Christine

Stephen King ha supuesto una de las mayores influencias en la cultura audiovisual de los últimos 50 años, convirtiéndose en el autor con más adaptaciones cinematográficas y televisivas de la historia. Su impacto va más allá del género de terror, redefiniendo la forma de narrar historias sobrenaturales y cotidianas en cine y televisión, con más de 70 producciones basadas en sus obras. Sus historias suelen ambientarse en lugares ordinarios (frecuentemente en Maine), lo que hace que el terror sea más cercano y relatable. 

Desde Carrie (1976), King transformó el terror cinematográfico al enfocarlo no solo en el monstruo, sino en cómo los sucesos afectan a las personas comunes y sus entornos. Muchas adaptaciones son consideradas obras maestras del cine, destacando El Resplandor (1980), Carrie (1976), Misery (1990), y las aclamadas The Shawshank Redemption (1994) y The Green Mile (1999), estas últimas demostrando su versatilidad fuera del terror o con Stand by Me (1986) sentando un precedente en la narrativa de historias de iniciación y nostalgia, influenciando producciones modernas como Stranger Things.

Películas recientes como It (2017 y 2019) rompieron récords de taquilla, demostrando la vigencia de sus historias. En los años 90, King dominó las miniseries de televisión, destacando The Stand (1994), El misterio de Salem Lot o The Shining (1997). En la última década, sus obras han tenido una segunda época dorada en plataformas de streaming con series aclamadas como 11.22.63 (2016), Mr. Mercedes (2017), Castle Rock (2018), The Outsider (2020) y The Institute (2025) o en los cines,  The Long Walk (2025), aquí presentada como La larga marcha, demuestran el peso que tiene King en el cine y en la televisión.

En los ochenta muchas de sus obras se llevaron también al cine y la televisión, y entre las primeras destacó Christine, una película de John Carpenter del año 1983 con guion de Bill Phillips aunque hace referencia al paso del año 1978 al 79. En este caso John Carpenter se basa en el best seller de Stephen King del mismo título para realizar esta película que produjo la Columbia Pictures y que tuvo en la producción a Richard Kobritz, Mark Tarlov y Larry J. Franco, llena de sangre con más suspense y elemental de fantasía y terror protagonizada por el hoy director de series que Keith Gordon.

Gordon la vida a Armie Cunningham , un chaval de diecisiete años que es el típico alumno marginado del Instituto, un "monger" al que los más populares le hacen la vida imposible. Un poco después de librarse de una paliza del matón de turno arnie consigue hacerse con un coche de sus sueños un Plymouth Fury del 58 de color rojo y blanco del que emerge una extraña fuerza que proporciona al chico una gran seguridad en sí mismo.

Pero la película comienza antes, en septiembre de 1957, en una cadena de montaje de Chrysler Corporation en la entonces ciudad del automovil, la hoy depauperada Detroit, cuando el capó de un Plymouth Fury de 1958 recién ensamblado y pintado a medida, se cierra sin previo aviso y aplasta la mano de un trabajador de la cadena que inspecciona su parte delantera. 

Poco después otro trabajador entra para sentarse a descansar un momento y deja caer la ceniza de su cigarrillo en el asiento. Horas después, un supervisor descubre que el trabajador se desplomó en el asiento y abre la puerta para ayudarlo, pero el trabajador cae al suelo, muerto con una expresión de terror en el rostro. El supervisor, aterrado y alarmado, hace sonar el claxon para pedir ayuda. 

21 años después, en septiembre de 1978, conocemos a Arnold "Arnie" Cunningham (Keith Gordon) es un adolescente torpe e impopular en Rockbridge (en el estado de California), con un solo amigo, el futbolista de fútbol americano Dennis Guilder (John Stockwell). 

Arnie vive controlado por sus padres y únicamente tiene como amigo a Dennis, al que vemos que se enfrenta con los "bully" de la clase de Arnie cuando se disponen a putearlo.  

Ese mismo día, que coincide con la llegada al centro de una chica guapísima,Leigh Cabot (Alexandra Paul), una vez terminadas las clases, a la salida de clase y cuando van de camino a casa, Arnie ve a lo lejos un coche arrumbado. Ese coche resulta ser Christine. 

La vida de Arnie comienza a cambiar cuando compra un Plymouth Fury de 1958 usado y maltratado llamado "Christine", el mismo auto de la cadena de montaje, que necesita reparaciones extensas y ser restaurado. Como sus padres no lo dejan guardar el viejo coche en su casa y molestos por su compra, Arnie lo guarda en un garaje y depósito de chatarra, para reparar y restaurar, de propiedad de Will Darnell (Robert Prosky). 

A medida que pasa más tiempo trabajando en el automóvil, desecha sus gafas, se viste más como un greaser de los años 1950 - curiosamente, como la música que sale de la radio del coche-  y desarrolla una personalidad muy segura, arrogante y paranoica. 

Sin que Arnie lo sepa, Dennis investiga y descubre el oscuro pasado de Christine, por parte del hermano de su obsesivo propietario original: la hija del dueño se ahogó en ella, su esposa se suicidó dentro de ella y el propietario hizo lo mismo, pero Arnie lo ignora y sigue trabajando durante meses para restaurar su auto. 

Durante el partido de rugby, Dennis se distrae al ver llegar a Arnie en su auto totalmente restaurado, besando a una chica frente a Christine que resulta ser , Leight, y se queda asombrado frente a ella, causando que terminara sufriendo una lesión en la columna y en la espalda que lo elimina de la temporada. 

La nueva novia de Arnie, Leigh Cabot (Alexandra Paul), que , en principio, está bien con Arnie, comienza a sentir celos del coche, pues parece que el mecánico tiene mejor relación con el coche que con ella. Un comentario al respecto sobre el tema enoja al coche y mientras está dentro del auto en una cita con él, en un autocine, Leight está a punto de ahogarse con una hamburguesa. Se salva cuando un hombre que pasa junto a ellos administra la maniobra de Heimlich, algo que Arnie no pudo hacer puesto que Christine bloqueó la puerta del conductor. 

Se revela que Christine está celosa de ella, Leigh jura que nunca volverá a subir al coche y le pide a Arnie que se deshaga de él. Leigh y Arnie se separan cuando él se niega a considerar esto. 

Mientras tanto, enojado con Arnie por haber sido expulsado después de una confrontación en una clase de taller, el acosador escolar Clarence Buddy Repperton (William Ostrander) lo sigue en la noche hasta el taller y vandaliza a Christine con la ayuda de su pandilla. 

Destrozan el coche sin piedad. Cuando lo descubre a la mañana siguiente, Arnie está devastado y decidido a reparar a Christine, pero siente que puede volver a restaurarse por amor. 

Justo entonces, Arnie logra entender que Christine es capaz de recuperarse y repararse rápidamente, quedando totalmente restaurada a la calidad de la sala de exhibición mientras observa. 

Christine en la noche se aleja por sí sola para buscar a la pandilla de Buddy, aplastando a uno en un callejón, provocando una impresionante explosión en una estación de servicio que mata a otros dos y envuelta en llamas persigue al líder Buddy hasta atropellarlo. 

Después Christine regresa al garaje de Darnell para autorepararse, este se sienta detrás del volante y muere aplastado cuando Christine empuja el asiento del conductor hacia adelante. 

A la mañana siguiente, Christine está de vuelta en su lugar y como nueva. El detective de la policía estatal Rudolph Rudy Junkins (Harry Dean Stanton) sospecha de Arnie, después de haber descubierto la pintura de Christine en las escenas de la muerte de dos pandilleros. 

Sin embargo, no tiene evidencia directa para implicar a Arnie, un estudiante universitario que estaba en otro lugar, sin antecedentes penales y buen estudiante, que tiene una buena coartada. Junkins no sabe o no puede creer que Christine pueda conducirse por sí misma. 

Dennis y Leigh, unidos en su afecto por Arnie, deciden que la única forma de salvar a Arnie es destruir a Christine. Empiezan a poner una trampa en el garaje de Darnell; Dennis espera a los mandos de un bulldozer, mientras que Leigh está lista para cerrar las puertas del garaje y cortar la retirada de Christine una vez que entre. Sin embargo, Christine ha estado oculta debajo de una pila de escombros en el garaje todo el tiempo, y cuando Leigh toma su posición en los controles de la puerta, Christine procede a atacarla. Christine se estrella en la oficina de Darnell en un intento de llegar a Leigh. Arnie, quien ha estado conduciendo el auto por sí mismo, es arrojado a través del parabrisas y empalado en un pedazo de vidrio, que le cruza el cuerpo y lo mata. 

Dennis y Leigh atacan a Christine con la excavadora, pero continuamente se repara y contraataca. La batalla continúa hasta que conducen repetidamente de un lado a otro sobre el coche, dañando tanto a Christine que no puede regenerarse de inmediato. 

Unos días más tarde, Dennis, Leigh y Junkins observan cómo los restos de Christine, compactados en un cubo por una trituradora de automóviles, son arrojados a un depósito de chatarra, se retiran del lugar y la cámara se acerca a un primer plano de la rejilla frontal, que lentamente comienza a doblarse nuevamente para repararse. La historia ¿continua?

La película cuenta con la fotografía y el montaje de Donald M. Morgan o el ilustrador George Jenson y entre el elenco además de Gordon aparece John Stockwell como Dennis Guilder, Alexandra Paul como Leigh Cabot, Robert Prosky como el dueño del taller mecánico Will Darrell , Harry Dean Stanton como el detective estatal Rudolph Rudy Junkins , Christine Belford como Regina Cunningham, la madre de Arnie, Roberts Blosson como George LeBay y David Spielberg como protagonistas aunque a punto estuvieron de protagonixzarla Brooke Shields en el papel de Leigh y Kevin Bacon que optó por otro clásico, Footloose. 

La película cuenta, además, con la música original compuesta por John Carpenter y Alan Howarthuna y una excelente banda sonora adicional en su mayor parte de música de la década de los años cincuenta en la que se puede escuchar al Little Richard, Woody Holly y a los Rolling Stone entre otros sonando desde el radio cassette del precioso y peligroso coche rojo. 

Pese a la inicial tibia acogida de la crítica, con el tiempo se ha convertido en una película de culto. El crítico Roger Ebert consideró que «es, por supuesto, una ridiculez. Pero la he disfrutado de todos modos. El cine tiene una relación especial con los automóviles: por alguna razón adoramos ver accidentes y más accidentes». 

Gary Arnold, en las páginas del diario The Washington Post tiene una consideración global positiva «entre los sobresalientes efectos especiales y la inteligente interpretación de Gordon, lo cierto es que Christine es una obra mucho más entretenida de lo que cabía esperar por su propuesta». 

Por su parte, Janet Maslin, en el diario The New York Times indica que «la primera parte es absorbente y cuenta con buenas interpretaciones, creando una ambientación veraz y creíble. Por desgracia, se hace cada vez más pesada a medida que avanza y cae rápidamente en lo predecible» 

Para los británicos como Peter Bradshaw en The Guardian se trata de "Un cuento macabro perfectamente entretenido, que puede leerse como una parábola satírica de ese tipo particularmente masculino de desarrollo detenido que se manifiesta en la obsesión por los coches (...)" 

Algo menos entusiasta Kim Newman, en la revista de cine Empire, consideró que era  «una película bien elaborada, entretenida y con una excelente puesta en escena, pero que no ofrece nada nuevo. Es fruto del tipo de terror que se hacía en su día, aunque cumple su cometido». 

Ya en España, en Fotogramas se escribió sobre ella que se trataba de «la adaptación de una prometedora novela de Stephen King, que tuvo un tratamiento francamente decepcionante. Su resolución antepone el efectismo más aparatoso a lo inquietante de la historia».

Adrián Massanet, en Espinof indicó «divierte bastante, está realizada con gran profesionalidad, y posee, al menos, dos secuencias antológicas. Pero carece de la densidad del gran cine de Carpenter, el mismo que mientras se ríe de los géneros, o por lo menos los cuestiona, hace uso de ellos para proponer aventuras inolvidables en su fuerza narrativa y en su gozoso tenebrismo». 

Omar Khan, en su crítica para la revista Cinemanía, reseña que «un coche con vida propia es el centro de este film de terror progresivo elaborado con veteranía por Carpenter, a partir de un espeluznante relato de King». 

La cinta fue todo un éxito pues se invirtió en ella US$ 10.000.000 invirtiéndose una parte de ese dinero en comprar 24 Furys, cuyas partes se canibalizaron para crear un total de 17 versiones del coche. Al final del rodaje, todos fueron destruidos menos dos.y obtuvo una recaudación de US$ 21.017.849. 

La película obtuvo una nominación como mejor película en los premios Saturn y Carpenter una nominación a mejor director en el Festival de Cine Fantástico de Avoriaz. En este sentido en cuanto a los medios técnicos, señalar que se utilizó un sistema hidráulico para tirar de las partes del automóvil, y las secuencias se filmaron al revés. El resultado es deslumbrante. 

John Carpenter, que tenía planes de dirigir una adaptación de King muy diferente, la de Ojos de Fuego, pero la Universal Pictures lo desechó por ser muy caro optando entonces por el proyecto de la Columbia Pictures . aportó un estilo visual enfocado en la tensión, logrando que el coche se sintiera como un personaje maligno y amenazante. 

En cuanto al nombre de la novela y de la película, Stephen King rinde homenaje a su amigo George Romero poniéndole el nombre de su mujer, Christine Forrest, a su icónico y malvado Plymouth Fury del 58. El Plymouth Fury rojo se convirtió en un ícono cinematográfico, popularizando la premisa de "objetos cotidianos asesinos". Christine, la película de John Carpenter, se estrenó solo ocho meses después de que Christine, el libro de Stephen King, saliera a la venta en tapa dura. Mientras se proyectaba en los cines, su edición en tapa blanda era el libro más vendido en el país.

A pesar de tener diferencias con el libro como cuando Carpenter se desvió del libro en algunos momentos como en la primera escena donde Christine mata a un hombre por asfixia mientras aún está en la línea de montaje. Una idea que tomó de Alfred Hitchcock (centrándose más en la obsesión que en la posesión fantasmagórica directa), la cinta se consolidó como una de las adaptaciones más reconocibles de King. 

El ambiente en el rodaje era muy distendido. Tanto es así que Alexandra Paul le gastó un broma a Carpenter. Su hermana gemela la sustituyó en una escena. El director intuyó que algo iba mal, pero solo se dio cuenta cuando la hermana de Alexandra comenzó a hablar.ohn Carpenter también gastó sus propias bromas al equipo de sonido de Christine. A veces desconectaba los cables de las tomas de audio antes de decir "Acción". Le encantaba verlos enloquecer y tratar de descubrir qué estaba mal.Golpear a Christine no fue una experiencia tan divertida como parece para la pandilla de Buddy Repperton. Practicaron con un Plymouth real y algunos resultaron heridos al cortarse con trozos de metal y vidrio. 

A Keith Gordon (Arnie Cunningham) le dio un ataque de asma el día que tuvo que grabar la escena con sus padres, además, la capacidad de Keith Gordon para aguantar la respiración dejó boquiabiertos al equipo. Cuando Cunningham está a punto de morir, Gordon decidió aguantar la respiración para ponerse bien colorado . Tanto aguantó que casi se desmaya.

La escena en la que Christine está ardiendo y persigue a Buddy Repperton se grabó con un conductor en el interior del vehículo. Terry Leonard llevaba una botella de oxigeno y muchos dedos cruzados para que el tanque de gasolina no explotara. 

Lo cierto es que Stephen King ha proporcionado un material inagotable que mezcla miedos universales, nostalgia y dramas humanos, convirtiéndose en una fuente fundamental para creadores de cine y televisión durante cinco décadas. Christine supuso un hito del cine de terror ochentero. Transformó un relato de terror sobrenatural sobre un Plymouth Fury de 1958 poseído en una obra de culto, destacando por su icónica banda sonora, la atmósfera de suspense y los impresionantes efectos especiales relacionados con la transformación mecánica para la época, un logro técnico notorio para 1983.

River Wild

El río salvaje del que habla la película es el río Snake, un río de la vertiente pacífica de los Estados Unidos y que cruzan parte del Estado de Idaho, pues hablan de Boise. Es el mayor afluente del río Columbia, recorriendo más de 1.700 km desde Wyoming hasta Washington, atravesando Idaho. Es famoso por sus paisajes salvajes, cañones profundos, pesca excelente, aguas cristalinas en sus tramos altos y por ser un destino principal para el rafting, la vida silvestre y la historia natural. 

El río nace en el Parque Nacional Yellowstone y fluye hacia el sur por Wyoming, luego describe un arco a través del sur de Idaho antes de girar al norte, formando la frontera entre Idaho y Oregón, para finalmente cruzar el sureste de Washington. No recuerdo haber visto la Twin Falls cuando el río crea un impresionante cañón y cascadas como Shoshone Falls (conocida como la "Niágara del Oeste"), aquí presentada como el "Monstruo", puesto que me moví entre Wyoming y Montana, pero sí recuerdo una impresionantes cascada en el Shoshone Forest, un área repleta de osos negros y grizzlies. 

Al inicio de la película, curiosamente, hablan de que si se escucha un banjo presta atención pues anuncia peligro, haciendo referencia a la película de John Boorman, Deliverance, pero si no me equivoco la misma se desarrollaba en la zona de los Apalaches. 

En este caso hablo de una película de la Universal  del año 2023 dirigida por Ben Ketai que juega con el suspense y que reinterpreta la película de 1994, The River Wild , siendo una secuela independiente ambientada en la actualidad. Fue dirigida por Ben Ketai , a partir de un guion que coescribió con Mike Nguyen Le . 

La película comenzó su rodaje principal en julio de 2022 en Hungría y finalizó ese mismo año. River Wild se estrenó directamente en formato físico y digital el 1 de agosto de 2023 y está protagonizada por Adam Brody ,como Trevor, Leighton Meester como Joey Reese y Taran Killam como Gray Reese y las aparecntes Olivia Swann como Karissa y Eve Connolly como Van. 

La película cuenta con la fotografía de Gevorg Gev Juguryan, el montaje de Ben Callahan y la música de Tristan Clopet.

La película es un remake del thriller de aventuras río salvaje que en 1994 protagonizaron Meryl Streep y Kevin Bacon. En esta producción están implicados Ogden Gavanski, Daniel Kresmery, Thiago Andreo Barbosa Nogueira y Anne-Marie Roberge para la Universal Pictures Home Entertainment LLC ( UPHE ) y la Hero Squared Productions.  

La película comieenza con una conversación telefónica entre Joey y su novio por una  carretera boscosa mientras se dirige a pasar un fin de semana con su hermano Gray y Joey. En una zona se reúnen para practicar rafting en un río con su amigo de  ribera se reunen ambos hermanos junto a un amigo de la infancia, Trevor. 

A ellos se suman dos turistas como son dos chicas guapas británicas, Karissa y Van. Durante el descenso, se detienen en un lugar para nadar, bañarse y beber agua. 

Mientras ríen alrededor de una fogata, y tras haber bebido y no poco, salvo Gray, que ha dejado radicalmente la bebida, salen a mear , primero, la más afectada por el alcohol, Van, y, casi de inmediato, Trevor. Ambos se separan del grupo por un momento. 

De repente, Trevor grita pidiendo ayuda, diciendo que Van tropezó y se cayó. Gray le pide a Trevor que llame al teléfono de los guardabosques, pero Trevor dice que no tiene batería. Van le susurra a Joey que Trevor la golpeó. Joey, que trabaja en el campo de la medicina, diagnostica que Van sufre una fractura de cráneo. 

El grupo sube a la balsa, aunque aún es de noche, creyendo que la ayuda tardaría un par de horas, cuando Van empieza a tener una convulsión y Joey la tranquiliza. Gray le indica a Trevor que reme en una dirección específica por seguridad, pero él no le hace caso y la balsa vuelca brevemente. Joey le dice a Gray que Trevor podría haber volcado la balsa a propósito y que Van le confesó que él la había atacado. 

Amanece y detienen la lancha para subir una colina para llegar a un puesto forestal y desde allí buscar un médico. Trevor revela que es un delincuente, que pasó tres años en prisión, y le hace prometer a Gray que no lo volverá a enviar. 

Encuentran al ranger y le dicen que necesitan un helicóptero para una herida en la cabeza. Cuando el ranger intenta usar la radio para pedir ayuda, Trevor entra en pánico y lo apuñala con un cuchillo, antes de romper la radio, cosa que hace de inmediato. 

Trevor le quita el arma al ranger y convence a Gray de que lo arroje con su camioneta por un acantilado, donde explota.

 

Las chicas ven la pistola en la mano de Trevor, y él les dice que el ranger está muerto y les exige que remen hasta Canadá, asumiendo que ellas ahora son las rehenes.

Durante el viaje, Van sucumbe a la herida en la cabeza. Cuando pasan bajo un puenbte Joey llama la atención de un transeúnte que pasa por el mismo, pero Trevor, verborreicamente,  logra salir del apuro. 

Se detienen para pasar la noche, donde entierran a Van, y Trevor ata al resto para que no escapen. Por la noche, el hombre que Joey vio en el puente se acerca sigilosamente e intenta quitarle la pistola a Trevor para liberar a los rehenes, pero primero quiere liberar a los demás de sus cuerdas, pero en esto Trevor le dispara. 

Mientras entierran al hombre muerto, Karissa ha tomado su navaja suiza sin que nadie se dé cuenta. Al día siguiente, las chicas están atadas y Gray solo rema la balsa. En un momento dado, Karissa usa la navaja suiza para cortar la balsa, obligando al grupo a desembarcar y tapar el agujero. 

Gray, mientras busca algo para reparar la balsa, aturde a Trevor con un spray para defenderse de los ojos y lo hace a los ojos, comenzando una pelea, pero recibe un disparo. Mientras Karissa logra cortar su cuerda y huye con Joey tras liberarla. 

Con Trevor persiguiéndolas, las chicas se separan. Trevor sigue a Joey, quien logra despistarlo y regresa para ver a su hermano, herido de bala en el estómago. Gray y Joey parten en la balsa justo cuando llega Trevor. 

Este encuentra a otros dos  piraguistas y los mata para apoderarse de sus transportes, persiguiendo a Gray y Joey, quienes entran en fuertes corrientes del río, caen de su balsa y encallan. 

Trevor los atrapa y apuñala a Joey por la espalda, justo cuando Gray agarra a Trevor y lo arroja contra una roca, sacrificándose en el proceso. 

Joey está gravemente herida. Los pulmones se les van inundando de sangre. Al tener conocimientos médicos con la navaja y con el tubo de la tinta se abre un hueco en los pulmones. consigiendo así respirar.

Posteriormente, un helicóptero aparece por el horizonte. Descubrimos que en el mismo está Karissa quien conjuntamente con los ranger buscan a lo largo del río. Cuando el helicóptero está a punto de irse del lugar, divisan a la chica rescatando a Joey y acabando así la película. 

En julio de 2022, se anunció que una nueva versión cinematográfica de The River Wild había entrado en producción, mientras que la fotografía principal ya había comenzado en Hungría para entonces. Dirigida por Ben Ketai a partir de un guion que coescribió con Mike Nguyen Le . Producida por Ogden Gavanski , el proyecto es una producción de Universal 1440 Entertainment y sería distribuida por Universal Filmed Entertainment Group. 

Aunque los tabloides la anunciaron como un remake/ reinicio , los ejecutivos del estudio la describieron como una "nueva historia de The River Wild " en el "universo" de la original, lo que indica que es una secuela independiente ambientada en la actualidad. Ketai declaró posteriormente que la historia, si bien similar e inspirada en la primera entrega, diferiría en cómo se desarrollan los acontecimientos. Mientras que los sucesos de The River Wild (1994) ocurren por casualidad, con la familia Hartman encontrándose con los villanos a orillas del río, los de River Wild (2023) serían el resultado de una relación preexistente y de la tensión que existe dentro del grupo. El cineasta afirmó: «En nuestra película, el peligro proviene del interior del grupo. Es una historia más íntima y cruda, pero ambientada en el mismo escenario emocionante que la original». 

El rodaje principal comenzó en julio de 2022, y tuvo lugar en Europa del Este, incluyendo Hungría, Eslovaquia y Bosnia y Herzegovina, así como Croacia. 

El elenco y el equipo se desplazaron en coche de un lugar a otro, y el elenco recibió un entrenamiento intensivo en un centro de entrenamiento de los Juegos Olímpicos en Liptovský Mikuláš , Eslovaquia, antes del inicio de la producción. 

Meester , aquí Joey, describió la producción como física, afirmando que el calor del verano, el frío del agua del río y el tema emocional fueron "desafiantes". Ella y su esposo en la vida real, Adam Brody, aquí Trevor-, declararon que, si bien inicialmente creían que filmar el proyecto podría traerles estrés a casa después del trabajo, ambos encontraron el proceso natural, desconectándose fácilmente de sus personajes entre tomas, con alivio de que no afectara sus vidas personales. Meester afirmó que trabajar con su esposo "hizo que cada momento fuera agradable y la tranquilizó", lo que también le dio una "sensación innata de seguridad". Brody encontró la producción divertida, y comentó con humor: "Pero mi parte favorita de la filmación fue perseguir a Leighton por el bosque a toda velocidad". 

Killam declaró que la preparación física para el papel lo hizo sentir preparado para la producción, comparando el entrenamiento con el de su esposa Cobie Smulders, quien ha aparecido en varios papeles de acción . 

De ella la crítica no ha hablado mal. Para Karina Adelgaard de Heaven of Horror se trata de "Un nuevo thriller de Netflix con un reparto pequeño y una historia bien escrita que mantiene la tensión y el ritmo en todo momento. Con una duración de una hora y media, hace exactamente lo que tiene que hacer (...)" 

Para JK Sooja de Common Sense Media "Lo mejor de este thriller es su brevedad, lo rápido que avanza y lo rápido que llega a su conclusión. Pero no hay mucha profundidad en 'River Wild' y, en particular, en sus personajes." 

Según el parecer de Radhamely De Leon de Decider, la película "Es perfecta para cuando buscas algo fácil de ver, pero por lo demás, no te pierdes gran cosa. Es mejor que veas la original" 

Y para el argentino Diego Lerer habitual en MicropsiaCine.com "Estamos ante un género que, (...) no se caracteriza, ni exige un altísimo grado de credibilidad. (...), que prioriza la tensión y la acción por sobre la lógica más estricta. Y dentro de esos parámetros, 'Río salvaje' funciona razonablemente bien."

Así va la historia, en la que los hermanos Grey y Joey Reese deciden entender un viaje de rafting en aguas bravas junto a sus amigo el expresidiero Trevor, y las aventureras Karissa y Van, que no espera que los mayores peligrosas estén entre los integrantes del equipo. Lo que comienza como una aventura se convierte rápidamente en una lucha por la supervivencia. 

Como dice el director la tensión proviene del interior del grupo y los peligros no suceden por casualidad en esta adaptación en la que todo procede de una relación preexistente, pues hay elelemtos que están ocultos para unos y para otros como el hecho de que Gray traficase con extasis a espaldas de su hermana, o el hecho de que Trevor hubiese abusado de Joey , a espaldas de Gray, o que Trevor se comiese el marrón para que su amigo no pagará con su culo en la cárcel cuando esperaba un hijo. En fin , la película se centrra en lo mucho que desconoces de tu propia familia, de tus amigos, de lo que ocurrió a tus espaldas,  por lo tanto no hace falta escuchar un banjo para advertir uan situación de peligro, sino aplicar la lógica cuando entre el corrillo hay un expresidiario de por medio. 

Muy lejos

Un viaje de autodescubrimiento es una experiencia transformadora, a menudo en solitario para aprender a confiar en uno mismo y a gestionar situaciones imprevistas, diseñada para explorar la propia identidad, valores y propósito de vida fuera de la rutina habitual. Significa enfrentar miedos, cuestionar creencias preestablecidas y fomentar la autonomía, la resiliencia y el crecimiento personal para vivir de manera más auténtica y consciente. 

Alejarse del entorno familiar permite silenciar las expectativas externas y escuchar la propia voz interior. Implica el desarrollo de la autenticidad algo que nos ayuda a identificar qué valores, necesidades y pasiones son realmente propios, en lugar de adoptados por presión social o familiar. 

Ayuda este tipo de viaje a enfrentarse uno a los desafíos en un entorno desconocido fortalece la confianza, la autoestima y la resiliencia. 

Por último, proporciona la claridad necesaria para tomar decisiones importantes, cambiar de rumbo profesional o mejorar relaciones personales. Pues bien, este es el viaje que hace Sergio, el protagonista de la película, bajo la mano del director Gerard Oms quien dirige esta película del año 2025 que llevó en holandés el título de Zo ver weg, en catalán el título de Molt lluny y en inglés de Away , que fue nominada a dos premios Goya en concreto lo mejor dirección Nobel y al mejor actor protagonista en la persona de Mario Casas como considerado por muchos críticos su mejor trabajo doctor hasta la fecha. 

La película ganó a Mejor Ópera Prima en el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (México) y se alzó con dos Biznagas en el Festival de Málaga en su estreno mundial en el Festival de Málaga en abril de 2025 , la de Mejor Actor (Mario Casas) y el Premio Especial del Jurado de la Crítica. 

Muy lejos dirigida por este director es también la historia de un joven que huye de España en busca de una nueva vida con la que asimismo. 

La película fue Premio del jurado de la crítica y al mejor actor del Festival de Málaga del año 2024 en este drama social sobre el desarraigo y el miedo a ser uno mismo. 

Casas interpreta a un hombre que tras asistir con sus amigos y su hermano y su padre a un partido de fútbol entre el español y el Utrecht decide quedarse en la ciudad neerlandesa sin dar explicaciones a nadie. Junto a Mario Casas participan de la película David Verdaguer, Ilyass El Ouahdani y Jetty Mathirin. 

Después de asistir a un partido de fútbol del Real Club Deportivo Espanyol en Utrecht de 2009 , Sergio (Mario Casas) sufre un ataque de pánico al coger el vuelo de vuelta a Barcelona. Como resultado, decide quedarse en Holanda, teniendo que sobrevivir en el país sin saber ni siquiera el idioma.

Incapaz de dar una explicación lógica a los suyos, corta todo contacto con su pasado. A partir de ese momento, deberá sobrevivir, sin dinero, sin amigos, sin casa y sin hablar el idioma, hasta ser capaz de encontrarse a si mismo. 

A lo largo de la película descubre lo difícil vivir sin dinero, lo complejo que es encontrar un trabajo en el extranjero especialmente si eres un inmigrante, lo difícil que lo tienes si eres ajeno a la Unión Europea, como le ocurre a Yusuf (Ilyass El Ouahdani), que no todos tus paisanos son amables y colaboradores, que encontrar habitación es casi imposible, que los lazos entre iguales se refuerzan, que , en ocasiones, los que te acogen se convierten en tu familia de acogida, que tu sexualidad te condiciona y está en el trasfondo de tus decisiones, y que los hermanos, lo saben todo. 

La idea original de Muy lejos nació a partir de las experiencias como adolescente del cineasta Gerard Oms, quien viajó a Holanda porque no tenía referentes que le ayudasen a entender lo que le pasaba en su vida. En junio de 2023, se anunció que los productores Carles Torras y Sergio Adrià junto a la productora Zabriskie Films y Revolver Amsterdam estaban desarrollando la película Muy lejos (Zo ver weg), a las que se sumaron TV3, RTVE, 3Catla cual estaría dirigida por Oms contando como ayudante de dirección con Marijn Braad y la dirección artística de Laia Serra Ros. 

En octubre de 2023, se anunció que Mario Casas protagonizaría la película. Todo partía del guion de Gerard Oms, la música de Silvia Pérez Cruz, el sonido de Jordi Cirbián, el maquillaje de Carmen de Fretes, la fotografía de Edu Canet Ciscar, el montaje de Neus Ballús y el vestuario de Alice Bocchi. El rodaje de la película comenzó el 13 de noviembre de 2023, y a mediados de diciembre se anunció que había concluido. El rodaje de la película tuvo lugar en localizaciones de Cataluña y los Países Bajos. 

Aunque se desconoce el presupuesto total de la cinta, Muy lejos recibió 783.735 euros procedentes de las ayudas generales del ICAA. 

Para prepararse para su papel, Casas tomó clases de danza contemporánea durante un mes y también se dedicó a repasar papeles de hombres reprimidos como los interpretados por Heath Ledger en Brokeback Mountain, Josh O'Connor en Tierra de Dios o Matthias Schoenaerts como referencias. 

El director declaró que «Ha sido un trabajo en equipo lejos de casa y cerca de la historia. Un rodaje donde hemos descubierto parte del proceso “in situ”, creando entre todos el espacio para captar la verdad del momento dentro del marco pactado. Un rodaje a veces difícil por las condiciones climatológicas adversas, pero que han sido, a la vez, parte indivisible de nuestro viaje para contar el camino del protagonista. Hemos sido los primeros espectadores, confidentes y atentos, del aprendizaje de Sergio (un Mario Casas generoso y entregado), que también ha sido el nuestro, creando desde la libertad absoluta, escuchando a los actores y las actrices; y a los lugares. Dándonos el permiso para retomar y jugar. Y trabajar, una vez más, tan de cerca con Mario, ha sido un regalo. Me siento muy agradecido», comparte Oms acerca del rodaje de la cinta. 

En cuanto a la crítica la valoró muy positivamente . Luis Martínez en El Mundo dijo de ella que era un "Brillante debut de Gerard Oms como director (...) Mario Casas tan rotundo como soberbio (...) La película logra lo que pretende sin el menor asomo de duda: mantener en todo momento vivo el instante de una duda (...) Sin duda, un debut tardío, pero muy bienvenido." 

El habitual crítico de ABC Oti Rodríguez Marchante escribió que "La película se enfoca en las dificultades de vivir como extranjero y sin recursos (...) Todo eso lo sufre el protagonista y lo advierte al espectador (...) Es destacable la interpretación de Mario Casas" Enric Albero, de El Cultural, consideró la actuación de Casas como la mejor desde Unidad 7. 

Raquel Hernández Luján, de HobbyConsolas, le otorgó a la película 70 puntos («buena»), destacando «la profundidad con la que el guion explora al personaje central», aunque advirtió que Away es una «película gris, fría y triste que no se lo pone fácil al espectador». 

Carlos Boyero, de El País, escribió que la narrativa de Oms "El resultado es notable. La interpretación de Mario Casas es potente (...) Y la forma de Oms al narrar esta historia es inteligente y honesta, mostrando una realidad nada amable, haciéndolo con sutileza y verosimilitud." 

Roger Salvans, de Fotogramas, destacó el compromiso de Casas y el potencial que se percibe en Oms". 

Carmen L. Lobo en La Razón sostuvo que era "Un ejemplo del mejor cine social europeo de hoy atravesado por momentos de alta graduación emocional (...) Lo mejor: La madurez de esta opera prima y Casas, que realiza su mejor trabajo hasta la fecha. (...) 

Pepa Blanes en la SER comentó que "Mario Casas firma su mejor papel en 'Muy lejos' (...) potente debut, un drama que bebe de la mejor tradición del cine social europeo para retratar la inmigración, la búsqueda de identidad y la sanación de uno mismo y con su entorno". 

Para acabar voy con el hijo de un ex jugador del Español, Carlos Marañón, en Cinemanía quien afirma que "Gerard Oms juega de titular en la alineación del cine más honesto que se hace hoy en España (...)  

¿Por qué los seres humanos , en ocasiones, apostamos por el autodescubrimiento? Básicamente, por que buscamos un propósito: encontrar un mayor significado en sus vidas o tras un cambio importante (ruptura, cambio de trabajo, pérdida). Pero también por superar el estancamiento y salir de nuestra zona de confort y romper con la monotonía; así como la aprender a estar solo y disfrutar de la propia compañía y aprender a ser independiente. 

Pues eso es la película, un buen debut en la dirección, un gran trabajo en cuanto al protagonista por parte de Mario Casas - y a los que se suman como secundarios David Verdaguer e Ilyass El Ouahdani, y una buena historia de autoconocimiento. 

Mi crimen

François Ozon está considerado un director "camaleónico" debido a su capacidad inigualable para cambiar de género, tono y estilo visual en cada película, sin perder una huella autoral distintiva. Su filmografía se caracteriza por una constante exploración de la condición humana, pasando con versatilidad desde el drama intenso hasta la comedia satírica o el thriller. Ha tenido el valor de dirigir musicales pop como 8 mujeres, que me dejaron descolocado, dramas psicológicos como Bajo la arena, thrillers eróticos como El amante doble,  comedias negras como Potiche y dramas sociales históricos como Frantz, cambiando de "piel" en cada proyecto.

A pesar de la variedad de géneros, todos sus filmes exploran temas comunes como la sexualidad humana, la muerte, la manipulación, el deseo y los secretos familiares. Sus películas pueden ser estéticamente bellas y coloridas, o oscuras y crudas, dependiendo de la historia que quiera contar, evidenciando su habilidad para adaptar la forma al fondo. A menudo manipula al espectador, cuestionando la verdad y la identidad, lo que crea una filmografía rica, juguetona y a veces perversa, manteniendo al público adivinando. Es un director que rehúye la repetición, buscando siempre nuevos desafíos narrativos y estéticos, lo que lo convierte en uno de los cineastas modernos más impredecibles y prolíficos de Europa. Es como señala un antropólogo que reside tras una cámara cinematográfica.

La película que me ha traído hasta aquó es Mon Crime es una película francesa del año 2023 dirigida y guionizada por el director francés François Ozon que adapta una olvidada obra de teatro parisina del año 1934 de título homónimo - Mon Crime.... de Georges Berr y Louis Verneuil, creada en 1934 en el Théâtre des Variétés . 

Para esta comedia de enredos al más puro estilo "screeball comedy" de la época dorada de Hollywood. La película cuenta con la producción de Éric Altmayer,Nicolas Altmayer y Geneviève Lemal para las productoras FOZ y Scope Pictures. Música Philippe Rombi Fotografía Manuel Dacosse Montaje Laure Gardette Vestuario Pascaline Chavanne  

Ozon parte del asesinato de un poderoso productor sin escrúpulos a manos de una joven actriz para elaborar una sarcástica, reivindicativa y teatral comedia llena de giros y guion. 

Estamos en el París de 1935 y Madeleine Verdier ( Nadia Tereszkiewicz ), que es una joven y bella actriz que lucha por encontrar trabajo y, por consiguiente, está en la ruina sale de una casa de la lujosa barriada de Neuilly sur Seine. Sale rápido con ganas de no querer saber nada de nadie. Parece ir a casa.

Comparte una buhardilla sin agua corriente con su amiga, Pauline Mauléon ( Rebecca Marder ), una joven abogada que busca clientes constantemente. 

Madeleine está enamorada de André Bonnard ( Édouard Sulpice ), hijo del dueño de una gran fábrica de neumáticos, quien recibe escaso apoyo económico de su padre ( André Dussollier ). Sabemos que ha acudido a una reunión con el productor teatral Montferrand, quien le ofrece un pequeño papel en una obra con la condición de que se convierta en su amante. Ella se niega. Él intenta violarla. Ella se defiende y logra escapar. 

Al llegar a casa, recibe la visita de su amigo André, quien le explica que, para solucionar sus problemas económicos, planea casarse con una rica heredera y convertirla en su amante. Madeleine, que había esperado que André se casara con ella y aceptara trabajar, se desespera. 

Poco después se persona en la casa, Brun ( Régis Laspalès ), inspector de policía, que toca el timbre del apartamento de las dos amigas. En ese momento nos enteramos que Montferrand ha sido asesinado y que Madeleine es sospechosa. 

El juez de instrucción, Gustave Rabuset ( Fabrice Luchini ), informado de la situación, se convence rápidamente de la culpabilidad de Madeleine, aunque ella inicialmente lo niega. Entonces, cuando Rabuset le dice que si puede alegar legítima defensa , no necesariamente será condenada, confiesa repentinamente y contrata a su amiga Pauline como abogada. 

Durante el juicio, Madeleine y Pauline utilizan el caso como símbolo de la opresión de las mujeres por los hombres, y Madeleine ofrece una interpretación muy conmovedora en el papel de la joven indignada escrita por Pauline. Es absuelta por un jurado compuesto exclusivamente por hombres  ante los aplausos de las numerosas mujeres que acudieron a asistir al juicio. 

Gracias al revuelo mediático que rodeó esta sorpresiva absolución, Madeleine es ahora una actriz famosa y Pauline una abogada muy solicitada. Dejan su miserable apartamento y se mudan a una gran mansión en Boulogne. André quiere romper su compromiso con la rica heredera para casarse con Madeleine, pero su padre se opone. 

Es entonces cuando reciben la visita de Odette Chaumette ( Isabelle Huppert ), una antigua actriz de cine mudo cuya carrera se ha estancado desde la llegada del sonido . Les explica que mató a Montferrand y que Madeleine le robó el crimen junto con la fama que le trajo. Exige dinero a las dos jóvenes, quienes se niegan. Por lo tanto, confesará, pero Rabuset, quien, gracias al caso Montferrand, ha sido ascendido y se ha convertido en el juez de instrucción principal, se niega a reabrir este caso que ya ha sido juzgado y le ordena que vuelva a verlo cuando pueda acusarse de un crimen que sí pueda imputar. 

Mientras Odette Chaumette sigue acosando a las dos amigas, Madeleine va a ver al arquitecto Palmarède, quien había contratado una renta vitalicia con Montferrand y, por lo tanto, había obtenido una considerable suma de dinero tras su muerte prematura. Ella lo convence de invertir parte de ese dinero en el negocio en apuros del padre de André. 

Madeleine y Pauline le explican a André que Madeleine no es la asesina, pero, lo que es más importante, le ofrecen la posibilidad de que Palmarède rescate su empresa: él acepta el matrimonio y le da a Odette el dinero que ella exige para no poner en peligro la inversión de Palmarède. 

Odette también consigue un papel importante en la exitosa obra de teatro en la que actúa Madeleine; ambas representan una escena que reinterpreta el asesinato de Montferrand, en la que Odette lo mata para salvar a Madeleine, quien es víctima de un intento de violación.

En los títulos de cr´çeditos nos vamos enterando del papel que van a jugar todos en el futuro. En los mismos nos enteramos que la película está protagonizada por Nadia Tereszkiewicz, Isabelle Huppert, Dany Boon, Rebecca Marder, Fabrice Luchini, André Dussollier y Edourd Sulpice. Nadia Tereszkiewicz como Madeleine Verdier, la actriz. Rebecca Marder como Pauline Mauléon, abogada amiga y compañera de cuarto de Madeleine Isabelle Huppert como Odette Chaumette, actriz célebre del cine mudo Dany Boon como el arquitecto Palmarède Fabrice Luchini como el juez Gustave Rabusset André Dussollier como Sr. Bonnard, jefe de una empresa de neumáticos Félix Lefebvre como el periodista Gilbert Raton Édouard Sulpice como André Bonnard, hijo del señor Bonnard y novio de Madeleine Régis Laspalès como el inspector Brun Olivier Broche como Léon Trapu, , el escribano de Rabusset Evelyne Buyle la actriz Simone Bernard Lucia Sanchez como Madame Alvarez Jean-Claude Bolle-Reddat como Émile Bouchard Daniel Prévost como Parvot, el presidente del tribunalFue en junio de 2022 cuando supimos la composición de parte del elenco, incluyendo los nombres mencionados anteriormente pero también el de Dany Boon 

La inspiración de la película, inicialmente mantenida en secreto bajo el nombre en clave "Madeleine", proviene en gran medida de las comedias de Sacha Guitry . El director también admite apreciar "la moralidad de Sacha Guitry ". 

Dado que la película está ambientada en la década de 1930, François Ozon dice que inmediatamente pensó en Renoir y su cine, en particular en la película "La regla del juego" 

Se trata, por lo tanto, de una adaptación de una obra de teatro de 1934, lo que ofrece una interesante oportunidad para la adaptación. Ambientada en la década de 1930, el director puede respetar la atmósfera original de la obra al tiempo que aborda temas contemporáneos, pero con un toque más ligero, "debido a la distancia temporal y la reconstrucción histórica. Esto permite más libertad, quizás incluso más amoralidad, más transgresión ". Si la historia se hubiera trasladado a nuestros días, François Ozon cree que la película podría haberse convertido en un drama, algo en la misma línea que su película Por la gracia de Dios . Mi crimen según su director es la tercera parte de una trilogía sobre la condición femenina iniciada con su filme ocho mujeres al que siguió " Poti he, mujeres al poder".

La cinta temas como la zorro vida la coma las ansias de fama el poder de los medios de comunicación con la sociedad patriarcal todo ello desde la sátira y el humor agudo tal y como se refleja en los títulos de créditos finales. 

Para encontrar a las dos actrices principales de su película, François Ozon realizó un largo casting en el que participaron 200 personas. El cineasta aún no había visto las películas *Les Amandiers * y *Simone, le voyage du siècle* , protagonizadas por Nadia Tereszkiewicz y Rebecca Marder, respectivamente. Sin embargo, esto resultó innecesario, ya que el director "inmediatamente (...) sintió una conexión entre ellas ", lo cual consideró importante dado el tema de la película. También sintió que las dos actrices tenían "un aspecto muy de los años 30". 

El director también mantuvo consigo a miembros del equipo técnico que eran habituales en sus rodajes, como la diseñadora de vestuario, Pascaline Chavanne , tres veces ganadora del premio César , o el director de fotografía Manu Dacosse . De igual modo, algunos actores ya han trabajado con François Ozon en el pasado. Así, veinte años después de 8 Women , se reencuentra con Isabelle Huppert, pero también con Fabrice Luchini ( In the House , Potiche ) y André Dussollier, con quien filmó Everything Went Well . 

Para el cineasta, dado el ritmo casi anual de sus producciones, trabajar "con gente con la que me llevo bien, a la que soy leal, es más sencillo, el trabajo es más rápido"  

La historia de la película se remonta a junio de 2022 cuando se anuncia que el rodaje. El mismo  comenzó en abril. La película se rodó en París (en la Maison de la Mutualité , la Brasserie Floderer y el Palais de Justice ), en el Tribunal Administrativo de Melun , en el Château de Vaugien , en las calles del centro de Burdeos y en la región de Île-de-France (en los estudios de Bry-sur-Marne ), así como en Bélgica en Charleroi y Bruselas , en particular en la Villa Empain (escenario del crimen). La escena en el baño de la mansión privada se filmó en el Hôtel Frugès de Burdeos. 

Reconozco que no tuvo grandes reconocimientos. Únicamente en los Premios César del 2024 se llevó el Premio al mejor diseño de vestuario para Pascaline Chavanne 

En cuanto a la crítica señalar que Olivier de Bruyn, escribiendo para Les Échos , habla de un «François Ozon, inspirado desde el primer hasta el último plano, [que] ofrece una ficción “ lubitschiana ” y amoral del mejor gusto. Una farsa que, lejos del academicismo habitual del cine popular francés, se distingue por su originalidad, su audacia y su incorrección » . 

El crítico Laurent Cambon, en su reseña para el sitio web aVoir-aLire , quedó completamente cautivado por la película. «En un relato barroco y alegre, el director, adorado por el público francés, se deleita mostrando todos los excesos de los que es capaz una actriz sin caer jamás en el mal gusto ». El crítico elogió las interpretaciones de las dos actrices protagonistas, así como las de los actores masculinos. Subrayó las sutilezas ocultas en el guion: «Detrás de esta historia aparentemente desenfadada se esconde una profunda defensa de la condición de la mujer, cuyas principales víctimas seguimos viendo hoy a manos de sus parejas violentas ». Concluyó su reseña de la película de la siguiente manera: «Pero no nos equivoquemos. Mi crimen no es una película política. Es un ejercicio cinematográfico completo donde la escenografía, el vestuario, los movimientos de cámara y la dirección de los actores alcanzan una especie de perfección » . 

Caroline Vié, para 20 Minutes , habla de una película con "constante buen humor" , que, según ella, sería uno de los "principales activos de una comedia tan sabrosa como un dulce del que uno sale encantado". 

Para Sophie Joubert, de L'Humanité , "Brillantemente escrita y dirigida, francamente divertida, Mi crimen deja, sin embargo, un sabor amargo: defensoras extravagantes de la causa de las mujeres, Madeleine y Pauline son también mentirosas y manipuladoras. Como si Ozon, al adaptar esta obra de teatro de bulevar anticuada, quisiera absolutamente dar garantías al bando contrario". 

En La Voix du Nord , Christophe Caron resume sus pensamientos de la siguiente manera: "Nos hubiera gustado un espectáculo de fuegos artificiales final más deslumbrante, pero la impresión de una fábula brillante permanece. Perfecto para el 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer" .

Para Olivier Delcroix, de Le Figaro , «Sin ser militante, la película captura sutilmente el espíritu de la época, vistiéndolo con la ropa interior con volantes de la Francia de los años treinta. El ejercicio cinematográfico está bien filmado, controlado, tan ligero como serio. Con ese pequeño toque de astucia que conquista a los espectadores» . 

Antoine Desrues, para el sitio web Écran Large , resume su reseña de la siguiente manera: "Al abordar la comedia disparatada y adoptar la artificialidad teatral que hizo tan atractiva a 8 Women , François Ozon ha realizado su película más divertida en... demasiado tiempo con Mon crime . Una obra menor, pero encantadora". 

Para Mathieu Macheret, de Le Monde , "Desde su primer largometraje Sitcom , Ozon ha hecho costumbre de destrozar formas huecas para inocularlas con un fermento de subversión, lo que hace aquí con vodevil, bastante polvoriento, para hacer resonar un mensaje feminista. Pero la operación se convierte rápidamente en una alabanza de la falsedad que respira cinismo". 

Según Luc Chessel de Libération , "Mi crimen, obviamente, es 'cautivadora' y 'desnuda', va a toda velocidad, siguiendo o adelantándose a sus actrices y actores. El juicio de Madeleine Verdier es sin duda la pieza de bravura de la película, aquella en la que todo empieza a funcionar en conjunto: el tribunal como escenario, un estudio de cine y un espacio público de escándalo, donde los elogios de los medios al asesinato de hombres y lo ridículo de la indignación de los reaccionarios anti-woke pueden declararse con júbilo". 

En los Estados Unidos, Guy Lodge Variety "Es tan efervescente y fácil de olvidar como una botella de vino espumoso de marca blanca" 

Para bBeatrice Loayza del The New York Times "El prototipo de película de confort, adornada con la nostalgia del viejo Hollywood y que se desarrolla a ritmo de subasta" 

Moira MacDonald del Seattle Times comentó que la película era "Una deliciosa pieza del maestro François Ozon" 

Anthony Lane en The New Yorker sostuvo que "Ozon, como siempre, no sólo se divierte. También hace travesuras con la política sexual de la trama"

Sheri Linden del The Hollywood Reporter "Si no es tan divertida como pretende, es porque la mayoría de los personajes sólo tienen una nota que tocar. Pero lo hacen con un entusiasmo irresistible".

Para el británico Peter Bradshaw del The Guardian la película "Está bien rodada, interpretada con solidez y es entretenidamente superficial (...) 

En las páginas de Empire Miriam Balanescu escribe que "Una película camaleónica a la altura de un director camaleónico (...) 

Para Lisa Nesselson de Screendaily escribió que "Varias generaciones de los mejores actores dramáticos de Francia claramente están pasándolo en grande en esta elegante historia (...) Comedia amoral sorprendentemente honesta" 

Ya en España Elsa Fernández-Santos en El País sostuvo que era "Una comedia gozosa con aire de vodevil que fluye como un manantial de la mano de un reparto sembrado, capaz de moverse entre diálogos brillantes y endiablados, y una trama con todos los ingredientes posibles" 

El crítico de ABC  Oti Rodríguez Marchante dijo que la película  "Es una pura golosina, una obra espumosa y desenfadada que se construye con el aire de una intriga criminal, un juicio pintoresco y unos personajes con un divertido toque estrambótico." 

Sergi Sánchez en La Razón dejó por escrito que la película "Es refrescante que el director de “Bajo la arena” parta de una premisa afín al discurso del #metoo quitando hierro al asunto (...) una película que se divierte de lo lindo corroborando que la vida es puro teatro. (...) " 

Nando Salvá en las páginas de El Periódico de España "Funciona a la vez como demostración involuntaria de ideología reaccionaria y como cínico argumento con el que convencernos de que todo es manipulación, falsedad y simulación. (...)" 

Philipp Engel desde el barcelonés diario La Vanguardia señaló que "A la banda sonora le faltan canciones reconocibles, el París de época queda demasiado acartonado y las jóvenes heroínas pueden resultar incluso irritantes. Con todo, hay que reconocer que funciona. (...)" 

Irene Crespo de Cinemanía destacó que "Ozon (...) se ha rodeado de un reparto brillante (...) Y los coloca (...) en unas secuencias tradicionales, casi teatrales que beben del mejor cine dorado americano (...). Un divertimento sensacional. (...) " 

Roger Salvans de Fotogramas comentó que tenía "Un título cargado de guiños a las screwball comedies del Hollywood dorado que, sin embargo, se siente rabiosamente actual. (...) divertimento que nos devuelve al Ozon más desenfadado. (...) " 

Por su parte, Marta Medina habitualñ en las páginas de El Confidencial destaca que "Es un alegre divertimento que funciona en su candidez (...) es un Ozon disfrazado de ligereza, divertido y sofisticado, rodeado de un elenco disfrutón, con un diseño de arte y una fotografía impecables. (...)".

Poco más, que ya es mucho. Un Ozon más. Y, únicamente un detalle. En relación a lo que presentaron en la Facultad de Filosofía y Letras de Córdoba, la Facultad más bella de las de la capital,  el 1 de junio - aunque lo presentaron el 22 de mayo de 2025 en un programa diseñado por Cine Cercano, una asociación cultural sin ánimo de lucro que dice disfrutar de una programación de cine de actualidad, diversa y multicultural, con obras de calidad de lo mejor de la producción española, europea y mundial- me remite a que 36 años antes, en un mes de mayo pero del año 1989, y enmarcado en su fiesta de Primavera, con un Soler al frente del aula de Estudiantes, una de las películas que emitieron fue Senderos de Gloria, lo que fue un descubrimiento para mi. Pero es otra historia. 

La semilla de la higuera sagrada.

The Seed of the Sacred Fig (La Semilla de la Higuera Sagrada) es una de estas películas necesarias. De esas películas que hay que ver sí o sí. Es un acto de resistencia artística y de denuncia política, filmada en secreto por Mohammad Rasoulof al desafiar la censura iraní. Retrata la represión de la teocracia, se inspira en el movimiento "Mujer, Vida, Libertad" y cómo el autoritarismo lo corrompe todo, incluído el núcleo familiar y social.La película expone la crueldad del gobierno iraní hacia las mujeres y la sociedad, filmada en secreto por un director perseguido, lo que aporta una inmediatez documental. Muestra la lucha por la autonomía femenina frente al patriarcado impuesto, integrando material real de las protestas tras la muerte de Masha Amini. El equipo arriesgó su libertad, enfrentando interrogatorios y exilio, lo que hace de la película un testimonio directo de la represión iraní

El resultado es un magistral y asfixiante thriller iraní que lleva por título en inglés The Seed of the Sacred Fig de 2024 escrita y dirigida por Mohammad Rasoulof.  que ya había sido Espiga de Honor en 2018, y que había huido de Irán tras ser condenado a ocho años de prisión y flagelación a causa de su cine político. 

En el pasado, el director Mohammad Rasoulof había violado repetidamente las normas de censura iraníes con sus películas y fue condenado a tres penas de prisión, además de tener prohibido trabajar y salir del país. En 2020, su película There Is No Evil ganó el máximo galardón en el 70.º Festival Internacional de Cine de Berlín , donde se le entregó en su ausencia. Rasoulof tenía previsto participar en el Festival de Cine de Cannes de 2023 como miembro del jurado de la sección Un Certain Regard . Sin embargo, fue arrestado en julio de 2022 tras criticar la represión gubernamental contra los manifestantes en la ciudad suroccidental de Abadán por el derrumbe de un edificio que causó numerosas víctimas mortales . Fue liberado temporalmente de prisión en febrero de 2023 por motivos de salud. 

Posteriormente, Rasoulof fue indultado y condenado a un año de prisión y a dos años de prohibición de salir de Irán por "propaganda contra el régimen".

Tras el anuncio de la selección de Cannes, las autoridades iraníes interrogaron al elenco y al equipo, prohibiéndoles salir del país y presionándolos para que convencieran a Rasoulof de retirar la película de la programación del festival.

Poco después, Rasoulof y algunos miembros del reparto (incluidos Mahsa Rostami, Setareh Maleki y Niousha Akhshi) y del equipo lograron huir a Europa.

Rasoulof describió su escape de Irán, que duró 28 días, como un "viaje agotador, largo, complicado y angustioso". Viajó a pie entre pueblos fronterizos, llegando finalmente a una ciudad con un consulado alemán que lo identificó mediante sus huellas dactilares y le emitió un documento de viaje temporal que utilizó para viajar a Alemania.

Rasoulof y parte del reparto y el equipo asistieron a la alfombra roja de la película en Cannes el 24 de mayo de 2024. Durante su aparición, sostuvo dos fotografías que mostraban a los actores Soheila Golestani y Missagh Zareh, quienes no han podido salir de Irán. 

La semilla de la higuera sagrada es la décima obra dirigida por Mohammad Rasoulof. El título hace referencia a una especie de higuera que se propaga "envolviéndose alrededor de otro árbol y finalmente estrangulándolo". Esto se consideraba un símbolo del régimen teocrático en Irán.Rasoulof escribió el guion y eligió a Missagh Zareh y Soheila Golestani para los papeles principales de la pareja leal al régimen, Iman y Najmeh, respectivamente. Golestani había hecho campaña previamente contra el uso del hiyab durante las protestas y había sido arrestada por ello. Rasoulof también eligió a Mahsa Rostami y Setareh Maleki como las hijas, Rezvan y Sana. Trabajó con el director de fotografía Pooyan Aghababaei y que tuvo como montador a Andrew Bird. Para esta película contó con la música de Karzan Mahmood y la fotografía de Pouyan Aghababayi 

Está Coproducción Alemania-Irán-Francia intervienen las productoras Run Way Pictures, Parallel 45, arte France Cinéma, Parallel45, Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein, L'Aide aux Cinémas du Monde, Moin Films protagonizada por Soheila Golestani, Missagh Zareh, Mahsa Rostami y Setareh Maleki.

El juez de instrucción Imán , del Tribunal Revolucionario de Teherán, se enfrenta a la paranoia en medio de los disturbios políticos de Teherán. Cuando su pistola desaparece, sospecha de su mujer y sus hijas, imponiendo medidas draconianas que tensan los lazos familiares a medida que las normas sociales se desmoronan en su hogar se desatan los conflictos con su esposa y sus dos hijas. 

Mientras, en las calles se alzan protestas del movimiento “Women, Life, Freedom”, que surgió a raíz de la muerte de Mahsa Amini en custodia de la policía y que Rasoulof incluye recurriendo a material de archivo real. Estamos en el Irán, otoño 2022. 

La vida universitaria en Teherán se ve sacudida por las revueltas en las calles y las escuelas al grito de «Mujer, vida y libertad». A medida que los disturbios políticos aumentan la vida de Imán, un abogado devoto y honesto, que vive con su esposa, Najmeh, y sus dos hijas, Rezvan y Sana comienza a cambiar. 

Recientemente, Imán fue nombrado juez de instrucción en el Tribunal Revolucionario de Teherán . Este puesto le proporciona un salario más alto y un apartamento más grande para su familia, algo que su esposa desea, y todo ello después de muchos años de esfuerzo y lealtad al régimen iraní de los ayatolás, Imán logra el codiciado cargo de juez de instrucción, la responsabilidad profesional en la vida de un juez de instrucción empieza a afectar a su plácida vida familiar junto a su mujer y a sus dos hijas adolescentes. 

Mientras se desarrollan las protestas políticas a nivel nacional contra el gobierno autoritario , Imán descubre que no fue contratado para usar su experiencia legal en la investigación de casos. Se espera que apruebe las sentencias presentadas por sus superiores sin evaluar las pruebas, incluidas las condenas a muerte, y se entera de que su predecesor fue despedido por negarse. El puesto exige que Imán permanezca en el anonimato. Se le ordena que oculte información a amigos y familiares que podrían ser blanco de represalias para presionarlo. 

El gobierno le entrega a Iman una pistola para la protección de su familia, pero él está totalmente desprevenido para manejarla y no la guarda adecuadamente en un compartimento seguro en la casa. 

Cuando Sadaf, una buena amiga de Rezvan, recibe un disparo en la cara en la calle durante una manifestación contra el hiyab obligatorio , Najmeh y sus hijas le prestan primeros auxilios en su apartamento. Deciden mantener el incidente en secreto para Iman. 

Poco tiempo después, Sadaf es arrestada. Najmeh, tan devota como Iman, aconseja a sus hijas que se mantengan alejadas de sus amigas revolucionarias, lo que genera tensión en la familia. A medida que se intensifican las protestas políticas a nivel nacional, Iman se vuelve desconfiado y paranoico. Las protestas lo obligan a firmar cientos de sentencias al día. 

Mientras tanto, Rezvan y Sana siguen las protestas horrorizadas en las redes sociales. Rezvan finalmente se rebela contra su padre durante la cena, lo que provoca que Iman la reprenda por sus ideas feministas, que él descarta como propaganda enemiga. Cuando la pistola que el gobierno le había entregado para mantener su seguridad desaparece, sólo le queda sospechar de las mujeres que lo rodean. 

Mientras las normas sociales empiezan a desmoronarse a su alrededor, lo hace también su familia.Al mismo tiempo, la pistola de Iman desaparece misteriosamente y él empieza a sospechar, creyendo que alguien de su familia la ha robado y le está mintiendo. Obliga a sus dos hijas y a su esposa a reunirse con un colega, Alireza, para ser interrogados. Iman justifica este trato diciendo que ya no se siente seguro en su propia casa, puesto que ya no puede confiar en su familia. El conflicto dramático del padre con su mujer y sus dos hijas explica cómo el totalitarismo se construye desde el hogar, en pequeños detalles que derivan en silencios, normas no escritas y una venenosa complicidad con el sistema.

El nombre, la foto y la dirección de Iman acaban publicándose en las redes sociales. Para protegerse, Iman decide ir en coche con su familia a la casa de su infancia en las montañas. Antes de partir, un colega le da un arma de fuego para su protección, para compensar la que ha desaparecido. 

Durante el trayecto, la familia se encuentra con una pareja que reconoce a Iman. Se produce una persecución, en la que Iman los saca de la carretera y los amenaza. Dentro del coche, Sana le revela a Rezvan que ha cogido la pistola, y Rezvan se la quita y la guarda en el asiento trasero. Al llegar a la casa de su infancia, Iman somete a toda la familia a un juicio. Los interroga e intenta obligarlos a confesar ante una videocámara. Ambas chicas siguen negando su participación, así que Najmeh asume la culpa para protegerlas, pero entonces, para proteger a su madre y a su hermana, Rezvan dice que tiene el arma. Sin embargo, cuando lleva a Iman a recuperarla, descubre que no está en el coche. Iman encierra a Rezvan y a Najmeh en habitaciones separadas en el sótano, pero Sana escapa con el arma. 

Tras tender una trampa, logra encerrar a Iman en un cobertizo y liberar a su hermana y a su madre antes de que escape. Después de una larga persecución entre las ruinas de un pueblo, Iman finalmente atrapa a Najmeh, y sus gritos guían a Sana y a Rezvan hasta ellos. Sana apunta con su arma a su padre, pero duda en disparar. Cuando su padre se acerca a ella con su segunda arma en la mano, entra en pánico y dispara al suelo. El suelo se derrumba e Iman cae al vacío, encontrando su muerte. 

La película finaliza con imágenes reales grabadas con teléfonos móviles que muestran a mujeres protestando en las calles de Teherán, con el cabello descubierto, ondeando sus pañuelos en el aire. Y hasta aquí la película que parte de un guion que se apoya en símbolos y metáforas muy sugerentes que guían al espectador sin necesidad de subrayar ni forzar el dramatismo, permitiendo además que la intriga tenga el ritmo y la intensidad que, en algunos casos, se echa en falta en el cine iraní más premiado de las últimas décadas. 

La historia tiene muchos giros y matices gracias al punto de vista de las dos hijas, que ponen delante de sus padres un espejo en el que mirar las incoherencias y arcaísmos de toda una cultura. Con unas interpretaciones desbordantes de naturalidad, la película está desarrollada con medida y mucho talento en la planificación, el diseño y estructura del guion y la banda sonora, que componen una obra tan sutil como accesible y universal. 

La película es el décimo trabajo como director de Mohammad Rasoulof. El título hace referencia a una especie de higo que se propaga "enroscándose en otro árbol y estrangulándolo". Esto se consideraba un símbolo del régimen teocrático en Irán. Rasoulof escribió el guion y eligió a Missagh Zareh y Soheila Golestani para los papeles principales de la pareja leal al régimen, Iman y Najmeh, respectivamente. La propia Gholestani había hecho campaña contra el uso del hiyab durante las protestas y había sido arrestada por ello. Rasoulof eligió a Mahsa Rostami y Setareh Malek para los papeles de las hijas Rezvan y Sana, respectivamente. 

El rodaje de la película se llevó a cabo en secreto y duró unos 70 días, desde finales de diciembre de 2023 hasta marzo de 2024. El propio Rasoulof lo describió como "difícil". Solo podía filmar unos días seguidos y luego tenía que hacer descansos. Rasoulof trabajó con el director de fotografía Pooyan Aghababaei. 

El director afirmó que estaba en medio del rodaje cuando se enteró de su nueva sentencia de prisión. Rasoulof contaba con que el proceso de apelación demorara mucho tiempo para revisar su caso. Además, este período de primavera coincidió con las celebraciones del Nowruz (Año Nuevo) en Irán, que duraron dos semanas. De hecho, Rasoulof logró terminar su película al final de las vacaciones. 

Después de que el tribunal de apelaciones confirmara el veredicto, se vio obligado a decidir en un plazo de dos horas si permanecer en Irán y entregarse al arresto o huir. Dejó todos sus dispositivos electrónicos en casa y huyó a un lugar seguro antes de cruzar la frontera iraní a pie.

El material fue sacado clandestinamente de Irán a Hamburgo, donde fue editado por Andrew Bird , con quien Rasoulof ya había trabajado. La posproducción se realizó en Alemania. Entre las escenas ficticias de la película, Bird incorporó imágenes reales de las protestas políticas tras la muerte de la mujer kurda iraní Mahsa Amini bajo custodia policial en Teherán el 16 de septiembre de 2022. La versión final de 168 minutos incluye videos reales y explícitos de internet de las manifestaciones y la posterior represión violenta por parte de las autoridades. 

La película fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 2024 , donde tuvo su estreno mundial el 24 de mayo de 2024, y recibió un premio especial del jurado, una designación adicional detrás de los premios principales del jurado de Palma de Oro , Gran Premio y Premio del Jurado. Recibió una ovación de pie con informes de que duró 12 minutos o 15 minutos. 

Antes de su proyección, Neon adquirió los derechos de distribución de la película en América del Norte, planeando estrenarla más tarde ese año. Después del estreno de la película, Lionsgate adquirió los derechos de distribución para el Reino Unido e Irlanda. 

Fue candidata al Oscar a Mejor película internacional, por Alemania siendo nominada como en los Globos de Oro, en los Bafta, en los Premios del cine europeo y en los César.En la 72º edición de cine del Festival de San Sebastián 2024 se llevó el Premio del Público. ganó el premio a la mejor película de habla no inglesa en la National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos) y a la mejor ditrección en los Asociación de Críticos de Los Ángeles (LAFCA) , siendo nominada en Chicago , en los Premios del cine independiente británico, pero también en Asociación de Críticos de Cine de San Luis o en Festival de Cine de Sidney. 

La película se estrenó en Norteamérica en el Festival de Cine de Telluride. También se proyectó en la sección Centrepiece del Festival Internacional de Cine de Toronto de 2024, así como en la sección Main Slate del Festival de Cine de Nueva York. 

Los cineastas Edward Berger , Tim Fehlbaum , Ciro Guerra , Don Hertzfeldt , Payal Kapadia , Joshua Oppenheimer , Laura Poitras y Paul Schrader clasificaron a The Seed of the Sacred Fig como una de sus películas favoritas de 2024. 

En cuanto a la crítica Peter Debruge de Variety ha escrito sobre ella señalando que es "Un thriller intenso y reflexivo con que el director Mohammad Rasoulof responde a su propio encarcelamiento en 2022 examinando las tensiones iraníes en el contexto de una familia de Teherán (...) Una alegoría magistral" 

Ryan Lattanzio en las páginas de  IndieWire nos dice que es "Una obra maestra que es un grito de indignación (...) Irán nunca apoyará esta película. Corresponde al resto del mundo hacerlo" 

Justin Chang del The New Yorker la describe como "Un thriller de gran habilidad y contundente fuerza emocional, que combina la potencia de una película de acción con la intensidad psicológica de un drama de cámara" 

Gregory Ellwood de la estadounidense The Playlist señala que "Es brillante a la hora de deconstruir la increíble injusticia que existe en el Estado totalitario"

En AV Club se la presenta como una película en la que el director "Rasoulof, que ha renunciado a la ostentación formal de sus obras anteriores, encuentra aquí algo más inmediato, un drama que arde como un thriller político y cautiva como un documental" 

En la web de  rogerebert.com se señala que "Rasoulof obtiene excelentes interpretaciones de todo su reparto, pero destaca especialmente el trabajo de Sohelia Golestani como Najmeh (...) 

Para Ty Burr de The Washington Post la película es "Un thriller político nacional apasionante y provocador que insinúa los límites de la opresión y la larga, larga curva del arco moral de Martin Luther King Jr. (...) 

Jonathan Romney de Screendaily afirma de ella que es "Como grito de denuncia contra la opresión y forma de dar visibilidad a una nueva generación -en particular femenina- que está desafiando un statu quo arraigado desde hace mucho tiempo, la película es esencial para el público" 

En Gran Bretaña  Robbie Collin en ls páginas de Telegraph escribe que "No es de extrañar que Irán quiera encerrar a este brillante director disidente (...) Un thriller-parábola lleno de tensión sobre la paranoia y la misoginia del Estado 

Para Peter Bradshaw habitual columnista de The Guardian "El relato sobre la misoginia del régimen y la teocracia puede ser imperfecto, pero la importancia que tiene está fuera de toda duda (...) 

Para  Kevin Maher de The Times la película "Es un contenido discretamente incendiario" 

Ya en España Elsa Fernández-Santos  de El País la presenta como un "(...) alegato político de 'The Seed of the Sacred Fig' es una emocionante respuesta al brutal ensañamiento contras las mujeres del régimen iraní."

Para Luis Martínez de El Mundo la película "Es una obra mayor. Y lo es por su valentía, su gesto turbio y hasta su frontal brutalidad. Es, no lo duden, la película de un hombre libre. (...) " 

Desde Barcelona  Nando Salvá en El Periódico "Lo que había sido una impecable exhibición de cine realista de denuncia pasa a convertirse en una intriga repetitiva y enroscada sobre sí misma."  También en El Periódico, Quim Casas  destaca que "Hasta su tramo final, es una película modélica y concisa. Su última hora es demasiado rebuscada y el conjunto pierde fuelle. (...) ".

Sergi Sánchez de La Razón dice de ella que"Rasoulof es más eficaz y honesto cuando plantea la radicalidad ética de sus dilemas morales desde el realismo más descarnado, y falla cuando desplaza el drama al terreno de lo alegórico (...)" 

Carlos F. Heredero de Caimán dice de ella que "Empieza muy cerca de la fórmula propia de Asghar Farhadi (un drama moral más bien sobreescrito) y termina zambulléndose de pleno en el territorio de la metáfora política, cultural y psicoanalítica más evidente y menos sutil." Aqué, en caimán, Àngel Quintana  comenta que "Tiene en su primera parte todos los elementos para ser una buena película (...) El significado de la metáfora es tan obvio que resulta ridículo y se transforma casi en una clase elemental de introducción al psicoanálisis."  

En Fotogramas Blai Morell sostiene que  "Rasoulof retrata con más ferocidad que sutileza un régimen ciego y voraz (...) convirtiendo esta valiente película en un angustioso grito de socorro pero a la vez un clamor de esperanza. (...)" 

Como dice al principio es una película necesaria que explica el estado de excitación de una población que lucha contra un régimen tiránico. 

Emmanuelle

Emmanuelle(1974), protagonizada por Sylvia Kristel,- Roswithka Bertasha Smid Honczar, ese era su verdadero nombre- supuso un hito fundamental en la historia del cine al normalizar el erotismo en las salas comerciales , convirtiendo el cine de temática sexual en un fenómeno de consumo masivo y "elegante". 

La película, dirigida por Just Jaeckin, marcó un antes y un después en la representación de la sexualidad, superando la barrera entre el cine de arte y la explotación sexual (sexploitation) de los años 70 . 

La historia que nos presentaba Jaeckin en su película se convirtió en una fenómeno cultural y de taquilla siendo una de las películas francesas más taquilleras de la historia, con una audiencia estimada de 300 millones de espectadores en todo el mundo. En París, se mantuvo en cartelera ininterrumpidamente durante 13 años y los españoles, dicen las crónicas, iban en perigrinación a Perpignan a  ver esta y ültimo tango en París. 

La película dará lugar a una revolución sexual en pantalla que reflejaba un cambio de mentalidad de la época, mostrando una visión de la liberación sexual femenina a través de un estilo visual estilizado, con fotografía suave y localizaciones exóticas, alejado de la pornografía cruda. Además tras la primera surgirán muchas otras, yo inevitablemente tengo en mi memoria aquella anécdota que nos contó el juez supremo de Seychelles en la isla de la Digue sonbre el rodaje en aquella casa isleña. 

A esto se le suma que Emmanuelle será la primera película clasificada "X" distribuida por un gran estudio de Hollywood (Columbia Pictures) en EE.UU. logrando un éxito crítico y comercial inusual para el género. 

Junto a esto lanzó a una actriz al estrellato como mujer y como símbolo sexual como Sylvia Kristel, desde ese momento un icono erótico mundial instantáneo y en un símbolo de la estética de los años 70, a menudo descrito con un aura de inocencia y sofisticación, y como señalé hace un momento inspiró numerosas secuelas y películas similares ("euro-erotismo") que se beneficiaron de la apertura de los censores tras la llegada de Valéry Giscard d'Estaing a la presidencia francesa.

Tras 'Emmanuelle' llegó la explotación de Kristel. No fue solo física, también comercial. Llegaron secuelas con menos sentido que dignidad: 'Emmanuelle 2', en 1975; 'Adiós, Emmanuelle', en 1977, y 'Emmanuelle 4', en el año 1984. 

Los agentes y productores de la época la pagaron poco y mal, y lo poco que consiguio Sylvia Kristel en forma de porcentajes de ganancias de la película lo acabó «cediendo» para financiar las drogas. Para finalizar esta introducción decir que la actriz falleció a los 60 años en 2012 a causa de un derrame cerebral tras combatir con dos cáncer, tras una vida marcada por el sufrimiento. Seis años antes, en el año 2006, en su autobiografía 'Nue (desnuda)'. En ella nos relata todo lo que vino tras ese mítico papel: abusos sexuales, un divorcio tormentoso, fama planetaria, drogas y alcohol, olvido y enfermedad - dos cáncer, uno de garganta y otro de pulmón-, finalmente, hasta que un derrame cerebral se la llevó para siempre mientras dormía. Así fue su muerte prematura.

Pues bien, la película que acabo de ver es la nueva versión del clásico francés realizada en el año 2024 y que tiene Audrey Diwan como directora , coescritora y productora en las que participan Chantelouve, Rectangle Productions, Goodfellas Media, Pathé, Logical Content Ventures. Basada en la novela de 1967 de Emmanuelle Arsan , es la octava película de la serie homónima y la decimoquinta en total, y funciona como un reinicio . La película cuenta además con la participación de la actriz Naomi Watts, Jamie Campwell Bower o Will Sharpe., entre otros.

Se trata de un remake del clásico de la década de los años 70 clásicos del cine erótico que colocó a Silvia Kristel en la cima del cine erótico. Ahora quién interpreta a la actriz principal es Noémie Merlant, que se dio a conocer con Retrato de una mujer en llamas. 

Ahora interpreta a una mujer segura de sí misma en busca del placer. Como en muchas de las película de Emmanuelle todo se inicia en un vuelo.

Ella, Emmanuelle, controladora de calidad de una cadena hotelera de lujo, llega a Hong Kong para evaluar un hotel dirigido por Margot, con la misión de encontrar una buena razón para despedirla. Sin embargo, ella valora la eficacia de Margot (Noemi Watts).

En paralelo Emmanuelle va en busca de un placer perdido, vive numerosas experiencias sensuales dentro del hotel a veces con algunos de los crientes del mismo , como una pareja francesa, a veces, con una chica que ofrece sus servicios en el mismo hotel, en una caseta, y entre análisis de datos y encuentros se cruza con Kei (Will Sharpe), un misterioso cliente del que se enamora, aunque sabemos que Emmanuelle, una mujer acostumbrada a no sentir placer durante sus relaciones sexuales así se encontrará hasta que conoce a Jae-Yong Kei, un atractivo ejecutivo del que se obsesiona durante su viaje de trabajo a Hong Kong y al que finalmente sigue hasta un garito, una vez escrito su informe favorable para mantener a Margot, en la dirección para tener un encuentro con él en ek a´rea de Chungking. 

La directora comenta que pretende dar una mirada femenina y actualizada del clásico personaje del cine erótico de los años 70. En esta nueva adaptación de la novela de Emmanuelle Arsan, la directora de la cinta que se dio a conocer con el acontecimiento proveera en imágenes del erotismo de la novela y devuelve a la protagonista " el poder ser el sujeto de la historia de nuevo" y no el objeto, explica su directora. 

La película tuvo su estreno mundial el 20 de septiembre de 2024 en el 72º Festival Internacional de Cine de San Sebastián , y fue estrenada en Francia por Pathé el 25 de septiembre de 2024.

La historia de la misma se remonta a mayo de 2022, cuando se anunció que la bella y sensual Léa Seydoux se había unido al elenco de la película, con Audrey Diwan como directora y productora a partir de un guion que escribió con Rebecca Zlotowski , basado en la novela Emmanuelle de Emmanuelle Arsan y que cuenta con la música de Evgueni y Sacha Galperine, así como la fotografía de Laurent Tangy. En febrero de 2023, Noémie Merlant se unió al elenco de la película, reemplazando a Seydoux.

El rodaje principal comenzó en París en octubre de 2023. También se filmó en Hong Kong , incluyendo Chungking Mansions, el escenario principal de Chungking Express (1994) de Wong Kar-wai , que Diwan eligió para filmar debido a su profunda admiración por la película. 

La película ha generado una recepción mayoritariamente fría, divisiva y, a menudo, negativa por parte de la crítica especializada tras su estreno en el Festival de San Sebastián. A diferencia del clásico softcore de 1974, esta película se aleja de la exuberancia erótica para intentar una exploración más intelectual del placer en la era post-#MeToo, un enfoque que muchos críticos han calificado de fallido. Es, por algunos considerada como una película aburrida y vacía.

Muchas reseñas coinciden en que la película es "soberanamente aburrida" y que carece de la tensión o la atmósfera sensual necesaria para un drama erótico. Además contrasta con el material original. Es más una reinterpretación intelectual que un remake directo. El contenido sexual es esporádico y, según la crítica, carece de pasión, mostrando a la protagonista (Merlant) con una actitud desapegada y aunque Noémie Merlant es reconocida como una gran actriz, la dirección de Diwan la lleva a un papel "plano" ya menudo calificado como frío o aburrido. No obstante algunos destacan el excelente apartado técnico especialmente en la fotografía y la atmósfera lujosa (ambientada en Hong Kong), describiéndola a menudo como una estética "de hotel de lujo", pero que no logra salvar un guion considerado flojo, pero critican abiertamente que tenga un anticlímax emocional. La película no logra "conectar" con la sensualidad, siendo descrita más como una exploración de la frialdad o la alienación en el capitalismo tardío que como una historia de descubrimiento sexual. 

Yo no comparto esta opinión. Si bnien no me ha encantado, sí que la he visto pasable , efectivamente, la ambientación, el lujo que destila, la búsqueda del placer no alcanzado por la protagonista, aunque coincide con a crítica a ese patético y ridículo final, pero no diría como otros que se trata de un "coitus interruptus" o únicamente recalquen el papel de frígida de la protagonista o como dicen en Espinoff "mal polvo de una noche: vacío, decepcionante, aburrido y fácil de olvidar".No es para tanto.  

En cuanto a los que saben de cine, los críticos, de ella - de la película- han hablado entre mal y peor. para Stephanie Bunbury de Deadline hay un quiero y no puedo. Como se destaca en "El valiente intento de Audrey Diwan de revivir un anticuado clásico softcore deja mucho que desear (...) Escena a escena, personaje a personaje, Diwan intenta devolver las pelotas del original al otro lado de la red". 

Guy Lodge columnista de Variety escribe sobre ella que "Decir algo novedoso y sustancioso sobre el deseo femenino y, al mismo tiempo, honrar el espíritu definitorio de la película es una tarea difícil y potencialmente inviable; la inerte y árida nueva película de Audrey Diwan opta por no hacer ni lo uno ni lo otro".

Leslie Felperin del The Hollywood Reporter comenta que "Todo parece estar al servicio de un anuncio con clase de un producto que ni se puede permitir, ni se quiere, ni se necesita".

Para Alistair Ryder de The Film Stage " A pesar del limitado alcance dramático inherente a un drama erótico sobre la disminución del deseo sexual, no puedo fingir que la película de Diwan no me pareció extrañamente encantadora".

Natalia Winkelman de IndieWire sostuuvo que "Ambientada en un lujoso hotel de Hong Kong, esta torpe nueva versión de un clásico soft-core está protagonizada por Noémie Merlant en el papel de una mujer que aprende que le gusta mirar. Al público probablemente no". 

Katie Rife en la prestigiosa web de cine de rogerebert.com destaca que la película "Es poco convincente, lo que significa que el público no disfruta en absoluto, al igual que los personajes de la pantalla" 

En Gran Bretaña, Fionnuala Halligan de Screendaily sostuvo que "Hay poco sexo en 'Emmanuelle' (que era lo que pretendían las novelas y películas francesas) y suficientes diálogos risibles en inglés como para que los almuerzos de drag queens tengan material para años venideros".

Wendy Ide de The Guardian contundente afirma que todo es un "Pésimo remake de la película erótica francesa de 1974 (...).

En Telegraph, Robbie Collin escribe que "La película cuenta con una extraña escasez de lucha psicológica, y aún menos de lucha física (...).

Y Peter Bradshaw del The Guardian sostivo que "Noémie Merlant, Naomi Watts y Will Sharpe languidecen en un lujoso hotel en el remake autoconsciente de Audrey Diwan (...) 

Ya en España, salvo Desirée de Fez, el resto de críticas han sido implacablemente negativas. Para Luis Martínez de El Mundo se trata de "Un artificial y pomposo ejercicio de cine empeñado en desmontar y volver a montar la fantasía erótica de los 70 desde la perspectiva de la mujer (...) una película premiosa, desenfocada y, lo peor, aburrida (...)" .

Pepa Blanes de la Cadena SER sostuvo que era "Un fallido thriller erótico (...) El punto de partido es perfecto, pero la ejecución no. Diálogos engolados y escenas incapaces de lograr la sensualidad y el erotismo que lograba la original. " 

Gregorio Belinchón de El País afirma que hay "Mucho lujo vacío para alcanzar el erotismo cero. (...) Diwan descarrila en su aproximación al mito pornográfico de hace 50 años con un drama desnortado" 

Irene Crespo de Cinemanía comenta que "Ni siquiera tiene el poder erótico de su predecesora, ni desde luego imágenes y escenas que se impriman en nuestro recuerdo cinéfilo (...) Es una oportunidad perdida de adentrarse en el deseo de la mujer, en el poder sexual con la complejidad actual".

Mariona Borrull de El Cultural afirma que "'Emmanuelle' se escribe, en fondo y forma, como un librito de porno suave (...) Algo más de juego, incluso algo de humor, hubiera venido bien a este viaje de descubrimiento".

Oti Rodríguez Marchante de ABC sostiene que "El argumento que organiza el guion y su puesta en escena no tiene especiales burbujas (...) una historia cuyo interés crece tanto como mis inversiones en bolsa (...) El elemento masculino en esta película tiene la misma metralla que una pistola de juguete" 

Nando Salvá desde El Periódico manifiesta que "Convierte el erotismo en sopor. (...) una película que deambula evidentemente despistada hacia no se sabe muy bien dónde" 

Marta Medina en El Confidencial afirma que es "Un tratado no sobre el erotismo, sino sobre la insatisfacción. (...) La película funciona más a nivel teórico que en la práctica, desnuda de cualquier ápice de sensualidad, de carnalidad" 

Carlos F. Heredero en Caimán dice de ella que es "Una película en la que ese aséptico esteticismo en el tratamiento de los espacios y su calculadamente milimetrada coreografía en la pudorosa filmación del sexo se dejan contagiar del control asfixiante, de la asepsia y de la frialdad de la que supuestamente huye la protagonista" 

Pero me quedo en parte con Marta Medina y tambien con lo que afirma Desirée de Fez en El Periódico se trata de "Una sugerente película sobre el deseo. (...) resulta interesante por la mezcla de erotismo, estilización formal y fantasmagoría con las que representa y explora las pasiones de la protagonista. (...) " , aunque estoy de acuerdo con otras críticas que he leído, era un remake innecesario y aunque Noémie Merlant está a la altura, la historia es blandita, pretenciosa por momentos y como homenaje a Chungking Extress no está mal, pero en gran medida este revitalizar de la historia, era innecesario.