento sobre su propio método y como síntesis del trabajo de documentación que ha acompañado su filmografía." 

 

Desde Barcelona  Jordi Batlle Caminal en La Vanguardia sostiene que "Propone un amplio retrato de la China del siglo XXI, un viaje que explora un macrocosmos gigantesco, poliédrico y polifónico a través de una exultante variedad de tonos, texturas y formato (...) " 

También desde la Ciudad Condal  Nando Salvá, ahora en El Periódico escribe que "El retrato femenino resultante no solo resulta coherente sino rotundamente conmovedor (...) lo que aquí importa no son los sucesos que aparecen en pantalla, sino la cadencia poética y la embriagadora atmósfera de melancolía de las que Jia los envuelve" Y en este mismo diario, Quim Casas señala que  "Jia Zhangke utiliza diversos formatos en una extraordinaria película rodada a lo largo de más de 20 años (...) ver envejecer a sus dos actores, y cómo esas imágenes pretéritas dialogan con las rodadas el año pasado, resulta magnífico. (...) 

En la revista  Cinemanía Paula Arantzazu Ruiz  afirma que "Jia Zhangke en su máxima expresión. Es decir, una gran peli. (...)" 

Para Mariona Borrull en Fotogramas la película es "Es un gesto de amor, de Jia para Zhao (y Li), coser una película con archivo ‘usado’ y devolverlo a la vida (...) Un relato esponjoso y abierto que reniega del privilegio sempiterno de la trama por encima del contexto. (...)

Por mi parte es una película distinta, diferente, original, que nos narra una historia del desamor forjada década tras década y en la que la música está presente de inicio a fin 

Golpes

Cine español del año 2025 que promete mucho y ofrece poco. Película dirigida por Rafael Cobos y coescrita por el mismo Cobos junto a Fernando Navarro, que tiene entre su principal cartel la presencia de Luis Tosar y Jesús Carroza. Se trata de un thriller ambientado en la Sevilla de la década de los 80 con estética kinki con el guionista Rafael Cobos quien fue responsable de la isla mínima o de la serie anatomía de un instante en la dirección gritando en ese caso en la dirección de cine. 

Sabino (Tosar) y Migueli (Carroza) son dos hermanos, Miguel y Sabano, marcados por la muerte de su padre, asesinado en la guerra civil. Ahora uno, el menor, Miguel, es un ladrón de bancos y el otro, Sabino, es policía. Separados desde niños puesto que ambos fueron llevados al Ferrol pero uno de ellos acabó adaptándose al sistema y el otro renegando de él retornando a Sevilla y buscando cobijo alguna familia, la de Angelita (Teresa Garzón ) cuya tia, Antúnez (María José Mariscal) le da cobijo. 

La mayor parte de la historia se desarrolla en una España a principios de los años ochenta del siglo pasado. 

Migueli sale de la cárcel decidido a saldar cuentas del pasado antes de comenzar una nueva vida. Migueli es un delincuente que sale de prisión en la cambiante España de inicios de los 80. Quiere mirar al futuro, pero, antes, tendrá que sellar heridas del pasado, alguna de ellas tiene que ver con el inicio de la película, pues la Guerdia Civil acabará con la vida de su padre en una noche cuando va a buscarlo a su casa de campo.  

Ahora Migueli quiere encontrar sus restos 40 años después. Para ello necesita mucho dinero, en concreto, 9 mnillones de pesetas, y lo necesita rápido. En cuanto llega a Sevilla reúne a su antigua banda, integrada por Osuna (Mafo ) , El Edi (Carlos Bernardino), El Nani (Cristalino) , La Perla (Antonio Estrada) ) y dan varios palos seguidos: sucursales bancarias, joyerías e incluso el primer casino de la zona. 

No van a tenerlo fácil: la policía ha encargado el caso a su propio hermano, Sabino, que conoce muy bien cómo piensan y sus "modus operandi" Pero Migueli no se detendrá. Está dispuesto a llegar hasta el final., por lo que reúne a los miembros de su antigua banda para llevar a cabo una serie de atracos audaces. 

Además los golpes habrá que reconocer no salen del todo bien. En la joyería, uno de los compinches, Osuna,  quedará con la mano atrapada y servirá a Sabino para saber que su hermano , efectivamnete, ha vuelto. 

El golpe en el transporte que lleva al Casino (realmente, rodado en el teatro lope de Vega de Sevilla) es un fracaso absoluto, cayendo otro de los colegas - La Perla-,  y haciendo que otro - Nani- se retire. 

Pero el gran obstáculo ante él es su hermano, Sabino, quien tampoco se encuentra satisfecho con su vida, ya que tema que su mujer, Rosa (Cristina Alcázar) , le abandone en breve, y tiene un sueño que cree que no va a cumplir, comprarse un apartamento en El Algarve. 

Pero además es que se ha convertido en un oficial de policía encargado de perseguirlo, lo que genera un enfrentamiento familiar y humano complejo entre los dos hermanos. 

El último golpe en la Talbot, donde intentan llevarse las nóminas de los trabajadores es abortada por Sabino, aunque tanto Migueli como Angelines, logran huir y busca refugio en la antigua casa de campo en la que vivían. Migueli está herido, pero no se queja, ni le dice nada a Angelines, y tampoco a su hermano cuando llega. Eso si, con él alcanza un acuerdo : le entrega el dinero para que pague el apartamento en Portugal, le pide que en cinco años estará en la calle y le ofrece el mismo para vivir con su chica y el bebé que lleva dentro. Migueli accede y Sabino se compromete a ayudarle a buscar los restos de su padre, cosa que , a la mañana siguiente, consiguen.

Mientras vuelve a Sevilla, Sabino le dice de parar en  un bar para desayunar como los señoritos una tostada de manteca colorá, pero para Migueli, es ya muy tarde. 

Golpes es aparentemente una electrizante historia sobre la familia, la tragedia y la reconciliación tanto personal como de todo un país.

Yo estoy de acuerdo con la apreciación de Ernesto J. Pastor cuando valora esta película que fue presentada en la última Seminci, en octubre de 2025, en el que fue el 70º Festival Internacional de Cine de Valladolid, y que se fue de vacío. 

Lo cierto es que esta Ópera Prima de este guionista ganador de dos Premios Goya, una persona que es brillante por lo realizado aquí me sorprende y también sorprende al historiador del cine pues presenta una historia con cuestiones de guion nada creíbles. 

Por contra, también me llama la atención lo que señala Javier Ocana en El País al decir que es un "Notable debut de Rafael Cobos con una exaltación del cine quinqui" Y añade " En ese prólogo (...) se vislumbran ya algunas de las grandes virtudes (...) La magnífica dirección artística de exteriores e interiores de Gigia Pellegrini; la banda sonora de Bronquio; y el exquisito cuidado de la imagen" . 

La película fue producida por Borja Peña y Emma Brillo para Películas Vaca, Grupo Tranquilo y Recreo. También participa Daniel Pérez Astiárraga. Al comentar sobre el proyecto, Cobos afirmó que se trata de "comprometerse con la revitalización del cine quinqui , profundizando en su esencia misma, aunque esforzándose por ser diferente", a la vez que se preocupa por un país en transición . Sin embargo, también explicó que al final, la película tenía más del "cine americano de los años 70, o del polar francés".La película es una producción de Vaca Films junto con Grupo Tranquilo y Playtime, y contó con la participación de Movistar Plus+ , RTVE y Canal Sur y el respaldo de ICAA , Junta de Andalucía y Creative Europe MEDIA. 

Los lugares de rodaje incluyeron Alcalá de Guadaíra y algunos espacios reconocicles de Sevilla.

Sergi Vilanova Claudín trabajó como director de fotografía, con tando también con el montaje de Darío García y música de Bronquio, aunque en la misma se incluye un par de canciones, una de ilegales , la de Tiempos nuevos, tiempos salvaje, y , especialmente, Tu frialdad de Triana. También fue programada en la sección ' Panorama Andaluz ' del 22º Festival de Cine Europeo de Sevilla .

Se llevó algunas nominaciones y algunos premios. En la 81.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos fue nominada al Mejor actor secundario (Luis Tosar) y al Director revelación (Rafael Cobos) 

En la XXIV edición de los Premios Mestre Mateo del Cine gallego de 2025  se llevó el de la Mejor interpretación masculina protagonista (Luis Tosar)

Y en la V edición de los Premios Carmen del Cine andaluz de 2025 cuya gala tuvo lugar en Córdoba hubo varias nominaciones entre ellos el de Mejor largometraje, y 6 premios como Mejor dirección novel (Rafael Cobos), Mejor interpretación masculina protagonista (Jesús Carroza), el de Mejor interpretación femenina revelación (Teresa Garzón), Mejor música original (Bronquio), Mejor canción original (Bronquio, Rafael Cobos, Jaime Gastalver, Teresa Garzón “La tierra esconde”), y Mejor vestuario (Lourdes Fuentes); quedando nominada en Mejor interpretación masculina de reparto (Antonio Estrada), Mejor interpretación masculina de reparto (Cristalino), Mejor interpretación masculina revelación (Carlos Bernardino), Mejor guion original (Rafael Cobos, Fernando Navarro), Mejor montaje (Dario García García), Mejor sonido (Jorge Marín), Mejor dirección de arte (Gigia Pellegrini) y Mejor maquillaje y peluquería (Yolanda Piña, Inés Díaz).

En cuanto a la crítica Luis Martínez en El Mundo escribe que se trata de "Un thriller emocional, pautado y desmedido (...) es una película admirable en su ambición, febril en cada unos de sus pasos y emocionante hasta el agotamiento. (...)" 

Carmen L. Lobo en La Razón defiende el valor de "Una puesta de largo madura, realista, sobre «la otra» Transición española, (...) no puede evitar cierto halo de fatalista tristeza y orfandad. Tosar y Carroza, son, en buena parte, los «culpables» de ello. Gracias. (...) " 

Desde Barcelona Salvador Llopart en La Vanguardia destaca que es "Una evocación metabolizada por la sabiduría cinéfila de Cobos, quien demuestra de nuevo aquello que decía el clásico: que lo que no es homenaje, es plagio. Como aquí. Puro homenaje al cine quinqui. (...) " 

Begoña Piña en Cinemanía destaca que "Encontrarse con una ópera prima con sentido cinematográfico, meditada, que profundiza en la historia que cuenta, pero no sobreexplica, con personajes complejos y que emocionan es una satisfacción especial. (...)" 

En Fotogramas, Eulàlia Iglesias comenta que es "En un film que quiere hacer notar en cada fotograma el poso de un pasado histórico, el desarrollo de la dimensión trágica de los personajes acaba lastrándole el pulso al thriller de golpes malogrados. (...)"

Los cronocrímenes

Los cronocrímenes es un auténtico mito. Siempre había oído hablar de ella como una maravilla, pero no la había visto nunca ni programada ni emitida. Es extraño pero estamos ante una película española con un entramado muy complejo que juega con el espacio temporal, es decir, es toda una rareza que fue dirigida por Nacho Vigalondo, que aquí aparece en calidad de director, actor y guionista. Este cántabro de nacimiento apostó por rodar en su tierra y algunas escenas en el vecino País Vasco. 

Los cronocrímenes, fue su debut en el largometraje, y está considerada como una de esas piezas originales y sorprendentes que tiene el honor de llevar la etiqueta de "película de culto", habiendo logrado el aplauso unánime de crítica y público.

Una propuesta sorprendente y fuera de lo normal para aquel 2007 en el que el cine español estaba más centrado en el cine realista. Vigalongo traía viajes en el tiempo y bucles temporales en una trama de lo más interesante y en solo 88 minutos. Era lo que parecía una ida de olla con misterio, ciencia ficción y  vendajes tintados en rosa.

Vigalondo, que también había hecho sus pinitos como actor antes de su ópera prima, asume uno de los papeles cruciales de la película y una historia nunca vista antes, original y que daría pie a muchas otras historias que seguían su senda. 

En la película, seguimos los pasos de Héctor. Atacado por la espalda en el bosque por un individuo con la cara vendada. Conseguirá huir y llegar a un laboratorio científico con una máquina que le ofrece la oportunidad de realizar un viaje de consecuencias imprevisibles. ¿Quién es el hombre de la venda?¿por qué le ataca? 

Esa es lña tesis de la película de Nacho Vigalondo y en la que estuvo en la producción los hermanos Ibarretxe- Esteban y Javier , así como Eduardo Carneros para A Contracorriente Films en una película que tuvo 2,6 millones de dólares en su presupuesto.

La película contó con la música de Chucky Namanera, la fotografía de Flavio Martínez Labiano y el complejo montaje de José Luis Romeu. El guion gráfico fue diseñado por David Baldeón.

Como protagonistas aparecen únicamente cuatro - realmente, cinco actores/actrices - como son Karra Elejalde como Héctor. Candela Fernández como Clara, Bárbara Goenaga como la chica del bosque. Nacho Vigalondo como el joven científico, y el quinto en discordia es Juan Inciarte como Héctor ocasional.

La película nos lleva a un espacio rural en el que un hombre de mediana edad llamado Héctor (Karra Elejalde)  y su esposa Clara (Candela Fernández) que viven en una casa de campo que están renovando. Héctor, que acaba de llegar, dee hacer unas compras, entre ellas una mesa que ha de montar su esposa, en un momento dado observa como el bosque cercana que hay justo detrás de su casa, mientras maneja unos binoculares, ve algo que desopués concreta: es una joven que está quitándose la camiseta, dejando al descubierto sus pechos.

Aunque es tarde, su esposa dice de ir a comprar algo que le sirve a Héctor para seguir mirando  a la mujer (Bárbara Goenaga) que se está desnudando entre los árboles y decide ir a investigar al lugar. como buen voyeur que es . Como no tiene claro lo que pasa, decide aproximarse a la zona para investigar y en eso que encuentra a la mujer en el suelo, desnuda e inconsciente.

Sin darse cuenta, es atacado y apuñalado en el hombro con un par de tijeras por una imagen siniestra: un hombre que tiene la cara cubierta con vendas rosas. 

Huyendo de regreso hacia su casa, entra en un centro de investigación donde se comunica con un científico (Nacho Vigalondo) a través de un walkie-talkie. Este le dice que el otro personaje le está persiguiendo y que sabe dónde está. El investiigador le aconseja que suba por un camino hasta un laboratorio situado en el mismo bosque. 

Héctor llega al laboratorio y se mete por las indicaciones del científico en una máquina. Sin quererlo, se da cuenta de que la máquina lo ha transportado en el tiempo al mismo día pero una hora o unos minutos antes. 

Héctor, desde el laboratorio, divisa su casa a través de unos prismáticos y se da cuenta de que se ve a él mismo, es decir, su doble, Héctor 1. Héctor se convierte ahora en Héctor 2 y está temeroso de su doble porque está en su casa. Para solucionar la situación, el científico le explica que es muy importante que Héctor 1 siga el mismo camino que Héctor 2 y se meta en la misma máquina del tiempo para que ya no haya dos Héctores. 

Sion embargo, Héctor 2 toma prestado el coche de color blanco del científico. En la carretera se encuentra con una mujer en bicicleta y se da cuenta de que es la misma mujer que vio antes, la misma que se estaba desvistiendo en el bosque. Se detiene en el camino y momentos después el auto es atropellado por otro móvil, cae por la cuesta y choca contra un árbol, con lo que empieza a sangrar por la frente. Se venda la cabeza y la cara con la venda que tenía en el brazo y se da cuenta de que él es el asesino al mirar su reflejo en el espejo retrovisor, es decir, que es el mismo que apuñaló a Héctor 1 al principio. Como es el asesino, se comporta como tal y la mujer, que lo viene a socorrer, cae en su plan malévolo. La obliga a desvestirse en el bosque mientras ve que Héctor 1 ha venido a investigar qué está pasando (como al principio de la película) y Héctor 2, ahora el asesino, lo apuñala en el hombro. 

Héctor 2 regresa a su casa y accidentalmente mata a quien cree que es su mujer por equivocación. Lo único que hace falta para que solo exista un Héctor es que Héctor 1 entre en la máquina del tiempo, sin embargo Héctor 2 desea volver a viajar en el tiempo para evitar la muerte de su esposa, pero el científico va en contra de sus planes. El científico le confiesa que otro Héctor, llamado Héctor 3, salió de la máquina del tiempo y le dice que él, Héctor 2, está a punto de convertirse en Héctor 3. El científico le dice que se ha comunicado con Héctor 3 y que éste le ha dicho que todo ha fallado y que debe impedir que Héctor 2 viaje en el tiempo. Héctor 2, ya convertido en Héctor 3, decide ir en busca de Héctor 2 y se sube a una camioneta roja. Choca contra Héctor 2, que está en el coche blanco del científico. 

Héctor 3 le dice al científico que todo está perdido. De pronto, se encuentra con la misma chica que fue obligada a desvestirse en el bosque por el asesino y esta le cuenta que está escapando de Héctor 2. Héctor 3 la calma y ambos, a instancias de la joven, van a casa de Héctor, donde se encuentra la esposa, la cual le dice que un asesino está en la casa y que ha llamado a la policía. 

Héctor 3 se da cuenta de que Héctor 2 no va a matar a su esposa pero necesita que Héctor 2 crea que si para que decida entrar en la máquina del tiempo nuevamente (recrear los hechos tal y como sucedieron para no crear una paradoja). 

Héctor 3 encierra bajo llave a su esposa en un cobertizo en el que se depositan herramientas de jardín tras colocar la escalera en el tejado, le da a la otra mujer ropa de su mujer y le corta el pelo como ella para que se parezca (con la excusa de que disfrazada, el extraño no la reconocerá), él se esconde y la joven continúa huyendo de Héctor 2. 

Una vez que Héctor 3 sabe con absoluta certeza que la joven ha fallecido y Héctor 2 regresará al centro donde se encuentra la máquina del tiempo con el fin de impedir el supuesto fallecimiento de su esposa, procede a liberarla del cuarto donde la aprisionó y, sin esclarecer ningún detalle, la sienta en las mismas sillas de jardín desde donde divisó por primera vez a la joven con los prismáticos y dejando el final bastante abierto, aunque resolviendo el misterio principal muy elegantemente. 

En el documental Future Shock! The Story of 2000AD , Nacho Vigalondo reconoce que la revista de cómics 2000 AD fue la mayor influencia en Timecrimes , en particular el número único "Chronocops" de Alan Moore y Dave Gibbons del #310 (1983). 

La banda sonora de la película fue compuesta por Eugenio Mira . La película también utiliza la canción " Picture This " de la banda de rock estadounidense Blondie , que el director Vigalondo ha declarado que eligió porque "le encanta el arreglo de la canción y los acordes. Es una canción alegre, pero a la vez muy triste y cercana a la película". 

En Los cronocrímenes, el viaje en el tiempo es tratado según el principio de autoconsistencia de Nóvikov; esto es, se considera que es imposible realizar una acción durante el viaje en el tiempo que conlleve a una paradoja del viaje en el tiempo (es decir, un cambio en el curso temporal). Sin embargo, lo novedoso en el planteamiento de la película es que consigue restablecer el libre albedrío en unas condiciones en las cuales el protagonista había perdido de manera aparente cualquier capacidad de elección (al igual que en el ejemplo planteado por Henry James). Se llega a la conclusión de que la libertad en los viajes temporales está estrechamente ligada al conocimiento que el viajero ha obtenido por medio de éstos. El hecho de que Héctor 3 desconozca si a quien había matado accidentalmente Héctor 2 era su esposa o la chica de la bicicleta, es lo que le permite a Héctor 3 decidir quién de estas dos ha de morir. 

El filme se estrenó internacionalmente en 2007, consiguiendo un gran éxito de crítica y diversos galardones en importantes festivales de todo el mundo. Sin embargo, la película no habría de estrenarse en España hasta junio de 2008.

La película se estrenó en Fantastic Fest en Austin, Texas , en septiembre de 2007. Igualmente se proyectó como película de clausura del Festival de Cine de Sitges en octubre de 2007.

Fue ganadora del Premio del público en Sundace, al igual que en la 23 edición de los Goya lo fue a la Mejor dirección novel (Nacho Vigalondo) y la crítica en el Festival de Cine Fantástico de Austin (Texas), 

En el 40 Festival Internacional de Cinema de Catalunya - Sitges 2007 fue nominado a Mejor película ; y en la 64.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos recibió dos nominaciones, y un premio al Mejor guion original (Nacho Vigalondo) siendo nominada al Premio revelación (Nacho Vigalondo) y Mejor montaje (José Luis Romeu) .

En cuanto a la crítica destaca la que presentó en el Chicago Sun-Times su principal crítico, Roger Ebert al decir que "Los problemas son tratados en 'Timecrimes' en un escenario inquietante (...) Todo está hecho de un modo ingenioso y entretenido. (...)."

Desde la misma Illinois , ahora desde las páginas del Chicago Reader J.R. Jones afirmó que  "Vigalondo aborda el tema (el viaje en el tiempo) lo justo para mantener el ritmo de este thriller, y Karra Elejalde resulta totalmente convincente en el papel del viajero en el tiempo involuntario" 

Walter Addiego del californiano SFgate señaló que "En general, es una agradable mezcla de ciencia ficción e historia de crímenes"

También desde California Gary Goldstein de Los Angeles Times comentó que "Solo es la mitad de ingeniosa de lo que se cree, y aún menos entretenida" Estados Unidos The New York Times 

Neil Young The Hollywood Reporter dijo de ella que "En conjunto y de forma frustrante, le da más importancia a la estructura que a la sustancia"

Noel Murray de AV Club escribió que "Aunque no es tan difícil ir un paso o dos por delante, sigue siendo una pequeña y ingeniosa obra de género, un juego mental de ciencia ficción a la antigua usanza"

En el  Austin Chronicle , tras su presentación, Marc Savlov señaló que "Es una obra kafkiana, tremendamente entretenida, que se adentra en el mundo de 'Twilight Zone'" 

Jeannette Catsoulis en las páginas del The New York Times dejó por escrito que "A Nacho Vigalondo no le falta audacia. Al construir una trama en bucle y concisa, y al dirigir como un jefe de bomberos en un edificio en llamas, consigue crear una sensación de urgencia y desorientación de la nada" Además señaló que " el papel del desnudo frontal femenino y la acción trepidante en la realización de una película de viajes en el tiempo sin efectos especiales y elogió la "audacia" del guionista y director Nacho Vigalondo por ser capaz de crear "urgencia y desorientación de la nada" a pesar del bajo presupuesto de la película y la falta de efectos especiales. 

También en la costa Este, Wesley Morris del The Boston Globe dudó de que la película " tuviese realmente sentido, pero reconoció que Vigalondo hizo un uso inteligente de la máquina del tiempo para disipar el escepticismo del espectador. 

Ya en España, Jordi Costa en El País afirmó que "Tiempo al tiempo. (...) hay que volver a ella para para descubrir los matices de su juego, sus múltiples lecturas (...) lo mejor es iniciar la partida rindiéndose a su rara inteligencia." 

Javier Cortijo en ABC comenta que es "Cierto que a veces parece un sketch no rematado (...) pero al final el espectador sale con la impresión de que no le han tomado por tonto. (...) El resultado mola bastante (...)"

Alberto Luchini de El Mundo considera que es destacable por tener "Un guión bien construido, está más que correctamente rodada. (...) Aborda el muy manido tema de los viajes en el tiempo desde una perspectiva novedosa y original." 

Poco después de su estreno, la United Artists, la productora de Tom Cruise, quedó fascinada con el guion y la historia y decidió comprar los derechos para producir su propio remake a la americana. Como ocurriese años antes con la película de Alejandro Amenábar, Abre los ojos y su respectivo remake Vanila Sky, en 2008 se anunció la compra del thriller de ciencia ficción por parte de esta productora americana. Lo cierto es que el nombre de Vigalondo les sonaba, al menos, tras su paso por Los Angeles. Vigalondo estuvo nominado a los premios de la Academia en 2004 por su cortometraje 7:35 de la mañana. Además, los se exhibió también en el festival de Sundance, donde la vieron los responsables de la productora de Tom Cruise. 

Sin embargo, el proyecto del remake comenzó a desinflarse años después y la que iba a ser Timecrimes (el supuesto título en inglés) quedó en un eterno remake pendiente con Steve Zaillian como guionista y productor. Refiriéndose al remake planeado por el director David Cronenberg , y aludiendo a las "secuelas humanas" de Héctor, Morris concluyó que Timecrimes "merece un doble".

Por mi parte destacar que en esta película hay mucho con poco dinero: Tres escenarios, cuatro actores/actrices y un magnífico y enrevesado guion y un buen montaje. Todo un buen ejemplo de que la imaginación es, en ocasiones, y en el cine más poderoso que el dinero, especialmente, para una Ópera Prima que nuestro crítico de cabecera Fausto Fernández calificó de "orgiástica". Es una propuesta ingeniosa, brillante y compleja. Es una vuelta a la ciencia ficción en estado puro.

Vigalondo construye un mecanismo de relojería suizo a partir de una premisa aparentemente sencilla: un hombre corriente, Héctor, es un tipo gris, miedoso, egoísta y desconcertado, cuyas reacciones torpes dinamitan cualquier atisbo de épica y acercan la trama al terreno de una farsa macabra. A esto se suma una visión poco clara, un científico y los asesinatos y los viajes en el tiempo. Es un bucle cerrado donde cada acción del protagonista en su intento por arreglar el desastre no hace más que provocarlo. La genialidad del guion radica en la precisión milimétrica con la que encajan las piezas de las distintas líneas temporales, y todo ello sin paradojas.  

El gran MacLintock

A pesar de ser un western clásico y conocido era la primera que la he visto. Lo que sí desconocía es que era un western en clave de comedia. Se hizo en el año 1963 y estuvo dirigido por Andrew V. McLaglen, un buen director , hizo del actor que trabajó en múltiples ocasiones con el gran John Ford  y que aquí trabaja con otrops dos actores que también lo hicieron junto a su padre y John Ford en El Hombre tranquilo como son John Wayne y Maureen O'Hara aquí como actores principales. 

Ya hemos presentado en más de una ocasión a  Andrew V. McLaglen en concreto cuando vimos y comentamos algunas de sus películas como Las alas del águila, o westerns como Los indestructibles, El valle de la venganza o The Way West. En este caso estamos ante otro western que estuvo bajo el productor Michael Wayne, integrante del clan de Wayne y que lo hizo bajo el amparo de las productora Batjac Productions y contando con la United Artists que manejó un presupuesto de unos $4 millones de dólares.

La película parte de un guion skhakespeariano escrito por James Edward Grant. La película contó con la música de Frank De Vol a la que se sumaron canciones  interpretada por The Limeliters . La fotografía de un grande y especialista en el género como William H. Clothier y  Otho Lovering fue el responsable del montaje. 

El elenco lo encabeza el citado John Wayne como George Washington "GW" McLintock y Maureen O'Hara como Katherine "Kate" McLintock, Junto a ellos aparece Patrick Wayne como Devlin "Dev" Warren, la jovensísima Stefanie Powers como Rebecca "Becky" McLintock. Igualmente aparecen Jack Kruschen como Jake Birnbaum, Chill Wills como Drago , Yvonne De Carlo como Louise Warren, un joven Jerry Van Dyke como Matt Douglas Jr. , Edgar Buchanan como Bunny Dull , Perry López como Davey Elk,  Strother Martin como Agard , Gordon Jones como Matt Douglas,  Robert Lowery como el gobernador Cuthbert H. Humphrey , Hank Worden como "Curly" Fletcher , Michael Pate como el Jefe Puma, Bruce Cabot como Ben Sage Sr. , Edward Faulkner como Ben Sage Jr. , Mari Blanchard como Camille , Leo Gordon como Jones , Chuck Roberson como el sheriff Jeff Lord , Bob Steele como el maquinista , Aissa Wayne como Alice Warren , "Big" John Hamilton como Fauntleroy Sage , HW Gim como Ching,  John Stanley como Running Buffalo y Kari Noven como Millie Jones . 

George Washington McLintock (John Wayne), es un respetado y querido ciudadano de un pueblo de Arizona que, precisamente tiene ese nombre McLintock. Es un ganadero terrateniente que se encuentra anclado a unos caducos principios basados en la rudeza y el machismo. Es por ello, y por las sospechas de infidelidad, que su mujer, Katherine Gilhooley  (Maureen O'Hara), le abandonó hace dos años. 

Estamos en 1895 y el magnate ganadero   George Washington "GW" McLintock, vive en su rancho,  Mesa Verde. Parece olvidar sus penas con la bebida y cuando lo hace deja en la veleta formada por un toro con enormes cuernos su sombrero para delirio de los chicos del lugar, mayoritariamente mexicanos. 

Como ya sabemos dos años antes, su esposa, Katherine, se marchó sin dar explicaciones, aunque se sabe que en la capital, en Newport se divierte en las fiestas del Gobernador y a la vida social . Su hija, Becky, (Stefanie Powers)  ya adulta, estudia fuera de casa, en el este y también se va influyendo de la moda musical y del vestuario neoyorkino,

McLintock es muy impopular entre los colonos que llegan para converirse en agricultores, entre el funcionario municipal Matt Douglas (Gordon Jones  ) , el agente indígena Agard (Strother Martin) y el gobernador Cuthbert H. Humphrey ( Robert Lowery ), pero era amigo de muchos, entre ellos el sheriff Jeff Lord, el dueño de la tienda general Jake Birnbaum, el indigente local y los indios comanches . 

Una de esas mañanas en las que sale de su amigo y capataz Drago ( Chill Wills ) McLintock se encuentra con nuevos colonos y les advierte que Mesa Verde solo es apta para la cría de ganado y demasiado árida para la agricultura. 

El protagonista les habla a las clara a los colonos y les dice que los primeros colonos fracasaron debido a la escasez de agua a partir del segundo año. No tiene ninguna esperanza en que puedan cuajar. Ante esto un huérfano Devlin "Dev" Warren ( Patrick Wayne) , un joven colono que mantiene a su madre viuda, Louise (Yvonne de Carlo), y a su hermana, Alice, le pide trabajo a McLintock. 

McLintock no quiere contratar a un granjero, y lo rechaza una y otra vez, pero el vagabundo Bunny Dull  (Edgar Buchanan  ) insta a Dev a que intente una vez más. Dev suplica por un trabajo, pero luego se enfurece al verse reducido a mendigar. McLintock admira su franqueza y lo contrata, junto con Louise, como cocinera a pesar de las protestas del cocinero chinop que lleva 30 años trabajando para su jefe, Ching. 

Mientras tanto, se entera que Katherine ha regresado con un fin: solicitar el divorcio. Cuando McLintock se niega, ella vuelve al rancho y manda a todos, incluida Louise. 

Los comanches, liderados por Running Buffalo, un indio que quiere whisky, llegan al pueblo para recibir el tren que transporta a sus jefes recién liberados. El sheriff Lord (Chuck Roberson ) los instala cerca de los colonos a pesar de las protestas de Douglas. Cuando los colonos creen erróneamente que los comanches han secuestrado a una joven, intentan linchar a Running Buffalo en represalia. 

McLintock y sus hombres intentan calmar la situación, pero se desata una pelea, y Katherine se une al bando de McLintock. 

Poco después llega Becky llega a casa con su pretendiente, Matt Douglas Jr.  ( Jerry Van Dyke) , el hijo de su enemigo decklarado y con formación musical. A McLintock no le cae bien "Junior", así que Katherine finge aprobación solo para fastidiarlo. 

En el tren de Becky también viajan cuatro jefes comanches, uno de ellos el jefe Puma, antiguo enemigo de McLintock y ahora su hermano de sangre. Han llegado para una audiencia donde se determinará si su pueblo será reubicado en una reserva en Fort Sill , Oklahoma. 

McLintock acepta hablar en la audiencia en su nombre. Dev y Becky discuten cuando Dev insulta a Junior llamándolo " tío ". Cuando Dev se mete en una pelea a puñetazos para proteger al asistente de Birnbaum, Davey Elk (Perry Lopez ), todos quedan impresionados por sus habilidades de boxeo. 

Sin embargo, el regreso a casa de la hija en común, con la apariencia de que se encuentra prometida, hará que la expareja se reúna de nuevo para decidir su futuro. A partir de este momento, se sucederán las peleas entre ambos, pero McLintock también tiene claro lo que quiere para su hija: que se labre su propio futuro , heredando una mínimamente de las propiedades de su padre. 

Más tarde, después de que Becky y Junior lo provocan deliberadamente, Dev llama a Becky " zorra" por besar a Junior antes de estar formalmente comprometidos. Becky exige que McLintock le dispare a Dev por insultarla; McLintock cede y simula dispararle con una pistola de fogueo inofensiva para darle una lección a Becky. Dev, creyendo que iba a morir, golpea a Becky con una pala de carbón , lo que enfurece a Katherine. 

Días después se produce la audiencia de reubicación, McLintock le entrega al gobernador Humphrey una petición de Puma, que lea ante lña audiencia, pero es ignorado. Como resultado, se ordena el encarcelamiento de los comanches hasta su traslado a Fort Sill. 

Emborrachado, McLintock le dice a Bunny que si los comanches lucharan hasta la muerte, como desean, el gobierno podría darse cuenta de la mala gestión del territorio por parte de Humphrey e intervenir. 

McLintock regresa a casa y presiona a Louise para que beba con él, aunque ella está intentando renunciar a su puesto de cocinera. Finalmente, Louise cede y se une a él. Más tarde, mientras suben las escaleras borrachos, ambos caen por ellas. 

Katherine, al oír el alboroto, se imagina lo peor al ver a Louise sentada en el regazo de McLintock al pie de la escalera. Entonces Louise le explica que renuncia porque el sheriff Lord le ha propuesto matrimonio. 

En la celebración del 4 de julio , Katherine rechaza los avances del gobernador Humphrey, pero continúa tratando a McLintock con dureza. Bunny, quien tomó en serio la sugerencia anterior de McLintock, ayuda a liberar a los comanches y les proporciona rifles robados de un vagón militar. Los comanches cargan a través del pueblo, liberan a sus jefes y escapan, con la caballería pisándoles los talones. 

Mientras se esconden en un pajar durante el ataque, Dev y Becky se reconcilian y se comprometen. Siguiendo el consejo de Birnbaum (Jack Kruschen ), McLintock confronta a Katherine, quien admite que (erróneamente) creyó que él le era infiel. 

Después de perseguirla por el pueblo y azotarla públicamente, McLintock le dice a Katherine que puede divorciarse de él y luego se va a casa. Katherine lo sigue y se reconcilian. 

El guion de la película está levemente basado en la obra de William Shakespeare La fierecilla domada, aunque  fue desarrollado por John Wayne como una forma de expresar su desaprobación por la representación negativa que los westerns hacen de los nativos americanos, sus opiniones sobre el maltrato conyugal y su descontento con la corrupción política de ambos partidos, contrastando intencionalmente con películas anteriores en las que Wayne protagonizó pero tuvo poco control creativo, como Centauros del desierto de John Ford . 

Otro marcado contraste con las películas anteriores de Wayne es el énfasis en la comedia y el uso del escenario del western para las posibilidades de la comedia física. Por todo ello le ofreció el trabajo de dirección a Andrew McLaglen , hijo del coprotagonista de Wayne durante mucho tiempo, Victor McLaglen , quien había dirigido varias películas de bajo presupuesto y había trabajado extensamente en televisión. 

Fue la primera película producida íntegramente por el hijo de Wayne, Michael , aunque había trabajado en varias otras películas en diversas funciones. El protagonista masculino juvenil Dev Warren fue interpretado por el hijo menor de Wayne, Patrick . 

Henry Hathaway dijo que iba a dirigir la película, pero Wayne no estaba dispuesto a pagar sus honorarios. 

La película se rodó en Old Tucson Studios , al oeste de Tucson, Arizona , y en San Rafael Ranch House - San Rafael State Natural Area , al sur de Patagonia, Arizona , y Nogales .  Aunque el nombre del territorio nunca se menciona, y la región de Mesa Verde donde se desarrolla la película se encuentra predominantemente en Colorado, Nuevo México y Utah, en la escena del tribunal, se ve la bandera de Arizona junto a la bandera de los Estados Unidos, aunque la bandera de Arizona no se creó hasta 1917. 

Muchos de los actores y el equipo, incluidos Andrew McLaglen, William H. Clothier , Bruce Cabot , Chill Wills , Edward Faulkner , Hank Worden , Strother Martin , Michael Pate , Leo Gordon , Chuck Roberson , John Stanley (el actor navajo y veterano miembro de la compañía de John Ford, que interpreta a Running Buffalo), y Patrick y Aissa Wayne, así como Maureen O'Hara , habían trabajado con Wayne en otras producciones. Wayne insistió en que se le diera un papel secundario a Yvonne De Carlo , cuyo esposo Bob Morgan se había lesionado durante el rodaje de La conquista del Oeste . 

Michael Wayne estimó el presupuesto entre 3,5 y 4 millones de dólares .

Como en muchas otras películas de John Wayne, Wayne lleva su hebilla de cinturón favorita, la "D del Río Rojo". Se puede apreciar mejor en la escena en la que GW McLintock (Wayne) se dirige a los colonos, aproximadamente a los 10 minutos de la película, y al final de la escena en la que los comanches atraviesan el pueblo camino a "la última batalla de los comanches", unos 10 minutos antes del final de la película. 

En el especial del DVD "¡Maureen O'Hara y Stefanie Powers recuerdan a McLintock! ", O'Hara contó que cuando Wayne y ella filmaron la famosa escena en la que él la azotaba con una pala de carbón, no se anduvo con rodeos. "¡Me azotó de verdad! ¡Tuve el trasero morado durante semanas!" 

La película fue un éxito de taquilla, y uno oportuno, ya que El Álamo le había costado a Wayne tanto en términos financieros como de "capital de taquilla".  ¡McLintock! recaudó $14,500,000 en Norteamérica,  ganando $7.25 millones en alquileres de cines en EE. UU . 

Andrew McLaglen dijo que la película "me catapultó a la fama".  Hizo cuatro películas más con Wayne: Hellfighters (1968), The Undefeated (1969), Chisum (1970) y Cahill, US Marshal (1973). 

Según Bosley Crowther , "el western cómico ... parecía una idea prometedora"; "el paisaje es opulento y la acción al aire libre, el color exuberante y el reparto compuesto casi en su totalidad por actores reclutados del largo ciclo cinematográfico de John Ford que conmemoraba la tradición de la frontera estadounidense ".  Dado que "la dirección se confió a un recién llegado, el hijo de Victor McLaglen, Andrew V. McLaglen, formado en televisión ... las buenas intenciones, cuando la tarea en cuestión es tan difícil como una farsa desenfrenada , no son suficientes". 

Emanuel Levy , en una reseña años después del estreno de la película, dijo que la película es "significativa porque marca el comienzo del intento de Wayne de imponer sus puntos de vista generales, no solo políticos, en sus películas. La mayor parte del trabajo cinematográfico de Wayne después de McLintock! expresaría sus opiniones sobre la educación, la familia, la economía e incluso la amistad". 

Ya en España, Fausto Fernández comenta que "John Wayne - aquí comediante de puños alegres- y Maureen O'Hara , con pelea física, replican el toma y daca conyugal, pelea hoy políticamente incorrecta incluida, de El hombre tranquilo pero en ligero western, en la simpatiquilla en El gran McLintock, del hijo de Victor McLaglen, el nunca demasiado alabado A. V. McLaglen. También tiene mucho de Chisum para el crítico catalán habitual de Fotogramas " 

La película fue producida por Batjac Productions de John Wayne y distribuida por United Artists . Batjac no renovó los derechos de autor, que expiraron en 1991. 

En 1994, un caso judicial determinó que la película era de dominio público en Estados Unidos , pero la banda sonora seguía protegida por derechos de autor. Batjac Productions, una compañía que ahora pertenece a los herederos de John Wayne, conserva los derechos de distribución de las versiones "oficialmente restauradas" de la película y posee los negativos originales, así como los derechos de la banda sonora.

Una vez vista El Gran McLintock considero que este western en tono de comedia es enérgica, divertida y entrañable, un vehículo perfecto para el carisma indiscutible de John Wayne. Dirigida por Andrew V. McLaglen, la película funciona como una brillante y libre adaptación en clave de western de La fierecilla domada de William Shakespeare, logrando un equilibrio fantástico entre la acción tradicional, el humor físico (slapstick) y el romance maduro. Lo mejor de la película reside en la arrolladora química entre John Wayne, en el papel del honesto y temperamental ganadero  y Maureen O'Hara, quien interpreta a su sofisticada pero orgullosa esposa Katherine. Su dinámica en pantalla está llena de chispas, diálogos mordaces y una tensión cómica inigualable, consolidándolos como una de las parejas cinematográficas más icónicas de Hollywood.

Visualmente, el filme es un espectáculo en Technicolor que nos muestra lo espectacular que puede ser el desierto. La famosa escena de la multitudinaria pelea en el pozo de barro es un prodigio de la comedia física, coreografiada con un ritmo impecable.

Aunque en la película no se para de beber lo cierto es que la película defiende valores como la lealtad, la honestidad, el trabajo propio frente a la herencia y el respeto mutuo frente a la hipocresía social y, sorprendentemente para su época, muestra una actitud de sincero respeto y convivencia digna hacia las comunidades nativas americanas o al considerar a su viejo cocinero chino como uno mñás de la familia. En definitiva, es un clásico imprescindible que celebra la vida, el amor y el viejo oeste con una vitalidad contagiosa.

José Luis

Con ese nombre y con este título nos podríamos estar refiriendonos al ex-ministro Ábalos, el político español, que después de ser vicepresidente de Gobierno, Ministro de Transportes y segundo del partido- decir en Andalucía , "El partido", es referirse al PSOE- hay está bajo la sombra de la trena. Pero no, este José Luis no puede ser otro que Torrente. 

Hubo un momento en el que Torrente se supone que fue, simplemente, José Luis. Desconocemos todo del mismo, salvo que tiene un padre del que abusa y denigra y que por sus actuaciones e indecencia posiblemente fueron las razones que le llevaron a ser expulsado de la Policía. Pero, visto lo visto, en esta primera entrega tenía todas las papeletas para salir rápidamente del cuerpo dado que es un racista, un machista, un homófomo, un explotador, un ladrón y un sinvergüenza como un pino. 

Era y es un hombre con salidas, sin amigos, grosero, insultante, repulsivo, sucio, casquivano y miserable pero tiene un deje de humor que en esta primera entrega, si bien no propoca carcajadas, es cierto que sorprende, porque sin dudas perpetra esta película y es el brazo tonto de la ley. 

Torrente, el brazo tonto de la ley es una comedia con tendencia a la acción del año 1998, escrita, dirigida y protagonizada por Santiago Segura en su primer largometraje como director. El título es una parodia de Cobra, el brazo fuerte de la ley, nombre con el que fue promocionada en España la película estadounidense de 1986 Cobra. 

Para hacer esta película contó como ayudante de dirección con Sergio Francisco y con la dirección artística de José Luis Arrizabalaga "Arri Biaffra" y los Los Zombis de Sahuayo y la producción de Andrés Vicente Gómez para la productora de Rocabruno , así como Vía Digital y Cartel contando con la Columbia TriStar Films en la distribución y un presupuesto de €1,8 millones. 

Para la música tiró de uno de los mejores músicos españoles, Roque Baños, pero también homenajeó a El Fary con su "Torito guapo" o "Apatrullando la ciudad".

En el apartado técnico como el sonido lo hizo de Antonio Rodríguez "Mármol". Para el buen maquillaje que aparece estuvo Miguel Sesé y en la fotografía la gestionó Carles Gusi, el montaje Fidel Collados y el cutre vestuario Lala Huete. 

Para el reparto tiró de actores y "amiguetes". Se ve que en esta primera película vio el potencial de Javier Cámara como su ayudadnte Rafael «Rafi» Jiménez Valera, pescadero y amante de las armas como también tirará de Chus Lampreave, como Remedios «Reme» Valera, la dueña de la pescadería Los Jureles, madre de Rafi y tía de Amparo que es un voluptuosa y estupensa Neus Asensi, así como de Manuel Manquiña, el Francés, el sicario cruel de Mendoza o Jimmy Barnatán como Toneti o un joven Antonio de la Torre como Rodrigo. 

Después tiró de actores que estaban casi descatalogados como Luis Cuenca, el dueño del bar donde diariamente desayuna Torrente sus siete whiskies o Tony Leblanc que hará de Felipe Torrente, el padre hemipléjico de Torrente, al que «resucitó» al llevar 23 años retirado, y un galán de los setenta, Espartaco Santoni, el narco Mendoza. 

Por último están sus amiguetes que en ese momento se prestaron a salir en su película - ¡Dudo mucho que hayan querido salir en Torrente, Presidente!- como son Carlos Bardem, Javier Bardem, El Gran Wyoming, o Andreu Buenafuente o Fernando trueba o el dúo humorístico Faemino y Cansado. También tiró de rostros conocidos por el público Cañita Brava, Poli Díaz. 

Curiosamente también aparece Gabino Diego que después estará en otras entregas, aquí como atracador. 

La historia cuenta las aventuras de José Luis Torrente, un expolicía machista, racista, franquista, zafio, aficionado a las prostitutas, bebedor, consumidor de droga, fanático de El Fary y del equipo de fútbol Atlético de Madrid. 

La película empieza con el  protagonista  tras tomarse una buena cantidad de lingotazos de "güisqui" haciendo una ronda nocturna por el centro de Madrid hasta llegar a su casa. Ya de mañana José Luis se encuentra con «Rafi» (Javier Cámara) en la escalera cuando al "polí se le cae una pistola , que estaba bajando a ayudar a su madre (Chus Lampreave) en la pescadería. 

Torrente vive con su padre Felipe (Tony Leblanc), que está postrado en silla de ruedas, y que no es muy bien tratado por su hijo, incluso lo usa para que pida limosna durante el día. 

Normalmente acude a tiendas a aprovecharse de las distracciones de los encargados y come en el restaurante de su amigo Antonio (Cañita Brava) hasta que le echa por tener Torrente una deuda de 6000 pesetas de whisky. 

Por accidente, y después de que su padre sufriese un ataque, Torrente descubre una trama de tráfico de narcóticos en un restaurante de cocina oriental, que está encabezada por un tal Mendoza (Espartaco Santoni), cuya mano derecha es «El Francés» (Manuel Manquiña). 

Ayudado por Rafi y una banda de amigos de este (Carlitos, Malaguita, Toneti y Bombilla) planea desbaratarla, pero las cosas no salen como Torrente espera y casi todos terminan siendo asesinados. 

Sin embargo consigue llevarse el botín de 50 millones que Mendoza tenía acordado para entregar a un traficante rival y logra fugarse en una ambulancia a Torremolinos.

Se dice que Segura decidió realizar su primera película durante el rodaje de El día de la Bestia, mientras preparaban la escena final. Como actor creía que no había suficiente dramatismo para provocar lástima cuando su personaje muere y con él resucitará la comedia popular tan común en el cine español de los 60 y 70. 

El personaje principal, José Luis Torrente, surgió durante una comida del propio Segura en un restaurante chino, en donde vio a un cliente que se mostró de forma grosera con la camarera y los familiares que almorzaban con él se sintieron avergonzados. 

El rodaje de la película se realizó entre julio de 1997 y septiembre en distintas localidades de la Comunidad de Madrid, entre las que se encuentran Leganés, Móstoles, Navacerrada, San Sebastián de los Reyes y la capital de la comunidad. El portal de la casa de Torrente junto a la pescadería, se rodó en el n.º 26 de la Calle del León de Madrid. El decorado exterior del restaurante chino 'El Rollito Wai' se filmó en el n.º 17 de la Calle de Isabel la Católica de Madrid. El lugar de billares donde se conocen los amigos de Rafi y Torrente se ubicaba en la Calle de Bravo Murillo de Madrid.. La discoteca Macumba, en la Estación de Chamartín, acogió el rodaje de la escena de la discoteca. 

La crítica valoró positivamente esta primera entrega que además tiene gags inspirados en otras películas que van desde Scorsese a Don Siegel y su Harry el Sucio, así como las películas de "Buddy Movies" o las del agente 0007. 

Luis García Berlanga dijo: «La película contiene un gag genial que define a la perfección el carácter español: acodado en la barra del bar, Torrente se hurga los dientes con un palillo... que vuelve a dejar en el palillero». 

En cuanto que Ángel Fernández Santos en El País la califica como una "Magnífica gracia burra" o en Cinemanía Ramón F. Reboiras afirma que "Santiago Segura emerge casi tan poderoso en su faceta de comediante como de director" 

En Estados Unidos Jonathan Holland en Variety escribió sobre ella que era "Un thriller cómico tremendamente entretenido con una producción de primer nivel (...) Deleitará a los espectadores españoles" 

Con menos alegría, Todd Brown de Screen Anarchy comentó que "Aunque no cabe duda de que tiene momentos graciosos, Torrente es un personaje tan desagradable y unidimensional que las bromas se agotan rápidamente" 

La película ganó dos Premios Goya, el mejor director novel y actor de reparto (Leblanc) siendo nominado como Mejor actor revelación Javier Cámara que si se llevó el Premios Ondas 1998. En la 49.ª edición de los Fotogramas de Plata nominó a Santiago Segura como Mejor actor de cine ; y fue la cinta más taquillera de la historia del cine español en ese entonces. 

El éxito masivo en taquilla de la película dio lugar a una saga cinematográfica con varias secuelas; la primera de ellas, Torrente 2: Misión en Marbella, se estrenó en 2001 y superó el récord de su predecesora como la más taquillera del cine español. 

La película no deja de ser una brillante sátira social que redefinió la comedia española gracias a su valentía para retratar los rincones más oscuros y esperpénticos de la picaresca nacional. Santiago Segura construyó una obra maestra del humor negro al presentar a José Luis Torrente, un antihéroe repugnante pero fascinante que recopila todos los defectos posibles. Lejos de glorificar al personaje, la película funciona como un espejo incómodo de una España casposa, cañí y rancia. 

El diseño de Torrente como caricatura es perfecto: un policía corrupto, racista y machista que expone la miseria moral con una precisión quirúrgica. La química con Rafi (Javier Cámara) y con el resto de colaboradores aporta una dinámica tragicómica perfecta que equilibra la sordidez del ambiente nocturno madrileño y por supuesto importante fue la inolvidable interpretación de Tony Leblanc recuperado como el padre aporta momentos de profunda y cínica humanidad.

Blade Trinity

En pocos meses hemos comenzado y terminado con ese personaje vampírico de Marvel que es Blade. La primera entrega fue Blade (1998) y con ella comenzó la película que redefinió el cine de superhéroes y salvó a Marvel del borde de la bancarrota. Dirigida por Stephen Norrington y protagonizada por un imponente Wesley Snipes como el cazador mitad humano y mitad vampiro ( Daywalker ). Recaudó más de $130 millones en todo el mundo. La segunda fue Blade II (2002), dirigida por Guillermo del Toro , aportó su característico toque de terror fantástico y monstruos mutantes ( Reapers ).

Ahora le toca el turno a Blade: Trinity (2004), dirigida por David S. Goyer y coprotagonizada por Ryan Reynolds y Jessica Biel , con la cerró la etapa clásica del personaje. Y es que esta entre de Blade, la Trinity, es una película estadounidense de superhéroes de 2004 basada en el personaje de Marvel Comics siendo la secuela de Blade II (2002) y la tercera entrega de la franquicia Blade . 

Como ya dije estaba escrita y dirigida por David S. Goyer, guionista de la primera entrega y está basado en el personaje creado por Marv Wolfman y Gene Colan . La película fue producida por Peter Frankfurt, Wesley Snipes, David S. Goyer y Lynn Harris amparado por las compañías New Line Cinema y Marvel Entertainment y para la que contó con un presupuesto de unos 65 millones de dólares que recuperó con creces los invertido al conseguir en taquilla $132 millones. 

El responsable de la fotografía fue Gabriel Beristain quedando el montaje en manos de Conrad Smart y Howard E. Smith. La música fue compuesta por Ramin Djawadi, RZA. 

La película está protagonizada por Wesley Snipes como Eric Brooks / Blade, Jessica Biel como Abigail Whistler, Ryan Reynolds como Hannibal King, Dominic Purcell como Drácula / Drake, Kris Kristofferson como Abraham Whistler, Parker Posey como Danica Talos, Callum Keith Rennie como Asher Talos, Triple H como Jarko Grimwood, Natasha Lyonne como Sommerfield, Ginger "Haili" Page como Zoe, Mark Berry como el jefe Martin Vreede, John Michael Higgins como el Dr. Edgar Vance, Patton Oswalt como Hedges, James Remar como el agente del FBI Ray Cumberland, Michael Anthony Rawlins como el agente del FBI Wilson Hale, Christopher Heyerdahl como Caulder, Scott Heindl como Gedge, Cascy Beddow como "Flick", Paul Anthony como Wolfe, John Ashker como Campbell, Eric Bogosian como Bentley Tittle, Ron Selmour como Dex, Françoise Yip como Virago, Kett Turton como "Dingo" y Michel Cook como miembro del equipo SWAT. 

La película comienza en Irak, en un espacio en el que hay bastantes zigurats y allí llega un helicóptero con un pequeño grupo de vampiros, liderado por los hermanos Talos, Danica y Asher, y su guardaespaldas Jarko Grimwood, investigan una antigua tumba en el desierto , que creen que pertenece al primer vampiro Drácula , también llamado "Drake". Y efectivamente sí que aparece en un momento dado tras retirar una gran losa, Drake que acaba con un integrante del equipo. 

Tras esto volvemos a los Estados Unidos , a lo que parece ser una gran nave industrial. A la misma llega Blade que inicia una matanza de vampiros con su nuevo y eficaz armamento diseñado por Abraham Whistler. Algunos de los vampiros huyen y Blade inicia una persecusión alcanzando uno tras otro de los vampiros. Al culminar la misma tiene lugar un enfrentamiento entre Blade y el superviviente de un accidente de tráfico entre los vampiros que huían. Como era de espera Blade no lo perdona, pero mientras el vampiro está moribundo le hace saber que acaba de matar a un humano. 

Agentes del FBI localizan el escondite de Blade y matan a su mentor y amigo, Abraham Whistler . Desmoralizado, Blade se rinde y es arrestado. Los familiares de los vampiros han acordado con las autoridades entregar a Blade. 

Pero éste es rescatado por Hannibal King y Abigail Whistler, la hija de Abraham, quienes invitan a Blade a unirse a su grupo de cazadores de vampiros, los Nightstalkers . De ellos, Blade descubre que los vampiros han revivido a Drake, con la intención de usar sus poderes para curar a los vampiros de sus debilidades y crear así un supervampiro similar al primero de los vampiros, Drake, que puede sobrevivir a la luz del sol. 

Junto con la innovadora munición ultravioleta " parhelio ", la científica ciego de los Nightstalkers, Sommerfield, ha creado un arma biológica viral experimental conocida como Daystar, capaz de matar vampiros a nivel genético. Sin embargo, para que sea efectivo, necesitan una fuente de sangre pura. Drake es demasiado poderoso para matarlo porque es inmune a cualquier debilidad vampírica, incluida la luz del sol, así que esperan que el virus lo mate y, con su sangre en la mezcla, asegurar la extinción del resto de la especie. Ansioso por poner a prueba a Blade, Drake lo aísla de los Nightstalkers. 

Explica su punto de vista de que todos los humanos y vampiros son inferiores a sus ojos y que pretende exterminarlos. Abigail encuentra evidencia de los planes de los vampiros para la subyugación humana: una red de "granjas de sangre" donde se extrae la sangre de humanos con muerte cerebral para el consumo vampírico. Blade desactiva los sistemas de soporte vital de la granja y ejecuta al policía conocido que había estado capturando humanos para los vampiros. 

Al regresar al escondite de los Nightstalkers, Abigail y Blade los encuentran a todos muertos, excepto a King y Zoe, la hija de Sommerfield, quienes han sido capturados. Una grabación dejada por Sommerfield revela que la sangre de Drake es todo lo que se necesita para que sea efectivo, pero también advierte que Blade podría morir. 

King es torturado por los vampiros para obtener información, pero se niega a hablar, incluso cuando lo amenazan con convertirlo en vampiro, dejarlo morir de hambre y luego obligarlo a alimentarse de Zoe. Blade y Abigail llegan y liberan a los cautivos. 

Abigail mata a Asher mientras King mata a Jarko. Blade y Drake se enfrentan en combate hasta que Drake lo vence. Mientras Drake se prepara para matar a Blade, Abigail dispara la flecha Daystar, pero Drake la atrapa antes de que caiga. Esta distracción permite a Blade apuñalar a Drake con la flecha Daystar, desencadenando una reacción química que completa el virus y lo libera al aire, matando a Danica y a todos los vampiros. 

Mientras Drake sucumbe lentamente a sus heridas y al virus, elogia a Blade por luchar con honor, pero le advierte que eventualmente sucumbirá a su necesidad de sangre, reconociendo que Blade es el futuro de la raza vampírica. 

Usando el último de sus poderes, Drake se transforma en Blade, permitiendo que este escape. El FBI recupera el cuerpo, pero al comenzar la autopsia, este se transforma de nuevo en el difunto Drake. 

En 2001, antes del estreno de Blade II , New Line Cinema llegó a un acuerdo con David S. Goyer para escribir y producir una tercera película de Blade . En 2002, el director alemán Oliver Hirschbiegel estuvo en conversaciones para dirigir la película, pero optó por dirigir una película sobre Adolf Hitler llamada Downfall, es decir, El hundimiento. Goyer, amigo de Stephen Norrington y Guillermo Del Toro, les pidió consejo. Del Toro realizó el arte conceptual de la película y se le agradeció en los créditos finales. 

En agosto de 2003, Ryan Reynolds estaba en negociaciones para unirse a la película, y Ashley Scott también estaba siendo considerada como su contraparte, y también protagonizarían una posible película derivada. 

Más tarde ese mes, Jessica Biel firmó para el proyecto. Los productores de New Line Cinema sugirieron contratar al luchador profesional Triple H y Goyer se mostró muy escéptico. Goyer quedó impresionado por el sentido del humor y la autocrítica de Triple H y terminó ampliando su papel. No fue una producción fácil. 

Según se informa, Wesley Snipes no estaba contento con el guion de la película ni con la elección original del director. David S. Goyer , quien había escrito las tres películas de la franquicia, fue seleccionado para reemplazar al director, lo que también provocó la protesta de Snipes. Al parecer, Snipes causó dificultades durante el rodaje, incluyendo su frecuente negativa a filmar escenas, lo que a menudo obligaba al director Goyer a usar dobles y efectos especiales para agregar su personaje a las escenas. 

Goyer describió la realización de la película como "lo más difícil y doloroso que he vivido, tanto a nivel personal como profesional". El coprotagonista Patton Oswalt alegó que Snipes pasaba gran parte del tiempo fumando marihuana en su caravana y que se volvió violento con Goyer después de acusarlo de racismo. También se ha alegado que Snipes se negaba a interactuar con el resto del elenco y el equipo, incluyendo a Goyer, y que en su lugar se comunicaba con ellos a través de su asistente o mediante notas. Snipes también habría llamado " blanquito " a su coprotagonista Ryan Reynolds en una o más ocasiones. Snipes negó esa versión de los hechos y dijo que como productor ejecutivo de la película tenía autoridad para tomar decisiones, pero que a algunas personas les costaba aceptarlo. 

En el set, Snipes consideró que el humor de Reynolds era un poco exagerado para Blade: Trinity , pero años después pensó que tenía sentido en el contexto de Deadpool . En Deadpool & Wolverine , Snipes disfrutó trabajando con Reynolds, afirmando: "Es único en ese sentido, y ha encontrado un nicho fantástico para sí mismo haciendo lo que hace. Deadpool es Ryan Reynolds todo el día. Así que fue agradable. Fue agradable trabajar con él. Fue agradable volver a verlo". 

En 2005, Snipes demandó a New Line Cinema y a Goyer, alegando que el estudio no le pagó su salario completo, que fue excluido intencionalmente de las decisiones de casting y del proceso de filmación, a pesar de ser uno de los productores, y que el tiempo en pantalla de su personaje se redujo en favor de sus coprotagonistas Ryan Reynolds y Jessica Biel . 

En 2006, Snipes fue demandado por United Talent Agency por supuestamente no cumplir con los acuerdos de pagarle una comisión a la agencia sobre sus ganancias. Blade: Trinity fue estrenada por New Line Cinema en Estados Unidos en diciembre de 2004. 

La película recaudó 132 millones de dólares en taquilla a nivel mundial con un presupuesto de 65 millones de dólares y recibió críticas mayoritariamente negativas por sus temas predecibles, dirección y actuación; es la película peor valorada de la trilogía. 

Más tarde, David S. Goyer también fue muy crítico con el producto final: «No creo que nadie involucrado en esa película haya tenido una buena experiencia en ella, ciertamente yo no. No creo que nadie involucrado en esa película esté contento con los resultados. Fue una producción muy tortuosa». 

En cuanto a los críticos, Roger Ebert del Chicago Sun Times , quien había valorado muy bien a la primera entrega y a Blade II consideró que Blade: Trinity no estaba a la altura de las otras entregas y escribió: «Carece de la línea narrativa aguda y la claridad nítida de los cómics de las películas anteriores, y cae con demasiada facilidad en escenas de lucha sin forma que están cortadas en tantos cortes que carecen de toda forma o ritmo». 

También desde la prensa de Illinois , en concreto, Chicago Reader Jonathan Rosenbaum valoró la película como "La única que parece estar disfrutando es Parker Posey, campando a sus anchas como una de los vampiros."

En el Chicago Tribune, Robert K. Elder consideró que "Por suerte, Reynolds añade algo de humor a una saga que de otra manera, habría colapsado bajo la auto-parodia"

James Berardinelli calificó la película de la siguiente forma « Blade: Trinity es una copia exacta de sus predecesoras. Es pura actitud y estilo de acción sin ninguna sustancia que lo respalde. Sin embargo, mientras que las dos primeras Blades satisfacían a nivel visceral, esta no lo hace». 

Dennis Harvey de Variety comentó que "No perdurará mucho en la memoria, pero ofrece mucha buena acción mientras la ves" 

Rene Rodriguez de Miami Herald dijo de ella que era "Un trabajo genérico y sin imaginación, sólo memorable por su incesante y flagrante publicidad de ordenadores Apple e iPods"

Frank Scheck de The Hollywood Reporter afirmó que "Debería satisfacer razonablemente a los fans del género, antes de asumir su lugar en la sección de terror de tu videoclub local"

Maitland McDonagh de TV Guide consideró que era "Una máquina de adrenalina sin alma que nunca resulta aterradora y rara vez es interesante"

Stephen Holden del The New York Times la calificó de "Película irregular, descuidada y sin suspense que sustituye los sustos por humor 'camp'", 

Otro Stephen, en este caso, Stephen Hunter del The Washington Post consideró que "Es ruidosa, oscura, irregular y ni siquiera un poco divertida. Sales a la luz del día magullado y golpeado, sufriendo un caso de abuso cinematográfico" 

Ya en España, Javier Ocaña en El País dijo de ella que "Deja una irrefrenable sensación de ya vista. (...) mucha menos oscuridad y bastante más acción (sin sentido)."

José Manuel Cuéllar del ABC consideró que era "La más floja de todas. Empezando por un guión deficiente, pasando por una acción trepidante pero reiterativa y acabando por un malo flojito. (...)." 

Para Fausto Fernández en X es " El mismísimo Drácula, titular de los tebeos donde el cazavampiros afroamericano hizo su aparición, es el enemigo en la tercera, final y más humorística (las ventosidades y el ajo, nada Lubitsch, pero efectivo), de la franquicia y la más desvergonzadamente divertida. Puro tebeo - de hecho, la más tebeo- tronado y plausible  e incomprendida de Marv Wolfman". 

La película fue nominada a Mejor Película de Terror en los Premios Saturn , pero perdió ante Shaun of the Dead . 

En julio de 2019, en la Comic-Con de San Diego , Marvel Studios anunció un reinicio de Blade ambientado en el Universo Cinematográfico de Marvel (MCU), con Mahershala Ali como el personaje principal. El estreno de Blade estaba programado originalmente para el 7 de noviembre de 2025. En octubre de 2024, la película se retrasó y se eliminó del calendario de estrenos. En julio de 2026, se anunció la cancelación de la película. Más tarde ese mismo mes, Ali confirmó que había "pasado página" y que ya no estaba involucrado en la película.