The Florida Project

Acabo de leer por una información publicada en el Miami Herald que hoy ha fallecido una niña de tres años al recibir un disparo durante una discusión entre un hombre y una mujer en el barrio de Liberty City en Miami . Ella se hallaba en el interior de un vehículo con tres menores de edad, entre ellos la niña que falleció, aunque los otrod dos quedaban heridos por los cristales. Lo cierto es que el estado del Sol, como se presenta Florida, en su publicidad como el Estado del Sol, de la Naranja o de los Cítricos, el tercero más poblado de los 50 Estados, no tiene una sola cara, la del turismo de masas y la de la jubilación dorada, la del golf, el tenis, las carreras de autos , los deportes acuáticos o el refugio de los millonarios españoles que no quieren tributar en el país, sino que en el mismo hay una cara B de la sociedad americana, donde no hay lujos y oropeles, sino pobreza y miseria. No todos en Estados Unidos consiguen el sueño americano, pues hay muchos que ese sueño se torna en una realidad de pesadilla. 

Esa pesadilla en la que nos presenta The Florida Project es una película norteamericana de 2017, dirigida por Sean Baker, una director de 47 años puntero dentro del llamado cine indie. El director nacido en New Jersey , el Estado Jardín, y que estudió cine en la Universidad de Nueva York .es el responsable de otras películas independientes desde el año 2000 como Four Letter Words , Take Out ,Prince of Broadway , y sobre todo Starlet , Tangerine , está última rodada con tres iphones 5 y que se estrenó en enero en el Festival de Cine de Sundance de 2015 . No sólo dirige sus películas , sino que además las escribe y edita, suele acompañarse en la producción con Shih-Ching Tsou o con la escritura de Chris Bergoch.

En The Florida Project el de Jersey contó con la producción de Chris Bergoch, Kevin Chinoy, Andrew Duncan, Alex Saks, Francesca Silvestri, Shih-Ching Tsou, aunque él participa en la misma por medio de las productoras Cre Film , Freestyle Picture Company , June Pictures y Cinereach contando para ella con un presupuesto de $ 2 millones. 

El guión fue escrito , como es habitual a la par entre Sean S. Baker y Chris Bergoch, quedando la música con Lorne Balfe y la magnífica fotografía tan luminosa como plena de tonos pastel de Alexis Zabé. La edición o montaje fue del mismo Sean Baker.

Como ayudante de dirección aparece Joe McDougall, siendo el encargado del vestuario Fernando Rodríguez y Kurt Thorensen del vestuario. Por último, Carol Raskin y Diana Thomas-Madison del maquillaje. 

Los magníficos y protagonistas absolutos de una película grandiosamente interpretada son Willem Dafoe como el gerente , jefe de mantenimiento y chico para todo del Magic Castle Motel llamado Bobby Hicks y padre de un chico llamado Jack, la pequeña gran actriz Brooklynn Prince como Moonee, Bria Vinaite como Halley, la madre de Moonee, Valeria Cotto como la recien llegada Jancey, nieta de Stacy, la que se convertirá en la mejor amiga de Moonee. A ellos se suman el pequeño Christopher Rivera como Scooty. A ellos se suman Caleb Landry Jones como Jack Hicks, el hijo de Bobby y que le echa una mano los sábados y Macon Blair como John un turista. Junto a ellos aparecen Mela Murder como Ashley, la madre de Scooty y amiga de Halley,Aiden Malik como Dicky, un amigo de Moonee y Scooty, Sabina Friedman-Seitz como Sarah. Además salen Sandy Kane, Karren Karagulian, Lauren O'Quinn, Giovanni Rodriguez, Carl Bradfield, Betty Jeune, Cecilia Quinan, Andrew Romano, Samantha Parisi, Gary B. Gross.

La película cuenta la historia de una niña de seis años , Moonnie - una niñas de 6 años- y su grupo de amigos durante un verano en Florida. Todos se alojan en el "The Magic Castle", un motel barato, cercano a Disneyworld (Orlando). 

Los adultos con los que viven y se alojan en el hotel vemos como todavía sufren los efectos de la crisis iniciada en el 2008. 

La protagonista absoluta de la historia es Moonee (Brooklynn Prince) que vive con su joven madre Halley (Bria Vinaite) en el Magic Castle, un motel en Kissimmee, Florida, cerca de Walt Disney World . Ella pasa la mayor parte de sus días de verano sin supervisión materna con sus amigos residentes en el motel, Scooty y Dicky (Aiden Malik), haciendo travesuras, escupiendo a los coches, merodeando a los turistas pidiéndoles dinero para helados o comida gratis en el establecimiento en el que trabaja, Ashley (Mela Murder), la madre de Scooti y la mejor amiga de Halley, entrando en propiedades abandonadas , insultando a otros huéspedes, o entrando en dependencias del motel en las que se les prohibe expresamente no entrar. 

La película comienza con Dicky, el hijo de un hispano, que anuncia a Moonnie y Scooty , la llegada de una familia al motel cercano . Allí van los tres niños son sorprendidos escupiendo en el automóvil de una recién llegada, Stacy, una abuela que se ha tenido que hacer con el cuidado de sus dos nietas, ante la imposibilidad de cuidarla su joven madre. 

Tras serles llamada la atención por Stacy, la abuela,  se dirige a la gerencia del hotel para reclamar ayuda y que se informen a los padres de lo que hacen sus hijos. El gerente del motel es Bobby Hicks (Willen Dafoe) , el chivo para todo, que informa a los padres de lo ocurrido. El padre de Dicky le impide jugar con Moonee y Scooty durante una semana. 

Mientras Scooty - y Dicky que está al cuidado de la madre de Moonnie-, Halley ( Bria Vinaite )limpian el automóvil que habían escupido. Allí Moonee se encuentra con Jancey (Valeria Cotto), una niña que vive en el motel de al lado, Futureland, y la invita a pasar el rato con ellos limpiando el coche. 

Tras eso se hacen un trío inseparable, más aún cuando días más tarde, la familia de Dicky se muda a Nueva Orleans , lo que entristece al grupo. Bobby, el gerente de Magic Castle, es protector de los niños, pero eso no impide que cumpla su función de gerente pidieron los cobros cuando el plazo va a expirar. 

Halley, luchando por pagar el alquiler, les vende perfume a los turistas en los estacionamientos de los grandes hoteles de Disney o de grandes cadenas o le pide a la madre de Scooty, Ashley, que les de comida del restaurante donde trabaja. 

Sin embargo, un trastada de los críos, el quemar un colchón en unos apartamentos abandonados, provocan que Ashley corte el contacto después de descubrir que Moonee, Scooty y Jancey incendiaron accidentalmente un condominio abandonado. 

Ante la imposibilidad de encontrar un trabajo o de pagar el alojamiento, Halley comienza a ofrecer sus servicios en línea como prostituta, y para ello tiene encuentros en el Motel, encerrando a Moonee en el baño cuando tiene un cliente. 

Bobby, que tiene dudas de la procedencia del dinero, una vez que sabe que Ashey, no se lo ha prestado, desde sus cámaras de seguridad,  se da cuenta de la actividad y aplica restricciones a los invitados no registrados en su habitación del motel. 

En una ocasión, durante un servicio ella roba las pulseras que sirven como pases a los Parques de Disney para venderlos. El turista con el que se prostituyó vuelve para exigirles que regresen; Bobby que lo que ocurre , le ayuda a quitárselo del medio, pero le advierte a Halley que la desalojará si la prostitución continúa. 

Desesperada, Halley se acerca a Ashley para disculparse y pedir dinero. Cuando Ashley le echa en cara su prostitución, Halley la golpea frente a Scooty. Al día siguiente, Halley recibe una visita del Departamento de Niños y Familias de Florida (DCF) para investigar sobre Halley y las condiciones en las que vive Moonnie. Ella limpia la habitación y regala su cannabis , pero se mantiene desafiante y descarada con las autoridades. Lleva a Moonee al restaurante de un hotel resort, donde cargan la comida en una habitación y cuando regresan al motel, el DCF y la policía están esperando llevar a Moonee al acogimiento temporal hasta que se investiguen las circunstancias familiares. 

Moonee, ante la posibilidad de separarse de su madre, huye para buscar a Jancey, y juntas huyen y se meten en el Magic Kingdom Park en Walt Disney World, momento en que acaba la película. 

La historia de la película se remonta a abril de 2016, se anunció que Sean Baker dirigiría y produciría esta película, a partir de un guion escrito por Chris Bergoch y el propio Baker, aunque fue su coguionista Chris Bergoch quien le mando unos artículos que hablaban de personas sin hogar que vivía en moteles cutres, cercanos al sitio , dicho por el director en una entrevista el 5 de febrero de 2018, "más mágico del mundo, Disneyland". 

A la producción se sumó Bergoch junto a Andrew Duncan, Alex Saks, Kevin Chinoy y Francesca Silvestri, y sus productoras June Pictures y Freestyle Picture Company , respectivamente. 

En julio de 2016, Willem Dafoe se incorporó al reparto de la película. Para adaptarse a su papel Willem Dafoe pasó una semana viviendo en el área de filmación antes de la producción para sumergirse en la vida de los personajes y dominar los matices del dialecto regional. En el guión original, el personaje de Willem Dafoe, Bobby, debía tener un hermano que ayudara en el hotel. Sin embargo, a medida que avanzaba la filmación, el tema de la relación padre-hijo se manifestó con mayor claridad, y la decisión que se tomó fue que él tuviera un hijo para lo que se contrató a Caleb Landry Jones , elegido solo dos semanas antes de rodar sus escenas en septiembre de 2016. En febrero de 2017, se supo que Brooklynn Prince y Bria Vinaite trabajarían también en la película. Para muchas de los protagonistas incluidas Bria Vinaite, descubierta vía Instagram, así como Valeria Cotto, Christopher Rivera y Mela Murder, esta fue la primera vez que actuaron en una película. 

El resultado es ​The Florida Project , una película dramática rodada en un Motel en Kissimmee , Florida (en las afueras de Orlando), en concreto en el Magic Castle Inn & and Suites y el Paradise Inn, ambos en Western Irlo Bronson Memorial Higway de Kissimmee, así como el Sun Inn and Suites que es el The Arabian Nights. También se rodó en Holiday Inn at Calypso Cay, así como en locales como Orange World, Twistee Treat,Mr Quick Restaurant, Jungle Falls Gift Shop, Disney Gifts Outlet casi todo en torno a la Western Irlo Bronson Memorial Higway de Kissimmee, y en Windermere Cay para la escena de los fuegos artificiales el día del cumpleaños. El título se deriva del nombre inicial de Walt Disney World , ubicado cerca del escenario de la película. 

El Proyecto Florida fue filmado en una película de 35 mm . Baker filmó la escena final en el Magic Kingdom Park de Walt Disney World "muy clandestinamente", utilizando un iPhone 6S Plus sin el conocimiento del resort, es decir, el Walt Disney World Resort de Orlando. 

Para mantener el secreto, el rodaje en el complejo usó solo un equipo mínimo, incluyendo Baker, Bergoch, el director de fotografía Alexis Zabe, Samantha Quan, Cotto, Prince y los tutores de las chicas. Baker ha declarado que rodó la escena final en Magic Kingdom, dentro de Walt Disney World grabando con un teléfono inteligente y sin conocimiento ni autorización del parque. 

Baker pretendía que el final quedara abierto en manos de la interpretación del público: "Hemos estado viendo a Moonee usar su imaginación y asombro a lo largo de toda la película para sacar lo mejor de la situación en la que está: no puede ir a Disney"., entonces va al "safari" detrás del motel y mira a las vacas; ella va a los condominios abandonados porque no puede ir a la mansión encantada .

Y al final, con este drama inevitable, esto es lo que le digo a la audiencia: 'Si quieres un final feliz, vas a tener que ir al espacio superior de un niño porque, aquí, esa es la única manera de lograrlo . " 

The Florida Project se estrenó en la Quincena de Directores del Festival de Cine de Cannes 2017 , y fue estrenado en los Estados Unidos el 6 de octubre de 2017 por A24 que comenzó una edición limitada en los EE. UU. el 6 de octubre de 2017. La taquilla fue notoria, superando los $ 10.1 millones. 

La película fue elogiada por su dirección y actuación. Fue elegido por el National Board of Review (NBR) - también reconoció el trabajo como actor secundario de Dafoe- y el American Film Institute como una de las 10 mejores películas del año. Dafoe obtuvo las nominaciones al Mejor Actor de Reparto en los Premios de la Academia, vamos , los Oscar - aunque no lo consiguió- , los Globos de Oro - tampoco- y los Premios BAFTA - tampoco-. La película fue ganadora del premio del Festival Internacional de Cine de Los Cabos, en México, en 2017. 

La película fue reconocida por el Círculo de Críticos de Nueva York, al mejor director y mejor actor secundario (Dafoe), al igual que el de los Críticos de Los Angeles premiando al Mejor actor secundario (Dafoe) y considerando la segunda mejor película. La Asociación de Críticos de Chicago premió al mejor actor secundario (Dafoe), pero obtuvo 5 nominaciones. 

En los Premios Independent Spirit - que por cierto pude ver este año por televisión creo que en el canal 0- fue nominada a mejor película y director. En los Critics Choice Awards consideró a Brooklynn Prince, merecidamente , como la mejor intérprete joven. 

En los Premios Gotham fue nominada a la mejor película, actor, nueva actriz y premio del público. En los Satellite Awards fue nominada a mejor director, guion original y actor secundario (Dafoe). En los British Independent Film Awards (BIFA) la nominación a la mejor película internacional independiente. El Sindicato de Actores (SAG) la nominó al mejor actor secundario (Willem Dafoe) 

En el sitio web del agregador de reseñas Rotten Tomatoes , The Florida Project tiene una calificación de aprobación del 95% en base a 244 revisiones, con un promedio ponderado de 8.7 / 10. El consenso crítico del sitio web dice: " El Proyecto de la Florida ofrece una mirada empáticamente comprensiva a una parte de la población subrepresentada que demuestra ser absorbente incluso cuando plantea preguntas serias sobre la América moderna". 

En Metacritic , la película tiene valoración de 92 de 100, basado en 44 críticas, lo que indica "aclamación universal". Ann Hornaday del The Washington Post escribió que "Dafoe ofrece su mejor actuación en la memoria reciente, llevando a la vida equilibrada e insustancial a un personaje que ofrece un atisbo de esperanza y afecto en un mundo marcadamente corto en ambos". 

Para el heredero de la columna del fallecido crítico Rogert Ebert, Richard Roeper, del Chicago Sun-Times , escribió: "Es una película que te provocará una mueca a veces, y es muy probable que no quieras verla dos veces, pero verla una vez es una experiencia que no olvidarás pronto". " 

Sin embargo, Cassie da Costa, de Film Comment, criticó la película y escribió: "Baker rinde crudamente a sus sujetos marginados porque si bien puede imaginar sus realidades cotidianas, no puede comprender plenamente sus vidas internas". 

Owen Gleiberman en Variety nos dice que "Otra historia vibrante de la América más profunda (...) Valiosa y lograda (...) Auténtica y narrada de forma conmovedora" 

Para David Rooney del The Hollywood Reporter comenta que "Aparte de tener un don excepcional para encontrar belleza en individuos desamparados, el director Sean Baker también tiene un don especial para la amistad femenina (...) Willem Dafoe está increíble en el papel de Bobby".

Emily Yoshida de Vulture entiende que es "Casi perfecta (...) [Una] película brillante, alegre y devastadora." 

Para Eric Kohn de Indiewire "'The Florida Project' presenta a una niña de seis años en una narración que se desarrolla libremente y que refleja en gran medida las limitaciones de su perspectiva, principalmente con buenos resultados." 

Steve Pond en The Wrap escribe que "Willem Dafoe marca la diferencia, reforzando la película con una actuación emotiva y sutil (...) Por fortuna, Baker no pierde su amor por revelar pequeños momentos que pueden ser especiales aunque no hagan que la historia avance".

Ben Kenigsberg de rogerebert.com escribe en la web que es "Un ejercicio de equilibrismo que combina emoción, farsa y comentario político sin perder en ningún momento el control de su tono." 

Jessica Kiang de The Playlist sostiene que es "Tempestuosa y desgarradora (...) Tensa y deliciosa (...) Es un territorio de posibilidades infinitas y aventura." 

En el Reino Unido Jordan Hoffman en las páginas del The Guardian habla de que "[Baker] sube a un nuevo nivel (...) [Dafoe] hace una de las mejores interpretaciones de su carrera (...) Hay mucho ruido alegre en esta película (…)" 

Tim Grierson en el británico Screendaily defiende que "Un remarcable estudio de la pobreza, la familia y la responsabilidad personal, 'The Florida Project' ilustra meticulosamente cómo la vida en los márgenes afecta a una impresionable niña de seis años." 

Ya en España Carlos Boyero en El País señala que "Esta película tiene virtudes características del cine independiente y también algunos de sus defectos (...) Me quedo colgado con la desbordante criatura de seis años que interpreta la niña Brooklyn Prince" 

Para Luis Martínez de El Mundo se trata de un " drama con la misma alegre desenvoltura que comedia. Es tragedia a fuerza de disparate. Es la vida. (...) Es el mejor retrato posible de un olvido: la infancia. (…) " 

Antonio Weinrichter del ABC destaca que "La grandeza de esta película proviene de haber encontrado un escenario perfecto para constituirse en una metáfora natural (…)" Quim Casas de El Periódico dice que "[Baker] filma con un estilo directo, casi documental (...) Un filme magnífico y, sobre todo, muy personal. (…) " .

En Fotogramas , Carlos Loureda, en primer lugar defiende que es "Pura esencia Sean Baker: irreverente, excitante, visceral e inspirado (...) versión ultra-pop y mega-lúcida del clásico, '¡Qué verde era mi valle!' (..) Una de las películas del año. No sigas perdiendo el tiempo leyendo esto, vete a verla. Ya" Y Philipp Engel en la misma revista destaca que es un "Estudio sociológico que reposa sobre una inteligente, original y audaz, base conceptual (...) deslumbrante Humanismo personificado por un Dafoe (...) ángel de la guarda (...) toda una celebración del cine y de la vida. (…) 

Daniel De Partearroyo en otra de las revistas de cine más importante de España, Cinemanía, escribe que estamos ante "Un superlativo Willem Dafoe en registro tierno (...) Bienvenido a tu película favorita del año. Al menos, de tu niño interior, que necesitaba esta inyección de libertad y juego infantil; es decir, de cine. (…)" 

En el hoy otoñal cono sur, en concreto en Argentina Gaspar Zimerman de Clarín destaca las "Actuaciones notables y un guión sutil para contar una historia de una gran sensibilidad." Al otro lado, en el Pacífico, en Chile, Ernesto Garrat en El Mercurio destaca que "Sean Baker filma esta crónica de la carencia con una hermosa paleta de colores y construye una historia de gigante valor artístico anclada siempre en la inocencia. Una película perfecta." Otro chileno, Ascanio Cavallo, en ese mismo diario comenta que "Esta es una película cautivante, a ratos encantadora y, sin embargo, moralmente perturbadora." 

En México Alonso Díaz de la Vega nos dice "La nueva película de Sean Baker nos muestra un escape del horror más real a la felicidad más fantástica." en las páginas del Excélsior; mientras que Lucero Solórzano defiende que "'Proyecto Florida' es una película diferente, alejada de los lugares comunes hollywoodenses sobre el tema, y con la actuación de una niña talentosa." Y Lucero Calderón habla de que es "Una cinta que no deja indiferente al espectador, a pesar de que por momentos cae en la pesadez debido a ciertas escenas que bien se pudieron eliminar para hacer un filme más ágil." César Hernández en la versión mexicana de Empire destaca que "Ganó el festival de cine de Los Cabos y la veremos ganar aún más premios, principalmente el de lograr que su audiencia crezca, porque la película lo merece (...). No la dejes pasar que la vida es corta." Sergio Huidobro en Premiere habla de que es "Una comedia insólita y entrañable, que representa un rescate extraordinario para el talento camaleónico de Willem Dafoe. (...) " 

A mi me ha encantado. En twitter he dicho que es "Una gran película sobre la cara B del sueño americano. Me encantó. Pedazo de trabajo el de Dafoe y todas las chicas, hijas incluidas." Y añado que es una gran historia sobre lo que en los Estados Unidos llaman los "escondidos", magníficamente narrada , llena de emociones en la que en ella todo lo encantador que podamos encontrar en las travesuras no deja de ser una expresión de la desolación y dureza en la que viven sus protagonistas. 

Destaco por supuesto la labor de Baker y la fotografía en tonos pastel y luminosa de la misma. Hay un plano secuencia espectacular en el que seguimos a los chicos en desplazándose por el primer piso absolutamente grandioso. 

Creo además que el gran valor de Baker es la de mostrarnos la dualidad de varios mundos a la vez, el rico que sólo se intuye y el pobre que siempre está presente; el luminoso del exterior y en oscuro del interior - lo que se vive en las tristes estancias- , al igual que el mundo de los adultos, con trabajos inolvidables de Dafoe a los que se suman Bria Vinaite y Macon Blair, y el infantil, tan encantador como terrible, impresionantemente interpretado por Brooklynn Prince , Valeria Cotto y el pequeño Christopher Rivera . 

A destacar ese final abierto que huye de la desolación , que invita a la ensoñación - por la naturaleza de la grabación- , pero también a la esperanza como lo que hay , según las chicas, tras el arcoiris, un gnomo con oro. Me ha encantado, insisto.

El lado brillante de la vida

Así acaba este año el Viernes Santo, con una película que he tenido en VHS desde hace años, pero que por desidia, falta de tiempo o prioridades varias he ido dejando aparcada hasta la noche oportuna, la de ayer. La película en cuestión es La Vida de Brian de los archiconocidos Monthy Pyton. Lo curioso es que este año se conmemoran los 40 años del nacimiento de Brian, una obra sirgida del proceso creativo de los Monty Python. Los Monty Python solían agruparse para su trabajo por parejas. Y se dice que las más fructíferas eran las formadas por John Cleese y Graham Chapman, por un lado, y por Michael Palin y Terry Jones, por otro. Entiendo que los artistas en el sentido más amplio del término Terry Gilliam y Eric Idle participaban añadiendo ideas y recreaciaciones varias.

Monty Python's Life of Brian o La vida de Brian es una película, el tercer largometraje del grupo de comedia inglés Monty Python,  en la que Terry Jones aparece como director. En la producción de la misma aarece John Goldstone y George Harrison , éste como productor ejecutivo, y como actor en un leve y caso imperceptible cameo que esá también detrás de la productora HandMade Films , quedando la distribución para  Cinema International Corporation.

Aparecen acreditados como guionistas los integrantes del sexteto británico Graham Chapman,  John Cleese,  Eric Idle , Terry Jones , Michael Palin, aunque  Terry Gilliam hubiese nacido en Minnesota.

En el apartado musical aparece Geoffrey Burgon , aunque  Eric Idle no quedó al margen de la misma , mientras que la fotografía fue de Peter Biziou y el montaje de Julian Doyle.

Junto a los seis miembros de Monty Python que llegan a interpretar hasta  40 personajes distintos , aparecen Terence Bayley y Sue Jones-Davies como Judith. 

La historia comienza en una noche oscura ligeramente estrellada en la que una luz estelar lleva a los tres magos de Oriente, tres Astrólogos, en Belén. En una casa humilde descubren a una señora que vela a su pequeño recién nacido, un judío que nace el mismo día que Jesucristo y que resulta ser Brian Cohen, el chico que nace en el portal de un establo, a unos pasos del lugar de nacimiento de Jesús, y en un principio confunde a los tres Reyes Magos, que venían a alabar al "rey de los judíos"por lo que le ofrecen los tres regalos (oro, incienso y mirra) a la madre de Brian, Mandy; poco después de salir del portal de Belén, se dan cuenta de su error y regresan a quitárselo de las manos. 

Un cúmulo de desgraciados equívocos le harán llevar una vida paralela a la del verdadero Hijo de Dios. Sus pocas luces y el ambiente de decadencia y caos absoluto en que se haya sumergida la Galilea ocupada por Roma en aquellos días, le harán vivir en manos de su madre y del mismísimo Poncio Pilatos, su propia versión del calvario. 

Brian crece siendo un joven idealista que se resiste a la ocupación romana de Judea, incluso después de saber que su padre fue un centurión romano llamado Traviesus Maximus, que violó a la madre de Brian. 

Mientras asiste al Sermón de la Montaña del verdadero Mesías, Brian se enamora de una joven rebelde y atractiva, Judith. Su amor por ella y el odio hacia los romanos le llevan a unirse al Frente Popular de Judea (FPJ), una de las muchas organizaciones partidistas de la expulsión de los romanos pero que la mayor parte de su tiempo están peleándose entre sí, en vez de acabar con la ocupación romana. 

El cínico líder del grupo, Reg, le da su primer encargo a Brian: debe hacer una pintada en la pared del palacio del gobernador. Recién acabada, se encuentra con un centurión y dos guardias que le detienen y, tras observar el escrito e indignados por la defectuosa gramática latina de Brian al escribor «Romanes eunt domus», a lo que el centurión le dice que significa «los llamados romanos marchad la casa»), lo fuerza a escribir el mensaje correcto y corregido («Romani ite domum», o «Romanos, marchaos a casa») por toda la fachada del Palacio unas cien veces. 

Al amanecer, las paredes del palacio están cubiertas por las pintadas. Cuando se hace el cambio de guardia a la madrugada, los nuevos guardias intentan detener a Brian, pero se escapa con la ayuda de Judith. 

Brian entonces acepta participar en un complot para secuestrar a la mujer del gobernador, con el fin de extorsionarlo. 

Sin embargo, durante la misión se encuentran con el grupo «Frente Judaico Popular», una facción rival con el mismo objetivo de intención separatista y que también quiere capturar a la mujer del gobernador. 

A pesar de los intentos de Brian, que les dice que deben trabajar juntos, las dos partes empiezan a pelear y el plan acaba siendo un fracaso.  Brian  intenta  huir, pero  es capturado y llevado ante el gobernador Poncio Pilatos. Intenta escapar al castigo argumentando su ciudadanía romana, como hijo de un centurión llamado Traviesus Maximus, pero el capitán de la guardia se niega a creer la autenticidad de su nombre. Pilatos no entiende su duda, a la que el capitán afirma que ese nombre no existe, comparándolo con «Quasimeus» o «Pijus Magnificus». Los guardias caen en un ataque de risa después de que, furioso, Pilatos revela que uno de sus mejores amigos es un centurión de alto rango, de nombre Pijus Magnificus, quien tiene una esposa conocida como Incontinentia Summa, y Brian aprovecha la distracción para escapar. 

Después de varios contratiempos, incluyendo un breve viaje al espacio en una nave extraterrestre tripulada que se estrella al pie de la misma torre de donde se cayó, la huida del fugitivo lo lleva a terminar en un atril de oradores, en una concentración de aspirantes a místicos y profetas que gustan de arengar a la multitud que pasea por una plaza. Obligado a hablar de algo plausible para camuflarse y mantener a los guardias alejados de su espalda, Brian balbucea pseudoverdades religiosas, y rápidamente atrae a un mayor número de personas que los demás, formando un público pequeño pero intrigado. 

Una vez que los guardias se han ido, Brian trata de poner fin a la farsa, pero se da cuenta de que con su "discurso" acababa de inspirar un movimiento religioso. 

Tras una larga —y no exenta de gracia— huida, el grupo crece cuando se encuentra con que más personas han empezado a seguirle, aclamándole como "el mesías". Incluso llegan a aparecer dos sectas distintas una que adora la calabaza que entrega a una chica y la otra una zapatilla. 

El éxtasis se alcanza cuando Brian da con un eremita, desgraciadamente para él y que llevada 15 años en silencio, y al que arruinan su espiritualidad y su alimentos  al hablar del endrino que , finalmente es tomado como sagrado por parte del populacho, y es considerado un «milagro» al levantarse en el desierto. 

Después de escabullirse de la multitud, que se ocupa de perseguir a un «hereje» —en realidad, un ermitaño que Brian involuntariamente ha molestado y que se enfada con él—, Brian se encuentra con Judith, y pasan la noche juntos en la casa de su madre. 

Por la mañana, Brian abre la ventana en bolas para contemplar el paisaje, pero descubre una enorme masa de personas frente a la casa. Todos lo proclaman como el Mesías, ante su horror y las voces chillonas de su madre. 

Horrorizado, Brian intenta, impotente, cambiar sus pensamientos para que no le consideren el salvador, pero sus palabras y acciones son inmediatamente tomadas como puntos de doctrina, dando lugar a divertidas situaciones. 

Tampoco puede el infeliz Brian encontrar consuelo de vuelta a la sede de la FPJ, donde es buscado por los romanos que siguen buscándolo.

Después Brian es finalmente capturado y deciden crucificarlo (¡Una cruz por persona!). Mientras tanto, una gran multitud se reúne fuera del palacio, impulsada por el sentimiento general de rabia en la comunidad, que desea librar de la muerte al «profeta». Pilatos, que está junto a su amigo Pijus Magnificus, trata de acabar con el sentimiento de la revolución mediante la concesión de la decisión de quién debe ser perdonado. 

El pueblo conocedor del frenillo de Pilatos elige varios nombres que empiezan con la letra «R», destinado esto a destacar su impedimento en el habla, proponiendo a un candidato que no tiene el apoyo de la población. Para aumentar el desaguisado su amigo Pijus Magnificus, a continuación, intenta tomar el control de la situación mediante la lectura de la lista de prisioneros, pero la combinación de su ceceo grave y el nombre de los prisioneros -tienen todos nombres empezados por «S»- hace que la multitud estalle en risas. 

Finalmente Pilatos, por decisión popular, ordena la liberación de Brian. Pero, ya es tarde puesto que los más del centenar de reos van camino del Calvario, aunque alguno se intercambia por otro al que le endosa la cruz.

Cuando ya están crucificados, llegan un romano intentando reconocer a Brian , y parodiando Espartaco, varias personas crucificadas, entre ellos un graciosillo que lleva toda la película gastando bromas a judíos y romanos, dice ser Brian, así se repite , incluso un hombre dice «Yo soy Brian, y mi mujer también», y los guardias eligen al hombre equivocado, el graciosillo que lo dijo en primer lugar.

Brian también tiene varias oportunidades para librarse de la muerte, pero no lo consigue, ya que, uno por uno, sus «aliados», incluyendo a Judith y a su madre, dan un paso adelante para explicar por qué están dejando morir al «noble luchador por la libertad» que cuelga envuelto en el calor del sol. 

In extremis llega un ejército de liberación perteneciente al «Frente del Pueblo Judaico», pero en lugar de salvarlo, sus integrantes proceden a suicidarse clavándose sus propias espadas. 

Condenados a una muerte larga y dolorosa, varios compañeros de crucifixión intentan animarle cantando “Always Look on the Bright Side of Life” (Mira siempre el lado positivo o brillante de la vida), acabando con esta canción la película. 

La vida de Brian fue un éxito de taquilla, logrando la cuarta mayor recaudación de cualquier película en el Reino Unido en 1979, y la más alta de cualquier película británica en los Estados Unidos ese mismo año. Eso sí , la película recibió críticas furibundas especialmente por aquellos que no la habian visto , mientras que los que la vieron hicieron críticas muy elogiosas y positivas, siendo considerada como "la mejor película de comedia de todos los tiempos" por parte varias revistas especializadas y cadenas de televisión. 

La historia de la película se remonta a  enero de 1978. Para entonces los Monty Python están ya considerados auténticas deidades del humor. 

Tras  cinco años en la BBC con su programa Flying Circus, ya habían triunfado en el cine con Los caballeros de la mesa cuadrada. Pero la tensión entre Terry Gilliam y Terry Jones y los cada vez más acuciantes problemas de Graham Chapman con el alcohol, hacían peligrar la continuidad de la banda. Tan importante era para Chapman que , aunque al principio John Cleese quiso interpretar a Brian, pronto todos estuvieron de acuerdo en que era un papel a la medida de Graham Chapman, quien superó sus problemas con el alcohol para estar a la altura durante el rodaje, en el que por fin ejerció de médico (se había doctorado en la Universidad de Cambridge) curando las heridas y recetando medicamentos a todo el equipo. 

El origen de la película está en una entrevista durante la promoción en Amsterdam de Los caballeros de la mesa cuadrada en 1976, cuando a Eric Idle un periodista le preguntó cuál sería la siguiente película de los Monty Python y éste respondió Jesus Christ, Lust for Glory! (Jesucristo, la codicia por la Gloria). Sin embargo el propio Idle asegura que la idea surgió en ese mismo viaje, pero en otro momento. 

Parece ser que Idle y Terry Gilliam habían salido a tomar algo en un bar, y empezaron a hacer el payaso fingiendo que no tenían piernas. Siguiendo con la broma, imaginaron a un Jesús sin piernas, corrigiendo a los carpinteros que construían su cruz sin acertar con sus medidas y además haciendo un trabajo que le parecía chapucero al hijo de un carpintero. 

Poco después estando  el grupo tuvo la idea de ir a las Barbados, lugar en el que Eric Idle pasaba las navidades de 1977. En lugar de volver a Londres para terminar de escribir el guión, convenció al resto de los Pythons para que se reunieran allí con él. "Sin novias, esposas y otros compromisos", manteniendo horarios de oficina, los seis terminaron el guión en dos semanas. 

El libro The Life of Brian Scrapbook contiene el diario de los cómicos, fotos y recortes de la estancia en el Caribe. 

Según Graham Chapman, “Eric Idle siempre quiso ser una estrella del pop. Fue su amistad con Mick Jagger lo que llevó a Mick a aparecer en el Caribe mientras escribíamos el guión”. No fue el único. Keith Moon, el batería de The Who, fue una presencia constante: estaba con ellos mientras ensayaban, los esperaba en la playa a que terminaran o bien jugaba al Scrabble con Mick Jagger, John Cleese y Graham. Moon iba a interpretar a uno de los predicadores chiflados, pero fue imposible: en septiembre de ese mismo año, después de acompañar a Paul y Linda McCartney al estreno The Buddy Holly Story, murió por una sobredosis del Clometiazol que le habían recetado para controlar su alcoholismo. A ese mismo estreno fue Terry Jones  y declaró que "Keith vino corriendo, me abrazó y me dijo ‘¡estoy deseando hacer lo de Brian!’. Se había aprendido todas sus frases. A la mañana siguiente, estaba muerto. 

Enseguida se dieron cuenta de que el protagonista no podía ser Jesucristo. No solo era una figura admirada por los seis, sino que además no era gracioso. "No puedes reírte de Cristo porque lo que dice es bueno. Él no es directamente risible porque contiene una filosofía muy sólida. Así llegamos a la gente que habla de él, porque ellos eran el objetivo”, recuerda Eric Idle. 

Al principio Brian iba a ser el 13º apóstol, uno que siempre llegara tarde a las reuniones y que la Biblia hubiera olvidado por no estar presente en los grandes momentos de la vida de Jesús, pero lo descartaron. 

Según John Cleese, “nos dimos cuenta de que no funcionaría porque estaba demasiado cerca de Cristo. Y eso no era gracioso porque Jesús era sabio, inteligente y comprensivo, es decir, no tenía nada de las cosas de las que trata la comedia: envidia, codicia, malicia, acaricia, lujuria y estupidez”. 

Al final, Brian simplemente nacería en el mismo momento y lugar que Jesús. Sería Capricornio, pero no el hijo de Dios. 

En plena preproducción, poco antes de empezar el rodaje, en Túnez, el presidente de EMI Films, Bernard Delfont, tras leer el guion de la película. decidió unilateralmente romper el acuerdo con el que la compañía se había comprometido a sufragar el film con una frase involuntariamente cómica: “No voy a permitir que la gente diga que hago bromas sobre el jodido Jesucristo”. Calificó la historia como "obscena y sacrílega", negándose a financiarla. 

Michael Palin explicó en una entrevista que, como creyente, el productor no quería arriesgarse a tener que defender su inversión en el más allá: “No estaba dispuesto a poner en riesgo su inmortalidad por la película”. En la canción del final, se escucha claramente "Bernie, I said, they'll never make their money back", en alusión a Delfont. 

Eric Idle que tenía entre sus amigos a algunos de The Beatles. “George Harrison me dijo que si necesitaba el dinero lo tendría”. Harrison rehipotecó su casa y su estudio de grabación en Londres para que el banco le prestara el dinero. Así nació su productora, Handmade Films. Aunque George Harrison no colaboró en la banda sonora de esta película, sí lo hizo años después para otro film de los Monty Python, aportando un tema para El sentido de la vida. 

Y todo porque le gustó tanto el guión cuando lo leyó que quería ver la película.Como dijo Eric Idle, financiar los tres millones de libras que costó el filme fue "la entrada de cine más cara del mundo". A cambio, tuvo un cameo sin acreditar, vestido con una túnica, en una escena junto a John Cleese. 

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Para hacer la película tuvieron los Monty que tomar importantes decisiones. Terry Jones fue asignados como director y  los Monty Python al completo como guionistas: Terry Jones, Terry Gilliam, Eric Idle, John Cleese, Michael Palin y Graham Chapman. 

Terry Gilliam se negaba a codirigir la película con Terry Jones a causa de las continuas disputas que tuvieron en el rodaje de Los caballeros de la mesa cuadrada. La solución salomónica fue que Jones fuera el director y Gilliam, director de arte. 

A él le debemos los legendarios títulos de crédito, las escenas de la nave espacial y la de los Reyes Magos y  a la gran labor de ambientación que , en ocasiones, pasa desapercibida ya que muchas escenas Terry Jones hizo planos muy cerrados sobre los personajes y no permite ver el entorno con claridad.

Se inspira en clave de parodia en la filosofía mesiánica que propició el nacimiento del cristianismo. Es una comedia de ficción situada en el contexto de la Palestina de la época de Cristo, durante el imperio romano. Se sustenta en las aventuras de un hombre común y corriente, Brian, hijo bastardo de un soldado romano y una feminista judía, al que las multitudes confunden repetidamente con el Mesías. 

La trama es bastante sencilla, no obstante, parodia entre otras cosas la intolerancia, el sectarismo y el dogmatismo, mostrando las divisiones internas envenenadas y los enfrentamientos mezquinos, tratando temas que siguen ocurriendo actualmente, como la negación de la realidad por parte de los fanáticos. 

Afirmó el director Terry Jones que  “Mis sentimientos hacia Cristo son que era un tipo jodidamente bueno, a pesar de que no era tan divertido como Margaret Thatcher”Una opinión que compartían todos sus compañeros. Decidieron que solo apareciera tangencialmente en apenas un momento, en la predicación en la Montaña. Su papel fue asumido por Kenneth Colley.

El sábado 16 de septiembre de 1978 empezó el rodaje en Tunez, donde se habían rodado muchas escenas de Star Wars creándose una infraestructura cinematográfica. El equipo aprovechó los decorados y el vestuario de la miniserie Jesús de Nazaret que Franco Zeffirelli había rodado en 1977.

Durante el rodaje, la residencia oficial de Graham Chapman estaba en Estados Unidos. Las leyes tributarias de este país le impedían pasar más de 24 horas seguidas en Inglaterra. ¿El problema? La escena de la nave espacial tenía que rodarse en un estudio londinense y no en Túnez, donde Chapman podía estar el tiempo que quisiese. “Llegué por la mañana desde Los Ángeles y me llevaron directamente al estudio. Me metieron en una caja vestido de Brian y me dieron muchas sacudidas. No estuve en Inglaterra ni 24 horas, ¡y ocho de ellas las pasé en una caja!”, recordaba.

Terry Gilliam recuerda así esa escena: "Brian está tratando de escapar de una situación imposible, así que le di una solución imposible. Me creí George Lucas por un momento y no hice animación real. Los chicos de sonido creían que estaba loco. Usamos el ruido de una motocicleta. Las explosiones fueron efectos especiales hechos al final de la película; utilizamos columnas romanas y tapacubos para la nave espacial porque nos habíamos quedado sin dinero ".

Con la elección del protagonista, además de conseguir que Graham Chapman moderase su adicción al alcohol y pudiera interpretar el papel de Brian, los Monty Python consiguieron definir el personaje clave de la parodia. Usar directamente como personaje a Jesucristo quedó descartado. No trataban de hacer "La vida de Jesús de Nazareth", ya que hubiese "robado" el protagonismo al guión. "Jesucristo no era divertido", dijo años después Terry Jones en un documental de Channel 4. "La comedia estaba en la interpretación de los evangelios", dijo, por eso crearon el personaje de Brian, un contemporáneo de Jesús que sufría muchas de las situaciones que rodean a la religión. Y eso que, como decía su madre, "él no es el Mesías, sólo es un chico travieso". Sin reparar en ello, solucionaron uno de los mayores problemas jurídicos que podían haber tenido tras el estreno.

Uno de los grandes momentos de la película está en presentar la división de la comunidad judía que se enfrentaba al Imperio Romano. Fue una suerte la creación de tres partidos que tenían un mismo fin pero incompatibilizaban  entre ellos Frente Popular de Judea, al Frente Popular del Pueblo Judaico y  su enemigo común: el frente Judaico Popular. Tan popular ha sido esta división o fragmentación de partidos como alguna frase que ha sido utilizada por los propios políticos britanicos: Tony Blair solía parafrasear a sus críticos con el “Y qué han hecho los romanos por nosotros?”.

La película tras su estreno en el Reino Unido, no llegó a verse en Irlanda y Noruega, donde incluso se prohibió su estreno. Durante el estreno en Suecia, había carteles que decían: "Esta película es tan divertida que la han prohibido en Noruega".

Se estrenó en EE.UU. en 1979, en unas 200 salas en todo el país. Hubo manifestaciones de protesta, incluida una de una asociación de rabinos de Nueva York. Cristianos, judíos y musulmanes se sintieron ofendidos cuando se estrenó la película. “¡Por primera vez en 2.000 años pusimos a todos esos pueblos de acuerdo!” dijo John Cleese en 1998.

La escena en la que a Brian se le cae una sandalia y sus fieles debaten sobre cómo honrarla, según John Cleese, resume “la historia completa de la religión en dos minutos y medio”.

Según Eric Idle, cuando Brian abre la ventana desnudo ante una multitud de discípulos, el director Terry Jones señaló los genitales de Graham Chapman y dijo: "Podemos ver que no eres judío ". Para circuncidar a Brian, el actor se colocó una goma que dejara a la vista su glande.

Sobre la escena del desnudo, Chapman contó: “Recuerdo un momento de vergüenza increíble. El tema de la exposición genital no me plantea ningún problema, pero la mitad de esa multitud de extras tunecinos eran mujeres. Y a las mujeres musulmanas les está prohibido por el Corán ver esas cosas. Así que cuando abrí los postigos, la mitad de la multitud se escapó gritando.

Eric Idle recuerda que el rodaje de la escena de la crucifixión bien podría haber sido un sketch de Flying Circus: “Había alrededor de 30 personas crucificadas pero solo tres escaleras. Cuando alguien tenía que hacer sus necesidades entre tomas, tenía que decir: 'Por aquí rápido, por favor, ¡tengo que bajarme!'".

Terry Jones confesó que uno de los grandes logros de la escena del sermón de la montaña fue accidental. Estaban rodando y, de repente, la mitad de los extras desaparecieron. Era la hora del té (más o menos, rezan los rótulos en la película) y las mujeres tenían que irse para servírselo a sus maridos. Cuando todas regresaron, los Python se dieron cuenta de que grabarlas funcionaba perfectamente para describir la atracción de Jesús.

La escena en la que Poncio Pilato  se enfrentaba a sus soldados era real. O casi. Las instrucciones para los extras era simplemente contener la risa, pero no sabían qué iba a hacer Michael Palin.

Trece minutos de la película fueron descartados para el montaje final. En estas escenas se puede ver a dos pastores que se pierden la llegada del ángel de la Anunciación porque están discutiendo, a la mujer de Poncio Pilatos y a Judith, que lanza unos pájaros mensajeros para pedir socorro. La mayoría de escenas cortadas se deben a fallos técnicos, pero hay una que causa más controversia: la que protagoniza Otto, el cabecilla del escuadrón de judíos suicidas. Interpretado por Eric Idle, este personaje tiene un pequeño mostacho y luce una estrella de David que parece una esvástica. Otto habla con acento alemán y tiene ideas propias del nazismo sobre la supremacía racial de los judíos, con lo que la caracterización parece bastante clara. Gilliam era partidario de mantener el personaje, pero el propio Idle no está muy cómodo con la posibilidad. Terry Jones lo acaba descartando, pero no por las connotaciones que tiene sino porque se dan cuenta que su escena rompe el ritmo del film. Si nos fijamos bien, Otto aparece al final, junto al resto de los integrantes del escuadrón que atacan a los romanos y se suicidan frente a Brian. Fue eliminado del montaje final para evitar más polémicas. Aparece cuando Brian acaba de ser crucificado como líder del escuadrón de suicidio, pero sin alegatos sionistas.

La polémica, como suele ocurrir en estos casos, fue  beneficiosa para la taquilla, y la película pronto pasó a 600 salas. Ese año fue el filme británico con la mayor recaudación en EE.UU., cerca de 20 millones de dólares.

Para promocionar la película, hubo bastante ingenio aplicado a la polémica. En Suecia se anunció como “tan graciosa que se ha prohibido en Noruega”, tras el veto en el país vecino.

En Reino Unido, el escándalo no consiguió otra cosa que aumentar las cifras de taquilla. La vida de Brian iba a enfrentarse al mayor reto en términos de lucha contra la censura. Sólo dos años antes, el periódico Gay News había sido denunciado por publicar un poema que describe lo que imagina un centurión romano durante la crucifixión de Cristo; el director de la publicación fue condenado a una pena de nueve meses de prisión. La película fue clasificada para mayores de 14 años, lo que en sí ya era una derrota para sus críticos. Pero al final fueron los ayuntamientos los que decidieron si permitían o no su distribución. Algunos la vetaron, pero no muchos. Sue Jones-Davies, la actriz que interpretaba a Judith , cuando fue elegida alcaldesa de Aberystwyth, en Wales, levantó en 2009 la prohibición que aún pesaba sobre la película. Judith cumplió su promesa.La ciudad inglesa de Bournemouth prohibió la película en 1979. Finalmente se exhibió allí en 2015, cuando se levantó la prohibición.

Los canales de televisión BBC e ITV se negaron  a emitirla, pero presentaron un debate televisado entre John Cleese, Michael Palin, frente a dos críticos, el periodista católico Malcolm Muggeridge y el obispo de Southwark Mervyn Stockwood. Para su sorpresa, los Python se dieron cuenta que ellos habían acuden al programa con sus argumentos mucho mejor estudiados que sus oponentes. Los integrantes de Monty Python fueron los que aportaron las reflexiones más serias, mientras que sus antagonistas optaron por respuestas rápidas e ingeniosas.

En Gran Bretaña, se difundieron anuncios televisivos en los que las madres de John Cleese y Terry Gilliam desmentían el tono basfemo. Muriel Cleese decía que si la película no era un éxito y su hijo se arruinaba, ella perdería su preciosa casa, y la mudanza la mataría.

Terry Jones manifestó que "no hubo ningún momento en que decidieran no hacer algo que pudiera parecer blasfemo", aunque nunca estuvieron preocupados por cuestiones teológicas. Terry Gilliam comentó más tarde que a sus 16 años ya había leído dos veces la Biblia, "pero después decidí que la educación es mejor que la religión". Basándose en esas protestas, la BBC preparó un documental.

El recurso dramático de crear a Brian fue decisivo para mantener a Monty Python lejos de los tribunales. Al final quedó sólo una campaña de protesta dirigida por Mary Whitehouse, una activista británica defensora de la moral de la época, reconocida por sus constantes y duras críticas a la BBC por los supuestos contenidos inmorales de algunos de sus programas.

La vida de Brian recaudó más de diecinueve millones de dólares de la época en los Estados Unidos, convirtiéndose en la película británica más taquillera del año. En Gran Bretaña fue la cuarta más taquillera, y su éxito hace que sea el más recordado de todos los films de los Monty Python.

En España fue estrenada en octubre de 1980 en versión original subtitulada, y clasificada para mayores de 18 años. La vida de Brian fue la quinta película mas taquillera en España de 1980. Se dobló al castellano en 1985 para su estreno en vídeo, y para su posterior reestreno en salas de cine en 1990.

Según los diarios de Michael Palin, él, Graham Chapman y Eric Idle estaban a favor del título "Brian of Nazareth". Pero nunca se usó, quizás para evitar comparaciones con Jesús de Nazaret (1977) de Zefirelli, cuyos conjuntos sobrantes se usaron para partes de esta película. Cuando la película se estrenó en Italia a principios de la década de 1990, se tituló "Brian di Nazareth", sin mencionar que se hizo en 1979.

Recientemente el reverendo Richard Burridge, un erudito al que el Papa Francisco ha otorgado la máxima distinción teológica (el llamado Nobel del Vaticano), ha declarado que la película ofrece una visión más exacta del Siglo I en Judea que casi ninguna otra película sobre Jesús.

Cuarenta años después, sigue estando considerada una de las mejores comedias de todos los tiempos. En casi ningún ranking se apea del Top 10 y en algunos lidera la lista, como en las encuestas realizadas por Total Film y Channel 4. De hecho está incluida entre las "1001 películas que debes ver antes de morir", editado por Steven Schneider.


En el Reino Unido Matt Ford dela BBC Television Centre habla que es "Una película hermosa, la comedia perfecta, y un triunfo amable del absurdo sobre la pomposidad, la autoimportancia y la intolerancia - Podría ser la mejor comedia británica de todos los tiempos (…)"

Chris Peachment de la revista británica Time Out señala que   "Los Python logran parodiar las actitudes religiosas en lugar de la propia religión y la comedia se apoya principalmente en recuerdos del colegio"

John Ferguson de Radio Times dijo de ella que "El trabajo cinematográfico más seguro y satisfactorio de los Python (…) "

En la revista británica  Empire se dice de ella que es "Una obra maestra cómica estilísticamente ecléctica (…)"

Por último en  Telegraph se dijo que poco después de 2007 que "'Life of Brian' se mantiene muy bien después de 30 años y todavía tiene fuerza para impactar"

En cuanto a las críticas estadounidenses Sofía Lázaro de Vanity Fair escribió en enero de 1978, había puesto "de acuerdo por primera vez en 2.000 años a cristianos, judíos y musulmanes: todos la odiaron".

Robert Osborne en el The Hollywood Reporter comentó que era "Muy divertida de ver (...) Una sátira alocada, bienintencionada, con un toque más extravagante y amistoso que sacrílego."

Roger Ebert desde su web Rogerebert.com comenta que "'Monty Python's Life of Brian' es divertida, de esa manera peculiar británica donde las bromas se expresan al revés, con un elemento obvio y una ocurrencia posterior (…) " También en Illinois J.R. Jones en las páginas del  Chicago Reader defiende que "Siempre la he considerado el punto más alto del grupo"

Para  Vincent Canby del The New York Times se trata de una "Una orgía incesante de asaltos humorísticos (...) La película es un remolino impulsado por energía cómica."

En España Luis Martínez en  El País ha dicho que es "Tan irreverente y subversiva como una carcajada en medio de una jura de bandera."

Para Ramón F. Reboiras de Cinemanía se trata de  "Apostasía bíblica" ; mientras que  Antonio Albert El País afirma que "Generosas dosis del más refinado y malévolo humor británico, gamberrismo inteligente, sana irreverencia, ironía salvaje y corrosión generalizada. Es, además, una obra maestra."

Pablo Kurt de Filmaffinity dice que ella que es " Delirante y divertidísima comedia que relata, a golpe de carcajada, la vida de un desastre de hombre, contemporáneo de Jesucristo, que es confundido por el pueblo con un mesías. Que nadie se confunda: "Life of Brian" no es una amalgama de escenas absurdas que hacen reir; es una brillante sátira que desborda con un humor maravillosamente inteligente".

Para terminar decir que en el funeral del actor que hizo de Brian, Graham  Chapman que falleció en 1989 a consecuencia de un cáncer de esófago, tras varias bromas lanzadas por John Cleese, Eric Idle cantó Always look on the bright side of life, la memorable canción del final de La Vida de Brian.

Sobre su composición, Idle explicó que los ingleses muestran lo mejor de sí mismos en tiempos de guerra o cada vez que las cosas se ponen feas. “La mayoría de nosotros nacimos durante la Segunda Guerra Mundial, sabemos lo que es tener miedo, pero también que la reacción británica consiste en animarse. Así que me puse a escribirla silbando con alegría. Sabía algunos acordes de jazz, así que hice un riff sobre esos acordes".

Una historia sin fin

Antes de nada acabo de leer un tweet que anunciaba que "Cuartopoder deja de publicar la crítica semanal de cine a partir de abril". Estaba escrito por Iván Reguera y se titulaba Crítico de cine, un oficio en extinción. Se destacaba el artículo de Iván Reguera tres titulares:«Desgraciadamente, hace mucho que no vivimos en los sesenta o los setenta y la crítica de cine ya no tiene poder ni influencia alguna».

Segundo, y que es real, «La crítica ha sido sustituida por youtubers, influencers, blogueros y tuiteros que no tiene ni puñetera idea de cine, pero poco importa» y , tercero, que «Pero lo peor de todo es que falla lo más importante: las películas. Cada año son peores".

Y esta lleno de razón Iván Reguera, por el segundo punto , el que a mi respecta, reconozco que no tengo ni idea ni de esto , ni de nada. Lo único que hago, y con esto me justifico - o , al menos, lo pretendo es lo que dije en la primera entrada de este blog: hacer un seguimiento de las películas que veo;  recabar información sobre las mismas;  dar mi inexperta opinión sobre lo que me gusta de ellas, y sobre todo, vincularlas a lo que me remiten de mi pasado o lo que me transmiten en mi presente.

Por nada del mundo hago crítica,; en todo caso, aquí se recogen la opiniones de algunos críticos, los eminentes, unos del presente y otros del pasado. Nada más que ello. Por nada del mundo asumiré una funciones que no me corresponden ni estoy cualificado para ello.

Eso sí, reconozco que tampoco me quejo , en este caso como historiador de formación y educador en ejercicio , de que los demás, y con ello hablo de la sociedad en general, opine sobre la educación o escriba libros de historia, algo que hacen desde periodistas, hasta los antiguos licenciados en derecho pasando por químicos o físicos. Cada uno es libre de hacer lo que le parezca oportuno siempre que no dañe moral o materialmente a otro.

Y dicho lo cual comentaré que enorme interés tenía en ver Un Mundo sin fin . Había leído el libro con detenimiento tras haberme gustado el anterior mucho - creo que a casi todos los lectores- . Los Pilares de la Tierra han tenido mucho predicamento desde su publicación y la noticia de que se presentaba una segunda parte del libro desarrollada doscientos años más tarde motivó que me lo leyese casi al mes de su publicación. Volví a encontrarme con una historia medieval, ahora cercana a la plena y baja edad media, con otros protagonistas que vivían sus maniqueístas historias en el mismo espacio que la anterior, Kingsbridge. 

Ahora los reyes son otros, Eduardo II y su hijo el tercero, otras las reinas, la pérfida francesa, y en la localidad de la Catedral y en su comarca vive la misma condición humana con sus mismas bondades, las mismas miserias, el mismo egoísmo, y la misma soberbia. 

Durante mucho tiempo he esperado poder ver su precedente como serie Los Pilares de la Tierras, miniserie realizada en 2010, y que quería ver antes que esta, pero ¡torpe de mí! no lo he hecho y este sábado se me agotaba la posibilidad de ver World Without End , sin ver la anterior. Me ha dado igual y , finalmente, he apostado por ver esta miniserie de televisión de ocho episodios realizada dos años después que la precedente,  2012, y basada en la novela homónima de Ken Follett . 

Un Mundo sin fin o World Without End está ambientada 150 años después de The Pillars of the Earth y narra las experiencias de la ficticia ciudad inglesa de Kingsbridge durante el inicio de la Guerra de los Cien Años y el estallido de la Peste Negra . 

La serie está dirigida por el escocés Michael Caton-Jones quien dirigió los ocho episodios, aunque , y por eso me parecía interesante, estaba producida por los Hermanos Scott, Ridley y Tony.

El director con amplia experiencia en cine y televisión  e involucrado , muy a su pesar y contra su voluntad, en uno de los "affaires" Weinstein es el responsable de películas tales como Escándalo (1989), Memphis Belle (1990), Doc Hollywood (1991), La vida de este niño (1993), una que pasó por aquí, Rob Roy (1995), Chacal (1997), entre otras, fue el responsable de los ocho episodios que, curiosamente, tiene títulos vinculados con fichas o movimientos de la partida de ajedrez.

El guión -aviso, lo pongo con tilde , aunque desde el año 2010 la RAE lo eliminó- de la misma partiendo siempre de la novela de Ken Follett es de John Pielmeier que guionizó (verbo que no existe en castellano, pero que propongo que se introduzca en el DRAE) y aunque dicen, yo no lo recuerdo tan claramente, que la  miniserie varía sde la novela tanto en la trama como en las caracterizaciones.

Como ya he señalado en la misma destaca la presencia de algunos de los Productores ejecutivos de peso como son los hermanos  Ridley Scott y  el fallecido en 2012 en San Pedro (California) en extrañas circunstancias Tony Scott a la edad de 67 años , con cierta presencia en las series produjeron entre otras una que yo seguí, Numb3rs, The Good Wife o Gettysburg, a los que se sumaron Rola Bauer, David W. Zucker, Tim Halkin, Jonas Bauer y John Weber y como productores Howard Ellis y Arnie Gelbart por medio de las Productoras Tandem Communications , Scott Free Productions , Take 5 Productions y Galafilm.

La música de la serie es del compositor canadiense Mychael Danna ganador de un Oscar por la banda sonora de La vida de Pi, mientras que en la fotografía está Denis Crossan.

El elenco de esta coproducción de Canadá, Reino Unio y Alemania es extenso y combina caras conocidas del cine y de la televisión con otros menos vistas . Entre los mismos aparecen Ben Chaplin como el Rey Eduardo II / Sir Thomas Langley,  Charlotte Riley como Caris Wooler,  Nora von Waldstätten como Gwenda,  Oliver Jackson-Cohen como Ralph Fitzgerald , Rupert Evans como el Prior Godwyn , Tom Weston-Jones como Merthin Fitzgerald,  Cynthia Nixon como Petranilla,  Tom Cullen como Wulfric , Blake Ritson como el Rey Eduardo III , Hera Hilmar como Margery , Aure Atika como la reina Isabel,  Tatiana Maslany como Hermana Mair , Miranda Richardson como Madre Cecilia,  Peter Firth como el Conde  Roland , Sarah Gadon como Lady Phillippa , Ian Pirie como Elfric , Carlo Rota como Edmund , Kostja Ullmann como Holger , David Bradley como el Hermano Joseph , Caroline Boulton como Hermana Elizabeth Megan Follows como Maud,  Indira Varma como Mattie Wise , Dan Cade como Hansome Jim y Hannes Jaenicke como Roger Mortimer .

Aunque no es habitual no voy a desarrollar la totalidad de una historia extensa y compleja que se nos narra magníficamente en el libro y que si queréis conocer con detalle aparece en este enlace de la Wikipedia , y  que abarca un amplio periodo que se desarrolla en la Inglaterra de la Edad Media duante el siglo XIV, en concreto comienza con la rendición de Eduardo II ante la facción que encabeza su mujer, la reina francesa y su hijo, que de inmediato es coronado como Eduardo III.

Entretanto conocemos a Caris( Charlotte Riley ), una mujer visionaria, valerosa y joven que luchará por poner fin al sufrimiento y a la opresión de las autoridades del Priorato sobre todo cuando su primo el monje Godwyn (Rupert Evans) acaba siendo el Prior de Kingsbridge.

Para hacerlo contará con el apoyo de Merthin ( Tom Weston-Jones )  y entre ambos , a los que suman  Sir Thomas Langley (Ben Chapkin) , que guarda un poderoso secreto, se enfrentan a  la Corona y la Iglesia.

Kingsbridge, se ha convertido en un motor económico para el país , algo que lleva a la corte a exprimirlos a impuestos para así poder financiar la desastrosa guerra contra Francia que está a punto de comenzar cuando además ellos han apostado por solucionar el tema del puente.

Mientras vamos viendo  las vidas de los ciudadanos comunes, la lucha en Palacio entre Eduardo III y su madre que degenera en la  Guerra de los Cien Años contra Francia, mientras estalle en Europa y, finalmente, llega a Inglaterra la Peste Negra .

La historia de esta producción comienza mientras se negociaban la adquisición de los derechos de los Pilares de la tierra de Ken Follett por parte de Tandem Comunications para hacer una serie y que concluyó con el derecho preferencial de negociar un acuerdo para Un mundo sin fin , la secuela de la primera novela.

El proyecto fue anunciado en diciembre de 2010, mientras se estrenaban los Pilares y para la miniserie inspirada en World Without End  que sería coproducida por Tandem con Scott Free Productions, Take 5 Productions y Galafilm, con sede en Canadá. Se volvió a contar con John Pielmeier , que ya había  adaptado Los pilares de la tierra y, se eligió a Michael Caton-Jones como director en marzo de 2011.

El casting para los papeles principales se completó en junio de 2011, y el rodaje comenzó un mes más tarde en diversas localizaciones   principalmente en Hungría , donde se construyó una ciudad medieval completa en un set de  de 12,000 m 2 aunque se llevaron a cabo sesiones adicionales en Eslovaquia y Austria .

La serie de dividió en ocho capítulos que nos hablan del ajedrez : Caballo, Rey, Alfil, Jaque, Peón, Torre, Reina y Jaque Mate

La serie se estrenó en 2014. No he leído críticas sobre la misma salvo la de Mikel Zorrilla en Espinoff en la que nos habla como Los Pilares de la Tierra se comprimió en un formato de   ocho episodios y que al ser bien recibida tanto en términos artísticos (es una de las mejores miniseries de los últimos años) como de audiencia, no se tardó en confirmar que ‘Un Mundo sin Fin‘

" De ‘Los Pilares de la Tierra’ a ‘ ‘Un Mundo sin Fin‘ (...) contaba con un reparto que me provocaba bastantes dudas sobre que pudieran mantener el nivel de los actores que protagonizaron la notable adaptación de ‘Los Pilares de la Tierra’. Y es curioso, ya que ‘Un Mundo sin Fin’ ha costado 46 millones de dólares, seis más que su predecesora, pero se ve que han preferido gastarlos para corregir otros problemas, (como ...)   que los efectos especiales no estaban a la altura de las circunstancias, siendo algo que, al menos por ahora, no se ha notado lo más mínimo en su secuela. 

Volvamos, sin embargo, al reparto de ‘Un Mundo sin Fin’, donde se ha intentado mantener la apuesta de ‘Los Pilares de la Tierra’ de combinar rostros reconocibles por el público con otras caras quizá no tan populares, pero sí prometedoras. La cuestión es que en la “primera entrega” se consiguió un gran equilibrio, ya que los jóvenes no desmerecían para nada el ya demostrado talento de veteranos como Ian McShane o Rufus Sewell,  (...) Ese delicado equilibrio es algo que le ha costado lo suyo conseguir a ‘Un Mundo sin Fin’, ya que hasta el cuarto episodio no han conseguido hacer encajar todas las piezas que manejaban, y que éstas empiecen a brillar tanto como pudieran (pienso sobre todo en Miranda Richardson). 

Y es que, por mucho que deseara lo contrario, el nivel global de la serie en este apartado está al menos uno o dos escalones por debajo de su predecesora, ya que casi todos los protagonistas han tenido al menos uno o dos momentos de claro lucimiento, pero no todos han sabido aprovecharlo igual de bien. 

(...) Sé que hay casos en los que quieren mantener deliberadamente cierto misterio, pero nunca puede ser a expensas de que el personaje pierda fuerza e interés. 

La reconstrucción histórica, como ya he comentado, está muy lograda, aunque sin llegar a los niveles de esplendor de otras producciones (estoy pensando sobre todo en la HBO), mientras que el trabajo tras las cámaras de Michael Caton-Jones, director de todos los episodios, poco tiene que envidiar al de Sergio Mimica-Gezzan, pero los errores ya comentados han limitado hasta ahora a una miniserie, eso sí, bastante entretenid (...) Vamos, que no llega al nivel de ‘Los Pilares de la Tierra’, pero es una propuesta a tener en cuenta .

Volvemos a destacar como ocurría en la obra literaria la lucha de poderes y la eterna dualidad entre el bien y el mal,  ese maniqueismo en el que el Prior (Rupert Evans) y su madre   (Cynthia Nixon) se llevan la palma, así como su otro retoño, uno de los dos hermanos .

A mi , desde luego, me ha gustado por visualizar una historia que me resultó intersante. No obstante, hay aspectos de la misma mejorables. No me gusta que se vea el cemento, por muy buena que sea la obra.

Ready Player One, Game Over

Hace unos meses, en el verano de 2017,  escribía esto una vez terminado una de mis lecturas estivales, la época en la que leo con más ahínco aprovechando las horas que paso al borde de la piscina y teniendo ya en mente que , en unos meses vería, la proyectada película que iba a ejecutar el gran Steven Spielberg, director citado en varias ocasiones durante el libro. La novela me la había recomentado tanto a mi como a mi mujer un amigo informático, friki como pocos, y amante de la literatura. La novela se llamaba Ready Player One , y escribo esto 45 minutos antes de verla.  

Acabo de poner fin a la que fue primera novela de Ernest Cline, un novelista estadounidense de ciencia ficción natural de Ohio . Un escritor y guionista que desde pequeño se aficionó al mundo de los ordenadores, -ha nacido en 1972- , que llegó a aprender ese lenguaje llamado BASIC del que todos hemos odio hablar y que era , en su programación, verde sobre fondo negro, y que tuvo una Atari 2600 y que también aficionado de la ciencia ficción optó en un momento dado por darse un homenaje a la cultura audiovisual y virtual tras horas incontables de juegos de rol, de Indiana Jones, de Dragones y Mazmorras, de Arcades, de las novelas de ciencia-ficción y las máquinas recreativas como ávido consumidor de cultura geek - o friki-que era y que había conocido y que se plasmó en su obra Ready Player One. Cline declaró que "Todo eso me ha apasionado desde niño, yo crecí con Star Wars, los juegos de rol, los videojuegos. Todo eso ha moldeado por completo mi visión del mundo. Lo que te influencia cuando eres niño te convierte en la persona que eres de adulto".

Desconocía que Cline , cuando empezó a trabajar en el libro, se dedicaba a trabajos diversos, entre ellos los de monologuista en clubes nocturnos y el de guionista de películas, y avanzaba con el libro poco a poco, "en los pocos ratos libres que tenía".

También desconocía que durante esos años, terminó de ajustar el guión de Fanboys (2009), - película que me encantó y que ya comentó en Para que no me olvide, mi blog de cine, sobre la historia de un grupo de amigos obsesionados con La guerra de las galaxias que intenta colarse en el Rancho Skywalker de George Lucas para que uno de ellos, diagnosticado con una enfermedad terminal, pueda ver el Episodio I antes de morir, una circunstancia que para Cline es la demostración de que "la vida imita al arte", pues fue hace poco J.J. Abrams quien mostró el montaje final de El despertar de la fuerza a un chico con leucemia para que pudiera disfrutarla antes de fallecer. 

Cline declaró que "todo con lo que puede soñar un escritor, a mí me ha pasado con Ready player one, y me alegro de no haberla abandonado mientras la escribía". Esta obra me la recomendó un amigo informático que quedó subyugado ante la misma y sabiendo ese componente friki que sabía que yo llevo dentro nos la recomendó a mi mujer y a mi. Me dijo que el libro era una joya y que se merecía una plasmación cinematográfica, algo que el autor comentaba en el prólogo. 

Hoy, unos minutos después de acabar el libro,  he leído que Spielberg y su productora presentaba el trailer de esta historia futurista, que se desarrolla en el año 2044 y en un mundo caótico y desastroso , en el que las fuentes de energía fósiles están prácticamente agotadas y en una enorme depresión a nivel mundial . 

Para huir de esta horrible realidad existe una escapatoria, un videojuego de realidad virtual llamado OASIS , que ayuda al escapismo. La adaptación cinematográfica que será llevada a cabo por Steven Spielberg se estrenará en 2018. Pero ya hablaremos de eso cuando vayamos a verla al cine en pandilla, yo era el último de los cinco que le faltaba leer el libro.

Las personas dedican más tiempo al juego que ofrece todas las posibilidades imaginables que al contacto directo entre personas. El creador de OASIS es un enorme fan de la década de 1980, y como un fantástico programador de videojuegos que amasa una inmensa fortuna con su compañía GSS, que tiene como obra maestra OASIS. 

Tras su muerte se anuncia en un vídeo que el juego contiene un huevo de pascua. Quien lo encuentre heredará toda su fortuna. cinco años después del anuncio, Wade Watts, un pobre chico, en todos los sentidos, de nombre Parzival en la vida cibernética,  tiene la fortuna de descubrir la primera pista que lo pone en el camino del huevo de pascua, de pronto logra resolver uno de los rompecabezas que le acerca más a su meta. 

Gracias a su manejo de la historia del creador de Oasis, James Halliday / Anorak, así como a la colaboración de sus únicos amigos, todos virtuales, un grupo de Gunter o buscadores encabezados por Hache , su idolatrada Art3mis , así como Daito y Shoto podrán enfrentarse a Nolan Sorrento , jefe de la corporación multinacional IOI y líder de los Sixers.

En el tramo final participará igualmente  Ogden Morrow, cofundador de Gregarious Simulation Systems y mejor amigo de Halliday para que todos salgan favorecidos en este enfrentamiento nada fácil, ya que la lucha por conseguirlo es encarnizada, especialmente al incorporarse a la misma los Sixers, los empleados de una empresa llamada IOI que pretende hacerse con el control de OASIS, y los Gunters, todas las demás personas, sea individualmente o en clanes. 

Es una novela que está bien, un buen homenaje a los noventa, a su cine - Juegos de Guerra, Lady Halcón, Los caballeros de la tabla Cuadrada,....- , a su música y a sus videojuegos. Este es precisamente el gran acierto de Cline , poner sobre el tapete una época admirada en el pasado. Una época que no fue fácil, pero que corresponde con mi juventud plena. Eso es lo que más me ha gustado de la misma. Me ha supuesto rememorar en positivo, y eso es siempre bueno.  Game Over!

Tras leer dos crónicas sobre la película, una de Gerardo_DDC y otra en Clarín de Pablo Scholz, elogiando la película no podía dejar pasar ni un minuto más sin verla.

Dos horas después estoy en casa y puedo decir que he visto un producto absolutamente Spielberg, una película visualmente espléndida, una adaptación magnífica en la que participa el mismo Cline y una película enorme.

Y es que una película que comienza con el Jump de Van Halen , que rinde un homenaje enorme a The Shinning de Stanley Kubrick y te muestra abiertamente cómo eran algunos de aquellos juegos que yo conocía por el libro , pero que no pude ver tiene que ser buena sí o sí. Pero no sólo es buena. Visualmente es maravillosa esta película producida y dirigida por Steven Spielberg y que ha sido guionizada por Zak Penn y Ernest Cline , el mismo autor de la novela. Es cierto que hay puntos de la misma que no vemos. Las referencias a Dragones y Mazmorras han desaparecido, al igual que la partida perfecta de PacMan, o el orden de aparición de algunos personajes está cambiado, pero da igual, y lo más importante tiene el visto bueno del autor y el tamiz de un director que sabe lo que es el cine de aventuras , que es coprotagonista tangencial del mismo libro o que ha vivido en primerísima persona esa década. Mi década, esa en la que yo tengo entre 15 y 25 años, en lo que terminas tus estudios de BUP y COU, vives con efervescencia la Universidad, te da un golpe la vida en la cara, el corazón, las entrañas y el alma al morir tu madre, pero que también te permite descubrir , penar y disfrutar del amor o te integra en la maquinaria rutinaria de la vida. Sí, lo reconozco es mi década, con su  cine, su música, su estética y nuestras  neuras - éstas, son colectivas- .

Steven Spielberg  que aparece como productor, junto a Donald De Line, Dan Farah y Kristie Macosko Krieger y que cuenta con el respaldo de la Amblin Entertainment , junto a De Line Pictures ,  Village Roadshow Pictures  Farah Films & Management y Reliance Entertainment y, por supuesto, de la  Warner Bros. L inversión se ha elevado a $175 millones de dólares.

Cuenta Spielberg para hacerla con su habitual colaboradores en la parte técnica. En la música lo hará Alan Silvestri que además de crear una banda específicamente para la película , introduce igualmente música de la década. Y en la fotografía un compañero habitual de Spielberg, Janusz Kaminski. En el montaje aparece Michael Kahn y Sarah Broshar.

Los protagonistas de la película son Tye Sheridan como Wade Watts / Parzival, Olivia Cooke como Samantha Cook / Art3mis, , Ben Mendelsohn como Nolan Sorrento, CEO de Innovative Online Industries, que busca el control total de OASIS, Lena Waithe como Helen / Aech, una Gunter que es masculina en OASIS y mujer en realidad, y la muy mejor amiga de Wade , TJ Miller como i-R0k, un comerciante independiente de armas / objetos mágicos y cazarrecompensas que a menudo es empleado por IOI, Simon Pegg como Ogden Morrow / the Curator,  cocreador de OASIS , Mark Rylance como James Halliday / Anorak, el co-creador fallecido de OASIS que incluye un Huevo de Pascua oculto en el OASIS .

Junto a ellos están Philip Zhao como Sho, otro  Gunter japonés, Win Morisaki como Daito, otro  Gunter  mayor que  Sho. Hannah John-Kamen como F'Nale Zandor, la cabeza de las operaciones de IOI en el mundo físico. Además aparece  Susan Lynch interpreta a Alice, la tía de Wade; Ralph Ineson interpreta a Rick, el novio de Alice; Perdita Weeks retrata a Kira, la esposa de Morrow; Letitia Wright interpreta a Reb ; y Clare Higgins como la Sra. Gilmore. En papeles menores aparecen Julia Nickson, Kae Alexander, Lena Waithe, Ralph Ineson, David Barrera, Michael Wildman, Lynne Wilmot, Carter Hastings, Daniel Eghan. Por último, McKenna Grace y Lulu Wilson aparecen como niños de escuela primaria que juegan en el OASIS.

Con música de Van Halen y su Jump comienza la película. Estamos en el año 2045, gran parte de los centros de población de la Tierra se han convertido en ciudades de barrios marginales debido a la superpoblación, la contaminación, la corrupción y el cambio climático.  En muchas de esas ciudades se levantan torres de viviendas formadas por remolques que se van apilando en grandes torres metálicas , como en las mayores ciudades del planeta. Una de estas torres está en la ciudad de Columbus (Ohio) . Allí vive Wade Watts (Tye Sheridan)  un adolescente al que le gusta evadirse del cada vez más sombrío mundo real a través de una popular utopía virtual a escala global llamada "OASIS". OASIS sirve para escapar de su desolación, y en él las personas se involucran en el mundo de realidad virtual a trarvés de una simulación inmersiva sensorial a través de avatares. Con ellos se pueden participar en numerosas actividades para el trabajo, la educación y el entretenimiento.

El programa OASIS fue creado por un excéntrico y multimillonario creador James Halliday / Anorak (Mark Rylance) junto con  un amigo Ogden Morrow  (Simon Pegg ). Desde entonces el programa es lo que permite evadirse del mundo real y miserable en el que vive gran parte de la humanidad.

Un día OASIS queda conmovida por la muerte del creador del programa James Halliday / Anorak (Mark Rylance) que anuncia por medio de su avatar Anorak que aquel que logre encontrar y superar tres llaves que el mismo ha introducido en OASIS  y , finalmente, obtenga un Huevo de Pascua oculto en OASIS .  será el heredero de la empresa y con ella de su inmensísima fortuna.

Para ello se inicia una intensa búsqueda del tesoro a través de los rincones más inhóspitos del mundo virtual creado por Halliday.

Uno de esos jugadores es Wade que refugiado en una pila de coches disfruta de su mundo y desde donde se enfrenta a otros jugadores, competidores, a poderosos enemigos corporativos y otros dispuestos a hacer lo que sea, tanto dentro de "Oasis" como del mundo real, para hacerse con el premio en lo que ahora se conoce como la  "Anorak's Quest" escondida dentro de OASIS.

Desde que eso es así , aunque de forma infructuosa, el juego ha atraído a un número de Gunters ("cazadores de huevos") enorme jugar el juego. Pero junto a estos jugadores , entre los que se encuentra su único amigo en el mundo virtual y en el mundo real que se presenta en el mundo virtual como Aech (Lena Waithe), un poderoso Gunter que e posee un garaje virtual en su tiempo libre para crear y arreglar varios vehículos y artículos. Dentro de ese mundo admira a otros Gunters como los japoneses Sho (Philip Zhao) y Daito (Win Morisaki) así como a una Gunter que se hace llamar Art3mis (Olivia Cooke).

Pero los Gunters no están sólo, frente a ellos compiten una poderosa corporación conocida como IOI, un conglomerado de videojuegos y el fabricante de la mayor parte del equipo de realidad virtual que se usa para acceder a la OASIS, y que también busca la propiedad del mundo de realidad virtual. Esta presidida por su director general , Nolan Sorrento (Ben Mendelsohn) , el CEO de Innovative Online Industries, que busca el control total de OASIS y para el que trabajan un ejército de jugadores formado por personas que han ido endeudándose con la compañía y que ahora son jugadores para la misma , los Sixers, debido a su identificación de seis dígitos, para buscar el premio.

Sin embargo, hasta la fecha, nadie ha podido completar la primera misión que consiste en superar una carrera de vehículos a través de un peligroso paisaje urbano en constante cambio y en el que interactúan desde dinosaurios salidos de Jurassic Park hasta Donkey Kong que impide que cualquiera ponga fin a esa primera prueba.

Vemos que Wade Watts, el Gunter de 18 años de Columbus, Ohio , y que vive en un barrio pobre con su tía. por medio de su avatar Parzival, y con el que se ha  asociado  Aech, que le sirve de mecánico virtual están a punto de obtenerlo al igual que Art3mis que es salvada in extremis por Parzival justo cuando está a punto de caer de la mano del gorila.

Parzival ofrece a Aech para arreglar su moto a Art3mis después de salvarla de ser "puesta a cero", lo que borraría a su avatar del propio OASIS. Tras cambiar impresiones y quedarse prendado de su avatar, Wade decide estudiar la biblioteca virtual de OASIS para conocer la vida personal de Halliday con la esperanza de encontrar una pista para terminar la carrera.

Wade, gracias a unas palabras sobre el juego de Art3mis,  descubre que Halliday se arrepintió cuando tuvo que aceptar la renuncia de su compañero, Ogden Morrow, por un enfrentamiento personal, con Halliday expresando su deseo de "volver y arreglar esto".

En la siguiente  carrera, Wade retrocede desde la línea de salida, encontrando un camino escondido y seguro hacia la línea de meta de la carrera. Él gana la primera de tres claves y una pista para la próxima misión. Tras esto Aech, Art3mis, y los hermanos Daito y Shoto siguen a Wade para terminar la búsqueda.

Pero esto ha colocado el foco de la IOI sobre Wade que tiene gran interés en ellos, deseando aprender sus identidades de la vida real. Para ello su CEO, Sorrento, contrata al cazarrecompensas i-R0k  (TJ Miller) un comerciante independiente de armas ,  objetos mágicos para averiguar la identidad real de Parzival.

Así que una noche en una discoteca en la que tanto Pazival como Art3mis piensa que le puede dar una pista para la segunda llave, i-R0k escucha que Wade le cuenta a Art3mis su verdadero nombre. Así que llama a Sorrento, quien primero ordena su detención y captura, pero al escapar envia a Wade un mensaje a OASIS para convencerlo de unirse a IOI y  resolver la "Búsqueda de Anorak", pero Wade se niega.

En represalia, Sorrento hace que una de las encargadas del trabajo sucio de IOI la jefe de operaciones de IOI en el mundo real, F'Nale Zandor (Hannah John-Kamen)   ataque el barrio pobre de Wade, matando a la tía de Wade y a su novio, entre otros vecinos.

Tras esto Wade es rescatado por los amigos de la vida real de Art3mis y es llevado a un escondite de Gunter en la misma ciudad de Columbus, donde conoce a la jugadora de Art3mis, Samantha.

Los dos quieren seguir con el juego para vengarse de IOI así estudian que Halliday había salido con Kira, que más tarde se convirtió en la esposa de Morrow, y que fue la fuente de su ruptura en la empresa. En los archivos virtuales de OASIS, Wade gana una apuesta con " el curador", la persona que está a cargo del servicio virtual de la base de datos y documental de OASIS  y escudriña que la memoria de Kira permanece en algún lugar dentro de los archivos, y el Curador le otorga acceso a los recuerdos de Halliday de Kira. que resulta ser la entrada a la segunda búsqueda.

Las pistas lo reconducen a una recreación de The Shining y algunas de las escenas más significativas de la película. En ellas ha de encontrar a Kira, que no aparece en la escalero del Overlook, ni en la zona de los ascensores donde estaban las gemelas, ni en la habitación de la joven chica / anciana , sino en el salón de baile.

El equipovirtual al que ya van también los japoneses y Aech  obtiene la segunda clave y la pista clave de que la última misión es en Castle Anorak en Planet Doom.

Zandor descubre el actual escondite de Gunter gracias a sus drones de identificación y secuestra a Samantha.

Mientras tanto, Wade que logra huir,  es rescatado por los jugadores de la vida real de Aech, Daito y Shoto, quienes se han escondido en la camioneta de Aech; Wade descubre que Aech es realmente una chica de color y no un chico que vive en su furgoneta de Correos ocultando su identidad a sus padres.

Ahora  OASIS está colapsado por la gente de IOI que ha erigido un campo bloqueando el acceso al castillo, mantenido por IOI y sus Sixers, incluido Art3mis, que está siendo forzada a trabajar para IOI.

Ante esta circunstancia de bloqueo Wade envía un mensaje a todos los jugadores de OASIS sobre las actividades de IOI, y convence a muchos de unirse a su lado para luchar contra IOI y los Sixers.

Con Aech, Daito y Shoto liderando el ejército de jugadores, Art3mis puede usar la distracción para debilitar el campo y permitir el acceso de Wade dentro de Castle Anorak. Wade descubre que varios Sixers han encontrado a una habitación de Atari , tratando de determinar qué juego del Atari 2600 era el favorito de Halliday; han de elegir y completar el juego, pero Wade al igual que otra chica de la IOI reconoce el juego correcto como Adventure , pero , tras una batalla campal en la que caen algunos de los avatares de sus amigos, tras la decisión de usar las más contundentes armas virtuales, incluido el gigante de hierra y un megagodzilla , descubren que incluso al completarlo con éxito descubre  que el Sixer obtenga el premio.

Con Wade ahora solo en la habitación de Atari, Sorrento decide desesperadamente activar el Catalyst, que pone a cero a todos los jugadores en Planet Doom.

Sin embargo, para ganar la apuesta del curador, el avatar de Wade resucita y continúa la búsqueda. Wade deduce que se debe a la moneda que le entregó el Curador que le daba una vida extra y que el objetivo no es ganar Adventure, sino encontrar su propio huevo de Pascua. Al hacerlo, se le da la última clave.

Wade usa la llave de crital para abrir una puerta en el castillo, donde Anorak lo felicita. Anorak le presenta un contrato para firmar, pero Wade lo reconoce como el que Morrow tuvo que firmar cuando se separaron y rompieron y lo echaza.

El avatar de Anorak se transforma en Halliday, quien revela que esta fue una prueba final, de la que se había arrepentido toda su vida. Halliday le ofrece a Wade la oportunidad de borrar el OASIS con el Botón rojo grande si siente que es lo mejor, y de otro modo lo premia con el Huevo de Oro, transfiriendo el control de OASIS a Wade.

Todo esto se produce con un persecución final por parte de  Sorrento y Zandor que al llegar a las torres acaban y son arrestados por la policía.

Desde ese momento la IOI nos informan será fuertemente reestructurado como compañía, con la división de servidumbre por contrato eliminada.

Wade opta por compartir el control de OASIS con los otros cinco compañeros. Morrow se  ofrece ayudar como consultor a cambio de un salario de 25 centimos, al tiempo que revela que fue Curador dentro de OASIS.

Los High Five deciden que OASIS se cierre dos veces a la semana, martes y jueves, para obligar a las personas a pasar más tiempo en el mundo real, mientras que Wade y Samantha comienzan una relación romántica y se mudan juntos en un departamento. Descubren que para jugar lo mejor es ignorar el One, simplemente, el Ready Player acabando así la película.

La historia de la película se remonta a antes de la publicación del libro , tal y como hemos comentado, anteriormente ya que Ready Player One escrito por Ernest Cline en 2010.

Tras la publicación y éxito del mismo en los Estados Unidos , la Warner Bros. y De Line Pictures ganaron una subasta por los derechos de la novela Cline se establecióy el mismo Cline, con experiencia en guiones, como ya señalé esta detrás de Fanboys  se postuló para  escribir el guión de la película, que Donald De Line y Dan Farah producirían.

Más tarde Eric Eason reescribió el guión de Cline,  y Zak Penn fue contratado para reescribir los borradores previos de Cline y Eason.

Posteriormente Village Roadshow Pictures se embarcó para cofinanciar y coproducir la película con Warner Bros y es , en ese momento, cuando un Steven Spielberg , del que se habla y se eleva a los altares en varias ocasiones en el libro como referencia absoluta de los 80, se unió para dirigir y producir la película, que Kristie Macosko Krieger también produciría junto con De Line y Farah. Spielberg lo hará por medio de su Amblin.

El propio Spielberg ha declarado que "Cuando alguien me aconseja leer un libro suelo rechazar la idea, pero la novela de Kline me fascisnó, es un ir y venir entre décadas, entre el futuro y los 80. Es absolutamente maravillosa. Yo fue muy activo en los 80, son mis mejores años, y con este filme tuve la oportunidad de viajar desde allí al futuro que nos espera, un futuro que viene, lo queramos o no".

Ready Player One es la primera película de acción y fantasía de Spielberg desde Las aventuras de Tintín a finales de 2011.

Para  el papel protagonista femenino fueron consideradas tres actrices para el papel de Art3mis: Elle Fanning , Olivia Cooke y Lola Kirke. En septiembre de 2015, se anunció que Cooke había sido elegido para el codiciado papel principal femenino.

En enero de 2016, Ben Mendelsohn se unió al elenco y en febrero de 2016, Tye Sheridan fue confirmado para el papel principal de Wade, luego de que un largo casting nacional no  encontrara a  un desconocido adecuado para ese papel.

En marzo de 2016, el gamberrete actor británico Simon Pegg se unió al elenco, y , al mes siguiente, en abril de 2016, el aparentemente impasible - y magnífico actor británico que había relanzado o casi descubierto por Spielberg con El Puente de los Espías (2015), Mark Rylance, se unió al elenco. De él ha declarado el director que "Es un actor sutil que siempre aparece en los rodajes cargado de ideas. Me siento muy afortunado de contar con Mark en mis películas - también ha trabajo con Spielberg en Mi amigo el gigante (2016)- de conocerle y sobretodo de considerarle mi amigo. Tengo muchos conocidos, pero no he invitado a mi vida a mucha gente de la industria. Siento un gran respeto por Mark y nos divertimos mucho juntos, somos inseparables".

En junio de 2016, TJ Miller , al igual que Hannah John-Kamen y Win Morisaki . Ya en el verano de de 2016,  se sumaron Philip Zhao, Lena Waithe , Ralph Ineson , McKenna Grace y Letitia Wright . La esperada producción estaba programada para comenzar en julio de 2016.

El guionista Zak Penn publicó el  1 de julio de 2016, que la primera semana de filmación se había completado.

En agosto y septiembre de 2016, la filmación se llevó a cabo en el Reino Unido, principalmente en Birmingham , Inglaterra, que incluyó Livery Street en el área del Jewellery Quarter. Se rodó igualmente en Floodgate Street en Digbeth, también Birmingham, en el Spaghetti Junction motorway interchange de Gravelly Hill de esta ciudad inglesa . Igualmente se rodó en los Warner Bros. Studios ubicados en Leavesden en el condado de Hertfordshire, y en el Citypoint, en Ropemaker Street, de Londres para la sede de la IOI; otras localizaciones en la ciudad incluyeron la zona industrial anterior de Digbeth  y todo ello , aunque la película esté ambientada en Ohio .

El grueso del rodaje terminó el 27 de septiembre de 2016, pasando ya Spielberg a trabajar con  Industrial Light & Magic (ILM) para supervisar los efectos visuales de la película y a reunirse con ILM   3 horas tres veces por semana.

Spielberg ha declarado que "  es la película más difícil que he hecho desde Saving Private Ryan ". Como en el libro, Ready Player One rinde homenaje a la cultura popular de los años 80 , 90 , 2000 y 2010, el supervisor de proyectos especiales de la película, Deidre Backs, recibe el crédito por borrar las licencias de todas las propiedades representadas en Ready Player One .

Entre los personajes con licencia de la película se encuentran el personaje principal de The Iron Giant , el RX-78-2 Gundam de Mobile Suit Gundam , Mechagodzilla , varios personajes del universo DC Comics y la serie de películas The Lord of the Rings . Aparecen en momentos puntuales imágenes de Jason Voorhees del Viernes 13 , Freddy Krueger de A Nightmare on Elm Street , Duke Nukem , Tracer de Overwatch , Ryu , Blanka y Chun-Li de Street Fighter , Sonic the Hedgehog , Lara Croft de Tomb Raider , Kratos de God of War , Nathan Drake de Uncharted , Sackboy de LittleBigPlanet , el personaje principal de Knack y Chucky .

Una carrera de autos masiva en el juego incluye vehículos homenajes al DeLorean de Back to the Future (equipado con KITT de Knight Rider ), el Mach 5 de Speed ​​Racer , el poseído automóvil Plymouth Fury '58 de Christine , la camioneta de The A-Team , el Ford Falcon modificado usado en Mad Max , el camión monstruo Bigfoot y la motocicleta de Kaneda de Akira .

Hay referencias igualmente  a RoboCop , Jurassic Park , King Kong , 2001: A Space Odyssey y Halo , a Marvin el Marciano de Hanna - Barbera de la Warner Bros, a los Looney y Merrie Melodies .

Cline también le pidió a Industrial Light & Magic que incluyera una referencia a The Last Action Hero , uno de los primeros guiones de Penn, sin el conocimiento de Penn.  Spielberg y la productora Kristie Macosko Krieger pasaron varios años para asegurar los derechos de todos los elementos con derechos de autor utilizados en la película.

Spielberg dijo que también habían intentado asegurar los derechos para incluir referencias de Star Wars en la película, pero The Walt Disney Company , que poseía los derechos, no le permitió usarlo. Spielberg más tarde aclaró que mientras Disney permitía la aparición de elementos de La Guerra de las Galaxias en la película, optó por restarle importancia a las conexiones de La Guerra de las Galaxias porque la franquicia se encontraba en medio de su serie de secuelas y spin-off.

Spielberg  se ha deshecho algunos de los personajes que aparecen en el libro original de Cline como  Ultraman , los derechos sobre el personaje seguían bajo disputa legal, requiriendo su reemplazamiento por The Iron Giant.

A pesar de que Spielberg y sus películas son citadas en el libro y son parte significativa de la cultura pop de los años ochenta decidió no incluirlos para evitar ser acusado de "vanidad".

Cline dijo que tuvo  que convencer a Spielberg para incluir algunos elementos icónicos de su libro como el DeLorean de Regreso al futuro  en la que él estaba como productor pero no como director. Como ha declarado el director en alguna ocasión " Me he visto obligado a "dejarme fuera de la película" , sin muchas referencias personales a mi trabajo, porque de otro modo habría tenido que pasar las riendas de la dirección a otro cineasta. Aún así, lo que me animó de este proyecto fue crear el universo de 2045, un mundo tan distópico. La gente vive en un país donde la realidad virtual se convierte en el universo en el que quieren existir. Pueden ir y hacer lo que quieran en ese mundo, lo que imaginen. Esa interacción entre la vida real y la vida virtual, que en el tercer acto desaparece, es a lo que a mí me interesaba retratar".

El 9 de junio de 2016, Variety declaró que el colaborador habitual de Spielberg, John Williams, estaba preparando la composición para la película, pero en julio de 2017, se informó que Williams había dejado el proyecto para trabajar en The Post de Spielberg en su lugar, pasando Alan Silvestri a asumir las tareas para Ready Player One .

La película también incluye mucha música con licencia de los años 70 y 80, que aparecen en el álbum Ready Player One: Songs From The Motion Picture .

Ready Player One se estrenó en el South by Southwest el 11 de marzo de 2018 y  lanzado a los cines de Estados Unidos vinculados con la Warner Bros a partir del 29 de marzo de 2018.

En una revisión para RogerEbert.com , Brian Tallerico habló del valor de esta película de acción sin freno que emocionará  a los fanáticos de la cultura pop ; mientras observaba debilidades narrativas como la falta de profundidad entre los personajes de apoyo, pero que  no impedían que la película funcione "en el nivel de maestría técnica y superventas que Spielberg ayudó a definir".

En Variety , Owen Gleiberman alabó la película una "explosión  centelleante de cultura pop y un placer para los ojos. (...) Una película conseguida e irregularmente hipnótica", y encontró la secuencia de The Shining como  "irresistible". Sin embargo, también criticó la dicotomización de fantasía y realidad de Spielberg, así como la película que tiene "más actividad que capas".

Entiende Joanna Robinson de Vanity Fair que "Es una trepidante aventura, pero puede que decepcione a aquellos que buscan algo más profundo."

Para Eric Kohn, de IndieWire , consideró que la película es "un asombroso espectáculo de ciencia ficción y a la vez un implacable viaje nostálgico ", y elogió tanto la secuencia The Shining como el guión de Penn (particularmente con respecto al personaje de Mendelsohn). Sin embargo, también comentó que la película "se arrastra un montón en su  final". Y desde las páginas de Indiewire prosigue diciendo que  "Nunca, jamás subestimes a Spielberg (...) Es su película más estilizada desde 'A.I.: Artificial Intelligence', pero más divertida (...) ."

La película recibió críticas generalmente positivas que elogiaban sus imágenes y su ritmo rápido, señalando que mejora sobre el libro, pero criticó la falta de desarrollo del personaje y la visión "dolorosamente regresiva" de los fanáticos de la cultura pop .

Para John DeFore The Hollywood Reporter "Es la película que merecía la novela (...) 'Ready Player One' hace grandes cambios en aspectos específicos y estructurales de la obra de Ernest Cline, pero mantiene intactos su espíritu y su nivel de emoción."

Muy crítico con ella ha sido Britt Hayes de Screencrush que considera que "Es desalentador que el producto final sea el equivalente cinematográfico de una camiseta con un batiburrillo de cultura pop (...) Coge iconos queridos del cine y los viste de estridentes efectos."

En el Reino Unido Mónica Castillo fue más crítica con la película en su crítica para The Guardian , y llamó la atención sobre la ausencia de arcos de personajes, la falta de resolución para los huecos de la trama en la novela y la hinchazón de las escenas en la película por trivialidades. También señaló el "problema de niña" en términos de la relación entre Art3mis y Wade. Y dijo que "Esta llamativa adaptación del libro está llena de referencias a la cultura popular y un aspecto visual formidable, pero adolece de una trama muy simple y personajes superficiales (...) "

Algo menos intransigente se muestra Geoffrey Macnab del The Independent al decir que "A pesar de ser una visión original del mundo de la realidad virtual, le falta impacto donde cuenta (...) Parece una obra relativamente menor en el canon de Spielberg (…) "

En Telegraph el principal columnista Robbie Collin afirma que "Tiene un tema de una actualidad punzante y presenta cierta mordacidad satírica penetrante (…) "

Ya en España Carlos Boyero en El País se muestra como siempre a contracorriente de la mayoría al decir que "Puedo quejarme del inmenso tedio que me procura una historia frenética y llena de ruido, persecuciones y combates entre avatares. Y tampoco tiene el menor poder de conmoción la gente real"

Para  Luis Martínez Diario de El Mundo "El director hilvana una perfecta, algo amarga e hipnótica alegoría del poder de la imaginación. De la suya y la de todos. De la mano de un deslumbrante juego de espejos 'Ready Player One' se propone al espectador como un viaje nostálgico (…) "

En las páginas del ABC Oti Rodríguez Marchante describe que  "Tiene tantos momentos estelares y tantas referencias que hasta el más sesudo puede divertirse mientras se aburre (...) Spielberg se va al futuro con un espejo retrovisor, fiel a ese estilo suyo de «si parpadeas, te lo pierdes» (…) "

Para  Fernando Grimalt del barcelonés  El Periódico "Acumula tantas referencias a iconos pop que por momentos funciona como una versión gigante del 'Pokémon Go' (...) es poco probable que 'Ready Player One' logre jamás entrar a formar parte del panteón de la cultura pop que con tanto detalle retrata. (…) "

Yago García en Cinemanía escribe que "El cineasta puede darle collejas a todo el gremio moderno del blockbuster en lo que toca a encuadres y montaje. (...) a la película le falta algo (...) ¿De qué se tratará? Pues de la capacidad para lograr que los personajes importen."

Para Fotogramas  Fausto Fernández  entiende que "'Ready Player One' se convierte en una reflexión sobre el sentido mismo del cine fantástico, del cine. Las luces y sombras, el santo grial oculto de la carrera de Steven Spielberg (...) "

Como dije al principio leí esta mañana desde un enlace de Twitter la crónica que de ella había realizado  Pablo O. Scholz en  Clarín y que dice que "Spielberg (...) evidentemente se siente más cómodo con el tipo de relato que le permite 'Ready Player One'. Esto es: acción, suspenso, humor y aventura en estado puro."

Ya en México Sergio López Aguirre en Cine Premiere considera qiue 'Ready Player One' funciona en diversas capas y niveles, y aunque no se conozcan cada uno de los elementos que aparecen en la pantalla, la complejidad en cada una de las secuencias de acción son razón suficiente para disfrutarla. ". 

Yo personalmente dije ayer en Twitter que he disfrutado de una gran película. Considero que visualmente espléndida, que está magníficamente narrada y que está trufada de homenajes visuales y sonoros a los 80. Pero al desarrollarse en una distopía que responde a la idea agorera que defendió  hace un tiempo Charles Bukowski de que el hombre viviría  atrapado dentro de su ordenador como un recluso, algo que vamos viendo que se consolida cada día más en nuestra sociedad la película, al igual que libro, gana en presentismo y actualidad.

Como señalaba Pablo O. Scholz es el retorno del más auténtico de los Spielberg , el que nos mete de lleno en la aventura y la acción. Como ha declarado Sipelberg en alguna ocasión "En los peores momentos de la humanidad hay que creer en la magia de la fantasía. Cuanto peor esté el mundo, más debemos creer en ella".

Claro que condensarlo todo es complejo y he echado en falta la ausencia a menciones o al desarrollo de algunas película nombradas en el libro y que podían dar mucho juego como Juegos de Guerra, Lady Halcón, Los caballeros de la tabla Cuadrada,..., a juegos y dibujos como los de Dragones y mazmorras, y muchos más, pero indudablemente meter la densidad del libro en dos horas es complicado y hacerla inteligible para el que no la haya leído debe ser complicado. Y , sin embargo, lo ha conseguido.

Asi que puede resultar ligeramente compleja para quien no haya leído la novela el enlace de personajes del mundo real y del virtual , pero es una diversión plena , todo una gozada,por todas razones , por sus referencias, por su calidad técnica. Como dije en mi twitter "Larga vida a Spielberg y su Ready Player One".