Onoda, 10.000 noches en la jungla

Recuerdo la noticia en prensa en el Diario Córdoba, cuando todavía pertenecía a la Prensa del Movimiento. La noticia era que un soldado japonés, Hiroo Onoda , un oficial de inteligencia del Ejército Imperial Japonés, había salido de la espesura de la selva de una isla filipina y se había entregado a las autoridades locales poniendo fin a su participación en la Segunda Guerra Mundial. 

Hasta ese momento, no había noticia, aunque lo que sí importaba era la fecha de la rendición. No estábamos en septiembre de 1945, sino que la rendición había sido en 1933. Esa era la noticia, un japonés había asumido la lucha durante tres décadas más. 

El personaje protagonista era interesante. Onoda (Yuya Endo ) fue entrenado como oficial de Inteligencia por el comando Futamata de la Escuela Nakano, tras no haber sido capaz de convertirse en un aviador kamikaze, dado su deseo de vivir a toda costa, según se narra en la película. 

Tras un periodo de formación , el 26 de diciembre de 1944 lo enviaron a la Isla de Lubang en Filipinas. Las órdenes de Onoda eran realizar una guerra de guerrillas contra los estadounidenses, que estaban listos para invadir la isla, especialmente atacando las infraestructuras de la isla, especialmente, las pistas de aterrizaje y los muelles del puerto para evitar que fueran usados por el enemigo. Sus órdenes también incluían el no rendirse bajo ninguna circunstancia o suicidarse. 

Cuando Onoda desembarcó en la isla, se le destinó a un grupo de soldados japoneses que habían sido enviados allí con anterioridad. Los oficiales en el grupo sobrepasaban en rango a Onoda y le impidieron llevar a cabo su misión, lo que hizo más fácil para Estados Unidos y las fuerzas de la Commonwealth de Filipinas tomar la isla una vez desembarcaron el 28 de febrero de 1945. 

Poco tiempo después del desembarco, todos los militares japoneses, menos Onoda y otros tres soldados, habían muerto o se habían rendido. Para ese momento Onoda, era el único oficial pues era teniente, y ordenó a los hombres que ocuparan las colinas. Onoda continuó su campaña, viviendo inicialmente en las montañas con tres compañeros (el soldado Yuichi Akatsu, el cabo Shoichi Shimada y el soldado de primera clase Kinshichi Kozuka (Yuya Matsuura ). 

La primera vez que vieron un folleto que afirmaba que la guerra había terminado fue en octubre de 1945 y decía lo siguiente: "La guerra terminó el 15 de agosto de 1945. ¡Bajen de las montañas!", aunque en la película fue uno de los donkos - filipinos al que se enfrentaron- los que hablaron de que la guerra había terminado. Onoda, sin embargo, desconfió del folleto al pensar que se trataba de propaganda aliada y razonando que no lo hubieran lanzado si de verdad la guerra hubiera concluido. 

Hacia el final de 1945 se lanzaron desde aviones panfletos con una orden de entrega del general Tomoyuki Yamashita impresa en ellos. En este momento llevaban ya más de un año en la clandestinidad y este prospecto había sido la única prueba que tenían de que la guerra había terminado. El grupo de Onoda lo examinó para determinar si era auténtico o no, y decidió que era un engaño. 

Uno de los cuatro, el joven Yuichi Akatsu (Kai Inowaki  ), se alejó de los demás en septiembre de 1949 y se rindió a las fuerzas filipinas en 1950 después de seis meses de vagar por su cuenta. Esto les pareció al resto un problema de seguridad, por lo que se hicieron aún más cuidadosos. 

En 1952 se lanzaron desde un avión cartas y fotos de familiares instándoles a rendirse, pero los tres soldados llegaron a la conclusión de que se trataba de un engaño. Shimada (Shinsuke Kato) , uno de los soldados, recibió un disparo en la pierna durante un tiroteo con pescadores locales en junio de 1953, tras lo cual Onoda lo cuidó hasta que se curó. 

El 7 de mayo de 1954, Shimada murió por un disparo efectuado por un grupo de búsqueda que trataba de detener a los japoneses. En la película está historia no es así, ya que el japonés es herido en un enfrentamiento cuando iban a conseguir carne de una vaca. Kozuka, el otro soldado, murió por dos disparos de la policía local el 19 de octubre de 1972, cuando él y Onoda (Kanji Tsuda ), como parte de sus actividades de guerrilla, quemaban arroz recolectado por unos agricultores, por lo que Onoda se quedó solo. Tampoco se refleja así en la película ya que  un veterano Kozuka ( Tetsuya Chiba ) muere en un enfrentamiento junto al río y muere brutalmente cuando los filipinos le lanzaron unos arpones. Onodo había sido declarado oficialmente muerto en diciembre de 1959, pero el suceso sugirió que era probable que aún estuviera vivo y se enviaron grupos en su busca, aunque ninguno logró encontrarlo. 

El 20 de febrero de 1974, Onoda escuchó una canción que le remitía a su juventud. Siguiendo las ondas sonoras allí, junto a un río, conoció a un estudiante japonés que había abandonado la universidad, Norio Suzuki (Taiga Nakano ) , al que vemos al inicio de la película, portando una bandera de Japón y un radicassette , y que estaba viajando por el mundo en busca de "El teniente Onoda, un panda y el Abominable Hombre de las Nieves, en ese orden". Ambos se hicieron amigos, pero Onoda todavía se negaba a rendirse, afirmando que esperaba órdenes de un superior. 

Suzuki volvió a Japón con las fotografías en las que aparecía con Onoda como prueba de su encuentro y el gobierno japonés localizó al superior de Onoda, el comandante Yoshimi Taniguchi (Issey Ogata ) , que se había convertido en librero. 

Taniguchi, que, en principio, manifiesta no conocer a Obnoda, voló junto a Suzuki a Lubang el 9 de marzo de 1974 e informó a Onoda de la derrota de Japón y le ordenó deponer las armas. 

El teniente Onoda salió de la selva 29 años después del final de la Segunda Guerra Mundial y aceptó la orden de rendirse, con la entrega de su uniforme y su espada, junto a su fusil Arisaka Tipo 99, todavía en condiciones de funcionar, 500 cartuchos, varias granadas de mano y una daga que su madre le había obsequiado en 1944 para suicidarse en caso de ser capturado. Esto lo convierte en el penúltimo soldado japonés que se rindió después del final de la guerra, solo superado siete meses después por Teruo Nakamura. 

A pesar de que había matado a una treintena de habitantes de la isla filipina y participado en varios tiroteos con la policía, se tuvieron en cuenta las circunstancias y Onoda recibió un indulto del presidente Ferdinand Marcos. 

Después de encontrarse con Onoda, Suzuki encontró rápidamente un panda salvaje y, en julio de 1975, afirmó haber visto un yeti desde la distancia, caminando en la cordillera Dhaulagiri del Himalaya. Murió en la década de los ochenta. 

En su autobiografía , "Sin rendición: Mi guerra de treinta años" , que Onoda publicó en 1974 se narra su vida. En abril de 1975, siguió el ejemplo de su hermano mayor, Tadao, y salió de Japón con rumbo a Brasil, donde se dedicó a la cría de ganado. 

Se casó en 1976 y asumió un papel de liderazgo en la comunidad japonesa local. Onoda volvió a visitar la isla de Lubang en 1996, donando 10 000 dólares estadounidenses para la escuela local. En sus últimos años pasaba tres meses al año en Brasil. Le fue concedida la medalla al Mérito de Santos-Dumont por la Fuerza Aérea Brasileña el 6 de diciembre de 2004. 

Onoda falleció de insuficiencia cardíaca debido a complicaciones de una neumonía el 16 de enero de 2014 en el Hospital Internacional St. Luke's de Tokio , Japón . Tenía 91 años

Sobre más o menos esta historia es lo que nos narra la película del año 2021 dirigida por un francés, Arthur Harari, escrita por el director y Vincent Poymiro, con la colaboración de Bernard Cendron, inspirada libremente en la vida de Hiroo Onoda. El francés Arthur Harari, sin conocer el idioma, se fue a rodar la película a Japón con actores japoneses que hablan en su lengua natal, para ser fiel a la historia real en la que se basa. Es una coproducción internacional entre Francia, Japón, Alemania, Bélgica, Italia y Camboya. 

La película fue ganadora del César al mejor guión original entre otros muchos premios al narrar la sorprendente historia real de un soldado japonés para el que la segunda Guerra Mundial duró 30 años más que el resto del mundo prolongándo su soledad durante años, mucho después de que Japón capitulara. En cualquier caso, fue recibido como un héroe y vivió luego muchos años más, mostrando lo difuso que puede ser el juicio de la conducta, por muy extrema que parezca, de un súbdito cualquiera en tiempos de guerra. Está particularmente inspirado en la biografía de 1974 de Cendron y Gérard Chenu Onoda, seul en guerre dans la jungle y en los archivos de Cendron y las conversaciones de Harari con él. 

La película no se basa en las propias memorias de Onoda, y Harari considera que la película es una ficción inspirada en la historia más que una película biográfica. Es una producción de Nicolas Anthomé para Bathysphere productions aunque también participan To Be Continued, Pandora Film, Frakas Productions, Ascent Film, Rai Cinema, arte France Cinéma. Lo cierto es que Werner Herzog siempre quiso dirigir un film sobre Onoda, el soldado de las 10.000 noches en la jungla.En lugar de ello, escribió un libro sobre su historia "El crespúsculo del mundo", y su encuentro. La fotografía es de Tom Harari y el montaje de Laurent Sénéchal. 

En la misma salen los siguientes actores y una actriz: Yuya Endo como el joven Hiroo Onoda, Kanji Tsuda como el viejo Hiroo Onoda, Yuya Matsuura como el joven Kinshichi Kozuka , Tetsuya Chiba como el viejo Kinshichi Kozuka, Shinsuke Kato como Shimada, Kai Inowaki como Akatsu, Issey Ogata como el Mayor Taniguchi, Taiga Nakano como Norio Suzuki, Nobuhiro Suwa como Tanejiro Onoda, Mutsuo Yoshioka como Capitán Hayakawa, Tomomitsu Adachi como segundo Kuroda, Kyusaku Shimada como el teniente Suehiro, Angeli Bayani como Iniez y Jemuel Cedrick Satumba como el prisionero filipino  

Esta producción francesa rodada en japonés oscila entre los años de Onoda en la jungla filipina y la época en la que se formaba como oficial de inteligencia, explicando de donde procedía su fe inquebrantable y qué decisiones le hizo tomar. 

La película inauguró la sección Un Certain Regard del Festival de Cine de Cannes 2021 en julio de 2021. Consiguió grandes reconocimientos tanto en festivales como por parte de la crítica. En la 47 edición de los Premios César (Francia) se llevó el de Mejor guion original (Arthur Harari, Vincent Poymiro ), siendo nominada en los apartados de Mejor película, Mejor dirección (Arthur Harari) y Mejor fotografía (Tom Harari). 

La película ganó el Premio Louis-Delluc de 2021. En la 18 muestra del Festival de Sevilla de cine europeo en noviembre tuvo la nominación al Giraldillo de Oro a la Mejor película, siendo ganadora en el Premio Especial del Jurado y Mejor guión (Arthur Harari, Vincent Poymiro ) En la 27º edición de los Premios Lumières fue nominada a la Mejor película, Mejor director (Arthur Harari), Mejor guion (Arthur Harari, Vincent Poymiro ) y Mejor fotografía (Tom Harari). Y en los 11º Premios Magritte fue nominada a la Mejor película extranjera.

En cuanto a la crítica, en Francia Fabien Lemercier de Cineuropa comentó que "Una película de acción maravillosa y existencialista, que al mismo tiempo resulta cautivadora y trepidante, rigurosa y con buen ritmo: una diga heredera de los grandes clásicos de la historia del cine" 

En los Estados Unidos Ben Croll de The Wrap considera que "Es como un paseo más allá del tiempo, recreando el aspecto y la sensación diáfana del cine de los 70 y la robusta elegancia del John Ford de mitad de siglo" 

En la web cinematográfica de RogerEbert.com, Ben Kenigsburg escribe: "Técnicamente, 'Onoda'... es una película biográfica, pero nunca funciona como tal. Esta película austera, sombría y, en ocasiones, incluso oscuramente divertida es, en casi tres horas, más como una lenta y absurda de combustión lenta (...) Pero, por muy salvaje que sea la historia, 'Onoda' mantiene los pies en la tierra con una fuerza imponente". 

Para Jessica Kiang de Variety la película "Tiene algunos problemas con la duración y el ritmo, pero está muy bien hecha y es una saga potente y satisfactoria de cine muscular a la vieja usanza".

James Lattimer, escribiendo para Sight and Sound, lo llamó "... un drama bélico de aspirantes a existencialistas de casi tres horas de duración pensado como un ejercicio en el tipo de inmersión en la pantalla grande que ha sido imposible últimamente. . . [L]a dramatización monótona de la película carece de la delicadeza visual o narrativa necesaria para mantener a los espectadores absortos". 

Noel Murray de Los Angeles Times sostuvo que era "Un retrato perspicaz del fanatismo, que ilustra cómo las malas ideas pueden arraigar simplemente porque las personas son naturalmente resistentes al cambio" 

En Gran Bretaña, Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian consideró que era "Una epopeya antibélica realmente bien hecha, a la antigua, con un estilo franco y rotundamente agradable (…)" 

Amber Wilkinson de Radio Times la califica como "Un intenso análisis de la camaradería y el compromiso, que pone una nota melancólica sobre el poder de la propaganda y una vida 'perdida' al servicio de una guerra que hace tiempo que terminó (…) 

Para Lisa Nesselson de Screendaily "Aunque hay algunos momentos meditativos de calma en esta aventura de 165 minutos (...) nunca se hace aburrida y su acumulación de detalles desemboca en una conclusión memorable y emotiva." 

Ya en España, Carlos Boyero en El País afirma que "Este insólito personaje y su demencial aventura están muy bien descritos (...) hay belleza visual (...) Junto a virtudes tan loables, la dirección del sensible Arthur Harari tiene un problema para mí. Y es que su película dure tres horas." 

Oti Rodríguez Marchante de ABC "La película necesita una grandísima cantidad de tiempo para resolverse, lo cual no mengua ni su calidad ni su interés, pero sí algo de paciencia para aguantarla. (…)" 

Quim Casas de El Periódico comentó que "La ha dirigido el francés Arthur Harari, sumamente respetuoso con los motivos, decisiones y actuaciones de Onoda. (...) cuenta muy bien los motivos estratégicos que llevan a Onoda a la isla filipina (…)" 

Paula Arantzazu Ruiz de Cinemanía afirma que la película "Es una de esas insólitas películas que desafían cualquier tendencia y nos recuerdan que el cine es la puerta de entrada hacia la aventura. (…)" 

Sergi Sánchez de Diario La Razón habla de que "Es interesante el modo en que Arthur Harari trabaja el tiempo narrativo (...) le falta, tal vez, una puesta en escena más subjetiva para que nosotros creamos que (...) una guerra sin enemigos es posible. (…)" 

Pablo Vázquez de Fotogramas sostuvo que "La última joya bélica indie (...) rebosa, cual cofre encontrado, cine con mayúsculas por cada uno de sus bordes. (…) " 

Marta Medina de El Confidencial comenta que "Rodada sin estridencias, 'Onoda' cala por lo extraordinario de los hechos que narra, pero también por la capacidad del director de encerrarnos (...) en la madeja impenetrable que es la cabeza del protagonista (…) 

Por último, podríamos decir que la película es una reformulación del conflicto tradicional entre el hombre y naturaleza, y entre el hombre consigo mismo, en un marco bélico como la Segunda Guerra Mundial en condiciones de asislamiento absoluto. Otro gran acierto de esta película es entonces su equilibrio entre ambas dimensiones: la interna del (anti)héroe y la externa, en su enfrentamiento con lo que le rodea. El metraje se acerca entonces a las tres horas, combinando flashbacks y elipsis al narrar varias décadas en la vida de este soldado y sus acompañantes. Con todo, es envidiable su ritmo, gracias a un montaje pausado y que recurre igualmente a transiciones clásicas, como los encadenados; y a una planificación ortodoxa, con posiciones muy precisas de cámara nos permiten disfrutar de esta historia triste, solitaria, casi devocionaria de un hombre que no quiere ver la realidad puesto que la misma no coincide con las órdenes recibidas, un hombnre que tiene miedo al fracaso y que se ve superado por unos acontecimientos imposibles de superar.

Chernóbil 1986

El 26 de abril de 1986,a la 1:23:45 am, el reactor número 4 de la Central nuclear de Chernóbil cerca de Pripyat, en la RSS de Ucrania (Unión Soviética), explotó. Una prueba de seguridad fallida, de baja potencia en la turbina, desactivaron los sistemas de seguridad críticos y permitieron que el reactor se volviera peligrosamente inestable. Esto unido a fallos de diseño en el reactor RBMK, en concreto, en la estructura de contención robusta en la que utilizaban barras de control con puntas de grafito que provocaban un aumento temporal de la reactividad al insertarlas y errores del operador provocaron una explosión masiva de vapor e incendio que liberó enormes cantidades de radiación a la atmósfera. Esta es la historia de la que nos fuimos enterando muy poquito a poco. 

Realmente fueron dos kas potentes explosiones que volaron el pesado techo del núcleo del reactor e incendiaron el grafito durante días, dispersando isótopos radiactivos por toda Europa.

Las autoridades soviéticas intentaron mantener el desastre en secreto, incluso cuando los monitores de radiación en Suecia registraron altos niveles de lluvia radiactiva días después.

Los residentes de las cercanías de Pripyat —más de 45.000 personas— no fueron evacuados hasta aproximadamente 36 horas después, y muchos sufrieron una exposición significativa a la radiación. 

Decenas de trabajadores de la planta y bomberos que acudieron en primera instancia fallecieron a causa del síndrome de irradiación aguda (SIA) en las semanas posteriores a la explosión. 

Esta es básicamente la historia que en el año 2021 se transformó en una película del género de catástrofes y dramas históricos que tanto gustan a los rusis y que aquí conocimos como Chernóbil 1986, , una película rusa del año 2021 dirigida por Danila Kozlovskiy - es un hombre, de hecho el actor principal- , y que contó como ayudante de dirección con Anna Filippova y que nos cuenta una historia inspirada en hechos reales pero no verdad inspirado en la tragedia real de la central nuclear de Chernóbil aquella que explotó el 26 de abril de 1986 cerca de la ciudad de Prípiat.

La película cuenta una historia de amor, realmente de un reencuentro, pero también el heroico trabajo de los liquidadores y las consecuencias del desastre soviético. Pero no recrea la cronología de esos trágicos hechos, y algunos de sus personajes, pese a estar inspirados en personas reales, son ficticios. 

En principal de ellos es el protagonista, Alexey Karpushin (Danila Kozlovski ) , un bombero en la central eléctrica, que natural de Kiev  se reencuentra vasualmente en la ciudad con una peluquera, Olga Savostina (Oksana Akínshina ). Este reencuentro revive en él una historia de juventud y de su pasado, pero en ella , además una historia de familia porque ella ahora no vive sóla, vive con un niño de 10 años, precisamente el tiempo en el que la pareja rompió y se separó. Ahora ambos se reencuentran en Pripiat.

Descubrimos que Alexey es uno de los más valorados bomberos de la central nuclear, conocedor de todos los rincones de la misma. El se siente culpable por lo ocurrido, aunque realmente parece que no cree en el compromiso. Con todo su único compromiso real es con el chico que se llama como el Alexey y que ha heredado de su abuela una vieja cámara de grabación. Alexey le regala al niño otra , algo más moderna, pero de segunda mano.

En la noche de 26 de abril , el chico y sus amigos salen de noche para grabnar las estrellas , pero casualmente el ruedo la explosión.

A partir de aquí comienza otra película que tiene más que ver con la heroicidad que con el amor. A partir de ahora el protagonista indiscutible es Alexei que conjuntamente con Valery Goncharuk (Filipp Avdeyev ) , un ingeniero nuclear, y Boris Nikonovich Bobylin (Nikolái Kozak ), un buzo militar, van a iniciar una peligrosa misión para drenar el agua del depósito debajo del rector en llamas. Esto es conocido por algunos como el escuadrón suicida. 

Tres hombres que entraron en un sótano radiactivo para salvar a media Europa. En las primeras horas del 26 de abril de 1986, después de que el reactor de Chernóbil explotara, se formó bajo tierra un nuevo peligro aún mayor. Una masa enorme de corio radiactivo blanco y candente se estaba derritiendo lentamente a través del suelo de concreto directamente sobre millones de litros de agua. Si el corio alcanzaba esa agua, la explosión de vapor resultante podría haber destruido los reactores restantes y esparcido radiación por gran parte de Europa. La única forma de detenerlo era abrir manualmente las compuertas de inundación en el sótano inundado y completamente oscuro bajo el reactor. 

Los tres hombres se ofrecieron voluntariamente para lo que todos creían que era una misión suicida (sus verdaderos nombres eran Alexei Ananenko, Valeri Bespalov y Boris Baranov) vestidos solo con trajes de neopreno delgados y portando linternas, vadearon agua radiactiva hasta las rodillas. Sus contadores Geiger gritaban todo el tiempo. Encontraron las válvulas en la oscuridad, las giraron a mano y drenaron la piscina antes de que el corio - esa famosa pata de elefante-  pudiera alcanzar el agua. Su valentía evitó una segunda catástrofe potencialmente mucho peor.  

Los tres van  a vivir la tensión de desactivar los daños parcialmente, aunque Boris morira en el intentó por la radiación, quedando los otros dos muy afectados emocionalmente y físicamente, aunque Alexei consigue sacar a las autoridades soviéticas que el pequeño Alexei pueda ser tratado en Suiza. 

Al final Olga a pesar de estar expuesta a la radiación y dejar de lado la advertencia de no acercarse a Alexei, que estaba muy contaminado por la radiación, se quita toda la protección y se acuesta al lado de el en agradecimiento por lo que hizo.

Tres meses después aparece ella sin ningún tipo de problema y encontrándose con su hijo ya curado gracias al tratamiento recibido en Suiza. Spsèchamos que el protagonista falleció.

En la película aparece Oksana Akinshina, Filipp Avdeev, Ravshana Kuekova, Nikolay Kozsk, Danila Kozlovskiy, Olivia Castanho y Ren Hanami. 

El 17 de abril de 2021 en una entrevista con RIA Novosti, el director y actor Danila Kozlovsky respondió a una pregunta sobre el propósito principal de la película y dijo: «El rodaje tuvo lugar desde principios de junio hasta el 13 de agosto de 2019. Principalmente se usaron las instalaciones de la central nuclear de Kursk en la ciudad de Kurchátov, un estudio en Moscú, otro en Budapest y demás localizaciones fueron en Croacia». "

En la producción estuvo Alexander Rodnyansky siendo el diseñador de la producción Timur Shagiakhmedov para Non Stop Production, Central Partnership Productions y Group of Companies Gpm Kit . 

La película parte de un guion escrito por Elena Ivanova basándose en una historia de Alexey Kazakov, inspirándose en el accidente de Chernóbil. La pelícuyla contó con la música de Ala Pugachova, siendo el responsable del sonido Alexey Samodelko. Para el maquillaje la responsable fue Ekaterina Shakhvorostova siendo responsable de fotografía Ksenia Sereda, el montaje de Anton Toktonov, la escenografía de Irina Sereda, el vestuario Varvara Avdyushko y los efectos especiales de Vyacheslav Boltenkov. 

La banda sonora fue grabada por la cantante y compositora Ala Pugachova, quien el 8 de septiembre de 1986 dio un concierto al aire libre para 9.000 liquidadores enuna localidad cercana a Pripiat, de la que vemos al final de la película unas fotgrafías de ella, de la actuación y del público, como ya he dicho muy cerca de Prípiat y a pocos kilómetros del reactor aún no cerrado por el actual sarcófago. Posteriormente fue galardonada con el título honorífico de «Liquidadora del accidente de Chernóbil», pero esta actuación en la zona de alta radiación tuvo un impacto negativo en su salud y comprometió su voz. Incluye una interpretación por Alla Borisovna de la canción «Solo somos huéspedes en esta vida», escrita por la difunta compositora Tatyana Snezhina. 

El estreno en Rusia estaba programado para el 8 de octubre de 2020, pero se pospuso debido a la pandemia de COVID-19. Finalmente sucedió el 15 de abril de 2021 y terminó coincidiendo con el 35 aniversario de la tragedia. 

La película recibió valoraciones mixtas por parte de la crítica cinematográfica rusa, mostrando opiniones muy divididas respecto a si fue «una respuesta rusa» a la miniserie estadounidense y las compararon, generalmente a favor de la última. 

En una reseña para la revista Afisha, Yegor Belikov consideró: «Chernóbil como medio de comunicación con el espectador más bien falla. Pero al mismo tiempo, esta es una película cuidadosamente hecha que puede cautivar y noquear una lágrima con un gancho bien dirigido». 

Meduza, un periódico online de Letonia, escribió: «la mujer más fuerte de Chernóbil es la joven de 26 años Ksenia Sereda, la directora de fotografía». Nikolai Kornatsky estuvo de acuerdo con él, elogiando el trabajo de Sereda y además dijo sobre Kozlovsky: «nació otro director, de cualidades bastante raras, capaz de hacer películas de actuación». 

Vadim Bogdanov  elogió el filme al decir que «la película es definitivamente de alta calidad. Fuerte estilo visual, convincentes actuaciones de Kozlovsky y Akinshina, una banda sonora memorable, mucho trabajo realizado en accesorios, escenografía y efectos visuales». 

El diario oficial ruso Rossíiskaya Gazeta, publicó a dos autores con opiniones opuestas. Aleksey Litovchenko escribió: «la película definitivamente no puede llamarse ni más veraz ni más espectacular que la serie de HBO» y Andrei Maksimov la elogió: «Kozlovsky es un maestro. Es un actor maravilloso y un director que intenta seguir su propio camino» 

Por otro lado, la valoraciones en occidente han sido otras. Este es el caso de Abirbhab Maitra en el Ready Steady Cut que dijo que "Quizá no escape a los clichés de las películas de desastres, pero con sus escenas de acción bien diseñadas, sus emociones sinceras y su retrato de la psique humana, merece la pena (…) "  

Para Greg Wheeler de The Review Geek "Su romance no es especialmente interesante ni está bien escrito (...) Hazte un favor a ti mismo y en lugar de ver esto, ve la obra maestra de HBO" 

Ya en España, Fausto Fernández comenta que "Vergüenza ajena la supuesta aproximación "realista" que la cinematografía putiniana quiso vender al resto del mundo con saturación de CGI baldío y un guión ultranacionalista y lacrimógeno ". 

Santiago García en  Leer Cine sostuvo que "La película no conmueve en ningún momento, aun cuando tenga escenas impactantes. (...) no hay forma de que esta simple película del montón compita con la grandeza de la miniserie, que es emocionante, espectacular, compleja y poderosa en todos los aspectos." 

El argentino Ezequiel Boetti en OtrosCines.com comentó que "Una suerte de respuesta rusa a la exitosa miniserie de HBO sobre la misma catástrofe nuclear. (...) La película de Danila Kozlovskiy no es muy sutil. (…) "  

Su paisano Juan Pablo Cinelli de Página 12 comenta que "Donde la película se despega decididamente de la serie es en la cuestión política detrás del accidente. Ahí donde la serie ahondaba en negligencias y malas praxis derivadas de la crisis económica de la Unión Soviética, la película elige de forma abierta evitar el tema."

Guillermo Courau en La Nación señala que "La “respuesta oficial” a la miniserie de HBO se queda en la épica heroica, pasando por alto cualquier responsabilidad política o coyuntural." 

Las consecuencias del accidente no se ven pero son conocidas, Se estableció una zona de exclusión de 30 kilómetros con estrictas restricciones alrededor de la planta, que hoy en día permanece prácticamente vacía. 

Importante fue el tema que hemos visto en la película, el de los Liquidadores, ya que más de 500.000 militares y civiles ("liquidadores") trabajaron para limpiar los escombros, extinguir los incendios y construir un refugio temporal de hormigón sobre el reactor destruido. 

Por último, la estructura de confinamiento fue un proyecto de ingeniería de gran envergadura, finalizado posteriormente y gestionado internacionalmente, encerró los restos de la Unidad 4 en un moderno arco de confinamiento seguro para evitar nuevas fugas ambientales. 

Por mi parte, destacar que Chernóbil: La película (2021) ,dirigida y protagonizada porDanila Kozlovsky, es una producción rusa que funciona como una respuesta cinematográfica local al masivo éxito global de la miniserie estadounidense de HBO de 2019. A diferencia del enfoque político y científico de la versión occidental, este largometraje opta por el melodrama heroico y las convenciones del cine de catástrofes de Hollywood. Desplaza el foco de la negligencia institucional soviética para centrarse en la perspectiva humana y ficticia de Alexey, un bombero que se convierte en "liquidador". 

La primera mitad de la cinta desperdicia demasiado tiempo en un romance predecible y melodramático , restando fluidez y tensión al conflicto principal. 

El apartado visual es lo mejor de la película siendo el punto más fuerte de la producción. La dirección de fotografía de Ksenia Sereda es sobresaliente, entregando planos secuencias inmersivos, escenas subacuáticas de alta tensión y una recreación opresiva de la central en llamas que no le envidia nada a las grandes producciones internacionales. 

En cuanto a la crítica al poder la película se muestra sumamente tibia e institucional. La película ignora deliberadamente las responsabilidades políticas y los errores sistémicos del régimen soviético que provocaron el desastre, prefiriendo glorificar el sacrificio desinteresado y patriótico de los trabajadores.

La película es un largometraje técnicamente impecable, con un diseño de producción y efectos visuales de alta calidad. Sin embargo, naufraga en su intento de conmover debido a un guion blando que se apoya en clichés románticos y que evita hacer preguntas incómodas sobre el trasfondo histórico del desastre. Si buscas una espectacular película de acción y supervivencia, cumple su cometido; si buscas rigor histórico o el suspenso político que caracterizó a la serie de HBO, te resultará marcadamente inferior. Eso sí, no las veas en Cuatro, es un coñazo su sistema de inmersión publicitaria y no poderla pasar durante la punblicidad es un castigo.  

Chisum revisado

Revisión de lo que es una buena muestra del western de los años 70, este dirigido por Andrew V. McLaglen que tiene como protagonista la ciudad de Lincoln y al enfrentamiento que lleva a John al entorno de Billy el Niño y Pat Garret. 

Al finalizar la Guerra de secesión norteamericana surge en moda fortunas, creadas generalmente por hombres duros y emprendedores. Un Texas John season partiendo de la nada consigue levantar un gran negocio ganadero que realmente desarrolla el Nuevo México. Jones es conocido como el rey del Pecos, ya que el monopoliza las aguas de este río, las cuales distribuye entre los granjeros de la comunidad. 

Esta fue la cuarta de las cinco colaboraciones entre John Wayne y el director Andrew V McLaglen, un cine hasta impersonal pero efectivo, especialista en el género y cuya filmografía combina a títulos memorables como El gran Maclintock o El valle de la violencia con otros menos conseguidos. 

Este que nos ocupa lejanamente basado en hechos y personajes reales como el mismo hechizo y el niño, Henry Tunstall y Par Garret, estaría a medio camino entre uno hacia otros. 

Como curiosidad mientras Wayne estaba rodando este filme en México recibió el globo de Oro y una nominación al oscar por su papel en Valor de ley. 

No fue la única anécdota del rodaje pues dos de sus secundarios,  los televisivos Christopher George y Linda Day George, empezaron una relación horrorosa que termina en boda, pero de todo ello ya estáis más informados si leistéis la entrada sobre Chisum, allá por 2028. 

Brigada 21

Hace unos años, el crítico Fausto Fernádez daba las gracia en lo que antes era Twitter al director y guionista y productor Tirso Calero responsable de una serie que fue referencia del género policial en televisión  Española como Servir y proteger, y se lo daba en parte por ver en ella homenajes permanentes a clásicos de este cine, seies y literatura como es el caso de El atracador de mujeres de Ed McBain , Bronx: Fort Apache con Paul Newman, la mítica serie de Canción Triste de Hill Street (Hill Street Blues) o The Sweeney o esta que nos ha traido Brigada 21. la respuesta de Tirso Calero no se hizo esperar y , tras aradecerle el tuit le dijo que " (...) Y ya iras viendo nuestros homenajes al policiaco de Sollima o de De la Loma o de tantos que nos hicieron amar el cine.

Brigada 21 fue una creación de uno de los grandes, William Wyler, un director eficaz capaz de producir películas, en este caso para la Paramount Pictures - que invirtió en ella 1,5 millones de dóalres- , como escribir guiones que valían y mucho. Aunque era un director con un estilo sin estilo como dijo de él Alberto Abuin y fue responsable de títulos tales como Desengaño (Dodsworth, 1939), El forastero (The Westerner, 1940), La loba (the Little Foxes, 1941) o Los mejores años de nuestra vida (The Best Years of Our Lives, 1946), antes de hacer esta película sobre una historia de detectives, para despues hacer otras grandes películas como Horizontes de grandeza, Testigo de cargo, Ben Hur o Vacaciones en Roma .  

La obra es una adaptación de Robert Wyler y Philip Yordan, de un escrito de Sidney Kingsley que será reconocido en la película como guionista junto a Robert Wyler y Philip Yordan. Este último señor, según César Bardés, firmó guiones como los de "Odio entre hermanos", "Al este de Java", "55 días en Pekín", "Brigada 21" o "Johnny Guitar", pero corre la leyenda de que no escribió ni una sola línea...Yordan era uno de los testaferros más socorridos en la época de la "caza de brujas" y ofrecía su nombre a guionistas que no podían desarrollar su trabajo por estar incluidos en las listas negras. Según Ben Maddow, todo lo que escribió él en aquellos años llevaba la firma de Yordan, y otro guionista, Bernard Gordon lo corrobora. Cuando acabaron las listas negras, período en el cual Yordan llegó a ganar un Óscar por "Lanza rota", que era una versión en western de "Odio entre hermanos", según parece, Yordan contrató a un equipo de escritores para que escribieran guiones por él algunos de los cuales fueron los utilizados por las producciones de Samuel Bronston en España, porque, curiosamente, Yordan también fue incluido en las listas negras y no tenía fácil el acceso a Hollywood. Yordan, incluso, se hizo productor de las películas que supuestamente escribía a finales de los sesenta y en los setenta. Este es el caso de la película Detective Story, una película del año 1951, qué se centra en una pequeña comisaría de policía de la ciudad de Nueva York en un día de trabajo. 

Allí trabajan entre otros el policía James Macleod (Kirk Douglas), un hombre que se caracteriza por su repulsa fanática hacia el crimen, por ser intransigente y despiadado con lo delincuente que lleva presos a la comisaría. Pero todo el odio de esta policía se centra en este momento y en ese día en la persona del doctor Schneider ( George Maccready), un médico que ejerce ilegalmente y que es responsable de muchos abortos en la ciudad. Cuando James cree que tiene pruebas suficientes para mandarle los tribunales . Lleno de ira, golpea al médico, cuyo delito son las prácticas abortivas fuera de la liga. Lo que desconoce MacLeod, es que su propia esposa Mary ( Eleanor Parker) tuvo que recurrir a los servicios de este doctor cuando estuvo implicada en una relación con un hombre casado que se dedicaba al negocio de las apuestas. El policía pese a sus propósitos no podrá perdonar jamás a su esposa. A partir de ese momento la vida ya no tiene sentido para James y consecuentemente con su destino, adoptando una decisión en un momento de suprema tensión emocional de la que son testigos su jefes y compañeros. 

El detective Jim McLeod, cuyo violento padre criminal llevó a su madre a la locura, alberga un odio de por vida hacia los delincuentes y está convencido de tener un instinto infalible para identificar criminales. Siente un desprecio particular por el Dr. Karl Schneider, de quien McLeod está convencido de que ha practicado abortos ilegales que han provocado la muerte de mujeres y sus bebés. 

McLeod ha persuadido a la asistente de Schneider para que lo incrimine en una rueda de reconocimiento policial. Sin embargo, Schneider la soborna para que no lo delate, comprándole un chal de pieles, lo que enfurece a McLeod. 

En la comisaría se están tramitando varios casos más. Los detectives han arrestado al ladrón Charley Gennini (Joseph Wiseman ) , quien resulta ser un psicópata con un extenso historial delictivo, que incluye asesinato y violación. 

McLeod también detiene a un joven llamado Arthur Kindred (Craig Hill ) , quien ha admitido haber robado dinero a su empleador para intentar impresionar a la chica que ama. Aunque el empleador se muestra comprensivo y quiere retirar los cargos una vez que se le devuelva el dinero, McLeod se niega a liberar al arrepentido Kindred, argumentando que la indulgencia solo conduce a más delitos. A pesar de las pruebas de la bondad de Kindred, McLeod no está dispuesto a distinguir entre un delincuente primerizo como Kindred y un peligroso reincidente como Gennini. 

McLeod pierde otra oportunidad de demostrar la culpabilidad de Schneider cuando una víctima fallece en el hospital. Schneider se jacta de tener información confidencial sobre McLeod, quien finalmente estalla de ira y lo ataca brutalmente, obligando al teniente Monaghan ( Horace McMahon ) , superior de McLeod, a escoltar a Schneider al hospital en ambulancia. 

Schneider, medio inconsciente, menciona el nombre de Giacoppetti en relación con una mujer supuestamente vinculada a McLeod. Cuando el abogado de Schneider, Endicott Sims (Warner Anderson ), llega para protestar por el incidente, revela inadvertidamente que la mujer a la que Schneider se refería es Mary, la esposa de McLeod. 

Monaghan hace que traigan a Mary a la comisaría y la entrevista en privado. Ella niega cualquier relación hasta que Monaghan invita a Tami Giacoppetti (Gerald Mohr ) a entrar y este la saluda por su nombre. Mary le confiesa a su esposo que años atrás quedó embarazada de Giacoppetti. McLeod, preocupado por su aparente infertilidad, se horroriza ante la idea de que esta se debiera al aborto provocado por Schneider, sobre todo cuando Sims insinúa que pudo haber tenido más amantes. 

Tras la acusación de infidelidad por parte de McLeod, Mary le dice que es cruel como su padre y lo abandona. 

Gennini aprovecha una distracción para robar el revólver de un agente y dispara mortalmente a McLeod antes de ser desarmado. Moribundo, McLeod le ordena a su compañero que libere a Kindred y que le pida perdón a su esposa. El periódico local elogia a McLeod por morir en acto de servicio. 

En la película aparecen igualmente casi O'Donnell, Craig Hill, Harper Goff, Hora e McMahon y Jack Shea.&nbsp. La película cuenta con la música de Victor Young, la magnífica fotografía en blanco y negro Lee Garmes con buenos primeros planos y unos efectivos planos cenitales y exteriores de la comisaria, destca igualmente el montaje de Robert Swink y el vestuario de Edith Head.

Paramount compró los derechos cinematográficos de la historia en 1949 por 285.000 dólares, más un porcentaje de las ganancias. Alan Ladd fue la primera estrella vinculada al proyecto. Durante la producción, la película tuvo problemas con el Código de Producción Cinematográfica , ya que no se permitían tramas que involucraran el asesinato de policías ni referencias al aborto. Joseph Breen sugirió que las referencias explícitas al aborto se modificaran a "cría ilegal de bebés". Sin embargo, cuando se estrenó la película, muchos críticos de cine interpretaron al Dr. Schneider como un abortista clandestino. 

Breen y William Wyler sugirieron al Comité del Código de Producción de la MPAA que se enmendara el código para permitir el asesinato de policías si era absolutamente necesario para la trama. El comité estuvo de acuerdo y el código se enmendó, levantando la prohibición anterior.

La película obtuvo cuatro nominaciones a los Óscar de 1952: mejor director, mejor actriz principal (Eleanor Parker), mejor actriz secundaria (Lee Grant) y mejor guión adaptado. 

En la 9ª edición de los Globos de Oro (1952) las nominaciones se centraron en la Mejor película en el apartado de Drama, Mejor actor principal por el trabajo de Kirk Douglas, la de Mejor actriz de reparto como Lee Grant. Y en los BAFTA de 1952 fue nominada a la Mejor película. 

En el Festival de Cannes 1952 optó a la Palma de Oro a la Mejor película, pero se llevó el de Mejor actriz (Lee Grant). Fue nominada por el Sindicato de guionistas y de directores y se incluyó en la National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos) como una de las mejores películas del año. 

Con una buena recaudación que duplicó lo invertido y con una crítica entregada al 100 % , uno de los grandes críticos del momento, Bosley Crowther,columnista del The New York Times comentó que era "Un entretenimiento sombrío, no revelador pero sí contundentemente real". Y añade en su columna " La obra de teatro de Sidney Kingsley, "Detective Story", ha sido adaptada al cine por el productor y director William Wyler, con la ayuda de un excelente y talentoso reparto. La película se centra en la representación gráfica del turbio ir y venir que se produce en la sala de un grupo de detectives de paisano en una comisaría de Nueva York, pero profundiza poco en la vida de los personajes. ... En la interpretación de esta obra, todos los miembros del reparto merecen un aplauso, con la posible excepción de Eleanor Parker como la esposa del protagonista, y en realidad no tiene la culpa. Kirk Douglas es tan enérgico y agresivo como el detective con una mente perturbada que las dulces y convencionales distracciones de la señorita Parker como su esposa parecen bastante dóciles. Para el papel de la compañera de semejante tigre —y de una mujer con un pasado turbulento que se revela con crudeza en esta película—, el Sr. Wyler podría haber elegido a una actriz más perspicaz".

Igualmente se dijo de ella que "El reparto de primera clase, el trabajo de cámara de Lee Garmes y el tenso y excelente guión (de Phil Yordan y, sin acreditar, Dashiell Hammett), ayudan a construir un clímax poco sorprendente pero memorable" como comentó Michael Wilmington en las páginas del Chicago Tribune . 

Para USA Today la crítica dijo de ella que estaba "Rodada durante ese gran periodo inicial de su carrera en el que interpretaba mejor que nadie este tipo de cosas, Kirk Douglas es el policía neoyorquino de la comisaría 21, moralmente torturado" 

En Variety se escribió que "William Wyler ha pulido el legítimo éxito del ganador del Pulitzer Sidney Kingsley hasta convertirlo en una joya cinematográfica" 

En Los Angeles Times se defendió que "William Wyler dirigió esta adaptación de 1951 del éxito de Sidney Kingsley en Broadway. Kirk Douglas está notable como un duro y moralista detective de policía que es acusado de maltratar a un turbio doctor". 

TV Guide la califica como un película " metódica en su descripción de los acontecimientos, a veces traumáticos, de un día en una comisaría, pero las maravillosas peculiaridades y matices de estos personajes crean un drama muy emocionante". 

En Time se aseveró que "Aunque la película rara vez se aventura fuera del único decorado interior que albergó el éxito de Sidney Kingsley en Broadway en 1949, 'Detective Story' es incluso mejor película que obra de teatro".

Ya en España, Ernesto J. Pastor señala que estamos ante "Un guion magnífico. De las mejores adaptaciones teatrales llevadas al cine". Y añade que está basada en una obra teatral donde todo transcurre en un sólo día (2 de agosto) y casi en un único lugar (una comisaría de NewYork). Excepcionales los perfiles psicológicos que muestra". Pues creo que todo está ya dicho. 

A la deriva

Dirigida por Jia Zhangke y escrita por Wan Jianhuan y Zhangke, basada en imágenes de 22 años, algunas de ellas de películas anteriores de Jia, en una mezcla impresionista y no lineal de ficción y no ficción, del mismo director del The World, una especie de Linklater chino, que mezcla la memoria personal y colectivo, integrado en la sexta generación de cineastas chinos. 

De formas tímidas, sutiles propios de un gran humanista que se centra en lo desposeídos. Este es un neodrama que lo confirma como un director romántico, aunque en esta película hay mucho de musical. 

Usa material descartado y con nuevo material rodado en la presa de las tres gargantas monta está película entrenada en el 2024, una película con tres momentos y tres espacios, uno al norte de China, otra en la Presa de las tres Gargantas y, una tercera, que se mueve entre el sur y el norte. 

Película construida en la sala de montaje de este maestro de las formas y de los cuerpos. Contiene imágenes muy atractivas como la última. Cuando no tiene diálogos, incluye cartelas o mensajes de texto,  llenas de elipsis, pasa de lo documental a la ficción. 

La película ha sido producida por Casper Liang Jiayan Shôzô Ichiyama para Xstream Pictures, Momo Pictures, MK2 Films, Huanxi Media Group Limited y Wishart Media Co., Ltd. La película que contó copn la música de Lim Giong y la fotografía de Yu Lik-wai y Éric Gautier. 

A destacar sobremanera la edición responsabilidad de Yang Chao, Xu Dong Lin y Matthieu Laclau. La película fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 2024, donde tuvo su estreno mundial. 

La película comienza con la quema de pasto y una frase: “Ni siquiera un incendio puede con todo el pasto. La brisa de la primavera lo hará crecer de nuevo”. Este proverbio ilustra los tres momentos temporales a lo largo de 20 años y los marcos geográficos que articulan una narración fílmica, dotada de una importante carga política en relación al Salto Adelante que representa la apuesta de “modernización” del capitalismo de estado iniciada en la República Popular tras la muerte de Mao Zedong (Mao Tse-Tung) y que revirtió de manera profunda la sociedad china. 

En 2001, en la ciudad septentrional china de Datong,ciudad situada al norte de China, centro industrial y minero con una notable degradación ambiental, una mujer de clase trabajadora llamada Qiao Qiao (Zhao Tao) mantiene una relación sentimental con su mánager Guao Bin (Li Zhubin) mientras ella se esfuerza por ganarse la vida como cantante, modelo y chica de discotecaen las lamentables condiciones vitales del lugar. 

El marco socio-político está ambientado en tiempos del mandato como líder supremo de Jiang Zemin, y con el fondo de la entrada del país en la Organización Mundial del Comercio y la elección de Pekín como sede de los Juegos Olímpicos, como se encargan de transmitir los medios de comunicación oficiales y celebra la ciudadanía con una manifestación “espontánea”. 

Guao Bin abandona Datong para intentar ganarse la vida en otra provincia, enviando a Qiao Qiao un mensaje de texto en el que le dice que la traerá cuando tenga dinero. 

Después de un tiempo, Qiao Qiao decide ir en su busca, pasando por comunidades que están siendo desplazadas por la Presa de las Tres Gargantas, así como por la provincia de Guangdong. Fengjie, a unos kilómetros de la presa de las Tres Gargantas, la planta hidroeléctrica más grande del mundo, que sepultó bajo sus aguas a 19 ciudades y a más de 300 pueblos. Las peripecias de esa búsqueda se conjugan con una demoledora visión del drama ecológico y destrucción medioambiental que representa dicho megaproyecto. 

Mientras tanto, Bin se dedica al “emprendimiento” en varios negocios, incluyendo una “relación comercial” con un político corrupto que ejerce como “capo” en el ámbito local al albur de los negocios inmobiliarios y formando parte de una “fraternidad mafiosa”.

Bin prueba suerte en varios negocios, incluyendo un turbio trato comercial con un político corrupto. Cuando Qiao Qiao encuentra finalmente a Bin, rompe con él. 

Finalmente se reencuentran en la China de la era COVID, después de que ambos hayan envejecido notablemente.Finalmente, unos años después, en 2022 se reencuentran en la ciudad de Zhanhai con el Mundial de fútbol de Qatar como fondo televisivo, en plena pandemia de COVID. 

Bin sufre un proceso de envejecimiento y deterioro físico notable y esta situación no despierta la conmiseración de Qiao que decide seguir su vida con autonomía y sin ataduras. 

La secuencia final de la película refleja la prioridad de Qiao por participar en un entrenamiento atlético nocturno que refuerce su “yo” compartiendo el esfuerzo físico con otros corredores y corredoras. 

Jia Zhangke aludió por primera vez a la película en una entrevista de 2016, donde declaró: «Entre 1999 y 2000 tuve mi primera cámara de vídeo digital, así que solía grabar sin rumbo fijo. Es un hábito que aún mantengo, y tengo mucho material sin editar grabado con diferentes tipos de cámaras y tomas a lo largo de los años. Quizás en el futuro edite este material y lo convierta en una película» 

La decisión de utilizar metraje anterior surgió a raíz de la pandemia de COVID-19, que dificultó el rodaje en China. Mientras Jia revisaba dos décadas de metraje, en parte rodado para experimentar con distintas técnicas y no para captar escenas concretas, se dio cuenta de que podía reutilizarlo como material para una nueva película. 

Como resultado, Caught by the Tides es una recopilación de 22 años de material, incluidos muchos de los personajes y lugares anteriores de Jia dando lugar a unos actores que envejecen naturalmente, incluido el personaje principal, Qiao Qiao, quien es interpretado por la esposa de Jia en la vida real, la actriz Zhao Tao. Caught by the Tides se compone de 22 años de metraje, incluyendo muchos de los personajes y lugares anteriores de Jia. 

Fragmentos y tomas descartadas de Unknown Pleasures , Still Life y Ash Is Purest White se usaron en Caught by the Tides . Aproximadamente 10 escenas de la película han aparecido en películas anteriores de Jia. Se usó película Kodak Vision 2 y 3 con cámaras Sony DSR-PD150, Sony Betacam , Sony HDV, Arricam LT 35mm y Arri Alexa 35 para la película. 

La sección final, ambientada en la China contemporánea, se filmó durante la pandemia. La edición se hizo con Final Cut Pro y se usó DaVinci Resolve para la corrección de color. Las escenas del primer momento en Datong reflejan las miserias de una clase obrera a la que los dirigentes la llevan según su conveniencia. Las minas, los ríos contaminados, los clubes decadentes, los karaokes tristes, constituyen la impresión visual de un mundo en profunda transformación y en el que la expresión oral queda dominada por la visual. 

De la segunda parte, destacan los desplazamientos forzados reflejados en el segundo momento, la destrucción a pico y pala de los edificios de las zonas a inundar y, en paralelo, las mega-construcciones en las zonas altas se contraponen con la movilidad fluvial y los recorridos por los nuevos espacios habitables. Son, en mi opinión, los logros más destacados. 

Existe una estrecha línea de separación entre la ficción y el documental mientras que, por otra parte, la música se convierte en un elemento clave para articular las vivencias de los personajes colectivos. La secuencia inicial del grupo de mujeres compartiendo canciones sobre deseos y esperanzas se complementa con la música, extraída de karaokes populares, óperas locales, fiestas electrónicas y actuaciones callejeras, estas últimas rodeadas de la “modernidad occidental”. Este manifiesto emocional compartido a través de la música, es uno de los grandes aciertos de la película. De hecho, el estribillo de una de las canciones, ese “a la deriva”, título no impostado, resume la crónica afectiva y tratado político como discurso articulador. 

La película se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 5 de septiembre de 2024. También fue seleccionada para la Gala de Presentación en el 29.º Festival Internacional de Cine de Busan y se proyectó el 5 de octubre de 2024. 

Más tarde, la película se estrenó en cines en China el 22 de noviembre de 2024. 

La crítica ha sido generalmente psoitiva. Justin Chang en The New Yorker comenta que "Es un logro a la vez fugaz y monumental: una serie de cápsulas del tiempo entrelazadas, una desgarradora hazaña de autorreflexión y un musical furtivo" 

Jessica Kiang de Variety sostuvo que estamos ante "Un drama épico y lírico que es tanto la reinvención retrospectiva de la carrera del maestro chino Jia como un retrato definitorio de la China moderna." 

Steve Pond en The Wrap señala que "Una especie de elegía, a veces airada y abrasiva, pero más a menudo suave y reflexiva" 

Rory O'Connor de The Film Stage sostuvo que "El último experimento del director para saquear su archivo -de hecho, sus recuerdos- y convertir lo que encuentra en algo novedoso" 

David Rooney del The Hollywood Reporter destacó que "El uso que hace Jia de las hipnóticas panorámicas lentas transmite la sensación de que ha pasado mucho tiempo, una conmoción que se refleja en la preciosa partitura de Lim Giong." 

David Ehrlich en IndieWire afirma que es un "Retrato de la desubicación, inquisitivo y disperso, que es tan probable que resuene entre los devotos de Jia Zhang-ke como que desconcierte a los que no conocen su obra." 

William Repass en Slant sostuvo que "Demuestra que hacer arte en las condiciones más adversas puede ser una cuestión de suerte (...) 

Manohla Dargis en The New York Times destaca que es "Tan emocionalmente eficaz como formalmente brillante" 

En Gran Bretaña  Dave Calhoun en Time Out comenta que "La última película de Jia Zhangke, ensoñadora, cautivadora y sin diálogos, es un retrato poético, musical y reflexivo del viaje de una mujer en busca de un antiguo amante (...)" 

Peter Bradshaw habitual columnista cinematográfico del The Guardian comenta que "Otra película profundamente sentida de Jia Zhangke, con un arte muy contemporáneo."

Fionnuala Halligan en Screendaily destaca que "Resultará muy atractiva para los seguidores de este director de su 'Sixth Generation' como resumen de la obra de su vida hasta la fecha, y de la implacable marcha hacia delante de un país." 

Ya en España Javier Ocaña en El País comenta que  "Jia Zhangke filma otra joya melancólica sobre la China que se desvanece (...) 'A la deriva' exige un férreo compromiso del espectador. Paciencia, arrojo e interés. Si se entra en su tempo y en su mundo, la recompensa es inmensa." 

Luis Martínez en El Mundo escribió que "Jia Zhang-Ke compone un fascinante puzzle con los pecios de su filmografía para componer un mural de su país y nuestro siglo (...) Arrebatada, sonámbula, lírica, carnal y memorable. (...) " 

Oti Rodríguez Marchante en ABC afirma que "Es una película difícil, de exigencia suma, de evocaciones latentes. (...) Es puro Jia Zhangke, para lo excelente y para lo empinado." 

Sergi Sánchez en La Razón aseveró que es una película "Magnífica (...) Zhang-ke no solo vuelve a hablar de los cambios socioeconómicos de la historia de su país, (...) sino también reflexiona sobre la capacidad de su cine para reflejar esos cambios." 

Carlos F. Heredero en Caimán afirma que es uuna "Obra compleja y de profunda originalidad, nos permite recuperar los mejores registros de su director y sacude, con su atrevida y exigente propuesta formal (...) la mayoría de la sección oficial." También en Caimán Àngel Quintana escribe que "'Caught by the Tides' es una película clave en su filmografía [de Jia Zhangke] porque funciona como documento sobre su propio método y como síntesis del trabajo de documentación que ha acompañado su filmografía." 

 

Desde Barcelona  Jordi Batlle Caminal en La Vanguardia sostiene que "Propone un amplio retrato de la China del siglo XXI, un viaje que explora un macrocosmos gigantesco, poliédrico y polifónico a través de una exultante variedad de tonos, texturas y formato (...) " 

También desde la Ciudad Condal  Nando Salvá, ahora en El Periódico escribe que "El retrato femenino resultante no solo resulta coherente sino rotundamente conmovedor (...) lo que aquí importa no son los sucesos que aparecen en pantalla, sino la cadencia poética y la embriagadora atmósfera de melancolía de las que Jia los envuelve" Y en este mismo diario, Quim Casas señala que  "Jia Zhangke utiliza diversos formatos en una extraordinaria película rodada a lo largo de más de 20 años (...) ver envejecer a sus dos actores, y cómo esas imágenes pretéritas dialogan con las rodadas el año pasado, resulta magnífico. (...) 

En la revista  Cinemanía Paula Arantzazu Ruiz  afirma que "Jia Zhangke en su máxima expresión. Es decir, una gran peli. (...)" 

Para Mariona Borrull en Fotogramas la película es "Es un gesto de amor, de Jia para Zhao (y Li), coser una película con archivo ‘usado’ y devolverlo a la vida (...) Un relato esponjoso y abierto que reniega del privilegio sempiterno de la trama por encima del contexto. (...)

Por mi parte es una película distinta, diferente, original, que nos narra una historia del desamor forjada década tras década y en la que la música está presente de inicio a fin 

Dos forajidos

Esta película se hizo tristemente famosa y muy a su pesar por la muerte de su directora de fotografía mientras se realizaba el rodaje en el que intervenía Alex Baldwin. Se trata de una película del año 2024 aunque llevaba por un título Rust, precisamente el apellido de los dos protagonistas..

Alex Baldwin protagoniza este western dirigido por Joel Souza, responsable que fue de mientras lanza duerme, aunque en este caso ambientado en el oeste del año 1880. Dirigido por Joel Souza Guion de Joel Souza Historia de Joel Souza Alec Baldwin Producido por Melina Spadone Ryan Winterstern Nathan Klingher Alec Baldwin Matt DelPiano Ryan Donnell Smith Anjul Nigam Grant Hill de las productoras BondIt, Buffalo 8 Productions, Cavalry Media, El Dorado Pictures, Highland Film Group, Thomasville Pictures. 20th Century Studios TSG Entertainment El Dorado Pictures Cinematografía Halyna Hutchins Bianca Cline Editado por David Andalman Música de James Jackson Lilie Bytheway-Presupuesto $8 millones  

En 1882, en el Territorio de Wyoming , Lucas Hollister, (Brady Noon ) de trece años, cuida de su hermano menor, Jacob, tras la reciente muerte de sus padres por enfermedad, la madre por eso y el padre por darse un tiro.  Lucas se ha hecho cargo de la granja, alimentando a los dops cerdos que tiene y luchando contra los lobos que se acercan, pero sobre todo de su hermano, en todos los sentidos. 

Mientras persigue a un lobo, Lucas mata accidentalmente al padre de un niño que acosaba a su hermano Jacob en la tienda, y, por ello, es condenado a la horca. 

Antes de la ejecución, recibe una visita de un familiar. Se trata de Evelyn Bassett (Francés Fisher) una tía abuela de la que no tenía noticias y , dias después, de un desconocido que lo libera de la cárcel, revelando ser su abuelo, el famoso forajido Harland Rust (Alec Baldwin ), con quien no tenía relación. 

Ambos huyen hacia el sur, rumbo a la frontera con México. Mientras viajan hacia el Territorio de Nuevo México , la animosidad inicial entre ellos se disipa y forjan un vínculo gracias a una historia compartida de pérdidas familiares. 

Son perseguidos por dos grupos: el Marshall o alguacil estadounidense Wood Helm (Jensen Ackles) y su grupo, y varios cazarrecompensas , entre ellos el inestable Fenton "Preacher" Lang (Travis Fimmel) , el Predicador. 

Un grupo de kiowa también representa un peligro para los fugitivos, pero Lucas los apacigua intercambiando un valioso rifle por un caballo. 

Los cazarrecompensas y Helm se topan con Lucas y Harland al mismo tiempo, y ambos grupos se enfrentan en un tiroteo mortal. Harland y Lucas escapan, pero Lang los persigue y los acorrala. Lang dispara a Harland y captura a Lucas. Helm llega y, en el enfrentamiento que sigue, un Harland gravemente herido salva la vida del alguacil abatiendo a Lang. 

Un Helm compasivo, que recientemente ha perdido a su hijo por una enfermedad, deja en libertad a Lucas y acoge a Harland. Helm miente a otros alguaciles estadounidenses diciéndoles que Lucas murió en la persecución y que los Kiowa se llevaron su cuerpo. 

Harland muere camino al patíbulo ; su cuerpo es ahorcado de todos modos. 

Lucas llega a México con la ayuda de Anselmo, amigo de Harland, a quien se presenta como Lucas Rust, y en México se reencuentra con Jacob, quien ha sido acogido por su tía abuela, la hermana de Harland.

Con tono crepuscular y aroma de relato clásico doforajido combina persecución, violencia y las familiares en una historia de culpa como en su dependencia y reducción. 

Participan igualmente Travis Fimmel y Francés Fisher, entre otros. 

La película fue noticia en todo el mundo por el trágico accidente ocurrido durante el rodaje cuando un disparo defecto dado por el actor principal y un mortalmente a la directora de fotografía Halyna Hutchins y alcanzó también al propio Souza. Ese contexto extra cinematográfico convirtió dos forajidos en uno de los títulos más comentados del momento. 

La historia de esta película es larga, y como ya he dicho muy a su pesar. En mayo de 2020, se anunció que Alec Baldwin produciría y protagonizaría Rust , un western basado en una historia que creó con el guionista y director Joel Souza . 

Baldwin declaró a The Hollywood Reporter que estaba encantado de trabajar con Souza tras haber perdido la oportunidad de protagonizar Crown Vic (2019). Comparó el guion con la película Sin perdón (1992) y afirmó que estaba inspirado en una historia real. Cuando se le preguntó sobre sus habilidades con las armas y a caballo, dijo: «Siempre las tengo listas. Soy un actor de la vieja escuela. Así que si lees mi currículum, verás que mis habilidades con las motocicletas, el francés, los malabares, la equitación y las armas están siempre a mi alcance». 

Rust se produjo con un presupuesto de entre 6 y 7 millones de dólares y fue descrito como un "proyecto apasionante" para Baldwin. Los derechos de distribución de la película se vendieron a The Avenue por 2 millones de dólares durante la fase de preproducción. Travis Fimmel , Brady Noon y Frances Fisher se unieron al reparto en septiembre de 2021, y Jensen Ackles fue elegido al mes siguiente. 

La producción involucró a aproximadamente 150 miembros del equipo, la mitad de ellos locales, 22 actores principales y 230 extras de Nuevo México. 

La producción tuvo un calendario de rodaje de 21 días. El rodaje comenzó en Nuevo México el 6 de octubre de 2021. En la mañana del 21 de octubre de 2021, que iba a ser el duodécimo día de rodaje, siete miembros sindicalizados del equipo de cámara de la película comenzaron a recoger sus pertenencias aproximadamente a las 6:30 a. m. MT en una huelga . Afirman que les dijeron que abandonaran el set, con un productor amenazando con llamar a la policía, y que fueron reemplazados por miembros del equipo no sindicalizados. 

Según una declaración dada a TheWrap por una fuente anónima, varios miembros del equipo sacaron varias armas de utilería del set ese día, incluyendo el arma de fuego involucrada en el incidente, para pasar el tiempo disparando a latas de cerveza con munición real. Después de un descanso para almorzar, las armas de utilería fueron devueltas.  No está claro si las armas de fuego fueron revisadas nuevamente. 

Más tarde ese mismo día, el elenco y el equipo ensayaban una escena de tiroteo que tenía lugar dentro de una iglesia en el rancho Bonanza Creek. Se sacaron armas de fuego y municiones de una caja fuerte cerrada y la armera, Hannah Gutierrez-Reed,  colocó tres armas que se usarían en el rodaje en un carrito. Entre ellas había una pistola de plástico que no podía disparar munición real, un arma modificada que no podía disparar ningún tipo de munición y una réplica de armazón sólido del revólver Colt .45 fabricada por Pietta . 

Según una orden de registro, Gutiérrez-Reed revisó brevemente las armas, antes de que el subdirector David Halls tomara el revólver Pietta del carro de utilería y se lo entregara a Baldwin.  En una declaración jurada posterior, Halls dijo que el protocolo de seguridad con respecto a esta arma de fuego era tal que Halls abriría la compuerta de carga del revólver y giraría el cilindro para exponer las recámaras para poder inspeccionarlas él mismo. Según la declaración jurada, Halls dijo que no revisó todas las recámaras del cilindro, pero recordó haber visto tres balas en el cilindro en ese momento. 

Después del tiroteo, Halls dijo en la declaración jurada, Gutiérrez-Reed recuperó el arma y la abrió, y Halls dijo que vio cuatro balas que eran claramente de fogueo, y una que podría haber sido el casquillo restante de una bala real disparada. El operador de cámara B, Reid Russell, estaba situado en un carrito de cámara , mirando un monitor con Hutchins y Souza cerca. La escena mostraba al personaje de Baldwin sacando una pistola de su funda y apuntándola hacia la cámara. 

El trío detrás del monitor estaba a dos pies (0,6 m) de la boca del arma y ninguno llevaba equipo de protección como auriculares con cancelación de ruido o gafas de seguridad. El trío detrás del monitor comenzó a reposicionar la cámara para eliminar una sombra, y Baldwin comenzó a explicarle al equipo cómo planeaba sacar el arma de fuego. Dijo: "Entonces, supongo que voy a sacar esto, tirar y decir, '¡Bang! ' " La sacó de la funda, y el revólver se disparó una sola vez. Baldwin negó haber apretado el gatillo del arma, mientras que ABC News describió un informe posterior del FBI que afirmaba que el arma solo podía dispararse si se apretaba el gatillo. 

Halls fue citado por su abogada Lisa Torraco diciendo que Baldwin no apretó el gatillo, y que el dedo de Baldwin nunca estuvo dentro del guardamonte durante el incidente. Cuando el arma se disparó, el proyectil viajó hacia los tres detrás del monitor. Golpeó a Hutchins en el pecho, viajó a través de su cuerpo y luego golpeó a Souza en el hombro. 

En octubre de 2021, la producción se suspendió después de que la directora de fotografía Halyna Hutchins muriera de un disparo cuando Baldwin disparó un arma que se usaba como utilería durante la preparación de una escena; Souza resultó herido por el mismo disparo. Se presentaron varias demandas y finalmente se presentaron cargos por homicidio involuntario contra Baldwin y la armera Hannah Gutierrez-Reed. 

Hutchins fue trasladada en helicóptero al Hospital de la Universidad de Nuevo México en Albuquerque, donde fue declarada muerta. Souza fue atendido por los servicios de emergencia y transportado en ambulancia al Centro Médico Regional Christus St. Vincent en Santa Fe, donde fue ingresado y dado de alta a la mañana siguiente. 

Como resultado del incidente, la producción de Rust se suspendió indefinidamente, aunque el coproductor Anjul Nigam confiaba en que la película reanudaría la producción una vez finalizada la investigación.

El rodaje finalmente se reanudó en abril de 2023 y se completó poco después. Gutierrez-Reed fue finalmente declarada culpable, pero Baldwin fue absuelto. 

Pero estro no fue todo, en noviembre de 2021, semanas después del incidente del rodaje, el operador de iluminación y montador de tuberías Jason Miller fue mordido en el brazo por una araña reclusa parda mientras cerraba el set. Miller sufrió necrosis y sepsis . Fue hospitalizado y se sometió a múltiples cirugías para evitar la amputación de su brazo 

Siguiendo con el incidente, en octubre de 2022, la familia Hutchins resolvió la demanda,, con la filmación programada para reanudarse en enero de 2023 en California , con Matthew Hutchins, esposo de Halyna, como productor ejecutivo.  

Muchos del equipo de la película tuvieron reacciones mixtas a la noticia, algunos la apoyaron y planearon reanudar su trabajo en ella, pero otros condenaron la decisión y decidieron no regresar. 

En cuanto a la crítica profesional, Manohla Dargis en el The New York Times "Aunque a veces la brutalidad en pantalla está justificada narrativamente, aquí resulta en gran medida una postura atroz e indulgente." 

Matt Zoller Seitz habitual en la web cinematográfica de rogerebert.com "Lo mejor de la película es su fotografía. (...) Cuando se desvanezcan los últimos ecos de aquel fatal disparo y los nuevos espectadores puedan experimentar 'Rust' como una película y no como la escena de un crimen, podría reevaluarse con desapego y encontrarse menos deficiente. Ese día está muy lejos. (...)" 

Lovia Gyarkye del The Hollywood Reporter comenta que "Está bien hecha y es absorbente en algunos momentos, pero tiene una cualidad cotidiana que ralentiza su ritmo." 

William Bibbiani de The Wrap sostuvo que "Si pudiéramos ver 'Rust' sin contexto, no sería más que otro western. Uno bueno, sin duda; no es un clásico propiamente dicho, pero es envolvente y está bien presentado." 

Johnny Oleksinski del New York Post destaca que "Lo único que merece la pena ver en este western es también lo más trágico (...) Por fin ha terminado la espera... de una película que nadie esperaba. (...)" 

Kelly Lawler de USA Today dice que es "Una historia sólida, aunque demasiado larga, sobre la familia y la redención. Los fans de 'Yellowstone' u 'Horizon' encontrarán cosas que les gustarán. (...)" 

Robert Abele de Los Angeles Times señala que "En su trillado camino de cazadores y cazados, condenados y sentenciados, le cuesta justificar sus más de dos horas de duración. (Ojalá tuviera la economía narrativa de Anthony Mann" 

Nick Schager del The Daily Beast afirma que "Se asemeja a una versión de una canción que toca todas las notas adecuadas pero no logra captar el alma áspera de sus predecesoras." 

Pete Hammond de Deadline comenta que "Con sus temas de pérdida, arrepentimiento y redención, funciona, y gran parte del mérito se debe a la aguda dirección de Souza." 

Owen Gleiberman escribió en su reseña para Variety que "es un western independiente, atractivo y entretenido, ambientado en 1882, que se convierte en una película sentimental de amistad intergeneracional. Sin embargo, no puedo decir que la película, al final, sea especialmente buena". 

El New York Times calificó la película como "un drama derivativo, hiperviolento y, en última instancia, sentimental, ambientado en el siglo XIX, sobre un huérfano (Patrick Scott McDermott) y su abuelo forajido (Baldwin), lleno de caos y carnicería". 

Lo que sí se quiso resaltar fue el papel de la fotografía de Hutchins y la codirectora de fotografía Bianca Cline que fue elogiada. 

David Ehrlich, en IndieWire , afirmó que "el brillo digital de la película encaja a la perfección con el elementalismo rústico de su género, mientras que muchos otros westerns recientes han forzado una confrontación directa entre ambas estéticas". 

Ya en Gran Bretaña Jesse Hassenger, en The Guardian , describió a Hutchins como "la salvación de la película", y añade que "La fallecida directora de fotografía Halyna Hutchins, que murió en el rodaje, se muestra como la gracia salvadora de una película mal interpretada y excesivamente larga. (...) 

Tim Teeman de The Times dijo que "La sensación es especialmente desagradable porque las armas y su uso violento son los motivos predominantes en este western ambientado en la década de 1880 (...) 

Ya en España Elsa Fernández-Santos en El País comentó que "Es un wéstern que se deja ver, pero que resulta moroso e inflado en sus casi dos horas y media de metraje." 

Luis Martínez de El Mundo afirma que "Apenas ofrece un guion errático y unas actuaciones discutibles (...) resulta tan protocolaria como efectista y solo pendiente de que el espectador se reconozca en una sucesión casi infinita de clichés algo gastados. (...)" 

Para el habitual de ABC,  Oti Rodríguez Marchante la película "Como wéstern, la pertenencia al género de 'Dos forajidos' es absoluta en esencia y detalles (...) Muy bien contrastada en sus claroscuros, tanto de espacios como de personajes (...) " 

Quim Casas de El Periódico señala que es "Un correcto wéstern (...) Interesante intento de restituir algunos aspectos clásicos del cine del Oeste con ciertos toques de modernidad (...) es un wéstern planteado con considerable serenidad formal. (...) " 

En la La Vanguardia Jordi Batlle Caminal considera que "Su exceso de metraje, personajes y persecuciones acaba sepultándonos en un tedio prolongado. (...) " 

Y , por último, en Cinemanía Enrique Abenia destaca de la película que "Es un buen western (...) Souza ofrece un sólido y bastante solvente western alusivo a la culpa, la redención y, sobre todo, el dolor. (...). 

En definitiva, estamos ante un western crepuscular sobrio y sumamente digno que logra anteponerse a las dificultades que rodearon su producción.. Bajo la dirección de Joel Souza, la cinta se convierte en un sentido y respetuoso tributo cinematográfico que destaca por su impecable factura visual y la solidez de sus interpretaciones.

El apartado visual es extraordinario. El trabajo inicial de la fallecida Halyna Hutchins, completado con gran sensibilidad por Bianca Cline, dota al film de una atmósfera melancólica única, aprovechando los paisajes naturales y una iluminación en interiores de un gran clasicismo.Alec Baldwin (como Harland Rust) y el joven Patrick Scott McDermott (como Lucas Hollyster) sostienen el núcleo emocional de la trama. La dinámica de redención entre este abuelo forajido y su nieto resulta auténtica y conmovedora.

La película renuncia a la idealización heroica para ofrecer un Oeste polvoriento, rústico y humano, donde los silencios y los ritmos pausados juegan a favor del desarrollo de sus personajes. Las figuras de los perseguidores, encarnados por Travis Fimmel y Josh Hopkins, aportan la tensión necesaria para mantener el pulso del relato constante en la huida hacia la frontera. 

Más allá del innegable eco mediático e histórico del rodaje, Dos forajidos funciona por sus propios méritos artísticos como una clásica historia de redención. Cumple con creces para los amantes del género contemplativo y del cine sobrio que busca rescatar la verdadera esencia del western Para terminar señalar que la película, desde mi punta de vista, un buen western, está dedicada a su directora de fotografía, Halyna Hutchins, como era de esperar.