Land of The Dead

Desde que 1968 George A. Romero se presentara como realizador cinematográfico y creara un subgénero dentro del cine de terror con La noche de los muertos vivientes, el nombre del veterano director de culto George a Romero ha quedado indisolublemente ligado a la palabra zombie. 

Así que presenta otra entrega sarcástica y apocalíptica que retrata un mundo de pesadilla en el que los vivos conviven con los llamados Walker o muertos que andan haciendo con esta su cuarta película de zombies tras la del año 1968 , Zombi, el Día de los muertos. El resultado es una película de terror postapocalíptica de 2005 escrita y dirigida por George A. Romero; la cuarta de las seis películas de la saga de los muertos vivientes de Romero, precedida por La noche de los muertos vivientes, El amanecer de los muertos y El día de los muertos, y que antecede a Diario de los muertos y La supervivencia de los muertos. 

George a Romero decidió retomar a sus historias de zombies y nos planteó una película en la que los humanos sobreviven encerrado tras los muros de una ciudad fortificada mientras los muertos vivientes vagan por los extensos páramos existentes a extramuros y mientras se van vigilando sorprendentemente los unos a los otros. Se estrenó en 2005 con un presupuesto de entre 15 y 19 millones de dólares, el más alto de la saga de Romero, y recaudó 46 millones de dólares. La película fue producida por Mark Canton, Bernie Goldmann y Peter Grunwald para las productoras Atmosphere Entertainment MM, Romero-Grunwald Productions, Wild Bunch, S.A. y Rangerkim. Y contó para su reaalización con el fotógrafo Mirosław Baszak, como montador con Michael Doherty y en el apartado musical con Reinhold Heil y Johnny Klimek. 

La historia de La tierra de los muertos trata sobre un ataque zombi a Pittsburgh, Pensilvania, donde existe un gobierno de tipo feudal. Los supervivientes de la película han huido al Triángulo Dorado del centro de Pittsburgh, protegido por dos lados por ríos y por el tercero por una barricada electrificada llamada "la Garganta". 

Años después del apocalipsis zombi, los dispersos restos de la civilización humana han establecido una cadena de ciudades-estado protegidas en Norteamérica. Uno de estos santuarios se encuentra en el centro de Pittsburgh, gobernado por un sistema casi feudal. Rodeada por dos ríos y protegida por una valla electrificada custodiada por una milicia, la ciudad se ha convertido en un refugio relativamente seguro. Fuera de sus límites se extienden campos áridos y pueblos suburbanos en ruinas, abandonados hace mucho tiempo por los humanos pero infestados de zombis. 

Los ricos y poderosos viven en un lujoso rascacielos llamado "Fiddler's Green", mientras que el resto de la población subsiste en la miseria. Todo el comercio dentro de esta zona protegida está controlado por Paul Kaufman (Dennis Hooper), el despiadado plutócrata que gobierna la ciudad y poseedor de Dead Reckoning, un vehículo blindado de transporte de personal capaz de desplazarse fácilmente por zonas infestadas de zombis. 

La misión de conseguir comida y suministros esenciales así como los raros de objetos de lujo que codiciaban los habitantes de ese barrio exclusivo está en manos de un grupo de mercenarios a las órdenes de Riley (Simon Baker) y su segundo de a bordo, Cholo ( John Leguizamo). Pero la vida está cambiando dentro y fuera de los muros de la ciudadela. Dentro crece el desorden en la anarquía; y fuera el ejército de los muertos ha evolucionado y está aprendiendo a organizarse y comunicarse.

Riley Denbo (Simon Baker) , diseñador y comandante de Dead Reckoning, y su tripulación pilotan el vehículo hacia la tierra de nadie para buscar alimentos y suministros médicos necesarios para los ciudadanos, así como artículos de lujo para intercambiar con el opresivo régimen oligárquico de Kaufman. En una misión, observan que muchos zombis exhiben un comportamiento inteligente, especialmente el antiguo empleado de la gasolinera, "Big Daddy". 

Durante la misión, el novato Mike es mordido por un zombi mientras intenta recoger unos cigarrillos esparcidos. Poco después, llegan Riley y Charlie Houk (Robert Joy) . Al darse cuenta de que Mike ha sido mordido, Cholo DeMora inicialmente intenta acabar con su vida, pero Riley dispara al zombi. Sin otra opción, Mike se suicida para evitar ser convertido en zombi. 

Tras la misión, Riley se retira del mando de Dead Reckoning. Cansado de una existencia precaria en una ciudad postapocalíptica, planea partir hacia Canadá una vez que terminen las reparaciones de su coche. 

De vuelta en la ciudad, descubre que le falta su coche y visita a un proxeneta, un enano, llamado Chihuahua ( el mítoico Ed Gale, fallecido el pasado año) cuyos hombres supuestamente debían repararlo. En el local de Chihuahua, ve a una prostituta llamada Slack (Asia Argento)  siendo obligada a entrar en una jaula con algunos zombis para entretener a los clientes. Riley y su mejor amigo Charlie rescatan a Slack; después de que Charlie mata a Chihuahua en el caos resultante, el trío es arrestado. 

Slack revela que Kaufman ordenó su ejecución por ayudar a un líder de la resistencia llamado Mulligan. Mientras tanto, a Cholo le niegan un apartamento en Fiddler's Green a pesar de haber ayudado a Kaufman a erradicar a sus enemigos políticos. 

Cholo se apodera del vehículo y amenaza con destruir Fiddler's Green a menos que Kaufman le pague un rescate de 5.000.000 de dólares. Kaufman se acerca a Riley y les encarga a él, a Charlie y a Slack que recuperen el vehículo. 

Tras reunirse con Dead Reckoning, Riley se acerca al vehículo solo. Al darse cuenta de que Riley trabaja para Kaufman, Cholo los apunta con un arma a él y a Charlie. 

Mientras Cholo se prepara para disparar los misiles de Dead Reckoning contra Fiddler's Green, Riley desactiva los sistemas de armas a distancia. Motown, el secuaz de Kaufman, abre fuego y casi mata a Riley y a Cholo, pero un zombi lo muerde y Slack lo mata. Riley le pide a Cholo que lo acompañe, pero Cholo prefiere enfrentarse a Kaufman en Fiddler's Green. De camino, un zombi muerde a Cholo, mientras que Riley regresa a Fiddler's Green en Dead Reckoning. 

Mientras tanto, un zombie enorme y de color, Big Daddy, lidera una legión de zombis que cruzan el río, atraviesan la valla perimetral, dominan a los guardias fronterizos e invaden la ciudad. Primeros los espacios marginales y luego los barrios de los pocos ricos y poderosos que quedan tratan de mantener la ilusión de que viven igual que antes dentro de las exclusivas torres de Fiddler's Green, el último bastión de la clase dominante. Por encima de todos ellos, ricos y pobres manda un puñado de implacables oportunistas dirigido por Kaufman (Dennis Hopper), que controla tanto los negocios ilegales como los sucios. 

Kaufman huye, pero se encuentra con un Cholo zombificado en el estacionamiento, donde Big Daddy los mata a ambos con la explosión de un tanque de propano. 

El grupo de Riley logra escapar, donde usan misiles para dar muerte a las personas que están siendo devoradas por los zombis. Mulligan aparece y revela que rescató a la mayoría de los pobres; él y Riley se despiden antes de separarse con sus respectivos grupos. 

Al ver a Big Daddy y a los zombis abandonar la ciudad, perdonando a los humanos supervivientes, Riley decide perdonarlos también, dándose cuenta de que ellos también buscan refugio. 

Tras encender los fuegos artificiales restantes, el grupo de Riley se embarca rumbo a Canadá en el Dead Reckoning. 

Tras una década de desinterés por el género zombi durante los años noventa, este volvió a ganar popularidad en la década de 2000 gracias a éxitos de taquilla como 28 Days Later (2002) y Shaun of the Dead (2004). Esto inspiró a George A. Romero a realizar la tan esperada cuarta entrega de la saga zombi, desde la última, Day of the Dead, estrenada en 1985. 

Romero negoció con 20th Century Fox, que quería que la película se titulara Night of the Living Dead. Romero se negó, prefiriendo usar el título Dead Reckoning, y el estudio quiso entonces titularla Night of the Living Dead: Dead Reckoning. Cuando Romero cuestionó la idea de incluir Night of the Living Dead en el título, resultó que Fox pretendía ser propietaria de los derechos de la franquicia, por lo que decidió no negociar con ellos. 

Tras negociar con Universal Pictures, a Romero se le ofreció un presupuesto de entre 15 y 19 millones de dólares, convirtiéndola en la película con mayor presupuesto de la saga. Aprovechó esta oportunidad para incorporar algunos elementos que no pudo utilizar en El día de los muertos debido a las limitaciones presupuestarias. 

Rodada en Canadá, en concreto en Toronto y Hamilton, Ontario, entre octubre y dociembre de 2004. A pesar de contar con un presupuesto mayor que en la mayoría de sus películas, Romero prefirió elegir actores menos conocidos para los papeles principales, como Simon Baker y Robert Joy, con excepciones como Dennis Hopper y John Leguizamo. A este último lo contrató tras quedar impresionado por la mayoría de sus películas. Romero eligió a Asia Argento para el papel de Slack después de haber trabajado con su padre, Dario Argento, en algunas de sus películas, como Dawn of the Dead (1978) y Two Evil Eyes (1990). 

También contrató a su amigo de toda la vida, el maquillador Tom Savini, a Simon Pegg (estrella de Shaun of the Dead) y al director Edgar Wright para los papeles de zombis. Savini retomó su personaje de motociclista, Blades, de Dawn of the Dead, ahora como zombi, mientras que Pegg y Wright aparecieron como zombis de cabina fotográfica. 

Estrenada en Norteamérica el 24 de junio de 2005, fue nominada en los Premios Saturn 2005 a Mejor película de terror y Mejor maquillaje (Howard Berger, Greg Nicotero). 

La tierra de los muertos recibió críticas mayoritariamente positivas. Roger Ebert cronista cinematográfcicos del Chicago Sun Times valoró positivamente sus hábiles y creativas alusiones, algo que, según él, era común en las tres entregas anteriores de Romero, que contenían numerosas metáforas satíricas de la vida estadounidense escribiendo que "Sienta bien volver a verle [a Romero] en el género que inventó con 'Night of the Living Dead', y sobre todo que siga utilizando a los zombis no sólo como divertimento, sino también como sátira social (…) Ebert señaló la distinción que hace esta entrega entre ricos y pobres, entre los que viven en Fiddler's Green y los que viven en los barrios marginales. 

También desde Illinois Michael Wilmington, del Chicago Tribune, escribe positivamente diciendo que «Es otro ejercicio crudo, divertido, perverso y violento de terror y repulsión cinematográfica, con una visión cada vez más oscura de un mundo fuera de control. A estas alturas, Romero se ha convertido en un clasicista que utiliza tanto los personajes y los diálogos como los efectos especiales escalofriantes para provocar escalofríos». Y añade "Lo nuevo de Romero es una película de terror para los fans incondicionales de lo sangriento y lo truculento y una película de género clásico para los aficionados al género"

Por su parte, Mike Clark de USA Today consideró que "Es una película realmente sólida y entretenida aunque no aporte nada nuevo al género (…) " 

En Los Angeles Times Kevin Thomas consideró que "Romero domina con facilidad un enorme reparto, una plétora de secuencias de acción y una cornucopia de efectos especiales

Para Michael Rechtshaffen del The Hollywood Reporter la película "Bien podría ser la obra maestra de Romero. Aprovechando al máximo el maquillaje y los efectos visuales de última generación, tiene a su disposición un lienzo más vívido"

Stephen Hunter del The Washington Post considera que "Nunca alcanza la rabia de 'Night of the Living Dead' of el ingenio sarcástico de 'Dawn of the Dead'. Pero tiene algo."angrientos- y crea una imagen oscuramente deslumbrante tras otra" 

John Lutz, en Zombies of the World, Unite: Class Struggle and Alienation  sostuvo que Land of the Dead, estableció comparaciones entre los fuegos artificiales que se lanzaban para distraer a los zombis en Land of the Dead y las exhibiciones de "conmoción y pavor" del ejército estadounidense que se ven en sus acciones militares. 

Para  Jeffrey Westhoff, del Northwest Herald, afirmó que «Lo más impactante de La tierra de los muertos no son los desmembramientos vívidos, sino la audacia con la que Romero refleja, de forma macabra, la América posterior al 11-S». 

El New York Sun la declaró «la película estadounidense del año».  Y también desde la "gran manzana"  Manohla Dargis del  The New York Times destaca que es "Uno de los grandes placeres del cine de género es ver a los grandes directores desafiar la forma y la previsibilidad, como hace brillantemente Romero. Una cosa es segura: no te irás a casa con hambre".  

Owen Gleiberman del Entertainment Weekly comentó que "Puede que Romero sea la última persona sobre la faz de la Tierra que siga pensando que los muertos vivientes son una metáfora de algo importante. Su última película es una locura zombie apática y sin inspiración alguna." 

Justin Chang de Variety valoró que "George A. Romero les muestra cómo se hace en 'Land of the Dead', resucitando su legendaria franquicia con efectos visuales de primera clase, una gran inteligencia de género y tentadoras capas de insinuación" E

Wesley Morris del Boston Globe destaca que  "Se ve y se siente como la basura mejor hecha de alguien más"

Keith Phipps de AV Club sostuvo que "La sátira está a la altura de los titulares, las escenas de acción siguen el ritmo de los blockbusters veraniegos y nadie filma una evisceración con tanta habilidad"

Desde la costa atlántica en las páginas del  Philadelphia Inquirer se die que "Curiosamente, aunque 'Land of the Dead' es más inteligente y grandiosa que los primeros clásicos de Romero, no es tan inquietante" 

Desde Gran Bretaña Kim Newman en Empire destaca que "Suspense original, personajes punzantes, horror escandaloso y sátira perversa. Bienvenido de nuevo, George, has estado fuera demasiado tiempo" 

Ya en España Javier Ocaña en El País considera que la "Producción con algunas ideas resultonas y toneladas de vísceras y hemoglobina que sólo contentará a los que aún lo tienen en los altares del cine de terror"

Antonio Weinrichter del ABC destacó la capacidad del aquí durector y guionisa  "Romero es quien mejor explota el mito creado por él mismo (...) no recurre a la alta tecnología (...) dentro de la genuina serie B (...) 

Varios cineastas, entre ellos John Landis, Eli Roth, Clive Barker y Guillermo del Toro, rindieron homenaje a Romero en un especial de La tierra de los muertos. 

Guillermo del Toro dijo: "Por fin alguien tuvo la inteligencia de darse cuenta de que ya era hora y le dio a George las herramientas. Debería ser motivo de celebración para todos que Miguel Ángel haya comenzado otro techo. Es un acontecimiento realmente trascendental..."

Por mi parte destacar que la película de 2005, dirigida por George A. Romero, destaca principalmente por ser una sátira social mordaz que utiliza el apocalipsis zombi para explorar la lucha de clases, el consumo y la respuesta política ante las crisis, posicionando a los muertos vivientes como la clase trabajadora oprimida que se rebela contra una élite egoísta. Los zombis que comienzan a pensar y organizarse, liderados por "Big Daddy". Este personaje evoluciona de ser una simple amenaza a un líder rebelde que enseña a los suyos a utilizar herramientas y armas para derrocar a sus opresores. La trama ofrece una metáfora poderosa donde los zombis, convertidos en la clase "baja" o marginada, atacan el rascacielos de los ricos, subvirtiendo el papel tradicional de monstruos para convertirlos en agentes de una revolución social. A destacar igualemnte que la película cuenta con excelentes efectos especiales de gore a cargo de Greg Nicotero. Destaca el diseño de "El Azote de los Muertos" (Dead Reckoning), un camión blindado impresionante utilizado por los mercenarios. Se considera la última gran película de zombis dirigida por Romero, cerrando efectivamente su "cuatrilogía" original con un tono entretenido, visceral y lleno de crítica social.

Revisión de la casa torcida

Una película de Agatha Christie, siempre genera interés y en el caso de La casa torcida, una película del año 2017 es un fiel adaptación del estilo tan característica de la autora con su natural "whodunit" (¿quién lo hizo?). En este caso no se ha ido al periodo victoriano sino que la historia está ambientada en la década de 1950. Como suele ocurrir en sus obras la investigación se complica porque, según el estilo habitual de la Doña, todos en la mansión tienen motivos y secretos para querer al patriarca muerto. La familia del finado convive en una peculiar mansión de estructura inclinada de ahí el título.

Después de conseguir el premio al mejor director por La llave de Sara en el Festival Internacional de cine de Tokio, el director francés Gillet Paquet- Brenner vuelve con la adaptación cinematográfica de la enigmática novela homónima de Agata Christie, La casa torcida, publicada en 1949. Se trata de una película con guion de Julian Fellowes, Tim Rose Price y el mismo Gilles Paquet-Brenner, producida por James Spring, Sally Wood, Joseph Abrams para las productoras Metro International, Brilliant Films Entertainment, Fred Pictures que invirtieron en ella unos $10 millones. 

La película contó con la fotografía de Sebastian Winterø siendo una coproducción británico-estadounidense  protagonizada por Max Irons , Terence Stamp , Glenn Close , Gillian Anderson y Stefanie Martini, Julian Sands, Christina Hendricks . 

La película del año 2017 cuenta la historia de tres generaciones de la familia de Arístides Leonides un multimillonario griego que conviven en una curiosa mansión de estructura inclinada. La rutina de la mansión se trunca cuando Arístides es envenenado ya que se sospecha que el culpable de ser alguien de la familia. 

Sophia pedirá entonces a Charles un antiguo amante que haga lo posible para esclarecer el asesinato. El caso se completará con más muertes y con el hecho de que nadie tiene una firme coartada en esta historia que se desarrolla a mediados de la década de 1950, en Londres.

La película comienza cuando Sophia Leonides (Stephanie Martini), nieta del difunto magnate griego Aristide Leonides, visita al detective privado Charles Hayward (Max Irons). Le pide que investigue la muerte de Aristide, sospechando que fue asesinado. 

Charles accede a regañadientes, sintiéndose dividido debido a un antiguo romance con Sophia en El Cairo . 

Charles solicita la autorización del inspector jefe Taverner (Terence Stamp) de Scotland Yard para investigar el caso. Aristide era el patriarca autoritario y manipulador de la numerosa y peculiar familia Leonides, cuyos miembros vivían juntos en la finca familiar. Aparentemente murió de un infarto después de que su inyección habitual de insulina, administrada por su esposa Brenda, fuera adulterada con eserina procedente de sus gotas oftálmicas. 

Brenda(Christina Hendricks ) es la segunda esposa de Aristide, una exbailarina de casino de Las vegas mucho más joven que su marido. 

Por su parte, Lady Edith de Haviland (Glenn Close) era la hermana de la difunta primera esposa de Aristide, a quien le gustaba merodear por la finca y disparar a los topos en el césped con una escopeta. Despreciaba a su cuñado. 

Philip (Julian Sands), el hijo mayor de Aristide, odiaba a su padre por haberlo excluido como sucesor en el negocio familiar y por negarse a financiar la producción de un guion que escribió para su esposa, Magda (Gilliam Anderson) , una actriz de teatro en decadencia. 

Sus hijos (nietos de Aristide) son Sophia, Eustace, un adolescente cínico, amante del rock and roll y afectado por la polio , y Josephine, una niña inteligente de 12 años que se entera de todo. 

El hijo menor de Aristide, Roger, es director general de una importante empresa familiar, pero es un fracasado que ha necesitado múltiples rescates financieros. Su dominante esposa, Clemency, es bióloga botánica con amplios conocimientos sobre venenos. 

Además en la casa está Laurence Brown, un profesor particular, mantiene una relación extramatrimonial con Brenda. Su alumna Josephine lo espía desde su escondite en la casa del árbol. 

Charles entrevista a la familia y se topa con hostilidad por parte de todos. Todos los miembros de la familia tienen motivos para el asesinato: todos resentían el comportamiento intimidatorio y manipulador de Aristide, y ahora esperan una cuantiosa herencia. La mayoría sospecha de Brenda, como la persona ajena a la familia que administró la inyección letal. Sus sospechas se refuerzan cuando se descubre que el testamento de Aristide no estaba firmado, lo que resulta en que Brenda herede toda su fortuna según las leyes de sucesión intestada . 

En un momento dado, Josephine insinúa haber encontrado pistas, pero se niega a revelarlas. La escalera que lleva a la casa del árbol de Josephine es saboteada, ella cae y queda inconsciente. Las sospechas recaen sobre Sophia tras el descubrimiento de otro testamento, debidamente firmado, que le deja toda la herencia. 

Por su parte, el inspector Taverner llega para hacerse cargo del caso; siente que el pasado de Charles con Sophia lo compromete. El descubrimiento de cartas de amor entre Brenda y Laurence le proporciona a Taverner pruebas suficientes para arrestarlos por el asesinato de Aristide y el intento de asesinato de Josephine. 

Charles, sin embargo, sigue sin estar convencido. Josephine está furiosa porque su cuaderno personal ha desaparecido. Su niñera le prepara chocolate caliente. Josephine lo rechaza y su niñera muere tras beberlo. 

Charles le ruega a Josephine que revele la identidad del asesino. Una vez más, Josephine se niega, incluso cuando Charles le advierte que corre peligro. 

En esto a Edith le diagnostican una enfermedad terminal y le dicen que solo le quedan unos meses de vida. El forense determina que la niñera murió por envenenamiento con cianuro . Charles sospecha de Edith, quien usaba cianuro para matar topos. 

Registra el cobertizo del jardín de Edith y encuentra una botella de cianuro, así como el cuaderno desaparecido de Josephine, enterrado en cal viva . 

Finalmente vemos a Edith llevando a Josephine al campo a dar un paseo en coche. Deja una nota confesando los asesinatos. 

Charles y Sophia los persiguen en otro coche. Mientras conducen, Sophia lee el cuaderno de Josephine y descubre la verdad: que Josephine había asesinado a Aristide por haberle interrumpido sus clases de ballet. También había simulado su caída desde la casa del árbol, envenenado a la niñera (que ya sospechaba de ella) y falsificado las cartas de amor de Brenda. Edith se dio cuenta de que Josephine era la asesina y confesó falsamente para exonerar a Brenda y Laurence, y evitarle a Josephine una vida en un centro psiquiátrico. 

Cuando Charles y Sophia los alcanzan, Edith se precipita por el borde de una cantera y tanto ella como Josephine mueren acabando así la película. 

En 2011, el cineasta estadounidense Neil La Bute anunció que dirigiría una versión cinematográfica, para 2012, de la novela con un guion de Julian Fellowes . En mayo de 2011, se anunció que Gemma Arterton , Matthew Goode , Gabriel Byrne y Dame Julie Andrews encabezarían el reparto. 

En un informe publicado el 10 de junio de 2012, Sony Pictures Worldwide Acquisitions adquirió todos los derechos en EE. UU., Canadá e internacionalmente para la película, lo que podría ayudar a asegurar su lucrativo estreno, aunque el reparto y el equipo creativo habían cambiado. 

El rodaje comenzó en septiembre de 2016.  Parte del rodaje se realizó en la Biblioteca Maughan del King's College de Londres . Minley Manor, cerca de Fleet, Hampshire , se utilizó como lugar para las tomas exteriores de Three Gables, también conocida como la Casa Torcida que da título a la película. Los interiores se filmaron en cuatro lugares diferentes,  incluyendo Hughenden Manor , West Wycombe House y Tyntesfield , cerca de Bristol . 

El diseñador de producción fue Simon Bowles .  La ​​banda sonora original de la película es de Hugo de Chaire. 

La crítica la considera una adaptación sólida y entretenida, fiel a la obra original, que era una de las favoritas de la propia Agatha Christie. Algunos críticos señalaron que el ritmo puede ser lento para algunos espectadores, y la actuación de Max Irons fue descrita por algunos como plana, contrastando con actuaciones destacadas como la de Glenn Close eso una vez estrenada la película  en el Reino Unido por Channel 5 el 17 de diciembre de 2017.

En cuanto a la crítica británica en el Telegraph Gerard O'Donovan afirma que "En general, una adaptación muy entretenida y suntuosa que, aunque no rompe los moldes de Christie, impregna la historia de un tinte agradablemente contemporáneo (…) " 

Terry Staunton de Radio Times sostiene que se trata de "[Una] adaptación fallida (...) La ordinaria dirección de Paquet-Brenner hace que la obra parezca una producción resacosa no profesional (…) 

En la estadounidense Variety Peter Debruge  escribe que presenta "Una dirección elegante y un reparto deliciosamente perverso refuerzan el misterio más retorcido de Agatha Christie." 

Chuck Bowen de Slant comenta que "Gilles Paquet-Brenner dirige esta película de manera efectiva e impersonal (...) La película se desarrolla en piloto automático alternando entre lo prestigioso y lo teatral (…) " 

Emily Yoshida de Vulture  sostiene que "A veces chirría, pero tiene suficientes giros y momentos impactantes para resultar atractiva durante todo el metraje (...) La MVP es Christina Hendricks" 

Ya en España Jordi Costa en El País dice de ella que "Paquet-Brenner se aplica (...) sin atisbo de inspiración expresiva, pero Glenn Close, Julian Sands y Gillian Anderson, entre otros, le sacan las castañas del fuego con su colectivo retrato de una aristocracia endogámica y monstruosa" 

Alberto Luchini de El Mundo lo que destaca es que hay "Aburrimiento en la mansión (...) diálogos absolutamente impostados, una puesta en escena impersonal y apabullantemente teatral y un reparto de campanillas (…)" 

Oti Rodríguez Marchante de  ABC comenta que "Todavía procura cierto interés, o intríngulis, si no se conoce la obra original, pero es inimaginable sacarle algo de carne a ese hueso si ya se sabe quién es el asesino en esta historia sin mayordomo. (…) " 

Desde Barcelona Quim Casas en El Periódico la describe como una película con "Un detective inexperto y sin nada de carisma intenta resolver el caso mientras el director del filme inclina la cámara para mostrar lo descentrados que están los personajes. Todo bastante previsible y en exceso mecanizado. (…) " 

Daniel De Partearroyo en Cinemanía comenta que "Cuando, como en el caso de 'La casa torcida', no hay detective carismático a lo Poirot o Miss Marple para llevar de la mano la narración, esa tosquedad mecánica chirría más. (...) una adaptación criminal. (…) " 

Y en Fotogramas Jordi Batlle Caminal lo que destaca es que "La intriga es tan descafeinada como inexistente la dirección, plúmbeo el ritmo narrativo y discretas las interpretaciones; el protagonista, Max Irons, bien merece el premio al actor más soso en lo que va de siglo. (…)"

Ernesto J. Pastor en X señala que "¡Qué espanto de realización! ¿Para qué montar una secuencia en 10 planos si se puede montar en 100 y además cámara en mano para que se note más? Y no es cuestión de ritmo. "

Por mi parte destacar que de lo más interesante de la misma es su escenografía pues la película se filmó en varias mansiones históricas de Inglaterra, como Minley Manor (exteriores) y Tyntesfield (interiores), lo que le da un aire gótico y opulento muy característico. 

Por otro lado la película consigue capturar el ambiente provocado por a tensión familiar, la codicia y la manipulación más que en la violencia física.

Y por último elogiable es su guion coescrito por Julian Fellowes, conocido por "Gosford Park" y "Downton Abbey", lo que asegura un estilo refinado en los diálogos.  En fin, me ha gustado esta Crooked House 

Klute

Alan J. Pakula, fue un aclamado director, productor y guionista estadounidense, que falleció en noviembre de 1998 a los 70 años de edad. Pakula murió a causa de un extraño accidente automovilístico en la autopista de Long Island (Nueva York). Un tubo de metal salió despedido de otro vehículo, atravesó el parabrisas de su Volvo y le golpeó en la cabeza, causándole la muerte instantánea. Fue un pilar del cine de intriga política y suspense psicológico de los años 70. Klute es considerada la primera parte de su famosa "trilogía de la paranoia", seguida por The Parallax View (1974) y Todos los hombres del presidente (1976). Estas películas definieron su reputación como un maestro del suspense psicológico y la conspiración. Con Klute consolidó su reputación como un director de primer nivel. Pakula demostró su capacidad para obtener actuaciones magistrales. La película estableció una colaboración clave con el director de fotografía Gordon Willis, utilizando una estética sombría y tensa que se convirtió en sello de la casa, y que estarán presentes en otras películas como La decisión de Sophie (1982), Presunto inocente (1990), El informe Pelícano (1993) o La sombra del diablo (1997).

Pero centrémonos en Klute, una película estadounidense de suspenso psicológico neo-noir de 1971 dirigida y producida por Alan J. Pakula y protagonizada por Jane Fonda, Donald Sutherland, Charles Cioffi, Nathan George, Dorothy Tristan, Roy Scheider y Rita Gam.

Es la primera entrega de lo que se ha llegado a conocer informalmente como la "trilogía de la paranoia" de Pakula, seguida por The Parallax View (1974) y Todos los hombres del presidente (1976), todas películas que tratan temas de paranoia, conspiraciones y vigilancia.

Klute es un thriller del año 1971 dirigido por Alan J Pakula y que le valió un amplio reconocimiento al director de un éxito George básicamente en el trabajo en la personalidad de su protagonista Jane Fonda, tras Danzad, danzad, malditos, su carrera convirtiendo este papel inicialmente aceptado como un remiso económico en el centro de la historia algo que sirvió para hacerse con el oscar a la mejor actriz principal.Su trama sigue a una prostituta de lujo de la ciudad de Nueva York que ayuda a un detective de Pensilvania a resolver el caso de la persona desaparecida de un cliente que podría estar acosándola 

Alan J. Pakula estuvo en la producción de la misma por medio de las productoras Gus Productions y la Warner Bros. Pictures. La crítica recibió con un entusiasmo y especialmente la interpretación del fondo en el que para muchos es el mejor trabajo de su carrera. Y el papel masculino protagonista le correspondió a Donald Sutherland, carisma y estilo propio reconocido un papeles múltiples que le han dado uh el gran reconocimiento hasta la fecha e de su muerte. 

La historia comienza en una comida o cena entre amigos. Entre los comensales está el dueño de una empresa, su mujer, ejecutivos de la misma y el mejor amigo del empresario. Casi de inmediato nos enteramos de que el empresario ha desaparecido.

Tras la desaparición de Tom Gruneman, ejecutivo de una empresa química de Pensilvania, la policía encuentra en su oficina una carta obscena dirigida a Bree Daniels, una prostituta de Nueva York que había recibido varias cartas similares. 

Después de seis meses de investigación infructuosa, Peter Cable, otro ejecutivo de la empresa de Gruneman, contrata a John Klute, amigo de la familia y detective, para investigar la desaparición. Klute alquila un apartamento en el sótano del edificio de Bree, interviene su teléfono y la sigue mientras ejerce la prostitución. 

Bree parece disfrutar de la libertad de trabajar como prostituta independiente mientras audiciona para trabajos de actuación y modelaje, pero le confiesa a su psiquiatra el vacío que siente en su vida. 

Tras descubrir que Klute la ha estado vigilando, Bree afirma no reconocer a Gruneman. Admite haber sido agredida por un cliente dos años antes, pero no puede identificarlo en una fotografía. Además, le confiesa a Klute que es una persona nerviosa y paranoica. 

Bree lleva a Klute a conocer a su antiguo proxeneta, Frank Ligourin, quien había representado a Jane McKenna, una prostituta que le había recomendado al cliente abusivo. Al parecer, McKenna se suicidó, y su otra compañera, Arlyn Page, se convirtió en drogadicta y desapareció. 

Klute y Bree inician un romance, aunque ella le confiesa a su psiquiatra que desearía que la relación terminara porque se sentía más segura de sí misma cuando ejercía la prostitución. Encuentran a Page, quien les dice que la foto de Gruneman no corresponde al cliente, que era un hombre mayor. 

Poco después, el cuerpo de Page aparece más tarde en el río. Klute relaciona los aparentes suicidios de las dos prostitutas, deduciendo que el cliente usaba el nombre de Gruneman. También cree que el cliente mató a Gruneman y que podría matar a Bree a continuación. Klute vuelve a contactar con los conocidos de Gruneman. 

Mediante comparación tipográfica, las cartas obscenas se rastrean hasta Cable, a quien Klute ha estado reportando durante su investigación. Klute le pide dinero a Cable para comprar la "agenda negra" de los clientes de McKenna y así descubrir la identidad del cliente abusador. Deja suficientes pistas para ver si Cable revela su propia complicidad en los asesinatos. 

Cable sigue a Bree hasta la oficina de un cliente y le revela que él le envió las cartas. Le cuenta que, después de que Gruneman lo descubriera accidentalmente abusando físicamente de McKenna, Cable temió que Gruneman usara el incidente para sabotear su carrera, así que intentó incriminarlo dejando la carta en su oficina. 

Tras reproducir una grabación de audio de un asesinato que realizó mientras asesinaba a Page, ataca a Bree. Al ver a Klute entrar corriendo, Cable retrocede bruscamente y se estrella contra una ventana, muriendo en el acto. 

Bree abandona su apartamento con la ayuda de Klute. Una conversación en off con su psiquiatra revela su reticencia a renunciar a su autonomía para iniciar una relación tradicional con Klute, afirmando que perdería la cordura si se sometiera a una vida doméstica. Ella admite que, aunque echará de menos a Klute, no puede decírselo y bromea diciendo que probablemente el médico la verá de nuevo la semana que viene. Al salir del apartamento, Bree recibe una llamada de un cliente y le informa de que se marcha de Nueva York y no piensa volver. Ella y Klute abandonan el apartamento juntos sobreponiéndose los títulos de crédito en rojo sobre la pantalla anunciando el fin. 

El policía deja el cuerpò y ahora se transforma en un detective de medio pelo de una pequeña ciudad de Pensilvania, John Klue, que abandona el cuerpo de policía para investigar la muerte es su mejor amigo, un ingeniero visto por última vez en Nueva York. 

La única pista para seguir su rastro es una carta suya a una prostituta, Bree Daniels, que se dice no saber nada el desaparecido pero que reconoce haber  descubierto a alguien siguiéndola y haber recibido llamadas a nuevas. 

Otra vez de la vida de Bree, conociendo su trabajo y su ambiente, Klute podrá conocer los verdaderos motivos por los que su amigo encontró la muerte o al menos su desapareció. Juntos un sentimiento romántico despiertará entre ellos. 

El guion original de Klute fue escrito por los hermanos Andy y Dave Lewis. Andy en colaboración con su hermano mayor, Dave. Los hermanos se comunicaban por carta y teléfono —Andy desde su residencia en Massachusetts y Dave desde su casa en California— y Andy se encargó de gran parte del guion. Andy comentó que la escritura fue altamente colaborativa, concluyendo: "Me costaría atribuir alguna parte del guion original únicamente a uno u otro de nosotros".  Se inspiró en una serie que leyó de niño sobre un hombre que intenta resolver el asesinato de su hermano en la ciudad. El rodaje principal tuvo lugar a finales de 1970 y principios de 1971 en Nueva York. Andy Lewis, un escritor que había trabajado principalmente en televisión, desarrolló el guion de Klute con el objetivo de pasar al cine. Su inspiración inicial para el guion provino de una historia por entregas que había leído de niño en The Saturday Evening Post sobre un hombre del campo que se aventura en la ciudad en un intento de resolver el asesinato de su hermano, quien fue asesinado allí en un terreno baldío. Lewis se centró en dos temas que, a su parecer, resonaban con los estadounidenses: primero, «el paleto que le da la vuelta a la tortilla a los urbanitas», y segundo, la paranoia: «Estoy seguro de que esto afecta a gente de todo el mundo, pero de alguna manera lo considero algo típicamente estadounidense. El patrón oculto de las cosas. La oscuridad. La gente que te observa, que conspira contra ti, que espera para hacerte daño. Los ruidos que oyes por la noche. Los silencios al teléfono. Todo eso. Decidí escribir esto, fuera como fuera, para sacar el máximo partido a este —¿cómo llamarlo?— instinto. Deliberadamente». 

El guion especulativo fue completado por Andy Lewis en colaboración con su hermano mayor, Dave. Los hermanos se comunicaban por carta y teléfono —Andy desde su residencia en Massachusetts y Dave desde su casa en California— y Andy se encargó de gran parte del guion. Andy comentó que la escritura fue altamente colaborativa y concluyó: «Me costaría atribuir alguna parte del guion original únicamente a uno de nosotros»

En cuanto al casting, Jane Fonda,  a final del 69 había terminado de rodar They Shoot Horses, Don't They? (1969). En abril de 1970 fue seleccionada para la película En ese momento, Fonda había atraído un escrutinio significativo por su activismo contra la guerra de Vietnam , y gran parte de la publicidad en torno a la película hizo mención de esto. 

Para prepararse para el papel, Fonda pasó una semana en la ciudad de Nueva York observando a prostitutas y madamas de clase alta . También las acompañó en sus salidas a clubes nocturnos para buscar hombres. Fonda notó que ninguno de los hombres mostró interés en ella, lo que ella creía que se debía a que podían ver que en realidad era solo una "pretendiente de clase alta y privilegiada". 

Fonda tenía dudas sobre si podría interpretar el papel y le pidió a Alan Pakula que la liberara de su contrato y contratara a Faye Dunaway en su lugar, pero Pakula se negó. Una de las principales preocupaciones de Fonda era que ella, como feminista emergente, no debería interpretar a una prostituta, pero cuando Fonda le confesó esta preocupación a una feminista veterana, le dijeron: "Si el guion es bueno y es una oportunidad para ser tridimensional, ¡por supuesto que deberías hacerlo!". Para superar sus dudas sobre si podría interpretar tal papel, Fonda recurrió a sus recuerdos de varias prostitutas que había conocido mientras vivía en Francia, todas las cuales trabajaban para la famosa Madame Claude . Recordó que todas ellas habían sufrido abusos sexuales en su infancia, y Fonda usó esto como una "entrada" a su propio personaje y como una forma de comprender las motivaciones de Bree para convertirse en prostituta. A destacar el vestuario realizado por Ann Roth

Donald Sutherland fue elegido para el papel del detective privado John Klute, y se unió al proyecto en mayo de 1970. Sutherland admitió más tarde que tuvo roces con Pakula durante la producción, comentando que "era una película donde el director tenía una idea específica, que yo no entendía particularmente, ni me interesaba particularmente". 

Roy Scheider fue elegido para el papel del proxeneta de Bree, Frank Ligourin, un papel que le brindó una atención significativa y que impulsó notablemente su carrera.

El rodaje principal de Klute comenzó en diciembre de 1970 en la ciudad de Nueva York. En marzo de 1971, se informó que el rodaje había concluido. 

La película fue filmada por el director de fotografía Gordon Willis , colaborador frecuente de Pakula, conocido por su uso de la oscuridad y las sombras en su cinematografía. El estudioso de cine Terence McSweeney escribe en The Other Hollywood Renaissance (2020) que la cinematografía de la película es deliberadamente desestabilizadora y desorientadora, utilizando primeros planos y careciendo de planos generales, y que su estilo de edición cuyo montador fue Carl Lerner presenta transiciones abruptas y una falta de señales cinematográficas tradicionales. 

Donald Sutherland, reflexionando sobre la película, comentó que, "había muchas cosas en Klute que no tenían ningún sentido en términos cinematográficos".

La banda sonora de la película fue compuesta por Michael Small . Klute fue la segunda banda sonora de Small para una película, y la primera en Hollywood después de Out of It (1969). El editor consultor de esa película, Carl Lerner , recomendó posteriormente a Small a Pakula. Small tuvo una gran libertad en el desarrollo de la banda sonora y utilizó una orquesta de cámara , con un xilófono microtonal , percusión poco convencional y voces femeninas. Un motivo central dentro de la banda sonora es la idea de un "llamado de sirena", utilizado para identificar tanto al personaje de Fonda como al asesino. 

Al igual que otras bandas sonoras de Small, la de Klute se prensó en cantidades relativamente pequeñas, y las copias de su edición original en vinilo han alcanzado precios elevados en el mercado de segunda mano. 

Klute se estrenó en cines en Estados Unidos el 23 de junio de 1971, distribuida por Warner Bros. Pictures, con gran éxito de crítica y público.  La película recaudó más de 12 millones de dólares con un presupuesto de 2,5 millones. 

Klute recibió dos nominaciones en la 44.ª edición de los Premios Óscar, incluyendo Mejor Guion Original, y Fonda se alzó con el premio a Mejor Actriz. En la 25.ª edición de los Premios BAFTA, Fonda fue nominada a Mejor Actriz Protagonista. En la 29.ª edición de los Globos de Oro, recibió una nominación a Mejor Guion, y Fonda se alzó con el premio a Mejor Actriz en una Película Dramática.

En los Premio del Círculo de críticos de Nueva York del año 1972 Fonda se llevó el premio a la mejor actriz. Premio NYFCC 1971: a la mejor actriz (Jane Fonda). 

El Premio de la National Society of Film Critics -NSFC 1972- le concedió el premio  a la mejor actriz (Jane Fonda) y en los Premios Image los premiados fueron tanto Donald Sutherland como Jane Fonda al mejor actor y actriz. 

También se llevó el Premio Fotogramas de Plata 1973: a la mejor intérprete de cine extranjero (Jane Fonda).

La crítica elogió la dirección y el guion, y la actuación de Fonda recibió una amplia aclamación. La escritora Karen Gai Dean señala la paranoia y la vigilancia como temas principales en Klute. Escribe que el uso recurrente de cintas de audio en la película como "temas visuales y auditivos... evocan de manera premonitoria la paranoia de la era Watergate". 

Charles Champlin, del Los Angeles Times , elogió las actuaciones de Fonda y Sutherland, resumiendo: « Klute es visualmente impresionante, llena de sorpresas, desconcertante y llena de suspense, impecable en su ritmo... Como siempre, los mejores misterios ofrecen más que sus distracciones y redime sus sórdidos elementos al comprenderlos y encontrarlos dignos de compasión, no de diversión». 

Roger Ebert, del Chicago Sun-Times, escribio que, si bien los elementos de suspense estaban mal ejecutados, las actuaciones de Sutherland y, sobre todo, de Fonda, fueron las que sostuvieron la película. Sugirió que la película debería haberse titulado Bree, en honor a su personaje, quien es el "alma" del filme y evita el estereotipo de la prostituta de buen corazón . ¿Qué tiene Jane Fonda que la convierte en una actriz tan fascinante? Posee una especie de intensidad nerviosa que la mantiene tan firmemente metida en el personaje que este parece distraído por los acontecimientos de la película. 

Gene Siskel del Chicago Tribune se mostró igualmente elogioso, escribiendo: «Más interesante que el misterio es el personaje de Bree... lo mejor de su personaje (gracias al guion y a la excelente actuación de la señorita Fonda) es que esta prostituta no tiene un corazón de oro. Es una mujerzuela resentida que, cuando se ve acorralada por la violencia o la ternura, araña y muerde. La película del director Alan Pakula, con su edición impecable, se alarga demasiado solo para extender su conclusión... Los ojos perspicaces resolverán el misterio a mitad de la película. La actuación de la señorita Fonda es superior a su trabajo más reciente en They Shoot Horses, Don't They? ... Sutherland... presenta una postura controlada como el detective diligente. Su bajo perfil equilibra perfectamente el papel explosivo de la señorita Fonda».

J. Luria, en un artículo para la revista Professional Psychology: Research and Practice , elogió la película por sus elementos psicológicos, en particular por su representación matizada de la prostitución, señalando que «una buena trama de misterio y excelentes actuaciones hacen que esta película sea entretenida. Pero el análisis sociopsicológico de la subcultura de la prostitución la hace sobresaliente. La película se desarrolla en varios niveles: la descripción de la prostituta, la lucha por su crecimiento personal, la relación entre Klute y Bree, y el tema del misterio. En general, es una excelente combinación de lo clínico y lo literal».

Roger Greenspun, del New York Times , en una de las pocas críticas negativas, escribió: «Pakula, cuando no se entrega a la subjetividad de la cámara, se esfuerza por dotar a su película de una apariencia de geometría estructural, pero a pesar de los bordes definidos, los espacios dramáticos y la presencia cinematográfica propia de Ciudadano Kane, todo sugiere una mezcla tibia y bastante insípida. La actuación en Klute parece semi-improvisada, y en ella Jane Fonda, que es buena confesando, tiene un éxito general. Todos los demás simplemente hablan mucho, excepto Sutherland, que apenas habla. Siendo un actor normalmente ingenioso, aquí se le da precisamente la libertad para evocar una figura romántica con toda la misteriosa intensidad de un joven Calvin Coolidge ».

En un artículo para el Chicago Reader en 1985, el crítico Dave Kehr declaró que la película era "lo más cercano a un clásico que cualquier cosa producida por el Nuevo Hollywood ".

Marjorie Baumgarten en el Austin Chronicle "Fonda y Sutherland están mejor que nunca en este thriller de misterio que también ofrece una visión fascinante de la mente y el alma de una prostituta de lujo neoyorkina".

En Variety se la describe como "Con una atractiva producción neoyorkina, pero una dirección tediosa de Pakula, es una película de suspense sin mucho suspense". 

Jay Cocks en Time la vio como "Un thriller agudo y hábil sobre asesinato, perversión, paranoia y prostitución y un montón de otras cosas maravillosas sobre la vida en Nueva York" 

Ya en España en El País , Fernando Morales la consideró como una película de "Intriga policial dirigida con maestría y excelente ambientación" . Y en este mismo diario, Luis Martínez la describe como que "Sutherland anima uno de esos detectives con vocación de eternidad. Un thriller con profundo y desgarrado sabor clásico". 

Klute la película dirigida por Alan J. Pakula, es una obra fundamental del cine estadounidense de principios de los años 70 y un pilar del thriller psicológico. Con ella Fonda ganó su primer Óscar a la Mejor Actriz por su interpretación de Bree Daniels, una prostituta de lujo neoyorquina. Su actuación es descrita como compleja y valiente, retratando a una mujer sensible ocultada tras una máscara de dureza. Destaca por su tono sombrío, pesimista y una atmósfera lúgubre, potenciada por la fotografía de Gordon Willis. Y aunque funciona como un thriller sobre la búsqueda de un hombre desaparecido por parte del detective John Klute (interpretado por Donald Sutherland), la película pone mayor énfasis en la psicología de los personajes y la dinámica entre Bree y Klute. La cinta fue filmada íntegramente en exteriores de la ciudad de Nueva York (incluyendo Harlem y Wall Street), logrando captar una visión cruda y sórdida de la urbe en esa época. La película aborda el voyeurismo, la deshumanización y la exploración del sexo y la prostitución con un enfoque maduro para la época

En busca del futuro

El primer episodio de la serie documental En busca del futuro (2022), dirigido por David A. Weiner, sumerge al espectador en el inicio de la era dorada del cine de ciencia ficción de los años 80. A través de nostálgicas entrevistas, revisita películas emblemáticas como El Imperio Contraataca, Superman II, Flash Gordon o Heavy Metal, analizando el impacto cultural y técnico de estas producciones.

La historia de la ciencia ficción viene de muy atrás evolucionando desde la fantasía pionera hasta la alta tecnología y la distopía sociopolítica. . Lo cierto es que la ciencia ficción siempre ha estado presente en el cine. Desde El viaje a la luna de Méliès (1902), pasando por Metrópolis de Lang (1927) o la rusa Aelita (1936), el Flash Gordon de 1940, Llegaron desde el más allá (1951), la 2001, una odisea del espacio (1968), Stars Wars de 1977, dando de inmediato el conjunto de películas de ciencia ficción que triunfaron en los 80 y que han sido una fuente de atracción para ese cine que hablaba de la humanidad y su futuro en la Tierra u otros espacios o momentos. 

Pero la auténtica eclosión de este género se dio con el cine de ciencia ficción en los años 80 con películas como Saturno 3(1980) de Stanley Donen con Farrath Faccet Majors, Kirk Douglas y Harvey Keitel. La película fue un fracaso absoluto.

Stars Wars (1977) de George Lucas y , especialmente su primera secuela, El Imperio Contraataca (1980) de Irving Keshner marcará un antes y después en el género que culminaría con la tercera de la trilogía, El retorno del Jedi (1983)

Galaxina (1980) con Dorothy Statten que murió asesinada- Lo cierto es que Dorothy Stratten, fue uno de los casos más escabrosos relacionados con Playboy. Había sido nombrada "Playmate" del año 1980 y su marido en un ataque de celos y ante lo que parecía un abandono por el director Peter Bogdanovich, la asesinó con una escopeta y luego se suicidó. En esta película, que es una parodia de Star Trek y de Star Wars sobre todo de la cantina, se muestra como un resumen del universo y de seres que existen en la Galaxia. Por otro lado, es la primera historia de androides que empiezan a tener estimulación o estímulos sexuales. Galaxina es una rareza espacial de serie Z con robots con libido, humor tontorrón y estética de videoclub ochentero. Entre parodia y delirio, tiene momentos simpáticos, pero también mucho cutrerío cósmico, pero entrañable.

El final de la Cuenta atrás (1980) es película bélica de ciencia ficción con Kirk Douglas de protagonista. 

También de enorme interés es Flash Gordon (1980) de Mike Hodges financiado por los y con una estética irrepetible.

Los niños de la Guerra Fría van a ver reflejados sus mundos en distintas películas y sagas como la The Terminator, The Atomic Café (1982) , los Aliens , pero también a dos películas británicas sobre la devastación: Threads (1984) y El día después (1983) son un largo recorrido hasta llegar a The Matrix (1999). En 1981 se estrena La increible mujer menguante y ese mismo año se estrena Outland o Atmósfera Cera con Sean Connery. También se extendió Superman 2. Inolvidable fue igualmente en ese año, 1997, Escape from New York con Kurt Russell de John Carpenter. Dentro de la animación, la película fue Heavy Metal. 

Algunos de los entrevistados como Dennis Muren , director creativo, habla de los visionarios que fueron creando objetos, las naves espaciales, las criaturas...Todos son opciones. Sydney Mead, Ron Cobb, Ralph McQuarrie. son los visionarios de la ciencia ficción, ya han soñado muchas cosas icónicas. Los efectos especiales que no dejan de ser cosas que no existen en la vida real como dice Mark Mangini. 

Detalles destacados del Episodio I (1980-1981):  El episodio se centra en los primeros años de la década (1980-1981), marcados por la consolidación del género tras el éxito de finales de los 70. 

Este documental cuenta con la participación de actores, directores y expertos que vivieron la época, analizando cómo estas historias moldearon la tecnología y la cultura pop actual. Contexto: Se presenta como una crónica detallada y apasionada de la "década más gloriosa" de la ciencia ficción.

Este documental, financiado mediante crowdfunding, busca ser la crónica definitiva de la ciencia ficción de los 80. Un viaje nostálgico a través de las películas de ciencia ficción de los 80, explorando su impacto y relevancia hoy, contado por quienes las hicieron. El creador del documental es Robin Block siendo el comentarista experto Weary Pines , mientras que el director de fotografía es Oktay Ortabasi y durante el recorrido histórico intervienen actores, artistas y críticos como Bruce Boxleitner, Clancy Brown, Shane Black, John Carpenter, Adrienne Barbeau.

Ellos hablan tanto de las distintas producciones, tanto las que tuvieron éxito en las taquillas como las que pasaron más desapercibidas, pero que se han convertido, con el paso del tiempo, en verdaderos filmes de culto.

El documental consiguió financiarse mediante una campaña de crowdfunding que ha dirigido el propio David A. Weinerd, director también del documental de terror de los 80 "In Search of Darkness", un director y productor estadounidense que, desde hace más de tres décadas, se ha especializado en crear documentales sobre las producciones cinematográficas de las décadas de 1980 y 1990. El mismo declaró que “Soy un enfermo de la nostalgia”, explica a menudo este cineasta que en sus trabajos pretende que todos los fans del género fantástico y de ciencia ficción revivan aquellas películas que marcaron su vida. 

En 2019 debutó en la dirección con In Search of Darkness, un documental de cuatro horas que recorría las películas de terror de los años 80 y el impacto que causaron en la cultura popular. Un año después estrenó una segunda entrega que completaba y aumentaba lo que se contaba en la película anterior. Su siguiente proyecto, en 2022, fue En busca del futuro (In Search of Tomorrow), la serie que emiióe en octubre TCM, y que se centra fundamentalmente en las películas de ciencia ficción. 

Una obra de más de cinco horas de duración que constituye una crónica exhaustiva y definitiva de este este género, repasando año a año las películas estrenadas, con entrevistas a sus responsables y protagonistas y analizando sus principales características. Se habla, por ejemplo, de la personalidad de los protagonistas, personajes como la teniente Ripley, la heroína de la serie Alien que interpretó Sigourney Weaver, o el de Rick Deckard, al que dio vida Harrison Ford en Blade Runner.

A lo largo de los seis episodios de En busca del futuro los espectadores de TCM podrán conocer los efectos especiales que se crearon y se utilizaron para estos filmes y cómo se diseñó el vestuario, las armas y los paisajes que envuelven sus tramas. 

También se analiza el contexto sociopolítico en el que se estrenaron, la era del presidente Ronald Reagan en el final de la Guerra Fría, y acontecimientos que marcaron toda la década, como la enfermedad del SIDA. Asimismo se habla de la fusión de la ciencia ficción con el género de terror, el cine de acción, el fantástico o incluso la comedia, además de la importancia que tuvo la música y el marketing, por ejemplo, en las tres primeras entregas de La guerra de las galaxias. 

Pero En busca del futuro no es ni mucho menos una serie crítica o académica, pensada para cinéfilos sesudos. Todo lo contrario, sus destinatarios son los fans, sobre todo los que, como su creador, David A. Weiner, crecieron viendo aquellas películas, títulos como Tron o La Cosa, que disfrutaron con las aventuras de El imperio contraataca, El retorno del Jedi o Terminator, pero que también vieron títulos menos conocidos, como Starfighter: La aventura comienza, Las aventuras de Buckaroo Banzai, Exploradores, El chip prodigioso o El vuelo del navegante, películas que marcaron a toda una generación y que influyeron decisivamente en cineastas posteriores. Son seis episodios que constituyen la retrospectiva definitiva del cine de ciencia ficción de los años 80.

En su segunda entrega la serie se centra en los años 82 y 83 de la centuria pasada. Comienza la segunda entrega con imágenes del Imperio contraataca película del año 1980 puso un antes y un después en la historia del cine de ciencia ficción en muchos campos. Por ejemplo, Star Wars supone calidad narrativa y inclusión de los sentimientos en una serie de personajes inolvidables, así como el nacimiento de naves míticas como el halcón milenario ligado a alguna figura legendaria como Han Solo. 

Luego tiene lo opuesto con películas como Mad Max, cuya nave especial no deja de ser un vehículo adaptado a la circunstancia. 

En mil novecientos ochenta y tres en una película como Metalstorm: The destruction of Jared-Syn son de destacar sus armas integradas en Cyborg. Con mil novecientos setenta y siete llega una auténtica revolución en las armas tecnológicas es asombrosa como puede ser escena sable con láser o espada láser de Star Wars. Armas más integradas y espléndidas más que elegantes como pudiera ser la espada láser son las almas que incluye James Cameron en la película Aliens (1986), la modélica segunda entrega en la que las armas se ajustan a la personalidad de los protagonistas. Universo es el más limpio diáfano tal y como descubrimos en Star Trek II: The Wrath of Khan, que nos presenta en su conjunto una organización militar. Es una película que sirve de ejemplo para mostrarnos los trajes y los uniformes que aparecen ya codificados por rango. Esto ocurrirá igualmente o con matices en otras películas de ciencia ficción de la década como vestuario es un gran ingrediente de la ciencia ficción tal y como comprobamos en películas como Ghostbusters II (1989), Heartbeeps (1981), la Dune de Lynch (1983) o Mi novia es una extraterrestre (1988). 

La creatividad del diseñadores en esta década es  absoluta como se aprecia en Blade runner (1982), Galaxy of Terror (1981), Superman II (1981) o The Running Man (1982) con Arnold o Stark Trek II: The Search for Spock (1984). Todos van un paso más allá de lo que hizo el Spielberg en encuentros en la tercera fase (1977). 

1982 está considerado por muchos críticos y fanáticos como el mejor año en la historia del cine de ciencia ficción, marcado por una "revolución" que trajo obras maestras inigualables en un corto período; en unas ocho semanas se estrenaron películas que marcarán un antes y un después en la historia de la ciencia ficción. 

En novecientos ochenta y dos las grandes películas son El guerrero de la carretera o The Road Warrior, aquí Mad Mad (1982) , que impactó al propio director de clásicos de los 80,  Joe Dante. Revisión fría y cruda de la realidad un western llevado a Australia. En ese año se lanza Mad Max 2: El guerrero de la carretera (George Miller) y aunque se estrenó a finales de 1981 en Australia, tuvo su impacto mundial en 1982, consolidando el subgénero postapocalíptico. Junto a esta aparecen otras joas del cine de ciencia ficción. 

Entre otrtas que destacan contamos con el Blade Runner (Ridley Scott): Una obra cumbre del cyberpunk y la distopía que explora qué significa ser humano a través de los replicantes. 

También descata ET, el extraterrestre (Steven Spielberg): La película más taquillera de 1982 y un fenómeno cultural de amistad interestelar que redefinió el cine familiar. 

La cosa / El enigma de otro mundo (John Carpenter): Un clásico del terror y la ciencia ficción de culto, conocido por sus innovadores efectos especiales y atmósfera de paranoia. 

Star Trek II: La ira de Khan (Nicholas Meyer): Considerada una de las mejores películas de la saga, rescató la franquicia con un enfoque más narrativo y dramático. 

Tron (Steven Lisberger): Vanguardista por su uso temprano de efectos generados por ordenador (CGI) para sumergirse a la audiencia en un mundo digital. 

Poltergeist (Tobe Hooper / Prod. Spielberg): Aunque cruza con el terror, su mezcla de suburbios con fenómenos paranormales y tecnología la sitúa entre las más influyentes del género ese año. 

Conan el Bárbaro (John Milius): Representante de la fantasía heroica que fue clave en el verano de 1982. 

1983 fue un año clave para la ciencia ficción, marcado por el cierre de la trilogía original de Star Wars y el auge de los thrillers tecnológicos y el terror corporal. 

De entre las películas más representativas  cabe destacar Star Wars: Episodio VI - El retorno del Jedi: Fue el estreno más importante del año y el éxito de taquilla más grande de 1983. Cerró la historia original con batallas épicas y la redención de Darth Vader.  Con ella concluyó la trilogía original.

Juegos de guerra (WarGames): Un hito del cine de intriga tecnológica que popularizó conceptos como el hacking y la ciberseguridad, con la amenaza de una guerra nuclear iniciada por una IA. Es un clásico que popularizó la temática de hackers y la inteligencia artificial, donde un joven casi provoca la Tercera Guerra Mundial al entrar en el sistema de defensa de EE. UU. 

Videodrome: Dirigida por David Cronenberg, es una obra de culto de "terror corporal" y ciencia ficción que explora la dominación mediática y las alucinaciones grotescas. Videodrome es una perturbadora película de David Cronenberg que explora el horror corporal y la tecnología, donde un ejecutivo de televisión descubre una señal que provoca alucinaciones y alteraciones físicas. 

Proyecto Brainstorm (Brainstorm): Centrada en la invención de un dispositivo para grabar y experimentar sensaciones y recuerdos directos del cerebro, marcados por la última actuación de Natalie Wood. En Proyecto Brainstorm (Brainstorm) es la tecnología de grabación de experiencias sensoriales. Dirigida por Douglas Trumbull y protagonizada por Christopher Walken. La trama se centra en el desarrollo de un casco que permite grabar y experimentar los pensamientos y sensaciones físicas de otras personas.  

Elegidos para la gloria (The Right Stuff): Aunque rosa el drama histórico, narra la ciencia ficción de la carrera espacial estadounidense y los primeros pasos del ser humano en el espacio. 

Krull: Una mezcla notable de ciencia ficción y fantasía (fantasía espacial) sobre un príncipe que busca rescatar a su novia de invasores alienígenas. De entre las películas destaca Krull, una mezcla de fantasía y ciencia ficción de culto sobre un príncipe que debe rescatar a su prometida de una fortaleza invasora alienígena.

El testamento final (Testamento): Un drama post-apocalíptico más realista y sombrío sobre las secuelas de una guerra nuclear en una pequeña comunidad. 

La zona muerta (The Dead Zone): Basada en la novela de Stephen King, mezcla ciencia ficción con elementos psíquicos y suspense político. La zona muerta (The Dead Zone): Aunque a menudo clasificada como thriller sobrenatural, esta película basada en la novela de Stephen King entra en el ámbito de la ciencia ficción especulativa sobre facultades mentales. 

Además, destacó la miniserie Invasión Extraterrestre (V), que marcó la cultura pop de la época  conocida como Strange Invaders (Homenaje a las invasiones alienígenas de los 50). No habrá guerra de Troya (The Day After) (Telefilme de gran impacto sobre el holocausto nuclear).

Otro título notable de ese año fue el filme de antología En los límites de la realidad (Twilight Zone: The Movie). En los límites de la realidad: Película de antología basada en la clásica serie de televisión. 

Spacehunter: Adventures in the Forbidden Zone es una aventura espacial de bajo presupuesto que intentó aprovechar el auge del género en la época, es una aventura post-apocalíptica . 

El último guerrero (Warrior of the Lost World): Una película postapocalíptica de acción, influenciada por el éxito de Mad Max pero de bajo presupuesto. 

Aunque 1982 fue más prolífico en clásicos, 1983 estuvo marcado por la consolidación de la saga galáctica de George Lucas y la influencia de la televisión en el cine de género 

En los límites de la realidad (Twilight Zone: The Movie): Una película antológica basada en la famosa serie de televisión, dirigida por varios directores de renombre. 

Estas películas reflejaban la paranoia de la Guerra Fría y el rápido avance de la tecnología en aquella época. 

En el capítulo tercero de esta serie comienza hablando de una película del año 1983, la de Extraños invasores (1983) con Nancy Allen y con Bill Condón y Michael Laughlin en el guion de la historia. Un homenaje a la película de los años 50 y eso dueña estaban en el guion. Una película de un misteriosa misma. Una película casi sin presupuesto. 

En cuanto a los efectos especiales a principios 80 años de ficción tuvo fue realmente imaginativa. Lo que hizo Star Wars en el aspecto narrativo fue lo que abrió la puerta a las películas de género y fue lo que la gente no sabía atrevido a hacer hasta que apareció de Star Wars. Algo también parecido ocurre en Ikea es ver resort de efectos especiales debería aportar algo a la película si resulta que el director ni siquiera sabe qué hacer es siempre empieza con la idea del plano terminado y motiva ese plano termina. Stark Trek II: The Wrath of Khan (1982) tiene unos efectos especiales por la mítica ILM. Star Wars uno de los efectos se llama Go motion y aparece ya en el retorno del Jedi. Planta tecnología también se ve en el secreto de la pirámide o The Young Sherlock Holmes (1985) o The Abyss (1989) de James Cameron, o The Last Starfighter (1984) de Nick Castle, que fue la primera película usar los efectos especiales durante todo el metraje o invisible en Tron (1982). 

1984 es el año del estreno de Star Trek III: The Search for Spock, Star Trek III: The Search for Spock (Star Trek III: En busca de Spock) siendo la tercera entrega de la saga cinematográfica de Star Trek, que continuó la popularidad de la franquicia, pero también de los Terminator por su impacto en el futuro del cine de acción, The Last Starfighter por sus pioneros efectos CGI, y la adaptación de 1984 de George Orwell. 

Otras producciones clave de ese año incluyen Starman - Starman: El hombre de las estrellas- dirigida por John Carpenter, esta cinta de ciencia ficción y romance fue aclamada por la crítica y obtuvo una nominación al Oscar para Jeff Bridges., Dune y la aventura familiar Gremlins. La adaptación épica de David Lynch de la novela de Frank Herbert, que, a pesar de las críticas mixtas, se convirtió en una película de culto visualmente ambiciosa.  

También The Ghostbusters (1984) como señala Iván Reitman , que aunque mezcla comedia y terror, su temática de parapsicología y tecnología avanzada la sitúa como una de las principales películas de género fantástico/ciencia ficción de ese año, siendo un gran éxito de taquilla, o The last Starfighter (1984) con su uso temprano de efectos especiales generados por computadora (CGI) o El último guerrero estelar, una película pionera en el uso de gráficos por ordenador (CGI) para naves y efectos espaciales.  . 

También es importante en mil novecientos ochenta y cuatro lámparas de las aventuras Buckaroo Banzai Across The 8th Dimensión (1984) con Peter Weller de protagonista. El mismo dice que es una película que había de él no puede explicar de qué va. El director es W. D. Ritter. Una mezcla excéntrica de ciencia ficción, comedia y aventura, considerada una obra de culto indispensable de 1984. 

También deseando es The Terminator dirigida por James Cameron, estableció un hito en el género cibernético con Arnold Schwarzenegger. Dirigida por James Cameron y protagonizada por Arnold Schwarzenegger, esta película de acción y ciencia ficción se convirtió en un clásico instantáneo, marcando el inicio de una exitosa franquicia.. 

Runaway (1984)Repo Man, Dreamscape, y Electric Dreams se estrenaron también ese año .Night of the Comet (La noche del cometa): Una mezcla de ciencia ficción y terror de bajo presupuesto que se convirtió en una favorita de culto

1984: Adaptación directa de la novela distópica de George Orwell, estrenada en el año homónimo.1984: La adaptación cinematográfica de la novela homónima de George Orwell, dirigida por Michael Radford y protagonizada por John Hurt, estrenada, coincidentemente, en el año que da título a la obra. 

Starman (El hombre de las estrellas): Un enfoque más humano y romántico de la ciencia ficción, dirigido por John Carpenter. 

Dune: La ambiciosa adaptación de David Lynch de la famosa novela de Frank Herbert. 

2010: The Year We Make Contact (2010: Odisea dos): Secuela directa del clásico 2001: A Space Odyssey. La secuela de 2001: A Space Odyssey de Stanley Kubrick,2010: The Year We Make Contact (2010: Odisea dos) dirigida por Peter Hyams, fue una destacada superproducción espacial de ese año.

En el episodio cuatro se empieza hablando de las criaturas realizadas mediante efectos especiales. Will Wheaton y Ian Nathan de ejemplos que aparecen en películas como ET (1982), Aliens (1986), con su precedente,Alien (1979), Enemy Mine (1985) El pato Howard (1986), La cosa (1982), La mosca(1983), El retorno del Jedi (1983), Gremlins(1985), Critters (1986), la pequeña tienda de los horrores (1986), The Ghostbusters (1984)... Cuando se presentaba de manera adecuada ignoraban la tecnología y te iba directamente a centrarte en la criatura. Personajes como R2D2 o como yoga llevaban a un hombre dentro y a veces se usaban igualmente como marioneta. En ocasiones hubo auténticos artistas como Rob Bottin, responsable de parte de la animación de la cosa o Stan Winston responsable entre otros de Depredator o Alien.

En cuanto a las películas del año 1985 destacan las siguientes: regreso al futuro, como uno de los mejores guiones de Hollywood, con una actuación en estelares de Michael J. Fox, aunque en principio iba a ser Eric Scholz, y Christopher Lloyd. Regreso al futuro (Back to the Future): Dirigida por Robert Zemeckis, no solo fue la película de ciencia ficción más importante del año, sino la más taquillera de todo 1985 a nivel mundial. Se convirtió en un clásico instantáneo que mezcla comedia, aventuras y viajes en el tiempo.

Otra película de ese año es Cocoon de Ron Howard frente a historia de juventud que se publicaron en los 80 es una historia de personas mayores qué quieren y retomar su juventud. Dirigida por Ron Howard, esta mezcla de ciencia ficción y drama trata sobre un grupo de ancianos que experimentan un rejuvenecimiento gracias a extraterrestres. Es una película en clave de comediasenior al servicio de grandes nombres de la tercera edad de Hollywood como Don Ameche, Jessica Tandy, Hume Cronyn, Wilford Brimley o Mauren Stapleton. Aliens amables (aunque tengan el.rostro de Brian Dennehy) y sin faltar Steve Guttenberg. 

Está bien realizada, juega bien sus cartas de emoción, fantasía y comedia con algún fx resulton y un espíritu muy factoría Spielberg aunque no lo fuera. El resultado una película agradable.

La tercera es Mad Max en la cúpula del trueno, que siempre será recordada por la magnífica canción de Tina Turner. Frente a la segunda entrega que se centraba en la gasolina la tercera se centra en la producción de energía como metano. Mad Max 3: Más allá de la cúpula del trueno (Mad Max Beyond Thunderdome): Tercera entrega de la saga de acción postapocalíptica, protagonizada por Mel Gibson y Tina Turner.

Otra película es Explorers. Fue la primera película de Ethan Hawke , una película de triunfo gracias al cine doméstico. Otra película es Weird Science, una película con Kelly Lebrock , una historia adolescente.Dirigida por Joe Dante, una aventura juvenil sobre tres niños que construyen su propia nave espacial.

otras , aunque en el documental no se habla es Brazil: Una película de culto distópica dirigida por Terry Gilliam que presenta un mundo retro-futurista marcado por la burocracia y la sátira tecnocrática.

Junto a Brazil, otras películas estrenadas ese año son Enemigo mío (Enemy Mine), una historia de ciencia ficción centrada en la relación entre dos soldados enemigos, un humano y un extraterrestre, atrapados en un planeta hostil.

También D.A.R.Y.L.: Ciencia ficción familiar sobre un niño que resulta ser un robot creado militarmente con habilidades superiores. 

Referencias a Lifeforce (Fuerza vital) tenemos. Dirigida por Tobe Hooper, es una mezcla de ciencia ficción y terror donde una misión espacial descubre vampiros espaciales.

También a los logros encontrados en los efectos especiales de La cosa de John Carpenter (a veces listada en años cercanos, tuvo impacto en la época).

También hay referencia a la Weird Science (La mujer explosiva).

Cuanto al transbordador espacial - Space Shittle- Wil Wheaton comenta que el primer trabajador espacial si no son esos años y fue algo sorprendente y una forma más barata las aventuras espaciales además de aproximarse a lo que siempre había soñado en películas como Lifeforce o Star Trek. Un puente entre el mundo real y el mundo imaginario y fantástico. Pero cuando todo se prometía como algo fantástico el challenger explotó. El propio Reagan salió por televisión para hablar sobre esta historia de pioneros que acabo de mala manera. El programa espacial filoniano para el futuro. La dedicatoria de Star Trek 4 fue a la tripulación del challenger.

En novecientos ochenta y seis coincidiendo con el año de chernobyl, se estrenó la película cortocircuito - Short Circuit- de John Banham, película que habla de la amistad de aprenderlo todo y y llega un momento que es consciente de su propia mortalidad.

Cortocircuito (Short Circuit): Una comedia de ciencia ficción familiar muy popular sobre un robot (Número 5) que adquiere inteligencia.

También ese año se estrenó Aliens el regreso, una película de guerra en el espacio.Aliens: El regreso (Aliens): Dirigida por James Cameron, fue sin duda la película de ciencia ficción más influyente y exitosa del año, considerada una de las mejores secuelas de la historia.

Películas Flight of The Navigator. Es una historia sobre viajes en el tiempo con tecnología culturista al reto la de otros planetas y es el viaje de devil freeman para encontrar el camino de vuelta a casa con su verdadera familia. Cuando vuelves siguen teniendo doce años cuando sus familiares han unido ocho años. Un drama humano. El vuelo del navegante (Flight of the Navigator): Un clásico de culto de Disney sobre un niño que viaja 8 años al futuro en una nave espacial.

Ya en el episodio quinto se nos habla de Howard el pato Howard película basada en el cómic de Marvel  de Steve Gerbery que en el año 1986 realizó George Lucas con un planteamiento de comedia. Nos habla de ella Ed Gale el hombre que se introduce en su interior. Me parece una banda de chicas encabezadas por Lea Thompson. Algunos esperaban una película más ampliada pero no era para todos los públicos pues era una comedia irreverente y era solo para adultos pequeños. Era un pato descarado. Fue una película vanguardista y adulta un chiste es verdes y alejada del cine familiar. Gloria Katz no la entendió y Lucas vino a dirigirla. La tecnología no estuvo ahí para hacerla entendible y poco a poco la película se desmarró. 

Star Trek Four tuvo un enorme éxito. El guion lo tenía todo. Tercer planteó algo diferente. Tenía la comedia adecuada y el guión estuvo escrito por Leonard Nimoy y también la dirigía e intervenía como actor la película.. villano definitivo en la película era el hombre. Tengo el elemento sonoros se usó incluso la voz del director.Star Trek IV: Misión: Salvar la Tierra (Star Trek IV: The Voyage Home): Dirigida y protagonizada por Leonard Nimoy, fue un gran éxito de taquilla que introdujo un tono más ligero y ecológico a la saga.

Otras películas estrenadas ese año son La Mosca (The Fly): Dirigida por David Cronenberg, esta película de "body horror" y ciencia ficción fue aclamada por la crítica y se convirtió en un éxito comercial, con una actuación destacada de Jeff Goldblum. También lo hará Critters: Una comedia de terror y ciencia ficción que sigue a pequeños alienígenas carnívoros que aterrizan en la Tierra. Igualmente Invasores de Marte (Invaders from Mars): Un remake de Tobe Hooper de la clásica película de los años 50, con efectos especiales de Stan Winston. Otras películas relevantes de ciencia ficción o con elementos fantásticos destacadas en 1986 fueron La rebelión de las máquinas (Maximum Overdrive), From Beyond (Re-Sonator), Kin-dza-dza! (película de culto rusa), SpaceCamp y The Wraith (El aparecido).

Es una época también la que se le descubren mundos increíbles. Muy hermosa sinfonía magníficas partituras que hacen viajar y te llenan y te llevan a la acción. Un buen compositor como aparece en Explorer (1986) juega un papel importante. Realmente toda la composición musical cambia a partir de Steven Spielberg y su tiburón del año 1975 con música de John Williams. Todo el mundo siguió su ejemplo como se ve en películas ya de inicios de los 80.. esto se ve igualmente en mil novecientos setenta y siete con Star Wars también con música de Williams. O El Imperio contraataca del año 1980. 

Con The Last Starfighter (1984) también se incluye una música sinfónica buen regreso al futuro (1985) música de Alan silvestre donde se tuvo la mayor orquesta para una banda sonora. Con Robocop (1987) y con Totall Recall . Estará presente en la película Cazafantasmas. Y fue Dante declara el director de gremlins que estaban todo muy vinculado música y edición y dirección. Ejemplo más interesante de música temporal se ve la obra de Stanley kubrick 2001una Odisea en el espacio. Probó durante la película con música de Richard Strauss y entonces Oliver North le dijo esta mejor que la música que yo había compuesto. 

También hay nueva tecnología que se usan por ejemplo con el emulador y en películas como de Terminator de 1984. Generaba un sonido grande. El sonido también juega un papel importante como se puede ver en Blade runner en 1984 con música de Vangelis Papatanasios. Los diseñadores y el sonido iban a generar atmósferas emotivas que usaban sintetizadores y campanas que se introducían en la escena más estimulantes envolventes.  A veces se introduce el rock o como el caso de repo man del año 1984 o en mi Star Trek y que también introduce música rock, incluso punk. 

Muchos compositores de los años ochenta escribieron temas y melodías que podían tener hizo una de las cosas más significativas de las películas de ciencia ficción de esta décadas. 

El año 1987 fue un año destacado para el cine de ciencia ficción y acción, marcado por lanzamientos icónicos que definieron el género de la época ciberpunk y la ópera espacial paródica. 

En 1987 las películas más significativas son de predators Predator con Arnold Schwarzenegger que va en la línea de Rambo 2 o cualquier obra de Stallone. Las principales películas de ciencia ficción de 1987 incluyen:

Depredador (Predator) (John McTiernan): Película de acción y ciencia ficción protagonizada por Arnold Schwarzenegger, que se convirtió en un clásico del género. Un aspecto interesante que al pelotón a todos los integrantes de ese pelotón se le dan un protagonismo auténtico. Es una película existencial.  Uno de los mejores momentos de la testosterona. 

Otra película en la historia la loca historia de las galaxias o space balls (1987) que creó la nave espacial más grande del universo interminable. Se reían de todo y de todo de hecho hay juegos y guiños a otras muchas películas del género del que pretendían reírse, desde el planeta de los simios hasta alien el octavo pasajero. O Star Wars. Muy en la línea de Mel Brooks. Pero también se reían de Indiana Jones. . Acaba con la petición de una loca historia de las galaxias 2, que nunca se hizo. S.O.S. Hay un loco suelto en el espacio (Spaceballs) (Mel Brooks): Una famosa parodia de ópera espacial que satira principalmente a Star Wars, pero también a Star Trek y Alien. 

Innersosce (1987) de Joe Dante es otra de las películas exitosas de este año 1987. Tiene un tono de ciencia ficción pero sobre todo cómico. Cuando se hizo este viaje simplemente. El viaje alucinante es el título que se le vio en español. Viaje por el ciclo sanguíneo es una de las imágenes icónicas de esta película. El chip prodigioso (Innerspace) (Joe Dante): Comedia de ciencia ficción y aventuras que ganó popularidad en el verano de 1987. 

Ese año también se estrenó Robocop con Peter weller como actor principal. Era una bofetada a la sociedad. El rodaje es complicado y el enfrentamiento entre el director holandés y el actual principal y llevó a una atención tremenda.  RoboCop (Paul Verhoeven): Considerada una de las principales películas de ciencia ficción ciberpunk y sátira social. 

Perseguido o Tre running Man su otra de las películas representativas del año 1987. Una película en la que la tecnología a la última. Hoy estamos al nivel de esa tecnología era absolutamente vanguardista. Perseguido (The Running Man) (Paul Michael Glaser): Una distopía futurista basada libremente en la novela de Stephen King, también protagonizada por Schwarzenegger. 

Entre héroes y villanos de la ciencia ficción tremendas son visibles en películas cómo estás aliens retorno al pasado Flash Gordon o Dune. En Robocop, Runaway, Dune , Saturn 3. Eso sí todos ellos en la ciencia ficción son personajes accesibles, son necesarias. 

Películas como las chicas terrestres son fábricas, Earth Girls are easy (1988)  , número musical el director es julian temple. Cabe participa Jim Carrey, Damon  Wayans  y Jeff Goblum y como chica Geena Davis. 

Otras películas de ese año son Masters of the Universe (Gary Goddard): Película de fantasía y ciencia ficción basada en la línea de juguetes de He-Man. 

Tambien es ***batteries not included (Robots)**: Película familiar de ciencia ficción sobre pequeños robots extraterrestres. 

De ese año The Hidden (El oculto): Un thriller de ciencia ficción con elementos de acción y extraterrestres así como otras producciones notables del género lanzadas en ese año fueron Royal Space Force: The Wings of Honnêamise (anime), Superman IV: The Quest for Peace y Evil Dead II (con fuertes toques de horror/ciencia ficción).

Y el sexto y último episodio comienza con Akira una película del año 1988. Fue uno de los primeros animes japoneses que triunfó en los Estados Unidos. Murió la animación japonesa a América, antes habían llegado un buen número de series televisivas a la televisión norteamericana. El año 1988 fue destacado para la ciencia ficción, marcado tanto por clásicos de culto como por la animación japonesa de vanguardia.Akira (1988): Una obra maestra del anime y del cyberpunk dirigida por Katsuhiro Ōtomo. Ambientada en Neo-Tokyo, es considerada una de las películas más influyentes del género. 

Otra película del año 1988 es Mac and me o Mi amigo Mac. Inspirado en rojo Donald McDonald.. firmó y parecida de té verde y ya que se quedaron solo con el concepto en el típico alien de ojos grandes. Es una película para niños. Es una historia de un niño y peluda y de un muñeco extraterrestre. Fue la primera película en la que llega y aparece Jennifer Aniston. 

Alien Nation (Nación Alien) es una película de acción y ciencia ficción que narra la integración de una raza alienígena en la sociedad de Los Ángeles, mezclando el género buddy cop. Alien nation, otra de las grandes películas de el año 1988. Es una película de ciencia ficción con dos policías amigos uno de ellos extraterrestre. Aparece James Caan y Terence Stamp. 

Otra película es Cherry 2000. Rodaron en el interior de la presa Hoover. Ya vemos a las Vegas sepultadas por dunas inmensas. 

Junto a ella está la magnífica película Están vivos (They Live) de John Carpenter, una película de acción y ciencia ficción satírica que se convirtió en un clásico de culto, famosa por su crítica al consumismo y sus escenas de acción. 

El Blob (The Blob), conocida en España como El terror no tiene forma de Chuck Russell, un remake de terror y ciencia ficción que superó al original, mostrando a un organismo amorfo devorando un pueblo. 

Hubo también una segunda entrega de Cortocircuito 2 (Short Circuit 2), secuela que continúa las aventuras del robot Johnny 5 en un tono más de comedia familiar y acción. Más influyente fue Mi amigo Mac, una película dirigida por Stewart Raffill con Christine Ebersole, Jonathan Ward, Tina Caspary.  

A destacar igualmente Killer Klowns from Outer Space (Payasos asesinos), una mezcla de terror, ciencia ficción y comedia que ha ganado un gran seguimiento de culto a lo largo de los años. 

Mi novia es una extraterrestre (My Stepmother Is an Alien): Una comedia de ciencia ficción protagonizada por Kim Basinger y Dan Aykroyd. 

Otras menciones notables de ese año incluyen Miracle Mile (una distopía de tensión nuclear) y la segunda entrega de Critters, la 2. También una segunda parte de una película que había impactado en su primera entrega, Cocoon que aquí tendrá como subtítulo El retorno, una película dirigida por Daniel Petrie con parte del grupo de actores originales como Jessica Tandy, Don Ameche junto a Steve Guttenberg. Y un éxito que aquí no impactó tanto como Las chicas de la tierra son fáciles de Julien Temple con , entre otros, Geena Davis, Jeff Goldblum, Jim Carrey ...

Mientras tanto hay una visión futurista del futuro y de la ciencia que a lo largo de la década preveía lo que iba a ser nuestro futuro como hemos señalado en casi todas las películas cine hemos hecho referencia aquí. Desde total hasta aliens pasado por retorno al futuro. Por ejemplo casi está Internet.. parecen ya la tecnología de drones. Gran parte de local en estas películas de ciencia ficción al final se concretaron la realidad como la Deep Fakes o Skanet de Terminator.

Las principales películas de ciencia ficción de 1989 incluyen éxitos taquilleros y clásicos de culto que definieron la época. Destacan la segunda pieza de Retorno al Futuro Parte II, The Abyss (Abyss) y Los Cazafantasmas II, junto con otras notables como Cyborg y Las alucinantes aventuras de Bill y Ted. 

Como película del año 1989 la primera que destaca es Bill & Ted's Excellent Adventure haz una película para adolescentes que viajó en el tiempo en el que sale aquí no Ribes y el chico que habla en el documental. Tu madre de transporte es una cabina telefónica sirve para dejar en el tiempo. Reconocen que la película era algo extraña. 

Con Regreso al Futuro Parte II (Robert Zemeckis) retornó una de las secuelas más esperadas y taquilleras, que explora viajes en el tiempo. 

Cariño he encogido a los niños es otra de las películas que se estrenan ese año. Es una versión del increíble hombre menguante de Matheson. Hay carreteras en stop motion. 

The Abyss (James Cameron): Conocida por sus impresionantes efectos especiales bajo el agua y trama de contacto alienígena. En éxito también será Los Cazafantasmas II (Ivan Reitman): Secuela que combina comedia con elementos fantásticos y de ciencia ficción. Las alucinantes aventuras de Bill y Ted (Stephen Herek): Comedia de viajes en el tiempo de culto. 

Cyborg (Albert Pyun): Película de acción post-apocalíptica protagonizada por Jean-Claude Van Damme. Comunión (Philippe Mora): Basada en las supuestas experiencias de abducción de Whitley Strieber. Estas producciones marcaron un año de transición hacia la ciencia ficción de los años 90. 

Otra película fue setenta minutos para vivir o Miracle Mile. Es la guerra nuclear. La película costó 3 millones de dólares, y en español se llamó 70 minutos para huir, una película de suspense apocalíptico estadounidense de 1988 escrita y dirigida por Steve De Jarnatt y protagonizada por Anthony Edwards y Mare Winningham.[1] La película se desarrolla principalmente en tiempo real. Lleva el título del barrio Miracle Mile de Los Ángeles, donde tiene lugar la mayor parte de la acción. Roger Ebert elogió la película y afirmó que tenía una «eficacia diabólica» y una sensación de «terror real».En su reseña para el Washington Post, Rita Kempley escribió: «Parece que [De Jarnatt] no está comprometido con su historia o sus personajes, sino con la idea de que está diciendo algo profundo, lo cual no es así.»[9] Stephen Holden, en The New York Times, escribió: «Como Harry y Julie, el señor Edwards y la señora Winningham forman una pareja inusualmente refrescante.» En su reseña para el Boston Globe, Jay Carr la llamó: «[...] una película desordenada, pero tiene energía, urgencia, convicción y calor y no la olvidarás pronto.» El crítico de cine y televisión británico Charlie Brooker, en un artículo para el sitio web de la BAFTA escrito en septiembre de 2008, otorgó a 70 minutos para huir el honor de tener la «Mayor sacudida de tono» de cualquier película que haya visto