El pueblo de los malditos

Había visto la versión de Carpenter, es decir, la copia antes que el original. Era una película de 1995, que contaba con Christopher Reeve (su última actuación antes de la parálisis permanente causada por un accidente en caballo), junto a Kirstie Alley, Linda Kozlowski, Michael Paré y Mark Hamill en el reparto  bajo las órdenes de John Carpenter.

Tengo que decir que me ha gustado mucho, muchísimo. Es ese sentido es una película atemporal. En 1960 tuvo que ser realmente impactante. Y es que El pueblo de los malditos es una película británica de 1960 de ciencia ficción, dirigida por el alemán Wolf Rilla y que está basada en la novela Los Cuclillos de Midwich de John Wyndham. Un cuco es muy cuco. Es un ave que pone huevos impostores para que otros críen sus polluelos. Que otro pájaro construya el nido, empolle sus huevos y alimente a sus crías. Esa es la compleja meta del cuclillo tejedor. Son pájaros parásitos que dejan en manos de otros la responsabilidad –y la carga– de criar a sus polluelos.  

Con este simil , el de los cuclillos, tanto el escritor Wyndham como el director Wolf Rilla nos cuenta esta original historia de ¿alienígenas? en esta producción de Ronald Kinnoch para la productora y distribuidora que es la Metro Goldwyn Mayer que invirtió en la misma unos 320,000 dólares compensados sobradamente en una interesante taquilla que se elevó a $ 2,175,000.

El guión de la película fue escrito por Stirling Silliphant y Wolf Rilla, junto a  George Barclay partiendo de la novela antes señalada de  Los cuclillos de Midwich de John Wyndham.

La música es la película fue responsabilidad de Ron Goodwin , mientras que la fotografía en blanco y negro es de Geoffrey Faithfull , mientras que el montaje recayó en Gordon Hales.

El reparto lo encabeza  George Sanders como Gordon Zellaby  que es acompañado de Barbara Shelley como Anthea Zellaby , Michael Gwynn como Alan Bernard,  Laurence Naismith como el Dr. Willer. Junto a ellos aparecen en papeles menores Richard Warner como Harrington,  Jenny Laird como la Sra. Harrington , Sarah Long como Evelyn Harrington , Thomas Heathcote como James Pawle , Charlotte Mitchell como Janet Pawle,  Pamela Buck como Milly Hughes , Rosamund Greenwood como Miss Ogle , Susan Richards como la Señora Plumpton,  Bernard Archard como vicario , Peter Vaughan como PC Gobby,  John Phillips como el General Leighton y  Richard Vernon como Sir Edgar Hargraves. Junto a ellos están  John Stuart como profesor Smith , Keith Pyott como Dr. Carlisle y , por supuesto , los grandes protagonistas, los niños que están interpretados por  Martin Stephens como David Zellaby,  Linda Bateson como June Cowell , Carlo Cura como John Kelly , Mark Mileham como Lesley Scoble , Peter Preidel como Roger Malik,  Elizabeth Munden como Theresa Scoble y Howard Knight como Peter Taylor.

Nada más empezar la película vemos a Gordon Zellaby (George Sanders) que va a realizar una llamada telefónica. Mientras habla inexplicablemente, él , pero también todos los habitantes del  apacible pueblo en el que vive en plena campiña inglesa pierden el conocimiento.  Realmente son todos los habitantes , ya sean humanos , ya animales que habitan en la aldea británica de Midwich los caen repentinamente inconscientes.

Cuando un cuñado de Gordon, con el que estaba hablando telefónicamente, Alan Bernard (Michael Gwynn) se preocupa por el corte de las comunicaciones con  Midwich pide permiso a las autoridades para ir a la localidad y ver lo que ocurre.

Al aproximarse se encuentra con un policía que va en bicicleta con el que habla del corte telefónico  y la falta de noticias de un auocar también detectado por él. Al avanzar en su bicicleta descubre el autocar accidentado y a la gente en su interior  inconsciente. Al aproximarse    el policía se desploma así que Alan va al pueblo cercano para llamar al ejército.

Las autoridades militares establecen un cordón alrededor de Midwich y envía a un hombre que lleva una máscara de gas y con traje de aislamiento biológico, pero él también cae inconsciente y es retirado con cuerda .El hombre despierta y reporta experimentar una sensación de frío justo antes de desmayarse. 

Igualmente se contacta al piloto de un avión de reconocimiento militar y se le pide que investigue. Cuando vuela por debajo de los 5.000 pies - 1500 metros de altitud- , pierde la conciencia y el avión se estrella al descender sin control.  Desde ese momento se establece una zona de exclusión o cordón de seguridad, de cinco millas alrededor del pueblo, unos 8 km. alrededor de la aldea,  para todos los aviones.

Casi al mismo tiempo, los aldeanos recuperan la conciencia y aparentan no tener ningún síntoma aparte del desmayo. Se bautiza el fenómeno como un "tiempo muerto", cuya causa es indeterminada.

Unos dos meses más tarde, todas las mujeres y las niñas en edad de tener hijos que se encontraban en la zona afectada descubren  otro extraño e inquietante fenómeno que parece estar relacionado con aquel desmayo: muchas mujeres del pueblo descubren que están e embarazadas, provocando muchas acusaciones de infidelidad y de haber mantenido relaciones sexuales prematrimoniales. Las acusaciones se desvanecen a medida que se descubre la naturaleza extraordinaria de los embarazos, con fetos de siete meses apareciendo después de sólo cinco meses.

Agentes del gobierno supervisan estos embarazos para investigar si existe o no tal relación. Las acusaciones se desvanecen al descubrir la naturaleza extraordinaria de los embarazos.

Cuando las madres dan a luz- todas las mujeres dan a luz el mismo día- resulta que curiosamente todos los recién nacidos son albinos y tienen unos intensos ojos azules que el médico informa sobre el extraño aspecto de los niños, ya que todos tienen una inusual textura de cabello y color (pálido rubio, casi blanco), asombrosos ojos y uñas. Además también tienen un poderoso vínculo telepático entre sí. Pueden comunicarse entre sí a grandes distancias, y cuando uno aprende algo, también lo hacen los demás.

Además desde su más tierna infancia los niños adquieren  una increíble inteligencia. A medida que crecen, se desarrollan a un ritmo increíble.

Tres años más tarde, un representante de la aldea, Gordon Zellaby (George Sanders), que también ha sido padre,, cuya esposa Anthea (Shelley) dio a luz a uno de los niños,  a pesar de su edad y la de su mujer, siendo para él, una de sus mayores alegrías, asiste a una reunión con la Inteligencia Británica para discutir sobre los niños. Pero a medida que crecen muestran una conducta tan sobrenatural como inhumana.

En la  reunión del servicio de Inteligencia Británico para discutir a los niños descubre que Midwich no era el único lugar afectado; Las investigaciones de seguimiento han revelado fenómenos similares en otras áreas del mundo. Por lo tanto, Midwich no es el único lugar afectado.

En un municipio en el norte de Australia, treinta bebés nacieron en un día, pero todos murieron dentro de las 10 horas del nacimiento.

En una comunidad Inuit en Canadá, habían nacido diez niños. Los niños de pelo blanco nacidos violaron sus tabúes, y todos ellos fueron asesinados.

En Irkutsk, Rusia, los hombres asesinaron a todos los niños y a sus madres. En las montañas del noroeste de la Unión Soviética, los niños sobrevivieron y fueron educados para ser del más alto nivel posible en el estado.

Aunque tienen sólo tres años, presentan el desarrollo físico y mental de niños de unos doce años de edad. Su comportamiento se ha vuelto cada vez más inusual y sorprendente. Ellos visten impecablemente y siempre van a pie como un grupo, hablan de una manera muy adulta, se comportan con madurez, pero no muestran conciencia ni amor , y demuestran frialdad a los demás, haciendo que los aldeanos teman y sean rechazados por ellos. Los niños empiezan a exhibir el poder de leer mentes y forzar a la gente a hacer cosas contra su voluntad. No parecen sentir conciencia ni afecto, y demuestran una gran frialdad hacia los demás.

Todo esto ha tenido el efecto de que la mayor parte de la gente del pueblo les tema y sientan repulsión hacia ellos.

Los niños comienzan a demostrar el poder de leer mentes, u obligar a las personas a hacer cosas contra su propia voluntad, esta última acompañada por un extraño resplandor en los ojos de los niños.

Se ha contado una serie de aldeanos muertos desde que nacieron, muchos de ellos de muertes consideradas fuera de lo normal (como el ahogamiento de un experto nadador) y algunos ciudadanos creen que los niños son responsables. Esto se confirma cuando se ve a los niños matando a un hombre haciéndole estrellar su coche contra un muro, causando su muerte y -más adelante- obliga a un adulto a dispararse a sí mismo.

Zellaby, cuyo "hijo" David es uno de los niños, está al principio ansioso por trabajar con ellos, tratando de enseñarlos mientras esperan aprender más sobre ellos.

Los niños son colocados en un edificio separado donde aprenderán y vivirán. Mientras los niños continúan ejerciendo su voluntad, Zellaby aprende que el gobierno soviético ha usado un cañón atómico para destruir la aldea que contiene su propia generación de niños mutantes.

Zellaby compara la resistencia de los niños con el razonamiento con una pared de ladrillo y usa este motivo como autoprotección contra su lectura de la mente después de que la naturaleza inhumana de los niños se hace clara para él.

Gordon, es consciente de la resistencia al niño con una pared de ladrillo, les intenta enseñar a los niños, mientras tiene la esperanza de aprender de ellos, y los niños son colocados en un edificio separado donde aprenden y viven. Si bien los niños siguen ejerciendo su voluntad.  Como el mal carácter de los niños se le vuelve más y más claro a Gordon, oculta una bomba de tiempo mientras les enseña a los niños, y trata de bloquear su conciencia de la bomba con la visualización de un muro.

Finalmente Gordon se decide a preparar una bomba de relojería escondida a una sesión con los niños e intenta bloquear su conciencia de la bomba visualizando una pared de ladrillo. Su "hijo" David explora su mente -y muestra una emoción (sorpresa) por primera vez- "¡Usted no piensa en la energía atómica, usted está pensando en ... una pared de ladrillo!" David  muestra así  una emoción (asombro) por primera vez.

Los niños ejercen toda su fuerza para tratar de romper la pared mental de Gordon para saber lo que esconde de ellos. Ellos descubren sus acciones justo un momento antes de que la bomba estalle.

La escena final es ambigua y podría ser interpretada como la supervivencia no corporal de los niños. Sus ojos parecen brillar en los escombros del edificio ardiendo y salir corriendo. Acaba así la película. 

La película fue originalmente una película estadounidense cuya su preproducción se inició en 1957.  De hecho, Ronald Colman fue contratado para el papel principal, pero la MGM dejó de lado el proyecto, al considerarlo provocador y controvertido debido a la siniestra imagen del nacimiento virginal.

Originalmente, la película iba a ser filmada en los estudios Metro-Goldwyn-Mayer en Culver City , California,

El parón definitivo se produjo cuando Colman murió en mayo de 1958 -por extraña coincidencia, su viuda, la actriz Benita Hume, se casó con el actor George Sanders en 1959, y Sanders asumió el papel destinado a Colman-.  Tras todo esto la película se transfirió a los estudios británicos de MGM

La película se rodaría en la ubicación de la aldea de Letchmore Heath, cerca de Watford, aproximadamente 12 millas (20 kilómetros) al norte de Londres.

Los edificios locales, tales como The Three Horseshoes Pub y Aldenham School, y se utilizaron durante la filmación.

Las pelucas rubias que llevaban los niños estaban acolchadas con un relleno para dar la impresión de que tenían cabezas anormalmente grandes.  Los niños estaban encendidos de tal manera que los iris y pupilas de sus ojos se fundían en un gran disco negro contra los blancos de sus ojos, para darles una mirada misteriosa.  El efecto de los ojos brillantes, cuando los niños utilizaban sus poderes mentales, se logró mediante la creación de superposiciones animadas de un iris blanco brillante; Esto creó un iris brillante  con una pupila negra cuando se imprimió ópticamente en la película. Esta técnica se utilizó principalmente en congelar marcos para crear el efecto requerido.

Para su lanzamiento original en Gran Bretaña, los censores eliminaron los brillantes efectos oculares. Las impresiones del Reino Unido sin los efectos de los ojos brillantes muestran que durante la secuencia final, en los primeros planos, los niños ensanchan sus ojos mientras atacan la mente de Zellaby, a diferencia de los marcos congelados con ojos brillantes utilizados en las estampas americanas .

La película se presentó  en sociedad en junio de 1960 en el cine The Ritz en Leicester Square , Londres. Según el director Wolf Rilla , pronto atrajo a la audiencia, y los asistentes al cine hicieron cola alrededor del bloque para verlo.

El lanzamiento comercial se produjo el  7 de diciembre de 1960  en Nueva York y Los Ángeles. Desde el principio la  MGM se dió cuenta del éxito de la película en los EE.UU.  Amos más tarde, hubo una continuación interpretada por el mismo George Sanders, cuya secuela se estrenó tres años más tarde bajo el título Los Hijos de los Malditos- siendo la película número 92 en la lista de Bravo's 100 Scariest Movie Moments.

Los críticos le dieron una valoración positiva. En la edición del 18 de junio de 1960 de The Guardian se elogiaba la historia como "la más ingeniosa" y a Rilla darle  "el toque lacónico correcto".

Las críticas positivas también aparecieron en The Observer (de CA Lejeune): "Cuanto más lejos te has alejado de la fantasía, más comprenderás su escalofrío"; Y por parte del columnista Ernest Betts de The People al decir que  "Como una película de terror  que te asustará durante 77 minutos".

Dilys Powell dijo en The Sunday Times, el 20 de junio de 1960 que  "El cine británico bien hecho: el tiempo efectivo, la aterradora realidad del entorno del pueblo, la mayor parte de la actuación y sobre todo la actuación de los hermosos niños de pelo rubio (Dirigida por Martin Stevens) que son los villanos fríos de la pieza. "

Los críticos estadounidenses también estuvieron a favor de la película. El crítico de Time dijo de ella que era "una de las más pequeñas imágenes de horror producidas desde Peter Lorre" y cuestionó la sabiduría de la estrategia de lanzamiento de  perfil bajo de la MGM.

Por su parte, Howard Thompson, del New York Times , dijo: "como un ejercicio tranquilo y civilizado en el miedo y el poder de lo desconocido, este cuadro es uno de los thrillers más  originales y serenamente inquietantes desde hace largo tiempo". El autor y crítico de cine Leonard Maltin  valoró muy bien la pelícua.

En Rotten Tomatoes la película tiene una calificación de aprobación del 96%, basada en 24 reseñas, con una puntuación media de 7.5 / 10. El consenso crítico del sitio lee, "las actuaciones frías y una atmósfera reservada y misteriosa hacen a este película de  horror británico una parábola enervante de su era y de un clásico atemporal."

En España Luis Martínez en El País afirmaba que era una película en la que "Unos niños de ojos eléctricos y... un clásico al que Carpenter volverá en 1995. Buena"

Una serie producida en Gran Bretaña, Children of the Damned , dirigida por Anton M. Leader, siguió en 1963 con un grupo más pequeño de seis niños (cada uno de una nación diferente: China , India, Nigeria , la Unión Soviética , Estados Unidos Y el Reino Unido). Aunque sus poderes son similares, el tema y el tono son casi opuestos, con los niños en la secuela que se retratan como caracteres simpáticos.

Como señalé al principio un remake producido en Estados Unidos fue lanzado en 1995 por la Universal Studios. También titulado El pueblo de los malditos (John Carpenter's Village of the Damned)  dirigida por John Carpenter y se trasladó a un período de tiempo contemporáneo y un entorno estadounidense. No fue bien recibido por los críticos. Pero , tanto una como otra son buenas , pero esté clásico de los sesenta sea mucho mejor. Merece la pena verse. Lo dicho, impresiona.

Sed de mal

Tras una semana embarcado en un crucero, poco tiempo he tenido para ver películas o series. He ido durante el vuelo avanzado en una de ellas, la irregular Waynard Pines, pero es imposible sacar tiempo entre desembarcos, visitas y actividades de juegos, bailes, piscinas, jacuzzi, actuaciones , y por no hablar de los desayunos- en ocasiones triples, comidas, en ocasiones dobles, meriendas con cervecitas incluidas y cenas, siempre elegantes, aunque alguna informal.Vamos , un sin vivir.

Con todo, una vez de retorno, y sobreviviendo al crucero por el Báltico, vuelvo a mi rutina de ver y escribir sobre lo que veo, como es evidente, para que no me olvide. Y he vuelto a lo grande, con la última película que hizo Orson Welles para una de las grandes productoras, la Universal Pictures, con actores de peso que optaron en algunos casos por hacer un mínimo cameo, y con un producto final con el sello de un buen cine negro, de lo mejor, en blanco y negro.

La película se llamó Touch of Evil o en España, Sed de mal y fue estrenada el año 1958 . Para muchos críticos, éste es el último gran filme del período clásico del cine negro estadounidense.

La película pivota sobre Orson Welles que aquí hace de director y guionista, qudeando la producción en manos de Albert Zugsmith como representante de la Productora Universal Studios quedándose igualmente con la distribución . La Universal Pictures invirtió un presupuesto de $829,000 y que fue recuperado con una recaudación que alcanzó los $2,237,659  de dólares. 

La película parte del guión firmado por Orson Welles aunque basado en la obra de Badge of Evil (1956), escrita por Whit Masterson. Orson Welles afirmó haber leído sólo "Badge of Evil" de Whit Masterson , la novela en la que se basó la película, después de haber completado la película y declaró que basó su reescritura del guión sobre el tratamiento inicial de Paul Monash . 

La película cuenta con una banda sonora de altura con toques jazzísticos de corte latino compuesta por Henry Mancini así como con la inmensa fotografía de  Russell Metty y un montaje complejo en el que intervinieron Aaron Stell , Virgil Vogel y Walter Murch.

Los actores protagonistas que encabezan el reparto son Charlton Heston como Ramon Miguel Vargas , Janet Leigh como  Susan Vargas y Orson Welles como el Comisario de policía Hank Quinlan . Junto a estos tres , en la película participan Joseph Calleia como  Pete Menzies , Akim Tamiroff como Tío Joe Grandi , Joanna Cook Moore como  Marcia Linnekar , Marlene Dietrich como  Tanya , Ray Collins como el fiscal de distrito de Adair,  Dennis Weaver como el director nocturno del Motel Val de Vargas como Pancho , Mort Mills como Al Schwartz , Victor Millan como Manolo Sánchez,  Lalo Rios como Risto , Phil Harvey como Blaine,  Joi Lansing como Zita o "rubia",  Harry Shannon como el jefe de policía Pete Gould, Rusty Wescoatt como Casey , Wayne Taylor como miembro de una pandilla , Ken Miller como miembro de una pandilla , Raymond Rodríguez como pandillero,  Arlene McQuade como Ginnie,  Dan White como Guardia de Fronteras , y una fugaz participación de Zsa Zsa Gabor como dueña del club de striptease , su hermana Eva como una de las Streaper del local, Mercedes McCambridge como miembro de la banda,  William Tannen como Howard Frantz y Joseph Cotten como detective . 

En una ciudad fronteriza entre México y los Estados Unidos , Los Robles, vemos como alguien vigila desde la distancia y a la vez instala una bomba de relojería en un automóvil.

El coche pertenece a Rudy Linnekar (Jeffrey Green) que va acompañado de una  mujer rubia Zita (Joi Lansing). Ambos entran en el vehículo y hacen un corto  viaje a través desde  la ciudad a la frontera de Estados Unidos. 

En paralelo en un maravilloso plano secuencia conocemos a otra pareja, la formada por Miguel "Mike" Vargas ( Charlton Heston ), un funcionario o agente de la policía mexicana de narcóticos  que llega a la frontera mexicana con su reciente y  joven esposa- están recién casados-   Susie ( Janet Leigh ) que van a pasar al otro país a pie. En ese momento el coche cruza la frontera, y luego explota. 

Al darse cuenta de las implicaciones que tiene para su país el estallido de una bomba mexicana explotando en suelo americano, Vargas se interesa por la investigación, aunque la misma recae en  el Comisario de policía Hank Quinlan (Orson Welles) que se hace cargo de la investigación por parte norteamericana. Mike Vargas   y Susan Vargas  interrumpen su viaje de luna de miel después de presenciar en la frontera la explosión del auto que resulta ser conducido por un mafioso de la droga. 

Quinlan (Welles), es el jefe de la policía local, muy conocido en la zona por sus métodos expeditivos y poco ortodoxos. 

En la investigación participa además el jefe de policía Pete Gould ( Harry Shannon ) y el fiscal de distrito de Adair ( Ray Collins ) que llegan al lugar, que preceden a la llegada del capitán de la policía Hank Quinlan ( Orson Welles ) y su subordinado Pete Menzies ( Joseph Calleia ) .

Quinlan es un hombre obeso y desaliñado que vive de glorias pasadas y que visita regulamente  un burdel dirigido por Tanya ( Marlene Dietrich ), a la que apenas lo conoce. 

El principal sospechoso de Quinlan y Menzies es Sánchez, un joven mexicano casado en secreto con la hija de la víctima ( Joanna Moore ). Hank Quinlan (Orson Welles) no duda en fabricar pruebas falsas para acusar a un joven que él cree culpable de colocar la bomba. Ambos interrogan a Sánchez en su apartamento con Vargas presente. Vargas visita el baño y golpea accidentalmente una caja de zapatos que está vacía. 

Momentos más tarde, el ayudante Menzies entra en el baño y anuncia que dos palos de dinamita se encontraron en la misma caja de zapatos. 

Vargas, es consciente de que no es cierto y  acusa a Quinlan de crear evidencias falsas y comienza a sospechar que puede haber estado haciéndolo durante años, para ayudar a ganarse el prestigio que tiene al otro lado de su frontera.

Quinlan rechaza la afirmación de Vargas, diciendo que sólo está sesgado a favor de los compatrotas mexicanos. 

Estas acusaciones, junto con la presión del tío Joe Grandi ( Akim Tamiroff ), el hermano de un hombre al que Vargas ha estado investigando, se combinan con el fin de desacreditar a Vargas.  

Con la asistencia del Asistente del Fiscal de Distrito, Al Schwartz ( Mort Mills ), Vargas estudia los registros públicos de los casos anteriores de Quinlan, revelando sus hallazgos a Gould y Adair. Quinlan llega a tiempo para escuchar la discusión y amenaza enojadamente renunciar. 

Todo esto hace que Quinlan -que ha estado sobrio durante 12 años- vuelva a caer en la bebida y que empiece una lucha feroz   entre los dos hombres, en la que cada uno de ellos tiene pruebas contra el otro. 

Vargas sabe que las pruebas no son reales e inicia su propia investigación, donde descubre que Quinlan y unos mafiosos fronterizos están directamente relacionados con el asesinato. 

Susie Vargas, por su parte, se traslada de su hotel mexicano a un remoto motel americano para escapar de la atención no deseada de Grandi. 

El motel, que Menzies le recomendó, no tiene otros huéspedes y sólo cuenta con un gerente de noche muy peculiar ( Dennis Weaver ), El hotel es propiedad de Grandi que, de golpe se llena de miembros de la familia de Grandi, un mafioso fronterizo,  que se apoderan del motel y aterrorizan a Susie. 

Quinlan que conspira junto a Grandi, hace el  arreglo para que Susie fuera dejada en la habitación inconsciente, tras su secuestro y hacerla àsar como que ha tomado una dosis excesiva de drogas colocando drogas alrededor de su cuerpo inconsciente. Quinlan, además, invita a la escena a Grandi,  que lo ha preparado todo y al que lo estrangula y dejando su cuerpo junto al de Susie, todavía inconsciente, en la habitación  para desacreditar al honesto oficial de narcóticos, Vargas y con el fin de que este desista de su investigación.

Vargas se preocupa cuando sus intentos de llamar a Susie en el motel están bloqueados. Vargas inicia una carrera contra el tiempo en la que acumula las pruebas suficientes para desenmascarar al sucio jefe Quinlan y así salvar a su esposa. 

Sin embargo, agotado, borracho y con el remordimiento de haber matado a Grandi, Quinlan descuidadamente se deja su bastón en la escena del crimen, lo que le implica a sí mismo. 

Cuando Susie se despierta, ve el cuerpo de Grandi, y grita pidiendo ayuda , siendo arrestada bajo sospecha de asesinato. 

Vargas confronta a Menzies sobre la historia de la evidencia "descubierta" por Quinlan. Cuando va al motel a por Susie,  no puede encontrarla, y tras ello, Vargas se entera de que el motel es propiedad de Grandi y que le han robado la pistola. Se apresura a regresar a la ciudad y entra en un bar, donde se enfrenta a los pandilleros que atacaron a su esposa. Cuando se niegan a contestar sus preguntas, Vargas los golpea violentamente, destruyendo la barra en el proceso. 

Al Schwarz (Mort Mills)  luego informa a Vargas que Susie ha sido arrestado por asesinato. En la cárcel, Vargas la encuentra apenas consciente. Menzies revela a Vargas que descubrió el bastón de Quinlan en la escena del crimen. Vargas amenaza a Menzies y le obliga a colaborar con él.

Cerca de un campo de petróleo, Menzies se encuentra con Quinlan, mientras que es seguido a pie por Vargas, que está grabando la conversación. Quinlan admite a Menzies que él colocó las evidencias inculpatorias, pero insiste que lo hizo solamente porque él sabía que eran culpables. 

Quinlan escucha un eco procedente del micrófono secreto y le echa en cara que la traición a Menzies. Quinlan exige a Vargas se muestre. Quinlan entonces dispara a Menzies con el arma de Vargas, que él había robado anterior del maletín de Vargas.

Quinlan se prepara para disparar a Vargas (diciendo que puede afirmar que Vargas estaba resistiendo a la detención), pero que, en cambio, es disparado  en el acto final por un Menzies moribundo. Quinlan se tambalea y cae hacia atrás en una inmunda pileta de aguas residuales y muere. 

Poco después llega Al Schwartz  a la escena y le dice a Vargas que la dinamita plantada era innecesaria porque Sánchez confesó el crimen. 

Más tarde, Schwartz le pregunta a Tanya, (Marlene Dietrich) una misteriosa y enigmática gitana que en el pasado tuvo una relación con Hank Quinlan, y que había presagiado el triste y fatídico final de éste. mientras se aleja, lo que tiene que decir sobre Quinlan y Tanya responde: "Él era un granhombre, ¿qué importa lo que digan los demás?" Acabando así la película. 

La película tiene lugar en una ciudad fronteriza de ficción mexicana, Los Robles, y se completó en 39 días. Orson Welles insistió en rodar en una ciudad real siendo en su elección inicial Tijuana, pero la película se rodó en la localidad de Venice, en Los Angeles, y en los Universal Studios sitos en el 100 Universal City Plaza, Universal City, de California. 

Touch of Evil significó el regreso de Welles a la producción en Estados Unidos, después de haber rodado tres filmes fuera de su país natal, Macbeth (1947)- ya visto en este blog- , Otelo (1952) y Mister Arkadin (1955).

Lo cierto es que el proyecto llegó a manos de Welles en una época en que éste no gozaba de buena fama entre los productores de Hollywood, ya que muchos lo consideraban un director difícil , engtre otras cosas, por no ser capaz de cumplir con un plan de trabajo.

Hay dos historias de cómo Welles terminó dirigiendo Touch of Evil . Charlton Heston recordó que Welles fue contratado originalmente para actuar sólo en la película, no para dirigir o escribir. Sin embargo, la Universal estaba dispuesto a asegurar a Heston parab la película pero éste exigió que el estudio confirmara al director antes de que él firmara. Después de enterarse de que Welles estaba en el reparto, Heston expresó su mayor interés en protagonizar si Welles la dirigía.

La otra historia es que Welles había trabajado recientemente con el productor Albert Zugsmith , conocido como el "Rey de la series B", en una película llamada Man in the Shadow y estaba interesado en dirigir algo para él. Zugsmith le ofreció un montón de guiones, de los cuales Welles pidió lo peor para demostrar que podía hacer una gran película con un mal guión. En ese momento, el guión se llamaba Badge of Evil , basado en una novela de Whit Masterson. Welles hizo una reescritura y la llevó a la producción. 

Lo cierto es que después de una década en Europa en la que completó sólo tres películas, Welles estaba ansioso por dirigir de nuevo a Hollywood, por lo que aceptó asumir el papel de Quinlan. 

Welles tuvo a su servicio un buen numero de actores y actrices notables que aparecen  en grandes y pequeños papeles.

Charlton Heston citó entre sus errores no haber ensayado  un acento hispano para su papel de polícía mexicano que lucha contra el narcotrafico siendo uno de los mayores errores que cometió como actor.

Janet Leigh afirmó estar absolutamente aterrorizada cuando filmó la escena donde está amenazada en su habitación de motel.

Orson Welles escribió el papel de Marlene Dietrich después de que la película ya había comenzado a rodarse, llamándola la noche antes de que él quisiera filmar sus escenas para ofrecerle el papel. Y lo cierto es que Dietrich tiene un papel fundamental , aunque aparezca en cuatro escenas cruciales incluyendo la final.

También tuvo a su mando a Zsa Zsa Gabor y a su hermana , que aparece brevemente como el empresario de un club de striptease. La dos Gabor aparecen al ser amiga del productor. Por su parte, Zsa Zsa Gabor está en pantalla durante 20 segundos como mucho.

La ganadora de un Oscar Mercedes McCambridge sólo aparece en la película porque estaba almorzando con Orson Welles durante la filmación y Welles la convenció para filmar una escena. Él la había llevado una chaqueta de cuero, se cortó el pelo y hizo que su personaje dijera la línea siniestra, "Quiero ver".

Dennis Weaver interpreta a un empleado nocturno en un motel, en una prodigiosa actuación. A Heston le gustaba Weaver y su trabajo cinematográfico.

Muchos de los actores trabajaron por salarios más bajos sólo para hacer una película con Welles. El papel de Marlene Dietrich fue una sorpresa para los productores y aumentaron su sueldo para poder anunciar su participación en la película aunque ella iba a trabajar por lo mínimo que se requería según el convenio del sindicato de actores. 

El amigo de Welles y el colega Joseph Cotten en el teatro de Mercury aparece aunque  no acreditado como el forense. 

El agente de Janet Leigh rechazó inicialmente su participación en esta película debido al bajo salario ofrecido incluso sin consultar a la actriz. Orson Welles , anticipando esto, envió una carta personal a la actriz, diciéndole cuánto esperaba que trabajaran juntos. Leigh, furiosa, se enfrentó a su agente diciéndole que ser dirigida por Welles era más importante que cualquier cheque de pago. 

Janet Leigh recordó cómo Welles pidió la entrada de los actores en el reparto: "Comenzó con los ensayos. Ensayamos dos semanas antes del rodaje, lo cual era inusual. Reescribimos la mayor parte del diálogo, todos nosotros, que también era inusual, y el Sr. Welles siempre quiso nuestra aportación. Fue un esfuerzo colectivo, y hubo una oleada de participación, de creatividad, de energía. Podías sentir el pulso creciendo mientras ensayábamos. Sentías que inventabas algo mientras avanzabas. El señor Welles quería aprovechar cada momento. No quería un solo momento. Te hizo sentir que estabas involucrado en un maravilloso evento que estaba sucediendo ante tus ojos". 

Welles realizó la producción a tiempo, un día después de lo convenido, y  entregó un corte bruto a la Universal, y estaba convencido de que su carrera en Hollywood estaba de vuelta. Sin embargo, la película fue reeditada (y en parte re-filmada) por la Universal International . El proceso de edición fue prolongado y disputado, y la versión finalmente lanzada no era la película que ni la Universal oni la que Welles habían esperado. Fue lanzado como una película B , la mitad inferior de una doble función. La película A fue The Female Animal , protagonizada por Hedy Lamarr , producida por Albert Zugsmith y dirigida por Harry Keller, a quien el estudio había contratado para dirigir el material redirigido en Touch of Evil . Las dos películas tenían incluso el mismo camarógrafo, Russell Metty . 

A la película de Welles se le dio poca publicidad a pesar de las muchas estrellas en el reparto. Aunque tuvo poco éxito comercial en Estados Unidos  fue bien recibido en Europa, particularmente por críticos del Cahiers du Cinema como el futuro cineasta François Truffaut . Sin embargo, la película fue un fracaso de la taquilla en los EE.UU.  pero fue bien recibido en Europa. 

La película comienza con un palno secuencia de tres minutos y veintidós segundo considerado ampliamente por los críticos como uno de los mayores largos en la historia del cine. 

Según un artículo publicado el 4 de septiembre de 1960 en el New York Times, Marlene Dietrich consideró que su papel de Tana o Tanya era uno de sus favoritos y afirmó que hizo su mejor actuación dramática en la última escena, en la que declara: ¿No importa lo que diga acerca de la gente? " También dijo que sus escenas fueron filmadas en una sola noche. 

La película fue rodada en un riguroso blanco y negro por el director de fotografía Russell Metty, quien usó una luz fuerte y los altos contrastes entre sombras y zonas iluminadas que ayudan a crear la densa atmósfera del filme. A esto se sumó que Orson Welles quiso rodar predominantemente por la noche a fin de defenderse de un estudio como el de la Universal que él consideraba  entrometido.

El largo plano secuencia de 3 minutos con el que inicia la película tardó 15 días en llevarse a cabo y se transformó en un plano mítico dentro de la historia del cine.

A pesar de la especulación popular, Orson Welles lleva maquillaje a lo largo de la película. Durante horas cada noche, le añadían libras y libras de maquillaje sobre él, y usaban prótesis para su rostro. Una vez dijo que se había ido tarde a una cena en su casa durante la filmación, y llegó con su maquillaje puesto. Una  actriz se le acercó cuando entró y con toda seriedad dijo: "¡Orson, te ves maravillosa!". Orson Welles se transformó además con 30kg de prótesis de cuerpo y maquillaje, junto con una nariz falsa, para interpretar a un hombre 20 años mayor que él.

Orson Welles quería que los créditos aparecieran al final de la película para no distraer al público del largo (y famoso) primer plano de seguimiento. Finalmente consiguió su deseo con la versión alternativa 1998, presentada como la del  "corte del director". Sin embargo, la versión que se estrenó teatralmente en 1958, los créditos aparecieron al principio de la película, superpuesta a la ya famosa secuencia de apertura.

Orson Welles inicialmente despreció el título de "Touch of Evil", no teniendo nada que ver con su concepción. A lo largo de los años, sin embargo, le gustó, y finalmente lo consideró el mejor título de todas sus películas.

Orson Welles declaró que su objetivo con la película era enfurecer a la audiencia con la trama, de la misma manera que Howard Hawks hizo con El sueño eterno (1946).

Debido al montaje de la misma, la historia se volvió aún más confusa una vez que el estudio recortó y la montó son seguir lo acordado por el director. Orson Welles declaró que su objetivo con la película era enfurecer a la audiencia con la trama, de la misma manera que Howard Hawks hizo con El sueño eterno (1946). La historia se volvió aún más confusa una vez que el estudio recortó la imagen.

Como ya hemos dicho, Orson Welles fue contratado originalmente sólo para actuar en la película, pero debido a un malentendido, Charlton Heston pensó que Welles iba a ser el director. Para mantener a Heston contento, el productor Albert Zugsmith le permitió a Welles dirigir. Welles hizo cambios importantes en el guión ya terminado, incluyendo cambiar el carácter de Heston de un fiscal de distrito blanco a un agente mexicano de narcóticos, cambiar el personaje de Janet Leigh de mexicana a estadounidense, y cambiar el escenario de la película de una pequeña ciudad de California a una ciudad fronteriza mexicano-americana.

Para 1993, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

Lo cierto es que su estreno se dio en la Feria Mundial de Bruselas de 1958, donde los jueces (y luego los críticos) como Jean-Luc Godard y François Truffaut le otorgaron el primer premio. Se dijo que la película tuvo una gran influencia en el inicio de las  carreras de Godard y Truffaut, quienes en un año realizaron sus primeras películas, Al final de la escapada (1960) y Los 400 golpes (1959), respectivamente.

Después de terminado el rodaje, los productores vieron el material y se extrañaron del camino tomado por el director. Consideraron que la película era demasiado confusa, por lo que la reeditaron e incluso rodaron escenas adicionales (con un director diferente) a espaldas de Orson Welles, que por aquel entonces se encontraba en España tratando de cumplir su sueño de rodar una adaptación de El Quijote.

Ese primer montaje concebido por los productores fue el estrenado en el año 1958 y significó un enorme fracaso comercial y de crítica , al menos, en los Estados Unidos.

La restauración de 1998 debía estrenarse en el Festival de Cannes de 1998. Sin embargo, el día antes del estreno, la muestra fue cancelada por Beatrice Welles (la hija de Orson Welles ), que tiene una larga historia de interferir con las proyecciones de la obra de su padre a través de amenazas de litigio.

En honor  a la verdad hay que decir que una vez rodada la película en Venice, a su regreso a Los Ángeles, Welles lamentó la decisión de los productores e insistió en que, para que la obra pudiese considerarse suya, se debían seguir una serie de indicaciones para realizar un nuevo montaje del filme. Las indicaciones para ello fueron plasmadas por Welles en un extenso documento de 58 páginas que dirigió a la Universal, compañía productora de la película. Este documento (que se creía perdido y del que por fortuna Charlton Heston guardaba una copia), sirvió de base para realizar en 1997 una nueva versión restaurada de Touch of Evil, la misma que fue estrenada en cines en 1998 y en DVD en el año 2000, 15 años después de la muerte Welles.

Después de terminar una primera edición, Orson Welles fue a México para iniciar otro proyecto. Regresó a los Estados Unidos para encontrar su película completamente recortada por el estudio, que estaba preocupado por la viabilidad comercial de la película.

Son tres las versiones de la película se han lanzado: La versión original de 1958 (93 minutos) difería sustancialmente del corte original de Welles, tanto en la edición como en la adición de nuevas escenas dirigidas por Harry Keller. Esta versión ya no existe. Welles afirmó que se hicieron sin su conocimiento, pero la Universal afirmó que Welles ignoró las solicitudes del estudio para regresar y emprender nuevos trabajos. Fue en este punto en que entró en juego Keller y rodó parte de su material   totalmente nuevo, otros reemplazaron las escenas de Welles.

Welles proyectó el nuevo corte y escribió un memorándum de 58 páginas al jefe de producción de Universal, Edward Muhl, detallando lo que él pensaba que era necesario hacer para que la película funcionara. Sin embargo, muchas de sus sugerencias fueron desatendidas y Touch of Evil fue finalmente lanzado en una versión de 93 minutos.

Una versión de 108 minutos lanzada en 1976 que incorporó material cortado del lanzamiento de 1958. Lo cierto es que a mediados de la década de 1970, Universal descubrió que llevaba una copia de 108 minutos de Touch of Evil en sus archivos. Consciente de que había un creciente interés en el trabajo de Welles, el estudio lanzó esta versión a los cines en 1976 y más tarde la publicó en video, calificándola de "completa, sin cortes y restaurada". De hecho, esta impresión no era una restauración en absoluto, sino una versión preliminar   de Welles. Tenía algunas escenas vitales de Welles que corte universal de la versión de lanzamiento, la versión de vista previa también ofreció más material de Keller que la versión de lanzamiento.

Por último está la versión lanzada en 1998 que aplicó las notas de Welles de su memoria larga al estudio. Welles escribió este memorándum en diciembre de 1957 después de ver una versión que incorporaba las escenas de Keller, y que había sido editado sin la participación de Welles. En 1998, Walter Murch , trabajando con todo el material disponible, reeditó la película basada en el memorándum de Welles, con Rick Schmidlin quien produjo la reedición y con la ayuda de Bob O'Neil, director de restauración de películas de Universal, y Bill Varney , vicepresidente de Operaciones de Sonido de Universal, participó en la restauración.

Como el corte bruto de Welles ya no existe, no es posible un verdadero "corte del director", pero Murch fue capaz de montar una versión que incorpora la mayor parte del material existente, omitiendo algunas de las escenas de Keller (aunque algunas fueron retenidas , ya sea porque habían reemplazado las escenas de Welles que ya no existían y eran necesarias para la trama, o porque Welles había aprobado su inclusión). Además, algunas de las quejas de Welles se referían a sutiles opciones de sonido y edición, y Murch reeditó el material en consecuencia.

Los cambios notables incluyen el retiro de los créditos y de la música de Henry Mancini de la secuencia de la abertura,  y la eliminación de la escena del pasillo del hotel de Harry Keller. Rick Schmidlin produjo la edición de 1998, que tuvo un limitado pero exitoso lanzamiento teatral (de nuevo por Universal) y posteriormente se hizo disponible en DVD .

Fue originalmente programada para ser estrenada en el Festival de Cannes 1998 con Janet Leigh, Walter Murch y Rick Schmidlin asistir, la proyección se canceló 11 horas después de las amenazas de litigio de la hija de Welles, Beatrice Welles . Su demanda contra Universal, por no consultarla o obtener su consentimiento antes de la reelaboración de Touch of Evil , se resolvió fuera de la corte. . Welles más tarde dijo que sólo había pedido a Universal que le informara sobre lo que se estaba haciendo, y cuando fue ignorada le dijo al Festival de Cannes que la restauración no fue sancionada por el Welles Estate. "Lo vi más tarde y fue maravilloso", dijo. "Pensé que hicieron un trabajo asombroso y estaba muy bien hecho, era lo que él quería y tenía mucho más sentido que esa pesadilla cortada que había antes.Está bien y era suyo.Si me hubieran dicho que de desde el principio, nada de eso hubiera sucedido ".

La crítica actual en los Estados Unidos la elogia. Kenneth Turan en las páginas de Los Angeles Times ijo de ella que era "Expresionista al extremo (...) la película eleva el habitual ambiente perturbador del cine negro a un nivel al que pocas películas han apuntado"

Para Michael Wilmington del Chicago Tribune estamos ante "Un maravilloso regalo que ningún cinéfilo debería perderse"

Según Andy Seiler en USA Today a destacar "Un drama criminal oscuro y extravagante" . Por su parte, Roger Ebert en la web rogerebert.com dice que "Los destinos de todos los protagonistas están relacionados de principio a fin, y la fotografía lo ilustra atrapándolos en los mismos planos, o relacionándolos a través de los cortes (…)" E

Para Howard Thompson en el The New York Times entiende que "Gracias a Orson Welles, nadie, y nos referimos a nadie, se dormirá durante 'Touch of Evil' (...) Welles es un obvio pero brillante saco de trucos."

En el Reino Unido Angie Errigo en Empire destacaba la "Increíble fotografía e interpretada con brillantez, es sin duda una de las películas criminales más influyentes de la historia (…) ; mientras que    Peter Bradshaw en The Guardian se trata de "Un drama noir brillante (...) Orson Welles hizo una de sus interpretaciones más Shakespearianas (…) "

Geoffrey Macnab en The Independent es "[Una] obra magnífica (...) Marlene Dietrich le da una de las mejores interpretaciones de la historia del cine."

Para   Joshua Rothkopf de Time Out se trata de "Una lección maestra de tensión, estilo visual y excesos de serie B (…) "

Por útimo Keith Phipps de AV Club afirma que "La cima de todos los dramas criminales duros que invadieron los cines tras la Segunda Guerra Mundial."

La crítica en España dijo sobre ella que es una "Obra maestra de Welles de deslumbrante reparto y compleja historia sobre el poder y la corrupción. Atención a su espectacular plano secuencia de apertura, un prodigio de dominio de la técnica y puesta en escena, y sin duda uno de los mejores comienzos de la historia del cine", según Pablo Kurt en filmaffinity.

Para  Fernando Morales en las páginas del  diario El País se trata de un"Sobresaliente filme (...) la magnífica dirección de Orson Welles eleva a la categoría de clásico esta intriga policiaca (...) ejercicio de estilo inigualable"

La película , además de ser preservada por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, fue incluida entre los "1001 Películas que debe ver antes de morir", editado por Steven Schneider , y en la lista de "Grandes Películas" de Roger Ebert .

La película es una joya técnica. Una obra de arte. Sólo por su plano secuencia inicial que supera los tres minutos, con música de Henry Mancini, ya merece verse. A esto se le unen los juegos tenebrosos de luces y sombras. Vamos toda una joya de buen cine.


Para terminar usaré las palabras escritas por Guillermo Cabrera Infante sobre esta película en Cine y Sardina, en concreto en su artículo Marlene cuenta el tango. El escritor cubano nos cuenta que de sus últimas actuciones: "la mejor actuación de Marlene se la regaló a Orson Welles - y casi sin cobrarle- en Sed de mal---Marlene toda de negro , era Tana, una puta envejecida que es ahora una cartomántica cerca de la frontera. "Adiviname el futuro", le pide Orson  disfrazado de hombre gordo. El es un policía corrupto y ella su vieja novia: tan vieja que ninguno de los dos recuerda su primer beso. "Npo tiene futuro , querido", dice Marlene "Lo has malgastado todo". Pero , dice el escritor cubano, ninguno de los dos tiene futuro ni fruto.

Esta es la última película de Welles en Hollywood y Marlene, al usar una peluca negra, gastó su imagen de rubia. Orson dijo de ella , más bien profetizó "Es un último gran papel". Al final de la película, con el policía Hank  Quilan abatido por su segundo un segundo antes, alguien le pregunta a Marlene  qué pensaba del muerto. "Era una clase de hombre", queriendo decir de lo que ya no hay. Palabra de un cervantino cubano, pero cervantino. Mis saludos, maestro.

La Momia en el Universo Oscuro

Dark Universe es una compañía de producción cinematográfica estadounidense formada en este 2017 por Universal Pictures con la intención de emular a la Marvel, pero en este caso reviviendo sus históricos personajes monstruosos pertenecientes a la Universal. 

La idea de revivirlo comenzaría con el remake de The Mummy, aunque este intento viene de antiguo con la película de 1999 llamada The Mummy. Pero lo que nos interesa en este momento es lo que los cursis llaman lo 2.0 , o lo que corresponda. Así que se optó por rerevitalizarla en junio de 2017. No se yo si con acierto... o no.

Desde luego esta Momia no, rotundamente. Lo cierto es que hace algún tiempo la Universal anunció que sería revivir (y reiniciar) sus personajes monstruosos creados por la compañía bajo la franquicia titulado Dark Universe . 

Es conocido que los monstruos de la Universal, Universal Monsters, son los más históricamente valorados de la historia del cine con películas de terror , suspense y ciencia ficción realizadas por la Universal Studios durante las décadas de 1920 a 1950. En su mayoría son monstruos basados en clásicos de la literatura y que incluyen los que aparecen en las películas Dr. Jekyll and Mr. Hyde, The Hunchback of Notre Dame, The Phantom of the Opera, Dracula, Frankenstein, The Mummy, The Invisible Man, The Wolf Man y Creature from the Black Lagoon y sus respectivas y numerosas secuelas. El universo cinematográfico de estos Monstruos Clásicos se inició con Drácula de 1931 y finaliza con la comedia Abbott y Costello contra los fantasmas del año 1948. Entre los que aparecieron Frankenstein (1931), La novia de Frankenstein (1935), La hija de Drácula (1936), El hijo o Son of Frankenstein (1939), El hombre lobo (1941), El fantasma de Frankenstein (1942), Frankenstein y el hombre lobo (1943), Son of Dracula (1943), La zíngara y los monstruos (1944), La mansión de Drácula (1945) y Abbott y Costello contra los fantasmas (1948) 

Pero el idilio entre la Universal y los monstruos se inició realmente con El jorobado de Notre Dame en 1923, cuando Alfred Grasso y Lon Chaney adquieren los derechos de la novela de Víctor Hugo y fueron buscando productores para llevar a cabo el proyecto, incluso en Alemania, sin embargo acabaron por firmar con la Universal el 22 de agosto de 1922 recibiendo Chaney un salario de 2000 dólares por semana. 

En palabras del fiscal y crítico cinematográfico Eduardo Torres-Dulce, "los estudios Universal buscaban su lugar, su estilo dentro del cine, y no le quedaba mucho espacio. Era impensable que otros estudios tomasen un género como el terror fantástico, que en cierta medida era un género muy popular". 

En esta época inicial  destaca el dúo formado por Tod Browning en la dirección yLon Chaney como actor protagonizando 10 películas desde que Browning se recuperó de la muerte de su padre y su alcoholismo. Una vez visto el éxito de franquicias para Marvel y DC - con algún que otro batacazo- tocaba el turno a la Universal y su Dark Universo y la elegida fue The Mummy . 

La película fue dirigida por Alex Kurtzman, aunque Len Wiseman fue originalmente establecido para dirigir, pero abandonó antes de la producción comenzara siendo reemplazado por Andy Muschietti , pero también abandonó debido a diferencias creativas, y escrita por Jon Spaihts. Se trata de un reinicio de la franquicia The Mummy​ . Tras su dirección estaban presentes los productores - algunos meramente ejecutivos- Sean Daniel, el mismo Alex Kurtzman, Roberto Orci, Chris Morgan y Bárbara Muschietti con el respaldo de la productora ( y distribuidora) Universal Studios intermediando con Universal Pictures, la K/O Paper Products , Dark Universe , Perfect World Pictures y Sean Daniel Company, así como un presupuesto de $ 125 000 000 . Nada menos. 

La idea de este momia parte del guión de David Koepp, Christopher McQuarrie- quien anteriormente dirigió Tom Cruise en Jack Reacher (2012) y Misión: Imposible - Nación secreta (2015)-, Dylan Kussman que llevan al papel la historia creada por Jon Spaihts, Alex Kurtzman, Jenny Lumet. En el montaje el trabajo lo firma Paul Hirsch, mientras que la música es de Brian Tyler y la fotografía de Ben Seresin.

En cuanto al reparto lo encabeza Tom Cruise como el soldado Nick Morton, Russell Crowe como el Dr. Henry Jekyll, Annabelle Wallis como Jenny Halsey, Sofia Boutella como Princesa Ahmanet / La Momia: , Jake Johnson como el cabo Chris Vail, Courtney B. Vance como el Coronel Gideon Forster, Marwan Kenzari como Malik, Javier Botet como Set, Selva Rasalingam como el Rey Menehptre, Dylan Smith como Lorenzo Montanari y Rez Kempton como Foreman junto a Chasty Ballesteros como Kira Lee. Igualmente participan en la cinta Shina Shihoko Nagai, Solomon Taiwo Justified, Emily Ng y Jason Matthewson. 

La historia se inicia en la Edad Media , cuando en 1127, un grupo de caballeros cruzados ingleses entierran un gran rubí rojo del antiguo Egipto en la tumba de uno de ellos con la esperanza de que nadie lo encuentre. En la actualidad en Londres, un equipo de construcción o ampliación del metro descubre la tumba de los caballeros y un misterioso hombre es autorizado para investigar los hallazgos descubiertos en el interior del sitio. 

En un flashback, los jeroglíficos en un mural circular en la tumba, que se remontan a la época del Imperio Nuevo, cuentan la historia de la implacable princesa Ahmaneta (Sofia Boutella) y la historia del rubí. El mismo pertenecía como Princesa Ahmanet / La Momia. La escena se traslada a la época del antiguo Egipto en donde se relata de que ella era la primera mujer en la línea de sucesión del trono de su padre, el faraón Menehptre, sólo para ser despojada de su derecho de nacimiento, cuando la segunda esposa del monarca dio a luz a un hijo. Decidida a reclamar el trono que le pertenece por derecho, Ahmanet vende su alma al dios egipcio Set (Javier Botet). El antiguo dios egipcio de los desiertos, las tormentas, la oscuridad y la violencia, que ayuda a la princesa Ahmanet en su búsqueda para gobernar Egipto pues se siente preparada para ser la reina del Antiguo Egipto, pero cuando Ahmanet asesinó a su padre y a su familia con el fin de resucitar a Set, este acto la maldecirá por toda la eternidad y enterrada viva hasta que es accidentalmente liberada de su prisión como la momia. 

A pesar de estar enterrada en una tumba en lo más profundo del desierto en un área alejada de Egipto, en concreto en el Creciente fértil, hoy Iraq, la antigua princesa cuyo destino le fue arrebatado injustamente, se despierta en la época actual, trayendo consigo una maldición que ha crecido hasta límites insospechados con el paso de miles de años. Después de asesinar a toda su familia, Ahmanet intentó sacrificar a su amante para dar al dios Set una forma física, sin embargo los sacerdotes de su padre la descubren y matan a su amante en el proceso, por aquel sacrilegio y por el asesinato de su familia, Ahmanet es acusada de traición y es condenada a ser momificada viva y sellada dentro de un sarcófago, luego es llevada a lo mas profundo del desierto y sepultada en una prisión de mercurio para de esta forma nunca saliera. 

Devuelta a la historia a la actualidad en lo que es hoy Irak o Iraq, un soldado - o un black water no me queda claro- del ejército de los Estados Unidos, y buscador de riquezas y antiguadades para venderlas en el mercado negro expoliando las riquezas del país, descubre la tumba de la princesa Ahmanet. Se llama Nick Morton (Tom Cruise) y su compañero Chris Vail (Jake Johnson ), que descubren accidentalmente la tumba de Ahmanet después de organizar un ataque aéreo en un bastión de la insurgencia. 

Jenny Halsey (Annabelle Wallis), una arqueóloga que tuvo una aventura amorosa de una noche con Nick, llega he investiga la tumba, llegando a la conclusión correcta de que es una prisión. Jenny Halsey es una gran arqueóloga, obstinada e inteligente. 

Después de extraer el sarcófago de Ahmanet de una piscina de mercurio, el superior de Nick, el Coronel Gideon Forster (Courtney B. Vance), coloca el sarcófago en un avión de transporte con rumbo a Inglaterra. Durante el vuelo, Vail es poseído por el poder de Ahmanet después de ser mordido por una araña, mientras estuvo dentro de la tumba. 

Tras intentar abrir el sarcófago, apuñala a Greenway y ataca al grupo , por lo que Nick se ve obligado a dispararle, matándolo. 

Sin embargo el avión es repentinamente atacado por una enorme ola de cuervos, provocando que el avión pierda el control y se estrelle contra el suelo, matando a todos abordo del avión, excepto a Jenny, quien fue lanzada del avión antes de que se estrellara con un paracaídas que Nick le entrego.

Tres días después del accidente, misteriosamente Nick se despierta en un cuarto de la morgue de Oxford y al principio se asombra de que siga con vida . 

De inmediato descubre a Vail, ahora en su forma de fantasma y le advierte que ha sido maldecido por Ahmanet y que pretende utilizarlo como repuesto para su ritual. 

Mientras tanto en el lugar del accidente, la momia Ahmanet se escapa de su sarcófago y comienza a alimentarse de los equipos de rescate que han ido para estudiar el accidente con el fin de regenerar su cuerpo descompuesto. Tras atacarlos, éstos se van volviendo en sus zombies secuaces. Esta actividad atrae a Nick, que se persona, y Jenny en una trampa, lo cual obliga a los dos a luchar contra los zombies. 

Los dos tratan de escapar rápidamente del lugar sin éxito y en el proceso Ahmanet también recupera su daga la cual estaba escondida dentro de un relicario en una iglesia cercana, pero Ahmanet descubre que el rubí rojo no está en la punta de su daga por lo cual no puede llevar acabo el ritual. 

Durante la fuga Nick y Jenny le arrebantan la daga a Ahmanet y tratan de escapar por el bosque. En el último segundo, soldados desconocidos aparecen y someten a Ahmanet en el proceso. Su líder resulta ser el Dr. Henry Jekyll, que le explica que Jenny es un agente de Prodigium, una sociedad secreta dedicada a la caza de amenazas sobrenaturales cuya base se encuentra bajo el Museo de Historia Natural de Londres y contiene objetos tales como una mano palmeada y un cráneo humano con los colmillos. Jenny al igual que el Doctor trabaja en secreto para la organización de caza de monstruos . A eso se dedica Prodigium. Prodigium, una organización dedicada a localizar, contener, y cuando sea necesario, destruir monstruos. Debido a un experimento fallido destinado a purgar su alma de oscuridad, debe inyectarse regularmente un suero para evitar que se transforme en su alter ego malvado y monstruoso, el señor Edward Hyde. 

Se confirma que Nick también había sido maldecido por Ahmanet justo cuando él y su compañero Vail abrieron la tumba y revela que la intención de Ahmanet es completar su ritual y permitir que el dios Set logre poseer a Nick con el fin de destruir el sistema y poner fin a su mal para siempre. Mientras tanto, Ahmanet convoca otra araña para introducirse en Prodigium que cuenta con Malik (Marwan Kenzari) como  jefe de seguridad de Jekyll . Para ello ataca a un técnico Prodigium y se libera de la cautividad, sembrando el caos, la muerte y la destrucción en el proceso. 

El Doctor Jekyll sucumbe a sus propios impulsos oscuros y se transforma en Edward Hyde, - vamos, en Mr Hyde- su asesina y psicótica personalidad alterna; justo en el momento cuando Nick rechazo la oferta de una alianza entre ellos. El ataque de Hyde y casi mata a Nick pero logrará detenerlo con el suero del mismo Jekyll, el cual utiliza para suprimir su lado malvado. Nick y Jenny consiguen vencer a sus captores y logran escapar del Prodigium, mientras Ahmanet logra liberarse de su prisión y recupera su daga de nuevo. 

Luego usando sus poderes sobrenaturales despierta a todo el ejército de caballeros cruzados fallecidos para que puedan servirla y rápidamente crea una enorme tormenta de arena para que esta le traiga devuelta a Nick para su ritual, la cual no tarda en hacer estragos en todo Londres. Los cadáveres de los caballeros cruzados rápidamente matan a todos los soldados Prodigium lo cual le permite a Ahmanet recuperar el rubí y lo coloca nuevamente en el pomo de su daga, otorgándole todo lo que necesita para liberar Set. 

Guiados por el fantasma de Vail, Nick y Jenny tratan huir por el metro de Londres llegando justo a donde están los túneles debajo de Londres, pero son atacados por los esbirros de Ahmanet. Justo cuando Nick y Jenny logran perderlos sorpresivamente Ahmanet captura a Jenny y se la lleva bajo el agua. 

Ante esto, Nick trata de rescatarla, pero desafortunadamente Jenny se ahoga. Con la esperanza de romper su maldición sobre Nick. 

Enfurecido por lo que hizo, Nick se defiende, pero rápidamente se da por vencido y se deja abrazar por Ahmanet, sin embargo Nick en el proceso logra arrebatarle la daga a Ahmanet y trata de destruir el rubí con la esperanza de destruir para siempre su poder, pero justo cuando esta a punto de hacerlo Ahmanet lo detiene le suplica que no lo haga y lo convence de que si se deja poseer obtendrá un poder que podrá dar vida como la muerte. 

Al encontrarse en un punto muerto, Nick opta por apuñalarse a sí mismo y su cuerpo es rápidamente poseído por Set, que procede a unirse Ahmanet y mantener su parte del trato hasta que ve el cadáver de Jenny, momento en el que Nick recupera el control y utiliza los poderes de Set para dominar y extraer la vida de Ahmanet, retornándola a su forma de una momia arrugada. 

Es entonces cundo Nick aprovecha los poderes de Set para resucitar a Jenny, decirle adiós antes de que sea controlado por el poder de Set y desaparece del lugar. Al poco tiempo, Jenny se reagrupa con el Dr. Jekyll y discuten si Nick, ahora fusionado con Set, va a sucumbir a la influencia del dios, si será bueno o malo. 

El cadáver de Ahmanet es llevado a una piscina cerrada de mercurio dentro de la base Prodigium para su custodia. Más tarde, en el desierto, Nick resucita a Vail y los dos se dirigen a buscar una nueva aventura...o no, visto lo visto. 

El rodaje de la Momia comenzó el 3 de abril de 2016, en Oxford, Reino Unido ​ y en Abadía de Waverley y en el Winterfold Forest ambos en Surrey. La filmación de la película estuvo centrada en los alredores de Londres como en la Old Central St Martins, en Southampton Row, en The Warrington, 93 Warrington Crescent, Maida Vale, y en la misma ciudad en concreto en Museo de Historia Natural, South Kensington. 

Después la producción se trasladó a a Namibia por dos semanas, y fotografía principal en la película se terminó el 13 de agosto de 2016. 

Antes de eso, la película fue retrasando su programación en varias ocasiones incluyendo el 22 de abril de 2016 y luego el 24 de junio de 2016, pero Universal anunció que el 22 de abril se estrenaría The Huntsman: Winter's War. Finalmente , la Universal Pictures había programado previamente la película para ser estrenada el 24 de marzo de 2017, pero se retrasó hasta el 9 de junio de 2017. Hasta el 25 de junio de 2017, La Momia ha recaudado $68.5 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá junto con $273.6 millones en otros países, para un total global de $342,1 millones, contra un costo de producción de $125 millones. ​

El film fue el mayor debut global en ingresos en la carrera de Tom Cruise. Nosotros aprovechamos el día previo para nuestra salida al Báltico para verlo a la luz de la luna en nuestro cine de verano favorito. Al menos, estaba cerca. 

Sin embargo, Universal ha reconocido que ha sido el debut más bajo de la franquicia The Mummy y terminando segundo en la taquilla detrás incluso de una competidora natural, Wonder Woman. Para hoy se le ha calculado una recaudación total de 392 539 450 de dólares.

La película cuenta con algunas buenas escenas y efectos especiales. Por ejemplo, la escena de gravedad cero tomó sesenta y cuatro tomas y fue filmada durante dos días en un avión que caía. Según se informa, gran parte de la tripulación tuvo náuseas durante la escena y vomitó, a excepción de las principales estrellas, Tom Cruise y Annabelle Wallis , que estaban muy orgullosos de la acrobacia.

Jake Johnson, para sus escenas, se preparó en las instalaciones privadas de Crusie para hacer un riguroso curso de entrenamiento de 4.5 meses, lo que lo permitió afrontar todas las acrobacias que debía hacer.

El director Alex Kurtzman afirmó que no hay escena post-final de crédito porque, "Ese es el dominio de Marvel".

Javier Bardem , Joseph Gordon-Levitt , Tom Hardy y Eddie Redmayne fueron considerados como el Dr. Henry Jekyll antes de Russell Crowe fue elegido para el papel. Bardem fue postergado para el Monstruo de Frankenstein.

Para el papel femenino la elegida fue Annabelle Wallis, ya operada de la nariz y con cierto aspecto distinto a su papel en Peaky Blinders.

La Momia ha recibido críticas unanimemente negativas, principalmente dirigidas por su narrativa incoherente y puntos disparatados en la trama , incluso en todo lo visto hasta ahora en el Universo de los Monstruos de la Universal y no se si pondrán en riesgo el mismo Dark Universe. 

En el sitio web Rotten Tomatoes, la película tiene un 16% de aprobación basado en 215 críticas, con una calificación promedio de 4.2/10. En Metacritc, que asigna una calificación 34 de 100 lo que indica «revisiones generalmente negativas».Y en ImDb tiene una valoración de 5'6 sobre diez. Muy, muy generosa. 

En cuanto a los críticos todos la masacran con honrosísimas excepciones. Para Owen Gleiberman en Variety "'The Mummy' es una mezcla de películas de monstruos poco imaginativa y presuntuosa. No para de lanzarte cosas, y cuanto más vas sabiendo sobre la intrincada complejidad de su 'universo', menos convincente se vuelve." 

Según John DeFore de The Hollywood Reporter se trata de "Un desfavorable comienzo para una franquicia (...) Extrañamente fuera de lugar, Cruise aporta poco atrevimiento y menos encanto a la película, aunque para ser justos con el actor, su personaje es un monigote." 

Para David Ehrlich de Indiewire "Es un irremediable desastre de principio a fin, una aventura que sólo entretiene a través de destellos de la aventura que debería haber sido." 

Entiende Peter Travers en las páginas de Rolling Stone que "El primer reboot de este 'Dark Universe' es un monstruoso fracaso. Tom Cruise, Sofia Boutella y un montón de efectos digitales no pueden salvar este monstruos o desorden épico (...)" 

Bilge Ebiri en Village Voice "Esta 'Mummy' parece como una floja recopilación de conceptos poco desarrollados." 

Chris Nashawaty afirma en Entertainment Weekly que "No estoy seguro de que esta versión tibia, sin rumbo, pero ocasionalmente entretenida de 'The Mummy' sea como la productora soñó que comenzaría su Dark Universe, pero es lo suficientemente buena como para mantener tu curiosidad sobre lo que viene a continuación." 

Rodrigo Perez de The Playlist afirma que "'The Mummy' es una excusa anticuada, empíricamente lúgubre y risible para iniciar una franquicia, y debería haberse quedado sepultada." 

Ya en el Reino Unido le dan sin frena una y otra vez. Peter Bradshaw en The Guardian comenta que es "Es un batiburrillo de escenas de acción que necesitaban un nexo de unión más fuerte. (...) " 

Para Fionnuala Halligan de Screendaily "Incluso Dwayne Johnson en la secuela del reboot de 2009, 'The Scorpion King' es más divertido que esto." 

Dan Jolin en Empire sostiene que es "Un extraño, pero frívolo entretenimiento que mezcla géneros y que se enfrenta al carisma de sus dos grandes nombres y mantiene la diversión lo suficiente como para que perdonemos sus considerables lapsos en la narración. (...) " 

Ya en España en las páginas del ABC escribe Antonio Weinrichter que "Lo de Sommers dio para varias secuelas cada vez de menor cuantía, suscitando esta pregunta para la nueva momia Universal: debemos esperarla como un placer culpable o como una nueva plaga de Egipto…" 

Carmen L. Lobo en La Razón afirma que "Atestada de efectos especiales, con un ritmo a veces trepidante aunque otras se «enganche»" 

Para Nando Salvá del El Periódico "No es más que otro ejemplo ruidoso y excesivo de lo que conocemos como 'blockbuster' (...) una película casi tan muerta como el personaje que le da título (...) " 

En Argentina Gaspar Zimerman en Clarín afirma que "Digamos que para ser la presentación -o el reinicio, en realidad- de un “universo”, le faltan novedades atractivas. (...) Esto tiene demasiado gusto a fórmula: veremos si el universo oscuro cobra más vuelo en los próximos capítulos." 

Cree María Fernanda Mugica en La Nación que "El gran embrollo que son la historia y el tono desparejo del film no pueden ser salvados ni por Cruise, ni por Crowe, ni por buenos efectos. La película es una serie de combinaciones que no encajan e intentos fallidos." 

Ezequiel Boetti de Página 12 se pregunta "Pero, ¿y lo monstruoso que prometen las sinopsis? Poco y nada, (...) dado que Kurtzman y sus ¡cinco! coguionistas (...) apuestan por crear una típica película multitarget en la que suceden mil cosas sin que se entienda muy bien." 

Destaco la una crítica positiva que he leído. la firma Alexis Puig de Infobae "Es un entretenimiento muy cuidado, bien elaborado desde la estética y los efectos, concebido para el disfrute del público ATP que augura buenas continuaciones y un bienvenido regreso de las criaturas más populares del horror gótico." ¿ Se habrá equivocado de película? 

El llamado Dark Universe está en problemas. Los monstruos de Universal empiezan con un pie tambaleante en esta reinvención caótica, reiterativa y absolutamente absurda. Es un disparate, adecuado para tomarte una cerveza, hablar de los fresquita que está, y zamparte el bocadillo que llevas , mientras buscas el paquete de patatas fritas que tiene tu hijo. En el corte intermedio, vas al servicio y comentas lo fresquita que está la noche en la Plaza de toros, aunque de la película mejor no hablar. Es tan incoherente, tan disparatada, tan sinsentido, con tantos efectos especiales que uno se pregunta ¿por qué hacer un remake si el de 1999 con Brendan Fraser, y sus Returns diversos - hasta dos más y uno de ellos en China -, al menos, tenía la esencia del cine de aventuras, pues eran entretenidas, pero esta no. Y claro te preguntas ¿ Y qué pasará con el Doctor Jekyll y Mr Hyde y con el resto?.

Después busco y leo que hay otro producto de Dark Universe en camino. La próxima entrega es Bride of Frankenstein que será lanzado el 14 de febrero de 2019, y será dirigido por Bill Condon y producida por Jason F. Brown, Brian Grazer , Alex Kurtzman y Chris Morgan y protagonizará a Javier Bardem con guión de David Koepp , Alex Kurtzman y Chris Morgan . Se espera igualmente otra sobre La criatura de Black Lagoon ., ¿con Jeff Pinkner y guión de Will Beall . Y están en cartera Invisible Man , Van Helsing , Wolf Man , Frankenstein, Dracula , Phantom of the Opera y con la que empezó el Universo Universal , El Jorobado de la película Notre-Dame. 

Sin embargo, me cuestiono si las arenas del desierto de Namibia en este caso ¿no habrán llevado a tapar todo estos proyectos? ¿No será que el Dark Universe acabe siendo eso, un Universo Oscuro? Esta claro que dinero han hecho, pero en el cine ¿todo es taquilla? Un respeto a nuestra inteligencia.

Cadena perpetua

No es la primera vez que Stephen King aparece por aquí. Ya sea directamente como en series adaptados por él mismo, ya sea como adaptaciones de sus muchas obras de terror o fantasía. Incluso por aquí pasó un documental en el que nos hablaba de su concepto del terror y como ha influido el cine en el mismo. 

No hace tanto hablamos de una película que fue todo un éxito en los Oscar , muy a principios de este siglo. Se trataba de La Milla Verde, una obra que se desarrolla en una penitenciaría  del sur profundo de los Estados Unidos. Sin embargo, ya comenté que no era su única obra de tema carcelario, pues en los noventa presentó bajo la dirección de un inteligente y habilidoso Frank Darabont, uno de los directores que mejor ha entendido la obra de King. Se trataba de The Shawshank Redemption , aquí públicamente conocida como Cadena perpetua.

Se trataba de una película estadounidense del año 1994, escrita y dirigida por Frank Darabont y protagonizada principalmente por Tim Robbins y Morgan Freeman. Esta ha sido la película elegida para ver junto a mi padre , mi mujer y alguno de mis hijos en una tórrida noche cordobesa, a la luz de las estrellas y que culminó con un baño final en la piscina , allá por la una y media de la madrugada. 

El relato que King escribió fue parte de un libro titulado “Las cuatro estaciones ” con diferentes novelas cortas que publicó en el año 1982. Entre ellas podemos encontrar “Rita Hayworth y la citada The Shawshank Redemption” . El libro escrito por Stephen King donde reúne 4 de sus novelas cortas. Dividido en dos partes y con dos historias diferente cada una de ella.

El libro presentaba así cuatro capítulos o narraciones cortas que se identificaban con una época del año. Estas cuatro narraciones eran una suerte de historias ejemplares, cuatro parábolas sobre cómo el ciclo de las estaciones influían sutilmente en los niveles más profundos e inquietantes de la psiquis humana.

El primer cuento, “El cuerpo” que inspiraría la película “Stand By me” , que narraba un viaje iniciático de cuatro niños para ver un cadáver y que perdían su visión inocente de la vida, correspondía al capítulo “El Otoño de la inocencia”.

La segunda narración, “El método de respiración”, un relato de un nacimiento que se convierte en símbolo del renacimiento, correspondía a “Cuentos de Invierno”.

El tercer cuento, “Rita Hayworth y la redención de Shawshank”, contaba el duro trance de un hombre en la cárcel acusado injustamente de asesinato, y correspondía al capítulo “Primavera, esperanza eterna”.

Por último, el cuarto relato que se llamaba  “Alumno aventajado”; un niño al descubrir que su vecino es un nazi bastante conocido, usa la información para chantajear con maldad y abusar del anciano y así poder jugar con sus objetos “satánicos” y que vi hace un tiempo bajo el título “Verano de Corrupción” y dirigida por Brian Singer.

El relato fue traducido como “Sueño de fuga”. El tono, dice quien lo ha leído, de este tercer , “Rita Hayworth y la redención de Shawshank”, era muy sombrío y poético y que tenía la capacidad de alternar un lenguaje presidiario con momentos de alta lírica. Stephen King ha dicho que su novela original fue la culminación de todos los recuerdos que tuvo de ver películas de prisión cuando era un niño.

Hubo de pasar más de 10 años para que este cuento del libro “Las cuatro estaciones” tuviera por fin su adaptación a la pantalla grande.

Y aquí es donde entre en juego Frank Darabont que será director y guionista. Para ello contó con la producción de Niki Marvin y el apoyo de la productora Columbia Pictures y Castle Rock Entertainment, así como la colaboración en la distribución de la Warner Bros. En total pusieron de presupuesto unos $ 25.000.000.

Contaron para ello con un buen equipo técnico en el que destaca la música de Thomas Newman, la fotografía de Roger Deakins y el montaje de Richard Francis-Bruce, así como un grupo de actores en estado de gracia.

El reparto lo encabezaban a la Tim Robbins como Andy Dufresne y Morgan Freeman como Ellis Boyd 'Red' Redding, el mejor amigo de Andy y narrador de la película. Junto a ellos está Bob Gunton como el Alcaide Samuel Norton, William Sadler como Heywood, un miembro de la banda de Red condenado a larga sentencia y Clancy Brown como Capitán Hadley, el Jefe de los guardias y el principal antagonista junto con Norton. Igualmente se encuentra Gil Bellows como Tommy, un joven condenado cuyas experiencias en una prisión anterior tienen la verdad sobre la inocencia de Andy y James Whitmore como Brooks Hatlen, preso que ejerce como bibliotecario / administrador y uno de los más antiguos presos en Shawshank. Aparecen en papeles menores Mark Rolston, David Proval, Jeffrey DeMunn, Jude Ciccolella, Don McManus, Alfonso Freeman, Brian Libby, Mack Miles, Frank Medrano.

A principios del año 1947, Andrew Dufresne, más conocido como Andy (Tim Robbins), vicepresidente de un importante banco de Portland, Maine, es juzgado por el crimen de su esposa y el amante de su esposa. Para 1949, Andy Dufresne, un culto y exitoso ex vicepresidente de un banco, es juzgado tras ser acusado del homicidio de su esposa y de su amante, por lo que es condenado a purgar una pena de dos cadenas perpetuas en la prisión estatal de Shawshank, en Maine. A pesar de que insiste con su inocencia, las pruebas en su contra son motivo suficiente para que el juez lo condene a cumplir esas dos cadenas perpetuas.

Apenas llega a la prisión, Andy se percata de lo duro que es el ambiente de la cárcel, donde los guardias no ahorran esfuerzos en disciplinar a los reclusos con los métodos más crueles, sobre todo el jefe de los guardias, el capitán Byron Hadley (Clancy Brown). Hadley es un guardia intemperante que emplea palizas a los presos para mantenerlos en línea. De hecho todos los que llegan son llamados "pececitos".

Todo este "régimen del terror" cuenta con la aprobación del alcaide de la cárcel, Samuel Norton (Bob Gunton)que tiene una obsesión con la Biblia y parece ser un administrador cristiano devoto y reformista.

Durante los primeros meses de su condena, Andy se hace amigo del capo del contrabando en la prisión, Ellis Boyd "Red" Redding (Morgan Freeman), al encargarle un martillo para labrar piedras preciosas y algunas otras cosas más. Entre los dos presos, a medida que pasaban los años, comenzaba a desarrollarse una incipiente amistad, que se desarrollaba en forma paralela al progresivo cambio de status de Andy en la cárcel

También ocupa su tiempo y sus fuerzas en defenderse del acoso constante de una pandilla de violadores, llamada "Las hermanas" y liderada por un tal Bogs Diamond (Mark Rolston).

Poco a poco el grupo de amistades se amplía con Heywood (William Sadler) un miembro de la banda de Red condenado a larga sentencia y Brooks Hatlen (James Whitmore) preso que ejerce como bibliotecario / administrador y uno de los más antiguos presos en Shawshank.

Dos años después de su ingreso, Andy es seleccionado junto con Red y sus otros amigos para reparar el techo de uno de los edificios de la prisión.

Mientras cumple con dicho trabajo, Andy escucha casualmente al capitán Hadley quejarse por un embrollo fiscal, causado por una herencia recibida de parte de su hermano. Andy se ofrece a ayudarlo en el asunto si le traía cerveza fresca a cada uno de sus amigos. Este hecho le trae admiración sobre Andy, que pasa a emplear su tiempo en asesorar financieramente a los guardias de la prisión e incluso al alcaide.

Andy se libera de la presión de "Las hermanas" cuando Bogs queda inválido tras recibir una paliza del capitán Hadley por sus acosos hacia Andy.

Con el tiempo, Andy es transferido a la biblioteca de la cárcel, para ayudar al bibliotecario, Brooks Hatlen (James Whitmore), hasta que éste recibe la libertad condicional, pero Brooks se suicida tiempo después de liberarse por la depresión que le causó la idea de haber desperdiciado su vida.

Después de algunos años, como respuesta a sus reiterados pedidos, Andy recibe de parte del Senado estatal un cheque por 200 dólares y una partida de libros y discos para equipar la biblioteca. “La esperanza es una buena cosa, y las buenas cosas nunca mueren”, le dice Dufresne a Red en un momento del cuento.

Por hacer escuchar a los presos la ópera Le nozze de Figaro a través de los altavoces, es castigado con dos semanas de confinamiento en una estrecha celda conocida como "el hoyo". Red , el narrador de la historia, comenta que “No tengo ni la más remota idea de qué demonios cantaban aquellas dos italianas, y lo cierto es que no quiero saberlo. Las cosas buenas no hacen falta entenderlas. Supongo que cantaban sobre algo tan hermoso que no podía expresarse con palabras, y precisamente por eso, te hacía palpitar el corazón. Les aseguro que esas voces te elevaban más alto y más lejos de lo que nadie viviendo en un lugar tan gris pudiera soñar. Fue como si un hermoso pájaro hubiese entrado en nuestra monótona jaula y hubiese disuelto aquellos muros. Y por unos breves instantes hasta el último hombre de Shawshank se sintió libre”.

Andy no se conforma con los libros recibidos por parte del Senado e insiste en sus pedidos, hasta que el Senado dispone un pago anual de 500 dólares para él.

Con su aguda capacidad para los negocios y la inestimable ayuda de sus amigos, Andy obra maravillas con ese dinero y logra montar la mejor biblioteca carcelaria de toda Nueva Inglaterra.

Mientras tanto, el alcaide Norton inaugura un programa de trabajo para los presos, por medio del cual éstos trabajarían en diversas tareas (como por ejemplo la tala de árboles), bajo el argumento de prestar un servicio a la comunidad. Muchos contratistas de la zona, temiendo que este programa los dejase sin trabajo debido a la ventaja que presentan los presos como "mano de obra gratis", pagan sobornos al alcaide para quedarse con concesiones para obras importantes y hacer que los presos trabajasen en obras menores, y Andy se encarga de procesar y blanquear cada centavo de aquellos negocios turbios, abriendo cuentas bancarias a nombre de un tal Randall Stevens, que según Andy "no existe más que en papeles".

Para 1965 llega un nuevo y joven preso llamado Tommy Williams (Gil Bellows) que  revoluciona la cárcel con su personalidad chispeante.

Con la ayuda de Andy, se matricula en un centro a distancia para conseguir el título en la enseñanza media o secundaria, y al enterarse del motivo por el cual Andy está preso, revela que el verdadero asesino es otra persona, que compartió celda con Tommy en otra prisión, durante una condena anterior a su llegada a Shawshank.

Al enterarse de esto, Andy le pide al alcaide reabrir su caso, pero éste se niega, temiendo quedarse sin sus servicios, y en un acceso de ira lo envía al "hoyo" por un mes.

Tommy, días más tarde, después de que Tommy recibiese su diploma de la enseñanza media, es llamado por Norton que  le pregunta si estaba dispuesto a declarar en favor de la inocencia de Andy, y al recibir una respuesta afirmativa, Hadley le dispara cuatro balas  de rifle a Tommy, matándolo en el acto.

Al enterarse de esto, Andy le dice al alcaide que no volverá a trabajar para él, pero Norton le hace saber que perderá todos los privilegios de los que goza si no cooperaba con él.

Un mes más tarde, Andy le dice a Red que considera cumplida su condena, le cuenta sus planes de establecerse en un pequeño pueblo mexicano a orillas del Pacífico y le pide su ayuda para sus proyectos a seguir una vez que saliera de la prisión. Red se niega, alegando que le sería muy difícil adaptarse a la vida fuera de la cárcel, y recordándole a Andy que dejara de ilusionarse con esos planes, pero de todos modos Andy le pide que busque un lugar específico, donde habría algo enterrado para él.

Esa misma noche, después de terminar su trabajo con las finanzas del alcaide, Andy vuelve a su celda, pero a la mañana siguiente, durante el recuento, los guardias descubren que ha desaparecido.

El alcaide cree que su desaparición es resultado de un complot en su contra, pero luego descubre un túnel oculto tras un póster de Raquel Welch en la pared, construido por Andy durante los 19 años de su estadía en la prisión con el martillo que le había pedido a Red y que había empezado por el poster de Rita Hayward, que da nombre al relato literario.

Después de que Andy hubo escapado de la cárcel a través de su túnel y un desagüe   se hace pasar por Randall Stevens con los documentos usados para abrir las cuentas bancarias, y se lleva alrededor de 370.000 dólares.

Antes de salir hacia México, envía las pruebas del lavado de dinero (las cuales se había llevado al escapar de la cárcel) a un importante diario de Portland. La noticia sale en la portada del diario, Hadley es arrestado por el homicidio de Tommy y Norton se suicida antes de ser apresado.

Un año más tarde, Red logra salir bajo libertad condicional. Inicialmente encuentra empleo en el mismo lugar en que Brooks estuvo trabajando, en la tienda, pero fiel a su promesa, busca el lugar que Andy le indicó y encuentra una pequeña lata con algo de dinero y una carta para él.

Siguiendo sus instrucciones, viaja hasta Fort Hancock para cruzar la frontera con México y llegar a la población de Zihuatanejo, donde se encuentra con Andy.

Debieron pasar más de 10 años para que este cuento del libro “Las cuatro estaciones” tuviera por fin su adaptación a la pantalla grande. Basada, como ya he dicho en el relato corto de Rita Hayworth y la redención de Shawshank,  el film abarca una mirada optimista de la vida, contando la historia de dos amigos en una prisión. Se enfatiza en el no perder las esperanzas, incluso en las más inhóspitas situaciones.

Fue nominada a múltiples premios, incluyendo siete premios Oscar, con el de mejor película, sin embargo, no obtuvo ningún premio, en parte por competir con otros dos colosos del año: Forrest Gump y Pulp Fiction. Sin embargo, el tiempo le dio una favorable crítica, logrando prestigio y reconocimiento mundial tras sus ediciones en VHS, DVD y Blu-ray.

Asimismo, varios críticos, hoy en día, la consideran como una de las mejores obras cinematográficas de los 90, como también una de las más grandes filmaciones jamás hechas.

Por cierto la filmación tuvo lugar en el Mansfield Reformatory de Ohio, , en Saint Croix en las Islas Vírgenes de EE.UU, en Butler, Bellville, Upper Sandusky, en Malabar Farm State Park de Lucas, en el Palacio de Justicia del Condado de Wyandot, en Upper Sandusky, Ashland, todas ellas en Ohio, aunque también en Yuma, Arizona. La escena final fue filmada en las Islas Vírgenes de los Estados Unidos en el Caribe, pero en la película se supone que es el Océano Pacífico y se rodó ante la insistencia del estudio.

Del mismo modo, The Shawshank Redemption está considerada como la mejor película de la historia según Internet Movie Database, junto a El padrino (1972) en segundo lugar. La revista Empire la ubicó en el cuarto puesto de su lista de las 500 mejores películas de todos los tiempos.

Lo cierto es que Darabont se aseguró los derechos de adaptación cinematográfica del autor Stephen King, después de impresionar a éste con su adaptación de la película corta de The Woman in the Room en 1983.

Aunque los dos se habían convertido en amigos y mantenían una relación amistosa, por correspondencia, Darabont no trabajó con él hasta cuatro años más tarde, en 1987, cuando surgió la opción de adaptar Shawshank. Esta es una de las ofertas más famosas que ha hecho King a los jóvenes aspirantes a cineastas de adaptar sus obras al cine por un dólar.

Darabont , años después como ya he señalado dirigió The Green Mile (1999), basada en otra obra de Stephen King que transcurre igualmente en una cárcel, y luego siguió con una adaptación de la novela de King The Mist.

Rob Reiner, quien había adaptado anteriormente otra novela de King, El cuerpo, en la película Stand by Me (1986), ofreció 2,5 millones de dólares en un intento de escribir y dirigir Shawshank. Él planeó lanzar a Tom Cruise en la parte de Andy y Harrison Ford como Red.

Darabont  consideró  y le gustó la visión de Reiner, pero al final decidió que era su "oportunidad de hacer algo realmente grande", decidiendo escribir y dirigir él mismo la cinta.

Aunque la historia está ambientada en Maine, el Reformatorio del estado de Ohio en Mansfield, Ohio, y fue utilizado como un sustituto de la prisión de Shawshank.

El único problema es que, a pesar de las buenas críticas, la película, una cinta de dos horas y 22 minutos que se estrenó en 1994, naufragó absolutamente en la taquilla, y fue considerada uno de los fracasos comerciales de ese año.

Con una fotografía notable pero oscura, sin actrices y sin ninguna estrella conocida en el elenco (Morgan Freeman todavía no se convertía en el actor solicitado que es hoy), la cinta de Frank Darabont no tenía cómo hacerle frente a otros “Blockbusters “en la pantalla grande en ese lejano año de 1994. Un ejecutivo de la Warner Bros comentó, de hecho, que “la película estaba hecha para fracasar en las salas y eso fue lo que pasó”.

En los Premios Oscar de las películas estrenadas en 1994 obtuvo  7 nominaciones, incluyendo mejor película y actor (Freeman)

En los Globo de Oro de ese año fueron dos las nominaciones: el de mejor actor drama (Freeman) y mejor guión

El Sindicato de Productores (PGA) la nominó a la Mejor película 1994, así como el Sindicato de Directores (DGA) al Mejor director y el mejor guión adaptado por parte del Sindicato de Guionistas (WGA): .

El Sindicato de Actores (SAG)optó por nominar como mejor actor a Freeman y Robbins.  Por otro lado, en 1998, The Shawshank Redemption no fue incluida en el ranking realizado por el American Film Institute, AFI's 100 años... 100 películas, pero nueve años después, en el año 2007 fue incluida, ocupando el puesto n.º 72 en la revisión de la lista, y por encima de las películas más premiadas y aclamadas de 1994: Forrest Gump (n.º 76) y Pulp Fiction (n.º 94).

Sin embargo, la cinta, se relanzó tras  ser nominada a siete premios Oscar (no ganó ninguno, porque debió enfrentarse a cintas de antología como “Forrest Gump” y “Pulp Fiction”), fue uno de los títulos más vendidos en las tiendas especializadas de VHS en el año 1995 (la Warner Brothers decidió lanzar 320 mil copias en video, un número exagerado para una película que había fracasado en el cine pero, contra todos los augurios, todas las ediciones se vendieron, lo que fue la primera señal de que el largometraje de Darabont tendría  un segundo y virtuoso recorrido. Al final la recaudación alcanzó los  58.500.000 de dólares.

Antes de que Freeman fuera elegido como el papel de Red  hubo idea de que el mismo fuese de  Clint Eastwood, Harrison Ford, Paul Newman y Robert Redford ya que fueron considerados para el papel. Jeff Bridges , Tom Hanks , Kevin Costner , Tom Cruise , Nicolas Cage , Johnny Depp y Charlie Sheen fueron considerados para el papel de Andy Dufresne. Hanks lo rechazó, porque estaba comprometido con Forrest Gump (1994). A Costner le gustaba mucho el guión, pero luego se vio envuelto en el rodaje de Waterworld (1995).

Aunque fue escrita como un irlandés de mediana edad con cabello gris rojo (como en la novela), Darabont eligió a Freeman por su presencia y su conducta  y  porque no podía ver a nadie más como Red. Por cierto, Frank Darabont escribió el guión en ocho semanas.

Cuando fue elegido para el papel de jefe de seguridad de la prisión el actor Clancy Brown rechazó la oferta para estudiar a los guardias de la prisión de la vida real como preparación para su papel.  Frank Darabont vio a Uno de los nuestros (1990) todos los domingos mientras rodaba esta película, y se inspiró en ella, en la utilización de la narración de voz en off y mostrando el paso del tiempo.

Al final de la película, hay una dedicatoria a Allen Greene que era agente de Frank Darabont y también un amigo personal cercano. Murió justo antes de la finalización de la película debido a complicaciones del SIDA.

Jon Favreau audicionó para el papel de Fat Butt. Más tarde dijo a Empire Magazine que esta fue la peor audición que hizo, y lo animó a tratar de perder peso.

Darabont (el director) decidió quitar el “Rita Hayworth” del título original de la novela para que no se la confundiera con una biografía de Hayworth. Aún con eso, recibió la llamada del agente de una supermodelo afirmando que era el mejor guión que habían leído jamás y que su representada era ideal para el inexistente papel de Hayworth.

El personaje de Tommy Williams, interpretado por Gill Bellows era para Brad Pitt, quien prefirió interpretar al vampiro Louis de Pointe du Lac en Entrevista con el vampiro.

Stephen King no llegó a cobrar el cheque de 5.000 dólares que recibió tras la venta de los derechos para la película. Le devolvió el cheque a Darabont años después de que se estrenara Cadena perpetua con una nota que decía: “Por si acaso algún día necesitas dinero para la fianza. Con cariño, Steve”.

En cuanto la crítica indicar que Roger Ebert en las páginas del Chicago Sun-Times dijo de ella "No es un 'drama carcelario' en el sentido convencional de la palabra (...) en general, la película es una alegoría sobre mantener el sentido de la propia dignidad, pese a todo (...) .

En el Chicago Tribune se escribió que era "Simplemente, un entretenimiento maravilloso" ; mientras que en Variety se calificaba como "Vívida, agotadora y dolorosa (...) Un testimonio del espíritu humano" Y en las del The Hollywood Reporter se dice "Como protagonistas, tanto Robbins como Freeman están espectaculares."

Para Janet Maslin del The New York Times "Consigue evitar lo trillado (...) El guionista y director, Frank Darabont, cuenta su historia con un nivel de cariño afectuoso sorprendente."

Dave Kehr en el New York Daily News se trata de "Una película sencilla, atractiva, de buen corazón, con la oscuridad suficiente alrededor de los bordes para dar contraste y alivio a su visión benigna de la naturaleza humana."

Jonathan Rosenbaum en el Chicago Reader entiende que es "Un apasionante drama carcelario de 1994, dirigido y adaptado con habilidad por Frank Darabont"

Para Peter Travers en Rolling Stone "Son las buenas actuaciones las que contienen el flujo de banalidades."

Ya en el Reino Unido en Time Out se dice que "Un regreso a la clase de dramas serios y literarios que Hollywood solía hacer (...) una fábula absorbente y soberbiamente interpretada"

Por su parte, Ian Nathan de Empire "Si no te gusta 'Shawshank', es posible que estés más allá de la redención (…)  "

En España Pablo Kurt escribía en filmaffinity que   "The Shawshank Redemption" es un caso ejemplar de redención cinéfila: en las nominaciones a los Oscars de 1994 apareció esta "desconocida" película con 7 nominaciones, tras haberse estrenado sin ningún éxito, dirigida por un novato y con un reparto sin estrellas. Por si fuera poco ese año "Forrest Gump" arrasó con todo y nuestro drama carcelario se fue de vacío. También en taquilla: su reestreno en cines durante la temporada de premios volvió a ser más que discreto (acabó el año nada menos que en el puesto 51 de taquilla del año). Parecía sentenciada al olvido, pero inesperadamente desde entonces comenzó una constante reivindicación de la calidad y del conjunto de valores que encierra esta entrañable y entretenidísima historia sobre la amistad... hasta donde está ahora: en primeras posiciones de todas las listas de preferencias del público. El guión (basado en un relato de Stephen King) te atrapa poco a poco en un crescendo magistral, regalando uno de los finales más bellos de las últimas décadas. Robbins nunca ha estado mejor, provocando con su contenida interpretación una empatía que recuerda a Gregory Peck en "To Kill a Mockingbird" (Matar a un ruiseñor). Y por último está Morgan Freeman, con una mirada tierna y sincera que te sentencia a quererlo a perpetuidad, sin necesidad de cadenas. Todavía cumplo condena.

Miguel Ángel Palomo de El País sentencia diciendo que es "Un clásico del cine carcelario que huye del espectáculo barato para ahondar en la amistad de la pareja protagonista"

Los reconocimientos de la crítica, que habían sido buenos en 1994, continuaron en el nuevo milenio. En una reciente encuesta realizada entre 400 personalidades de Hollywood por el diario especializado The Hollywood Reporter, esta película ocupó el cuarto lugar de preferencias detrás de “El padrino”, “El mago de Oz” y “Ciudadano Kane”. Ha sido votada en el número # 4 en las 500 películas más grandes de la revista Empire de todos los tiempos (septiembre de 2008).

Y según Internet Movie Database, en su top 250 movies of all time, fue votada como el mejor filme de la historia (clasificada gracias a más de 900.000 votos, era la película más votada de las 250 que aparecen en la lista de IMDB, el famoso portal de información cinematográfica). Está a día de hoy valorada con un 9'1 sobre 10.

En 1999, finalmente, el  crítico norteamericano Roger Ebert también la incluyó en su lista de “Great Movies”. Esta película y Pulp Fiction (1994) se estrenó el mismo día 14 de octubre de 1994. Ambas películas fueron nominadas a 7 premios de la Academia cada una, ambas ganaron el estatus de culto en los años siguientes y ambas figuran entre las 10 mejores películas de IMDb. (A partir de febrero de 2017)

El actor Tim Robbins, protagonista de “Sueño de fuga” y ganador de un premio Oscar al mejor actor secundario por su papel en Mistic River es quien define mejor la sensación que dejó la película, 32 años después que Stephen King escribiera por primera vez su libro, a comienzos de la década de los 80’. “No exagero cuando digo que no ha pasado un sólo día de mi vida en que alguien no me haya dicho algo sobre esa película, sobre lo importante que fue para su vida, dándome las gracias”.Para prepararse para su papel de Andy Dufresne, Tim Robbins pasó algún tiempo en confinamiento solitario.

Varios años después de su estreno el propio Freeman   reveló qué, por un lado es su película favorita, y , por otro, que el rodaje estaba lleno de "extrema tensión", ya que había constantes diferencias entre los actores, los productores, y Frank Darabont . En una entrevista con Entertainment Weekly, dijo que el ambiente era "muy extraño" y se negó a hablar de ello más adelante. Por último, habló según él, sobre cuál fue el principal error de la cinta de Frank Darabont. En una   entrevista en «The Last Night» con Seth Meyers, el veterano actor reveló que el gran fallo de la cinta reside en su título. Mientras que en los países hispanohablantes se tradujo como «Cadena perpetua», su título original es «Shawshank Redemption», un título poco acertado con el que el público no logró identificar la historia.

Según explicó Freeman, él ya sabía que «Cadena Perpetua» era una gran película en cuanto leyó el guión, y habría dado lo que fuera por formar parte de ella. Sin embargo, nunca estuvo de acuerdo con el título, que si bien estaba sacado del relato de Stephen King en el que se inspira (titulado Rita Hayworth and the «Shawshank Redemption»), fue acortado por una -a su juicio, desafortunada- decisión comercial. «El título original (del cuento de King) era... 'Rita Hayworth and the Shawshank Redemption'», comenta Freeman durante el programa. «Entonces, ¿por qué elegir 'Shawshank Redemption' cuando tienes a Rita Hayworth? Eso fue lo que les dije. Pero cuando me quejé -y lo hice- que era demasiado largo y no cabría en la marquesina», se lamentó Freeman.

«Yo les dije... ¿Y qué? Sólo hay que poner 'Rita Hayworth...' Eso le dará más caché a la película, ¡es una gran idea!», continúa el actor, quien parece que confía más en el criterio de Stephen King que en el de los responsables de la cinta. «Pero al final decidieron no hacerlo, y la película tardó un tiempo en considerarse un éxito» concluye el protagonista de «Cadena perpetua».

Si bien es cierto que el título original del relato, en realidad, tampoco da ninguna pista sobre el argumento de la película en sí, Morgan Freeman opina que al menos tiene el nombre de una famosa actriz de cine incluido. Algo que el público sería capaz de reconocer, a diferencia de Shawshank, que si bien es el nombre de la prisión de la película, es una palabra que por sí sola no tiene ningún significado.

Durante la entrevista Freeman bromeó sobre el título, diciendo que ha escuchado a más gente pronunciarlo mal que bien, a la vez que alaba a la película diciendo que es maravillosa. Por desgracia nunca se sabrá en qué habría influido el cambio de título en el éxito de «Cadena perpetua». Pero la decisión de acortarlo para que cupiera en las marquesinas parece algo estrambótica. Tal vez, el temor del estudio era que la gente pensase que el cine estaba proyectando una película antigua. Lo que sí ha quedado claro con el tiempo es que «Cadena perpetua», o «Shawshank Redemption», da igual el título que se le ponga, es una gran película.