Entre el valor y el dinero

El 4 de marzo del presente año emitieron en Trece la película Four Guns to the Border , aquí presentada con el título Entre el valor y el dinero, un western estadounidense en technicolor del año 1954. Lo curioso no es que fuese emitida por Trece ni que sea un western ni el uso del Technicolor , sino que Trece, que emite una buena cantidad de westerns a lo largo del año, tiene la mala costumbre de cortar sus películas para emitir publicidad, pero en algunos caso para emitir un avance informativo. Pues bien, aquel 4 de marzo la primera noticia de aquel vespertino noticiario del 4 de marzo era la presencia del coronavirus en España. La enfermedad había provocado algunos fallecimientos - al día siguiente se informó en rueda de prensa por parte de Salvador Illa y Fernando Simón de los oficialmente 3 primeros fallecimientos por coronavirus . 

Para ese 4 de marzo el número de infectados oficialmente era de unos 200. Cuatro días más tarde, el Ministerio y Simón anunciarían que el número de infectados era de 589, elevando la cifra a 8 fallecimientos el día 7. 

Al día siguiente, aunque no se dieron datos oficiales, el número de fallecimientos se elevaba a 17 casos. El desatre padre, comenzaba.

Volviendo a lo que aquí me ha traído,  grabé la película y el primer corte tras el inicio de Four Guns to the Border, era para la pandemia, dejándome con la ganas de ver una película dirigida por Richard Carlson, el actor natural de Minessota que participó en dos películas míticas de ciencia ficción como It Came from Outer Space o La Criatura de la Laguna negra así como en la también mítica Las Minas del Rey Salomón así como en otras cincuenta más tanto para el cine como para la televisión, pero también director de una película de ciencia ficción como Riders to the Stars (1954), Appointment with a Shadow (1957) así como The Saga of Hemp Brown (1958)- un western que contó con la presencia de Rory Calhoun al igual que en su segunda película, Entre el valor y el dinero (1954) . Hoy la he visto.

La película estaba producida por William Alland para la Universal Pictures siguiendo el guio escrito por George Van Marter, Franklin Coen que seguía a su vez la historia planteada por Louis L'Amour. La película contaba con una buena banda músical e instrumental dirigida por Hans J. Salter y con la fotografía de un clásico del género como Russell Metty y el montaje de Frank Gross. La dirección de arte fue asumida por Alexander Golitzen y Eric Orbom. 

Y vayamos a lo que me llevó a ella, el reparto encabezado por uno de esos grandes menores del género como es Rory Calhoun como Cully, junto con la joven Colleen Miller como Lolly Bhumer. Junto a ellos George Nader como Bronco, un grande entre los grandes, Walter Brennan como Simon Bhumer acompado por John McIntire como Dutch. Igualmente en papeles menores aparecen Nina Foch como Maggie Flannery, Charles Drake como el Sheriff Jim Flannery, Jay Silverheels como Yaqui, Nestor Paiva como Greasy, Mary Field como la Sra. Pritchard, Robert F. Hoy como Smitty , Bob Herron como Evans, Regis Parton como el cajero , Donald Kerr como un holgazán de la ciudad 

La historia comienza en 1881, cuando un cuarteto de bandidos encabezado por Cully (Rory Calhoun) que se encuentra acompañado por el joven Bronco (George Nader), el nativo Yaqui (Jay Silverheels) y el veterano delincuente Dutch (John McIntire) tiene el objetivo hacerse con una caja fuerte de un Saloon, pero cuando acceden a ella encuentran con que no hay dinero.

Tras el frustrado intento de hacese ricos de mala manera y culpándose de la planificación del mismo, echárndose en cara el fracaso los unos a los otros, por falta de pericia, por deseo de acabar la actividad "profesional" Cully propone llevar a cabo un proyecto pasado y deseado, hacerse botín de un rico banco de la localidad de Cholla.

Cully, que había planificado el asalto con un tendero de nombre Greassy (Nestor Paiva) que vive en mitad del desierto, pero en las cercanías de la ciudad se dirige al lugar para intercambiar detalles del viejo plan.

En el camino se encuentran con Simon Bhumer ( Walter Brennan) y Lolly (Colleen Miller ) , su hija adolescente que están en dificultades. Dutch, antiguo amigo de Simon cuando ambos eran pistoleros - Simon dejó de ser pistolero para establecerse y formar una familia, aunque su esposa murió más tarde en un ataque indio- lo reconoce y propone ayudarles.

Ante el ataque los cuatro van en ayuda del anciano y reformado forajido y su joven hija. En ese momento tiene el encuentro en Cully y Lolly. Lolly ataca a Cully y éste le rasga en parte la camisa. Por la charla entre Dutch y Simon nos enteramos que la hija del viejo pistolero que regresa después de haber estudiado en colegios del este, aunque es deslenguada y provocativa.

Tras prestar la ayuda se van cada uno por su lado. Los cuatro pistoleros van al negocio de Greassy que , nada mas comentar con Cully, decide marchar a Cholla y ver cuál es la realidad del mismo (ingresos en el banco, vigilancia,...). Ellos se quedan en la tienda.

Poco después llegan Simon y Lolly buscando refugio, pues siguen viendo señales de actividad apache que podrían traducirse en un ataque. Cully y Lolly se odian al principio, pero cada uno siente algo sobre el otro.

Sin embargo, el más joven de todos, Bronco le ofrece a la chica un caramelo y luego le regala una tela de color azul, pues Lolly nada más llegar ha dicho que quiere hacerse un traje. Cuando deciden quedarse en la trastienda pidiendo permiso previamente a Greassy que ha regresado de otear el horizonte urbano de Cholla.

Esa noche Lolly sale un momento a la calle para ver los caballos y Cully le asalta y la besa, aunque ella no quiere. No obstante, aunque vemos como castrante es a Simon quien se niega a que la reconocer que su chica ha crecido , tenga cuerpo de mujer y quiera tener relaciones con los hombres. Como dice en algún momento: "Nadie sabe lo quieren la mujeres, pero el sabe lo quieren los hombres".

Esa noche tiene lugar una fuerte tormenta. Con la lluvía la chica se despiesta y sale de la cama a ver los caballos. Cullu, que justo a los suyos, está fuera ve a la chica la sigue y la salta en el granero. La cosa no va a más , por la intervención de Simon que amenaza de muerte a Cully. Éste la deja.

Casi de inmediato Simon y Lolly parten con destino a su granja en Shadow Valley. Al amanecer Cully y los suyos ejecutan su plan.

El plan de Cully es viajar a su antigua ciudad de Cholla, donde fue expulsado por su rival Jim Flannery (Charles Drake ) , ahora el sheriff de la ciudad y casado con la antigua novia de Cully, la maestra del lugar Maggie Flannery (Nina Foch) con la que Cully parece que estuuvo vinculado.

La llegada ruidosa de Cully y su reencuentro con Maggie , supone una alteración en la tranquila ciudad. El enfrentamiento entre el pistolero y el sheriff, antiguo amigo del bandido, acaba en una pelea, que es aprovechada por sus compañeros para llevar a cabo el atraco al banco sin incidentes ni testigos.

Tras el robo los cuatro se dirigen a la frontera mexicana. Pero mientras se desplazan ven que los apaches están hostigando a Simon y Lolly.

Cully y luego los otros tres, tienen que elegir entre ser ricos y estar seguros en México o rescatar a Simon y Lolly de los apaches. Ray Cully entrega el botín a sus compañeros y va en auxilio de los perseguidos. Tras Cully se suma Dutch, Bronco y por último Yaqui.

Durante el asalto Yaqui es herido mortalmente. Casi de inmediato el que cae es Bronco y , por último, Simon y Lolly comprueban que Dutch está herido al igual que Cully. A pesar del inicdente, Lolly pide a su padre consideración para atender al herido y lo llevan a su granja de Shadow Valley.

Tras ver que la herida es peligrosa, Simon sale en busca del médioc. Mientras tanto, la partida de Jim Flannery y la gente de Cholla van siguiendo al bandido. Descubren que gran parte del dinero está en el lugar del ataque de los apaches pero han de encontrar al que queda, Cully, dando con él en la granja de Simon.

En el interior, minutos antes Cully se muestra altivo y con fuerte desapego con respecto a la chica, pero finalmente atiende a sus atenciones.

Una vez rodeada la granja, Cully se rinde ante el sheriff. Este acepta la rendición, pero ve que Cully está herido y atendido por la chica que ha salvado. Al final descubrimos que será uzgado una vez curado y que iniciará una vida reformada junto a la chica, acabando así la película.

Rodada en distintos escenarios de California entre los que se encuentran Apple Valley, Bell Ranch en Santa Susana, en el mítico Iverson Ranch en Chatsworth, sito en las cercanías de Los Angeles, y en los Universal Studios - 100 Universal City Plaza, Universal City, siempre en California.

Aunque algunos han calificado la película de anodida y de nada atractiva a pesar del elenco de peso que presenta lo cierto es que la película guarda un secreto para todo el que la ve. Lolly hace de auténtica Lolita, atrayendo tanto a Bronco como a Cully para irritación de su padre, Simon, un enorme como siempre Walter Brennan.

Momentos sublimes de ello es cuando la chica llega a la tienda de Greassy y buscar los caramelos largos que relame con gusto. O el gusto por mojarse ya sea en las fuentes o por la lluvia de la ncohe cuando sale escasa de ropa. Simon, como ya he señalado, le comenta malhumorado: "Nadie conoce a las mujeres, pero si a los hombres", o al contemplar los desgarros de su camisa exclama: "Mejor cósete la blusa". Lo cierto es que Lolly presenta cuerpo de mujer con cerebro de niña que le lleva a reconocer, ya cerca del desenlace, al pistolero del que se ha enamorado: "Ojala fuera mayor, guapa y lista". O el momento cumbre cuando la muchacha aprovecha la noche y la lluvia para refrescarse en camisón y se encuentra con Cully en los establos.

La película tuvo su estreno en noviembre de 1954 (Los Ángeles) y poco después en Nueva York y en el resto del país.

La película obtuvo un Globo de Oro a la nueva promesa masculina para George Nader, el actor que hace de Bronco. La película cuenta con una buena banda sonora instrumental compuesta por Hans J. Salter

En ABC Play dicen de ella que es "Wéstern entretenido, que a pesar de tener un buen elenco, acaba resultando uno más dentro del género. Se trata del segundo filme del actor y director Richard Carlson ("Las minas del rey Salomón"), cuya carrera detrás de la cámara pasó tan desapercibido como delante de ella. Está protagonizado por Roy Calhoun, que ese mismo año encabezó el reparto de tres westerns más: "El Tomahawk amarillo", "Cinta en socorro" y "Una bala en el camino". ".

Por mi parte decir que tiene los ingredientes necesarios para un buen western y lo es aunque John McIntire tenga un papel muy secundario. Aparte de un elenco de impresión con Calhoum, W. Brennan o John McIntire, me ha sorprendido el planteamiento del personaje de Lolly Brunner,magnífica interpretada por Colleen Miller asumiento un rol de auténtica Lolita en esta historia. Buen western.

Cuerpo y alma

My heart is sad and lonely 

For you I sigh, for you dear only 

Why haven't you seen it 

I'm all for you body and soul 

El boxeo no es un drama. La corrupción, sí. El jazz es una placer, el engaño y la traición, no. La lealtad es fundamental en la vida, la apariencia es pura miseria. Impresionante película de Robert Rossen, un hombre, que entiende el cine desde la geometría de una mesa de villar, siempre presente en su cine, y desde la óptica del sentimiento humano. 

El cine y el boxeo siempre han tenido una buena relación, en el sentido que el séptimo arte ha sabido reflejar parte de su mundo y de su inframundo, de su brutalidad y de su belleza, de la soledad de los boxeadores, que nunca están solos, y en muchas ocasiones de cómo han caído al pozo del alcohol, de la prostitución económica, de la miseria o, incluso, la carcel, pues la ambición siempre ofrece un buen combate. Y muchas veces se pierde. Desde Más dura será la caída, a Toro Salvaje, pasando por El ídolo de barro, Marcado por el odio, Hurricane, Rocky, Creed, Millian Dollar Baby o Alí.  

Acabo de una obra de arte del cine negro, del más oscuro. Una historia en las que las personas se encuentran en cuerpo y alma, pero en las que el alma , a veces, bloquea el cuerpo. Una película con un sentido rítmico que responde a la falta de armonía del sonido del jazz, que en la película parece como los golpes que salen del puno del personaje de Gardfield, pero que, por momentos se transforman en la acordes cercanos a la melodía de Johnny Green, Body and Soul, que junto a Cole Porter llevaron la música popular a lo más elevado de la música estadounidense del primer tercio del siglo XX. Junto a ella una sugerente Am I Blue? compuesta por Harry Akst y Grant Clarke interpretada en la película por la debutante e impresionante Hazel Brooks. Acabo de ver una obra maestra del cine.

El director es el neoyorkino Robert Rossen abiertamente comunista del que se sabe que fue miembro del Partido Comunista Estadounidense desde 1937 hasta aproximadamente 1947, y creía que el Partido estaba "dedicado a causas sociales del tipo que nos interesaba a los judíos pobres de Nueva York".

Las preocupaciones sociales están presentes en toda su obra , en la que los homres aparecen junto a mujeres que son fuertes personajes femeninos, pero también habla del alcoholismo, del abandono de los seres queridos por la ambición , de la corrupción y de la de lo mediático. Su legado está compuesto por tan solo 10 películas como director, aunque fue en muchas ocasiones más guionista y productor, llegando incluso a ser actor, y tocando muchos géneros y entre las que destacan Johnny O’Clock (1947), la que me ha traído hasta aquí- Cuerpo y alma (1947) rodada y estrenada el mismo año que su ópera prima, y que fue su primer gran éxito mediático, deparándole tres nominaciones al Oscar, de las que consiguió el relativo a mejor edición. También fue el director de All the King’s Men aquí conocida como El político (1949) que narra cómo un hombre honesto se corrompe una vez alcanza el cargo de gobernador y con la que ganó tres premios Oscar, entre ellos el de mejor película, en 1949 o la historia de un perdedor que no es otra cosa que El buscavidas, posiblemente la obra más conocida de Rossen , posiblemente por sus víulos con Paul Newman y Lilith (1964) una película con Warren Beatty y Jean Seberg la que fue la última película de Rossen, dos años antes de su fallecimiento en 1966 en la ciudad de Nueva York a los 57 años.

En este caso contó con el apoyo en la producción de Bob Roberts para la Enterprise Productions , con la United Artists y la distribución de Lux Film contando con un presupuesto de $ 1,800,000.

La película respondía a un guion de Abraham Polonsky, un escritor, director de cine, guionista, ensayista y novelista que dijo de él que "el talento de Rossen es la fuerza aplicada en todas partes sin tregua". Señalar que , tras ser nominado al Oscar por el guion de esta película quedará relegado a principios de la década de 1950 por los estudios cinematográficos de Hollywood al estar incluído en la lista negra, después de negarse a testificar en las audiencias del Congreso del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara presidido por McCarthy.

La película cuenta con la música de Hugo Friedhofer, la impresionante fotografía en blanco y negro de James Wong Howe y el montaje de Francis D. Lyon. En cuanto al elenco lo encabeza John Garfield como Charley Davis, Lilli Palmer como Peg Born, Hazel Brooks como Alice, Anne Revere como Anna Davis, William Conrad como Quinn, Joseph Pevney como Shorty Polaski - el amigo de Charley-, Lloyd Gough como Roberts, Canada Lee como el boxeador y entrenador Ben Chaplin, Art Smith como David Davis y Larry Steers como uno de los espectadores.

Un saco en un ring, solitario da inicio en la que casi de inmediato conocemos al protagonista Charlie Davis (John Gardfield) que se despierta de una pesadilla y sale de la casa en la que se encuentra, el día previo a su última pelea con la intención de ver a su madre- Anna (Anne Revere ) - y a Peg (Lili Palmer), la que ha sido su compañera en estos últimos años.

Al llegar a su hogar es saludado afectuosamente por la gente del humilde barrio que lo llama "campeón" y le rodea el coche. Tras eso sube a casa y ve a Anna que lo trata con suma frialdad. Le dice que Ben (canadá Lee) ha muerto y que quiere ver a Peg.

La madre casi prefiere que no se produzca el encuentro, pero finalmente llega Peg. Aunque le abraza va de inmediato a refugiarse al cuarto y tras eso Anna le dice que se marche.

Charlie se monta en su coche y se dirige a un club. Allí bebe compulsivamente una copa y luego va a ver una actuación de una cantante. Se trata de Alice (Hazel Brooks), una chica que está con él.

A la mañana siguiente vemos el pesaje de Charley , que casi no lo pasa, y como se encara ante el aspirante, un joven boxeador, descarado y faltón, Jack Marlowe (Artie Dorrell). Tras eso comienza un largo "flashback" que nos lleva al inicio de la historia.

Conocemos a Charlie , un boxeador aficionado, que ha abandonado los estudios dado la pésima posición economica de sus padres, tenderos judios, que dificilmente pueden pagar los préstamos que han tenido que pedri para mantener el negocio. La madre está empeñada en que Charlie termine sus estudios en una escuela de adultos, pero la intención de Charlie , guiado en parte por su amigo Shorty Polaski (Joseph Pevney) que quiere meterlo en el mundo del boxeo dada su fuerza.

Shorty y Charlie se presentan a un pequeño promotor de boxeo Quinn (William Conrad) vinculado con los bajos fondos. Éste no está interesado así que Shorty provoca una pelea para que Charley demuestre su capacidad. Esto y la brutal muerte de su padre, le hace entrar en el mundo del boxeo, pues su intención es hacerse rico.

Tras su primera victoria en el boxeo profesional tras dejar de ser amateur va a celebrarlo junto a un grupo de amigos. En un local conoce a Peg, una chica que trabaja como figurante en actos sociales, y de la que se enamora esa misma noche. Ella licenciada en Artes vive de sus dibulos y su idea es trabajar en el mundo de la ilustración.

Desde ese momento, la relación entre ellos es estrecha. Una noche Charlie quiere que Peg conozco su mundo . Anna, la madre , inicialmente, recela pero descubre en Peg a una buena persona, honesta , clara y que quiere a Charley. Anna le hace saber que no está interesado en el dinero que traíga si hijo, siendo en su formación.

Mientras las victorias como boxeador de Charlie Davis se suceden. Charley Davis, a medida que se vuelve más exitoso, se ve rodeado de personajes sombríos, incluido un promotor nada ético llamado Roberts (Lloyd Gough ) , que tienta al hombre con una victorias amañadas que le darán dinero.

No obstante, y a pesar de ayudar a su madre y de la promesa de casarse con Peg, vemos como Charley se ha metido en una vorágime de gastos y excesos con la bebido e incluso acercándoce a alguna chica del círculo de Quinn entre las que está Alice.

Tras ir ganando a rivales tiene lugar un enfrentamiento por el título mundial con un boxeador de color Ben Chaplin (Canada Lee). Se trata de un boxeador muy tocado por los golpes y que tiene un coágulo en la cabeza. El combate tiene lugar y Charlie gana, aunque Ben está a punto de morir. Charley hace todo lo posible para que Ben se recupere.

Mientras espera, Shorty se entera que Roberts sabía que el contricante tenía problemas por un coágulo en la cabeza. Shorty queda horrorizado y se enfrenta a Roberts. Cuando dice romper con él, Roberts le aclara que ellos no son socios, que quien lleva su propia carrera es Charlie y que esté amablemente le da el 10 % para siga pensando que es su mánager.

Esa noche van a celebrar el nuvo título a un garito. Mientras bebe ve a Shorty que le cuenta lo que sabe por lo que se enfrentan.

A la salida del bar, se separán, pero Shorty que se ha encarado con Roberts será golpeado por uno de sus matones . Ünicamente la intervención de Charlie impide que lo mate. Al separarse de nuevo, Shorty es atropellado y muere.

Las victorias continúan. Ben ha cubierto el espacio dejado por Shorty ya que Davis lo integra en su equipo de entrenamiento. Charley se encamina por una cuesta abajo en lo personal, abandonando en la práctica tanto a su madre como a Peg.

Charley se enfrenta a decisiones cada vez más difíciles. A medida que su carrera prospera, victoria tras victoria, Roberts, un promotor de dudosa moralidad, empieza a interesarse ha planificar el fin de la misma.

El combate final debe ser momento para sacar tajada. Roberts propone a Charley que, pese a un pronóstico favorable en la victoria, se deje perder para apostar contra él. Le entrega para ello 60.000 dólares.

La intención de Charley es la de retirarse con una derrota pero inmensamente rico. Las pesadillas dominan sus noches y tras una de ellas, va en busca de Peg, a la que le entrega los 60.000 dólares y vuelven a realizar proyectos de futuro, ante la alegría de su madre.

Sin embargo, una reacción violenta ante lo que espera la gente del barrio de él- mucha gente humilde del barrio, ha apostado por su victoria- algo que inquieta al boxeador que en un momento reclama el dinero a Peg que se lo ha quedado y metido en la cuenta para que Charley no lo malgaste. La ruptura con Peg y su madre parece definitiva.

Ben sospecha que Charley se ha vendido, aunque él lo niega. Ben está inquieto y quiere convencer a su púgil de que puede ganar, pero Roberts saca a relucir las miserias de uno y otro. Lo que provoca un efecto negativo en Ben que salta al ring y tras un choque con las cuerdas del ring cae y muere como sabemos desde el inicio de la película.

Llegamos a lo que dejamos. La pelea tiene lugar. Charley parece vender su derrota de manera indigna. Sin embargo, la muerte de ben , el rechazo de su madre y de Peg, le hacen reaccionar muy al final. En lo dos últimos rounds vemos como Charley se activa ante el asombro de Roberts y de Quinn y ante la alegría de Peg que está en el combate.

En el último instante Charley noquea a Marlowe. Es declarado vencedor. Mientras baja del ring percibe el desprecio de Quinn, el de Laura y escuchas las amenanazr de Roberts. Sin embargo, sabe que ha perdido el dinero, pero ha ganado dignidad y a Peg que le acompaña al vestuario, acabando asñi la película.

La película fue rodada en New York City, la ciudad en la que creció el director y el protagonista, John Gardfield un hombre criado en los barrios pobres de la ciudad como algunos distritos de Brooklyn - en concreto en Brownsville- , Queens y El Bronx y con pasado en bandas. Tmbién empezó a entrenar en un gimnasio de boxeo en Jerome Avenue.

En 1937, se mudó a Hollywood trabajando en la Warner y finalmente se convirtió en una de las estrellas de Warner Bros.Al comienzo de la Segunda Guerra Mundial , Garfield intentó inmediatamente alistarse en las fuerzas armadas, pero fue rechazado debido a su condición cardíaca. Frustrado, dedicó sus energías a apoyar el esfuerzo bélico.

Después de la guerra, Garfield protagonizó una serie de películas exitosas como El cartero llama dos veces / The Postman Always Rings Twice (1946) con Lana Turner , Humoresque ( 1946) con Joan Crawford y Gentleman's Agreement (1947), ganadora del Oscar a Mejor Película.

Ese mismo año trabajó y estrenó Body & Soul por la que fue nominado al Oscar al Mejor Actor (1947).

Años después, Garfield, involucrado durante mucho tiempo en la política liberal, fue llamado a testificar ante el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara del Congreso de los Estados Unidos ( HUAC ), negando su afiliación comunista, pero negó a "dar nombres", poniendo fin a su carrera cinematográfica. Algunos han alegado que el estrés de esta persecución provocó su muerte prematura a los 39 años por un infarto. Era 1952.

Llama la atención que una gran parte del elenco y el equipo de la película como el escritor Abraham Polonsky, Anne Revere, Lloyd Gough, Canada Lee, Art Smith, Shimen Ruskin, el productor Bob Roberts e incluso, aunque en menor medida, el director de fotografía James Wong Howe, al igual que Gardfield se encontraron en la lista negra o en la lista gris durante la caza de brujas del HUAC de la década de 1950. Gardfield apoyó al Comité de la Primera Enmienda , que se opuso a la investigación gubernamental de la actividad comunista en Hollywood. Cuando fue llamado a testificar, en 1951, ante el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes, que estaba facultado para investigar sobre la posible infiltración comunista en Estados Unidos, se negó a nombrar miembros o seguidores del partido comunista, testificando que, de hecho, no conocía a ninguno en la industria cinematográfica.

En el primer borrador del guión, se suponía que el personaje de John Garfield moriría al final, disparado en la calle por la mafia porque se negó a perder la pelea. Pero en su lugar se utilizó el final con guión de Abraham Polonsky, que el público pudo ver en la pantalla.

Una de las actrices que salió bien parada de la película fue Lilli Palmer que durante la película recita el poema "El tigre" de William Blake.

Por su parte, Anne Revere que hace de madre de Garfield en la vida real tenía una diferencia de únicamente 10 años. La película fue el debut de Hazel Brooks.

De uno de los implicados, el fotógrafo, James Wong Howe señalar que para lograr un movimiento de cámara más fluido en el ring de boxeo, el director de fotografía filmó la pelea mientras sostenía la cámara y era empujado por un asistente mientras usaba patines.

Originalmente, se suponía que esta película era una biografía inspirada en el tres veces campeón de boxeo Barney Ross. Pero cuando Ross admitió públicamente que se había convertido en un adicto a la heroína por haber recibido morfina para tratar sus heridas durante la Segunda Guerra Mundial, el estudio decidió convertir la película en una representación ficticia de la carrera de Ross como boxeador. Ross demandó y ganó un acuerdo de $ 60,000.

Una curiosidad . Doce miembros del reparto y del equipo han  sido o se convirtieron en directores: los actores William Conrad, Sid Melton, George Tyne y Joseph Pevney, el escritor Abraham Polonsky, el director de fotografía James Wong Howe, el editor Robert Parrish, el editor supervisor Francis D. Lyon , el director de montaje Gunther von Fritsch, el director de arte Nathan Juran (alias Nathan Hertz), el asistente de dirección Robert Aldrich y el supervisor de guión Don Weis. Además, el decorador de escenarios Edward G. Boyle dirigió una película en la era del cine mudo. La película ha sido identificada por el crítico Thom Andersen como un ejemplo de "film gris", una subcategoría del cine negro que incorpora una narrativa cercana al discurso de la izquierda.

Un aspecto especialmente digno de mención de esta película es el personaje de Ben Chaplin, interpretado por el actor afroamericano Canada Lee que participó en algunas películas más.

La película tras su estreno en noviembre de 1947 obtuvo unos ingresos de $ 4,700,000, recuadando unos 3 millones entre Estados Unidos y Canadá.

En cuanto a la crítica señalar que cuando se estrenó la película, el crítico Bosley Crowther elogió la película, escribiendo: " Body and Soul tiene interés y entusiasmo de sobra, y la recomendamos de todo corazón... Aún así [Abraham Polonsky ha] escrito una historia con tal sabor y una fidelidad tan cortante sobre la naturaleza fría y codiciosa del boxeo, y Robert Rossen la ha dirigido con un respeto tan honesto por los sentimientos humanos y con una cámara que busca y mira, que cualquier posible la semejanza con otras historias de lucha, vivas o muertas, se puede permitir con gratitud ". 

En la Enciclopedia Britannica se señala que "Muchos la consideran una de las mejores películas sobre el deporte, destacando especialmente por sus escenas de lucha realistas ".

Recientemente el crítico de cine Dennis Schwartz habitual en rotten Tomatoes escribió que " Body and Soul de Robert Rossen se convierte en más que una historia de boxeo y cine negro, ya que el guionista Abraham Polonsky convierte esto en un drama de moral socialista donde la búsqueda del dinero se convierte en el foco que descarrila al hombre común en su búsqueda del éxito. .. Garfield es visto como una víctima del despiadado sistema capitalista que arregla todo, incluidos los eventos deportivos, ya que el pequeño siempre está a merced del gran operador. Es el tipo de liberalismo que era común en los dramas hechos en la década de 1930. Es más una película sobre la corrupción y la presencia de violencia en todas partes en Estados Unidos que una película de boxeo heterosexual ...visto en esta fecha tardía carece de mucha relevancia y ahora solo parece apasionante por la valiente actuación de Garfield, y no por el intenso guión que una vez hizo olas en círculos poderosos. 

En TV Guide comenta sobre la película que "Las secuencias de lucha, en particular, aportaron al género una especie de realismo que nunca antes había existido (James Wong Howe usaba patines y rodaba alrededor del ring filmando las escenas de lucha con una cámara de mano). Un nocaut en todos los niveles ".

En ABC Play se señala que "Este largometraje del director Robert Rossen (“El buscavidas”, “El político”, por el que obtuvo el Oscar) está considerado un clásico dentro del género de los filmes de boxeo. El guión corre a cargo de Abraham Polonsky, escritor, entre otras, de “El valle del fugitivo”, que también dirige, y “Brigada homicida”. “Cuerpo y alma” obtuvo el Oscar al mejor montaje, además de una nominación para el excelente trabajo del protagonista, John Garfield, y para el guión de Polonsky. En 1981 se realizó un ‘remake’ de esta historia, realizado por George Bowers". 

Por útimo señalar que Francis Lyon y Robert Parrish ganaron el Oscar a la mejor edición cinematográfica . John Garfield fue nominado a Mejor Actor en un Papel Protagónico , y Abraham Polonsky fue nominado a Mejor Escritura por un guión original . La película fue votada como la Mejor Película de Boxeo en 2014 por el Salón de la Fama del Boxeo de Houston.

Pero no quiero despedirme sin hablar de esa joya de toques jazzísticos que compuso como banda sonora instrumental Hugo Friedhofer. Una película brillante. Una joya como la canción.

My life a wreck you're making 

You know I'm yours for just the taking 

I'd gladly surrender myself to you body and soul 

My life a wreck you're making 

You know I'm yours for just the taking 

I would gladly surrender myself to you body and soul

En tiempos de brujas

No es lo peor que he visto en mucho tiempo, pero lo cierto es que , como ya he señalado en alguna ocasión, para mi hay una máxima cuando voy al cine: si aparece Nicolas Cage, es muy posible que estemos ante una mala película. No llego al extremo que defiende José Luis Caviaro en la otrora blog de cine , hoy espinof quien dice que Cage, trae la peste negra. Lo cierto es que el sobrino de Coppola elige siempre entre mal y fatal, y el resultado suele ser la calamidad esperada. En este caso el producto global, no lo es catastrófico del todo, pues entretener, entretiene, pero cuando aparece el diablo volador todo lo anterior se va al carajo. Y eso que no hablamos de actuaciones o sobreactuaciones, que suelen estar entre malas y deplorables, aunque casi siempre llega a rozar la vergüenza ajena. 

Este es el caso de Season of the Witch, titulada en España En tiempo de brujas. Una película que son muchas a la vez muchas cosas, pero lo dicho acaba siendo un cóctel entretenido, aunque no con ello digo que sea bueno. 

Responsable de la película que no otro que Dominic Sena, director que había sido de al menos de dos películas que han pasado por aquí: Kalifornia y Whiteout, conocida en España como Terror en la Antártida. Una y otra fueron películas que se dejaban ver. 

En este caso al director estaba amparado por Charles Roven y Alex Gartner a los que se sumaron como productores ejecutivos Steve Alexander, Gloria Fan, Alan Glazer, Tom Karnowski, Ryan Kavanaugh y Tucker Tooley representantes de la productora Relativity Studios, Rogue, Atlas Entertainment. El presupuesto estimado invertido en la producción fue de 40 millones. En este caso el responsable del guión no era otro que Bragi F. Schut. 

La película contó con la música de Atli Örvarsson y la fotografía de Amir M. Mokri. En la edición participaron Bob Ducsay , Mark Helfrich y Dan Zimmerman.  

El reparto lo preside Nicolas Cage como Behmen acompañado de Ron Perlman como Felson. Junto a ellos aparecen Stephen Campbell Moore como Debelzaq, Stephen Graham como Hagamar, Christopher Lee como el cardenal d'Ambroise, Claire Foy como Anna, la Bruja y Robert Sheehan como Kay. Junto a ellos aparecen Kirk Jordan como el caballero cruzado, Brían F. O'Byrne como el Gran Maestre, Ulrich Thomsen como Eckhart, Kevin Rees como el monje moribundo, Andrew Hefler como el alguacil de la prisión, Fernanda Dorogi como una anciana, Rebekah Kennedy como una campesina turca, Matt Devere como el sargento de las armas, Róbert Bánlaki como el lacayo, Barna Illyés como el sacerdote del cardenal d'Ambroise, Kevin Killebrew como Demon. Junto a ellos aparecen Simone Kirby , Elen Rhys, Nicholas Sidi, Rory McCann , Nicola Sloane , Ada Michelle Loridans , Lisa Marie Dupree y los actores húngaros que hacen de soldados Gergö Horpácsi, László Imre , Norbert Kovács , Zsolt Viktor Magyari.

La historia se inicia con un juicio a tres mujeres que son acusadas de brujería. Una la niega, al igual que la que le precede, por último la mayor de todas manda al diablo al eclesiástico que las juzga. A pesar de que pide ayuda, pues hay que seguir un ritual para poner fin con su poder, el miembro de la iglesia es abandonado. El persiste en que ha de seguir un protocolo establecido en el Libro de Salomón. Así que va sacando del agua, pues han ido ahorcadas y abandonadas en el río, una a una. 

Tiene dificultades para sacar a la primera, que era la que más clemencia pedía, una chica joven y rubia. Luego a la tercera, la mujer más vieja, y con aspecto de bruja, la saca y percibimos que , a pesar de todo, sigue vive, pues era una bruja. Pero con lectura de las escrituras su cuerpo queda abatido. La tercera, una mujer que fue acusada por cocinar con determinados ingredientes, se le resiste. Es más no puede sacarla y finalmente el que cae y muere es el sacerdote. Tras eso la historia cambia de tiempo y espacio, así como de protagonistas. 

Llegamos a mediados del siglo XIV. Por lo pronto se traslada al periodo de las cruzadas. En ellas la brutalidad y las injusticias están a la orden del día. Todas ellas o gran parte cometidas en nombre de Dios. 

En estas cruzadas y en la brutalidad participan activamente como cruzados Behmen (Nicolas Cage) y su gran amigo Felson (Ron Perlman) que tras intervenir en algunas batallas, no quieran luchar más por los intereses de la Iglesia católica sobre todo tras ver Behmen como mata a una mujer inocente y como mueren niños. 

Tras la captura de Esmirna ambos deciden desertar de la Orden y la Cruzada, para regresar a su lugar de origen. Ambos ya en Europa se quedan sorprendidos al ver en Estiria los estragos de la peste bubónica en el continente europeo. 

En una ciudad, la de Marburgo, mientras buscan alimentos, son identificados como desertores , aunque los dos caballeros son llamados ante el cardenal local, el Cardenal D'Ambroise (Christopher Lee), quien moribundo y lleno de bubones, amenaza a Behmen y Felson con una pena de prisión por desertar en sus funciones, a no ser que acepten llevar a cabo una peligrosa misión. 

En el calabozo del Cardenal se encuentran a una joven (Claire Foy) acusada de ser la bruja que ha traído la peste. Sólo se librarán de la pena de prisión si aceptan llevar a la joven a la que se le atribuye la Peste Negra que asola y destruye Europa a una abadía donde será juzgada. 

Para realizar a cabo esta acción le acompañan el padre Debelzaq (Stephen Campbell Moore), el caballero Eckhart (Ulrich Thomsen ) , un viudo que acaba de perder a sus dos hijas, así como por Hogomar (Stephen Graham), un hombre que dice ser comerciante y conocedor del terreno pero que está preso en un potro de tortura. 

A ellos se le suma por el camino un joven monaguillo, pero ansioso de ser nombrado caballero, llamado Kay (Robert Sheehan). La ruta es larga y dura. 

Behman, escéptico, comienza a pensar durante el inicio del viaje que la joven pueda ser inocente, pues le recuerda su intervención brutal en la toma de alguna ciudad. Sin embargo, poco a poco vemos como mientras atraviesan pueblos asolados por la peste, que la muchacha tiene una fuerza descomunal, en capaz de intervenir en la mente de las personas, salvar a Kay de morir mientras cruzan una profunda garganta o lanzar mientras buscan la abadía en un bosque nebuloso, el de Wormwood, llenos de lobos a una manada contra el desgraciado de Hogomar. 

Finalmente a la abadía llegan, la chica, Kay, el sacerdote y los dos cruzados. Descubren que todos los monjes han muerto. Eso sí, no saben que allí les espera las fuerzas de la oscuridad que tienen como objetivo un texto: el libro de Salomón, el único que puede acabar con las fuerzas de la oscuridad. 

La película se empezó a rodar en noviembre de 2008 en diferentes localizaciones de Austria, Hungría y Croacia. Destacan poblaciones como Innsbruck, Salzburgo, ambas en Austria; Budapest en Hungría; o la península de Istria en Croacia. 

Se dice que Nicolas Cage se sintió atraído por el proyecto porque lo vio como un tributo a las películas de Roger Corman de la década de 1960, protagonizadas invariablemente por artistas como Sir Christopher Lee y Vincent Price. Fue una gran ventaja para él descubrir que Lee también aparecería en esta película.Nicolas Cage aprendió a montar a caballo para esta película. La fecha de lanzamiento original de la película era el 19 de marzo de 2010. Pero varias semanas antes de esa fecha la distribuidora Lions Gate Entertainment, alegando que había recibido pobres reacciones en los pases previos al estreno optó por despedir a Dominic Sena siendo contratado Brett Ratner, que dirigió nuevas tomas en septiembre de 2010.

Las nuevas sesiones se llevaron a cabo en septiembre de 2010 en Shreveport, Louisiana. Cuando contrataron a Brett Ratner para que dirigiera las nuevas tomas, éste trajo consigo a su editor habitual, Mark Helfrich, pues quería perfeccionar el resto de esta película.Para esta película, Tippett Studio diseñó el demonio que se manifiesta en el final. 

Sumando las recaudaciones internacionales la cifra alcanzó los 91 millones, lo que puede ser considerado un éxito de público. 

Como era de esperar la película llegó a tener sus Premios estando nominada a los Premios Razzie a Peor actor (Cage) y peor pareja en pantalla, siendo responsabilidad de ello de la jefa de casting, Elaine Grainger. Con respecto a la crítica decir que la critica le dio por todos lados, aunque habría que matizar bastante. 

Para Scott Bowles en USA Today la película es "Un batiburrillo de terror y géneros históricos que no resulta tan malo como sus trailers, pero que al final es hundido por, entre otras cosas, su actor estrella" 

Peter Travers en la mítica Rolling Stone se trata de "Una mezcolanza sci-fi de mala historia y peores efectos especiales (...) Tiene tan poca sangre como un vampiro muerto de hambre. En lugar de una crítica, merecería una estaca en el corazón. Muere, monstruo, muere (...)" .

Duro fue igualmente Joe Morgenstern que en las páginas del The Wall Street Journal sentencia: "Bienvenidos a la cuesta de enero".

En el Reino Unido David Hughes de Empire comenta que es "Floja dirección y malos efectos (...) baja un nivel más en la carrera -una vez estelar al ganar un Oscar- de Nicolas Cage. Puede que sólo su contable la apruebe. (...) ". 

Ya en España destaca la bondad con la que la trata Jordi Costa en El País quien dijo se trata de "Una serie B en el mejor de los sentidos: la película de Sena es ágil en su manejo de gratificaciones epidérmicas, va directa al grano y culmina en clave excesiva". 

José Manuel Cuéllar en ABC igualmente lo vio bien al decir que "Necesitaría mayor presupuesto para lo que requieren los efectos especiales pero, aun así, tiene agarraderas para sobresalir (...) se aúpa en una vuelta de tuerca final (...)".

Para Carmen L. Lobo en La Razón señala que "Los efectos digitales parecen del todo a cien (...) Con las ganas muy justas, Cage deambula por una historia que jamás consigue enganchar el interés del espectador".

Por su parte, David Broc en Fotogramas nos dice que es una "lástima, porque sobre la marcha presentaba algunos elementos y recursos como para aumentar sus prestaciones: un magnífico elenco de secundarios –Ron Perlman o Christopher Lee dan empaque a su propuesta–, una dirección sin estridencias y efectiva en algunos pasajes del recorrido y un telón de fondo histórico siempre atractivo para el público. Apuntes que, por desgracia, se desvanecen a medida que Dominic Sena empieza a mezclar géneros sin ton ni son y desde el momento en que Nicolas Cage nos deja claro que él es el primero que no se cree nada de lo que está haciendo". 

En Argentina Diego Lerer en Clarín sostiene que "Cage tiene cara de querer irse a casa pronto, los toques de humor son innecesarios y poco convincentes, y la situación escala hasta un final directamente absurdo." 

Adolfo C. Martínez en La Nación dice que es "Un film entretenido con escenas muchas veces cercanas al videoclip." 

Para Horacio Bernades en Página 12 se trata de una "Película “de acción histórica” en su primera parte (...), suerte de western medieval en la segunda (...), show de efectos especiales fantásticos en la última, da la sensación de que el guión, escrito por un tal Bragi Schut, se contenta con sumar peripecias dispersas, que le permitan llegar hasta los 90 minutos reglamentarios." 

Santiago García en Tiempo Argentino dice que es "Una producción sin estilo ni fuerza, que resulta interminable." 

Yo por mi parte decir que tiene de bueno que es entretenida posiblemente por el carácter cocktail de la misma que hace que pasemos de uno a otro con comodidad. El disparate cono ya he dicho llega en su último cuarto. Lo de los efectos especiales visto que es del año 2011 habrá que reconocer que no tiene perdón. Están sacados de un baratillo y el diablo parece diseñado y animado por Kusidimutxu, una inexistente empresa de efectos especiales inspirada en Kukuxumusu.

Reiterar que contar con Cage tiene sus riesgos y ver que en una película aparezca tiene los suyos. Eso sí, estamos avisados. Los demás, la cuadrilla integrada por Ron Perlman, Christopher Lee, Stephen Graham y Claire Foy junto a Robert Sheehan bien gracias. En definitiva, es pasable, la ves y después buscas información sobre Leo Messi, por ejemplo.

La isla de los perros

Una curiosa película realizada mediante la técnica de stop motion y que ¡ cómo no! motivó las críticas a Hollywood por parte de algunos conspiranoicos que ven agresiones en este caso acusando a la película   «whitewashing» o «blanquear»   por usar voces de importantes actores estadounidenses, entre los que estaban Bryan Cranston, Koyu Rankin, Edward Norton, Bob Balaban, Bill Murray y Jeff Goldblum, siendo el narrador Courtney B. Vance, aunque yo la he visto en castellano,  para representar personajes principales que están representados como asiáticos. 

Dicho lo cual diré que está película la he visto gracias a los comentarios elogiosos que vi los tweets de Gerardo Sánchez , director de Dias de cine, cuando comentaba la película Isle of Dogs de Wes Anderson aquí responsable tanto de la dirección como del guion junto a Roman Coppola, Kunichi Nomura y  Jason Schwartzman.

Aunque pudiera parece una película de animación japonesa se trata de una coproducción en la que están implicadas enpresas de Estados Unidos y Alemania como American Empirical Pictures, Indian Paintbrush, Scott Rudin Productions y Studio Babelsberg y que tenía como caras visibles al mismo Wes Anderson, junto con Jeremy Dawson, Steven Rales y Scott Rudin. El diseño de producción pasó a manos de Paul Harrod y Adam Stockhausen.

Anderson contó con el apoyo en la dirección de James Emmott y Curt Enderle en la dirección artística. En otros apartados artísticos destaca la música de Alexandre Desplat, la fotografía de Tristan Oliver, el sonido de Wayne Lemmer y Christopher Scarabosio, el montaje de Andrew Weisblum y el curioso vestuario de Susanne Morthorst Staal, los efectos especiales de Lev Kolobov y Tim Ledbury, el papel de animador de Tobias Fouracre, el guión gráfico de Jay Clarke, el color de Asa Shoul y la pintura de Angela Kiely.

La película  se desarrolla en un prólogo y cuatro partes.

El prólogo se inicia con Júpiter, un perro de la raza terranova que empieza a relatar una antigua leyenda acerca de un pequeño pero valiente samurái quien tuvo la osadía de cortarle la cabeza a los Kobayashi, una temible dinastía amante de los gatos que intentó exterminar a todos los perros posibles.

1000 años después, en el archipiélago japonés, se ha  desencadenado un extraño brote de gripe canina a través de la ciudad de Megasaki, arriesgando la vida humana existente allí.

El alcalde la ciudad, Kenji Kobayashi, ha declarado el estado de emergencia y como medidas extrema decreta el exilio de todos los perros de la ciudad (tanto domésticos como callejeros), dejándolos en cuarentena en la Isla de la Basura.

Ante esta medida, el profesor Watanabe, científico veterinario y rival político de Kobayashi, ha  decretado lo que entiende una medida demasiado radical e intenta revocar  la decisión de Kobayashi, , convenciendo a los habitantes de Megasaki que le dieran tiempo hasta hallar la cura contra la gripe canina, pero lamentablemente todos (hasta los dueños de mascotas) se muestran reacios ante esa solución ya que se han dejado llevar por las influencias de Kobayashi.

El primer perro en ser deportado es, irónicamente, la mascota de la familia real, Spots, un perro mestizo,  de pelaje blanco con manchas negras quien además era el guardián personal del sobrino huérfano  del alcalde. Su nombre es Atari Kobayashi.

Tras esto la película se divide en cuatro partes:

Parte 1: El pequeño piloto

Seis meses después de que los perros acabaran sobreviviendo sin el cuidado de los hombres en medio de La Isla de la Basura, se nos revela que Atari se las ha arreglado para conseguir escapar de sus mayores y robar un avión para viajar hasta la isla con la esperanza de poder recuperar a su perro Spots.

Atari realiza un aterrizaje forzoso y cae inconsciente. Al despertar, Atari conoce a una jauría de cinco perros formada por: Rex, una mezcla de pastor que solía ser mascota en una biblioteca; King, un mestizo entre schnauzer y setter irlandés que solía promocionar una cadena comida canina; Boss, una mezcla entre boxer y pitbull que solía ser la mascota de un equipo de béisbol; Duke, un husky siberiano de una familia esquimal que disfruta de los chimes; y Chief, un callejero de pelaje negro que desconfía de los humanos.

Ellos, excepto Chief, deciden ayudar a Atari a localizar a Spots pero lamentablemente solamente podrán , tras mucho esfuerzo y consulta, encontrar sus restos en una jaula.

Triste, mientras le hacía un entierro a su querido amigo, Atari todavía recuerda el día en que conoció a Spots, que ocurrió poco tiempo después de que él perdiera a sus padres y un riñón.

Sin embargo, antes de que Atari se marchara, descubren que el nombre del perro muerto era en realidad Sport, sin la "s" final.

De pronto, el grupo se enfrenta contra unos perreros acompañados por un perro robótico, quienes han sido enviados por Kobayashi para traer devuelta a su sobrino a la fuerza. Atari y los perros escapan y los perreros fracasan en su misión.

Un enfurecido Alcalde Kobayashi entonces declara  que su sobrino ha sido secuestrado por una jauría de perros malos, a quienes terminarán asesinando una vez que recupere y castigue a Atari. Esta información llega a todo el país y lo que ocurre en la isla de los perros acaba siendo un tema de interés nacional.

Atari , mientras tanto ser gana el respeto y la confianza de la jauría, excepto Chief, quien aún mantenía su orgullo de callejero.

La jauría decide entonces iniciar un largo viaje de búsqueda para ayudar a Atari a reunirse con Spots, dirigiéndose al otro extremo de la isla.

A pesar de que Chief todavía es muy orgulloso, decide participar en la búsqueda especialmente tras ser convencido por Nutmeg, una bella perra de raza pura que se dedicaba a los espectáculos, de la cual Chief está enamorado.

Parte 2: La búsqueda de Spots

Durante el viaje, mientras los perros comienzan a recordar los alimentos que sus amos solían darles, Chief confiesa que en realidad él una vez fue la mascota de una familia, sin embargo permaneció en las calles debido a su tendencia a morder a cualquiera que intentara acariciarlo.

Los dos más tarde se encuentran con Júpiter y su compañera, Oráculo, quienes les comentan cómo han llegar a una pequeña isla colindante en donde seguramente estaba Spots. Pero también les advierten de la presencia de una extraña camada de perros aborígenes que solía ser utilizados como ratas de laboratorios, y que tras escapar de su vida de tortura recurrieron al canibalismo.

De vuelta en Megasaki, el profesor Watanabe logra hallar la cura para la gripe canina, pero Kobayashi, quien todavía quería dejar en exilio a los perros, no se lo iba hacer sencillo. No sólo se encargó de asegurarse que la cura jamás saliera a la luz, sino que también arrestó al profesor por contradecirlo, y después participó en una conspiración para asesinarlo con un sushi que contenía wasabi envenenado.

Esto deja en mal lugar al grupo de defensa de los perros, en el que participa activamente Tracy Walker, una estudiante de intercambio estadounidense quien también es dueña de Nutmeg, insistiendo que hay gato encerrado e inicia una investigación del caso.

Durante el viaje, Chief y Atari quedan solos tras separarse de los demás miembros de la pandilla. Al principio, Chief todavía mostraba desconfianza hacia Atari, sobre todo al verse forzado a cuidarlo, pero con el tiempo Chief comienza a sentir un cariño enorme hacia el muchacho como nunca lo tuvo antes hacia un humano.

Como resultado, Chief comienza a dejarse abrazar por él, a jugar con él a traer el palo - eso, muy a su pesar- y luego le permitió que le diera su primer baño, revelando que Chief en realidad es un perro con pelaje blanco y manchas negras, compartiéndo un enorme parentesco físico con Spots (excepto por el color de sus narices), lo que hace que Atari se diera cuenta de que Chief y Spots podría pertenecer a la misma raza.

Chief también comienza a recordar que él y otro cachorro fueron los únicos supervivientes de su camada, pero jamás llegó a encontrarse con su hermano.

Tras desarrollar un fuerte lazo con Atari, Chief estaba determinado en hacer lo posible por satisfacer la felicidad de Atari haciéndole prometer que recuperaría a Spots.

Parte 3: El encuentro.

Atari y Chief logran encontrarse con el resto del grupo, pero todos fueron emboscados por más de los perreros de Kobayashi y sus perros robóticos.

Spots llega justo a tiempo en compañía de los perros aborígenes (los cuales no resultaron ser caníbales, ya que solo uno llegar a practicar el canibalismo en circunstancias extremas) para derrotar a los hombres de Kobayashi y salvar a Atari y a la pandilla, quienes fueron dados por muertos luego de que ellos lograran escapar.

Spots revela  a Atari y al grupo que le acompaña que los perros aborígenes fueron quienes lo liberaron de su jaula y lo hicieron su líder tras perder a su líder anterior, así como que tine una camada de cachorros con una perra aborigen, una galgo afgana, llamada Peppermint.

También el reveló que él era el hermano mayor perdido de Chief, y finalmente  que fueron los Kobayashi los responsables de crear la gripe canina de manera intencional, usando a los perros aborígenes.

Con su nuevo cargo de líder de la manada marginada, Spots decide otorgarle a su hermano menor Chief el cargo de ser el nuevo perro guardián de Atari al ver que ellos se hicieron amigos, además de dejar que su amo se quedara con uno de sus cachorros.

Mientras tanto un búho de la isla había llegado con un mensaje por parte de Júpiter: él, Oráculo, Nutmeg y el resto de los perros de la isla han sido acorralados por los perreros de Kobayashi para ejecutar un plan que terminara para eliminarlos a todos y acabar con la gripe canina de una vez por todas; mientras que sus amos los terminarían reemplazándolos por los perros robóticos de Kobayashi.

Esto obliga a Atari y a sus amigos perrunos deciden ir preparándose para poder volver lo más rápido posible a la ciudad y llegar a tiempo para detener los planes de su tío.

Parte 4: La linterna de Atari

Tracy va entablar una conversación con Yoko Ono, compañera de trabajo del profesor Watanabe, a quien logra hacer recapacitar para que supere la tristeza por la muerte del profesor y le entregue la última muestra de la cura.

En la noche de la reelección del alcalde, Tracy trae todas las evidencias que prueban la corrupción de Kobayashi, pero éste, por medio de su poder político, decide deportarla de vuelta a Estados Unidos y proceder con el plan de erradicación canina.

Atari y el clan de perros llegan justo a tiempo, y tras usar el suero en Chief este último afirma que la cura es efectiva.

Atari luego presenta un haiku, dedicado a Kobayashi, en el que expresa el valor y el amor que existen entre perros y humanos.

Tras esas palabras, todo el pueblo se sintió conmovido y a su vez culpable, ya que entendieron que lo que le han estado haciendo a sus perros fue horrible y evidenciaba la naturaleza cruel humana en lugar de garantizar su propia supervivencia, mientras que Atari era el único que recurría a la unión y a la paz.

Ahora el propio alcalde Kobayashi se muestra arrepentido y decide eliminar su decreto de exilio y su plan erradicación canina por el amor que siente hacia su sobrino.

Su asistente de confianza, Major Domo, se enfurece con Kobayashi y decide desencadenar un combate contra el alcalde con el proceder con el plan de erradicación canina, tal y como lo habían planeado desde un principio.

En la pelea, algunos Pro-perros y un perro robótico participan y Spots decide frenar la pelea, pero en el proceso él y Atari caen malheridos.

A pesar de los intentos de Kobayashi por detener a Major Domo, este último logra detonar el botón de eliminar, pero ocurre una fallo provoca que los perreros y sus perros robóticos sean los recpetores del veneno, mientras que Jupiter, Oráculo, Nutmeg y los demás perros consiguen salvarse.

Se nos revela que esto fue obra de uno de los Pro-perros, quien logró infiltrarse y hackear el sistema. Atari y Spots son llevados por sus amigos hasta el hospital, donde el doctor afirma que a Atari le falla el riñón restante.

Como nuevo acto de redención, Kobayashi dona su propio riñón para salvar a su sobrino. Cuando Atari se recupera, se revela que ahora es en el nuevo alcalde de Megasaki debido a una cláusula, mientras que Kobayashi y sus secuaces (incluyendo a Major Domo) son arrestados por corrupción.

En su primer mandato, el alcalde Atari decreta que todos los perros exiliados regresen a la ciudad de Megasaki.

Una vez ahí, son vacunados y devueltos a sus respectivas vidas y familias (incluyendo los miembros de la jauría).

Atari y Tracy se convierten en pareja, mientras que Chief, quien también se convirtió en pareja de Nutmeg, disfruta de su nueva posición como perro guardián de Atari sin dejar de lado su orgullo callejero.

En tanto, un recuperado Spots se ha retirado de su cargo para poder cuidar de su familia en privado en una mansión.

La historia de esta película se remonta a octubre de 2015, cuando Anderson anunció que regresaba al estilo de stop motion con una «película acerca de perros»,  confirmando la participación de Edward Norton, Bryan Cranston y Bob Balaban.

Según Anderson, se inspiró en un anuncio relacionado con una isla de perros que vio durante la filmación de Fantastic Mr. Fox en Inglaterra.

La producción comenzó en octubre de 2016 en Londres, y el departamento de animación fue el mismo encargado de la cinta Fantastic Mr. Fox.

Se crearon 20 mil caras y más de mil muñecos de los personajes, creados por doce escultores que trabajaron seis días a la semana, los detalles para la creación de los personajes principales tomaron de entre dos y tres meses.

Para el proceso de producción, el director buscó que los personajes tuvieran un balance de anatomía real canina con un tono caricaturesco. Andy Gent, uno de los encargados del diseño de los modelos, esculpió algunos perros de muestra para posteriormente ser analizados.

De alrededor de 500 modelos fueron elegidos los cuatro perros protagonistas y cada modelo tiene por dentro una armadura en forma de esqueleto metálico, para facilitar el movimiento y las posturas.

Algunos de los personajes, por su complejidad, tomaron hasta 30 semanas en su diseño como el caso del personaje Nutmeg.

Para el proceso del diseño del set, Adam Stockhausen, colaborador de Anderson en dos películas anteriores, creó alrededor de 240 micro locaciones, entre las cuales destacan el domo municipal, el laboratorio monocromático y las ruinas de la Isla Basura.

Las nubes de polvo y las olas del mar se hicieron completamente a mano, la locación con mayores elementos es la Isla Basura, con sus diferentes zonas de colores.

Para el diseño de los personajes humanos, los Mills Studios usó una resina para dar la sensación de calor y piel translúcida.

En total se crearon mil marionetas, la mitad son perros y el resto son personas, destaca además el uso de bocas desmontables con diferentes muecas, que fueron añadidas cuando un personaje hablaba o se movía.

La escena que más tiempo se invirtió fue donde se aprecia la elaboración de sushi, se dedicaron seis meses de grabaciones tras una profunda investigación para mostrar a detalle como cortar el pescado, el pulpo y mostrar el proceso en 45 segundos.

Wes Anderson confió la banda musical de la película de animación a manos del francés Alexandre Desplat, el compositor  con quien ya había trabajado anteriormente en películas como Fantastic Mr. Fox (2009), Moonrise Kingdom (2012) y El Gran Hotel Budapest (2014).

La banda sonora mezcla instrumentos tradicionales japoneses, como los sonidos que producen el koto, taiko y el shakuhachi, con instrumentos de orquesta filarmónica. Algunas canciones pertenecen a películas del cine clásico japonés del director Akira Kurosawa.

La banda sonora se compone de veintidós pistas en total, quince fueron compuestas por Desplat. ​ La banda sonora original, creada por Desplat, quedó como nominada a los Premios de la Academia en febrero de 2019; algunos de los involucrados en la creación de la banda sonora fueron la Orquesta Sinfónica Toho, el compositor estadounidense David Mansfield, la Orquesta Sauter-Finegan y la banda de pop experimental West Coast Pop.

La película tuvo su estreno en la edición 68 del Festival Internacional de Cine de Berlín, donde Anderson ganó el Oso de Plata a la mejor dirección. Tras la película se publicó una adaptación de la historia a una serie de manga por Minetarō Mochizuki, apareció en la edición de mayo de 2018 de la revista Weekly Morning.

La película ha ganado múltiples premios. La  Alianza de Mujeres Periodistas de Cine la nominño a la Mejor película animada al presentar el mejor personaje femenina animada Greta Gerwig como Tracy Walker.

En los Premios Annie la película fue nominada a la Mejor película animada así como a la  Mejor animación de personajes Jason Stalman y al  Mejor diseño de producción (Adam Stockhausen y Paul Harrod), No obstante obtuvo el premio al Mejor actor de doblaje en película de animación que fue a parar a Bryan Cranston

En los Premios Oscar la película fue nominada a mejor largometraje de animación y banda sonora ; mientras que en los Globos de Oro fue nominada a mejor filme animado y banda sonora .

En los Premios BAFTA obtuvo dos nominaciones, incluyendo Mejor película de animación . En los : Critics Choice Awards también fue nominada a mejor film de animación y banda sonora.

La Asociación de Críticos de Chicago la nominó a Mejor film de animación al igual que Círculo de Críticos de San Francisco en tres apartados .

En los Satellite Awards fue considerado el Mejor largometraje de animación, mientras que el Sindicato de Productores (PGA) tambien la nominó a mejor película de animación.

En cuanto a la crítica especializada señalar que Richard Roeper del diario Chicago Sun-Times dijo de ella que era   «inteligente, diferente y realmente divertida».

Manohla Dargis del diario The New York Times definió la película como «visualmente seductora, como ejemplo Isla Basura aterra por su esplendor visual y meticulosa construcción». Además destacó que «los perros protagonistas son encantadores y brindan la emoción a la cinta», pero incluyó que «la profundidad de algunos temas hacen pensar que Anderson no maneja muy bien el apartado del guion». Toca el tema del idioma japonés, donde dice que «al dejar los diálogos de Atari sin traducir al inglés, Anderson reduce el idioma a un elemento decorativo para su obra».

Guy Lodge de Variety destaca que "Quizá no sea una comida completa, pero es gratificante de todas formas (...) Todo el tiempo que gasta lejos de la isla pasa lentamente (...) Disparatada de forma adorable"

Para  David Rooney del The Hollywood Reporter se trata de "Una historia totalmente cautivadora (...) El encanto único de 'Isle of Dogs' es su gran cantidad de curiosidades, su humor astuto, sus juguetonas inserciones gráficas y sus habilidosos desvíos narrativos."

Scott Mendelson de la revista Forbes añade que es  "Una maravilla visual y narrativa (...) Es una historia encantadora y divertida que también funciona como parábola sombría para nuestra época sombría."

David Ehrlich de IndieWire comenta que está "Asombrosamente bien elaborada, 'Isle of Dogs' no es otra cosa que la película más imaginativa de Anderson hasta la fecha (...) La animación es un logro verdaderamente sorprendente"

Jessica Kiang dijo de ella en las páginas de The Playlist "Como representación, no se podría decir que la asombrosa, desbordante y extraordinaria 'Isle of Dogs' hace daño a la cultura de nadie"

Ya en el  Reino Unido Jonathan Romney en las páginas The Guardian destaca "El diseño de los personajes es brillante (...) El diseño de producción está inspirado y es con frecuencia bastante bonito (…) "

Fionnuala Halligan en Screendaily afirma que  "Está tan repleta de detalles hermosos que es como una obra de alta costura con muchas texturas, incluso tiene un agudo mensaje social detrás de sus elaboradas puntadas"

Tim Robey el habitual crítica del The Telegraph dice que es "La obra más rara de Anderson, de manera positiva (...) Los detalles gráficos de la película son, incluso para los estándares de Anderson, un festín rebosante (…) "

Ya en  España Jordi Costa en El País dice de ella que "Cada plano de 'Isla de perros' está diseñado con el gusto por el detalle, el cuidado en la composición y la exigencia en el equilibrio de una bandeja de bento (...) vuelve a dejar claro que, con cada nueva película, Anderson sigue siendo igual a sí mismo"

Luis Martínez en El Mundo señala que es "Una obra maestra de humanismo animal (...) Anderson completa una película tan delicada y precisa como deslumbrante, tan desesperada y tierna como visionaria. Y humana, demasiado humana (...) " ,

Oti Rodríguez Marchante del ABC dice de la película que "El dibujo es atractivo, como lo son los muñecos y los imaginativos fondos, y también la animación (...) El problema de la película no está en lo formal, sino en sus canales de transmisión: ni es graciosa ni emocionante (…) "

Quim Casas en la edición barcelonesa del El Periódico destaca que "El fantástico señor Anderson (...) Es imposible describir los mundos domésticos e íntimos de Anderson. Ahí reside el secreto de la fascinación que continúa ejerciendo su obra (…) "

En Cinemanía Daniel De Partearroyo sostiene que estamos ante  "Una maravilla de técnica, estética, emoción y pelaje. (...) "

Sergi Sánchez en Fotogramas está de acuerdo al señalar que es una "Nueva maravilla de Wes Anderson (...) hermosísimo haiku (...) Para Wes Anderson el lenguaje de la animación es el camino más corto hacia nuestros corazones. (…)"

En México José Felipe Coria de El Universal comenta que "La estilización de Anderson vuelve a 'Isla de perros' una de las cintas animadas más artísticas de los últimos tiempos; una entrañable y destacada extravagancia fílmica sobre la vida humana y las mascotas." En estas mismas páginas Alonso Díaz de la Vega escribe que "Anderson nos ha entregado una obra no mala pero claramente inferior a las demás."

En Cine Premiere Carlos Jesús González escribe que es  "Uno de los documentos cinematográficos más inspirados que podrán observarse a lo largo de la presente década. (...) 'Isla de perros' rebasa así las expectativas que se tenían de ella." Y en esta misma revista Jessica Oliva rubrica un artículo en el que dice  que  "'Isla de perros' tiene todo: todo lo considerado “andersoniano”, todo el talento que se asocia con él, todo lo que en Occidente se relaciona con “lo japonés”, todas las ideas que el cineasta quiso ligar. (...)"

En La Razón de México Jesús Chavarría sostiene que  "Es una de esas películas que sin hacer demasiados aspavientos posee las virtudes que le convierten en una pequeña joya no sólo de la animación sino de la cinematografía."

Vista la opinión de algunos de los grandes críticos señalar que reconozco el valor de un director que sin perder su coherencia y el sentido su narración, con un narrador en off como ya nos hizo con "Gran hotel Budapest" , la división por capítulos, el gusto por la composición de los planos, el colorido que y como ya nos tiene acostumbrado, a un tono socarrón trufado de humor inteligente para hablarnos de una historia en la que el mejor amigo del hombre y posiblemente el narrador de un relato que contiene un trasfondo de corrupción política y crítica social mezclada con una historia del  amor  más auténtico, el preadolescente, y animalesco por medio de una fábula, un relato - creo que bastante actual-  contra los liberticidas y los reguladores que en nombre de la salud.

El resultado es una película de animación que podría ser de raíz japonesa , pero de sentido profundamente occidental, muy vinculado a la técnica del "stop-motion" que podría tener como modelo y homenaje a Ray Harryhausen a pesar del gustó por la estética y los guiños al cine japonés, nación de la animación, pero también de directores gigantescos que gustan de dar mucho color a sus películas ( me viene a la memoria el Ran y Los Sueños de Kurosawa, pero  que aquí se completan con la adaptación de obras de pintores como Hokusai   adaptadas al mundo canino.

Tenemos pues un relato inteligente, asombroso y  entretenido  bien elaborado, con gusto por el color y el estudio al detalle de cada  plano.

Revisión de Gran Torino

Por enésima vez he visto Gran Torino, Como señalé en Twitter en un tweet dirigido a Fausto Fernández Gran Torino es LA PELÍCULA con mayúsculas.Con ella con ella mis hijos descubrieron a Clint Eastwood. Es una película que va mucho más allá de esos magnífico puntos del trato de Tao "atontao" o estos chistes con sus amigotes del bar o su peluquero italiano. Nos habla de historias desconocidas para nosotros como la de la comunidad hmong, nos muestra la decadencia de la industria automovilística del área de los Grandes Lagos, nos habla de la decadencia de muchas ciudades industriales, del cambio de comunidades y de las dificultades de convivencia. Y la hace a través de un hombre mayor, que ha perdido todo lo que quería, que sabe más de la muerte que de la vida, que sabe que está cerca de su muerte, pero que acaba luchando por una causa justa y con ella redime en gran medida sus actuaciones del pasado. Dar la cara por su vecino hmong es su redención. Así es esta joya. 

La magnífica película de Clint Eastwood que realizó cuando contaba 78 años y que cuando la presentó se rumoreó que no volverá a ponerse frente a la cámara y que se limitaría a estar detrás de las cámaras. Lo anunciaron tanto el diario británico Daily Telegraph como el tabloide Daily Express. Ninguno de los dos diarios decía cuándo ni dónde el actor realizó las declaraciones que se le atribuyen y en las que supuestamente afirmaba que tras el estreno de Gran Torino y que se estrenaba en enero de 2009, no actuará más: "Yo creo que será la última vez en lo referente a actuar. Siempre quieres dejarlo cuando estás en lo más alto. No quieres ser un luchador que permanece demasiado tiempo en el ring y que sigue luchando cuando ya no puede hacerlo bien". 

Sin embargo, mientras que presentaba en Nueva York su película El intercambio o Changeling (protagonizada por Angelina Jolie), una película que decidió rodar la misma mañana que leyó el guión, hablaba de su futuro. Eastwood contestó durante una rueda de prensa a sus intenciones respecto a su carrera como actor: "Hace años empecé a decir: 'no voy a actuar más y sólo voy a trabajar desde detrás de las cámaras'. Pero apareció la película Million dollar baby (que dirigió y protagonizó) me gustó el papel y dije: 'Lo voy a hacer porque soy apropiado para el papel'. Y después hice Gran Torino...". Eastwood declaró que "Es ridículo que los actores no interpretemos la edad que tenemos", pero también dejo claro que por mucho que lo intente, si un papel le llama no dirá que no. Prueba de ello fue Mula, la últimas de sus película que fui a ver al cine. 

Con Gran Torino culminaba una carrera de 50 años, durante los cuales rodó 66 películas. Con una interpretación magnífica lo extraño es que Eastwood nunca ha conseguido el Oscar como actor. En Gran Torino llevaba cuatro años sin salir ante la cámara, desde la gran Million dollar baby (2004). Incomprensible, pero es lógico ante un hombre que afirma que no le importan mucho los premios. Cuando le preguntan para quién hace películas, el cineasta responde: "Lo tienes delante". 

Presentó El intercambio en mayo de 2008 en Cannes, cuando acababa de comprar el guión de Gran Torino, y luego rodó este libreto durante el verano . En 32 días. Esta velocidad, explica Eastwood, le ayudó con los miembros del reparto, ya que la mayoría nunca había actuado y muchos de ellos ni hablaban inglés. "Les iba dando algunas pistas, el abc del actor", añadió. "Y yo iba a una velocidad que no les dejaba mucho tiempo para pensar". 

Antes de rematar Gran Torino, paró a promocionar el estreno en EE UU de El intercambio y tras eso retornó a Carmel, su refugio junto a su mujer, Dina Ruiz. Estuvo una semana trabajando con sus dos montadores en una casa de labranza de 1862 que hay dentro de su propiedad de Mission. 

Entre sesión y sesión se sentaba al piano y elegía una partitura e incluso compuso y cantó una de sus propias melodías en los títulos de crédito de Gran Torino, con su voz reducida a la mínima expresión. Eastwood en Gran Torino vuelve a buscar un personaje que es cualquier cosa menos correcto. 

Como reconoció en una entrevista la película es todo, menos correcta. Como declaró "Mucha gente está cansada de todo lo políticamente correcto" y "En Gran Torino estás mostrando a un tío de otra generación. Muestra la forma que tiene de hablar. Este país ha llegado muy lejos en materia de relaciones raciales, pero el péndulo va igual de lejos en la otra dirección. Todo el mundo quiere ser muy...sensible". Pero lo que destaca es que en Gran Torino la presencia física de Eastwood resulta creíble . Interpreta su edad real. A los 78 años puede que esté más delgado que antes, pero con un aspecto vigoroso que revela fuerza y, al mismo tiempo, la aplaca. Y añade que "Alguien me preguntó qué iba a hacer después y le contesté que no sabía cuántos papeles hay para tíos de 78 años. No tiene nada de malo hacer de mayordomo, pero a menos que haya algún obstáculo que sortear, preferiría quedarme detrás de la cámara". Para Eastwood ser capaz de encarnar a alguien de 78 años es una ventaja más de una larga trayectoria. "Es ridículo que los actores no interpretemos la edad que tenemos", afirma. "¿Sabes cuando eres joven y ves una obra en el instituto, y los chicos tienen el pelo pintado de gris y están intentando ser viejos y no tienen ni idea de lo que es? Pues es igual de estúpido al revés". 

Otra ventaja es que, tras una buena trayectoria cinematográfica, puedes crear otra. "Después de El bueno, el feo y el malo iba por la calle y todo el mundo silbaba..." y aquí canta la famosa canción de la película. "Luego pasó a ser 'Alégrame el día'. Pero ha ido progresando. Aunque no sé si se ha producido por mis esfuerzos". 

Walt el personaje del Gran Torino que interpreta dice en un momento dado hacia el final: "Termino mis cosas". Y lo hace fenomenal.

Dijo Carlos Boyero en El País cuando vio la película " Todo fluye y palpita en esta película magistral, concebida con los medios justos, con enorme talento, con sentido moral. Es normal que la emoción explote con un desenlace tan imprevisible como épico. No se muera nunca, señor Eastwood". Amen

Recuerdos de un 23F

Ahora que el tiempo lo devora todo, destruyéndolo, como Júpiter a sus hijos, uno de los protagonistas estelares del 23 F ha terminado , por el momento, en Abu Dabi la capital de los los Emiratos Árabes Unidos, parece necesario - más que nunca- realizar un análisis del papel que tuvo, frente a la crítica fácil, facilísima, del presentismo marcada por la vinculación del rey emérito con la negligente gestión de una estructura 'offshore' que supuestamente le habría permitido al que fuera rey de España ocultar 64,8 millones de euros de Arabia Saudí. Esto que marcará letalmente el final de su imagen, impoluta durante años, en parte por la connivencia entre la prensa y el poder político no tiene que hacernos olvidas su inolvidable papel en aquel 23 de febrero de 1981. 

Antes de nada debo aclarar algo que me parece justo. Me defino, siempre lo he hecho, como una persona de convicciones republicanas. Considero que la jefatura del estado debe salir de la decisión de los ciudadanos de un país, antes que de una herencia. Dicho lo cual, eso no significa que esté de acuerdo con muchos republicanos de boquilla que ni tienen nada claro que modelo presidencial prefieren - el de carácter presidencialista o el modelo de elección indirecta existente en Italia o en Alemania, modelo que por otro lado me gusta más, ni con la idea de que la convicción republicana sea algo exclusivamente de la izquierda, por supuesto, o que yo tenga que aceptar una determinada bandera o un himno, el de Riego, con el que no me identifico. Tampoco el actual me emociona nada. 

Dicho lo cual reconozco que la figura del emérito, Juan Carlos I , es hoy un auténtico "pim, pam, pum" de feria. En gran parte, por responsabilidad suya, tanto por sus devaneos - que son cosa suya, y que evidentemente no me interesan- como por la mordida y su evidente ocultación a la Hacienda española, al fin y al cabo es una mordida. Eso es lo imperdonable desde mi punto de vista. No obstante, no he perdido el norte ni como individuo que recuerda o conoce algo de la historia, cada día menos, ni con otorgar el mérito o el demérito a alguien en relación o un momento. Y , al menos, a Juan Carlos I habrá que reconocerle dos grandes logros. La primera, participar activamente en el desmontaje del franquismo que lo nombró su sucesor y, en segundo lugar, su apuesta decidida por el proyecto democrático español nacido de la Constitución de 1978. Tanto lo primero como lo segundo queda reflejado en 23F: la película, película que ya comenté hace años. 

Una película que nació con la intención de ser un thriller de base histórica y con el deseo de dejar una fuente didáctica a un momento concreto que vivió el país en aquel día y que todos los españoles ya de cierta edad recordamos con una frescura y un detalle indeleble. Se trata de una película que ya comenté en su momento bien dirigida por Chema de la Peña y que contó entre su elenco con Paco Tous en el papel de Tejero y Ginés García Millán en el de Adolfo Suárez.

Los tres participaron en el coloquio hace años en "Sesión española" y de la misma extraigo algunos detalles o afirmaciones surgidas de estos tres protagonistas. 

En aquel programa emitido en 2016 Chema de la Peña comentó sobre la intencionalidad del mismo y el rodaje en el Congreso de los Diputados que "El planteamiento de la película desde el principio con Ignacio Salazar, el productor, hablamos de intentar recrear de la forma más natural posible y eso incluía rodar en los escenarios naturales donde acaecieron todos los hechos. Y en el Congreso de los diputados tuvimos bastantes problemas, porque es difícil. Hacía tiempo que nadie rodaba, y no autorizaban ningún rodaje. Al final lo conseguimos, pero fue una especie de regalo envenenado, porque nosotros teníamos un plan de rodaje de dos semanas y al final nos dieron dos días y medio. Era en agosto, era el único mes donde el congreso esta cerrado. Luego tuvimos que montar un decorado en un plató y todos los planos cortos, los planos detalle de todas las secuencias se hicieron aparte tres semanas después". 

El director además señaló que " Cuando planteé la película, digamos que hay protagonistas corales, pero sí que hay protagonista claro, que es Antonio Tejero. ¿Cómo puedo hacer un personaje que te parece odioso, deleznable, que no querrías encontrarte en la calle el protagonista de la película? Tengo que buscar una mirada, un algo, que haga, no que la gente le quiera, pero que le siga o que encuentre su motivación última. 

García Millán, quien interpretaría a Suárez, comentó, por su parte, sobre el Congreso que " la energía que sentíamos y también decir que teníamos la suerte de estar ahí y de recrear esto que es una parte muy importante de nuestra historia. Y para nosotros también es un juego". 

Paco Tous, por su parte, sobre su interpretación señaló "yo tenía un poquito esa libertad... Fueron diez minutos del asalto. Un hombre muy nervioso, fue todo muy rápido. Y yo creí que tenía más suerte porque podía hacerlo desde mi punto de vista, acercarme a otros motivos, a los motivos que tenía Tejero. 

Para el que interpretó a Tejero, Tous " Yo recuerdo que informándome, metiéndote, como hacemos todos, en Internet, o eran todos detractores o todos defensores. Pero encontré la carta del hijo, Ramón Tejero, que es cura, además tiene más o menos mi edad, escribiéndole al padre. Y decía que no quería hablar del 23-F solamente de cómo era su padre. Un hombre de honor, un hombre tranquilo, buen marido, buen padre, nada violento, relajado... Esta es la persona que quiero interpretar."

Chema de la Peña sobre el relato comentó que "Hasta donde hemos podido, hemos incluido cosas reales. Evidentemente, hay situaciones en las que intuimos lo que ha pasado. Y luego hay situaciones donde las fuentes eran varias. Hemos hecho una especie de caleidoscopio, como, por ejemplo, la conversación que tuvieron Armada y Tejero en ese despacho, en ese momento que fue el momento culmen de la noche, cuando Tejero decide que Armada no entra. Gracias a Dios hay mucha documentación. Hay como 20 o 30 libros escritos. Entonces, de todo ese proceso, fuimos depurando, y sacando un poco lo que más nos interesaba y lo que más pensábamos que podía ser la realidad de la situación. -Muchas cosas, anécdotas de los personajes, tramas... no pudieron entrar en la película por una cuestión de metraje. Pero es superatractiva toda la trama del CESID, toda la trama civil que estaba implicada detrás. Y añade " El trabajo que hicimos en el guion, la idea era no hacerlo documental. De hecho, en la película habréis visto que aparecen bastantes imágenes documentales de lo que se emitió aquella noche. Pero sí, lo más cercano a la realidad. Había esta obsesión. De hecho, hay momentos que los diálogos son tal y como sucedieron. Las conversaciones entre Tejero y García Carrés que estaba pinchada por el CESID la línea de García Carrés, las puede encontrar cualquier persona en Internet. Son tal y como sucedieron. Es lo mismo. Había este punto obsesivo casi de utilizar frases que sabíamos que se habían dicho. Utilizarlas tal y como fueron". 

Con respecto a Juan Carlos, rey de España en ese momento, el director comentó que " Por un lado, la casa real sí que nos facilitó información a nivel de dirección artística, puesto que nos dio fotos y bastante recreación de cómo era el despacho y el palacio de la Zarzuela en el año 81. Y luego lo otro, la composición del personaje, y toda esta mirada que tiene el rey en esa noche es un poco lo que te contaba antes. Es decir, que hay testimonios desde Sabino Fernández Campos, teníamos bastantes entrevistas, desde todo el testimonio de Erquicia cuando fueron ahí a grabar... 

El director dijo en el programa que " Entonces, respecto al personaje del rey, sí que hay una determinación clara de que el golpe se para en Zarzuela. Eso es evidente y cualquier persona que se acerque o que tenga información... El propio rey declaró que "Las Fuerzas Armadas obedecieron a su jefe, porque yo les ordené que se mantuvieran tranquilos. Que una pequeña parte quiso realmente echar por tierra todas nuestras ilusiones, nuestros trabajos, nuestra democracia o incipiente democracia todavía, pues eso es otra cosa. 

El director afirmó que "Otra cosa es luego la composición del personaje con cómo actúa con el resto. -Muy interesante, por ejemplo, había otra película, la relación que tiene con el general Armada. Porque ahí se medio apunta en la película, pero en la realidad es que cuando el rey vino desde Estoril con 15 años su preceptor fue el general Armada. Era como su padre. Y luego fue el primer jefe de la casa real antes que Sabino. Entonces tenía mucha ascendencia sobre el rey, tenía mucho poder. Entonces esa noche es como que el rey mató su padre, a este padre ficticio, porque de repente se dio cuenta de que este hombre le había estado engañando y le estaba poniendo contra la pared. Sabino Fernández Campos afirma que "Estaba el rey hablando con Armada. Y Armada seguía ofreciéndose a subir a explicar las cosas. Y yo le dije por señas al rey que insistiera en que no, porque parecía que alguna cosa, alguna significación tenía la presencia de Armada en Zarzuela". 

El director señaló que hay " una anécdota muy buena que nos contó Iñaki Gabilondo, que lo entrevistamos. Ante la posibilidad de que quién salía allí, se estaba jugando el pescuezo, quién iba a contar eso, ellos decidieron que los que estuvieran en narración en aquel momento, como Rosa María Mateo, el propio Iñaki, Victoria Prego, decidieron dar la noticia todos en plano aunque la diera uno. -Y mientras la expectación nacional... El plano sólo me cogía a mí. Pero a mi derecha y a mi izquierda se sentaron compañeros. No salían en el plano, pero estaban en cierto sentido diciendo que si eso tenía algún riesgo, lo compartían. 

Por último, el director afirma que "Siempre hablábamos con el productor del peso de hacer la responsabilidad, no de hacer esta película. Y también un poco la trascendencia más allá del hecho cinematográfico que el tiempo nos está dando razón en ese sentido, que pensamos que fuera casi un material didáctico que cada cierto tiempo se pusiera, que en el colegio cuando estudien este episodio digan que se puede ver la película. Sí que hay un peso de la película de conocer quiénes somos para la gente que no ha podido vivir esa época".

Para terminar y sumar a lo ya escrito hace cuatro años sobre la película y vinculándolo con lo que he dicho al principio sobre su papel visto con ojos de presente , creo que lo justo es no olvidar las palabras del rey en aquella noche del 23 F: 

"La corona, símbolo de la permanencia y unidad de la patria, no puede tolerar en forma alguna acciones o actitudes de personas que pretenden interrumpir por la fuerza el proceso democrático que la constitución votada por el pueblo español determinó en su día a través de referéndum".

Así que queda dicho, al César lo que es del César y a Dios, lo que es de Dios.  Punto y final.