viernes, 31 de julio de 2015

Cuarta entrega de una historia jurásica


Aún recuerdo aquellos días de verano en los que dos de mis sobrinos se venían a casa y se unían a mis tres hijos para hacer sesiones cinematográficas con las tres primeras entregas de Parque Jurásico. Mi casa se engalanaba de todo tipo de figuras en plástico de dinosaurios, desde estegosaurios hasta velociraptores, pasando por Tyranosaurios o Apatosaurios. A todo ello se unía la banda sonora original de John Williams que tronaba en la casa a la entrada de los niños. Tras ello, sesión de patatas fritas, Coca Colas y , al final, del día Pizzas del Mamma Leone. El tiempo ha pasado. El Mamma Leone ha cerrado, mis sobrinos han crecido, mis hijos también, pero mi capacidad de sorpresa sigue en activo. 

Suponía que no habría una nueva entrega de la franquicia, pero me equivoqué, afortunadamente. Este verano hemos tenido la fortuna de ver Jurassic World: Mundo Jurásico. La película sigue en la línea creada por la franquicia de Parque Jurásico que dio comienzo en 1993, y que tuve la fortuna de ver en su estreno, y está producida por su mentor Steven Spielberg y su compañero del alma Frank Marshall. 

Es este caso la película ha sido dirigida por Colin Trevorrow y protagonizada por Chris Pratt y Bryce Dallas Howard y en este caso está producida por Steven Spielberg, Frank Marshall y Patrick Crowley así como Thomas Tull por medio de la Amblin Entertainment y la Legendary Pictures que invirtieron unos 150 millones de dólares. Rick Carter y Ed Verreaux están detrás del diseño de producción y sigue el guión – ya lo sé, sin acento, pero no puedo, ya que tengo una edad- de Colin Trevorrow, Derek Connolly, Rick Jaffa y Amanda Silver que continua lo trazado por Michael Crichton. La distribución fue labor de la Universal Pictures alcanzando a día de hoy es mayor de 1.636 millones de dólares. 

En el apartado técnico destaca la labor de John Schwartzman de fotografía, el montaje de Kevin Stitt, el vestuario de April Ferry , el maquillaje de Vivian Baker y la música de Michael Giacchino partiendo, por supuesto, de lo elaborado por John Willians. A destacar entre todo los efectos especiales de Legacy Effects e Industrial Light & Magic. 

En cuanto al reparto es cierto que echamos de menos a Richard Attenborough, Sam Neill, Jeff Goldblum y Laura Dern; pues han llegado otros Chris Pratt como Owen Grady, , Bryce Dallas Howard interpreta a Dra. Claire Dearing, , Vincent D'Onofrio como Vic Hoskins, jefe de seguridad de InGen. Ty Simpkins como Gray Mitchell, Nick Robinson como Zach Mitchell, Irrfan Khan como Simon Masrani, , Jake Johnson interpreta a Lowery Cruthers, BD Wong como el Dr. Henry Wu, , Omar Sy interpreta a Barry, Lauren Lapkus es Vivian, una empleada de la sala de control del parque, Brian Tee como Katashi Hamada, jefe de seguridad del equipo ACU , Judy Greer como Karen Mitchell, madre de Gray y Zach y hermana de Claire, Katie McGrath es Zara Young, la asistente personal de Claire , Andy Buckley como Kevin Mitchell, marido de Karen y padre de Gray y Zach, Kelly Washington como la novia de Zach y Brandon Richardson como Christopher . Además Jimmy Fallon , presentador de televisión hace un cameo como él mismo y el propio director Colin Trevorrow pone la voz de Mr. ADN. 

Dos hermanos Zach (Nick Robinson) y Gray (Ty Simpkins), han sido invitados a pasar unos días, muy a pesar de Zach, ya que sus padres, Kevin Mitchell (Andy Buckley) y Karen (Judy Greer) necesitan tranquilidad para sobrellevar su matrimonio y están a las puertas de divorciarse. Karen Mitchell, madre de Gray y Zach, tiene una hermana, la Dra. Claire Dearing (Bryce Dallas Howard) que es jefa de operaciones y científica corporativa de un parque temático recién recuperado: Jurassic World. 

Han pasado veintidós años desde el fallido intento de abrir Jurassic Park y pese a que en un principio todo quedó abandonado y en el olvido, la compañía InGen lo ha reabierto bajo el nombre de Jurassic World en la Isla Nublar. Ahora es propiedad de un magnate de la India, Simon Masrani (Irrfan Khan) dueño de la compañía Masrani Global Corporation. 

El parque, desde su apertura, tiene un enorme éxito en cuanto a visitantes que vienen de muchos lugares del mundo a conocer los dinosaurios y está dirigido por la científica Claire Dearing (Bryce Dallas Howard). 

Con el objetivo de aumentar las ganancias del parque, los genetistas de InGen han creado una nueva especie de dinosaurio, un híbrido de hembra genéticamente modificada, bautizada como "Indominus rex", diseñada para tener más dientes, más fuerza y ser más grande y poderoso que el T. rex. Ha sido fabricada a partir del ADN de varias especies de dinosaurios, principalmente de abelisáuridos (T. rex, Majungasaurus, Carnotaurus, Giganotosaurus y Rugops), así como especies existentes en la actualidad, con la que le otorgan habilidades especiales, como la sepia (cambio de color), la rana arborícola (capaz de manipular su temperatura térmica), la serpiente, lo que le permite ver el calor corporal y Velociraptor (el cual podía comunicarse), aunque el Dr. Henry Wu (BD Wong), genetista jefe del parque, no revela la combinación exacta, alegando confidencialidad máxima. 

La nueva especie de dinosaurio fue criada junto a otro ejemplar igual a ella, su hermana, pero terminó devorándola. Claire, una gerente joven de la empresa apenas puede atender a sus dos sobrinos a la llegada. Los hermanos Zach (Nick Robinson) y Gray (Ty Simpkins), a pasar una semana en el parque con pases VIP que ella les proporciona, pero son atendidos por Zara Young (Katie McGrath), la asistente personal de Claire. 

Debido al nivel de trabajo que implica la presentación del proyecto de su nuevo dinosaurio, Claire no puede hacerse cargo de ellos y le pide a su asistente Zara Young (Katie McGrath) que los recoja y los cuide. Una vez que llegan la asistente los recibe y los lleva a las atracciones pero a la primera oportunidad que se distrae los dos hermanos deciden separarse de su guía y descubrir el parque por su cuenta. 

Antes de que la Indominus sea presentada al público, Masrani, el dueño, ordena a Claire que contacte con Owen Grady (Chris Pratt) un ex-militar y cuidador de dinosaurios que tiene una «actitud de cowboy» y hace una investigación conductual con los Velociraptores. Owen es el entrenador de las raptores Blue, Echo, Delta y Charlie para que revise el recinto de la Indominus y confirme que es seguro. 

Después de una demostración rutinaria de la inteligencia de las raptores y salvar a un joven trabajador novato, Owen se muestra en contra al uso militar que Vic Hoskins (Vincent D'Onofrio), jefe de seguridad de InGen, quiere darle a las velociraptors. 

Cuando Claire, con quién Owen tuvo una relación fallida, le pide opinión al respecto de la seguridad del recinto de la Indominus, Owen le advierte que la nueva especie es extremadamente peligrosa porque ha sido criada en cautiverio y no se ha socializado con otros dinosaurios. 

En ese momento, Claire mira las cámaras y ninguna muestra donde esta la Indominus rex, luego Owen descubre marcas de garras en la pared y deducen que la dinosaurio había escalado y escapado del recinto. Mientras Claire corre toda prisa hacia la sala de control, Owen entra al recinto junto a dos trabajadores del parque para intentar descubrir cómo había podido escapar del recinto. 

Cuando Claire habla con Lowery (Jake Johnson), especialista tecnológico de Jurassic World, para que éste le diga dónde se encuentra la Indominus, descubre que la dinosaurio no se escapó y sigue dentro, escondida. El problema fue que la dinosaurio por su gran inteligencia rasguño la pared engañando a todos haciéndoles creer que había escapado y luego aprovechar el más mínimo descuido y poder escapar del recinto en el que se encontraba. 

Cuando Owen y otros dos trabajadores se dan cuenta de la trampa colocada por la Indominus rex la cual se encontraba aún en el recinto Owen y los trabajadores intentan escapar corriendo a la salida pero uno de ellos es devorado por la Indominus mientras el guardia de seguridad que estaba con Owen accidentalmente abre la gigantesca puerta del recinto en un intento desesperado por escapar pero cuando Owen logra salir la Indominus se atasca entre las gigantescas puertas. Owen se mete debajo de un vehículo, pero la Indominus logra salir, el guardia de seguridad que había salido del recinto junto con Owen se esconde al frente de un auto pero es devorado por la Indominus y Owen estando anuente de que la visión de ella no se basa en el movimiento como el T. rex se cubre con gasolina para que no pueda olfatearlo y se mantiene inmóvil hasta que la Indominus se retire. 

Por desgracia la dinosaurio logra escapar de su recinto y ahora está suelta en el parque fuera de control. Masrani envía un equipo de seguridad armado para recapturar a toda costa a la Indominus, sin embargo cuando en equipo armado inicia la búsqueda descubren que la dinosaurio se había arrancado el rastreador implantado; pues fue capaz de recordar donde se lo habían colocado. La Indominus teniendo la habilidad de camuflaje ataca sorpresivamente y mata a todo el equipo armado sin mucho esfuerzo y Owen le dice a Claire que comiencen la evacuación total de la isla. 

En ese momento recuerda que sus dos sobrinos están en el parque, sin embargo, al contactar con su asistente ,ésta le dice que se separaron de ella y están solos en alguna parte de las atracciones del parque. 

Por ello, Claire decide pedirle ayuda de Owen para buscar a sus sobrinos antes que la Indominus rex los encuentre primero. Mientras tanto, Gray y Zach se meten en la zona restringida en la giroesfera, el nuevo vehículo de visita del parque, ignorando la orden de evacuación, cuando ven a unos Ankylosaurus. 

En ese momento, la Indominus rex llega a la zona ataca a los Ankylosaurus matando a uno de ellos enfrente de los hermanos y posteriormente ataca a Zach y Gray destruyendo la giroesfera en proceso, sin embargo los hermanos se las ingenian para salir de la giroesfera para luego correr hasta una catarata y saltan al agua evadiendo a la Indominus rex temporalmente, mientras tanto Owen y Claire llegan a la zona donde estaban los Apatosaurus. Al llegar comprueban que los Apatosaurus habían sido asesinados por la Indominus quedando solo uno vivo y agonizando por sus heridas, pero poco después muere frente a la mirada de Owen y Claire. Minutos después Owen y Claire encuentran los restos de la giroesfera. 

Temiendo Claire que sus sobrinos estén muertos, Owen la tranquiliza argumentando que ellos escaparon del ataque ya que ambos encontraron la huellas de ellos. Mientras tanto Zach y Gray llegan a encontrar las ruinas del antiguo "Centro de Visitantes, el antiguo y fracasado Jurassic Park de John Hammond de 1993. 

Después de ver el lugar encuentran y reparan un viejo Jeep con la batería del otro vehículo atacado por la Indominus anteriormente (el mismo que condujeron los protagonistas de la primera película) y luego ambos hermanos conducen al parque principal, mientras tanto Owen y Claire escucharon el Jeep por lo que siguen el ruido hasta su origen y también encuentran las instalaciones, pero en ese momento la Indominus aparece atacándolos pero ambos consiguen escapar por poco de ella. 

La Indominus continúa atacando y matando todo lo que se le cruce en su camino, ya que según Owen mata por deporte o simplemente por placer, ya que tras los Apatosaurus , se mete en el aviario del parque, el cual alberga dos especies de pterosaurios: Pteranodon y Dimorphodon. 

Masrani, que ha salido pilotando el mismo un helicóptero, juntos con otros dos soldados que le disparan a la Indominus desde un helicóptero, pero los pterosaurios atacan al helicóptero, haciendo que Masrani pierda el control, entonces el helicóptero se estrella en el Aviario y explota, matando a los tres que estaban a bordo. 

La explosión ahuyenta a la Indominus rex y al resto de los Pterosaurios que escapan al parque principal. En la explanada principal y en el puerto se han ido agrupando los visitantes ante el aviso de peligro. Están esperando la evacuación mientras esto se va produciendo. Gray y Zach llegan al parque principal con los pterosaurios detrás de ellos los cuales comienzan a atacar a los visitantes, en medio del caos. 

Zach y Gray se encuentran con Zara Young pero desafortunadamente para ella un pterosaurio sorpresivamente se lleva a Zara la cual posteriormente cae al estanque de la Mosasaurus, Zara intenta subir a la superficie pero un pterosaurio la agarra, finalmente la Mosasaurus salta y devora a Zara y al pterosaurio de un solo bocado frente a la aterradora mirada de Zach y Gray. 

Luego Claire y Owen llegan al lugar del ataque en donde Owen es atacado por un Dimorphodon, pero rápidamente Claire le dispara con el rifle de él salvándolo. Tras esta acción ambos se besan frente a Zach y Gray. Owen y Claire en ese momento se dan cuentan de que han encontrado a los chicos, mientras las tropas armadas intentan derribar a todos los pterosaurios que pueden para tratar de alejarlos de la gente. Cae noche, y Hoskins asume el control del parque y decide utilizar a las raptores para cazar a la Indominus. 

Owen, que siempre se ha puesto opuesto a la utilización de los velociraptores para uso militar, acepta por la gravedad del asunto: la Indominus cada vez está más cerca de la zona del parque dónde están evacuando a los visitantes del parque, en espera del barco que los regresara de vuelta a Costa Rica. Las velociraptores siguen el aroma de la Indominus en la selva y Owen, junto a varios soldados de InGen, lanzan un ataque. 

Sin embargo, cuando las raptores están frente a la Indominus, Owen descubre que se están comunicando entre sí y concluye que la Indominus tiene ADN raptor y ésta induce a las raptores a revelarse y atacar a los humanos convirtiéndose en su nueva Alfa. Las velociraptores atacan y matan a la mayor parte los soldados armados de InGen. En el combate Owen intenta reavivar su vínculo con la raptor Charlie, pero los soldados, ajenos a esto, matan a la dinosaurio disparándole con un bazuca y las tres velociraptores (Blue, Echo y Delta) se escapan. 

Mientras Claire y sus sobrinos están en un camión del parque, aparece uno de los soldados sobrevivientes que intenta desesperadamente subir al camión, pero es asesinado por Blue una de las raptores quien llega sorpresivamente. Momentos después, las velociraptores Eco y Delta, persiguen al camión donde se encuentran Claire y sus sobrinos pero logran librarse de las raptores, en ese instante se reencuentran con Owen y se dirigen al parque para la evacuación donde encuentran a Hoskins en el laboratorio y éste revela sus planes para crear más dinosaurios híbridos genéticamente modificados como armas de guerra. 

En ese momento, la velociraptor Delta aparece en el laboratorio y Hoskins intenta calmarla, pero el animal lo muerde el brazo y lo mata (ya que Blue y las otras raptores no confiaban en él). Pocos segundos después Delta los persigue. Pero Owen, Claire y sus sobrinos logran escapar al exterior dejando a Delta distraída por el holograma de un Dilophosaurus, pero una vez afuera se encuentran con las velciraptores Blue y Echo, y el holograma solo distrajo a Delta por unos instantes, quien a los pocos segundos aparece en escena. 

Las tres velociraptores los acorralan dispuestas a matarlos, pero Owen intenta de nuevo restablecer su vínculo con ellas (como lo intentó con Charlie) y lo consigue antes de la llegada de la Indominus quien ordena a las velociraptores asesinarlos. Pero Blue siendo la Beta demuestra su lealtad a Owen y termina revelándose contra la Indominus rex, quien ataca inmediatamente a Blue golpeándola con una de sus garras, Blue se desploma tras el duro golpe al parecer muerta. 

Pero Echo y Delta siguen leales a Owen e inmediatamente atacan a la Indominus, mientras Owen y el resto aprovechan para escapar. La Indominus asesina a las dos velociraptores Delta y Echo, una con sus mandíbulas y la otra la lanza contra la estufa de un restaurante quemándose instantáneamente, para posteriormente atacar a Zach, Gray, Claire y Owen, en medio de la persecución Gray le comenta una idea a su tía: que necesitan a otro dinosaurio capaz de luchar contra la Indominus al mismo nivel. Claire se comunica con Lowery y le pide que abra la compuerta de la Tyrannosaurus rex, liberándola de su recinto para luego guiarla hasta la Indominus rex con una bengala. 

La T. rex se enfrenta a la Indominus rex en un feroz combate. Combate en la cual ambas se vieron igualadas, pero es la Indominus quien termina dominando el combate derribando a la T. rex, y cuando la Indominus se prepara para darle el golpe final y acabarla, la última raptor, "Blue" (quien resultó haber sobrevivido a la arremetida inicial de la Indominus) aparece sorpresivamente al rescate y ataca a la Indominus. 

La T. rex se levanta y aprovecha la oportunidad para contraatacar inmediatamente a la Indominus, y junto a la raptor logran empujarla hasta el borde del lago artificial donde reside la Mosasaurus, cuando la Indominus rex se levanta preparada para contraatacar, sorpresivamente la Mosasaurus salta destruyendo la cerca eléctrica y termina abalanzándose sobre la Indominus rex mordiéndola en el cuello salvando en el último segundo a la T. rex y a la raptor Blue, la Indominus rex intenta oponer resistencia, pero sus esfuerzos terminan siendo inútiles contra ella y finalmente la Mosasaurus la arrastra hasta a las profundidades del lago y matarla. La T. rex después del combate intercambia miradas con la velociraptor y después se retira del lugar (en referencia que esta en deuda con Blue). 

Owen y Blue comparten una última mirada y ven como la velociraptor también se retira del área, retirándose por su cuenta. Lowery apaga los sistemas y cierra las instalaciones del parque. 

Al día siguiente, los supervivientes son evacuados hacia Costa Rica. Junto a ellos están Zach y Gray que se reúnen con sus padres, mientras que Owen y Claire deciden permanecer juntos. 

En la Isla Nublar, la Tyrannosaurus rex casi malherida examina el parque destruido nuevamente desde el helipuerto y ruge, reafirmando su dominio sobre la isla. Al fondo de la escena se ven unos pterosaurios que sobrevivieron volando entre los edificios del parque. Hasta aquí la película. 

El planteamiento de esta nueva historia se remonta al año 2002, un año después de la tercera entrega Parque Jurásico III (2001). 

Spielberg y el guionista Mark Protosevich se reunieron para hacer una tormenta de ideas de la historia, desvelando posteriormente el rumbo de la secuela. «Lo más importante que puedo decir es que comienza una nueva trilogía que irá en una dirección diferente. Una dirección que será muy emocionante y completamente distinta a todo lo que hemos visto. Comienza con la historia de la primera trilogía, pero que gira en una dirección completamente diferente.» Steven Spielberg 

En junio de 2002, Spielberg mencionó en la revista Starlog que planeaba producir la cuarta película en la franquicia de Parque Jurásico y que sería dirigida por Joe Johnston, el director de la tercera entrega. A finales de ese mismo año, el guionista William Monahan fue contratado para escribir el guión. Se preveía que la película estaría para el 2005. 

En julio de 2003 se había terminado el guión y se rumoreó que el argumento de la cuarta parte estaría ubicada en una nueva localización, aunque el protagonista volvería a ser el paleontólogo Alan Grant, protagonista de la primera y tercera parte. Se presuponía que volvería Sam Neill quien declaró que estaba dispuesto a interpretar de nuevo al personaje en el nuevo film, para esa producción de 2004 y que estaría localizado entre California y Hawaii. 

Pero, a finales de 2004, el guionista John Sayles fue contratado para reescribir el guión y esta vez el protagonista era Nick Harris, quién al regresar a Isla Nublar encontraría el bote en el que el informático Dennis Nedry (Wayne Knight) guardó los segmentos genéticos de dinosaurios y que perdió poco antes de morir. Por esas fechas, el paleontólogo Jack Horner -que ya participó en la franquicia- anunció que se integraría a la producción de Parque Jurásico IV como consultor técnico de las composiciones digitales. En abril de 2005, Stan Winston, creador de efectos especiales, declaró que la película no había comenzado a producirse, debido a que Spielberg no estaba satisfecho con las revisiones al guión. 

En febrero de 2006, el productor Frank Marshall dijo que el rodaje de la película comenzaría en 2007 y se estrenaría en 2008. A principios de 2007, Sam Neill expresó que aún no había sido contactado por los productores y Laura Dern, que interpretó a la doctora Ellie Sattler en la primera y tercera parte, en cambio ya había recibido una invitación de los productores para retomar su papel como paleobotánica y afirmó en TV Guide que su personaje ya ha sido confirmado para el desarrollo de la trama principal. Richard Attenborough fue contactado para interpretar de nuevo a John Hammond y al compositor John Williams se le ofreció crear la banda sonora del film. Pero en esto que llegó la huelga de guionistas de 2007 y el proyecto se paralizó. 

El previsible director Joe Johnston anunció que todavía no había iniciado el rodaje y se postergó la producción retrasándose la fecha de lanzamiento para 2012 o 2014. Spielberg confirmó, durante la presentación de Las aventuras de Tintín en la Comic-Con de San Diego de 2011, que habría una cuarta parte de Jurassic park. Pero, no especificó si sería una precuela, una secuela o un reboot. En junio de 2012, los guionistas Rick Jaffa y Amanda fueron contratados para reescribir el guión definitivo. 

Los guionistas trabajaron en él durante cerca de un año con Spielberg. El 21 de julio de 2012, en una entrevista Frank Marshall dijo que Jurassic Park IV «será estrenada en ... dos años». También declaró que sería lanzada durante el verano. Habló sobre los avances en CGI y que estarían presentes en la película, aunque sin perder los dinosaurios animatrónicos: «Eso es lo que va a ser bueno, la tecnología ha dado un salto y ahora realmente podemos hacer grandes cosas». 

Meses después, en enero de 2013, Universals Pictures oficializó el 13 de junio de 2014 como fecha fijada de estreno, iniciando así la producción de la película. El 14 de marzo de 2013, se anunció que Colin Trevorrow dirigiría la película en vez de Joe Johnston. Trevorrow y su colaborador habitual Derek Connolly trabajaron también sobre el guión de Jaffa y Silver. 

El paleontólogo Jack Horner regresó para colaborar en el nuevo filme de la saga. Horner reveló a USA Today que en Jurassic Park 4 se introduciría un nuevo dinosaurio. Cuando se le preguntó de qué especie se trataba, solamente dijo que «no puedo decirles qué será pero querrán dejar las luces encendidas después de que vean esta película» refiriendose al Indominus rex. En mayo de 2013, Universal retrasó la fecha de estreno, sin indicar el nuevo día elegido. 

El 14 de junio de 2013 se anunció que el estreno de Jurassic Park IV no seria hasta el 2015. Algo que se confirmó el 11 de septiembre de 2013 y que tendría como título Jurassic World y que su fecha de estreno sería el 12 de junio de 2015. Trevorrow trabajó de cerca con el productor ejecutivo Steven Spielberg para la elección del elenco. 

En septiembre de 2013, Bryce Dallas Howard entró en negociaciones para un papel protagonista. A mediados de octubre, Ty Simpkins fue contratado como uno de los niños protagonistas, Fleming, Mike Jr. y poco después Nick Robinson fue contratado para interpretar al hermano mayor. Mientras que Josh Brolin estuvo en negociaciones para interpretar al personaje masculino protagonista. Bryce Dallas Howard fue contratada oficialmente a principios de noviembre. A mediados de mes, Brolin rompió negociaciones por el papel y Chris Pratt le sustituyó en las negociaciones para interpretar a un «ex-militar llamado Owen». 

El 28 de febrero de 2014, Vincent D'Onofrio se unió al reparto como «un villano», con Irrfan Khan también contratado para un papel secundario. Omar Sy también fue contratado. Pero el retorno del elenco tradicional no se produjo. Sam Neill comentó que no había sido contactado para repetir su papel de las anteriores películas , ni Jeff Goldblum tampoco volvería al papel del Dr. Ian Malcolm 

En una entrevista en marzo de 2014, Trevorrow confirmó que el único actor que repetiría su rol de las películas anteriores sería B. D. Wong, que apareció en la primera película de la franquicia. A principios de mes de abril, las actrices Judy Greer, Katie McGrath y Lauren Lapkus como también lo fueron Brian Tee y Andy Buckley. 

Para el rodaje Trevorrow comentó que se habían construido muchos decorados de forma tradicional, más que para producciones similares contemporáneas y que se usarán dinosaurios animatrónicos. Sobre ello, dijo que pretendía que la película se sintiera como «algo del mundo real, algo que se pudiese tocar, sentir y formar parte de ello». 

El rodaje comenzó oficialmente el 10 de abril de 2014, en el zoológico de Honolulu. El equipo de rodaje preveía rodar escenas durante seis semanas en Hawaii, cuatro en la isla de Oahu (incluido el Kualoa Ranch, una de las localizaciones utilizadas en Jurassic Park) y las dos restantes en Kauai. Posteriormente el equipo se trasladó a Nueva Orleans, para las escenas de interiores en el parque temático abandonado Six Flags Nueva Orleans y en el Aeropuerto Internacional Louis Armstrong fueron dos de las localizaciones de rodaje utilizadas durante ese tiempo. Trevorrow anunció el fin del rodaje el 5 de agosto, tras casi cinco meses. 

La post-producción comenzó en mayo de 2014. La distribuidora, la Universal, anunció que el compositor Michael Giacchino escribiría y grabaría la banda sonora de la película. Giacchino que ya había trabajado en el videojuego oficial de la segunda película de la saga, The Lost World: Jurassic Park y se declaró fan de Jurassic Park El director Trevorrow destacó que la banda sonora «honra el trabajo de John Williams en las anteriores entregas» a la vez que «como la propia película, crea algo nuevo y atrevido para la gente que adora los dinosaurios». 

La película ha sido un taquillazo a nivel mundial. Durante el primer fin de semana, Jurassic World obtuvo el récord de película más taquillera del mundo, superando a la saga de Los Vengadores y a la última película de la saga de Harry Potter. Actualmente esta en el tercer puesto de las películas más taquilleras de todos los tiempos, la película más taquillera de 2015, es la película más taquillera en la serie de películas de Parque Jurásico, y la película más taquillera distribuida por Universal Pictures. En IMAX, rompió el récord anteriormente en manos de Avatar, que tardó 23 días para alcanzar los $ 80 millones. 

En cuanto a la crítica señalar que las webs de cine se muestran ligeramente a favor de la película. Rotten Tomatoes la película obtuvo una calificación del 71%, y en Metacritic, la película tiene un puntuación de 59 sobre 100. 

Peter Bradshaw del periódico The Guardian dio a la película cuatro estrellas de cinco y escribió, que era "terriblemente divertida y emocionante como un verano espectacular" siendo "inteligente, divertida y ridícula en la manera correcta". Peter Bradshaw añadía que era "Un espectáculo veraniego tremendamente disfrutable y emocionante: hábil, divertido, ridículo en el buen sentido (...) 

También Robbie Collin de The Telegraph, dio a la película cuatro estrellas, considerando a la película una digna secuela de la original de Parque Jurásico de Steven Spielberg, y la llamó "metódicamente rítmica y le disparó con un sentido de la vista asombrado que es pura Spielberg." También destacó que "Dos décadas después de que los dinosaurios dominasen los cines del planeta, todavía son capaces de hacer que apagues el móvil durante dos horas y vuelvas a asombrarte.

Peter Travers de la revista de Rolling Stonedijo de ella que "Recaptura el emocionante espíritu del original de Spielberg, con una nueva provocación: ¿más es siempre mejor? (...) 'Jurassic World' te aterrará al máximo, y no sólo por razones obvias (...) . Elogió la dirección de Trevorrow, las actuaciones de Pratt y Bryce Dallas. 

Todd McCarthy escritor de The Hollywood Reporter, coloca la película en segundo lugar, sólo por detrás de la película original de la serie Parque Jurásico. Elogió el CGI (uso de efectos especiales computarizados) y la puntuación, criticó el romance de los protagonistas y escribió que la película, sin embargo, podría ser atractivo para las audiencias de todo el mundo y concluye "Decae de forma más suave que las dos secuelas anteriores (...) La perspectiva de la nueva película (...) aunque no demasiado radical, anuncia claramente el sentido del humor de sus creadores sobre los múltiples motivos mercantiles de su propio proyecto." 

Scott Foundas en Variety señalaba que "Una película de dinosarios más grande, más ruidosa y más rápida (...) Capta tan sólo una pequeña parte de la maravilla y el sobrecogimiento de la película original" Joshua Rothkopf en la británica Time Out nos dice que "El parque reabre de nuevo, pero no serás atemorizado como antes. (...) 'Jurassic World' no ofrece ninguna razón de ser (excepto la obvia), pero al menos, te entretiene fácilmente (...). 

Tim Grierson del británico Screendaily señaa que "Una secuela que es todo exageración y con poca de la grandeza o el asombro genuino. (...) Trevorrow no logra capturar el poder o la maravilla de estos dinos violentos." Rodrigo Perez en el americano Indiewire que se trata "Una secuela tardía emocionante, efectiva y muy satisfactoria que debería rugir en taquilla y gustar a la mayoría de los entusiastas de los blockbuster (...) Es uno de esos pocos reboots (como 'Mad Max: Fury Road') que se gana el derecho de continuar Chris Nashawaty en el estadounidense Entertainment Weekly "Aunque la nueva 'Jurassic World' palidece al lado del impresionante espectáculo de la original, es, probablemente, su secuela más emocionante hasta el momento" . 

En el New York Daily News Jacob Hall comentaba que "Es con frecuencia tonta y auto-indulgente, pero la mayor parte del tiempo funciona. Para bien o para mal, a diferencia de las secuelas anteriores, ésta como mínimo ha sido hecha por alguien que realmente ama 'Jurassic Park'. (...).Por su parte, Kyle Smith en el New York Post comenta que "Es el blockbuster que estábamos esperando. (...) Nada es tan genial como en la obra de Spielberg, pero está razonablemente cerca (...). 

Manohla Dargis en el The New York Times comentaba que "Hay más flacidez que músculo robusto en este torpe reboot de la franquicia, que (...) te recuerda que Steven Spielberg es un gran dios de [las películas de] acción. Lástima que no tomara las riendas de ésta." Por su parte, Alonso Duralde en The Wrap decía que "La lección del original 'Jurassic Park' era que el hombre no debe tratar de manipular la naturaleza. La lección de 'The Lost World: Jurassic Park', 'Jurassic Park III' y ahora 'Jurassic World' es que los cineastas no deberían intentar manipular 'Jurassic Park'." 

Por el contrario, la Associated Press calificó a la película ccomo "una sobresaturada y fea". Su opinión manifestó que carecía del "sentido hábil de asombro, el ingenio y el suspenso que guió el original", además de criticar a su CGI. Sin embargo, elogió la puntuación de la película y la actuación de Pratt y Dallas Howard. 

En el diario australiano Urbancinefile Louise Keller comenta "Jurassic World da miedo, es apasionante y hace que reflexion. Pero sus creadores en ningún momento se olvidan de la diversión." 

En España, Jordi Costa en el Diario El País comentó que "Clonando la memoria (sentimental). Colin Trevorrow firma esta resurrección de la saga tan eficaz como redundante. (...) cumpliendo, pero sin inventar." Por su parte, para Luis Martínez en el Diario El Mundo comentaba que "Rugir de placer. (...) 'Jurassic world' ironiza, juega y reproduce de forma consciente las claves que hicieron grande el original de los 90 en un espectáculo tan estúpido como irresistible." 

En el Diario La Vanguardia Jordi Batlle Caminal nos dice que "Tan brillante es su puesta en escena que el malpensado que todos llevamos dentro sospecha de la autoría real: ¿Trevorrow o Spielberg? (...) O tal vez Trevorrow imitando con maestría a Spielberg. (...) En Cinemanía Daniel De Partearroyo nos comentó que "Jurassic World se equipara constantemente con su Indominus Rex y, como ella, tiene unas dimensiones que piden respeto y lanza varias dentelladas certeras; pero no dejan huella. (...). 

En Argentina Diego Batlle en el Diario La Nación nos dice que "'Jurassic World', con su presupuesto de casi 200 millones de dólares y su obsesión por el entretenimiento y el impacto, cumple sobradamente con sus objetivos y probablemente con las expectativas del público." Por su parte, en el bonaerense Diario Clarín Pablo O. Scholz nos comenta que "Genéticamente se parece más a la original, de Spielberg. Ahora hay más dinos, violencia y sangre." 

Para acabar comentaré que estamos ante una película entretendida, bien llevada, dinámica como una montaña rusa, coherente con el resto de la saga. Para Adrián Ruiz Villanueva del mexicano Diario Excélsior estamos ante un "negocio perfecto, en el que la nostalgia y la vanguardia se fusionan fortuitamente." Y lo es, es un negocio, pues habrá una quinta entrega. 


jueves, 30 de julio de 2015

La dramática (y plúmbea) felicidad


No soy amigo de los dramas con final feliz. Ni de aquellas películas que lo ponen todo oscuro, que van de mal en peor, para convertirse al final en una historia propia de Candy, Candy. Esta claro que por el título la historia, mucho, mucho, no me ha interesado. Más bien lo contrario. Entiendo que le guste a padres divorciados que se quedan con la custodia de su hijo y luchan para ella; entiendo que les gusté a personas cuyas esperanza de riqueza está en la de ponerse un traje, pues eso es sinónimo de éxito; o entiendo que la película sea apropiada para que aquellos a los que la vida , económicamente no le sonríe, pero que tienen esperanzas en salir adelante, especialmente cuando salir significa no sólo dejar de ser pobres, sino la de forrarse, el sueño de toda la vida. Esta es la impresión, posiblemente equivocada que he sacado tras ver "The Pursuit of Happyness" o lo que es lo mismo, En busca de la felicidad. En mi descarga reconozco que ni lo que hacía- limpiando boquerones- , ni la hora que lo hacía,- entre las 17:30 y las 19 horas- , me han relajado lo suficiente como disfrutar de una película de la que me han gustado dos cosas. Su rodaje, llevado a cabo en San Francisco – ciudad que he podido conocer hace un par de semanas- y el trabajo, eso sí, meritorio de Will Smith. En su contra, otro Smith, el de Jaden, niño coñazo donde los haya. 

En busca de la felicidad es una película estadounidense dirigida por Gabriele Muccino ( y Fabricio Samaniego también he leído por ahí), que contó con Jasmine Alhambra, Julian Brain, Greg Haley Michael Vigilietta como ayudantes de dirección. Fue la primera protagonizada por Will Smith, aquí actor, narrador en su versión original – yo la he visto en castellano- y productor, y su hijo Jaden Smith. 

 La película contará con la dirección artística de David F. Klassen y con J. Michael Riva para el diseño de producción. La productora que estuvo detrás fue un conglomerado compuesto por la Columbia Pictures, Overbrook Entertainment y Escape Artists que invirtieron en ella 55 millones de dólares, alcanzando la distribuidora, la Columbia, los 307 millones de facturación. 

La película parte de una la historia real, la de Chris Gardner, y para llevarla a pantalla se contrató al guionista Steve Conrad. En los apartados técnico destaca la labor de Andrea Guerra en la música, Willie Burton en el sonido, Debra Coleman y Gretchen Davis en el maquillaje, Phedon Papamichael en la fotografía , Hughes Winborne en el montaje y Sharen Davis en un vestuario absolutamente integrado en los ochenta, contexto en el que se desarrolla la vida de Chris Gardner. 

El elenco de actores y actrices está encabezado por Will Smith como el protagonista Chris Gardner, Jaden Smith, su hijo Christopher, Thandie Newton (Linda Gardner) , Brian Howe (Jay Twistle), James Karen y Dan Castellaneta. Chris Gardner, persona que inspira la película, hace un cameo al final de la misma.

La película se estrenó en 2006, y veinticinco años antes de su estreno , en 1981, conocemos a Chris Gardner (Will Smith) , un vendedor que vive en San Francisco , y que ha realizado una mala inversión al apostar por invertir todos sus ahorros en escáneres de densidad ósea portátiles que intenta vender a los médicos. La inversión, como he dicho, resulta ser un fracaso, que deja en bancarrota a la familia. Malviven de sus ventas y del trabajo hasta la extenuación de su mujer que dobla turnos. 

A pesar de su fracaso Chris se siente orgulloso de mantener a su lado a su hijo, Christopher a diferencia de lo que hizo su padre con él. Lo lleva a una guardería de Chinatown. Cuando deja a su hijo el actor suele reflexionar sobre lo que le acontece y especialmente sobre la felicidad. 

En algún caso nos dice que “En ese momento empecé a pensar en Thomas Jefferson y en la Declaración de la Independencia. Nuestro derecho a tener "vida y libertad" y a "buscar la felicidad". y recuerdo que pensé ¿cómo se le ocurrió poner la parte de la búsqueda? Quizás la felicidad es algo que solo se busca y tal vez nunca la podamos obtener hagamos lo que hagamos. ¿cómo supo eso?” Debido a la imposibilidad de concretar sus ventas y a una mala convivencia su esposa Linda (Thandie Newton) lo deja y decide mudarse esta a New York. 

Su hijo Christopher (Jaden Smith) se queda con su padre. El padre prosigue en su intento de vender sus scanner, pero las ventas van a menos. Un día habla con un señor en la puerta de la bolsa de San Francisco y éste le dice que para dedicarse a la bolsa, lo único que se requiere es tener conocimientos bursátiles y don de gentes. Esto le lleva a interesarse por los cursos de formación que hacen algunas compañías para entrar en la bolsa y en la compañía. 

Así que Chris conoce a Jay Twistle (Brian Howe), un gestor de la firma Dean Witter y lo impresiona resolviendo el Cubo Rubik durante un corto viaje en taxi. Chris no tiene suficiente dinero para el taxi y huye hacia la estación de metro en la que apenas se escapa del conductor del taxi, pero pierde uno de sus escáneres óseos en el proceso. 

Esta nueva relación con Twistle le da la oportunidad de convertirse en poder ser preseleccionado para el curso de corredor de bolsa. 

A pesar de llegar a la entrevista, sucio y mal vestido debido a una detención el día anterior por multas de estacionamiento sin pagar, a Chris le dan la oportunidad de hacer el curso. Se gana al comité de selección mediante frases como esta: “Soy el tipo de persona que si no sabe una respuesta le diré que no la sé. Pero le apuesto a que sé cómo encontrar la respuesta, y la encontraré”. 

Desde el inicio del curso, sin remuneración alguna, Chris tiene enormes dificultades para pagar sus deudas, su alquiler y de hecho se queda sin dinero cuando su cuenta bancaria es embargada por el tesoro por no pagar impuestos. Además él y su hijo serán desalojados primero de la casa, y luego del Motel en el que se meten. Chris queda en quiebra y tiene menos de treinta dólares en su cuenta bancaria. 

Como resultado, se quedan padre e hijo desamparado, y se ven obligados en algún momento a permanecer en un cuarto de baño en una estación de metro, lo que el padre con un juego le vende como la cueva. Encontrará acomodo en la iglesia metodista que le proporciona refugio, pero tiene un espacio muy limitado. Debido a la demanda de las habitaciones limitadas, Chris debe correr frenéticamente desde su trabajo y salir temprano cada tarde con el fin de conseguir un lugar en la fila. 

A lo largo de la película vemos que pierde un par de scanner. Uno se lo roba una hippie y otro lo pierde y cae a manos de uno de los muchos homeless existentes en la ciudad californiana. Chris recupera el primera y encuentra el segundo escáner óseo que perdió en la estación de metro de un hombre demente que cree que es una máquina del tiempo y ahora está dañado, pero Chris finalmente lo repara. 

En desventaja por sus horas de trabajo limitadas, y sabiendo que han maximizado sus clientes, sus ganancias son la única manera de conseguir un trabajo de pago, por el cual él y otros 19 competidores pelean. Chris desarrolla un número de maneras de hacer ventas telefónicas más eficientemente. 

También consigue clientes potenciales y valiosos, desafiando el protocolo. En una de estos atajos consigue acceder a un potencial cliente, un abogado rico, que le abre la puerta de su casa, de su coche y de su palco para presenciar un partido de fútbol americano de San Francisco. 

A pesar de sus problemas, Chris nunca revela su estado de desamparado a sus compañeros de trabajo, incluso yendo tan lejos como para dar uno de sus jefes cinco dólares por un taxi, una suma que no puede afrontar. Al finalizar la pasantía, Chris se reúne con los directivos de la Dean Witter. Ellos valoran positivamente un trabajo que ha dado sus frutos y le ofrecen el puesto. 

Luchando por contener sus lágrimas en la empresa y en la calle, se apresura a la guardería de su hijo y lo abraza. Ellos caminan por la calle, bromeando entre sí mientras pasa un hombre con un traje de negocios (el verdadero Chris Gardner en un cameo). 

El epílogo revela que Chris finalmente creo su propia empresa multimillonaria de corredores de bolsa. Señalar como ejemplo algunos de los desmanes de las películas, pues para esta se construyó, específicamente, una estación de metro, que después del rodaje, sus imágenes fueron eliminadas. 

La crítica se movió entre el elogio al trabajo del actor y la crítica hacia la edulcorada historia. Peter Travers en Rolling Stone señaló que "Smith gana nuestros corazones sin perder su dignidad (...) El papel requiere seriedad, inteligencia, encanto, humor y un alma no sintética. Smith lo aporta. Él es la clave del film. (...). Manohla Dargis del The New York Times se entrega de lleno a la película, a la dirección y al actor. "Un sueño americano contado con arte, vendido con habilidad. Hasta el calculado final, la dirección es perfecta, sin adornos, transparente, la mejor posible al servicio de la cálida expresividad de Mr. Smith" Esta entrega es legible igualmente en LA Weekly en el artículo escrito por Scott Foundas al decir "Evoca a Capra mientras examina el sueño americano. (...) Maravillosa (...) Para ser una película concebida y ejecutada en el lenguaje comercial dominante de Hollywood, tiene una profundidad y honestidad poco frecuentes." 

Por contra,  Joe Morgenstern , en The Wall Street Journal está de acuerdo conmigo al decir que "La película es manipuladora y repetitiva" y Kevin Crust de Los Angeles Times destaca que es algo similar a lo que yo creo "Rutinario drama doméstico (...) Los esfuerzos del hombre enganchan a nivel emocional, pero dramáticamente carece de la profundidad de, por ejemplo, 'Kramer vs. Kramer', a la que se parece superficialmente. (...) Un film no excepcional con unas excepcionales interpretaciones" 

En España en el Diario El País Javier Ocaña nos cuenta que es "Una agradable cinta para el gran público, quizá no demasiado trascendente, pero sí dotada de un toque de sensibilidad que sólo en contadas ocasiones se desmadra." En ABC José Manuel Cuéllar nos dice que " En esa crítica social, terrible y descarnada, es donde se centra el valor de la película que, por otro lado, busca su validez en que estamos hablando de un hecho real. (...). Por último, Fausto Fernández en Fotogramas nos comenta que "Magnífico Smith (...) Su interés es la esencia melodramática que no se avergüenza de arrancarte las lágrimas, la de raíces chaplinianas (El chico), eje de un film sobre el miedo al fracaso en la paternidad (...) 

En cuanto a Premios señalar Will Smith será nominado al mejor actor, al igual que ocurrió en los Globos de Oro. También en estos premios se valoró, aunque no se premió el tema "A Father's Way" de Seal y Christopher Bruce. Por último el sindicato de actores nominó igualmente a Will Smith como mejor por este trabajo del año 2006. 

Gran parte de la película se estructura de manera verbalizada con una entrada como “Esta parte de mi vida se llama "correr", “hacer el idiota”, etc…. 

Con su hijo reflexiona en gran parte de la película , especialmente para prepararlo para su futuro al decirle “Nunca dejes que nadie te diga que no puedes hacer algo. Si tienes un sueño debes protegerlo. Si alguien no puede hacer algo te dirá que tú tampoco puedes. Si quieres algo ve tras ello. Punto”. Y final 


miércoles, 29 de julio de 2015

Doce monos


En el año 1995 , Bruce Willis, Madelaine Stowe y Brad Pitt protagonizaron una película futurista, de ciencia ficción y que estaba dirigida por Terry Gilliam, inspirada en el cortometraje La Jetée (1962) de Chris Marker y llevaba por título 12 Monos. La historia que nos contaba se centraba en un prisionero llamado James Cole (Bruce Willis) que, en un mundo postapocalíptico, se ofrece como voluntario para un experimento científico que tiene como finalidad viajar al pasado para saber qué provocó la situación en la que se vive en el futuro. Terry Gilliam ha sido un director que siempre me ha gustado, pero que la crítica siempre ha maltratado por excesivo.


Lo cierto es que la película quedó en el olvido de mi memoria. Sin embargo, me sorprendió a principios de este año que 12 Monos revivían en este caso transformados en una serie de televisión estadounidense, el canal Syfy, el más Friki de todos. 

La serie estaba creada por Terry Matalas y Travis Fickett y contendría los mismos elementos que la película: ciencia ficción, acción y drama. Se inspiración con la película de 1995 es absoluta en cuanto historia, nombre de la serie y protagonistas. La serie fue estrenada el 16 de Enero del 2015 y el 12 de marzo fue renovada para una segunda temporada, supongo que de trece capítulos de 45 minutos cada uno, como la primera. Los productores ejecutivos de Atlas Entertainment son Natalie Chaidez, Charles Roven y Richard Suckle y detrás de la misma aparecen otras empresas como la NBC Universal Television Distribution y Legendary Global TV Distribution para eso mismo que podéis imaginar. 

Como suele ocurrir con las series la dirección de cada capítulo es diferente, aunque cohesionados por el guión, aunque no siempre es el mismo, y por la historia. Participan dentro de la dirección David Grossman, Michael Waxman, David Boyd, Alex Zakrzewski, John Badham, TJ Scott, Magnus Martens, Mark Tonderai y Dennie Gordon, siendo David Grossman el que más dirige.

El guión de la película fue de David Webb Peoples y Janet Peoples, pero en este caso están Travis Fickett, Terry Matalas y Rebecca Kirsch. Junto a ellos aparecen otros intervinientes en mayor o menor medida como Richard Robbins, Christopher Monfette, Sean Tretta, Oliver Grigsby & Natalie Chaidez.

Ellos son los padres putativos de los trece capítulos ( Pilot, Mentally Divergent, Cassandra Complex, Atari , The Night Room, The Red Forest, The Keys, Yesterday , Tomorrow , Divine Move, Shonin, Paradox y Arms of Mine). Para la música destaca la intervención de Paul Linford, Trevor Rabin, así como la fotografía de Todd McMullen, Tico Poulakakis. 

La serie tiene su complejidad a la hora de seguirla, pues los saltos en el tiempo son continuos, a veces, excesivos, aunque necesarios sin duda para dar coherencia a la historia. Los finales siempre quedan abiertos y te remiten a la que acontecerá en el siguiente. Personalmente, pienso que con una temporada era suficiente, sin embargo, han decidido explorar nuevos campos y extenderla un poco más. 


El viajero en el tiempo que quiere salvar a la raza humana, y redimirse a si mismo, .- presento así el elenco- James Cole (Aaron Stanford) viaja del año 2043 al presente para parar la realización de un virus letal, producido por una enigmática organización conocida como "El ejército de los Doce Monos". Este virus, en la línea temporal original de Cole, fue la causa del deceso de 93.6% de la población mundial. Cole es ayudado por la brillante viróloga Cassandra Railly (Amanda Schull), chica que tiene una relación con Aaron Marker (Noah Bean) , asesor de un poderoso senador y peligroso político, y la física Katarina Jones (Barbara Sukowa), creadora y operadora de la máquina para viajar en el tiempo. También le ayuda , Jennifer Goines (Emily Hampshire) con problemas mentales, hija de Leland Goines, y genio matemático que conoce a Cole en el psiquiátrico, así como por su amigo de la infancia José Ramse (Kirk Acevedo). Frente a ellos están como "El hombre pálido" (Tom Noonan) , villano que encabeza el ejército de los doce monos, Dr. Henri Toussaint (Lyriq Bent), compañero de Cassandra en Haiti, Deacon (Todd Stashwick) líder de los "West 7", un grupo de supervivientes, Jules (Jeff Clarke), jefe de Cassandra en el CDC "Centro para el Control y Prevención de Enfermedades", además de Max (Romina D'Ugo), miembro de los "West 7" conectado a Cole y Ramse y Marcus Whitley (Demore Barnes) uno de los supervivientes del ejército estadounidense. 

La serie comienza con la información de que en el año 2017, una plaga mortal acaba matando a 7 mil millones de personas a nivel mundial, causando estragos en la civilización. 

Dos supervivientes James Cole (Aaron Stanford) y José Ramse (Kirk Acevedo) deambulan por los espacios vacíos y con el temor de ser atacados por otros supervivientes, carroñeros de la civilización perdida. 

En el año 2043, un equipo de científicos dirigidos por Jones recluta a James Cole para ir atrás en el tiempo y matar a un hombre llamado Leland Frost, pues su nombre aparece en los archivos sonoros de una viróloga que intentó para la plaga. A la viróloga la conocemos dando una conferencia ante una multitud de científicos en el año 2013. 

A la salida de su conferencia y mientras llama a su marido vemos que Cole , que ha realizado un salto en el tiempo y regresa al 2013, secuestra a la viróloga de nombre, Cassandra “Cass” Railly y la interroga para saber donde se podría encontrar al señor Frost. Al descubrir que la sorprendida e incrédula Railly no sabe donde se puede encontrar, Cole le dice a Railly que lo busque dentro de dos años, y tras ser perseguido por la policía, pues el marido de esta ha dado cuenta del secuestro, desaparece.

Dos años más tarde, Railly cumple con Cole. Después de aprender que en realidad Frost se llama Goines y conocer su paradero, Cole intenta asesinarlo; pero es detenido por Railly, y ambos son capturados por los hombres de Goines. Goines deduce que Cole es un viajero del tiempo y revela que ya se habían conocido en 1987. Pero desde la perspectiva de Cole esto aún no ha sucedido. Cole, para escapar y salvar a Cass, crea una paradoja al juntar las dos versiones del reloj de Railly, lo que causa una pequeña explosión. Cole, antes de marcharse al pasado, decide matar a Goines; pero, una vez de regreso a 2043, descubre que la plaga aún no ha sido revertida. Deduciendo así que Goines no trabaja solo y que otros deben estar involucrados con la plaga. 

De regreso al 2015, se entera que Goines, tiene una hija, Jennifer, hereda la fortuna y compañía de su padre, el "Markridge Group". A Cole se le ordena, en una nueva misión: recavar información sobre Jennifer, un paciente en la institución mental de Filadelfia, quien de alguna manera está conectada al "Ejército de los 12 monos". Los científicos intentan llevarlo al 2015, pero termina en Corea del Norte en el año 2006, donde un interrogador encuentra la nota de Cole con la dirección de la institución mental. 

Después de ser redireccionado al año 2015 Cole descubre que la paciente Jennifer Goines está alojada en esa institución. Railly convence a Aaron Marker para que la lleve a esconderse a la antigua tienda de libros de sus padres, donde le cuenta que se está encubriendo algo sobre la muerte de Leland Goines. Aaron le proporciona tanto información conseguida por medio de espionaje a Corea del Norte donde se puede ver a Cole en el 2006, como la dirección de la institución mental que tenía Cole en la nota.

En la institución Jennifer comenta a Cole que ella trabaja para su padre, y que es una de las dos personas que quedan, que sabe la ubicación secreta de su laboratorio, el cual es conocido como La habitación oscura o "The Night Room".

Justo cuando Railly llega a la institución para llevarse a Cole, un hombre misterioso con una cicatriz (Tom Noonan), quien mató a los compañeros de Jennifer en el laboratorio de su padre (llevándola a una crisis psiquiátrica), así como el ex-agente de seguridad nacional, y contacto de Railly, llegan y secuestran a Jennifer. 

En el tercer episodio Cole y Railly tratan de localizar al Dr. Henri Toussaint, la única persona, además de Jennifer Goines, que sabe el secreto de "The Night Room", pero descubren que fue asesinado por un desconocido mientras trabajaba con la Doctora en una misión humanitaria en Haití. Railly estaba allí controlando una epidemia en Haití en el año 2014. Cole es enviado de vuelta a Haití al año 2014 para interrogar a Henri antes de su muerte. Cole logra contactar con Henri, pero el hombre pálido los encuentra. 

La versión del 2014 de Railly se complica al creer que la pandemia de Haití es la primera aparición del virus que arruinara a la raza humana en 2017, teniendo así una crisis y haciendo que sea relevada de su cargo. Después de que Cole ayude a Henri a escapar de el hombre pálido, Henri le cuenta sobre donde encontrar "The Night Room". La pandemia Haitiana resulta no ser causada por un virus pandémico. Cole se vuelve a unir con Cass Railly enl 2015. Railly toma un trabajo en el CDC, para así poder obtener información de "The Night Room". Al final del episodio descubrimos que Cole es quien asesinó a Henri en 2014, para prevenir que el ejército de los 12 monos lo interrogué y que Henri tuvo una historia con Cassandra. 

En 2043, José Ramse se encuentra en patrullaje con Whitley cuando se encuentran con Max, una mujer que sabe que él y Cole eran miembros de un grupo de carroñeros llamados "West 7". La dejan ir, y ella informa sobre ello a Deacon, el líder de "West 7", que ha encontrado un lugar con agua, electricidad, vivienda...Y sobre todo a encontrado a alguien que buscaba: Cole. En el año 2043, el grupo "West 7" irrumpe en las instalaciones donde se encuentra la máquina del tiempo, entrando por un túnel escondido. Supuestamente Ramse y Jones son asesinados, pero antes Jones logra enviar a Cole de regreso al año 2015. 

Los flashbacks revelan como Cole y Ramse se unieron a los "West 7", y como Cole y Max intiman. Tiempo después, Ramse no está conforme con su actual papel de carroñero y reta la brutalidad de Deacon, y este último le pide a Cole que lo mate. En el último minuto, Cole se rehúsa y huye junto a Ramse sale de los "West 7", y deja a Max atrás. 

De vuelta al año 2043, la máquina del tiempo tiene un fallo y como resultado solo regresa a Cole, unos días atrás. Cole es capturado por Deacon y forzado a revelar la locación del túnel secreto, aunque escapa y regresa antes de que el ataque sea hecho. Cole suplica a Max para que lo ayude a detener a Deacon a entrar a las instalaciones; Cole usa lo que sabe sobre el ataque para derrotar a los soldados de Deacon, y logra salvar a Ramse y a Jones. Pero no logra frenar que Deacon vea la máquina del tiempo y escape. Max decide unirse al grupo de Jones. 

Cole regresa al 2015, donde Railly ya ha descubierto la localización de "The Night Room". Cole y Railly logran entrar a "The Night Room", solo para encontrar que el ejército de los doce monos ha llegado antes, obteniendo la localización por medio de Jennifer Goines. El hombre pálido tortura a Cole para conseguir la información de como entrar a la bóveda, revelándole a Railly que Cole fue quien mató a Henri, ante el estupor de Cass. Aún así, Cole no sabe como abrir la bóveda. Más tarde, Cole le explica a Railly porque mató a Henri y le revela más sobre su pasado.

En 2043, impulsado por Max, Ramse revisa las pertenencias de Jones y descubre que ya se habían enviado a otros viajeros en el tiempo al pasado además de Cole, para así lograr el viaje en el tiempo perfecto, pero algunos viajeros murieron en el proceso. Ramse se enfrenta a Jones, pero gradualmente acepta seguir con ella, bajo la promesa de proteger a Cole. 

En el 2015, el ejército logra abrir la bóveda, revelando el origen de la plaga: un torso humano preservado por años y encontrado en los 80 por una expedición al Himalaya. El hombre pálido convence a Jennifer para desactivar la protección de la bóveda, pero Cole y Railly activan el mecanismo de defensa de "The Night Room", el cual incinera el virus. Desgraciadamente, Railly es capturada por el ejército y Cole desaparece, dejando a Jennifer sola. 

De vuelta al 2043, Cole se encuentra en una versión alternativa del futuro donde los "West 7" lograron tomar las instalaciones de la máquina del tiempo. Todo eso implica que Railly fue asesinada en el 2015, causando drásticos cambios a la línea del tiempo: la plaga empezó antes de lo previsto y estuvo ligada a un evento conocido como "Operación Troya", en Chechenia. Cole persuade al líder de los "West 7"--quien, en esa línea temporal, es Ramse--que permita a Jones que reactiva la hora inútil máquina del tiempo y prevenir la muerte de Railly. Whitley dispara a Jones durante la pelea, y una moribunda Jones logra finalmente mandar a Cole de nuevo al 2015, pidiéndole que le pregunte a su versión de Jones sobre el "Sacrificio." 

En el año 2015, Cole secuestra a Aaron Marker y lo obliga a ayudarlo a rescatar a Railly. Llegan a "The Night Room" justo cuando el ejército está escapando con Railly; aún así, fallan al intentar rescatarla. Por su parte la "Markridge security" llega y se llevan a Jennifer Goines en custodia. El hombre pálido y una mujer desconocida, que pertenece al ejército (Alisen Down) discuten sobre la redada hecha en "The Night Room", alegando que el espécimen que se encontraba en la bóveda no contenía la plaga del virus. El hombre pálido droga a Railly, causando su alucinación, mientras que la mujer desconocida la guía a través de las alucinaciones, diciéndole que la va a llevar a "Al testigo / The Witness." Cole y Aaron rastrean a Railly y la liberan, Cole se desvanece frente a Aaron. Aaron se disculpa con Railly por no creerle, y juntos resuelven el misterio de la "Operación Troya". 

De vuelta en el 2043, Cole se encuentra con que su línea temporal fue restablecida. Le pregunta a Jones las últimas palabras de su versión alternativa, y Jones admite que viajar a través del tiempo está destruyendo su cuerpo lentamente...Y que, antes que después, lo matará. Cole y Railly se dirigen a una fiesta en la que interrogan a un arqueólogo sobre un antiguo artefacto ligado al ejército, aprendiendo que es un artefacto de Chechenia de la religión Drusa. Cole regresa al año 2043. 

Por su parte, Aaron roba archivos clasificados sobre la Operación Troy de su jefe, el Senador Royce, y descubre que la operación. Saba que la CIA uso el M510 --la plaga del virus, creada por Markridge-- para asesinar a Adam Wexler, un analista de la CIA que se escondía en Chechenia y que poseía información clasificada. 

Railly recibe una llamada de Cole, quien regresó a Chechenia en ese año 2015 para detener la Operación Troya, usando información que obtuvo de Railly una semana antes en su futuro. Cole recupera el virus, pero antes de que pueda destruirlo, es capturado por Wexler y sus hombres, quienes son expuestos al virus. Aaron y Railly informan a la CIA que la Operación Troya fue mal,y la CIA acepta trabajar con ellos y con Cole para prevenir que el virus sea liberado. Desesperados, los hombres de Wexler deciden devolver a Wexler al ejército Ruso a cambio de cuidados médicos. Wexler se opone y un tiroteo comienza. 

Mortalmente herido, Wexler le dice a Cole que el ejército estuvo envuelto en la guerra Yakuza de 1987 en Tokio, en un lugar llamado "White Dragon". Para contener el virus, la CIA ordena un ataque aéreo al escondite de Wexler antes que el ejército Ruso pueda llegar. Herido, Cole no puede escapar del ataque, y se despide de Railly por teléfono, diciéndole que cuando su versión joven vaya en busca de ella para obtener información de la Operación Troya, no debe tratar de alterar la línea temporal diciéndole que él morirá, y así no provocará que el virus sea liberado. La CIA deja a Aaron y a Railly y evita así que los archivos se filtren al público. 

Una semana después en el 2015, Cole va en busca de Railly para conseguir información de la Operación Troya. Después de una conversación emocional, Cole desaparece, y Railly se despide sin decirle lo que le va a ocurrir. 

En el año 2043 Jones envía a Ramse y Whitley a Spearhead, una colonia militar, con el propósito de solicitar prestado el núcleo de energía que allí poseen y que necesita la máquina del tiempo, ya que la máquina está fallando. El Coronel Foster, que tomó el poder del lugar de manera violenta en Spearhead, rechaza la solicitud de Jones, alegando que necesita el núcleo para lograr una cura para el virus. Ramse se encuentra con Elena, y descubre que es el padre de su hijo, un niño llamado Sam. 

Jones intenta traer a Cole de vuelta a 2043 pero falla, agotando la última reserva de energía que el núcleo tenía, no quedándole otra opción que ir directamente a Spearhead a hablar personalmente con Foster. Luego de una gran discusión, Foster no acepta ceder el núcleo pues trabaja en la cura, y Jones se va, alegando que no existe una cura y que conseguirá el núcleo por los medios que sean necesarios. 

En 2015, Railly se dirige a Chechenia para corroborar que Cole ha desaparecido. Al llegar allí solo ve escombros, llegando a la conclusión que ya todo terminó. 

Sin embargo, Cole está vivo, pero en el año 2017, donde el virus ya ha sido liberado. En 2043 Jones ordena a su equipo traer el núcleo de Spearhead, afirmando que es imposible que Foster haya encontrado una cura. Ramse, al enterarse de esto, trata de poner a Elena y a Sam en un lugar seguro. Luego Jones se enfrenta personalmente a Foster y le dispara mortalmente. Seguido de esto ella y su equipo se dirigen a tomar el núcleo matando todo aquel que se interpusiera en el camino, desatándose una batalla que también se cobra la vida del padre de Whitley. Finalmente colocan el nuevo núcleo en la máquina del tiempo, a la vez que se ve a Jones quemando una página de la investigación de Foster. 

En los flashbacks a 2041 se revela como Cole y Ramse conocieron a Jones y al Proyecto Splinter, y como fue Ramse quien forzó a Cole a que aceptara la propuesta. 

En 2017 Cole se encuentra con la doctora Railly, quien trabaja en el CDC tratando de encontrar una cura para la plaga. Ella le entrega a Cole una hoja con una dirección que le pide que conserve porque la vida de él depende de ello. Railly también le dice que muchas cosas han pasado entre ellos en ese tiempo, luego ella muere debido a los efectos de la plaga. 

Cole regresa a 2043 donde se encuentra con Ramse, quien le cuenta que tiene un hijo y que no va a dejar que el Proyecto Splinter siga en marcha porque eso significaría que Sam nunca naciera. Cole le asegura que continuará con todo ya que ha visto como todos mueren, incluso la doctora Railly. Ramse le da un golpe en la cara a Cole, donde este último le afirma que no hay futuro para nadie con la plaga en marcha. 

En 2015 Cole se reúne con Railly y Aaron, sorprendiéndolos ya que creían que estaba muerto. Luego él y Railly encuentran el diario del Dr. Oliver Peters, creador de la plaga, en la que hay una pista que conduce a Tokio en 1987. 

Cole regresa a 2043 en donde Jones le muestra como Ramse quemó toda la investigación acerca del origen del virus y robó las inyecciones que permiten el viaje en el tiempo. Cole comienza a sentir de manera más fuerte los efectos de los saltos en el tiempo. 

Mientras tanto Ramse se encuentra con un grupo conformado solo por mujeres que se hacen llamar "las hijas / the daughters", y entre ellas está su líder, Jennifer Goines quien ya tiene avanzada edad. Ella le da a Ramse un collar y le habla sobre "the Witness". En la búsqueda de Ramse los hombres de Jones matan a Elena. El regresa a las instalaciones y trata de explotar la maquina del tiempo. Jones se interpone logrando quitar la bomba, Max también lo hace, desatándose un enfrentamiento con armas entre ellos que le cuesta la vida a ella. 

En 2015 Railly encuentra a Peters encerrado en un contenedor , quien había sido obligado a recrear el virus. Mientras tanto Aaron se encuentra con la mujer desconocida quien le pregunta qué estaría dispuesto a hacer para mantener a Railly con vida. 

En 2043 un Ramse atrapado, se inyecta a si mismo la droga y se sube a la maquina del tiempo. Luego Cole viaja detrás de Ramse para detenerlo, pero Jones le advierte que debe completar la misión de una ves por todas porque su cuerpo solo soportará un salto más; Cole le asegura que si Ramse se interpone lo matará. En Tokio, 1987 se encuentra un desorientado Ramse. 

En 1987 Tokio, Cole intenta detener a Leland Goines y le pide que no adquieria la muestra original del virus de la peste, pero es apuñalado, al parecer, fatalmente, por Ramse en una discoteca en la que están presente Yakuzas que son los que acaban vendiendo el espécimen a Goines. Ramse es encarcelado, pero mientras está en prisión recibe cartas de Olivia, la chica misteriosa del Ejército de los 12 Monos. Tras su liberación de la cárcel en 1995, se introduce en el Ejército con la intención de que su hijo pueda nacer en el futuro. 

Mediante flashbacks descubrimos que entre 1990 a 2015, el Ejército ha invertido en el virus de la peste de Markridge y que Ramse, creyendo que mató a Cole en 1987, utiliza los conocimientos de las acciones de Cole para ayudar al Ejército a frustrar todos los intentos de Cole para detener la plaga y garantizar que todos los eventos que sucederan en 2043. 

En 2015, Aaron pierde su trabajo como asesor del Senador, pues hay pérdida de confianza, y se involucra con el proyecto que se convertirá en la punta de lanza, un proyecto con el que el ejército también participa. Por su parte, Jennifer, una vez muerto su padre, se incorpora al Ejército y acogido por Olivia. Para 2043, Jones toma una decisión desesperada para enviar a Cole que fue gravemente herido en 1987. 

Por su parte, en 2043 los subordinados de Jones le abandonan, creyendo que el Proyecto de Splinter ha terminado. En 2015, Cole se encuentra por Railly y le revela la identidad del testigo, que ha ayudado al Ejército a ir siempre un paso por delante de ellos. Es Ramse. 

En 2015, Railly encuentra a una joven doctora en física alemana. Se trata de Jones y la convence para ayudar a Cole, que se está muriendo por los efectos del viaje en el tiempo. Para curarlo, necesitan una muestra de sangre de la joven versión 2015 de Cole; para obtener la muestra, Railly y Jones buscan al padre de Cole, que, con dudas, accede a ir con un Cole niño, a ver al adulto y moribundo Cole. Aaron da la ubicación a los 12 monos de Cole a cambio de garantizar la seguridad de Railly. Cuando el Ejército viene a por Cole, el padre de Cole muere defendiéndolo del Hombre Pálido. Cole se inyecta a sí mismo con la muestra de sangre, causando una paradoja temporal explosiva que lo cura y se aleja al Ejército. Cole, Railly, y Jones dejan el joven Cole en un hogar de acogida, y Jones le dice a Cole que ya no tiene la capacidad de viajar en el tiempo. Jennifer se hace cargo del Grupo Markridge convirtiéndose en su presidenta corporativa. 

En 2043, Jones está tratando de reconstruir Proyecto de Splinter, cuando un grupo desconocido de 12 individuos, guiada por el Diácono, asalta la instalación temporal. 

En el último capítulo, que comienza en 2015, Cole y Railly interrogan a Aarón para obtener información sobre el Ejército de los 12 monos; después de intentar huir, Aaron se ve atrapado en un fuego y parecer morir. Cole y Railly irrumpen en el Raritan National Laboratories, que alberga la máquina del tiempo, y se encuentran cara a cara con Ramse, que planea usar la máquina del tiempo para volver a 2043. Se revela que Ramse no es el testigo. Pero Cass y Ramse quedan gravemente heridos. 

Cole utiliza el suministro del fármaco de Ramse para viajar en el tiempo y enviar a Railly de 2043, con la esperanza de que la doctora Jones sea capaz de salvarla, y ayuda a la fuga de Ramse, que está herido de menor gravedad. Olivia inspecciona por su parte, 12 recién nacidos misteriosas y que han de estar preparados en 28 años para formar el Ejército de 12 monos. Jennifer se embarca en un viaje en avión con un maletín, al parecer con el fin de propagar el virus de la peste en todo el mundo. 

En 2043, el diácono y el grupo de 12 que ha sido guiado por Deacon a la instalación de la máquina del tiempo, intenta apoderarse de la máquina del tiempo. Jones amenazar con hacerla estallar, negociando la liberación de sus subordinados y luego gira la máquina hacia el grupo de 12, llegando en ese momento Railly herida procedente del 2015. Y hasta aquí está compleja primera temporada.

Ya he comentado que hubiese sido bueno que esta serie hubiese acabado tras el capítulo 13, pero el negocio es el negocio y se ha prorrogado. Podía haber tenido un final redondo y cerrado. Pero Syfy ha anunciado el desarrollo de una temporada más. 

Lo cierto es que Syfy anunció en en julio de 2013 su intención de desarrollar una adaptación televisiva de la película 12 Monos. En agosto de 2013 dio la orden de comenzar , cosa que se concretó en noviembre de 2013. Cole y Goines fueron seleccionados como protagonistas. 

El 4 de abril de 2014, Syfy dio luz verde a la primera temporada, de 13 episodios, incluyendo el piloto filmado en 2013. El piloto fue escrito por Terry Matalas y Travis Fickett, y que había escrito para la serie Terra Nova. El piloto fue dirigido por Jeffrey Reiner, mientras que Natalie Chaidez fue la productora ejecutiva. Terry Matalas presentó la nueva serie como una "reinvención completa" de la película y no sólo un remake. Universal Cable Productions y Atlas Entertainment decidieron rodarla en Toronto 

La serie se estrenó el 16 de enero de 2015, y fue renovado por un segunda temporada el 12 de marzo de 2015, con los productores Terry Matalas y Travis Fickett y Natalie Chaidez. 

De ella las valoraciones de los críticos han sido, en general, positivas. Jeff Jensen para Entertainment Weekly señaló que "El pulido y potente piloto tiene más concepto que fondo. En lo que a películas adaptadas al formato televisivo se refiere, '12 Monos ' está lejos de 'Fargo', pero al menos se deja ver." Mary McNamara del Los Angeles Times planteaba que "'12 monos' funciona muy bien como thriller de ciencia ficción de ritmo rápido que es en realidad algo mucho más complejo." 

En Variety Brian Lowry afirmaba que "El problema, como siempre, es que el elemento de los viajes en el tiempo puede ser desorientador desde un punto de vista narrativo." Neil Genzlinger del The New York Times consideró que "La serie es menos críptica que la película, más un drama de acción directa, y eso es probablemente una buena cosa.". 

Menos generoso, y más crítico fue David Wiegand del San Francisco Chronicle al decir que "La mayoría de las actuaciones son bastante ridículas (...) Es una lástima que SyFy no invirtiera más en un guión y una dirección mejores."

martes, 28 de julio de 2015

Avaricia y Death Valley


Hace unas semanas he estado en los Estados Unidos y si bien es cierto que no he ido a Hollywood, no es menos cierto que he estado en muchos lugares identificados e inidentificables con el cine. Inevitablemente hemos estado en Brooklyn, Wall Street o Harlem o en Central Park, pero también en barrios que han servido de espacios cinematográficos como Hell Kitchen, Little Italy, Chinatown y sus cercanos Five Points. También hemos ido al recurrente Grand Canyon, San Francisco, en el falso Silicon Valley – que como tal , no existe- en Las Vegas, en Sedona (Arizona) , así como en otros lugares. Sin embargo, también he ido a un sitio al que llegué formalmente antes por el cine que por otra vía. Su nombre impacta: Death Valley. Mi primer contacto con el Death Valley o Valle de la Muerte fue cinematográfico. Y lo fue a través de una película clásica dirigida por uno de aquellos protagonistas de los documentales que hablaban sobre el origen del cine en los Estados Unidos, ligado como actor a la figura de un villano, pero también a la de Gloria Swanson a través del Crepúsculo de los dioses o de Sunset Boulevard y que asumía con estoicismo ese papel de malo o servil como era Eric von Stroheim. La película es Greed, o sea, Avaricia.

Erich von Stroheim nacido Erich Oswald en la capital vienesa estudió en la Academia Militar de Viena hasta que en 1909 las deudas le hicieron desertar y emigró a los Estados Unidos, lugar en el que dio vueltas hasta llegar a Hollywood en 1914 para trabajar como figurante, especialista y actor, u más tarde, asesor y ayudante de dirección.

Durante la I Guerra Mundial encarnó a malvados oficiales prusianos, lo que le convirtió en un renombrado actor. Fue el protagonista de una campaña publicitaria con su imagen y con la frase "éste es el hombre al que le gustaría odiar". Sin embargo, deseoso de alcanzar la gloria como director, al igual que Griffith o Chaplin le llevó a contactar con diversos productores como Carl Laemmle, creador de los estudios Universal, para que le dejara escribir, producir y protagonizar una película, pero su gusto por el excesoo, especialmente de rodaje, le llevó al director de producción Irving Thalberg, le obligó a cortarla por la mitad y durante el rodaje de Los amores de un príncipe fue despedido. Así, von Stroheim se convirtió en el primer director despedido de la historia. A pesar del despido, trabajó para la Goldwyn, lo que le condujo a hacer Greed, o sea, Avaricia en 1923.

Durante el largo rodaje del film, que duró más de nueve meses, a los que siguieron seis de montaje, la Goldwyn se unió con la Metro Corporation. Irving Thalberg, se reincorporó a la fusión y se produjo otro enfrentamiento entre director y productor, quien redujo el metraje de la película de las nueve horas originales montadas por el director (a partir de las 96 horas de material filmado) a sólo dos horas y la saboteó. Erich von Stroheim nunca quiso ver el resultado de esa mutilación de su obra.

El guión de esta obra fue redactado por Erich von Stroheim, June Mathis, pero se inspira en una obra ajena, la novela McTeague de Frank Norris. Como acabamos de decir la obra en principio estaba producida por Samuel Goldwym, pero con la fusión que dio lugar a la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), finalmente lo fue suya y de su querido enemigo Irving Thalberg. El coste de la misma fue elevado alcanzando los 665.603 dólares. La fotografía en blanco y negor lo fue de William Daniels, Ben F. Reynolds , mientras que la música que más tarde se compuso para su programación – evidentemente es muda- fue de William Axt .

 El primer montaje, el original, fue de Erich von Stroheim y Frank Hull , pero la largísima duración del mismo cercano a las cuatro horas - 462 minutos- , llevó a otros dos montajes o versiones uno realizado por Rex Ingram y Grant Whytock de 140 minutos; y otro final de June Mathis y Joseph Farnham de 239 minutos. La distribución de la obra quedó para la Metro-Goldwyn-Mayer que la estrenó el 4 de diciembre de 1924. No llegó a cubrir gastos pues la recaudación alcanzó 274.827 dólares.

Los protagonistas de inmensa obra son Gibson Gowland como el minero, dentista y asesino Dr. John McTeague, Zasu Pitts comoTrina Sieppe, que se convertirá en la mujer de McTeague y Jean Hersholt como Marcus Schouler, el amigo de McTeague. Junto a ellos es Chester Conklin, Sylvia Ashton, Dale Fuller, Joan Standing, Austin Jewel Junto a ellos en la obra aparecen – aunque no todos pues yo he visto una versión reducida de la misma- en el prólogo Jack Curtis como el padre de McTeague, Tempe Pigott como la madre de McTeague, Florence Gibson como un minero y Erich von Ritzau como el dentista viajero Dr. 'Painless' Potter. Dentro de la familia Sieppe están acreditados Chester Conklin como Hans 'Popper' Sieppe, el padre de Trina, Silvia Ashton as 'Mommer' Sieppe, la madre de Trina, Austen Jewell como August Sieppe, el hermano menor de Trina, Oscar Gottell como Max Sieppe, otro de los hermanos de Trina, al igual que Otto Gottell que es Moritz Sieppe. Junto a ellos están Joan Standing as Selina, la prima de Trina y Max Tyron como el tío Rudolph Oelbermann. Otros actores son Cesare Gravina como el chatarrero Zerkow, Dale Fuller como Maria Miranda Macapa, la mujer del anterior, Frank Hayes como Charles W. Grannis y Fanny Midgley como Miss Anastasia Baker, Hughie Mack como Mr. Heise, E. 'Tiny' Jones como Mrs. Heise, J. Aldrich Libbey como Mr. Ryer, Reta Revela como Mrs. Ryer, S.S. Simon como Joe Frenna, Hugh J. McCauley como el fotógrafo, William Mollenhauer el quiromante, William Barlow como el sacerdote, Lon Poff como el hombre de la lotería, James F. Fulton como el minero Cribbens, James Gibson como el ayudante de policía, Jack McDonald como el sheriff de Placer County y el mismo Erich von Stroheim.

La película comiena con las referencias literarias del autor de la obra y un fragmento de la misma. También se refleja que está dedicada por el director a su madre. La historia de inmediato nos lleva al interior de una mina, y en ella conocemos a John McTeague es un minero que trabaja en Placer County, California.

Se trata de un hombre básico con instintos primarios, pues de la bondad natural de un hombre que ama a los animales y recoge incluso un pequeño pájaro herido se transforma en un ser con una pulsión violenta capaz de tirar por un barranco al minero que ha despreciado el pájaro. De inmediato conocemos a su madre. Una mujer bondadosa que quiere lo mejor para su hijo, especialmente, darle un futuro fuera de la mina y de esa localidad llena de “mujeres de mala vida”. De inmediato le surge la idea de que se haga dentista, aprovechando la llegada de un dentista que va de localidad en localidad presentando su fórmula de extracciones sin dolor. Se trata del Dr. Potter, y la madre de McTeague le pide Potter que se lleve a su hijo como aprendiz. Potter está de acuerdo y McTeague finalmente se convierte en un dentista, que desarrolla su actividad en Polk Street, en San Francisco.

Un día a su consulta se presenta Marcus Schouler. No viene sólo, pues trae a Trina Sieppe, que la presenta como pariente y casi novia. Tiene un dolor de muelas,así que le pide en confianza que le mire la boca .Schouler y McTeague son amigos y McTeague está encantado de encargarse de ella. Mientras esperan, pues hay una extracción, Trina compra un billete de lotería. Como la revisión bucal durará algo Marcus decide salir del despacho. Mientras el sale fuera del despacho de McTeague para el trabajo dental. McTeague, que apenas ha tratado con mujeres se siente inmediatamente atraido por la chica. La chica tiene fuertes dolores cuando le trastean la boca, así que decide dormirla.

En esa coyuntura, en la soledad de la clínica, y con la pulsión irreflenable opta, cuando está dormida, por besarla. Días más tarde, meintras Mc Teague y Marcus están tomando una cerveza, McTeague le reconoce a su amigo que se ha enamorado de Trina y le pide a Schouler permiso para hacerle la corte. Después de ver la convicción de McTeague, Schouler está de acuerdo. Empieza así el flirteo entre Marc y Trina , que parece que vive en Oakland, al otro lado de la bahía de San Francisco.

Salen juntos en varias ocasiones con la familia Sieppe a la que vemos en la estación de Oakland y en un parque de atracciones en el que se divierten Hans 'Popper' Sieppe, el padre de Trina (Chester Conklin), 'Mommer' Sieppe, la madre de Trina (Silvia Ashton), algunos de los hermanos pequeños de Trina, a Selina (Joan Standing), la prima de Trina , o a tío Rudolph Oelbermann (Max Tyron). Entre estos momentos, McTeague le pide casarse a Trina, que con dudas acepta. Ese mismo día pasará parte de la familia Sieppe la noche en la consulta de McTeague. Al llegar hay un grupo de personas , entre las que se encuentra el responsable de la lotería (Lon Poff) que le comenta a Trina que su billete de lotería ganó los 5.000 dólares ($) del premio. Todos parecen alegrarse. Todos, no. Schouler se muestra amargado y afirma que el dinero debería haber sido suyo. Esta situación genera un distanciamiento entre McTeague y Schouler.

Después se produce la boda entre McTeague y Trina. Mienras la boda se lleva a cabo vemos como en segundo plano se desarrolla un entierro, manifestación simbólica de lo que luego va a ocurrir.

La comida es un reflejo del ansia especialmente de la familia Sieppe que come como si nunca hubiese probado bocado. La noche de bodas parece horrorizar a Trina que finalmente accede a estar con su marido, mientras este cierra la imagen echando la cortina. La vida aparentemente lleva su normalidad. Mc Teague sigue con su consulta de dentista, meintras que Trina se ha vuelto más avara y más miserable, apreciándose en ella una dejadez. Siguen viviendo en su pequeño apartamento ya que Trina se niega a pasar al matrimonio sus 5.000 dólares. Esa misería la apreciamos en la compra de flores que Trina selecciona las más mustias y en su negativa a pagar nada, o a prestar dinero a la madre.

A Mc Teague, un hombre de primitivos instintos, insensible, pero no egoísta, no le importa la fortuna de su esposa. Sólo le mueve el deseo de estar con ella. Por su parte, a Trina, es el dinero, lo que le da verdadero placer, y conforme pasa el tiempo, somos testigos de cómo va incrementándolo, moneda a moneda, con las ganancias del trabajo de su marido.

A la misería de una, se le suma la amargura de Marcus Schouler. Marcus, el tercero en el entramado, es codicioso, avaro, y sobre todo, envidioso. Piensa que el dinero de de la mujer de Mc Teague, tendría que pertenecerle, aunque fue el quien dejó la relación con Trina. Tanta es que un día, mientras Marc y Marcus están en el bar, este último le echa en cara que le debe dinero. Primero los dólares prestados para el parque de atracciones y luego le pide el dinero de la lotería de Trina que tenía que haberle tocado conjuntamente a él. McTeague se queda sorprendido lo que aprovecha Marcus para romperle su pipa.

Tras esto el odio de McTeague es absoluto hacia su viejo amigo. Un día Marcus Schouler se presenta en la casa para comentar que se va a Inglaterra para para convertirse en un ganadero. Antes de que él se marcha secretamente ha informado a las autoridades sanitarias de San Francisco que McTeague práctica la odontología sin licencia. Su interés es arruinar su antiguo amigo. McTeague recibe una carta en la que se le ordena cerrar su práctica clínica o irá a cárcel.

A pesar de haber ahorrado más de 200 dólares ($),McTeague cuenta con los 5,000 $ d el boleto de lotería para poder vivir. Sin embargo, Trina no está dispuesto a gastar su dinero. El dinero se convierte cada vez más escaso. La pareja se va viendo obligada a vender sus posesiones a pesar de la fortuan de Trina. Un ejemplo lo vemos cuando Trina va al carnicero y en vez de comprar carne en buen estado, selecciona la que se va a destinar a los perros. Su transformación psicológica, también es física. Su dulce e inocente mirada del principio, de ojos entornados y tímidos, cambia; se torna ansiosa, salvaje. Sus manos son como garras cuando acaricia sus monedas. La relación de la pareja se torna cada día más difícil. Mc Teague sigue sin trabajo, y Trina no quiere tocar ni un centavo de su dinero. McTeague, depresivo, es obligado a salir de la casa para buscar trabajo, aunque llueve en el exterior.

Cuando ven las circunstancias los amigos de Mc Teague le invitan a beber unas copas. El marido recurrirá al alcohol como consuelo, lo que dificultará todavía más la convivencia, que será en adelante, más y más violenta. Al retornar a casa, Trina le trata con desprecio y el , antes de reaccionar con violencia, se muerde las manos antes de agredir a Trina tras un ataque de rabia. Más tarde, decide marcharse a pescar para ganar dinero, cosa que le agrada a la mujer, pues puede suponer un ahorro.

En ocasiones la vemos a ella, limpiando las monedas y jugando con ellas, con unas manos sarmentosas. Ella quiere el dinero, los $ 5,000, cerca de ella, y finalmente decide guardarlos en su cama para que pueda dormir en ella. Mc Teague, que durante toda la primera parte de la película, ha vivido supeditado a la avaricia de su mujer, encuentra en la bebida la ayuda que necesitaba para intentar dominarla, y es cuando la historia se convierte en brutal y sórdida.

Los malos tratos y las amenazas son la constante de sus vidas. El será un ser despiadado, al que ya no le detendrá nada para conseguir que su mujer le de el dinero necesario para seguir bebiendo… Finalmente, se separan. Trina queda en compañía de su avaricia. Para seguir adelante sin gastar ni una moneda de su fortuna, se emplea como chica de la limpieza.

Un día regresa McTeague después de haber gastado su dinero. Trina no le quiere abrir y que tan sólo quiere estar en compañía de su fortuna. En una secuencia, veremos a Trina en la cama con su dinero, disfrutando de el, como si estuviera en compañía de un hombre. McTeague está arrepentido de todo lo que ha pasado, pero ella solo puede demostrarle su odio.

Desquiciado por el rechazo de ella se enfrenta en una acalorada discusión. El resultado de la misma es que McTeague mata con sus manos a Trina a muerte y le roba sus $ 5.000. Ahora McTeague es un fuera de la ley.

El antiguo minero regresa al condado de donde partió. Más tarde, marcha hacia Valle de la Muerte, en donde encuentra una gran cantidad de cuarzo.

Antes de que puedan comenzar la minería, McTeague detecta el peligro, pues ya hay carteles con su imagen y el famoso Wanted, así que huye al Valle de la Muerte con un solo caballo, el resto del dinero y una cantimplora con agua. A la zona ha llegado Marcus en busca del dinero y la recompensa. Varios alguaciles lo persiguen, unidos por Schouler. Schouler quiere atrapar a McTeague quien se refugia en las dunas y el desierto del Valle de la Muerte en una soledad absoluta. El calor opresivo ralentiza el progreso de McTeague. Por su parte, del grupo de Schouler renuncian todos los demás pues saben que es imposible seguir a nadie allí por lo inhóspito del lugar. Pero McTeague está obsesionado.

Finalmente, en una parada realizada por McTeague es descubierto por Marcus, cuando éste ya ha perdido su caballo. Se aproxima sigilosamente y lo arresta. El enfrentamiento asusta al caballo de McTeague que huye. Marcus pensando que en él va el dinero le dispara, alcanzando y matando al caballo. Pero Schouler no es consciente en que ha perforado el depósito de agua. El agua se derrama en el suelo del desierto.

Ahora es McTeague el vencedor; a pesar de que Schouler ha esposado a McTeague. Ambos morirán, ambos han fracasado. El dinero de Trina quedará sepultado en la arena, al igual que los cadáveres de los dos hombres. Un tremendo plano final del inmenso desierto, parece transmitirnos la conclusión de la historia. Y la película termina

Erich von Stroheim realizó esta película en 1923. Yo he visto una versión recortada de ela misma, con una duración de menos de 2 horas, pero Stronheim filmó 96 horas, con la intención de que quedara reducida a 9. Por supuesto, los estudios la condensaron al máximo, y quedó aún así, con un metraje muy superior al de las películas que se estrenaban por aquellos años. Posteriormente, se realizó un montaje de 4 horas, con material gráfico, y la propia estructura de la novela en la que se basó, lejano también a la idea primitiva de su director.

En Avaricia se nos muestran los más bajos instintos que podemos experimentar las personas, y como, llevados a extremos infinitos, degradan y llevan a la perdición total, a quienes hacen de ellos su razón de vivir. El dinero, y lo que ha generado: avaricia, envidia, violencia… Sólo ha llevado a la destrucción moral y física de las personas que han estado cerca de el. Avaricia se basa en novela naturalista de Frank Norris, McTeague, escrita en 1899. Erich von Stroheim, mostró su intención de adaptar esta novela al formato cinematográfico desde 1920.

Von Stroheim había vivido anteriormente en San Francisco a principios de la década de 1910 - llego casarse con una joven de Oakland llamada Margaret Knox-, y en circunstancias de pobreza como los personajes de la historia, finalmente se mudó a Los Ángeles, y se abrió camino en la industria del cine bajo la dirección de pionero DW Griffith. En 1919 se convirtió en un exitoso director de Universal Film Manufacturing Company, aunque uno con una reputación de ir por encima del presupuesto y más de lo previsto. Al poco tiempo consiguió su cometido. Stroheim ya era un director de éxito en Hollywood cuando trabajó por primera vez a las órdenes de Thalberg en la Universal, pero ahora lo hacía para la Goldwyn, que tenía fama de dar libertad creativa a sus directores. Es bajo esta promesa con la que Erich von Stroheim comienza a trabajar en Avaricia. El director se reunió con ejecutivos de Goldwyn Company el 14 de septiembre de 1922, menos de un mes antes de su despido, y formalmente firmado con ellos a finales de noviembre. Von Stroheim eligió su nuevo estudio por el nivel de la libertad artística, que se le negó en Universal bajo Thalberg. Desde marzo 1922 Goldwyn había sido dirigido por Abe Lehr, quien prometió públicamente que "cada director tendrá su propio personal y se le dará todas las facilidades en la puesta en producción de su propia individualidad y la personalidad." Von Stroheim firmó por un año.

El acuerdo estipulaba que cada se completará en catorce semanas. También prometió von Stroheim $ 30.000 para cada película terminada. Lehr inicialmente quería von Stroheim para filmar una versión de gran presupuesto de La viuda alegre, que el productor vio como un éxito garantizado. Von Stroheim convenció a Lehr para que le dejara hacer . Von Stroheim escribió un muy detallado guión de 300 páginas que contiene los movimientos de cámara, composición y otros detalles.

Entre los cambios que von Stroheim hizo a la novela de Norris estaba el cambio del primer nombre John y omitiendo el antisemitismo de Norris. Existía una versión de McTeague de William A. Brady; que protagonizó la estrella de Broadway Holbrook Blinn como McTeague, en 1916. No tuvo éxito ante la crítica. Von Stroheim, conocido por su perfeccionismo y meticulosa atención al detalle, así como su insolencia hacia los ejecutivos, se propuso hacer una película realista acerca de la gente común y rechazó el Hollywood de glamour.

A principios de enero 1923 von Stroheim llegó a San Francisco, donde exploró lugares y terminó de escribir el guión de rodaje. Mientras investigaba para Avaricia y coincidió con muchos amigos de Frank Norris, entre ellos su hermano Charles y su cuñada, Kathleen. Para capturar el espíritu auténtico de la historia, von Stroheim insistió en filmar en locaciones de San Francisco, la Sierra Nevada, en la mina grande en Iowa Hill, California, y el valle de la muerte. Alquiló algunos de los edificios reales que habían inspirado las escenas en la novela. Y otros lugares incluyen la casa del acantilado y la Bahía de San Francisco.

Von Stroheim descubrió que muchos de los lugares que Norris había descrito, como Polk Street, había sido destruida en el terremoto de 1906 en San Francisco, pero era capaz de encontrar lugares adecuados en las calles de Hayes y Laguna. A pesar de las estrictas condiciones de contrato inicial de von Stroheim, Goldwyn aprobó el extenso guión de rodaje antes de que comenzara la filmación. Gerente de Producción JJ Cohn explicó más tarde que "ellos pensaban que podían controlar cuando llegue el momento." Y no fue así.

Stroheim estaba tan cautivado por la novela de Norris que prácticamente trabajaba sobre el propio libro, adaptándolo página por página, en un ejercicio de fidelidad a la obra original sin precedentes hasta la fecha. Llevaba su obsesión al extremo de desplazarse a los lugares reales de la obra (San Francisco, el Valle de la Muerte,…), con varias ampliaciones del presupuesto inicial. El rodaje se alargó por espacio de dos años, con más de 85 horas de material de archivo y obsesionado sobre la precisión durante la filmación. Dos meses los pasó grabando en Death Valley para secuencia final de la película y muchos de los actores y el equipo enfermaron. Finalmente compuso una obra de nueve horas de duración y 42 rollos de metraje. Stroheim estaba más que satisfecho con su trabajo, pero no contaba con la aparición en escena, de nuevo, de Irving Thalberg, cuando la Metro se unió a Goldwyn, formando la MGM (Metro Goldwyn Mayer).

Así en primer lugar se le exigió a Stroheim que redujera, personalmente, la duración de su película. Así lo hizo, dejando el metraje final en cinco horas de duración. Evidentemente, este recorte no satisfizo en absoluto a Irving, que quería buscar una solución comercial. Stroheim propuso dividir la película en dos partes y proyectarla en dos noches consecutivas. Thalberg, por supuesto, no accedió y finalmente decidió entregar la película a un montador contratado. Éste redujo la película a dos horas y media y 10 rollos, quemando el resto. Así que Thalberg y once personas más pudieron ver la obra original de 9 horas de duración, en 42 carretes y en un primer pase privado. A este respecto quedarán las ya históricas palabras de Erich von Stroheim, el cual nunca vio el montaje de dos horas y media estrenado en cines.

En el plano técnico, es también perfecta. Iluminación, movimientos de cámara, picados y contrapicados, son manejados de manera hábil para potenciar la historia cercana a la tragedia griega en la que el medio ambiente y la herencia controlada destinos de los personajes. Para ello utiliza técnicas de filmación sofisticadas como la cinematografía en alta concentración y la edición de montaje. Stroheim grabó desde muchos lados y desde diferentes ángulos, utilizó primeros planos significativas y eficaces movimiento de la cámara. La iluminación de Avaricia incluye un alto contraste, las técnicas de claroscuro o ejes de luces que iluminan un espacio de otro modo oscuro. Von Stroheim favoreció la edición de montaje "al estilo soviético". La codicia a menudo utiliza dramáticos primeros planos y cortes en lugar de toma mucho tiempo. En la década de 1950 el crítico de cine André Bazin elogió el uso de von Stroheim de puesta en escena y señaló su "una regla simple para dirigir. Tome un vistazo de cerca a el mundo, tenga en hacerlo y al final se va a poner al descubierto para usted toda su crueldad y la fealdad."

Una de las técnicas cinematográficas por el que von Stroheim retrató el naturalismo era el simbolismo animal. En codicia McTeague se asocia con un canario, sólo brevemente mencionado en la novela. Von Stroheim incluye el pájaro en algunos momentos de la película como en la mina, en la petición de mano o en el valle de la Muerte. Otra escena con imágenes de animales incluye transversal entre un gato tratando de saltar sobre los canarios en la escena en la que Schouler despide a McTeague y Trina sin decirles que ha informado sobre McTeague. A lo largo de su carrera von Stroheim utiliza imágenes grotescas y los personajes. Aquí lo vemo en los invitados a la boda con violencia y crudeza que devoran su comida como animales, o con las escenas de amor en contraste entre McTeague y Trina con su entorno feo, con la red de alcantarillado con la rata muerta Por otro lado, la película está dedicada a su madre Von Stroheim declaró que consideraba que todas sus buenas cualidades que han venido de su madre y todas sus malas cualidades que han venido de su padre. 


La película se sustenta en dos pilares básicos, que son tan excepcionales que convierten a Avaricia en lo que es actualmente: la historia y sus protagonistas. Hablamos de una historia cruel, dura y desgarradora, que nos ofrece lo más oscuro del ser humano. 

Los protagonistas, son los tres personajes absolutos en la película y en esta sórdida historia: Mc Teague (Gibson Gowland), Trina (ZaSu Pitts), y Marcus (Jean Hersholt), impecables cada uno en su papel, sabiendo transmitirnos los bajos instintos de sus personajes y las miserias humanas. El primero de ellos, McTeague, es el verdadero protagonista de la historia, y desde el primer momento se nos deja claro su carácter, en la famosa escena en la mina con el pájaro. Su lado bueno y sensible da paso, súbitamente, a la ira y la violencia. La pulsión violenta es la dominante. La película de Stroheim es verdaderamente revolucionaria y adelantada a su tiempo, en sus movimientos de cámara como, sobre todo, en la profundidad de campo, algo visible en la boda entre McTeague y Trina o la escena final en el Valle de la Muerte, referencia obligatoria para todos los amantes del western. Avaricia nos presenta lo peor del ser humano: la avaricia, pero con ella la envidia, la violencia, las adicciones, el interés propio. Todo lleva a la transformación de los personajes, de los tres, con un McTeague y su exacerbada violencia, así como la envidia y ambición de Marcus, o la ambición de Trina. Se produce en ella  lo que Terenci Moix denomina "el valor de la mirada".





Avaricia era un fracaso crítico y financiero en su lanzamiento inicial, sino por la década de 1950 comenzó a ser considerada como una de las mejores películas que se han hecho; cineastas y académicos han elogiado por su influencia en las películas posteriores. 

Parece ser que la historia original de Von Stroheim contenía dos otras dos subtramas, además de la del trio protagonista. La primera estaba representada por la vida de los Zerkow , un chatarrero y María Miranda, la joven mexicana que limpiaba la consulta y vende a Trina el billete de lotería. María hablaba de un imaginario comedor de oro. Finalmente, en la creencia que tiene riquezas escondidas, Zerkow se casa con ella. A menudo le pregunta al respecto, pero ella da una respuesta diferente cada vez. Zerkow no le cree y , finalmente, la asesina a ella y él salta a la bahía de San Francisco. 

El segundo argumento secundario representa la vida de Charles W. Grannis y la señorita Anastasia Baker. Grannis y Baker son dos pensionistas ancianos que comparten habitaciones contiguas en el complejo de apartamentos donde viven Trina y McTeague. 

Con la excepción de Jean Hersholt, todos los principales actores de la codicia eran asiduos de las películas de von Stroheim, un grupo conocido como el "Stroheim Stock Company". Gibson Gowland había aparecido previamente en Maridos ciegos y regresó a los EE.UU. desde Escocia para el papel de John McTeague. Cesare Gravina, que jugó el chatarrero Zerkow, y Dale Fuller, la vendedora de lotería María, habían aparecido en Esposas frívolas y aparecería más adelante en La viuda alegre. Otros actores de von Stroheim Stock Company incluyen Sidney Bracey, Mae Busch, George Fawcett, Maude George, Hughie Mack y George Nichols. Trina fue el papel más difícil de concretar y ZaSu Pitts fue contratado en el último minuto, después de von Stroheim hubiese rechazado tanto Claire Windsor y a Colleen Moore Pitts había actuado anteriormente sólo en papeles cómicos. Avaricia era su primera obra dramática. La actriz apareció más adelante, tanto en la marcha nupcial y Hola, hermana! Von Stroheim había conocido casualmente con Jean Hersholt para discutir el papel de Marcus Schouler. Hersholt ajustó su apariencia y vestuario para parecerse más a Schouler, y von Stroheim lo contrató. 

La filmación comenzó en San Francisco el 13 de marzo de 1923, y se prolongó hasta finales de junio. A pesar del contrato inicial entre von Stroheim y Goldwyn, Lehr acordó duplicar el presupuesto de la película a $ 347.000, tres días después de comenzar el rodaje. Von Stroheim ya habían trabajado día veintidós horas por más de dos meses de pre-producción y se derrumbó en el set después de unos días de rodaje. Durante las escenas rodadas en la bahía de San Francisco, Cesare Gravina tuvo una pulmonía doble y Hersholt fue noqueado por Gowland durante la escena en la pelea entre McTeague y Schouler. Pitts fue casi atropellado por un tranvía. Después de filmar en San Francisco a finales de junio, la producción viajó al Valle de la Muerte. 

La mayoría de las películas de Hollywood que requerían escenas del desierto se realizaban en las dunas de Oxnard al norte de Los Ángeles, pero von Stroheim insistió en la autenticidad. El Valle de la Muerte no tenía carreteras, hoteles, gasolineras, ni agua corriente, y estaba repleta de tarántulas, escorpiones y serpientes venenosas. La zona poblada más cercana a la sesión estaba a 100 millas (160 kilómetros) de distancia y cobertura de seguro se le negó. 

El rodaje en Death Valley duró dos meses. Era verano. Esto permitió que los actores Gowland y Hersholt les crecieran sus barbas lo necesario para la secuencia. Algunos miembros de la producción sufrieron con las elevadas temperaturas llegando incluso a los 123 ° F (51 ° C). 

De los 43 miembros del reparto y el equipo que trabajó en la secuencia de Valle de la Muerte, 14 se enfermaron y fueron enviados de regreso a Los Ángeles. 

Durante el rodaje, los miembros de la equipo se derrumbarían de agotamiento por calor todos los días. Hersholt pasó una semana en el hospital después de terminar el rodaje, al sufrir una hemorragia interna. Hersholt afirmó haber perdido 12 kg y estaba cubierto de ampollas por el final de la filmación. A pesar de las dificultades Hersholt dijo que lo consideraba el mejor papel de su carrera. Con el fin de motivar a Hersholt y Gibson durante la escena en la que se pelean, von Stroheim les gritó: "Lucha, lucha! Traten de odiarse tanto como que me odian a mi! " 

Más tarde, el rodaje se trasladó a Placer County, California, el 13 de septiembre y continuó durante menos de un mes. Se reabrió una mina cerrada durante diez años, por lo que von Stroheim convencido a la compañía Goldwyn arrendar y renovar para el rodaje. 

El rodaje se completó el 6 de octubre de 1923, después de 198 días con 85 horas de grabación. Aparte de personal de estudio, sólo doce personas vieron los 42 carretes originales en enero de 1924 que incluyen Harry Carr, Rex Ingram, Aileen Pringle, Carmel Myers, Idwal Jones, Joseph Jackson , Jack Jungmeyer, Fritz Tidden, Welford Beaton, Valentine Mandelstam, y Jean Bertin. Después de la proyección Jones, Carr y Ingram todos estuvieron de acuerdo que acababan de ver la mejor película jamás hecha y que era poco probable que una mejor película haría nunca se hizo. Muchas fuentes afirman que la versión de las 42 bobinas estaba destinado sólo alguna vez ser un primer corte, y que Von Stroheim decidió cortarlo a 24 bobinas el 18 de marzo de 1924. Después de haber completado el 24 carretes Stroheim dijo a ejecutivos Goldwyn que no podía cortar otro marco. 

Los productores Goldwyn pensaron que esta versión era todavía demasiado largo y le dijo que cortarlo a una más manejable largo. Von Stroheim entonces envió la película a su amigo, el director Rex Ingram, quien le dio la vuelta a su editor, Grant Whytock. 

Whytock habían trabajado con von Stroheim en otra película y estaba familiarizado con el estilo y el gusto del director. Whytock inicialmente propuso que se dividiera en dos, con una película de 8 carretes que termina con la boda y un segunda con 7 carretes en el Valle de la Muerte. Whytock finalmente cortó la película hasta 18 carretes. Su único corte importante fue toda la subtrama de Zerkow y María, que él creía que era "muy desagradable". Whytock e Ingram proyectarán su versión de la codicia para los ejecutivos del estudio, que respondieron favorablemente a ella, pero preocupado de que el final trágico sería difícil de vender al público. Ingram luego envió la versión 18 carretes de von Stroheim y le dijo: "Si se corta un cuadro más que nunca voy a hablar con usted de nuevo." 

El 10 de abril de 1924, la Compañía Goldwyn acordó oficialmente fusionarse con Metro Pictures, poniendo directamente a von Stroheim bajo Thalberg. Von Stroheim y Louis B. Mayer tuvo un largo enfrentamiento por la edición de la película. A Mayer no le gustaba la película debido a su falta del glamour, de optimismo o la moralidad y consideró que sería un fracaso garantizado. Los ejecutivos de MGM proyectarán Avaricia en toda su longitud una vez para cumplir con las obligaciones contractuales. 

Idwal Jones, un crítico de San Francisco, asistió a la proyección de todo el día y escribió que, si bien algunas de las escenas eran convincentes, el deseo de Stroheim que colocar "cada coma del libro era en última instancia negativa. MGM luego tomó control y la reditadó. El estudio ordenó en junio a Mathis a cortarlo más; Se le asignó el trabajo a un editor llamado Joseph Farnham. Farnham era un "editor de títulos," muy conocido por parchear escenas. Finalmente Farnham redujo Avaricia a 10 carretes.

Von Stroheim repudió airadamente la versión final, culpando a Mathis para destruir su obra maestra. Una semana antes de la liberación de Avariacia el Comité de cine del Estado de Nueva York (que censuraba las películas) exigió varios más recortes por motivos morales. Estos recortes incluyen la administración del éter en las escenas dentales y ciertos casos de malas palabras. Aunque se hicieron estos recortes a las impresiones que se proyectarán en el estado de Nueva York, el metraje se mantuvo en muchas otras impresiones. 

Avaricia se estrenó el 4 de diciembre de 1924, en el teatro de Cosmopolitan en Columbus Circle, la ciudad de Nueva York, que era propiedad de William Randolph Hearst. Frank Norris había trabajado para Hearst como corresponsal extranjero durante la guerra Española-Americana y Hearst había elogiado Avaricia llamándola la película más grande que había visto nunca. Los periódicos de Hearst promovieron la película, pero MGM hicieron muy poca publicidad. En el momento de la liberación von Stroheim estaba en Los Ángeles, pues ya había comenzado la producción de La viuda alegre el 1 de diciembre .

La obra de Eric von Stroheim, como comenta Terenci Moix, en su historia del cine, anuncia lo que es el "realismo interior" posterior con una historia poco propicia para complacer al público americano.  De hecho, el estreno de Avaricia fue acogido  en la revista "Harrisons Records" con un comentario títpico de aquella mentalidad: "Es posible que en Austria, de donde procede Stroheim, su película sea del agrado de la gente, pero dudo que pueda encontrarse un sólo americano normal que piense lo mismo". Y lo más sorperendente es que, en Europa, "Avaricia" obtuvo un rechazo parecido.  De hecho, en mayo de 1926 se estrenó en Berlín, donde su estreno causó famosamente un motín en el teatro que puede haber sido instigado por miembros el entonces incipiente del partido nazi. La película fracasó en todos los lugares en los que fue presentada con lo que se demostraba que las actitudes críticas no eran precisamente lo que el público esperaba encontrar en el cine.

La codicia recibió críticas en su mayoría negativas. Variety criticó su fracaso en taquilla Mordaunt Salón de The New York Times dio a la película una crítica positiva sobre todo en lo que respecta a la actuación y dirección al tiempo que criticaba la forma en que fue editado, escrito que MGM "recortado esta producción tanto como se atrevieron ... y deben ser felicitados por sus esfuerzos y la única pena es que no utilizaron las tijeras más generosamente en el principio." 

En un artículo de la revista Life, Robert E . Sherwood también defendió el corte de la MGM en la película y llama von Stroheim "un genio ... con la necesidad de un cronómetro." Iris Barry del Museo de Arte Moderno (MoMA) no les gustó diciendo que era "poco agradable " Una opinión más favorable provino de Richard Watts, Jr., de The New York Herald Tribune, quien dijo de Greed que era "el cuadro más importante producida en América ... Es la imagen de la temporada, que puede llevar su propio como una obra de arte dramático" 

El 20 de abril 1925, en The Montreal Gazette afirmaron que" impresiona como una película de gran alcance ", aunque fue una decepción financiera obteniendo únicamente unos ingresos de 274.827 dólares ($). 

Entre los que han elogiado esta película estaban Sergei Eisenstein; Joseph von Sternberg, quien dijo: "Todos estábamos influenciados por la Avaricia"; Jean Renoir, quien lo llamó "la película de las películas"; y Ernst Lubitsch, que llamó von Stroheim "el única verdadera" novelista "en el cine. Más recientemente Guillermo del Toro lo llamó" un perfecto reflejo de la ansiedad que impregna el paso en el siglo XX y la deshumanización absoluta de estaba por venir. " Las dos películas con mayor frecuencia más se comparan con Avaricia son El tesoro de la Sierra Madre de Huston y El cuarto mandamiento de Welles.

En sus últimos años, von Stroheim, dijo que "de todas mis películas, solamente Avaricia era una obra plenamente efectiva y tenía una validez total". Henri Langlois proyectará la versión de estudio de la avaricia de von Stroheim en 1950. Von Stroheim dijo: "Fue para mí una exhumación. Fue como abrir un ataúd en el que sólo había polvo, emitiendo un terrible hedor, un par de vértebras y un trozo de hueso del hombro. A principios de la década de 1950 la reputación Avaricia comenzó a crecer y apareció en varias listas de las mejores películas jamás hechas. 

En 1952 en el Festival Mondial du Film et des Beaux Arts de Belgique, la película fue nombrado el quinto mejor película jamás hecha, con directores como Luchino Visconti, Orson Welles y Billy Wilder. Más tarde, en 1952 y la revista Sight Sound publicó su primera lista de los "diez mejores películas jamás hechas." 

Avaricia estaba empatada en el séptimo lugar en la lista, con los críticos tales como André Bazin, Lotte Eisner, Curtis Harrington, Penélope Houston y Gavin Lambert votando a favor de ella. Desde 1972 no ha logrado llegar a un lugar en el top ten. 

En 1991 Avaricia era seleccionada para su preservación en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso como "cultural, histórica o estéticamente significativa". 

La versión sin cortes ha sido llamado el "santo grial" de los archiveros de cine, en medio de las reiteradas afirmaciones falsas del descubrimiento del material de archivo que falta. En 1999 Turner Entertainment (titular de los derechos en curso de la película) decidió recrear lo más fielmente posible, la versión original mediante la combinación de las imágenes existentes con más de 650 fotografías fijas de las escenas perdidas (muchos de las cuales se había utilizado en los libros que la estudiaban como el de Weinberg o los materiales fueron proporcionados por la Biblioteca Margaret Herrick. Esta restauración duraba casi cuatro horas. Fue producida por Rick Schmidlin y editado por Glenn Morgan. Se le añadió una nueva banda sonora compuesta por un habitual del cine mudo restaurado, Robert Israel. La reconstrucción costó $ 100.000.  

El crítico de cine Todd McCarthy llamó la versión restaurada de la avaricia un triunfo. Roger Ebert llama Avaricia obra maestra. La reconstrucción ganó una mención especial de los Premios de la Asociación de Críticos de Los Ángeles. 

Para Terenci Moix la maestría de von Stroheim se muestra en su más alto grado al trasmitir la mediocridad moral mediante equivalencias física a menudo estremecedoras como aparece en momentos en Avaricia - título que por cierto puso la productora-   como esas manos sarmentosas  o esa figura de Trina  encorvada sobre el dinero  ávidamente. Para el escritor catalán ya desaparecido "Avaricia" es el más alto ejemplo de realismo conseguido por Hollywood, y esto no sólo en su sentido descriptivo, sino también en el psicológico. En su revelación de los abismos del alma humana es un filme terrible y desde luego dista mucho de ser el ejemplo en que ningún espectador quisiera mirarse.  


Todavía hoy esta película nos muestra que el dinero y la codicia generada por el mismo  es lo que convierte a los seres humanos en bestias. Avaricia es un documento sobre la vulnerable condición humana. Todo ese proceso de degradación salpicado por escenas de gran virulencia culmina en las escenas finales cuando Mc Teague y Marcus se enfrentan en los desoladores espacios del californiano del Death Valley, algo que puedo asegurar tras cruzar estos torridos espacios hace un par de semanas.