Valor de Ley revisada

El clásico de Henry Hathaway del año 1969que supuso el reconocimiento a su trayectoria y por su buen trabajo al mítico John Wayne. Hace años, en concreto, en febrero de 2013 escribí una entrada con el nombre de True Grit: Original y Copia y en ella decía lo siguiente:

Hace un par de años pude ver una película de los hermanos Coen de título Valor de Ley. Le película era un western socarrón, entretenido, con personajes magníficamente definidos. En ese momento se enteré que estaba basado en una película anterior y que tenía a John Wayne como protagonista. El tiempo pasó y un día vi parte de ella en Paramount Channel. Era cuestión de tiempo que la viese. Y ayer llegó el momento. 

Y es que True Grit (Valor de ley en España) es un western del año 1969, dirigida por un clásico Henry Hathaway (1898-1985) y que está basada adaptación de la novela escrita por Charles Portis, aunque el guión fue obra de Marguerite Roberts. Como dije anteriormente fue llevada al cine por los hermanos Coen por segunda vez en 2010. La producción de Hal B. Wallis y la distribución estuvo en manos de la Paramount Pictures.

Dos grandes participan en la música Elmer Bernstein y en la fotografía Lucien Ballard. El montaje fue labor de Warren Low. El elenco está protagonizada por John Wayne (Rooster Cogburn), Glen Campbell (La Boeuf), Kim Darby (Mattie Ross), Jeremy Slate (Emmett Quincy), Robert Duvall (Ned Pepper), Dennis Hopper (Moon) , Strother Martin (Col. G. Stonehill) y Jeff Corey (Tom Chaney) en los papeles principales.

Al comienzo de la película escuchamos una canción de Elmer Berstein que nos encamina a una granja en la que su dueño se está despidiendo de su hija, Mattie Ross, (Kim Darby) , de 16 años, que es la mayor de tres hermanos y la responsable de la contabilidad de la finca del padre. ‘Paga lo menos que puedas’, le recuerda la protagonista a su padre. Éste sale para una ciudad, Ford Smith, con el fin de comprar ganado, unos caballos mustang. Va acompañado de un colaborador en el rancho, Tom Chaney (Jeff Corey). Éste, prácticamente un desconocido que fue recogido por el señor Ross hace unos meses, en la ciudad se entrega al juego y a la bebida. Una cosa y la otra le llevan al asesinato de su jefe. 

Días más tarde, al ir a recoger el cuerpo de su padre, Mattie consulta al sheriff local sobre si puede detener a Chaney. Unos minutos antes hemos visto - además del asesinato a sangre fría de Ross-, tres ejecuciones (con venta de cacahuetes inclusive) y , poco tiempo después, un juicio con declaración sobre un ajustamiento y torturas… Ante la pasividad de las autoridades para detener a Chaney, decide organizar la captura del asesino. Se nos presenta Mattie como una chica decidida, inteligente, luchadora, desenvuelta, frágil y, a veces, ingenua. 

Al saber que Chaney ha huido al territorio indio donde el sheriff no tiene autoridad y que se ha unido a la banda de Ned Pepper, indaga sobre la contratación de un alguacil que sea valiente. 

El sheriff le recomienda tres, y Mattie piensa en contratar a Reuben J. Rooster Cogburn (John Wayne) de quien el sheriff había dicho que era el "más malo" , pero eficaz en su trabajo, y que lleva 4 años en el oficio y durante este tiempo ha matado a 23 forajidos en búsqueda y captura. y que se presenta en Fort Smith con 8 detenidos. Tras observar en un juicio presidido por el juez Parker se decide sin duda por el taciturno, bebedor y tuerto Cogburn inicialmente rechaza la oferta, al no creer que ella tenga dinero para contratarlo. Sin embargo, ella consigue el dinero regateando con un tratante de caballos quien hizo negocios con su padre. 

Mientras, en la pensión en la que ella se aloja, se integra un Ranger de Texas de apellido Tom LaBoeuf (Glen Campbell) , que también busca al fugitivo Chaney y llega tras la pista de Chaney tras el asesinato de un senador estatal Bibbs de Texas y su perro…. 

LaBoeuf , un hombre honesto, rígido, con espuelas, servidor del deber, testarudo y codicioso propone hacer un equipo con Cogburn, quien conoce el terreno Choctaw donde la banda de Pepper y de Chaney se esconde y se integrado en una banda dirigido por un forajido de nombre Pepper, pero Mattie rechaza su oferta, porque ella desea a Chaney ahorcado en Arkansas por el asesinato de su padre, no en Texas por matar a un senador. 

Mattie también insiste en viajar con Cogburn para buscar a Chaney. Pero Cogburn más tarde se va sin ella, después de haber ido con LaBoeuf para aprehender a Chaney. Después de ser rechazado en su pasaje en el ferry que transporta a Cogburn y LaBoeuf, Mattie cruza el río a caballo. 

Se inicia así la aventura para encontrar a Chaney. En su búsqueda llegan a un refugio. Allí encuentran a dos forajidos, Quincey y Moon. Cogburn hiere a Moon, quien le pide ayuda a Cogburn. Éste empieza a interrogarlo. Moon será fatalmente apuñalado por Quincey, a quien Cogburn le dispara y le provoca la muerte. Antes de morir, Moon le dice que Pepper y sus secuaces regresarán más tarde esta noche.

Justo después de que la cuadrilla Pepper llegara, y mientras preparan una emboscada, la chica mientras obtiene agua de un arroyo cercano es descubierta por Mattie, quien intenta tomarla como rehén, sin embargo, hiere a Mattie. Cogburn, oculto en la colina con Mattie intenta liberarla. Ella le dispara, pero él sobrevive. 

Una vez solo, Chaney intenta matar a Mattie. LaBoeuf aparece y golpea a Chaney. Entrre el texano y Cogburn idean un plan. La chica y el ranger observan desde un acantilado como Cogburn se enfrenta con los restantes miembros de la cuadrilla de Ned. En el duelo a muerte , mata a tres de sus secuaces e hiriendo a Ned, antes de que su caballo se golpee y cae, atrapando la pierna de Cogburn. Antes de que Pepper pueda matar a Cogburn, LaBoeuf dispara desde su acantilado y mata a Pepper a unos 400 metros de distancia. 

Por su parte, Chaney ataca traicioneramente a LaBoeuf, dejandoló inconsciente. Mattie se apodera del rifle de LaBoeuf y le dispara a Chaney quien muere tras darle un tiro en el pecho. En el retroceso, sin embargo, se cae al fondo de un pozo que contiene serpientes de cascabel. Mattie es mordida antes de que alguien le auxilie en un momento LaBoeuf le ayuda con sus últimas fuerzas. Tras esto LaBoeuf muere. Tras esto llega Cogburn quien practica los primeros auxilios. Este toma el mustang de la chica e intenta llegar a una ciudad para salvarla. Mattie llega finalmente al doctor, después de que su caballo se derrumbara por agotamiento, por último hace su camino a un puesto comercial. 

Tras salvarla Cogburn se despide de ella quien vuelve a su rancho. Allí, tiempo más tarde, recibe a Cogburn. Le enseña el cementerio familiar donde está enterrado su padre. Le comenta su proyecto, al lado de su padre, su madre. Ella a un lado, pero le dice a Cogburn que quiere que él, al morir, sea enterrado junto a ella. Cogburn recibe la noticia con alegría y se marcha a toda prisa con su caballo. 

"Interesante historia que le valió un merecidísimo Oscar al legendario John Wayne. Secundarios de lujo para todo un éxito comercial. Interesante". Esta fueran las declaraciones escritas de Fernando Morales en el Diario El País. 

A John Wayne le valió el oscar en 1969 a mejor actor principal, y en la ceremonia soltó una frase para la historia del cine "Si lo hubiese sabido me habría puesto el parche 35 años antes". Fue ganadora igualmente de un Globo de Oro en 1979, al mejor actor (John Wayne) y ganadora del premio Golden Laurel de 1970 al mejor actor (John Wayne). 

Los secundarios son bastante conocidos, sobretodo aquellos dos que por entonces no eran muy populares, Robert Duvall y Dennis Hopper, también Glen Campbell un cantante de country bastante reconocido, luego están los siempre presentes en el género como es el caso de Jeff Corey, Strother Martin y la breve aparición del omnipresente Hank Worden. 

La acción dramática se inicia en la ciudad de Fort Smith (Arkansas) y se desarrolla durante el invierno de 1880 en los territorios indios hoy integrados en el estado de Oklahoma. El relato da comienzo tras la puesta de sol del 5-X-1880. Se rodó en escenarios naturales de Colorado, California y en Durango (Méjico), entre septiembre y diciembre de 1968. Producido por Hal B. Wallis para Paramount, se estrenó el 11-VI-1969 (EEUU). 

El título de la obra responde al hecho que Mattie busca para la captura del asesino a un hombre de valor. Las diferencias de edad de los viajeros, la disparidad de sus experiencias y las dificultades que han de afrontar, generan entre ellos un estado permanente de desencuentros, fricciones y discusiones, que mantienen vivo el clima de la expedición. Los diálogos, tomados en gran parte de la novela, son precisos, concisos, contundentes y brillantes. Conviene hacer constar que Charles Portis escribió la novela pensando en su adaptación al cine y en la identificiación de “Rooster” con John Wayne. 

La narración pone de manifiesto la capacidad de Hathaway de componer un relato interesante, atractivo, rico en detalles y capaz de retener la atención del público. Como es habitual en él, integra en el drama el paisaje, que no solo aporta grandeza y sentido épico, sino que además refleja el estado de ánimo de los personajes, sus deseos y evolución. Es un western entretenido y grato, con elementos valiosos de intriga, tensión y drama. 

La banda sonora, de Elmer Bernstein ("La gran evasion", Sturges, 1963), ejecuta una partitura vibrante que anuncia los momentos de peligro, amenaza, lucha o victoria. La orquesta se basa en instrumentos de viento, que dejan la melodía a cargo de unas trompetas agudas de fanfarria. Junto con el paisaje, los cortes sonoros generan sentimientos de implicación en la acción y de recursos épicos o líricos (solo de flauta en la intimidad de la pensión Mordoch). La película comienza superponiendo a los créditos de entrada la canción original de Bernstein “True Grit”, que canta Glen Campbell. 

La fotografía, de Lucien Ballard ("Grupo salvaje", de Sam Peckinpah, 1969), crea composiciones soberbias y emotivas. Las imágenes son luminosas y de un cromatismo intenso y natural. Predominan las visiones otoñales que casan con el tono sutilmente melancólico del film. Por si fuera poco, y digno de su director, el film está nutrido de una fotografía extraordinaria, de pura y enorme belleza, con una colorimetría abismal y de lo más variable, haciendo que su atractivo gane enteros. 

Destaca destalles de interés como la luz de carburo, el colt Dragón, el vendedor de cacahuetes, etc. Su cartel lo deja claro y reza: ‘El más extraño trio para coger a un asesino: Un valiente, tuerto U.S. marshall que nunca ha conocido un día sobrio, un ranger de Texas sediento de generoso dinero y una chica todavía en pañales a la que no le importaba lo que hubieran hecho o quiénes eran, siempre y cuando tuvieran Valor de Ley.’ 

Aparece otro punto de vista sobre el ‘ajuste de cuentas’; la protagonista, recordemos, que quiere a Tom Chaney para que sea ejecutado con todas las de la ‘ley’, pero no quiere que lo sea en otro estado por otro de los crímenes que ha cometido, como el asesinato de un Senador, sino que quiere reivindicar a su padre como víctima principal. 

John Wayne arrebató el Oscar a Dustin Hoffman por 'Cowboy de medianoche'. El entonces ya veterano actor, con parche en el ojo, se inventa un personaje memorable. Hathaway también se vale de unos grandes secundarios, con unos principiantes Robert Duvall y Dennis Hopper, lo cual aumenta aún más el aliciente por “Valor de Ley”. 

La historia es sencilla, relativamente previsible y cautivadora. No es habitual la presencia determinante en el grupo protagonista de una jovencita de espíritu independiente, gran imaginación, descarada y de rigurosas convicciones presbiterianas. Choca con las laxas concepciones morales de “Rooster” (el gallo) y las estrictas creencias episcopalianas de Le Boeuf.

Esta joya de la Paramount Pictures como ya dijimos fue premiada en la 42 Edición de los Oscar (1970) con el premio al Mejor actor principal (John Wayne), quien al subir al escenario, emocionado y con lágrimas en los ojos, pronunció un discurso breve y humilde que muchos consideraron el galardón un homenaje a sus más de 40 años en la industria. También fue nominada a la Mejor canción compuesta por Elmer Bernstein, Don Black (True Grit) 

Igualmente en la 27ª edición de los Globos de Oro (1970) fue ganadora al Mejor actor principal (John Wayne) siendo nominada a la Nueva promesa masculina (Glen Campbell) y a la Mejor canción original ("True Grit" (Elmer Bernstein, Don Black). Y en los británicos BAFTA, o sea, los Premios de la academia de cine británica como en los Globos de Oro la atención recayó no en Glen Campbell sono en Kim Darby que fue nomianada al Premio Rising Star (Estrella emergente). 

Por su parte, el Sindicato de Guionistas (WGA) nominó al Mejor guion adaptado drama a Marguerite Roberts ; mientras que la National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos) incluyó a True Grit entre las diez mejores películas de 1969. 

A lo ya dicho añado yo lo que pensaron los críticos de la época y actuales. El conocido crítico que publiaca en la prensa de Illinois, Roger Ebert, que escribía en las páginas del Chicago Sun-Times se trata de "Una de sus glorias es que reconoce la presencia especial de Wayne (...) Este es la clase de filme que llamas 'película,' en lugar de la clase de película que llamas 'filme'".

Tom Milne de Time Out comenzó que parecía "Perezosamente dirigida por Hathaway, es bastante agradable, aunque demasiado autoconsciente y pacata" 

Por su parte, el mítico Vincent Canby, habitual de las páginas del The New York Times afirmaba que era "Una fábula fronteriza maravillosamente incoherente y repleta de incidentes extraordinarios, encuentros asombrosos, personajes nobles y recompensas virtuosas." 

En Variety es presentada como "Casi todo el rato es Wayne. Él lo sobrepasa a todo: a los actores, al guion, incluso a las magníficas montañas de Colorado" 

Para Kevin Thomas de Los Angeles Times la película es "Irresistible western del 69 que le dio a John Wayne un Oscar largamente merecido" 

Para la prensa británica la película es "Una encantadora mezcla de comedia, acción y sentimiento"como señala Paul Howlett en The Guardian ; o como dice William Thomas en Empire "Aunque hace más comedia que una verdadera interpretación, Wayne es una delicia, especialmente cuando hace de John Wayne" 

Ya en España Fernando Morales en El País dejó por escrito que "Interesante historia que le valió un merecidísimo Oscar al legendario John Wayne. Secundarios de lujo para todo un éxito comercial. Interesante".

Por mi parte decir que la película es una muestra de la presencia arroladora en la pantalla de otro de los personajes de John Wayne, aquí como Rooster Cogburn. Además destacar de la misma la química absoluta entre los personajes de Rooster y Mattie.Frente al cinismo de Cogburn se encuentra Mattie Ross, interpretada con una frescura y tenacidad arrolladoras por Kim Darby. La dinámica entre la joven decidida a vengar a su padre y el viejo agente de la ley (a la que se suma a un correcto Glen Campbell como el Ranger de Texas, La Boeuf) huye de los sentimentalismos baratos. El guion de Marguerite Roberts, basado en la novela de Charles Portis, construye una relación de respeto mutuo maravillosa: dos personajes tercos de generaciones opuestas que se necesitan para sobrevivir. 

A destacar del mismo igualmente la dirección de Henry Hathaway y uno de sus aspectos técnicos y formales como fue la fotografía que sacó los imponentes paisajes de Colorado (que simulan ser Arkansas), pues la película fue rodada en el condado de Ouray y Ridgway, en el paso de Owl Creek y en la Pradera de Deb, en Last Dollar Road y lucen espectaculares gracias a la luminosa fotografía en Technicolor de Lucien Ballard. Tmabién la banda sonora compuesta por uno de los grandes, Elmer Bernstein, que envuelve todo el metraje con una partitura épica, enérgica y profundamente optimista que eleva el sentido de la aventura en cada plano. Y en definitiva un western emocionante, emotivo, divertido y con un alma enorme llena de optimismo.  

Para terminar sabemos que John Wayne continuó en los años setenta hasta que falleció en 1979. En esta década siguió año tras año en la lista de los diez actores más rentables de Hollywood. Durante estos años protagonizó películas notables del género como Rio Lobo (1970) , The Cowboys (1972) y la secuela Rooster Cogburn (1975) aquí llamada El rifle y la Biblia , esta última coprotagonizada junto a otra gran leyenda de la época, Katharine Hepburn. En 1976 protagonizó la que se convertiría en su última película, The Shootist ( El último pistolero ) . En ella encarnó a JB Books, un anciano y legendario pistolero del Oeste diagnosticado con un cáncer terminal que busca pasar sus últimos días en paz. El actor fallecía tres años más tarde, en 1979 y , efectivamente, de un cáncer de estómago. Su última aparición pública ocurrió el 9 de abril de 1979 en la 51.ª edición de los Premios Óscar. Al salir al escenario, visiblemente delgado y demacrado pero manteniendo intacta su imponente postura, Hollywood entero se puso en pie regalándole una ovación atronadora de varios minutos. Wayne bromeó diciendo: "El Óscar y yo tenemos algo en común: los dos llegamos a Hollywood en 1928, estamos bastante desgastados por el tiempo, pero planeamos seguir estando por aquí mucho tiempo más" . Tenía 72 años. 

Por su parte, el cantante Glen Campbell que destacó como un virtuoso de la guitarra y fue cantante de éxitos mundiales como Rhinestone Cowboy, falleció en en Nashville, Tennessee 2017 a los 81 años tras una larga lucha contra el Alzheimer, enfermedad que anunció en 2011 mientras publicaba un conmovedor disco y canción de despedida I'm Not Gonna Miss You;  mientras que Kim Darby que hizo la película con 21 años y que después participó en proyectos como la serie Hombre Rico, Hombre pobre - Rich Man, Poor Man - o la película de culto Better Off Dead sigue viva a los 79 años y trabaja como profesora de interpretación y dirección.

L.A. Confidencial

Cada vez que veo esta película me parece mejor. Recuerda haber ido al cine en 1.998 para ver esta película de Curtis Hanson que se desarrolla en Los Ángeles, allá por el año 1953 y que mientras el cine de Hollywood vende una imagen y esplendorosa de la ciudad la misma vive llena de tráfico de drogas, inicio de la mafia y agentes corruptos que están al orden del día. 

Así se desarrolla este clásico contemporáneo que ya comenté en su tiempo con el título Secretitos y que hoy he vuelto a revisar y a disfrutar que llegó a ganar dos oscars, una a la mejor actriz secundaria en la persona de Kim Basinger y otro al mejor guión adaptado para Brian Helgeland y Curtis Hanson.

Basada en la novela homónima de James Ellroy la película mezcla verso generals como el cine negro, el thriller, la acción, y el drama mientras se nos narra un intrincada trama de asesinatos envueltas en corrupción, sobornos, secretitos, ambiciones desmedidas, sueños rotos todo ello envuelto en Ash ash. 

Dirigida por el ya desaparecido director estuvo nominada a otros siete Óscar entre ellos la mejor película y dirección aunque ganó el globo de Oro a lo mejor actriz de reparten. 

En la película Guy Pierce, Kevin Spacey y Russell Crowe dan vida a los tres detectives principales de la trama; Ed Exley (Guy Pearce) un hombre ambicioso, íntegro y dispuesto a seguir las regla; Bud White (Russell Crowe), un ser violento, impulsivo y con debilidad por las mujeres maltratadas; y Jack Vincennes (Kevin Spacey), un detective elegante y más interesado en la fama y los jugosos sobornos de la farándula que en la justicia pura; mientras que la Basinger asume el papel de una prostituta que tendrá un papel fundamental en el desarrollo de la historia. Por su parte James Cromwell será el jefe de la policía y Danny DeVito un redactor de una revista o amarillent que será el primero en llegar siempre a la escena del crimen. 

La crítica la considera una obra maestra moderna del género. Destaca por un guion complejo y lleno de giros que entrelazan con precisión múltiples tramas, unas actuaciones memorables de su reparto principal y una atmósfera recreada en los cincuenta y realista que revitalizó el cine negro clásico. En definitiva, cine negro en estado puro . Crímenes, corrupción, turbios negocios... y, sobre todo, violencia, mucha violencia. Sin concesiones.

Karate kid: Legends

El Señor Miyagi, Nariyoshi Miyagi, no solo es uno de los personajes más icónicos de la historia del cine, sino el corazón moral y la columna vertebral de toda la saga de The Karate Kid . A través de su sabiduría, paciencia y aparente sencillez, encarna la figura del mentor perfecto, transformando la vida de Daniel LaRusso y, por extensión, la de millones de espectadores que encontraron en sus enseñanzas una verdadera filosofía de vida. 

En primer lugar, Miyagi redefine el concepto de la fuerza. En un entorno cinematográfico y social a menudo obsesionado con la brutalidad y la dominación física —ejemplificado a la perfección por la doctrina despiadada de "golpear primero" del dojo Cobra Kai—, él introduce una alternativa revolucionaria: el karate como herramienta de defensa personal y crecimiento interior. 

Para Miyagi, la verdadera victoria no radica en vencer a un oponente, sino en conquistar los propios miedos y mantener la paz. Su famosa frase, "el karate se busca aquí", señalando al corazón, resume una ética donde las artes marciales son un camino hacia la compasión, nunca hacia la violencia. Asimismo, su método pedagógico es una genialidad de la psicología y la constancia. Tareas aparentemente mundanas y tediosas como "encerar, pulir", pintar la valla o lijar el suelo no eran meras formas de explotación laboral, sino un entrenamiento brillante de la memoria muscular y la disciplina. 

Miyagi enseñaba que el aprendizaje requiere paciencia y que los cimientos de cualquier habilidad importante se construyen lejos de los focos, en el esfuerzo diario y silencioso. Esta lección trasciende el tatami: nos recuerda que en la vida no existen los atajos y que el dominio de uno mismo se forja en los detalles más pequeños.

Más allá de sus habilidades marciales, el papel de Miyagi destaca por su profunda dimensión humana. Detrás de su sentido del humor afable y sus ingeniosas respuestas, se esconde un hombre marcado por la tragedia: un veterano de la Segunda Guerra Mundial que sirvió con honor en el Ejército de los Estados Unidos mientras su esposa y su hijo por nacer morían en un campo de internamiento para japoneses-estadounidenses. A pesar de este dolor inimaginable, Miyagi no permite que el resentimiento guíe sus acciones. En lugar de cerrarse al mundo, adopta un rol paterno con Daniel, llenando el vacío de un joven sin padre y ofreciéndole un refugio seguro frente al acoso y la hostilidad.

El Señor Miyagi es mucho más que un maestro de karate; es un faro de integridad, equilibrio y resiliencia. Su legado nos enseña que el verdadero poder no se mide por la capacidad de infligir daño, sino por la capacidad de proteger, sanar y mantener el equilibrio emocional en medio de la tormenta. Alabar su figura es celebrar la empatía, la dedicación y la eterna sabiduría de que, tanto en el karate como en la vida, el equilibrio lo es absolutamente todo.

Pues bien, en el año 2025 el director Jonathan Entwistle tuvo la oportunidad de reunir a Jackie Chan, a Ralph Macchio, y retrotraernos a la ochentera Okinawa para volvernos a mostrar al maestro Miyagi, persona que enseñó a Daniel Larruso y al gran Jackie Chan, el sensei del reboot de 2010, y ambos se reúnen en esta historia, digna heredera de la mítica saga de películas de artes marciales, en las que un nuevo aprendiz encontrará el camino para alcanzar todos sus potencial en la lucha y en la vida. No hay duda de que si buscamos a un personaje legendario ese es el Profesor Miyagi.

Tan fundamental en Karate Kid es el Profesor Miyagi que esta película comienza en el año 1985 en Okinawa. Allí un joven Daniel LaRusso escucha atentamente al señor Miyagi mientras este le explica cómo hace generaciones muchas qsee los millares y los Han están unidos por la amistad y las artes marciales. La historia comienza en el verano de 1985, el Sr. Miyagi - un Pat Morita aparece como el Sr. Miyagi en imágenes de archivo de Karate Kid II - le cuenta al entonces adolescente Daniel LaRusso ( un joven Ralph Macchio ) sobre los orígenes del karate de la familia Miyagi y la relación entre las familias Miyagi y Han. El antepasado del Sr. Miyagi del siglo XVII, Shimpo Miyagi, terminó en China mientras pescaba frente a la costa de Japón. La familia Han lo acogió y le enseñó kung fu, que utilizó para desarrollar el karate de la familia Miyagi a su regreso a Okinawa . 

En 2023, el Sr. Han (Jackie Chan) es el venerado shifu , maestro de una escuela de wuguan , kung fu en Pekín. Entre sus alumnos se encuentra su sobrino nieto, Li Fong (Ben Wang ) . La madre de Li es médica, la Dra. Fong, ( Ming-Na Wen) y sobrina del Sr. Han , y llega para comunicarles a Li y al Sr. Han que ha aceptado un trabajo en Nueva York. Le hace prometer a Li que dejará de practicar artes marciales después de que su hermano, Bo Fong ( Oscar Ge) , fuera apuñalado mortalmente por un oponente derrotado y vengativo tras un torneo el año anterior. 

En la actualidad en Pekín otro joven intenta aprender el arte milenario con su tío abuelo, el señor Han, en contra de los deseos de su madre como que coma decidida alejarlo de la lucha tras haber perdido a uno de sus hijos en una agresión realizada por luchadores y que ha decidido trasladarse a Nueva York con su hijo.

En Nueva York, Li tiene dificultades para adaptarse a la escuela y conoce a Mia Lipani ( Sadie Stanley) , hija del excampeón local de boxeo, Victor Lipani ( Joshua Jackson) , dueño de una pizzería y que tiene problemas con un prestamista. 

A medida que su amistad se fortalece, se enfrentan al agresivo exnovio de Mia, un campeón local de kárate llamado Conor Day (Aramis Knight ) . 

Después de que Conor golpea a Li en la cara, su madre contrata a un tutor, Alan, quien se convierte en su mejor amigo. Más tarde, Li se enfrenta a Conor en la escuela, pero se da cuenta de que Conor es un luchador más poderoso. Li intenta una patada giratoria con salto llamada "patada del dragón", aprendida de Bo, pero Conor la contrarresta y lo derrota. 

Una noche, Li presencia cómo Victor es atacado por matones enviados por su acreedor, O'Shea (Tim Rozon ), un usuarero y prestamista del padre de Mia y , además, dueño del dojo de kárate donde entrena Conor. 

Obligado a intervenir, Li derrota a los atacantes. Victor decide volver al boxeo para pagar su deuda y salvar su pizzería, y le pide a Li que lo entrene. 

Durante el combate de regreso de Victor, el oponente, siguiendo órdenes de O'Shea, lo noquea con golpes ilegales, enviándolo al hospital. Li, paralizado por los recuerdos de la muerte de Bo, no acude a ayudar en el hospital, lo que decepciona a Mia. 

Entre tanto, el Sr. Han llega a Nueva York para enfrentarse a Li. Al enterarse de la verdad, lo anima a retomar las artes marciales para participar en el próximo Torneo de los Cinco Distritos. 

Han viaja a Los Ángeles para pedirle ayuda a Daniel Larruso que tiene allí un centro de enseñanza. A pesar de su negativa inicial, Daniel se une a ellos en Nueva York. 

Mientras tanto, Victor se recupera de sus heridas, y Mia y Li recomponen su relación, que se había convertido en un romance. Li entrena kung fu con el Sr. Han y karate Miyagi-Do con Daniel. Alan le presta su jardín en la azotea como campo de entrenamiento improvisado. 

El Sr. Han y Daniel desarrollan una nueva variante de la patada del dragón para atraer al oponente a un contraataque, que Li puede esquivar y contraatacar. 

Li comienza a competir en el Torneo de los Cinco Distritos y llega a la final contra Conor. O'Shea envía matones para atacarlo, pero el Sr. Han y Daniel lo defienden. Li y Conor se enfrentan en un combate a ocho puntos. Conor domina al principio, pero Li le da la vuelta a la situación y empata con él. En la ronda final, Li ejecuta su patada de dragón adaptada. Conor contraataca con un ataque sorpresa, pero Li lo derrota y le muestra clemencia, ganándose así el respeto de Conor. 

Más tarde, descubrimos que Victor abre una segunda pizzería y el Sr. Han regresa a China. Mientras en  Los Ángeles, Daniel recibe una pizza congelada de Li con una nota y una foto como agradecimiento. En la foto, él y Johnny Lawrence debaten si la pizza de Nueva York es mejor que la de California. Johnny propone una nueva idea de negocio: una pizzería con temática de dojo llamada Miyagi-Dough, para gran vergüenza de Daniel. Con aceituna, sin aceituina, acaba barruntando. 

Karate Kid: Legends es una película estadounidense con una temática que se centra en el drama familiar y en las artes marciales del ya citado  2025.

La película está protagonizada por Jackie Chan y Ralph Macchio , y que presenta a Ben Wang como el protagonista principal. 

Es la sexta película de la franquicia Karate Kid , y sirve como continuación de Karate Kid (2010) y la serie de televisión Cobra Kai (2018-2025), con la aparición de William Zabka que retoma su papel de Johnny Lawrence tal y como descubrimos al final de esta película, que aparece junty¡to a Macchio , quien retomó su papel en la serie y que sirvió como secuela de las películas originales. un final apropiado que encaja a la perfección en el Universo KK. 

Tanto Chan como Macchio retoman sus papeles de la franquicia. La historia sigue a Li (Wang), un prodigio del kung fu que, tras mudarse a Nueva York y enfrentarse a un campeón local de karate, recibe ayuda de su antiguo maestro, el Sr. Han (Chan), y del sensei de karate Daniel LaRusso (Macchio). 

Es la primera película de la serie que no fue producida por Jerry Weintraub , quien falleció en 2015. Esta historia escrita por Rob Lieber que, evidentemente bebe de Karate Kid de Robert Mark Kamen en esta caso esta producida por Karen Rosenfelt para la Columbia Pictures y Sony, encargada de la distribución. La película contó con un presupuesto de 45 millones de dólares, que se recuperó dada la buena aceptación en salas obteniendo en taquilla unos $117 millones. 

Poco después del estreno de la película de 2010, se anunció una secuela con Jaden Smith , Taraji P. Henson y Chan retomando sus papeles. Breck Eisner fue elegido para dirigirla en abril de 2014. Para entonces, el dúo de guionistas Ethan Reiff y Cyrus Voris, junto con Zak Penn , habían escrito dos borradores del guion . Eisner abandonó el proyecto tres meses después y se encargó un nuevo guion a Jeremiah Friedman y Nick Palmer. 

En abril de 2017, Eisner regresó al proyecto pero en octubre, Chan expresó su descontento con el guion de la película. En septiembre de 2022, se confirmó que una nueva película estaba en desarrollo, descrita como "el regreso de la franquicia original de Karate Kid ". 

En noviembre de 2023, se informó que Jonathan Entwistle dirigiría la película, con un guion escrito por Rob Lieber y Karen Rosenfelt como productora. 

Karate Kid: Legends presenta una historia ambientada tres años después de los eventos de Cobra Kai . En agosto de 2023, se informó que Chan retomaría su papel en la película. 

A finales de noviembre de 2023, Chan y Macchio fueron confirmados oficialmente. Además, Chan y Macchio anunciaron una convocatoria de casting abierta a nivel mundial para un actor que interpretara la versión del personaje principal de la película, descrito como un adolescente chino que se muda a la Costa Este y comienza a estudiar artes marciales. 

El rodaje comenzó en Montreal en abril de 2024 y finalizó en de junio. La película se filmó bajo el título provisional Victory Boulevard . 

Tras su buen debut en el cine llegaba el momento de los críticos. Las críticas han sido mixtas. Matt Zoller Seitz rogerebert.com escribió de ella que era "Impresionante y exasperante en su determinación de exprimir cada iteración previa de esta saga (...) Sí, hay un movimiento final increíblemente difícil. Todas las películas de Karate Kid tienen uno. Cuando Li decidió que había llegado el momento de usar el suyo, vitoreé como todo el mundo. Hay una razón por la que esta historia se sigue contando: es infalible. (...) 

Frank Scheck de The Hollywood Reporter defendió que"Jackie Chan y Ralph Macchio regresan para una adición desordenada y poco inspirada a la franquicia (...) la trama es simplemente horrible" 

Owen Gleiberman columnista de Variety comentó que "Se trata de una película básica y sana que, con sus 94 minutos de duración, resulta refrescante y sencilla" 

En las páginas de IndieWire Wilson Chapman defendía qque  "En el panteón de las innecesarias secuelas heredadas, es difícil encontrar una película que saque menos partido de sus conexiones con la obra a la que está ligada que 'Karate Kid: Legends'" 

En esta líena crítica Eric Goldman de IGN afirma que fue "Un intento erróneo de mantener una energía implacablemente alta de principio a fin que acaba por hacer que se sienta emocionalmente vacía porque casi nunca se toma tiempo para frenar y respirar. (...)" 

Por último, Johnny Oleksinski en el New York Post considera que "Es la última de una larga lista de terribles películas de 'Karate Kid'. Un pase de la antorcha, tal como es, a la siguiente estafa inferior. (...) 

Desde Gran Bretaña Andrew Lawrence en las páginas del The Guardian escribe sobre ella afirmando que la película "Es cálida, es fresca - es una explosión de diversión familiar veraniega que seguramente inspirará largas miradas a las viejas películas y episodios de 'Cobra Kai' (...) 

Ya en España, Luis Martínez en El Mundo sostuvo que "La saga sigue feliz en su eterna repetición de lo mismo tan respetuosa con el original como alérgica a cualquier amago de innovación, sorpresa o nueva idea (...) " 

Desde Barcelona Jordi Batlle Caminal en las páginas de La Vanguardia habla de que "Es un producto confeccionado exclusivamente para los fans del 'Karate kid' realizado en 1984. (...) Simple, previsible de cabo a rabo y razonablemente eficaz (...) " 

Y en Cinemanía Rubén Romerodice que "Tiene la nueva entrega (...) una gran virtud estética. El esquema y los valores de la franquicia permanecen inamovibles (...) deja un regusto final de lo más agradable (...)"

Menos amable es Alberto Abuín que en X comenta que "es una especie de reboot tan previsible como aburrido a pesar de las buenas intenciones. Lo mejor, el (esperable) cameo final a cargo del mejor personaje de Cobra Kai. "

Yo estoy más en la línea de lo que escribieron los críticos españoles. Me parece magnífico que la película une por primera vez a los universos y personajes de las distintas épocas de la franquicia, juntando al Sr. Han (Jackie Chan) y a Daniel LaRusso (Ralph Macchio) como mentores. Como era de esperar la película contiene buenas coreografías, lo propio de una película de artes marciales en sus escenas de lucha y los despliegues físicos cuentan con un buen nivel técnico, destacando la habilidad marcial del protagonista Ben Wang. 

Finalmente decir que la película funciona como un producto de entretenimiento ligero que apela a los recuerdos de los seguidores veteranos de la saga original y ofrece una propuesta accesible para audiencias jóvenes que gustan ver esta "lucha de gallos del kung fu" por las calles de Nueva York.

Mi postre favorito

Es a la hora del postre donde ella descubre lo ocurrido. De la exaltación al fin, en esta historia de amores tardíos, de vidas incompletas, que no permite hacer nada sin que estépresente en gran medida la religión. El jardín que había sido el espacio de la alegría y sobre todo de la esperanza, se convierte en el último refugio de Faramarz. 

Maryam Moghadam y Behtash Saneeha, ganadores de la Seminci a la mejor dirección Nobel en el año 2021, dirigen esta tierna historia de amor y rebeldía que se lanzó en el año 2024. Protagonizada magistraalmente por Lily Farhadpour como Mahin y Esmail Mehrabi como Faramarz. La película cuenta la historia de una mujer que decide vivir sus deseos en un país donde los derechos de las mujeres están muy restringidos. 

Mi postre favorito es una historia sobre mujeres con más soledad, envejecimiento y la absurda de la vida en Irán marcada por la fifici antepresión ejerce el régimen iraní sobre la sociedad. Los protagonistas son Mayin, una viuda de 70 años que vive sola enteran desde que murió su marido y se marchó su hija a Europa. 

Una tarde mientras toma un té con sus amigas y tras una conversación sobre la mira y las miradas y acciones del pasado, le lleva a romper uno su solitaria rutina y a revitalizar su vida amorosa. Mahin reclama para sí y para todo lo que le rodea el raro privilegio de la independencia. Pero cuando ella abre se abre a un romance el día en Mahin se cruce con un taxista, un ex teniente del ejército y que ahora se gana la vida como taxista que responde al nombre de Faramarz. Y éste último acceda a probar el que es su postre favorito de siempre lo que comienza con un encuentro inesperado se convierte en una velada imprevisible e inolvidable especialmente por el final. 

A pesar de todo la película es un cuento lúdico sobre la esperanza y la alegría de la vida así como el absurdo de la muerte explican sus directores. 

La coproducción internacional entre Irán, Francia, Suecia y Alemania tuvo su estreno mundial el 16 de febrero de 2024 en la sección oficial del Oso de Oro del 74.º Festival Internacional de Cine de Berlín . El gobierno iraní impuso a los cineastas prohibiciones de viaje durante la posproducción y les impidió asistir al estreno en Berlín . La historia está escrita por María Moghaddam y Behtash Sanaeeha contó con el apoyo en la producción de Étienne de Ricaud, Peter Krupenin, Gholamreza Moosavi, Behtash Sanaeeha y Christopher Zitterbart representantes de la productora iraní Filmsazane Javan, la francesa de Caractères Productions, la sueca Hobab y la alemana Watchmen Productions, así como con el apoyo del Instituto Sueco de Cine , Sveriges Television , New Dawn, ZDF/ARTE, Medienboard Berlin-Brandenburg, el Fondo Mundial del Cine, Aide aux cinemas du monde del CNC, el Institut Français, la región de Île-de-France, Eurimages y el Mercado de Coproducción de la Berlinale. También fue apoyada por el Fondo Mundial del Cine en este coproducción de Irán-Francia-Suecia-Alemania. La película cuenta con la fotografía de Mohammad Haddadi, el montaje de Ata Mehrad, Behtash Sanaeeha y Ricardo Saraiva así como de la música de Henrik Nagy. 

La película estuvo entre las primeras seis películas seleccionadas para la primera ronda del programa New Dawn por el que nueve fondos públicos europeos financian algunas películas después de su lanzamiento en 2022. 

En septiembre de 2023, cuando Moghaddam y Sanaeeha quisieron viajar a París para la posproducción de la película, les confiscaron los pasaportes y los amenazaron con cargos penales. Esto ocurrió tras una redada en la casa del editor de la película por parte de las fuerzas de seguridad iraníes, durante la cual confiscaron material grabado y otros elementos relacionados con la producción. Los medios de comunicación vieron una conexión entre estas acciones y su aclamada película de 2020, Balada de una vaca blanca , que provocó la ira del estricto gobierno islámico de Irán. 

En diciembre de 2023, aproximadamente 30 organizaciones cinematográficas, festivales y cineastas, así como organizaciones no gubernamentales para la libertad de expresión, escribieron una carta abierta pidiendo a las autoridades iraníes que retiraran de inmediato todos los cargos contra el dúo y levantaran la prohibición de viajar. Entre los firmantes se encontraban la Berlinale , la Coalición Internacional para Cineastas en Riesgo (ICFR) y PEN America . 

Como señala en El Mundo Luis Martínez " Mi postre favorito, de hecho, estuvo en el festival de Berlín de 2024 después de un largo y tortusoso periplo de copias pasadas de contrabando. El régimen de los ayatolás cumplió su ya cíclica amenaza de prohibir toda producción en la que las mujeres aparecen con la cabeza descubierta sin el hiyab. Todos los ordenadores y discos de almacenamiento fueron confiscados. Solo se salvó del furor cancelador una copia fuera de Irán y, así, la más pulcra e inocente historia de amor se convirtió en todo un gesto si no revolucionario, casi". 

En enero de 2024, tras su nominación para competir en la 74.ª Berlinale, el festival volvió a pedir libertad de viaje y libertad de expresión para el dúo de directores. Es bien conocida la foto que se puede encontrar en wikipedia en la que Esmail Mehrabi y Lily Farhadpour los actores de la película portan una foto de Maryam Moghaddam y Behtash Sanaeeha , a quienes no se les permitió salir del país para asistir a la Berlinale 2024. Ante la prohibición dell Gobierno iraní que no permitió que los directores asistieran, se leyó un comunicado que la actriz Lily Farhadpour hizo de portavoz y que leyó en la proyección, incluyendo estas palabras: 

"Hemos llegado a creer que ya no es posible contar la historia de una mujer iraní respetando leyes tan estrictas como el hiyab obligatorio. Mujeres para quienes las líneas rojas impiden la representación de sus vidas reales, como seres humanos plenos. Esta vez, decidimos cruzar todas esas líneas rojas restrictivas y aceptar las consecuencias de nuestra decisión de mostrar una imagen real de las mujeres iraníes, imágenes que han estado prohibidas en el cine iraní desde la Revolución Islámica. 

Mi Pastel Favorito es una película que celebra la vida. Narra la realidad cotidiana de las mujeres de clase media en Irán, ofreciendo una mirada íntima a la soledad femenina al entrar en la tercera edad. Una visión de la realidad de la vida de las mujeres que rara vez se ha contado. Es una historia que contradice la imagen común de las mujeres iraníes y que, al igual que las historias de muchas personas solitarias en el mundo, trata sobre saborear los breves y dulces momentos de la vida. 

Damas y caballeros, nos enorgullece dedicar nuestro primer pase a las honorables y valientes mujeres de nuestro país que se han puesto en la primera línea de la lucha por el cambio social, que intentan derribar los muros de creencias obsoletas y fosilizadas, y que sacrifican sus vidas para lograr la libertad. " 

En diciembre de 2024, los directores, a quienes se les prohibía hacer películas, trabajar y viajar, fueron juzgados en Irán, recluidos en la prisión de Evin , por propaganda contra el régimen, por infringir las normas islámicas al realizar una película vulgar y por difundir la prostitución y el libertinaje. 

Tras este revuelo la película se proyectó en el Festival Internacional de Cine Lichter de Frankfurt , en la sección Horizontes del 58.º Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary en la república Checa, en Canadá, en el Festival Internacional de Cine Cinéfest Sudbury 2024 sito en Ontario o en el Festival Internacional de Cine de Vancouver 2024. 

En España se proyectó a finales de octubre en competición en el 69.º Festival Internacional de Cine de Valladolid por el Golden Spike, y ese mismo mes en el Festival de Cine de Adelaida en Australia. Luego en el Festival Internacional de Cine de Chicago , donde ganó el Hugo de Plata a los mejores nuevos directores y en el 37.º Festival Internacional de Cine de Tokio en la sección "Empoderamiento de la mujer". 

La empresa de ventas y producción Totem Films, con sede en París, adquirió los derechos de venta internacionales de la película antes de su estreno mundial en la Berlinale. 

En cuanto a la crítica internacional, Serena Seghedoni, en su reseña en la Berlinale en Loud And Clear Reviews, escribió: " My Favourite Cake es una historia que absolutamente necesita ser contada: el relato conmovedor, hilarante, dulce, devastador y trágico de una mujer que un día se atreve a ser libre." 

Peter Bradshaw, crítico de The Guardian, destacó la controversia actual sobre la imposibilidad de Maryam Moghaddam y Behtash Sanaeeha, los directores de la película, de viajar a Berlín para asistir a su propio estreno; escribió: «Además de todo lo demás, esta película maravillosamente dulce y divertida contribuirá al debate sobre si los regímenes represivos son la cuna de la grandeza artística». Bradshaw elogió la actuación de la pareja protagonista y concluyó la crítica calificando la película de encantadora y escribió: «Hay algo silenciosamente magnífico en ella, ya que momentos como estos en la vida son conmovedoramente breves, pero muchos nunca los experimentan». En este mismo diario británico Wendy Ide señaló que "A su manera, se trata de una película cargada de delicadeza (...) Una joya poco común (...) 

Jessica Kiang, en Variety , señaló que "Lo que le falta en audacia, la película ciertamente lo compensa con la calidad de sus actuaciones..." 

Leslie Felperin, al reseñar la película para The Hollywood Reporter, la calificó como "Una deliciosa porción de vida ..." y opinó: " Moghaddam y Sanaeeha y los actores convierten esta escena en un torbellino de seducción anciana, ejecutada con una sincronización cómica impecable, una coreografía precisa tanto para la cámara como para los propios personajes, y uno de los mejores cortes de todos los tiempos." 

Robert Daniels, de RogerEbert.com , comparó al personaje de Mahin con la protagonista del drama georgiano Blackbird Blackbird Blackberry , escribiendo: "Cada mujer busca una especie de relación otoñal, desafiando su entorno opresivo antes de que sea demasiado tarde". 

Ya en España Luis Martínez en El Mundo la describe como " Un pequeño milagro iraní encantador, profundo y triste" Y acaba escribiendo que " Mi postre favorito termina por ser un drama tintado de comedia tan encantador como profundo. Y triste. Todo un derroche de cine personal y ferozmente político". 

Por su parte, Nando Salvá en El Periódico sostuvo que "No está claro que (...) sea realmente adecuado estructurar (...) la película a la manera de una comedia romántica cálida y levemente absurda centrada en dos adorables septuagenarios. (...)" 

Y Carlota Moseguí en Cinemanía la describe como "Un desesperanzado alegato feminista contra la sociedad iraní (...)

Una vez vista señalar que por mi parte, esta película de hora y media que responde al título Mi pastel favorito o en su versión original Keyk-e mahbub-e man , conocida en el mercado internacional como My Favourite Cake es una conmovedora, valiente y luminosa obra maestra del cine iraní que cuenta con dos actores gloriosos pero espècialmente destaca el papel de Mahin interpretada magistralmente por Lili Farhadpour y brillantemente por Esmaeel Mehrabi en el papel de Faramarz que transmiten una química espectacular emn este película de tono romántico crepuscular. 

Los protagonistas transmiten la ilusión de la juventud en cuerpos marcados por el paso del tiempo. La dirección equilibra con elegancia la comedia romántica con un fondo agridulce y melancólico. 

Pero lo que más brilla es que igualmente funciona como un acto de resistencia pacífica contra las estrictas leyes morales del régimen iraní como vemos en la crítica a la vecina chismosa, como relata Faramarz en su pasado con lo estricta que era su mujer , por ejemplo, con el vino y su exceso de religiosidad. La película muestra con naturalidad y humor detalles cotidianos prohibidos o censurados que la hacen una pequeña joya. 

El último beso del kaiser

Con el tíitulo de The Exception aquí llamada El último beso del kaiser se presentó esta película del año 2016 dirigida por David Leveaux y que nos cuenta la historia de un oficial alemán (Jai Courtney) que es enviado a Holanda para determinar si el servicio secreto británico Saint en la casa del kaiser Guillermo segundo interpretado por Christopher Plummer durante el inicio de la segunda guerra Mundial, pero lo cierto es que comienza un peligroso romance entre el oficial alemán de una joven holandesa judía (Lily James) con consecuencias que ni ellos ni el káiser podrían haber previsto.

Se trata de una película de romance bélico anglo-alemana con altas dosis de sexo dirigida por el citado David Leveaux y escrita por Simon Burke, está basada en la novela de Alan Judd El Último Beso del káiser escrita en 2003, está protagonizada por Lily James, Jai Courtney, Janet McTeer y Christopher Plummer y su trama ficcionaliza a la vida en el exilio del káiser Guillermo II en los Países Bajos ocupados por los nazis.

La película se inicia con una pesadilla que tenía Brandt hasta que despierta mientras que una mujer se levanta y se areregla, mientras Brandt le pregunta si la volverá a ver y ella le dice qué le envíe un correo a través del Ministerio de Guerra, y ella finalmente se iría, luego Stefan Brandt es asignado para tomar el mando de la guardia personal del depuesto káiser Guillermo II[ en su propiedad de Huis Doorn cerca de Utrecht, Países Bajos. 

A las autoridades nazis les preocupa que un espía aliado este planeando asesinar al ex káiser, Si bien en ese momento Guillermo ya era alguien anciano sin poder, pero las SS son conscientes de que sigue teniendo una gran importancia simbólica para el pueblo alemán, después de un largo viaje a los Países Bajos, Brandt llega a la residencia del káiser. 

Las sirvientas de la casa se emocionan a excepción de una de ellas, en ese momento el káiser estaba cortando madera y su esposa Herminia va a avisarle sobre la llegada de "sus tropas" aún que el ya no lo aceptaría y continuaría cortando la madera. 

El inspector Dietrich de la Gestapo le informa a Brandt que el Servicio Secreto Británico tiene un agente con una radio escondida en algún lugar de un pueblo cercano y le ordena a Brandt que identifique al segundo agente que se sabe que está en la casa del káiser.

Brandt inmediatamente se ve envuelto en una absurda, al menos como empieza y apasionada aventura con Mieke de Jong, una de las criadas quien algo después le revela a Brandt ser judía. 

El coronel Sigurd von Ilsemann le dio a Brandt órdenes estrictas de no interferir con las sirvientas y tampoco de hablar de cosas relacionadas con la política con el káiser. El segundo día se lleva en el comedor donde Guillermo habla sobre los verdaderos orígenes de la esvástica y que no solamente Hitler la inventó, también de una relación que tuvo con una de sus primas hermanas maternas Isabel de Hesse-Darmstadt (más tarde Isabel Fiódorovna Románova), pero luego riéndose por haberlo dejado y haberse casado con un miembro de la familia imperial rusa y luego haber sido ejecutada por los bolcheviques durante la revolución entre otras cosas, luego Herminia  le pregunta a Brandt sobre su vida y  el dice que están algo empaterentado con los Ludendorff y que su padre y abuelo fueron oficiales, pero su padre falleció en la Batalla del Somme antes que el naciera, y que su madre , de familia prusiana y junker, pero que no tenían dinero ni para comprar un Pan y luego moriría de tuberculosis cuando él tenía 12 años.

Luego Guillermo golpea la mesa y el se echaría la culpa de todo, acordándose de la traición de su armada y de su ejército al igual de parte de Ludendorff, Bethmann y Tirpitz y por culpa de ellos perdería a Alemania, ya que el únicamente recomendó bombardear Belgrado y fastidiar a los serbios. 

Anterior a la visita de Heinrich Himmler, Brandt nota un olor a aceite para armas en la habitación de Mieke. Él sigue a Mieke cuando visita al pastor del pueblo, el mirando por la ventana, la escucha decirle al pastor que "está dispuesta a asesinar a Himmler como venganza por el asesinato de su padre y esposo por parte de las SS". El pastor responde que asesinar a Himmler no es su misión. Las SS identifican las transmisiones de radio del pastor. Lo arrestan y lo torturan salvajemente exigiendo el nombre del otro espía el cual nunca revela y sigue siendo torturado. 

Poco después, la esposa de Guillermo, Herminia celosa del cariño de Guillermo a Mieke, le cuenta sobre la aventura entre Brandt y Mieke. Ella espera que su esposo despida a Mieke y haga que Brandt sea juzgado por el consejo de guerra, pero el ex káiser responde enojado que aunque ya no es Emperador de Alemania y el solamente gobernará su propia casa. 

En privado, les revela a los amantes que tuvo hijos ilegítimos antes y después de casarse con su primera esposa, la emperatriz Augusta Victoria y diciendo que no será un hipócrita, el káiser ordena a Mieke y Brandt que cumplan con sus deberes, pero sean más discretos las próximas ocasiones. 

Durante un registro domiciliario planificado antes de la llegada de Himmler, el propio Brandt registra la habitación de Mieke para protegerla. 

Cuando Himmler llega, Brandt se entera de que el pastor torturado pronto revelará la verdadera identidad de Mieke y él la insta a huir de ahí, Ella se niega insistiendo en que tiene una misión por hacer, Himmler le dice a Guillermo de una invitación de parte de Hitler para que regrese a su antiguo trono en Berlín. Luego se reúne con Brandt y Dietrich y les informa que la invitación es un engaño, con la intención de sacar y ejecutar a los monárquicos antinazis. 

Herminia está encantada con la idea de convertirse finalmente en la emperatriz consorte de Alemania, pero a Guillermo preocupado por los alardes de Himmler sobre la eutanasia a niños discapacitados, no está nada seguro incluso cuando el coronel von Ilsemann le habla de cómo Guillermo podría convertirse en "una influencia restrictiva". 

Cuando Brandt le pregunta a von Ilsemann si un oficial puede servir a algo que no sea su país, el coronel responde: "Primero debe decidir cuál es su país y si aún existe", Brandt hace una pausa y luego le cuenta a von Ilsemann los planes de Himmler para los partidarios del káiser. 

Mieke completa su misión entregándole a Guillermo un mensaje de parte de Winston Churchill, ofreciéndole al káiser asilo político en el Reino Unido y el trono de una Alemania derrotada después de la Gran Guerra. Guillermo se niega, habiendo decidido que finalmente estar en paz sin importarle la pérdida de su trono. 

Mientras la Gestapo duda sobre Mieke, Brandt diseña un plan de escape, Guillermo, Mieke y Brandt escapan en una camioneta mientras el káiser finge tener un ataque al corazón. Antes de poder salir, los detienen unos guardias en las entradas y empiezan a revisar a la camioneta, y cuando en ese momento van a revisar la parte trasera de la camioneta donde van Guillermo y Mieke y Mieke decide tomar una pastilla y Guillermo le pide que no lo haga, Brandt usa su arma cuando los guardias desconfían de él y les dispara en el proceso matando a Dietrich y a otro oficial de las SS, mientras que Mieke le pide a Brandt que huya con ella por temor a que lo ejecuten por los asesinatos.

Brandt insiste en que tiene un deber con su patria Alemania y Dieke también se despide del káiser y agradeciéndole por lo hecho. Cuando Mieke se va Brandt le pide a Mieke que se case con él, pero ella le dice a Brandt que sí y que la encuentre cuando terminé la guerra, luego huye a través bosque. 

Algún tiempo después, Brandt está trabajando en su escritorio en Berlín y le entregan un paquete que contiene un libro de los escritos de Friedrich Nietzsche que Mieke le había mostrado una vez. Dentro está escrita una dirección de Londres. 

En Londres, Mieke está sentada en un banco del parque cuando le informan que Churchill está listo para verla. Levantándose, Mieke pone su mano sobre su vientre revelando que está embarazada. 

En Utrecht, el coronel von Ilsemann le informa a Guillermo que Brandt ha llamado desde Berlín con noticias maravillosas. Al darse cuenta de que esto significa que Mieke ha escapado a Gran Bretaña, Guillermo se llena de alegría acabando así la película.

La película, una producción de Lou Pitt y Judy Tossell para las productoras Egoli Tossell Film, Ostar Productions, Alton Road Productions, Silver Reel, Lotus Entertainment, Umedia, Film House Germany y Screen Flanders y que contó con un presupuesto que no llegó al millón de dólares, y que se rodó en 33 días durante seis semanas, principalmente en el castillo de Leeuwergem y en varios lugares de Bélgica en el otoño de 2015.

La película se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2016 en una sección de presentaciones especiales, el 2 de junio de 2017 se estrenó en Estados Unidos en estreno limitado y video-on-demand bajo la empresa A24 Films y DirecTV Cinema y el 2 de octubre de ese mismo año en el Reino Unido bajo Signature Entertainment. 

El mánager de Christopher Plummer durante mucho tiempo y uno de los principales productores de la película, Lou Pitt recibió la recomendación de la novela de Alan Judd The káiser's Last Kiss (El último beso del káiser). Pitt dijo: "La primera vez que escuché sobre la novela fue de Chris, a quien le gustó el personaje y el escenario tanto como a mí después de leerlo... esto habría sido alrededor de 2005 o 2006. En ese momento, el libro estaba bajo opción, pero por una buena razón, la vigilamos”. 

En mayo de 2015, se anunció que Lily James interpretaría al personaje de Mieke de Jong. Luego en julio de 2015, Jai Courtney fue elegido para el papel principal como el capitán Stefan Brandt y finalmente en septiembre de 2015, Janet McTeer y Eddie Marsan se unieron al elenco de El último beso del káiser como la princesa Hermine Reuss de Greiz y Heinrich Himmler, respectivamente. 

Para el desarrollo de la misma la película contó con la música de Ilan Eshkeri, la fotografía de Roman Osin, el montaje de Nicolas Gaster y la buena escenografía de Roman Osin. 

De ella la crítica británica ha comentado que "Christopher Plummer está majestuoso e imponente en 'The Exception', pero, por otra parte, es un drama de la Segudna Guerra Mundial nada memorable" como señaló Tim Grierson en las páginas de Screendaily. 

Entre la crítica estadounidense se escribió que, por ejemplo, Leslie Felperin de The Hollywood Reporter que se trataba de "Un drama de la Segunda Guerra Mundial competente, aunque calculado (...) ['The Exception'] es como una versión más insípida de 'Zwartboek" 

A. O. Scott en las páguinas del The New York Times consideró que "'The Exception' es una película entretenida y ocasionalmente emocionante, aunque rara vez tan perturbadora o reflexiva como requiere el material (...) [Plummer] habría merecido una película más dura, arriesgada y consistente" 

En Vulture, David Edelstein, consideró que "El excelente director escénico inglés David Leveaux mantiene la tensión al mismo tiempo que deja espacio para que los actores hagan su magia (...) [Plummer] es lo suficientemente inteligente para mostrar el ennoblecimiento del kaiser de lado a lado". 

Para Dave White en The Wrap se trata de que "Independientemente de los detalles que hubiera en la novela original (...) aquí se reducen a una trama sin el suficiente suspense y con un romance prohibido, imposible, que casi no tiene sentido".

Kenneth Turan de Los Angeles Times consideró que se trataba de "Un thriller romántico de la Segunda Guerra Mundial hermosamente montado, avivado por unas actuaciones vibrantes y unos encuentros sexuales vívidos, e inspirada por una nota a pie de página histórica poco conocida".

Christopher Gray de Slant la vió como una "película de David Leveaux que incorpora de forma astuta elementos de espionaje y de auténtico cine trash a una fórmula convencional (…)".

Sam Weisberg en Village Voice afirma que "Cuando Plummer está en pantalla, 'The Exception' es un entretenimiento animado. Desgraciadamente, se empantana en un romance tibio entre el capitán y una inglesa".

Richard Lawson de Vanity Fair considera que "La película de Leveaux ocasionalmente bordea el aburrimiento, pero lo evita con algunas escenas de sexo verdaderamente sexis y suficiente tensión e intriga para dar una recompensa satisfactoria y catártica." 

A mi me ha psado igual. Me ha aburrido y creo que lo único realmente interesante está en la actuación de Christopher Plummer y en el personaje de Guillermo II que, desconocía, que fue al exilio en Holanda, donde marchó al ser un país neutral que no podía juzgarlo, y que seguía vivo para aquellos años ya que Guillermo II de Alemania vivió en los Países Bajos tras ser depuesto en 1918, en concreto en en el castillo de Amerongen tras llegar al país y en Huis Doorn donde compró esta mansión en la localidad de Doorn, donde residió desde 1920 hasta su muerte en 1941 a los 82 años. 

Y todo ello en una película en la que se puede eloogiar positivamente la ambientación de época y la presencia de un veterano Christopher Plummer dando vida a una figura histórica poco retratada en el cine como el káiser. Sin embargo, algunos analistas señalan que la trama de romance y espionaje a veces resulta previsible o convencional frente a la complejidad del trasfondo histórico .

Para acabar la opinión sabia de Fausto Fernández que nos señala en X que se trata de la historia de un "Oficial alemán con misión de espionaje se introduce en los círculos de poder para detectar deslealtades durante la Segunda Guerra Mundial y se enamora de una judía holandesa en esta película académica, romántica... Ojalá hubiera sido un Verhoeven y que se sostiene merced a un Christopher Plummer impresionante". Palabra de un sabio.  

Toni Erdmann

Hacer una selección de película en función del tema o en función del género de un director o de una directora es un error. En este caso en un ciclo dedicado a directoras en femenino y aparece Maren Ade dirigiendo una película en la que se habla mucho y no ocurre nada en una historia larguísima para contarlo y que se resume en las relaciones entre una hija en ese que trabaja en una empresa alemana con sede e Bucarest y el padre de ella. Ella tiene una vida ordenada hasta que su padre me hace la pregunta inesperada: ¿Eres feliz? 

Así es Toni Erdmann, una película de comedia dramática de 2016 , producida, escrita y dirigida por Maren Ade . Está protagonizada por Peter Simonischek como un hombre excéntrico que se entromete en la vida de su hija, una ejecutiva centrada en su carrera interpretada por Sandra Hüller , una conocida actriz alemana y junto a ellos Michael Wittenborn, Thomas Loibl y Trystan Pütter. 

La película está producida por Maren Ade, Jonas Dornbach, Janine Jackowski y Michel Merkt para las productoras Komplizen Film, Coop 99, KNM, Missing Link Films, ROE, WDR y Arte. 

Toni Erdmann acabará por devorar a Winfried Conradi  que no es una persona muy sensata. Es un profesor de música divorciado que vive en Aquisgrán y es aficionado a las bromas extravagantes que involucran múltiples identidades falsas. 

Tras la muerte de su querido perro, decide retomar el contacto con su hija, Inés, quien se dedica a la consultoría empresarial. 

Inés trabaja en Bucarest , Rumania , en un proyecto de subcontratación para la industria petrolera. Absorbida por su trabajo, parece tener poco tiempo para su familia. Winfried viaja espontáneamente a Bucarest y espera a Inés en el vestíbulo de un complejo de oficinas. 

Tras varias horas, ella finalmente aparece, acompañada por varios miembros del consejo de administración de su cliente, camino a una reunión. Winfried se pone gafas de sol y dentadura postiza para disimular, y se acerca al grupo por un lateral, ocultándose tras un periódico. Inés lo ignora, pero se reúne brevemente con él después del trabajo y lo invita a una recepción de negocios en la Embajada de Estados Unidos. 

Por la noche, Winfried e Inés asisten a la recepción, donde conocen a Henneberg, el director ejecutivo de una petrolera alemana con quien Inés desea firmar un contrato de consultoría. Inés intenta llamar la atención de Henneberg, pero este parece más interesado en su padre. Winfried le comenta a Henneberg que ha contratado a una sustituta porque Inés siempre está ocupada. 

Para sorpresa de Inés, Henneberg los invita a tomar algo, junto con su séquito. En el bar, Henneberg vuelve a ignorar a Inés y se burla de Winfried. 

Tras varios días, Inés y Winfried tienen dificultades para llevarse bien. Estresada por el trabajo, Inés se queda dormida, pierde una cita con sus clientes y culpa a su padre por no haberla despertado. Sintiéndose marginado y no deseado, él se marcha en taxi al aeropuerto. Inés continúa con su trabajo con normalidad y, varios días después, queda con dos amigas en un bar. Mientras Inés y sus amigas charlan, un hombre se acerca y se presenta como "Toni Erdmann". 

Es evidente que el hombre es Winfried con peluca y dentadura postiza, pero Inés no lo reconoce. Sus dos amigas entablan conversación con "Erdmann" de forma educada; él explica que es un "asesor de vida" y consultor que está de visita en Bucarest para asistir al funeral de la tortuga de un amigo, un ex tenista. 

Inés se siente cada vez más frustrada e insatisfecha en su trabajo y en su vida personal, pero sigue encontrándose con "Erdmann" esporádicamente en fiestas o fuera de su oficina. 

Al principio, Inés está enfadada con su padre y lo acusa de intentar "arruinarla", pero con el tiempo empieza a comprender el valor de sus intervenciones y le sigue el juego. 

"Erdmann" la acompaña a una salida nocturna con sus compañeros de trabajo e incluso a una reunión de negocios. A su vez, "Erdmann" lleva a Inés a la fiesta de Pascua ortodoxa de una familia rumana, donde la obliga a cantar a regañadientes " Greatest Love of All " de Whitney Houston . 

Tras cantar, Inés se marcha rápidamente. De vuelta en su apartamento, Ines se prepara para organizar un brunch de integración de equipo para celebrar su cumpleaños. 

Lucha por subirse la cremallera de su ajustado vestido, se da cuenta de que sus zapatos no combinan e intenta cambiarse de ropa. Suena el timbre. En lugar de vestirse o cambiarse de ropa, abre la puerta solo con sus bragas. La primera invitada es su amiga Steph, quien se ofrece a ayudarla a vestirse. Ines se niega, y cuando llega la siguiente invitada, espontáneamente se quita las bragas y abre la puerta desnuda, diciéndoles a sus invitados que su brunch de cumpleaños es una "fiesta nudista". Cada uno reacciona de manera diferente, algunos se van disgustados mientras que otros se desnudan con timidez. 

A medida que la fiesta se vuelve cada vez más incómoda, Winfried llega vestido con un traje búlgaro de kukeri de cuerpo entero . El traje primero asusta, luego divierte, a los invitados, y Winfried pronto se va. 

Ines lo sigue. Afuera, en un parque público, se abrazan, Winfried todavía con el traje puesto. Ella sale del parque. Winfried se tumba en la hierba, exhausto, y luego pide ayuda en la recepción del hotel para quitarse la cabeza del disfraz. 

Meses después, Inés regresa a Alemania para el funeral de su abuela. Ha renunciado a su trabajo en Bucarest y pronto comenzará uno nuevo en Singapur . Mientras conversa con Winfried en el jardín, Inés saca la dentadura postiza del bolsillo de su camisa y se la pone. Winfried dice que quiere tomar una foto y va a buscar su cámara, dejando a Inés sola en el jardín acabando asñi la película. 

Maren Ade que aquí es directores, guionista y productora aquí contó con la fotografía de Patrick Orth y el monatje de Heike Parplies. El personaje de Winfried se basó libremente en el propio padre de Ade, quien usaba una dentadura postiza que ella le regaló para gastar bromas. También se inspiró en el alter ego del comediante Andy Kaufman , Tony Clifton . 

Ade ambientó la película en Bucarest en parte porque muchas empresas alemanas habían comenzado a hacer negocios allí al final de la era comunista, con numerosos consultores extranjeros enviados para "cambiar el sistema" y ayudar a las empresas a obtener beneficios. "Además, me gusta la nueva ola de películas rumanas. Así que sería divertido trabajar allí". 

Toni Erdmann tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Cannes de 2016. La película fue aceptada originalmente en la sección Un Certain Regard, menos prestigiosa, del festival , pero la noche anterior a la conferencia de prensa de abril, Ade y su productor fueron informados de que había sido seleccionada para competir por la Palma de Oro. Toni Erdmann recibió el Premio FIPRESCI a la Mejor Película en Competencia en el Festival de Cine de Cannes de 2016. 

En agosto de 2016, la película ganó el Gran Premio de la FIPRESCI (Federación Internacional de Críticos de Cine) a la mejor película del año, siendo la primera vez que este galardón se otorga a una cineasta. 

Tras esto se estrenó en múltiples festivales como en el Filmfest München el 23 de junio de 2016; en el Festival de Cine de Sídney en junio de 2016; en el Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary en julio de 2016; en el Festival de Cine de Telluride en septiembre de 2016; en el Festival Internacional de Cine de Toronto en septiembre de 2016; en el Festival de Cine de Nueva York en octubre de 2016; y el Festival de Cine de Londres del BFI en octubre de 2016. 

Fue nominada luego para la 89 Edición de los Oscar (2017) a la Mejor película internacional. En la 74ª Globos de Oro (2017) fue nominada a Mejor película de habla no inglesa. 

En España en la 32 Edición de los Premios Goya (2018) fue nominada a Mejor película europea. Y en Gran Bretaña En los BAFTA 2017: Premios de la academia de cine y TV británica (Películas del 2016) fue nominada a Mejor película en habla no inglesa. 

En Francia en la 42 edición de los Premios César (Francia) (2017) fue nominada a Mejor film extranjero. 

En los 29 Premios del Cine Europeo se llevó el premio ganador a Mejor película, Mejor dirección (Maren Ade), Mejor actriz (Sandra Hüller), Mejor actor (Peter Simonischek) y Mejor guion (Maren Ade). 

En los 32 Independent Spirit Awards se llevó el de Mejor película extranjera. Para el Círculo de Críticos de San Francisco la nominó a Mejor película de habla no inglesa. 

En el 13 Festival de Sevilla de cine europeo ganó el Premio Eurimages. El Círculo de Críticos de Nueva York la consideró la Mejor película extranjera no así la National Society of Film Critics 2016 que sólo la nominó aunque premió la labor de Mejor actriz (Sandra Hüller) y se llevó el de Mejor película de habla no inglesa. 

La Asociación de Críticos de Los Ángeles la nominó a Mejor película extranjera. En los Premios Guldbagge 2017 de la Academia de cine sueca la nominó a Mejor película extranjera 

En los Premios del cine Alemán 2017 fue ganadora en múltiples apartados como Mejor película, Mejor director (Maren Ade), Mejor actriz (Sandra Hüller), Mejor actor (Peter Simonischek), Mejor guion (Maren Ade) y Mejor montaje (Heike Parplies) 

En los catalanes Premios Gaudí (2018) fue nominada a Mejor película europea, En la 22 Critics Choice Awards fue nominada a Mejor película de habla no inglesa. 

La Asociación de Críticos de Chicago la nominó a Mejor película extranjera y fue igualmente valorada en los British Independent Film Awards (2016), los Satellite Awards (International Press Academy) o en la 7º edición de los Austrian Film Awards que premió a Mejor actor (Peter Simonischek) Más tarde ese mismo año, en noviembre de 2016, la película fue galardonada con el Premio Lux del Parlamento Europeo , que se concede anualmente para facilitar la difusión de películas europeas en la Unión Europea . 

Los críticos han calificado la película como una comedia dramática dadaísta. Ade dijo que pensaba que la historia "siempre tuvo ambos géneros dentro de ella, porque [Winfried] está haciendo una comedia para [Ines], pero lo hace por desesperación". Al escribir el guion, Ade estaba interesada en el potencial cómico de la película, pero tuvo dudas durante el rodaje. "Luego, cuando editamos la película, descubrí que la comedia era incluso más fuerte porque nos tomamos las cosas muy en serio. Por ejemplo, en escenas como la fiesta nudista donde el jefe está parado en la puerta, era realmente necesario en términos de comedia que fuera lo más existencial posible" con "el actor no pensando en ello como una comedia". 

Hüller dijo que siempre piensa "en cómo funciona el humor" y que esa era la pregunta que "nos hacíamos durante el proceso. ¿Qué es lo que hace reír a la gente? ¿Qué tiene de gracioso Toni? Creo que... la desesperación... es el origen de la comedia". Caerse de una silla es "el chiste más viejo". Pero incluso cuando las cosas no funcionan, "hay que intentarlo de verdad, en serio. Creo que eso es lo que hicimos: nunca hay que seguir el chiste". 

Toni Erdmann se estrenó en julio de 2016 en Alemania y fue vista por 752.000 espectadores ese año. La película recibió elogios unánimes de la crítica. La película fue nombrada la mejor película del año por la revista francesa Cahiers du cinéma . 

La revista británica de cine Sight & Sound también la nombró la mejor película de 2016 en su encuesta a 163 críticos de todo el mundo. En una encuesta internacional de críticos de 2016 realizada por la BBC , la película, junto con Requiem for a Dream y la versión cinematográfica de Carlos, empataron en el puesto número 100 de las mejores películas desde el año 2000. También encabezó la encuesta de las mejores películas de 2016 de la revista estadounidense Film Comment . 

Los principales críticos de cine del New York Times , AO Scott y Manohla Dargis , la incluyeron en sus listas. Poco después, Sony Pictures Classics y Thunderbird Releasing adquirieron los derechos de distribución de la película en Estados Unidos, Latinoamérica y Reino Unido, respectivamente. 

El 7 de febrero de 2017, Variety anunció que Paramount Pictures había contratado a Jack Nicholson y Kristen Wiig para una nueva versión estadounidense de la película, con Adam McKay , Will Ferrell y Jessica Elbaum como productores. En agosto de 2018, Nicholson y la productora Lena Dunham se retiraron de la película, paralizando así su desarrollo. 

No tengo ninguna crítica alemana, pero de los Estados Unidos destacó la opinión de Eric Kohn en IndieWire al considerar que "'Toni Erdmann' tiene la escena de desnudo más divertida de la historia (...) [La película] se convierte en algo mucho más sutil y perceptivo de lo que sugiere su rudimentaria puesta en escena". Leslie Felperin de The Hollywood Reporter consideró que se trataba de "La primera comedia alemana de 162 minutos genuinamente divertida (...) 'Toni Erdmann' representa un trabajo muy exportable".

Steve Pond en The Wrap señaló que era "Un historia sobre padres e hijas generosa, histéricamente divertida y profundamente conmovedora, que dura dos horas y 42 minutos y no desperdicia un solo momento" 

En cuanto a los británicos Lee Marshall en Screendaily destaca de la película que es "Sorprendente, incómoda, refrescante y, en ocasiones, realmente hilarante (...) Una comedia de autor alemana-austríaca de casi 3 horas que (casi) nunca decae".

Para Robbie Collin de Telegraph lo mejor es "La ternura y la amargura de la película se mantienen en tan perfecto equilibrio, y están plasmados con tal energía tensa y vigorosa, que verla es como sentir un masaje deportivo de tres horas en tu corazón y en tu alma (...) 

Ya en España Carlos Boyero en El País dice de ella que "Es una comedia insólita en el mejor sentido, habitada por gags espléndidos y situaciones que provocan risa (...) mezclando realismo y surrealismo, esperpento y soterrada ternura".

Luis Martínez en El Mundo destaca que se "Convierte el absurdo en delicia. (...) Una comedia tan extravagante como existencialmente dolorosa. (...) original y arriesgada" 

Oti Rodríguez Marchante en ABC la califica como "Una magnífica película (...) dura más dos horas y media; digamos con la primera y última hora hubiera sido una pequeña obra maestra".

Sergi Sánchez de La Razón consideró que "'Toni Erdmann' es muy, muy grande (...) Ade modula el extravagante tono de su farsa con una inteligencia insólita, de manera que las escenas hilarantes se complementan con momentos verdaderamente conmovedores.".

Nando Salvá en El Periódico sostuvo que es "Desternillante y conmovedora (...) es una de las películas del año (...) no requiere ni glasearnos con finales felices ni hundirnos en la miseria para conmovernos profundamente. (...)" 

Andrea G. Bermejo en Cinemanía la describe como "La película que te hará replantearte tu vida y mirar con mejores ojos las tiendas de artículos de broma. Todos necesitamos un Toni Erdmann. (...) 

Por último, pero en la misma línea está la opinión de Philipp Engel en Fotogramas que dice de ella que "Sin descarrilar en ningún momento, nos lleva de sorpresa en sorpresa provocando las más descontroladas carcajadas (...) 

Por mi parte, reconozco que la película me ha mantenido alejado de la historia en todo momento y que, en ocasiones, se me ha hecho soporífera. Y eso que reconozco que ha sido aclamada pero en mi casó ha fallado estrepitosamente en su intento de conectar con el espectador debido a un humor incómodo y alienante que te mantiene completamente fuera de la experiencia de principio a fin. La comedia recurre a bromas infantiles y situaciones forzadas que provocan rechazo en lugar de risas llegando a provocarme en ocasiones vergúenza ajena. El protagonista se presenta como un bromista pesado cuyo comportamiento resulta molesto y carente de encanto. A eso se suma que las casi tres horas de metraje estiran escenas incómodas que ralentizan el ritmo y agotan la paciencia y que la frialdad dominante en los personajes y casi en la dirección me impide empatizar con los conflictos familiares que intenta narrar, así que reconozco que no me ha gustado.