Judas y el mesías negro

Los derechos civiles en Estados Unidos costaron Dios y ayuda para que se consiguieran. La guerra de secesión norteamericana que concluyó con la victoria del norte sobre el sur logr´ço poner fin a la esclavitud , pero no a la falta de igualdad y a la segregación por cuestiones de color de piel. Si tiramos de la memoria reciente, todos ponemos nombres y, en ocasiones cara, a muchos hombres y mujeres que lucharon contra el segregacionismo  y los derechos ciciles por  muy distintas vías. El cine y la televisión los ha hecho aparentemente conocidos a estos personajes y sus opticas para conseguir la igualdad real. Desde la visión humanista, encabezada por Martin Luther King, pasando por otras más contundenbtes como la que asumió Malcom X,  y pasando por otras que fueron símbólicas como la movilización o marcha de Selma a Motgomery en 1965, que hizo firmar al Presidente Johnson la ley sobre el derecho al voto de los ciudanos o al papel que jugó contra la segregación Sara Parks , o los políticos integrados en el sistema como el crecientemente fallecido Jessie Jackson.

Presentes o vinculados casi con todo hay muchos de los protagonistas, hombres y mujeres que he nombrado, pero también , por ahí, fluyen orgacizaciones que nacen y se desarrollan en ciudades como Oakland, Chicago o Washington que darán lugar a movimientos que serán la vanguardia en una lucha contra la desigualdad, incluso social como el que asumió el Partido Pantera Negra (1966-1982). 

Esta fue la fuerza política revolucionaria y de autodefensa armada que transformó la lucha por los derechos civiles en EE.UU. UU., pasando de la no violencia al "Black Power". fundado por Huey P. Newton y Bobby Seale en la californiana ciudad de Oakland, una organización que desafió la brutalidad policial y promovió el socialismo, el nacionalismo negro y los programas sociales comunitarios ñpor medio de acciones clave que iban desde la autodefensa Armada, cuyo objetivo inicial era patrullar vecindarios afroamericanos armados legalmente para protegerlos de la brutalidad policial, una respuesta directa a la violencia racista, hasta el político como el llamado Programa de los Diez Puntos, una plataforma en la que se pedía exigía vivienda digna, educación, justicia, exención del servicio militar para afroamericanos y el fin del asesinato policial. Junto a ello hubo defensa de los programas de "Supervivencia" para implementar servicios comunitarios esenciales, destacando el Desayuno Gratuito para Niños (que forzó cambios federales), clínicas de salud gratuitas y escuelas comunitarias. 

Entre sus influencias o postulados ideológicos estaba la ideología marxista-leninista y su postura desafiante los convirtieron en un objetivo prioritario del programa COINTELPRO del FBI, que, bajo J. Edgar Hoover, buscó desmantelar el grupo mediante infiltración y violencia. De todo ello, habrá en ocasiones resultando luctuosos y otros de duda legalidad como el que influyó en la muerte de líderes como Fred Hampton en en 1969. Y aunque el partido se disolvió en los 80, su influencia persiste en los movimientos contemporáneos de justicia social, autodefensa comunitaria y empoderamiento negro.

Pues bien, el Óscar del año 2021 al mejor actor secundario se lo dieron a Daniel Kaluuya por interpretar a uno de los líderes de los panteras negras, Fred Hampton, pero además le dieron el oscar a la mejor canción a este drama inspirado en hechos reales sobre la persona de Bill O' Neal, el hombre infiltrado por el FBI en las panteras negras en la década de los años sesenta para acabar desde dentro con el partido y sobre todo para poner fin o controlar a uno de sus más carismáticos líderes Fred Hampton.

Kaluuya, también ganador del globo de Oro y el Bafta por esta interpretación da vida a Hampton, un activista por los derechos de la comunidad negra que llegó a ser presidente del black panther party en Illinois y vicepresidente a escala nacional. Fue igualmente fundador de la organización multicultural coalición arcoiris y su carisma y su habilidad como orador pusieron en alerta al FBI que decidió desbaratar sus actividades con la ayuda de un infiltrado, O'Neal.

De todo esto va la película Un Judas y el Mesías negro, una filme dramático y biográfico  estadounidense estrenada en 2021, sobre los sucesos reales que llevaron al asesinato del presidente de la sección de Illinois del Partido Pantera Negra en Chicago, Fred Hampton (interpretado por Daniel Kaluuya), a manos del FBI y la policía de Chicago, utilizando al infiltrado William O'Neal (interpretado por Lakeith Stanfield), informante del FBI, a finales de la década de 1960, quien será el Judas  encargado de interpretar al traidor que no es otro que Lakeith Stanfield, mientras que Jesse Plemons es el agente del FBI Roy Mitchell. Además Martín Sheen da vida al primer director del FBI, John Edgar Hoover. Intervienen a demás en la película Dominique Fishback, Ashton Sanders, Darrell Britt-Gibson, Lil Rel Howery, Algee Smith, Dominique Thorne.

La película está dirigida y producida por Shaka King, quien escribió el guion con Will Berson, basado en una historia de la pareja y Kenny y Keith Lucas. Productores de la misma son Charles D. King, Ryan Coogler y que invierton 26 millones de dólares para que su directora y productora Shaka King tuvies el amparo de las productoras MACRO, Participant, Bron Creative y Proximity. Para ello contrataron la música Mark Isham y Craig Harris para componer su banda sonora, asóí como al fotógrafo Sean Bobbitt y a Kristan Sprague en las labores de montaje.  

La historia nos cuenta que a fines de la década de 1960, un delincuente de poca monta, William "Bill" O'Neal (Lakeith Stanfield) es arrestado en Chicago después de intentar robar un automóvil a punta de pistola mientras se hacía pasar por un oficial federal. 

Una vez detenido se le acerca el agente especial del FBI Roy Mitchell (Jesse Plemons), quien siguiendo los postulados de su jefe, primer director del FBI, John Edgar Hoover,  al que ha escuchado decir en una conferencia que el marxismo de los Panteras Negras es más peligroso que la Unión Soviética, por lo que le ofrece que se retiren los cargos - 15 meses de cárcel por robo de coche y cinco años por pasarse poragente federal- a O'Neal si él trabaja encubierto para la oficina. 

O'Neal es asignado entonces a infiltrarse en el Partido Pantera Negra (BPP) y reunir información sobre su líder, Fred Hampton (Daniel Kaluuya). 

O'Neal comienza a acercarse a Hampton, quien trabaja para formar alianzas con pandillas rivales y grupos de milicias mientras extiende el alcance comunitario a través del Programa Desayuno Gratis para Niños del BPP. 

Las persuasivas habilidades de oratoria de Hampton eventualmente ayudan a formar la multirracial "Rainbow Coalition". Además, Hampton se enamora de unb chica, Deborah Johnson (Dominique Fishback), miembro del BPP. 

O'Neal comienza a transmitir información a Mitchell, quien a cambio lo compensa con dinero. Cuando un miembro fugitivo, George Sams (Terayle Hill), se esconde en la oficina local del BPP, O'Neal se entera por parte de Mitchell de que Sams es un informante cuya presencia en las oficinas del BPP le permite al FBI obtener órdenes de registro. Después de que Hampton es arrestado y encarcelado, O'Neal comienza a ascender en las filas y es nombrado capitán de seguridad. 

Un día, tras un intenso tiroteo entre la policía de Chicago y el BPP, O'Neal se escapa antes de que la policía reduzca a todos y queme el edificio. 

Posteriormente, O'Neal intenta dejar de ser un informante pero es rechazado por Mitchell. Después de que Hampton es liberado de la prisión mientras apela sus cargos, se reúne con Deborah, ahora embarazada de su hijo. Un miembro del BPP, Jimmy Palmer (Ashton Sanders), que fue hospitalizado después de recibir un disparo de un oficial de policía, muere mientras lo trasladaban a otro hospital. 

Enfurecido al enterarse de la muerte de Jimmy, su compañero, Jake Winters (Algee Smith), se involucra en un tiroteo con la policía, matando a varios oficiales antes de ser asesinado a tiros. 

Después de que la apelación de Hampton es rechazada, el director del FBI, J. Edgar Hoover, ordena que Hampton sea "neutralizado" antes de que regrese a prisión, para evitar que se convierta en un "mesías". 

Mitchell acorrala a O'Neal para que ayude con el plan advirtiéndole que el BPP tomará represalias contra él si descubren que es un informante, y O'Neal accede a ayudar a regañadientes. 

Más tarde, a O'Neal se le entrega un frasco de sedantes y se le ordena drogar la bebida de Hampton. La noche siguiente, los miembros del BPP se reúnen en el apartamento de Hampton antes de que salga a prisión. Un líder de una banda aliada le ofrece dinero a Hampton para que él huya del país, pero él lo rechaza y ordena que se establezca un fideicomiso con el dinero a nombre de Jake para abrir un hospital en la empobrecida zona oeste de la ciudad. 

A medida que avanza la noche, O'Neal droga a Hampton y se marcha poco después. Horas más tarde, oficiales y agentes allanan el apartamento y matan a Hampton a tiros. 

Más tarde, O'Neal se reúne con Mitchell, quien le da dinero y un par de llaves de una gasolinera que ahora posee. O'Neal intenta renunciar nuevamente, pero a regañadientes acepta el dinero y las llaves y se las guarda en el bolsillo. 

Muy interesante la apostilla final que viene donde se combinan imágenes reales con un texto que explica qué pasó o qué ha pasado con los protagonistas de la película.La película termina con imágenes de archivo de los discursos de Hampton, de su procesión fúnebre y de la única entrevista que O'Neal concedió, en 1989.  

Tras el último encuentro entre la gente del FBI y el infiltrado O' Neal. Por lo pronto señalar que William O'Neal continuó siendo un miembro activo del Pantera negra parte y un informante a sueldo del FBI hasta principios de la década de 1970, ganando un equivalente actual de unos 200.000 dólares. 

En mil novecientos ochenta y nueve dio su primera y única entrevista en pantalla para la serie documental " Eyes on The prize 2". En esa entrevista qué  fue emitida por el canal público PBS se le pregunta al infiltrado que le contaría a su hijo de su actuación pasada y este le contesta que " Creo que dejaré que tu codocumental ponga un final a esa historia. No lo sé. Yo fui parte de la lucha. No fue uno de esos revolucionarios del sillón y que se atreven a juzgar acciones o inacciones de las personas cuando estás al margen y no hicieron nada. Declaró que él fue parte de la organización y tuvo el coraje de salir de allí". 

Tras eso acaba la entrevista. Pero la información posterior de la película es terrible. El día que se se estrenó y se emitió el documental, el quince de enero de 1990, el día de Martin Luther King, esa misma noche, William O'Neal se suicidó. 

Cuando fue asesinado Fred Hamptom tenía tan solo 21 años. También fue asesinado y tenía 22. Durante la redada, la policía realizó 99 disparos frente al uno que tiró la pantera negra. Sin embargo los siete supervivientes se enfrentaron a numerosos cargos, incluido el intento de asesinato. 

El entierro de Hampton fue multitudinario allí participaron sus amigos y otros miembros del partido. Especialmente muchas mujeres. En mil novecientos setenta, los supervivientes de la redada, junto con las madres de Hampton y de Clark como presentaron una demanda de cuarenta y siete, siete millones de dólares alegando una conspiración entre el FBI, el departamento de policía de Chicago y la fiscalía del Estado para asesinar a Fred Hampton. Tras doce años luchando por la justicia, el caso fue sentenciado con uno, ochenta y cinco millones de dólares, siendo en aquel momento el juicio civil más largo de la historia de los Estados Unidos. 

25 días después del asesinato la mujer de Hampton Deborah Johnson dio a luz. Ella siguió siendo un miembro activo de las panteras negras hastas la disolución de la sección de Illinois en 1978. 

En la actualidad, Johnson, ahora conocida como Akua Njeri, forma parte del consejo asesor de los cachorros del partido Pantera negra,los "Black Panther Party Cubs", una organización revolucionaria que continúa la lucha para la autodeterminación del pueblo negro. 

Fred Hampton jr, es el presidente del partido. Y con una imagen de la madre y el hijo y e imágenes reales de Hampton acaba la película.

Will Berson y King Shaka, durante varios años de escritura del guion, tuvieron mucha libertad con la historia del activista William O’Neal (Lakeith Stanfield), el “Judas” que compartía información sobre las Panteras Negras al FBI y la razón por la que el líder del partido de los "Boinas Negras", Fred Hampton (Daniel Kaluuya), haya sido asesinado, según Smithsonian Magazine, revista de la red de museos estadounidenses. Hampton había salido recientemente de la cárcel y esperaba un hijo de la activista Akua Njeri (antes llamada Deborah Jonhson), la cual hoy aún hace vigilias para conmemorar el asesinato del hombre al que solo le gustaba la poesía revolucionaria, Fred Hampton. Pero nunca imaginó que un infiltrado en el Partido Pantera Negra iba a provocar su muerte. 

Si bien en taquilla se recuperó únicamente 2 millones de dólares en su estreno, lo cierto que los reconocimientos han sido múltiples desde su lanzamiento en el Festival de Sundance en febrero de 2021. 

En la  93 Edición de los Oscar (2021)  la película fue nominada en múltiples conceptos como al de Mejor película, Mejor actor de reparto (Daniel Kaluuya) , Mejor actor de reparto (Lakeith Stanfield), Mejor guion original (Will Berson, Shaka King), Mejor fotografía (Sean Bobbitt) , donde sí ganó, y mejor canción (H.E.R. "Fight for You" ).

En la  78ª Globos de Oro (2021) fue  ganadora al Mejor actor de reparto (Daniel Kaluuya)  y nominada a Mejor canción original (D'Mile, H.E.R., Tiara Thomas “Fight for You”) 

En los BAFTA, los Premios de la academia de cine y TV británica , fue ganadora al Mejor actor secundario (Daniel Kaluuya) y nominada a Mejor actriz secundaria (Dominique Fishback) , Mejor fotografía (Sean Bobbitt) y Mejor casting.

Para el Sindicato de Guionistas (WGA)  la nominó al Mejor guion original (Will Berson, Shaka King, Keith Lucas, Kenneth Lucas) 

En los 27º Premios del Sindicato de Actores (SAG) se llevó el premio a Mejor actor secundario  de un largometraje para Daniel Kaluuya.

El Sindicato de Productores (PGA) la nominó a Mejor película; mienbtras que la  National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos) -la incluyó entre las Mejores películas del año (por orden alfabético)

En la  26 edición de los Critics Choice Awards  fue ganadora al Mejor actor secundario (Daniel Kaluuya) y nominada a Mejor reparto  y Mejor canción ("Fight for You") 

En la American Film Institute (AFI)  fue inlucida entre las Mejores películas del año  y en los Premios Image (2022) será nominada a Mejor película ganadora, Mejor dirección (Shaka King) , ganando el de Mejor actor (Lakeith Stanfield) , aunque no el de Mejor actor de reparto (Daniel Kaluuya) ni Mejor actor de reparto (Algee Smith), ni Mejor actriz de reparto (Dominique Fishback)  ni Mejor reparto, aunque sí lo hará al de Mejor guión (Shaka King, Will Berson, Keith Lucas, Kenneth Lucas.

En cuanto a la crítica la valoración ha sido en general positiva. Desde los Estados Unidos la valoración fue bastante positiva. 

Para David Rooney del The Hollywood Reporter la película "Liderada por las sensacionales actuaciones de Kaluuya y Stanfield (...) esto es una crónica vibrante de opresión y revolución, coacción y traición, que resulta más impactante si cabe porque sus temas siguen siendo de actualidad" 

Leah Greenblatt de Entertainment Weekly escribió sobre ella que "Daniel Kaluuya incendia la pantalla en esta película feroz y obligatoria de ver (...) King le da un estilo teatral vistoso, lleno de composiciones artísticas y una energía incansable y vibrante" 

Peter Debruge de Variety comentó que la película era "Una poderosa película que pone el momento actual en un contexto histórico relevante y sugiere que la ambivalencia puede ser una forma de traición." 

Brian Truitt de USA Today sostuvo que "Satisface como thriller tenso y como obra de época reveladora, con dos de los actores más cautivadores de Hollywood (...) " 

Justin Chang en las páginas de Los Angeles Times sostuvo que era "Una película calmada y electrizante en la que no puedes apartar la mirada de Daniel Kaluuya" 

Por su parte, Karen Han de Slate señaló que era "Una de las mejores películas de 2021 (...) Los personajes no son meros portavoces o medios para un fin y tanto ellos como sus conflictos transmiten autenticidad" 

Carlos Aguilar de The Wrap destacó que la película "Está impecablemente concebida (...) Si el cine es algo político, Shaka King ha creado un manifiesto." 

En  IndieWire Kate Erbland alabó el trabajo de "Daniel Kaluuya y Lakeith Stanfield siguen demostrando que son dos de los mejores actores en activo (...) Aunque el legado de Hampton y los crímenes de O’Neal deberían inspirar más proyectos, la contribución de King no se olvidará pronto" 

Katie Rife de AV Club destacó "Por encima de todo, el hecho de que una película sea enfurecedora y relevante 50 años después dice mucho de lo acertado que estaba Fred Hampton. Puedes matar a la persona, pero no a la idea." 

Peter Travers antes en Rolling Stone, habitualmente, ahora en ABC News valoró positivamente "El debut de King como director convencional vibra con acción revolucionaria, retórica exaltada e intimidad poco común para aullar con rabia contra la injusticia y la brutalidad policial (...) Un nuevo clásico" 

Para Johnny Oleksinski del New York Post la película es "Electrizante, impactante y llena de verdad (...) La interpretación y dirección son sutiles, los personajes son ricos y complejos —y las repercusiones que tuvo este drama basado hechos reales fueron enormes (…) 

De lo pubnlicado en Gran Bretaña Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian escribe que se trata de "Un drama muy entretenido, interpretado con pasión, con actuaciones soberbias de Lakeith Stanfield y Daniel Kaluuya (...)  

Ya en España Elsa Fernández-Santos en El País destaca que "La película que merece el movimiento Black Lives Matter (...) Si Daniel Kaluuya contagia de proclamas revolucionarias al patio de butacas (...), Stanfield (...) logra arrastrar al espectador hasta su misma espantosa encrucijada." 

Luis Martínez de El Mundo lo que más le gustó fue la "Enérgica apología contra la impostura de los tonos medios (...) No anula los convencionalismos, los transmuta en su más violenta negritud (…) " 

Oti Rodríguez Marchante habitual de ABC valora que "El director tiene a su Mesías, y la aleación de explosivo y prudencia del personaje es lo mejor; y tiene a su discípulo (...) pero se le escapan 'los romanos', el dibujo del FBI es solo una mediocre caricatura (…) " 

La crítica habitual de El Confidencial, Marta Medina, destaca el papel de la directora, guionista y productora "King consigue imprimir un ritmo de 'thriller' que bebe de la mano de Scorsese. No sobreexplica, utiliza las elipsis y las sorpresas de forma muy inteligente y consigue atrapar al espectador y no soltarlo (…) " 

Ricardo Rosado en Fotogramas habla de "Su ambición histórica contrasta con un funcional apartado artístico que, apoyado en sus feroces intérpretes, se rinde antes de compararse con cineastas decididos a engalanar su narrativa. (…)" 

Por último, en  Cinemanía Irene Crespo valora el papel de "King , quien escribe y dirige este thriller político en el que maneja bien el ritmo entre las secuencias más íntimas, divulgativas y revolucionarias, casi de acción. (…)

Poco más que decir de la película y de los Panteras Negras, los míticos Black Panthers, que lo que sí lograron fue visibilizar la brutalidad policial contra la comunidad negra, desarrollando programas de servicio comunitario (desayunos para niños, clínicas de salud) y promoviendo la autodefensa y el orgullo racial.. Aunque buscaron un cambio radical, se enfrentaron una fuerte represión estatal tal y como se refleja en la película , y se muestra especialmente al final de la misma.

Afal, una mirada libre (1956-1963)

Dirigido, guionizado y producido en 2009 por el bilbilitano Alberto Gómez Uriol nos muestra este documental la historia de lo que fue el grupo Afal (Agrupación Fotográfica Almeriense) nacida en la década de 1950 gracias al esfuerzo ppor renovar la fotografía española de parte de dos fotógrafos almerienses que en torno a la revista homónima pusieron las bases de un proyecto que será absolutamente renovador.

Fundada por José María Artero (Almería, 1928-1991) y Carlos Pérez Siquier (Almería, 1930-2021), director y redactor jefe respectivamente la publicación, editada entre 1956 y 1963, sirvió de lugar de encuentro para fotógrafos de distintos puntos de España que buscaban una renovación de la práctica fotográfica en el país. La revista de fotografía Afal,  servirá de nexo a un grupo de fotógrafos que modernizó y renovó la fotografía española durante los años 50 y 60.

El grupo Afal fue un colectivo de fotógrafos españoles  cuyo principal vínculo fue, precisamente,  la revista AFAL, editada por la Agrupación fotográfica almeriense (de ahí su nombre. Desde su revista este grupo de fotógrafos, unos profesionales y otros amateurs, optarán por la transformación que experimentó la fotografía española durante ambas décadas, inspirándose en las tendencias del documental neorrealista y del reportaje humanista que se desarrollaban fuera del país. 

Lo cierto es que el acceso a la cultura visual tras una dura postguerra era bastante limitado, y cuando se daba, era a través de algunos viajes, el cine, escasas exposiciones, libros y revistas internacionales, especialmente anuarios fotográficos que llegaron a España no sin dificultad. Por ello, los fotógrafos de la época promovieron tanto el intercambio como el contacto con el exterior. Ésto dio como resultado una fotografía trasnacional, vinculada con las problemáticas que se sucedían fuera del país. 

El documental narra a lo largo de 60 minutos, cómo el Grupo Afal, con un colectivo de jóvenes fotógrafos, impulsado y aglutinado desde la olvidada Almería de los años 50 por Carlos Pérez Siquier y José María Artero  revolucionó y cambió el rumbo de la estancada fotografía pictorialista española de la época, llevándola a ocupar un puesto relevante en el panorama fotográfico internacional. 

El documental dirigido por Alberto Gómez Uriol y producido por su productora 29LETRAS, fundada junto a David del Águila, abarca el periodo de los años 1956 – 1963.

El colectivo creado en 1959, estuvo formado por Leonardo Cantero, Gabriel Cualladó, Paco Gómez, Ramón Masats, Francisco Ontañón, Joaquín Rubio Camín, Juan Dolcet, Fernando Gordillo, Gerardo Vielba y Sigfrido de Guzmán. El documental está trufado de las  intervenciones y fotografías de Siquier, Maspons, Ontañón, Terré, Schommer, De la Hoz, Albero, Pomés, Masats, Camín, Colom, Juanes, Gómez, Miserachs y Cualladó.

El documental recoge las ideas de unos fotógrafos que ofrecían una mirada alternativa al tiempo en el que vivían, conformando un agudo y lúcido retrato de la oscura España de entonces, a través de una producción fotográfica excepcional a la que el tiempo no ha hecho mas que revalorizar. El rodaje del documental, que ha contado con el asesoramiento de Laura Terré, doctora en Bellas Artes especializada en el grupo Afal, se ha llevado a cabo en Almería, Gijón, Vigo, Terrassa, Barcelona y Madrid. 

Tras un laborioso montaje estructurado a través de textos aparecidos en la revista Afal junto a los testimonios de los fotógrafos, ya que la revista gustaba de vombinar poesía escrita y la visual, y con el apoyo visual de la obra fotográfica de éstos, aparte de imágenes de archivo de la época, y diversos documentos entre los que se cuenta la correspondencia mantenida entre los fotógrafos y la propia revista Afal.

Veremos a lo largo del documental no se habla de los 36 números de la revista que se editaron , pero sí de cñomo esta revista pequeña y libre se atrevió a alejarse del relato fotográfico de la dictadura a través de sus imágenes que iban desde los retratos, un género recurrente para estos fotógrafos, hasta imágenes que reflejan la pobreza, la prostitución, la marginalidad, la nobleza y la inocencia de los retratados, pero también la migración de la clase trabajadora campesina y rural del sur a las ciudades del norte para integrarse en el trabajo industrial, pero también el impacto en la economía de turismo y sus imágenes.

Este documental podría combinarse con algunas exposiciones realizadas sobre el colectivo como la exposición realizada hace unos años en el reina Sofía que también recogía en una de sus salas ‘Once fotógrafos españoles a París’, un proyecto organizado en 1962 por Comissariat Général du Turisme del Estado francés en Barcelona con la intención de promocionar el turismo español hacia Francia. En él participaron Leonardo Cantero junto con Gabriel Cualladó, Eugeni Forcano, Joan Cubaró, Andreu Basté, Ramón Masats, Oriol Maspons, Francisco Ontañón, Xavier Miserachs, Paco Gómez y Joan Colom.

En el grupo Afal, se juntaron un grupo variado de fotógrafos que compartían interés por la función social del fotógrafo y su implicación en la realidad de su tiempo. El ideal de todos ellos fue expresar mediante procedimientos sencillos y directos sus inquietudes estéticas, lejos de estereotipos heredados de la pintura. En Afal se unieron fotógrafos de procedencias e intereses variados. Desde fotógrafos amateurs como Gabriel Cualladó, Francisco Gómez, Joan Colom - que inmortalizó la prostitución urbana-  y Ricard Terré; algunos de ellos ligados a la cultura y las artes plásticas, como Gonzalo Juanes, Jesús de Perceval, Joaquín Rubio Camín y Josep Maria Casademont. Otros tenían una incipiente carrera profesional, como fueron Alberto Schommer, Xavier Miserachs o Ramón Masats. 

Los integrantes madrileños formaron en el año 1958 el grupo La Palangana. En sus tertulias discutían la selección de fotografías para las exposiciones de Afal y compartían sus conclusiones por carta con el grupo de Almería. 

La revista Afal, elemento unificador del grupo, se publicó entre 1956 y 1963. Tuvo cuatro etapas diferenciadas. Los tres primeros números fueron editados como boletines de agrupación. A partir de julio de 1956, el formato cambia a revista y se inicia un periodo de apogeo: las portadas muestran lo mejor de la producción de los jóvenes fotógrafos miembros y en el interior se traducen textos importantes de la literatura fotográfica de la época. 

En 1958, la revista Afal publica el ‘Anuario de la Fotografía Española’, que no obtiene las ventas esperadas, lo que provoca una crisis económica que hace que vuelva a editarse en formato boletín. Carlos Pérez Siquier durante el documental habla, es el que más habla, de lo que supuso este anuario.

Este ‘Anuario de la Fotografía Española ‘de 1958 fue el proyecto más ambicioso del grupo. Se imprimieron 2500 ejemplares, con reproducciones en huecograbado de más de 100 fotografías de 48 autores. La cuidada y exigente selección se hizo en base al estilo personal de sus autores, no al gusto de los promotores, y en ella se reflejaba la diversidad de enfoques que coexistían en España, a diferencia de la monótona reunión de fotógrafos de una sola tendencia de los anuarios europeos. 

Finalmente, a partir de enero de 1959 se dio más importancia a la sección de cinematografía y se eligieron para las portadas casi exclusivamente retratos femeninos; asimismo, se incluyó una edición bilingüe de los textos con las colaboraciones extranjeras, entre las que destaca la del fotógrafo francés Roger Doloy, que había propuesto incluso una edición conjunta de la revista con sedes en París y Almería. 

La revista fuera más allá de la imagen fotográfica. Desde los primeros números se incluyeron textos poéticos de Manuel Alcántara y de Antonio Castro Villacañas, dos poetas estrechamente relacionados con Almería, y también de poetas de la Generación del 98 y la del 27 que habían sido silenciados por la censura franquista: Miguel de Unamuno, Ramón María del Valle-Inclán, Azorín, Federico García Lorca y los hermanos Antonio y Manuel Machado. 

La redacción de los artículos relacionados con el cine, uno de los pilares de la revista, estuvo desde un principio, en manos de Guillermo Berjón, miembro del grupo de Almería, que se encargó de buscar colaboraciones de calidad en los medios cinematográficos españoles. 

Afal dejó de editarse en 1963, lastrada por el déficit económico derivado de la edición del Anuario. Sobre su muerte, Pérez Siquier apunta: ”Las revoluciones tienen que morir jóvenes, porque si no, decaen”. Además, con la profesionalización de los fotógrafos de Afal, se cumplió uno de los objetivos de la publicación, la inserción de la fotografía en la vida española. Cosa que por otro lado, dificultó que siguieran colaborando con la revista. 

El gran mérito de los promotores de Afal fue la introducción de sus fotógrafos en certámenes y la organización de muestras colectivas en el extranjero, entre las que destacan la participación en el Salon Albert I de Charleroi (Bélgica) y en la Bienal de Pescara del año 1958. 

En diciembre de 1959 llevaron a cabo una exposición colectiva en París junto con el Club Photographique Les 30 x 40 que itineró por Berlín, Moscú y Milán. Hay que tener en cuenta el contexto histórico en el que estas fotografías viajan al exterior, en el que la dictadura de Franco pretendía dar una visión en de un país que se estaba abriendo y modernizando. Por ello, no se tenía ningún interés en que hubiera fotógrafos que enseñaran la realidad del día a día, como hacían los miembros de este grupo. “Una realidad que no hacía falta buscarla, estaba en sus ciudades o en sus barrios”, apunta Laura Terrer. 

Pocos de los fotógrafos de Afal viajaron al extranjero, pero comprendían que para dar rigor a su obra debían conocer la fotografía que se estaba haciendo en Europa y América. De esta manera, establecieron como referencias comunes indiscutibles la obra de Henri Cartier-Bresson, Eugene Smith, William Klein y la Agencia Magnum, así como las revistas ilustradas americanas de reportaje (Life) y moda (Vogue), revistas que algunos de ellos compraban cuando salían y que durante el documental que algunas personas pensaban de él que era homosexual. En el documental se habla de cómo alguno de sus integrantes fue seleccionado para exponer en el MOMA de Nueva York. 

Con el cambio de década, admiraron el trabajo de sus colegas italianos de las agrupaciones La Gondola y La Bussola, como Gianni Berengo Gardin y Mario Giacomelli, respectivamente, a quienes presentaron por primera vez en España. Para muchos miembros del grupo fueron de gran influencia las teorías acerca de la fotografía subjetiva de Otto Steinert. 

A partir de sus contactos con Steinert, Afal defendió la fotografía abstracta como signo de modernidad y la revista, desde sus inicios, con la voluntad de trazar relaciones con otras artes, emprendió una labor pedagógica para acercar el arte abstracto al público. 

La mayoría de los fotógrafos, aun los de carácter más reportero como Masats que habla en el documental de su hartazgo con la foto del penalty en el seminario, ensayaron una fotografía “estática”, como llamaron a la fotografía que recreaba la naturaleza muerta o la macrofotografía. 

La exposición del reina Sofia fue posible gracias a la donación de Pérez Siquier, compuesta de publicaciones y materiales especiales, entre los que se cuentan documentos de relevancia histórica como la correspondencia Algunos de los fotógrafos que colaboraron con Afal fueron Ramón Bargués, Francesc Catalá Roca, Joan Colom, Gabriel Cualladó, Francisco Gómez, Gonzalo Juanes, Ramón Masats, Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Francisco Ontañón, Carlos Pérez Siquier, Leopoldo Pomés, Alberto Schommer, Ricard Terré, Julio Ubiña y Gerardo Vielba. Un conjunto de autores que, aunque situados en posiciones diferentes, compartían su contraposición a lo que consideraban que era entonces la “fotografía oficial”. El grupo destacó por su alejamiento del pictorialismo y su tendencia a explorar las vías expresivas del arte fotográfico, tal y como expusieron en el nº 4 de la revista: “Consideramos la fotografía como una manifestación artística que admite parentescos y afinidades con otras más o menos próximas, pero con peculiaridades que la hacen independiente, soberana de su propio campo de expresión y con posibilidades inéditas ni remotamente soñadas y mucho menos explotadas por otras artes más antiguas en el tiempo”. 

Para terminar y ajena al documental diré que la historia de Afal se fue construyendo a través de los diferentes números de la revista y de los diálogos generados en sus exposiciones, su correspondencia y la edición del Anuario de la fotografía española (1958). Una trama de relaciones e inquietudes de las que da buena cuenta el Archivo AFAL conservado en la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Reina Sofía. Esta exposición fue comisariada por Laura Terré, historiadora y comisaria de la exposición, quien destacó que Afal fue "un milagro". Sin apoyo institucional, sin dinero y con la censura siempre al acecho lograron publicar 36 números. Fueron valientes al tratar temas incómodos y abrir las puertas a una nueva mirada en la fotografía. "Fue una oportunidad para demostrar a los jóvenes de hoy que es posible hacer cosas sin apoyo institucional", afirma Terré. Además, resalta la capacidad de resistencia del grupo: "Siete años parecen poco, pero para un joven de 17 que llega a los 24, o para alguien de 28 que alcanza los 35, es media vida de juventud dedicada a una causa". El Archivo AFAL está constituido por el Fondo Pérez Siquier y el Fondo Artero. El conjunto recoge documentación diversa que atestigua la labor realizada por los impulsores de la revista AFAL como fotografías, borradores de artículos y correspondencia. Entre los documentos consultables destacan los dos dibujos originales de logotipos de AFAL de Juan Ballesta, las diez maquetas que ilustran el proceso de elaboración de la revista, las tarjetas firmadas por Carlos Pérez Siquier y José María Artero que comunican la muerte de AFAL, y su consiguiente esquela inserta en la revista La Codorniz. Las series dedicadas a la correspondencia dan prueba de las relaciones que el grupo Afal estableció con otros autores, así como de los proyectos que derivaron de estas. Es el caso de la serie de felicitaciones navideñas que incluyen creaciones de Leonardo Cantero, Chumy Chúmez, Gabriel Cualladó, Ouka Lele, Ramón Masats, Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Francisco Ontañón, Alberto Schommer y Julio Ubiña, entre otros. Un diálogo también patente en la documentación relativa a las exposiciones organizadas, donde se incluyen las fotografías del grupo La Ventana de México, en el que participó Ruth Lechuga.

En definitiva esta revista consiguió reunir a los fotógrafos más inquietos del momento. Jóvenes que apostaron por una fotografía sin artificios, directa y realista, alejada del pictorialismo dominante en la época. Durante siete años, la publicación sirvió de plataforma para una generación de creadores que transformaría la fotografía española.Ese último año de publicación, sus fundadores enviaron una tarjeta de despedida con una imagen simbólica: una tumba infantil con la inscripción "Revista Afal 1956-1963 R.I.P.". 

 

Los sin nombres

Hacia el año 2000 vi Los sin nombre de Jaume Balagueró, un aclamado thriller de terror español dirigido y estrenado en 1999 por Jaume Balagueró en lo que fue su debut, basado en la novela de Ramsey Campbell. La película se caracterizó por un ambiente muy opresivo, sucio y terrorífico, considerado un referente del cine de terror español de finales de los 90. Los protagonistas de la historia eran Emma Vilarasau como la madre, Claudia, junto con un ex-policía que interpretaba Tristán Ulloa. Me llamó la atención la película por su diseño y su oscuridad, tanto es así que la película tuvo una gran acogida, recibiendo múltiples premios y nominaciones, incluyendo el premio a mejor película en festivales como el de Sitges. Detrás de la película, en la producción estaba Filmax.

Entre ayer y hoy he visto esta historia neuevamente ahora transformada en una miniserie de seis capítulos producida nuevamnete por Filmax y basada en la película de Jaume Balaguero que llevaba el mismo título y que este 2025 nos ha entretenido bajo la dirección de Pau Freixas y Pol Cortecans, basada a su vez en la novela de Ramsey Campbell, escrita por Cortecans y dirigida por Freixas para Movistar Plus+. 

El 30 de marzo de 2020, se anunció por primera vez que Pau Freixas y Jaume Balagueró estaban desarrollando para Filmax una adaptación a televisión de la novela Los sin nombre de Ramsey Campbell, 21 años después de la adaptación a cine dirigida por el segundo en 1999 

Claudia ve como su hija Ángela se convierte en un fenómeno mediático tras realizar un aparente milagro, ya que Ángela, una niña especial con un extraño don, salvara la vida de una chica que parece fallecida tras un accidente tras un grave accidente de tráfico. Rápidamente su casa pasa a estar rodeada por prensa y curiosos, entre los que se encuentra un peligroso fanático dispuesto a hacerse con la niña 

Tras recibir una misteriosa llamada que vuelve a sacudir su vida. Y es que Claudia, la mujer que pierde a su hija Ángela de forma traumática, descubre, años después, justo cuando empieza a recuperarse del trauma, que puede que su hija aún siga con vida. "Mamá, soy yo, Ángela. ¡Por favor, ven a buscarme!". Esta es la frase estremecedora que Claudia escucha por teléfono y que le dará esperanzas. Claudia inicia una desesperada búsqueda para descubrir la verdad, ya que la protagonista no acepta la muerte de su hija Ángela (hace 7 años). Al no contar con la ayuda de la policía, antiguos implicados en el caso de su hija como Salazar, a pesar de que éste ha solicitado la baja del cuerpo y trabaja como investigador privado, habiendo abandonado a su familia, accede a investigar.. 

Claudia y Salazar unen su fuerza para descubrir si Ángela sigue viva. Inesperadamente, encuentran un antiguo caso que parece tener conexiones con sus diserpación, lo que los lleva a cuestionarse todo aquello que hasta ahora creían cierto. 

Claudia y Salazar emprenden la búsqueda de iris, una joven que huyó de la misma secta de Ángela. Mientras tanto, Laura, hola que han firmado una tregua sin el rastro de José rastro que le conducirá a una inesperada revelación. 

La policía inicia la búsqueda de Kevin y una chica cuya identidad es aún desconocida. Claudia y ex Salazar prestan declaración en comisaría a la espera de la detención de los sospechosos, que parecen saber que ocurrió realmente con Ángela. 

El capítulo final de temporada Claudia sin reencuentra con una adolescente que dice ser su hija y son trasladadas al hospital. No obstante, Salazar sigue dudando de las intenciones de la joven y de la secta a la que todo el mundo ha dado por desarticulada. 

Está protagonizada por Miren Ibarguren como Claudia, Rodrigo de la Serna como Salazar y Milena Smit como Laura. Completan el reparto Dani Pérez Prada, Susi Sánchez, Pablo Berqui, Ana Torres, Elvira Mínguez, Eva Santolaria y Francesc Garrido, entre otros. 

En palabras del creador y también director Pau Freixas:" es un thriller con pequeños toques sobrenaturales y aunque podríamos decir que plantea si los milagros existen de lo que realmente habla la serie es de la necesidad de las personas de creer en algo. De encontrar un sentido a sus vidas".

Además de Barcelona, otros numerosos municipios catalanes acogieron el rodaje de la serie, incluyendo Calders, Sardañola del Vallés, El Prat de Llobregat, Esparraguera, Hospitalet de Llobregat, Llissá de Munt, Seva, Tarrasa, San Adrián de Besós, San Cugat del Vallés, Sant Feliu de Llobregat, Santa Coloma de Cervelló, Vidrá y Poblenou del Delta. 

La serie recibió el Premio Zoom a la mejor serie de ficción en la XXIII edición. El jurado ha valorado "la atrevida, innovadora y arriesgada puesta en escena; por la atmósfera intrigante mantenida durante todos los episodios; por la excelente dirección de actores y por la magnífica dirección de fotografía". 

Por otro lado, la serie creada por Pau Freixas y Pol Cortecans ha obtenido el Premio PRODU Mejor Showrunner de Serie de Suspense, unos galardones que buscan reconocer la excelencia en la producción latina y en español e impulsarla en el mundo. Ambos guionistas recibieron la estatuilla . 

Además, la película se ha llevado dos premios en el Festival Internacional de Cine de Almería (FICAL): Mejor Interpretación femenina (Miren Ibarguren) y Mejor Showrunner (Pau Freixas y Pol Cortecans). 

La crítica ha escrito sobre ella en críticas que se mueven entre buenas y regulares.Juan Carlos Galindo en El País escribió que se trataba de "Un ‘thriller’ sobrenatural para desconectar en verano. (...) no supera a la película de Balagueró, pero tiene un par de aspectos reseñables (...) la historia tiene excesos propios de los thrillers de hoy pero se ve bien toda seguida" 

Raquel Hernández Luján de Hobby Consolas afirmó que "La historia de Los sin nombre encuentra un nuevo formato que le sienta bien y deja margen para desarrollar más a los personajes, sin perder por el camino la intriga y el interés." 

Jose Madrid de El Confidencial dijo de ella que "Con un gran nivel de producción que luce en pantalla, la serie amplía los conceptos de la película original pero no logra (ni pretende) superarla. Su estilo excesivo juega a veces en su contra. (...)" 

Jose A. Cano de Cine con Ñ sostuvo que "Se aleja de la novela original y la película en lo posible, y, aunque no tiene nada que no hayamos visto por triplicado muchas veces, lo hace mucho mejor y respetando más al espectador que la mayoría" 

El argentino Diego Lerer en MicropsiaCine.com destacó de la misma que "Es (...) medianamente efectiva. Los episodios se pueden ver en uno o dos tirones y el guión siempre encuentra la manera de ir girando la vara de este tipo de misterios que podrían estar ligados a cultos místicos."

La serie, al igual que la novelña y la película, explora la perversión de la inocencia, el duelo extremo, la fe y el fatalismo. Utiliza una atmósfera barroca y sugerente, centrada en el horror psicológico y la autosugestión

Decisión to leave

En los últimos 26 años, el cine surcoreano ha pasado de ser un fenómeno regional a convertirse en uno de los pilares más influyentes de la cultura cinematográfica global. Su aportación principal ha sido la ruptura de las barreras del idioma y la redefinición de los géneros comerciales a través de una lente social y técnica única. Las aportaciones más significativas se ha centrado en la capacidad para hibridar Géneros y tener una narrativa innovadora. 

A esto se le suma que ha mostrado al público global que una película puede ser profundamente política e intencionada y, al mismo tiempo, un entretenimiento de masas. A diferencia de otras industrias, el cine surcoreano contemporáneo utiliza el cine comercial para explorar las desigualdades económicas, la corrupción y los traumas históricos del país.El cine ha sido el "caballo de Troya" para la cultura coreana, impulsando el interés global por sus series (K-dramas), su música (K-pop) y su gastronomía. 

Pero lo más interesante es el tono de sus películas que combinan en dramas, elementos de comedias y esa capacidad narrativa, a veces con saltos en el espacio y tiempo. Todas estas virtudes las encontramos en Decision to leave del director Park Chan-wook, responsable que fue , por ejemplo, de la mítica Oldboy (2003).

Decision to leave es una película coreana del año 2022 dirigida por el director surcoreano Park cha-Wook, que elige un aparevcnetemente contradictorio un envolvente y a la vez frío drama romántico que fue ganador del premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes del año 2022. 

La película fue producida por Moho Film y financiada y distribuida por CJ Entertainment  y contó con el guion de Jeong Seo-Kyeong y Park Chan-wook. Su rodaje , que contaba con la fotografía de Kim Ji-yong, comenzó en octubre de 2020. La película terminó con un montaje excepcional, obra de Kim Sang-beom. 

La película que cuenta con la música de Cho Young Wuk, se centra en la historia de amor entre un policía encargado de investigar la misteriosa muerte de un hombre y la principal sospechosa de esta asesinato que es la mujer del difunto, una bella e intrigante inmigrante china. 

Comienza la película presentándonos al protagonista. El detective insomne Jang Hae-jun que trabaja en Busan y solo ve a su esposa, Jung-an, gerente de una central nuclear que reside en Ipo , una vez por semana. 

Hae-jun y su compañera, Soo-wan, investigan el caso de Ki Do-soo, un oficial de inmigración jubilado, hallado muerto al pie de una montaña a la que solía escalar. Entrevistan a su esposa, Song Seo-rae, una chica mucho más joven que él, una inmigrante china que trabaja como cuidadora de ancianos. Sospechan de ella por su falta de muestras de dolor, un rasguño en la mano, moretones en las piernas y el torso, costillas rotas y un tatuaje con las iniciales de Ki, similar al monograma que usaba para marcar sus pertenencias. 

Hae-jun realiza más entrevistas con Seo-rae y vigila nocturnamente las afueras de su edificio, enamorándose de ella en el proceso. Seo-rae lo observa fuera de su edificio y lo ve en una de sus otras investigaciones. Lapersona que atiende Seo-rae los lunes dice que Seo-rae estaba con ella el día que murió Ki, y las imágenes de las cámaras muestran a Seo-rae fuera de la casa de su clienta del lunes poco antes de la hora de la muerte de Ki. Al ser interrogada sobre sus antecedentes, Seo-rae admite que en China mató a su madre, que padecía una enfermedad terminal, con pastillas de fentanilo a petición de ella. Antes de morir, le dijo a Seo-rae que fuera a Corea a escalar la montaña que le había dejado su abuelo coreano, un luchador por la independencia de Manchuria . Seo-rae le entrega a Hae-jun cartas escritas por Ki en las que admite negocios corruptos, incluyendo una carta enviada a un subordinado que Hae-jun interpreta como una nota de suicidio. Hae-jun dictamina que la muerte fue un suicidio, a pesar de las dudas de Soo-wan, e informa a Seo-rae de que ya no es sospechosa. 

Seo-rae y Hae-jun tienen una cita en un templo budista, se visitan mutuamente y se vuelven muy cercanos. En su apartamento, Seo-rae quema las fotos de las pruebas del caso de su marido, argumentando que el insomnio de Hae-jun se debe a los perturbadores casos que lo atormentan. Cuando Hae-jun sustituye a Seo-rae en una visita a su cliente del lunes, descubre que Seo-rae y la cliente tienen el mismo modelo de teléfono móvil y que la cliente padece demencia y no sabe qué día de la semana es. En el teléfono de la cliente, ve que la mujer, confinada en su casa, aparentemente caminó una distancia equivalente a 138 tramos de escaleras el día de la muerte de Ki. Hae-jun se da cuenta de que Seo-rae cambió su teléfono por el de su cliente y luego escaló la montaña para empujar a Ki. Al confrontar a Seo-rae en su apartamento, concluye que ella también falsificó la nota de suicidio y, para su consternación, la acusa de haberse acercado a él para destruir las pruebas. Hae-jun afirma que Seo-rae ha destruido su orgullo profesional y que, desde que la conoció, se siente destrozado; sin embargo, ha ocultado las pruebas y le ordena que arroje el teléfono incriminatorio al mar antes de marcharse. 

Trece meses después, Seo-rae y su mujer están paseando por el mercado de la nebulosa ciudad de Ipo cuando se encuentra con Hae-jun que va acompañada de su nuevo esposo. Le dice que se ha mudado a Ipo para vivir con su mujer Jung-an tras desarrollar depresión e insomnio cada vez más severo. Seo-rae le presenta a su nuevo esposo, Im Ho-Shin, un inversor tanto a Seo-rae como a Jung-an. 

Al día siguiente, Ho-Shin aparece muerto en la piscina de su mansión. Como jefe de investigación de la ciudad, Hae-jun y su nuevo equipo se hace cargo del caso. Las primeras impresiones de todo el equipo es que tienen el convencimiento de que Seo-rae es la culpable. Ella solo admite haber vaciado la piscina para que Hae-jun no se molestara por la sangre. 

Sin embargo salta la sorpresa poco después cuando Sa Cheol-seong, un inmigrante chino, confiesa poco después haber matado a Ho-Shin por haber estafado a su difunta madre con los ahorros de toda su vida. Sa niega que Seo-rae haya tenido algo que ver y revela que había instalado un rastreador en el teléfono de Seo-rae para poder localizar a Ho-Shin. 

Hae-jun confronta a Seo-rae en la montaña que le dejó su abuelo. Ella se abalanza sobre Hae-jun después de que él esparce las cenizas de su abuelo y su madre al borde de la montaña, solo para abrazarlo como lo hacía en su apartamento. Revela que guardó el teléfono con las pruebas incriminatorias del caso de Ki y le propone que lo use para "reinvestigarla". Se besan apasionadamente. 

Hae-jun regresa a casa y descubre que Jung-an, quien sospecha que él colaboró ​​con Seo-rae para asesinar a Ho-shin, lo está abandonando. Las promesas del pasado parecen olvidarse.

Al día siguiente, Hae-jun se entera por Sa de que Seo-rae visitó a su madre en el hospital el día de su muerte. Concluye que Seo-rae le dio a la madre de Sa las pastillas de fentanilo que le quedaban, sabiendo que Sa mataría a Ho-Shin en cuanto su madre falleciera. Hae-jun rastrea el teléfono de Seo-rae mediante el dispositivo que Sa instaló y la persigue hasta una playa. Por teléfono, ella le cuenta que Ho-Shin descubrió una grabación en la que Hae-jun le decía a Seo-rae que la amaba, y que Ho-Shin planeaba revelar su relación ilícita. Hae-jun no recuerda haberle dicho a Seo-rae que la amaba, aunque ella afirma que empezó a amarlo en el momento en que él dejó de amarla. 

En la playa, encuentra su coche vacío y el teléfono móvil, que contiene la grabación de sus instrucciones a Seo-rae para que destruya el teléfono con las pruebas del caso de Ki. Más adentro en la orilla, Seo-rae cava un hoyo en la arena y se mete dentro mientras sube la marea, dejándose ahogar y enterrar. Hae-jun llega a la playa y no encuentra a Seo-rae, sin saber que está enterrada bajo la arena. La busca desesperadamente y llora desconsoladamente mientras acaba la película. 

Decisión to leave se presenta como una película compleja y en gran medida laberíntica marcada por una puesta en escena magistral que evoca el cine de Alfred Hitchcock. En este filme el cineasta surcoreano consigue una atmósfera fascinante, seco sensual y llena de imaginación que encierra el nacimiento de un romance imposible pero lleno de intriga. 

La cinta estuvo nominada en 2022 al BAFTA a la mejor película de habla no inglesa y el mejor dirección así como lo mejor película de habla no inglesa tanto en los Globos de Oro como en los Crítics Choice awards. 

El reparto está integrado por Park Hael-Il, Tango Wei, GobKyung-pyo, Lee Jung-hyun y Kim Shin -young. 

En abril de 2022, Decision to Leave fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2022 , donde Park Chan-wook ganó el premio a Mejor Director .  

La película se estrenó en cines el 29 de junio de 2022 en Corea del Sur.  La empresa Mubi adquirió los derechos de distribución para varios territorios, incluyendo Norteamérica, donde se estrenó en cines el 14 de octubre de 2022. Su estreno en streaming comenzó en Mubi el 9 de diciembre de 2022, donde más tarde se convertiría en la película más vista de la compañía. 

Decision to Leave recibió elogios de la crítica, siendo nombrada una de las cinco mejores películas internacionales de 2022 por el National Board of Review .  Fue seleccionada como la candidata surcoreana a Mejor Largometraje Internacional en la 95.ª edición de los Premios de la Academia ,  llegando a la lista de finalistas de diciembre. 

Entre los galardones y nominaciones que recibió se encuentran dos nominaciones a los Premios BAFTA en la 76.ª edición de los Premios de Cine de la Academia Británica , a Mejor Película de Habla No Inglesa y Mejor Dirección para Park Chan-wook. 

Obtuvo siete premios de 13 nominaciones en la 43.ª edición de los Premios de Cine Blue Dragon ganando el premio a la Mejor película , Mejor dirección (Park Chan-wook), Mejor actor (Park Hae-Il) , Mejor actriz revelación (Kim Shin-young), Mejor montaje (Kim Sang-beom) y Mejor dirección artística (Ryu Seong-hee), quedando nominada a Mejor actriz (Tang Wei) , Mejor actor de reparto (Go Kyung-pyo) , Mejor actriz de reparto (Lee Jung-hyun), Mejor guion (Park Chan-wook, Jeong Seo-Kyeong), Mejor fotografía (Kim Ji-yong),   Mejor música (Cho Young Wuk)  . Obtuvo igualmente el Premio estrellas más populares (Go Kyung-pyo) y tres premios de siete nominaciones en la 59.ª edición de los Premios de Artes Baeksang.

En la   80ª edición de los Globos de Oro (2023) con respecto a las Películas del 2022 fue nominada a la Mejor película de habla no inglesa 

En la 67ª Semana de Cine de Valladolid - Seminci 2022 fue nominada a la Mejor Película - Espiga de Oro, aunque fue la ganadora al Mejor montaje en la persona de Kim Sang-beom. 

Para la National Society of Film Critics 2022 tuvo nominaciones al Mejor director (Park Chan-wook),  Mejor fotografía (Kim Ji-yong) y a la Mejor película de habla no inglesa 

En la National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos) de las película del año  2022 nominó a esta película entre las Mejores películas extranjeras del año.

En los Gotham Independent Film Awards 2022 fue nominada a la Mejor película internacional. Otros muchas más menciones y nominaciones tuvo destacando entre otras la de Critics Choice Awards en su 28 edición a Mejor película de habla no inglesa. También fue valorada por la Asociación de Críticos de Chicago - Año 2022 a la Mejor película  y al Mejor director (Park Chan-wook), ganando tanto al Mejor montaje (Kim Sang-beom) como a la  Mejor fotografía (Kim Ji-yong)  y Mejor película extranjera.

En la 25º edición de los British Independent Film Awards (2022) la nominación fue a la Mejor película internacional independiente y en la 27 edición de los Satellite Awards (International Press Academy) obtuvo una nominación a mejor película extranjera.

Y en los Asian Film Awards del año 2023 obtuvo la nominación a Mejor película y Mejor dirección (Park Chan-wook).  

Park Chan-wook ha dicho que con Decision to Leave , "quería filmar una película coreana". Esto queda claro en que gran parte de la película está impulsada por imágenes del mar o las montañas, ambos elementos muy comunes en la península coreana. Las imágenes también se explicitan cuando el personaje de Seo-rae le dice a Hae-jun la siguiente frase de Confucio : "El sabio admira el agua, el bondadoso admira las montañas". En la filosofía asiática , la montaña simboliza a Confucio y la rectitud virtuosa; mientras tanto, el agua es el símbolo de Lao Tzu y el taoísmo . Los dos elementos, a pesar de complementarse, también se oponen entre sí y no pueden unirse, como los símbolos del Yin y el Yang . Sin embargo, en última instancia, el mar tiene la capacidad de vencer a las montañas erosionándolas con el tiempo. El personaje de Seo-rae está simbolizado por el mar. A pesar de su participación en el asesinato de otras cuatro personas (su madre y la de Sa y sus dos maridos), no es capturada por el detective. Cabe destacar que ella mata a su primer marido en la cima de una montaña y al segundo en una piscina. Finalmente, se quita la vida en el mar. Hae-jun, por su parte, es el personaje que antes era íntegro, simbolizado por las montañas, pero ahora está destrozado. Las dos localidades, Busan e Ipo, también se mencionan como una ciudad costera y una ciudad montañosa, respectivamente. Estas imágenes han sido analizadas y debatidas en línea, incluso por participantes coreanos y chinos en la serie Korea Deconstructed . 

En cuanto a la crítica ha sido unánimente favorable. Para los estadounidense el valor de la película y los elegios han sido máximos. Justin Chang de Los Angeles Times dijo de ella que era "Una historia de amor a la vez expansiva, desesperada y estimulante"

Para Jessica Kiang de Variety se trataba de "Una magistral y deslumbrante historia de amor, envuelta en una maliciosa intriga criminal (...) Tu nueva y sublimemente lograda obsesión coreana ya está aquí" 

Según  David Ehrlich de IndieWire estaríamos ante "La película más romántica del año (de lejos) (...) Un thriller juguetón, divertido y progresivamente emocionante" 

Para David Rooney, de The Hollywood Reporter , elogiando al director Park Chan-wook , escribió: «Un artista de talla mundial en la cima de su carrera... todo ello mientras maneja tramas complejas que siguen ofreciendo sorpresas hasta el final. Es un lujo ponerse como espectador en manos tan capaces». 

Steve Pond de The Wrap escribió sobre ella que "De rico dramatismo y en ocasiones, desconcertante, es un trabajo magnífico que tiene la habilidad de emocionarte en un momento y dejarte frío en otro" 

Tasha Robinson en Polygon no tan entusiasta relata que "Como historia, carece del brío y el dinamismo de sus primeras películas de acción. Como retrato de la obsesión y el arrepentimiento, es extraordinariamente sofisticado y satisfactorio" 

Phil de Semlyen de Time Out escribió que "La cámara ojo de pez es una de las herramientas del arsenal de Park que hace que esta película compita con 'The Handmaiden' como la más atractiva visualmente. También es la más romántica (…) 

Para Rafael Motamayor de Slashfilm escribió: "Esta [la película] no es tan sorprendente ni innovadora como el trabajo anterior del director Park, pero sigue siendo una película fascinante y exquisitamente dirigida sobre el deseo, el arrepentimiento y el amor". 

Brian Tallerico  de la prestigiosa web rogerebert.com subraya que "Se convierte en una obra de género bastante ingeniosa, un thriller realizado con maestría (...) "

Para Chuck Bowen del progresista Slant "Es admirable la inventiva del difuminado, sin embargo, fomenta a su vez una profunda apatía (...) Parece que la trama trabaja en contra de la poesía de Park, aunque en algunos casos, gana (...) " 

Desde illinois  Michael Phillips del Chicago Tribune lo relevante era que estábamos ante "Un misterio detectivesco deslumbrante (...) 

En Gran Bretaña en las páginas del The Guardian Peter Bradshaw defensió que "Es la clase de película hitchcockiana hecha por alguien que no ha visto, necesariamente, una película de Hitchcock (...) Una película magnífica y fascinante. Tang Wei está espléndida (...) 

Otra británica, Wendy Ide en The Observer y - habitual de Screendaily, - describe la película como un "fascinante y sinuoso drama criminal" que posee una "cinematografía peligrosamente hermosa, tan precisa como juguetona, llena de capas e imágenes especulares invertidas. 

Nicholas Barber de la cadena pública británica, la BBC, señala que  "Park nos ha dado el valor de nuestro dinero y mucho más (...) Una delicia brillante para cualquiera que le guste ver a policías embaucados y desconcertados por mujeres enigmáticas (…) 

Fuera de los Estados Unidos y Gran Bretaña también fue valorada psoitivamente como vemos en la crónica de Peter Howell del Toronto Star  cuando escribió que "Cada fotograma es como una pintura, con indicios de la motivación de los personajes y giros argumentales". 

En el hemisferio opuesto,  Luke Goodsell, de la Australian Broadcasting Corporation, calificó la película como "un testimonio del talento inagotable de Park... Decision to Leave es una de sus mejores obras". 

Ya en España Elsa Fernández-Santos en El País señala que "Es un noir elegante y muy meticuloso (...) Un filme absorbente y sensual (...) Chan-wook es un virtuoso y la mayoría de sus ideas visuales componen un clímax muy depurado y particular." Desde el mismo grupo empresarial, Pepa Blanes en la Cadena SER comenta que es "Un thriller amoroso y elegante lleno de escenas memorables (...) Es increíble como el director maneja la tensión, las emociones, la intimidad de los personajes e incluso escenas de violencia o persecuciones." 

Luis Martínez de El Mundo sostuvo que "Park Chan-wook borda en 'Decision to leave' un 'thriller' romántico entre la exaltación y la fiebre (...) una propuesta tan meticulosa y arriesgada como profunda y libre" 

Oti Rodríguez Marchante del ABC lo relevante era que "Juega con la sustancia del drama, de la intriga, (...) con una elegancia y una narrativa prodigiosas para acompañar a una historia que se adentra hasta lugares de la pasión (...) pocas veces visitados. (...) " 

En La Razón Sergi Sánchez destaca que  "El filme juega a ser cine negro clásico, casi al estilo de “Perdición” (...) la majestuosa elegancia de la puesta en escena compensa las irregularidades de la película" 

Desde la prensa catalana,  Nando Salvá de El Periódico lo interesante es que "Park da muestras de una tendencia al exceso argumental (...) pero la compensa envolviendo el relato con su habitual estilización visual y dotándolo de una ternura y una hondura emocional hasta ahora inéditas en su cine" Y desde este mismo diario Quim Casas señala que "Si se entra en el juego, 'Decision To Leave' resulta fascinante, barroca y cristalina a la par, pero si no se entra, otorga al espectador suficientes muestras de rechazo. Es cuestión de tomarla o dejarla. (...) " 

También desde Barcelona, Salvador Llopart en La Vanguardia la película  "Es pura cara norte del misterio, no apto para espectadores y espectadoras perezosas. Como un enigma pospuesto, la primera consecuencia en uno mismo, tras su visión, ya ven, es la necesidad imperiosa de acometerlo de nuevo. (...)" .

Daniel De Partearroyo de la revista Cinemanía la película es "Una lección maestra de suspense y lenguaje cinematográfico. (...)" 

Manu Yáñez desde Fotogramas destaca que estamos ante "Una película de emociones fuertes, un proceder laberíntico y altas dosis de misterio. Sin duda, una de las mejores obras de su director." Y desde esta misma revista, Beatriz Martínez sostiene que se trata de la "Nueva virguería de Park Chan-wook (...) un sinfín de soluciones al borde del delirio que, de nuevo, deja sin palabras. (...) Un film apoteósico (...) a golpe de arrebatado lirismo oscuro y trágico, tan bello como herido. (...)" 

El siempre crítico de la crítica casi negativa por definición Carlos F. Heredero en Caimán "Es una fiesta para los amantes del estilismo arty (por ahí aparecen sus mayores debilidades), pero también es cierto que, de manera intermitente, consigue ofrecer momentos de genuina emoción, de inteligente puesta en escena y de magnífico cine" 

En las páginas de  El Cultural Carlos Reviriego El Cultural "El director logra que el barroquismo de su poética funcione como un verdadero mecanismo de relojería (...) una puesta en escena y un montaje deslumbrante (...) la hitchcockiana historia nos lleva hasta lugares tan perturbadores como conmovedores".

En junio de 2025, IndieWire clasificó la película en el puesto número 10 de su lista de "Las 100 mejores películas de la década de 2020 (hasta ahora)". 

Al mes siguiente, en julio de 2025, fue una de las películas votadas para la edición "Elección de los lectores" de la lista de The New York Times de "Las 100 mejores películas del siglo XXI", terminando en el puesto número 193.  Ese mismo mes, ocupó el puesto número 89 en la lista de Rolling Stone de "Las 100 mejores películas del siglo XXI".

Por mi parte, únicamente destaca como valores y conceptos claves que introduce la película Decisión de irse o marcharse destao los siguientes: la Ambigüedad de la Ética Profesional en la que el deber frente al deseo personal. Hae-jun llega a cubrir pruebas para proteger a Seo-rae, lo que representa la caída de su integridad profesional a favor de una obsesión romántica; el papel del deseo como motor de la pasión; la lealtad y el sacrificio visible en la escena final tan trágico en la que ella elige "marcharse" no para huir, sino para convertirse en un "caso sin resolver" eterno para Hae-jun. Su decisión es un acto de lealtad retorcida: prefiere desaparecer para permanecer viva en la memoria y la obsesión del hombre que ama; lo que supone la barrera del Lenguaje y la comunicación que se suplen con el uso de aplicaciones de traducción y el esfuerzo por entender los matices del otro subrayan la dificultad de la conexión humana verdadera. 

La película plantea que, a veces, los silencios y las miradas comunican más que el lenguaje formal; la estética de la tristeza que profundiza en la idea de melancolía y la pérdida , potenciada aquí con el papel del paisaje (el mar y la montaña) no es solo decorado, sino una extensión de los sentimientos de culpa y arrepentimiento de los personajes y el entorno brumoso que tanto afecta al ánimo. 

Desde el punto de vista cinematográfico quiero destacar además del simbolismo con el que juega el director , según el mismo declaró, el papel que juegan la pantallas de forma plana en la película ya que Park integra los mensajes de texto, las aplicaciones de traducción y los relojes inteligentes directamente en la composición de la escena. Por ejemplo, proyecta el texto sobre el rostro de los personajes, unificando sus pensamientos con la acción física. 

Junto a esto el tema del montaje, una auténtica masterclass que con razón permitió al encargado del mismo, Kim Sang-beom, obtener una buena cantidad de premios, visible al emplear cortes que unen visualmente dos objetos o rostros (por ejemplo, el rostro de una víctima fundiéndose con el de un sospechoso), lo que refuerza la idea de que todo en la investigación está contaminado por la presencia de Seo-rae, lo que se ha venido en llamar el Match-Cuts Gráficos; y , junto a ello, como por medio del montaje se fragmentan los momentos cotidianos (como cocinar o lavarse los dientes) para darles una carga erótica y emocional, haciendo que el proceso de investigación sea indistinguible del proceso de enamoramiento, lo que se viene a llamar la construcción de la intimidad. 

Por último, un tema que no quiero dejar de referir es el carácter hitchcokiana de esta película que la podíamos relacionar con Vértigo (1958) o con la Ventana indiscreta o con el gusto de las apariencias en cualquier película de Sir Alfred introduciendo el voyeurismo como motor del amor, ya que en esta y en Vértigo, el amor no nace de la convivencia, sino de la vigilancia (prismáticos, seguimientos en coche). Park eleva esto haciendo que el detective "se imagine" básicamente en la habitación de ella mientras la observa, rompiendo la cuarta pared de la realidad; el papel de la "Femme Fatale" , que aquí se reinventa con un giro , ya que mientras que en el cine clásico la femme fatale suele ser una villana unidimensional, Park le da a Seo-rae una profundidad trágica. Ella no manipula por maldad, sino por una necesidad desesperada de ser "vista" y comprendida; la estructura en dos partes, pues si en Vértigo, pasa de la misión de rescate a la obsesión por transformar a una nueva mujer, aquí pasa de la montaña (el primer caso) al mar (el reencuentro en otra ciudad). En ambas, la segunda mitad es una "repetición" distorsionada de la primera donde los personajes intentan recuperar un sentimiento perdido; el papel fetiche por los objetos visible en la tecnología como el teléfono móvil y las grabaciones de voz sustituyen a las cartas antiguas, funcionando como "pruebas" de un amor prohibidoy el vestuario ya que el vestido de Seo-rae (que cambia de color según la luz entre azul y verde) es un homenaje visual a los juegos cromáticos de Hitchcock para confundir la percepción del espectador; o el clímax en un lugar elevado frente al abismo, ya que Hitchcock amaba las alturas (campanarios, tejados) para generar tensión, mientras que Park utiliza la montaña al principio y el mar al final, pero el sentimiento es el mismo: el vértigo emocional ante la pérdida del control. 

En definitiva, lo que acabo ver apunto que será un cláisco contemporáneo y un refuerzo en la posición central que el cine surcoreano está teniendo con respecto a la cinematografía mundia .

El eslabón del Niágara

La Zwi Migdal fue una poderosa organización criminal internacional de trata de personas y explotación sexual que operó principalmente en Buenos Aires, Argentina, entre 1906 y 1930. Bajo la fachada de una sociedad de socorros mutuos judía, engañaban a mujeres de Europa del Este con falsas promesas de trabajo o matrimonio para forzarlas a la prostitución. 

Creada inicialmente como "Sociedad Israelita de Socorros Mutuos Varsovia", cambió su nombre a Zwi Migdal en 1926. Estaba compuesta mayormente por hombres judíos de origen polaco que formaban parte de una red de rufianes. Traían a las mujeres , llamadas comunmente "polacas",  y las sometían en prostíbulos. 

Más de 100 miembros fueron procesados ​​por asociación ilícita, corrupción y juego ilegal en 1930. En 1929, Raquel Liberman, una de las víctimas, logró escapar y denunciar a la red, lo que llevó a su desmantelamiento en 1930. 

La historia inspiró libros como La Polaca de Myrtha Schalom y personajes en novelas gráficas y series de televisión, posiblemente esta historia inspiró el libro The 13th Man de Murray Teigh Bloom del que parte esta película. 

Last embrace es una compleja película estadounidense del año 1979 dirigida por Jonathan Demme. Es una película de suspense con toques románticos pero también neo-noir de 1979 dirigida por Jonathan Demme y protagonizada por Roy Scheider , Janet Margolin , John Glover , Sam Levene , Charles Napier y Christopher Walken, junto a Andrew Duncan,  y David Margulies.  

Basada libremente en la novela The 13th Man de Murray Teigh Bloom, cuenta la historia de una mujer que asume un papel similar al del vengador bíblico Goel y mata a los descendientes de los Zwi Migdal , quienes esclavizaron a su abuela. 

La historia comienza cuando un agente del gobierno estadounidense Harry Hannan sufre una crisis nerviosa tras la muerte de su esposa Dorothy y pasa cinco meses en un sanatorio. Al regresar a su apartamento en Nueva York , lo encuentra ocupado por una estudiante de doctorado llamada Ellie Fabian. Ella le explica que había subarrendado el apartamento durante su último semestre de estudios en la Universidad de Princeton . Ellie afirma que la oficina de vivienda les dijo que los Hannan se irían indefinidamente. 

Le entrega a Harry una nota que había deslizado por debajo de la puerta, pero solo contiene unos pocos caracteres hebreos que él no puede leer. Preocupado por si su propia agencia lo tiene en la mira, Harry visita a su supervisor Eckart, quien le asegura que la agencia tiene prioridades más importantes. Eckart insiste en que Harry aún no está listo para regresar al trabajo de campo, pero que está perfectamente a salvo. 

Harry lleva la nota en hebreo a un rabino local, quien solo puede descifrarla parcialmente y le explica que significa " Vengador de la Sangre ". El rabino llama entonces a Sam Urdell y le informa que Harry lo ha visitado. 

Harry se da cuenta de que lo están vigilando, se deshace de su perseguidor y se dirige al Museo Americano de Historia Natural , donde trabaja Ellie. Él le da algo de dinero y la insta a hospedarse en un hotel, pues teme que sea víctima de un ataque accidental. 

Luego visita la tumba de su esposa, donde se enfrenta a su hermano, Dave Quittle. Posteriormente, Quittle visita a Eckhart, quien ordena el asesinato de Harry. Ellie se queda en el apartamento a pesar de la petición de Harry. Ellie sugiere que lleven la nota a su amiga en Princeton, que se especializa en estudios hebreos. 

Cuando Harry despierta de una pesadilla, le cuenta a Ellie sobre la muerte de Dorothy. Toma una pastilla recetada, pero la escupe al darse cuenta de que es cianuro. A la mañana siguiente, parten hacia Princeton. 

En el tren, Ellie le habla a Harry sobre su abuela, cuando Harry se da cuenta de que Quittle y un anciano los están observando. En Princeton, Richard Peabody descifra la nota para Harry. Peabody ha acumulado varias notas, todas relacionadas con asesinatos muy peculiares. Harry es el primero en recibir la nota y sobrevivir. También transmite un mensaje: alguien quiere reunirse con Harry en el patio del campanario al día siguiente. 

En el patio, Quittle tiende una trampa a Harry. Harry logra matar a Quittle durante un tiroteo en el campanario y luego se encuentra con Sam Urdell, el anciano del tren. Sam le explica que forma parte de un comité que investiga los asesinatos sangrientos. Analizan las distintas pistas y descubren que el abuelo de Harry era dueño de un burdel en el Lower East Side de Manhattan. 

Mientras en un hotel de las Cataratas del Niágara, Ellie, vestida de prostituta, atrae a Bernie Meckler a una bañera. Tras tener relaciones sexuales con él, lo ahoga. 

Mientras Harry y Sam recopilan la información, son conducidos de vuelta a Princeton. Harry se da cuenta de que Ellie es quien está asesinando a los hombres, todos ellos descendientes de miembros de Zwi Migdal que habían explotado sexualmente a su abuela. 

Conducen hasta las Cataratas del Niágara, donde tienen un emotivo enfrentamiento. Ella intenta matarlo, pero le confiesa que lo ama. Él se debate entre la verdad y la culpa, pero le dice que la delatará. Ellie huye, y él la persigue por la central hidroeléctrica Robert Moses del Niágara . Ella escapa en un autobús turístico, él roba otro y la sigue hasta la Cueva de los Vientos , donde la persigue por los túneles hasta que tienen un enfrentamiento final al borde de las cataratas. Tras enfrentarse rompen la barandilla y Harry agarra a Ellie, pero ella forcejea y cae al vacío. 

La película fue estrenada por United Artists el 4 de mayo de 1979 y recibió críticas mixtas Se trata de una película compleja la que el protagonista Harry, que trabaja para una agencia del gobierno, un viaje a México por asuntos de trabajo de horrorizado como asesino a su esposa allá en el paso. Harry se desmorona y pasa algún tiempo en un psiquiátrico pero cuando vuelva a casa encuentra a la entrada una amenaza de muerte escrita en hebreo. También descubre que en su apartamento ha sido alquilado a una hermosa y misteriosa mujer. 

Jonathan Demme recordó: «Había gente a la que le había gustado Citizens Band , algún productor que la conocía, así que me enviaron Last Embrace y me encantó la idea de hacer una película que tuviera el potencial de ser un thriller al estilo de Alfred Hitchcock . Con eso me refiero a ese tipo de suspense hitchcockiano y complejidad de personajes, así como de narrativa». A Demme también le atraía la oportunidad de "revelar algo extraordinario sobre la historia", concretamente la corrupción organizada, como la prostitución dirigida por personas dentro de la Iglesia judía. Demme pensaba que si Roy Scheider interpretaba el papel principal, "sería genial. Me había gustado mucho en algunas de sus películas anteriores y pensé que podría ser el Bogart de los años 80". 

Demme calificó la película como "".

Demme dijo: «Tenía un guion defectuoso, y nos esforzamos mucho por corregirlo, aunque también creo que tiene algunos valores. Más que nada, la experiencia me ayudó a comprender: no vayas a ver una película a menos que creas en el guion, porque si tú no lo crees, ¿cómo va a creerlo alguien más? Pero la hice porque me encanta ese tipo de películas y detesto la idea de hacer filmes similares»

El rodaje principal tuvo lugar en exteriores en la ciudad de Nueva York y en las cataratas del Niágara . Debido a que el rodaje coincidió con la temporada alta de turismo, la producción se limitó a filmar entre las 3:00 y las 8:30 de la mañana en los túneles que rodean las cataratas.  Se filmaron interiores adicionales en los estudios Metro-Goldwyn-Mayer en Hollywood.

Como ya hemos señalado la película recibió críticas mixtas. Vincent Canby, del New York Times, escribió sobre Scheider: «Ningún otro actor principal puede crear tanta tensión con un material tan modesto». Pero, ya en España. Fausto Fernádez la considera una obra maestra hitchconiana y de endemoniada maestría, que la considera una maravilla setentera. 

Christine

Stephen King ha supuesto una de las mayores influencias en la cultura audiovisual de los últimos 50 años, convirtiéndose en el autor con más adaptaciones cinematográficas y televisivas de la historia. Su impacto va más allá del género de terror, redefiniendo la forma de narrar historias sobrenaturales y cotidianas en cine y televisión, con más de 70 producciones basadas en sus obras. Sus historias suelen ambientarse en lugares ordinarios (frecuentemente en Maine), lo que hace que el terror sea más cercano y relatable. 

Desde Carrie (1976), King transformó el terror cinematográfico al enfocarlo no solo en el monstruo, sino en cómo los sucesos afectan a las personas comunes y sus entornos. Muchas adaptaciones son consideradas obras maestras del cine, destacando El Resplandor (1980), Carrie (1976), Misery (1990), y las aclamadas The Shawshank Redemption (1994) y The Green Mile (1999), estas últimas demostrando su versatilidad fuera del terror o con Stand by Me (1986) sentando un precedente en la narrativa de historias de iniciación y nostalgia, influenciando producciones modernas como Stranger Things.

Películas recientes como It (2017 y 2019) rompieron récords de taquilla, demostrando la vigencia de sus historias. En los años 90, King dominó las miniseries de televisión, destacando The Stand (1994), El misterio de Salem Lot o The Shining (1997). En la última década, sus obras han tenido una segunda época dorada en plataformas de streaming con series aclamadas como 11.22.63 (2016), Mr. Mercedes (2017), Castle Rock (2018), The Outsider (2020) y The Institute (2025) o en los cines,  The Long Walk (2025), aquí presentada como La larga marcha, demuestran el peso que tiene King en el cine y en la televisión.

En los ochenta muchas de sus obras se llevaron también al cine y la televisión, y entre las primeras destacó Christine, una película de John Carpenter del año 1983 con guion de Bill Phillips aunque hace referencia al paso del año 1978 al 79. En este caso John Carpenter se basa en el best seller de Stephen King del mismo título para realizar esta película que produjo la Columbia Pictures y que tuvo en la producción a Richard Kobritz, Mark Tarlov y Larry J. Franco, llena de sangre con más suspense y elemental de fantasía y terror protagonizada por el hoy director de series que Keith Gordon.

Gordon la vida a Armie Cunningham , un chaval de diecisiete años que es el típico alumno marginado del Instituto, un "monger" al que los más populares le hacen la vida imposible. Un poco después de librarse de una paliza del matón de turno arnie consigue hacerse con un coche de sus sueños un Plymouth Fury del 58 de color rojo y blanco del que emerge una extraña fuerza que proporciona al chico una gran seguridad en sí mismo.

Pero la película comienza antes, en septiembre de 1957, en una cadena de montaje de Chrysler Corporation en la entonces ciudad del automovil, la hoy depauperada Detroit, cuando el capó de un Plymouth Fury de 1958 recién ensamblado y pintado a medida, se cierra sin previo aviso y aplasta la mano de un trabajador de la cadena que inspecciona su parte delantera. 

Poco después otro trabajador entra para sentarse a descansar un momento y deja caer la ceniza de su cigarrillo en el asiento. Horas después, un supervisor descubre que el trabajador se desplomó en el asiento y abre la puerta para ayudarlo, pero el trabajador cae al suelo, muerto con una expresión de terror en el rostro. El supervisor, aterrado y alarmado, hace sonar el claxon para pedir ayuda. 

21 años después, en septiembre de 1978, conocemos a Arnold "Arnie" Cunningham (Keith Gordon) es un adolescente torpe e impopular en Rockbridge (en el estado de California), con un solo amigo, el futbolista de fútbol americano Dennis Guilder (John Stockwell). 

Arnie vive controlado por sus padres y únicamente tiene como amigo a Dennis, al que vemos que se enfrenta con los "bully" de la clase de Arnie cuando se disponen a putearlo.  

Ese mismo día, que coincide con la llegada al centro de una chica guapísima,Leigh Cabot (Alexandra Paul), una vez terminadas las clases, a la salida de clase y cuando van de camino a casa, Arnie ve a lo lejos un coche arrumbado. Ese coche resulta ser Christine. 

La vida de Arnie comienza a cambiar cuando compra un Plymouth Fury de 1958 usado y maltratado llamado "Christine", el mismo auto de la cadena de montaje, que necesita reparaciones extensas y ser restaurado. Como sus padres no lo dejan guardar el viejo coche en su casa y molestos por su compra, Arnie lo guarda en un garaje y depósito de chatarra, para reparar y restaurar, de propiedad de Will Darnell (Robert Prosky). 

A medida que pasa más tiempo trabajando en el automóvil, desecha sus gafas, se viste más como un greaser de los años 1950 - curiosamente, como la música que sale de la radio del coche-  y desarrolla una personalidad muy segura, arrogante y paranoica. 

Sin que Arnie lo sepa, Dennis investiga y descubre el oscuro pasado de Christine, por parte del hermano de su obsesivo propietario original: la hija del dueño se ahogó en ella, su esposa se suicidó dentro de ella y el propietario hizo lo mismo, pero Arnie lo ignora y sigue trabajando durante meses para restaurar su auto. 

Durante el partido de rugby, Dennis se distrae al ver llegar a Arnie en su auto totalmente restaurado, besando a una chica frente a Christine que resulta ser , Leight, y se queda asombrado frente a ella, causando que terminara sufriendo una lesión en la columna y en la espalda que lo elimina de la temporada. 

La nueva novia de Arnie, Leigh Cabot (Alexandra Paul), que , en principio, está bien con Arnie, comienza a sentir celos del coche, pues parece que el mecánico tiene mejor relación con el coche que con ella. Un comentario al respecto sobre el tema enoja al coche y mientras está dentro del auto en una cita con él, en un autocine, Leight está a punto de ahogarse con una hamburguesa. Se salva cuando un hombre que pasa junto a ellos administra la maniobra de Heimlich, algo que Arnie no pudo hacer puesto que Christine bloqueó la puerta del conductor. 

Se revela que Christine está celosa de ella, Leigh jura que nunca volverá a subir al coche y le pide a Arnie que se deshaga de él. Leigh y Arnie se separan cuando él se niega a considerar esto. 

Mientras tanto, enojado con Arnie por haber sido expulsado después de una confrontación en una clase de taller, el acosador escolar Clarence Buddy Repperton (William Ostrander) lo sigue en la noche hasta el taller y vandaliza a Christine con la ayuda de su pandilla. 

Destrozan el coche sin piedad. Cuando lo descubre a la mañana siguiente, Arnie está devastado y decidido a reparar a Christine, pero siente que puede volver a restaurarse por amor. 

Justo entonces, Arnie logra entender que Christine es capaz de recuperarse y repararse rápidamente, quedando totalmente restaurada a la calidad de la sala de exhibición mientras observa. 

Christine en la noche se aleja por sí sola para buscar a la pandilla de Buddy, aplastando a uno en un callejón, provocando una impresionante explosión en una estación de servicio que mata a otros dos y envuelta en llamas persigue al líder Buddy hasta atropellarlo. 

Después Christine regresa al garaje de Darnell para autorepararse, este se sienta detrás del volante y muere aplastado cuando Christine empuja el asiento del conductor hacia adelante. 

A la mañana siguiente, Christine está de vuelta en su lugar y como nueva. El detective de la policía estatal Rudolph Rudy Junkins (Harry Dean Stanton) sospecha de Arnie, después de haber descubierto la pintura de Christine en las escenas de la muerte de dos pandilleros. 

Sin embargo, no tiene evidencia directa para implicar a Arnie, un estudiante universitario que estaba en otro lugar, sin antecedentes penales y buen estudiante, que tiene una buena coartada. Junkins no sabe o no puede creer que Christine pueda conducirse por sí misma. 

Dennis y Leigh, unidos en su afecto por Arnie, deciden que la única forma de salvar a Arnie es destruir a Christine. Empiezan a poner una trampa en el garaje de Darnell; Dennis espera a los mandos de un bulldozer, mientras que Leigh está lista para cerrar las puertas del garaje y cortar la retirada de Christine una vez que entre. Sin embargo, Christine ha estado oculta debajo de una pila de escombros en el garaje todo el tiempo, y cuando Leigh toma su posición en los controles de la puerta, Christine procede a atacarla. Christine se estrella en la oficina de Darnell en un intento de llegar a Leigh. Arnie, quien ha estado conduciendo el auto por sí mismo, es arrojado a través del parabrisas y empalado en un pedazo de vidrio, que le cruza el cuerpo y lo mata. 

Dennis y Leigh atacan a Christine con la excavadora, pero continuamente se repara y contraataca. La batalla continúa hasta que conducen repetidamente de un lado a otro sobre el coche, dañando tanto a Christine que no puede regenerarse de inmediato. 

Unos días más tarde, Dennis, Leigh y Junkins observan cómo los restos de Christine, compactados en un cubo por una trituradora de automóviles, son arrojados a un depósito de chatarra, se retiran del lugar y la cámara se acerca a un primer plano de la rejilla frontal, que lentamente comienza a doblarse nuevamente para repararse. La historia ¿continua?

La película cuenta con la fotografía y el montaje de Donald M. Morgan o el ilustrador George Jenson y entre el elenco además de Gordon aparece John Stockwell como Dennis Guilder, Alexandra Paul como Leigh Cabot, Robert Prosky como el dueño del taller mecánico Will Darrell , Harry Dean Stanton como el detective estatal Rudolph Rudy Junkins , Christine Belford como Regina Cunningham, la madre de Arnie, Roberts Blosson como George LeBay y David Spielberg como protagonistas aunque a punto estuvieron de protagonixzarla Brooke Shields en el papel de Leigh y Kevin Bacon que optó por otro clásico, Footloose. 

La película cuenta, además, con la música original compuesta por John Carpenter y Alan Howarthuna y una excelente banda sonora adicional en su mayor parte de música de la década de los años cincuenta en la que se puede escuchar al Little Richard, Woody Holly y a los Rolling Stone entre otros sonando desde el radio cassette del precioso y peligroso coche rojo. 

Pese a la inicial tibia acogida de la crítica, con el tiempo se ha convertido en una película de culto. El crítico Roger Ebert consideró que «es, por supuesto, una ridiculez. Pero la he disfrutado de todos modos. El cine tiene una relación especial con los automóviles: por alguna razón adoramos ver accidentes y más accidentes». 

Gary Arnold, en las páginas del diario The Washington Post tiene una consideración global positiva «entre los sobresalientes efectos especiales y la inteligente interpretación de Gordon, lo cierto es que Christine es una obra mucho más entretenida de lo que cabía esperar por su propuesta». 

Por su parte, Janet Maslin, en el diario The New York Times indica que «la primera parte es absorbente y cuenta con buenas interpretaciones, creando una ambientación veraz y creíble. Por desgracia, se hace cada vez más pesada a medida que avanza y cae rápidamente en lo predecible» 

Para los británicos como Peter Bradshaw en The Guardian se trata de "Un cuento macabro perfectamente entretenido, que puede leerse como una parábola satírica de ese tipo particularmente masculino de desarrollo detenido que se manifiesta en la obsesión por los coches (...)" 

Algo menos entusiasta Kim Newman, en la revista de cine Empire, consideró que era  «una película bien elaborada, entretenida y con una excelente puesta en escena, pero que no ofrece nada nuevo. Es fruto del tipo de terror que se hacía en su día, aunque cumple su cometido». 

Ya en España, en Fotogramas se escribió sobre ella que se trataba de «la adaptación de una prometedora novela de Stephen King, que tuvo un tratamiento francamente decepcionante. Su resolución antepone el efectismo más aparatoso a lo inquietante de la historia».

Adrián Massanet, en Espinof indicó «divierte bastante, está realizada con gran profesionalidad, y posee, al menos, dos secuencias antológicas. Pero carece de la densidad del gran cine de Carpenter, el mismo que mientras se ríe de los géneros, o por lo menos los cuestiona, hace uso de ellos para proponer aventuras inolvidables en su fuerza narrativa y en su gozoso tenebrismo». 

Omar Khan, en su crítica para la revista Cinemanía, reseña que «un coche con vida propia es el centro de este film de terror progresivo elaborado con veteranía por Carpenter, a partir de un espeluznante relato de King». 

La cinta fue todo un éxito pues se invirtió en ella US$ 10.000.000 invirtiéndose una parte de ese dinero en comprar 24 Furys, cuyas partes se canibalizaron para crear un total de 17 versiones del coche. Al final del rodaje, todos fueron destruidos menos dos.y obtuvo una recaudación de US$ 21.017.849. 

La película obtuvo una nominación como mejor película en los premios Saturn y Carpenter una nominación a mejor director en el Festival de Cine Fantástico de Avoriaz. En este sentido en cuanto a los medios técnicos, señalar que se utilizó un sistema hidráulico para tirar de las partes del automóvil, y las secuencias se filmaron al revés. El resultado es deslumbrante. 

John Carpenter, que tenía planes de dirigir una adaptación de King muy diferente, la de Ojos de Fuego, pero la Universal Pictures lo desechó por ser muy caro optando entonces por el proyecto de la Columbia Pictures . aportó un estilo visual enfocado en la tensión, logrando que el coche se sintiera como un personaje maligno y amenazante. 

En cuanto al nombre de la novela y de la película, Stephen King rinde homenaje a su amigo George Romero poniéndole el nombre de su mujer, Christine Forrest, a su icónico y malvado Plymouth Fury del 58. El Plymouth Fury rojo se convirtió en un ícono cinematográfico, popularizando la premisa de "objetos cotidianos asesinos". Christine, la película de John Carpenter, se estrenó solo ocho meses después de que Christine, el libro de Stephen King, saliera a la venta en tapa dura. Mientras se proyectaba en los cines, su edición en tapa blanda era el libro más vendido en el país.

A pesar de tener diferencias con el libro como cuando Carpenter se desvió del libro en algunos momentos como en la primera escena donde Christine mata a un hombre por asfixia mientras aún está en la línea de montaje. Una idea que tomó de Alfred Hitchcock (centrándose más en la obsesión que en la posesión fantasmagórica directa), la cinta se consolidó como una de las adaptaciones más reconocibles de King. 

El ambiente en el rodaje era muy distendido. Tanto es así que Alexandra Paul le gastó un broma a Carpenter. Su hermana gemela la sustituyó en una escena. El director intuyó que algo iba mal, pero solo se dio cuenta cuando la hermana de Alexandra comenzó a hablar.ohn Carpenter también gastó sus propias bromas al equipo de sonido de Christine. A veces desconectaba los cables de las tomas de audio antes de decir "Acción". Le encantaba verlos enloquecer y tratar de descubrir qué estaba mal.Golpear a Christine no fue una experiencia tan divertida como parece para la pandilla de Buddy Repperton. Practicaron con un Plymouth real y algunos resultaron heridos al cortarse con trozos de metal y vidrio. 

A Keith Gordon (Arnie Cunningham) le dio un ataque de asma el día que tuvo que grabar la escena con sus padres, además, la capacidad de Keith Gordon para aguantar la respiración dejó boquiabiertos al equipo. Cuando Cunningham está a punto de morir, Gordon decidió aguantar la respiración para ponerse bien colorado . Tanto aguantó que casi se desmaya.

La escena en la que Christine está ardiendo y persigue a Buddy Repperton se grabó con un conductor en el interior del vehículo. Terry Leonard llevaba una botella de oxigeno y muchos dedos cruzados para que el tanque de gasolina no explotara. 

Lo cierto es que Stephen King ha proporcionado un material inagotable que mezcla miedos universales, nostalgia y dramas humanos, convirtiéndose en una fuente fundamental para creadores de cine y televisión durante cinco décadas. Christine supuso un hito del cine de terror ochentero. Transformó un relato de terror sobrenatural sobre un Plymouth Fury de 1958 poseído en una obra de culto, destacando por su icónica banda sonora, la atmósfera de suspense y los impresionantes efectos especiales relacionados con la transformación mecánica para la época, un logro técnico notorio para 1983.