El gran MacLintock

A pesar de ser un western clásico y conocido era la primera que la he visto. Lo que sí desconocía es que era un western en clave de comedia. Se hizo en el año 1963 y estuvo dirigido por Andrew V. McLaglen, un buen director , hizo del actor que trabajó en múltiples ocasiones con el gran John Ford  y que aquí trabaja con otrops dos actores que también lo hicieron junto a su padre y John Ford en El Hombre tranquilo como son John Wayne y Maureen O'Hara aquí como actores principales. 

Ya hemos presentado en más de una ocasión a  Andrew V. McLaglen en concreto cuando vimos y comentamos algunas de sus películas como Las alas del águila, o westerns como Los indestructibles, El valle de la venganza o The Way West. En este caso estamos ante otro western que estuvo bajo el productor Michael Wayne, integrante del clan de Wayne y que lo hizo bajo el amparo de las productora Batjac Productions y contando con la United Artists que manejó un presupuesto de unos $4 millones de dólares.

La película parte de un guion skhakespeariano escrito por James Edward Grant. La película contó con la música de Frank De Vol a la que se sumaron canciones  interpretada por The Limeliters . La fotografía de un grande y especialista en el género como William H. Clothier y  Otho Lovering fue el responsable del montaje. 

El elenco lo encabeza el citado John Wayne como George Washington "GW" McLintock y Maureen O'Hara como Katherine "Kate" McLintock, Junto a ellos aparece Patrick Wayne como Devlin "Dev" Warren, la jovensísima Stefanie Powers como Rebecca "Becky" McLintock. Igualmente aparecen Jack Kruschen como Jake Birnbaum, Chill Wills como Drago , Yvonne De Carlo como Louise Warren, un joven Jerry Van Dyke como Matt Douglas Jr. , Edgar Buchanan como Bunny Dull , Perry López como Davey Elk,  Strother Martin como Agard , Gordon Jones como Matt Douglas,  Robert Lowery como el gobernador Cuthbert H. Humphrey , Hank Worden como "Curly" Fletcher , Michael Pate como el Jefe Puma, Bruce Cabot como Ben Sage Sr. , Edward Faulkner como Ben Sage Jr. , Mari Blanchard como Camille , Leo Gordon como Jones , Chuck Roberson como el sheriff Jeff Lord , Bob Steele como el maquinista , Aissa Wayne como Alice Warren , "Big" John Hamilton como Fauntleroy Sage , HW Gim como Ching,  John Stanley como Running Buffalo y Kari Noven como Millie Jones . 

George Washington McLintock (John Wayne), es un respetado y querido ciudadano de un pueblo de Arizona que, precisamente tiene ese nombre McLintock. Es un ganadero terrateniente que se encuentra anclado a unos caducos principios basados en la rudeza y el machismo. Es por ello, y por las sospechas de infidelidad, que su mujer, Katherine Gilhooley  (Maureen O'Hara), le abandonó hace dos años. 

Estamos en 1895 y el magnate ganadero   George Washington "GW" McLintock, vive en su rancho,  Mesa Verde. Parece olvidar sus penas con la bebida y cuando lo hace deja en la veleta formada por un toro con enormes cuernos su sombrero para delirio de los chicos del lugar, mayoritariamente mexicanos. 

Como ya sabemos dos años antes, su esposa, Katherine, se marchó sin dar explicaciones, aunque se sabe que en la capital, en Newport se divierte en las fiestas del Gobernador y a la vida social . Su hija, Becky, (Stefanie Powers)  ya adulta, estudia fuera de casa, en el este y también se va influyendo de la moda musical y del vestuario neoyorkino,

McLintock es muy impopular entre los colonos que llegan para converirse en agricultores, entre el funcionario municipal Matt Douglas (Gordon Jones  ) , el agente indígena Agard (Strother Martin) y el gobernador Cuthbert H. Humphrey ( Robert Lowery ), pero era amigo de muchos, entre ellos el sheriff Jeff Lord, el dueño de la tienda general Jake Birnbaum, el indigente local y los indios comanches . 

Una de esas mañanas en las que sale de su amigo y capataz Drago ( Chill Wills ) McLintock se encuentra con nuevos colonos y les advierte que Mesa Verde solo es apta para la cría de ganado y demasiado árida para la agricultura. 

El protagonista les habla a las clara a los colonos y les dice que los primeros colonos fracasaron debido a la escasez de agua a partir del segundo año. No tiene ninguna esperanza en que puedan cuajar. Ante esto un huérfano Devlin "Dev" Warren ( Patrick Wayne) , un joven colono que mantiene a su madre viuda, Louise (Yvonne de Carlo), y a su hermana, Alice, le pide trabajo a McLintock. 

McLintock no quiere contratar a un granjero, y lo rechaza una y otra vez, pero el vagabundo Bunny Dull  (Edgar Buchanan  ) insta a Dev a que intente una vez más. Dev suplica por un trabajo, pero luego se enfurece al verse reducido a mendigar. McLintock admira su franqueza y lo contrata, junto con Louise, como cocinera a pesar de las protestas del cocinero chinop que lleva 30 años trabajando para su jefe, Ching. 

Mientras tanto, se entera que Katherine ha regresado con un fin: solicitar el divorcio. Cuando McLintock se niega, ella vuelve al rancho y manda a todos, incluida Louise. 

Los comanches, liderados por Running Buffalo, un indio que quiere whisky, llegan al pueblo para recibir el tren que transporta a sus jefes recién liberados. El sheriff Lord (Chuck Roberson ) los instala cerca de los colonos a pesar de las protestas de Douglas. Cuando los colonos creen erróneamente que los comanches han secuestrado a una joven, intentan linchar a Running Buffalo en represalia. 

McLintock y sus hombres intentan calmar la situación, pero se desata una pelea, y Katherine se une al bando de McLintock. 

Poco después llega Becky llega a casa con su pretendiente, Matt Douglas Jr.  ( Jerry Van Dyke) , el hijo de su enemigo decklarado y con formación musical. A McLintock no le cae bien "Junior", así que Katherine finge aprobación solo para fastidiarlo. 

En el tren de Becky también viajan cuatro jefes comanches, uno de ellos el jefe Puma, antiguo enemigo de McLintock y ahora su hermano de sangre. Han llegado para una audiencia donde se determinará si su pueblo será reubicado en una reserva en Fort Sill , Oklahoma. 

McLintock acepta hablar en la audiencia en su nombre. Dev y Becky discuten cuando Dev insulta a Junior llamándolo " tío ". Cuando Dev se mete en una pelea a puñetazos para proteger al asistente de Birnbaum, Davey Elk (Perry Lopez ), todos quedan impresionados por sus habilidades de boxeo. 

Sin embargo, el regreso a casa de la hija en común, con la apariencia de que se encuentra prometida, hará que la expareja se reúna de nuevo para decidir su futuro. A partir de este momento, se sucederán las peleas entre ambos, pero McLintock también tiene claro lo que quiere para su hija: que se labre su propio futuro , heredando una mínimamente de las propiedades de su padre. 

Más tarde, después de que Becky y Junior lo provocan deliberadamente, Dev llama a Becky " zorra" por besar a Junior antes de estar formalmente comprometidos. Becky exige que McLintock le dispare a Dev por insultarla; McLintock cede y simula dispararle con una pistola de fogueo inofensiva para darle una lección a Becky. Dev, creyendo que iba a morir, golpea a Becky con una pala de carbón , lo que enfurece a Katherine. 

Días después se produce la audiencia de reubicación, McLintock le entrega al gobernador Humphrey una petición de Puma, que lea ante lña audiencia, pero es ignorado. Como resultado, se ordena el encarcelamiento de los comanches hasta su traslado a Fort Sill. 

Emborrachado, McLintock le dice a Bunny que si los comanches lucharan hasta la muerte, como desean, el gobierno podría darse cuenta de la mala gestión del territorio por parte de Humphrey e intervenir. 

McLintock regresa a casa y presiona a Louise para que beba con él, aunque ella está intentando renunciar a su puesto de cocinera. Finalmente, Louise cede y se une a él. Más tarde, mientras suben las escaleras borrachos, ambos caen por ellas. 

Katherine, al oír el alboroto, se imagina lo peor al ver a Louise sentada en el regazo de McLintock al pie de la escalera. Entonces Louise le explica que renuncia porque el sheriff Lord le ha propuesto matrimonio. 

En la celebración del 4 de julio , Katherine rechaza los avances del gobernador Humphrey, pero continúa tratando a McLintock con dureza. Bunny, quien tomó en serio la sugerencia anterior de McLintock, ayuda a liberar a los comanches y les proporciona rifles robados de un vagón militar. Los comanches cargan a través del pueblo, liberan a sus jefes y escapan, con la caballería pisándoles los talones. 

Mientras se esconden en un pajar durante el ataque, Dev y Becky se reconcilian y se comprometen. Siguiendo el consejo de Birnbaum (Jack Kruschen ), McLintock confronta a Katherine, quien admite que (erróneamente) creyó que él le era infiel. 

Después de perseguirla por el pueblo y azotarla públicamente, McLintock le dice a Katherine que puede divorciarse de él y luego se va a casa. Katherine lo sigue y se reconcilian. 

El guion de la película está levemente basado en la obra de William Shakespeare La fierecilla domada, aunque  fue desarrollado por John Wayne como una forma de expresar su desaprobación por la representación negativa que los westerns hacen de los nativos americanos, sus opiniones sobre el maltrato conyugal y su descontento con la corrupción política de ambos partidos, contrastando intencionalmente con películas anteriores en las que Wayne protagonizó pero tuvo poco control creativo, como Centauros del desierto de John Ford . 

Otro marcado contraste con las películas anteriores de Wayne es el énfasis en la comedia y el uso del escenario del western para las posibilidades de la comedia física. Por todo ello le ofreció el trabajo de dirección a Andrew McLaglen , hijo del coprotagonista de Wayne durante mucho tiempo, Victor McLaglen , quien había dirigido varias películas de bajo presupuesto y había trabajado extensamente en televisión. 

Fue la primera película producida íntegramente por el hijo de Wayne, Michael , aunque había trabajado en varias otras películas en diversas funciones. El protagonista masculino juvenil Dev Warren fue interpretado por el hijo menor de Wayne, Patrick . 

Henry Hathaway dijo que iba a dirigir la película, pero Wayne no estaba dispuesto a pagar sus honorarios. 

La película se rodó en Old Tucson Studios , al oeste de Tucson, Arizona , y en San Rafael Ranch House - San Rafael State Natural Area , al sur de Patagonia, Arizona , y Nogales .  Aunque el nombre del territorio nunca se menciona, y la región de Mesa Verde donde se desarrolla la película se encuentra predominantemente en Colorado, Nuevo México y Utah, en la escena del tribunal, se ve la bandera de Arizona junto a la bandera de los Estados Unidos, aunque la bandera de Arizona no se creó hasta 1917. 

Muchos de los actores y el equipo, incluidos Andrew McLaglen, William H. Clothier , Bruce Cabot , Chill Wills , Edward Faulkner , Hank Worden , Strother Martin , Michael Pate , Leo Gordon , Chuck Roberson , John Stanley (el actor navajo y veterano miembro de la compañía de John Ford, que interpreta a Running Buffalo), y Patrick y Aissa Wayne, así como Maureen O'Hara , habían trabajado con Wayne en otras producciones. Wayne insistió en que se le diera un papel secundario a Yvonne De Carlo , cuyo esposo Bob Morgan se había lesionado durante el rodaje de La conquista del Oeste . 

Michael Wayne estimó el presupuesto entre 3,5 y 4 millones de dólares .

Como en muchas otras películas de John Wayne, Wayne lleva su hebilla de cinturón favorita, la "D del Río Rojo". Se puede apreciar mejor en la escena en la que GW McLintock (Wayne) se dirige a los colonos, aproximadamente a los 10 minutos de la película, y al final de la escena en la que los comanches atraviesan el pueblo camino a "la última batalla de los comanches", unos 10 minutos antes del final de la película. 

En el especial del DVD "¡Maureen O'Hara y Stefanie Powers recuerdan a McLintock! ", O'Hara contó que cuando Wayne y ella filmaron la famosa escena en la que él la azotaba con una pala de carbón, no se anduvo con rodeos. "¡Me azotó de verdad! ¡Tuve el trasero morado durante semanas!" 

La película fue un éxito de taquilla, y uno oportuno, ya que El Álamo le había costado a Wayne tanto en términos financieros como de "capital de taquilla".  ¡McLintock! recaudó $14,500,000 en Norteamérica,  ganando $7.25 millones en alquileres de cines en EE. UU . 

Andrew McLaglen dijo que la película "me catapultó a la fama".  Hizo cuatro películas más con Wayne: Hellfighters (1968), The Undefeated (1969), Chisum (1970) y Cahill, US Marshal (1973). 

Según Bosley Crowther , "el western cómico ... parecía una idea prometedora"; "el paisaje es opulento y la acción al aire libre, el color exuberante y el reparto compuesto casi en su totalidad por actores reclutados del largo ciclo cinematográfico de John Ford que conmemoraba la tradición de la frontera estadounidense ".  Dado que "la dirección se confió a un recién llegado, el hijo de Victor McLaglen, Andrew V. McLaglen, formado en televisión ... las buenas intenciones, cuando la tarea en cuestión es tan difícil como una farsa desenfrenada , no son suficientes". 

Emanuel Levy , en una reseña años después del estreno de la película, dijo que la película es "significativa porque marca el comienzo del intento de Wayne de imponer sus puntos de vista generales, no solo políticos, en sus películas. La mayor parte del trabajo cinematográfico de Wayne después de McLintock! expresaría sus opiniones sobre la educación, la familia, la economía e incluso la amistad". 

Ya en España, Fausto Fernández comenta que "John Wayne - aquí comediante de puños alegres- y Maureen O'Hara , con pelea física, replican el toma y daca conyugal, pelea hoy políticamente incorrecta incluida, de El hombre tranquilo pero en ligero western, en la simpatiquilla en El gran McLintock, del hijo de Victor McLaglen, el nunca demasiado alabado A. V. McLaglen. También tiene mucho de Chisum para el crítico catalán habitual de Fotogramas " 

La película fue producida por Batjac Productions de John Wayne y distribuida por United Artists . Batjac no renovó los derechos de autor, que expiraron en 1991. 

En 1994, un caso judicial determinó que la película era de dominio público en Estados Unidos , pero la banda sonora seguía protegida por derechos de autor. Batjac Productions, una compañía que ahora pertenece a los herederos de John Wayne, conserva los derechos de distribución de las versiones "oficialmente restauradas" de la película y posee los negativos originales, así como los derechos de la banda sonora.

Una vez vista El Gran McLintock considero que este western en tono de comedia es enérgica, divertida y entrañable, un vehículo perfecto para el carisma indiscutible de John Wayne. Dirigida por Andrew V. McLaglen, la película funciona como una brillante y libre adaptación en clave de western de La fierecilla domada de William Shakespeare, logrando un equilibrio fantástico entre la acción tradicional, el humor físico (slapstick) y el romance maduro. Lo mejor de la película reside en la arrolladora química entre John Wayne, en el papel del honesto y temperamental ganadero  y Maureen O'Hara, quien interpreta a su sofisticada pero orgullosa esposa Katherine. Su dinámica en pantalla está llena de chispas, diálogos mordaces y una tensión cómica inigualable, consolidándolos como una de las parejas cinematográficas más icónicas de Hollywood.

Visualmente, el filme es un espectáculo en Technicolor que nos muestra lo espectacular que puede ser el desierto. La famosa escena de la multitudinaria pelea en el pozo de barro es un prodigio de la comedia física, coreografiada con un ritmo impecable.

Aunque en la película no se para de beber lo cierto es que la película defiende valores como la lealtad, la honestidad, el trabajo propio frente a la herencia y el respeto mutuo frente a la hipocresía social y, sorprendentemente para su época, muestra una actitud de sincero respeto y convivencia digna hacia las comunidades nativas americanas o al considerar a su viejo cocinero chino como uno mñás de la familia. En definitiva, es un clásico imprescindible que celebra la vida, el amor y el viejo oeste con una vitalidad contagiosa.

José Luis

Con ese nombre y con este título nos podríamos estar refiriendonos al ex-ministro Ábalos, el político español, que después de ser vicepresidente de Gobierno, Ministro de Transportes y segundo del partido- decir en Andalucía , "El partido", es referirse al PSOE- hay está bajo la sombra de la trena. Pero no, este José Luis no puede ser otro que Torrente. 

Hubo un momento en el que Torrente se supone que fue, simplemente, José Luis. Desconocemos todo del mismo, salvo que tiene un padre del que abusa y denigra y que por sus actuaciones e indecencia posiblemente fueron las razones que le llevaron a ser expulsado de la Policía. Pero, visto lo visto, en esta primera entrega tenía todas las papeletas para salir rápidamente del cuerpo dado que es un racista, un machista, un homófomo, un explotador, un ladrón y un sinvergüenza como un pino. 

Era y es un hombre con salidas, sin amigos, grosero, insultante, repulsivo, sucio, casquivano y miserable pero tiene un deje de humor que en esta primera entrega, si bien no propoca carcajadas, es cierto que sorprende, porque sin dudas perpetra esta película y es el brazo tonto de la ley. 

Torrente, el brazo tonto de la ley es una comedia con tendencia a la acción del año 1998, escrita, dirigida y protagonizada por Santiago Segura en su primer largometraje como director. El título es una parodia de Cobra, el brazo fuerte de la ley, nombre con el que fue promocionada en España la película estadounidense de 1986 Cobra. 

Para hacer esta película contó como ayudante de dirección con Sergio Francisco y con la dirección artística de José Luis Arrizabalaga "Arri Biaffra" y los Los Zombis de Sahuayo y la producción de Andrés Vicente Gómez para la productora de Rocabruno , así como Vía Digital y Cartel contando con la Columbia TriStar Films en la distribución y un presupuesto de €1,8 millones. 

Para la música tiró de uno de los mejores músicos españoles, Roque Baños, pero también homenajeó a El Fary con su "Torito guapo" o "Apatrullando la ciudad".

En el apartado técnico como el sonido lo hizo de Antonio Rodríguez "Mármol". Para el buen maquillaje que aparece estuvo Miguel Sesé y en la fotografía la gestionó Carles Gusi, el montaje Fidel Collados y el cutre vestuario Lala Huete. 

Para el reparto tiró de actores y "amiguetes". Se ve que en esta primera película vio el potencial de Javier Cámara como su ayudadnte Rafael «Rafi» Jiménez Valera, pescadero y amante de las armas como también tirará de Chus Lampreave, como Remedios «Reme» Valera, la dueña de la pescadería Los Jureles, madre de Rafi y tía de Amparo que es un voluptuosa y estupensa Neus Asensi, así como de Manuel Manquiña, el Francés, el sicario cruel de Mendoza o Jimmy Barnatán como Toneti o un joven Antonio de la Torre como Rodrigo. 

Después tiró de actores que estaban casi descatalogados como Luis Cuenca, el dueño del bar donde diariamente desayuna Torrente sus siete whiskies o Tony Leblanc que hará de Felipe Torrente, el padre hemipléjico de Torrente, al que «resucitó» al llevar 23 años retirado, y un galán de los setenta, Espartaco Santoni, el narco Mendoza. 

Por último están sus amiguetes que en ese momento se prestaron a salir en su película - ¡Dudo mucho que hayan querido salir en Torrente, Presidente!- como son Carlos Bardem, Javier Bardem, El Gran Wyoming, o Andreu Buenafuente o Fernando trueba o el dúo humorístico Faemino y Cansado. También tiró de rostros conocidos por el público Cañita Brava, Poli Díaz. 

Curiosamente también aparece Gabino Diego que después estará en otras entregas, aquí como atracador. 

La historia cuenta las aventuras de José Luis Torrente, un expolicía machista, racista, franquista, zafio, aficionado a las prostitutas, bebedor, consumidor de droga, fanático de El Fary y del equipo de fútbol Atlético de Madrid. 

La película empieza con el  protagonista  tras tomarse una buena cantidad de lingotazos de "güisqui" haciendo una ronda nocturna por el centro de Madrid hasta llegar a su casa. Ya de mañana José Luis se encuentra con «Rafi» (Javier Cámara) en la escalera cuando al "polí se le cae una pistola , que estaba bajando a ayudar a su madre (Chus Lampreave) en la pescadería. 

Torrente vive con su padre Felipe (Tony Leblanc), que está postrado en silla de ruedas, y que no es muy bien tratado por su hijo, incluso lo usa para que pida limosna durante el día. 

Normalmente acude a tiendas a aprovecharse de las distracciones de los encargados y come en el restaurante de su amigo Antonio (Cañita Brava) hasta que le echa por tener Torrente una deuda de 6000 pesetas de whisky. 

Por accidente, y después de que su padre sufriese un ataque, Torrente descubre una trama de tráfico de narcóticos en un restaurante de cocina oriental, que está encabezada por un tal Mendoza (Espartaco Santoni), cuya mano derecha es «El Francés» (Manuel Manquiña). 

Ayudado por Rafi y una banda de amigos de este (Carlitos, Malaguita, Toneti y Bombilla) planea desbaratarla, pero las cosas no salen como Torrente espera y casi todos terminan siendo asesinados. 

Sin embargo consigue llevarse el botín de 50 millones que Mendoza tenía acordado para entregar a un traficante rival y logra fugarse en una ambulancia a Torremolinos.

Se dice que Segura decidió realizar su primera película durante el rodaje de El día de la Bestia, mientras preparaban la escena final. Como actor creía que no había suficiente dramatismo para provocar lástima cuando su personaje muere y con él resucitará la comedia popular tan común en el cine español de los 60 y 70. 

El personaje principal, José Luis Torrente, surgió durante una comida del propio Segura en un restaurante chino, en donde vio a un cliente que se mostró de forma grosera con la camarera y los familiares que almorzaban con él se sintieron avergonzados. 

El rodaje de la película se realizó entre julio de 1997 y septiembre en distintas localidades de la Comunidad de Madrid, entre las que se encuentran Leganés, Móstoles, Navacerrada, San Sebastián de los Reyes y la capital de la comunidad. El portal de la casa de Torrente junto a la pescadería, se rodó en el n.º 26 de la Calle del León de Madrid. El decorado exterior del restaurante chino 'El Rollito Wai' se filmó en el n.º 17 de la Calle de Isabel la Católica de Madrid. El lugar de billares donde se conocen los amigos de Rafi y Torrente se ubicaba en la Calle de Bravo Murillo de Madrid.. La discoteca Macumba, en la Estación de Chamartín, acogió el rodaje de la escena de la discoteca. 

La crítica valoró positivamente esta primera entrega que además tiene gags inspirados en otras películas que van desde Scorsese a Don Siegel y su Harry el Sucio, así como las películas de "Buddy Movies" o las del agente 0007. 

Luis García Berlanga dijo: «La película contiene un gag genial que define a la perfección el carácter español: acodado en la barra del bar, Torrente se hurga los dientes con un palillo... que vuelve a dejar en el palillero». 

En cuanto que Ángel Fernández Santos en El País la califica como una "Magnífica gracia burra" o en Cinemanía Ramón F. Reboiras afirma que "Santiago Segura emerge casi tan poderoso en su faceta de comediante como de director" 

En Estados Unidos Jonathan Holland en Variety escribió sobre ella que era "Un thriller cómico tremendamente entretenido con una producción de primer nivel (...) Deleitará a los espectadores españoles" 

Con menos alegría, Todd Brown de Screen Anarchy comentó que "Aunque no cabe duda de que tiene momentos graciosos, Torrente es un personaje tan desagradable y unidimensional que las bromas se agotan rápidamente" 

La película ganó dos Premios Goya, el mejor director novel y actor de reparto (Leblanc) siendo nominado como Mejor actor revelación Javier Cámara que si se llevó el Premios Ondas 1998. En la 49.ª edición de los Fotogramas de Plata nominó a Santiago Segura como Mejor actor de cine ; y fue la cinta más taquillera de la historia del cine español en ese entonces. 

El éxito masivo en taquilla de la película dio lugar a una saga cinematográfica con varias secuelas; la primera de ellas, Torrente 2: Misión en Marbella, se estrenó en 2001 y superó el récord de su predecesora como la más taquillera del cine español. 

La película no deja de ser una brillante sátira social que redefinió la comedia española gracias a su valentía para retratar los rincones más oscuros y esperpénticos de la picaresca nacional. Santiago Segura construyó una obra maestra del humor negro al presentar a José Luis Torrente, un antihéroe repugnante pero fascinante que recopila todos los defectos posibles. Lejos de glorificar al personaje, la película funciona como un espejo incómodo de una España casposa, cañí y rancia. 

El diseño de Torrente como caricatura es perfecto: un policía corrupto, racista y machista que expone la miseria moral con una precisión quirúrgica. La química con Rafi (Javier Cámara) y con el resto de colaboradores aporta una dinámica tragicómica perfecta que equilibra la sordidez del ambiente nocturno madrileño y por supuesto importante fue la inolvidable interpretación de Tony Leblanc recuperado como el padre aporta momentos de profunda y cínica humanidad.

Blade Trinity

En pocos meses hemos comenzado y terminado con ese personaje vampírico de Marvel que es Blade. La primera entrega fue Blade (1998) y con ella comenzó la película que redefinió el cine de superhéroes y salvó a Marvel del borde de la bancarrota. Dirigida por Stephen Norrington y protagonizada por un imponente Wesley Snipes como el cazador mitad humano y mitad vampiro ( Daywalker ). Recaudó más de $130 millones en todo el mundo. La segunda fue Blade II (2002), dirigida por Guillermo del Toro , aportó su característico toque de terror fantástico y monstruos mutantes ( Reapers ).

Ahora le toca el turno a Blade: Trinity (2004), dirigida por David S. Goyer y coprotagonizada por Ryan Reynolds y Jessica Biel , con la cerró la etapa clásica del personaje. Y es que esta entre de Blade, la Trinity, es una película estadounidense de superhéroes de 2004 basada en el personaje de Marvel Comics siendo la secuela de Blade II (2002) y la tercera entrega de la franquicia Blade . 

Como ya dije estaba escrita y dirigida por David S. Goyer, guionista de la primera entrega y está basado en el personaje creado por Marv Wolfman y Gene Colan . La película fue producida por Peter Frankfurt, Wesley Snipes, David S. Goyer y Lynn Harris amparado por las compañías New Line Cinema y Marvel Entertainment y para la que contó con un presupuesto de unos 65 millones de dólares que recuperó con creces los invertido al conseguir en taquilla $132 millones. 

El responsable de la fotografía fue Gabriel Beristain quedando el montaje en manos de Conrad Smart y Howard E. Smith. La música fue compuesta por Ramin Djawadi, RZA. 

La película está protagonizada por Wesley Snipes como Eric Brooks / Blade, Jessica Biel como Abigail Whistler, Ryan Reynolds como Hannibal King, Dominic Purcell como Drácula / Drake, Kris Kristofferson como Abraham Whistler, Parker Posey como Danica Talos, Callum Keith Rennie como Asher Talos, Triple H como Jarko Grimwood, Natasha Lyonne como Sommerfield, Ginger "Haili" Page como Zoe, Mark Berry como el jefe Martin Vreede, John Michael Higgins como el Dr. Edgar Vance, Patton Oswalt como Hedges, James Remar como el agente del FBI Ray Cumberland, Michael Anthony Rawlins como el agente del FBI Wilson Hale, Christopher Heyerdahl como Caulder, Scott Heindl como Gedge, Cascy Beddow como "Flick", Paul Anthony como Wolfe, John Ashker como Campbell, Eric Bogosian como Bentley Tittle, Ron Selmour como Dex, Françoise Yip como Virago, Kett Turton como "Dingo" y Michel Cook como miembro del equipo SWAT. 

La película comienza en Irak, en un espacio en el que hay bastantes zigurats y allí llega un helicóptero con un pequeño grupo de vampiros, liderado por los hermanos Talos, Danica y Asher, y su guardaespaldas Jarko Grimwood, investigan una antigua tumba en el desierto , que creen que pertenece al primer vampiro Drácula , también llamado "Drake". Y efectivamente sí que aparece en un momento dado tras retirar una gran losa, Drake que acaba con un integrante del equipo. 

Tras esto volvemos a los Estados Unidos , a lo que parece ser una gran nave industrial. A la misma llega Blade que inicia una matanza de vampiros con su nuevo y eficaz armamento diseñado por Abraham Whistler. Algunos de los vampiros huyen y Blade inicia una persecusión alcanzando uno tras otro de los vampiros. Al culminar la misma tiene lugar un enfrentamiento entre Blade y el superviviente de un accidente de tráfico entre los vampiros que huían. Como era de espera Blade no lo perdona, pero mientras el vampiro está moribundo le hace saber que acaba de matar a un humano. 

Agentes del FBI localizan el escondite de Blade y matan a su mentor y amigo, Abraham Whistler . Desmoralizado, Blade se rinde y es arrestado. Los familiares de los vampiros han acordado con las autoridades entregar a Blade. 

Pero éste es rescatado por Hannibal King y Abigail Whistler, la hija de Abraham, quienes invitan a Blade a unirse a su grupo de cazadores de vampiros, los Nightstalkers . De ellos, Blade descubre que los vampiros han revivido a Drake, con la intención de usar sus poderes para curar a los vampiros de sus debilidades y crear así un supervampiro similar al primero de los vampiros, Drake, que puede sobrevivir a la luz del sol. 

Junto con la innovadora munición ultravioleta " parhelio ", la científica ciego de los Nightstalkers, Sommerfield, ha creado un arma biológica viral experimental conocida como Daystar, capaz de matar vampiros a nivel genético. Sin embargo, para que sea efectivo, necesitan una fuente de sangre pura. Drake es demasiado poderoso para matarlo porque es inmune a cualquier debilidad vampírica, incluida la luz del sol, así que esperan que el virus lo mate y, con su sangre en la mezcla, asegurar la extinción del resto de la especie. Ansioso por poner a prueba a Blade, Drake lo aísla de los Nightstalkers. 

Explica su punto de vista de que todos los humanos y vampiros son inferiores a sus ojos y que pretende exterminarlos. Abigail encuentra evidencia de los planes de los vampiros para la subyugación humana: una red de "granjas de sangre" donde se extrae la sangre de humanos con muerte cerebral para el consumo vampírico. Blade desactiva los sistemas de soporte vital de la granja y ejecuta al policía conocido que había estado capturando humanos para los vampiros. 

Al regresar al escondite de los Nightstalkers, Abigail y Blade los encuentran a todos muertos, excepto a King y Zoe, la hija de Sommerfield, quienes han sido capturados. Una grabación dejada por Sommerfield revela que la sangre de Drake es todo lo que se necesita para que sea efectivo, pero también advierte que Blade podría morir. 

King es torturado por los vampiros para obtener información, pero se niega a hablar, incluso cuando lo amenazan con convertirlo en vampiro, dejarlo morir de hambre y luego obligarlo a alimentarse de Zoe. Blade y Abigail llegan y liberan a los cautivos. 

Abigail mata a Asher mientras King mata a Jarko. Blade y Drake se enfrentan en combate hasta que Drake lo vence. Mientras Drake se prepara para matar a Blade, Abigail dispara la flecha Daystar, pero Drake la atrapa antes de que caiga. Esta distracción permite a Blade apuñalar a Drake con la flecha Daystar, desencadenando una reacción química que completa el virus y lo libera al aire, matando a Danica y a todos los vampiros. 

Mientras Drake sucumbe lentamente a sus heridas y al virus, elogia a Blade por luchar con honor, pero le advierte que eventualmente sucumbirá a su necesidad de sangre, reconociendo que Blade es el futuro de la raza vampírica. 

Usando el último de sus poderes, Drake se transforma en Blade, permitiendo que este escape. El FBI recupera el cuerpo, pero al comenzar la autopsia, este se transforma de nuevo en el difunto Drake. 

En 2001, antes del estreno de Blade II , New Line Cinema llegó a un acuerdo con David S. Goyer para escribir y producir una tercera película de Blade . En 2002, el director alemán Oliver Hirschbiegel estuvo en conversaciones para dirigir la película, pero optó por dirigir una película sobre Adolf Hitler llamada Downfall, es decir, El hundimiento. Goyer, amigo de Stephen Norrington y Guillermo Del Toro, les pidió consejo. Del Toro realizó el arte conceptual de la película y se le agradeció en los créditos finales. 

En agosto de 2003, Ryan Reynolds estaba en negociaciones para unirse a la película, y Ashley Scott también estaba siendo considerada como su contraparte, y también protagonizarían una posible película derivada. 

Más tarde ese mes, Jessica Biel firmó para el proyecto. Los productores de New Line Cinema sugirieron contratar al luchador profesional Triple H y Goyer se mostró muy escéptico. Goyer quedó impresionado por el sentido del humor y la autocrítica de Triple H y terminó ampliando su papel. No fue una producción fácil. 

Según se informa, Wesley Snipes no estaba contento con el guion de la película ni con la elección original del director. David S. Goyer , quien había escrito las tres películas de la franquicia, fue seleccionado para reemplazar al director, lo que también provocó la protesta de Snipes. Al parecer, Snipes causó dificultades durante el rodaje, incluyendo su frecuente negativa a filmar escenas, lo que a menudo obligaba al director Goyer a usar dobles y efectos especiales para agregar su personaje a las escenas. 

Goyer describió la realización de la película como "lo más difícil y doloroso que he vivido, tanto a nivel personal como profesional". El coprotagonista Patton Oswalt alegó que Snipes pasaba gran parte del tiempo fumando marihuana en su caravana y que se volvió violento con Goyer después de acusarlo de racismo. También se ha alegado que Snipes se negaba a interactuar con el resto del elenco y el equipo, incluyendo a Goyer, y que en su lugar se comunicaba con ellos a través de su asistente o mediante notas. Snipes también habría llamado " blanquito " a su coprotagonista Ryan Reynolds en una o más ocasiones. Snipes negó esa versión de los hechos y dijo que como productor ejecutivo de la película tenía autoridad para tomar decisiones, pero que a algunas personas les costaba aceptarlo. 

En el set, Snipes consideró que el humor de Reynolds era un poco exagerado para Blade: Trinity , pero años después pensó que tenía sentido en el contexto de Deadpool . En Deadpool & Wolverine , Snipes disfrutó trabajando con Reynolds, afirmando: "Es único en ese sentido, y ha encontrado un nicho fantástico para sí mismo haciendo lo que hace. Deadpool es Ryan Reynolds todo el día. Así que fue agradable. Fue agradable trabajar con él. Fue agradable volver a verlo". 

En 2005, Snipes demandó a New Line Cinema y a Goyer, alegando que el estudio no le pagó su salario completo, que fue excluido intencionalmente de las decisiones de casting y del proceso de filmación, a pesar de ser uno de los productores, y que el tiempo en pantalla de su personaje se redujo en favor de sus coprotagonistas Ryan Reynolds y Jessica Biel . 

En 2006, Snipes fue demandado por United Talent Agency por supuestamente no cumplir con los acuerdos de pagarle una comisión a la agencia sobre sus ganancias. Blade: Trinity fue estrenada por New Line Cinema en Estados Unidos en diciembre de 2004. 

La película recaudó 132 millones de dólares en taquilla a nivel mundial con un presupuesto de 65 millones de dólares y recibió críticas mayoritariamente negativas por sus temas predecibles, dirección y actuación; es la película peor valorada de la trilogía. 

Más tarde, David S. Goyer también fue muy crítico con el producto final: «No creo que nadie involucrado en esa película haya tenido una buena experiencia en ella, ciertamente yo no. No creo que nadie involucrado en esa película esté contento con los resultados. Fue una producción muy tortuosa». 

En cuanto a los críticos, Roger Ebert del Chicago Sun Times , quien había valorado muy bien a la primera entrega y a Blade II consideró que Blade: Trinity no estaba a la altura de las otras entregas y escribió: «Carece de la línea narrativa aguda y la claridad nítida de los cómics de las películas anteriores, y cae con demasiada facilidad en escenas de lucha sin forma que están cortadas en tantos cortes que carecen de toda forma o ritmo». 

También desde la prensa de Illinois , en concreto, Chicago Reader Jonathan Rosenbaum valoró la película como "La única que parece estar disfrutando es Parker Posey, campando a sus anchas como una de los vampiros."

En el Chicago Tribune, Robert K. Elder consideró que "Por suerte, Reynolds añade algo de humor a una saga que de otra manera, habría colapsado bajo la auto-parodia"

James Berardinelli calificó la película de la siguiente forma « Blade: Trinity es una copia exacta de sus predecesoras. Es pura actitud y estilo de acción sin ninguna sustancia que lo respalde. Sin embargo, mientras que las dos primeras Blades satisfacían a nivel visceral, esta no lo hace». 

Dennis Harvey de Variety comentó que "No perdurará mucho en la memoria, pero ofrece mucha buena acción mientras la ves" 

Rene Rodriguez de Miami Herald dijo de ella que era "Un trabajo genérico y sin imaginación, sólo memorable por su incesante y flagrante publicidad de ordenadores Apple e iPods"

Frank Scheck de The Hollywood Reporter afirmó que "Debería satisfacer razonablemente a los fans del género, antes de asumir su lugar en la sección de terror de tu videoclub local"

Maitland McDonagh de TV Guide consideró que era "Una máquina de adrenalina sin alma que nunca resulta aterradora y rara vez es interesante"

Stephen Holden del The New York Times la calificó de "Película irregular, descuidada y sin suspense que sustituye los sustos por humor 'camp'", 

Otro Stephen, en este caso, Stephen Hunter del The Washington Post consideró que "Es ruidosa, oscura, irregular y ni siquiera un poco divertida. Sales a la luz del día magullado y golpeado, sufriendo un caso de abuso cinematográfico" 

Ya en España, Javier Ocaña en El País dijo de ella que "Deja una irrefrenable sensación de ya vista. (...) mucha menos oscuridad y bastante más acción (sin sentido)."

José Manuel Cuéllar del ABC consideró que era "La más floja de todas. Empezando por un guión deficiente, pasando por una acción trepidante pero reiterativa y acabando por un malo flojito. (...)." 

Para Fausto Fernández en X es " El mismísimo Drácula, titular de los tebeos donde el cazavampiros afroamericano hizo su aparición, es el enemigo en la tercera, final y más humorística (las ventosidades y el ajo, nada Lubitsch, pero efectivo), de la franquicia y la más desvergonzadamente divertida. Puro tebeo - de hecho, la más tebeo- tronado y plausible  e incomprendida de Marv Wolfman". 

La película fue nominada a Mejor Película de Terror en los Premios Saturn , pero perdió ante Shaun of the Dead . 

En julio de 2019, en la Comic-Con de San Diego , Marvel Studios anunció un reinicio de Blade ambientado en el Universo Cinematográfico de Marvel (MCU), con Mahershala Ali como el personaje principal. El estreno de Blade estaba programado originalmente para el 7 de noviembre de 2025. En octubre de 2024, la película se retrasó y se eliminó del calendario de estrenos. En julio de 2026, se anunció la cancelación de la película. Más tarde ese mismo mes, Ali confirmó que había "pasado página" y que ya no estaba involucrado en la película.

La leona de Castilla

Cuando de clásicos de nuestro hablamos, y más aún del cine histórico yo creo que La leona de Castilla ocupa una posición privilegiada. Fue uno de nuestro grandes éxitos por recaudación, por la idea de superproducción, por las semanas que estuvo en pantalla o por tener entre sus protagonistas a la ininguable Amparo- en ocasiones, Amparito Rivelles. Sin duda, un clásico de aquel programa de los ochenta sobre la Historia del cine español de Fernando Méndez Leyte. 

La película se inicia con la voz de un narrador que nos remite a las introducciones del nodo y le confiere a la historia credibilidad y con la voz, vemos las imágenes de las vistas de un Toledo de los años 50, que parece que apenas había cambiado en 400 años. 

Tras ellas todo nos remite a una imagen fija inspirada en el cuadro de Antonio Gisbert Pérez pintado en 1860 en el que se representan las ejecuciones de los comuneros Juan de Padilla, Juan Bravo y Francisco Maldonado, las víctimas de la revuelta contra el Emperador, Carlos I de España y V de Alemania, que ha de enfrentarse a una revuelta en los territorios de Castilla cuando decidió subir los impuestos a unas Comunidades castellanas ya mermadas económicamente. Todo esto fue el detonante de las revueltas comuneras que estallaron en Toledo, pero siguieron en ciudades como Cuenca, Burgos, Salamanca, Guadalajara, Segovia, Valladolid o Zamora. 

Esa revuelta tuvo sus líderes y entre ellos, el toledano Juan Padilla, el segoviano Juan Bravo y el salmantino Francisco Maldonado son las cabezas del movimiento comunero.La batalla que puso fin a la revuelta - o casi- fue la que se vivió en los campos vallisoletanos cde Villalar y que se saldó finalmente con la muerte de entre 500 y 1.000 soldados comuneros y la captura de 6.000 prisioneros. 

Los soldados comuneros que sobrevivieron huyeron mayoritariamente hacia Toro, una parte de ellos se exiliaron en Portugal mientras que el resto del ejército se reunió con el obispo de Zamora, Antonio de Acuña. Pero la gran protagonista de esta historia y de esta película es una persona que no huyó, María Pacheco, la viuda, esposa de Padilla, que vivió en Toledo, y que , tras el ajusticiamiento de su marido, refuerza la resistencia de la ciudad durante varios meses más, hasta su capitulación en febrero de 1522. 

Y es que María López de Mendoza y Pacheco será eternemente la Leona de Castilla. La granadina, "la brava hembra" como también fue llamada  nacida en el 1446, en el Albaicín - según unos- o en La Alhambra -según otros- en el seno de una familia noble castellana, en la que su padre, de hecho, fue nombrado alcalde perpetuo de La Alhambra por los Reyes Católicos, fue educada en la pequeña corte del Gran Tendilla en plena efervescencia renacentista y en un ambiente culto y tolerante por lo que será una una mujer culta que hablaba diversos idiomas y tenía conocimientos de Matemáticas e Historia. 

Ya de jovencita mostró su carácter rebelde al cambiarse el apellido y adoptar el de su madre, pasando a ser María Pacheco a los 15 años contrajo matrimonio con Juan Padilla, un caballero toledano de rango inferior, con el que se acordó el enlace un año antes. Se casó, por lo tanto, a la fuerza y dará a luz a un único niño que murió poco después, el mismo año en que falleció el rey Fernando el Católico.

Pero la realidad histórica tiene poco que ver o , mejor dicho, mucho de lo que hemos visto en la película tiene mucho más que ver con un drama histórico basado en la obra teatral dramática en verso - drama en verso en tres actos- Doña María de Padilla (1913), del almeriense Francisco Villaespesa que será transformado en un guion cinematográfico por Vicente Escrivá y Juan de Orduña llevado al cine en 1951, dirigida por Juan de Orduña y protagonizada en el papel estelar por Amparo Rivelles. 

La película sería asumida por la poderosa productora nacional del momento- estamos en 1951- Cifesa,  coordinado como jefe de producción por Enrique Balader. Juan de Orduña contó como ayudante de dirección con Fortunato Bernal y Joaquín Vera. 

La película contará con la música de Juan Quintero, la fotografía de Alfredo Fraile y el montaje de Petra de Nieva. En el vestuario estaría Manuel Pertegaz y Francisco Prósper en el Departamento de Arte y con Sigfrido Burmann como el responsable de decoración.Francisco Puyol será el de maquillaje y Gabriel Basagaña y Jaime Torrens en el sonido. 

La película será un exito de público y de recaudación con 1.670,47 € actuales. 

El elenco lo encabeza la ya citada Amparo Rivelles como María de Pacheco y , junto a ella, un galán portugués, Virgílio Teixeira como Pedro de Guzmán (Duque de Medina Sidonia). Junto a ellos aparecen en los principales papeles Alfredo Mayo como Manrique, Manuel Luna como Ramiro, el regidor sustiituto de Pacheco, Ramiro y Eduardo Fajardo como su colaborador, Tovar. Igualmente aparece un jovencísimo Rafael Romero Marchent como Juan de Padilla hijo, así como en breves papeles Antonio Casas como Juan de Padilla, Laly del Amo como Doña Isabel, María Cañete como Sirvienta de María de Pacheco, Nicolás D. Perchicot como Cura en ejecución, José Jaspe como Juan Bravo, Teófilo Palou como Francisco Maldonado y Alberto Romea como Arzobispo. 

La película narrativamente hablando comienza por el final de la protagonista. Una envejecido maría de Pacheco , exiliada en la ciudad desembocadura del Duero, Oporto, fallece. Memoria de su fallecimiento es una lápida que aún hoy puede verse en la catedral portuguesa. 

La historia se retrotrae al año 1521 y nos remite a las Guerra de las Comunidades de Castilla, principios del reinado de Carlos I (1516-1556). Cuando los tres líderes de la revuelta contra el pretendiente a Emperador , Padilla, Bravo y Maldonado se han de enfrentar en breve al monarca Habsburgo. Antes de ese enfrentamiento vemos como Padilla se dirige a Toledo con el fin de ver a su mujer, María, y a su joven hijo, Juan. Tiene fe en la victoria, y ese entusiasmo se lo traslada a la mujer y, especialmente, a su joven e inquieto hijo. 

Pero tras la breve visita se encamina en los día previos al 23 de abril de 1521 para enfrentarse a las tropas imperiales. El choque tiene lugar en condiciones atmosféricas adversas para todos pero que será aprovechada por las tropas que luchas con capa blanca y llevan la cruz de Santiago, frente a los que llevan la cruz de Calatrava, gran parte de los castellanos. 

Ese día 23 de abril se disputó en la localidad vallisoletana de Villalar la batalla que decidiría la suerte de la revuelta de las Comunidades contra el gobierno del rey Carlos I. Ese día, Juan de Padilla (Antonio Casas), regidor de la ciudad y capitán de su milicia que se había opuesto a la concesión del servicio que el rey pedía a las Cortes para financiar sus campañas en Europa, uno de los jefes comuneros, junto a Juan Bravo (José Jaspe) que procedía de una familia hidalga de la oligarquía urbana de Segovia y que en 1519 habñia sido nombrado regidor y jefe de las milicias de Segovia y Francisco Maldonado (Teófilo Palou), aristócrata castellano, que dirigió a los Comuneros de Salamanca son detenidos. 

Un hombre fiel a Padilla, Manrique ( Alfredo Mayo) logra escapar y llega a Toledo para informar de lo que ocurre. Antes de ser ejecutado él y María de Padilla salen para llegar justo en el momento en que son ejecutados, entre ellos, Padilla, en presencia de su esposa, María de Pacheco, quien en ese momento y con su hijo, decide vengar su muerte. 

María, una dama castellana fuerte espíritu, reacciona de forma heroica y participa en peligrosas acciones contra la tiranía del rey. "La Leona de Castilla" se convierte así en el símbolo de la lucha contra la opresión y en defensa de la libertad. Antes de llegar a Toledo para en una posada junto a Manrique y allí coincide con un hobre del Emperador Pedro de Guzmán, el Duque de Medina Sidonia, ( Virgílio Teixeira) que al encontrase con María se prenda de ella. Además ella sabe que él es el portador de unas cartas que le pide al nombre andaluz , aunque haciendose pasar por otra mujer. 

Con Padilla, Juan Bravo y Francisco Maldonado, los cabecillas de la revuelta comunera decapitados en el patíbulo de la plaza de Villalar y con sus cabezas quedaron expuestas en picotas como advertencia a los enemigos de Carlos I, parece adsurdo no asumir la derrota, pero María , nada más llegar a Toledo, y viendo la guardia desparecida por orden de Ramiro ( Manuel Luna ) y su sicario Tovar (Eduardo Fajardo), ordena que se restablezca pues la guerra contra el emperador va a seguir. Desde ese momento ramiro y Tovar conspiran contra la "leona". Pero ella jura ante el Concejo de la ciudad de Toledo, vengar la muerte de su marido y continuar la guerra contra Carlos I. 

La Leona de Castilla queda entonces como símbolo de las libertades populares oprimidas y se presenta como una mujer valiente y guerrera, que fue amante esposa y es una ejemplar madre, indómita y muy poco sumisa, que asume la rebeldía dirigiendo tenazmente la resistencia de Toledo frente a las tropas reales en una causa perdida. 

"La Leona de Castilla" se convierte así en el símbolo de la lucha contra la opresión y en defensa de la libertad. La casualidad hace que las tropas imperiales lleguen a las puertas de Toledo y de que Manrique y el hijo de Juan de Padilla se enfrente en combate al Duque de Medina Sidonia que en mismo cae herido. 

Cuando se le va a ajusticiar, María firma su perdón quedando preso en la ciudad , a pesar de lo que piensan Tovar, ramiro e , incluso, su hijo. María gobierna durante más de un año la ciudad hasta la llegada del obispo de Zamora Antonio de Acuña, con quien luego compartió el cargo. Mientras que la conspiración de Ramiro y Tovar va a más, haciendo que el malestar aumente por la falta de soldada a los defensores y al difundir la idea de que María busca en Pedro de Guzmán, Duque de Medina Sidonia (Virgílio Teixeira), un amante. 

A partir de ese momento las cosas se complican. Hay dificultades para mantener el orden en Toledo, ya que algunos habitantes se sublevaron contra ella. El hijo se siente molesto con su madre y en un enfrentameinto a las puertas de la ciudad frente a los imperiales, muere en comate. asesinado será Manrique por parte del traidor Tovar, responsable de los romances que hay en boca de toda la ciudad que también mata al difundidor para no ser identificado, o el choque abierto con Ramiro para parte de María, cuando éste confiesa haberle traiciano y que, en parte, lo ha hecho por despecho. 

Finalmente, su único apoyo está en el Duque de Medina Sidonia, que al conseguir la libertad se suma a los imperiales. Pero el daño ya está hecho, y cuando María que mantuvo la resistencia contra las tropas realistas e incluso mandó traer artillería desde Yepes y cuando Madrid se rindió y tan solo quedaba Toledo en pie, ella se negó a capitular, prolongando la resistencia de la ciudad a pesar del abandono de Acuña, quien huyó a Francia para ponerse a resguardo. 

A pesar de su resistencia, era cuestión de tiempo que Toledo cayese en manos de las tropas reales, algo que ocurrió de manera pacífica con el armisticio de Sila. María Pacheco huyó hacia Portugal disfrazada de aldeana, por la noche, y gracias a la ayuda de familiares que estaban en el bando enemigo. La derrota final del movimiento llegó el 3 de febrero de 1522. 

En este momento, la última comunera abandonó Toledo y busca refugio en Oporto donde vivió de la caridad de sus obispos mientras pesaba sobre ella una condena de muerte por rebeldía en España. A pesar de todo, mantuvo firmemente sus creencias e ideales de libertad hasta su muerte en 1531. María Pacheco nunca solicitó el perdón del rey. Murió a los 36 años de edad y sus estos reposan en la Catedral de Oporto, como sabemos desde el inicio de la película. 

‘La leona de Castilla’ se rodó en su práctica totalidad en los Estudios Sevilla Films de Madrid.Ocupó el 8º puesto de las películas de la década de los 50 con mayor permanencia en cartel. Fue producida por la Compañía Industrial del Film Español (CIFESA) conocida como ‘el Hollywood español’. Creó un sistema muy parecido al modelo estadounidense, con unos estudios similares a los americanos y plantilla propia para la realización de las películas. En los años 40 y 50 fue la productora más importante del cine español pero no consiguió hacer frente a la creciente competencia y en 1965 cerró. 

Su director, Juan de Orduña, comenzó su carrera como actor pero pronto se convirtió en uno de los cineastas más prolíficos de la posguerra y un especialista en cine histórico. A finales de los años 50 cambió su registró para adaptarse a los gustos del público y dirigió la exitosa película ‘El último cuplé’. 

Amparo Rivelles (María Pacheco) era, junto a Aurora Bautista, la principal figura femenina del cine español de la posguerra. Tuvo una larga carrera artística en cine, teatro y televisión y gozó de gran éxito tanto en España como en México hasta su retirada 2006. La actriz protagonista confesó años después que abandonó la sala de cine a media película porque no soportaba al personaje de María Pacheco y le dolían los oídos de oírse gritar. 

El actor portugués afincado en España Virgílio Teixeira interpretó a Pedro de Guzmán. Conocido como el galán portugués, fue uno de los actores más populares de las décadas de los 40, 50 y 60. Además de en España y Portugal, trabajó en Hollywood con papeles en producciones como ‘Alejandro Magno’ o ‘Doctor Zhivago’. 

El actor que da vida a Padilla, Antonio Casas, jugó en el Atlético de Madrid. Tras una lesión, abandonó el fútbol y se pasó a la interpretación.

La Leona de Castilla (1951)es una sobresaliente muestra del drama histórico clásico del cine español que brilla por su cuajada ambientación y la imponentísima interpretación de su protagonista. Amparo Rivelles encarna a María de Pacheco con una fuerza arrolladora, dotando al personaje histórico de una dignidad heroica inigualable Juan de Orduña despliega un dominio visual notable, recreando con suntuosidad la época.

La película traslada con brillantez formal el texto teatral de Francisco Villaespesa al lenguaje cinematográfico. Esta producción destaca por su cuida factura técnica y su capacidad para mantener la tensión dramática. La obra elude el mero señalamiento académico para construir un relato épico e intenso sobre la libertad frente a la opresión. Hay que verla. 

El compromiso

El mejor Kazan ha pasado por aquí en varias ocasiones.Su carrera quedó marcada cuando colaboró con el Comité de Actividades Antiestadounidenses durante la "caza de brujas", delatando a antiguos compañeros, pues militó en el Partido Comunista de los Estados Unidos, y esto dividió a la crítica durante décadas. 

Elia Kazan destaca por su intensidad dramática, su dirección magistral de actores y la exploración de temas sociales y psicológicos complejos en la sociedad estadounidense. Co-fundador del influyente Actors Studio , Kazan aplicó las técnicas de Konstantín Stanislavski, logrando interpretaciones profundamente naturalistas y viscerales como vemos aquí en el personaje de Kirk Douglas.Abordó sin rodeos asuntos controvertidos como el antisemitismo ( La luz es para todos , 1947), el racismo ( Lo que la carne hereda , 1949) y la corrupción sindical ( La ley del silencio , 1954), pero también la enfermentad mental , la hipocresía social o la complejidad de la famia, todos ellos temas relevantes en esta película.

Aquí nos ha traído «El Acuerdo o El compromiso» , una novela del mismo  Elia Kazan del año 1967. En 1969, Kazan la adaptó al cine pues fue un éxito de ventas y recibió críticas generalmente favorables. Hoy esa novela lleva descatalogada desde la década de 1980.

La misma para llevarse al cine tuvo que ser recortada para ajustarse a 129 minutos y recurrió en gran medida a los flashbacks.

La estructura original que había previsto el director y guionista Elia Kazan se convierte en una historia alternativa, en el doble de la historia primera, sobre todo teniendo en cuenta que la película, de por sí, ya está pensada desde el salto, o desde la negación del relato lineal y continuado.

El compromiso o The Arrangement posiblemente es la historia más personal de la rodadas por el prestigioso Elía Kazán conjuntamente con América América con la que enlaza en un momento dado de la película y con uno de los personajes totalmente secundarios y quien se volcó en la adaptación a la pantalla de su novela autobiográfica con la que llegó a conseguir un auténtico éxito de ventas. 

Se trata de un complejo relato de una crisis personal y de una crisis familiar que sigue teniendo como trasfondo retrato crítico de la sociedad estadounidense como es habitual en todo su cine especialmente en películas como América, América, Viva Zapata, Un tranvía llamado secreto o Esplendor en la hierba. 

Para esta película Kazán buscó la música de David Amram, la fotografía de Robert Surtees y el monatje de Stefan Arnsten siendo una película producida por Elia Kazan para las compañías Warner Bros./Seven Arts, Athena Productions con una inversión de 4 millones de dólares.

Aunque la primera opción como protagonista de Kazán fue Marlom Brando, pues Kazan quería que Eddie fuera interpretado por Marlon Brando , ya que sentía que podía aportar mayor profundidad al personaje y acercarlo al de la novela, además de que Brando ya había cosechado grandes éxitos con Kazan en películas como Un tranvía llamado deseo , ¡Viva Zapata! y La ley del silencio , Lo cierto es que el actor rechazó el papel, alegando que no tenía interés en rodar una película tan poco después del asesinato de Martin Luther King Jr. El papel fue para Kirk Douglas. La producción se detuvo dos veces, ya que Douglas contrajo la gripe de Hong Kong tres veces, 

Especial relevancia tienen los papeles femeninos en este caso en cambernados por la amante interpretado por Faye Dunaway, y Débora Kerr, como la mujer. Aparece igualmente en la película Richard Boone y Hume Cronyn

La película se centra en Eddie un hombre con tendencias suicidas y que está sufriendo un colapso psicótico. Es infeliz en casa, en su matrimonio con su esposa Florence, interpretada por Deborah Kerr , y en su carrera profesional. Mantiene una relación amorosa apasionada con su amante y compañera de trabajo, Gwen ( Faye Dunaway ), y se ve obligado a replantearse su vida y sus prioridades mientras lidia con su padre, un hombre obstinado y anciano ( Richard Boone ).

Su vida personal es engañosa: para los demás está felizmente casado, pero en realidad es un adúltero compulsivo con la aprobación tácita de su esposa Florence, quien le dice "no preguntes, no digas nada", un aspecto del "acuerdo" o compromiso que da título a la obra. Su adulterio serial termina cuando comienza una relación con una asistente de su agencia de publicidad, Gwen Hunt, cuya mente independiente lo fascina; se obsesiona con ella, tal vez incluso siente verdadero amor por ella. 

Florence lo persuade para que deje a Gwen y revitalice su vida con un programa de superación personal; ambos parecen perfectamente felices, aunque algo aburridos, pero después de varios meses él estrella su auto en un aparente intento de suicidio ya que el hombre conduce su coche y, de repente, en un túnel  da un golpe de volante y se encastra bajo un camión que circula a su lado. . 

Así pues el adinerado publicista Eddie Anderson tras intentar suicidarse estrellando su coche deportivo contra un camión se aleja a sí de la chica, pero también del trabajo y de su mundo profesional.

A lo largo de la película, los flashbacks —algunos recuerdos, algunos alucinaciones— revelan el desprecio por su vida y sus "arreglos" como el cambiarse el nombre siendo realmente el de Evangelos Topouzoglou, un reconocido y exitoso ejecutivo de publicidad de origen greco-estadounidense del área de Los Ángeles , conocido profesionalmente como "Eddie Anderson" (su segundo seudónimo). 

Del accidente, Eddie deja de hablar aunque no tiene daño alguno. Lo que más le parece doler es el largo matrimonio de Eddie con Florence que en estos momentos carece  de pasión por su parte y está lleno de frustración por la de ella. 

En todo esta asunto intervienen también Arthur, el abogado de la familia, que la aconseja un  acuerdo para perjuicio de Eddie o el psicoanalista de Florence , el Dr. Leibman, que también interviene. 

Eddie regresa al trabajo, pero con la intención de insultar a un valioso cliente del sector tabacalero al referirse a él como "la gran C", "C" de Cáncer. Después se mete en problemas con la policía al sobrevolar Los Ángeles en una avioneta. 

Buscando su licencia de piloto, Florence encuentra fotografías de Eddie y Gwen desnudos, de ello también se entera su hija adoptiva, ahora estudiante universitaria.  justo cuando Eddie se entera de que su padre está en un hospital de Nueva York. 

Su conflictiva relación con su padre griego, Sam Arness (Richard Boone)  —un importador que en su día tuvo éxito y que desprecia a Eddie por anglicizar aún más su nombre, ir a la universidad y negarse a seguir la tradición familiar— se agrava por el progresivo daño cerebral de Sam a causa de la arteriosclerosis . 

En Nueva York, el hermano y la cuñada de Eddie y la mujer de Sam quieren internar a Sam en una residencia de ancianos para aliviar la carga de su sufrida madre, una carga que se agrava por la violenta paranoia de Sam y su insistencia en emprender un nuevo negocio. 

Gwen también está en Nueva York, viviendo con Charles, quien le cuenta a Eddie lo devastada que quedó tras su ruptura. Gwen le describe a Eddie su comportamiento promiscuo y calculado, un comportamiento que Charles tolera con la condición de que, al final, se casarán. Pero ahora hay un par xde elementos más. Gwen tiene un hijo pequeño, Andy. Ella desconoce la identidad del padre. Gwen y Eddie se convierten en amantes. 

Florence sigue a Eddie a Nueva York. Quiere que vuelva a casa y trabajen en la "reconstrucción" de su matrimonio. Rechaza el deseo de Eddie de cuidar a su padre personalmente y estalla de rabia cuando él le confiesa que estuvo con Gwen. 

Con la ayuda del médico, Eddie saca a Sam del hospital a escondidas y lo lleva a la casa familiar, una enorme mansión victoriana en Long Island Sound . Sam lo llama Evangelos, lo que despierta recuerdos intensos. 

Gwen se ofrece a ser la amante de Eddie después de casarse con un chico que la cuida, George, pero Eddie insiste en que se casará con ella. Eddie no puede darle a Sam el dinero para que inicie su negocio imaginario de alfombras persas, así que décadas de ira reprimida estallan: Eddie admite que se avergüenza de él. Mientras Eddie y Gwen están en un bote, la familia se lleva a Sam por la fuerza. Charles se lleva a Gwen y al bebé. 

Cada vez más distraído, Eddie finalmente se enfrenta al hombre "exitoso" que era. Arthur, el abogado,  interrumpe este diálogo cuando llega de Los Ángeles. 

Arthur, Florence y el Dr. Liebman presionan a Eddie para que le entregue todos sus bienes gananciales a Florence. Ella le dice que no firme, pero él lo hace (usando el nombre de Arthur). En una conversación privada con Eddie, Florence le confiesa su amor y le asegura que estará a su lado pase lo que pase. Pero cuando Eddie dice que no quiere hacer absolutamente nada, ella responde: «De acuerdo. ¿Y tú qué harás?». Él quiere tomarse un tiempo para reflexionar, lo que implica vender sus lujosas propiedades y vivir de forma más sencilla. Florence no lo comprende, y los celos que siente hacia Gwen la consumen. 

Eddie la acusa —con razón— de haber hablado con Arthur sobre internarlo en un psiquiátrico. En la audiencia de internamiento, nos enteramos de que Eddie posteriormente incendió la casa familiar y vemos a los alter egos enfrentándose. Eddie no sabe explicar cómo tiene una herida de bala: vemos que Charles le disparó en el apartamento de Gwen. 

Después de varios intentos fallidos, en los que el recién "auténtico" Eddie es arrestado por exhibicionismo , incendia la casa de sus padres, símbolo de la tiranía de su padre sobre la familia, luego recibe un disparo del celoso pretendiente de Gwen y posteriormente es internado en un hospital psiquiátrico , Eddie pide ser internado en un hospital psiquiátrico. 

El juez le dice a Gwen que Eddie puede ser liberado en cualquier momento demostrando que tiene trabajo y casa. Eddie parece estar contento entre sus nuevos amigos en el manicomio, pero Gwen lo convence para que vuelva a intentarlo. 

Eddie se reconcilia con su padre moribundo y le dice a Gwen que ambos deseaban lo mismo: otra oportunidad. Le confiesa su amor. Ella le da las gracias y sonríe. 

La escena final transcurre en el entierro de Sam, donde Florence le dedica a Gwen una sonrisa irónica. y de ternura mientras bajan el ataúd de su padre a la tumba. 

La película tuvo sus reconocimientos . En la 26.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos fue ganadora Mejor película extranjera; y en la  21.ª edición de los Fotogramas de Plata  fue nominada al mejor intérprete de cine extranjero (Faye Dunaway) y al Mejor intérprete de cine extranjero (Kirk Douglas).

En cunto a la crítica Vincent Canby, del New York Times, escribió que «apesta a cine chic ligeramente absurdo, pero, a diferencia de Escrito en el viento de Douglas Sirk o Dos semanas en otra ciudad de Vincente Minnelli , no solo no es muy divertida, sino que es un desastre de estilos prestados. Lo peor es que puede resultar en gran medida incomprensible, a nivel narrativo simple, a menos que uno haya leído el cuento de 543 páginas de Kazan, un éxito de ventas, que el director ha resumido más o menos en su película».  Canby también incluyó en su lista de las «diez peores películas de 1969» del periódico: «Kazan utiliza muchas técnicas cinematográficas ingeniosas de los sesenta, pero la película sigue pareciendo una producción audaz de Ross Hunter de los cincuenta». 

Variety la calificó como «una película confusa, demasiado artificiosa y excesivamente larga, poblada por un conjunto de personajes que al espectador no le importan en absoluto». Y concluyó con un "Es la película más romántica de Elia Kazan. Y posiblemente sea la peor, en términos cinematográficos" 

Roger Ebert escribió que era "una de esas películas 'serias' largas, pesadas y llenas de estrellas que fueron populares en la década de 1950, antes de que comenzáramos a valorar el estilo más que las buenas intenciones del director. No es exitosa, particularmente no en los términos de Kazan (él la ve, sin duda, como un amargo sermón sobre las consecuencias de venderse). Pero sí se nutre de las notables actuaciones de Kirk Douglas y Faye Dunaway". 

Gene Siskel del Chicago Tribune comentó que Kazan "no logra darnos una caracterización clara de Eddie ni de las personas en su vida. Las tensiones que se revelan están nubladas por errores básicos de dirección... Sería bueno excusar la dirección de Kazan diciendo que se vio obligado a darle vida a un guion débil, pero él también escribió el guion". Y concñluyó con un ""No funciona, sobre todo siendo una película de Kazan (...) Pero se nutre de las estupendas actuaciones de Kirk Douglas y Faye Dunaway (…) " 

La crítica por antonomasia, Pauline Kael, de The New Yorker, escribió: «Si uno no supiera que Kazan es una figura importante en el cine, no encontraría nada en la forma en que se ha realizado esta película que lo sugiera. La dirección es rígida y casi cruelmente coercitiva con los actores. No hay nada en esta película que parezca espontáneo, ni en la dirección ni en la actuación. Los actores no tienen vida propia como intérpretes, ni rastro de inventiva; simplemente gritan frases hechas, representando ideas populares prefabricadas sobre la traición». 

En IndieWire se señala que fue "Un intento mal concebido de adaptarse a unos tiempos cambiantes que Kazan nunca entendió" 

Geoff Andrew de Time Out entiende que "Todo es muy forzado y cuando no lo es, es superficial e indulgente" Sue Heal: Radio Times "Una película bastante desagradable (...) Un reparto lleno de estrellas (...) no es capaz de sacar adelante una premisa anticuada (…) " 

Charles Champlin, del Los Angeles Times, escribió: «La pasión personal que inspiró la novela aún está presente en la película, pero en la pantalla la pasión está tan comprometida y debilitada por lo que se hace pasar por técnica e inventiva que se convierte solo en un eco intermitente». 

Tony Mastroianni en The Cleveland Press se refirió a la película como una "mala novela [que] no mejoró mucho en la transferencia [al cine]". 

Philip Strick de The Monthly Film Bulletin escribió que la película "resulta que no dijo más en 125 minutos de lo que dijo durante los primeros seis". 

Ya en España Francisco Marinero: en El Mundo califica esta película como "Interesante sobre el papel, en el fondo espectacular, da la impresión de que el director no confía en la inteligencia del espectador, y tiene que explicarles la lección, con lo cual el aspecto dramático queda devaluado sin remedio" 

M. Torreiro de El País la califica como "Obra maestra" ; y José Luis Guarner en su Historia del cine americano señala que "Cuenta con grandes momentos y la presencia extraordinaria de Faye Dunaway (...) con todo, significó para Kazan una desilusión, que alentaría su progresivo alejamiento del cine." 

Decir que la película  era parcialmente autobiográfica ; el narrador, al igual que Kazan, es un grecoamericano y liberal que había sido brevemente miembro del Partido Comunista de los Estados Unidos en la década de 1930 antes de desilusionarse con él. Arness también conoce a muchas figuras de menor rango en la industria cinematográfica de Hollywood , donde Kazan alcanzó su mayor fama. 

Kazan afirmó que la obra era completamente ficticia. The Arrangement –según dicen los criticos e historiadores cinematográficos— quiere imitar algunos de los procedimientos que utilizaba el cine europeo de la época para alterar la narración tradicional: confusión entre los tiempos de la historia, entre el pasado y el presente; alguna que otra alteración de la imagen, a través de zooms o de un montaje rápido… La mayor parte de esos mismos críticos e historiadores afirman que la manera en que la película adopta esas estrategias es falsa e impostada, más imitativa que realmente necesaria. Kazan querría ser moderno y fracasaría en el intento, según ellos, yo por mi parte considero que estamos ante uno de los grandes dramas del cine pasado.

La noche de Walpurgis

Uno escucha hablar de la noche de Walpurgis y no puede imaginar que la historia sucede o se ha rodado realmente en las localidades de Navacerrada, el Cercón, San Martín de Valdeiglesias y Madrid. Lo más llamativo es que los coches utilizan matrícula francesas e incluso cuando uno entra en el bar para tomar algo en el mismo lo que aparece son anuncios de esa bebida francesa que ya parece haber casi desaparecido como era Ricard. 

De cualquier manera La noche de Walpurgis es un clásico del cine de terror español., uno de esos títulos memorables, que pude ver en la cartelera pero que nunca pude ver en el cine ni en la televisión.

La noche del 30 de abril al 1 de mayo se conoce como la “noche de Walpurgis” o “noche de las brujas”. El nombre de Walpurgis viene dado de la religiosa benedictina Walburga de Heidenheim queno ha de tener nada que ver con la brujería, digo yo. 

Se estima que esta adoptó su nombre en base a la cristianización de una diosa teutona llamada Walpurgis, que los celtas conocían como Beltane y los romanos bajo Flora: diosa de la virginidad, la salud y la fertilidad. Esa noche es cuando las brujas pululan por todas las partes mediante sus vuelos infernales; en la región de Voigtland (que abarca los estados alemanes de Sajonia, Turingia y Baviera, y la región de Cheb en la República Checa) los niños tenían la costumbre de encender hogueras y saltar sobre ellas, asímismo, agitaban y lanzaban al aire escobas encendidas. Esta tradición tenía el nombre de “ahuyentar a las brujas”. Esta noche se considera que es la oposición a la fiesta de Todos los Santos (1 de noviembre). Esta noche en que las brujas se reúnen en lo alto de los cerros a danzar desnudas y levitar alrededor de enormes fogatas. Es común escuchar relatos sobre visiones de brujas volando sobre los campos durante esta noche y la madrugada del 1 de mayo.

Se trata de una coproducción hispano alemana del año 1971 dirigida por la argentino León Klimovsky, basada en un guión y una historia escrita por el mismo Paul Naschy que cuenta con la fantástica Gaby Fuchs, aunque también con Bárbara Capell, Andrés Resino, Julio Peña y Patty Shepard.

La película es la cuarta de la serie sobre el hombre lobo vinculado con el personaje de Valdemar Daminsky que es de nuevo interpretado por el mítico Paul Naschy.

En este caso la historia se inicia en un cementerio, tras los sucesos de La furia del hombre lobo, en concreto en el mortuorio del cementerio donde dos forenses, Hartwig y Muller, proceden a efectuar la autopsia al cadáver de Waldemar Daninsky (Paul Naschy). Están dispuestos a hacer la autopsia a un hombre que ha muerto ante la sospecha de que pudiera ser un hombre lobo. 

Efectivamente mientras se inicia la operación al hombre le identifican un pentagrama en el pecho y le extraen una sorprendente bala de plata. Al sacarla, el cadáver vuelve a la vida, mata a los forenses y, con ello, muestra su maldición como licántropo recobrando la vida y acaba con ambos personajes. Ese ser que recobra la vida indudablemente es Valdemar Daminsky. 

Posteriormente la historia se desarrolla en París donde dos jóvenes estudiantes, Elvira (Gaby Fuchs ) y su amiga Genevieve Bennett (Barbara Capell), dedicadas a la investigación sobre la magia negra y la superstición. Una de ellas, Elvira se está despidiendo de su novio un joven inspector de policía, Marcel (Andrés Resino) puesto que viene a España a realizar una investigación en busca de la tumba de  una asesina legendaria de la Edad Media y posible vampira llamada la condesa Wandessa Darvula de Nadasdy, una terrible adoradora del Diablo.

Elvira no viene sola. Viene acompañada de otra estudiante Genevieve, y ambas con su vehículo van hacia la zona en la que se suponen que está la tumba de esta asesina. Pero tras introducirse por un espacio agrícola no identificado su coche se queda sin gasolina y únicamente encuentran cobijo en la casa donde habita Valdemar Daminski que las invita a quedarse durante el tiempo que deseen. 

El reconoce no tener coche ni teléfono ni medios para entrar en contacto con otros personas. Durante la cena ella se le comunican que están estudiando el caso de la condesa Wandessa, algo que descoloca a Valdemar. 

Es esa misma noche un personaje femenino desconocido entra en la habitación donde duerme las chicas y empieza a magrear a Genevieve. Lógicamente ambas se llevan un buen susto pero a la mañana siguiente Valdemar explica que esa chica es su hermana Elizabeth (Yelena Samarina ) una persona que está enferma y que él la atiende. 

Esa misma mañana salen al campo y encuentran en una ruina un sepulcro y en ese sepulcro es posible que se encuentre los restos de la condesa Wandessa. Cuando lo abre Genevieve tiene un pequeño corte del que le sale sangre que va a pasar directamente al cadáver que acaban de encontrar. Ese es el inicio de las desgracias para estas dos chicas y también para Valdemar Daminsky. 

A partir de ese momento las apariciones de la condesa Wandessa (Patty Shepard) en la vivienda son continuas y resultado de las mismas es que por un lado la hermana de Valdemar se suicida y por otro ataca a Genevieve, convirtiéndola en una vampiro. 

Desde ese momento la labor de Valdemar es proteger a Elvira que poco a poco se va enamorando del protagonista aunque este le informa de su más profundo secreto se acerca la noche de Walpurgis y esa noche el se transformará en un hombre lobo. 

Ante la ausencia de Elvira va en su búsqueda y localiza la casa de Valdemar. Allí descubre que su novia tiene relación con éste, pero sabedor de las circunstancias que le afectan le pida por que se la lleve muy a su pesar pues esa noche intentará actuar con la condesa pues sabe que se encuentra en el sepulcro de un guerrero en una abadía abandonada. 

Mientras huyen, Paul y Elvira son atacados por la condesa que los lleva al sepulcro y allí espera en el ataque de Valdemar que efectivamente esa noche se convierte en un hombre lobo. 

El enfrentamiento entre la vampiresa y el hombre lobo da lugar a una lucha muy igualada pero que finalmente lleva a la victoria del hombre lobo sobre la vampiresa, pero Elvira aprovechando la circunstancia y sabedor de que la licantropía no frenará nunca a Valdemar le decide clavar el cuchillo de plata, la Cruz de Mayenza, una daga de plata en forma de crucifijo, elaborada, al parecer, con el cáliz de la Última Cena, y poner fin a la historia del hombre lobo y a la película. 

La noche de Walpurgis será conocida internacionalmente como Werewolf Shadow, Blood Moon o The Werewolf Vs. Vampire Woman o La furie des vampires, escrita por Paul Naschy y Hans Munkel se trata de la cuarta película centrada en el hombre lobo Waldemar Daninsky interpretado por Naschy. Considerada la película más representativa de la filmografía de Paul Naschy, obtuvo una muy positiva recepción en la taquilla española acreditando la venta de más de 1 millón de entradas e iniciando el boom del fantaterror español. 

Klimovsky rodó muchas de las escenas con las vampiras a cámara lenta, para añadir sobrenaturalidad por los bosques, con un hombre lobo atormentado y salvaje y esas las ruinas góticas y con una actriz norteamericana afincada en España, Patty Shepard. 

Esta coproducción hispano-alemana realizada por Lotus Films, Plata Films S.A y HIFI Stereo 70 Kg en la que estuvo presente como productor Salvadore Romero se rodó en parte en el antiguo Hospital de Tuberculosos de Navacerrada, hoy día desaparecido, en el valle de la Barranca. Contó con un guion de Jacinto Molina y Hans Munkel inspirada en la figura real de Erzsébet Bathory, la música de Antón García Abril, la fotografía de Leo Williams y el montaje de Tony Grimm. 

David Felipe Arranz  considera de La noche de Walpurgis es el "fantaterror más desasosegante", mientras que en Fotogramas se señala que " Admirado por el mismísimo Quentin Tarantino, este film ha generado un culto ìeminentemente canalla que ha consagrado a Paul Naschy como mito de sesiones golfas. Propone un pastiche de arquetipos fantásticos -desde la licantropía ìhasta el vampirismo- sólo digerible a partir de un espíritu irónicamente ìreceptivo. La gravedad de su formulación contrasta con la irresistible ìcomicidad que transmiten sus imágenes.