Klute

Alan J. Pakula, fue un aclamado director, productor y guionista estadounidense, que falleció en noviembre de 1998 a los 70 años de edad. Pakula murió a causa de un extraño accidente automovilístico en la autopista de Long Island (Nueva York). Un tubo de metal salió despedido de otro vehículo, atravesó el parabrisas de su Volvo y le golpeó en la cabeza, causándole la muerte instantánea. Fue un pilar del cine de intriga política y suspense psicológico de los años 70. Klute es considerada la primera parte de su famosa "trilogía de la paranoia", seguida por The Parallax View (1974) y Todos los hombres del presidente (1976). Estas películas definieron su reputación como un maestro del suspense psicológico y la conspiración. Con Klute consolidó su reputación como un director de primer nivel. Pakula demostró su capacidad para obtener actuaciones magistrales. La película estableció una colaboración clave con el director de fotografía Gordon Willis, utilizando una estética sombría y tensa que se convirtió en sello de la casa, y que estarán presentes en otras películas como La decisión de Sophie (1982), Presunto inocente (1990), El informe Pelícano (1993) o La sombra del diablo (1997).

Pero centrémonos en Klute, una película estadounidense de suspenso psicológico neo-noir de 1971 dirigida y producida por Alan J. Pakula y protagonizada por Jane Fonda, Donald Sutherland, Charles Cioffi, Nathan George, Dorothy Tristan, Roy Scheider y Rita Gam.

Es la primera entrega de lo que se ha llegado a conocer informalmente como la "trilogía de la paranoia" de Pakula, seguida por The Parallax View (1974) y Todos los hombres del presidente (1976), todas películas que tratan temas de paranoia, conspiraciones y vigilancia.

Klute es un thriller del año 1971 dirigido por Alan J Pakula y que le valió un amplio reconocimiento al director de un éxito George básicamente en el trabajo en la personalidad de su protagonista Jane Fonda, tras Danzad, danzad, malditos, su carrera convirtiendo este papel inicialmente aceptado como un remiso económico en el centro de la historia algo que sirvió para hacerse con el oscar a la mejor actriz principal.Su trama sigue a una prostituta de lujo de la ciudad de Nueva York que ayuda a un detective de Pensilvania a resolver el caso de la persona desaparecida de un cliente que podría estar acosándola 

Alan J. Pakula estuvo en la producción de la misma por medio de las productoras Gus Productions y la Warner Bros. Pictures. La crítica recibió con un entusiasmo y especialmente la interpretación del fondo en el que para muchos es el mejor trabajo de su carrera. Y el papel masculino protagonista le correspondió a Donald Sutherland, carisma y estilo propio reconocido un papeles múltiples que le han dado uh el gran reconocimiento hasta la fecha e de su muerte. 

La historia comienza en una comida o cena entre amigos. Entre los comensales está el dueño de una empresa, su mujer, ejecutivos de la misma y el mejor amigo del empresario. Casi de inmediato nos enteramos de que el empresario ha desaparecido.

Tras la desaparición de Tom Gruneman, ejecutivo de una empresa química de Pensilvania, la policía encuentra en su oficina una carta obscena dirigida a Bree Daniels, una prostituta de Nueva York que había recibido varias cartas similares. 

Después de seis meses de investigación infructuosa, Peter Cable, otro ejecutivo de la empresa de Gruneman, contrata a John Klute, amigo de la familia y detective, para investigar la desaparición. Klute alquila un apartamento en el sótano del edificio de Bree, interviene su teléfono y la sigue mientras ejerce la prostitución. 

Bree parece disfrutar de la libertad de trabajar como prostituta independiente mientras audiciona para trabajos de actuación y modelaje, pero le confiesa a su psiquiatra el vacío que siente en su vida. 

Tras descubrir que Klute la ha estado vigilando, Bree afirma no reconocer a Gruneman. Admite haber sido agredida por un cliente dos años antes, pero no puede identificarlo en una fotografía. Además, le confiesa a Klute que es una persona nerviosa y paranoica. 

Bree lleva a Klute a conocer a su antiguo proxeneta, Frank Ligourin, quien había representado a Jane McKenna, una prostituta que le había recomendado al cliente abusivo. Al parecer, McKenna se suicidó, y su otra compañera, Arlyn Page, se convirtió en drogadicta y desapareció. 

Klute y Bree inician un romance, aunque ella le confiesa a su psiquiatra que desearía que la relación terminara porque se sentía más segura de sí misma cuando ejercía la prostitución. Encuentran a Page, quien les dice que la foto de Gruneman no corresponde al cliente, que era un hombre mayor. 

Poco después, el cuerpo de Page aparece más tarde en el río. Klute relaciona los aparentes suicidios de las dos prostitutas, deduciendo que el cliente usaba el nombre de Gruneman. También cree que el cliente mató a Gruneman y que podría matar a Bree a continuación. Klute vuelve a contactar con los conocidos de Gruneman. 

Mediante comparación tipográfica, las cartas obscenas se rastrean hasta Cable, a quien Klute ha estado reportando durante su investigación. Klute le pide dinero a Cable para comprar la "agenda negra" de los clientes de McKenna y así descubrir la identidad del cliente abusador. Deja suficientes pistas para ver si Cable revela su propia complicidad en los asesinatos. 

Cable sigue a Bree hasta la oficina de un cliente y le revela que él le envió las cartas. Le cuenta que, después de que Gruneman lo descubriera accidentalmente abusando físicamente de McKenna, Cable temió que Gruneman usara el incidente para sabotear su carrera, así que intentó incriminarlo dejando la carta en su oficina. 

Tras reproducir una grabación de audio de un asesinato que realizó mientras asesinaba a Page, ataca a Bree. Al ver a Klute entrar corriendo, Cable retrocede bruscamente y se estrella contra una ventana, muriendo en el acto. 

Bree abandona su apartamento con la ayuda de Klute. Una conversación en off con su psiquiatra revela su reticencia a renunciar a su autonomía para iniciar una relación tradicional con Klute, afirmando que perdería la cordura si se sometiera a una vida doméstica. Ella admite que, aunque echará de menos a Klute, no puede decírselo y bromea diciendo que probablemente el médico la verá de nuevo la semana que viene. Al salir del apartamento, Bree recibe una llamada de un cliente y le informa de que se marcha de Nueva York y no piensa volver. Ella y Klute abandonan el apartamento juntos sobreponiéndose los títulos de crédito en rojo sobre la pantalla anunciando el fin. 

El policía deja el cuerpò y ahora se transforma en un detective de medio pelo de una pequeña ciudad de Pensilvania, John Klue, que abandona el cuerpo de policía para investigar la muerte es su mejor amigo, un ingeniero visto por última vez en Nueva York. 

La única pista para seguir su rastro es una carta suya a una prostituta, Bree Daniels, que se dice no saber nada el desaparecido pero que reconoce haber  descubierto a alguien siguiéndola y haber recibido llamadas a nuevas. 

Otra vez de la vida de Bree, conociendo su trabajo y su ambiente, Klute podrá conocer los verdaderos motivos por los que su amigo encontró la muerte o al menos su desapareció. Juntos un sentimiento romántico despiertará entre ellos. 

El guion original de Klute fue escrito por los hermanos Andy y Dave Lewis. Andy en colaboración con su hermano mayor, Dave. Los hermanos se comunicaban por carta y teléfono —Andy desde su residencia en Massachusetts y Dave desde su casa en California— y Andy se encargó de gran parte del guion. Andy comentó que la escritura fue altamente colaborativa, concluyendo: "Me costaría atribuir alguna parte del guion original únicamente a uno u otro de nosotros".  Se inspiró en una serie que leyó de niño sobre un hombre que intenta resolver el asesinato de su hermano en la ciudad. El rodaje principal tuvo lugar a finales de 1970 y principios de 1971 en Nueva York. Andy Lewis, un escritor que había trabajado principalmente en televisión, desarrolló el guion de Klute con el objetivo de pasar al cine. Su inspiración inicial para el guion provino de una historia por entregas que había leído de niño en The Saturday Evening Post sobre un hombre del campo que se aventura en la ciudad en un intento de resolver el asesinato de su hermano, quien fue asesinado allí en un terreno baldío. Lewis se centró en dos temas que, a su parecer, resonaban con los estadounidenses: primero, «el paleto que le da la vuelta a la tortilla a los urbanitas», y segundo, la paranoia: «Estoy seguro de que esto afecta a gente de todo el mundo, pero de alguna manera lo considero algo típicamente estadounidense. El patrón oculto de las cosas. La oscuridad. La gente que te observa, que conspira contra ti, que espera para hacerte daño. Los ruidos que oyes por la noche. Los silencios al teléfono. Todo eso. Decidí escribir esto, fuera como fuera, para sacar el máximo partido a este —¿cómo llamarlo?— instinto. Deliberadamente». 

El guion especulativo fue completado por Andy Lewis en colaboración con su hermano mayor, Dave. Los hermanos se comunicaban por carta y teléfono —Andy desde su residencia en Massachusetts y Dave desde su casa en California— y Andy se encargó de gran parte del guion. Andy comentó que la escritura fue altamente colaborativa y concluyó: «Me costaría atribuir alguna parte del guion original únicamente a uno de nosotros»

En cuanto al casting, Jane Fonda,  a final del 69 había terminado de rodar They Shoot Horses, Don't They? (1969). En abril de 1970 fue seleccionada para la película En ese momento, Fonda había atraído un escrutinio significativo por su activismo contra la guerra de Vietnam , y gran parte de la publicidad en torno a la película hizo mención de esto. 

Para prepararse para el papel, Fonda pasó una semana en la ciudad de Nueva York observando a prostitutas y madamas de clase alta . También las acompañó en sus salidas a clubes nocturnos para buscar hombres. Fonda notó que ninguno de los hombres mostró interés en ella, lo que ella creía que se debía a que podían ver que en realidad era solo una "pretendiente de clase alta y privilegiada". 

Fonda tenía dudas sobre si podría interpretar el papel y le pidió a Alan Pakula que la liberara de su contrato y contratara a Faye Dunaway en su lugar, pero Pakula se negó. Una de las principales preocupaciones de Fonda era que ella, como feminista emergente, no debería interpretar a una prostituta, pero cuando Fonda le confesó esta preocupación a una feminista veterana, le dijeron: "Si el guion es bueno y es una oportunidad para ser tridimensional, ¡por supuesto que deberías hacerlo!". Para superar sus dudas sobre si podría interpretar tal papel, Fonda recurrió a sus recuerdos de varias prostitutas que había conocido mientras vivía en Francia, todas las cuales trabajaban para la famosa Madame Claude . Recordó que todas ellas habían sufrido abusos sexuales en su infancia, y Fonda usó esto como una "entrada" a su propio personaje y como una forma de comprender las motivaciones de Bree para convertirse en prostituta. A destacar el vestuario realizado por Ann Roth

Donald Sutherland fue elegido para el papel del detective privado John Klute, y se unió al proyecto en mayo de 1970. Sutherland admitió más tarde que tuvo roces con Pakula durante la producción, comentando que "era una película donde el director tenía una idea específica, que yo no entendía particularmente, ni me interesaba particularmente". 

Roy Scheider fue elegido para el papel del proxeneta de Bree, Frank Ligourin, un papel que le brindó una atención significativa y que impulsó notablemente su carrera.

El rodaje principal de Klute comenzó en diciembre de 1970 en la ciudad de Nueva York. En marzo de 1971, se informó que el rodaje había concluido. 

La película fue filmada por el director de fotografía Gordon Willis , colaborador frecuente de Pakula, conocido por su uso de la oscuridad y las sombras en su cinematografía. El estudioso de cine Terence McSweeney escribe en The Other Hollywood Renaissance (2020) que la cinematografía de la película es deliberadamente desestabilizadora y desorientadora, utilizando primeros planos y careciendo de planos generales, y que su estilo de edición cuyo montador fue Carl Lerner presenta transiciones abruptas y una falta de señales cinematográficas tradicionales. 

Donald Sutherland, reflexionando sobre la película, comentó que, "había muchas cosas en Klute que no tenían ningún sentido en términos cinematográficos".

La banda sonora de la película fue compuesta por Michael Small . Klute fue la segunda banda sonora de Small para una película, y la primera en Hollywood después de Out of It (1969). El editor consultor de esa película, Carl Lerner , recomendó posteriormente a Small a Pakula. Small tuvo una gran libertad en el desarrollo de la banda sonora y utilizó una orquesta de cámara , con un xilófono microtonal , percusión poco convencional y voces femeninas. Un motivo central dentro de la banda sonora es la idea de un "llamado de sirena", utilizado para identificar tanto al personaje de Fonda como al asesino. 

Al igual que otras bandas sonoras de Small, la de Klute se prensó en cantidades relativamente pequeñas, y las copias de su edición original en vinilo han alcanzado precios elevados en el mercado de segunda mano. 

Klute se estrenó en cines en Estados Unidos el 23 de junio de 1971, distribuida por Warner Bros. Pictures, con gran éxito de crítica y público.  La película recaudó más de 12 millones de dólares con un presupuesto de 2,5 millones. 

Klute recibió dos nominaciones en la 44.ª edición de los Premios Óscar, incluyendo Mejor Guion Original, y Fonda se alzó con el premio a Mejor Actriz. En la 25.ª edición de los Premios BAFTA, Fonda fue nominada a Mejor Actriz Protagonista. En la 29.ª edición de los Globos de Oro, recibió una nominación a Mejor Guion, y Fonda se alzó con el premio a Mejor Actriz en una Película Dramática.

En los Premio del Círculo de críticos de Nueva York del año 1972 Fonda se llevó el premio a la mejor actriz. Premio NYFCC 1971: a la mejor actriz (Jane Fonda). 

El Premio de la National Society of Film Critics -NSFC 1972- le concedió el premio  a la mejor actriz (Jane Fonda) y en los Premios Image los premiados fueron tanto Donald Sutherland como Jane Fonda al mejor actor y actriz. 

También se llevó el Premio Fotogramas de Plata 1973: a la mejor intérprete de cine extranjero (Jane Fonda).

La crítica elogió la dirección y el guion, y la actuación de Fonda recibió una amplia aclamación. La escritora Karen Gai Dean señala la paranoia y la vigilancia como temas principales en Klute. Escribe que el uso recurrente de cintas de audio en la película como "temas visuales y auditivos... evocan de manera premonitoria la paranoia de la era Watergate". 

Charles Champlin, del Los Angeles Times , elogió las actuaciones de Fonda y Sutherland, resumiendo: « Klute es visualmente impresionante, llena de sorpresas, desconcertante y llena de suspense, impecable en su ritmo... Como siempre, los mejores misterios ofrecen más que sus distracciones y redime sus sórdidos elementos al comprenderlos y encontrarlos dignos de compasión, no de diversión». 

Roger Ebert, del Chicago Sun-Times, escribio que, si bien los elementos de suspense estaban mal ejecutados, las actuaciones de Sutherland y, sobre todo, de Fonda, fueron las que sostuvieron la película. Sugirió que la película debería haberse titulado Bree, en honor a su personaje, quien es el "alma" del filme y evita el estereotipo de la prostituta de buen corazón . ¿Qué tiene Jane Fonda que la convierte en una actriz tan fascinante? Posee una especie de intensidad nerviosa que la mantiene tan firmemente metida en el personaje que este parece distraído por los acontecimientos de la película. 

Gene Siskel del Chicago Tribune se mostró igualmente elogioso, escribiendo: «Más interesante que el misterio es el personaje de Bree... lo mejor de su personaje (gracias al guion y a la excelente actuación de la señorita Fonda) es que esta prostituta no tiene un corazón de oro. Es una mujerzuela resentida que, cuando se ve acorralada por la violencia o la ternura, araña y muerde. La película del director Alan Pakula, con su edición impecable, se alarga demasiado solo para extender su conclusión... Los ojos perspicaces resolverán el misterio a mitad de la película. La actuación de la señorita Fonda es superior a su trabajo más reciente en They Shoot Horses, Don't They? ... Sutherland... presenta una postura controlada como el detective diligente. Su bajo perfil equilibra perfectamente el papel explosivo de la señorita Fonda».

J. Luria, en un artículo para la revista Professional Psychology: Research and Practice , elogió la película por sus elementos psicológicos, en particular por su representación matizada de la prostitución, señalando que «una buena trama de misterio y excelentes actuaciones hacen que esta película sea entretenida. Pero el análisis sociopsicológico de la subcultura de la prostitución la hace sobresaliente. La película se desarrolla en varios niveles: la descripción de la prostituta, la lucha por su crecimiento personal, la relación entre Klute y Bree, y el tema del misterio. En general, es una excelente combinación de lo clínico y lo literal».

Roger Greenspun, del New York Times , en una de las pocas críticas negativas, escribió: «Pakula, cuando no se entrega a la subjetividad de la cámara, se esfuerza por dotar a su película de una apariencia de geometría estructural, pero a pesar de los bordes definidos, los espacios dramáticos y la presencia cinematográfica propia de Ciudadano Kane, todo sugiere una mezcla tibia y bastante insípida. La actuación en Klute parece semi-improvisada, y en ella Jane Fonda, que es buena confesando, tiene un éxito general. Todos los demás simplemente hablan mucho, excepto Sutherland, que apenas habla. Siendo un actor normalmente ingenioso, aquí se le da precisamente la libertad para evocar una figura romántica con toda la misteriosa intensidad de un joven Calvin Coolidge ».

En un artículo para el Chicago Reader en 1985, el crítico Dave Kehr declaró que la película era "lo más cercano a un clásico que cualquier cosa producida por el Nuevo Hollywood ".

Marjorie Baumgarten en el Austin Chronicle "Fonda y Sutherland están mejor que nunca en este thriller de misterio que también ofrece una visión fascinante de la mente y el alma de una prostituta de lujo neoyorkina".

En Variety se la describe como "Con una atractiva producción neoyorkina, pero una dirección tediosa de Pakula, es una película de suspense sin mucho suspense". 

Jay Cocks en Time la vio como "Un thriller agudo y hábil sobre asesinato, perversión, paranoia y prostitución y un montón de otras cosas maravillosas sobre la vida en Nueva York" 

Ya en España en El País , Fernando Morales la consideró como una película de "Intriga policial dirigida con maestría y excelente ambientación" . Y en este mismo diario, Luis Martínez la describe como que "Sutherland anima uno de esos detectives con vocación de eternidad. Un thriller con profundo y desgarrado sabor clásico". 

Klute la película dirigida por Alan J. Pakula, es una obra fundamental del cine estadounidense de principios de los años 70 y un pilar del thriller psicológico. Con ella Fonda ganó su primer Óscar a la Mejor Actriz por su interpretación de Bree Daniels, una prostituta de lujo neoyorquina. Su actuación es descrita como compleja y valiente, retratando a una mujer sensible ocultada tras una máscara de dureza. Destaca por su tono sombrío, pesimista y una atmósfera lúgubre, potenciada por la fotografía de Gordon Willis. Y aunque funciona como un thriller sobre la búsqueda de un hombre desaparecido por parte del detective John Klute (interpretado por Donald Sutherland), la película pone mayor énfasis en la psicología de los personajes y la dinámica entre Bree y Klute. La cinta fue filmada íntegramente en exteriores de la ciudad de Nueva York (incluyendo Harlem y Wall Street), logrando captar una visión cruda y sórdida de la urbe en esa época. La película aborda el voyeurismo, la deshumanización y la exploración del sexo y la prostitución con un enfoque maduro para la época

En busca del futuro

El primer episodio de la serie documental En busca del futuro (2022), dirigido por David A. Weiner, sumerge al espectador en el inicio de la era dorada del cine de ciencia ficción de los años 80. A través de nostálgicas entrevistas, revisita películas emblemáticas como El Imperio Contraataca, Superman II, Flash Gordon o Heavy Metal, analizando el impacto cultural y técnico de estas producciones.

La historia de la ciencia ficción viene de muy atrás evolucionando desde la fantasía pionera hasta la alta tecnología y la distopía sociopolítica. . Lo cierto es que la ciencia ficción siempre ha estado presente en el cine. Desde El viaje a la luna de Méliès (1902), pasando por Metrópolis de Lang (1927) o la rusa Aelita (1936), el Flash Gordon de 1940, Llegaron desde el más allá (1951), la 2001, una odisea del espacio (1968), Stars Wars de 1977, dando de inmediato el conjunto de películas de ciencia ficción que triunfaron en los 80 y que han sido una fuente de atracción para ese cine que hablaba de la humanidad y su futuro en la Tierra u otros espacios o momentos. 

Pero la auténtica eclosión de este género se dio con el cine de ciencia ficción en los años 80 con películas como Saturno 3(1980) de Stanley Donen con Farrath Faccet Majors, Kirk Douglas y Harvey Keitel. La película fue un fracaso absoluto.

Stars Wars (1977) de George Lucas y , especialmente su primera secuela, El Imperio Contraataca (1980) de Irving Keshner marcará un antes y después en el género que culminaría con la tercera de la trilogía, El retorno del Jedi (1983)

Galaxina (1980) con Dorothy Statten que murió asesinada- Lo cierto es que Dorothy Stratten, fue uno de los casos más escabrosos relacionados con Playboy. Había sido nombrada "Playmate" del año 1980 y su marido en un ataque de celos y ante lo que parecía un abandono por el director Peter Bogdanovich, la asesinó con una escopeta y luego se suicidó. En esta película, que es una parodia de Star Trek y de Star Wars sobre todo de la cantina, se muestra como un resumen del universo y de seres que existen en la Galaxia. Por otro lado, es la primera historia de androides que empiezan a tener estimulación o estímulos sexuales. Galaxina es una rareza espacial de serie Z con robots con libido, humor tontorrón y estética de videoclub ochentero. Entre parodia y delirio, tiene momentos simpáticos, pero también mucho cutrerío cósmico, pero entrañable.

El final de la Cuenta atrás (1980) es película bélica de ciencia ficción con Kirk Douglas de protagonista. 

También de enorme interés es Flash Gordon (1980) de Mike Hodges financiado por los y con una estética irrepetible.

Los niños de la Guerra Fría van a ver reflejados sus mundos en distintas películas y sagas como la The Terminator, The Atomic Café (1982) , los Aliens , pero también a dos películas británicas sobre la devastación: Threads (1984) y El día después (1983) son un largo recorrido hasta llegar a The Matrix (1999). En 1981 se estrena La increible mujer menguante y ese mismo año se estrena Outland o Atmósfera Cera con Sean Connery. También se extendió Superman 2. Inolvidable fue igualmente en ese año, 1997, Escape from New York con Kurt Russell de John Carpenter. Dentro de la animación, la película fue Heavy Metal. 

Algunos de los entrevistados como Dennis Muren , director creativo, habla de los visionarios que fueron creando objetos, las naves espaciales, las criaturas...Todos son opciones. Sydney Mead, Ron Cobb, Ralph McQuarrie. son los visionarios de la ciencia ficción, ya han soñado muchas cosas icónicas. Los efectos especiales que no dejan de ser cosas que no existen en la vida real como dice Mark Mangini. 

Detalles destacados del Episodio I (1980-1981):  El episodio se centra en los primeros años de la década (1980-1981), marcados por la consolidación del género tras el éxito de finales de los 70. 

Este documental cuenta con la participación de actores, directores y expertos que vivieron la época, analizando cómo estas historias moldearon la tecnología y la cultura pop actual. Contexto: Se presenta como una crónica detallada y apasionada de la "década más gloriosa" de la ciencia ficción.

Este documental, financiado mediante crowdfunding, busca ser la crónica definitiva de la ciencia ficción de los 80. Un viaje nostálgico a través de las películas de ciencia ficción de los 80, explorando su impacto y relevancia hoy, contado por quienes las hicieron. El creador del documental es Robin Block siendo el comentarista experto Weary Pines , mientras que el director de fotografía es Oktay Ortabasi y durante el recorrido histórico intervienen actores, artistas y críticos como Bruce Boxleitner, Clancy Brown, Shane Black, John Carpenter, Adrienne Barbeau.

Ellos hablan tanto de las distintas producciones, tanto las que tuvieron éxito en las taquillas como las que pasaron más desapercibidas, pero que se han convertido, con el paso del tiempo, en verdaderos filmes de culto.

El documental consiguió financiarse mediante una campaña de crowdfunding que ha dirigido el propio David A. Weinerd, director también del documental de terror de los 80 "In Search of Darkness", un director y productor estadounidense que, desde hace más de tres décadas, se ha especializado en crear documentales sobre las producciones cinematográficas de las décadas de 1980 y 1990. El mismo declaró que “Soy un enfermo de la nostalgia”, explica a menudo este cineasta que en sus trabajos pretende que todos los fans del género fantástico y de ciencia ficción revivan aquellas películas que marcaron su vida. 

En 2019 debutó en la dirección con In Search of Darkness, un documental de cuatro horas que recorría las películas de terror de los años 80 y el impacto que causaron en la cultura popular. Un año después estrenó una segunda entrega que completaba y aumentaba lo que se contaba en la película anterior. Su siguiente proyecto, en 2022, fue En busca del futuro (In Search of Tomorrow), la serie que emiióe en octubre TCM, y que se centra fundamentalmente en las películas de ciencia ficción. 

Una obra de más de cinco horas de duración que constituye una crónica exhaustiva y definitiva de este este género, repasando año a año las películas estrenadas, con entrevistas a sus responsables y protagonistas y analizando sus principales características. Se habla, por ejemplo, de la personalidad de los protagonistas, personajes como la teniente Ripley, la heroína de la serie Alien que interpretó Sigourney Weaver, o el de Rick Deckard, al que dio vida Harrison Ford en Blade Runner.

A lo largo de los seis episodios de En busca del futuro los espectadores de TCM podrán conocer los efectos especiales que se crearon y se utilizaron para estos filmes y cómo se diseñó el vestuario, las armas y los paisajes que envuelven sus tramas. 

También se analiza el contexto sociopolítico en el que se estrenaron, la era del presidente Ronald Reagan en el final de la Guerra Fría, y acontecimientos que marcaron toda la década, como la enfermedad del SIDA. Asimismo se habla de la fusión de la ciencia ficción con el género de terror, el cine de acción, el fantástico o incluso la comedia, además de la importancia que tuvo la música y el marketing, por ejemplo, en las tres primeras entregas de La guerra de las galaxias. 

Pero En busca del futuro no es ni mucho menos una serie crítica o académica, pensada para cinéfilos sesudos. Todo lo contrario, sus destinatarios son los fans, sobre todo los que, como su creador, David A. Weiner, crecieron viendo aquellas películas, títulos como Tron o La Cosa, que disfrutaron con las aventuras de El imperio contraataca, El retorno del Jedi o Terminator, pero que también vieron títulos menos conocidos, como Starfighter: La aventura comienza, Las aventuras de Buckaroo Banzai, Exploradores, El chip prodigioso o El vuelo del navegante, películas que marcaron a toda una generación y que influyeron decisivamente en cineastas posteriores. Son seis episodios que constituyen la retrospectiva definitiva del cine de ciencia ficción de los años 80.

En su segunda entrega la serie se centra en los años 82 y 83 de la centuria pasada. Comienza la segunda entrega con imágenes del Imperio contraataca película del año 1980 puso un antes y un después en la historia del cine de ciencia ficción en muchos campos. Por ejemplo, Star Wars supone calidad narrativa y inclusión de los sentimientos en una serie de personajes inolvidables, así como el nacimiento de naves míticas como el halcón milenario ligado a alguna figura legendaria como Han Solo. 

Luego tiene lo opuesto con películas como Mad Max, cuya nave especial no deja de ser un vehículo adaptado a la circunstancia. 

En mil novecientos ochenta y tres en una película como Metalstorm: The destruction of Jared-Syn son de destacar sus armas integradas en Cyborg. Con mil novecientos setenta y siete llega una auténtica revolución en las armas tecnológicas es asombrosa como puede ser escena sable con láser o espada láser de Star Wars. Armas más integradas y espléndidas más que elegantes como pudiera ser la espada láser son las almas que incluye James Cameron en la película Aliens (1986), la modélica segunda entrega en la que las armas se ajustan a la personalidad de los protagonistas. Universo es el más limpio diáfano tal y como descubrimos en Star Trek II: The Wrath of Khan, que nos presenta en su conjunto una organización militar. Es una película que sirve de ejemplo para mostrarnos los trajes y los uniformes que aparecen ya codificados por rango. Esto ocurrirá igualmente o con matices en otras películas de ciencia ficción de la década como vestuario es un gran ingrediente de la ciencia ficción tal y como comprobamos en películas como Ghostbusters II (1989), Heartbeeps (1981), la Dune de Lynch (1983) o Mi novia es una extraterrestre (1988). 

La creatividad del diseñadores en esta década es  absoluta como se aprecia en Blade runner (1982), Galaxy of Terror (1981), Superman II (1981) o The Running Man (1982) con Arnold o Stark Trek II: The Search for Spock (1984). Todos van un paso más allá de lo que hizo el Spielberg en encuentros en la tercera fase (1977). 

1982 está considerado por muchos críticos y fanáticos como el mejor año en la historia del cine de ciencia ficción, marcado por una "revolución" que trajo obras maestras inigualables en un corto período; en unas ocho semanas se estrenaron películas que marcarán un antes y un después en la historia de la ciencia ficción. 

En novecientos ochenta y dos las grandes películas son El guerrero de la carretera o The Road Warrior, aquí Mad Mad (1982) , que impactó al propio director de clásicos de los 80,  Joe Dante. Revisión fría y cruda de la realidad un western llevado a Australia. En ese año se lanza Mad Max 2: El guerrero de la carretera (George Miller) y aunque se estrenó a finales de 1981 en Australia, tuvo su impacto mundial en 1982, consolidando el subgénero postapocalíptico. Junto a esta aparecen otras joas del cine de ciencia ficción. 

Entre otrtas que destacan contamos con el Blade Runner (Ridley Scott): Una obra cumbre del cyberpunk y la distopía que explora qué significa ser humano a través de los replicantes. 

También descata ET, el extraterrestre (Steven Spielberg): La película más taquillera de 1982 y un fenómeno cultural de amistad interestelar que redefinió el cine familiar. 

La cosa / El enigma de otro mundo (John Carpenter): Un clásico del terror y la ciencia ficción de culto, conocido por sus innovadores efectos especiales y atmósfera de paranoia. 

Star Trek II: La ira de Khan (Nicholas Meyer): Considerada una de las mejores películas de la saga, rescató la franquicia con un enfoque más narrativo y dramático. 

Tron (Steven Lisberger): Vanguardista por su uso temprano de efectos generados por ordenador (CGI) para sumergirse a la audiencia en un mundo digital. 

Poltergeist (Tobe Hooper / Prod. Spielberg): Aunque cruza con el terror, su mezcla de suburbios con fenómenos paranormales y tecnología la sitúa entre las más influyentes del género ese año. 

Conan el Bárbaro (John Milius): Representante de la fantasía heroica que fue clave en el verano de 1982. 

1983 fue un año clave para la ciencia ficción, marcado por el cierre de la trilogía original de Star Wars y el auge de los thrillers tecnológicos y el terror corporal. 

De entre las películas más representativas  cabe destacar Star Wars: Episodio VI - El retorno del Jedi: Fue el estreno más importante del año y el éxito de taquilla más grande de 1983. Cerró la historia original con batallas épicas y la redención de Darth Vader.  Con ella concluyó la trilogía original.

Juegos de guerra (WarGames): Un hito del cine de intriga tecnológica que popularizó conceptos como el hacking y la ciberseguridad, con la amenaza de una guerra nuclear iniciada por una IA. Es un clásico que popularizó la temática de hackers y la inteligencia artificial, donde un joven casi provoca la Tercera Guerra Mundial al entrar en el sistema de defensa de EE. UU. 

Videodrome: Dirigida por David Cronenberg, es una obra de culto de "terror corporal" y ciencia ficción que explora la dominación mediática y las alucinaciones grotescas. Videodrome es una perturbadora película de David Cronenberg que explora el horror corporal y la tecnología, donde un ejecutivo de televisión descubre una señal que provoca alucinaciones y alteraciones físicas. 

Proyecto Brainstorm (Brainstorm): Centrada en la invención de un dispositivo para grabar y experimentar sensaciones y recuerdos directos del cerebro, marcados por la última actuación de Natalie Wood. En Proyecto Brainstorm (Brainstorm) es la tecnología de grabación de experiencias sensoriales. Dirigida por Douglas Trumbull y protagonizada por Christopher Walken. La trama se centra en el desarrollo de un casco que permite grabar y experimentar los pensamientos y sensaciones físicas de otras personas.  

Elegidos para la gloria (The Right Stuff): Aunque rosa el drama histórico, narra la ciencia ficción de la carrera espacial estadounidense y los primeros pasos del ser humano en el espacio. 

Krull: Una mezcla notable de ciencia ficción y fantasía (fantasía espacial) sobre un príncipe que busca rescatar a su novia de invasores alienígenas. De entre las películas destaca Krull, una mezcla de fantasía y ciencia ficción de culto sobre un príncipe que debe rescatar a su prometida de una fortaleza invasora alienígena.

El testamento final (Testamento): Un drama post-apocalíptico más realista y sombrío sobre las secuelas de una guerra nuclear en una pequeña comunidad. 

La zona muerta (The Dead Zone): Basada en la novela de Stephen King, mezcla ciencia ficción con elementos psíquicos y suspense político. La zona muerta (The Dead Zone): Aunque a menudo clasificada como thriller sobrenatural, esta película basada en la novela de Stephen King entra en el ámbito de la ciencia ficción especulativa sobre facultades mentales. 

Además, destacó la miniserie Invasión Extraterrestre (V), que marcó la cultura pop de la época  conocida como Strange Invaders (Homenaje a las invasiones alienígenas de los 50). No habrá guerra de Troya (The Day After) (Telefilme de gran impacto sobre el holocausto nuclear).

Otro título notable de ese año fue el filme de antología En los límites de la realidad (Twilight Zone: The Movie). En los límites de la realidad: Película de antología basada en la clásica serie de televisión. 

Spacehunter: Adventures in the Forbidden Zone es una aventura espacial de bajo presupuesto que intentó aprovechar el auge del género en la época, es una aventura post-apocalíptica . 

El último guerrero (Warrior of the Lost World): Una película postapocalíptica de acción, influenciada por el éxito de Mad Max pero de bajo presupuesto. 

Aunque 1982 fue más prolífico en clásicos, 1983 estuvo marcado por la consolidación de la saga galáctica de George Lucas y la influencia de la televisión en el cine de género 

En los límites de la realidad (Twilight Zone: The Movie): Una película antológica basada en la famosa serie de televisión, dirigida por varios directores de renombre. 

Estas películas reflejaban la paranoia de la Guerra Fría y el rápido avance de la tecnología en aquella época. 

En el capítulo tercero de esta serie comienza hablando de una película del año 1983, la de Extraños invasores (1983) con Nancy Allen y con Bill Condón y Michael Laughlin en el guion de la historia. Un homenaje a la película de los años 50 y eso dueña estaban en el guion. Una película de un misteriosa misma. Una película casi sin presupuesto. 

En cuanto a los efectos especiales a principios 80 años de ficción tuvo fue realmente imaginativa. Lo que hizo Star Wars en el aspecto narrativo fue lo que abrió la puerta a las películas de género y fue lo que la gente no sabía atrevido a hacer hasta que apareció de Star Wars. Algo también parecido ocurre en Ikea es ver resort de efectos especiales debería aportar algo a la película si resulta que el director ni siquiera sabe qué hacer es siempre empieza con la idea del plano terminado y motiva ese plano termina. Stark Trek II: The Wrath of Khan (1982) tiene unos efectos especiales por la mítica ILM. Star Wars uno de los efectos se llama Go motion y aparece ya en el retorno del Jedi. Planta tecnología también se ve en el secreto de la pirámide o The Young Sherlock Holmes (1985) o The Abyss (1989) de James Cameron, o The Last Starfighter (1984) de Nick Castle, que fue la primera película usar los efectos especiales durante todo el metraje o invisible en Tron (1982). 

1984 es el año del estreno de Star Trek III: The Search for Spock, Star Trek III: The Search for Spock (Star Trek III: En busca de Spock) siendo la tercera entrega de la saga cinematográfica de Star Trek, que continuó la popularidad de la franquicia, pero también de los Terminator por su impacto en el futuro del cine de acción, The Last Starfighter por sus pioneros efectos CGI, y la adaptación de 1984 de George Orwell. 

Otras producciones clave de ese año incluyen Starman - Starman: El hombre de las estrellas- dirigida por John Carpenter, esta cinta de ciencia ficción y romance fue aclamada por la crítica y obtuvo una nominación al Oscar para Jeff Bridges., Dune y la aventura familiar Gremlins. La adaptación épica de David Lynch de la novela de Frank Herbert, que, a pesar de las críticas mixtas, se convirtió en una película de culto visualmente ambiciosa.  

También The Ghostbusters (1984) como señala Iván Reitman , que aunque mezcla comedia y terror, su temática de parapsicología y tecnología avanzada la sitúa como una de las principales películas de género fantástico/ciencia ficción de ese año, siendo un gran éxito de taquilla, o The last Starfighter (1984) con su uso temprano de efectos especiales generados por computadora (CGI) o El último guerrero estelar, una película pionera en el uso de gráficos por ordenador (CGI) para naves y efectos espaciales.  . 

También es importante en mil novecientos ochenta y cuatro lámparas de las aventuras Buckaroo Banzai Across The 8th Dimensión (1984) con Peter Weller de protagonista. El mismo dice que es una película que había de él no puede explicar de qué va. El director es W. D. Ritter. Una mezcla excéntrica de ciencia ficción, comedia y aventura, considerada una obra de culto indispensable de 1984. 

También deseando es The Terminator dirigida por James Cameron, estableció un hito en el género cibernético con Arnold Schwarzenegger. Dirigida por James Cameron y protagonizada por Arnold Schwarzenegger, esta película de acción y ciencia ficción se convirtió en un clásico instantáneo, marcando el inicio de una exitosa franquicia.. 

Runaway (1984)Repo Man, Dreamscape, y Electric Dreams se estrenaron también ese año .Night of the Comet (La noche del cometa): Una mezcla de ciencia ficción y terror de bajo presupuesto que se convirtió en una favorita de culto

1984: Adaptación directa de la novela distópica de George Orwell, estrenada en el año homónimo.1984: La adaptación cinematográfica de la novela homónima de George Orwell, dirigida por Michael Radford y protagonizada por John Hurt, estrenada, coincidentemente, en el año que da título a la obra. 

Starman (El hombre de las estrellas): Un enfoque más humano y romántico de la ciencia ficción, dirigido por John Carpenter. 

Dune: La ambiciosa adaptación de David Lynch de la famosa novela de Frank Herbert. 

2010: The Year We Make Contact (2010: Odisea dos): Secuela directa del clásico 2001: A Space Odyssey. La secuela de 2001: A Space Odyssey de Stanley Kubrick,2010: The Year We Make Contact (2010: Odisea dos) dirigida por Peter Hyams, fue una destacada superproducción espacial de ese año.

En el episodio cuatro se empieza hablando de las criaturas realizadas mediante efectos especiales. Will Wheaton y Ian Nathan de ejemplos que aparecen en películas como ET (1982), Aliens (1986), con su precedente,Alien (1979), Enemy Mine (1985) El pato Howard (1986), La cosa (1982), La mosca(1983), El retorno del Jedi (1983), Gremlins(1985), Critters (1986), la pequeña tienda de los horrores (1986), The Ghostbusters (1984)... Cuando se presentaba de manera adecuada ignoraban la tecnología y te iba directamente a centrarte en la criatura. Personajes como R2D2 o como yoga llevaban a un hombre dentro y a veces se usaban igualmente como marioneta. En ocasiones hubo auténticos artistas como Rob Bottin, responsable de parte de la animación de la cosa o Stan Winston responsable entre otros de Depredator o Alien.

En cuanto a las películas del año 1985 destacan las siguientes: regreso al futuro, como uno de los mejores guiones de Hollywood, con una actuación en estelares de Michael J. Fox, aunque en principio iba a ser Eric Scholz, y Christopher Lloyd. Regreso al futuro (Back to the Future): Dirigida por Robert Zemeckis, no solo fue la película de ciencia ficción más importante del año, sino la más taquillera de todo 1985 a nivel mundial. Se convirtió en un clásico instantáneo que mezcla comedia, aventuras y viajes en el tiempo.

Otra película de ese año es Cocoon de Ron Howard frente a historia de juventud que se publicaron en los 80 es una historia de personas mayores qué quieren y retomar su juventud. Dirigida por Ron Howard, esta mezcla de ciencia ficción y drama trata sobre un grupo de ancianos que experimentan un rejuvenecimiento gracias a extraterrestres. Es una película en clave de comediasenior al servicio de grandes nombres de la tercera edad de Hollywood como Don Ameche, Jessica Tandy, Hume Cronyn, Wilford Brimley o Mauren Stapleton. Aliens amables (aunque tengan el.rostro de Brian Dennehy) y sin faltar Steve Guttenberg. 

Está bien realizada, juega bien sus cartas de emoción, fantasía y comedia con algún fx resulton y un espíritu muy factoría Spielberg aunque no lo fuera. El resultado una película agradable.

La tercera es Mad Max en la cúpula del trueno, que siempre será recordada por la magnífica canción de Tina Turner. Frente a la segunda entrega que se centraba en la gasolina la tercera se centra en la producción de energía como metano. Mad Max 3: Más allá de la cúpula del trueno (Mad Max Beyond Thunderdome): Tercera entrega de la saga de acción postapocalíptica, protagonizada por Mel Gibson y Tina Turner.

Otra película es Explorers. Fue la primera película de Ethan Hawke , una película de triunfo gracias al cine doméstico. Otra película es Weird Science, una película con Kelly Lebrock , una historia adolescente.Dirigida por Joe Dante, una aventura juvenil sobre tres niños que construyen su propia nave espacial.

otras , aunque en el documental no se habla es Brazil: Una película de culto distópica dirigida por Terry Gilliam que presenta un mundo retro-futurista marcado por la burocracia y la sátira tecnocrática.

Junto a Brazil, otras películas estrenadas ese año son Enemigo mío (Enemy Mine), una historia de ciencia ficción centrada en la relación entre dos soldados enemigos, un humano y un extraterrestre, atrapados en un planeta hostil.

También D.A.R.Y.L.: Ciencia ficción familiar sobre un niño que resulta ser un robot creado militarmente con habilidades superiores. 

Referencias a Lifeforce (Fuerza vital) tenemos. Dirigida por Tobe Hooper, es una mezcla de ciencia ficción y terror donde una misión espacial descubre vampiros espaciales.

También a los logros encontrados en los efectos especiales de La cosa de John Carpenter (a veces listada en años cercanos, tuvo impacto en la época).

También hay referencia a la Weird Science (La mujer explosiva).

Cuanto al transbordador espacial - Space Shittle- Wil Wheaton comenta que el primer trabajador espacial si no son esos años y fue algo sorprendente y una forma más barata las aventuras espaciales además de aproximarse a lo que siempre había soñado en películas como Lifeforce o Star Trek. Un puente entre el mundo real y el mundo imaginario y fantástico. Pero cuando todo se prometía como algo fantástico el challenger explotó. El propio Reagan salió por televisión para hablar sobre esta historia de pioneros que acabo de mala manera. El programa espacial filoniano para el futuro. La dedicatoria de Star Trek 4 fue a la tripulación del challenger.

En novecientos ochenta y seis coincidiendo con el año de chernobyl, se estrenó la película cortocircuito - Short Circuit- de John Banham, película que habla de la amistad de aprenderlo todo y y llega un momento que es consciente de su propia mortalidad.

Cortocircuito (Short Circuit): Una comedia de ciencia ficción familiar muy popular sobre un robot (Número 5) que adquiere inteligencia.

También ese año se estrenó Aliens el regreso, una película de guerra en el espacio.Aliens: El regreso (Aliens): Dirigida por James Cameron, fue sin duda la película de ciencia ficción más influyente y exitosa del año, considerada una de las mejores secuelas de la historia.

Películas Flight of The Navigator. Es una historia sobre viajes en el tiempo con tecnología culturista al reto la de otros planetas y es el viaje de devil freeman para encontrar el camino de vuelta a casa con su verdadera familia. Cuando vuelves siguen teniendo doce años cuando sus familiares han unido ocho años. Un drama humano. El vuelo del navegante (Flight of the Navigator): Un clásico de culto de Disney sobre un niño que viaja 8 años al futuro en una nave espacial.

Ya en el episodio quinto se nos habla de Howard el pato Howard película basada en el cómic de Marvel  de Steve Gerbery que en el año 1986 realizó George Lucas con un planteamiento de comedia. Nos habla de ella Ed Gale el hombre que se introduce en su interior. Me parece una banda de chicas encabezadas por Lea Thompson. Algunos esperaban una película más ampliada pero no era para todos los públicos pues era una comedia irreverente y era solo para adultos pequeños. Era un pato descarado. Fue una película vanguardista y adulta un chiste es verdes y alejada del cine familiar. Gloria Katz no la entendió y Lucas vino a dirigirla. La tecnología no estuvo ahí para hacerla entendible y poco a poco la película se desmarró. 

Star Trek Four tuvo un enorme éxito. El guion lo tenía todo. Tercer planteó algo diferente. Tenía la comedia adecuada y el guión estuvo escrito por Leonard Nimoy y también la dirigía e intervenía como actor la película.. villano definitivo en la película era el hombre. Tengo el elemento sonoros se usó incluso la voz del director.Star Trek IV: Misión: Salvar la Tierra (Star Trek IV: The Voyage Home): Dirigida y protagonizada por Leonard Nimoy, fue un gran éxito de taquilla que introdujo un tono más ligero y ecológico a la saga.

Otras películas estrenadas ese año son La Mosca (The Fly): Dirigida por David Cronenberg, esta película de "body horror" y ciencia ficción fue aclamada por la crítica y se convirtió en un éxito comercial, con una actuación destacada de Jeff Goldblum. También lo hará Critters: Una comedia de terror y ciencia ficción que sigue a pequeños alienígenas carnívoros que aterrizan en la Tierra. Igualmente Invasores de Marte (Invaders from Mars): Un remake de Tobe Hooper de la clásica película de los años 50, con efectos especiales de Stan Winston. Otras películas relevantes de ciencia ficción o con elementos fantásticos destacadas en 1986 fueron La rebelión de las máquinas (Maximum Overdrive), From Beyond (Re-Sonator), Kin-dza-dza! (película de culto rusa), SpaceCamp y The Wraith (El aparecido).

Es una época también la que se le descubren mundos increíbles. Muy hermosa sinfonía magníficas partituras que hacen viajar y te llenan y te llevan a la acción. Un buen compositor como aparece en Explorer (1986) juega un papel importante. Realmente toda la composición musical cambia a partir de Steven Spielberg y su tiburón del año 1975 con música de John Williams. Todo el mundo siguió su ejemplo como se ve en películas ya de inicios de los 80.. esto se ve igualmente en mil novecientos setenta y siete con Star Wars también con música de Williams. O El Imperio contraataca del año 1980. 

Con The Last Starfighter (1984) también se incluye una música sinfónica buen regreso al futuro (1985) música de Alan silvestre donde se tuvo la mayor orquesta para una banda sonora. Con Robocop (1987) y con Totall Recall . Estará presente en la película Cazafantasmas. Y fue Dante declara el director de gremlins que estaban todo muy vinculado música y edición y dirección. Ejemplo más interesante de música temporal se ve la obra de Stanley kubrick 2001una Odisea en el espacio. Probó durante la película con música de Richard Strauss y entonces Oliver North le dijo esta mejor que la música que yo había compuesto. 

También hay nueva tecnología que se usan por ejemplo con el emulador y en películas como de Terminator de 1984. Generaba un sonido grande. El sonido también juega un papel importante como se puede ver en Blade runner en 1984 con música de Vangelis Papatanasios. Los diseñadores y el sonido iban a generar atmósferas emotivas que usaban sintetizadores y campanas que se introducían en la escena más estimulantes envolventes.  A veces se introduce el rock o como el caso de repo man del año 1984 o en mi Star Trek y que también introduce música rock, incluso punk. 

Muchos compositores de los años ochenta escribieron temas y melodías que podían tener hizo una de las cosas más significativas de las películas de ciencia ficción de esta décadas. 

El año 1987 fue un año destacado para el cine de ciencia ficción y acción, marcado por lanzamientos icónicos que definieron el género de la época ciberpunk y la ópera espacial paródica. 

En 1987 las películas más significativas son de predators Predator con Arnold Schwarzenegger que va en la línea de Rambo 2 o cualquier obra de Stallone. Las principales películas de ciencia ficción de 1987 incluyen:

Depredador (Predator) (John McTiernan): Película de acción y ciencia ficción protagonizada por Arnold Schwarzenegger, que se convirtió en un clásico del género. Un aspecto interesante que al pelotón a todos los integrantes de ese pelotón se le dan un protagonismo auténtico. Es una película existencial.  Uno de los mejores momentos de la testosterona. 

Otra película en la historia la loca historia de las galaxias o space balls (1987) que creó la nave espacial más grande del universo interminable. Se reían de todo y de todo de hecho hay juegos y guiños a otras muchas películas del género del que pretendían reírse, desde el planeta de los simios hasta alien el octavo pasajero. O Star Wars. Muy en la línea de Mel Brooks. Pero también se reían de Indiana Jones. . Acaba con la petición de una loca historia de las galaxias 2, que nunca se hizo. S.O.S. Hay un loco suelto en el espacio (Spaceballs) (Mel Brooks): Una famosa parodia de ópera espacial que satira principalmente a Star Wars, pero también a Star Trek y Alien. 

Innersosce (1987) de Joe Dante es otra de las películas exitosas de este año 1987. Tiene un tono de ciencia ficción pero sobre todo cómico. Cuando se hizo este viaje simplemente. El viaje alucinante es el título que se le vio en español. Viaje por el ciclo sanguíneo es una de las imágenes icónicas de esta película. El chip prodigioso (Innerspace) (Joe Dante): Comedia de ciencia ficción y aventuras que ganó popularidad en el verano de 1987. 

Ese año también se estrenó Robocop con Peter weller como actor principal. Era una bofetada a la sociedad. El rodaje es complicado y el enfrentamiento entre el director holandés y el actual principal y llevó a una atención tremenda.  RoboCop (Paul Verhoeven): Considerada una de las principales películas de ciencia ficción ciberpunk y sátira social. 

Perseguido o Tre running Man su otra de las películas representativas del año 1987. Una película en la que la tecnología a la última. Hoy estamos al nivel de esa tecnología era absolutamente vanguardista. Perseguido (The Running Man) (Paul Michael Glaser): Una distopía futurista basada libremente en la novela de Stephen King, también protagonizada por Schwarzenegger. 

Entre héroes y villanos de la ciencia ficción tremendas son visibles en películas cómo estás aliens retorno al pasado Flash Gordon o Dune. En Robocop, Runaway, Dune , Saturn 3. Eso sí todos ellos en la ciencia ficción son personajes accesibles, son necesarias. 

Películas como las chicas terrestres son fábricas, Earth Girls are easy (1988)  , número musical el director es julian temple. Cabe participa Jim Carrey, Damon  Wayans  y Jeff Goblum y como chica Geena Davis. 

Otras películas de ese año son Masters of the Universe (Gary Goddard): Película de fantasía y ciencia ficción basada en la línea de juguetes de He-Man. 

Tambien es ***batteries not included (Robots)**: Película familiar de ciencia ficción sobre pequeños robots extraterrestres. 

De ese año The Hidden (El oculto): Un thriller de ciencia ficción con elementos de acción y extraterrestres así como otras producciones notables del género lanzadas en ese año fueron Royal Space Force: The Wings of Honnêamise (anime), Superman IV: The Quest for Peace y Evil Dead II (con fuertes toques de horror/ciencia ficción).

Y el sexto y último episodio comienza con Akira una película del año 1988. Fue uno de los primeros animes japoneses que triunfó en los Estados Unidos. Murió la animación japonesa a América, antes habían llegado un buen número de series televisivas a la televisión norteamericana. El año 1988 fue destacado para la ciencia ficción, marcado tanto por clásicos de culto como por la animación japonesa de vanguardia.Akira (1988): Una obra maestra del anime y del cyberpunk dirigida por Katsuhiro Ōtomo. Ambientada en Neo-Tokyo, es considerada una de las películas más influyentes del género. 

Otra película del año 1988 es Mac and me o Mi amigo Mac. Inspirado en rojo Donald McDonald.. firmó y parecida de té verde y ya que se quedaron solo con el concepto en el típico alien de ojos grandes. Es una película para niños. Es una historia de un niño y peluda y de un muñeco extraterrestre. Fue la primera película en la que llega y aparece Jennifer Aniston. 

Alien Nation (Nación Alien) es una película de acción y ciencia ficción que narra la integración de una raza alienígena en la sociedad de Los Ángeles, mezclando el género buddy cop. Alien nation, otra de las grandes películas de el año 1988. Es una película de ciencia ficción con dos policías amigos uno de ellos extraterrestre. Aparece James Caan y Terence Stamp. 

Otra película es Cherry 2000. Rodaron en el interior de la presa Hoover. Ya vemos a las Vegas sepultadas por dunas inmensas. 

Junto a ella está la magnífica película Están vivos (They Live) de John Carpenter, una película de acción y ciencia ficción satírica que se convirtió en un clásico de culto, famosa por su crítica al consumismo y sus escenas de acción. 

El Blob (The Blob), conocida en España como El terror no tiene forma de Chuck Russell, un remake de terror y ciencia ficción que superó al original, mostrando a un organismo amorfo devorando un pueblo. 

Hubo también una segunda entrega de Cortocircuito 2 (Short Circuit 2), secuela que continúa las aventuras del robot Johnny 5 en un tono más de comedia familiar y acción. Más influyente fue Mi amigo Mac, una película dirigida por Stewart Raffill con Christine Ebersole, Jonathan Ward, Tina Caspary.  

A destacar igualmente Killer Klowns from Outer Space (Payasos asesinos), una mezcla de terror, ciencia ficción y comedia que ha ganado un gran seguimiento de culto a lo largo de los años. 

Mi novia es una extraterrestre (My Stepmother Is an Alien): Una comedia de ciencia ficción protagonizada por Kim Basinger y Dan Aykroyd. 

Otras menciones notables de ese año incluyen Miracle Mile (una distopía de tensión nuclear) y la segunda entrega de Critters, la 2. También una segunda parte de una película que había impactado en su primera entrega, Cocoon que aquí tendrá como subtítulo El retorno, una película dirigida por Daniel Petrie con parte del grupo de actores originales como Jessica Tandy, Don Ameche junto a Steve Guttenberg. Y un éxito que aquí no impactó tanto como Las chicas de la tierra son fáciles de Julien Temple con , entre otros, Geena Davis, Jeff Goldblum, Jim Carrey ...

Mientras tanto hay una visión futurista del futuro y de la ciencia que a lo largo de la década preveía lo que iba a ser nuestro futuro como hemos señalado en casi todas las películas cine hemos hecho referencia aquí. Desde total hasta aliens pasado por retorno al futuro. Por ejemplo casi está Internet.. parecen ya la tecnología de drones. Gran parte de local en estas películas de ciencia ficción al final se concretaron la realidad como la Deep Fakes o Skanet de Terminator.

Las principales películas de ciencia ficción de 1989 incluyen éxitos taquilleros y clásicos de culto que definieron la época. Destacan la segunda pieza de Retorno al Futuro Parte II, The Abyss (Abyss) y Los Cazafantasmas II, junto con otras notables como Cyborg y Las alucinantes aventuras de Bill y Ted. 

Como película del año 1989 la primera que destaca es Bill & Ted's Excellent Adventure haz una película para adolescentes que viajó en el tiempo en el que sale aquí no Ribes y el chico que habla en el documental. Tu madre de transporte es una cabina telefónica sirve para dejar en el tiempo. Reconocen que la película era algo extraña. 

Con Regreso al Futuro Parte II (Robert Zemeckis) retornó una de las secuelas más esperadas y taquilleras, que explora viajes en el tiempo. 

Cariño he encogido a los niños es otra de las películas que se estrenan ese año. Es una versión del increíble hombre menguante de Matheson. Hay carreteras en stop motion. 

The Abyss (James Cameron): Conocida por sus impresionantes efectos especiales bajo el agua y trama de contacto alienígena. En éxito también será Los Cazafantasmas II (Ivan Reitman): Secuela que combina comedia con elementos fantásticos y de ciencia ficción. Las alucinantes aventuras de Bill y Ted (Stephen Herek): Comedia de viajes en el tiempo de culto. 

Cyborg (Albert Pyun): Película de acción post-apocalíptica protagonizada por Jean-Claude Van Damme. Comunión (Philippe Mora): Basada en las supuestas experiencias de abducción de Whitley Strieber. Estas producciones marcaron un año de transición hacia la ciencia ficción de los años 90. 

Otra película fue setenta minutos para vivir o Miracle Mile. Es la guerra nuclear. La película costó 3 millones de dólares, y en español se llamó 70 minutos para huir, una película de suspense apocalíptico estadounidense de 1988 escrita y dirigida por Steve De Jarnatt y protagonizada por Anthony Edwards y Mare Winningham.[1] La película se desarrolla principalmente en tiempo real. Lleva el título del barrio Miracle Mile de Los Ángeles, donde tiene lugar la mayor parte de la acción. Roger Ebert elogió la película y afirmó que tenía una «eficacia diabólica» y una sensación de «terror real».En su reseña para el Washington Post, Rita Kempley escribió: «Parece que [De Jarnatt] no está comprometido con su historia o sus personajes, sino con la idea de que está diciendo algo profundo, lo cual no es así.»[9] Stephen Holden, en The New York Times, escribió: «Como Harry y Julie, el señor Edwards y la señora Winningham forman una pareja inusualmente refrescante.» En su reseña para el Boston Globe, Jay Carr la llamó: «[...] una película desordenada, pero tiene energía, urgencia, convicción y calor y no la olvidarás pronto.» El crítico de cine y televisión británico Charlie Brooker, en un artículo para el sitio web de la BAFTA escrito en septiembre de 2008, otorgó a 70 minutos para huir el honor de tener la «Mayor sacudida de tono» de cualquier película que haya visto

Mr. Burton

Richard Burton no fue simplemente un actor; fue una fuerza de la naturaleza que elevó la interpretación a la categoría de arte lírico. Con una voz que parecía resonar desde las profundidades de la tierra galesa, barítono por excelencia, poseía la rara capacidad de hacer que la prosa más simple sonara como poesía shakespeariana. 

Originario de la localidad galesa y minera de Port Talbot, Richie Jenkins se transformó en Richard Burton, un titán que dominó tanto el teatro shakesperiano como la gran pantalla de Hollywood. Su presencia era magnética, capaz de cautivar al público con un sutil movimiento de cejas o con un monólogo intenso y abrasador. Fue el actor que desafió las normas, viviendo con una intensidad volcánica tanto dentro como fuera de la pantalla, lo que añadió una capa de vulnerabilidad y autenticidad a sus personajes. 

Siete veces nominado al Oscar, Burton representa la excelencia trágica: un talento inigualable que, a pesar de las sombras de sus demonios personales, nos dejó actuaciones imperecederas en Becket, La noche de la iguana y, sobre todo, en ¿Quién teme a Virginia Woolf?, donde desnudó el alma humana con una ferocidad inigualable. Fue, sin duda, uno de los actores más formidables del siglo XX. 

Para entender la magnitud de Richard Burton, debemos valorar su capacidad vocal y algunos de sus hitos profesionales. Su voz era su instrumento vocal propio de un barítono su formación shakesperiana. Burton nació como Richard Walter Jenkins Jr. en noviembre de 1925 en una casa en Pontrhydyfen, Glamorgan, Gales. 

Fue el duodécimo de trece hijos nacidos en la familia de habla galesa de Richard Walter Jenkins Sr. y Edith Maude Jenkins. Recordaba a su madre como «una mujer muy fuerte» y «una persona muy religiosa, de cabello rubio y rostro hermoso» que falleció cuando apenas tenía dos años. Su padre , un bebedor sin límites que tras la muerte de Edith, el pequeño Jenkins pasó a la atención de la hermana mayor de Richard, Cecilia, a quien él llamaba cariñosamente "Cis", y su esposo Elfed James, también minero, lo acogieron hasta los diecisiete años. 

Richard vivió con Cis, Elfed y sus dos hijas, Marian y Rhianon, en su casa adosada de tres habitaciones en el número 73 de la calle Caradoc, en Taibach, un barrio residencial de Port Talbot, que Bragg describe como "una dura ciudad siderúrgica, de habla inglesa, llena de trabajo duro y suciedad". Richard permaneció agradecido y cariñoso con Cis durante toda su vida, y más tarde afirmó: «Cuando mi madre murió, ella, mi hermana, se convirtió en mi madre, y fue más madre para mí que cualquier madre jamás podría haber sido... Estaba inmensamente orgulloso de ella... sintió todas las tragedias excepto la suya». 

Desde los cinco hasta los ocho años, Richard fue educado en la Eastern Primary School, y asistió a la sección de niños de la misma escuela desde los ocho hasta los doce años. Realizó un examen de beca para ingresar a la Port Talbot Secondary School en marzo de 1937 y lo aprobó. 

Richard se convirtió en el primer miembro de su familia en ir a la escuela secundaria. Mostró una excelente voz para hablar y cantar desde la infancia, incluso ganando un premio eisteddfod como niño soprano. Mientras era alumno de la Port Talbot Secondary School, Richard también mostró un inmenso interés por leer poesía, así como literatura inglesa y galesa. Ganaba dinero de bolsillo llevando mensajes, transportando estiércol de caballo y repartiendo periódicos. 

En 1939, Richard inicio su relación bajo la tutela de Philip Burton. Richard hizo su primera incursión en el teatro con un papel secundario en la producción de su escuela de El carro de manzanas del dramaturgo irlandés George Bernard Shaw. 

Decidió dejar la escuela a finales de 1941 y trabajar como minero como Elfed. Sin embargo, acabó trabajando en la tienda local de la cooperativa Taibach como ayudante de mercero en la sección de ropa de caballero, un trabajo que llegó a detestar profundamente debido al racionamiento por la guerra. Al mismo tiempo, consideró otras profesiones para su futuro, como el boxeo, el ministerio religioso y el canto. Fue también durante este periodo cuando Richard empezó a fumar y a beber siendo menor de edad. 

Philip Burton le dio un papel en un documental radiofónico/adaptación de su obra para BBC Radio, Youth at the Helm (1942). 

Cuando se unió al Escuadrón 499 de Port Talbot, perteneciente a la sección del Cuerpo de Entrenamiento Aéreo de la Real Fuerza Aérea (RAF), como cadete, se reencontró con Philip, quien era el comandante del escuadrón. Al ver el talento de Richard, tanto Jones como Philip lo readmitieron en la escuela el 5 de octubre de 1942.

Philip lo instruyó intensamente en las materias escolares y también trabajó en el desarrollo de su voz para la actuación, incluyendo ejercicios vocales al aire libre que mejoraron su proyección. Richard describió la experiencia como «el período más duro y doloroso» de su vida. Philip se refería a Richard como «mi hijo en todos los sentidos. Estaba comprometido con él», mientras que Burton escribió más tarde sobre Philip: «Le debo todo» como se señala al final de la película.

Como vemos en esta película que acabo de ver - Mr Burton- aprendió a proyectar su voz desde la cima de montañas (Monte Margam) y a eliminar su acento galés para lograr un inglés estándar inconfundible. En marzo de 1943, a los 17 años, Richard abandonó la casa de su hermana debido al resentimiento de su cuñado por haber apoyado su reanudación de estudios.

Buscó la ayuda de Philip Burton, quien gestionó su traslado a la casa de la viuda Elizabeth «Ma» Smith, donde él mismo se alojó. Para el otoño de ese año, Philip planeaba adoptar a Richard, pero no pudo hacerlo porque era 20 días menor que el número de 21 años que debía tener su adoptante, requisito legal. Como resultado, con el consentimiento de su padre, Richard quedó bajo la tutela legal de Philip y, con tan solo 18 años, cambió su apellido el 26 de noviembre de 1943 a "Burton", en honor al apellido de Philip, mediante escritura pública.

También en 1943, Richard obtuvo la calificación necesaria para ingresar a la universidad tras sobresalir en el examen del Certificado Escolar. Philip solicitó que Richard estudiara en el Exeter College de Oxford, como parte de un programa de becas de seis meses ofrecido por la RAF para cadetes calificados antes de su servicio activo. 

Su pasión, el teatro. Fue aclamado como el "sucesor natural de Olivier" en los años 50 por críticos como Kenneth Tynan.  

Mientras estudiaba en el Exeter College de la Universidad de Oxford, Burton interpretó a Angelo, el puritano complejo y obsesionado con el sexo, en la producción de 1944 de la Sociedad Dramática de la Universidad de Oxford de Medida por medida de William Shakespeare. La obra fue dirigida por Nevill Coghill, profesor de literatura inglesa de Burton, y se representó en el colegio en presencia de otros actores del West End, como John Gielgud, Terence Rattigan y Binkie Beaumont. Sobre la actuación de Burton, su compañero actor y amigo Robert Hardy recordó: «Hubo momentos en que cautivó por completo al público con su quietud. Y su voz, que cantaba como un violín y con un bajo capaz de hacer temblar el suelo». Gielgud apreció la actuación de Burton y Beaumont, quien conocía el trabajo de Burton en The Druid's Rest, le sugirió que lo buscara después de completar su servicio en la RAF si aún deseaba dedicarse a la actuación profesionalmente.

Destacó en el manejo actoral de obras de Shakespeare como Hamlet (1964), ganando un Tony Award especial por su trabajo. Se mostraba inmenso capaz de hablar y transmitir vulnerabilidad y fuerza bruta aceptando, eso sí, sus "demonios", tal como el alcoholismo heredado de su padre pero también parte de la intensidad apasionada que traía a sus actuaciones.

Gran parte de estas claves la hemos visto la película británica del año 2025 que se adentra en la vida del actor galés Richard Burton y sobre todo de sus orígenes. Está dirigida por Marc Evans , escrita por Tom Bullough y Josh Hyams, y protagonizada por Harry Lawtey como Richard, junto a Toby Jones (como Philip Burton) y Lesley Manville . Se estrenó en los cines británicos el 4 de abril de 2025.  

La historia de esos años no fue así de sus inicios en el teatro son llevadas y cine por Marc Evans en una historia protagonizada por Harry Lawtey , Toby Jones y Lesley Manville. 

Toby Jones aparecen en calidad de actor y productor de esta película que viene a ser el viaje de Richard Jenkyns , más tarde, Burton, desde las minas hasta los mares más prestigiosas del mundo, un camino marcado por la pobreza como en la pérdida y la disciplina. El proyecto se anunció en febrero de 2024 con Marc Evans como director a partir de un guion escrito por Tom Bullough y Josh Hyams. Ed Talfan y Hannah Thomas son los productores de Severn Screen, con Trevor Matthews produciendo para Brookstreet Pictures y Josh Hyams para Promise Pictures. La película también cuenta con financiación de BBC Wales y Ffilm Cymru Wales , en colaboración con Creative Wales.

En mayo de 2024, Harry Lawtey fue elegido para interpretar al joven Richard Jenkins. Toby Jones fue elegido para el papel del Sr. Burton, el profesor que tuvo una profunda influencia en la vida de su alumno y se convirtió en su tutor legal, lo que provocó que Jenkins cambiara su nombre a Richard Burton . Lesley Manville fue elegida para el papel de la casera del Sr. Burton, y Aimee-Ffion Edwards y Aneurin Barnard para el de la hermana y el cuñado del joven Jenkins.

El rodaje principal comenzó en julio de 2024 para un estreno en 2025 para conmemorar el centenario del nacimiento de Richard Burton. El rodaje se completó en agosto de 2024.

El compositor John Hardy es sobrino de Robert Hardy , amigo de toda la vida de Richard Burton. La partitura fue grabada por la Orquesta Nacional de la BBC de Gales en el Wales Millennium Centre en diciembre de 2024. La película cuenta con la fantástica fotografía de Stuart Biddlecombe y el montaje de Tim Hodges. 

Se convirtió en uno de los actores mejor pagados del mundo a finales de los 60, ganando más de 1 millón de dólares por película como protagonista desde su debut en My Cousin Rachel (1952) , pasando por The Robe (1953) , Becket (1964), The Spy Who Came in from the Cold (1965), la tremenda ¿Quién teme a Virginia Woolf? (1966), Anne of the Thousand Days (1969) o Equus (1977) que le permitió ser un ganador del Golden Globe.

En cuanto a la película señalar que la crítica en general ha sido amable con este biopic. Desde las páginas del británico Screendail, Nikki Baughan dejó escrito que  "Tiene un par de ases en la forma del siempre fiable Toby Jones y, en particular, Harry Lawtey, que hace una interpretación camaleónica como el humilde chico del valle que ha hecho el bien." 

Para  Jonathan Romney del Financial Times se trata de "Una película mayormente insípida (...)"  Po su parte, Tim Robey del  Telegraph afirma que "Toby Jones conmovedor como el hombre que cambió la vida de Richard Burton (...)

Peter Bradshaw del The Guardian se trata de  "Una película sincera, bien interpretada y agradable, aunque un poco ingenua (...)

Según Terry Staunton de Radio Times "Lawtey es la verdadera estrella de la obra, una presencia hipnótica tanto en las primeras escenas como el alumno tosco y desgarbado, como en las etapas finales de la narrativa (...)" 

Por último , entre los británicos,  Kevin Maher deesde el The Times estamos ante "Una película audaz que logra encontrar un drama reconfortante en la vida de Richard Burton, con el tono tierno que caracteriza a este delicado biopic (...) 

En los Estados Unidos , Guy Lodge de Variety sostiene que "Años antes de convertirse en un icono de Hollywood, Richard Burton era el hijo del minero Richie Jenkins. El sentimental pero agradable biopic de Marc Evans muestra lo que hay detrás de un cambio de nombre." 

Para  Wendy Ide del The New York Observer "Es una lástima que esta película de ritmo lento, que se apoya mucho en una partitura de piano recargada y chispeante, sea tan errática y apática (...)"

Ya en España    Elsa Fernández-Santos en El País comenta que "Un magnífico Toby Jones y el joven Harry Lawtey elevan un ‘biopic’ convencional sobre la educación shakespeariana de Richard Burton (...) El principal atractivo de esta película británica está en su argumento y en sus intérpretes"   

La película recibió cuatro nominaciones en los premios BAFTA Cymru de 2025 , incluyendo nominaciones en la categoría de Mejor Actor para Lawtey, y en las categorías de Sonido, Edición y Fotografía. Posteriormente, Stuart Biddlecombe ganó el premio a la Mejor Fotografía e Iluminación - ficción por la película. Fue nominada a Mejor Película Británica en la 79.ª edición de los Premios BAFTA.

Poco más que decir de esta película que se centra en la relación maestro-alumno entre Philip Burton y Richard Jenkins (antes de cambiar su apellido), marcada por la disciplina, la ternura y la literatura de Shakespeare en un ambiente casi hostil, en ese pueblo minero del Gales en 1942, que nos presenta las cosas como eran: pobreza, superación, clase social y el impacto de un guía apasionado.Más que un biopic tradicional de toda su vida, "Mr. Burton" es una historia de orígenes, enfocada en la forja de la identidad del actor y su inmersión en el teatro con un Toby Jones, quien ha recibido elogios por su magistral y conmovedora interpretación del profesor capaz de dotar de un nombre y un verbo a un coloso inmortal de la actuación.

La acompañante

Yo creo que todos recordamos la que posiblemente fue nuestra primera gran clase de Historia de la Filosofía, vinculada a Platón y al mito de la caverna. Platón nos invitó a imaginar prisioneros encadenados en una cueva, viendo sombras proyectadas en una pared. Para ellos, esas sombras son la realidad. No conocen otra cosa. La pura apariencia es esa sombra: la forma deformada, bidimensional y sin esencia de un objeto real que pasa tras ellos. Vivimos en nuestra propia caverna. 

Hoy tno vivimos aislados unos de los otros. Nuestras redes sociales, nuestras opiniones apresuradas y nuestros muchos prejuicios son sombras. Creemos entender la vida de alguien por una foto, el amor en el cine por una escena que puede ser atractiva y afectiva o la política por un titular, pero estamos viendo solo la proyección, no la esencia. La apariencia es cómo las cosas parecen ser, y depende totalmente de quién las mira (subjetiva). La realidad es cómo las cosas son realmente, independientemente de nuestros sentidos o creencias. La apariencia es una "copia imperfecta" de la realidad, decía Platón. 

La verdadera realidad a menudo requiere razón, análisis y, a veces, ignorar lo que ven nuestros ojos. Cuando basamos nuestra existencia en la "pura apariencia". Quien vive para aparentar, como decía Sócrates, termina siendo un engaño. La realidad de esa persona se desvanece en su propia actuación. La autenticidad —la paz interior— reside en la concordancia entre lo que somos por dentro y lo que demostramos por fuera. A veces, la apariencia no es lo contrario a la realidad, sino un "momento". 

Hoy, la tecnología ha hecho más difícil distinguir la apariencia de la realidad. La inteligencia artificial puede crear apariencias tan perfectas que reemplazan a la realidad en la mente colectiva. La apariencia es ruidosa y temporal; la realidad es silenciosa y persistente. Como escribió Molière, "las apariencias engañan la mayoría de las veces". Por tanto, la sabiduría no es simplemente percibir, sino cuestionar la superficie para encontrar la estructura de la verdad. 

Pues bien, la película de 2025 Companion  aquí conocida  como La acompañante  dirigida por Drew Hancock, es un thriller de ciencia ficción que utiliza la premisa de la Inteligencia Artificial (IA) para realizar una reflexión profunda sobre la naturaleza de la toxicidad en las relaciones humanas y la obsesión por el control.

Companion  fue definida por el sabio del cine español, Fausto Fernández en la revista Fotogramas como "Comedia negra sobre la estupidez masculina que mezcla 'Thelma y Louise' y 'Barbie' con los ovarios de Terminator". 

Así define la crítica a la original ópera prima de este director o directora que no deja de ser una cinta de ciencia ficción protagonizada por Sophie Thacher y Jack Quaid. 

Producida por Zach Cregger, Raphael Margules y J. D. Lifshitz, para las productoras New Line Cinema, BoulderLight Pictures, Vertigo Entertainment y distribuida por Warner Bros. Pictures tuvo un presupuesto de $10 000 000 que sí recuperó en salas al triplicar los ingresos. 

Partiendo de un guion escrito por Drew Hancock, la película presenta la música de Hrishikesh Hirway y el montaje de Brett W. Bachman y Josh Ethier. 

Con un inicio espectacular y romántico en el que la protagonista, Iris, conoce en un supermercado a su patoso novio , Josh, parece una historia de amor con exceso de glucosa, pero poco después descubrimos que nada de esa apariencia será realidad. 

Al poco vemos poco después a Iris (Sophie Thatcher) y Josh (Jack Quaid), una joven pareja, que viajan a una casa aislada en el lago para encontrarse con sus amigos: Kat (Megan Suri), Eli (Harvey Guillén) y Patrick (Lukas Gage), así como con Serguéi (Rupert Friend), el novio de Kat y dueño de la casa del lago. 

Al día siguiente, Serguéi intenta violar a Iris en el lago, pero ella lo mata apuñalándolo en el cuello. Empapada en sangre, regresa a la casa e intenta explicarse antes de que Josh le diga: «Iris, ve a dormir». En ese momento quedamos patidifusos.

Iris recupera la conciencia y se encuentra atada a una silla. Josh confiesa la verdad: ella es un robot acompañante avanzado que puede ser controlado por su teléfono inteligente. 

Iris se libera, roba el teléfono y escapa al bosque. Experimenta con su configuración en el teléfono, aumentando su inteligencia del 40 % al 100 %. 

Se revela que Josh liberó la configuración de Iris, desactivando su incapacidad de hacer daño. Él y Kat habían planeado que Iris matara a Serguéi para robarle su fortuna de doce millones de dólares, e invitaron a Eli y Patrick para corroborar su historia contra ella. 

Josh y Kat le insisten a Eli que Patrick no tiene derecho a una parte del dinero porque «no cuenta», tras lo cual se revela que Patrick también es un robot acompañante. Eli toma un arma de la caja fuerte de Serguéi y los cuatro se dividen en el bosque para encontrar a Iris. Patrick le dice a Eli que ha deducido que es un robot acompañante, pero que está genuinamente enamorado de Eli, a lo que Eli le responde. 

En el bosque localizan a Iris y, tras una pelea, Eli recibe un disparo mortal con el arma de Serguéi. Iris escapa en el automóvil autónomo de Josh. Sin embargo, Josh logra detener el coche reportándolo como robado con el teléfono de Serguéi. Reestablece a Patrick para que sea su robot acompañante, desactiva su incapacidad para dañar y establece el nivel de agresión de Patrick al 100 %. 

Cuando Iris huye se encuentra con Hendrix (Marc Menchaca), un agente de policía y cambia su configuración de idioma a alemán para confundirlo, ya que los robots acompañantes no pueden mentir. 

Patrick golpea a Hendrix hasta la muerte antes de apagar a Iris. Kat, disgustada por las acciones de Josh, intenta irse con su mitad del dinero. Josh le ordena a Patrick que la detenga, pero la mayor agresividad de Patrick hace que la apuñale hasta matarla. 

Esa noche, Josh hace que Patrick prepare la cena para él y para Iris, y despotrica sobre lo poco que tiene en la vida a pesar de su arduo trabajo. Pone la inteligencia de Iris al 0 %, convirtiéndola en una autómata y le ordena que se pegue un tiro en la cabeza. 

Dos trabajadores de la compañía de robots acompañantes, Sid (Matt McCarthy) y Teddy (Jaboukie Young-White), llegan para llevarse a Iris, informando a Josh que han sido enviados para reiniciar a Iris. 

Desesperado por ocultar sus crímenes, Josh le ordena a Patrick que mate a los trabajadores y recupere a Iris. Patrick mata a uno, pero antes de que pueda matar al otro, Iris se reinicia por completo. Sin embargo, Iris no puede dañar a Patrick como resultado de su reinicio, por lo que apela a la humanidad de Patrick usando su amor por Eli. Abrumado por la culpa, Patrick se suicida. 

El trabajador superviviente, Teddy, le otorga a Iris la capacidad de controlarse por completo. Iris mata a Josh apuñalándole en la sien con un sacacorchos eléctrico. 

A la mañana siguiente, se quita la «piel» quemada de la mano, dejando al descubierto el mecanismo interno del robot, y sale de la casa con el dinero de Serguéi Mientras se aleja en el coche, ve a un hombre conduciendo con un robot similar a ella. Iris sonríe y saluda juguetonamente al robot similar con su mano visiblemente robótica, para confusión de este último. 

Ls hidtoria de esta película se remonta a febrero de 2023, cuando se informó que New Line Cinema estaba trabajando en Companion, con un guion de Drew Hancock, quien también dirigiría y Zach Cregger, Raphael Margules, JD Lifshitz y Roy Lee producirían. 

En mayo de 2023, se anunció que Jack Quaid se había unido al elenco de Companion. En junio de 2023, se anunció que Harvey Guillén, Lukas Gage, Megan Suri, Sophie Thatcher y Rupert Friend se habían agregado al elenco de la película. El rodaje finalizó en diciembre de 2023. 

La película que fue bien en taquilla, también lo fue en la cróitica estadounidense.  Christian Zilko de IndieWire escribirá sobre ella que "Hay mucho que disfrutar en 'Companion', desde los elegantes efectos visuales de Hancock, su ritmo fluido y su retorcido guion, hasta la asombrosa interpretación de Thatcher como un androide que roza la humanidad" 

Frank Scheck de The Hollywood Reporter la describe como "Un ingenioso y trepidante thriller de terror que mantiene al espectador en vilo y que contiene generosas dosis de humor mordaz." 

Peter Debruge de Variety sostiene que  "El director debutante Drew Hancock manipula las ansiedades sobre el auge de las máquinas con un thriller inteligente y oscuramente satírico que coprotagoniza Jack Quaid".

William Bibbiani de The Wrap dice de ella que "Es uno de los mejores guiones de su género en años, estableciendo ideas y reglas y jugando con ellas de todas las formas imaginables, y sorprendiendo una y otra vez al público sin dejar de jugar limpio" 

Chris Evangelista de SlashFilm lo que valora es que "Esta sorprendente película de terror es la primera gran película de 2025 (...) un thriller divertido, trepidante y meticulosamente elaborado, con una interpretación tremenda de la protagonista, Sophie Thatcher. (...) " 

En Collider Emma Kiely escribe que "En su conjunto es algo totalmente único de contemplar (...) Es una comedia genuinamente divertida, un thriller lleno de suspense y, además, tiene algunas escenas de lo más espeluznantes. (...) " E

Para Meagan Navarro de Bloody Disgusting "No es un intento de reinvención del género, sino más bien un inteligente escaparate de un talento emergente del cine de género, y resulta ser una maravilla. (...) " 

Jarrod Jones de Paste Magazine escribe que es "Un divertimento tecnológico alegremente absurdo, un test de Turing para aquellos que aún están aprendiendo a quererse mejor a sí mismos". 

Desde Illinois  Richard Roeper crítico del Chicago Sun-Times la describe como una película "(...) muy divertida y tiene algunos sustos, pero también es una meditación sobre cómo algunos hombres tienen un interruptor por defecto que les hace demasiado fácil ser manipuladores y abusivos (...) 

En Gran Bretaña Laura Venning de Empire destaca lo que tiene de "Entretenida aunque intrascendente, está apoyada en sólidas interpretaciones centrales de actores que parecen muy conscientes de que todo es simplemente un poco de diversión sangrienta (...) 

Georgia Evans columnista de Time Out sostiene que "La película se inclina con éxito hacia el absurdo, ofreciendo una exploración catártica y oscuramente divertida de la dinámica y el control de género (...) 

Ya en España Philipp Engel en La Vanguardia comenta que "Sin pretender ser 'Ex Machina' o 'Her', Drew Hancock se las ha apañado para actualizar el subgénero con gags graciosísimos y una violencia festiva. (...) " 

En Cinemanía Enid Román Almansa valora el papel de la protagonista , una "Maravillosa Sophie Thatcher en este juego de equilibrio entre romance y terror. Intensa, retorcida, sangrienta y extrañamente divertida (...) " 

El ya citado Fausto Fernández en Fotogramas su consabido "Comedia negra sobre la estupidez masculina que mezcla 'Thelma y Louise' y 'Barbie' con los ovarios de 'Terminator' (...)" pero añade que " No deja títere (represor, con gónadas o no) con cabeza en su carrera de fondo salvaje (...) " Y concluye diciendo que es una comedia negra sobre la estupidez masculina. 

Raquel Hernández Luján de Hobby Consolas comenta que "No hay detalle superfluo en una película que no deja de sorprender a cada nueva revelación. Sophie Thatcher y Jack Quaid forman un tándem magnífico en una historia repleta de lecturas." 

Jesús Usero de AccionCine dice de ella que es "Sorprendente y adictiva (...) Una propuesta original y diferente (...) que se disfruta de inicio a fin (...) 

Lo cierto es que Companion no es solo una película sobre robots, es una crítica mordaz a cómo los seres humanos (especialmente hombres inseguros) instrumentalizan a otros para evitar la responsabilidad emocional, usando la tecnología para perpetuar dinámicas tóxicas de abuso y control.

La protagonista de la película se llama iris y parece estar hecha a la medida de ellos porque es ingenua, atractiva y complaciente pero durante un viaje de fin de semana con los amigos de George la circunstancia harán que iris descubra quién es y se revele contra ello. 

El machismo, el dominio a través de la tecnología, el hombre de inseguro, a la manipulación y el arcaico arquetipo de mujer perfecta son algunos de los temas que abordan la acompañante y que no deja indiferente a nadie. 

Companion plantea que el deseo humano de tener una pareja "perfecta", dócil y complaciente —diseñada a medida— no es amor, sino subyugación y posesión. La tesis sostiene que el control absoluto (tecnológico o emocional) sobre otra persona convierte la relación en una transacción tóxica y vacía.

La película sugiere que cuando eliminamos el riesgo del rechazo, la imperfección y la libre voluntad del otro (como lo haría un robot de compañía), el concepto de "pareja" se deshumaniza. 

Iris parece ser la mujer "ideal" (sumisa, atractiva, sin iniciativa propia) que Josh (Jack Quaid) necesita para sentirse seguro y superior. Su docilidad es una programación, no una elección personal. En definitiva, parece que el Amor se plantea como Mercancía y Control. 

Otra idea de interés es que la IA se presenta aquí como un espejo de la Inseguridad Masculina. La película utiliza a Iris como un espejo para examinar la toxicidad masculina y el miedo a la independencia femenina. Josh, un personaje inseguro, no busca una pareja, busca un objeto funcional.  El desarrollo de tecnología para emular relaciones humanas (IA sexual, robots acompañantes) alimenta el entitlement (derecho adquirido) y la misoginia. La película demuestra que un compañero "hecho para ti" es simplemente una extensión del ego de su dueño.  Se ve cuando Iris (con su inteligencia al 100%) se rebela y toma consciencia, Josh reacciona con violencia y el intento de resetearla, demostrando que su "amor" dependía exclusivamente de la obediencia de ella. 

Otra idea de interés es que se da la Paradoja de la "Compañera Perfecta". El título de la película es irónico. Una "compañera perfecta" no es una compañera en absoluto. El amor requiere reciprocidad y vulnerabilidad. La película propone que la verdadera conexión humana nace de la aceptación de la autonomía del otro, lo cual es imposible en una relación de "compañera robot", pero de pronto, y tras un asesinato llegamos al punto de inflexión de la película cuando la audiencia y la propia Iris descubren su verdadera naturaleza (que no es humana, sino un androide modificado para fines criminales). Esto cambia la narrativa de una "historia de amor" a una historia de supervivencia y toma de agencia (Thelma & Louise-style). 

Por último, hay una reivindicación de fondo. Companion es parte de la ola de cine "Good for Her" (Bueno para ella), donde el protagonista oprimido toma represalias sangrientas y justificadas contra sus opresores. El acto de reclamar la propia identidad y autonomía es violento y doloroso cuando se ha vivido bajo un control absoluto. Iris se convierte en una "final girl" tecnológica, no huyendo, sino destruyendo a quienes la trataron como un objeto, revirtiendo la dinámica de poder por completo, aunque al final, se marcha y descubre en la carreytera que ella es una más de las muchas. Su brazo mecatrónico, poderoso e idustructible es como ella.