Europa 51

Hace unos días hablábamos de Federico Fellini. Hoy pasa por aquí, Roberto Rosellini, el hombre que le permitió el paso de la caricatura  al cine. La película en cuestión ha sido, Europa '51 , considerada parte de la llamada Trilogía de la soledad de Rossellini, junto a Stromboli (1949) y Viaggio in Italia (1953).

Rossellini, un hombre ya con una importante  trayectoria cinematográfica,  incluso  durante el mandado de Mussolini, era un hombre de cine. Hijo del primer empresario cinematográfico de ialia, su padre construyó un teatro en el que se compatibilizaba cine y actividad teatral, trabajo como técnico de sonido y en otras labores técnicas, como asistente de dirección de los más importante directores italianos de los años treinta como Goffredo Alessandrini o Francesco de Sanctis, convirtiéndolo en un todoterreno.

Como producto de su tiempo trabajo en películas que satisfacción al régimen fascista como su primer largometraje, La Nave Bianca (1941), la primera de la llamada "Trilogía fascista", junto con Un pilota ritorna (1942) y Uomo dalla Croce (1943). A esta etapa corresponde su amistad y cooperación con otros gigantes del cine: Federico Fellini y Aldo Fabrizi. 

  Tras esto llegó el neorrealismo coincidiendo con el fin del régimen en 1945, sólo dos meses después de la liberación de Roma, Rossellini ya estaba preparando Roma, ciudad abierta (Roma città aperta, con Fellini asistiendo en el guion y Fabrizi en el papel del sacerdote), que él mismo produjo, obteniendo la mayor parte del dinero de créditos y préstamos. Este drama fue un éxito inmediato. 

Rossellini comenzó así su "Trilogía neorrealista", cuya segunda película fue Paisà (Camarada, 1946), filmada enteramente con actores no profesionales, y la tercera Germania anno zero (1947), patrocinada por un productor francés y dirigida en el sector francés de Berlín. Declaró en una entrevista: "para crear realmente el personaje que uno tiene en mente, es necesario para el director entablar una batalla con el actor que normalmente termina sometiéndose a los deseos del actor. Como no deseo estar malgastando mis energías en una batalla como ésta, sólo uso actores profesionales en contadas ocasiones".

Se ha dicho que una de las razones de su éxito fue el hecho de que Rossellini reescribió los guiones según los sentimientos y las historias de sus actores no profesionales. Acentos regionales, dialectos y vestimentas se ven en sus películas del modo en que verdaderamente eran.

Después de su "Trilogía neorrealista", Rossellini produjo dos largometrajes que hoy se clasifican como cine transicional: L'Amore (con Anna Magnani) y La macchina ammazzacattivi, mostrando realidad y verdad. Pero lo cierto es que a finales de la década de los años 40 , Rossellini recibe una carta de una importante admiradora, la actriz sueca en el momento culminante de su carrera, Ingrid Bergman, que le propone trabajar con él y así comienza una de las más conocidas historias de amor en el mundo del cine.

Curiosamente, esta etapa creativa coincide con un momento de inquietud espiritual para el director y que se concreta en el film Stromboli terra di Dio , rodado en la isla de Stromboli, 1950, cuyo volcán entró en erupción durante el rodaje, y pocos después rodó Europa '51 (1951). Cuando en 1954, Viaggio in Italia completa la llamada "Trilogía de Ingrid".

Lo cierto es que en ese año 1950 fascinado por Francisco de Asís, Roberto Rossellini decidió crear una película que ubicara a una persona que asumiera el papel de reconversión espiritual similar a la vivida por el santo , pero que se desarrollara en la Italia de posguerra mostrando a su vez cuáles serían las consecuencias. En la misma linea que Francisco de Asís, su personaje rechazaría el lujo y la comodidad de una vida burguesa por el amor de los pobres, como lo mencionó en 1950 en Les Onze Fioretti. Este pasó del neorrealismo a la espiritualidad por parte de Roberto Rossellini con un personaje que aborda la cuestión de la santidad en la sociedad de la posguerra, que se coloca en la modernidad social para mostrarnos la catástrofe de la Segunda Guerra Mundial y que apuesta por el progreso de los años cincuenta, y por una nueva sociedad más justa lo hace en Europa 51 con un personaje femenino que asume Ingrid Bergman con el rol que algunas personas evocan a Simone Weil1 y la historia de una Pasión, que lleva a la heroína de la negligencia a la condena, a través de la traición de su marido, las calumnias, la prisión en un sanatorio y el interrogatorios final. Curiosamente, la película digamos nos sirve  como transición con la trilogía anterior , pues parece parte de la escena final de Alemania año cero, el suicidio de un niño.

Esta trilogía de Ingrid también se le conoce como "trilogía de la soledad" que se mueve en los cinco años que van de 1950 a 1954.

Como ya he señalado la película parte de un guión firmado por muchas manos, las del mismo Roberto Rossellini, junto a Sandro De Feo, Mario Pannunzio, Ivo Perilli, Brunello Rondi así como Diego Fabbri y Antonio Pietrangeli, así como Donald Ogden Stewart, Jean-Paul Le Chanois, aunque estos cuatro no están acreditados. Se trata de una producción de Carlo Ponti y Dino De Laurentiis en la que también está presente Rossellini para la productora Ponti-De Laurentiis Cinematografica y con la distribución de Lux Film.

La música es de Renzo Rossellini, mientras que la fotografía en blanco y negro corresponde a Aldo Tonti El montaje correspondió a Jolanda Benvenuti. Los decorados de la película fueron diseñados por Virgilio Marchi, un veterano arquitecto futurista y Ferdinando Ruffo. Los vestuarios son de Fernanda Gattinoni.

El elenco lo encabeza Ingrid Bergman como Irene Girard junto a Alexander Knox como su marido George Girard. Junto a ellos están Ettore Giannini como Andrea Casatti, Giulietta Masina como Passerotto, Marcella Rovena como Mrs. Puglisi, Tina Perna como Cesira, Sandro Franchina como Michele Girard, aria Zanoli como Mrs. Galli, Teresa Pellati como Agnese, Silvana Veronese, William Tubbs como el Profesor Alessandrini, Alberto Plebani como Mr. Puglisi, Eleonora Barracco, Alfonso Di Stefano y Alfred Browne como el Sacerdote del Hospital.

La historia nos presenta a un rico matrimonio estadounidense que lleva en Roma tras la Segunda Guerra Mundial una vida despreocupada. El matrimonio está formada por Irene (Ingrid Bergman) , esposa de un industrial el jefe de la filial estadounidense de una gran empresa estadounidense, asentado en la ciudad italiana , George Girard (Alexander Knox), y madre un niño de trece años, Michele (Sandro Franchina), que vive alegremente en un ambiente burgués y frívolo, olvidando las obligaciones propias de una madre.

Son una pareja modelo de la gran burguesía que prospera en la Roma de posguerra. Irene está más interesada en ser una buena anfitriona para sus invitados que una madre atenta.

Su hijo, psíquicamente afectado por los horrores de la guerra, se siente sólo y abandonado. Pero su madre parece más preocupada por la fiesta que se ha de montar en la casa. El hijo Michele, intenta infructuosamente llamar la atención de su madre, ocupada en los preparativos de una cena con unos invitados y ante esa situación de abandono se tira por el hueco de la escalera quedando herido de gravedad fracturándose la cadera .

En el hospital Irene comprende que dicho accidente fue provocado por su hijo para llamar su atención. En efecto durante los difíciles años de la guerra ambos eran inseparables, continuamente refugiados de los bombardeos en el subsuelo de Londres. Pero ahora, con la llegada del padre de la guerra, ya se ven muy poco.

Aunque Irene le promete que ahora estarán siempre y ser más atenta, pero muere poco después de un coágulo de sangre de una embolia.

La madre, traumatizada y guiada por un sentimiento de culpabilidad, padece una crisis al sentirse culpable por no haber atendido más a su hijo desde la infancia. Irene está postrada en cama durante 10 días por depresión.

En medio de esta profunda depresión, Irene al salir de ella, recurre a la ayuda de un amigo Andrea Casatti (Ettore Giannini) para ayudarla a superar su dolor. Andrea es editor y comunista, y determina que necesita ver "la otra Roma" y la lleva a las partes más pobres de la ciudad.

Andrea, que estuvo presente en la fiesta y que es de tendencia comunista, que le cuenta que hay un niño que está muriendo porque los padres no tienen dinero para las medicinas con su dinero para ayudar al niño. . La mujer consigue dichas medicinas

Desde ese momento Irene decide ayudar a la gente más necesitada en los barrios más humildes de la ciudad. Se involucra en la ayuda a otras personas del barrio pobre. Conoce a una mujer sin un dinero llamada Passerotto (Giulietta Masina) en una choza junto a un río y la ayuda a cuidar a una gran grupo de chicos harapientos. Irene consigue un trabajo en la fábrica para Passerotto, e incluso la lleva el primer día. Ella está horrorizada por las condiciones de trabajo de la fábrica, que ella ve como esclavitud.

Un día sustituye a la mujer por un par de días en el trabajo en una fábrica y otro asiste una prostituta enferma de tuberculosis. Un sacerdote (Alfred Browne) que también se hace amigo de ella, eventualmente se aleja de ella cuando le dice que someterse a Dios cuando uno no se siente correspondido, e Irene tiene una larga conversación con él acerca de las "verdaderas misericordias" de Dios mientras los pobres sufren innecesariamente y nadie hace nada al respecto.

En este periodo se instruye en el pensamiento comunista, del que desemboca en la caridad y hermandad cercanas al cristianismo. Como resultado de ayudar a estas personas, ella pasa cada vez menos tiempo en casa. La madre de Irene y George están preocupadas por sus inexplicables ausencias de la casa, y George le acusa de tener una aventura con Andrea, lo que hace que lo deje.

En una de sus acciones un día ayuda a un delincuente la pondrá bajo sospecha a ojos de la policía al dejar escapar un muchacho, perseguido por la policía por haber cometido un robo. Irene que tiene éxito con una especie de fuerza interior y por su gracia persuasiva le pide al chico que se vaya mientras sostiene su arma y le aconseja que se rinda ante la policía.

Sin embargo, Irene es arrestada como cómplice y conducida a la comisaría. Está tan conmocionada por la reacción exagerada de George cansado de su "extraño" comportamiento y después de haber sospechando que ella lo está traicionando con Andrea, que no intenta discutir con él, pero su esposo y las autoridades deciden ponerla en una institución mental. Allí descubre como otros muchas mujeres han sido abandonadas por la sociedad.

Ella intenta ayudarlas igualmente. La misma gracia que emana de ella fascina a los otros pacientes, calma a una paciente durante un episodio suicida y no se deja interrogar por sus médicos. Ella confiesa, sin embargo, que siente, sin sentir una vocación religiosa, tanto un disgusto por lo que ha sido y, al dedicarse sin reservas a los demás, una iluminación interior. Su confesor culpa alegremente a una exaltación contraria a la autoridad de la Iglesia y al orden familiar.

Finalmente la llevan ante la junta de revisión integrada por psiquiatras para estudiar su caso y entrevistarla. Tras una entrevista la Junta diagnostica que padece de un delirio apasionado, propia de "misioneros delirantes", y que su filosofía de ayudar a las personas es peligrosa para la frágil sociedad de la posguerra, y por lo tanto queda encerrada allí permanentemente.

Las personas a las que ha ayudado, junto con muchas otras que no, se paran frente a la ventana de su celda, rezándole como su nueva "santa patrona". La última imagen es de la cara de Irene que los mira a través de los barrotes con una sonrisa.

La película se filmó en algunos de los más pobres suburbios romanos, en particular en Primavalle y, en concreto, en la vía Federico Borromeo.

Las escenas de la clínica psiquiátrica se tomaron en una clínica ubicada en Via di Villa Troili en Roma, en el distrito Aurelio / La Pisana. Las escenas de fábrica se filmaron dentro y fuera de la planta de cemento Italcementi en Colleferro. La chica que se va a trabajar y da instrucciones a Irene Margaret Armenis, era un trabajadora de la fábrica en el momento de la filmación estaba trabajando en la planta de cemento.

Roma , como le ocurrirá después a Fellini, es en el filme un personaje más, aunque por pura coincidencia, ya que en un principio el rodaje estaba previsto en París. La Europa de posguerra era una tierra de sufrimiento para las clases populares, y es ahí donde Rossellini pone el foco, a través de los ojos de una burguesa caída en desgracia.

Para el guión final se tardó unos dieciséis meses, desde el primer proyecto de Federico Fellini y Tullio Pinelli, partiendo de un guión de Jean-Paul Dreyfus también conocido como "Le Chanois" (escritor comunista y ex miembro de la Resistencia francesa) .

Al guión final se suman las portaciones del mismo Rossellini y de Donald Ogden Stewart, ex guionista de MGM (en ese momento en la lista negra de Hollywood por sus creencias políticas). Para el personaje de Irene, Rossellini se inspiró en la figura de Simone Weil.

La película después de su lanzamiento limitado fue censurada por el gobierno italiano, y las siguientes versiones publicadas de esta película han sido censuradas o reeditadas en todo el mundo, tales como la eliminación de una huelga laboral sindical, Rossellini incluyó un diálogo en el sentido de que el padre de la familia pobre no puede trabajar porque trabajó para el sindicato ferroviario fascista de Mussolini. En algunas versiones durante una fiesta que los padres organizan, el hijo simplemente se suicida saltando desde una ventana. La versión en inglés omitió grandes secciones de diálogo, especialmente cuando Irene intenta expresar su teoría al sacerdote de que el amor debería ir más allá de la familia o el grupo social.

La película obtuvo sus Premios. El 12 septiembre de 1952 fue presentada en el Festival de Venecia en el Premio Internacional en su XVII edición y fue nominada al León de Oro (mejor película) . Ingrid Bergman ganó el premio Nastro d'Argento o Silver Ribbon de 1953 del Sindicato Nacional de Periodistas Cinematográficos de Italia por su actuación como mejor actriz. También fue candidata para la Copa Volpi como mejor intérprete femenina, pero no pudo ser recompensada como doblada (por Lidia Simoneschi).

En cuanto a la crítica en Venecia la película recibió una recepción bastante severa, a pesar del premio ganado, y durante muchos años fue revisada por la prensa como una película abiertamente didáctica que carecía de la pasión de Stromboli (1950) o Viaggio in Italia (1953). Sólo en los últimos años ha ido recuperando el interés de los críticos en parte gracias a Martin Scorsese y su documental sobre el cine italiano "Il Mio Viaggio in Italia" (1999). La película fue seleccionada entre las 100 películas italianas para ser salvadas.

Pero la crítica , sobre todo la comprometida, entendiendo por compromiso la izquierda criticó abiertamente este intento de búsqueda espirutual iniciado por Rosellini con Stromboli. Especialmente cruel en sus críticas es Georges Sadoul, que elogiaba sin reserva cualquier subproducto soviético a base de tractores y girasoles y se lanzó a criticar la obra de esta etapa de Rosellini.  por "haberse negado a expresar , como en la postguerra los sentimientos populares, dejó de constituir un altavoz mundial en sus películas confidenciales y susurradas".

En Italia el diario L'Avanti!, la Unitá dijo de ella "Rossellini confecciona una obra imperfecta que tiene como punto de fuerza de la interpretación de una Ingrid Bergman que excita y mueve la identificación de sí mismos, y por imaginar en cada fotograma y reproducción continua con la composición de las vacunas y con su relación de diálogo con el entorno circundante. La la película es el viaje en su viaje interior que encuentra los límites en ciertas soluciones narrativas, sobrecargado con significados espirituales. Establecer diseño completamente sin adornos, hizo intención como director aséptica para redimir definitivamente su cine desde ensuciando anti-realista .. .. película maltratado por el mundo católico, el cual hizo un opositor feroz (el centro Católica película ya había prohibido la distribución de Berlín el año cero) y, al mismo tiempo criticó la izquierda . "

E. Bruno en "Filmcritica", en el número 17, de octubre de 1952 señalaba que "Agobiado con un guión de muchas manos, la película es todo acerca de la dirección, admirable en ciertas intuiciones, más mecánico en ciertas soluciones narrativas. Pero Rossellini ve en el intinerario de los hechos sólo una excusa, que cambia su escena el gran conflicto ideológico , muestra un itinerario interior, con la deslumbrante luz de la radiografía, por lo que "Europa51" es una de las películas más importantes de estos años, la más actual, la más sentida ". 

Para Miguel Ángel Palomo en el diario El País se trata de "Un nuevo abismo cinematográfico, una invitación al espectador para asomarse al vacío de una mujer oprimida por la angustia. (...) obra de insólita belleza y de terrible amargura (...) uno de los puntos álgidos de la modernidad cinematográfica."

En Fotogramas se escribe que "Si en "Stromboli" se asumía la soledad en una dimensión abstracta y casi mística, en este film se aborda en su dimensión social, la que tiene su origen en la incomunicación. En este sentido, algunos historiadores y críticos la han considerado como un antecedente directo del cine de Michelangelo Antonioni. Una vez más, Rossellini se convirtió en el cronista desapasionado de la crisis moral de su tiempo.

Para Terenci Moix el mensaje de Europa 51 es similar al neorrealista. "el ser en comunicación con su entorno social y, en este caso, contra él". Añade el escritor catalán que "El inicio del conflicto puede contener elementos melodramáticos - la esposa burguesa cuya plácida existencia se ve alterada por la muerte de su hijo- pero son trascendidos de manera espontánea cuando Irene (Bergman) intenta superar ese vacío por medio de la solidaridad. Esta actitud, que implica un necesario proceso de inmersión en el mundo exterior, depara a Rossellini la oportunidad para reflejar distintos aspectos de la nueva Italia, y así la utopía, - reflejada en la voluntad filantrópica de Irene - cede el paso al reportaje social".

Tenemos una arriesgada película, y en gran medida moderna en el tema - la filantropía y la necesidad de desarrollarse entregándose a los demás- , pero llena de valores cristianos tradicionales tan dramáticos como místicos, pero que no comulgan con la estructura jerárquica de las mismas.

Es la obra de un francotirador en lo espiritual que nos habla de una fe sentido desde la individualidad en favor de los desfavorecidos. Es una película valiente que es hija de su tiempo en una Italia de postguerra que nos habla de la necesidad de ayuda prestada desde lo social por parte de los cristianos de base y que es una alternativa a la propuesta comunista tan importante en la península italiana hasta los años setenta.  Es cierto que finalmente Irene acaba por inmolarse con el fin de ayudar a los demás, pero también con la idea de salvarse a si misma dados sus problemas de conciencia y la necesidad de salir del abismo en que vive.

Tarzán y la lucha por la vida

Como veis se trataba de un programa doble con la figura de Tarzán. En este caso la película que he visto es un incunable, que no había visto nunca y que responde al título Tarzan's Fight for Life o Tarzán lucha por su vida. A mi, como expreso, al final de la entrada me ha remitido esta lucha por la vida a la actual corriente negacionista de la medicina occidental y defensora de la homeopatía , la pseudociencia o contraria, por ejemplo, a las vacunas. Vamos, lo nunca vista. ¿Para qué sirve la evolución y la investigación? 

Se trata de una película del año 1958, por lo tanto posterior a la vista en el día de ayer, algo más larga, de unos 86 minutos y correspondiente a aquellas que en la entrega anterior son producto del binomio integrado por Sol Lesser y su productora Sol Lesser Productions - y la distribución de la MGM- y el director H. Bruce Humberstone. 

En este caso y siempre inspirándose en lo escrito por Edgar Rice Burroughs el guión correspondió a Thomas Hal Phillips, el novelista, actor y guionista nacido en Mississippi en 1922 y fallecido en 2007. Un hombre valiente y avanzado para la época capaz de escribir un libro , The Bitterweed Path en 1950 con personajes abiertamente homosexuales. 

A fines de la década de 1950, dejó de escribir novelas y no regresó al campo hasta 2002, cuando se publicó Red Midnight. Pasando más tarde al mundo de la política colaborando en la campaña como Gobernador a favor de su hermano Rubel Phillips, siendo un demócrata convencido. 

Sin embargo, en 1955 pasó al mundo del cine cuando una de sus obras, The Loved and the Unloved en 1955 fue vendida en sus derechos de autor para transformarse en una película. Eso le permitió abrirse un hueco en este mundo interviniendo poco después en la película de Tarzán pasando en la década de 1960 a trabajar con el director de Hollywood , Robert Altman. En 1974 lo encontramos como productor asociado en Thieves Like Us o California Split (1974)- esta obra de Robert Altman, al igual que Buffalo Bill and the Indians, or Sitting Bull's History Lesson de 1976- así como en otras películas como The Autobiography of Miss Jane Pittman , Nashville. o for Ode to Billy Joe (1976) .

En este caso el director contó con la música de Ernest Gold, la fotografía de William E. Snyder y el montaje de Aaron Stell.

En cuanto al reparto en el mismo sobre sale Gordon Scott como Tarzán, Eve Brent como Jane, Rickie Sorense como Tartu, el hijo adoptado de Tarzán, Jil Jarmyn como la joven Ann Sturdy, Carl Benton Reid como el padre de la anterior el Dr. Sturdy, Harry Lauter como el novio de Ann, Dr. Ken Warwick, James Edwards como el malvado Futa que va siempre con Woody Strode como Ramo, su mano ejecutora. 

La película comienza con imágenes de África rodadas por Miki Carter , el habitual documentalista que ilustra con animales en Uganda y , tras las mismas, comienza la historia que en este caso se centra en una pequeña clínica en la selva, dirigida por un veterano doctor Sturdy ( Carl Benton Reid), que vive con cierta desesperación como se van los colaboradores que tiene influenciados por la actitud del hechicero de la tribu , Futa ( James Edwards) que ve su prestigio en peligro ante los éxitos del medico europeo. 

Esto abruma al Dr. Sturdy ( Carl Benton Reid ) pero especialmente a su hija Anne (Jil Jarmyn) que vive con angustia el hecho de quedarse en mitad de la jungla sin gente por culpa del brujo Futa ( James Edwards ) de la tribu Nagasu, que considera su trabajo como una amenaza para su propio sustento. 

Su única alegría es que esa mañana llega desde Gran Bretaña su novio el Dr. Ken Warwick ( Harry Lauter ). Así que ansiosa por verlo sale a su encuentro en la selva. 

De cualquier manera Futa está al tanto y ordena a los suyos, especialmente a su mano ejecutora, Ramo (Woody Strode) junto con otros miembros de la tribu a atacar al novio de Anne, quien es salvado por Tarzán (Gordon Scott). 

Tras controlar inicialmente el conflicto el Dr Ken entrega al Dr. Sturdy los medicamentos encargados y se dispone a trabajar en su moderno hospital en la jungla. No obstante, esto ayuda de Tarzán es tomada tanto por Futa, el hechicero, como por Ramo, un guerrero nativo como un insulto y entre ambos deciden acabar con Tarzán. 

Más tarde vemos a Tarzán que va a su casa. Antes de llegar saluda a su hijo adoptivo Tartu (Rickie Sorensen) y después se encuentra con Jane (Eve Brent). 

Sin embargo, poco después Jane sufre un fuerte dolor abdominal por lo que es llevada al hospital y donde se determina que es una apendicitis. 

La presencia de Tarzán y su mujer en el hospital activa el plan de Futa , que hipnotiza a Moto ( Nick Stewart ), un asistente nativo de Sturdy, que acaba de perder a su mujer tras ser atacada por un cocodrilo y por no poder atendida debidamente dada la oposición de Futa a una transfusión con la hermana de esta en el hospital. 

La orden de Futa es asesinar a Jane, pero Tarzán frustra la trama. Al enterarse de que el joven jefe de Nagasu ( Roy Glenn ) está enfermo, Tarzán intenta persuadirlos para que dejen que Sturdy los trate. 

Aprovechando esta circunstancia, Futa manda detener a Tarzán y tras apresarlo y atarlo lo condena a muerte. 

Para restaurar su propia influencia en la zona, el hechicero se compromete a curar al jefe mismo, protegiendo sus apuesta por la magia. Pero la incapacidad del hechicero en curarle hacen que éste ordene el robo de medicinas del hospital haciendo que su secuaz Ramo ( Woody Strode ) asalte la farmacia del Dr. Sturdy. 

Desafortunadamente, Ramo roba un veneno mortal por error. Mientras el robo se produce, Tarzán se libera e interviene. En su lucha por la libertad se enfrenta a Ramo que en la lucha libera a un león que lo ataca y lo mata. 

Tras eso va a la clínica con el fin de evitar la administración del veneno al jefe; Futa entonces se lo traga para demostrar que no hay daño en él, y muere de inmediato. El Dr. Sturdy es llamado consecuentemente, curando éxitosamente al jefe. Como se ve la ciencia está por encima de la magia poniendo fin a la rivalidad con la magia de Futa. 

Durante la filmación en el lugar de África con Miki Carter para esta película en su mayoría filmada en estudio, Gordon Scott se llevó bien con algunos nativos involucrados en la película. Un guerrero masai lo apodó "Mtu Ule Na Panda Mitu Minegu" (Guerrero que sube árboles altos). 

Eso sí, el actor Gordon Scott casi muere  por la presión de una pitón de 18.5 pies con la que se le ve luchando en esta película. Se necesitaron seis hombres para sacar a la serpiente de él. 

Otra anécdota es que durante el rodaje de la ubicación, Scott ganó una apuesta capturando y montando una jirafa salvaje durante cinco minutos. Carter filmó este incidente y fue incluido en la película, así como también en el corte de la función de una serie de televisión abortada, Tarzán y los cazadores (1958). 

Esta fue la última película de Tarzán para el productor Sol Lesser y fue lanzada para coincidir con el 40 aniversario del primer libro de Tarzán . Fue la última película de Tarzán realizada por Sol Lesser que se retiró y entregó la franquicia a Sy Weintraub. 

Según los registros de MGM, la película ganó $ 720,000 en los Estados Unidos y Canadá y $ 1,325,000 en otros lugares, lo que resultó en una ganancia de $ 348,000. El total de la taquilla fue de $ 2,045,000 

Poco después de completar esta película, la familia de Tarzán , es decir, Scott, Brent y Sorensen asumirían los mismos papeles en un intento de lanzar una serie de televisión "Tarzan". Sin embargo, el proyecto de muy bajo presupuesto no pudo venderse, y los tres episodios de media hora se empalmaron en una función alternativa, Tarzan and the Trappers , lanzada a la televisión en 1966. 

En cuanto a la crítica, la revista Variety, en una crónica de la época se dijo, "La Metro está dando un gran impulso con Tarzan's Fight for Life. La producción actual de Sol Lesser tiene un color atractivo, una capacidad de actuación y una dirección capaz. Sin embargo, si la campaña se lleva a cabo, el enfoque y la escritura tendrán que superarse por encima del nivel actual, que es persistentemente juvenil... Y añadió poco después "Gordon Scott nuevamente interpreta el papel principal y hace un buen Tarzán. Él hace las acrobacias atléticas creíbles y posibles, y también maneja las pocas escenas románticas con Eve Brent con una finura aceptable. La dirección de H. Bruce Humberstone obtiene toda la acción y la emoción posibles fuera del guión, y el trabajo con la cámara es efectivo. La fotografía africana de 16 mm de Miki Carter [que también trabajó en el anterior Tarzan y Safari Perdido] no contiene ningún material particularmente nuevo o emocionante, aunque es visualmente atractivo". 

En el diario El Mundo también se dice que se trata de una "Película de aventuras y acción producida en 1958 por Sol Lesser Productions. El realizador neoyorquino que comenzara su carrera en el mundo del celuloíde cuando era un niño, Sol Lesser Productions, coge las riendas de la dirección del filme. El resultado es una película entretenida que contentó al público por entonces y que bien seguro hará las delicias de los amantes de este tipo de género cinematográfico. ...( ) El actor, que sustituyó Lex Barker cuando su imponente físico encandiló al productor, Sol Lesser, hace un trabajo más que aceptable. El papel de Tarzán le abriría las puertas de Hollywood y, posteriormente, le ayudaría a forjarse un hueco en el cine italiano". 

Una vez vista diría que esta película es mucho más floja que la comentada en el día de ayer, la del Safari Perdido. Pero , por ser una rareza para mi desconocida había que verla.

Era la tercera película protagonizada por Gordon Scott en el papel de Tarzan y , lo más curiosa en la aparición de Jane protagonizada por Eve Brent y de Boy, aquí ya con un nombre más concreto ( Tarte) , interpretado por el acto Rickie Sorensen. En este caso vemos a un locuaz y bien hablado Gordon Scott , superada la fase de monosílabos, o de simple postureo . 

También me ha llamado la aparición en la película de un enorme secundario, visible en varias películas imprescindibles del cine, ya sea como western - algunos de ellos filmados por John Ford- ya sea como películas históricas ( y que trascienden lo histórico) como el Espartaco de Stanley Kubrik ; me refiera al enorme e impresionante Woody Strode. 

Aporta poco o más bien nada a la historia de Tarzán , aunque forma parte del mito como diría uno de mis hijos. 

Como dije al principio, lo mismo deberían verlos aquellos que a día de hoya apuestan por la homeopatía y se niegan a las vacunaciones. En el fondo son retrógradas como los negacionistas con respecto a la evolución. Usando una justificación anticapitalista, contra el poder de las farmacéuticas, cosa que es legítima, acaban por apostar por poner en riesgo las vidas de sus hijos o las de otros por una cuestión de creencias, es decir, por algo opuesto a la Ciencia.

Tarzán y el Safari

Las sobremesas de las tardes de sábado en el salón de mi casa se llenaban primero de dibujos animados , ahora llamados anime, que partían de los mangas tales como Meteoro - Mach GoGoGo- basada en el manga original de Tatsuo Yoshida, Mazinger Z - del dibujante y guionista japonés Gō Nagai- Heidi o Marco . ambos de Isao Takahata y en el que participaba como director de ajuste de escena y planos mada mas y nada menos que Hayao Miyazaki, ambos fundadores de la productora Ghibli, entre otros. Tras ellos comenzaban películas que iban desde western de directores clásicos como John Forh, Howard Hawks, Anthony Mann, pero también otras de aventuras con protagonistas variados que iban desde piratas, hasta las selvas perdidas de África.

Entre estos personajes estaba Tarzán el personaje creado por Edgar Rice Burroughs en la revista pulp All Story Magazine en octubre de 1912, y que más tarde pasó a ser personaje de novela como Tarzán de los monos y a la que sucedieron veintitrés secuelas. Algunas de ellas, por supuesto, la primera pasó de las novelas a los cómics y de allí tanto al cine como a la televisión. La IMdB cifra el número de casi noventa películas sobre Tarzán desde 1918 hasta el 2010.

La primera de estas fue una cinta muda adaptada de la novela original al poco tiempo de aparecer el personaje titulada Tarzan of the Apes e interpretada por Elmo Lincoln y Gordon Griffith en los papeles del rey de los monos adulto y niño respectivamente.

Más tarde llegó la próspera franquicia que produjo un buen número de títulos entre 1930 y 1960 y que tuvo como actor más representativo a Johnny Weissmüller , protagonista de doce adaptaciones desde 1932 hasta que fue sustituido por otros actores como fueron Lex Barker o Gordon Scott, y con mucha menos presencia la de Miles O'Keeffe y Christopher Lambert, . El último ha sido Alexander Skarsgård.

Algunas de estas películas protagonizadas por personas ajenas al ex nadador olímpico pude ver ya en el cine , ya en el televisión. Esta noche he visto Tarzán y el Safari Perdido , una película del año 1957 y que tiene como protagonista a Gordon Scott. Gordon Merrill Werschkul (nacido en Portland, en 1926 y fallecido en Baltimore, en 2007) fue un actor estadounidense. En 1953, siendo socorrista en la piscina de un hotel de Las Vegas, Nevada, llamó la atención por su físico y fue presentado a Sol Lesser, que preparaba una nueva película de Tarzán.

Al final, Gordon Scott fue escogido para hacer Tarzán en la selva escondida (1955), y tomó así el relevo de Lex Barker.

A partir de ese momento participó en un total de veinticinco películas, entre las que destacaron aquellas en las que hizo el papel de Tarzán: Tarzán y el safari perdido / Tarzan and the Lost Safari (1957), Tarzan lucha por su vida / Tarzan's Fight for Life (1958), Tarzán y los tramperos / Tarzan and the Trappers (1958), La gran aventura de Tarzán / Tarzan's Greatest Adventure (1959) y Tarzán el justiciero / Tarzan The Magnificent (1960).

Acabada su etapa hollywoodiense como Tarzán, emigró hacia el cine italiano para convertirse en una de las principales estrellas del Peplum o películas de peplo, siendo rival de Steve Reeves. Cuando el Peplum empezó a pasar de moda, Gordon supo adaptarse a las nuevas modas y protagonizó algunos spaguetti western o cine europeo de espionaje. Tras regresar a Estados Unidos abandonó el cine.

La persona que lo puso en contacto con el personaje de Tarzán, Sol Lesser , uno de los más influyentes productores del cine estadounidense. Tras hacer algo de fortuna vendiendo sus propias películas. Sol Lesser contrató a Jackie Coogan para un contrato de película en 1922, estableciendo ambos como grandes nombres de Hollywood. Los éxitos de Coogan-Lesser incluyeron Oliver Twist y Peck's Bad Boy .

Lesser realizó una transición exitosa a las películas sonoras, con su propia compañía Principal Pictures; él distribuiría sus producciones él mismo bajo el nombre Principal, o haría arreglos para que un gran estudio los liberara bajo sus propias marcas registradas. Sus producciones generalmente tenían presupuestos más altos que las características independientes habituales; Lesser pudo producir series completas con estrellas como Bela Lugosi , George O'Brien y Bobby Breen .

En 1933, Lesser logró comprar derechos de pantalla para el personaje de Tarzán de Edgar Rice Burroughs . El elegido inicialmente para el personaje fue Buster Crabbe , pero Burroughs, al decidir hacer sus propias películas de Tarzán, se negó a renegociar con Lesser. Las películas de Burroughs con el personaje de Tarzán tuvieron un éxito parcial así que, finalmente, los derechos pasaron a la Metro-Goldwyn-Mayer .

Sin embargo, Lesser estaba interesado en recuperar al personaje y adquirió la propiedad de Tarzán en 1943, después de que la MGM renunciara a los derechos.

Las nuevas películas de Tarzán de Lesser fueron producidas para RKO y protagonizadas por Johnny Weissmuller y luego por Lex Barker y Gordon Scott , al que ya sabemos como conoció tomando el sol en Las Vegas. Lesser se dedicó a estas aventuras en la jungla por el resto de su carrera y para ello contó para la dirección con H. Bruce " Lucky " Humberstone . 

El director neoyorkino , de Buffalo, asistió a la Academia Militar de Miami , fue previamente actor de cine, asistente de guiones, asistente de dirección, trabajando con directores de la talla de King Vidor , Edmund Goulding y Allan Dwan antes de pasar a la dirección.

Fue uno de los 28 fundadores del Directors Guild of America trabajando en varias películas mudas para la 20th Century Fox en todo tipos de géneros como comedias, dramas y melodramas, pero sobre todo en la serie de películas de Charlie Chan pasando más tarde a la televisión y retirándose en 1966. Otra de la sagas que realizo fue los de Tarzán, siendo responsable de Tarzán y el perdido Safari (1957), La lucha de Tarzán por la vida (1958) y Tarzán y los tramperos (1958) para la Solar Film Productions.

En este caso la película fue producida por John Croydon y el citado Sol Lesser por medio de la Productoras Sol Lesser y Solar Films y con la distribución de la Metro Goldwyn Mayer y un presupuesto de $ 2,315,000

El guión estuvo escrito por Montgomery Pittman y Lillie Hayward . Y n el apartado técnico destaca la música de Clifton Parker, la fotografía de C.M. Pennington-Richards y el montaje de Bill Lewthwaite.

El reparto lo encabeza Gordon Scott como Tarzán y , junto a él, se suman Robert Beatty como el malvado cazador Tusker Hawkins, Yolande Donlan como la rubia Gamage Dean, Betta St. John como la joven y morena Diana Penrod, Wilfrid Hyde-White como el periodista de los Ecos de Sociedad  'Doodles' Fletcher , George Coulouris como el marido Carl Kraski. Peter Arne como Dick Penrod y Orlando Martins como jefe Opario Ogonoore.

La película se inicia con unos títulos de crédito entre los que se van intercalando imágenes de la fauna africana. ^Posteriormente la película se sube a un avión en el que van varios pasajeros procedentes de Mombasa, donde han asistido a una boda. Se tratan de personajes de la jet set. Y el grupo lo integran Gamage Dean ( Yolande Donlan ), Diana Penrod ( Betta St. John ), el periodista "Doodles" Fletcher ( Wilfrid Hyde-White ), Carl Kraski ( George Coulouris ), y Dick Penrod ( Peter Arne ) .

En el interior del avión el grupo de millonarios que viene de una boda se vive cierta tensión entre formada por el piloto y una chica que actúa como azafata y un periodista amigo de más edad -Wilfrid Hyde-White- , que escribe crónicas de sociedad en un diario, que les acompaña, así como un matrimonio, en que la esposa , rubia, disfruta del viaje, mientras el marido sufre de resaca tras beber en exceso en la boda.

La pareja del piloto y Diana sufren una crisis debido a la pasión que el siente por los aviones, mientras que ella duda entre si casarse o no.

En un momento dado el piloto, que está peleado con su novia decide bajar en altura para ver los animales y al hacerlo pone en riesgo a los tripulantes especialmente cuando una bandada de flamencos rosas colisiona con el avión que queda al borde una garganta.

El avión en vuelo rasante ha sido avistado por Tarzán ( Gordon Scott ), quien va a la zona junto a Cheeta y rescata a todos. Después se compromete a llevarlos de regreso a la civilización. Sin embargo, una de las chicas , Diana (Betta St. John) se desvía un momento y es secuestrada por los nativos de la tribu Opar, unos salvajes sanguinarios, que bajo el mando del Jefe Ogonooro ( Orlando Martins ) no desean a blancos y a extraños en su zona y los dejan para sacrificios a su dios león.

Sin embargo, Tarzán sale a la búsqueda de la chica. Pero quien da con ella es un aliado blanco de los Opar, el cazador Tusker Hawkins ( Robert Beatty ), que se queda prendado de Diana .

El cazador le dice al jefe del grupo indígena que se la queda él y cuando se despierte le dirá que la ha salvado y conducirá a todo el grupo a donde están emboscados el grupo de salvajes. Hace como que la ha salvado para ganarse la confianza de la chica y del grupo, aunque Tarzán duda de él, ya que efectivamente, secretamente, Hawkins está aliado con los Oparianos, y planea vender a los rescatados a los nativos por una fortuna en marfil.

Tarzán, con suma desconfianza hacia Hawkins duda de sus palabras, pero no puede impedir que el cazador quiera acompañarles. El grupo sale al día siguiente para la civilización, pero el cazador se empeña de ir por una vía más corta pero cercana al campamento tribal. Además, el grupo es seguido por algunos integrantes de la tribu.

Las relaciones entre los cinco supervivientes van fluyendo en parte por las monerías de Cheeta y en parte por la seguridad - en lo personal y en lo alimentario- que trasmite Tarzán, que en un momento dado salva a Diana del ataque de un cocodrilo. Tarzan no sabe que Diana coquetea con él . Vemos que es un ser inocente, cuando ella le pregunta por su origen o cuando ella le cuenta que no sabe si casarse con el piloto y Tarzán le pregunta qué es casarse.

Tras condicionar el rumbo el cazador, finalmente el grupo cae en manos de los nativos, gracias el cazador les ayuda a capturar a los blancos en ausencia de Tarzán.

Los cinco son llevados al campamento donde van a ser sacrificados, aunque Hawkins se reserva para él a Diana. Por su parte, Tarzán al descubrir que han caído en manos de los Opar decide salvarlos antes de que pueda llevarse a cabo el sacrificio, ayudado por su aliado chimpancé, Cheeta , quien prende fuego a la aldea nativa.

Luego tras jugarse la vida luchando con algunos de los oparianos ha de enfrentarse a Hawkins que encuentra su fin a manos de los Oparianos, que le arrojan una lanza quienes Tarzán ha señalado como el responsable del doble trato del villano mediante el uso de los tambores de la jungla.

La película acaba con Tarzán devolviendo al grupo a la civilización y viendo que entre las parejas las relaciones se han normalizado y que la participación de Cheeta es fundamental para relajar al grupo. Tarzán salva a todo el grupo y la pareja indecisa decide casarse tras todas las vicisitudes por las que han pasado. Tarzán les indica el camino a seguir y se despide de todos quedándose en la selva con Cheeta.

La película contiene más ecos de las novelas originales de Burroughs de lo habitual en una película de Tarzán del período, incluida la breve reseña sobre su vida en la selva antes de conocer al grupo en la que se hace eco de la versión de Burroughs, contándole que perdió a sus padres de niño en la selva y fue recogido por un mono llamado Kerchak que le crió. Luego de mayor entró en contacto con los hombres, muchos misioneros, "hombres buenos" que le enseñaron a hablar, y la presión de los Opar, aunque reduciendo el ciudad romántica perdida descrita por Burroughs a un pueblo nativo genérico. 

Tarzán, aunque conserva su alto grado de inocencia se manifiesta como un personaje astuto, valiente y con recursos, presagiando la restauración en películas posteriores del concepto original de Burroughs.

La película fue dirigida por H. Bruce Humberstone , y fue la primera película de Tarzán lanzada en color, en Eastman Color . También fue la primera película de Tarzán de MGM desde 1942 y se filmó en Nairobi , África Oriental Británica , aunque también en los ABPC Elstree Studios, de Borehamwood en Hertfordshire, . También se rodó en lo que era el Congo Belga, hoy República Democrática del Congo, en Iverson Ranch en Chatsworth, Los Ángeles, así como en la zona del Kilimanjaro en Tanzania, Murchison Falls, en Uganda, en Tanganyika y Zambia en 1956.

Filmado en 1956 en una versión CinemaScope 2.35: 1 y una versión "plana" 1.37: 1. El elenco nunca salió de Inglaterra, con prácticamente todo su trabajo realizado en platós de escenario de estudio, intercalados con la vida salvaje africana y escenas de paisajes obtenidas por Miki Carter .

Eso sí, un gran león con quien Gordon Scott había trabajado durante más de un mes le abrió la pierna (32 puntos de sutura).

La película tuvo su estreno el 12 de abril de 1957. El lanzamiento teatral del Reino Unido en el verano de 1958 fue de la versión CinemaScope, pero las siguientes exhibiciones televisivas en el Reino Unido siempre han sido de la versión "plana", al igual que el lanzamiento del Warner Archive DVD.

Según los registros de MGM, la película ganó $ 915,000 en los Estados Unidos y Canadá y $ 1,4 millones en otros lugares, lo que resultó en una ganancia de $ 432,000.

"Tarzan y el Safari perdido" es la segunda película en la que Gordon Scott protagoniza el personaje de Tarzan. Filmada en 1957 y con 75 minutos de duración, es muy superior a algunas de las anteriores por varios motivos. Primero que en esta película Tarzan habla con normalidad acercándose así al Tarzan de las novelas de Burroughs.

La segunda es que es la primera película en color y pantalla panorámica con lo que, estando rodada en exteriores de Uganda, en Africa, luce mucho mejor que la anterior que está rodada principalmente en estudios. Es la película en la que mejor se han fotografiado a los animales de África al igual que algún baile que aparece en muchas de las películas de Tazán.

Aunque tiene un guión muy sencillo y un argumento bastante lineal, a pesar de todo se sigue con facilidad.

Los personajes no son muy conocidos actores o actrices excepto Wilfrid Hyde-White con muchísimas películas en su haber como "My Fair Lady" o " Los hijos del capitan Grant".

En la película se habla de los Opar que en el libro es el nombre de una ciudad misteriosa que aparece en las novelas de Tarzan con un significado muy diferente al ser un espacio con ricos tesoros.

En el País en 1995 al ser emitida en televisión Joaquín de Luna escribía "Johnny Weissmuller cede el trono del rey de la selva al fornido Gordon Scott. Mucho bíceps, poco seso. Ya no era igual.

En Fotogramas se dice que es "Enésima reaparición del famoso personaje creado por Edgar Rice Burroughs, que en esta ocasión está interpretado por el musculoso e inexpresivo Gordon Scott, antes de convertise en un habitual del "peplum" italiano. Parte de un argumento plausiblemente inverosímil -que es lo que se acostumbra en estos casos- servido con una realización de eficacia más bien rutinaria."

En el ABC Película de aventuras que tiene como protagonista al mítico personaje Tarzán. El actor Gordon Scott ("Rómulo y Remo") interpreta al valiente personaje por segunda vez en el cine, tras "Tarzán en la selva escondida" de 1955. Y se nos recuerda como "Scott sufrió durante el rodaje algunos percances propios de la selva como el arañazo de un león de más de 200 kilos con el que llevaba trabajando más de un mes". Y concluye señalando que que "Tarzán y el safari perdido" supone una de las pocas incursiones de Humberstone en el cine de aventuras y acción.

Roma de mi corazón

Tenía muchas ganas de volver a ver Roma. Creo que fue la primera película de Fellini y desde entonces reconozco que el cineasta nacido en Rímini y que tanto tira de sus recuerdos - que casi acaban por convertirse en melancolía en estado puro - forma parte de mi especial universo cinematográfico.

Este magnífico y diferente narrador que decía de sí mismo que era «un artesano que no tiene nada que decir, pero sabe cómo decirlo». A lo mejor todo eso que escribió y llevó al cine - como a mi me gusta para que no se olvide una cosa- quedó reflejado en muchas de sus película y , especialmente, en esta dedicado a su querida Roma, la patria chica de su mamma, pero también en ella nos narra visualmente con cuenta gotas esos días de escuela en el Liceo Classico «Giulio Cesare» o su visión de la Ciudad Eterna cuando llegó a la misma con 19 años en 1939 cuando el fascismo mussoliniano se metía en la guerra junto a los alemanes.

Si bien es cierto que se traslada a Roma para cursar la carrera de Derecho, pero terminará por convertirse en periodista. A los pocos meses de su llegada a Roma, Fellini , como no podía ser de otra manera, apuesta por trabajar en una revista satírica italiana, Marc'Aurelio, dirigida por Vito de Bellis. Pasando poco después, tras tener un enorme éxito , como caricaturista a dibujante publicitario para películas, por cierto, visible alguno de ellos en Roma.

Sus primeras obras fueron para la Alleanza Cinematográfica Italiana (ACI), una compañía productora de Vittorio Mussolini, hijo de Benito Mussolini, a través del cual conoció a Roberto Rossellini. Desde ese momento , Fellini, acompañado casi siempre por su Musa, Giulietta Masina toca el cine con las dos manos colaborando con otros como Roberto Rossellini en pleno neorrealismo o con otros como Alberto Lattuada , Pietro Germi y Luigi Comencini o con su obra madura , es decir, la integrada por titulos junto a su mujer como Almas sin conciencia, Las noches de Cabiria, La Strada, Giulietta de los espíritus y con Marcello Mastroianni, como La Dolce Vita , Ocho y medio o Ginger y Fred.

Sin embargo, en los setenta cuando el cine rentable y de culto iba ya por otros derroteros es cuando realiza la obra más, personal , con menor presupuesto pero de mayor peso artístico detectable en obras como Satyricon (Fellini Satyricon, 1969), I clowns (1971), el que nos ha traido hasta aquí Roma (1972), Amarcord (1973), Casanova (1976), Prova d'orchestra (Ensayo de orquesta, 1978), La città delle donne (La ciudad de las mujeres, 1980), E la nave va (Y la nave va) (1983) o Ginger e Fred , 1986).

Roma es, como he señalado una película de 1972 dirigida por Federico Fellini y la versión que yo he visto es la restaurada en 2010 por el laboratorio L'Immagine Ritrovata de Bolonia por iniciativa del Museo Nacional del Cine (Turín) , Cineteca Nazionale ( Roma ) y Cineteca di Bologna.

Se trata de una producción franco - italiana que contó con un mínimo guión mínimo a lo largo del cual el único verdadero protagonista es la ciudad de Roma y que está constituida por una serie de episodios con escasa conexión entre ellos, visualmente muy poéticos y que muestran las impresiones que la capital italiana dejó sobre el joven Fellini, recién llegado de Rímini , su localidad natal.

Aparte de Federico Fellini, en el guión también interviene Bernardino Zapponi, un habitual colaborador, con el que consiguió aunar diálogos curiosos, individuales y colectivos, chirriantes, groseros y sublimes, con otros escatológicos en el sentido literal del término , lleno de expresividad y en la que pasa del hiperrealismo a lo onírico, pasando por el patetismo, la crueldad, la felicidad, la desolación, lo diferente, lo extravagante, la provocación, el humor, la farándula, lo bufo, lo estrambótico, lo carnavalesco que podría resumirse todo ella en esa versión bastarda del "Bolero" de Ravel (aparentemente arreglado por Nino Rota) tocada por la orquesta de foso durante el espectáculo de variedades al estilo de Vodevil....

En este caso la película es una producción en la que interviene Turi Vasile para la productora Ultra Film y Les Productions Artistes Associés, y en la que participan tradicionales colaboradores como en el apartado musical un gran como Nino Rota, en el sonido Renato Cadueri, la fotografía de Giuseppe Rotunno, el montaje de Ruggero Mastroianni, la escenografía y el vestuario de Danilo Donati, los efectos especiales de Adriano Pischiutta y la coreografía de Gino Landi.

Aparecen en la película muchos personajes, incluso algunos conocidos y otros no tanto. Entre los actores destacan Peter Gonzales como Federico Fellini , Fiona Florence como Dolores una joven prostituta, Pia De Doses como la princesa Domitila. Renato Giovannoli como el Cardenal Ottaviani, Dennis Christopher como el hippie, Anna Magnani ( su último papel en el cine ) como ella misma entrando en su casa, Feodor Chaliapin, Jr. como actor interpretando a Julio César, además de Gore Vidal , John Francis Lane, Elliott Murphy, Federico Fellini como él mismo o Cassandra Peterson.

Las escenas en las que intervinieron Marcello Mastroianni y Alberto Sordi fueron suprimidas en copias posteriores editadas en formato VHS y DVD como está de 2010.

Intervienen igualmente Britta Barnes, Marne Maitland, Elisa Mainardi, Paule Raout, Galliano Sbarra, Paola Natale, Marcelle Ginette Bron, Mario Del Vago, Alfredo Adami, Stefano Mayore, Dante Cleri , Angela De Leo, Libero Frissi , Norma Giacchero , Gudrun Mardou Khiess, Mimmo Poli, Giovanni Serboli , Alvaro Vitali , Renato Zero y Francesco Di Giacomo.

En completa ruptura con las estructuras de la dramaturgia clásica, la película se presenta como una serie de cuentos y retablos donde Fellini evoca recuerdos de la infancia y la juventud y restaura la atmósfera de Roma en la Roma en la que vivió desde 1939 hasta el año 1943, y después igualmente aparece el presente.

Comienza con el joven Fellini en Rimini , narrando lo que aprendió sobre Roma en la escuela, con su profesor mostrándole de manera gráfica como la compleja historia de Roma tiene un momento clave en el momento en que César cruzó el Rubicón.

Después nos muestra los días de Escuela en con sus compañeros y amigos en una clase en la que ya estaba presente el peso del fascio y algunas de sus conversaciones adultas.

Lo vemos llegar a Roma en 1939 cuando la Segunda Guerra Mundial acaba de comenzar y llega a la capital italiana para estudiar. Tras la llegada a una abarrotada Estación Termini con una auténtica marea humana lo vemos subir al piso en el que pasará este periodo.

Un piso inmenso, la casa de los Palletta , llena de muchos personajes que entran y salen , que son mayores y menores, que van desde niños que le aporrean la maleta, hasta niños que evacuan y que llaman para que lo limpien. otros que comen en la cocina, junto a señoras y señores de todo pelaje, algunos quemados por una excursión a Ostia, otros encamadas como la señora de la casa que es presentada por la chica que actúa como asistente.

Poco después vemos al joven Fellini comienzo con las personas de la Pensión y otras del barrio en una calurosa noche de ferragosto comiendo comida popular desde caracoles, hasta pasta o careta de cerdo. Vemos las reacciones de muchos de los comensales en sus mesas y como interactúan con otras.
Tras esto fresco popular y tan bello como desagradable, pero muy , muy humano, vemos escenas de prostitutas en las afueras de la ciudad en la vía Flaminea que una la capital con el sur vemos como la historia pasa al presente. Vemos la llegada a la Roma moderna por una carretera abarrotada de un grupo de personas entre las que se encuentra el mismo Fellini con un equipo de rodaje.

Vemos como coincide su llegada con un atasco monumental un día en que juega el Napoli en la ciudad. Vemos la calzada llena de charcos y baches , con coches que se manchan en un importante aguacero en la Grande Raccordo Anulare azotada por la tormenta.Posteriormente entran ya de noche en la ciudad y vamos identificando algunos espacios.

Cuando el equipo ha llegado a un parque perteneciente a Villa Borghese el director habla con algunos universitarios en el momento en que llega un autocar lleno de turismo y en ese momento aparece un gigoló en busca de asuntos profesionales.

Tras esto volvemos a los años de la guerra y en concreto a un espectáculo popular en un salón de música, el Teatrito de la Barafonda, durante el bombardeo aéreo de la Segunda Guerra Mundial. Descubrimos a parte de la fauna que hemos identificado en la casa o en la plaza mientras comían, así como otros que se muestran tremendamente groseros con los artistas que no tienen reparo en contestarles capaces de devolverles un gato muerto que le han lanzado a un bailarín que intenta imitar a Fred Astaire (Álvaro Vitali), tres cantantes de cara blanca , un narrador que es abucheado. ünicamente se libran y parcialmente las mujeres y sin llevan poca ropa. Tras cortar el espectáculo para contar un parte de guerra , la actuación acaba con el sonido de la sirena.

En la actualidad el equipo de grabación va a las obras del metro que avanzan muy lentamente. Se trata de una secuencia larga, casi documental, que muestra el interior del trabajo del metro, que se estaba perforando en ese momento.

Los trabajadores regularmente descubrieron importantes sitios arqueológicos, previamente desconocidos. Fellini crea aquí un vínculo poético entre la Antigüedad y el período contemporáneo al dar a los rostros de frescos antiguos las características de aquellos que, en el mismo movimiento, los descubren y provocan involuntariamente su destrucción.

En el metro que conduce al descubrimiento de sitios arqueológicos como una villa, una vieja casa llena de pinturas murales al fresco completamente decoradas y en las que las pinturas desaparecen con la entrada del aire, ante la angustia de todos los que las ven.

También vemos momentos de los viejos burdeles, las casas de tolerancia, de la época en los días del fascismo; tanto los populares o económicos a los que iban masivamente los soldados, como a otros algo más refinados. Vemos el universo de prostitutas y la naturaleza de los que allí van en busca de frenar su líbido.

Igualmente asistimos a la decadencia de la nobleza romana visible en  un desfile eclesiástico de moda en el palacio de un vieja dama de la aristócrata, el de la Princesa Domitilla que ve como la vieja Roma aristocrática ha muerto .

En el mismo palacio tiene lugar un desfile de moda de la iglesia y sacerdotes de patinaje sobre ruedas o en bicicleta que quieren entrar en el paraíso muy rápido.

La película acaba con la Roma contemporánea y la generación del movimiento hippie . En las calles de una ciudad tomada por los hippies durante la Fiesta de Noantri en sus lugares más emblemáticos descubrimos a algunas celebridades que aparecen brevemente no sólo al propio Fellini, sino al escritor norteamericano Gore Vidal , que vivía entonces en Roma, o a la gran diva del cine, Anna Magnani , que había trabajado anteriormente con Fellini y que murió de cáncer poco después de aparecer en su película Roma .

La película termina con una idea general de un grupo de motocicletas conduciendo por las principales calles y zonas monumentales de esta Roma de noche.

Fellini en su Roma , ciudad en la que rueda esta película , aunque también en los Estudios de Cinecittá , a lo largo de la pprimavera de 1971, combina la realidad, a menudo en su forma más realista, de una Roma sucia, decadente y de aspecto medieval pero que nunca deja de ser fascinante.

Federico Fellini cuenta su juventud en Roma. En palabras de su director esta película es la "historia de una ciudad". En ella el director enlaza una serie de lienzos a modo de imágenes de la ciudad del Lazio y, a través, de su mágica y singular visión personal, la ciudad se convierte en un ser vivo.

Mezcla de documental objetivo y vivaz imaginación, el de Rímini lleva a acabo su particular homenaje a la Ciudad eterna, tomando como referencia la actualidad de la caótica ciudad, la de inicios de los setenta, llena de baches, de embotellamientos, jóvenes hippies que buscan la belleza y el amor libre, pero también los algunos de sus recuerdos escolares con su profesor cruzando el Rubicón, los días de escuela o los años previos a la Segunda Guerra Mundial, los espectáculos interrumpidos por partes de guerra y por un público impresentable, ruín y grosero o que come ruidosamente en las plazas de la ciudad y todo ello mezclado con la fantasía de un fantasioso director.

La película se estrenó en el cine Barberini de Roma el 18 de marzo de 1972, con una duración de alrededor de 130 minutos. En mayo, fue presentada internacionalmente en el marco del 25ª Festival de Cine de Cannes, fuera de concurso, el 15 de dicho mes de 1972, aunque obtuvo el Gran Premio de la Técnica cinematográfica.

Para la presentación en el mercado extranjero Fellini, de acuerdo con el productor de la película y Bernardino Zapponi, decidió reducir la película a cerca de 115 minutos. Los cortes, efectuados de manera independiente y sin intervención por parte de la censura cinematográfica, que ya había dado luz verde a la película, con la prohibición para los menores de 14 años, sólo afectaron a algunas secciones de la película, mientras que otras quedaron intactas.

La película también fue seleccionada como la entrada italiana para la Mejor Película de Lengua Extranjera en los 45 Premios de la Academia, pero no fue nominada. Sin embargo, fue Premio della critica SFCC (Le Syndicat Français de la Critique de Cinéma) a la mejor película extranjera. o sea, el Prix ​​Léon Moussinac de la Association Française de la Critique de Cinéma como la mejor película extranjera entragado en 1973.

En el mismo año, la película recibió una nominación al Golden Globe a la mejor película de habla no inglesa . También en 1973 Danilo Donati recibió un Nastro d'Argento para el escenario del Sindacato Nazionale Giornalisti Cinematografici Italiani . El resultado es una película poética que combina la comedia, con el drama y con toques de semiautobiográfica .

Es un homenaje a la ciudad, que se muestra en una serie de episodios conectados libremente durante el pasado y el presente de Roma. La trama es mínima, y ​​el único "personaje" que se desarrollará significativamente es Roma misma.

En los Globos de oro fue nominada a la Mejor película extranjera y en los Premios BAFTA a la mejor dirección artística Roma se nos muestra como realidad multiforme, interminable y contradictoria a través de una serie de escenas y personajes heterogéneos con un estilo que pasa del lirismo a la sátira, de la nostalgia a lo truculento sin solución de continuidad.

Entre las diversas escenas no existe nexo narrativo alguno, sólo la memoria y la voluntad de recuerdo del director — se pasa de un tema a otro sin transición. Durante la edición, se cortó una escena con Alberto Sordi porque se consideraba demasiado inmoral y cruel. Sordi interpretaba a un hombre rico sentado en un bar viendo a unos niños pobres jugando a la pelota. Un hombre pobre, ciego, enfermo y cojo, cruza la calle para evitar que el hombre rico vea la escena. Alberto Sordi, molesto, comienza a gritar insultos al ciego: "¡Quítate del camino, viejo feo! ¡Fuera!".

La música de la película, compuesta por Nino Rota y dirigida por Carlo Savina, fue vendido en los Estados Unidos con el subtítulo de «The Fall of Roman Empire 1931–1972».

Fellini contrasta repetidamente la vida romana durante la época de guerra de la Italia fascista con la vida a principios de los años setenta. Las escenas de tiempos de guerra enfatizan la congregación de vecinos en los lugares públicos de Roma, como restaurantes en la calle, un espectáculo de variedades y un refugio antibombas . Con la excepción de los hippies y una escena conversacional con Fellini lamentándose de la pérdida de la vida romana con estudiantes y las escenas de la década de 1970 se encuentran entre los automóviles y las motocicletas.

Fellini hace una comparación entre el desfile de prostitutas en los burdeles de guerra y un desfile de modas de fantasía con atuendos clericales y público papal .

La trama muestra dos viajes a la Ciudad Eterna por el director. El primero es cuando era joven a fines de la década de 1930 y principios de la década de 1940. El segundo es como el director de un equipo de filmación que crea una película sobre Roma.

La película alterna entre estas dos narraciones. De ella los críticos de la época dijeron un poco de todo. Michel Duran, en The Duck Chained , el 24 de mayo de 1972 dijo de ella "Solo puedo admirar su última película, esta evocación, estos recuerdos mezclados con informes, fantasías, este vagar en la Roma de su juventud y la de hoy, sus recuerdos de clase y burdel y su satiras lanzadas con dardos  como la presentación de la nueva colección de disfraces eclesiásticos ante un cardenal.

Para Henry Chapier en ese mayo de 1972, tras verse en Cannes, comentó que b" Roma , la fantástica explosión de la película, no se detendrá para estimular nuestra imaginación de que las otras películas anémicas del Festival hayan fallado durante una semana para privarnos de un elemento esencial: la inspiración y el impulso. "

Robert Chazal , del France - Soir- escribió que es "Una sucesión de escenas brillantes y ruidosas, de bravura aplaudida, un desfile de personajes pintorescos ya menudo monstruosos con la aparición fugaz de la gran Anna Magnani , filmada en la noche mientras se va a casa. Federico Fellini lo llama. Pero desaparece después del lanzamiento: vete a la cama, Federico. Es tarde ! . "

Jean de Baroncelli , en Le Monde , afirmaba que "Saliendo de esta película tumultuosa, barroca, despeinada, y, sin embargo, dominada tan perfectamente, tan sutilmente compuesta, esta película que no se puede comparar con otras, parece estar hecha de una tela, un diferente metal, cómo no decir que, entre tantos excelentes cineastas, Federico Fellini es definitivamente uno de los pocos que realmente merece el nombre de creador. "

Jean-Louis Bory , en Le Nouvel Observateur , decía que la película era "Monumental. Este es el epíteto necesario. En primer lugar, porque esta película impresiona por la escala de su arquitectura, por la grandiosa armonía de sus proporciones, por la vigorosa originalidad con que se manifiesta el temperamento del arquitecto (sin mencionar el genio). Tan vigorosa es esta originalidad que el arquitecto se sintió obligado a compartir el papel central de la película con la estrella. "

En la alemana Wissen.de se dice que "La "Roma" de Federico Fellini no ofrece a los espectadores ninguna acción en el sentido convencional, sino que es un retrato muy personal de la ciudad de Roma, compuesto por varios aspectos. Fellini cuenta su propia historia de cómo deja su ciudad natal de Rimini cuando tenía 20 años y viaja a la capital italiana. Allí expone al espectador a una abundancia opulenta de impresiones y experiencias en las que los niveles de sueño y realidad a menudo se entremezclan ".

El mismo Paolo Sorrentino declaró que "Roma y La dolce vita son películas que no puedes ignorar cuando haces una película como esta. Son dos obras maestras y la regla de oro es verlas, no imitarlas. Yo intenté ceñirme a eso. Es verdad que las obras maestras transforman la forma en la que sentimos o percibimos las cosas. Nos condicionan. Por lo tanto no puedo negar que esas películas me hayan influenciado y guiado a la hora de hacer La Gran Belleza. Solo espero que me hayan guiado en la dirección adecuada", confesó el propio Sorrentino, que escribió el guión junto a Umberto Contarello. 

En España Miguel Ángel Palomo en El País dijo de ella que era un "Fascinante recorrido por la ciudad, entre el documental y el ensueño, entre lo naturalista y lo mágico (...) un asombrado espectador que asiste a secuencias prodigiosas - el desfile de modas eclesiástico, el recorrido por los burdeles- envueltas en el barroquismo visual de la puesta en escena de un director que vuelca una ilimitada pasión en la imágenes, en las calles, en la gente que habita la Ciudad Eterna."

Según Terenci Moix Rom es una película que "puede calificarse de gran contribución al fellinianismo autobiográfico, en este caso trasladado al terreno de la mitificación urbana. Retrato de una ya antigua fascinación del autor por la ciudad eterna, es el mismo tiempo, o principalmente, una mitificación de su relación sentimental con la misma a través de múltiples aspectos, repartidos en episodios cuya ordenación dista mucho de ser ortodoxa: arranca con la llegada del joven Fellini en los últimos años treinta y , con el desorden propio de la memoria, combina escenas del presente absoluto, ya sea con elementos que convierte la eternidad de Roma en un caos - así una entrada en una autopista, transformada en una pesadilla abstracta- ya con otros que buscan el significado de aquella eternidad en el espíritu mismo de la urbe".  Y añade " sigue triunfando el genio de Fellini para el apunte costumbrista  en tres secuencias magistrales: la  visita al burdel, la cena al aire libre y el espectáculo de varietés. Secuencias que encuentran su culminación en estas tracas finales que son el desfile de moda eclesiástica en el Vaticano, la fiesta Noialtri en el Trastevere y la apoteosis de los motoristas que circulan por las calles desiertas".

El propio Federico Fellini reflexionado sobre su manera de concebir el cine llegó a decir que " Es evidente que la lectura intensa de esas historias, en una edad en que las reacciones emotivas son tan inmediatas y frecuentes, condicionó mi gusto por la aventura, lo fantástico, lo grotesco y lo cómico. En este sentido es posible encontrar una relación profunda entre mis obras y los cómics norteamericanos. De sus estilizaciones caricaturescas, de sus paisajes, de los personajes siluetados contra el horizonte, me han quedado imágenes felizmente "chocantes", imágenes que de vez en cuando vuelven a aflorar y cuyo recuerdo inconsciente ha condicionado el elemento figurativo y las tramas de mis películas". Eso explicaría que la película sea capaz de mezclar lo que surge de la memoria - habitualmente intencionalmente deformada - y lo conjuga con el presente, en una mezcla de realidad y fantasía.

Casualmente hace unos días encontré una entrevista que se le hacía a Paolo Vasile, Consejero delegado de Mediaset e hijo del productor de Roma . En la misma Paolo Vasile comentaba que Federico Fellini puso del revés su vida  cuando éste era adolescente.  El padre, Turi Vasile, un intelectual siciliano (guionista, productor, escritor y articulista en Il Giornale), asumió la producción ejecutiva de la más abundante y costosa de las películas del director, Roma. Era 1971. 

Turi Vasile era propietario de Ultra Films y asumió el proyecto. Fellini desplegó en los estudios de Cinecittà a cientos de extras. Los atrecistas replicaron en cartón piedra calles y paisajes exactos de la ciudad. El centro de Roma se iluminó como un plató durante varias semanas. Aquello acumuló todos los tics de la monumentalidad. Turi Vasile apostó su patrimonio entero por esa obra extraordinaria. Y cuando no quedó una sola lira ilesa, sólo hubo que sentarse y hundirse. La película no recuperó la inversión. Fellini desapareció con la agilidad de los tipos capaces de hacerse humo. Los acreedores destriparon sin piedad al hombre de los dineros y Roma arrasó el patrimonio de Turi Vasile, que había empezado escribiendo teatro y un guión para Antonioni, y colaborando con Zampa, y con Tessari, y con Brusati... Además de dirigir seis películas. 

Desde que se estrenó, el 18 de marzo de 1972 en el Cine Barbieri de la capital italiana, Paolo Vasile no había vuelto a ver Roma. 

A las pocas semanas del estreno, comenta que " mi familia y yo pasamos de un piso burgués estupendo a un barrio popular de Roma". Y comenta en la entrevista que "En el tiempo que duró este rodaje mi padre pasaba de estar eufórico a deprimido varias veces al día. Era una montaña rusa. Al final vivió dramáticamente aquel fracaso, porque él también tenía algo de personaje de tragedia griega". Para su hijo Paolo Vasile: "Es curioso que ningún romano haya podido contar Roma en toda su plenitud. Esta película es un poema y un plató de muchísismas Romas distintas. Se nota que quien mira la ciudad tras la cámara no es romano. Y tampoco Fellini en esta película es un director de cine, sino un pintor. Un pintor de frescos que apuesta más por la alegoría que por la metáfora. Despliega la mirada de un niño dentro de un teatro. Fellini es aquí un asombrado de la ciudad". 

Turi Vasile produjo una película más, Pan y chocolate (1973), de Franco Brusati, una de las mejores películas italianas sobre la inmigración. Y continuó vinculado al cine hasta que la literatura fue tomando posiciones. "Fue en los últimos años de su vida cuando mi padre volvió a escribir. Dejó el cine y se dedicó a sus memorias y relatos. Regresó a la escritura durante los siete años que duró la enfermedad de mi madre". 

Vasile padre publicó parte de su obra (L'ultima cigarreta, Un villano en Cinecittà, Paura del vento) en la  editorial Sellerio de Palermo, donde también publicaba (y publica) su amigo Andrea Camillieri el mismo que dirigió uno de los textos teatrales de Vasile: Quiz."Mientras mi padre se alejaba del cine, yo comencé a acercarme al oficio. Primero llevando agua a los actores. Después pasé a ayudante del ayudante de producción. Luego por distintas fases hasta ser lector de guiones. En esos años leí cientos de ellos. En el guión está todo. A mí me gustaba aquel cine artesano que se hacía con las manos".

A esto se suma que Roma es un magnífico escenario de película y son las calles de Roma y sus romanos los grandes protagonistas como lo han sido en otras muchas , desde el Ladrón de Bicicletas , hasta Vacanze Romane, pasando por la misma Dolce Vita o La Gran Belleza de Sorrentino, o que nos permite encontrarnos una obra de arte en esta muy querida Roma de mi corazón.