The guilty

Última película del mes de enero. La elegida, Den skyldige, aquí presentada como Ther Guilty- lo podríamos traducir como El culpable- es una película emitida en la 2 el día anterior. Una película de la que se puede decir que es angustiosa, claustrofóbica, dolorosa, tensa, terrible y triste en su final. Una película producida por Lina Flint y la Nordisk Film / SPRING en asociación de la Nordisk Film Production y con el apoyo de Det Danske Filminstitut , New Danish Screen y Nordisk Film- & TV-Fond , que se llevó algún premio en Sundance y en la Seminci. 

Además fue seleccionada como la representación danesa a la Mejor Película en Idioma Extranjero en los 91.º Premios de la Academia. 

El gran hallazgo de la película está en desarrollar una historia con un protagonismo absoluto por parte de un actor Jakob Cedergren que asume el rol de un policía con una mancha que poco a poco iremos descubriendo. Para ello es esencial lo que vemos pero muchísimo más lo que escuchamos a través de la centralita, tanto de parte de sus compañeros, como por parte de un par de llamadas de auxilio, que se convierten en el eje vertebrador de la historia y que nos permiten descubrir una tragedia en la que la locura está presente. 

Y todo ello en base a un guion fantástico de Emil Nygaard Albertsen, que cuenta con el apoyo de Gustav Möller que no es otro que el director, danés para más señas, en la que fue su ópera prima. La música de la película es de Carl Coleman y Caspar Hesselager, aunque realmente esa música no son otros que las voces de los que llaman y la de Asger, al final aparece que está allí, pero no incordia ni molesta. 

La fotografía, una de los grandes valores de la película que básicamente se centra en primeros planos y primerísimos planos que enmarcan el rostro de este hombre acompañado de unos auriculares y tratando de encontrar una solución centrada que complemento con algunos pocos planos medios que apenas van más allá de la cintura. Todo ello es labor de Jasper Spanning. En equipo del primero al último formado en el National Film School of Denmark. 

El reparto recae de manera absoluta sobre Jakob Cedergren como el policía Asger Holm. Junto a ellos voces, que he escuchado en castellano, pero que corresponde en la versión original con Jessica Dinnage como Iben Østergård , Omar Shargawi como el compañero del policía Rashid , Johan Olsen como Michael Berg, Katinka Evers-Jahnsen como Mathilde Østergård, Jacob Lohmann como Bo, Simon Bennebjerg como Nikolaj Jensen y Laura Bro como Tanja Brix. Morten Thunbo aparece como el veterano comnpñaero de Asger, Torben. 

La película comienza mostrándonos el trabajo rutinario de Asger Holm (Jakob Cedergren) un oficial de policía de Copenhague asignado a operador en un servicio de oficina en un centro policial de Copenhague encargado de la centralita del servicio de emergencias de la policía mientras se encuentra bajo revisión disciplinaria. 

Escuchamos que , en un primer momento, las llamadas son las rutinarias ( personas que han bebido, robos en el barrio rojo,...) incluso el recibe una llamada personas. Pero todo cambia cuando recibe una llamada angustiada de una mujer que dice llamarse Iben. 

Tras escuchar la llamada piensa que ella se encuentra involucrada en un posible caso de secuestro por parte de su pareja , que tiene orden de alejamiento, y fama de maltratador. Ella parece aterrada que ha dejado a sus dos hijos, un chico y una chica, en casa. 

Cuando intenta recabar más información se plantea saltarse la ley como le propone a su jefe, que, por supuesto se niega, y tras eso llama a Rashid, un colega que declarará a su favor en el caso que ha supuesto sus suspensión del servicio en la calle. Su interés no es otro que salvar la integridad de la mujer que le llamó por la línea de emergencia y de sus hijos. 

Asger comienza una búsqueda para la localización de la mujer y lo tiene que hacer recluido en su mesa en la centralita de emergencias. Conforme pasan los minutos, Asger tendrá que enfrentarse no sólo a la precipitación de los acontecimientos relacionados con el caso, sino también a sus propios demonios personales y lo que descubre en el último momento vinculados con la mujer. 

Como es un thriller de tensión y sorpresa al final sólo dirñe que en el final de la película un Asger abatido es seguido por la cámara acompaña hacia una puerta de salida envuelta en penumbra. Su verdad ha salido a relucir al igual que la desgracia en la que está involucrada Iben. Con un fundido acaba todo.

Estamos ante una película rodada en Copenhague a lo largo de 13 días, según declaró en director en una entrevista, que llamó la atención en 2018 al llevarse el Premio del Público - Drama (World Cinema) en el Festival de Sundance. 

Fue igualmente nominada a Mejor actor, guion y premio Discovery en los Premios del Cine Europeo. Fue presentada en el Brussels International Film Festival (BRIFF). Fue premiada en el Festival de Valladolid en la Seminci al Mejor guion e incluida en la National Board of Review (NBR) dentro de las Mejores películas extranjeras del año. también en los Satellite Awards al ser nominada a la mejor película en habla no inglesa. 

Estrenada en los Estados Unidos en el mes de octubre de 2018 ha conseguido una importante taquilla con $4,5 millones. En cuanto a la crítica es unánimemente positiva. 

En Estados Unidos Guy Lodge articulista de Variety opinaba que "Reforzada por una actuación sólida y decidida del fiable Jakob Cedergren (...) Maneja su narración con agilidad durante todo el metraje" 

David Fear en Rolling Stone -extraña no ver a Peter Travers- consideraba que era "Una inteligente forma de entender el género, filmada con un ímpetu genuino. El tipo de joya que no puedes dejar escapar (…) " 

Michael Rechtshaffen en The Hollywood Reporter defendía que "Menos es más en este efectivo y sobrio thriller danés (...) La película, con inteligencia, restringe las evidencias a voces y sonidos" 

Eric Kohn en IndieWire por su parte consideraba que "'The Guilty' es una obra intimista económica que nunca se detiene (...) Por encima de todo, 'The Guilty' es un escaparate actoral para Cedergren" 

Kimber Myers de The Playlist consideraba que "Möller mantiene una sensación de inmediatez y tensión durante todo el metraje, a pesar de no mostrar nunca lo que preocupa y aterra a Asger" 

Jeannette Catsoulis en The New York Times argumentaba que era "Una historia envolvente que se retuerce y gira de manera sorprendente y a veces aterradora (...) Es una mezcla fluida de procedimiento policial y estudio de personaje" 

Bilge Ebiri en Village Voice la describe como una "Una película hecha enteramente de conversaciones telefónicas no debería ser tan apasionante (...) Encuentra maneras fascinantes de trascender espiritualmente sus confines" 

En el Reino Unido Cath Clarke en las páginas de The Guardian aseveraba que era "Obligatorio verla. Una lección magistral de suspense cinematográfico (...) Es una película absolutamente brillante (...)" 

Fionnuala Halligan en Screendaily defendía que era "Una experiencia visual que agradablemente obliga a que la acción se desarrolle en la cabeza del espectador (...) 'The Guilty' refleja la confianza de Möller para hacer cine" 

Tim Robey en Telegraph admite que su "Su tenso desarrollo (...) nos mantiene atrapados, aunque el guion no tiene una tercera dimensión que haría que la gravedad de la situación cobrara vida (...) " 

Ya en España Carlos Boyero en El País apluade por ella al decir que "Un buen guion, un buen actor y (...) durante noventa minutos (...) estoy dentro de lo que me están contando, me angustia lo que ocurre, temo su desenlace, me transmite el suspense ante situación tan pavorosa (...) muy interesante" 

Alberto Luchini en El Mundo dice de ella que es una "Sorprendente y soberbia ópera prima (...) Partiendo de un extraordinario, detallista y muy preciso guion, Moller provoca tensión y desasosiego del primero al último minuto (...) de lo mejor del año (…) " 

Oti Rodríguez Marchante en ABC destaca en ella la "Poca música, poca gestualidad (...), todo el peso de la trama, el suspense, la tensión, se vuelca hacia ese otro lugar que nunca vemos en la pantalla, pero que construimos con absoluta nitidez (…)" 

Fausto Fernández en Twitter destaca de la película que es un "Impresionante y angustioso thriller de suspense danés, que no necesita casi nada para tenerte en tensión. Mucha tensión". 

Quim Casas en El Periódico destaca que "Ambientada en un departamento de policía (...) ofrece acción desnuda y directa, en una intriga oral muy bien llevada (…)" 

Andrea G. Bermejo en Cinemanía considera que "La falta de presupuesto y el exceso de ganas dan lugar a películas ingeniosas como 'The Guilty' (...) trepidante thriller de acción (...) una estudiada planificación, un guion sólido (...) y un encomiable trabajo de sonido (…)" 

María Caballero en Fotogramas valora este "Tenso y claustrofóbico thriller donde, desde su arranque, el espectador asume encantado que no va a poder apartar la mirada en los próximos 85 minutos (…) " 

De otro lugares del mundo destaco lo que dice desde  México Mabel Salinas en Cine Premiere al considerar que la película "Es toda una experiencia sensorial y de desazón. Conforme más se complica el caso, tanto el protagonista como nosotros sacamos a relucir nuestros prejuicios. (...) P

En Argentina Paula Vázquez Prieto en La Nación consideró que "Como estudio de personaje, sostenido en la actuación de Jakob Cedergren, la película es efectiva, administra con astucia la elasticidad del tiempo cinematográfico y encuentra los ángulos justos para hacernos detectives." 

En este mismo país del cono sur Leonardo D’Espósito en Noticias afirma que "Los personajes parecen seres humanos reales y el suspenso se articula con notable pericia técnica, lo que permite un timing perfecto de las acciones y reacciones. (...) " 

Poco puede decir más que valorar el acierto de esta película claustrofóbica, triste, que te llena de angustia y desolación. Con ella se demuestra que en ocasiones los efectos especiales no tienen nada que decir, pues unos planos bien rodados, en base a un guion bien diseñado sobra y basta para hacer una película notable. Tan notable que ya hay por ahí circulando la idea de que habrá una nueva versión estadounidense que podría ser protagonizada por Jake Gyllenhaal. Pero siempre mejor el original que la futura copia. 

Cautivos del mal

Kirk Douglas falleció en febrero del pasado año a una edad centenaria. Eran 103 años de historia del cine que se iban para siempre como personas, nunca sus obras. Con él casi llegaba el fin de aquellos que brillaron en lo que se conoce como el Hollywood dorado. Cuando se hacía referencia a su vida, pero también a su obra, en todos los reportajes que vi, se repetían en esas quinielas las mismas obras: "Los vikingos", "Duelo de titanes" ·El ídolo de barro"... A los que se suman "Senderos de gloria", "Espartaco", "El día de los tramposos", "20.000 leguas de viaje submarino", "El gran carnaval" y, siempre aparecía en esas quinielas de las mejores películas del actor "Cautivos del mal". De todas ellas había una que no había visto que era precisamente esta última, Cautivos del mal, aunque su título original era The Bad and the Beautiful una obra que hablaba de los entresijos del mundo del cine en aquel Hollywood dorado. TCM publicó un Twitter el 12 de enero del presente año que decía "Si aún no la has visto esperamos que hacerlo estuviera entre tus propósitos de año nuevo". Mi respuesta fue "Lo está". Tocaba verla y anoche la he visto. 

La película dirigido por Vicente Minnelli del que valoramos por aquí una de sus joyas, Un americano en París, fue producida por John Houseman para la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) que se quedó igualmente con la distribución en colaboración con la Loew's Inc. manejó un presupuesto de US $ 1,558,000. 

La película responde a un inteligente guion escrito por Charles Schnee basado en la obra "Homenaje a un hombre malo" de George Bradshaw. La película cuenta con la música compuesta por David Raksin, la fotografía de Robert L. Surtees y el espléndido montaje de Conrad A. Nervig. 

El elenco, espléndido, lo encabeza Lana Turner como Georgia Lorrison, Kirk Douglas como el productor Jonathan Shields, Dick Powell como el guionista y profesor universitario James Lee Bartlow, Walter Pidgeon como el productor igualmente Harry Pebbel y Barry Sullivan comoel director Fred Amiel. Junto a ellos aparecen Gloria Grahame como Rosemary Bartlow, Gilbert Roland como Victor "Gaucho" Ribera, Paul Stewart como el responsable del casting y agente Syd, Ivan Triesault como el director Von Ellstein, Leo G. Carroll como el director Henry Whitfield, Sammy White como el agente de Georgia, Gus y Elaine Stewart como la amante de Gaucho y Jonathan, Lila. 

Un invisible productor de cine - unicamente se ven las manos y las mangas de su chaqueta- Jonathan Shields(Kirk Douglas),tiránico y manipulador que ha caído en desgracia, llama desde París pidiendo ayuda para su próxima película. 

En primer lugar llama a un director, Fred Amiel (Barry Sullivan), mientras hace una prueba de rodaje sobre la "dolly" y a pesar de que puede ponerse al teléfono, rehusa tomar el mismo. 

Luego llama a casa de una actriz preguntando por Georgia Lorrison (Lana Turner) que en ese momento está en el baño, pero le dice a su sirvienta que no puede ponerse y por último llama a un guionista (Dick Powell), que en este caso se pone para decirle "vete al infierno". 

Desconocemos que relación guarda el produtor Shields con los tres, aunque los tres son integrantes del mundo del cine. Poco después en la sede de una productora de Hollywood , la Shields Productions , los tres - el director Fred Amiel ( Barry Sullivan ), la estrella de cine Georgia Lorrison ( Lana Turner ) y el guionista James Lee Bartlow ( Dick Powell ) son convocados por el productor de cine Harry Pebbel ( Walter Pidgeon) que trabaja para Jonathan Shields. 

Con los tres en su oficina y les explica que Shields los estaba llamando porque tiene una nueva idea de película y los quiere a los tres para el proyecto. Shields no puede conseguir financiación por su cuenta, pero con sus nombres en el proyecto, no habría ningún problema. Pebbel les pide a los tres que le permitan llamar a Shields por teléfono antes de que den su respuesta final. 

Nos enteramos por Harry que el productor Shields los que ayudó a triunfar, pero es conocedor de que tienen sobradas razones para detestarlo. Los tres le reprochan su falta de escrúpulos para alcanzar el éxito sin reparar en las personas a las que traicionaba o engañaba. 

Mientras esperan la llamada de Shields, Pebbel les asegura a los tres que entiende por qué se negaron a hablar con Shields. 

La historia de fondo de su participación con Shields se desarrolla en una serie de flashbacks. Harry comienza a hablar y de inmediato van apareciendo como los tres entraron en contacto con Shields. La primera historia es la del director Fred Amiel ( Barry Sullivan ) . 

Su primer encuentro fue en el entierro de un famoso ex director de estudio que había sido abandonado por la industria, Shieds. Mientras lo entierran Fred Amiel, que es director de apoyo de películas de serie B, actor ocasional y que ahora se gana la vida como extra va realizando comentarios despectivos sobre el padre de Shields, sin saber que el que tiene al lado escuchando los comentarios es su hijo Jonathan. 

Descubrimos que a la salida del entierro  el padre de Shields era tan impopular que su hijo con el poco dinero que le quedaba tuvo que contratar " extras " para asistir a su funeral. Uno de esos extras es Fred Amiel, al que Jonathan se niega a pagar por no habr cumplido su parte del contrato. 

Tan mal se siente por lo que ha hecho que Fred decide ver a Jonathan en su mansión en Hollywood Hills. Allí, mientras Jonathan está a la espera de que lo embarguen, se encuentran y Fred se excusa. 

Como Jonathan está de acuerdo con las disculpas, pero también con los comentarios comienzan a entablar amistad y finalmente Jonathan se traslada al piso de Fred para trabajar conjuntamente ladrándose un futuro juntos. A pesar de los malos sentimientos de la industria hacia él debido a su padre, el joven Shields está decidido a triunfar en Hollywood por cualquier medio necesario. Para ello Shields se asocia con Fred Amiel. 

Una noche van a una fiesta y Jonathan descubre a un productor de un estudio que se dedica a películas de serie B a las cartas. Se trata de Harry Pebbel ( Walter Pidgeon), un jugador que solía perder frente a su padre. Y como él ganaba siempre a las cartas a su padre, les propone a Fred, y a un par de amigos , entre los que está Syd (Paul Stewart ) que le presten lo que tienen para jugar contra él. La idea es que gane Jonathan y con ese dinero levantar un proyecto. Sin embargo, Shields pierde los 1.000 dólares que habían conseguido reunir intencionadamente ya que en vez de pagar el dinero se ofrece al ejecutivo Pebbel para poder participar como productor uno y director otro en sus películas. 

A cambio le devolvería el dinero. Finalmente convence a Harry Pebbel de que le permita pagar la deuda como productor en línea para la productora de películas de serie B. Shields y Amiel aprenden sus respectivos oficios haciendo películas de serie B para Pebbel. 

En uno de sus proyecto El ataque de los hombres pantera negra, viendo que aquello es un fracaso asegurado cambian la idea inicial del proyecto y consiguen hacer una película de serie B tan exitosa como de calidad. La película se convierte en un éxito. 

Esa noche Fred y Jonathan se acerca a un casoplón con apariencia abandonada de uno de los actores de su padre. Se trata de la mansión Lorrison. Una casa enorme en la que Jonathan le habla de lo mucho que admiraba a ese actor que aunque bebía era uno de los más grandes. 

De allí se lleva una de sus viñetas, un diablo. Poco antes de salir descubre que su hija, una chica alcoholizada, vive allí. Tras eso Amiel decide que están listos para asumir un proyecto más importante que él ha estado trabajando desde hace años, basada en una obra que se ha intentado , pero que hasta ese momento no ha sido viable siendo rechazada por los estudios. 

Como Fred lleva tiempo estudiándola ha preparado un detallado " book" de cómo se debería llevar a la pantalla. Para ello necesitan contar con un actor importante que se comprometa en el proyecto. Para ello diseñan un plan para captar a uno de los actores del momento Victor "Gaucho" Ribera (Gilbert Roland). Así que lo sacan una noche a bailar, cenar y beber y, finalmente, lee el libreto de Fred quedando encantado con el mismo. 

Finalmente Shields se lo presenta al estudio. Shields obtiene un presupuesto de $ 1 millón para producir la película, pero traiciona a Amiel al permitir que otro director de gran reputación como es el director Von Ellstein (Ivan Triesault), ha sido elegido como director. 

El éxito de la película permite a Shields crear su propio estudio, la Shields Productions, y llevarse a Harry Pebbel a trabajar para él. 

Por su parte, Amiel, ahora independiente de Shields, se convierte en uno de los grandes directores, ganando el Oscar en repetidas ocasiones por derecho propio. 

Tras esta historia Harry Pebble se dirige a la estrella de cine Georgia Lorrison ( Lana Turner ) y le recuerda como comenzó su relación con Shields. Tras aquel encuentro, ella trabajada como extra en algunas películas, en las pocas que le lograba colocar su agente Gus (Sammy White), un hombre bueno y sensible que le logró introducir en un casting como actriz de una sola frase en una de las películas de Shields. 

Cuando la lleva al casting, ella se fija que en la pared está el diablo que había dibujado su padre. Ahora es una desconocida actriz alcohólica, hija de un famoso actor al que Shields admiraba. Él aumenta su confianza y le da ese papel. 

Viendo que ella tiene la carga profesional de su padre, le ofrece, muy a pesar de la opinión de los demás del estudio, el papel principal en una de sus películas a pesar de las objecciones de los demás. Las pruebas iniciales son catrastróficas. Siente la oposición del director del proyecto Henry Whitfield (Leo G. Carroll) pero Jonathan se empecina. 

Ella se irá preparando y cuando queda un par de semanas para el inicio del rodaje le pide que se vaya a descansar a Palm Springs. Georgia llega la noche de antes al lugar de rodaje. Está nerviosa, especialmente cuando ve que jonathan le ha regalado un collar de perlas. Se marcha a beber. Y , al día, siguiente no aparece en el set. Tampoco es localizable durante la semana, por mucho que Syd revise todos los garitos. 

Cuando la posibilidad de ser sustituída es más que real, Jonathan piensa dónde puede estar y la localiza en su viejo apartamento. Allí esta borracha. A la mañana siguiente la tira a su piscina y la recupera para el rodaje. Ella se entrega a él, enamora de él, él le deja pensar que él siente lo mismo para que ella no se autodestruya y él obtenga la actuación que necesita. 

El rodaje sale y el estreno es todo un éxito. Después de que un gran estreno la convierte en una estrella de la noche a la mañana. Sin embargo, Georgia no ve a Jonathan en el estreno. Ella con una botella de champán marcha a su mansión y allí lo encuentra con una hermosa actriz secundaria que le sirve de chófer a Gaucho, Lila ( Elaine Stewart ). 

Cuando Georgia le echa en cara lo que siente, él aleja a Lorrison, diciéndole que nunca permitirá que nadie tenga tanto control sobre él. Aplastada por ser plantada por Shields, Lorrison abandona su contrato con su estudio. En lugar de llevarla a los tribunales, Shields cede sus derechos sobre ella, dejándola libre para ir a otro estudio, lo que le sirve para obtener muchos más éxitos con sus películas al convertirse en una de las principales estrellas de Hollywood. 

Por último, queda el guionista el guionista y profesor universitario James Lee Bartlow (Dick Powell). Bartlow es un hombre formado en Harvard y la Sorbonne dando ahora clases como profesor de historia en una pequeña universidad. 

Se trata de un hombre satisfecho con su vida. Está felizmente casado una bella y superficial sureña, Rosemary ( Gloria Grahame ) y ha escrito un libro superventas sobre los orígenes del asentamiento de Virginia, ligado a la mítica historia del asentamiento desaparecido de Roanoke, una lección de historia, antropología y sexo. Jonathan Shields compró los derechos de adaptación cinematográfica. Shields quiere que el propio Bartlow escriba en Hollywood y para Hollywood el guión de la película. Bartlow no está interesado, pero su esposa, sí, así que acepta hacerlo por su bien. 

Cuando se instalan ven que, curiosamente, son vecinos de Georgia Lorrison. Van a Hollywood, donde Shields se enoja al descubrir que sus constantes distracciones propiciadas por Rosemary impiden que su esposo trabaje con continuidad y la velocidad requerida. 

Shields consigue a su amigo actor el galán Victor "Gaucho" Ribera ( Gilbert Roland) la entretenga y la mantenga ocupada. Libre de interrupciones, Bartlow marcha a un Lago junto a Shields y allí el escritor desarrolla la obra con las aportaciones introducidas por Shields. El guion así se concluye. Pero lo que no sabe el guionista es que Rosemary, sin embargo, se ha ido de viaje con Gaucho en una avioneta con destino a México y ambos mueren en un accidente aéreo. 

Cuando se completa el guión, Shields hace que el angustiado Bartlow permanezca en Hollywood para ayudar con la producción mientras Shields se hace cargo de la dirección. Shields, director por primera vez, arruina el trabajo, lo que lo lleva a la bancarrota. 

Entonces Shields deja escapar un comentario casual que revela el conocimiento y la complicidad en el romance de Rosemary con Gaucho, por lo que Bartlow lo abandona. Ahora, capaz de ver a su difunta esposa de manera más objetiva, Bartlow escribe una novela basada en ella, algo que Shields lo había animado a hacer anteriormente, y gana un premio Pulitzer por ello. 

De hecho la intención de Shields es llevar la novela al cine. Después de cada flashback, Pebbel está de acuerdo con sarcasmo en que Shields "arruinó" sus vidas, dejando claro que cada uno de los tres, a pesar de sentirse traicionado, está ahora en la cima del negocio del cine, gracias en gran parte a Shields. 

Por fin, llega la llamada telefónica de Shields y Pebbel les pregunta a los tres si trabajarán con Shields solo una vez más; los tres rechazan el motivo. Al salir de la habitación, Pebbel sigue hablando con Shields. 

Fuera de la vista de Pebbel, Georgia toma el teléfono y escucha la conversación a la que se irán sumando los otros dos a escondidas ; mientras Shields describe su nueva idea, y se interesan cada vez más en el mismo. No hay duda, son cautivos del mal. 

Hasta aquí la película que se basó en una historia que publicó una revista en 1949 y que llevaba por título "Of Good and Evil" escrita por George Bradshaw (1909–1973), natural de West Virginia . La misma se amplió a una versión más larga llamada "Memorial to a Bad Man" . Se trataba de la voluntad y el testamento de un productor de teatro de Nueva York que intentó explicar su mal comportamiento con tres personas a las que había herido: un escritor, actor y director. MGM compró los derechos de la película y originalmente Dan Hartman iba a producirla. Pero Hartman se fue a Paramount así que el proyecto le fue ofrecido por Dore Schary, el dramaturgo, guionista y productor cinematográfico de nacionalidad estadounidense, que llegó a ser jefe de producción de MGM y, finalmente, presidente del estudio, a John Houseman y se llamaría Memorial to a Bad Man . 

Houseman decidió cambiar el ambiente del teatro de Nueva York por el de Hollywood porque sintió después de All About Eve un escenario como el de Hollywood tendría más atractivo. 

Cuando recibió el proyecto John Houseman le gustó, pero decidió que lo haría, pero "no como una película de Broadway. Estaba harto de las películas de Broadway. El mismo le dijo a Dore Schary que "No sabría cómo agregar nada a las cosas que se han hecho, pero si me dejas hacerlo como una película de Hollywood, me encantaría hacerlo . " 

En principio en la película tendría que participar Clark Gable junto a Spencer Tracy . Finalmente, Kirk Douglas firmó para ser el protagonista. Vincente Minnelli era el hombre que la iba a dirigir. El mismo director señaló que "La gente que leyó el guión me preguntó por qué quería hacerlo" pues " ( ...) iba e contra Hollywood, etc. Les dije que veía al protagonista (...) con una debilidad, lo que lo hace humano, y segundo, porque es duro consigo mismo. Todos los demás, lo que lo hace honesto. Eso es lo complejo y maravilloso de los seres humanos, ya sea que estén en Hollywood, en el negocio del automóvil o en corbatas ". 

Douglas luego recordó que recordaba el caso de Francis X. Bushman , quien tuvo un pequeño papel en la película. El actor señaló que Bushman le dijo que su carrera se desvaneció porque "en el apogeo de su fama, sin darse cuenta, ofendió al todopoderoso Louis B. Mayer haciéndolo esperar unos minutos. Mayer, a su vez, lo expulsó de MGM y lo puso fuera de la industria. Esta fue su primera vez que aparecía en 25 años. La historia de Bushman me dio una idea útil del personaje despiadado y egoísta que estaba interpretando, otro antihéroe más rudo. Me estaba yendo bien con estos papeles ". 

Ha habido mucho debate sobre qué leyendas de Hollywood de la vida real están representadas por los personajes de la película. En el momento del estreno de la película, las historias sobre su base hicieron que todo el mundo pensara en David O. Selznick, cuya vida real era paralela en algunos aspectos a la del "productor independiente obsesionado por el padre" se dice que mandó a su abogado para que viera la película y determinara si contenía cualquier material difamatorio . Se cree que Shields es una mezcla de Selznick, Orson Welles y Val Lewton . 

Dore Schary , director de MGM en ese momento, dijo que Shields era una combinación de " David O. Selznick y el aún desconocido David Merrick ".

Mientras que el personaje de Georgia Lorrison como hija de un actor de "Gran peso" como John Barrymore (de hecho , la carrera de Diana Barrymore se lanzó el mismo año que la muerte de su padre), pero también se puede argumentar que Lorrison incluye elementos del ex de Minnelli, esposa Judy Garland . 

El Gaucho de Gilbert Roland casi puede ser visto como una auto-parodia, ya que recientemente había protagonizado una serie de imágenes de Cisco Kid , aunque el nombre del personaje, Ribera, también parece ser un guiño al famoso seductor de Hollywood el dominicano Porfirio Rubirosa. Lo curioso es que este actor cuyo nombre era Luis Antonio Dámaso Alonso había nacido en Chiuahua y era de padres españoles y entró en el cine a los 13 años, era un galán de medianoche - como le lalma Guillermo Cabrera Infante- "tanto en el cine como en la vida" y "era simpático y acogedor" con el latin lover que interpreta en la película.  El escritor cubano dice de él qe "al menos muere entre los brazos ( y supongo que entre las piernas) de una de las mujeres más atractivas el mundo, Gloria Grahame, que en otra página de su libre Cine o Sardina señala que corneaba a su marido interpretado por Dick Powell "con ayuda de Gilbert Roland, para morir los dos en un accidente de aviación que era como la retribución del ángel vengador a la adúltera".

El director Henry Whitfield ( Leo G. Carroll ) es un director "difícil" de abscribir aunque pudo estar inspirado en Alfred Hitchcock ya que su asistente, la señorita March ( Kathleen Freeman ), sigue el modelo de la esposa de Hitchcock, Alma Reville . 

El otro director, von Ellstein, puede seguir el modelo de Erich von Stroheim y Josef von Sternberg . El personaje de James Lee Bartlow puede haber sido inspirado por Paul Eliot Green , el académico convertido en guionista de la Universidad de Carolina del Norte de The Cabin in the Cotton . 

Houseman dijo más tarde: "Se pensaba que el productor era Selznick, y por supuesto que en gran medida lo es, pero ... bueno, ¿es el ciudadano Kane, el magnate Hearst? Sí, es Hearst, pero también Pulitzer y muchas otras personas legendarias. Así que fue Selznick , Zanuck y todos los demás. Al igual que el director extranjero podría ser Stroheim o Fritz Lang. Cuando empiezas a trabajar en un mundo legendario, obtienes figuras legendarias ". 

La película fue filmada como Tribute to a Bad Man, pero al estudio le preocupaba que la confundieran con un western por lo que el título fue cambiado por The Bad and the Beautiful por sugerencia del jefe de publicidad de MGM, Howard Dietz, quien lo tomó de F. Scott Fitzgerald . 

Houseman admitió que pensaba que era un "título espantoso, es un título repugnante, barato, vulgar", pero cuando la película tuvo éxito "parecía uno de los títulos más grandes que jamás se haya pensado. Ciertamente ha sido lo suficientemente imitado: en cualquier momento realmente difícil para un título, solo toman dos adjetivos y los encadenan con un "y" en el medio. 

Terenci Moix señala en el tercer volumen de su Historia del cine en el capítulo que le dedica a Vincente Minnelli que"Trabajar con Kirk Douglas en los tres filmes que rodamos juntos fue la colaboración más estimulante y gratificante que recuerdo. En cuanto a Lana Turner señala el escritor catalán que fue Vincente Minnelli quien le ofreció el papel de una diva de cine en su "crónica sangrienta sobre Hollywood"  

La película tuvo como fecha de estreno el habitual entonces, el 25 de diciembre de 1952 en Los Ángeles, quedando para el 15 de enero de 1953 en Nueva York y resto del país. Consiguió una recaudación en su país de $ 3,373,000 . A España llegó en octubre de 1954. 

En los Premios de la Academia , la actuación de la actriz Gloria Grahame como Rosemary Bartlow que ocupó solo 9 minutos y 32 segundos de tiempo en pantalla y fue en ese momento la actuación más corta en ganar un Premio de la Academia , un récord que mantuvo hasta 1977 cuando Beatrice Straight ganó Mejor Reparto por Network y estableció un nuevo récord de 5 minutos y 2 segundos. Este fue uno de los 5 Oscars que ganó. 

Junto al de Grahame, se llevó el de Mejor guión para Charles Schnee, la Mejor fotografía en blanco y negro para Robert Surtees, el Mejor vestuario para Helen Rose y la mejor dirección artística para el equipo formado por Cedric Gibbons , Edward Carfagno , Edwin B. Willis y F. Keogh Gleason . 

En los Globos de Oro fue nominada a Mejor actor de reparto (Gilbert Roland) y mejor actriz de reparto (Gloria Grahame) Por parte del Sindicato de Directores (DGA) fue nominada a Mejor director en la persona de Vincente Minnelli y por el de Guionistas (WGA) lo fue a Mejor guión dramático. 

Presentada en el Festival Internacional de Cine de Venecia consiguió el Leon de Oro en la persona de Vicente Minnelli.

Hoy día está incluído en la Junta Nacional de Preservación de Películas en el Registro Nacional de Cine  

En cuanto a la crítica en su país el mítico crítico del The New York Times Bosley Crowther dijo de ella que "No aparece un dibujo claro de cómo se hacen exactamente las películas. Es una película colorida y llena de talento, pero es agitada, episódica y difusa."

En IndieWire se señala que "En el contexto de su tiempo, y por la calidad de su guion y gran parte de sus actuaciones, 'The Bad and the Beautiful' es una película notable." 

Para Dave Kehr del Chicago Reader "Bajo la dirección de Minnelli se convierte en un fascinante estudio de un hombre destruido por la ética del éxito de los 50 (...) Douglas está sorprendentemente bien (...) y está bien apoyado por (...) Lana Turner y Dick Powell." 

Noel Murray de AV Club defiende que "Todos los elementos de 'The Bad And The Beautiful' son de primera categoría (...) Esto es un producto de estudio jugoso y muy sofisticado, lleno de observaciones sobre los líos que hay detrás del arte." 

En Variety destaca que "El guion basado en la historia de George Bradshaw está excepcionalmente bien escrito." 

En el Reino Unido Philip French en las páginas del The Guardian sostuvo que "Aunque fue dirigida con la delicadeza característica de Minnelli, es esencialmente una película de productor, hecha por John Houseman (...) Houseman aplica (...) inteligencia y suavidad a un genio despiadado de Hollywood" 

David Parkinson en Empire señaló que "El megalómano de dientes apretados y muecas de Douglas está entre sus mejores trabajos, mientras que el guion de cotilleo (...) se presenta maravillosamente con la exuberancia melodramática de Minnelli (…) " 

Para Cath Clarke de Time Out la película "Está muy cerca del cielo cinematográfico (...) El guion está lleno de deliciosa sátira sobre el dinero en Hollywood (...) El diálogo es dinamita (…)" 

Ya en España Carlos Boyero cuando escribí en El Mundo comentó que "Para mí una de las diez mejores películas de la historia del cine. (...) Es una película en la que todo funciona a la perfección, con aroma, con un privilegiado sentido del cine."

 Y Miguel Ángel Palomo en El País reflejó por escrito que era un "Asfixiante melodrama (...) Un juego de espejos que desvela verdades y embustes, guiado por el maestro Minnelli. Una absoluta maravilla."

El crítico venerado por Guillermo Cabrera Infante José Luis Guarner escribió en su Historia del cine americano que es "Uno de los mejores films, si no el mejor, de Hollywood sobre Hollywood."

Para Terenci Moix la película responde a algo único en Hollywood: "Siempre se dijo que sólo Hollywood está capacitado para hacer un análisis crítico de su fauna y Cautivos del mal la presentó bajo rasgos poco favorecedores. Sin embargo, revisiones actuales demuestran que la película es un admirable melodrama antes que la crítica implacable que en su momento pretendió ser. Douglas era, en su caso, un productor genialoide cuya imparable ascensión al éxito permite observar retazos de la vida de un gran estudio y, el principio del filme, imágenes fantasmagóricas de un Hollywood poblado de has bee. Se dijo que el personaje estaba inspirado en el niño prodigio de la Metro en los años treinta, el productor Irving Thalberg (quien ya inspiró a Scott Fitgerald su novela inacabada "The LastTycoon"), peroel modelo, si existió, no tarda en apartarse de sus orígenes para dramatizar el típico carácter del arribista sin escrúpulos".

Yo después de lo dicho por estos críticos sólo queda rendirme ante ella y decir que estoy ante una obra maestra del cine que tiene la virtud de hablar del cine, desde el cine. Capolavoro!!!

Látigo para el Purgatorio

No es para fustigarse este western que fue lanzado en el año 1971 con el título de Support Your Local Gunfighter planteado como comedia con muchos elelemtos cercanas a la coral en la que todo un pueblo, Purgatorio, acaba enredando con el protagonista absoluto que es James Gagner.  

Hablamos de una película dirigida por un especialista en el género, Burt Kennedy, de la que ya comentamos el clásico de Un hombre impone la ley aunque realicé una entrada anterior titulada Good Guys & Bad boys, en la que hablaba largo y tendido de la vida del director; así como  y producida por Bill Finnegan y Burt Kennedy por medio de la productora Cherokee-Brigade Productions- propiedad de James Gagner- y contando con la distribución de la United Artists. La película sigue el guion escrito por James Edward Grant y, sin acreditar, de Burt Kennedy. La música está compuesta por Jack Elliott y Allyn Ferguson, y la buena fotografía es de Harry Stradling Jr. El montaje de la misma fue realizada por William B. Gulick

El reparto lo encabeza James Garner como Latigo Smith junto a Suzanne Pleshette como Patience Barton, Harry Morgan como Taylor Barton y Jack Elam como Jug May. Aparecen igualmente John Dehner como el Coronel Ames, Marie Windsor como Goldie, Dick Curtis como Bud Barton, Dub Taylor como Doc Shultz, Joan Blondell como Jenny. También aparecen Ellen Corby como Abigail Ames, Kathleen Freeman como la Sra. Martha Perkins, la regente del hotel, Virginia Capers como Effie, Henry Jones como Ez, Ben Cooper como Colorado, Grady Sutton como el tendero, Pedro Gonzalez Gonzalez como el peluquero Ortiz y Chuck Connors como "Swifty" Morgan (sin acreditar)

La película comienza con su protagonista Látigo Smith (Garner), una mezcla de gigoló y timador, em un tren, bebiendo y huyendo de su prometida, la temperamental Goldie( Marie Windsor), y que se plantea abandonar un tren que va con destino a Denver (Colorado) para casarse. Pero a mitad de un trayecto llegando así a un pueblo llamado Purgatorio o Purgatory, un pequeño pueblo minero con la intención de huir de un matrimonio no deseado y, además, con el propósito de borrar un tatuaje que lleva en el pecho. 

Nada más llegar descubrimos que el pueblo está controlado por dos compañías mineras, dirigidas por rivales acérrimos . Una de de Taylor Barton ( Harry Morgan ) un viudo con dos descendientes, un hijo, Bud ( Dick Curtis)  que siempre lo acompaña y una chica muy temperamental de nombre Patience o Plácida (Suzanne Pleshette ).

Frente a esta familia se encuentra el coronel Ames ( John Dehner ), un amante de Napoleón Bonaparte y que tiene una hermana que sale con Taylor Barton. 

Ambos están compitiendo por encontrar una " veta madre " de oro enterrada en algún lugar próximo, bajo la ciudad. Las explosiones de dinamita sacuden periódicamente la ciudad hasta sus cimientos como comprobamos en el bar. 

Cuando Látigo se baja del tren se encuentra con Taylor Barton que le pregunta si es él "Swifty" Morgan, El dice que no y tras buscar una habitación y verse amenazado por la temperamental como Patience Barton o Plácida (Suzanne Pleshette) mientras habla con un hombre sin fortuna como Jug May (Jack Elam), al que regala un billete de 100 dólares. 

Tras saber que el médico está en el bar va en busca de él al saloon. Allí además de ver en la bar a Jug May tomándose una cerveza divisa al médico al que quiere realizar una consulta profesional. El médico de la ciudad el Doctor Schultz ( Dub Taylor ) que compagina la medicina con un establo, le pregunta de qué se trata pues piensa en una enfermedad grave, pero el habla de un problema vergonzoso que no se revela de inmediato, pero que resulta ser un tatuaje relacionado con Goldie. 

Antes de salir del saloon descubrimos que Látigo siente una debilidad enfermiza, un impulso incontrolable de apostar en la ruleta por el número 23. Pronto pierde todo su dinero jugando su número "de la suerte", el 23. 

Sin un centavo, comienza a buscarse la vida acompañado de su "socias" Jug May. Se le ocurre tras hablar con él que ha de iniciar un romance con la tabernera local Miss Jenny ( Joan Blondell ) contandole la triste historia de su amigo Slim, aparentemente un hombre enamorado de Jenny, haciéndole entrega de una espuela, que no es de otro que de Jug May, siendo esta su única posesión. Como le vuelven a confundir con el infame pistolero "Swifty" Morgan esto le da una idea a Latigo. 

Habla con el amable compañero Jug May ( Jack Elam ) para que se haga pasar por Swifty. Latigo atrae la atención de la joven y temperamental Patience Barton ( Suzanne Pleshette), la hija irascible de Taylor, que quiere desesperadamente escapar del oeste, pues su sueño de asistir al "College de Miss Hunter en el río Hudson, Nueva York, para jóvenes damas de buenas familias", y vivir una vida refinada en la ciudad de Nueva York . Cuando Latigo le dice que el se ha criado en Nueva York, no duda en enamorarse de él. 

Ya para ese momento Látigo y Jug se han puesto del lado de los Bartons en una disputa como descurbimos cuando entran en la casa de los Ames. Con ese apoyo vuelve a conseguir dinero e igualmente lo pierde en la ruleta. 

Sus problemas aumentan cuando al local de Miss Jenny se persona Goldie( Marie Windsor) , Al contarle Jenny como conoció aun gran hombre, Goldie descubre que se trata de Látigo queda la cara. Los problemas crecen cuando el coronel Ames envía un telegrama al verdadero Swifty Morgan ( Chuck Connors ), un pistolero que tiene un rasgo muy significativo, es calvo, informándole del engaño y de la usurpación de su personalidad llevada a cabo por Látigo y Jug May. 

Swifty llega en tren a la ciudad e inmediatamente desafía al desafortunado Jug a un tiroteo, pero a la hora y el lugar señalados, Látigo está allí en su lugar, sentado encima de una mula cargado con cajas de dinamita. 

Swifty le dice a Látigo que es un farol, pero un disparo desafortunado en la que el mismo Swifty se da en la pierna, provocan que el mulo se sobresalte y entre en el saloon de Miss Jenny estallando la dinamita. 

La explosión provoca que en el edificio se abra un boquete que descubre la veta madre y elimina el tatuaje problemático de Latigo, dejándolo ileso. Latigo con todo el dinero que ha ganafo vuelve a caer en la tentación de la ruleta apostando $ 10,000 al número 23. Gana una fortuna y además se casa con Patiene. 

En la última escena vemos a Jug, hablando a la cámara y rompiendo la cuarta pared desde la parte trasera de un tren en movimiento que lleva a Látigo y Patience a Denver para casarse, y nos revela que Patience nunca fue a la Miss Hunter's College, pero sí las siete hijas que tuvo con Látigo. En cuanto a sí mismo, Jug dice que se convirtió en una gran estrella en los westerns italianos.

La película fue rodada en el verano de 1970 en el ferrocarril de Durango and Silverton Narrow Gauge Railroad, en Colorado, en californiana Newhall , en concreto en Golden Oak Ranch así como en el CBS Studio Center en el 4024 Radford Avenue de Studio City de Los Angeles. 

Ese tren de los créditos iniciales y la escena final es el tren turístico del Ferrocarril de vía estrecha Durango & Silverton en Colorado. 

Como se trataba de una producción de Cherokee, que era la propia productora de James Garner, hay muchas caras conocidas, miembros del reparto que trabajaron con Garner en sus series. 

Al final de la película Jug (Jack Elam) presenta un epílogo sobre el destino de los personajes principales del furgón de cola del tren en movimiento. En cuanto a sí mismo, menciona que pasa a protagonizar spaghetti westerns. En realidad, se refiere a su papel icónico, pero breve, al comienzo de Hasta que llegó su hora (1968), como el líder de un pequeño grupo encargado de matar al personaje de Charles Bronson. Un otro spaghetti western en el que apareció fue Sonora (1968). 

James Garner, Jack Elam, Harry Morgan, Henry Jones, Walter Burke, Willis Bouchey, Gene Evans y Kathleen Freeman aparecieron juntos anteriormente en otra película con un tono similar, Support your local sheriff (1969). 

Aunque esta película no es una secuela de esa, todos los actores anteriores interpretan personajes completamente diferentes en una ciudad diferente, todos interpretaron personajes similares a los que interpretan aquí. 

La frase de James Garner, "Paciencia, hay algunas cosas que un hombre simplemente no puede evitar ... pero tal vez sí", es una parodia del guionista Burt Kennedy de una frase que escribió, más en serio, para dos western de Budd Boetticher protagonizados por Randolph Scott, Los cautivos (1957) y Cabalgar en solitario (1959) y que es la frase "Hay algunas cosas que un hombre no puede sortear". 

James Garner y Suzanne Pleshette serían estrellas invitadas juntos en No con mis hijas (2002) después de la muerte de John Ritter en 2003, como resultado, Garner se convirtió en un miembro regular del elenco en el programa hasta el final de la serie en 2005. 

La película tuvo su estreno en mayo de 1971 alcanzado una taquilla de $551,500 en los Estados Unidos.  

En Fotogramas se describe la película como uno de estos westerns surgidos "Entre finales de los 60 y principios de los 70, Burt Kennedy dirigió numerosos westerns en clave de comedia: "Los desbravadores", "También un sheriff necesita ayuda", "Duelo de pillos"... Este film pertenece a esta modalidad, y se resuelve según fórmulas casi inamovibles. Algún momento brillante destaca dentro de una tónica general un tanto plana. " 

En ABC se señala que se trata de un "Wéstern de tono cómico, continuación de "También un sheriff necesita ayuda" (1969), donde se recupera el personaje de Latigo Smith interpretado por James Garner. Su director, Burt Kennedy, se especializó en este tipo de productos, rodando "El regreso de los Siete Magníficos" (1966) y algún que otro espagueti wéstern como "La spina dorsale del diavolo" (1971). A partir de mediados de los 70 se centró en la producción televisiva, rodando algunos capítulos de series como "Magnum" o "Simon & Simon". Sin embargo, uno de sus últimos trabajos en el cine fue la adaptación de la novela de Peter Viertel "Cazador blanco, corazón negro", que sería llevada al cine por Clint Eastwood. Por otra parte, en 1994, James Garner recuperó un papel muy similar al de Latigo Smith con la película "Maverick", dirigida por Richard Donner e interpretada también por Mel Gibson y Jodie Foster".

Por mi parte decir que estamos ante una película ligera por su tono cómico, divertida, coral en el sentido de que todo el mundo juega un papel, pero que está bien rodada en base a un guion que intenta mantener la sonrisa en la boca sin perder el sentido del western. Presenta todos los elementos propios del western, los jugadores, las peleas colectivas en el saloon, el papel del juego, la importancia de la minería, la rivalidad entre propietarios, el pistolero pretendidamente malvado, el tren, los paísajes que te remiten a las rocosas, una buena fotografía... En definitiva, una película entretenida. 

En un lugar de África

Película alemana que ha mantenido todo mis interés. Una historia de persecusión y acogimiento, de incomprensión y adaptación, de enamoramiento de un espacio y supervivencia. De eso va En un lugar de África , película estrenada en 2001 que tuvo reconocimientos nacionales e internacionales importantes que culminaron con el Premio Oscar a la mejor película extranjera. 

Basada en una novela autobiográfica que llevaba por título Nirgendwo in Afrika publicada en 1998 escrita por la escritora judia alemana Stefanie Zweig fallecida en 2014. La película fue dirigida por Caroline Link, una directora y guionista de 56 años en la actualidad con experiencia en la dirección de películas para la televisión y para la gran pantalla, siendo esta su principal película, aunque tuvo cierto reconocimiento fuera de su país tras el estreno en 1996 de Jenseits der Stille y tras el éxito de En un lugarde África estrenó Im Winter ein Jahr (2008) y Exit Marrakech (2013). 

La película fue producida por Peter Herrmann para las productoras Bavaria Film y Constantin Film manejando un presupuesto de 7 millones de euros. La película parte de un guion escrito por la misma directora Caroline Link basándose en la obra de Stefanie Zweig que también participço en el mismo. 

La película cuenta con la banda sonora de Niki Reiser, la fotografía de Gernot Roll y el montaje de Patricia Rommel.

El elenco lo encabeza Juliane Köhler como Jettel Redlich, Merab Ninidze como Walter Redlich , Sidede Onyulo como el cocinero Owuor, Matthias Habich como el vecino de Walter Süsskind y las jóvenes actrices Lea Kurka como Regina de pequeña y Karoline Eckertz como de Regina adolescente. 

Junto a ellos aparecen Gerd Heinz como Max, Hildegard Schmahl como Ina, Maritta Horwarth como Liesel, Regine Zimmermann como Käthe, Gabrielle Odinis como Klara, Bettina Redlich como Mrs. Sadler, Julia Leidl como Inge, Mechthild Grossmann como Elsa Konrad y Joel Wajsberg como Hubert. 

Una bicicleta en la que pedalea un niño va recorriendo un camino polvoriento africano hasta llegar a una casa en la que un hombre blanco duerme. El niño levanta al hombre blanco , Walter Süsskind (Matthias Habich) que como un resorte se levnata toma su camioneta y en ella mete al niño y a la bicicleta. Ambos llegan a una casa en mitad de un sitio seco y polvoriento. 

En la habitación se encuentran dos hombres, un hombre blanco encamado y uno negro en una esquina. El hombre blanco (Merab Ninidze ) está postrado en la cama. Tiene fiebre. Está afectado por la malaria. Tras ser atendido por su vecino, éste ordena al hombre de color el cocinero Owuor ( Sidede Onyulo) que de cada cierto tiempo una medicación. Algo que hace al igual que le hace una sopa para fortalecerlo. Al final descubrimos que se recupera. 

Tras esto la historia cambia de espacio y nos encontramos en Leobschütz (en Silesia, cuando todavía formaba parte de Alemania . Estamos en 1938, y vemos que Walter ha dejando en su país natal a su esposa y a su hija, así como a su padre y hermana. Ella acaba de recibir una carta de su recién recuperado marido en la insta a salir de Alemania a todos los integrantes de la familia ya que lo pueden acoger en África. 

Descubrimos así que la familia Redlich es judía y que Walter, que ha ejercido de abogado mientras vivía en su país decidió huir dada su condición y la presión que sentía por parte de las autoridades nazis. 

Tras la recepción de la carta la mujer de Walter, Jettel (Juliane Köhler) acompañada de su hija Regina (Lea Kurka ) deciden salir del país muy a pesar de Jettel que sabe lo que deja. Tras eso toma diferentes medios de transporte, especialmente un barco que lleve a ambas a Kenia. 

Ahora Walter se encuentra trabajado como administrador de una granja keniata, en un auténtico secaral, sin agua. Y a ese espacio, aparentemente inhósppito, llegan madre e hija. Mientras la esposa Jettel tiene problemas para adaptarse a la vida en Kenya, su hija Regina, por contra, se encuentra encantada del nuevo paisaje y adecua rápidamente a su nuevo ambiente, aprendiendo fácilmente la lengua del país y mostrando interés por la cultura local. 

Pronto, Regina entabla amistad con el cocinero de la granja, Owuor, que nada más llegar la ha cogido bajo su protección. Regina va conociendo a los chicos de la aldea cercana y adopta un pequeño antílope y tras eso un perro. 

Mientras tanto a Walter se le exige cavar un pozo en una tierra en donde los locales afirman que no hay una gota de agua. Estas circunstancias exasperan a Jettel que cada vez está más irritada con su marido y con las circunstancias. Una radio les mantiene informados. 

Un día estalla la guerra y ven como unas camiones británicos se desplazan hasta la granja. Los británicos han decidido reunir a todos los ciudadanos alemanes y los detienen, sean judíos o no, separando a hombres de mujeres. Los hombres llevados a barracones. Las mujeres y sus hijos a un hotel. 

Mientras en el barracón Walter confiesa que todavía quiere a su mujer ante su vecino Walter Süsskind , Jettel recupera las comodidades de vivir en un espacio que repite el entorno europeo, similar al que tenía en Alemania. Jettel está dispuesta a moverse para explicar su situación. 

Como integrante de la comunidad judía nunca colaboraría con las autoridades nazis. Consiguen autorización para ver a Walter, pero no trabajo por parte del Delegado Judío en la zona. 

Por otro lado, Jettel parece sentirse atraída por un militar británico de madre alemana que le puede prestar ayuda. Vemos como el matrimonio Redlich se empieza a deteriorar. Jettel, finalmente, tiene una relación con un oficial británico siendo vista por Regina. 

Tras un tiempo ella ha conseguido un nuevo trabajo para Walter que es liberado. El exabogado se encarga de una nueva granja. Allí comienza una nueva vida como capataz, más cómoda, produciendo maíz. De cualquier manera Walter sospecha como ha conseguido el trabajo. 

Mientras a la granja llega Owuor, aunque también noticias de la complicada situación familiar en Alemania. Regina , por su parte, tiene que ir a una Escuela británica donde ha de residir junto a su amiga Inge, a la que conoció en el hotel del confinamiento. Allí brilla por su sentido común, sensibilidad y racionalidad. 

Vemos como Regina crece (Karoline Eckertz) manteniendo sus lazos con sus amigos kikuyus, con Owuor y con sus padres. Walter, por su parte, decide unirse al Ejército Británico y quiere que Jettel vaya a Nairobi con él, pero ella se niega y permanece en la granja con Owuor. 

Regina vuelve al internado inglés, solo volviendo de vez en cuando durante la temporada de cosecha. Durante este tiempo, Jettel y Süsskind empiezan una relación. 

Por su parte, Walter regresa de la guerra y le cuenta a Jettel que la política del Ejército Británico es de mandar a todos los soldados con sus familias a casa. Jettel se niega a ir con él, al afirmar que la granja la necesita. Walter le cuenta el triste final de sus familias en Alemania. No ha sobrevivido nadie. 

Finalmente, su relación mejora, a pesar de que él sabe que mantiene una aventura con Süsskind - como también lo sabe Regina-. Cuando parecen haber roto definitivamnete una plaga de langosta provoca que Walter regrese y se quede. 

Pero , finalmente, él está decidido en volver a casa. Jettel le permite decidir a Walter si se marchan o no. Walter se presentará para ocupar el cargo de juez en la Alemania de la posguerra en Hessen. Owuor sabe que su presencia con la familia se acaba y se despide de la familia, y especialmente de Regina con la que mantiene una relación intensa de amistad. 

La dos últimas escenas muestran a Walter, Regina y Jettel montándose en un tren africano, tras despedirse de Süsskind; cuando el tren se detiene, una mujer africana ofrece a Jettel un plátano. La mujer le regala dos y Jettel aprovecha en acarizar la mano de la mujer asumiendo lo mucho que le importa África. El tren se marcha y la película se acaba. 

El productor Peter Herrmann se aseguró los derechos de la novela de Stefanie Zweig incluso antes de que el libro se convirtiera en un éxito de ventas. Caroline Link, que hará de directora y guionista, junto a Zweig, filmó una película de alto presupuesto en locaciones en Kenia, especialmente en el pequeño pueblo de Mukutani . 

El equipo alrededor de la directora Caroline Link fundó la Fundación Mukutani para brindar ayuda duradera a los aldeanos incluso después de que terminara el rodaje y junto con la organización evangélica World Vision construyeron un camino de acceso a Mukutani. 

Cuando Caroline Link fue nominada a los Oscar no pudo asistir a los Premios de la Academia debido a la enfermedad de su hija. Sería el primer Oscar a una película alemana tras 23 años desde el último premio que había sido con Die Blechtrommel. 

Nirgendwo in Afrika ganó el premio a la Mejor película extranjera, aunque Caroline Link por una obra anterior, Jenseits der Stille, ya había sido nominada en 1998. La película fue nominada a los Globos de oro a la Mejor película de habla no inglesa. 

En el Festival Internacional Karlovy Vary de la República Checa obtuvo el Premio Especial del Jurado. Tras su estreno en su país en 2001 obtuvo cinco Premios del cine Alemán, los Deutscher Filmpreis que entregan los "Golden Lola" consiguiendo los de Mejor película, Mejor fotografía ( Gernot Roll), Mejor director (Caroline Link), Mejor música (Niki Reiser), Mejor actor de reparto (Matthias Habich) así como la nominación en la categoría de mejor actriz protagonista para Juliane Köhler.

En los Bayerischer Filmpreis que son los Premio del cine bávaro consiguió el Premio a la Mejor producción y el Premio del público.

Para la crítica de su país la película fue un impulso y un reconocimiento para el cine alemán, pues no es todo películas como las que emiten Antena 3 y la 1 entre sábados y domingos. 

En  Filmdienst.de, el portal online alemán de cine, cultura cinematográfica y crítica cinematográfica consideró que "La película extremadamente entretenida y con una puesta en escena sensible se beneficia de tomas de paisajes templados, dramaturgia enérgica, música sensible y cámara y edición decididas. Gracias a excelentes actores, describe los años de emigración con compasión y sin ningún eco sentimental " 

En otra guía alemana, TV Movie, la guía de programación quincenal publicada por Bauer Media Group señaló que era "Recomendable(...) y una sensible epopeya en imágenes grandiosas". 

En cuanto a la crítica internacional en los Estados Unidos , Roger Ebert, columnista del Chicago Sun-Times consideró que "Es tan infrecuente encontrar una película que te absorba rápidamente en su historia (...) Ésta lo hace (...) " 

Kirk Honeycutt del The Hollywood Reporter sostuvo que era "Maravillosamente evocadora, observa hábilmente tanto lo cotidiano como el alcance épico de una historia de desarraigo y adaptación"

Mike Clark del USA Today señaló que era "Una de las mejores películas sobre una persona que toma el punto de vista de otra, sólo para comprobar que esa persona cambia de actitud... también es tan buena como 'Out of Africa' (...) " 

Edward Guthmann en SFGATE más crítico valoró que "Link, mejor directora que guionista, deja que su historia se alargue demasiado, pero sitúa los muchos capítulos de su épica con un ojo agudo y un fuerte sentido del ritmo" 

Rita Kempley del The Washington Post consideró que la película era un "Un safari del alma", algo con lo que no estaba de acuerdo un crítico muy crítico , Lou Lumenick del New York Post, con la película al decir que era "Un culebrón mediocre e interminable" 

En el Reino Unido Dan Fainaru de Screendaily dijo que "Funciona sobre todo porque Link evita cuidadosamente hacer una épica al estilo americano" .

Ya en España Ángel Fernández Santos en las páginas de El País que era una "Conmovedora evocación. (...) Crónica y memoria familiar luminosa y de gran calado, 'En un lugar de África' es cine hondo, inteligente y nada convencional".

Esteve Rimbau en la de Fotogramas consideró que estábamos ante un "Espléndido film (...) Lo mejor: una emoción jamás reñida con la reflexión. Lo peor: la interpretación del protagonista masculino. (...) " 

Un habitual de esta revista , Fausto Fernández , por contra, señaló en un tweet que la película era un "Somnífero made in Germany" y , finalmente, sentencia "es un tostón". 

Señalar que la película muestra muchas referencias a la realidad histórica vivida por muchos judíos alemanes después de 1933 y antes del inicio del Holocausto sufrido durante la Segunda Guerra Mundial como la separación de los padres, la notificación de su muerte, las preocupaciones laborales y financieras, el divorcio, la vida del Comunidad judía, incluso para aquellos que no eran practicantes, la integración de la generación posterior en el país al retorno, las dudas que les generaban a los colonos de otros nacionalidades, la integración de algunos como parte de soldados aliados, el desarraigo de muchos al volver y pensar lo que había dejado atrás, etc... 

Destacar que gran parte de lo visto responde a la realidad personal de la autora Stefanie Zweig cuya familia, judía, escapó de la Alemania nazi, buscando refugio en África. Pasaron, por tanto, de una vida urbana en Silesia a un kraal en Kenia en 1938, cuando contaba cinco años. En esa época, estudió en un internado de lengua inglesa. En 1941 su familia recibió una postal de su abuela que decía "estamos muy ilusionados, mañana vamos a Polonia", lo que significaba que iban a Auschwitz. 

Tras formarse en Alemania y trabajar como editora decidió contar la experiencia vivida en un lugar de África en distintos libros Ein Mundvoll Erde fue publicada en 1980, una nueva versión titulada Vivian und ein Mundvoll Erde siguió en 2001. 

Entre medias publicó la que inspiró esta película Nirgendwo in Afrika . Su novela Irgendwo in Deutschland , fue la secuela de la anterior y describe la vida después de regresar a Alemania. 

Zweig volvió dos veces a Kenia desde su partida en 1947, a la edad de 15 años, para encontrar destruida la granja que habitó. En 2012, dos años antes de sumuerte, escribe su autobiografía : Nowhere Was Heimat: My Life on Two Continents de 2012, en la que la autora documentó toda su historia familiar desde su nacimiento en la Alta Silesia hasta el presente en cartas y en sus propias notas de diario. 

Por mi parte decir que puede que no sea tan conmovedora como Memorias de África, ni contenga una historia de amor tan rotunda como la de Robert Redford y Meryl Streep ni un banda sonora ni sus imágenes de caza. Pero el acercamiento es más verista, más cercano, más humano. En definitiva, más creíble. Su trasfondo histórico sí que no le desmerece en nada. Y los espacios quedan retratados con realismo así como hay un intento de acercarse al mundo africano, casi con un interés antropológico, lo cual engrandece la película desde el punto de vista la historia. Considero que he visto una buena película. Una buena manera de recuperar la memoria de otros sentidos africanos.   

To be or not to be

 

Historias de Filadelfia revisada

La revisión de Historias de Filadelfia , pues ya está comentada, me lleva a volver a presentarla como un clásico imborrable de Cukor. Una película que empieza y acaba con los grabados de la ciudad y sus edificios más representativos. Una crónica de la alta sociedad en la que se introducen un periodista y una fotógrafa. Una historia de amor entre dos parejas, que no saben- únicamente lo sabe uno, Cary Grant, lo mucho que se necesitan. Aquí lo vemos durante la preparación de la transmisión radiofónica de la película. Con una Hepburn que era para entonces "veneno para la taquilla". Así que la actriz compra los derechos de Historia de Filadelfia y hace esa maravillosa película con la que vuelve a ser una estrella. Un caso de empoderamiento.  

Destaca Terenci Moix que se trata de un filme de origen teatral transplantado a la pantalla y que Cukor convertirá en una de sus grandes comedias. Fue una película escribía el escritor catalán impuesta por Cukor y Hepburn a la Metro después de comprar sus derechos. Dice Moix "ES de nuevo una comedia de Barry cuya eficacia recae sobre el espléndido juegos de sus intérpretes (Kate, Grant, Stewart y Ruth Hussey), pero no es este su único mérito; además, la agilidad de la puesta en escena y un gusto casi perverso por el alfilerazo son detalles del buen hacer de Cukor , y el refinamiento de recursos ensayados con anterioridad en "Cena a las ocho" .

Sigue Moix afirmando que "Historias de Filadelfia cosntituyó un éxito popular  , y la crítica fue unánime en sus elogios. Don Herold escribió en Scribner´s Commentator: "la version cinematográfica de de la obra de Philip Barry está años por delante de los diálogos que se escriben para la gran pantalla. Muchos tal vez no sepan lo que esto significa , pero ya era hora de que su público en lugar de quedarse a diez pasos de él..."En cuanto a C.A. Lejeune, terminaba su critica, diciendo "Pese a una hermosa interpretación de James Stewart, "Historias de Filadelfia" es, de arriba a abajo, un espectáculo de miss Hepburn".

Dieciséis años después , la MGM desempolvó el guion y produjo una versión musical con Grace Kelly, Bing Crosby y Frank Sinatra. El resultado "Alta sociedad" (High Society, 1956), era bastante agradable gracias a las canciones de Cole Porter, pero le fastaba el incisivo humor del original". 

Con su toque, en el que están presente diálogos brillantes, magníficas actuaciones en la que la Hepburn y James Stewart están colosales, situaciones de enredo, sabiduría en la puesta en escena y toques inteligentes a la hora de reflejar la sociedad y su crítica de una manera tan inteligente como brillante.  Una película imprescindible en la historia del cine, y especialmente en la comedia. Me pregunto si la nueva Inquisición no la destruiría por elementos que aparecen en la misma: el alcoholismo, la "violencia de género" , el juego de las batallas de sexos...Nunca se sabe.   

Un día de Furia

¿Por quién doblan las campanas en West End? No hay duda, lo hacen por el predicador. Aunque no sea el protagonista principal de los que habitán en esa ciudad. Una ciudad de la que sus mismos habitantes dudan de que tenga incluso el nombre adecuado. Lo que sí pretenden algunos es convertirla en una ciudad virtuosa, entre ellos las fuerzas vivas de la ciudad. Sin embargo, la llegada de un hombre, su casual encuentro con otro y la falta de perdón al pasado de otro genera la tensión y el inicio de ese día de violencia.

Los protagonistas de este western de serie B, cuyo nombre real era A Day of Fury, no son precisamente las fuerzas vivas, sino dos actores y una actriz que son los vértices de un triángulo. Alrededor del mismo se desarrolla este western, repleto de secundarios y terciarios, que sorprende por la gran historia que hay detrás. 

Por lo pronto, señalar que lo mismo que no hace tanto descubrí a un actor de western de serie B que será toda una referencia de western en los 50 y 60, como Audie Murphy, aquí he descubierto a otros que asumen protagonismo en esta película como son Dale Robertson y Jock Mahoney, junto a una cara más reconocible, la de Mara Corday. 

El responsable del mismo fue Harmon Jones un director fallecido en 1972, pero que desarrolló su actividad entre los años cuarenta y sesenta. Entre 1944 y 1951, uno de los editores principales de la 20th Century Foxy , nacido en Canadá en 1911, que trabajó durante muchos años en estos estudios. En estos años se le acredita como editor en alrededor de unos 20 largometrajes hasta 1950, entre ella algunas dirigidas por Elia Kazan. 

A la mitad de su carrera, se convirtió en director de cine y televisión. Según el historiador de cine Hal Erickson a patir de 1951 y hasta 1969, estuvo detrás como director de una quincena de largometrajes y decenas de episodios para series de renombre.

Señala Hal Erickson que debutó como director  " con un película del actor Monty Woolley titulada As Young as You Feel (1951), que presentaba a la prometedora Marilyn Monroe . Sus primeros proyectos como director se mostraron prometedores, especialmente su par de películas de béisbol. Pride of St. Louis (1952) y The Kid from Left Field (1953). Pronto, sin embargo, Jones empezó a producir westerns de rutina y películas de disfraces regulares " .

Por su parte, Toby Roan autor de A Million Feet Of Film y 50 Westerns From The 50s, señala que realizó "cinco westerns - The Silver Whip(1953), City of Bad Men , A Day of Fury (1956), Canyon River (1956) y Bullwhip (1958) son ejemplos perfectos de lo que podría ser western de presupuesto medio. A Day Of Fury es una película fantástica, uno de los mejores westerns de Universal en los años 50, y eso es decir algo. Si Jones hubiera hecho más westerns, estoy seguro de que lo agruparíamos con directores como George Sherman , Gordon Douglas y Phil Karlson ". 

Jones aparentemente dejó 20th Century Fox en 1954 para realizar en 1955 Target Zero producida por la Warner Bros. y esta Day of Fury(1956) para la Universal Studios.

A partir de 1957 Jones comenzó a dirigir episodios de varias series de televisión populares como Perry Mason , Rawhide y Death Valley Days. Los últimos créditos de Jones son de 1969, para varios episodios de series de televisión. 

En este caso la película fue producida por Robert Arthur para la productora y distribuidora Universal International Pictures (UI)  y contó con el guion de Oscar Brodney que siguió los marcado por el otro guionista, pues la historia fue responsabilidad de James Edmiston.

La responsabilidad de la música fue de Irving Gertz, aunque Henry Mancini aparece como arreglista de temas tradicionales como Trit Trot , Oh, Susanna, Dream for a Miner´s Child. En el apartado de la fotografía nos encontramos con Ellis W. Carter que llevó el celuloide a Tecnicolor.

Reparto Dale Robertson, Mara Corday, Jock Mahoney, Carl Benton Reid, Jan Merlin, John Dehner, Dee Carroll, Sheila Bromley, James Bell, Dani Crayne, Howard Wendell, Charles Cane, Phil Chambers, Sydney Mason, Helen Kleeb 

El elenco lo encabeza Dale Robertson como Jagade, Mara Corday como Sharman, Jock Mahoney como Burnett , Carl Benton Reid como juez McLean , Jan Merlin como Billy, John Dehner como el predicador Jason , Dee Carroll como Miss Timmons,  Sheila Bromley como Marie, James Bell como Doc Logan,  Dani Crayne como Claire, Howard Wendell como Vanryzin , Charles Cane como Duggen , Phil Chambers como Burson , Sydney Mason como Beemans, Helen Kleeb como la Sra. McLean.  

La historia se inicia como una cartela que nos informa que tras la guerra civil norteamericana se dio una expansión hacia el oeste, un área que inicialmente vivirá los problemas de violencia que había traído la guerra civil, pero en la localidad de West End todo cambiará un domingo tras la llegada de un pistolero. Su nombre , Jagade.

Efectivamente vemos la llegada de este pistolero a caballo a la ribera de un río. Jagade (Dale Robertson) mientras avanza con su caballo observa como un hombre se posiciona en lo alto de una cascada. Va armado y se oculta. Casi de inmediato, el observador Jagade ve la llegada de otro hombre montado a la zona. Va vestido elegantemente, de negro. Jagade sale de su escondite observador y provoca que el recién llegado saque su arma, mientras el que esta agazapado dispara. 

El recién llegado da las gracias a Jagade y le dice que le debe la vida. Mientras se saludan el recién llegado se presenta como Alan Burnett (Jock Mahoney) , aunque Jagade saca el arma de forma rápida y dispara casi sobre el cuerpo de Burnett. Aunque le hace un agujero en la ropa lo cierto es que acaba con el ha intentado martalo. 

Cuando se mueve la chaqueta descubrimos que Burnett es el marshall de la localidad cercana de  West End y que se encuentra vestido de esa guisa ya que está a punto de casarse con su novia Sharman Fulton (Mara Corday) que lo espera en la Iglesia. Alan le pide a Jagade que , por favor, que al llegar al pueblo de aviso a Sharman y a los asistentes a su boda de que llegará cuando solvente la muerte del que intentaba atentar contra él.

Jagade se  dirige a la ciudad de West End . Cuando llega  Jagade observa que el saloom con su dueña al frente Marie ( Sheila Bromley), está cerrado ya que es domingo. 

Prácticamente no hay nada abierto, de cualquier manera es reconocido por algún lugareño como el joven Billy Brand (Jan Merlin) que parece alegrarse de su presencia. 

Finalmente se llega a la puerta de la Iglesia en la que están los invitados esperando la llegada del novio. Jagade pregunta por la señorita Fulton que se encuentra en el interior del templo. Vemos que a la espera de la llegada del marshall están las fuerzas vivas del pueblo: el juez McLean ( Carl Benton Reid) y su esposa ( Helen Kleeb ), el predicador Jason (John Dehner), la maestra Miss Timmons (Dee Carroll) y el médico   Doc Logan (James Bell).

Cuando sale la novia nos llama la atención que Jagade se burla de la prometida, Sharman Fulton, en público. Mientras lo hace y gracias a un aviso de Billy Jagade mata a un hombre que parecía esperarle tras una ventana. El asesinato del hombre provoca que el predicador Jason decida cancelar la boda .  a pesar de la llegada de Burnett, al que el juez y el predicador instan a la detención de Jagade dada su actitud y la muerte producida, pero no tiene ningún motivo para arrestar a Jagade ya que el arma del pistolero que ha atentado contra él es localizada en el tejado. Nadie sabe todavía que Burnett está en deuda con Jagade por la ayuda del pistolero en el camino.

Tras la no celebración de la boda, vemos que mientras Jagade insta a abrir a Marie el saloom cerrado por "descanso dominical" y se adelanta rompiendo las cadena de entrada con su arma a pesar de la prohibición de abrir los negocios en domingo. De hecho, tras tomarse una copa, Jagade "convence" al herrero para cambiar una herradura de su caballo, al barbero de abrir su negocio, al igual que al dueño del hotel... 

Por su parte Burnett va al rancho en el que vive Sharman Fulton que no es otro que la casa del honorable juez John J. McLean. Allí conocemos que la señorita Fulton años atrás fue una chica del saloom con mala fama, pero desde hace un tiempo en la casa del juez que la acogió ha redimido su reputación.  

Mientras en West End Jagade va obligando a abrir negocios en contra de las regulaciones del pueblo, enfureciendo a la maestra local, la señorita Timmons y al Predicador, que ahora tiene la intención de incendiar el salón. Burnett, que ha sacado de la casa a Sharman y la ha llevado a la ciudad, pero al ver como está la situación de tensa tiene que frenar al predicador, llegando casi hasta las manos con éste. Pero en el último momento el predicador reflexiona y se avergüenza por su actuación, contraria a lo que ha predicado todos estos años. 

La situación en el pueblo desde la llegada de Jagade a lo largo del día es de un descontrol absoluto. Los hombres del ferrocarril llegan el pueblo para ir a una cantina donde acaban de llegar las chicas que años atrás trabajaban en el pueblo y que ahora ejercían su trabajo en un tugurio de las afueras. Las mesas se llenan de jugadores, el saloom de música y algunos apuestas hasta sus ranchos,...

Mientras Burnett atiende los diversos frentes abiertos, Sharman se entrevista con Jagade. Nos enteramos que entre ellos antes de la salida de Jagade hubo una relación. Como la llegada de Jagade lo ha alterado todo, ella acepta la condición de Jagade de volver al saloom y vestir su antiguo traje rojo de bailarina. Este encuentros es visto a través de una ventana por la mojigata señorita Timmons, que poco después se ofrece a Jagade para darle cobijo si se marcha de la ciudad. 

Mientras tanto el juez quiere volver al status anterior a la llegada de Jagade y se enfrenta a Burnett cuando ve armado disparándole en la mano. Una vez sanado por el médico local, el juez secundando por un predicador cuyo prestigio ante los demás va menguando conforma pasan las horas de ese día intolerante le exige a Burnett que se marche el pistolero, que ha alterado el cómodo equilibrio que viven los vecinos. Como se niega Burnett, será detenido, Ya que se ha expandido la idea de Burnett protege a Jagade.

Mientras la gente del pueblo bebe, canta, baila, juega y se divierte a sus anchas por lo que el ambiente se encona entre los que pretenden volver a la situación anterior y la nueva. Sin embargo, nos vamos enterando que lo que pretende Jagade es quitar a los que están imponiendo su ley para imponer él la suya  y dominar la ciudad y la que fuera su chica. 

La noche del domingo avanza y con ella el alcohol y las ganas de bronca. Jagade da muestra de ello encarándose con algunos jugadores , pero especialmente humillando públicamente a la señorita Timmons, la maestra mojigata, que es descubierta por el hombre al que ella quería proteger. Pero este descontrol es especialmente visible en Billy Brand, un chico que admira a Jagade, y que tras romper un escaparado se enfrenta al grupo del juez. Tras una discusión dispara sobre predicador. Tras eso huye y se refugia en el establo del pueblo.

En su interior descubre el cuerpo de la señorita Timmons que ante la humillada de Jagade y se ha ahorcado. 

Burnett es liberado de la cárcel tras darse cuenta el juez ante las palbras de un moribundo predicador que se ha equivocado con él.

En el interior del saloon la tensión es máxima. Tras muerte del joven Billy la lucha final se centra en el interior del saloom. Allí Sharman se ha puesto el vestido rojo. Parece aceptar la nueva situación. Pero Burnett entre el enfrentamiento que queda será entre él y Jagade. Este marcha a la barra, pero cuando Burnett le reta suena la campana de la iglesia que distrae a Jagade durante un tiroteo y la bala de Burnett lo hiere fatalmente. Mientras muere, Jagade se da cuenta de que  la campana sonó en honor al predicador. 

Tras eso  del saloon salen Burnett y Sharman con la cabeza alta, acabando así este domingo que ha sido un día de furia.

La película fue rodada entre julio y agosto de 1955 en Backlot, en los Universal Studios de la Universal City Plaza.

La película se estrenó a inicios de mayo de 1956 siendo un producto destinado al programa doble. Para ello contó con buenos actores secundarios , aquí en papeles principales como fueron el actor Dale Robertson que con su aspecto rudo centró principalmente su carrera en el mundo de la televisión con papeles en series relacionadas con el western y en papeles menores en el mundo del cine  como lo vimos por aquí en Sitting Bull o en películas de aventuras como Revuelta en Haití, algo parecido a la trayectoria de este actor que fue Jock Mahoney, principalmente televisivo aunque visible en algunas películas de aventuras como Tarzán y la Justicia, padrastro de la actriz Sally Fields, que no habló precisamente bien de él. 

Junto a ellos la bella Mara Corday, ex Playmate de Playboy en los 50, cara bastante común en algunos western de esta tipología como  en la ya comentada En el límite del desierto, pero que tras la muerte de su marido el actor Richard Long gustará de salir en películas de Clint Eastwood en los 70 y 80. 

En ABC Play "Wéstern cargado de denuncia social que bien podría inscribirse dentro del grupo de películas del oeste de mediados de los 50 que, como consecuencia de la inquietud social derivada del Macarthysmo, efectuaron visiones que reflejaban la crispación de aquellos momentos en la acomodada sociedad norteamericana. La cinta, a la que se le han atribuido otros títulos como "Jagade" o "Justice Comes to Tomahawk" pasó desapercibida por entonces, probablemente por motivos de mala distribución. El cineasta Harmon Jones coge las riendas de la dirección del filme, logrando uno de sus mejores westerns, junto a "City of Bad Men", sirviéndose de una correcta puesta en escena que no desaprovecha las posibilidades del guión más que aceptable. Dale Robertson ("Forajidos en Carson City") encabeza el elenco protagonista junto a la bella Mara Corday ("Camino a Broadway") y al actor Jack Mahoney, actor que diera vida a Tarzán en varias ocasiones.

Por mi parte decir que la película contiene elementos extraordinarios como son los diálogos profundos y el trasfondo de crítica denunciando el puritanismo y la hipocresía social , así como lo que genera en la comunidad, especialmente cuando es impuesta. 

Por momentos recuerda la soledad de un marshall ante la presión de unos y de otros. La película cuenta con todos los ingredientes de un western (la dueña del saloon que ve frenado su negocio, el doctor que atiende a todos, el joven incontrolado, el que saca tajada de los negocios, el jugador que se apuesta su rancho, la maestra soltera y su imagen ante el pueblo, las chicas del saloon, el pianista, la gente del ferrocarril...), aunque también tiene mucho de Footloose pero tiene la ventaja de que huye del maniqueismo. Apuesta por mostrar como en una sociedad compleja las campanas pueden sonar por cualquiera.