Shakespeare enamorado

Recuerdo haber ido al cine en el año 1998, o a inicios del 99, aunque no recuerdo bien la sala. Pudo ser los Multicines del Zoco, pero no lo puedo asegurar. Hoy los mismos no existen, para mi desgracia, y para todos aquellos que gustan ir al cine paseando y no  tener que tomar el coche. 

Recuerdo que en los programas de cine de la época recalcaban como en la época isabelina las mujeres tenían estrictamente prohibido subir al escenario, por lo que los papeles femeninos eran interpretados siempre por hombres jóvenes. El feminismo necesario y justo creciente, pero en su versión cercana al wokismo, comenzaba. La historia era así a finales del siglo XVI, juzgar lo de ese siglo con nuestros valores parece absurdo, tanto como la medida que se aplicaba. Era una época, otra época. 

Me imagino que fueron las nominaciones o las críticas favorables las que me llevaron junto a mi mujer al cine. Finalmente, la película fue ganadora en 1999 del Oscar a la mejor película, a la mejor actriz principal (Gwyneth Paltrow) y al mejor guion original (entre numerosos premios más).

Desde que la vi me pareció una películita, bien realizada, fenomenalmente interpretada, pero no dejaba de ser una emotiva comedia romántica de tintes dramáticos y un estudio sobre el amor y el proceso de creación con el teatro isabelino como telón de fondo. 

La cinta, que se convirtió también en la gran triunfadora en los Globos de Oro y los BAFTA de dicho año. Contó con Joseph Fiennes - un actor que ha ido a menos, de hecho, lo he visto hace poco interpretando a Southgate, el seleccionador btitánico- interpretando el papel principal del joven Shakespeare mientras que la Paltrow dando vida a su clandestina e inesperada musa. Una historia de sueños, pasión y pérdida en una época marcada por persecuciones, seducciones e intrigas. 

Shakespeare enamorado se estrenó el 11 de diciembre de 1998 en Estados Unidos, distribuida por Miramax Films, y el 29 de enero de 1999 en el Reino Unido, distribuida por Universal Pictures. 

En la producción aparece The Bedford Falls Company que aportó 25 millones de dólares y aparecen como productores David Parfitt, Donna Gigliotti, Harvey Weinstein, Edward Zwick y Marc Norman La película recibió elogios de la crítica, recaudó 289 millones de dólares con un presupuesto de 25 millones y fue la novena película más taquillera de 1998. 

Como ya he señalado, recibió numerosos galardones, entre ellos tres Globos de Oro (incluidos Mejor Película - Musical o Comedia y Mejor Actriz en una Película - Musical o Comedia para Paltrow), dos Premios del Sindicato de Actores (Mejor Reparto y Mejor Actriz para Paltrow) y cuatro Premios BAFTA (incluido Mejor Película). Ganó siete premios Óscar de trece nominaciones en la 71.ª edición de los Premios de la Academia: Mejor Película, Mejor Actriz para Paltrow, Mejor Actriz de Reparto para Dench, Mejor Guion Original, Mejor Banda Sonora Original, Mejor Dirección Artística y Mejor Diseño de Vestuario. 

La película narra un romance ficticio entre el dramaturgo William Shakespeare (Fiennes) y Viola de Lesseps (Paltrow) durante la escritura de Romeo y Julieta. Varios personajes están basados en figuras históricas, y muchos de ellos, diálogos y recursos argumentales aluden a las obras de Shakespeare. 

Shakespeare in love o enamorado está dirigida por John Madden y escrita por Marc Norman y Tom Stoppard y protagonizada muchos grandes actores y actrices británicos, que en las películas de época, son inigualables como son Gwyneth Paltrow, Joseph Fiennes, Geoffrey Rush, Colin Firth, Ben Affleck y Judi Dench.

Richard Greatrex fue el responsable de fotografía, siendo el montador David Gamble y cuenta con la música de Stephen Warbeck. 

La película comienza en el Londres del año 1593. El joven dramaturgo William Shakespeare (Joseph Fiennes ) sufre un bloqueo total. Por mucho que lo intenta, y a pesar de la presión que recibe de financieros y dueños de salas de teatro, no consigue inspiración para su nueva obra. Lo que Will necesita es una musa. 

En ese Londres Shakespeare era actor ocasional en la compañía teatral Lord Chamberlain's Men y dramaturgo para Philip Henslowe (Geoffrey Rush ) , propietario del teatro The Rose. 

Aquejado de bloqueo creativo con su nueva comedia, Romeo y Ethel, la hija del pirata, Shakespeare intenta seducir a Rosalina ( Sandra Reinton ), amante de Richard Burbage (Martin Clunes ), dueño del teatro rival Curtain, y convencerlo de que le compre la obra a Henslowe. 

Shakespeare recibe consejos de su amigo y rival, el dramaturgo Christopher Marlowe (Rupert Everett ) , pero se desanima al descubrir que Rosalina tiene una relación con el maestro de ceremonias Edmund Tilney (Simon Callow ). 

El desesperado Henslowe, en parte por los efectos de la peste en la ciudad, está endeudado, con el despiadado prestamista Hugh Fennyman (Tom Wilkinson), comienza las audiciones de todos modos. 

En una representación está presente Viola de Lesseps (Gwyneth Paltrow ) , la hija de un rico comerciante, atendida siempre por su ayudante o aya (Imelda Staunton ) que había visto las obras de Shakespeare en la corte y junto a la Reina Isabel I (Judi Dench ).

Para la audición de la nueva obra de Shakespeare ella, Viola , se disfraza de hombre con el nombre de Thomas Kent para la audición. Kent despierta el interés de Shakespeare con un discurso de Los dos hidalgos de Verona, pero huye cuando Shakespeare la interroga. Persigue a Kent hasta la casa de Viola y deja una nota con su nodriza, pidiéndole que comience los ensayos en el Rose. 

Shakespeare se cuela en un baile en la casa, donde los padres de Viola arreglan su compromiso con Lord Wessex (Colin Firth ), un aristócrata necesitado de dinero. 

Bailando con Viola, Shakespeare queda sin palabras. Al ser confrontado por Wessex, Shakespeare se presenta como Christopher Marlowe. Wessex expulsa a "Marlowe" y amenaza con matarlo. Shakespeare encuentra a Viola en su balcón, donde confiesan su mutua atracción antes de que su nodriza lo descubra y huya. 

Inspirado por Viola, Shakespeare transforma rápidamente la obra en lo que se convertiría en Romeo y Julieta. Comienzan los ensayos, con Thomas Kent como Romeo, el destacado actor trágico Ned Alleyn (Ben Affleck ) como Mercucio y el joven Fennyman, con gran talento para el teatro, en un pequeño papel. Después de que Shakespeare descubre la verdadera identidad de Viola, comienzan un romance secreto. 

Mientras tanto,  Viola es convocada a la corte para obtener la aprobación de su propuesta de matrimonio con Wessex. Shakespeare la acompaña, disfrazado de prima de su niñera, y persuade anónimamente a Wessex en público para que apueste 50 libras a que una obra de teatro puede capturar la verdadera naturaleza del amor, la cantidad que Shakespeare necesita para comprar una participación en la compañía teatral Chamberlain's Men. La reina Isabel I declara que juzgará el asunto. 

Burbage se entera de que Shakespeare ha seducido a Rosalina y le ha estafado el pago por la obra, y provoca una pelea en el Rose con su compañía.

Los actores del Rose repelen a Burbage y sus hombres y celebran en el pub, donde un Henslowe borracho le confiesa a Viola que Shakespeare está casado, aunque separado de su esposa. 

Poco después llega la noticia del asesinato de Marlowe. Un Shakespeare atormentado por la culpa supone que Wessex mandó matar a Marlowe, creyendo que era el amante de Viola, mientras que Viola cree que Shakespeare es la víctima. 

Shakespeare aparece en su iglesia, tranquilizando a Viola y aterrorizando a Wessex, quien cree que es un fantasma. Viola confiesa su amor por Shakespeare, pero ambos reconocen que no puede eludir su deber de casarse con Wessex. 

John Webster, un muchacho desagradable que merodea por el teatro, jugueteando con unos ratones, espía a Shakespeare y Viola mientras hacen el amor e informa a Tilney, quien clausura el Rose por infringir la prohibición de actrices. 

La identidad de Viola queda al descubierto, dejando a Shakespeare sin escenario ni actor principal, hasta que Burbage ofrece su teatro y el desconsolado Shakespeare acepta el papel de Romeo. Tras su boda, Viola se entera de que la obra se representará ese mismo día y huye al otro teatro al norte de la ciudad, el Curtain. 

Oye que el joven que interpreta a Julieta no puede actuar, pues le ha cambiado la voz, y Henslowe le pide que lo sustituya. Ella interpreta a Julieta junto al Romeo de Shakespeare ante un público extasiado. 

Justo después de que la obra haya terminado, Tilney llega para arrestar a todos por indecencia debido a la presencia de Viola, pero la Reina se revela entre los asistentes y lo detiene, fingiendo que Kent es un hombre con un "notable parecido" a una mujer. 

Incapaz de disolver un matrimonio legítimo, ordena a Viola que zarpe con Wessex hacia Virginia. La reina también le comunica a Wessex, de quien Webster revela que ha seguido a Viola al teatro, que Romeo y Julieta ha ganado la apuesta para Shakespeare, y le pide a Kent que le entregue sus 50 libras a Shakespeare con instrucciones de escribir «algo más alegre la próxima vez, para Noche de Reyes». 

Viola y Shakespeare se despiden, y él jura inmortalizarla, imaginando el comienzo de Noche de Reyes, donde aparece una mujer llamada Viola disfrazada de hombre tras un viaje a una tierra extraña. La idea como una mujer que desembarca en una playa desierta, mientras van saliendo los títulos de crédito.

La idea original de Shakespeare in Love fue sugerida al guionista Marc Norman a finales de la década de 1980 por su hijo Zachary. Norman escribió un borrador del guion que presentó al director Edward Zwick, el cual atrajo a Julia Roberts, quien aceptó interpretar a Viola. Sin embargo, a Zwick no le gustó el guion de Norman y contrató al dramaturgo Tom Stoppard para mejorarlo (el primer gran éxito de Stoppard había sido con la obra de teatro basada en Shakespeare, Rosencrantz y Guildenstern han muerto). 

La película entró en producción en 1991 en Universal, con Zwick como director, pero aunque la escenografía y el vestuario estaban en construcción, aún no se había elegido al actor para el papel de Shakespeare, ya que Roberts insistía en que solo Daniel Day-Lewis podía interpretarlo. Day-Lewis no estaba interesado, y cuando Roberts no logró convencerlo, ella se retiró de la película seis semanas antes de que comenzara el rodaje.

Zwick y el estudio intentaron realizar pruebas de química entre Roberts y varios actores desconocidos, entre ellos Hugh Grant, Ralph Fiennes, Jeremy Northam, Rupert Graves, Colin Firth y Sean Bean, pero Roberts faltó a las reuniones o les encontró defectos a todos. 

Tras una última prueba de pantalla con Paul McGann, Roberts se retiró de la producción, lo que Zwick atribuyó a la inseguridad que sentía ante la presión por tener éxito en el papel.

La producción se paralizó y Zwick no logró convencer a otros estudios para que se interesaran por el guion. La cancelación de la película le costó a Universal 6 millones de dólares. 

Finalmente, Zwick consiguió que Miramax Films se interesara por el guion, pero Miramax eligió a John Madden como director en lugar de Zwick, quien en su lugar ejerció como productora. El jefe de Miramax Films, Harvey Weinstein, también fue productor. Que el presidente de un estudio se atribuyera el crédito de productor provocó una gran polémica en la industria, lo que dio lugar a la llamada «Regla Harvey», que estipula que, para obtener el crédito del Sindicato de Productores, un productor debe haber desempeñado un papel fundamental en la realización de la película. Para justificar su crédito, Harvey afirmó que se había ausentado de sus funciones ejecutivas en Miramax para trabajar en esta película, lo que Mark Gill, veterano ejecutivo de Miramax Films, calificó de «una completa farsa».

Weinstein convenció a Ben Affleck para que interpretara un pequeño papel como Ned Alleyn.A Kate Winslet se le ofreció el papel de Viola tras el éxito de Titanic, pero lo rechazó para dedicarse al cine independiente. Winona Ryder, Diane Lane y Robin Wright también fueron consideradas para el papel principal. 

El rodaje principal comenzó en marzo de 1998 y finalizó en  junio de 1998. La película fue considerablemente modificada tras las primeras proyecciones de prueba. La escena de Shakespeare y Viola en la barca se volvió a filmar para hacerla más emotiva, y se regrabaron algunos diálogos para aclarar las razones por las que Viola tuvo que casarse con Wessex. 

El final se filmó varias veces, hasta que Stoppard finalmente concibió la idea de que Viola le sugiriera a Shakespeare que su despedida podría inspirar su siguiente obra.

Entre los lugares utilizados en la producción se encontraban Hatfield House, Hertfordshire (para la escena de los fuegos artificiales), el Castillo de Broughton, Oxfordshire (que representó la mansión de los de Lesseps), la playa de Holkham en Norfolk, la capilla del Eton College, Berkshire, y el Gran Salón del Middle Temple, Londres. 

Gran parte de la acción de la película evoca la de Romeo y Julieta. Will y Viola recrean las famosas escenas del balcón y el dormitorio; al igual que Julieta, Viola cuenta con una ingeniosa nodriza y está separada de Will por el deber (aunque no por la enemistad familiar de la obra: se supone que las "dos familias" de Romeo y Julieta están inspiradas en los dos teatros rivales). Además, ambos amantes están igualmente marcados por el destino: no están destinados a estar juntos (ya que Viola proviene de una familia de comerciantes ricos y ambiciosos, y está prometida en matrimonio con Lord Wessex, mientras que Shakespeare es pobre y ya está casado). Rosalina, de quien Will está enamorado al principio de la película, lleva el mismo nombre que el interés amoroso de Romeo al comienzo de la obra. 

Hay referencias a versiones cinematográficas anteriores de Shakespeare, como la escena del balcón que imita la versión de Romeo y Julieta de Zeffirelli. Muchos otros recursos argumentales utilizados en la película son comunes en las comedias shakespearianas y otras obras de la época isabelina: el monarca que se mueve sin ser reconocido entre el pueblo ,  los disfraces de travestismo, las identidades equivocadas, el duelo de espadas, la sospecha de adulterio, la aparición aparente de un fantasma (cf. Hamlet y Macbeth) y la «obra dentro de la obra». 

Según Douglas Brode, la película retrata con destreza muchos de estos recursos como si los acontecimientos representados hubieran inspirado el propio uso que Shakespeare hizo de ellos en sus obras. 

Christopher Marlowe es presentado en la película como el maestro dramaturgo a quien los personajes consideran el más grande dramaturgo inglés de la época; esto es históricamente preciso, pero también humorístico, ya que el público de la película sabe lo que finalmente le sucederá a la reputación de Shakespeare. Marlowe le da a Shakespeare un argumento para su siguiente obra, «Romeo y Ethel, la hija del pirata». Se cita repetidamente el Doctor Fausto de Marlowe. También se hace referencia a la última obra inconclusa de Marlowe, La masacre de París, en una escena donde Marlowe (Rupert Everett) le pide a Richard Burbage (Martin Clunes) que le pague por el acto final. Burbage promete pagarle al día siguiente, por lo que Marlowe se niega a entregar las páginas y parte hacia Deptford, donde muere.

El niño John Webster (Joe Roberts), que juega con ratones, es una referencia a una figura destacada de la siguiente generación de dramaturgos, la jacobina. Sus obras (La duquesa de Malfi, El diablo blanco) son conocidas por su "sangre y violencia", a lo que el niño hace referencia humorísticamente al decir que disfruta de Tito Andrónico, y también al decir de Romeo y Julieta, cuando la reina le pide su opinión: "Me gustó cuando ella se apuñaló a sí misma".

Asimismo, el barquero del Támesis que transporta a Shakespeare a la finca de Robert de Lesseps, y trata de obtener la opinión de Shakespeare sobre su propia escritura, hace referencia a John Taylor. 

La película «no se ve limitada por preocupaciones sobre la precisión literaria o histórica» e incluye anacronismos, como una referencia a las plantaciones de tabaco de Virginia, en una época anterior a la existencia de la Colonia de Virginia.

Otra licencia histórica concierne al tema central de la lucha de Shakespeare por crear la historia de Romeo y Julieta, mientras que en la vida real simplemente adaptó una historia ya existente. Arthur Brooke tradujo al inglés el relato en verso italiano La trágica historia de Romeus y Julieta en 1562, 32 años antes de la obra de Shakespeare, Romeo y Julieta. 

Uno de los personajes principales es un conde de Wessex, un título que en la época de Shakespeare no existía desde hacía más de 500 años. El Sunday Telegraph informó que el príncipe Eduardo, tercer hijo de Isabel II, se sintió atraído por el condado de Wessex, que se convirtió en su título al casarse, después de ver la película y conocer al personaje, y eso, según The Sunday Telegraph, el Príncipe Eduardo que iba a ostentar el título de Duque de Cambridge tras su matrimonio con Sophie Rhys-Jones en 1999, un año después del estreno de la película. Sin embargo, tras ver Shakespeare enamorado, se sintió atraído por el título del personaje interpretado por Colin Firth y solicitó a su madre, la Reina Isabel II, que se le otorgara el título de Conde de Wessex, recuperándose así el título. . 

De ella los críticos han escrito con más o menos satisfacción. En Gran Bretaña Quentin Curtis en el Telegraph valora la película "En su matrimonio de farsa y sentimiento, hay una magia innegable, un espíritu cómico que puede llamarse con certeza Shakespeariano. (...) 

Ian Nathan en Empire consideró que "Esto es posmodernismo sin pretenciosidades, una obra de época sin la pomposidad (...) La inteligencia de 'Shakespeare In Love' no aliena (...). 

Time Out valoró la película como una " (...) muestra su superficialidad con buen humor y el reparto merece gran parte del reconocimiento (...) Es el inteligente guion de Tom Stoppard el que la hace tan satisfactoria" 

En la BBC, William Gallagher escribió que "Es una comedia alegre y muy inteligente (...) Todo el reparto está excelente (...)" En The Guardian Alex von Tunzelmann dejó negro sobre blanco que "La entretenida versión de John Madden del proceso creativo de Shakespeare hace suficientes alusiones ingeniosas para contentar a todos excepto a los estudiantes de Shakespeare más rigurosos" 

En Radio Times, Lorien Haynes escribió que era "Una película que es apasionada, inteligente e histéricamente divertida (...) 

En los Estados Unidos críticos como  Janet Maslin, del New York Times, incluyó la película en su lista de "Recomendaciones de la Crítica del NYT", calificándola de "puro encanto". Según Maslin, «Gwyneth Paltrow, en su primera gran interpretación protagonista, crea una heroína tan impresionante que resulta totalmente creíble como la inspiración del dramaturgo». Janet Maslin además en estas páginas del The New York Times consideró que la película "Introduce con inteligencia el lenguaje y la emotividad de Shakespeare en un romance glamuroso y embriagador." 

Roger Ebert, del Chicago Sun Times escribió: «El humor contemporáneo (como la taza de café de Shakespeare, con la inscripción "Recuerdo de Stratford-upon-Avon") hace que la película parezca una competencia entre Masterpiece Theatre y Mel Brooks. Luego, la película incorpora una dulce historia de amor, intrigas palaciegas, política entre bastidores y algunos momentos encantadores de Romeo y Julieta... ¿Es una película o una antología? Me daba igual. Me dejé llevar por el ingenio, la energía y una dulzura sorprendente». 

En otro diario de Illinois como el Chicago Reader en el que escribía Lisa Alspector consideró que "Su inteligente relación con lo que se conoce y lo que no está resuelto es en parte lo que la hace tan intrigante y romántica".

Keith Phipps de AV Club valora el film al decir que era "Una película entretenida pero bastante ligera (...) 'Shakespeare In Love' ofrece lo que promete".

Lael Loewenstein en Variety la describió como "Exquisitamente interpretada, dirigida con firmeza y ensamblada de forma impresionante." 

En la revista Rolling Stone, Peter Travers escribió que "No te puedes perder una película que habla el lenguaje del amor con tanta pasión y deleite. 

Stephen Hunter en The Washington Post aseveró que "La película se convierte en algo único y mágico: un texto sobre un texto que está lleno de vida (...) ¡Es posmoderna y divertida a la vez! 

En línea opuesta a los demás está la opinión del cineasta canadiense David Cronenberg que criticó la película diciendo que «me molestó mucho» porque era «cine deconstructivista, pero también es solo Romeo y Julieta otra vez». 

Ya en España Carlos Boyero entonces en El Mundo calificó la película como "Obra maestra; maravillosa, espléndida". 

En El País, Ángel Fernández Santos consideró que era un "Agradable pasaratos, pero menos de lo que parece" y en este mismo diario, 

Omar Khan, consideró que era una "Película delicada y conmovedora de demostrada capacidad para seducir y complacer a todos (crítica y público), su eficacia radica en su capacidad narrativa y en su historia de amor, sin intenciones historicistas" .

Para terminar y acabar con la película reconozco que sí recuerdo donde fui a ver otra película de aquel año 1998 que me impactó y que creo que sí tuvo que ganar el Oscar a la mejor película. Se trata la de Salvar al Soldado Ryan que sí que recuerdo haberla vista en el Zoco. No entiendo como Shakespeare in love obtuvo la victoria como Mejor Película o como Judi Dench se llevó el galardón interpretando a la reina Isabel I apareciendo únicamente unos ocho minutos en toda la cinta, y como compitió y venció a la gran favorita de la crítica: Salvar al soldado Ryan de Steven Spielberg. No hay color en favor de la de Spielberg.

Amaya

Luis Marquina fue un director español nacido en Barcelona (1904) - y que murió en Madrid (1980), y está considerado como uno de los artesanos cinematográficos españoles cuando tuvimos nuestra floreciente industria cinematográfica. 

En sus inicios fue ingeniero de sonido, pero Luis Buñuel  le dio la oportunidad de rodar su primera película: Don Quintín el amargao (1934), basada en la obra de Carlos Arniches. 

Marquina fue escritor, productor y director, y tuvo una prolífica carrera, escribiendo y dirigiendo todo tipo de géneros con inclinación por el musical y la comedia; también realizó varias coproducciones internacionales. 

Entre sus obras destacan El chismoso (1938), La viudita naviera (1962), Asedio del terror (1970), ¡Backfire!. Crucero de verano, Su hermano y él, Malvaloca, Torbellino, El capitán veneno, Noche fantástica, Ventolera, Navidades en Junio, Fabuloso fraude, Adiós Mimí Pompón, Maribel y la extraña familia. Aunque curiosamente iba a dirigir Amaya años antes Arturo Ruiz Castillo. El rodaje fue bastante accidentado y se interrumpió durante casi un año por cuestiones económicas. Por suerte, casi todo el equipo estuvo disponible para continuarla. José Luis Merino fue ayudante de dirección

Amaya fue uno de sus éxitos. Es una película del año 1952 que comienza con una cartela que dice que los primeros vascos nacidos en los montes de España procedían de una tribu, llegada de Oriente, y regidas por Aitor. Cuantas generaciones se sucedieran conservarían el respeto casi fanático al patriarca Aitor ya cuanto él estableció. Tal fanatismo se convirtió solo en ley de tradición cuando aquellas gentes empezaron a convertirse al cristianismo. 

Aitor trajo de Oriente un fabuloso tesoro, pero temeroso de que su posesión sembrada el odio en la discordia entre los suyos, antes de que se creara un verdadero pueblo , lo escribió celosamente prohibiendo que nadie usara de él mientras no se extinguiera la línea masculina de sus descendientes directos. El secreto del escondite pasaba de padres a hijos sin que ninguno osara violar la consigna de Aitor decretó. 

Por mandato del patriarca su primera descendiente femenina sería la dueña de tal tesoro, la heredera de sus derechos patriarcales como y si se casaba, sería su marido el primer rey de los vascos, pudiendo ambos disfrutar del tesoro para bien de su súbditos. 

Llama la atención que empiece así esta película de la productora valenciana CIFESA y cuenta con José Bodalo como Teodosio entre sus actores pero que también cuenta con Rafael Luis Calvo como Eudonio, Julio Peña Iñigo García y con Susana Canales como la bella Anaya. Así otros como Pedro Porcel como Vladimiro, Ramón Elías como Hermano Paconio, Armando Moreno como Capitán Munio, Porfiria Sanchiz como Amagoya y muchos más, entre ellos colabora igualmente Manolo Morán.

La película se inspira en la novela de de Francisco Navarro Villoslada del año 1879 de título: ‘Amaya o los vascos en el siglo VIII’ y en la ópera de JM Arroitajauregui, del año 1920, con libreto de José María Arroita Jáuregui siendo adaptada y teniendo un guión literario escrito por José Luis Albéniz y Jesús Azkarreta. El guión técnico es de Luis Marquina. 

La banda sonora fue creada por Jesús Guridi basada en la ópera del mismo autor e interpretada por profesores de la orquesta sinfónica de Madrid y en la película igualmente aparece un baile representativo de la cultura vasca, la  Espatadatza, que fue a cargo del grupo de danzas Batz Alai de la Juventud Antoniana vinculada con los padres franciscanos y con Irala Barri de Bilbao.

La fotografía fue la voz de José F. Aguayo y Heinrich Gärtner y los exteriores aparenmtemente  se rodaron en el País Vasco siendo el responsable de cámara Eloy Mella. El montaje fue labor de Magdalena Pulido. Le ofrece el producción fue Felipe Mayo y los exteriores Enrique de Lama. El vestuario sigue los bocetos de Iturribarria Legorburu y fueron confeccionados por Peris hermanos.  Gran parte de la película se rodó en los estudios de Sevilla films siendo objeto jefe general de sonido Jaime torrens y el jefe neto de sonido Gabriel Basagañas. 

Cogió el crédito sindical que fue concebido por el sindicato Nacional de espectáculos y colabora Producciones Cinematográficas HudeSA. 

Se trata de una curiosa película de aventuras medievales ambientada en los tiempos de los Reyes nuevos, antes de iniciarse en la Reconquista. El escenario es el norte de España donde godos y vascos viven en continuo enfrentamiento hasta que Pelayo los une en una lucha común contra los infieles. 

La historioa previa es nuestra gran desconocida a la hora de ver la película. El príncipe godo Ranimiro (Pedro Porcel) se casa con Paula, descendiente del patriarca vasco Aitor. Fue el patriarca Aitor el que trajo consigo un fabuloso tesoro, que ocultó para evitar conflictos entre sus súbditos. Debía ser entregado únicamente a su primera descendiente femenina, que será la hija del vasco y el godo Ranimiro . Ese brazalete cuyo tesoro simboliza tradición de los vascos y que guarda en su interior un lema "El fin es el principio" , es ambicionada por Amagoya, hermana de Paula, que quiere ser la reina de los vascos. Pues bien, Ranimiro y Paula, tiuvieron una hija a la que llaman Amaia. Por la constante pugna y peleas en que vive  vascos y godos es incendiado el palacio de Aitor, en cuyo accidente muere Paula y el marido de Amagoya, pero se salva Amaya. Esto es lo que sabemos pero nos enteramos a lo largo de la película. 

Ranimiro es acusado de haber provocado el incendio, pero más tarde nos enteramos que realmente fue el marido de Amagoya.

En un momento dado, caso al inicio de la película, el príncipe godo Ranimiro y su hija Amaya caen emboscados por los vascos y son hechos hechos prisioneros. La intención de quien ha guiado el ataque, Iñigo Diaz de Amezkua (Julio Peña ) es que sea juzgado por el Consejo de Ancianos, y está a punto de ser condenado a muerte. 

Pero es la persona que dirige el ataque, uno de los señores vascos Íñigo , quien arrestó a Ranimiro, se enamora de su hija Amaya; mientras que el auténto líder, el joven hijo del señor de Goñi, Teodosio de Goñi (José Bódalo), se niega a esto, ya que ha jurado vemnganza por la quema del palacio de Aitor. 

Este intenta impedir la unión entre vascos y godos, pero cuando Ranimiro está a punto de ser condenado a muerte, es cuando llega Pelayo (Rafael Arcos), sobrino del rey Rodrigo, anunciando la invasión de los infieles, y los vascos deciden ir a la lucha por la cruz contra los invasores. Como señala Amaya en un momento de la película "No peligra el imperio, la religión peligra", tal es la proclama la descendiente de Aitor ante el ataque de las fuerzas musulmanas. Los godos y los vascos que han abandonado los ritos paganos para abrazar la fe cristiana deben abandonar sus luchas intestinas y hacer frente al enemigo común. 

Entonces Pelayo, lugarteniente y sobrino del rey visigodo Don Rodrigo, llega anunciando la invasión de los infieles y llamando a los vascos a luchar por la cruz contra los invasores infieles. 

Mientras todo esto ocurre el Señor de Goñi  que presionado por su odio y el de su hijo Teodosio, conspiran para acabar con Ranimiro, pero para desgracia de Teodosio, en una noche de tormenta, está dispuesto a ejecutar su sentencia de muerte así que disàra a un hombre pensando que es un godo resultando ser su padre.

Esto lleva al líder vasco a retirase a una cueva, a renunciar a la guerra y a la jefatura de los vascos, siendo ahora Iñigo quien reuna las mejores condiciones para ellos. Y todo esto ocurre cuando quieren alcanzar el trono su ambiciosa tía, la pagana Amagoya (Porfiria Sanchiz), mientras que en Pamplona, los judíos y el duque de Cantabria (Rafael Luis Calvo) también intentan hacerse con el poder. 

Sin embargo, el caudillo vasco Íñigo que se ha enamorado perdidamente de  Amaya, y tras no pocas peripecias, esta y su marido Íñigo son proclamados reyes de baskonia. 

Rodada en San Lorenzo del Escorial, la película presenta la exuberante y lujosa cinematografía de Enrique Guerner y José F. Aguayo. A pesar de los créditos iniciales que revelan que se rodó en exteriores  del País Vasco y Navarra, la película en realidad se rodó cerca de Madrid.

Jesús Azcarreta y José Luis Albéniz escribieron un guion muy enrevesado, muy declamatorio, con múltiples personajes y demasiados incidentes, resultando en una adaptación pesada que no resulta del todo entretenida ni especialmente bien desarrollada. 

Como era típico de la época, se enfatiza el poder de la cruz, la oración y el espíritu religioso, y gracias a todo ello, los diversos pueblos de España se unen para derrotar al invasor infiel. Todo esto se ve realzado por un vestuario de época algo inapropiado y los habituales decorados de papel maché. 

La historia coherente con el espíritu dominante de una España oficialmente católica, exalta la nobleza, la fe cristiana y el orgullo del pueblo vasco, además de su amor a España en ese período de tiempo en que tuvieron conflictos con la monarquía goda de Don Rodrigo (Rodericus), quien fue traicionado por algunos de sus socios hispanos por lo que el imperio se perdió después de la Batalla del Río Guadalete (711 a.C.), y los resilientes guerreros católicos españoles tuvieron que trasladarse al norte de España para unir sus fuerzas .

"¡Odios, luchas y traiciones en la gigantesca epopeya de una raza! Magnífica visión histórica del siglo VIII, en un apasionado relato novelesco". Así rezaba la publicidad del Teatro Coliseo Albia de Bilbao, allá por agosto de 1954.

El Drácula de Coppola revisado

Me encanta está historia de amor y muerte que pude ver, fascinado, en un cine de Pontevedra como ya comenté en una entrada anterior. . Recuerdo igualmente que fui a una sesión llena de adolescentes impresentables que si bien molestaron de lo lindo, no me impidió apreciar de que estaba ante una obra de arte. 

El Drácula de Coppola (1992) es una adaptación visualmente fastuosa y romántica de la obra de Bram Stoker. Transformó el terror clásico en una trágica historia de amor reencarnado, destacando por el uso de efectos prácticos en cámara en lugar de imágenes generadas por ordenador sino que logró su aspecto gótico y teatral utilizando efectos prácticos tradicionales:. En lugar de ser solo un monstruo, el Drácula de Oldman es un ser trágico impulsado por la pérdida de su amada esposa en el siglo XV.Se trata de la historia de amor trágica que lleva a Drácula (Gary Oldman), en el siglo XV, a renegar de Dios y convertirse en un vampiro que guarda eterno luto a su amada, hasta que 400 años después observa que ella se ha reencarnado en una joven inglesa, Mina Murray (Winona Ryder), prometida de Jonathan Harker (Keanu Reeves), el huésped en el castillo de Transilvania que está preparando al Conde los papeles para instalarse en su nueva residencia de Londres.  

La película fue ganadora de 3 Premios Óscar (Mejor maquillaje, Mejor diseño de vestuario y Mejores efectos de sonido). Como anécdota curiosa señalar que durante la escena de la boda en Rumania, utilizaron a un sacerdote real, por lo que tanto Keanu Reeves como Winona Ryder han bromeado a menudo sobre estar realmente casados "ante los ojos de Dios".

Gary Oldman se entregó por completo al papel mediante un proceso físico y psicológico extremo en el que estaba presente el aislamiento, al recluirse de todo el reparto durante el rodaje para proyectar una energía de soledad y misterio absoluto. Un papel importante fue el uso de su voz dinámica, ya que trabajó con instructores de canto para bajar su voz una octava completa, logrando el tono cavernoso del viejo conde. Papel fundamental es el maquillaje tortuoso que le hacía pasar hasta seis horas diarias en la silla de maquillaje para las prótesis del Drácula anciano. además le permitió todo ello superar una fobia , ya que el actor sufría de una fuerte aversión a las prótesis completas, pero la superó usando técnicas de meditación. 

El compositor polaco Wojciech Kilar, como ya destaqué en su momento en una entrada, creó una de las partituras más icónicas del cine gótico en los que estaba presente el poder Coral al utilizar cantos en latín y armonías disonantes para transmitir el horror de la inmortalidad. Por supuesto está presente el tema de amor creando una melodía desgarradora con cuerdas y maderas para simbolizar la tragedia de Drácula y Mina. Y el legado musical pues parece ser que su obra influyó tanto en la cultura pop que su tema principal fue sampleado por bandas de metal y música gótica. Por último destacar la cnción de Cierre durante los créditos, "Love Song para un Vampiro", interpretada por Annie Lennox. el vestuario de la japonesa Eiko Ishioka (de cuyo trabajo se recuerda con frecuencia la asombrosa armadura muscular que Drácula luce en el prólogo, así como el atuendo rojo que porta en el castillo) o el maquillaje y peluquería de Michèle Burke tuvieron importante responsabilidad. 

Cada escena de la película tiene un diseño, una planificación y un montaje que evoca a soluciones formales del cine clásico (por ejemplo, proyecciones de rostros de personas en las que alguien está pensando, sobrepuestas en un lado del cuadro) pero también a la voluntad vanguardista de creación de lenguaje que la generación del Nuevo Hollywood, de la que Coppola fue punta de lanza, exhibió en sus momentos más ambiciosos. En este sentido, el uso de una intensa y colorida iluminación guiando el tono de la historia o los inestables decorados que, durante la acción, se desintegran y reconfiguran puede considerarse la revancha del director tras su vilipendiado experimento ‘Corazonada’ (1982). 

Coppola y el guionista James V. Hart aprovechan la coincidencia temporal de la ficción de Bram Stoker, situada en la última década del siglo XIX, con la invención del cinematógrafo, aparato por el que el Conde Drácula, en su llegada a Londres, demuestra gran interés.. Una maravilla.

Como señala Jaime Lorite en Fotogramas la película fue "una adaptación distanciada de las versiones cinematográficas previas que, entre otros hitos, logró cambiar la percepción de un personaje tan asentado en el imaginario popular como el del Conde Drácula, tanto a nivel temático, al hacer de él un antihéroe romántico capaz de pronunciar la frase “He cruzado océanos de tiempo para encontrarte”, como a nivel estético".

El legado del ‘Drácula’ de Coppola también pasa por la reinserción en el canon de una desacomplejada carga erótica, hasta entonces más propia de películas de vampiros minoritarias o de explotación: todo lo soterrado y sugerente se materializa aquí sin apenas ambages, incluso con escenas de bestialismo. Parte del fondo religioso del libro parece conservarse en el tratamiento del personaje de Lucy Westenra (Sadie Frost), una “concubina de Satán” a ojos del doctor Abraham Van Helsing (Anthony Hopkins), a quien se presenta como mucho más liberada que otras mujeres de la época victoriana… y se ve sancionada narrativamente por ello. 

La película logró un rotundo éxito internacional, con una recaudación de más de 200 millones de dólares, y batió el récord que entonces ostentaba ‘Regreso al futuro II’ (1989) como mejor estreno en un mes de noviembre en EE UU. precisamente en una película en la que Coppola ajustó su ‘Drácula’ al presupuesto previsto de 40 millones, entregar la película en el plazo acordado y rodar en estudio con la esperanza de tener mayor control del entorno.

No me chilles, que no te veo

La comedia estadounidense de los años 80 está considerada como una época dorada que definió un antes y un después en el género. Se caracterizó por el humor absurdo, el nacimiento de la comedia gamberra adolescente y el salto al estrellato de grandes cómicos que combinaban humor con acción y ciencia ficción.Fue la década de humoristas "gamberros" que venían de la televisión, de programas como Saturday Night Live, destacando figuras como Eddie Murphy, Bill Murray, Chevy Chase y Dan Aykroyd. En estos años 80 se estableció el estilo de comedia de gags visuales rápido o el inicio de la comedia adolescente (Teen Comedies) con directores como John Hughes que marcaran a toda una generación con historias sobre el instituto, las fiestas, el paso de la adolescencia,... o aparecen comedias que dejan de ser producciones menores y se convierten en auténticos éxitos masivos, mezclándose con otros géneros como el de aventuras o fantasía con ejemplos claros son Los cazafantasmas o Regreso al futuro. 

También en esta década se consolidan actores que ya estaban asentados en el sistema. Sin pestañear, como el personaje de Wally , aquí Richard Pryor, puedo asegurar que está película ochentera, que en su versión original llevaba por título See No Evil, Hear No Evil, en la estética y en la música, siendo dirigida por Arthur Hiller en 1989. Los protagonistas eran dos cómicos del momento como Richard Pryor y Gene Wilder, estrellas absolutas durante la década - ambos ya desaparecidos, uno en 2005 y otro en 2016, y junto a ello un jovencito  Kevin Spacey y una bellísima y posteriormente desaparecida del mapa, Joan Severance.

Arthur Hiller recurre a una estructura clásica de comedia para contarnos la historia de no me chilles que no te veo en la que unos personajes que se ven y mis cuidas sin comerlo ni beberlo en la ilícita manipulaciones de una banda criminal presidida por un ciego y que consiguen escapar sano y salvos tras arriesgar su vida en innumerables avatares y peripecia. 

El director artístico de la película fue James T. Singelis en esta producción de Marvin Worth para TriStar Pictres que invirtió en ella 18 millones de dólares. La película contó con el guion de Earl Barret, Arne Sultán, Eliot Wald, Andrew Kurtzman, Gene Wilder.  Contó con la música de un The Police como Stewart Copeland, la fotografía de Víctor J. Kemper, el montaje de Robert C. Jones y el vestuario de Ruth Morley.

Se trata de una comedia alocada que fue en la tercera en la que se dieron una cita Richard Pryor y Gene Wider después de El expreso de Chicago de 1976 y de Locos de remate de 1981.

Wallace "Wally" Karew (Richard Pryor), un ciego, y David "Dave" Lyons (Gene Wilder), un sordo. Conocemos a uno y a otro en la calle, dando muestras de su personalidad. Wally, bronco y malhablado, y Dave, un hombre que no quiere asumir sus minusvalía. 

Ambos se conocen cuando Wally solicita un trabajo en el quiosco de periódicos de Dave en la ciudad de Nueva York. Después de un breve período de confusión y antagonismo, Wally y Dave se vuelven buenos amigos y parece compenetrarse. Dave lee los labios y guía a Wally cuando viajan, y Wally le cuenta a Dave sobre las fuentes invisibles de sonido y lo que la gente dice a sus espaldas. 

En un bar local, Wally derrota a un matón agresivo en una pelea a puñetazos con la ayuda de Dave, quien usa las direcciones del reloj para decirle a Wally dónde está su oponente. Dave contrata a Wally. 

Una mañana, mientras Wally esta esperando afuera por los periódicos del día, un hombre entra en la tienda de Dave y compra un periódico. Cuando el hombre es abordado por una hermosa mujer llamada Eve (Joan Severance), rápidamente saca una moneda de oro de un compartimento secreto de su maleta y la coloca en una caja de puros llena de monedas sobre el mostrador. La mujer coge la maleta y en el forcejeo dispara accidentalmente al hombre en el estómago mientras Dave, quien está de espaldas, leyendo el prospecto de una caja de antiácidos, no ve ni escucha el tiroteo, pero si ve de espaldas las piernas de Eve cuando esta sale de la tienda. Wally, que escuchó el disparo, entra en la tienda y tropieza con el cadáver del hombre. Dave luego se apresura a ayudar a Wally y coge el arma, que Eve dejó encima del cadáver. Cuando llega la policía, encuentran a Dave y Wally de pie junto al cuerpo con Dave sosteniendo el arma. 

Antes de ser arrestados, Dave le pide a Wally que recoja el dinero de la caja de cigarros. En la comisaría, Dave y Wally son interrogados por el capitán Emile Braddock (Alan North), un detective que inmediatamente les desagrada y los convierte en sus principales sospechosos debido a su relativa inutilidad como testigos. 

Cuando Eve y su cómplice Kirgo (Kevin Spacey), con la esperanza de recuperar la moneda, llegan para rescatarlos haciéndose pasar por abogados, Wally reconoce el perfume de Eve y Dave reconoce sus piernas, pero Braddock los ignora cuando insisten en que ella es la asesina. 

Deseando evitar a Eve y Kirgo cuando sean liberados, Dave y Wally escapan de la comisaría de policía, pero los criminales pronto los encuentran. Eve saca la moneda del bolsillo de Wally y telefonea a su jefe, el Sr. Sutherland (Anthony Zerbe) para recibir instrucciones, lo que le permite a Dave conocer los planes de los criminales leyendo sus labios. Cuando Kirgo intenta matar a Dave y Wally, usan el método de la pelea a puñetazos que aprendieron en el bar para dejarlo inconsciente. 

Luego roban un coche de policía y se van, mientras Eve, Kirgo y Braddock los persiguen. Trabajando juntos para guiar el coche patrulla, Dave y Wally evaden tanto a la policía como a los criminales, pero accidentalmente lanzan el coche a una barcaza de basura transportada por el agua. Después de esconder el coche de la policía, los dos hombres caminan hasta un motel y llaman por teléfono a la hermana de Wally, Adele (Kirsten Childs) para pedir ayuda. 

La policía sigue a Adele y registra su habitación de motel, pero ella, Wally y Dave consiguen esconderse y se marchan después de que la policía se haya ido. 

Habiendo leído incorrectamente los labios de Eve, Dave cree que necesitan encontrar a una mujer llamada «Grace George», pero Adele se da cuenta de que Eve debe haberse referido a un centro turístico llamado «Great Gorge». En el resort, Wally se hace pasar por un doctor visitante sueco. 

Mientras tanto, Dave se cuela en la habitación del resort para robarle la moneda a Eve. Mientras Dave busca en su bolso, Eve sale de la ducha vestida solo con una toalla. Dave tiene una erección enorme y Eve lo confunde con un arma. Al darse cuenta de esto, Dave hace que Eve levante las manos y suelte la toalla dejándola completamente desnuda. Luego Dave mira a Eve y sale de la habitación. 

Mientras tanto, Adele distrae a Kirgo chocando su coche contra el de él. Al mismo tiempo Wally debe dar una conferencia sobre la sexualidad femenina en la tercera edad. 

Después, Kirgo y Eve secuestran a Adele y la llevan a la finca de Sutherland. Después de un percance con el coche, Dave y Wally ponen en marcha su plan de rescate, con el resultado de que Adele escapa pero los dos hombres son capturados. 

En su mansión, Sutherland, que también es ciego, revela que la moneda es un superconductor a temperatura ambiente, que es extremadamente valioso. Kirgo y Sutherland mueren durante una discusión sobre compartir las ganancias del robo de la moneda, después de lo cual Dave y Wally escapan del estudio y tienen un altercado violento con Eve y su piloto de helicóptero. 

Cuando llega la policía, los delincuentes restantes son arrestados y Wally y Dave son liberados después de haber sido absueltos de todos los cargos. 

Poco después, los dos protagonistas van a un parque local y repiten la escena del comienzo de la película arrojándose cucuruchos de helado en la cabeza del otro. 

La película se estrenó en Estados Unidos el 12 de mayo de 1989. La productora TriStar Pictures estaba buscando producir otra película protagonizada por Wilder y Pryor, pero Wilder solo aceptó protagonizar la película si se le permitía reescribir el guion. 

El estudio estuvo de acuerdo y See No Evil, Hear No Evil se estrenó en mayo de 1989 con una buena recaudación, que alcanzó los los 47 millones de dólares. Pero las críticas en su mayoría fueron negativas. 

Muchos críticos elogiaron las actuaciones de Wilder, Pryor y Kevin Spacey, pero en su mayoría estuvieron de acuerdo en que el guion era absolutamente terrible.

Roger Ebert del Chicago Sun Times de Illinois lo llamó «un verdadero fracaso». En otro diario de Illinois, el Chicago Reader , Dave Kehr comenta que es "Un extraño mejunje: una comedia de mal gusto con un gran corazón". 

Kevin Thomas de Los Angeles Times escribió que se trataba de una "Comedia enérgica, ingeniosa y divertida que reúne felizmente a Richard Pryor y Gene Wilder" En el Deseret Morning News describió la película como «estúpida», con un guion «idiota» que tenía un «historia y demasiados chistes juveniles»

Por otro lado, el columnista del New York Times , Vincent Canby, lo llamó «con mucho el vehículo coprotagonista más exitoso para el Sr. Pryor y el Sr. Wilder», mientras también reconocía que «esta no es una película elegante y no todos los chistes son igualmente ingeniosos», aunque termina señalando que nunca han trabajado mejor juntos. 

Jay Carr del Boston Globe señalaba que la película era "Un revoltijo estúpido con más guionistas que risas". Y ya en España , Miguel Ángel Palomo en El País afirmaba que " Sólo para fans del dúo, que alguno hay".

Su siguiente película juntos, No me mientas que te creo de 1991, fue un fracaso de taquilla además de crítica y, a la postre, fue la última colaboración de Pryor y Wilder juntos

Locura de amor

En la España de los años 40, el cine dominante era la comedia, con cerca de la mitad de la producción, pero entre 1939 y 1951 ,serán unas veinte las películas de contenido histórico. Estas películas eran el principal vehículo de propaganda y adoctrinamiento del primer franquismo. El régimen lo utilizó para construir una épica nacionalista, ensalzando la religión, el Imperio español y los valores militares para legitimar su propia dictadura.

La importancia de este género se basó en tres pilares. El primero, la propaganda e ideología que glorificaba la "Hispanidad" y el pasado católico, creando paralelismos entre los Reyes Católicos o los conquistadores y la figura de Francisco Franco como "salvador de la patria". El segundo, la consolidación de mitos a través de biografías heroicas, se fomentaban valores de sacrificio, patriotismo y obediencia, alejando al público de la dura realidad de la posguerra y la autarquía.  Y el tercero el control cultural por parte del Estado que consideraba la cinematografía como una industria de "interés nacional". A través de la Censura Cinematográfica durante el Franquismo y de productoras como Cifesa o Suavia, el régimen dictaba qué historia se podía contar y cómo.

Recuerdo haber visto en los años ochenta el programa La noche del cine español​ que hacía menciópn a alguna de estas películass. Dicho programa se estructuraba de la siguiente manera: una eje cronológico que repasaba de manera minuciosa la producción fílmica española y el reflejo de la sociedad, centrándose de manera muy detallada en el período que abarcó desde el año 1939 hasta 1975; el formato doble ya que cada emisión combinaba un riguroso reportaje documental o de análisis histórico con la posterior proyección de una película representativa de la época tratada. Y finalmente una importante labor de archivo en el que destacaba, por su ingeniosa tarea de documentación, recuperando fragmentos de películas, material del NO-DO y testimonios clave de la industria. 

Alguna de estas películas de género histórico y de prograganda, además fr la mítica Raza, fueron Agustina de Areagón o Alba de América, ambas de Juan de Orduña o el Jeromín de Luis Lucía... El valor del programa de Méndez-Leite consistió en que no solo emitió estas películas, sino que sentó a directores como Juan de Orduña y a sus intérpretes para que explicaran el férreo control del guion, los presupuestos históricos y los objetivos políticos que el régimen les imponía. Una de esas película que referenciaron fue Locura de amor que me impresionó por sus referencias tanmto a nivel de reparto y sus interpretaciones; el despliegue de medios al contar con un presupuesto inusualmente alto para la época de la autarquía. Destacaron los suntuosos decorados diseñados por Sigfrido Burmann y el vestuario de época, pensados para dar una imagen de grandiosidad hacia el exterior o por su impacto cultural , pues fue un taquillazo de la época , dando lugar a uu estilo melodramático que influyó tanto en la época que años más tarde los directores de la modernidad española (como Berlanga y Bardem) lo tomaron como el principal ejemplo a combatir y parodiar para renovar el cine nacional. .  

Película de 1948 dirigida por Juan de Orduña y cuyo guion fue escrito por Alfredo Echegaray y Carlos Blanco, con la colaboración de José Mª. Pemán, adapta la obra teatral “La locura de amor” (1855), de Manuel Tamayo y Baus. Se rueda en los Estudios CIFESA (Valencia) y en exteriores de las proximidades. Producido por Juan de Orduña (1900-1974) para CIFESA, teniendo como productores a Carlos Blanco y José María Pemán se estrenó en noviembre de 1948 en los Cine Windsor de Barcelona.

La acción dramática tiene lugar entre 1504 y 1506, con un prólogo situado en 1516. En esta fecha comienza la película con la llegada a España del emperador Carlos V (Ricardo Acero) que está en Tordesillas de visita a su madre, que desde hace tiempo permanece confinada en el Castillo de Tordesillas debido a su estado mental. 

La visión del Toisón de oro en el pecho del señor de Chievres le recuerda al intrigante Don Filiberto, encubridor de los amores adúlteros de su esposo y tiene un ataque de locura ante su hijo. El capitán Alvar narrará entonces al emperador la historia de Doña Juana. 

Comienza Alvar con la muerte de Isabel I, la católica (26-XI-1504), Juana (Bautista) es proclamada reina de Castilla en virtud del testamento materno. Casada (1496) con Felipe el hermoso (Rey), soberano de los Países Bajos. 

La película cuenta la pasión que siente la princesa Juana de Trastamara, hija de los Reyes católicos y heredera del trono de Castilla por su marido Felipe el hermoso soberano de los Países Bajos e hijos del emperador alemán Maximiliano de Austria y de María de Borgoña. 

Ella no es justamente correspondida y siente celos de las amantes de Felipe y sufre por el comportamiento promiscuo del marido, Felipe ( Fernando Rey) al que Doña Juana (Aurora Bautista) sorprende a su marido en su pabellón de caza en medio de una fiesta y cortejando a una dama en el momento en que ella iba a comunicarle la noticia de la muerte de su madre, añadiendo a dicho dolor el de la traición. es aficionado a la caza, las fiestas y el deporte de su tiempo.

Ya en Castilla, Felipe sigue siendo infiel. Es mujeriego, tiene una relación en el mesón del Toledado, cuyo mesonero (Félix Fernández) la presenta como sobrina, de nombre Beatriz, nombre bajo el que se oculta Aldara, (Sarita Montiel), una musulmana, hija de un rey musulmán, el Zagal, ansiosa tanto de venganza por la muerte de su padre , su exilio.

Ella quiere conquistar al capitán Alvar de Estúñiga (Jorge Mistral) , al que ha seguido desde Italia. Ella siente pasión por el poder y por la venganza. 

Ya en Burgos conseguirá un puesto como dama de la reina gracias al adúltero don Felipe. En la capital burgalesa, y mientras Felipe se dedica a conquistar a otras mujeres, su hombre de confianza, Filiberto de Were va tejiendo, apoyado por parte de la nobleza castellana deseosa de medrar, como a Don Juan Manuel ( Manuel Luna)  y a Diego López Pacheco y Portocarrero,  Marqués de Villena (Eduardo Fajardo) . Otra parte de la nobleza , como la que representa el Almirante de Castilla (Juan Espantaleó ) no aceptan la ingerencia extranjera.

Allí comienbza una intriga para incapacitar a la reina y proclamar rey a Felipe., y a partir de ahí comienza su locura cuando el archiduque prefiere las aventuras y las argucias de Filiberto de Vere (JesúsTordesillas) con otras mujeres cosa que trastorna completamente a Juana. 

El día anterior a la sesión en que las cortes deben declararle rey, Felipe juega con el marqués de Villena a la pelota y bebe agua muy fría. 

Una carta escrita por Aldara al rey llega a manos de la reina que, cegada por los celos hace escribir a todas las damas unas palabras para descubrir a la traidora, sin importarle que el almirante y los hombres que le son fieles presencien tal escena de celos cuando van a tratar graves asuntos de estado. 

La reina sólo aceptará acudir a las Cortes debido a la insistencia del capitán Alvar de Estúñiga, secretamente enamorado de ella. Pero su presencia será contraproducente, pues aparece ante todos como loca al presentar como prueba de la infidelidad de su marido un papel en blanco que ella creía la carta de Aldara, hábilmente sustraída por el señor de Were. 

Alvar se enfrentará con él, si bien será Aldara quien acabe con el traidor para salvar a su amado pese a que es consciente de que el suyo es un amor imposible. 

Al término de la sesión Felipe se siente mal debido a un corte de digestión. La reina cuidará de él con amor hasta su muerte que para ella es sólo un episodio de sueño, por lo que se negará a enterrarle y paseará su cadáver por Castilla tratando de llevarle a Granada, donde nunca llegarían. 

El reparto de actores y actrices es inmenso; se cree que trabajaron casi todos los actores dramáticos dedicados al cine por esos años haciendo hasta de figurantes. 

Dominan la pantalla Aurora Bautista como Doña Juana, Fernando Rey como Felipe el Hermoso, Sara Montiel como Aldara / Beatriz, Jorge Mistral como Capitán Don Alvar de Estúñiga, Jesús Tordesillas como Don Filiberto de Vere, Manuel Luna como Don Juan Manuel, Juan Espantaleón como Almirante, Félix Fernández como Mesonero, Nicolás Perchicot como Pintor en la corte de Flandes y Eduardo Fajardo como Diego López Pacheco y Portocarrero, Marqués de Villena.

  

La película lanzó al estrellato Aurora Bautista con Juana la loca y en la misma aparece Fernando Rey como Felipe el hermoso Sara Montiel y Jorge Mistral como Don Álvar de Estúñiga, así con todo un elenco de secundario magníficos. En ella vemos como su locura se acentuará con la prematura muerte de su marido en Burgos, donde Felipe ejerce el poder real sin contar con la opinión de la Reina. Cuando Felipe muere a los 28 años. (25-IX-1506), por accidente o envenenamiento, se hace cargo de la regencia de Castilla Fernando II de Aragón, el católico, que la delega más tarde en el Cardenal Cisneros hasta que el príncipe Carlos (Arce) es proclamado mayor de edad (a los 15 años) y rey de Castilla y Aragón (1516). 

Juana nunca fue legalmente incapacitada, las Cortes de Valladolid se negaron a hacerlo y siempre fue citada como reina hasta su fallecimiento (1555). Vivió recluida en el castillo de Tordesillas (Valladolid), por decisión de su padre Fernando el católico y de su hijo Carlos I, hasta el final de sus días, a los 75 años de edad. El film construye una historia de ficción, de carácter dramático y romántico, con elementos folletinescos y melodramáticos, que se aparta de la verdad histórica. Juana está profundamente enamorada de Felipe, no quiere pleitear con él, es muy religiosa, devota y austera. 

Forma parte del conjunto de obras sobre temas históricos que en los años 40 y primeros 50 cuentan con gran aceptación de un público popular que sublima sus frustraciones y miserias con relatos épicos y grandes historias, como “Alba de América” (1951), “Agustina de Aragón” (1950) y otros. 

El estilo narrativo es ampuloso y grandilocuente. Reproduce las imágenes de dos cuadros famosos: “Doña Juana la loca” (1877, Museo del Prado), de Francisco Padilla, y, “El testamento de Isabel la católica” (1884, Museo del Prado), de Eduardo Rosales.

La banda sonora, de Juan Quintero Muñoz (“Agustina de Aragón”), ofrece composiciones corales religiosas (de difuntos, de acción de gracias...) y cortes vibrantes de acompañamiento. La fotografía, de José F. Aguayo (“A tiro limpio”, Pérez-Dolz, 1963), compone imágenes opresivas y lúgubres, coherentes con el desarrollo de la historia, excelentes perspectivas generales de multitudes (entrada en Burgos) y composiciones de numerosos personajes. Se beneficia, además, de unos decorados suntuosos. El montaje fue de Juan Serra. 

La película presenta diálogos brillantes, con actores y actrices de dicción colosal y su ritmo impecable, fruto de la experiencia del cineasta. "Su locura no tiene remedio. Pero es la más hermosa locura del mundo. Locura de amor."

En 2001 Vicente Aranda retomó el argumento para su película Juana la Loca. 

La película obtuvo dos Premios del Sindicato Nacional del Espectáculo como el de mejor película y la Mejor actriz para la actriz a Aurora Bautista. En la 4.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos consiguió el de mejor película y mejor actriz para Aurora Bautista. Obtuvo seis premios en el Primer Certamen Cinematográfico Hispanoamericano, celebrado entre el 27 de junio y el 4 de julio en Madrid: mejor película española, director, actriz (Aurora Bautista), actor secundario (Jesús Tordesillas), decorados (Burmann) y música (Quintero). 

Para Fotogramas supone un ejercicio de grandilocuencia: desde las interpretaciones hasta una envarada realización que refuerza su carácter de pretencioso cartón-piedra. Tiene un valor estrictamente arqueológico pero puede ser asumido con sentido del humor.Un film mítico que aunó el éxito popular con el dudoso prestigio cultural. Basado en un dramón histórico de Manuel Tamayo y Baus, supone un ejercicio de grandilocuencia: desde las interpretaciones hasta una envarada realización que refuerza su carácter de pretencioso cartón-piedra. Tiene un valor estrictamente arqueológico pero puede ser asumido con sentido del humor.

Para el Mundo " Uno de los mayores éxitos de la productora CIFESA, que lanzó al estrellato a su protagonista, Aurora Bautista, gracias a la que apenas era su segunda película. Otro beneficiado de su enorme repercusión comercial fue su director, Juan de Orduña, que gracias a él se convirtió en uno de los grandes nombres del cine español de la época, además de un un especialista en superproducciones de corte histórico, como las posteriores 'Vendaval', 'Agustina de Aragón', 'La leona de Castilla' o 'Alba de América'. "

Primos

Esperaba más y me encuentro una película española que me da menos, que pretende ser una comedia que conjuga sus alimentos con el drama pero que no me aporta nada ni me ha parecido nada del otro mundo. Eso sí está muy bien interpretada por el conjunto de actores de actrices que participan. Aunque algunas de las historias que comentan son o rallan el ridículo más absoluto. 

Dirigida por Daniel Sánchez Arévalo, es la tercera película del director, aunque su primera comedia, y fue estrenada el 4 de febrero de 2011. Fue rodada en las playas de la localidad cántabra de Comillas, en su puerto , su Casco Viejo, su  Paseo Estrada, Plaza de la Constitución  durante la primavera de 2010. Obtuvo dos nominaciones de los Premios Goya 2012: al mejor actor revelación (Adrián Lastra) y al mejor actor de reparto (Raúl Arévalo). 

La película está dedicada a su padre. Como principales colaboradores de la película están como ayudante de dirección Antxon Zabala, en la dirección artística Curru Garabal y Satur Idarreta, como productores aparecen José Antonio Félez y Fernando Bovaira responsables de Atípica Films y Mod Producciones. 

El guion fue responsabilidad de Daniel Sánchez Arévalo, mientras que la música fue de Julio de la Rosa, el sonido de Carlos Faruolo, la fotografía de Juan Carlos Gómez, el montaje de David Pinillos y el vestuario de Fernando García. 

Además la película está interpretada por Quim Gutiérrez en el papel de Diego, Inmaculada Cuesta en el papel de Martina, Raúl Arévalo en el papel de Julián, Antonio de la Torre en el papel de Bachi, Adrián Lastra en el papel de José Miguel y Clarita está interpretada por Clara Lago y Yolanda interpretada por Nuria Gago. 

Estamos ante una película dirigida por Daniel Sánchez Arévalo en el año 2011 y en su tercer largometraje y su primera incursión en la comedia. La película parte del corto del propio Sánchez Arévalo titulado uno de los primos. 

Cuando Diego (Quim Gutiérrez) es abandonado por su novia Yolanda (Nuria Gago) cinco días antes de la boda, decide presentarse en la iglesia el día de la boda por si ella se arrepiente. Tras ello optan por emborracharse y despotricar junto a sus primos Julián (Raúl Arévalo) y José Miguel (Adrián Lastra). 3.- Ir con sus primos a las fiestas de Comillas, el pueblo donde veraneaban de pequeños, y allí intentar recuperar a Martina (Inma Cuesta), el amor de su adolescencia.. Allí, Diego, su primo Julián (Raúl Arévalo) y su primo José Miguel (Adrián Lastra) se reencontrarán con su pasado y personas que formaran parte de él, como los irreconciliables el Bachi (Antonio de la Torre) y su hija Clara (Clara Lago). La historia comienza cuando Diego se encuentran ante el abandono al que le ha dejado su novia plantado en el altar. Sus primos Julián y José Miguel deciden llevárselo a las fiestas de Comillas el pueblo donde veraneaban de pequeños. 

Un fin de semana de juerga para olvidar y sobre todo intentar recuperar a su amor de adolescencia, Martina. A grandes males, grandes borracheras un plan infalible aparentemente.Una vez llegan a la ciudad costera, no les cuesta encontrar a la chica que buscaban pues habita en la casa familiar de ellos y nadie pone obstáculos. Martina parece alegrarse de verlos nuevamente. Ella ahora tiene un hijo de una edad casi coincidente con la última vez en la que los protagonistas se encuontraron, pero no no es su hijo. A partir de ese momento los locales interactuan con los primos, aunque el peso de la historia está en la relación pasada y presente de Diego y Martina. Todo parece ir bien entre ellos. Ella se muestra receptiva, simpática, estará dispuesta siempre. Nada se reprochan, la situación es cómoda para ambos; a diferencia de lo que le ocurre a Juli´çan con su antiguo héroe, Bachi, ahora un alcohgolizado señor y la hija de éste, Clara. La historia de José Miguel, sus fobias y el hijo de Martina, pues va palante, pero no pinta nada. Hasta la aparición de la que iba a casarse con él, Yolanda (Nuria Gago), no se plantea conflicto alguno y la resolución no solo se hace previsible, sino que no hay siquiera tensión o curiosidad para ver la forma en la que se desarrolla. 

La película tuvo algunas nominaciones. En la 26 Edición de los Premios Goya (2012) fueron nominados al Mejor actor de reparto (Raúl Arévalo) y al Mejor actor revelación (Adrián Lastra). En los Premios Forqué 2012 la nominación se centró en la Mejor película y en la 67.ª edición de las Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos la nominación fue como Mejor actor secundario para Raúl Arévalo. 

En cuanto a la critica a la película se le quiere o se le soporta. En el primer grupo nos encontramos entre los críticos españoles con el crítico de El País. Carlos Boyero que escribió sobre ella que la "Luz, excentricidad, gracia y ternura. (...) Me gusta todo en esta comedia osada, extraña, eficaz y conmovedora." y los críticos de las principales revista de cine, Cinemanía y Fotogramas. 

De la primera, Irene Crespo, comenta de ella que es "Una resaca llevadera, feliz y entrañable de 'Gordos' (...) llenos de la sensibilidad y ternura con la que Sánchez Arévalo ha dotado siempre a sus personajes (...) " ; mientras que en la segunda, M. Torreiro, la describe como un "Arrebatado romanticismo (...) funciona con un ritmo implacable, con personajes incluso adorables y un sano, jocoso aire de juerga. (...) " 

En una posición intermedia está Oti Rodríguez Marchante del ABC al considerar que "Todo transcurre por el terreno de lo previsto y en la dirección correcta (...) Un producto impecable y limpio (...) " 

Peor opinión tiene Sergi Sánchez en La Razón al decir que se trata de "Es como 'Verano azul', pero más abstracta e igual de bienintencionada. (...) es una comedia sin oxígeno, atrapada en su artificioso sentido del humor" ; o lo que piensa Lluís Bonet Mojica en La Vanguardia, pues se trata de "Un alocado vodevil (...) donde los personajes parecen rivalizar en a ver quién dice o realiza la bobería más gorda y extravagante"

En blog de cine, Beatriz Maldivia sostiene que " El trailer me hizo esperar una comedia descerebrada y trepidante, similar a la ya mencionada, cuando lo que contenía la cinta era un amable relato familiar, que utiliza sin miedo ardides para conmover y elementos clásicos y consabidos. La diferencia entre los esperado y lo encontrado es sin duda la culpable de mi decepción ante un film que, para quienes ya supiesen lo que se iban a encontrar o para quienes en realidad lo prefieran, será redondo. El avance ya me hacía temer que todo el humor estaría en el arranque y así ha sido, pero con un descenso mucho más agudo del anticipado. ‘Primos’ tiene algunos momentos bastante logrados, unas grandes interpretaciones y cierto desenfado en su arranque. De ahí en adelante va hacia abajo, pero quizás los primeros minutos para muchos hacen que valga la pena".

Modigliani, tres días en Montparnasse

Modi: Three Daysi on The Wing of Madness es una película del año 2024 long dirigida por Johnny Depp siendo su segundo largometraje como director veintiocho años después de su ópera prima " The Brave'.

Esta película es el retrato de la agitada existencia de la tormentado y excesivo artista bohemio Amedio Modigliani interpretado por Ricardo Scarmarcio, que pasó su vida entre drogas, alcohol, mujeres como Beatriz Hasting, pobreza y enfermedad y que solo alcanzó la fama tras la muerte al igual que sus compañeros malditos, Utrillo y Chaim Soutine.

Desde la década de los setenta y el oscarizado Al pacino coprotagonista de esta cinta tuvo el propósito de convertir la obra de teatro Modigliani de Dennis McIntyre, en una película, a partir de un guion de Jerzy y Mary Kromolowski.Producida por Johnny Depp, Al Pacino y Barry Navidi cabezas visibles de IN.2 Film de Depp, Salome Productions, Barry Navidi Productions y Proton Cinema, a las que se suman ILBE Group, The Veterans, Red Sea Film Foundation resultando una coproducción entre el Reino Unido, Italia y Hungría. Aquí del llega de la mano del actor en una historia ambientada en el París de 1916 en plena primera guerra Mundial y que recoges 32 horas decisivas en la caótica vida del artista. 

En la película aparte de estos dos actores participan Stephen Graham, Antonia Desplat como Beatrice Hastings y Bruno Gouery, así como Ryan MarcParland, Luisa Ranieei y Kat Fairaway en papeles secundarios, y un cameo de Al Pacino, quien también fue productor del filme.

La película que cuenta con la música de Sacha Puttnam y Steve McLaughlin, la fotografía de Nicola Pecorini y Dariusz Wolski y que cuenta con el montaje Mark Davies, explora dos o tres días caóticos en la vida del artista bohemio italiano Amedeo Modigliani (Riccardo Scamarcio ), conocido por sus amigos como «Modì», que vive en París y al que conocemos ganándose la vida como caricaturista en un restaurant parisino, Le Dôme, donde un camarero lo describe comoo un hombre de la margen izquierda del río, judío e italiano. Así presenta, en los primeros minutos de la película, el camarero del afamado Le Dôme del París de 1916 a Amedeo Modigliani cuando un adinerado matrimonio se interesa por él. Unas mesas más allá, el artista retrata a una joven y bella mujer acompañada de su marido. mientras flirtea con las damas a las que dibuja. 

Un enfrentamiento con un militar de alta graduación de la armada francesa termina con un incidente que le obligar a salir por una cristalera y a huir de la policía. Es ahora cuando se plantea que hace en París diez años de sin sabores en las que malvive en Montparnasse y en el que las únicas satisfacciones las encuentra en su amante, su musa inglesa la escritora Beatrice Hastings (Antonia Desplat ) y en sus colegas de farras como pintores "maduits": el francés de origen español, Maurice Utrillo (Bruno Gouery ) y el bielorruso Chaim Soutine (Ryan McParland ). 

Su deseo de poner fin a su carrera y abandonar la ciudad y volver a su Livorno natal es rechazado por otros bohemios: el artista francés Maurice Utrillo, que está más que desequilibrado - y alcoholizado- fuera de su bella capacidad para reflejar su amada París y que piensa que ha de sumarse al Ejército francés que lucha contra los alemanes, y el bielorruso Chaim Soutine, admirador de Rembrant y de la naturaleza insectívora, mientras se comen un plato de spaguettis en la taberna de Rosalie Tobia (Luisa Ranieri ) . 

Modì busca el consejo - y algo de dinero- de su amigo el marchante de arte polaco Léopold Zborowski (Stephen Graham ), pero el caos llega a un punto culminante cuando se enfrenta a un coleccionista, Maurice Gangnat (Al Pacino) - cuyo retrato fue pintado en 1916 por Pierre-Auguste Renoir-, que podría cambiar su vida. 

El artista se esfuerza por consolidar su arte mientras enfrenta sus propios demonios y la indiferencia de una sociedad que no supo valorar su talento en vida. Son días turbulentos, recorriendo las calles, galerías y bares de la ciudad. Con el alcohol siempre de fondo, con la miseria apretando. Puro retrato de la bohemia. Y por una botella de vino o un plato de espaguetis es capaz de ofrecer obras que hoy tendrían un valor incalculable.  

A finales de los años 1970, a Al Pacino se le ocurrió por primera vez la idea de hacer una película biográfica sobre Amedeo Modigliani basada en la obra Modigliani de Dennis McIntyre. El productor de cine estadounidense Keith Barish compró los derechos de la obra y le dio a Pacino el control creativo total. 

Luego, Pacino llevó a Richard Price a París para comenzar a escribir el guion, utilizando la obra como base para la película. 

Inicialmente, el guion fue confiado al cineasta Francis Ford Coppola para que lo dirigiera, en 1979, con Bernardo Bertolucci y Martin Scorsese como segunda y tercera opción según Pacino, respectivamente. 

Después de ser rechazado por Coppola, Pacino le presentó el guion a Scorsese, quien quedó impresionado. Los dos enfrentaron grandes dificultades para producir la película en la década de 1980, debido a que los estudios no querían financiarla. 

Mick Davis escribió un guion de Modigliani en la década de 1990 y se lo envió a Scorsese, a quien le gustó. «Martin Scorsese me dijo que es uno de los mejores guiones que jamás haya leído y que podría convertirse en una película o en una obra de teatro», dijo Davis en una entrevista en 2014. Pacino y 20th Century Studios recibieron el guion poco después y estaban conformes con él, pero sugirieron que Davis combinara la nueva versión del guion con la anterior. En este momento se consideraba que Pacino era el director, con Johnny Depp desempeñando el papel principal de Modigliani. Davis, que no estaba satisfecho con la idea de combinar las dos versiones del guion, decidió realizar su versión de la película en 2004.

Según Barry Navidi, alrededor de 2012, él y Al Pacino estaban hablando sobre el proyecto, con la idea de que Depp interpretara el papel de Modigliani. Sin embargo, no lograron hacerlo realidad debido a la apretada agenda de Depp en ese momento. Pacino se comunicó por primera vez con el actor para pedirle que dirigiera la película antes de que comenzara la pandemia de COVID-19 en 2020. 

En agosto de 2022, se anunció que Depp dirigiría y produciría Modigliani, una película sobre Amedeo Modigliani, coproducida junto a Pacino y Barry Navidi. La película está basada en una obra de Dennis McIntyre y adaptada para la pantalla por Jerzy y Mary Kromolowski..

Es el primer trabajo como director de Depp desde The Brave, estrenada en 1997, en la que protagoniza junto a Marlon Brando. También es la tercera colaboración de Depp con Pacino, siendo la primera Donnie Brasco y la segunda Jack y Jill. Depp expresó su admiración por Modigliani en una declaración oficial: «Me siento increíblemente honrado de llevar a la pantalla la saga de la vida del Sr. Modigliani. Fue una vida de grandes dificultades, pero con un eventual triunfo. Una historia universalmente humana con la que todos los espectadores pueden identificarse». 

Pacino, quien inicialmente le propuso la idea de dirigir la película a Depp, declaró: «Esta es una parte de la vida de Modì y no una biografía. Ha sido un sueño para mí trabajar con Johnny otra vez; es un verdadero artista con una visión asombrosa para llevar esta gran historia a la pantalla».

En mayo de 2023, la película pasó a llamarse Modì y se anunciaron los primeros integrantes del reparto.: Riccardo Scamarcio y Pierre Niney fueron elegidos para los papeles principales como Amedeo Modigliani y Maurice Utrillo respectivamente, mientras que Pacino fue elegido como Gangnat.

Según declaraciones de Depp, la elección de Scamarcio estuvo motivada en gran parte por la intensidad de su mirada, la cual le recordó a la de Oliver Reed. Depp también destacó que percibió en Scamarcio una combinación singular de la energía de Reed con Marcello Mastroianni.

La película fue vendida para su distribución durante el Festival de Cine de Cannes de 2023 por la productora The Veterans.

El 31 de agosto de 2023, se anunció que Modigliani, tres días en Montparnasse contaría con el respaldo financiero de la Red Sea Film Foundation, que también había apoyado a Jeanne du Barry de Maïwenn, vista no hace mucho, en la que Depp interpretó uno de los papeles principales en esta película de época.

El 11 de septiembre, poco antes de que comenzara el rodaje en Budapest, se anunció que Pierre Niney había renunciado a su papel debido a un conflicto de agenda con otra película que estaba filmando  mientras que Luisa Ranieri, Antonia Desplat, Stephen Graham, Bruno Gouery, Ryan McParland, Benjamin Lavernhe y Sally Phillips se unieron al elenco.

El 11 de octubre, las cantantes rumanas de taraf Viorica e Ionita Manole anunciaron en Instagram que iba a aparecer en la película como cantantes, actuando para Modigliani y sus amigos. 

La filmación comenzó en septiembre de 2023, en Budapest, aunque algunas escenas se rodaron cerca del jardín Károlyi, donde las calles estaban decoradas para parecerse al París de la década de 1910.  Aunque se había anunciado que el rodaje iba a trasladarse a Italia en una fecha posterior, el 4 de noviembre de 2023 se reveló que el rodaje había terminado en Budapest, y el elenco y el equipo publicaron fotos y celebraron en Instagram. Unos días después, Depp recurrió a Instagram para agradecer al equipo y al elenco por su trabajo en el proyecto.

Las escenas en las que aparece Pacino se filmaron en Los Ángeles en enero de 2024.  También se rodaron escenas adicionales en Turín el 20 y 21 de febrero de 2024. El 18 de enero de 2024, justo después de finalizar el rodaje en Los Ángeles, se publicaron las primeras imágenes del set, junto con una declaración de Depp: "Emprender este viaje cinematográfico como director de Modigliani, tres días en Montparnasse ha sido una experiencia increíblemente gratificante y transformadora. Me gustaría expresar mi profunda gratitud a todo el elenco, el equipo y los productores por su inquebrantable compromiso y creatividad. A Al, quien me pidió que hiciera esta película, ¿cómo podría negarme a Pacino? Un sincero reconocimiento por contribuir generosamente con su talento y dedicación a este proyecto. Modì es un testimonio del espíritu colaborativo del cine independiente y estoy emocionado de presentar esta historia única y cautivadora al mundo."

En agosto de 2024, se añadió Three Days on the Wing of Madness como subtítulo. La película está producida por IN.2 de Depp, una compañía europea hermana de Infinitum Nihil, con sede en Los Ángeles, Salome Productions, Barry Navidi Productions y The Veterans, con producción local en Budapest a cargo de Proton Cinema.

Modì, Three Days on the Wing of Madness está dedicada al músico de rock Jeff Beck, quien era un amigo cercano de Depp. Modigliani, tres días en Montparnasse se estrenó en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián el 24 de septiembre de 2024. 

Obtuvo los premios Capri Cult Award y Cult Movie of the Year Award en el Festival Internacional de Cine de Capri Hollywood, antes de su proyección en el Festival de Cine de Roma el 26 de octubre.Se estrenó en los cines de Italia el 21 de noviembre.

Enn cuanto a la crítica hay que reconocer que ha sido despiadada. Leslie Felperin en The Hollywood Reporter consideró que "Es esencialmente una pieza decorativa de época para el circuito de cine de arte y ensayo, pero con más secreciones corporales y daños materiales." Y añade el crítico norteamericabno que «Al igual que muchas películas sobre artistas», el filme de Depp «no se atreve a comprometerse con seriedad sobre el oficio, la aplicación y la técnica o cualquiera de las cosas esenciales que realmente hacen que sus creaciones sean importantes» E

Jason Gorber de Collider escribió sobre ella que "A pesar de una escena eléctrica que hace que el resto de la película parezca más risible, es un lío tedioso y pretencioso que es fácilmente una de las peores producciones del año (...)" 

Guy Lodge de Variety escribió sobre ella que "Es palpablemente sincera en su admiración por su tema y quizás más autorreflexiva en nombre de todos los artistas que trabajan en un sistema en el que el arte no lo es todo" 

Para Stephanie Bunbury de Deadline la película "No es el terrible embrollo de autoengrandecimiento que se esperaba, al menos no en su totalidad. Cuenta con algunas piezas bellamente ensambladas" 

Para la crítica "british" el desagrado en algún caso es alto como ocurre en Jonathan Romney de Screendaily consideró que "Su romanticismo cutre nunca convence lo más mínimo, y se siente terriblemente anticuada, tanto en estilo como en contenido" 

Tim Robey de Telegraph dijo de ella que "Cualquiera que sea el parentesco que Depp pueda sentir con este artista torturado, incomprendido y regularmente manchado, se expresa, por desgracia, como una retahíla de clichés agotadores (...) 

En The Guardian Peter Bradshaw  señaló que "La variedad de talentos aquí se siente desperdiciada en lo que es un drama fundamentalmente anticuado y estereotipado cuya pasión bohemia se diluye (...) " 

Más benevolente fue la crónica de Danny Leigh en el Financial Times al considerar que "Se supone que tenemos que aplaudir con admiración, aunque las juergas se vuelven tan repetitivas que hasta un anarquista podría llamar a un policía. Aun así, la película tiene una tesis, o al menos una opinión (...). «Sin duda, Depp admira la obra de Modigliani, pero su verdadera pasión aquí es la fantasía eternamente embriagadora de la bohemia parisina», sentenció, por ejemplo, la reseña del diario The Irish Times. 

Ya en España  Luis Martínez en El Mundo considero que "Johnny Depp se hunde... un poco más. (...) un ejercicio de cine confuso, desmañado, con muy poca gracia y autocondescendiente en extremo (...) " 

Oti Rodríguez Marchante de ABC indicó que se trataba de "Un retrato más largo que estilizado de Modigliani (...) Entre los excesos del pintor y los excesos del director la película adquiere un cierto sentido" 

Desde Barcelona  Nando Salvá en El Periódico destacó que "La película resulta desconcertante no solo por el espectacular despiste que evidencia a varios niveles sino también, sobre todo, por la desfachatez con la que Depp la usa para hacerse un sitio entre los artistas incomprendidos de los que Modigliani es ejemplo paradigmático" . También desde la ciudad condal Philipp Engel habituall en La Vanguardia "Doblemente interesante al tratarse de un artefacto que nos permite pasearnos por la mente de tan magno icono pop, no es el desastre que se anunciaba. (...) este caos alucinado tiene personalidad propia (...)" 

Para Carmen L. Lobo en La Razón "Nos preguntamos qué tenía en la cabeza el gran Johnny Depp cuando decidió dirigir este (...) purito disparate. (...) el resultado desconcierta y hasta se antoja petulante. (...) " 

Javier Zurro de eldiario.es consideró que la película "Roza en ocasiones lo sonrojante. Un decepcionante filme que quiere romper el academicismo de su narración con algún arrebato supuestamente moderno (la música, partes en blanco y negro o aceleradas), sin lograrlo." 

Laura Pérez de Fotogramas, por su parte, afirma que "Resulta loable su empeño en huir del biopic convencional, pero el esfuerzo resulta caótico. (...) Para quienes sientan curiosidad por el Johnny Depp director, sin esperar demasiado (...) Y añade que " Riccardo Scamarcio defiende el papel de Modigliani con dignidad, pero se adivina la borrachera de intensidad e indicaciones contradictorias que lleva encima. Entre clichés romantizadores de la vida bohemia, desliza alguna reflexión interesante sobre el papel de los críticos (sí, también los de cine). "Yo hago arte, tú solo escribes de él", dice en un momento el personaje. No le falta razón."

Como Diana Arrastia señala en El Confidencial "Poco más se cuenta sobre el pintor en la película, que no es un biopic, sino un trozo de la vida del artista que acontece en un torbellino de setenta y dos horas vitales. Tres días en un momento muy concreto. Antes de conocer a su mujer, Jeanne Hébuterne, y, por lo tanto, de sus últimos cinco años de vida. " 

Por mi parte destacar que esta película no me ha parecido tan mala como a los críticos, puede que por recordarme las figuras de estos tres pintores malditos: Modigliani, Utrillo y Soutine que me remiten a mi quinto curso universitaria y a la asignatura de arte contemporáneo, siendo los tres, símbolos como pocos de la brillante creatividad y de los excesos de la París bohemia de principios del siglo XX. 

La película muestra la desesperación por el rechazo de los críticos y la oportunidad final que se le presenta para cambiar su destino antes de su muerte prematura entre alucinaciones inducidas por diversas sustancias, en las que el pintor enfrenta sus demonios y la indiferencia de los coleccionistas y la presión ejercida desde la soberbia por Maurice Gangnat. 

Así es más o menos está historia de este pintor toscano nacido en 1884 en Livorno, en el seno de una familia sefaradí conocida, entre otras cosas, por haber fundado una escuela de estudios talmúdicos, Amedeo abrazó el arte desde pequeño. 

A los catorce años, el joven Modigliani cayó enfermo de fiebre tifoidea: para levantarle el ánimo, su madre -con quien siempre fue muy cercano- le prometió que apenas se recuperase lo llevaría a tomar clases con el mejor pintor de Livorno, Guglielmo Micheli. 

La madre de Amedeo, Eugénie Garsin, que había llegado desde Marsella y crecido en una familia de intelectuales judíos, cumplió con su promesa, abriendo las puertas a la carrera artística de su hijo.En 1906 se instaló en París, donde se codeó con otros artistas como Pablo Picasso, Diego Rivera y Maurice Utrillo. 

Pero en el mítico ambiente bohemio de la ciudad también desarrolló su pasión por las mujeres, las drogas y el alcohol. Comenzó a interesarse por la escultura en su encuentro con Constantin Brancusi. Entre 1909 y 1914 son sus cabezas, figuras de pie y cariátides. Retomó después la pintura, sus desnudos femeninos y sus figuras humanas de característicos rostros ovalados, cuellos alargados y ojos almendrados sin pupilas.

En 1917, la Galerie Berthe Weill de París organizó su única muestra individual en vida. El mismo día de la apertura al público, la policía irrumpió y retiró algunos desnudos femeninos por ser considerados obscenos (había dibujado en ellos el vello púbico). Se trató de un cóctel brutal que, junto a la tuberculosis o de meningitis tuberculosa en 1920. Tenía 35 años sin haber alcanzado el éxito comercial. Los más grandes artistas del momento lo acompañaron en su entierro en el cementerio de Père-Lachaise. Esos mismos que le llamaban Modi, pronunciado en francés “maldito”.