Blade Trinity

En pocos meses hemos comenzado y terminado con ese personaje vampírico de Marvel que es Blade. La primera entrega fue Blade (1998) y con ella comenzó la película que redefinió el cine de superhéroes y salvó a Marvel del borde de la bancarrota. Dirigida por Stephen Norrington y protagonizada por un imponente Wesley Snipes como el cazador mitad humano y mitad vampiro ( Daywalker ). Recaudó más de $130 millones en todo el mundo. La segunda fue Blade II (2002), dirigida por Guillermo del Toro , aportó su característico toque de terror fantástico y monstruos mutantes ( Reapers ).

Ahora le toca el turno a Blade: Trinity (2004), dirigida por David S. Goyer y coprotagonizada por Ryan Reynolds y Jessica Biel , con la cerró la etapa clásica del personaje. Y es que esta entre de Blade, la Trinity, es una película estadounidense de superhéroes de 2004 basada en el personaje de Marvel Comics siendo la secuela de Blade II (2002) y la tercera entrega de la franquicia Blade . 

Como ya dije estaba escrita y dirigida por David S. Goyer, guionista de la primera entrega y está basado en el personaje creado por Marv Wolfman y Gene Colan . La película fue producida por Peter Frankfurt, Wesley Snipes, David S. Goyer y Lynn Harris amparado por las compañías New Line Cinema y Marvel Entertainment y para la que contó con un presupuesto de unos 65 millones de dólares que recuperó con creces los invertido al conseguir en taquilla $132 millones. 

El responsable de la fotografía fue Gabriel Beristain quedando el montaje en manos de Conrad Smart y Howard E. Smith. La música fue compuesta por Ramin Djawadi, RZA. 

La película está protagonizada por Wesley Snipes como Eric Brooks / Blade, Jessica Biel como Abigail Whistler, Ryan Reynolds como Hannibal King, Dominic Purcell como Drácula / Drake, Kris Kristofferson como Abraham Whistler, Parker Posey como Danica Talos, Callum Keith Rennie como Asher Talos, Triple H como Jarko Grimwood, Natasha Lyonne como Sommerfield, Ginger "Haili" Page como Zoe, Mark Berry como el jefe Martin Vreede, John Michael Higgins como el Dr. Edgar Vance, Patton Oswalt como Hedges, James Remar como el agente del FBI Ray Cumberland, Michael Anthony Rawlins como el agente del FBI Wilson Hale, Christopher Heyerdahl como Caulder, Scott Heindl como Gedge, Cascy Beddow como "Flick", Paul Anthony como Wolfe, John Ashker como Campbell, Eric Bogosian como Bentley Tittle, Ron Selmour como Dex, Françoise Yip como Virago, Kett Turton como "Dingo" y Michel Cook como miembro del equipo SWAT. 

La película comienza en Irak, en un espacio en el que hay bastantes zigurats y allí llega un helicóptero con un pequeño grupo de vampiros, liderado por los hermanos Talos, Danica y Asher, y su guardaespaldas Jarko Grimwood, investigan una antigua tumba en el desierto , que creen que pertenece al primer vampiro Drácula , también llamado "Drake". Y efectivamente sí que aparece en un momento dado tras retirar una gran losa, Drake que acaba con un integrante del equipo. 

Tras esto volvemos a los Estados Unidos , a lo que parece ser una gran nave industrial. A la misma llega Blade que inicia una matanza de vampiros con su nuevo y eficaz armamento diseñado por Abraham Whistler. Algunos de los vampiros huyen y Blade inicia una persecusión alcanzando uno tras otro de los vampiros. Al culminar la misma tiene lugar un enfrentamiento entre Blade y el superviviente de un accidente de tráfico entre los vampiros que huían. Como era de espera Blade no lo perdona, pero mientras el vampiro está moribundo le hace saber que acaba de matar a un humano. 

Agentes del FBI localizan el escondite de Blade y matan a su mentor y amigo, Abraham Whistler . Desmoralizado, Blade se rinde y es arrestado. Los familiares de los vampiros han acordado con las autoridades entregar a Blade. 

Pero éste es rescatado por Hannibal King y Abigail Whistler, la hija de Abraham, quienes invitan a Blade a unirse a su grupo de cazadores de vampiros, los Nightstalkers . De ellos, Blade descubre que los vampiros han revivido a Drake, con la intención de usar sus poderes para curar a los vampiros de sus debilidades y crear así un supervampiro similar al primero de los vampiros, Drake, que puede sobrevivir a la luz del sol. 

Junto con la innovadora munición ultravioleta " parhelio ", la científica ciego de los Nightstalkers, Sommerfield, ha creado un arma biológica viral experimental conocida como Daystar, capaz de matar vampiros a nivel genético. Sin embargo, para que sea efectivo, necesitan una fuente de sangre pura. Drake es demasiado poderoso para matarlo porque es inmune a cualquier debilidad vampírica, incluida la luz del sol, así que esperan que el virus lo mate y, con su sangre en la mezcla, asegurar la extinción del resto de la especie. Ansioso por poner a prueba a Blade, Drake lo aísla de los Nightstalkers. 

Explica su punto de vista de que todos los humanos y vampiros son inferiores a sus ojos y que pretende exterminarlos. Abigail encuentra evidencia de los planes de los vampiros para la subyugación humana: una red de "granjas de sangre" donde se extrae la sangre de humanos con muerte cerebral para el consumo vampírico. Blade desactiva los sistemas de soporte vital de la granja y ejecuta al policía conocido que había estado capturando humanos para los vampiros. 

Al regresar al escondite de los Nightstalkers, Abigail y Blade los encuentran a todos muertos, excepto a King y Zoe, la hija de Sommerfield, quienes han sido capturados. Una grabación dejada por Sommerfield revela que la sangre de Drake es todo lo que se necesita para que sea efectivo, pero también advierte que Blade podría morir. 

King es torturado por los vampiros para obtener información, pero se niega a hablar, incluso cuando lo amenazan con convertirlo en vampiro, dejarlo morir de hambre y luego obligarlo a alimentarse de Zoe. Blade y Abigail llegan y liberan a los cautivos. 

Abigail mata a Asher mientras King mata a Jarko. Blade y Drake se enfrentan en combate hasta que Drake lo vence. Mientras Drake se prepara para matar a Blade, Abigail dispara la flecha Daystar, pero Drake la atrapa antes de que caiga. Esta distracción permite a Blade apuñalar a Drake con la flecha Daystar, desencadenando una reacción química que completa el virus y lo libera al aire, matando a Danica y a todos los vampiros. 

Mientras Drake sucumbe lentamente a sus heridas y al virus, elogia a Blade por luchar con honor, pero le advierte que eventualmente sucumbirá a su necesidad de sangre, reconociendo que Blade es el futuro de la raza vampírica. 

Usando el último de sus poderes, Drake se transforma en Blade, permitiendo que este escape. El FBI recupera el cuerpo, pero al comenzar la autopsia, este se transforma de nuevo en el difunto Drake. 

En 2001, antes del estreno de Blade II , New Line Cinema llegó a un acuerdo con David S. Goyer para escribir y producir una tercera película de Blade . En 2002, el director alemán Oliver Hirschbiegel estuvo en conversaciones para dirigir la película, pero optó por dirigir una película sobre Adolf Hitler llamada Downfall, es decir, El hundimiento. Goyer, amigo de Stephen Norrington y Guillermo Del Toro, les pidió consejo. Del Toro realizó el arte conceptual de la película y se le agradeció en los créditos finales. 

En agosto de 2003, Ryan Reynolds estaba en negociaciones para unirse a la película, y Ashley Scott también estaba siendo considerada como su contraparte, y también protagonizarían una posible película derivada. 

Más tarde ese mes, Jessica Biel firmó para el proyecto. Los productores de New Line Cinema sugirieron contratar al luchador profesional Triple H y Goyer se mostró muy escéptico. Goyer quedó impresionado por el sentido del humor y la autocrítica de Triple H y terminó ampliando su papel. No fue una producción fácil. 

Según se informa, Wesley Snipes no estaba contento con el guion de la película ni con la elección original del director. David S. Goyer , quien había escrito las tres películas de la franquicia, fue seleccionado para reemplazar al director, lo que también provocó la protesta de Snipes. Al parecer, Snipes causó dificultades durante el rodaje, incluyendo su frecuente negativa a filmar escenas, lo que a menudo obligaba al director Goyer a usar dobles y efectos especiales para agregar su personaje a las escenas. 

Goyer describió la realización de la película como "lo más difícil y doloroso que he vivido, tanto a nivel personal como profesional". El coprotagonista Patton Oswalt alegó que Snipes pasaba gran parte del tiempo fumando marihuana en su caravana y que se volvió violento con Goyer después de acusarlo de racismo. También se ha alegado que Snipes se negaba a interactuar con el resto del elenco y el equipo, incluyendo a Goyer, y que en su lugar se comunicaba con ellos a través de su asistente o mediante notas. Snipes también habría llamado " blanquito " a su coprotagonista Ryan Reynolds en una o más ocasiones. Snipes negó esa versión de los hechos y dijo que como productor ejecutivo de la película tenía autoridad para tomar decisiones, pero que a algunas personas les costaba aceptarlo. 

En el set, Snipes consideró que el humor de Reynolds era un poco exagerado para Blade: Trinity , pero años después pensó que tenía sentido en el contexto de Deadpool . En Deadpool & Wolverine , Snipes disfrutó trabajando con Reynolds, afirmando: "Es único en ese sentido, y ha encontrado un nicho fantástico para sí mismo haciendo lo que hace. Deadpool es Ryan Reynolds todo el día. Así que fue agradable. Fue agradable trabajar con él. Fue agradable volver a verlo". 

En 2005, Snipes demandó a New Line Cinema y a Goyer, alegando que el estudio no le pagó su salario completo, que fue excluido intencionalmente de las decisiones de casting y del proceso de filmación, a pesar de ser uno de los productores, y que el tiempo en pantalla de su personaje se redujo en favor de sus coprotagonistas Ryan Reynolds y Jessica Biel . 

En 2006, Snipes fue demandado por United Talent Agency por supuestamente no cumplir con los acuerdos de pagarle una comisión a la agencia sobre sus ganancias. Blade: Trinity fue estrenada por New Line Cinema en Estados Unidos en diciembre de 2004. 

La película recaudó 132 millones de dólares en taquilla a nivel mundial con un presupuesto de 65 millones de dólares y recibió críticas mayoritariamente negativas por sus temas predecibles, dirección y actuación; es la película peor valorada de la trilogía. 

Más tarde, David S. Goyer también fue muy crítico con el producto final: «No creo que nadie involucrado en esa película haya tenido una buena experiencia en ella, ciertamente yo no. No creo que nadie involucrado en esa película esté contento con los resultados. Fue una producción muy tortuosa». 

En cuanto a los críticos, Roger Ebert del Chicago Sun Times , quien había valorado muy bien a la primera entrega y a Blade II consideró que Blade: Trinity no estaba a la altura de las otras entregas y escribió: «Carece de la línea narrativa aguda y la claridad nítida de los cómics de las películas anteriores, y cae con demasiada facilidad en escenas de lucha sin forma que están cortadas en tantos cortes que carecen de toda forma o ritmo». 

También desde la prensa de Illinois , en concreto, Chicago Reader Jonathan Rosenbaum valoró la película como "La única que parece estar disfrutando es Parker Posey, campando a sus anchas como una de los vampiros."

En el Chicago Tribune, Robert K. Elder consideró que "Por suerte, Reynolds añade algo de humor a una saga que de otra manera, habría colapsado bajo la auto-parodia"

James Berardinelli calificó la película de la siguiente forma « Blade: Trinity es una copia exacta de sus predecesoras. Es pura actitud y estilo de acción sin ninguna sustancia que lo respalde. Sin embargo, mientras que las dos primeras Blades satisfacían a nivel visceral, esta no lo hace». 

Dennis Harvey de Variety comentó que "No perdurará mucho en la memoria, pero ofrece mucha buena acción mientras la ves" 

Rene Rodriguez de Miami Herald dijo de ella que era "Un trabajo genérico y sin imaginación, sólo memorable por su incesante y flagrante publicidad de ordenadores Apple e iPods"

Frank Scheck de The Hollywood Reporter afirmó que "Debería satisfacer razonablemente a los fans del género, antes de asumir su lugar en la sección de terror de tu videoclub local"

Maitland McDonagh de TV Guide consideró que era "Una máquina de adrenalina sin alma que nunca resulta aterradora y rara vez es interesante"

Stephen Holden del The New York Times la calificó de "Película irregular, descuidada y sin suspense que sustituye los sustos por humor 'camp'", 

Otro Stephen, en este caso, Stephen Hunter del The Washington Post consideró que "Es ruidosa, oscura, irregular y ni siquiera un poco divertida. Sales a la luz del día magullado y golpeado, sufriendo un caso de abuso cinematográfico" 

Ya en España, Javier Ocaña en El País dijo de ella que "Deja una irrefrenable sensación de ya vista. (...) mucha menos oscuridad y bastante más acción (sin sentido)."

José Manuel Cuéllar del ABC consideró que era "La más floja de todas. Empezando por un guión deficiente, pasando por una acción trepidante pero reiterativa y acabando por un malo flojito. (...)." 

Para Fausto Fernández en X es " El mismísimo Drácula, titular de los tebeos donde el cazavampiros afroamericano hizo su aparición, es el enemigo en la tercera, final y más humorística (las ventosidades y el ajo, nada Lubitsch, pero efectivo), de la franquicia y la más desvergonzadamente divertida. Puro tebeo - de hecho, la más tebeo- tronado y plausible  e incomprendida de Marv Wolfman". 

La película fue nominada a Mejor Película de Terror en los Premios Saturn , pero perdió ante Shaun of the Dead . 

En julio de 2019, en la Comic-Con de San Diego , Marvel Studios anunció un reinicio de Blade ambientado en el Universo Cinematográfico de Marvel (MCU), con Mahershala Ali como el personaje principal. El estreno de Blade estaba programado originalmente para el 7 de noviembre de 2025. En octubre de 2024, la película se retrasó y se eliminó del calendario de estrenos. En julio de 2026, se anunció la cancelación de la película. Más tarde ese mismo mes, Ali confirmó que había "pasado página" y que ya no estaba involucrado en la película.

La leona de Castilla

Cuando de clásicos de nuestro hablamos, y más aún del cine histórico yo creo que La leona de Castilla ocupa una posición privilegiada. Fue uno de nuestro grandes éxitos por recaudación, por la idea de superproducción, por las semanas que estuvo en pantalla o por tener entre sus protagonistas a la ininguable Amparo- en ocasiones, Amparito Rivelles. Sin duda, un clásico de aquel programa de los ochenta sobre la Historia del cine español de Fernando Méndez Leyte. 

La película se inicia con la voz de un narrador que nos remite a las introducciones del nodo y le confiere a la historia credibilidad y con la voz, vemos las imágenes de las vistas de un Toledo de los años 50, que parece que apenas había cambiado en 400 años. 

Tras ellas todo nos remite a una imagen fija inspirada en el cuadro de Antonio Gisbert Pérez pintado en 1860 en el que se representan las ejecuciones de los comuneros Juan de Padilla, Juan Bravo y Francisco Maldonado, las víctimas de la revuelta contra el Emperador, Carlos I de España y V de Alemania, que ha de enfrentarse a una revuelta en los territorios de Castilla cuando decidió subir los impuestos a unas Comunidades castellanas ya mermadas económicamente. Todo esto fue el detonante de las revueltas comuneras que estallaron en Toledo, pero siguieron en ciudades como Cuenca, Burgos, Salamanca, Guadalajara, Segovia, Valladolid o Zamora. 

Esa revuelta tuvo sus líderes y entre ellos, el toledano Juan Padilla, el segoviano Juan Bravo y el salmantino Francisco Maldonado son las cabezas del movimiento comunero.La batalla que puso fin a la revuelta - o casi- fue la que se vivió en los campos vallisoletanos cde Villalar y que se saldó finalmente con la muerte de entre 500 y 1.000 soldados comuneros y la captura de 6.000 prisioneros. 

Los soldados comuneros que sobrevivieron huyeron mayoritariamente hacia Toro, una parte de ellos se exiliaron en Portugal mientras que el resto del ejército se reunió con el obispo de Zamora, Antonio de Acuña. Pero la gran protagonista de esta historia y de esta película es una persona que no huyó, María Pacheco, la viuda, esposa de Padilla, que vivió en Toledo, y que , tras el ajusticiamiento de su marido, refuerza la resistencia de la ciudad durante varios meses más, hasta su capitulación en febrero de 1522. 

Y es que María López de Mendoza y Pacheco será eternemente la Leona de Castilla. La granadina, "la brava hembra" como también fue llamada  nacida en el 1446, en el Albaicín - según unos- o en La Alhambra -según otros- en el seno de una familia noble castellana, en la que su padre, de hecho, fue nombrado alcalde perpetuo de La Alhambra por los Reyes Católicos, fue educada en la pequeña corte del Gran Tendilla en plena efervescencia renacentista y en un ambiente culto y tolerante por lo que será una una mujer culta que hablaba diversos idiomas y tenía conocimientos de Matemáticas e Historia. 

Ya de jovencita mostró su carácter rebelde al cambiarse el apellido y adoptar el de su madre, pasando a ser María Pacheco a los 15 años contrajo matrimonio con Juan Padilla, un caballero toledano de rango inferior, con el que se acordó el enlace un año antes. Se casó, por lo tanto, a la fuerza y dará a luz a un único niño que murió poco después, el mismo año en que falleció el rey Fernando el Católico.

Pero la realidad histórica tiene poco que ver o , mejor dicho, mucho de lo que hemos visto en la película tiene mucho más que ver con un drama histórico basado en la obra teatral dramática en verso - drama en verso en tres actos- Doña María de Padilla (1913), del almeriense Francisco Villaespesa que será transformado en un guion cinematográfico por Vicente Escrivá y Juan de Orduña llevado al cine en 1951, dirigida por Juan de Orduña y protagonizada en el papel estelar por Amparo Rivelles. 

La película sería asumida por la poderosa productora nacional del momento- estamos en 1951- Cifesa,  coordinado como jefe de producción por Enrique Balader. Juan de Orduña contó como ayudante de dirección con Fortunato Bernal y Joaquín Vera. 

La película contará con la música de Juan Quintero, la fotografía de Alfredo Fraile y el montaje de Petra de Nieva. En el vestuario estaría Manuel Pertegaz y Francisco Prósper en el Departamento de Arte y con Sigfrido Burmann como el responsable de decoración.Francisco Puyol será el de maquillaje y Gabriel Basagaña y Jaime Torrens en el sonido. 

La película será un exito de público y de recaudación con 1.670,47 € actuales. 

El elenco lo encabeza la ya citada Amparo Rivelles como María de Pacheco y , junto a ella, un galán portugués, Virgílio Teixeira como Pedro de Guzmán (Duque de Medina Sidonia). Junto a ellos aparecen en los principales papeles Alfredo Mayo como Manrique, Manuel Luna como Ramiro, el regidor sustiituto de Pacheco, Ramiro y Eduardo Fajardo como su colaborador, Tovar. Igualmente aparece un jovencísimo Rafael Romero Marchent como Juan de Padilla hijo, así como en breves papeles Antonio Casas como Juan de Padilla, Laly del Amo como Doña Isabel, María Cañete como Sirvienta de María de Pacheco, Nicolás D. Perchicot como Cura en ejecución, José Jaspe como Juan Bravo, Teófilo Palou como Francisco Maldonado y Alberto Romea como Arzobispo. 

La película narrativamente hablando comienza por el final de la protagonista. Una envejecido maría de Pacheco , exiliada en la ciudad desembocadura del Duero, Oporto, fallece. Memoria de su fallecimiento es una lápida que aún hoy puede verse en la catedral portuguesa. 

La historia se retrotrae al año 1521 y nos remite a las Guerra de las Comunidades de Castilla, principios del reinado de Carlos I (1516-1556). Cuando los tres líderes de la revuelta contra el pretendiente a Emperador , Padilla, Bravo y Maldonado se han de enfrentar en breve al monarca Habsburgo. Antes de ese enfrentamiento vemos como Padilla se dirige a Toledo con el fin de ver a su mujer, María, y a su joven hijo, Juan. Tiene fe en la victoria, y ese entusiasmo se lo traslada a la mujer y, especialmente, a su joven e inquieto hijo. 

Pero tras la breve visita se encamina en los día previos al 23 de abril de 1521 para enfrentarse a las tropas imperiales. El choque tiene lugar en condiciones atmosféricas adversas para todos pero que será aprovechada por las tropas que luchas con capa blanca y llevan la cruz de Santiago, frente a los que llevan la cruz de Calatrava, gran parte de los castellanos. 

Ese día 23 de abril se disputó en la localidad vallisoletana de Villalar la batalla que decidiría la suerte de la revuelta de las Comunidades contra el gobierno del rey Carlos I. Ese día, Juan de Padilla (Antonio Casas), regidor de la ciudad y capitán de su milicia que se había opuesto a la concesión del servicio que el rey pedía a las Cortes para financiar sus campañas en Europa, uno de los jefes comuneros, junto a Juan Bravo (José Jaspe) que procedía de una familia hidalga de la oligarquía urbana de Segovia y que en 1519 habñia sido nombrado regidor y jefe de las milicias de Segovia y Francisco Maldonado (Teófilo Palou), aristócrata castellano, que dirigió a los Comuneros de Salamanca son detenidos. 

Un hombre fiel a Padilla, Manrique ( Alfredo Mayo) logra escapar y llega a Toledo para informar de lo que ocurre. Antes de ser ejecutado él y María de Padilla salen para llegar justo en el momento en que son ejecutados, entre ellos, Padilla, en presencia de su esposa, María de Pacheco, quien en ese momento y con su hijo, decide vengar su muerte. 

María, una dama castellana fuerte espíritu, reacciona de forma heroica y participa en peligrosas acciones contra la tiranía del rey. "La Leona de Castilla" se convierte así en el símbolo de la lucha contra la opresión y en defensa de la libertad. Antes de llegar a Toledo para en una posada junto a Manrique y allí coincide con un hobre del Emperador Pedro de Guzmán, el Duque de Medina Sidonia, ( Virgílio Teixeira) que al encontrase con María se prenda de ella. Además ella sabe que él es el portador de unas cartas que le pide al nombre andaluz , aunque haciendose pasar por otra mujer. 

Con Padilla, Juan Bravo y Francisco Maldonado, los cabecillas de la revuelta comunera decapitados en el patíbulo de la plaza de Villalar y con sus cabezas quedaron expuestas en picotas como advertencia a los enemigos de Carlos I, parece adsurdo no asumir la derrota, pero María , nada más llegar a Toledo, y viendo la guardia desparecida por orden de Ramiro ( Manuel Luna ) y su sicario Tovar (Eduardo Fajardo), ordena que se restablezca pues la guerra contra el emperador va a seguir. Desde ese momento ramiro y Tovar conspiran contra la "leona". Pero ella jura ante el Concejo de la ciudad de Toledo, vengar la muerte de su marido y continuar la guerra contra Carlos I. 

La Leona de Castilla queda entonces como símbolo de las libertades populares oprimidas y se presenta como una mujer valiente y guerrera, que fue amante esposa y es una ejemplar madre, indómita y muy poco sumisa, que asume la rebeldía dirigiendo tenazmente la resistencia de Toledo frente a las tropas reales en una causa perdida. 

"La Leona de Castilla" se convierte así en el símbolo de la lucha contra la opresión y en defensa de la libertad. La casualidad hace que las tropas imperiales lleguen a las puertas de Toledo y de que Manrique y el hijo de Juan de Padilla se enfrente en combate al Duque de Medina Sidonia que en mismo cae herido. 

Cuando se le va a ajusticiar, María firma su perdón quedando preso en la ciudad , a pesar de lo que piensan Tovar, ramiro e , incluso, su hijo. María gobierna durante más de un año la ciudad hasta la llegada del obispo de Zamora Antonio de Acuña, con quien luego compartió el cargo. Mientras que la conspiración de Ramiro y Tovar va a más, haciendo que el malestar aumente por la falta de soldada a los defensores y al difundir la idea de que María busca en Pedro de Guzmán, Duque de Medina Sidonia (Virgílio Teixeira), un amante. 

A partir de ese momento las cosas se complican. Hay dificultades para mantener el orden en Toledo, ya que algunos habitantes se sublevaron contra ella. El hijo se siente molesto con su madre y en un enfrentameinto a las puertas de la ciudad frente a los imperiales, muere en comate. asesinado será Manrique por parte del traidor Tovar, responsable de los romances que hay en boca de toda la ciudad que también mata al difundidor para no ser identificado, o el choque abierto con Ramiro para parte de María, cuando éste confiesa haberle traiciano y que, en parte, lo ha hecho por despecho. 

Finalmente, su único apoyo está en el Duque de Medina Sidonia, que al conseguir la libertad se suma a los imperiales. Pero el daño ya está hecho, y cuando María que mantuvo la resistencia contra las tropas realistas e incluso mandó traer artillería desde Yepes y cuando Madrid se rindió y tan solo quedaba Toledo en pie, ella se negó a capitular, prolongando la resistencia de la ciudad a pesar del abandono de Acuña, quien huyó a Francia para ponerse a resguardo. 

A pesar de su resistencia, era cuestión de tiempo que Toledo cayese en manos de las tropas reales, algo que ocurrió de manera pacífica con el armisticio de Sila. María Pacheco huyó hacia Portugal disfrazada de aldeana, por la noche, y gracias a la ayuda de familiares que estaban en el bando enemigo. La derrota final del movimiento llegó el 3 de febrero de 1522. 

En este momento, la última comunera abandonó Toledo y busca refugio en Oporto donde vivió de la caridad de sus obispos mientras pesaba sobre ella una condena de muerte por rebeldía en España. A pesar de todo, mantuvo firmemente sus creencias e ideales de libertad hasta su muerte en 1531. María Pacheco nunca solicitó el perdón del rey. Murió a los 36 años de edad y sus estos reposan en la Catedral de Oporto, como sabemos desde el inicio de la película. 

‘La leona de Castilla’ se rodó en su práctica totalidad en los Estudios Sevilla Films de Madrid.Ocupó el 8º puesto de las películas de la década de los 50 con mayor permanencia en cartel. Fue producida por la Compañía Industrial del Film Español (CIFESA) conocida como ‘el Hollywood español’. Creó un sistema muy parecido al modelo estadounidense, con unos estudios similares a los americanos y plantilla propia para la realización de las películas. En los años 40 y 50 fue la productora más importante del cine español pero no consiguió hacer frente a la creciente competencia y en 1965 cerró. 

Su director, Juan de Orduña, comenzó su carrera como actor pero pronto se convirtió en uno de los cineastas más prolíficos de la posguerra y un especialista en cine histórico. A finales de los años 50 cambió su registró para adaptarse a los gustos del público y dirigió la exitosa película ‘El último cuplé’. 

Amparo Rivelles (María Pacheco) era, junto a Aurora Bautista, la principal figura femenina del cine español de la posguerra. Tuvo una larga carrera artística en cine, teatro y televisión y gozó de gran éxito tanto en España como en México hasta su retirada 2006. La actriz protagonista confesó años después que abandonó la sala de cine a media película porque no soportaba al personaje de María Pacheco y le dolían los oídos de oírse gritar. 

El actor portugués afincado en España Virgílio Teixeira interpretó a Pedro de Guzmán. Conocido como el galán portugués, fue uno de los actores más populares de las décadas de los 40, 50 y 60. Además de en España y Portugal, trabajó en Hollywood con papeles en producciones como ‘Alejandro Magno’ o ‘Doctor Zhivago’. 

El actor que da vida a Padilla, Antonio Casas, jugó en el Atlético de Madrid. Tras una lesión, abandonó el fútbol y se pasó a la interpretación.

La Leona de Castilla (1951)es una sobresaliente muestra del drama histórico clásico del cine español que brilla por su cuajada ambientación y la imponentísima interpretación de su protagonista. Amparo Rivelles encarna a María de Pacheco con una fuerza arrolladora, dotando al personaje histórico de una dignidad heroica inigualable Juan de Orduña despliega un dominio visual notable, recreando con suntuosidad la época.

La película traslada con brillantez formal el texto teatral de Francisco Villaespesa al lenguaje cinematográfico. Esta producción destaca por su cuida factura técnica y su capacidad para mantener la tensión dramática. La obra elude el mero señalamiento académico para construir un relato épico e intenso sobre la libertad frente a la opresión. Hay que verla. 

El compromiso

El mejor Kazan ha pasado por aquí en varias ocasiones.Su carrera quedó marcada cuando colaboró con el Comité de Actividades Antiestadounidenses durante la "caza de brujas", delatando a antiguos compañeros, pues militó en el Partido Comunista de los Estados Unidos, y esto dividió a la crítica durante décadas. 

Elia Kazan destaca por su intensidad dramática, su dirección magistral de actores y la exploración de temas sociales y psicológicos complejos en la sociedad estadounidense. Co-fundador del influyente Actors Studio , Kazan aplicó las técnicas de Konstantín Stanislavski, logrando interpretaciones profundamente naturalistas y viscerales como vemos aquí en el personaje de Kirk Douglas.Abordó sin rodeos asuntos controvertidos como el antisemitismo ( La luz es para todos , 1947), el racismo ( Lo que la carne hereda , 1949) y la corrupción sindical ( La ley del silencio , 1954), pero también la enfermentad mental , la hipocresía social o la complejidad de la famia, todos ellos temas relevantes en esta película.

Aquí nos ha traído «El Acuerdo o El compromiso» , una novela del mismo  Elia Kazan del año 1967. En 1969, Kazan la adaptó al cine pues fue un éxito de ventas y recibió críticas generalmente favorables. Hoy esa novela lleva descatalogada desde la década de 1980.

La misma para llevarse al cine tuvo que ser recortada para ajustarse a 129 minutos y recurrió en gran medida a los flashbacks.

La estructura original que había previsto el director y guionista Elia Kazan se convierte en una historia alternativa, en el doble de la historia primera, sobre todo teniendo en cuenta que la película, de por sí, ya está pensada desde el salto, o desde la negación del relato lineal y continuado.

El compromiso o The Arrangement posiblemente es la historia más personal de la rodadas por el prestigioso Elía Kazán conjuntamente con América América con la que enlaza en un momento dado de la película y con uno de los personajes totalmente secundarios y quien se volcó en la adaptación a la pantalla de su novela autobiográfica con la que llegó a conseguir un auténtico éxito de ventas. 

Se trata de un complejo relato de una crisis personal y de una crisis familiar que sigue teniendo como trasfondo retrato crítico de la sociedad estadounidense como es habitual en todo su cine especialmente en películas como América, América, Viva Zapata, Un tranvía llamado secreto o Esplendor en la hierba. 

Para esta película Kazán buscó la música de David Amram, la fotografía de Robert Surtees y el monatje de Stefan Arnsten siendo una película producida por Elia Kazan para las compañías Warner Bros./Seven Arts, Athena Productions con una inversión de 4 millones de dólares.

Aunque la primera opción como protagonista de Kazán fue Marlom Brando, pues Kazan quería que Eddie fuera interpretado por Marlon Brando , ya que sentía que podía aportar mayor profundidad al personaje y acercarlo al de la novela, además de que Brando ya había cosechado grandes éxitos con Kazan en películas como Un tranvía llamado deseo , ¡Viva Zapata! y La ley del silencio , Lo cierto es que el actor rechazó el papel, alegando que no tenía interés en rodar una película tan poco después del asesinato de Martin Luther King Jr. El papel fue para Kirk Douglas. La producción se detuvo dos veces, ya que Douglas contrajo la gripe de Hong Kong tres veces, 

Especial relevancia tienen los papeles femeninos en este caso en cambernados por la amante interpretado por Faye Dunaway, y Débora Kerr, como la mujer. Aparece igualmente en la película Richard Boone y Hume Cronyn

La película se centra en Eddie un hombre con tendencias suicidas y que está sufriendo un colapso psicótico. Es infeliz en casa, en su matrimonio con su esposa Florence, interpretada por Deborah Kerr , y en su carrera profesional. Mantiene una relación amorosa apasionada con su amante y compañera de trabajo, Gwen ( Faye Dunaway ), y se ve obligado a replantearse su vida y sus prioridades mientras lidia con su padre, un hombre obstinado y anciano ( Richard Boone ).

Su vida personal es engañosa: para los demás está felizmente casado, pero en realidad es un adúltero compulsivo con la aprobación tácita de su esposa Florence, quien le dice "no preguntes, no digas nada", un aspecto del "acuerdo" o compromiso que da título a la obra. Su adulterio serial termina cuando comienza una relación con una asistente de su agencia de publicidad, Gwen Hunt, cuya mente independiente lo fascina; se obsesiona con ella, tal vez incluso siente verdadero amor por ella. 

Florence lo persuade para que deje a Gwen y revitalice su vida con un programa de superación personal; ambos parecen perfectamente felices, aunque algo aburridos, pero después de varios meses él estrella su auto en un aparente intento de suicidio ya que el hombre conduce su coche y, de repente, en un túnel  da un golpe de volante y se encastra bajo un camión que circula a su lado. . 

Así pues el adinerado publicista Eddie Anderson tras intentar suicidarse estrellando su coche deportivo contra un camión se aleja a sí de la chica, pero también del trabajo y de su mundo profesional.

A lo largo de la película, los flashbacks —algunos recuerdos, algunos alucinaciones— revelan el desprecio por su vida y sus "arreglos" como el cambiarse el nombre siendo realmente el de Evangelos Topouzoglou, un reconocido y exitoso ejecutivo de publicidad de origen greco-estadounidense del área de Los Ángeles , conocido profesionalmente como "Eddie Anderson" (su segundo seudónimo). 

Del accidente, Eddie deja de hablar aunque no tiene daño alguno. Lo que más le parece doler es el largo matrimonio de Eddie con Florence que en estos momentos carece  de pasión por su parte y está lleno de frustración por la de ella. 

En todo esta asunto intervienen también Arthur, el abogado de la familia, que la aconseja un  acuerdo para perjuicio de Eddie o el psicoanalista de Florence , el Dr. Leibman, que también interviene. 

Eddie regresa al trabajo, pero con la intención de insultar a un valioso cliente del sector tabacalero al referirse a él como "la gran C", "C" de Cáncer. Después se mete en problemas con la policía al sobrevolar Los Ángeles en una avioneta. 

Buscando su licencia de piloto, Florence encuentra fotografías de Eddie y Gwen desnudos, de ello también se entera su hija adoptiva, ahora estudiante universitaria.  justo cuando Eddie se entera de que su padre está en un hospital de Nueva York. 

Su conflictiva relación con su padre griego, Sam Arness (Richard Boone)  —un importador que en su día tuvo éxito y que desprecia a Eddie por anglicizar aún más su nombre, ir a la universidad y negarse a seguir la tradición familiar— se agrava por el progresivo daño cerebral de Sam a causa de la arteriosclerosis . 

En Nueva York, el hermano y la cuñada de Eddie y la mujer de Sam quieren internar a Sam en una residencia de ancianos para aliviar la carga de su sufrida madre, una carga que se agrava por la violenta paranoia de Sam y su insistencia en emprender un nuevo negocio. 

Gwen también está en Nueva York, viviendo con Charles, quien le cuenta a Eddie lo devastada que quedó tras su ruptura. Gwen le describe a Eddie su comportamiento promiscuo y calculado, un comportamiento que Charles tolera con la condición de que, al final, se casarán. Pero ahora hay un par xde elementos más. Gwen tiene un hijo pequeño, Andy. Ella desconoce la identidad del padre. Gwen y Eddie se convierten en amantes. 

Florence sigue a Eddie a Nueva York. Quiere que vuelva a casa y trabajen en la "reconstrucción" de su matrimonio. Rechaza el deseo de Eddie de cuidar a su padre personalmente y estalla de rabia cuando él le confiesa que estuvo con Gwen. 

Con la ayuda del médico, Eddie saca a Sam del hospital a escondidas y lo lleva a la casa familiar, una enorme mansión victoriana en Long Island Sound . Sam lo llama Evangelos, lo que despierta recuerdos intensos. 

Gwen se ofrece a ser la amante de Eddie después de casarse con un chico que la cuida, George, pero Eddie insiste en que se casará con ella. Eddie no puede darle a Sam el dinero para que inicie su negocio imaginario de alfombras persas, así que décadas de ira reprimida estallan: Eddie admite que se avergüenza de él. Mientras Eddie y Gwen están en un bote, la familia se lleva a Sam por la fuerza. Charles se lleva a Gwen y al bebé. 

Cada vez más distraído, Eddie finalmente se enfrenta al hombre "exitoso" que era. Arthur, el abogado,  interrumpe este diálogo cuando llega de Los Ángeles. 

Arthur, Florence y el Dr. Liebman presionan a Eddie para que le entregue todos sus bienes gananciales a Florence. Ella le dice que no firme, pero él lo hace (usando el nombre de Arthur). En una conversación privada con Eddie, Florence le confiesa su amor y le asegura que estará a su lado pase lo que pase. Pero cuando Eddie dice que no quiere hacer absolutamente nada, ella responde: «De acuerdo. ¿Y tú qué harás?». Él quiere tomarse un tiempo para reflexionar, lo que implica vender sus lujosas propiedades y vivir de forma más sencilla. Florence no lo comprende, y los celos que siente hacia Gwen la consumen. 

Eddie la acusa —con razón— de haber hablado con Arthur sobre internarlo en un psiquiátrico. En la audiencia de internamiento, nos enteramos de que Eddie posteriormente incendió la casa familiar y vemos a los alter egos enfrentándose. Eddie no sabe explicar cómo tiene una herida de bala: vemos que Charles le disparó en el apartamento de Gwen. 

Después de varios intentos fallidos, en los que el recién "auténtico" Eddie es arrestado por exhibicionismo , incendia la casa de sus padres, símbolo de la tiranía de su padre sobre la familia, luego recibe un disparo del celoso pretendiente de Gwen y posteriormente es internado en un hospital psiquiátrico , Eddie pide ser internado en un hospital psiquiátrico. 

El juez le dice a Gwen que Eddie puede ser liberado en cualquier momento demostrando que tiene trabajo y casa. Eddie parece estar contento entre sus nuevos amigos en el manicomio, pero Gwen lo convence para que vuelva a intentarlo. 

Eddie se reconcilia con su padre moribundo y le dice a Gwen que ambos deseaban lo mismo: otra oportunidad. Le confiesa su amor. Ella le da las gracias y sonríe. 

La escena final transcurre en el entierro de Sam, donde Florence le dedica a Gwen una sonrisa irónica. y de ternura mientras bajan el ataúd de su padre a la tumba. 

La película tuvo sus reconocimientos . En la 26.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos fue ganadora Mejor película extranjera; y en la  21.ª edición de los Fotogramas de Plata  fue nominada al mejor intérprete de cine extranjero (Faye Dunaway) y al Mejor intérprete de cine extranjero (Kirk Douglas).

En cunto a la crítica Vincent Canby, del New York Times, escribió que «apesta a cine chic ligeramente absurdo, pero, a diferencia de Escrito en el viento de Douglas Sirk o Dos semanas en otra ciudad de Vincente Minnelli , no solo no es muy divertida, sino que es un desastre de estilos prestados. Lo peor es que puede resultar en gran medida incomprensible, a nivel narrativo simple, a menos que uno haya leído el cuento de 543 páginas de Kazan, un éxito de ventas, que el director ha resumido más o menos en su película».  Canby también incluyó en su lista de las «diez peores películas de 1969» del periódico: «Kazan utiliza muchas técnicas cinematográficas ingeniosas de los sesenta, pero la película sigue pareciendo una producción audaz de Ross Hunter de los cincuenta». 

Variety la calificó como «una película confusa, demasiado artificiosa y excesivamente larga, poblada por un conjunto de personajes que al espectador no le importan en absoluto». Y concluyó con un "Es la película más romántica de Elia Kazan. Y posiblemente sea la peor, en términos cinematográficos" 

Roger Ebert escribió que era "una de esas películas 'serias' largas, pesadas y llenas de estrellas que fueron populares en la década de 1950, antes de que comenzáramos a valorar el estilo más que las buenas intenciones del director. No es exitosa, particularmente no en los términos de Kazan (él la ve, sin duda, como un amargo sermón sobre las consecuencias de venderse). Pero sí se nutre de las notables actuaciones de Kirk Douglas y Faye Dunaway". 

Gene Siskel del Chicago Tribune comentó que Kazan "no logra darnos una caracterización clara de Eddie ni de las personas en su vida. Las tensiones que se revelan están nubladas por errores básicos de dirección... Sería bueno excusar la dirección de Kazan diciendo que se vio obligado a darle vida a un guion débil, pero él también escribió el guion". Y concñluyó con un ""No funciona, sobre todo siendo una película de Kazan (...) Pero se nutre de las estupendas actuaciones de Kirk Douglas y Faye Dunaway (…) " 

La crítica por antonomasia, Pauline Kael, de The New Yorker, escribió: «Si uno no supiera que Kazan es una figura importante en el cine, no encontraría nada en la forma en que se ha realizado esta película que lo sugiera. La dirección es rígida y casi cruelmente coercitiva con los actores. No hay nada en esta película que parezca espontáneo, ni en la dirección ni en la actuación. Los actores no tienen vida propia como intérpretes, ni rastro de inventiva; simplemente gritan frases hechas, representando ideas populares prefabricadas sobre la traición». 

En IndieWire se señala que fue "Un intento mal concebido de adaptarse a unos tiempos cambiantes que Kazan nunca entendió" 

Geoff Andrew de Time Out entiende que "Todo es muy forzado y cuando no lo es, es superficial e indulgente" Sue Heal: Radio Times "Una película bastante desagradable (...) Un reparto lleno de estrellas (...) no es capaz de sacar adelante una premisa anticuada (…) " 

Charles Champlin, del Los Angeles Times, escribió: «La pasión personal que inspiró la novela aún está presente en la película, pero en la pantalla la pasión está tan comprometida y debilitada por lo que se hace pasar por técnica e inventiva que se convierte solo en un eco intermitente». 

Tony Mastroianni en The Cleveland Press se refirió a la película como una "mala novela [que] no mejoró mucho en la transferencia [al cine]". 

Philip Strick de The Monthly Film Bulletin escribió que la película "resulta que no dijo más en 125 minutos de lo que dijo durante los primeros seis". 

Ya en España Francisco Marinero: en El Mundo califica esta película como "Interesante sobre el papel, en el fondo espectacular, da la impresión de que el director no confía en la inteligencia del espectador, y tiene que explicarles la lección, con lo cual el aspecto dramático queda devaluado sin remedio" 

M. Torreiro de El País la califica como "Obra maestra" ; y José Luis Guarner en su Historia del cine americano señala que "Cuenta con grandes momentos y la presencia extraordinaria de Faye Dunaway (...) con todo, significó para Kazan una desilusión, que alentaría su progresivo alejamiento del cine." 

Decir que la película  era parcialmente autobiográfica ; el narrador, al igual que Kazan, es un grecoamericano y liberal que había sido brevemente miembro del Partido Comunista de los Estados Unidos en la década de 1930 antes de desilusionarse con él. Arness también conoce a muchas figuras de menor rango en la industria cinematográfica de Hollywood , donde Kazan alcanzó su mayor fama. 

Kazan afirmó que la obra era completamente ficticia. The Arrangement –según dicen los criticos e historiadores cinematográficos— quiere imitar algunos de los procedimientos que utilizaba el cine europeo de la época para alterar la narración tradicional: confusión entre los tiempos de la historia, entre el pasado y el presente; alguna que otra alteración de la imagen, a través de zooms o de un montaje rápido… La mayor parte de esos mismos críticos e historiadores afirman que la manera en que la película adopta esas estrategias es falsa e impostada, más imitativa que realmente necesaria. Kazan querría ser moderno y fracasaría en el intento, según ellos, yo por mi parte considero que estamos ante uno de los grandes dramas del cine pasado.

La noche de Walpurgis

Uno escucha hablar de la noche de Walpurgis y no puede imaginar que la historia sucede o se ha rodado realmente en las localidades de Navacerrada, el Cercón, San Martín de Valdeiglesias y Madrid. Lo más llamativo es que los coches utilizan matrícula francesas e incluso cuando uno entra en el bar para tomar algo en el mismo lo que aparece son anuncios de esa bebida francesa que ya parece haber casi desaparecido como era Ricard. 

De cualquier manera La noche de Walpurgis es un clásico del cine de terror español., uno de esos títulos memorables, que pude ver en la cartelera pero que nunca pude ver en el cine ni en la televisión.

La noche del 30 de abril al 1 de mayo se conoce como la “noche de Walpurgis” o “noche de las brujas”. El nombre de Walpurgis viene dado de la religiosa benedictina Walburga de Heidenheim queno ha de tener nada que ver con la brujería, digo yo. 

Se estima que esta adoptó su nombre en base a la cristianización de una diosa teutona llamada Walpurgis, que los celtas conocían como Beltane y los romanos bajo Flora: diosa de la virginidad, la salud y la fertilidad. Esa noche es cuando las brujas pululan por todas las partes mediante sus vuelos infernales; en la región de Voigtland (que abarca los estados alemanes de Sajonia, Turingia y Baviera, y la región de Cheb en la República Checa) los niños tenían la costumbre de encender hogueras y saltar sobre ellas, asímismo, agitaban y lanzaban al aire escobas encendidas. Esta tradición tenía el nombre de “ahuyentar a las brujas”. Esta noche se considera que es la oposición a la fiesta de Todos los Santos (1 de noviembre). Esta noche en que las brujas se reúnen en lo alto de los cerros a danzar desnudas y levitar alrededor de enormes fogatas. Es común escuchar relatos sobre visiones de brujas volando sobre los campos durante esta noche y la madrugada del 1 de mayo.

Se trata de una coproducción hispano alemana del año 1971 dirigida por la argentino León Klimovsky, basada en un guión y una historia escrita por el mismo Paul Naschy que cuenta con la fantástica Gaby Fuchs, aunque también con Bárbara Capell, Andrés Resino, Julio Peña y Patty Shepard.

La película es la cuarta de la serie sobre el hombre lobo vinculado con el personaje de Valdemar Daminsky que es de nuevo interpretado por el mítico Paul Naschy.

En este caso la historia se inicia en un cementerio, tras los sucesos de La furia del hombre lobo, en concreto en el mortuorio del cementerio donde dos forenses, Hartwig y Muller, proceden a efectuar la autopsia al cadáver de Waldemar Daninsky (Paul Naschy). Están dispuestos a hacer la autopsia a un hombre que ha muerto ante la sospecha de que pudiera ser un hombre lobo. 

Efectivamente mientras se inicia la operación al hombre le identifican un pentagrama en el pecho y le extraen una sorprendente bala de plata. Al sacarla, el cadáver vuelve a la vida, mata a los forenses y, con ello, muestra su maldición como licántropo recobrando la vida y acaba con ambos personajes. Ese ser que recobra la vida indudablemente es Valdemar Daminsky. 

Posteriormente la historia se desarrolla en París donde dos jóvenes estudiantes, Elvira (Gaby Fuchs ) y su amiga Genevieve Bennett (Barbara Capell), dedicadas a la investigación sobre la magia negra y la superstición. Una de ellas, Elvira se está despidiendo de su novio un joven inspector de policía, Marcel (Andrés Resino) puesto que viene a España a realizar una investigación en busca de la tumba de  una asesina legendaria de la Edad Media y posible vampira llamada la condesa Wandessa Darvula de Nadasdy, una terrible adoradora del Diablo.

Elvira no viene sola. Viene acompañada de otra estudiante Genevieve, y ambas con su vehículo van hacia la zona en la que se suponen que está la tumba de esta asesina. Pero tras introducirse por un espacio agrícola no identificado su coche se queda sin gasolina y únicamente encuentran cobijo en la casa donde habita Valdemar Daminski que las invita a quedarse durante el tiempo que deseen. 

El reconoce no tener coche ni teléfono ni medios para entrar en contacto con otros personas. Durante la cena ella se le comunican que están estudiando el caso de la condesa Wandessa, algo que descoloca a Valdemar. 

Es esa misma noche un personaje femenino desconocido entra en la habitación donde duerme las chicas y empieza a magrear a Genevieve. Lógicamente ambas se llevan un buen susto pero a la mañana siguiente Valdemar explica que esa chica es su hermana Elizabeth (Yelena Samarina ) una persona que está enferma y que él la atiende. 

Esa misma mañana salen al campo y encuentran en una ruina un sepulcro y en ese sepulcro es posible que se encuentre los restos de la condesa Wandessa. Cuando lo abre Genevieve tiene un pequeño corte del que le sale sangre que va a pasar directamente al cadáver que acaban de encontrar. Ese es el inicio de las desgracias para estas dos chicas y también para Valdemar Daminsky. 

A partir de ese momento las apariciones de la condesa Wandessa (Patty Shepard) en la vivienda son continuas y resultado de las mismas es que por un lado la hermana de Valdemar se suicida y por otro ataca a Genevieve, convirtiéndola en una vampiro. 

Desde ese momento la labor de Valdemar es proteger a Elvira que poco a poco se va enamorando del protagonista aunque este le informa de su más profundo secreto se acerca la noche de Walpurgis y esa noche el se transformará en un hombre lobo. 

Ante la ausencia de Elvira va en su búsqueda y localiza la casa de Valdemar. Allí descubre que su novia tiene relación con éste, pero sabedor de las circunstancias que le afectan le pida por que se la lleve muy a su pesar pues esa noche intentará actuar con la condesa pues sabe que se encuentra en el sepulcro de un guerrero en una abadía abandonada. 

Mientras huyen, Paul y Elvira son atacados por la condesa que los lleva al sepulcro y allí espera en el ataque de Valdemar que efectivamente esa noche se convierte en un hombre lobo. 

El enfrentamiento entre la vampiresa y el hombre lobo da lugar a una lucha muy igualada pero que finalmente lleva a la victoria del hombre lobo sobre la vampiresa, pero Elvira aprovechando la circunstancia y sabedor de que la licantropía no frenará nunca a Valdemar le decide clavar el cuchillo de plata, la Cruz de Mayenza, una daga de plata en forma de crucifijo, elaborada, al parecer, con el cáliz de la Última Cena, y poner fin a la historia del hombre lobo y a la película. 

La noche de Walpurgis será conocida internacionalmente como Werewolf Shadow, Blood Moon o The Werewolf Vs. Vampire Woman o La furie des vampires, escrita por Paul Naschy y Hans Munkel se trata de la cuarta película centrada en el hombre lobo Waldemar Daninsky interpretado por Naschy. Considerada la película más representativa de la filmografía de Paul Naschy, obtuvo una muy positiva recepción en la taquilla española acreditando la venta de más de 1 millón de entradas e iniciando el boom del fantaterror español. 

Klimovsky rodó muchas de las escenas con las vampiras a cámara lenta, para añadir sobrenaturalidad por los bosques, con un hombre lobo atormentado y salvaje y esas las ruinas góticas y con una actriz norteamericana afincada en España, Patty Shepard. 

Esta coproducción hispano-alemana realizada por Lotus Films, Plata Films S.A y HIFI Stereo 70 Kg en la que estuvo presente como productor Salvadore Romero se rodó en parte en el antiguo Hospital de Tuberculosos de Navacerrada, hoy día desaparecido, en el valle de la Barranca. Contó con un guion de Jacinto Molina y Hans Munkel inspirada en la figura real de Erzsébet Bathory, la música de Antón García Abril, la fotografía de Leo Williams y el montaje de Tony Grimm. 

David Felipe Arranz  considera de La noche de Walpurgis es el "fantaterror más desasosegante", mientras que en Fotogramas se señala que " Admirado por el mismísimo Quentin Tarantino, este film ha generado un culto ìeminentemente canalla que ha consagrado a Paul Naschy como mito de sesiones golfas. Propone un pastiche de arquetipos fantásticos -desde la licantropía ìhasta el vampirismo- sólo digerible a partir de un espíritu irónicamente ìreceptivo. La gravedad de su formulación contrasta con la irresistible ìcomicidad que transmiten sus imágenes.

El Menú

Acabo de descubrir en Twitter que hoy comienza un evento gastronómico. De hecho así aparece en esta red ahora llamada X: "¡Hoy comienza “Eat Spain México 2026”! Desde el 21 de septiembre al 4 de octubre, se podrá descubrir la gastronomía, los alimentos y las bebidas de España a través de promociones, degustaciones y experiencias en varios establecimientos de CdMx. La comida y la cocina hoy son auténtica Marca España. 

¿Quién me lo iba  a decir? Mi abuela tuvo un bar. Era una gran cocinera. Como vasca que era, y por haber estado sirviendo como muchas mujeres a inicios del siglo XX, manejaba como nadie la cocina. Su bacalao y, en mi memoria, guardo sus boquerones en vinagre, imposibles de igualar, eran toda una referencia local. 

La vida da muchas vueltas y yo, como profesor que he sido, tuve la fortuna de impartir clase en la antigua Formación Profesional de Hostelería. Allí di con aspirantes a cocineros, algunos, a día de hoy, han conseguido su reconocimiento y su estrella Michelin. 

Recuerdo que en clase yo enfocaba la materia para hacer la clase atractiva y lo hacía a través de una Historia de la alimentación que casi tuve que sacar de la nada apoyándome en los poquitos textos que de eso había en aquel momento. Menos más que podía tirar del Bueno para Comer de Marvin Harris o de otros que ahora no recuerdo. 

Hoy las cosas han cambiado. Recuerdo que una vez les leía los alumnos y alumnas un texto sobre Paul Bocusse. Ese día algunos alumnos aprendieron que podía aspirara ser un gran chet y tener un gran reconocimiento profesional. 

¡Qué poco se parece el papel de aquellos y aquellas humildes personas que se movían en la cocina a los de ahora! ¡Qué poco se parecen sus platos! ¡Qué endiosamiento tienen algunos chefs! Pensemos en la Guía Michelin y sus estrellas. La actual consideración de los restaurantes referenciados por Michelin tienen a su favor el hecho de su reconocimiento aporta valor tanto al sector gastronómico como a los comensales a través de la estandarización de la calidad, el impulso económico y la visibilidad global de la excelencia culinaria. Los principales aspectos positivos de su reputación actual está en la calidad de los ingredientes, en poner en valor el dominio de la técnica culinaria, el potenciar o buscar la armonía de los sabores, en reconocer el buen trabajo permanente y la personalidad del chef. Esto parece asegurar al cliente un estándar confiable sin importar el país. La llegada de la guía o la consecución de una estrella a un local de una ciudad lo pone en un punto de mira y lo acerca al turismo de alta gama, algo que beneficia al sector hoteleros, y , por extensión , a los transportes y comercios locales. El prestigio de una distinción motiva a los equipos de cocina y servicios a mantener la excelencia, investigar nuevas técnicas y preservar las tradiciones culinarias locales. Parece ser que en los últimos años, la guía ha diversificado su enfoque, otorgando estrellas no solo a la alta cocina clásica, sino también a puestos de comida callejera, bistrós locales y conceptos vanguardistas. Además en este mundo lo sostenible tiene su peso y la introducción de la Estrella Verde Michelin premia preventivamente a los restaurantes con prácticas eco-responsables, promoviendo el respeto al medio ambiente y los productos de proximidad.

Pues a qué viene todo esto, pues lo cierto es que he visto la película The Menu es una película estadounidense que se mueve entre la comedia, terror y suspenso, que es del año 2022 y que fue dirigida por Mark Mylod y escrita por Seth Reiss y Will Tracy . 

La película fue producida por Adam McKay, Betsy Koch y Will Ferrell para las `productoras Alienworx Productions, Hyperobject Industries contando con la distribución de Searchlight Pictures, y la Disney+. Manejó un presupuesto de $30 millones.

En el apartado técnico  la película tiró de la fotografía de Peter Deming , el montaje de Christopher Tellefsen  y la música de Colin Stetson que compuso la banda sonora, lanzada por Milan Records en noviembre del 22, coincidiendo con el estreno de la película. 

La película está protagonizada por Ralph Fiennes , Anya Taylor-Joy, Nicholas Hoult, Hong Chau,  Janet McTeer , Judith Light y  Juan Leguizamo en los principales papeles. 

La película comienza cuando un sibarita Tyler Ledford (Nicholas Hoult ), un auténtico enamorado de la cocina y con dinero, lleva a su cita, una chica con la que parece tener una relación, Margot Mills (Anya Taylor-Joy ), a Hawthorn , un restaurante exclusivo sito en una isla privada regentada por el famoso chef Julian Slowik (Ralph Fiennes ) . 

Para acceder a la isla hay que tomar un pequeño barco en el que ya le sirven un aperitivo que Tyler fotografica curiosamente, aunque tomar fotos  está expresamente prohibido. Entre los demás comensales que van en el barco se encuentran la crítica gastronómica Lillian Bloom (Janet McTeer) y su editor Ted Feldman (Paul Adelstein ), los adinerados clientes habituales Richard y Anne Liebrandt (Reed Birney y Judith Light , respectivamente) , una estrella de cine en decadencia George Diaz (John Leguizamo) y su asistente personal Felicity Lynn (Aimee Carrero ) , los socios comerciales Soren (Arturo Castro) , Dave (Mark St. Cyr ) y Bryce, que trabajan para el inversor de Slowik, Doug Verrick, y la madre alcohólica de Slowik, Linda (Rebecca Koon). 

La jefa de sala. Elsa (Hong Chau ) , les recibe amablemente y les ofrece un recorrido por el restaurante y detecta que Margot no es la invitada original de Tyler, una tal Sra. Westerbelt. 

Tras un breve paseo por la isla, mientras ven como marisquean ostras , el frigorífico de maduración de la carne o el exterior de la casa del chef, comienza la cena y Slowik, desde el primer momento, les presenta una serie de platos cada vez más inquietantes que generan cierta tensión entre los comensales,y todo ello mientras el sumiller (Peter Grosz ) va describiendo y sirviendo el vino para el maridaje, mientras se hace gala de que no habra pan. 

Para el tercer plato, verdades incómodas sobre cada comensal se graban con láser en tortillas. En este caso la tensión va a más, puesto que saca una imegen de Tyler haciendo la foto al aperitivo, una crítica feroz de Lilliam, una comprometida foto del señor Liebrandt, o una cuenta de resultados en las islas Caiman del trío de gestores. El malestar va en aumento. 

El sous-chef Jeremy Louden se suicida al comienzo del cuarto plato, y cuando Richard Liebrandt intenta marcharse, el personal le corta un dedo como advertencia a los demás. Disgustado por la intromisión en el negocio del propietario,  Verrick, Slowik ordena que lo ahoguen delante de los comensales. 

El quinto plato comienza con Slowik dejándose apuñalar en la entrepierna por Katherine, una empleada a la que acosó sexualmente en un par de ocasiones. En este plato, las mujeres cenan con Katherine mientras que a los hombres se les da la oportunidad de escapar de la isla, pero el personal de Slowik los atrapa a todos; Ted, el último en ser capturado, recibe un plato de huevos Passard como recompensa. 

En este momento,  Slowik explica que los invitados fueron invitados porque o bien le hicieron perder la pasión por su oficio o bien explotaron a artesanos culinarios como él, y afirma que todos estarán muertos al final de la noche. 

Dado que la presencia de Margot no estaba planeada, Slowik le llama en privado la opción de morir con el personal o con los invitados. Cuando ella duda, él elige al personal, al sospechar que ella yambién trabaja para el sector servicios como señorita de compañía, algo que ella reconoce. Margot admite ser una escort llamada Erin, entre cuyos clientes se encontraba Richard, quien la contrató para que se hiciera pasar por su hija. 

Slowik revela que Tyler fue informado de que los invitados serían asesinados, pero estaba tan desesperado por experimentar el restaurante que contrató a Margot para reemplazar a su exnovia porque Hawthorn no admite comensales solitarios. 

Invitado a cocinar por Slowik, Tyler prepara apresuradamente un plato que el mismo improviosa con puerros, chalotas y cordero, pero que para el chef resulta tan poco halagador que no está a la altura de sus pretensiones que Slowik lo humilla y le susurra al oído, lo que provoca que un Tyler abatido y derrotado abandone la cocina. 

Slowik envía a Margot al ahumadero de carne a buscar un barril necesario para el postre, pero encuentra a Tyler, quien se ha ahorcado avergonzado. 

Al colarse en la vivienda de Slowik, Margot es atacada por una celosa Elsa, que teme que Margot la reemplace, lo que resulta en una pelea donde Margot apuñala mortalmente a Elsa. 

Margot ve un premio enmarcado al empleado del mes que muestra a un joven y feliz Slowik cocinando hamburguesas. También encuentra una radio y pide ayuda antes de regresar al restaurante con el barril. 

Un oficial de la Guardia Costera que dice llamarse Dale (Matthew Cornwell ) llega, convenciendo a los clientes de que están a salvo, pero se revela como uno de los cocineros de Slowik disfrazado. 

Tramando un plan, Margot acusa a Slowik de cocinar por obsesión en lugar de por amor a la comida. Se queja de que el plato no fue de su agrado y que todavía tiene hambre. Pide una simple hamburguesa con queso y patatas fritas, que Slowik disfruta preparando personalmente. 

Después de disfrutar un bocado, Margot pide llevarse la comida para llevar . Slowik la empaqueta, le da una bolsa de regalo y la deja marchar. 

La cena ha culminado pero falta el plato postrero. Para el postre inspirado en los s'mores , el personal decora el restaurante con salsas y galletas Graham trituradas, y viste a los comensales con estolas de malvavisco y  chocolate industrial. Slowik prende fuego al restaurante, detonando el barril y matándose a sí mismo, al personal y a los comensales. 

Mientras escapa en la lancha de la Guardia Costera, Margot observa el fuego, come su hamburguesa con queso y se limpia la boca con una copia del menú acabando así este menú nada palomitero. 

El origen de esta película está en el momento en que Will Tracy cenó en Cornelius Sjømatrestaurant , un restaurante en una isla cerca de Bergen , Noruega, durante su luna de miel y más tarde le sugirió a Seth Reiss una historia inspirada en la experiencia. 

Varias figuras del mundo de la alta cocina fueron contratadas como consultoras para la película, incluyendo a la chef Dominique Crenn , quien recreó varios platos de su restaurante Atelier Crenn de San Francisco para el restaurante ficticio Hawthorn, y al director de segunda unidad David Gelb , quien fue contratado para recrear el estilo de realización cinematográfica de su docuserie de Netflix Chef's Table . 

En abril de 2019 se anunció que Alexander Payne dirigiría la película, cosa que finalemnte no fue. En diciembre de 2019, el guion apareció en la Black List anual , una encuesta que muestra las películas más populares que aún están en desarrollo. 

Para mayo de 2020, Searchlight Pictures tenía los derechos de distribución, y Payne había abandonado la película debido a conflictos de agenda, siendo Mark Mylod reemplazado como director. 

Meses antes, en abril de 2019, se anunció que Emma Stone y Ralph Fiennes protagonizarían The Menu . En junio de 2021, Anya Taylor-Joy inició negociaciones y fue confirmada en julio para reemplazar a Stone, quien se había marchado debido a compromisos con otros proyectos; poco después se sumaron Hong Chau y Nicholas Hoult y se unieron al elenco ese mismo mes como también hará John Leguizamo ,   Janet McTeer ,  Judith Light ,  Reed Birney , Rob Yang , y Aimee Carrero se unieron en septiembre.  En octubre, Paul Adelstein , Arturo Castro , Mark St. Cyr, Rebecca Koon y Peter Grosz fueron confirmados como parte del elenco. 

El rodaje comenzó el 3 de septiembre de 2021 en Savannah, Georgia , con el director de fotografía Peter Deming y el editor Christopher Tellefsen . Entre las localizaciones de rodaje se incluye la costa de Jekyll Island . 

The Menu se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 10 de septiembre de 2022,   y también tuvo su estreno en Estados Unidos en Fantastic Fest ese mismo mes. en un buen número de salas de cine, el estreno más amplio en la historia de Searchlight.  La película se lanzó en plataformas digitales en enero de 2023.

La película The Menu recaudóun total mundial de 79,6 millones de dólares. Críticos y comentaristas observaron que Hawthorn de The Menu satirizaba varios restaurantes de alta cocina de la vida real, incluidos los postres estilizados de Alinea , la bolsa de granola de Eleven Madison Park , la pesca del propio pescado del restaurante en Fäviken , la "severidad escandinava" de Noma y la remota ubicación en una isla del Willows Inn. 

Fue bien valorada por distintas asociacioes de críticos como las de Georgia, Hollywood, Londres o San Diego y nominada en los  80ª Globos de Oro  al mejor actor principal  (Ralph Fiennes) , Mejor actriz principal (Anya Taylor-Joy). También el Sindicato de Guionistas (WGA) la nominó al Mejor guion original (Seth Reiss, Will Tracy).

En los 51 Saturn Awards 2023 la nominación fue al Mejor thriller , Mejor dirección (Mark Mylod) ,  Mejor guión (Seth Reiss, Will Tracy) , Mejor actriz (Anya Taylor-Joy) , Mejor actor (Ralph Fiennes) ; y en los 27 Satellite Awards (International Press Academy) la nominación fue al Mejor actor principal - (Ralph Fiennes).

En cuanto a la crítica Ann Hornaday del The Washington Post escribió sobre ella que era "Una elegante sátira sobre el elitismo, los excesos capitalistas y la cultura gastronómica fetichista (...) 

Valerie Complex de Deadline consideró que "'The Menu' aporta una inquietante sátira sobre la división de clases y cómo los ricos son un pozo sin fondo de necesidades que nunca serán satisfechas (...) El elenco de estrellas está en perfecta sintonía" 

Tasha Robinson de Polygon vio "Una deliciosa película de suspense (...) Hay cierta tensión mientras los espectadores esperan a ver cómo se desarrolla todo, pero Mylod y los guionistas también sugieren que vale la pena reírse un poco de todos los implicados" 

Meagan Navarro , habitual de Bloody Disgusting , dijo de ella que "Aunque esta comedia de horror sofisticada e irónica te tienta con un festival para los sentidos y un atractivo reparto coral, a su sátira le falta mordacidad (...)" 

Owen Gleiberman de Variety consideró que "Todos los actores son divertidos, pero los dos protagonistas (lo siento, no puedo resistirme) son tan buenos que resultan deliciosos" 

Chase Hutchinson de Collider declaró que "La comida cinematográfica que se prepara aquí es familiar, pero tan carente de sustancia que querrás enviarla de vuelta a por algo mejor" 

Christian Blauvelt de  IndieWire "'The Menu' considera que la película " hace una cosa excepcionalmente bien: capta tu atención y te hace pensar durante un tiempo que todo es posible. Solo eso ya es algo que hace que uno salive" E

Lovia Gyarkye de The Hollywood Reporter destaca que la película "Se prodiga en oportunidades para despojar al emperador de su ropa, y aunque eso no necesariamente se traduce en la más reveladora de las reflexiones sociales, es una experiencia entretenida" 

En Vanity Fair Esther Zuckerman señala que "No es lo que esperas: es mejor (...) Esta sátira sobre el mundo de la comida erupciona en una guerra de clases, pero lucha contra los estereotipos a cada momento"  

Charles Bramesco de The Playlist considera que "Todo lo que hay en el menú de 'The Menu' parece bastante bueno, pero una vez que su enmohecida perorata contra el uno por ciento ha sido completamente repartida, es evidente que no queda mucha carne en el asador" 

En la progresista Slant Wes Greene dice de ella que es "Divertida, sangrienta pero desigual (...)"

Para el británico Peter Bradshaw del The Guardian estamos ante "Un thriller 'foodie' oscuramente cómico, que resulta sabroso, aunque poco hecho (...) Tiene algunos momentos fantásticamente ridículos (...) 

Por su parte, Siddhant Adlakha en las páginas de Empire afirma que "Puede que no sea muy creativa ni emocionante, pero la película rara vez es aburrida (...) 

Wendy Ide de Screendaily destaca que "El enrarecido mundo de la alta cocina no es precisamente un objetivo difícil de satirizar, pero esta comedia deliciosamente salvaje de Mark Mylod hace que cada amargo bocado cuente (...) Vigorosamente rencorosa y muy divertida" 

Ya en España Javier Ocaña columnista de El País afirma que este "Entretenido ‘thriller’ de cocina (...) es una experiencia cercana a lo teatral, sucesivamente inquietante, procaz, graciosa, cruel y macabra. De limitada profundidad, pero efervescente. (...) imaginativo guion" 

Para Oti Rodríguez Marchante en ABC "Estamos ante una película con punta, aunque no se vea claro a dónde señala, pero con gracia y algo de elegante suspense, y con buenos duelos de miradas entre Fiennes y Taylor-Joy. (...) " 

Desde Barcelo, Quim Casas , de El Periódico considera que la película "Plantea un juego ingenioso, pero atropellado. (...) Hay más suspense que viandas selectas (...) tras crear un cierto interés general, el filme se pierde en pequeñas cuitas individuales. (...)" 

Santiago Alverú de Cinemanía considera que la película "Es el reverso tenebroso que, sin negar la artesanía o el sentimiento detrás de un menú minimalista merecen ver todos aquellos que se excitan ante un fenómeno de dudosa integridad. (...) " 

En  Fotogramas Ricardo Rosado describe El Menú como algo que  "[Nos engancha] más por el uso del glutamato monosódico que por una presentación a la que le falta un postre casero que compartir en redes. ¿Volverás? Probablemente. (...)

Como crítica satírica hacia este mundillo la he visto y he de reconocer que el mundo de la cocina es muy complejo. Lo primero desde el punto de vista de los chefs es que hay una gran presión psicológica que puede afectar a su salud mental. Hay un auténtico "síndrome del inspector" según el cual muchos chefs permiten que terminen cocinando de manera encorsetada pensando en agradar a los inspectores anónimos en lugar de buscar la felicidad directa del cliente. La búsqueda de la perfección milimétrica y el estrés crónico han propiciado históricamente horarios extenuantes y, en ocasiones, dinámicas de trabajo abusivas o hiperagresivas bajo la excusa de la alta exigencia. Parece ser que grandes figuras del sector culinario han optado por devolver sus estrellas o cerrar sus negocios para priorizar su salud mental y recuperar la libertad en la cocina. Por otro lado, algo que se describe en la película puede haber incluso una falta de libertad culinaria y que , al final, cocines lo que otros quieren valorar pero no con lo que tú te sientas cómodo. 

Por otro lado, y para ir terminando hay que reconocer que por cada estrella, un comensal de mediana capacidad económica se retire del local pue muchas personas no pueden permitirselo, o , al menos, piensa que esta experiencia gastronómica no es para ellos. Además la estrellita, el sol o lo que sea puede desgraciadamente aumentar los costes o, incluso, dispararlos. Lo que si está claro es que mantener los estándares exige vajillas de diseño, un ratio de personal altísimo (a veces hay más cocineros y camareros que mesas), ingredientes de lujo y reformas constantes. Esto reduce excesivamente el margen de beneficio. Se suma a esto una especia de inflación colateral, ya que al ganar la distinción, los proveedores suelen subir los precios de la materia prima y los propietarios de los locales tienden a incrementar los alquileres, asumiendo que el restaurante ahora genera fortunas así que se despide la clientela habitual, y puede llegar el momento del engolamiento ante algo que no deja de ser subjetivo, incomprensible y todo ello adornado por una tradición o una historia como la gastronómica que pudo ser pero que , seguro, fue diferente. 

Uno de cualquier manera puede y debe disfrutar de todo lo que un buen restaurante le presente. Es una experiencia, por lo general, cara, con maridaje de vino, carísima, - al menos eso me parece- , pero que hay que disfrutarla , en la misma medida que yo disfrutaba del bacalao de mi abuela, de los boquerones en vinagre que ella hacía y que estuve años sin probar cuando ella murió, o de lo mucho y bien que cocinaba mi otra abuela, pues todavía no he encontrado a nadie que repita sus tortitas de garbanzos o sus riñones al Jérez. !!!Puro delicatessen!!!