Drugstore cowboy

Siempre me ha gustado la canción "The Israelites" que compuso en 1968 el jamaicano Desmond Dekker, una canción pionera del reggae que narra la pobreza y la lucha diaria de la clase trabajadora jamaicana. 

La letra utilizaba la metáfora bíblica de los israelitas esclavizados para describir la dura vida de sus vecinos, enfocándose en la falta de dinero y la lucha por sobrevivir ("slaving for bread", es decir, esclavizados por el pan o lo que es lo mismo luchando por sobrevivir). 

Dekker usó a los "Israelitas" como símbolo de un pueblo resistente frente a la adversidad económica, inspirado por una pareja que discutía por dinero en un parque. A tener presente que no es una canción religiosa, sino un reflejo de la realidad de la Jamaica post-independencia, donde la pobreza era extrema.

Desmond Dekker y su canción The Israelíes aparece en mitad y al fin del filme, un filme que transcurre en la bella localidad de Porland en Oregón y que dirige Gus van Sant y que también participa en el guion junto a Daniel Yost y un sorprendente William S. Burroughs con un diálogo adicional y sin créditos, aunque con presencia como el padre Tom Murphy. El punto de partida está basada en la novela autobiográfica de James Fogle, Un ladrón y asaltante de farmacias, para contarnos la historia de un drogadicto que roba en farmacias y que él y su banda consumen pastillas y evaden la ley. Fue la segunda película de Van Sant como director, después de su debut en 1988 Mala Noche . 

En este magnífico film independiente del año 1989 producido por Karen Murphy y Nick Wechsler para Avenue Pictures y la Metro Goldwyn Mayer y que manejó un presupuesto de 2,5 millones de dólares trabajó en el diseño de producción David Brisbin. 

La película fue el lanzamiento aunque ya era un actor contrastado de Matt Dillon como Bob Hughes, Kelly Lynch como la novia del anterior, Dianne , James LeGros como el joven Rick, la bellísima Heather Graham como Nadine, Ericj Hull, Max Perlich como David, James Remar como Gentry, Grace Zabriskie como Sra. Hughes, la madre del protagonista - y John Kelly. 

La banda sonora de la película fue compuesta por Elliot Goldenthal y contó con la fotografía de Robert Yeoman y el montaje de Mary Bauer y Curtiss Clayton. 

Una imagen cenital nos muestra al protagonista. Éste reflexiona sobre su pasado, pero también sobre su presente. En un momento dado descubrimos que está en el interior de una ambulancia. 

Estamos en 1971 en el área de Portland, Bob Hughes (Matt Dillon) lidera una banda de cuatro delincuentes toxicómanos —su esposa Dianne, su mejor amigo, Rick, y la novia adolescente de este, Nadine— que viajan por el noroeste del Pacífico robando farmacias y hospitales para mantener y cubrir su adicción a las drogas. 

Tras robar en una farmacia del barrio, regresan a casa para drogarse y reciben la visita de David, un delincuente local que busca Dilaudid , difícil de encontrar . Bob afirma que no tienen, pero le ofrece cambiarle morfina por anfetaminas . Aunque al principio se muestra reacio, David accede al intercambio y se marcha. 

Más tarde, unos agentes de policía, liderados por el detective Gentry, quien supone correctamente que el grupo es responsable del robo en la farmacia, allanan y destrozan su apartamento en una búsqueda infructuosa de las drogas robadas, que Dianne ha enterrado en el exterior. 

Tras mudarse a otro apartamento, Bob se da cuenta de que Gentry los tiene bajo vigilancia. Bob idea una elaborada estratagema que provoca que un vecino confunda a uno de los policías, Trousinski, con un mirón y le dispare, hiriéndolo. 

Al día siguiente, un furioso Gentry ataca a Bob y los cuatro deciden marcharse de la ciudad, iniciando una loca aventura por otras localidades del oeste. Así, tras un atraco a una farmacia por parte de Bob, Rick y Nadine, esta última comete un error que enfurece a Bob. 

Bob, que es un supersticioso, al igual que su mujer Diane (Kelly Lynch), así el día que Nadine (Heather Graham) y Rick (James LeGros) les proponen comprar un perro, Bob se enfada pues cree que el simple hecho de mencionar a un perro ya trae 30 días de mala suerte y así les avisa que tampoco dejen un sombrero encima de una cama, pues eso serían 15 años de mala suerte. Pero Nadine decide dejar un sombrero encima de una cama antes de un gran atraco en el que no está invitada a participar, para demostrar a Bob que sus supersticiones son una tontería. 

Con todo, y creyendo que les han echado una maldición , el grupo se lanza a robar una farmacia por una ventanuco que encuentran abierta . En el interior entre su botín de viales de Dilaudid en polvo puro, cada uno valorado en miles de dólares. 

Bob, con la frase «cuando estás en la cima, estás en la cima», convence a Dianne de que debería robar un hospital. 

Durante el atraco, Bob casi es sorprendido y tiene que ocultarse toda la noche. Por su parte, Rick y Diane vuelven a casa creyendo que lo han atrapado y descubren el cuerpo inerte de Nadine, que ha fallecido debido a una sobredosis de Dilaudid robada (pese a que hasta ese momento era la que menos consumía del grupo). 

Cuando Bob llega a casa poco después de ellos, descubre lo que ha sucedido y ve el sombrero encima de la cama. De todas maneras esconden a la chica en el sobretecho.

Al día siguiente, el dueño del motel donde se hospedan les avisa de que tienen que dejar la habitación debido a una convención de policías que se celebrará en la ciudad, por lo que todas las habitaciones del motel se encuentran reservadas. Tras guardar temporalmente el cuerpo de Nadine en el ático del motel, y dado el aviso del gerente deciden marcharse. 

Bob, con una ansiedad tremenda y visiones de esposas y prisión provocadas por el estrés, saca el cuerpo del motel a escondidas en una funda para ropa. 

Antes de enterrar a Nadine en el bosque, Bob le dice a Dianne que va a dejar las drogas y empezar un programa de tratamiento con metadona de 21 días . Conmocionada por la decisión de Bob, Dianne se niega a acompañarlo. 

De vuelta a Portand Bob decide dejar las drogas y el camino de la delincuencia, algo que no le hace ninguna gracia a Diane, su esposa y compañera de siempre, quien no desea dejar las drogas. Por ello Bob ya en su ciudad natal (tras enterrar el cuerpo de Nadine en un bosque) se apunta a un programa de metadona y encuentra un trabajo de tornero.

Bob se muda a un motel de larga estancia en Portland y consiguiendo el trabajo de baja categoría en una fábrica descubre en la clínica de metadona  a un sacerdote anciano y drogadicto llamado Tom, a quien Bob recuerda de sus días como monaguillo .

Gentry visita el motel y comenta que Trousinski ha estado amenazando con darle una paliza a Bob, a quien anima a mantenerse sobrio. 

Más tarde, Bob presencia cómo David intimida a un joven que supuestamente le debe dinero. Bob interviene y deja escapar al hombre, para gran frustración de David. 

Tras pasar un tiempo en su ciudad recibe una visita inesperada de Diane. Ella le revela que ahora tiene una relación con Rick, el nuevo líder del grupo. Dianne le pregunta a Bob qué sucedió en el camino para que cambiara su vida, y él responde que la muerte de Nadine, el maleficio que ella les lanzó y la posibilidad de una larga condena de prisión contribuyeron a su decisión. Bob revela un pacto que hizo con un poder superior: si lograba sacar el cuerpo de Nadine del motel, burlar a la policía y enterrarlo, enderezaría su vida. 

Bob le sugiere a Dianne que se quede a pasar la noche con él, pero ella se niega y le entrega un paquete de drogas antes de irse. Bob le da las drogas a Tom (quien las rechaza todas excepto un frasco de Dilaudid). Ella le desea suerte. 

Acto seguido, los antiguos conocidos de Bob -aunque en este momento enmascarados- , encabezados por David, a los que solía timar, afectados por el síndrome de abstinencia, van a su casa en busca de drogas, creyendo que este aún posee algo. Al no encontrar nada, Bob les dice que está limpio, pero David no le cree y le dispara.   

Un vecino llama para pedir ayuda y suben a Bob a una camilla. Cuando le preguntan quién le disparó, Bob le dice a Gentry que fue "el sombrero". 

Mientras viaja en la ambulancia, Bob concluye, mediante una voz en off, que ha "pagado su deuda con el sombrero" y que, por lo tanto, puede retomar su antiguo estilo de vida sin romper su compromiso. Le divierte la ironía que supone que la policía lo lleve a un hospital: "la farmacia más grande de la ciudad". Y mientras es llevado por la ambulancia al hospital piensa en los aciertos y errores de su vida, deseando que, más allá de ellos, pueda sobrevivir a todo lo acontecido, acabando así la película.

El rodaje principal de Drugstore Cowboy tuvo lugar en Portland en otoño de 1988. Se incluyó un área en el Pearl District que solía ser una estación de ferrocarril , con un viaducto que la cruzaba.  Las Columnas Lovejoy , que antiguamente sostenían el viaducto y exhiben arte marginal , aparecen en la película. La escena inicial de la farmacia se filmó en la farmacia Nob Hill en la calle NW Glisan.

Antes del rodaje, Van Sant y los actores principales pasaron tiempo juntos ensayando y visitando las locaciones de filmación.  Lynch dijo sobre los ensayos: "Lo que Gus quería de esos ensayos era que nos convirtiéramos en una familia, para que cuando llegáramos a filmar, Heather Graham, de 19 años, no se sintiera intimidada por Matt Dillon. Habíamos superado esas cosas y nos convertimos en un aquelarre de actores que pasaban el rato, decían sus diálogos y jugaban juntos. Eso me pareció genial". 

Tom Waits fue la primera opción de Van Sant para interpretar el papel principal, el de Bob, que finalmente pasó a Matt Dillon, aunque la compañía financiera no lo habría apoyado si lo hubiera elegido. Oficialmente, la razón dada fue que Waits estaba participando en otra película que estaban financiando, aunque Van Sant ha dicho que sospechaba que el premio Óscar que ganó Kiss of the Spider Woman , una película que también habían financiado, los había llevado a querer un protagonista que pudiera ganar un Óscar. Finalmente, Dillon fue elegido para el papel de Bob Hughes. 

Para prepararse para su papel, Dillon se reunió con drogadictos activos y recuperados. La bella Kelly Lynch fue elegida para coprotagonizar junto a Dillon el papel de Dianne, la esposa de Bob.  Lynch se basó en su experiencia de adicción a los opioides tras sufrir un grave accidente de tráfico por colisión frontal a los veinte años, que le fracturó ambas piernas (casi requiriendo la amputación de ambas) y la mantuvo hospitalizada durante un año.  "En lugar de reducirme la dosis , [los médicos] me la retiraron por completo, y sufrí un síndrome de abstinencia terrible que duró unos tres días; fue como descender a las entrañas del infierno", recordó Lynch. "Así que le dije a mi agente que sabía lo que era ser una drogadicta y que era perfecta para este papel. Fui a la audición y conseguí el papel ese mismo día".  

James LeGros y Heather Graham, quienes interpretan a los amantes Rick y Nadine, respectivamente, audicionaron para los papeles y fueron elegidos por Van Sant basándose en fotos Polaroid que les tomó. 

El productor Nick Wechsler recordó: "Era algo al estilo Warhol . Las colgaba en la pared, y la energía que transmitían le ayudaba a decidir a quién elegir para la película. Cuando Heather Graham llegó, su Polaroid simplemente resaltó". 

El rodaje comenzó el 26 de septiembre de 1988,  con un calendario de rodaje de aproximadamente seis semanas. 

La película se estrenó en cines en Estados Unidos el 6 de octubre de 1989. Recibió una gran canbtidad de premios y una aclamación de la crítica cinematográfica, que elogió las interpretaciones, la representación realista de la drogadicción y su humor negro. Entre los Premio recibió el CICAE en el 40 Festival Internacional de Berlín 1990 

Obtuvo numerosos galardones de asociaciones de críticos de cine tanto de Los Ángeles como el Círculo de Críticos de Nueva York por su guion; en los National Society of Film Critics se le premió a la mejor película , director y guion; en la quinta edición de los Independent Spirit Awards cuatro premios en los Independent Spirit Awards de sus ocho categorías nominadas . Desde su estreno, la película ha adquirido estatus de culto.

En su reseña impresa para el Chicago Sun-Times , Roger Ebert describió a Dillon como quien ofreció "una de las mejores actuaciones recientes del cine estadounidense" y destacó cómo la película tuvo éxito al retratar a los personajes no como "malas personas [sino] personas enfermas" que formaron una familia poco convencional para sobrellevar "la desesperación en sus vidas". Ebert también destacó el cameo de Burroughs como "una aparición especial de la Muerte".

 

Sheila Benson del Los Angeles Times elogió unánimemente las "actuaciones inquietantemente bellas" de la película y alabó su humor negro como "lacónico" y "macabro", comparando el guion con el de Straight Time (1978). 

Hal Hinson de The Washington Post también comentó sobre el humor de la película, escribiendo que el guion "está impregnado de una especie de hilaridad narcótica. Hay un tiempo de espera incorporado a los chistes, un período de espera, que está vinculado a las reacciones de las respuestas ralentizadas de los personajes. Al verla, uno se siente testigo de una farsa-farsa de la vida real, a cámara lenta, en un mundo sin tiempo".  También elogió las actuaciones por "su expresividad sin afecto". 

Stephen Holden, de The New York Times, destacó el tono visceral de la película, escribiendo: «El estilo de vida retratado en la película es chocante por sus abruptos cambios de ritmo, ya que las somnolientas pausas del consumo se ven interrumpidas por feroces espasmos de violencia y paranoia», pero también resaltó su sutil humor negro : «Debido a que los personajes están tan absortos en sí mismos y sus vidas son tan totalmente improductivas, hay un elemento de absurdo cómico en su continua desesperación. Después de la muerte de Nadine, su motel se convierte casualmente en el lugar de una convención de policías estatales. Con el lugar repleto de agentes de la ley con sobrepeso y uniformados, el problema urgente de retirar el cuerpo se trata como una comedia negra inexpresiva». 

Peter Travers en la revista Rolling Stone escribe que "Van Sant recrea algo que la mayoría de las películas sobre adictos evitan: la verdadera atracción de las drogas" Variety elogió de manera similar el retrato realista de la adicción a las drogas que hace la película, señalando que «ninguna película anterior sobre drogas tiene [tanta] honestidad u originalidad». 

La película figuró en las listas de los diez mejores tanto de dos de los principales críticos de Chiucago, Gene Siskel  como de Roger Ebert para 1989, cuya asociación la nominó, pero no premió.

Drugstore Cowboy recaudó 4.729.352 dólares en la taquilla de Estados Unidos frente a un presupuesto de 2,5 millones de dólares.

En Gran Bretaña , Scott Tobias de The Guardian dice de ella que fue "Un puntillista retrato cotidiano que resulta totalmente sincero con sus personajes y con la mentalidad y realidades de otros como ellos"

 . 

Para Barry McIlheney de Empire se trata de "Uno de esos clásicos de culto que merece la pena investigar incluso si ni has fumado un cigarrillo en tu vida (...)"; mientras que Geoff Andrew en Time Out sostuvo que era "Una mirada elegante, reflexiva y a veces, cómica, de la cultura americana de la droga, que logra, en su mayor parte, librarse de la moralina" . 

Ya en España Carlos Boyero cuando escribía en El Mundo afirmó que era una "Magistral y veraz, adopta formato de western moderno (...) Dillon: impresionante".

En El País, Fernando Morales afirmaba que era una película "Fascinante y creíble". Mientras en Fotogramas, Nuria Vidal, la veía como una película "Inteligente discurso sobre la droga (...) Soplo de aire fresco del cine USA".

Desde que apareció la película es una aportación fundamental al cine independiente o cine de autor y de culto por su retrato crudo, humano y alejado de los clichés moralistas de la adicción a los opioides en la década de 1970. A diferencia de otros dramas, la película evita la moraleja explícita, centrándose en el día a día, las supersticiones y la búsqueda desesperada de drogas con un enfoque íntimo y sensible hacia personajes marginados y a destacar entre los secundarios la aportación del escritor y referente de la contracultura, William S. Burroughs, interpretando al "sacerdote" yonqui octogenario, que aporta autenticidad y un peso cultural único a la obra. Además tiene esa composición de Dekker, el primer gran éxito de reggae a nivel mundial, alcanzando el número uno en el Reino Unido en 1969, a pesar de que su fuerte acento jamaicano dificultaba entender la letra.

La ley de Teherán

El Corán prohíbe enérgicamente el uso de drogas, porque causa división, odio, enemistad o impide la oración a Alá. Sura 5;91: El plan de Satanás es (sino) incitar la enemistad y el odio entre vosotros, con intoxicantes y juegos de azar, y apartaros del recuerdo de Alá y de la oración: ¿acaso no os abstendréis? 

Sin embargo, algunas naciones islámicas prohíben el uso, la venta y la producción de drogas. Uno de los países con mayor problema es Irán. Hay muchos drogadictos: dos millones ochocientos mil, un porcentaje desproporcionado de la población: El año pasado, el ministro del Interior de Irán declaró que el 3% de la población del país es adicta a las drogas, principalmente a la heroína. 

A nivel internacional, esta cifra es elevada, pero no se encuentra entre las más altas del mundo. Sin embargo, si se considera el grupo de edad comprendido entre los 15 y los 64 años, el porcentaje asciende al 5,4%. Según Aslani, más de 2,8 millones de iraníes consumen estupefacientes con regularidad y, según datos de 2017, casi el 5,4% de los iraníes de entre 15 y 64 años son drogadictos.” 

El resultado de todo ello es una Tremenda película del año 2019 una auténtica joya del cine imagen de un fascinante thriller de acción sobre el tráfico de drogas en Irán que se convirtió en su estreno en la película más taquillera del país persa y un éxito para el productor Jamal Sadatian cara visible de la productora Boshra Film. Saeed Roustaee es el director y guionista de Metri Shesh-o Nim.

La historia nos cuenta como el jefe de la policía antidrogas de Teherán es Samad. Es duro e incansable en la búsqueda de los cabecillas del narcotráfico. Su principal objetivo es capturar al líder supremo: Naser. 

Tras muchos esfuerzos y pérdidas, Samad ( Payman Maadi ) que es un detective de narcóticos que persigue al capo de la droga Naser Khakzad ( Navid Mohammadzadeh ).

Samad es un personaje decidido. Es inflexible, obstinado. Habla alto, es nervioso, y los primeros planos decisivos y testarudos resaltan su personalidad. Su tarea es ardua; debe ser cruel, poseer un orgullo innato y despreciar a los adictos y criminales. Puede controlar su ira, pero su aversión es pesimista y vengativa. Un día, una redada lleva a la captura de un traficante de poca monta, quien a su vez conduce a un pez gordo, que de alguna manera como su sobrina , la antigua novia del jefe de los narcotraficantes, la bella Elham (Parinaz Izadyar), está conectado con el notorio narcotraficante, Naser, un hombre violento y colérico. Sufre de profundas debilidades depresivas, como lo demuestra su intento de suicidio. Será salvado por su archienemigo, Samad. 

La película que comienza con una impactante persecución a pie por las calles de Teherán está protagonizada por el policía Samad Majodi, un agente concienzudo y decidido que lleva años intentando detener a Nader Khakzad, el mayor narcotraficante de Irán. En un país en el que la posesión de drogas ya sean 10 gramos o 10 kilos está penada con la muerte, los traficantes juegan a lo grande, introduciendo nuevas drogas que están produciendo un crecimiento exponencial de la drogodependencia y con medio de la violencia , de la corrupción y de la brutalidad de la justicia representada por el juez (Farhad Aslani) . Su desmoralización se acentúa en el encuentro con su familia, antes de la sentencia de muerte. Tras su arresto, se le confiscan la vivienda, los beneficios sociales, los estudios en el extranjero, la casa de los padres de su esposa y sus hijos. Muere con el corazón roto al ver su sufrimiento. 

La comisaría es un caos. Incluso en el juzgado, los casos se resuelven con rapidez y sin piedad. Y luego está la cárcel. Es una turba de seres humanos repugnantes y traicioneros. Las celdas están llenas de reclusos, todos de pie, sin espacio para sentarse, desnudos en su repulsiva carnalidad. Es el realismo de la película. 

Una escena relevante es el ahorcamiento. Los numerosos ejecutados llegan al patíbulo cuando aún está oscuro. Comprenden que ya no hay esperanza. Lloran, gritan, se orinan encima; el miedo a la muerte les provoca incontinencia urinaria. Las escenas en el patíbulo se alternan con las de los familiares desconsolados mientras recogen los cadáveres. 

Por su parte, Samir que ve el ahorcamiento desde la distancia se rinde, está desencantado, ha ganado muchas batallas pero la guerra está perdida: "¡Había solo un millón de drogadictos cuando empecé como policía y después de todos estos años, arrestando, encarcelando, ahorcando, ahora son 6,5 millones!". 

Los adictos son numerosos, marginados de la sociedad, buscados por la ley, ejecutados por el Estado y la religión. Su fisicalidad es bestial tanto en las cárceles como en sus inmundas celdas. Duermen en tuberías de hormigón, en sus camas sucias. Viven entre la basura y el plástico. Solo salen a buscar heroína o porque llega la policía. Cuando llega la policía antidrogas, todos huyen, creando una fuga coreografiada.

Cientos de personas corren por el medio de la carretera, intentando evitar el tráfico. Un plano general muestra la repugnancia hacia los desdichados; ya no hay tiempo para ellos. Ha llegado su fin. 

La adicción las drogas ha cambiado en Irán y ya no es por algo oculto. Podemos ver a muchos adictos todos los días es en las calles, y cada vez son más" clica al director de la película y guionista de la ley de de, Saeed Roustayi, para la que realizó una minuciosa investigación sobre el mundo del narcotráfico en el país. 

Ganadora del premio el mejor director en el Festival de Tokio, la película también obtuvo el correspondiente a mejor actor que recayó en el actor Navid Mohammadzadeh, quien da vida al narcotraficante principal un personaje lleno de claroscuros ya que si bien quiere beneficiarse de su situación con el negocio es un hombre preocupado por el bien de su familia. El policía interpretado por Payman Maadi, protagonista de la película ganadora al Óscar a mejor filme de Albert inglesa " Nader y Simin, una separación ". La película contó con la fotografía de Hooman Behmanesh, el montaje de Bahram Dehghan y la música de Peyman Yazdanian.  

La película que en inglés se tituló Just 6.5 que responde literalmente al título en iraní Metri Shesh-o Nim , y que significa: Seis y medio por metro , aquí titulada Ley de Teherán  es una película iraní de suspense y drama de 2019 escrita y dirigida por Saeed Roustaee . 

Fue bien recibida por la crítica en el 76.º Festival de Cine de Venecia y ganó varios premios, incluido el Crystal Simorgh a la Mejor Película según la elección del público , en el 37.º Festival de Cine Fajr donde se proyectó  pero tuvo que ser reprogramada debido a dificultades técnicas para mostrarla el primer día.  .

El director fue premiado como director y guionista en el Festival Internacional de Cine Independiente de Burdeos  En los 47 Premios César (Francia) (2022)  fue nominada a Mejor film extranjero y en loss 32º Festival Internacional de Tokyo ganó a la Mejor director (Saeed Roustayi) y Mejor actor (Navid Mohammadzadeh) quien fue nominado a los Premios de Cine de Asia Pacífico siendo nominado al Gran Premio de Tokio 

Escribiendo para el sitio web Eye for Film , Anton Bitel calificó la película como un "sombrío comentario sobre el estado de la nación" de la sociedad iraní. Y el director William Friedkin dijo de ella que era uno de los mejores thrillers que había visto en su vida.  

En los Estados Unidos Deborah Young de The Hollywood Reporter escribió sobre ella que "Rodada con nervio, editada por un equipo técnico de primer nivel y con una notable banda sonora, 'Just 6.5' es una experiencia muy estimulante." 

Peter Debruge de Variety comentó que "Es tan emocionante como una película de acción de Hollywood, pero indagando en el sistema iraní. Este thriller tenso y bien interpretado lleva al género a otro nivel." 

En Gran Bretaña Sarah Ward de Screendaily la describió como "Un thriller criminal apasionante que además ofrece agudas observaciones políticas (...) Una propuesta impresionante, envolvente, elegante y llena de actuaciones estelares" 

Peter Bradshaw habitual crítico de The Guardian sostuvo que era "Un thriller feroz de los bajos fondos iraníes al estilo de Michael Mann (...) "  también en The Guardian Mark Kermode  sostuvo que era "Un descarnado thriller policiaco iraní (...) La tensa película de Saeed Roustayi sobre un policía a la caza de un capo de la droga mezcla hábilmente brutalidad y farsa (...) 

Ya en España, Oti Rodríguez Marchante en ABC la describe como una "Película con alma iraní pero con el torso y figura del cine de acción de ritmo, tensión y adrenalina. (...) una película conocida pero nunca vista" 

Sergi Sánchez de La Razón dijo de ella que "Este crítico prefiere cuando la película nos sorprende con su sórdida energía que cuando necesita el alarido para justificar la ira y la desesperación de un policía y un cabeza de cartel del narcotráfico (…)" 

Quim Casas en El Periódico la consideró como una "Sorprendente película sobre la lucha contra el narcotráfico en Irán (...) un retrato musculoso, realista y en absoluto moralista del problema. (...) una brillante pieza ‘noir’ (…) " 

En Cinemanía Yago García  destacó que "Funciona a la hora de hacernos sentir incómodos (...) supone una estupenda toma de contacto con el cine de género hecho en un país al que hemos aprendido a asociar con el drama solemne (...) y festivalero. (…)" 

Pablo Vázquez de Fotogramas dice de ella que "Sorprende porque es cine 100% de género (...) tiene unas características propias muy bien definidas y difícilmente equiparables (...) deja la sensación del trabajo bien hecho y del deber cumplido. (…).

El título internacional de la película es “Just 6.5” este es el número cada vez mayor de drogadictos en Irán: 6,5 millones. En este país, donde se consumen diariamente diez toneladas de droga y que limita con Afganistán, que ya se sabe que es el mayor productor del mundo de heroína. La película destaca por lo mucho que sorprende.

Más que exaltar valores tradicionales, la cinta pone en evidencia la moral ambigua de sus personajes y los dilemas éticos en un entorno desolador. La ley de Teherán destaca por mostrar el valor de la perseverancia en la lucha contra el crimen, al mismo tiempo que cuestiona profundamente la moralidad de los métodos utilizados y la propia justicia en un contexto de crisis social.

Los valores y dilemas principales que se aprecian son la persistencia y vocación de servicio en la persona de Samad, el policía protagonista, demuestra una dedicación implacable para atrapar al capo de la droga Nasser Khakzad, incluso trabajando en condiciones precarias y superando la corrupción interna. Sin embargo, su empeño roza el fanatismo y utiliza métodos cuestionables. OPtra de los elementos presentes tinen que ver con la idea de supervivencia. Como se dice en la película: "“Cuando alguien necesita sobrevivir, aunque sepa que sus decisiones son altamente arriesgadas, las tomará igualmente. Porque entre morir y sobrevivir, elegirá sobrevivir”. ".  

A esto se suma la complejidad moral y humanización del "enemigo". La película desafía la división simple entre buenos y malos. A medida que avanza la trama, se muestran aspectos más humanos de Nasser (el narcotraficante), quien actúa condicionado por un entorno social roto, llevando al espectador a empatizar con él. 

A destacar que hay compasión ante la desesperanza y se muestra el sufrimiento de las familias y la marginalidad de los adictos, lo que genera una reflexión sobre la empatía hacia los más vulnerables en una sociedad con graves fallas estructurales. 

La película cuestiona la eficacia de la pena de muerte y la severidad del sistema judicial iraní como única solución al narcotráfico, sugiriendo que la "justicia" aplicada a menudo no resuelve el problema de fondo.

Nevenka

Hay películas que se basan en historias reales y que como historias son conocidas previamente por el espectador. Este es el caso de Soy Nevenka, una película española de drama biográfico dirigida por Icíar Bollaín, la directora de ‘Maixabel’ por la que consiguió tres premios Goya y la película dramática española más vista en las salas de cine en 2002, que , al igual que la película sobre la mujer vasca, viudad de un asesinado de ETA, se inspira en el caso real de Nevenka Fernández, la concejala de Hacienda del Ayuntamiento de Ponferrada que consiguió, por primera vez en España, una condena a un político por acoso. 

En este caso Iciar Bollaín coescribió el guion junto a Isa Campo y parece ser que se basó en la novela de  Juan José Millás. Para su película, la directora contactó como director artístico con Mikel Serrano en esta producción en la que está implicado Koldo Zuazua y que está avalada por la productoras Kowalski Films, Feelgood Media, con la producción asociada de la italiana Garbo Produzioni y Movistar Plus+ 

La película contó con la música de Xavi Font , el maquillaje de Karmele Soler, la fotografía de Gris Jordana, el montaje de Nacho Ruiz Capillas y el vestuario de Clara Bilbao.

Está protagonizada por Mireia Oriol y Urko Olazabal en sus principales papeles y se estrenó en cines españoles  en septiembre de 2024, de la mano de Buena Vista International España. 

La historia se inicia con la primera entrevista entre la protagonista, Nevenka Fernández(Mireia Oriol)  con su abogado, Adolfo Barreda (Font García). Éste le pide que empiece por el principio. Ella se remonta poco antes de las elecciones municipales de mayo de 1999, cunaod una joven Nevenka que acaba de terminar su licenciatura en Económicas en Madrid. Ese es el momento en que un edil de Ponferrada (Urko Olazabal) y un amigo de la familia, Mario (Carlos Serrano), se entrevistan con ella y le dicen que la quieren como tercera en las listas del Partido Popular de cara a las próximas elecciones municipales. 

Ella, que había pedido un cargo con el que poder compaginar sus prácticas, se vio, tras ganar por mayoría absoluta, con 24 años al frente de la concejalía de Hacienda y Comercio. 

La relación de amistad entre alcalde y concejala que, en principio, parece auténtica, especialmente cuando éste le hace partícipe de la enfermedad terminalk de su mujer, se desvirtúa y , tras el fallecimiento de ella, comienza una breve relación sentimental aunque con dudas por parte de ella. 

Nevenka, incómoda, decide ponerle fin y es entonces cuando empiezan los problemas: llamadas y mensajes insistentes, desplantes en el pleno, encerronas e insultos. "Eres muy tonta, Kenka y no sabes lo que te conviene", le espeta Álvarez en un momento de la película. 

Tal es el poder que tiene el edil que los propios padres de Nevenka, desconococedores de la relación que hubo entre la edil y el alcalde, se ponen en su contra. Ante la falta de apoyos y en vista de que el comportamiento del alcalde no cambia, Nevenka se marcha a Madrid a pasar un fin de semana y allí se reencuentra con un compañero de facultad, con Lucas (Ricardo Gómez), un amigo de la universidad en el que se apoya y con quien comienza a salir. 

Nevenka, fruto del miedo, comienza poco a poco a cambiar su aspecto y a hacerse más pequeña, más frágil. "Me quedé. No sé por qué. Dentro de mí yo sabía que no era verdad. Yo sabía que me estaba mintiendo. No entiendo por qué no me fui. No entiendo por qué hice tantas cosas. Es como si no fuera yo. Es... no me reconozco. A veces pienso que estoy loca. ¿Estoy loca?", se pregunta en un momento de la película. 

Nevenka decide denunciar, aunque sabe que deberá pagar un precio muy alto: su entorno no la apoya, la sociedad de Ponferrada le da la espalda y los medios la someten a un juicio público. 

En la capital, donde ella, tras varios episodios de acoso, tanto en lo progfesional, en un pleno en el que le increpa y le llama inepta, hasta en lo sexual, cuando van a una boda y el alcalde la viola, le expiden una baja por depresión debido al acoso sexual, se pone en contacto con Adolfo Barreda (Font García), el abogado que prepara su querella. 

Ella le cuenta la historia sabedora de que pocas personas testificarán a su favor si se plantea denunciarlo. Le cuenta como ha sufrido una persecución implacable, tanto sentimental como profesional, por parte del alcalde, un hombre acostumbrado a hacer su voluntad en lo político y en lo personal. 

En marzo de 2000 tiene lugar la rueda de prensa en la que denunció públicamente al alcalde de Ponferrada, Ismael Álvarez, por acoso sexual. Aquel día aseguró que luchaba por su dignidad, pero su credibilidad fue cuestionada desde el primer momento, incluso durante el propio juicio debido en parte a que la popularidad de Ismael Álvarez y sus años como edil —se mantuvo en el poder desde 1995 hasta 2002— consiguieron que el pueblo de Ponferrada se pusiera de su lado. No solo fue su amabilidad la que encandiló al municipio. Sus lazos como empresario, también con los padres de Nevenka, fueron clave para que muchos vecinos tuvieran miedo de testificar en su contra. 

Solo unas pocas personas, como la líder del PSOE la médico Charo Velasco ( Lucía Veiga), tuvieron el valor de hacerle frente. 

Nevenka, consciente de que no puede arruinar más la vida de sus seres queridos, redujo su número de testigos para no ponerles en un aprieto. Sus dudas —en realidad las de muchas víctimas— fueron cuestionadas en el juicio de 2002. 

En el Tribunal Superior de Justicia de Castilla y León, el fiscal José Luis García Ancos embistió contra ella en varias ocasiones, hasta el punto de que se le tuvo que recordar que no era la acusada. Fue el artífice de la polémica frase "Usted no tenía por qué aguantar eso. Usted no es la empleada de Hipercor que le tocan el trasero y se tiene que aguantar porque es el pan de sus hijos". 

Finalmente consiguió que los tribunales le dieran la razón y, por primera vez en España, un cargo político fue condenado por ese delito. Sin embargo, la sentencia no le evitó el desgaste y la incomprensión sociales: mientras su acosador conservaba apoyos, ella acabó marchándose al extranjero para rehacer su vida. 

La sentencia, de la que recibimos información al final de la película, y que fue ratificada por el Tribunal Supremo, condenó a Ismael Álvarez a una multa de 6.840 euros y 12.000 de indemnización por acoso sexual. 

Tras conocerse el fallo, Ismael renunció a todos sus cargos. Su escarmiento judicial no impidió que en 2011 volviera a presentarse a las elecciones municipales con la formación Independientes Agrupados de Ponferrada (IAP), con la que consiguió cinco concejales. 

Su caso inicia en España el movimiento #metoo mucho antes de que se invente el término. Una historia basada en hechos reales que convierte a su protagonista en una pionera al llevar por primera vez a un político influyente y popular ante los tribunales por acoso sexual y laboral. 

Como película en enero de 2023 se empezaron a difundir rumores de que Icíar Bollaín había visitado la ciudad de Ponferrada, en busca de localizaciones para rodar una película sobre el caso de Nevenka Fernández.​

El 18 de enero de 2024 se anunció que el rodaje de una cinta original de Movistar Plus+ sobre el caso, Soy Nevenka, había empezado su rodaje en Bilbao y Zamora, con Bollaín en la dirección y con Mireia Oriol y Urko Olazabal como protagonistas.​ El presupuesto total de la cinta es de 4.6 millones de euros, incluyendo 1.2 millones de euros procedentes de las ayudas generales del ICAA 

En enero de 2024, poco después del anuncio del inicio del rodaje de la película, el PSOE de Ponferrada, la localidad donde tuvo lugar el caso, criticó la decisión de no rodar la película en dicha localidad y demandó explicaciones al alcalde de Ponferrada,​ especialmente por el hecho de que Bollaín había visitado la localidad en verano de 2023, presuntamente en busca de localizaciones para el rodaje de la cinta.​ La productora de la película respondió que eligieron rodar en Zamora debido a las facilidades que la localidad les dio para el rodaje de la película, en contraste con el poco apoyo aportado al proyecto desde Ponferrada. El set se desplazó finalmente a Zamora, Bilbao y North Shields, en Reino Unido. 

La película compitió por la Concha de oro en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Durante la gira publicitaria Urko Olazabal que asume el papel del alcalde señaló declaró sobre el perfil psicológico de su personaje que "Lo primero que hacen es ser encantadores y agasajar a sus futuras víctimas. [...] Pero después, cuando la víctima se niega a seguir siendo agasajada, es cuando intenta recuperar, por las buenas o por las malas, a esa persona que está perdiendo. Y es ahí donde encontramos el perfil más detestable de los acosadores" 

Por su parte, Mireia Oriol recuerda el duro trabajo que fue hacer de Nevenka. "No queríamos hacer una imitación ni de Nevenka ni de Ismael, pero sí fue muy importante para mí poder hablar con ella y sentir cómo había logrado, tras haber sufrido ese trauma y tener que irse de su país, superar ese trauma e incluso convertirlo en algo bonito, en algo que nacía desde el amor y la sanación", cuenta. Además, reconoce que las secuencias, algunas muy duras, dejaban "un poso" en ella, así que tuvo que aprender a entrar y salir de su personaje para que no le afectara. 

Inspirada en el libro ‘Hay algo que no es como me dicen’ de Juan José Millás, publicado por Alfaguara, 'Soy Nevenka' está protagonizada por Mireia Oriol (‘El arte de volver’, 'Alma') y Urko Olazabal (Premio Goya al mejor actor de reparto por ‘Maixabel’). Los acompañan Ricardo Gómez (‘La ruta’), Carlos Serrano (‘La ley del mar’), Lucía Veiga (‘Rapa’), Luis Moreno (‘Vergüenza’), Javier Gállego (‘El desorden que dejas’), Mercedes del Castillo (‘Instinto’) y Font García ('Vida Perfecta', ‘En los márgenes’). 

En los 39 Premios Goya (2025) que valoraban las películas del 2024 obtuvo un ramillete de nominaciones al Mejor actor principal (Urko Olazabal), Mejor actriz revelación (Lucía Veiga), Mejor guion adaptado (Icíar Bollaín, Isa Campo) y Mejor fotografía (Gris Jordana) 

En la 72º edición del Festival de San Sebastián 2024 se presentó a la Concha de Oro a la Mejor Película 

En los XII Premios Platino del Cine Iberoamericano estuvo nominada al Premio Cine y Educación en Valores En la 30º edición de los Premios Forqué 2024 la película estuvo nominada a los Premio al Cine y Educación en valores; mientras que en los Premios Feroz 2025 la nominación fue al Mejor actor (Urko Olazabal). 

En la 80.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos la nominación fue al Mejor guion adaptado (Icíar Bollaín, Isa Campo) y al Mejor actor principal (Urko Olazabal), siendo ganadora a la actriz revelación (Lucía Veiga) 

En cuanto a la crítica Salvador Llopart en La Vanguardia sostuvo que "'Soy Nevenka' resulta, en realidad, un brillante ejercicio en el género del horror. Con una víctima, Nevenka, interpretada con sutileza por Mireia Oriol. (...)" 

Luis Martínez en El Mundo destaca que fue "Una mirada miope al cine y a la realidad (...) Un relato tan cuidadoso en no equivocarse que renuncia a ir más allá. Y que incluso se olvida de ser relato. (...) " 

En Cinemanía Andrea G. Bermejo dice de ella que "Logra transmitirnos la angustia, la confusión, la culpabilidad y el desgaste emocional que supone el acoso sexual. (...) Gran parte del mérito recae en los actores (...) funciona también como retrato de un país" Y en la misma revista Toni Vall comenta que "Bollaín relata con tino y claridad —quizá cierta planicie también— los hechos sustanciales del caso (...) Demasiado fría, es cierto, no se eleva fílmicamente por encima de su historia porque su historia es lo que más interesa (...)"

Carlos Boyero en El País escribe que es "Una adaptación que solo me parece correcta, a la que asisto sin que me provoque frío ni calor. No hay nada en ella detestable, pero tampoco que me altere para bien. La veo y la escucho sin tedio, pero con escasa pasión" En este diario, Gregorio Belinchón , por su parte, señala que  "Icíar Bollaín crea el relato que Nevenka Fernández merecía. (...) 'Soy Nevenka' es importante y necesaria".

Oti Rodríguez Marchante en ABC la describe como una pel´ícula en la que "La directora narra con enorme pulcritud los pormenores de aquel suceso (...) Está bien contada, bien ambientada y bien interpretada, especialmente por el 'mentiroso y despreciable' Urko Olazábal, que consigue dar repelús." 

Carlos F. Heredero en Caimán señala que  es una "Bienintencionada película, respetuosa (...), encuentra su mayor limitación al filmar todo ello de manera tan limpia como aséptica, tan convencional como transparente (...) Le falta capacidad de ahondar en el retrato del monstruo" 

En El Cultural Mariona Borrull dice de ella que  "No hay nada incorrecto, pero tampoco brillante en la recreación de Bollaín (...) Así como tampoco nada que resulte inaccesible fuera del sumario o el artículo del caso en la Wikipedia; si acaso, Soy Nevenka consigue hacer más gráfico el sufrimiento de ella"  España Diario El País 

En Fotogramas Eulàlia Iglesias señala que  "Para conocer a fondo a una mujer clave en la lucha contra el acoso en España (...) Lo mejor: Urko Olazabal (...) Lo peor: si se ha visto la serie, el film sabe a poco. (...) 

La verdad es que Nevenka  ganó en los tribunales, pero la sociedad española y los medios de comunicación y la presión mediática hizo que tuviera que marcharse, primero a Reino Unido y luego a Irlanda, donde vive en la actualidad con su marido y sus tres hijos. 

No fue hasta 2017, como ella misma cuenta, cuando consiguió un trabajo sin tener que ocultar quién era. En una entrevista en el Telediario de TVE animó a las víctimas a contar sus testimonios: "Hablar me salvó la vida". 

Yo tengo que reconocer que me había olvidado de una historia que realmente nunca seguí en prensa, aunque fue mediática. Sin embargo, en 2024 estuvo en Ponferrada. Recuerdo ir a la plaza de ayuntamiento, - dejé el coche relativamente cerca- y desde allí fuí al Castillo templario, su momento más significativo. Tras pasar la mañana en la localidad leonesa y pasera junto al río decidimos marchar a Astorga y dejar ya las localidades bercianas, pero cuando me dirigía en coche para la autovía ví algo que me llamó la atención. En una rotonda, vi que me hizo recordar la historia que colocó a Ponferrada en prensa, radio y televisión, era la rotonda o plaza dedicada a Nevenka Fernández, una glorieta que en marzo de 2023, el Ayuntamiento de Ponferrada inauguró como el nombre de Glorieta de la Valentía de Nevenka en homenaje a Nevenka Fernández, primera mujer en conseguir una condena por acoso sexual contra un político en España. El espacio está ubicado en la zona de la rotonda de La Peregrina. Si vas por ellí la verás, y sobre todo, te acordaras de la historia.

Judas y el mesías negro

Los derechos civiles en Estados Unidos costaron Dios y ayuda para que se consiguieran. La guerra de secesión norteamericana que concluyó con la victoria del norte sobre el sur logr´ço poner fin a la esclavitud , pero no a la falta de igualdad y a la segregación por cuestiones de color de piel. Si tiramos de la memoria reciente, todos ponemos nombres y, en ocasiones cara, a muchos hombres y mujeres que lucharon contra el segregacionismo  y los derechos ciciles por  muy distintas vías. El cine y la televisión los ha hecho aparentemente conocidos a estos personajes y sus opticas para conseguir la igualdad real. Desde la visión humanista, encabezada por Martin Luther King, pasando por otras más contundenbtes como la que asumió Malcom X,  y pasando por otras que fueron símbólicas como la movilización o marcha de Selma a Motgomery en 1965, que hizo firmar al Presidente Johnson la ley sobre el derecho al voto de los ciudanos o al papel que jugó contra la segregación Sara Parks , o los políticos integrados en el sistema como el crecientemente fallecido Jessie Jackson.

Presentes o vinculados casi con todo hay muchos de los protagonistas, hombres y mujeres que he nombrado, pero también , por ahí, fluyen orgacizaciones que nacen y se desarrollan en ciudades como Oakland, Chicago o Washington que darán lugar a movimientos que serán la vanguardia en una lucha contra la desigualdad, incluso social como el que asumió el Partido Pantera Negra (1966-1982). 

Esta fue la fuerza política revolucionaria y de autodefensa armada que transformó la lucha por los derechos civiles en EE.UU. UU., pasando de la no violencia al "Black Power". fundado por Huey P. Newton y Bobby Seale en la californiana ciudad de Oakland, una organización que desafió la brutalidad policial y promovió el socialismo, el nacionalismo negro y los programas sociales comunitarios ñpor medio de acciones clave que iban desde la autodefensa Armada, cuyo objetivo inicial era patrullar vecindarios afroamericanos armados legalmente para protegerlos de la brutalidad policial, una respuesta directa a la violencia racista, hasta el político como el llamado Programa de los Diez Puntos, una plataforma en la que se pedía exigía vivienda digna, educación, justicia, exención del servicio militar para afroamericanos y el fin del asesinato policial. Junto a ello hubo defensa de los programas de "Supervivencia" para implementar servicios comunitarios esenciales, destacando el Desayuno Gratuito para Niños (que forzó cambios federales), clínicas de salud gratuitas y escuelas comunitarias. 

Entre sus influencias o postulados ideológicos estaba la ideología marxista-leninista y su postura desafiante los convirtieron en un objetivo prioritario del programa COINTELPRO del FBI, que, bajo J. Edgar Hoover, buscó desmantelar el grupo mediante infiltración y violencia. De todo ello, habrá en ocasiones resultando luctuosos y otros de duda legalidad como el que influyó en la muerte de líderes como Fred Hampton en en 1969. Y aunque el partido se disolvió en los 80, su influencia persiste en los movimientos contemporáneos de justicia social, autodefensa comunitaria y empoderamiento negro.

Pues bien, el Óscar del año 2021 al mejor actor secundario se lo dieron a Daniel Kaluuya por interpretar a uno de los líderes de los panteras negras, Fred Hampton, pero además le dieron el oscar a la mejor canción a este drama inspirado en hechos reales sobre la persona de Bill O' Neal, el hombre infiltrado por el FBI en las panteras negras en la década de los años sesenta para acabar desde dentro con el partido y sobre todo para poner fin o controlar a uno de sus más carismáticos líderes Fred Hampton.

Kaluuya, también ganador del globo de Oro y el Bafta por esta interpretación da vida a Hampton, un activista por los derechos de la comunidad negra que llegó a ser presidente del black panther party en Illinois y vicepresidente a escala nacional. Fue igualmente fundador de la organización multicultural coalición arcoiris y su carisma y su habilidad como orador pusieron en alerta al FBI que decidió desbaratar sus actividades con la ayuda de un infiltrado, O'Neal.

De todo esto va la película Un Judas y el Mesías negro, una filme dramático y biográfico  estadounidense estrenada en 2021, sobre los sucesos reales que llevaron al asesinato del presidente de la sección de Illinois del Partido Pantera Negra en Chicago, Fred Hampton (interpretado por Daniel Kaluuya), a manos del FBI y la policía de Chicago, utilizando al infiltrado William O'Neal (interpretado por Lakeith Stanfield), informante del FBI, a finales de la década de 1960, quien será el Judas  encargado de interpretar al traidor que no es otro que Lakeith Stanfield, mientras que Jesse Plemons es el agente del FBI Roy Mitchell. Además Martín Sheen da vida al primer director del FBI, John Edgar Hoover. Intervienen a demás en la película Dominique Fishback, Ashton Sanders, Darrell Britt-Gibson, Lil Rel Howery, Algee Smith, Dominique Thorne.

La película está dirigida y producida por Shaka King, quien escribió el guion con Will Berson, basado en una historia de la pareja y Kenny y Keith Lucas. Productores de la misma son Charles D. King, Ryan Coogler y que invierton 26 millones de dólares para que su directora y productora Shaka King tuvies el amparo de las productoras MACRO, Participant, Bron Creative y Proximity. Para ello contrataron la música Mark Isham y Craig Harris para componer su banda sonora, asóí como al fotógrafo Sean Bobbitt y a Kristan Sprague en las labores de montaje.  

La historia nos cuenta que a fines de la década de 1960, un delincuente de poca monta, William "Bill" O'Neal (Lakeith Stanfield) es arrestado en Chicago después de intentar robar un automóvil a punta de pistola mientras se hacía pasar por un oficial federal. 

Una vez detenido se le acerca el agente especial del FBI Roy Mitchell (Jesse Plemons), quien siguiendo los postulados de su jefe, primer director del FBI, John Edgar Hoover,  al que ha escuchado decir en una conferencia que el marxismo de los Panteras Negras es más peligroso que la Unión Soviética, por lo que le ofrece que se retiren los cargos - 15 meses de cárcel por robo de coche y cinco años por pasarse poragente federal- a O'Neal si él trabaja encubierto para la oficina. 

O'Neal es asignado entonces a infiltrarse en el Partido Pantera Negra (BPP) y reunir información sobre su líder, Fred Hampton (Daniel Kaluuya). 

O'Neal comienza a acercarse a Hampton, quien trabaja para formar alianzas con pandillas rivales y grupos de milicias mientras extiende el alcance comunitario a través del Programa Desayuno Gratis para Niños del BPP. 

Las persuasivas habilidades de oratoria de Hampton eventualmente ayudan a formar la multirracial "Rainbow Coalition". Además, Hampton se enamora de unb chica, Deborah Johnson (Dominique Fishback), miembro del BPP. 

O'Neal comienza a transmitir información a Mitchell, quien a cambio lo compensa con dinero. Cuando un miembro fugitivo, George Sams (Terayle Hill), se esconde en la oficina local del BPP, O'Neal se entera por parte de Mitchell de que Sams es un informante cuya presencia en las oficinas del BPP le permite al FBI obtener órdenes de registro. Después de que Hampton es arrestado y encarcelado, O'Neal comienza a ascender en las filas y es nombrado capitán de seguridad. 

Un día, tras un intenso tiroteo entre la policía de Chicago y el BPP, O'Neal se escapa antes de que la policía reduzca a todos y queme el edificio. 

Posteriormente, O'Neal intenta dejar de ser un informante pero es rechazado por Mitchell. Después de que Hampton es liberado de la prisión mientras apela sus cargos, se reúne con Deborah, ahora embarazada de su hijo. Un miembro del BPP, Jimmy Palmer (Ashton Sanders), que fue hospitalizado después de recibir un disparo de un oficial de policía, muere mientras lo trasladaban a otro hospital. 

Enfurecido al enterarse de la muerte de Jimmy, su compañero, Jake Winters (Algee Smith), se involucra en un tiroteo con la policía, matando a varios oficiales antes de ser asesinado a tiros. 

Después de que la apelación de Hampton es rechazada, el director del FBI, J. Edgar Hoover, ordena que Hampton sea "neutralizado" antes de que regrese a prisión, para evitar que se convierta en un "mesías". 

Mitchell acorrala a O'Neal para que ayude con el plan advirtiéndole que el BPP tomará represalias contra él si descubren que es un informante, y O'Neal accede a ayudar a regañadientes. 

Más tarde, a O'Neal se le entrega un frasco de sedantes y se le ordena drogar la bebida de Hampton. La noche siguiente, los miembros del BPP se reúnen en el apartamento de Hampton antes de que salga a prisión. Un líder de una banda aliada le ofrece dinero a Hampton para que él huya del país, pero él lo rechaza y ordena que se establezca un fideicomiso con el dinero a nombre de Jake para abrir un hospital en la empobrecida zona oeste de la ciudad. 

A medida que avanza la noche, O'Neal droga a Hampton y se marcha poco después. Horas más tarde, oficiales y agentes allanan el apartamento y matan a Hampton a tiros. 

Más tarde, O'Neal se reúne con Mitchell, quien le da dinero y un par de llaves de una gasolinera que ahora posee. O'Neal intenta renunciar nuevamente, pero a regañadientes acepta el dinero y las llaves y se las guarda en el bolsillo. 

Muy interesante la apostilla final que viene donde se combinan imágenes reales con un texto que explica qué pasó o qué ha pasado con los protagonistas de la película.La película termina con imágenes de archivo de los discursos de Hampton, de su procesión fúnebre y de la única entrevista que O'Neal concedió, en 1989.  

Tras el último encuentro entre la gente del FBI y el infiltrado O' Neal. Por lo pronto señalar que William O'Neal continuó siendo un miembro activo del Pantera negra parte y un informante a sueldo del FBI hasta principios de la década de 1970, ganando un equivalente actual de unos 200.000 dólares. 

En mil novecientos ochenta y nueve dio su primera y única entrevista en pantalla para la serie documental " Eyes on The prize 2". En esa entrevista qué  fue emitida por el canal público PBS se le pregunta al infiltrado que le contaría a su hijo de su actuación pasada y este le contesta que " Creo que dejaré que tu codocumental ponga un final a esa historia. No lo sé. Yo fui parte de la lucha. No fue uno de esos revolucionarios del sillón y que se atreven a juzgar acciones o inacciones de las personas cuando estás al margen y no hicieron nada. Declaró que él fue parte de la organización y tuvo el coraje de salir de allí". 

Tras eso acaba la entrevista. Pero la información posterior de la película es terrible. El día que se se estrenó y se emitió el documental, el quince de enero de 1990, el día de Martin Luther King, esa misma noche, William O'Neal se suicidó. 

Cuando fue asesinado Fred Hamptom tenía tan solo 21 años. También fue asesinado y tenía 22. Durante la redada, la policía realizó 99 disparos frente al uno que tiró la pantera negra. Sin embargo los siete supervivientes se enfrentaron a numerosos cargos, incluido el intento de asesinato. 

El entierro de Hampton fue multitudinario allí participaron sus amigos y otros miembros del partido. Especialmente muchas mujeres. En mil novecientos setenta, los supervivientes de la redada, junto con las madres de Hampton y de Clark como presentaron una demanda de cuarenta y siete, siete millones de dólares alegando una conspiración entre el FBI, el departamento de policía de Chicago y la fiscalía del Estado para asesinar a Fred Hampton. Tras doce años luchando por la justicia, el caso fue sentenciado con uno, ochenta y cinco millones de dólares, siendo en aquel momento el juicio civil más largo de la historia de los Estados Unidos. 

25 días después del asesinato la mujer de Hampton Deborah Johnson dio a luz. Ella siguió siendo un miembro activo de las panteras negras hastas la disolución de la sección de Illinois en 1978. 

En la actualidad, Johnson, ahora conocida como Akua Njeri, forma parte del consejo asesor de los cachorros del partido Pantera negra,los "Black Panther Party Cubs", una organización revolucionaria que continúa la lucha para la autodeterminación del pueblo negro. 

Fred Hampton jr, es el presidente del partido. Y con una imagen de la madre y el hijo y e imágenes reales de Hampton acaba la película.

Will Berson y King Shaka, durante varios años de escritura del guion, tuvieron mucha libertad con la historia del activista William O’Neal (Lakeith Stanfield), el “Judas” que compartía información sobre las Panteras Negras al FBI y la razón por la que el líder del partido de los "Boinas Negras", Fred Hampton (Daniel Kaluuya), haya sido asesinado, según Smithsonian Magazine, revista de la red de museos estadounidenses. Hampton había salido recientemente de la cárcel y esperaba un hijo de la activista Akua Njeri (antes llamada Deborah Jonhson), la cual hoy aún hace vigilias para conmemorar el asesinato del hombre al que solo le gustaba la poesía revolucionaria, Fred Hampton. Pero nunca imaginó que un infiltrado en el Partido Pantera Negra iba a provocar su muerte. 

Si bien en taquilla se recuperó únicamente 2 millones de dólares en su estreno, lo cierto que los reconocimientos han sido múltiples desde su lanzamiento en el Festival de Sundance en febrero de 2021. 

En la  93 Edición de los Oscar (2021)  la película fue nominada en múltiples conceptos como al de Mejor película, Mejor actor de reparto (Daniel Kaluuya) , Mejor actor de reparto (Lakeith Stanfield), Mejor guion original (Will Berson, Shaka King), Mejor fotografía (Sean Bobbitt) , donde sí ganó, y mejor canción (H.E.R. "Fight for You" ).

En la  78ª Globos de Oro (2021) fue  ganadora al Mejor actor de reparto (Daniel Kaluuya)  y nominada a Mejor canción original (D'Mile, H.E.R., Tiara Thomas “Fight for You”) 

En los BAFTA, los Premios de la academia de cine y TV británica , fue ganadora al Mejor actor secundario (Daniel Kaluuya) y nominada a Mejor actriz secundaria (Dominique Fishback) , Mejor fotografía (Sean Bobbitt) y Mejor casting.

Para el Sindicato de Guionistas (WGA)  la nominó al Mejor guion original (Will Berson, Shaka King, Keith Lucas, Kenneth Lucas) 

En los 27º Premios del Sindicato de Actores (SAG) se llevó el premio a Mejor actor secundario  de un largometraje para Daniel Kaluuya.

El Sindicato de Productores (PGA) la nominó a Mejor película; mienbtras que la  National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos) -la incluyó entre las Mejores películas del año (por orden alfabético)

En la  26 edición de los Critics Choice Awards  fue ganadora al Mejor actor secundario (Daniel Kaluuya) y nominada a Mejor reparto  y Mejor canción ("Fight for You") 

En la American Film Institute (AFI)  fue inlucida entre las Mejores películas del año  y en los Premios Image (2022) será nominada a Mejor película ganadora, Mejor dirección (Shaka King) , ganando el de Mejor actor (Lakeith Stanfield) , aunque no el de Mejor actor de reparto (Daniel Kaluuya) ni Mejor actor de reparto (Algee Smith), ni Mejor actriz de reparto (Dominique Fishback)  ni Mejor reparto, aunque sí lo hará al de Mejor guión (Shaka King, Will Berson, Keith Lucas, Kenneth Lucas.

En cuanto a la crítica la valoración ha sido en general positiva. Desde los Estados Unidos la valoración fue bastante positiva. 

Para David Rooney del The Hollywood Reporter la película "Liderada por las sensacionales actuaciones de Kaluuya y Stanfield (...) esto es una crónica vibrante de opresión y revolución, coacción y traición, que resulta más impactante si cabe porque sus temas siguen siendo de actualidad" 

Leah Greenblatt de Entertainment Weekly escribió sobre ella que "Daniel Kaluuya incendia la pantalla en esta película feroz y obligatoria de ver (...) King le da un estilo teatral vistoso, lleno de composiciones artísticas y una energía incansable y vibrante" 

Peter Debruge de Variety comentó que la película era "Una poderosa película que pone el momento actual en un contexto histórico relevante y sugiere que la ambivalencia puede ser una forma de traición." 

Brian Truitt de USA Today sostuvo que "Satisface como thriller tenso y como obra de época reveladora, con dos de los actores más cautivadores de Hollywood (...) " 

Justin Chang en las páginas de Los Angeles Times sostuvo que era "Una película calmada y electrizante en la que no puedes apartar la mirada de Daniel Kaluuya" 

Por su parte, Karen Han de Slate señaló que era "Una de las mejores películas de 2021 (...) Los personajes no son meros portavoces o medios para un fin y tanto ellos como sus conflictos transmiten autenticidad" 

Carlos Aguilar de The Wrap destacó que la película "Está impecablemente concebida (...) Si el cine es algo político, Shaka King ha creado un manifiesto." 

En  IndieWire Kate Erbland alabó el trabajo de "Daniel Kaluuya y Lakeith Stanfield siguen demostrando que son dos de los mejores actores en activo (...) Aunque el legado de Hampton y los crímenes de O’Neal deberían inspirar más proyectos, la contribución de King no se olvidará pronto" 

Katie Rife de AV Club destacó "Por encima de todo, el hecho de que una película sea enfurecedora y relevante 50 años después dice mucho de lo acertado que estaba Fred Hampton. Puedes matar a la persona, pero no a la idea." 

Peter Travers antes en Rolling Stone, habitualmente, ahora en ABC News valoró positivamente "El debut de King como director convencional vibra con acción revolucionaria, retórica exaltada e intimidad poco común para aullar con rabia contra la injusticia y la brutalidad policial (...) Un nuevo clásico" 

Para Johnny Oleksinski del New York Post la película es "Electrizante, impactante y llena de verdad (...) La interpretación y dirección son sutiles, los personajes son ricos y complejos —y las repercusiones que tuvo este drama basado hechos reales fueron enormes (…) 

De lo pubnlicado en Gran Bretaña Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian escribe que se trata de "Un drama muy entretenido, interpretado con pasión, con actuaciones soberbias de Lakeith Stanfield y Daniel Kaluuya (...)  

Ya en España Elsa Fernández-Santos en El País destaca que "La película que merece el movimiento Black Lives Matter (...) Si Daniel Kaluuya contagia de proclamas revolucionarias al patio de butacas (...), Stanfield (...) logra arrastrar al espectador hasta su misma espantosa encrucijada." 

Luis Martínez de El Mundo lo que más le gustó fue la "Enérgica apología contra la impostura de los tonos medios (...) No anula los convencionalismos, los transmuta en su más violenta negritud (…) " 

Oti Rodríguez Marchante habitual de ABC valora que "El director tiene a su Mesías, y la aleación de explosivo y prudencia del personaje es lo mejor; y tiene a su discípulo (...) pero se le escapan 'los romanos', el dibujo del FBI es solo una mediocre caricatura (…) " 

La crítica habitual de El Confidencial, Marta Medina, destaca el papel de la directora, guionista y productora "King consigue imprimir un ritmo de 'thriller' que bebe de la mano de Scorsese. No sobreexplica, utiliza las elipsis y las sorpresas de forma muy inteligente y consigue atrapar al espectador y no soltarlo (…) " 

Ricardo Rosado en Fotogramas habla de "Su ambición histórica contrasta con un funcional apartado artístico que, apoyado en sus feroces intérpretes, se rinde antes de compararse con cineastas decididos a engalanar su narrativa. (…)" 

Por último, en  Cinemanía Irene Crespo valora el papel de "King , quien escribe y dirige este thriller político en el que maneja bien el ritmo entre las secuencias más íntimas, divulgativas y revolucionarias, casi de acción. (…)

Poco más que decir de la película y de los Panteras Negras, los míticos Black Panthers, que lo que sí lograron fue visibilizar la brutalidad policial contra la comunidad negra, desarrollando programas de servicio comunitario (desayunos para niños, clínicas de salud) y promoviendo la autodefensa y el orgullo racial.. Aunque buscaron un cambio radical, se enfrentaron una fuerte represión estatal tal y como se refleja en la película , y se muestra especialmente al final de la misma.

Afal, una mirada libre (1956-1963)

Dirigido, guionizado y producido en 2009 por el bilbilitano Alberto Gómez Uriol nos muestra este documental la historia de lo que fue el grupo Afal (Agrupación Fotográfica Almeriense) nacida en la década de 1950 gracias al esfuerzo ppor renovar la fotografía española de parte de dos fotógrafos almerienses que en torno a la revista homónima pusieron las bases de un proyecto que será absolutamente renovador.

Fundada por José María Artero (Almería, 1928-1991) y Carlos Pérez Siquier (Almería, 1930-2021), director y redactor jefe respectivamente la publicación, editada entre 1956 y 1963, sirvió de lugar de encuentro para fotógrafos de distintos puntos de España que buscaban una renovación de la práctica fotográfica en el país. La revista de fotografía Afal,  servirá de nexo a un grupo de fotógrafos que modernizó y renovó la fotografía española durante los años 50 y 60.

El grupo Afal fue un colectivo de fotógrafos españoles  cuyo principal vínculo fue, precisamente,  la revista AFAL, editada por la Agrupación fotográfica almeriense (de ahí su nombre. Desde su revista este grupo de fotógrafos, unos profesionales y otros amateurs, optarán por la transformación que experimentó la fotografía española durante ambas décadas, inspirándose en las tendencias del documental neorrealista y del reportaje humanista que se desarrollaban fuera del país. 

Lo cierto es que el acceso a la cultura visual tras una dura postguerra era bastante limitado, y cuando se daba, era a través de algunos viajes, el cine, escasas exposiciones, libros y revistas internacionales, especialmente anuarios fotográficos que llegaron a España no sin dificultad. Por ello, los fotógrafos de la época promovieron tanto el intercambio como el contacto con el exterior. Ésto dio como resultado una fotografía trasnacional, vinculada con las problemáticas que se sucedían fuera del país. 

El documental narra a lo largo de 60 minutos, cómo el Grupo Afal, con un colectivo de jóvenes fotógrafos, impulsado y aglutinado desde la olvidada Almería de los años 50 por Carlos Pérez Siquier y José María Artero  revolucionó y cambió el rumbo de la estancada fotografía pictorialista española de la época, llevándola a ocupar un puesto relevante en el panorama fotográfico internacional. 

El documental dirigido por Alberto Gómez Uriol y producido por su productora 29LETRAS, fundada junto a David del Águila, abarca el periodo de los años 1956 – 1963.

El colectivo creado en 1959, estuvo formado por Leonardo Cantero, Gabriel Cualladó, Paco Gómez, Ramón Masats, Francisco Ontañón, Joaquín Rubio Camín, Juan Dolcet, Fernando Gordillo, Gerardo Vielba y Sigfrido de Guzmán. El documental está trufado de las  intervenciones y fotografías de Siquier, Maspons, Ontañón, Terré, Schommer, De la Hoz, Albero, Pomés, Masats, Camín, Colom, Juanes, Gómez, Miserachs y Cualladó.

El documental recoge las ideas de unos fotógrafos que ofrecían una mirada alternativa al tiempo en el que vivían, conformando un agudo y lúcido retrato de la oscura España de entonces, a través de una producción fotográfica excepcional a la que el tiempo no ha hecho mas que revalorizar. El rodaje del documental, que ha contado con el asesoramiento de Laura Terré, doctora en Bellas Artes especializada en el grupo Afal, se ha llevado a cabo en Almería, Gijón, Vigo, Terrassa, Barcelona y Madrid. 

Tras un laborioso montaje estructurado a través de textos aparecidos en la revista Afal junto a los testimonios de los fotógrafos, ya que la revista gustaba de vombinar poesía escrita y la visual, y con el apoyo visual de la obra fotográfica de éstos, aparte de imágenes de archivo de la época, y diversos documentos entre los que se cuenta la correspondencia mantenida entre los fotógrafos y la propia revista Afal.

Veremos a lo largo del documental no se habla de los 36 números de la revista que se editaron , pero sí de cñomo esta revista pequeña y libre se atrevió a alejarse del relato fotográfico de la dictadura a través de sus imágenes que iban desde los retratos, un género recurrente para estos fotógrafos, hasta imágenes que reflejan la pobreza, la prostitución, la marginalidad, la nobleza y la inocencia de los retratados, pero también la migración de la clase trabajadora campesina y rural del sur a las ciudades del norte para integrarse en el trabajo industrial, pero también el impacto en la economía de turismo y sus imágenes.

Este documental podría combinarse con algunas exposiciones realizadas sobre el colectivo como la exposición realizada hace unos años en el reina Sofía que también recogía en una de sus salas ‘Once fotógrafos españoles a París’, un proyecto organizado en 1962 por Comissariat Général du Turisme del Estado francés en Barcelona con la intención de promocionar el turismo español hacia Francia. En él participaron Leonardo Cantero junto con Gabriel Cualladó, Eugeni Forcano, Joan Cubaró, Andreu Basté, Ramón Masats, Oriol Maspons, Francisco Ontañón, Xavier Miserachs, Paco Gómez y Joan Colom.

En el grupo Afal, se juntaron un grupo variado de fotógrafos que compartían interés por la función social del fotógrafo y su implicación en la realidad de su tiempo. El ideal de todos ellos fue expresar mediante procedimientos sencillos y directos sus inquietudes estéticas, lejos de estereotipos heredados de la pintura. En Afal se unieron fotógrafos de procedencias e intereses variados. Desde fotógrafos amateurs como Gabriel Cualladó, Francisco Gómez, Joan Colom - que inmortalizó la prostitución urbana-  y Ricard Terré; algunos de ellos ligados a la cultura y las artes plásticas, como Gonzalo Juanes, Jesús de Perceval, Joaquín Rubio Camín y Josep Maria Casademont. Otros tenían una incipiente carrera profesional, como fueron Alberto Schommer, Xavier Miserachs o Ramón Masats. 

Los integrantes madrileños formaron en el año 1958 el grupo La Palangana. En sus tertulias discutían la selección de fotografías para las exposiciones de Afal y compartían sus conclusiones por carta con el grupo de Almería. 

La revista Afal, elemento unificador del grupo, se publicó entre 1956 y 1963. Tuvo cuatro etapas diferenciadas. Los tres primeros números fueron editados como boletines de agrupación. A partir de julio de 1956, el formato cambia a revista y se inicia un periodo de apogeo: las portadas muestran lo mejor de la producción de los jóvenes fotógrafos miembros y en el interior se traducen textos importantes de la literatura fotográfica de la época. 

En 1958, la revista Afal publica el ‘Anuario de la Fotografía Española’, que no obtiene las ventas esperadas, lo que provoca una crisis económica que hace que vuelva a editarse en formato boletín. Carlos Pérez Siquier durante el documental habla, es el que más habla, de lo que supuso este anuario.

Este ‘Anuario de la Fotografía Española ‘de 1958 fue el proyecto más ambicioso del grupo. Se imprimieron 2500 ejemplares, con reproducciones en huecograbado de más de 100 fotografías de 48 autores. La cuidada y exigente selección se hizo en base al estilo personal de sus autores, no al gusto de los promotores, y en ella se reflejaba la diversidad de enfoques que coexistían en España, a diferencia de la monótona reunión de fotógrafos de una sola tendencia de los anuarios europeos. 

Finalmente, a partir de enero de 1959 se dio más importancia a la sección de cinematografía y se eligieron para las portadas casi exclusivamente retratos femeninos; asimismo, se incluyó una edición bilingüe de los textos con las colaboraciones extranjeras, entre las que destaca la del fotógrafo francés Roger Doloy, que había propuesto incluso una edición conjunta de la revista con sedes en París y Almería. 

La revista fuera más allá de la imagen fotográfica. Desde los primeros números se incluyeron textos poéticos de Manuel Alcántara y de Antonio Castro Villacañas, dos poetas estrechamente relacionados con Almería, y también de poetas de la Generación del 98 y la del 27 que habían sido silenciados por la censura franquista: Miguel de Unamuno, Ramón María del Valle-Inclán, Azorín, Federico García Lorca y los hermanos Antonio y Manuel Machado. 

La redacción de los artículos relacionados con el cine, uno de los pilares de la revista, estuvo desde un principio, en manos de Guillermo Berjón, miembro del grupo de Almería, que se encargó de buscar colaboraciones de calidad en los medios cinematográficos españoles. 

Afal dejó de editarse en 1963, lastrada por el déficit económico derivado de la edición del Anuario. Sobre su muerte, Pérez Siquier apunta: ”Las revoluciones tienen que morir jóvenes, porque si no, decaen”. Además, con la profesionalización de los fotógrafos de Afal, se cumplió uno de los objetivos de la publicación, la inserción de la fotografía en la vida española. Cosa que por otro lado, dificultó que siguieran colaborando con la revista. 

El gran mérito de los promotores de Afal fue la introducción de sus fotógrafos en certámenes y la organización de muestras colectivas en el extranjero, entre las que destacan la participación en el Salon Albert I de Charleroi (Bélgica) y en la Bienal de Pescara del año 1958. 

En diciembre de 1959 llevaron a cabo una exposición colectiva en París junto con el Club Photographique Les 30 x 40 que itineró por Berlín, Moscú y Milán. Hay que tener en cuenta el contexto histórico en el que estas fotografías viajan al exterior, en el que la dictadura de Franco pretendía dar una visión en de un país que se estaba abriendo y modernizando. Por ello, no se tenía ningún interés en que hubiera fotógrafos que enseñaran la realidad del día a día, como hacían los miembros de este grupo. “Una realidad que no hacía falta buscarla, estaba en sus ciudades o en sus barrios”, apunta Laura Terrer. 

Pocos de los fotógrafos de Afal viajaron al extranjero, pero comprendían que para dar rigor a su obra debían conocer la fotografía que se estaba haciendo en Europa y América. De esta manera, establecieron como referencias comunes indiscutibles la obra de Henri Cartier-Bresson, Eugene Smith, William Klein y la Agencia Magnum, así como las revistas ilustradas americanas de reportaje (Life) y moda (Vogue), revistas que algunos de ellos compraban cuando salían y que durante el documental que algunas personas pensaban de él que era homosexual. En el documental se habla de cómo alguno de sus integrantes fue seleccionado para exponer en el MOMA de Nueva York. 

Con el cambio de década, admiraron el trabajo de sus colegas italianos de las agrupaciones La Gondola y La Bussola, como Gianni Berengo Gardin y Mario Giacomelli, respectivamente, a quienes presentaron por primera vez en España. Para muchos miembros del grupo fueron de gran influencia las teorías acerca de la fotografía subjetiva de Otto Steinert. 

A partir de sus contactos con Steinert, Afal defendió la fotografía abstracta como signo de modernidad y la revista, desde sus inicios, con la voluntad de trazar relaciones con otras artes, emprendió una labor pedagógica para acercar el arte abstracto al público. 

La mayoría de los fotógrafos, aun los de carácter más reportero como Masats que habla en el documental de su hartazgo con la foto del penalty en el seminario, ensayaron una fotografía “estática”, como llamaron a la fotografía que recreaba la naturaleza muerta o la macrofotografía. 

La exposición del reina Sofia fue posible gracias a la donación de Pérez Siquier, compuesta de publicaciones y materiales especiales, entre los que se cuentan documentos de relevancia histórica como la correspondencia Algunos de los fotógrafos que colaboraron con Afal fueron Ramón Bargués, Francesc Catalá Roca, Joan Colom, Gabriel Cualladó, Francisco Gómez, Gonzalo Juanes, Ramón Masats, Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Francisco Ontañón, Carlos Pérez Siquier, Leopoldo Pomés, Alberto Schommer, Ricard Terré, Julio Ubiña y Gerardo Vielba. Un conjunto de autores que, aunque situados en posiciones diferentes, compartían su contraposición a lo que consideraban que era entonces la “fotografía oficial”. El grupo destacó por su alejamiento del pictorialismo y su tendencia a explorar las vías expresivas del arte fotográfico, tal y como expusieron en el nº 4 de la revista: “Consideramos la fotografía como una manifestación artística que admite parentescos y afinidades con otras más o menos próximas, pero con peculiaridades que la hacen independiente, soberana de su propio campo de expresión y con posibilidades inéditas ni remotamente soñadas y mucho menos explotadas por otras artes más antiguas en el tiempo”. 

Para terminar y ajena al documental diré que la historia de Afal se fue construyendo a través de los diferentes números de la revista y de los diálogos generados en sus exposiciones, su correspondencia y la edición del Anuario de la fotografía española (1958). Una trama de relaciones e inquietudes de las que da buena cuenta el Archivo AFAL conservado en la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Reina Sofía. Esta exposición fue comisariada por Laura Terré, historiadora y comisaria de la exposición, quien destacó que Afal fue "un milagro". Sin apoyo institucional, sin dinero y con la censura siempre al acecho lograron publicar 36 números. Fueron valientes al tratar temas incómodos y abrir las puertas a una nueva mirada en la fotografía. "Fue una oportunidad para demostrar a los jóvenes de hoy que es posible hacer cosas sin apoyo institucional", afirma Terré. Además, resalta la capacidad de resistencia del grupo: "Siete años parecen poco, pero para un joven de 17 que llega a los 24, o para alguien de 28 que alcanza los 35, es media vida de juventud dedicada a una causa". El Archivo AFAL está constituido por el Fondo Pérez Siquier y el Fondo Artero. El conjunto recoge documentación diversa que atestigua la labor realizada por los impulsores de la revista AFAL como fotografías, borradores de artículos y correspondencia. Entre los documentos consultables destacan los dos dibujos originales de logotipos de AFAL de Juan Ballesta, las diez maquetas que ilustran el proceso de elaboración de la revista, las tarjetas firmadas por Carlos Pérez Siquier y José María Artero que comunican la muerte de AFAL, y su consiguiente esquela inserta en la revista La Codorniz. Las series dedicadas a la correspondencia dan prueba de las relaciones que el grupo Afal estableció con otros autores, así como de los proyectos que derivaron de estas. Es el caso de la serie de felicitaciones navideñas que incluyen creaciones de Leonardo Cantero, Chumy Chúmez, Gabriel Cualladó, Ouka Lele, Ramón Masats, Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Francisco Ontañón, Alberto Schommer y Julio Ubiña, entre otros. Un diálogo también patente en la documentación relativa a las exposiciones organizadas, donde se incluyen las fotografías del grupo La Ventana de México, en el que participó Ruth Lechuga.

En definitiva esta revista consiguió reunir a los fotógrafos más inquietos del momento. Jóvenes que apostaron por una fotografía sin artificios, directa y realista, alejada del pictorialismo dominante en la época. Durante siete años, la publicación sirvió de plataforma para una generación de creadores que transformaría la fotografía española.Ese último año de publicación, sus fundadores enviaron una tarjeta de despedida con una imagen simbólica: una tumba infantil con la inscripción "Revista Afal 1956-1963 R.I.P.".