Muy lejos

Un viaje de autodescubrimiento es una experiencia transformadora, a menudo en solitario para aprender a confiar en uno mismo y a gestionar situaciones imprevistas, diseñada para explorar la propia identidad, valores y propósito de vida fuera de la rutina habitual. Significa enfrentar miedos, cuestionar creencias preestablecidas y fomentar la autonomía, la resiliencia y el crecimiento personal para vivir de manera más auténtica y consciente. 

Alejarse del entorno familiar permite silenciar las expectativas externas y escuchar la propia voz interior. Implica el desarrollo de la autenticidad algo que nos ayuda a identificar qué valores, necesidades y pasiones son realmente propios, en lugar de adoptados por presión social o familiar. 

Ayuda este tipo de viaje a enfrentarse uno a los desafíos en un entorno desconocido fortalece la confianza, la autoestima y la resiliencia. 

Por último, proporciona la claridad necesaria para tomar decisiones importantes, cambiar de rumbo profesional o mejorar relaciones personales. Pues bien, este es el viaje que hace Sergio, el protagonista de la película, bajo la mano del director Gerard Oms quien dirige esta película del año 2025 que llevó en holandés el título de Zo ver weg, en catalán el título de Molt lluny y en inglés de Away , que fue nominada a dos premios Goya en concreto lo mejor dirección Nobel y al mejor actor protagonista en la persona de Mario Casas como considerado por muchos críticos su mejor trabajo doctor hasta la fecha. 

La película ganó a Mejor Ópera Prima en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (México) y se alzó con dos Biznagas en el Festival de Málaga en su estreno mundial en el Festival de Málaga en abril de 2025 , la de Mejor Actor (Mario Casas) y el Premio Especial del Jurado de la Crítica. 

Muy lejos dirigida por este director es también la historia de un joven que huye de España en busca de una nueva vida con la que asimismo. 

La película fue Premio del jurado de la crítica y al mejor actor del Festival de Málaga del año 2024 en este drama social sobre el desarraigo y el miedo a ser uno mismo. 

Casas interpreta a un hombre que tras asistir con sus amigos y su hermano y su padre a un partido de fútbol entre el español y el Utrecht decide quedarse en la ciudad neerlandesa sin dar explicaciones a nadie. Junto a Mario Casas participan de la película David Verdaguer, Ilyass El Ouahdani y Jetty Mathirin. 

Después de asistir a un partido de fútbol del Real Club Deportivo Espanyol en Utrecht de 2009 , Sergio (Mario Casas) sufre un ataque de pánico al coger el vuelo de vuelta a Barcelona. Como resultado, decide quedarse en Holanda, teniendo que sobrevivir en el país sin saber ni siquiera el idioma.

Incapaz de dar una explicación lógica a los suyos, corta todo contacto con su pasado. A partir de ese momento, deberá sobrevivir, sin dinero, sin amigos, sin casa y sin hablar el idioma, hasta ser capaz de encontrarse a si mismo. 

A lo largo de la película descubre lo difícil vivir sin dinero, lo complejo que es encontrar un trabajo en el extranjero especialmente si eres un inmigrante, lo difícil que lo tienes si eres ajeno a la Unión Europea, como le ocurre a Yusuf (Ilyass El Ouahdani), que no todos tus paisanos son amables y colaboradores, que encontrar habitación es casi imposible, que los lazos entre iguales se refuerzan, que , en ocasiones, los que te acogen se convierten en tu familia de acogida, que tu sexualidad te condiciona y está en el trasfondo de tus decisiones, y que los hermanos, lo saben todo. 

La idea original de Muy lejos nació a partir de las experiencias como adolescente del cineasta Gerard Oms, quien viajó a Holanda porque no tenía referentes que le ayudasen a entender lo que le pasaba en su vida. En junio de 2023, se anunció que los productores Carles Torras y Sergio Adrià junto a la productora Zabriskie Films y Revolver Amsterdam estaban desarrollando la película Muy lejos (Zo ver weg), a las que se sumaron TV3, RTVE, 3Catla cual estaría dirigida por Oms contando como ayudante de dirección con Marijn Braad y la dirección artística de Laia Serra Ros. 

En octubre de 2023, se anunció que Mario Casas protagonizaría la película. Todo partía del guion de Gerard Oms, la música de Silvia Pérez Cruz, el sonido de Jordi Cirbián, el maquillaje de Carmen de Fretes, la fotografía de Edu Canet Ciscar, el montaje de Neus Ballús y el vestuario de Alice Bocchi. El rodaje de la película comenzó el 13 de noviembre de 2023, y a mediados de diciembre se anunció que había concluido. El rodaje de la película tuvo lugar en localizaciones de Cataluña y los Países Bajos. 

Aunque se desconoce el presupuesto total de la cinta, Muy lejos recibió 783.735 euros procedentes de las ayudas generales del ICAA. 

Para prepararse para su papel, Casas tomó clases de danza contemporánea durante un mes y también se dedicó a repasar papeles de hombres reprimidos como los interpretados por Heath Ledger en Brokeback Mountain, Josh O'Connor en Tierra de Dios o Matthias Schoenaerts como referencias. 

El director declaró que «Ha sido un trabajo en equipo lejos de casa y cerca de la historia. Un rodaje donde hemos descubierto parte del proceso “in situ”, creando entre todos el espacio para captar la verdad del momento dentro del marco pactado. Un rodaje a veces difícil por las condiciones climatológicas adversas, pero que han sido, a la vez, parte indivisible de nuestro viaje para contar el camino del protagonista. Hemos sido los primeros espectadores, confidentes y atentos, del aprendizaje de Sergio (un Mario Casas generoso y entregado), que también ha sido el nuestro, creando desde la libertad absoluta, escuchando a los actores y las actrices; y a los lugares. Dándonos el permiso para retomar y jugar. Y trabajar, una vez más, tan de cerca con Mario, ha sido un regalo. Me siento muy agradecido», comparte Oms acerca del rodaje de la cinta. 

En cuanto a la crítica la valoró muy positivamente . Luis Martínez en El Mundo dijo de ella que era un "Brillante debut de Gerard Oms como director (...) Mario Casas tan rotundo como soberbio (...) La película logra lo que pretende sin el menor asomo de duda: mantener en todo momento vivo el instante de una duda (...) Sin duda, un debut tardío, pero muy bienvenido." 

El habitual crítico de ABC Oti Rodríguez Marchante escribió que "La película se enfoca en las dificultades de vivir como extranjero y sin recursos (...) Todo eso lo sufre el protagonista y lo advierte al espectador (...) Es destacable la interpretación de Mario Casas" Enric Albero, de El Cultural, consideró la actuación de Casas como la mejor desde Unidad 7. 

Raquel Hernández Luján, de HobbyConsolas, le otorgó a la película 70 puntos («buena»), destacando «la profundidad con la que el guion explora al personaje central», aunque advirtió que Away es una «película gris, fría y triste que no se lo pone fácil al espectador». 

Carlos Boyero, de El País, escribió que la narrativa de Oms "El resultado es notable. La interpretación de Mario Casas es potente (...) Y la forma de Oms al narrar esta historia es inteligente y honesta, mostrando una realidad nada amable, haciéndolo con sutileza y verosimilitud." 

Roger Salvans, de Fotogramas, destacó el compromiso de Casas y el potencial que se percibe en Oms". 

Carmen L. Lobo en La Razón sostuvo que era "Un ejemplo del mejor cine social europeo de hoy atravesado por momentos de alta graduación emocional (...) Lo mejor: La madurez de esta opera prima y Casas, que realiza su mejor trabajo hasta la fecha. (...) 

Pepa Blanes en la SER comentó que "Mario Casas firma su mejor papel en 'Muy lejos' (...) potente debut, un drama que bebe de la mejor tradición del cine social europeo para retratar la inmigración, la búsqueda de identidad y la sanación de uno mismo y con su entorno". 

Para acabar voy con el hijo de un ex jugador del Español, Carlos Marañón, en Cinemanía quien afirma que "Gerard Oms juega de titular en la alineación del cine más honesto que se hace hoy en España (...)  

¿Por qué los seres humanos , en ocasiones, apostamos por el autodescubrimiento? Básicamente, por que buscamos un propósito: encontrar un mayor significado en sus vidas o tras un cambio importante (ruptura, cambio de trabajo, pérdida). Pero también por superar el estancamiento y salir de nuestra zona de confort y romper con la monotonía; así como la aprender a estar solo y disfrutar de la propia compañía y aprender a ser independiente. 

Pues eso es la película, un buen debut en la dirección, un gran trabajo en cuanto al protagonista por parte de Mario Casas - y a los que se suman como secundarios David Verdaguer e Ilyass El Ouahdani, y una buena historia de autoconocimiento. 

Mi crimen

François Ozon está considerado un director "camaleónico" debido a su capacidad inigualable para cambiar de género, tono y estilo visual en cada película, sin perder una huella autoral distintiva. Su filmografía se caracteriza por una constante exploración de la condición humana, pasando con versatilidad desde el drama intenso hasta la comedia satírica o el thriller. Ha tenido el valor de dirigir musicales pop como 8 mujeres, que me dejaron descolocado, dramas psicológicos como Bajo la arena, thrillers eróticos como El amante doble,  comedias negras como Potiche y dramas sociales históricos como Frantz, cambiando de "piel" en cada proyecto.

A pesar de la variedad de géneros, todos sus filmes exploran temas comunes como la sexualidad humana, la muerte, la manipulación, el deseo y los secretos familiares. Sus películas pueden ser estéticamente bellas y coloridas, o oscuras y crudas, dependiendo de la historia que quiera contar, evidenciando su habilidad para adaptar la forma al fondo. A menudo manipula al espectador, cuestionando la verdad y la identidad, lo que crea una filmografía rica, juguetona y a veces perversa, manteniendo al público adivinando. Es un director que rehúye la repetición, buscando siempre nuevos desafíos narrativos y estéticos, lo que lo convierte en uno de los cineastas modernos más impredecibles y prolíficos de Europa. Es como señala un antropólogo que reside tras una cámara cinematográfica.

La película que me ha traído hasta aquó es Mon Crime es una película francesa del año 2023 dirigida y guionizada por el director francés François Ozon que adapta una olvidada obra de teatro parisina del año 1934 de título homónimo - Mon Crime.... de Georges Berr y Louis Verneuil, creada en 1934 en el Théâtre des Variétés . 

Para esta comedia de enredos al más puro estilo "screeball comedy" de la época dorada de Hollywood. La película cuenta con la producción de Éric Altmayer,Nicolas Altmayer y Geneviève Lemal para las productoras FOZ y Scope Pictures. Música Philippe Rombi Fotografía Manuel Dacosse Montaje Laure Gardette Vestuario Pascaline Chavanne  

Ozon parte del asesinato de un poderoso productor sin escrúpulos a manos de una joven actriz para elaborar una sarcástica, reivindicativa y teatral comedia llena de giros y guion. 

Estamos en el París de 1935 y Madeleine Verdier ( Nadia Tereszkiewicz ), que es una joven y bella actriz que lucha por encontrar trabajo y, por consiguiente, está en la ruina sale de una casa de la lujosa barriada de Neuilly sur Seine. Sale rápido con ganas de no querer saber nada de nadie. Parece ir a casa.

Comparte una buhardilla sin agua corriente con su amiga, Pauline Mauléon ( Rebecca Marder ), una joven abogada que busca clientes constantemente. 

Madeleine está enamorada de André Bonnard ( Édouard Sulpice ), hijo del dueño de una gran fábrica de neumáticos, quien recibe escaso apoyo económico de su padre ( André Dussollier ). Sabemos que ha acudido a una reunión con el productor teatral Montferrand, quien le ofrece un pequeño papel en una obra con la condición de que se convierta en su amante. Ella se niega. Él intenta violarla. Ella se defiende y logra escapar. 

Al llegar a casa, recibe la visita de su amigo André, quien le explica que, para solucionar sus problemas económicos, planea casarse con una rica heredera y convertirla en su amante. Madeleine, que había esperado que André se casara con ella y aceptara trabajar, se desespera. 

Poco después se persona en la casa, Brun ( Régis Laspalès ), inspector de policía, que toca el timbre del apartamento de las dos amigas. En ese momento nos enteramos que Montferrand ha sido asesinado y que Madeleine es sospechosa. 

El juez de instrucción, Gustave Rabuset ( Fabrice Luchini ), informado de la situación, se convence rápidamente de la culpabilidad de Madeleine, aunque ella inicialmente lo niega. Entonces, cuando Rabuset le dice que si puede alegar legítima defensa , no necesariamente será condenada, confiesa repentinamente y contrata a su amiga Pauline como abogada. 

Durante el juicio, Madeleine y Pauline utilizan el caso como símbolo de la opresión de las mujeres por los hombres, y Madeleine ofrece una interpretación muy conmovedora en el papel de la joven indignada escrita por Pauline. Es absuelta por un jurado compuesto exclusivamente por hombres  ante los aplausos de las numerosas mujeres que acudieron a asistir al juicio. 

Gracias al revuelo mediático que rodeó esta sorpresiva absolución, Madeleine es ahora una actriz famosa y Pauline una abogada muy solicitada. Dejan su miserable apartamento y se mudan a una gran mansión en Boulogne. André quiere romper su compromiso con la rica heredera para casarse con Madeleine, pero su padre se opone. 

Es entonces cuando reciben la visita de Odette Chaumette ( Isabelle Huppert ), una antigua actriz de cine mudo cuya carrera se ha estancado desde la llegada del sonido . Les explica que mató a Montferrand y que Madeleine le robó el crimen junto con la fama que le trajo. Exige dinero a las dos jóvenes, quienes se niegan. Por lo tanto, confesará, pero Rabuset, quien, gracias al caso Montferrand, ha sido ascendido y se ha convertido en el juez de instrucción principal, se niega a reabrir este caso que ya ha sido juzgado y le ordena que vuelva a verlo cuando pueda acusarse de un crimen que sí pueda imputar. 

Mientras Odette Chaumette sigue acosando a las dos amigas, Madeleine va a ver al arquitecto Palmarède, quien había contratado una renta vitalicia con Montferrand y, por lo tanto, había obtenido una considerable suma de dinero tras su muerte prematura. Ella lo convence de invertir parte de ese dinero en el negocio en apuros del padre de André. 

Madeleine y Pauline le explican a André que Madeleine no es la asesina, pero, lo que es más importante, le ofrecen la posibilidad de que Palmarède rescate su empresa: él acepta el matrimonio y le da a Odette el dinero que ella exige para no poner en peligro la inversión de Palmarède. 

Odette también consigue un papel importante en la exitosa obra de teatro en la que actúa Madeleine; ambas representan una escena que reinterpreta el asesinato de Montferrand, en la que Odette lo mata para salvar a Madeleine, quien es víctima de un intento de violación.

En los títulos de cr´çeditos nos vamos enterando del papel que van a jugar todos en el futuro. En los mismos nos enteramos que la película está protagonizada por Nadia Tereszkiewicz, Isabelle Huppert, Dany Boon, Rebecca Marder, Fabrice Luchini, André Dussollier y Edourd Sulpice. Nadia Tereszkiewicz como Madeleine Verdier, la actriz. Rebecca Marder como Pauline Mauléon, abogada amiga y compañera de cuarto de Madeleine Isabelle Huppert como Odette Chaumette, actriz célebre del cine mudo Dany Boon como el arquitecto Palmarède Fabrice Luchini como el juez Gustave Rabusset André Dussollier como Sr. Bonnard, jefe de una empresa de neumáticos Félix Lefebvre como el periodista Gilbert Raton Édouard Sulpice como André Bonnard, hijo del señor Bonnard y novio de Madeleine Régis Laspalès como el inspector Brun Olivier Broche como Léon Trapu, , el escribano de Rabusset Evelyne Buyle la actriz Simone Bernard Lucia Sanchez como Madame Alvarez Jean-Claude Bolle-Reddat como Émile Bouchard Daniel Prévost como Parvot, el presidente del tribunalFue en junio de 2022 cuando supimos la composición de parte del elenco, incluyendo los nombres mencionados anteriormente pero también el de Dany Boon 

La inspiración de la película, inicialmente mantenida en secreto bajo el nombre en clave "Madeleine", proviene en gran medida de las comedias de Sacha Guitry . El director también admite apreciar "la moralidad de Sacha Guitry ". 

Dado que la película está ambientada en la década de 1930, François Ozon dice que inmediatamente pensó en Renoir y su cine, en particular en la película "La regla del juego" 

Se trata, por lo tanto, de una adaptación de una obra de teatro de 1934, lo que ofrece una interesante oportunidad para la adaptación. Ambientada en la década de 1930, el director puede respetar la atmósfera original de la obra al tiempo que aborda temas contemporáneos, pero con un toque más ligero, "debido a la distancia temporal y la reconstrucción histórica. Esto permite más libertad, quizás incluso más amoralidad, más transgresión ". Si la historia se hubiera trasladado a nuestros días, François Ozon cree que la película podría haberse convertido en un drama, algo en la misma línea que su película Por la gracia de Dios . Mi crimen según su director es la tercera parte de una trilogía sobre la condición femenina iniciada con su filme ocho mujeres al que siguió " Poti he, mujeres al poder".

La cinta temas como la zorro vida la coma las ansias de fama el poder de los medios de comunicación con la sociedad patriarcal todo ello desde la sátira y el humor agudo tal y como se refleja en los títulos de créditos finales. 

Para encontrar a las dos actrices principales de su película, François Ozon realizó un largo casting en el que participaron 200 personas. El cineasta aún no había visto las películas *Les Amandiers * y *Simone, le voyage du siècle* , protagonizadas por Nadia Tereszkiewicz y Rebecca Marder, respectivamente. Sin embargo, esto resultó innecesario, ya que el director "inmediatamente (...) sintió una conexión entre ellas ", lo cual consideró importante dado el tema de la película. También sintió que las dos actrices tenían "un aspecto muy de los años 30". 

El director también mantuvo consigo a miembros del equipo técnico que eran habituales en sus rodajes, como la diseñadora de vestuario, Pascaline Chavanne , tres veces ganadora del premio César , o el director de fotografía Manu Dacosse . De igual modo, algunos actores ya han trabajado con François Ozon en el pasado. Así, veinte años después de 8 Women , se reencuentra con Isabelle Huppert, pero también con Fabrice Luchini ( In the House , Potiche ) y André Dussollier, con quien filmó Everything Went Well . 

Para el cineasta, dado el ritmo casi anual de sus producciones, trabajar "con gente con la que me llevo bien, a la que soy leal, es más sencillo, el trabajo es más rápido"  

La historia de la película se remonta a junio de 2022 cuando se anuncia que el rodaje. El mismo  comenzó en abril. La película se rodó en París (en la Maison de la Mutualité , la Brasserie Floderer y el Palais de Justice ), en el Tribunal Administrativo de Melun , en el Château de Vaugien , en las calles del centro de Burdeos y en la región de Île-de-France (en los estudios de Bry-sur-Marne ), así como en Bélgica en Charleroi y Bruselas , en particular en la Villa Empain (escenario del crimen). La escena en el baño de la mansión privada se filmó en el Hôtel Frugès de Burdeos. 

Reconozco que no tuvo grandes reconocimientos. Únicamente en los Premios César del 2024 se llevó el Premio al mejor diseño de vestuario para Pascaline Chavanne 

En cuanto a la crítica señalar que Olivier de Bruyn, escribiendo para Les Échos , habla de un «François Ozon, inspirado desde el primer hasta el último plano, [que] ofrece una ficción “ lubitschiana ” y amoral del mejor gusto. Una farsa que, lejos del academicismo habitual del cine popular francés, se distingue por su originalidad, su audacia y su incorrección » . 

El crítico Laurent Cambon, en su reseña para el sitio web aVoir-aLire , quedó completamente cautivado por la película. «En un relato barroco y alegre, el director, adorado por el público francés, se deleita mostrando todos los excesos de los que es capaz una actriz sin caer jamás en el mal gusto ». El crítico elogió las interpretaciones de las dos actrices protagonistas, así como las de los actores masculinos. Subrayó las sutilezas ocultas en el guion: «Detrás de esta historia aparentemente desenfadada se esconde una profunda defensa de la condición de la mujer, cuyas principales víctimas seguimos viendo hoy a manos de sus parejas violentas ». Concluyó su reseña de la película de la siguiente manera: «Pero no nos equivoquemos. Mi crimen no es una película política. Es un ejercicio cinematográfico completo donde la escenografía, el vestuario, los movimientos de cámara y la dirección de los actores alcanzan una especie de perfección » . 

Caroline Vié, para 20 Minutes , habla de una película con "constante buen humor" , que, según ella, sería uno de los "principales activos de una comedia tan sabrosa como un dulce del que uno sale encantado". 

Para Sophie Joubert, de L'Humanité , "Brillantemente escrita y dirigida, francamente divertida, Mi crimen deja, sin embargo, un sabor amargo: defensoras extravagantes de la causa de las mujeres, Madeleine y Pauline son también mentirosas y manipuladoras. Como si Ozon, al adaptar esta obra de teatro de bulevar anticuada, quisiera absolutamente dar garantías al bando contrario". 

En La Voix du Nord , Christophe Caron resume sus pensamientos de la siguiente manera: "Nos hubiera gustado un espectáculo de fuegos artificiales final más deslumbrante, pero la impresión de una fábula brillante permanece. Perfecto para el 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer" .

Para Olivier Delcroix, de Le Figaro , «Sin ser militante, la película captura sutilmente el espíritu de la época, vistiéndolo con la ropa interior con volantes de la Francia de los años treinta. El ejercicio cinematográfico está bien filmado, controlado, tan ligero como serio. Con ese pequeño toque de astucia que conquista a los espectadores» . 

Antoine Desrues, para el sitio web Écran Large , resume su reseña de la siguiente manera: "Al abordar la comedia disparatada y adoptar la artificialidad teatral que hizo tan atractiva a 8 Women , François Ozon ha realizado su película más divertida en... demasiado tiempo con Mon crime . Una obra menor, pero encantadora". 

Para Mathieu Macheret, de Le Monde , "Desde su primer largometraje Sitcom , Ozon ha hecho costumbre de destrozar formas huecas para inocularlas con un fermento de subversión, lo que hace aquí con vodevil, bastante polvoriento, para hacer resonar un mensaje feminista. Pero la operación se convierte rápidamente en una alabanza de la falsedad que respira cinismo". 

Según Luc Chessel de Libération , "Mi crimen, obviamente, es 'cautivadora' y 'desnuda', va a toda velocidad, siguiendo o adelantándose a sus actrices y actores. El juicio de Madeleine Verdier es sin duda la pieza de bravura de la película, aquella en la que todo empieza a funcionar en conjunto: el tribunal como escenario, un estudio de cine y un espacio público de escándalo, donde los elogios de los medios al asesinato de hombres y lo ridículo de la indignación de los reaccionarios anti-woke pueden declararse con júbilo". 

En los Estados Unidos, Guy Lodge Variety "Es tan efervescente y fácil de olvidar como una botella de vino espumoso de marca blanca" 

Para bBeatrice Loayza del The New York Times "El prototipo de película de confort, adornada con la nostalgia del viejo Hollywood y que se desarrolla a ritmo de subasta" 

Moira MacDonald del Seattle Times comentó que la película era "Una deliciosa pieza del maestro François Ozon" 

Anthony Lane en The New Yorker sostuvo que "Ozon, como siempre, no sólo se divierte. También hace travesuras con la política sexual de la trama"

Sheri Linden del The Hollywood Reporter "Si no es tan divertida como pretende, es porque la mayoría de los personajes sólo tienen una nota que tocar. Pero lo hacen con un entusiasmo irresistible".

Para el británico Peter Bradshaw del The Guardian la película "Está bien rodada, interpretada con solidez y es entretenidamente superficial (...) 

En las páginas de Empire Miriam Balanescu escribe que "Una película camaleónica a la altura de un director camaleónico (...) 

Para Lisa Nesselson de Screendaily escribió que "Varias generaciones de los mejores actores dramáticos de Francia claramente están pasándolo en grande en esta elegante historia (...) Comedia amoral sorprendentemente honesta" 

Ya en España Elsa Fernández-Santos en El País sostuvo que era "Una comedia gozosa con aire de vodevil que fluye como un manantial de la mano de un reparto sembrado, capaz de moverse entre diálogos brillantes y endiablados, y una trama con todos los ingredientes posibles" 

El crítico de ABC  Oti Rodríguez Marchante dijo que la película  "Es una pura golosina, una obra espumosa y desenfadada que se construye con el aire de una intriga criminal, un juicio pintoresco y unos personajes con un divertido toque estrambótico." 

Sergi Sánchez en La Razón dejó por escrito que la película "Es refrescante que el director de “Bajo la arena” parta de una premisa afín al discurso del #metoo quitando hierro al asunto (...) una película que se divierte de lo lindo corroborando que la vida es puro teatro. (...) " 

Nando Salvá en las páginas de El Periódico de España "Funciona a la vez como demostración involuntaria de ideología reaccionaria y como cínico argumento con el que convencernos de que todo es manipulación, falsedad y simulación. (...)" 

Philipp Engel desde el barcelonés diario La Vanguardia señaló que "A la banda sonora le faltan canciones reconocibles, el París de época queda demasiado acartonado y las jóvenes heroínas pueden resultar incluso irritantes. Con todo, hay que reconocer que funciona. (...)" 

Irene Crespo de Cinemanía destacó que "Ozon (...) se ha rodeado de un reparto brillante (...) Y los coloca (...) en unas secuencias tradicionales, casi teatrales que beben del mejor cine dorado americano (...). Un divertimento sensacional. (...) " 

Roger Salvans de Fotogramas comentó que tenía "Un título cargado de guiños a las screwball comedies del Hollywood dorado que, sin embargo, se siente rabiosamente actual. (...) divertimento que nos devuelve al Ozon más desenfadado. (...) " 

Por su parte, Marta Medina habitualñ en las páginas de El Confidencial destaca que "Es un alegre divertimento que funciona en su candidez (...) es un Ozon disfrazado de ligereza, divertido y sofisticado, rodeado de un elenco disfrutón, con un diseño de arte y una fotografía impecables. (...)".

Poco más, que ya es mucho. Un Ozon más. Y, únicamente un detalle. En relación a lo que presentaron en la Facultad de Filosofía y Letras de Córdoba, la Facultad más bella de las de la capital,  el 1 de junio - aunque lo presentaron el 22 de mayo de 2025 en un programa diseñado por Cine Cercano, una asociación cultural sin ánimo de lucro que dice disfrutar de una programación de cine de actualidad, diversa y multicultural, con obras de calidad de lo mejor de la producción española, europea y mundial- me remite a que 36 años antes, en un mes de mayo pero del año 1989, y enmarcado en su fiesta de Primavera, con un Soler al frente del aula de Estudiantes, una de las películas que emitieron fue Senderos de Gloria, lo que fue un descubrimiento para mi. Pero es otra historia. 

La semilla de la higuera sagrada.

The Seed of the Sacred Fig (La Semilla de la Higuera Sagrada) es una de estas películas necesarias. De esas películas que hay que ver sí o sí. Es un acto de resistencia artística y de denuncia política, filmada en secreto por Mohammad Rasoulof al desafiar la censura iraní. Retrata la represión de la teocracia, se inspira en el movimiento "Mujer, Vida, Libertad" y cómo el autoritarismo lo corrompe todo, incluído el núcleo familiar y social.La película expone la crueldad del gobierno iraní hacia las mujeres y la sociedad, filmada en secreto por un director perseguido, lo que aporta una inmediatez documental. Muestra la lucha por la autonomía femenina frente al patriarcado impuesto, integrando material real de las protestas tras la muerte de Masha Amini. El equipo arriesgó su libertad, enfrentando interrogatorios y exilio, lo que hace de la película un testimonio directo de la represión iraní

El resultado es un magistral y asfixiante thriller iraní que lleva por título en inglés The Seed of the Sacred Fig de 2024 escrita y dirigida por Mohammad Rasoulof.  que ya había sido Espiga de Honor en 2018, y que había huido de Irán tras ser condenado a ocho años de prisión y flagelación a causa de su cine político. 

En el pasado, el director Mohammad Rasoulof había violado repetidamente las normas de censura iraníes con sus películas y fue condenado a tres penas de prisión, además de tener prohibido trabajar y salir del país. En 2020, su película There Is No Evil ganó el máximo galardón en el 70.º Festival Internacional de Cine de Berlín , donde se le entregó en su ausencia. Rasoulof tenía previsto participar en el Festival de Cine de Cannes de 2023 como miembro del jurado de la sección Un Certain Regard . Sin embargo, fue arrestado en julio de 2022 tras criticar la represión gubernamental contra los manifestantes en la ciudad suroccidental de Abadán por el derrumbe de un edificio que causó numerosas víctimas mortales . Fue liberado temporalmente de prisión en febrero de 2023 por motivos de salud. 

Posteriormente, Rasoulof fue indultado y condenado a un año de prisión y a dos años de prohibición de salir de Irán por "propaganda contra el régimen".

Tras el anuncio de la selección de Cannes, las autoridades iraníes interrogaron al elenco y al equipo, prohibiéndoles salir del país y presionándolos para que convencieran a Rasoulof de retirar la película de la programación del festival.

Poco después, Rasoulof y algunos miembros del reparto (incluidos Mahsa Rostami, Setareh Maleki y Niousha Akhshi) y del equipo lograron huir a Europa.

Rasoulof describió su escape de Irán, que duró 28 días, como un "viaje agotador, largo, complicado y angustioso". Viajó a pie entre pueblos fronterizos, llegando finalmente a una ciudad con un consulado alemán que lo identificó mediante sus huellas dactilares y le emitió un documento de viaje temporal que utilizó para viajar a Alemania.

Rasoulof y parte del reparto y el equipo asistieron a la alfombra roja de la película en Cannes el 24 de mayo de 2024. Durante su aparición, sostuvo dos fotografías que mostraban a los actores Soheila Golestani y Missagh Zareh, quienes no han podido salir de Irán. 

La semilla de la higuera sagrada es la décima obra dirigida por Mohammad Rasoulof. El título hace referencia a una especie de higuera que se propaga "envolviéndose alrededor de otro árbol y finalmente estrangulándolo". Esto se consideraba un símbolo del régimen teocrático en Irán.Rasoulof escribió el guion y eligió a Missagh Zareh y Soheila Golestani para los papeles principales de la pareja leal al régimen, Iman y Najmeh, respectivamente. Golestani había hecho campaña previamente contra el uso del hiyab durante las protestas y había sido arrestada por ello. Rasoulof también eligió a Mahsa Rostami y Setareh Maleki como las hijas, Rezvan y Sana. Trabajó con el director de fotografía Pooyan Aghababaei y que tuvo como montador a Andrew Bird. Para esta película contó con la música de Karzan Mahmood y la fotografía de Pouyan Aghababayi 

Está Coproducción Alemania-Irán-Francia intervienen las productoras Run Way Pictures, Parallel 45, arte France Cinéma, Parallel45, Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein, L'Aide aux Cinémas du Monde, Moin Films protagonizada por Soheila Golestani, Missagh Zareh, Mahsa Rostami y Setareh Maleki.

El juez de instrucción Imán , del Tribunal Revolucionario de Teherán, se enfrenta a la paranoia en medio de los disturbios políticos de Teherán. Cuando su pistola desaparece, sospecha de su mujer y sus hijas, imponiendo medidas draconianas que tensan los lazos familiares a medida que las normas sociales se desmoronan en su hogar se desatan los conflictos con su esposa y sus dos hijas. 

Mientras, en las calles se alzan protestas del movimiento “Women, Life, Freedom”, que surgió a raíz de la muerte de Mahsa Amini en custodia de la policía y que Rasoulof incluye recurriendo a material de archivo real. Estamos en el Irán, otoño 2022. 

La vida universitaria en Teherán se ve sacudida por las revueltas en las calles y las escuelas al grito de «Mujer, vida y libertad». A medida que los disturbios políticos aumentan la vida de Imán, un abogado devoto y honesto, que vive con su esposa, Najmeh, y sus dos hijas, Rezvan y Sana comienza a cambiar. 

Recientemente, Imán fue nombrado juez de instrucción en el Tribunal Revolucionario de Teherán . Este puesto le proporciona un salario más alto y un apartamento más grande para su familia, algo que su esposa desea, y todo ello después de muchos años de esfuerzo y lealtad al régimen iraní de los ayatolás, Imán logra el codiciado cargo de juez de instrucción, la responsabilidad profesional en la vida de un juez de instrucción empieza a afectar a su plácida vida familiar junto a su mujer y a sus dos hijas adolescentes. 

Mientras se desarrollan las protestas políticas a nivel nacional contra el gobierno autoritario , Imán descubre que no fue contratado para usar su experiencia legal en la investigación de casos. Se espera que apruebe las sentencias presentadas por sus superiores sin evaluar las pruebas, incluidas las condenas a muerte, y se entera de que su predecesor fue despedido por negarse. El puesto exige que Imán permanezca en el anonimato. Se le ordena que oculte información a amigos y familiares que podrían ser blanco de represalias para presionarlo. 

El gobierno le entrega a Iman una pistola para la protección de su familia, pero él está totalmente desprevenido para manejarla y no la guarda adecuadamente en un compartimento seguro en la casa. 

Cuando Sadaf, una buena amiga de Rezvan, recibe un disparo en la cara en la calle durante una manifestación contra el hiyab obligatorio , Najmeh y sus hijas le prestan primeros auxilios en su apartamento. Deciden mantener el incidente en secreto para Iman. 

Poco tiempo después, Sadaf es arrestada. Najmeh, tan devota como Iman, aconseja a sus hijas que se mantengan alejadas de sus amigas revolucionarias, lo que genera tensión en la familia. A medida que se intensifican las protestas políticas a nivel nacional, Iman se vuelve desconfiado y paranoico. Las protestas lo obligan a firmar cientos de sentencias al día. 

Mientras tanto, Rezvan y Sana siguen las protestas horrorizadas en las redes sociales. Rezvan finalmente se rebela contra su padre durante la cena, lo que provoca que Iman la reprenda por sus ideas feministas, que él descarta como propaganda enemiga. Cuando la pistola que el gobierno le había entregado para mantener su seguridad desaparece, sólo le queda sospechar de las mujeres que lo rodean. 

Mientras las normas sociales empiezan a desmoronarse a su alrededor, lo hace también su familia.Al mismo tiempo, la pistola de Iman desaparece misteriosamente y él empieza a sospechar, creyendo que alguien de su familia la ha robado y le está mintiendo. Obliga a sus dos hijas y a su esposa a reunirse con un colega, Alireza, para ser interrogados. Iman justifica este trato diciendo que ya no se siente seguro en su propia casa, puesto que ya no puede confiar en su familia. El conflicto dramático del padre con su mujer y sus dos hijas explica cómo el totalitarismo se construye desde el hogar, en pequeños detalles que derivan en silencios, normas no escritas y una venenosa complicidad con el sistema.

El nombre, la foto y la dirección de Iman acaban publicándose en las redes sociales. Para protegerse, Iman decide ir en coche con su familia a la casa de su infancia en las montañas. Antes de partir, un colega le da un arma de fuego para su protección, para compensar la que ha desaparecido. 

Durante el trayecto, la familia se encuentra con una pareja que reconoce a Iman. Se produce una persecución, en la que Iman los saca de la carretera y los amenaza. Dentro del coche, Sana le revela a Rezvan que ha cogido la pistola, y Rezvan se la quita y la guarda en el asiento trasero. Al llegar a la casa de su infancia, Iman somete a toda la familia a un juicio. Los interroga e intenta obligarlos a confesar ante una videocámara. Ambas chicas siguen negando su participación, así que Najmeh asume la culpa para protegerlas, pero entonces, para proteger a su madre y a su hermana, Rezvan dice que tiene el arma. Sin embargo, cuando lleva a Iman a recuperarla, descubre que no está en el coche. Iman encierra a Rezvan y a Najmeh en habitaciones separadas en el sótano, pero Sana escapa con el arma. 

Tras tender una trampa, logra encerrar a Iman en un cobertizo y liberar a su hermana y a su madre antes de que escape. Después de una larga persecución entre las ruinas de un pueblo, Iman finalmente atrapa a Najmeh, y sus gritos guían a Sana y a Rezvan hasta ellos. Sana apunta con su arma a su padre, pero duda en disparar. Cuando su padre se acerca a ella con su segunda arma en la mano, entra en pánico y dispara al suelo. El suelo se derrumba e Iman cae al vacío, encontrando su muerte. 

La película finaliza con imágenes reales grabadas con teléfonos móviles que muestran a mujeres protestando en las calles de Teherán, con el cabello descubierto, ondeando sus pañuelos en el aire. Y hasta aquí la película que parte de un guion que se apoya en símbolos y metáforas muy sugerentes que guían al espectador sin necesidad de subrayar ni forzar el dramatismo, permitiendo además que la intriga tenga el ritmo y la intensidad que, en algunos casos, se echa en falta en el cine iraní más premiado de las últimas décadas. 

La historia tiene muchos giros y matices gracias al punto de vista de las dos hijas, que ponen delante de sus padres un espejo en el que mirar las incoherencias y arcaísmos de toda una cultura. Con unas interpretaciones desbordantes de naturalidad, la película está desarrollada con medida y mucho talento en la planificación, el diseño y estructura del guion y la banda sonora, que componen una obra tan sutil como accesible y universal. 

La película es el décimo trabajo como director de Mohammad Rasoulof. El título hace referencia a una especie de higo que se propaga "enroscándose en otro árbol y estrangulándolo". Esto se consideraba un símbolo del régimen teocrático en Irán. Rasoulof escribió el guion y eligió a Missagh Zareh y Soheila Golestani para los papeles principales de la pareja leal al régimen, Iman y Najmeh, respectivamente. La propia Gholestani había hecho campaña contra el uso del hiyab durante las protestas y había sido arrestada por ello. Rasoulof eligió a Mahsa Rostami y Setareh Malek para los papeles de las hijas Rezvan y Sana, respectivamente. 

El rodaje de la película se llevó a cabo en secreto y duró unos 70 días, desde finales de diciembre de 2023 hasta marzo de 2024. El propio Rasoulof lo describió como "difícil". Solo podía filmar unos días seguidos y luego tenía que hacer descansos. Rasoulof trabajó con el director de fotografía Pooyan Aghababaei. 

El director afirmó que estaba en medio del rodaje cuando se enteró de su nueva sentencia de prisión. Rasoulof contaba con que el proceso de apelación demorara mucho tiempo para revisar su caso. Además, este período de primavera coincidió con las celebraciones del Nowruz (Año Nuevo) en Irán, que duraron dos semanas. De hecho, Rasoulof logró terminar su película al final de las vacaciones. 

Después de que el tribunal de apelaciones confirmara el veredicto, se vio obligado a decidir en un plazo de dos horas si permanecer en Irán y entregarse al arresto o huir. Dejó todos sus dispositivos electrónicos en casa y huyó a un lugar seguro antes de cruzar la frontera iraní a pie.

El material fue sacado clandestinamente de Irán a Hamburgo, donde fue editado por Andrew Bird , con quien Rasoulof ya había trabajado. La posproducción se realizó en Alemania. Entre las escenas ficticias de la película, Bird incorporó imágenes reales de las protestas políticas tras la muerte de la mujer kurda iraní Mahsa Amini bajo custodia policial en Teherán el 16 de septiembre de 2022. La versión final de 168 minutos incluye videos reales y explícitos de internet de las manifestaciones y la posterior represión violenta por parte de las autoridades. 

La película fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2024 , donde tuvo su estreno mundial el 24 de mayo de 2024, y recibió un premio especial del jurado, una designación adicional detrás de los premios principales del jurado de Palma de Oro , Gran Premio y Premio del Jurado. Recibió una ovación de pie con informes de que duró 12 minutos o 15 minutos. 

Antes de su proyección, Neon adquirió los derechos de distribución de la película en América del Norte, planeando estrenarla más tarde ese año. Después del estreno de la película, Lionsgate adquirió los derechos de distribución para el Reino Unido e Irlanda. 

Fue candidata al Oscar a Mejor película internacional, por Alemania siendo nominada como en los Globos de Oro, en los Bafta, en los Premios del cine europeo y en los César.En la 72º edición de cine del Festival de San Sebastián 2024 se llevó el Premio del Público. ganó el premio a la mejor película de habla no inglesa en la National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos) y a la mejor ditrección en los Asociación de Críticos de Los Ángeles (LAFCA) , siendo nominada en Chicago , en los Premios del cine independiente británico, pero también en Asociación de Críticos de Cine de San Luis o en Festival de Cine de Sidney. 

La película se estrenó en Norteamérica en el Festival de Cine de Telluride. También se proyectó en la sección Centrepiece del Festival Internacional de Cine de Toronto de 2024, así como en la sección Main Slate del Festival de Cine de Nueva York. 

Los cineastas Edward Berger , Tim Fehlbaum , Ciro Guerra , Don Hertzfeldt , Payal Kapadia , Joshua Oppenheimer , Laura Poitras y Paul Schrader clasificaron a The Seed of the Sacred Fig como una de sus películas favoritas de 2024. 

En cuanto a la crítica Peter Debruge de Variety ha escrito sobre ella señalando que es "Un thriller intenso y reflexivo con que el director Mohammad Rasoulof responde a su propio encarcelamiento en 2022 examinando las tensiones iraníes en el contexto de una familia de Teherán (...) Una alegoría magistral" 

Ryan Lattanzio en las páginas de  IndieWire nos dice que es "Una obra maestra que es un grito de indignación (...) Irán nunca apoyará esta película. Corresponde al resto del mundo hacerlo" 

Justin Chang del The New Yorker la describe como "Un thriller de gran habilidad y contundente fuerza emocional, que combina la potencia de una película de acción con la intensidad psicológica de un drama de cámara" 

Gregory Ellwood de la estadounidense The Playlist señala que "Es brillante a la hora de deconstruir la increíble injusticia que existe en el Estado totalitario"

En AV Club se la presenta como una película en la que el director "Rasoulof, que ha renunciado a la ostentación formal de sus obras anteriores, encuentra aquí algo más inmediato, un drama que arde como un thriller político y cautiva como un documental" 

En la web de  rogerebert.com se señala que "Rasoulof obtiene excelentes interpretaciones de todo su reparto, pero destaca especialmente el trabajo de Sohelia Golestani como Najmeh (...) 

Para Ty Burr de The Washington Post la película es "Un thriller político nacional apasionante y provocador que insinúa los límites de la opresión y la larga, larga curva del arco moral de Martin Luther King Jr. (...) 

Jonathan Romney de Screendaily afirma de ella que es "Como grito de denuncia contra la opresión y forma de dar visibilidad a una nueva generación -en particular femenina- que está desafiando un statu quo arraigado desde hace mucho tiempo, la película es esencial para el público" 

En Gran Bretaña  Robbie Collin en ls páginas de Telegraph escribe que "No es de extrañar que Irán quiera encerrar a este brillante director disidente (...) Un thriller-parábola lleno de tensión sobre la paranoia y la misoginia del Estado 

Para Peter Bradshaw habitual columnista de The Guardian "El relato sobre la misoginia del régimen y la teocracia puede ser imperfecto, pero la importancia que tiene está fuera de toda duda (...) 

Para  Kevin Maher de The Times la película "Es un contenido discretamente incendiario" 

Ya en España Elsa Fernández-Santos  de El País la presenta como un "(...) alegato político de 'The Seed of the Sacred Fig' es una emocionante respuesta al brutal ensañamiento contras las mujeres del régimen iraní."

Para Luis Martínez de El Mundo la película "Es una obra mayor. Y lo es por su valentía, su gesto turbio y hasta su frontal brutalidad. Es, no lo duden, la película de un hombre libre. (...) " 

Desde Barcelona  Nando Salvá en El Periódico "Lo que había sido una impecable exhibición de cine realista de denuncia pasa a convertirse en una intriga repetitiva y enroscada sobre sí misma."  También en El Periódico, Quim Casas  destaca que "Hasta su tramo final, es una película modélica y concisa. Su última hora es demasiado rebuscada y el conjunto pierde fuelle. (...) ".

Sergi Sánchez de La Razón dice de ella que"Rasoulof es más eficaz y honesto cuando plantea la radicalidad ética de sus dilemas morales desde el realismo más descarnado, y falla cuando desplaza el drama al terreno de lo alegórico (...)" 

Carlos F. Heredero de Caimán dice de ella que "Empieza muy cerca de la fórmula propia de Asghar Farhadi (un drama moral más bien sobreescrito) y termina zambulléndose de pleno en el territorio de la metáfora política, cultural y psicoanalítica más evidente y menos sutil." Aqué, en caimán, Àngel Quintana  comenta que "Tiene en su primera parte todos los elementos para ser una buena película (...) El significado de la metáfora es tan obvio que resulta ridículo y se transforma casi en una clase elemental de introducción al psicoanálisis."  

En Fotogramas Blai Morell sostiene que  "Rasoulof retrata con más ferocidad que sutileza un régimen ciego y voraz (...) convirtiendo esta valiente película en un angustioso grito de socorro pero a la vez un clamor de esperanza. (...)" 

Como dice al principio es una película necesaria que explica el estado de excitación de una población que lucha contra un régimen tiránico. 

Emmanuelle

Emmanuelle(1974), protagonizada por Sylvia Kristel,- Roswithka Bertasha Smid Honczar, ese era su verdadero nombre- supuso un hito fundamental en la historia del cine al normalizar el erotismo en las salas comerciales , convirtiendo el cine de temática sexual en un fenómeno de consumo masivo y "elegante". 

La película, dirigida por Just Jaeckin, marcó un antes y un después en la representación de la sexualidad, superando la barrera entre el cine de arte y la explotación sexual (sexploitation) de los años 70 . 

La historia que nos presentaba Jaeckin en su película se convirtió en una fenómeno cultural y de taquilla siendo una de las películas francesas más taquilleras de la historia, con una audiencia estimada de 300 millones de espectadores en todo el mundo. En París, se mantuvo en cartelera ininterrumpidamente durante 13 años y los españoles, dicen las crónicas, iban en perigrinación a Perpignan a  ver esta y ültimo tango en París. 

La película dará lugar a una revolución sexual en pantalla que reflejaba un cambio de mentalidad de la época, mostrando una visión de la liberación sexual femenina a través de un estilo visual estilizado, con fotografía suave y localizaciones exóticas, alejado de la pornografía cruda. Además tras la primera surgirán muchas otras, yo inevitablemente tengo en mi memoria aquella anécdota que nos contó el juez supremo de Seychelles en la isla de la Digue sonbre el rodaje en aquella casa isleña. 

A esto se le suma que Emmanuelle será la primera película clasificada "X" distribuida por un gran estudio de Hollywood (Columbia Pictures) en EE.UU. logrando un éxito crítico y comercial inusual para el género. 

Junto a esto lanzó a una actriz al estrellato como mujer y como símbolo sexual como Sylvia Kristel, desde ese momento un icono erótico mundial instantáneo y en un símbolo de la estética de los años 70, a menudo descrito con un aura de inocencia y sofisticación, y como señalé hace un momento inspiró numerosas secuelas y películas similares ("euro-erotismo") que se beneficiaron de la apertura de los censores tras la llegada de Valéry Giscard d'Estaing a la presidencia francesa.

Tras 'Emmanuelle' llegó la explotación de Kristel. No fue solo física, también comercial. Llegaron secuelas con menos sentido que dignidad: 'Emmanuelle 2', en 1975; 'Adiós, Emmanuelle', en 1977, y 'Emmanuelle 4', en el año 1984. 

Los agentes y productores de la época la pagaron poco y mal, y lo poco que consiguio Sylvia Kristel en forma de porcentajes de ganancias de la película lo acabó «cediendo» para financiar las drogas. Para finalizar esta introducción decir que la actriz falleció a los 60 años en 2012 a causa de un derrame cerebral tras combatir con dos cáncer, tras una vida marcada por el sufrimiento. Seis años antes, en el año 2006, en su autobiografía 'Nue (desnuda)'. En ella nos relata todo lo que vino tras ese mítico papel: abusos sexuales, un divorcio tormentoso, fama planetaria, drogas y alcohol, olvido y enfermedad - dos cáncer, uno de garganta y otro de pulmón-, finalmente, hasta que un derrame cerebral se la llevó para siempre mientras dormía. Así fue su muerte prematura.

Pues bien, la película que acabo de ver es la nueva versión del clásico francés realizada en el año 2024 y que tiene Audrey Diwan como directora , coescritora y productora en las que participan Chantelouve, Rectangle Productions, Goodfellas Media, Pathé, Logical Content Ventures. Basada en la novela de 1967 de Emmanuelle Arsan , es la octava película de la serie homónima y la decimoquinta en total, y funciona como un reinicio . La película cuenta además con la participación de la actriz Naomi Watts, Jamie Campwell Bower o Will Sharpe., entre otros.

Se trata de un remake del clásico de la década de los años 70 clásicos del cine erótico que colocó a Silvia Kristel en la cima del cine erótico. Ahora quién interpreta a la actriz principal es Noémie Merlant, que se dio a conocer con Retrato de una mujer en llamas. 

Ahora interpreta a una mujer segura de sí misma en busca del placer. Como en muchas de las película de Emmanuelle todo se inicia en un vuelo.

Ella, Emmanuelle, controladora de calidad de una cadena hotelera de lujo, llega a Hong Kong para evaluar un hotel dirigido por Margot, con la misión de encontrar una buena razón para despedirla. Sin embargo, ella valora la eficacia de Margot (Noemi Watts).

En paralelo Emmanuelle va en busca de un placer perdido, vive numerosas experiencias sensuales dentro del hotel a veces con algunos de los crientes del mismo , como una pareja francesa, a veces, con una chica que ofrece sus servicios en el mismo hotel, en una caseta, y entre análisis de datos y encuentros se cruza con Kei (Will Sharpe), un misterioso cliente del que se enamora, aunque sabemos que Emmanuelle, una mujer acostumbrada a no sentir placer durante sus relaciones sexuales así se encontrará hasta que conoce a Jae-Yong Kei, un atractivo ejecutivo del que se obsesiona durante su viaje de trabajo a Hong Kong y al que finalmente sigue hasta un garito, una vez escrito su informe favorable para mantener a Margot, en la dirección para tener un encuentro con él en ek a´rea de Chungking. 

La directora comenta que pretende dar una mirada femenina y actualizada del clásico personaje del cine erótico de los años 70. En esta nueva adaptación de la novela de Emmanuelle Arsan, la directora de la cinta que se dio a conocer con el acontecimiento proveera en imágenes del erotismo de la novela y devuelve a la protagonista " el poder ser el sujeto de la historia de nuevo" y no el objeto, explica su directora. 

La película tuvo su estreno mundial el 20 de septiembre de 2024 en el 72º Festival Internacional de Cine de San Sebastián , y fue estrenada en Francia por Pathé el 25 de septiembre de 2024.

La historia de la misma se remonta a mayo de 2022, cuando se anunció que la bella y sensual Léa Seydoux se había unido al elenco de la película, con Audrey Diwan como directora y productora a partir de un guion que escribió con Rebecca Zlotowski , basado en la novela Emmanuelle de Emmanuelle Arsan y que cuenta con la música de Evgueni y Sacha Galperine, así como la fotografía de Laurent Tangy. En febrero de 2023, Noémie Merlant se unió al elenco de la película, reemplazando a Seydoux.

El rodaje principal comenzó en París en octubre de 2023. También se filmó en Hong Kong , incluyendo Chungking Mansions, el escenario principal de Chungking Express (1994) de Wong Kar-wai , que Diwan eligió para filmar debido a su profunda admiración por la película. 

La película ha generado una recepción mayoritariamente fría, divisiva y, a menudo, negativa por parte de la crítica especializada tras su estreno en el Festival de San Sebastián. A diferencia del clásico softcore de 1974, esta película se aleja de la exuberancia erótica para intentar una exploración más intelectual del placer en la era post-#MeToo, un enfoque que muchos críticos han calificado de fallido. Es, por algunos considerada como una película aburrida y vacía.

Muchas reseñas coinciden en que la película es "soberanamente aburrida" y que carece de la tensión o la atmósfera sensual necesaria para un drama erótico. Además contrasta con el material original. Es más una reinterpretación intelectual que un remake directo. El contenido sexual es esporádico y, según la crítica, carece de pasión, mostrando a la protagonista (Merlant) con una actitud desapegada y aunque Noémie Merlant es reconocida como una gran actriz, la dirección de Diwan la lleva a un papel "plano" ya menudo calificado como frío o aburrido. No obstante algunos destacan el excelente apartado técnico especialmente en la fotografía y la atmósfera lujosa (ambientada en Hong Kong), describiéndola a menudo como una estética "de hotel de lujo", pero que no logra salvar un guion considerado flojo, pero critican abiertamente que tenga un anticlímax emocional. La película no logra "conectar" con la sensualidad, siendo descrita más como una exploración de la frialdad o la alienación en el capitalismo tardío que como una historia de descubrimiento sexual. 

Yo no comparto esta opinión. Si bnien no me ha encantado, sí que la he visto pasable , efectivamente, la ambientación, el lujo que destila, la búsqueda del placer no alcanzado por la protagonista, aunque coincide con a crítica a ese patético y ridículo final, pero no diría como otros que se trata de un "coitus interruptus" o únicamente recalquen el papel de frígida de la protagonista o como dicen en Espinoff "mal polvo de una noche: vacío, decepcionante, aburrido y fácil de olvidar".No es para tanto.  

En cuanto a los que saben de cine, los críticos, de ella - de la película- han hablado entre mal y peor. para Stephanie Bunbury de Deadline hay un quiero y no puedo. Como se destaca en "El valiente intento de Audrey Diwan de revivir un anticuado clásico softcore deja mucho que desear (...) Escena a escena, personaje a personaje, Diwan intenta devolver las pelotas del original al otro lado de la red". 

Guy Lodge columnista de Variety escribe sobre ella que "Decir algo novedoso y sustancioso sobre el deseo femenino y, al mismo tiempo, honrar el espíritu definitorio de la película es una tarea difícil y potencialmente inviable; la inerte y árida nueva película de Audrey Diwan opta por no hacer ni lo uno ni lo otro".

Leslie Felperin del The Hollywood Reporter comenta que "Todo parece estar al servicio de un anuncio con clase de un producto que ni se puede permitir, ni se quiere, ni se necesita".

Para Alistair Ryder de The Film Stage " A pesar del limitado alcance dramático inherente a un drama erótico sobre la disminución del deseo sexual, no puedo fingir que la película de Diwan no me pareció extrañamente encantadora".

Natalia Winkelman de IndieWire sostuuvo que "Ambientada en un lujoso hotel de Hong Kong, esta torpe nueva versión de un clásico soft-core está protagonizada por Noémie Merlant en el papel de una mujer que aprende que le gusta mirar. Al público probablemente no". 

Katie Rife en la prestigiosa web de cine de rogerebert.com destaca que la película "Es poco convincente, lo que significa que el público no disfruta en absoluto, al igual que los personajes de la pantalla" 

En Gran Bretaña, Fionnuala Halligan de Screendaily sostuvo que "Hay poco sexo en 'Emmanuelle' (que era lo que pretendían las novelas y películas francesas) y suficientes diálogos risibles en inglés como para que los almuerzos de drag queens tengan material para años venideros".

Wendy Ide de The Guardian contundente afirma que todo es un "Pésimo remake de la película erótica francesa de 1974 (...).

En Telegraph, Robbie Collin escribe que "La película cuenta con una extraña escasez de lucha psicológica, y aún menos de lucha física (...).

Y Peter Bradshaw del The Guardian sostivo que "Noémie Merlant, Naomi Watts y Will Sharpe languidecen en un lujoso hotel en el remake autoconsciente de Audrey Diwan (...) 

Ya en España, salvo Desirée de Fez, el resto de críticas han sido implacablemente negativas. Para Luis Martínez de El Mundo se trata de "Un artificial y pomposo ejercicio de cine empeñado en desmontar y volver a montar la fantasía erótica de los 70 desde la perspectiva de la mujer (...) una película premiosa, desenfocada y, lo peor, aburrida (...)" .

Pepa Blanes de la Cadena SER sostuvo que era "Un fallido thriller erótico (...) El punto de partido es perfecto, pero la ejecución no. Diálogos engolados y escenas incapaces de lograr la sensualidad y el erotismo que lograba la original. " 

Gregorio Belinchón de El País afirma que hay "Mucho lujo vacío para alcanzar el erotismo cero. (...) Diwan descarrila en su aproximación al mito pornográfico de hace 50 años con un drama desnortado" 

Irene Crespo de Cinemanía comenta que "Ni siquiera tiene el poder erótico de su predecesora, ni desde luego imágenes y escenas que se impriman en nuestro recuerdo cinéfilo (...) Es una oportunidad perdida de adentrarse en el deseo de la mujer, en el poder sexual con la complejidad actual".

Mariona Borrull de El Cultural afirma que "'Emmanuelle' se escribe, en fondo y forma, como un librito de porno suave (...) Algo más de juego, incluso algo de humor, hubiera venido bien a este viaje de descubrimiento".

Oti Rodríguez Marchante de ABC sostiene que "El argumento que organiza el guion y su puesta en escena no tiene especiales burbujas (...) una historia cuyo interés crece tanto como mis inversiones en bolsa (...) El elemento masculino en esta película tiene la misma metralla que una pistola de juguete" 

Nando Salvá desde El Periódico manifiesta que "Convierte el erotismo en sopor. (...) una película que deambula evidentemente despistada hacia no se sabe muy bien dónde" 

Marta Medina en El Confidencial afirma que es "Un tratado no sobre el erotismo, sino sobre la insatisfacción. (...) La película funciona más a nivel teórico que en la práctica, desnuda de cualquier ápice de sensualidad, de carnalidad" 

Carlos F. Heredero en Caimán dice de ella que es "Una película en la que ese aséptico esteticismo en el tratamiento de los espacios y su calculadamente milimetrada coreografía en la pudorosa filmación del sexo se dejan contagiar del control asfixiante, de la asepsia y de la frialdad de la que supuestamente huye la protagonista" 

Pero me quedo en parte con Marta Medina y tambien con lo que afirma Desirée de Fez en El Periódico se trata de "Una sugerente película sobre el deseo. (...) resulta interesante por la mezcla de erotismo, estilización formal y fantasmagoría con las que representa y explora las pasiones de la protagonista. (...) " , aunque estoy de acuerdo con otras críticas que he leído, era un remake innecesario y aunque Noémie Merlant está a la altura, la historia es blandita, pretenciosa por momentos y como homenaje a Chungking Extress no está mal, pero en gran medida este revitalizar de la historia, era innecesario.

Sirāt

Sirāt es una palabra que aparece en el Corán que hace referencia a un estrecho puente entre el paraíso y el infierno. Supongo que ese puente estrecho e imperceptible está en ese minuto treinta que Oliver Laxe nos coloca en la película que dirige siendo la película del año en España, nominada a los Óscar en la categoría de mejor película internacional y mejor sonido gracias al trabajo de Laia Casanovas, Yasmina Praderas y Amanda Villavieja que contó con el guion del propio Laxe y Santiago Fillol.

La película que ganó seis premios Goya tras ser nominada en 11 categorías: mejor película, dirección, guion original, fotografía, montaje, música original, dirección de producción, dirección de arte, maquillaje y peluquería, sonido y efectos especiales, llevándose el de dirección de fotografía, la mejor música original y la dirección de producción en la que está presente la fotografía de Mauro Herce, el montaje de Cristóbal Fernández, la música de Kangding Ray y teniendo en la producción a Esther García y Oriol Maymó como representantes visibles de las productoras Movistar +, El Deseo, Filmes da Ermida, Uri Films, 4A4 Productions 

La película que ha sido representante española en los Óscars 2026 que finalmente se hizo con el premio, Valor sentimental, de Joachim Trier. Y eso que el viaje de Sirat ha sido largo. Empezó en mayo del 25, en Cannes y ha llegado a marzo del 26. El viaje ha sido sencillamente abrumador y hasta deslumbrante. 

Al shock inicial que produjo la película en Cannes siendo recibida con un entusiasmo que nada tenía que ver con la recepción de la película en España lo que llevo a Laxe a declarar poco antes de la ceremonia, que "Desgraciadamente me he tenido que legitimar siempre fuera de España". 

Desde septiembre de 2025 cuando Pablo Berger anunció en la sede de la Academia de Cine, superando a las otras candidatas: Sorda, de Eva Libertad, y Romería, de Carla Simón hasta hoy ha sido elogiada y denostada a partes iguales.

Esta coproducción entre España-Francia, tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 2025, donde fue galardonada con el Premio del Jurado y el Premio Cannes Soundtrack a David Letellier (Kangding Ray), por la mejor composición musical.

La película protagonizada por Sergi López y Bruno Núñez bajo la dirección de Oliver Laxe, Sirāt en palabras del mismo director es una" experiencia cinematográfica poderosa y brutal que acompaña a unos personajes que deambulan por el desierto entre el paraíso y el infierno" es precisamente el puente que une ese paraíso y ese infierno, y en un momento dado la película lo cruzan los protagonistas. 

Tras la desaparición de su hija en una fiesta rave, un padre, Luis (Sergi López), viaja a Marruecos con su hijo pequeño Esteban (Bruno Núñez) para buscarla en ese ambiente de fiestas de música electrónica y de fiestas rave en los desiertos de Marruecos .

Ambos buscan a Mar, su hija y hermana, desaparecida hace meses en una de esas fiestas sin amanecer. Reparten su foto una y otra vez rodeados de música electrónica y un tipo de libertad que desconocen. Conocen a un grupo de raveros y deciden seguirlos a una última fiesta que se celebrará en el sur del desierto, en las cercanías de Mauritania donde esperan encontrar a la joven desaparecida. Pero en un momento dado todo cambia pues estalla un conflicto que parece ser la tercera Guerra Mundial. 

Titulada originalmente After, el director Óliver Laxe describió la película como su «más política» y «más radical». Además de Sergi López y Bruno Núñez, la película cuenta con actores no profesionales como Jade Oukid, Tonin Janvier, Richard Bellamy. 

El rodaje fue de mayo a junio de 2024 en Teruel (Rambla de Barrachina), Huesca (Jubierre y Castejón de Monegros), y Marruecos (Erfud y Errachidía). Se rodó en Super 16 mm. 

El punto de partida de Sirāt es una auténtica rave que el equipo organizó legalmente en Teruel, según lo dispuesto en la Ley de Espectáculos de la Comunidad de Aragón. Invitaron a raveros franceses por considerar que mantienen una filosofía pura que viene de las free parties de los años 70-80, y vinieron entre 1500 y 2000 travellers. 

Los protagonistas de la película proceden de una subcultura con muchas ramas y fueron seleccionados mediante un casting en distintas raves. 

La película ha tenido múltiples reconocimientos internacionales. En los Premios del Cine Independiente Británico (BIFA) 2025 fue la representante de España en la categoría de Mejor Largometraje Internacional. 

En los Globos de oro fue nominada en la categoría de mejor película de habla no inglesa y a mejor banda sonora original. 

En los Premios Feroz 2026 sellevó el de Mejor tráiler, a Aitor Tapia y Mejor música original, a Kangding Ray. 

En los Bafta y en los César fue nominada en la categoría de mejor película de habla no inglesa. En los Premios Gaudí de 2026 fue premiada con la Mejor Película en lengua no catalana, Mejor música original, a Kangding Ray, Mejor dirección artística, a Laia Ateca, Mejor maquillaje y peluquería, a Zaira Eva Adén, Mejores efectos visuales, a Pep Claret, Lluís Rivera y Benjamín Ageorges y Mejor sonido, a Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas. 

Las responsables del sonido han opinado sobre el valor adquirido en la película."Ha sido un viaje muy emocionante desde el principio. Ya en Cannes, notamos algo. Leíamos críticas en las que se mencionaba el sonido expresamente. Eso normalmente no pasa", comentaba tiempo atrás Laia. "El mundo del cine", añadía Yasmina, "es muy curioso. Todo depende del lugar y el momento. He trabajado en proyectos maravillosos en los que pusimos muchas esperanzas y, al final, no pasó nada. No es el caso". Y la tercera (es decir, Amanda) insistía: "Lo fascinante es que se trata de una película en la que el sonido, como se dice, no solo produce un efecto inmersivo, Sirat es muchas más cosas: es hipnótica, es absorbente y, a medida que avanza, muta". 

En cuanto a la crítica ha sido, salvo puntuales excepciones, muy elogiadas. En España  Elsa Fernández-Santos  en El País recalcó que "Laxe revienta Cannes con el trágico y brutal trance de ‘Sirât’. (...) una desoladora respuesta a un presente descarrilado. (...) Poderosa película". Y en este mismo diario, Carlos Boyero señaló que "Durante todo el metraje estoy dentro de esta película, se adueña la fascinación ante el poderío visual de lo que transmite la pantalla, no me distraigo en ningún momento, me engancha la atmósfera que desprende la historia."  

Luis Martínez Diario El Mundo "Una propuesta tan radical y honda como sorprendente, clara y arriesgada. (...) El resultado es un trabajo que conmueve (...) Definitivamente, el cine de Laxe no para de crecer. (...)" Y tras la entrega de los Óscar este mismo periodista escribio que "Sirat se ha acabado por transformar en la referencia de película anómala en un mundo que, ahora mismo, pelea contra la normalización y el algoritmo como la única oportunidad de supervivencia".

Nando Salvá  en El Periódico comentó que era un "Brillante ejercicio de hipnosis (...) una obra apabullante que deja al espectador en estado de trance (...) Mezcla extremadamente singular de western, road movie y disquisición metafísica"  Y el crítico Quim Casas también en este diario catalán comenta que  "Laxe da un convincente salto cualitativo con (...) una obra muy libre de impactante calado visual (...) porque Laxe y el extraordinario director de fotografía Mauro Herce se complementan a la perfección (...)

Sergi Sánchez en La Razón "“Sirât” es una película áspera pero hipnótica, es ‎imposible librarse de su influjo.‎ (...) es la película más accesible, pero ‎también la más radical, de su autor. ‎(...) " 

Pepa Blanes en Cadena SER afirmó que "Laxe impacta con la brillante 'Sirât', una oda antisistema. (...) una película sorprendente, emocional, reflexiva y comunitaria, como la cultura rave."

Javier Zurro en el digital eldiario.es señala que "Laxe sorprende con una película hipnótica que embriaga para luego conmocionarte (...) un viaje sensorial, poético y político sobre la imposibilidad de salirse del sistema." 

Philipp Engel habitual de La Vanguardia dice de la película que "El viaje hay que hacerlo, porque es toda una experiencia, además de una de las grandes películas del año (...) " 

Andrea G. Bermejo de Cinemanía comenta que es "Una de las películas del año (...) un filme excepcional. (...) "También en esta revista Daniel De Partearroyo  afirma que el "Cuarto largometraje [de Oliver Laxe], su mejor película y un avance notable (...) un relato de supervivencia y dolor al límite de lo soportable que acaba convirtiendo 'Sirat' en una parábola de lienzo en blanco (...) "

Oti Rodríguez Marchante es el crítico español menos favorable a la película cuando escribe en el ABC que estamos ante "Una película extraña, rasposa, que no se deja agarrar fácilmente (...) tiene una progresión inesperada (...) entre su macabro rollo 'rave' y su macabro modo de ponerse rugosa, deja al personal impresionado. El hecho de que uno no sepa qué le quiere contar ni para qué, ya es secundario" 

Carlos Reviriego en las páginas de El Cultural  sostiene que es  "Un pozo de dolor sin fondo que deja devastado al espectador (...) Una buena obra que deja muy mal cuerpo. Si opera en la magia del espíritu, eso ya va con cada espectador y cómo buenamente lo negocie."

Manu Yáñez de Fotogramas comenta que la película es "Una aventura que serpentea entre lo físico y lo espiritual. Un camino que Laxe recorre con una libertad apabullante, traspasando los límites de su propio cine. (...) "

En los Estados Unidos en Variety Jessica Kiang Variety "Una visión brillantemente extraña y de culto de la psicología humana puesta a prueba hasta sus límites" Estados Unidos

Justin Chang columnista del The New Yorker "Una desgarradora y estimulante danza de la muerte. (...) una película asombrosa (...) en cuanto a pura excitación visceral y fuerza emocional sostenida, no he encontrado otra igual este año." 

Lovia Gyarkye de The Hollywood Reporter dice de ella que es "Una película llena de energía, un proyecto decidido a despertarnos" 

Damon Wise de Deadline sostiene de que "Se trata sin duda de un viaje, una nueva forma de enmarcar la familia y la pérdida, con una banda sonora de infarto para los más duros" 

Ben Kenigsberg en la prestigiosa web de cine rogerebert.com nos dice que "Estructuralmente, no teme dejar al espectador con la boca abierta, y hay algunos desarrollos de la trama tan crueles que son difíciles de perdonar, por mucho que parezcan encajar en el diseño de la película" 

David Katz de IndieWire comenta de que la película "Se trata, sin duda, de la obra más completa de Laxe, que destaca también por incorporar los placeres viscerales del cine de género contemporáneo e incluso de las superproducciones" 

Gregory Ellwood en The Playlist que "Laxe sostiene que no hay baile hacia el fin del mundo. Sólo existe la muerte, y cuando llegue, te hará pedazos" 

Steve Pond de The Wrap afirma que "Es audaz en su descripción de un mundo en decadencia en el que algunas personas aún pueden encontrar liberación" 

En Gran Bretaña John Bleasdale en Time Out afirma que "Sorprendentemente original, sorprendentemente desternillante y profundamente inquietante (...) 

Robbie Collin del Telegraph "Su título se refiere al mítico puente islámico que cruza el infierno, en el que un paso en falso conduce a la perdición. El camino que recorre el propio filme no es menos arriesgado, pero estiliza la travesía de forma asombrosa (...) " 

Peter Bradshaw del The Guardian comenta que "Oliver Laxe guía a su audiencia hacia un desierto de falta de sentido en esta extraña y opresiva película poco gratificante (...) 

Para Kevin Maher de The Times destaca que la película de Oliver Laxe es un "Cine original, explosivo y digno de ovaciones (...) Humanista, introspectiva, hipnótica, política, cruda y salvaje, esta road movie"

Por mi parte destacar que la película de Oliver Laxe, destaca como una obra cinematográfica audaz que combina el cine de autor con una experiencia sensorial intensa, descrita a menudo como una "terapia de choque" o una "odisea mística" en el desierto y que entre sus principales valores están esa elevación espiritual y metafórica presenta ya en el título que hace referencia al "Sirat", el puente estrecho de la tradición islámica que separa el paraíso del infierno. 

La película funciona como una metáfora del tránsito humano entre la culpa, la fe y la libertad, donde el desierto marroquí actúa como un espejo del alma y de la comunidad. Pero tan destacable como eso es la experiencia sensorial y la radicalidad de los que Laxe filma en 16mm para capturar la textura granular del desierto, creando un contraste entre la contemplación y la energía frenética de las raves clandestinas. Es una obra que se siente en el cuerpo más allá de la razón, valorando lo polisémico y lo ambiguo sobre el relato convencional. 

La película es un viaje de transformación y resiliencia, más que una búsqueda física, es un "rito de pasaje". Los personajes atraviesan situaciones límite que los obligan a despojarse de lo superficial para afrontar la pérdida, el dolor y, finalmente, encontrar fuerza y transformación así como una crítica sociopolítica y de contraste cultural que contrapone la búsqueda desesperada de un padre (Sergi López) con la cultura rave de evasión y la situación de los habitantes del Sáhara Occidental. Invita a reflexionar sobre la modernidad, la resistencia antisistema y la apatía del turista europeo frente a los conflictos territoriales llegando finalmente a un humanismo radical más aún en entornos extremos, retratando a personajes rotos que se encuentran en la comunidad (incluso en esa tan variopinta) un refugio frente al vacío que lo embarga y , finalmente, lo hunde.

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Julio Medem ha sido considerado históricamente uno de los directores con más proyección, reputación y personalidad del cine español., especialmente desde su irrupción en los años 90 hasta principios de los 2000. Su estilo intimista, metafórico y simbólico lo situó como una cineasta de culto y uno de los principales representantes del "cine de autor" en España, con una fuerte repercusión internacional. 

Debutó con gran éxito con Vacas (1992), por la que ganó el Premio Goya a la Mejor Dirección Novel.Sus primeras películas, La ardilla roja (1993) y Tierra (1996), fueron bien recibidas en festivales de prestigio como Cannes.

Los amantes del círculo polar (1998) y Lucía y el sexo (2001) le consolidaron como un director clave, siendo esta última un gran éxito de taquilla. 

El 21 de septiembre de 2003, dentro de la Sección de Especiales Zabaltegui del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, Julio estrenó 'La pelota vasca. La piel contra la piedra', un documental sobre la problemática política y social existente en Euskadi. Este trabajo generó una gran polémica. 

Tras 'La pelota vasca' Julio iba a plasmar en su sexto largometraje de ficción la historia de 'Aitor. La piel contra la piedra', película hermana del documental, pero que definitivamente aparcó para lanzarse hacia otros derroteros fílmicos y narrativos con 'Caótica Ana', estrenada en el verano de 2007 y que supuso una gran apuesta personal del director, puesto que hablaba de una joven pintora de Ibiza de 18 años que viaja a Madrid y allí descubre hasta los 22 años que su inconsciente alberga las vidas de otras mujeres jóvenes fallecidas trágicamente, siendo un viaje hipnótico de transformación personal contra la tiranía masculina inspirándose en su hermana fallecida y su viaje que le sumergió en sus emociones, arte y la pintura como vía de escape. 

En los primeros meses de 2009 filmó su octavo largometraje, el séptimo de ficción, 'Habitación en Roma', su primer historia rodada íntegramente en inglés, protagonizada por Elena Anaya y Natasha Yarovenko y basada en la película 'En la cama' del director chileno Matías Bize. 

En 2012 presentó su primera obra literaria, 'Aspasia, amante de Atenas', obra que nació tras la imposibilidad de transformar en película un ambicioso guión sobre el político griego Pericles, un influyente personaje de la edad de oro de Atenas. Medem escribió esta novela en Los Ángeles (Estados Unidos), ciudad donde comenzó a desarrollar varios proyectos. 

En 2014 regresa a España para rodar una nueva película, 'ma ma', protagonizada por Penélope Cruz, Luis Tosar y Asier Etxeandia. El filme, producido por la protagonista y el propio director, se estrenó internacionalmente en el Festival de Toronto en septiembre de 2015. 

Lo cierto es que tras Lucía y el sexo la estrella de Medem oscureció y aunque en décadas posteriores su cine ha recibido críticas más mixtas por parte de ciertos sectores, ha seguido manteniéndose fiel a su poética personal como demostró eeste pasado 2025, cuando regresó con su película 8 , presentada en el Festival de Málaga, primero donde consiguió la Biznaga Premio del Público en Sección Oficial Fuera de Concurso, y en San Sebastián, evidenciando la continuidad de su concepto cinematográfico. 

En 8 Julio Medem está como director y como responsable del guion y montaje , de una película amparada por las productoras AIE, Quexito Films, Eidan Produce, RTVE, Movistar Plus+ que reflexiona sobre la historia de España a través de una historia que entrelaza la vida de dos personajes en ocho capítulos. En una película dedicada a todos los españoles y en la que participan en conjunto enorme de productoras encabezadas por Álvaro Longoria, Rodrigo Espinel y el mismo Julio Medem, intenta reflexionar sobre el papel de España en esta película del año 2025. 

La película la componen Ocho capítulos, 8 lienzos, rodados en ocho planos secuencia y ambientados sin ocho momentos históricos del último siglo entre el año 1931 y 2021 y que en su conjunto componen lo que en palabras del mismo director vasco un " poema cinematográfico" sobre el amor y el perdón protagonizado por Javi Rey y por Ana Rujas. 

La historia la protagonizan Octavio y Adela, unos chicos que nacen el mismo día , el 14 de abril de 1931, y lo hacen en dos pueblos vecinos de una sierra cercana a Madrid, en el mismo amanecer en que se proclama la II República. Uno nace con dificultades pues es fruto de un parto difícil, y lña otra 

Así, desde el primer día, y sin ellos saberlo, sus destinos discurren conectados, enlazados en forma de '8', dos bucles con un cruce en el centro, mientras de fondo transcurre España; la que le toca vivir a cada uno.

Los 90 años de vida de Octavio y Adela ocurren en 8 capítulos, que son 8 momentos, 8 sinuosos planos en continuidad en 8 fechas decisivas de la historia de España, entre 1931 y 2021, con paradas en 1939, Octavio y Adela nacen en dos pueblos vecinos de una sierra cercana a Madrid el mismo amanecer en que se proclama la II República. 

Así, desde el primer día, y sin ellos saberlo, sus destinos discurren conectados, enlazados en forma de '8', dos bucles con un cruce en el centro, mientras de fondo transcurre España; la que le toca vivir a cada uno. 

La película narra la historia romántica de Octavio y de Adela cuyo destino marcado por el azar se entrelaza como el número ocho a lo largo de ocho décadas desde el nacimiento de ambos el 14 de abril de 1931 hasta que son ancianos con 90 años en 2022. Desde el primer momento los encontramos, sin que ellos quieran o lo sepan enfrentados, respondiendo al verso machadiano “Una de las dos Españas ha de helarte el corazón” (Antonio Machado). 

Empiezan enfrentados como víctimas silenciosas del cainismo español, cuyas familias se matan en la Guerra Civil - el padre de ella mata al padre de él, en los momento finales de la guerra, en la misma medida que el nacimiento del protagonista supone la muerte de la madre de la protagonista- y en la Postguerra- Octavio, hijo de Octavio, el fusilado inmisericorde por los republicanos participa del peotón de fusilamiento del hombre que ha matado al padre de Adela- , pero a medida que pasa el tiempo la silueta del número “8”, que les ha mantenido separados - pero unidos por el azar- comienza a atraerlos haciendo que compartan el deseo, la pasión, la tragedia, el perdón… y el amor, incluso un hijo.

Con muchos el director afirma que quería hacer algo que" me fascinará, le sedujera y que fuera enigmático", firma que con esta película quiere abordar temas como la polarización de la sociedad, el trauma colectivo, la evolución del papel de la mujer o la libertad. 

La película cuenta en su reparto con Álvaro Morte, Tamar Novas, Loreto Mauleón y Carla Díaz entre otros. La música fue labor de Lucas Vidal mientras que la fotografía de Rafael Reparaz. En otros campos aparecen Montse Sanz como directora de arte, Maite Tarilonte como diseñadora de vestuario, Eduardo Torres como jefe de peluquería, Cecilia Escot como jefa de maquillaje, Rubén Samos como responsable del efectos especiales de maquillaje, Jaime Barros como jefe de sonido directo, Pilar Moya como montador, Elena Alcolea como supervisora de postproducción, Carmen García como supervisora de VFX, Raquel de la Haza como colorista, Pilar Moya como directora de casting, y Mamen Tortosa e Idoia Artxanko como directoras de producción

Se estrenó en el Festival de Málaga el 16 de marzo de 2025, y luego se estrenó en cines españoles el 21 de marzo de 2025, con distribución de Vercine. En marzo de 2023, se anunció por primera vez que Julio Medem estaba preparando la producción de la película 8, cuyo rodaje estaba previsto para comenzar en octubre de ese año. Finalmente, el rodaje de la película comenzó a finales de febrero de 2024, y concluyó en abril de 2024. El rodaje de la película tuvo lugar en varias localizaciones de la provincia de Vizcaya, incluyendo Orduña, Guecho, Arrigorriaga y Bilbao 

Recibida sin entusiasmo por la crítica, realmente lo contrario en ocasiones, las críticas se centraron en aspectos tales como lo que comentó Luis Martínez en las páginas de El Mundo al escribir que "Medem se estrella contra su poética imposible (...) El director se arriesga en un ejercicio de cine tan provocador y al límite como finalmente reiterativo y exageradamente ingenuo (...) " 

Menos duro fue Juan Pando en Fotogramas al comentar que la película era "Atractiva en lo visual y por su virtuosismo técnico, sello de la casa, '8' llega con fluidez a un final con consejo (...)" Para el crítico lo mejor es su propuesta por la convivencia entre dispares y lo peor es que se exageran algunas situaciones al filo del cliché. 

Desde Barcelona, Salvador Llopart columnista en La Vanguardia sostuvo que "Bienintencionada película, limitada en lo dramático, donde todos acaban por ser Cain y Abel al mismo tiempo. Interesante sobre el papel. Decepcionante en la pantalla. (...)" 

Alfonso Rivera en Cineuropa dice del director que "Medem vuelve a demostrar que el miedo al ridículo no va con él en una poética y arrebatada historia de amor (...) el discurso político del film, subrayado en exceso, acaba enturbiando esas escenas arrebatadas y líricas". 

Por mi parte destacar alhgunos aspectos y criticar otros de la película. Entre lo positivo destacar la ambición formal y narrativa de Medem al utiliza esos ocho planos secuencia (o falsos planos secuencia) para representar ocho fechas clave en la historia de España entre 1931 y 2021, lo que ofrece una estructura visual única y desafiante. Igualmente destacar la buena actuación de los protagonistas Ana Rujas y Javier Rey con actuaciones solventes y con momentos de gran química y vulnerabilidad; a destacar igualmente la belleza estética y emocional que evocan el estilo melodramático romántico de trabajos anteriores de Medem como Los amantes del círculo polar  o la mirada humanista a la historia y a lo que no es historia como la memoria histórica y la polarización política de las "dos Españas" desde una perspectiva humana, buscando el perdón y la conexión emocional por encima del conflicto político directo. Por úlitmo, el peso que Medem da a una banda sonora, la de Lucas Vidal. Por contra es más criticable el uso de croma/VFX (efectos visuales) qie resultan artificiales o fallidos, restando naturalidad a la propuesta, o ese guion y algunos diálogos qie parecen forzados desde el momento que se intenta unir el romance con la reflexión histórica y filosófica provoca, a veces, diálogos artificiales y una trama inverosímil o precipitada. También el ritmo desigual más impactante al inicio que en la segunda mitad. Por último la película habla de algo elogiable y noble como el perdón y la reconciliación, pero puede percibirse como algo pueril o ingenuo , dada la profundidad del cainismo español que intenta retratar. Es normal, quien mucho aprieta, poco abarca.