jueves, 31 de enero de 2019

Balboa versus Creed


Agradable sorpresa. Pensaba que me iba encontrar con una película casi melancólica y dramática sobre el ocaso de un boxeador, el de siempre, Rocky Balboa, y me he encontrado con una película mucho más inteligente que lo lacrimoso y vintage de lo esperado. 

Desconocía que Creed era una continuación con la historia de Rocky, una especie de "Rocky VII", a pesar de su apéndice Rocky Balboa, pero así es y el descubrimiento de una nueva visión de la historia me ha gustado. Eso sí, he descubierto a Sylvester Stallone entre la maraña de personas que están implicadas en la producción de la película entre las que se encuentran Kevin King-Templeton, los Winkler - o sea Irwin , Charles y David Winkler así como William "Billy" Chartoff representantes de la Chartoff-Winkler Productions, junto a las "majors" Metro-Goldwyn-Mayer Pictures y Warner Bros. Pictures, que junto a New Line Cinema pusieron los $ 35–40 millones que supuso el presupuesto.

En este caso la dirección era del director de color  Ryan Coogler, responsable igualmente del guión, junto a Aaron Covington  partiendo siempre de la historia ideada hace casi 50 años por Stallone. Coogler , cuyo primer largometraje, Fruitvale Station (2013), ganó los premios del público y del gran jurado en el Festival de Cine de Sundance 2013, fue también el responsable de Black Panther (2018) , con lo que quiero pensar que se trata de un director que gusta resaltar la negritud en el sentido que defendía el historiador de Burkina Fasso Joseph Ki-Zerbo.

En 2013, dos años antes del estreno de esta película, fue incluido en la lista de Time de las 30 personas menores de 30 años que están cambiando el mundo. Como suele ser habitual en esta película como en otras suyas trabaja junto al binomio actor y músico que son el actor Michael B. Jordan , quien ha aparecido en todos sus largometrajes, y el compositor Ludwig Göransson.

Y es que el director nacido en 1986 en Oakland, al otro lado de la Bahía de San Francisco . Tras asistir a la Escuela de Artes Cinematográficas de la USC radicada en Los Ángeles , Coogler dirigió cuatro cortometrajes, tres de los cuales ganaron o fueron nominados para varios premios: Locks (2009), que se proyectó en el Festival de Cine de Tribeca y ganó el Premio Dana y Albert Broccoli a la excelencia cinematográfica; Fig (2011), que escrito por Alex George Pickering, ganó el Concurso de Cortometrajes de HBO en el American Black Film Festival y el DGA Student Film Award y fue nominada a Mejor Cortometraje Independiente en los Black Reel Awards; y Gap (2011), que ganó el Premio Jack Nicholson por su Dirección, y cuyo guión fue escrito por Carol S. Lashof.

Tras esto llegó su primer largometraje de Coogler, Fruitvale Station , cuyos derechos de distribución fueron comprados por la otrora sempiterna The Weinstein Company por lo que se proyectó en la sección Un Certain Regard en el Festival de Cine de Cannes 2013 ,donde ganó el premio al Mejor debut cinematográfico. Fruitvale recaudó más de $ 17 millones en todo el mundo. En ella salía Michael B. Jordan.

En julio de 2013, se informó que MGM había ofrecido a Coogler para dirigir Creed , que él había escrito con Aaron Covington y que era una secuela derivada de las películas de Rocky . Coogler llegó a la idea de transformar esa historia tras ver a su padre sufrir de un trastorno neuromuscular. Y como su padre su padre era un gran fanático de las películas de Rocky , el apostó por la saga que se inició hace 40 años.

Para la película contó con la fotografía de Maryse Alberti y el montaje de Michael P. Shawver y Claudia Castello.

Reparto Michael B. Jordan, Sylvester Stallone, Tessa Thompson, Phylicia Rashad, Will Blagrove, Juan-Pablo Veza, Andre Ward, Tony Bellew, Philip Greene, Manny Ayala, Cory Kastle, Vincent Cucuzza, Christopher Weite

En cuanto al reparto lo encabeza  Michael B. Jordan como Donnie Johnson / Adonis Creed, un boxeador de peso semipesado poco talentoso pero talentoso y el hijo del campeón mundial de peso pesado Apollo Creed , cuyo papel de joven lo asume Alex Henderson. Junto a él el eterno Sylvester Stallone como Robert "Rocky" Balboa, Sr , el dos veces campeón mundial de peso pesado y amigo rival de Apolo, quien se convirtió en el entrenador y mentor de Adonis.

Junto a ellos está Tessa Thompson como Bianca , una cantante y compositora que se convierte en el interés amoroso de Adonis, Phylicia Rashad como Mary Anne Creed , la viuda de Apolo y la madrastra de Adonis, Graham McTavish como Tommy Holiday, el entrenador de Conlan, Wood Harris como Tony "Little Duke" Evers , uno de los entrenadores asistentes de Danny Wheeler, Ritchie Coster como Pete Sporino, Tone Trump como él mismo, Brian Anthony Wilson como James y junto a ellos una serie de boxeadores de la vida real y entrenadores como Anthony Bellew como "handsone" Ricky Conlan - boxeador británico - Andre Ward como Danny "Stuntman" Wheeler, Gabriel Rosado como Leo "The Lion" Sporino , Jacob "Stitch" Duran como él mismo. Durante el combate en la versión en inglés se escucha la voz de Liev Schreiber como locutor de HBO . Otras personalidades de los medios deportivos que se ven incluyen a Tony Kornheiser , Michael Wilbon , Hannah Storm , y Max Kellerman , y al locutor de HBO Sports de boxeo, Jim Lampley . Las tomas de archivo son de Carl Weathers.

Adonis Johnson . Sin embargo, nadie puede negar por lo que pone rumbo a PhiladelphiaUna vez allí, Adonis busca a Rocky y le pide que sea su entrenador. A pesar de que este insiste en que ya ha dejado ese mundo para siempre, Rocky ve en Adonis la fuerza y determinación que tenía su enconado rival, y que terminó por convertirse en su mejor amigo. Finalmente, acepta entrenarle a pesar de estar librando su propio combate contra un rival más letal que cualquiera a los que se enfrentó en el cuadrilátero.

En 1998, Adonis "Donnie" Johnson , un chico problemático que se pelea con todos sus compañeros, independiente de su edad, altura y fortaleza, que no llegó a conocer a su padre, el campeón del mundo de los pesos pesados Apollo Creed, y que falleció antes de que él naciera de una amante extramarital del ex campeón de peso pesado .

El chico está cumpliendo una condena en un centro de detención juvenil de Los Ángeles cuando la viuda de Creed, Mary Anne (Phylicia Rashad ), lo visita y le ofrece llevarlo.

17 años después vemos que Mary Anne , que vive en una mansión de lujo de Los Ángeles y que ha dado una buena formación a su hijo adoptivo , se sorprende cuando Donnie renuncia a un puesto en el Depacho de Smith Boardley Financial Group para perseguir su sueño de convertirse en boxeador profesional.

Mary Anne se opone con vehemencia a su aspiración, recordando cómo su esposo murió en el ring por Ivan Drago hace treinta años.

Donnie, que lleva el boxeo en la sangre,  realiza una prueba una Academia de élite , en la Delphi Boxing Academy de Los Ángeles, dirigida por el amigo de la familia Tony "Little Duke" Evers Jr. , el hijo del entrenador de Apollo Tony "Duke" Evers, pero es rechazado.

Sin desanimarse, Donnie viaja a Filadelfia , el lugar en el que se celebró el legendario combate entre su padre y Rocky Balboa, con la esperanza de ponerse en contacto con el viejo amigo y rival de su padre, el ex campeón de peso pesado, y hoy mito en la ciudad, Rocky Balboa (Silvester Stalone) .

Donnie conoce a Rocky en el restaurante italiano que regenta llamado Adrian's, en honor a su difunta esposa ( que fue interpretada por Talia Shire en películas anteriores) y le pide a Rocky que se convierta en su entrenador.

Rocky se muestra reacio a volver al boxeo, ya que está de vuelta de eso y tiene una edad muy avanzada a pesar de haber sufrido un trauma cerebral durante su carrera como luchador. Sin embargo,  cuando Adonis le dice que es hijo de su amigo está de acuerdo.

Donnie le pregunta acerca de la "tercera pelea secreta" entre él y Apollo, justo después de que Apollo ayudara a Rocky a recuperar el título de peso pesado y Rocky revela que Apollo ganó.

Donnie entrena en el gimnasio que le recomienda Rocky, el  Front Street, con varios de los amigos de Rocky desde hace mucho tiempo, pero ni uno ni otro comentan el parentesco de Creed con el ex campeón del mundo. En todo caso Rocky dice que es su ahijado o su sobrino.

Durante los primeros días de estancia en Filadelfia conoce a una vecina, la de debajo de su piso, Bianca (Tessa Thompson  ), una cantante que canta en clubes y que comienza a salir con el angelino. 

Donnie, ahora conocido en el centro deportivo con el despectivo nombre de "Hollywood Donnie", derrota a un luchador local, al hijo del dueño del local , y que pretendía que su hijo fuese para futura estrella y él comienza a correr la voz de que es el hijo ilegítimo de Creed. Algo que le molesta sobremanera a Creed, porque así se liberaba de la presión y de la comparación entre padre e hijo. Esto tiene consecuencias tanto para el boxeador como para su relación con su novia , pues cuando ella iba a dar un concierto importante como telonera de un grupo , el cantante de estos le pide un selfie y al echarle en cara que es hijo de un campeón y lo fácil que lo tiene le pega.

La relación entre ellos se enfría, y entre el boxeador y Rocky también. Tanto que parece que quiere abandonar. Esta lleno de rabia. Sin embargo, consigue Rocky convencerlo y , finalmente, opta por un lugar de entrenamiento en la periferia de la ciudad, un lugar marginal, con población en riesgo de exclusión y muchas motos.

Rocky lo lleva allí corriendo y al llegar descubre que el sitio es aparentemente inapropiado, pero persiste. Por otro lado, Rocky recibe una llamada de los promotores del campeón mundial de peso semipesado "Pretty" Ricky Conlan, quien se ve obligado a retirarse por un período de prisión inminente tras pelearse en una pelea de bar en Manchester. Se ofrece a que Donnie sea su último rival, siempre que cambie su nombre por el de Adonis Creed.

Mientras persiste el entrenamiento y aunque Donnie se niega al principio, pues tiene ganas de forjar su propio legado. Sin embargo, eventualmente está de acuerdo.

Mientras ayuda a Donnie a entrenar, Rocky se entera de que tiene un linfoma de Hodgkin . No está dispuesto a someterse a quimioterapia , recordando que no fue suficiente para salvar a Adrian cuando ella tenía cáncer de ovario . Su diagnóstico y el hecho de que su mejor amigo y cuñado Paulie Pennino, el hermano de Adrian, también ya ha muerto, al igual que Apollo y su viejo entrenador, Mickey Goldmill , lo obligan a enfrentar su propia mortalidad.

Al ver a Rocky afectado y con mala cara, Donnie lo alienta a buscar un tratamiento. Aunque el ex boxeador se niega insistentemente.

Finalmente Donnie se va entrenando de manera efectiva y , por último, los días de la pelea con Conlan se acercan . La misma tendrá lugar en Goodison Park en la ciudad natal de Conlan, Liverpool , y surgen muchos paralelismos entre la pelea que tendrá lugar   y la primera pelea de Rocky cuarenta años antes.

Primero, antes de entrar al ring, Donnie recibe un regalo de Mary Anne: nuevos calzones deportivos con la  bandera estadounidense similares a los que usaron Apollo y luego Rocky.

Además, para sorpresa de casi todos, Donnie hace frente en el combate a Conlan con todos sus golpes y siguiendo las directrices.

Pero , con todo, Conlan derriba a Donnie, pero Donnie se recupera para derribar a Conlan por primera vez en su carrera. Donnie se acerca y aguanta hasta el final del combate pero Conlan gana por decisión arbitral (al igual que Apollo retuvo su título por decisión de los árbitros frente a Rocky).

Sin embargo, vemos que Donnie se ha ganado el respeto de Conlan y del público ; como dice Max Kellermanlo en lo narrado en la pelea para la HBO :  "Conlan ganó la pelea, pero Creed ganó la noche". Conlan le dice a Donnie que él es el futuro vencedor del peso semipesado .

La película termina con Donnie y Rocky de vuelta en Filadelfia, aunque frágil ha mejorado y , al igual que hizo Rocky en su primera película lo vemos subiendo los 72 escalones fuera de la entrada del Museo de Arte de Filadelfia seguido por una legión de chicos y chicas que adoran a su nuevo campeón local.  Con la música de Rocky acaba la película.

El 24 de julio de 2013, se anunció que MGM había firmado con el director de Fruitvale Station , Ryan Coogler, para dirigir un spin-off de Rocky , una séptima película de la serie Rocky , que Coogler también coescribiría con Aaron Covington . Sylvester Stallone también trabajó en el guión de la séptima película, aunque indudablemente no aparece como guionista.  La película se centraría en un hombre que seguía los pasos de su difunto padre, Apollo Creed , y obtenía un mentor en el ahora retirado Rocky Balboa .

Por cierto, justo cuando la película estaba entrando en la preproducción, el hijo mayor de Sylvester Stallone, Sage Stallone, murió de un ataque al corazón. Stallone, que en esos momentos tenía 69 años, ha admitido que la pérdida casi le obiga a retirarse del proyecto, pero Ryan Coogler finalmente pudo convencerlo de usar la película como una homenaje a Sage, centrándose específicamente en las relaciones padre-hijo que aparecen en ella. Aunque inicialmente era reticente, Stallone dijo en los Globos de Oro que Creed lo ayudó a afrontar la muerte de Sage.

De cualquier manera, el mismo fue consciente y declaró durante y después del rodaje sobre su decadencia física que"Esto es lo que la gente vive todos los días ... me hizo darme cuenta definitivamente de que el reloj no se detiene".

Michael B. Jordan habitual de Coogler fue el elegido para interpretar al hijo del campeón  Creed, Adonis Creed, y Stallone se preparó para repetir su personaje de Rocky. Carl Weathers, quien interpretó a Apollo Creed, dio su firme respaldo a la película y al desempeño de Michael B. Jordan. Jordan se sintió extremadamente honrado.

Tessa Thompson en el papel de Bianca trabajó con Ryan Coogler para asegurarse de que su papel fuera algo más que el interés amoroso. "Ryan realmente quería mostrar un personaje de novia en el contexto de una película deportiva que era complicada, que tenía su propia vida y sus propios sueños", dijo la actriz. "Creo que eso es algo con lo que esperamos que las mujeres puedan relacionarse".

Los productores originales Irwin Winkler y Robert Chartoff producirían, junto con Stallone y Kevin King-Templeton la película como apuesta al proyecto.

El 25 de abril de 2014 Coogler declaró que había enviado su último borrador al estudio y confirmó la participación de Jordan y Stallone.

El 10 de noviembre, los boxeadores de la vida real Tony Bellew y Andre Ward se unieron a la película, con Bellew para interpretar a un luchador, "Pretty" Ricky Conlan, el principal oponente de Creed.

El rodaje estaba previsto para comenzar en enero de 2015, en Las Vegas y Filadelfia . El 16 de diciembre, Tessa Thompson fue agregada al elenco como protagonista femenina.

El 8 de enero de 2015, Phylicia Rashad se unió a la película para interpretar a Mary Anne Creed, la viuda de Apollo.

El rodaje comenzó en Liverpool el 19 de enero de 2015, y se desarrolló hasta abril de ese año. Más tarde también tuvo lugar en Filadelfia , la ciudad natal de Rocky.

En concreto en Liverpool se rodó en el Goodison Park, con la primera toma de escena durante un partido de fútbol Barclays Premier League entre Everton (de los cuales Stallone y Evertonian Bellew nativos son fanáticos) y West Bromwich Albion .

El rodaje también tuvo lugar en Filadelfia . A principios de febrero, una tienda vacía en Filadelfia se convirtió en un gimnasio de boxeo, donde se rodaron algunas escenas de entrenamiento.  El 13 de febrero, el equipo fue visto filmando en el Victor Café en el sur de Filadelfia que se transformó en el italiano "Adrian´s". También se rodó en el Johnny Brenda's, en la The Electric Factory, lugares de los conciertos. También se rodó en Chester , en el Must Fight Boxing Club, así como en Aston en su Sun Center Studios,,en el Huntingdon Valley para la mansión de la madre de Apollo, en el Estado de Pennsylvania.

Stallone y Jordan también fueron vistos en el set de la película entre febrero y marzo, cuando la filmación tuvo lugar en Sun Center Studios en Aston Township .

La partitura musical de Creed fue escrita por el compositor sueco Ludwig Göransson , quien es solo el tercer compositor en la historia de la serie Rocky , después de Bill Conti ( Rocky , II , III , V y Balboa ) y Vince DiCola ( Rocky IV ). Creed también presenta una banda sonora que consiste principalmente en música nueva que incluye pistas de hip hop de artistas como Future , Meek Mill y White Dave. [

El 3 de febrero de 2015, Warner Bros. programó la película para ser estrenada a nivel nacional el 25 de noviembre de 2015.  Esta fecha coincide con el 40 aniversario de la película original, donde Rocky lucha contra Spider Rico. Creed fue lanzado ese día . Tras su estreno tuvo en taquilla unos ingresos de $ 173.6 millones.

Esta séptima entrega de la serie y la secuela de Rocky Balboa en 2006 , recibió el reconocimiento de la crítica, que la calificó como la mejor película de Rocky en muchos años, y fue elegida por la National Board of Review como una de las diez mejores películas de 2015 .

Por su actuación, Stallone fue nominado para el Premio de la Academia al Mejor Actor de Reparto, su primera nominación al Oscar desde la película original así como el los Globos de Oro. También ganó el Premio de la Junta Nacional de Revisión al Mejor Actor de Reparto , el Premio de la Selección de los Críticos al Mejor Actor de Reparto y un premio al Mejor Director de la Asociación de Críticos de Cine Afroamericanos , y  el Premio Globo de Oro al Mejor Actor de Reparto en una Película .

La película obtuvo el Premio de la Asociación de críticos de Los Angeles tanto a la película y de la Asociación Críticos de Chicago: Nominada que valoró a Stallone como mejor actor secundario

En los Satellite Awards nominó a mejor actor de reparto (Sylvester Stallone) , pero los malvados de los Premios Razzie duio el Premio Razzie a la Redención  al mismo Sylvester Stallone.

La estrella de la película, Michael B. Jordan, recibió un premio en la ceremonia de la Asociación de Críticos de Cine Afroamericanos por Breakout Performance. Tessa Thompson también ganó en la ceremonia al recibir el premio a la Mejor Actriz de Reparto.

La Asociación de Críticos de Cine "on line"  de Boston  al igual que críticos como Herman Dhaliwal, de AV Wire , quien dio a la película una crítica muy positiva al escribir: "Diré que la película fue todo lo que podría haber deseado y algo más. Es una película que podría haber salido tan mal de tantas maneras tan fácilmente, pero los resultados muestran algo que es genuino e inspirado. Toma las rutas más inteligentes posibles con la historia que quiere contar y entrega básicamente en todo lo que necesita. Ryan Coogler se considera a sí mismo como uno de los mejores cineastas emergentes que trabajan hoy en día. una película emocional, divertida, convincente y edificante que está llena de actuaciones fuertes ".

Para Andrew Barker de Variety declaró que la película está a la altura de las expectativas de sus antecesores, mientras que forja su propio camino único. También agradeció las actuaciones de Stallone y Jordan, y dijo que Stallone merecía el crédito por haberse arriesgado con el joven director Coogler, y que su confianza había dado sus frutos. Llegó a la conclusión de que el director de que  "No sólo está a la altura de lo mejor de sus predecesoras, sino que también forja de manera respetuosa su propio camino. (...) Una película inteligente, estimulante y bien elaborada"

El crítico de IGN John Lasser  dijo: " Creed es un espejo de la historia de Rocky y todos hemos estado viendo cómo se desarrollaba en la pantalla grande durante décadas. La película de Coogler no hace nada para romper el molde. Más bien, muestra que el molde existe por una razón. Jordan ofrece un rendimiento de octavos de final, y Stallone también lo hace. Al final, solo podemos esperar que podamos ver a Adonis en la pantalla durante el tiempo que vimos a Rocky ".

Chris Nashawaty de Entertainment Weekly entiende que  "La emocionante y emotiva nueva película de Ryan Coogler es la mejor entrega de la saga desde la original de 1976."

Para Peter Travers crítico en Rolling Stone en la película  "Se puede percibir en cada fotograma el cariño de Coogler por el material (...) Tan irresistible resulta la mezcla de dureza y ternura de Stallone, que el Oscar debería darle puntos (...)"

Dice Joe Morgenstern en The Wall Street Journal que "Muchas de las convenciones del género de boxeo están presentes en el guion (...) y las secuencias de pelea son brutalmente efectivas. Pero la película está llena de vida y humor distendido y 'Creed' trasciende a menudo el género"

Eric Kohn de IndieWire  sostiene, por su parte, que "Creed" hace justicia a sus raíces al tiempo que prueba [a hacer] algo nuevo. "

Mientras  A. O. Scott del The New York Times "'Creed' es una excelente obra de entretenimiento, con una anticuada dulzura y una vigorizante puesta al día."

Para  Richard Roeper del  Chicago Sun-Times entiende que "Gracias a una interpretación carismática y natural de la incipiente estrella Michael B. Jordan, al guion del director y guionista Ryan Coogler (...) y a un estupendo trabajo de Stallone, 'Creed' es un espectacular añadido al canon 'Rocky'"

Todd McCarthy de The Hollywood Reporter escribe que "Coogler hace la transición del mundo indie al del cine de gran presupuesto con un resultado que es robusto y delicado."

Por su parte, Brian Truitt de USA Today comenta que es "La franquicia de Rocky está en su mejor forma en años (...) Un capítulo excitante, emocionante y frecuentemente divertido del icónico legado del campeón de boxeo cinematográfico (...)"

Rodrigo Perez The Playlist  dice que "'Creed' es una digna sucesora de lo mejor de la saga (...) La mejor interpretación de Stallone en años. (...) Una entrega que merece la pena, que captura el espíritu de las películas clásicas de Rocky."

Por último Robert Abele en The Wrap "Creed' emerge como una entrega respetuosa pero nunca resulta realmente revitalizante."

En el Reino Unido Jordan Hoffman en las páginas del The Guardian "La película va golpeando por escenarios e historias previsibles hasta el final (...) que recobra la fuerza con algunas escenas de originalidad, elementos conmovedores y (...) emoción. (...) "

Tim Grierson también en la británica Screendaily "Creed" sólo resulta convincente a ratos, el resultado es una película que nunca rompe con la impresión de que se trata de una nueva incorporación a la saga de Rocky, pero no particularmente necesaria."

Ya en España Jordi Costa en  El País "Logra la considerable proeza de erigirse en la más distinguida y reflexiva entrega de la saga (...) en esta resurrección, no sólo hay talento, sino también afecto e inteligencia."

Para  Oti Rodríguez Marchante en  ABC "Es lo mejor de la película, ver a Stallone en la interpretación dramática que el cine le tenía reservada (...) Michael B. Jordan tiene la hechura suficiente de semipesado como para convertirse en muy pesado en las próximas entregas (...) "

En Cinemanía  Javier Cortijo nos dice que  "Vigorosa, dramática, hogareña y melancólica. Un regalo para la legión rockynómana. (...) "

En la otra histórica revista de cine Fotogramas Álex Montoya "Coogler se revela como un virtuoso coreógrafo de la cámara, sacándose de la manga dos antológicos planos secuencia que suben al espectador al ring y le noquean sin compasión (...) "

Desde Barcelona Nando Salvá en  El Periódico señala que "Ryan Coogler ha confeccionado un homenaje genuinamente afectuoso a la saga (...) nunca antes en la saga los combates habían sido orquestados con tanta fluidez. (...) "

En México donde su cine cada día en más importante sobre todo en saber como vender  en Estados Unidos y país con una enorme afición al boxeo, es decir, que saben de lo que hablan, y con once campeones mundiales en pesos de lo más diverso en 2017,  comenta Adrián Ruiz Villanueva en  Excélsior que "Todos los rounds del filme son convincentes y a la altura, sin duda una de las mejores entregas de la franquicia."

Para  César Albarrán Torres de Cine Premiere "Emocionante e introspectiva, 'Creed' está a la altura de lo mejor de la saga de 'Rocky'. "

Entiende  Daniel Krauze en El Financiero que "'Creed' vuelve a imaginar un clásico, al tiempo que homenajea a un personaje, vigente después de cuarenta años."

Por su parte,  Jesús Chavarría en La Razón entiende que se trata de una "Discreta pero efectiva. Equilibra sin problemas la nueva línea argumental, con distintos guiños a los fans, (...) El concepto ya está gastado, y si en esta ocasión se sostiene, es gracias a la nostalgia que aporta la sola presencia del veterano actor [Stallone]."

Para  Alejandro Alemán de El Universal "Coogler apuesta por sus personajes, por la emotividad y sobre todo por la elegancia. Un knockout contundente."

En la Argentina de los míticos boxeadores Carlos Monzón u Horacio Accavallo, Diego Batlle en La Nación comenta que la película "Es sensible y entretenida. Reivindica a Stallone y logra de él una actuación prodigiosa con los reconocibles fondos de la ciudad de Filadelfia. Otra gran película del veinteañero Coogler. Dos de dos."

Juan Pablo Cinelli desde Página 12, que no se si leyó Miguel Castellini nos dice que "Igual que 'Rocky', 'Creed' no es sólo una película de boxeo, sino un drama emotivo. (....) Sí, 'Creed' es una película de llorar, con ganas y con gusto, igual que 'Rocky'. Y en eso tiene mucho que ver la figura de Stallone."

Pablo O. Scholz que no se si fue seguidor de otro grande del ring como fue Julio Vásquez en Clarín nos dice que "Como el Ave Fénix, Stallone renace en, tal vez, la mejor de la saga de Rocky después de la original y la tercera. (...) es como un cross a la mandíbula."

Roger Koza de La Voz del Interior que lo mismo lee Julio Pablo "Relámpago" Chacón, entrenador hoy su propia academia de boxeo en Las Heras en Mendoza, comenta que "El epílogo es una prueba del genio de Coogler y una síntesis prodigiosa del valor supremo que Rocky ha defendido siempre. Genialidad, (...) El golpe final es entonces un latigazo de sabiduría. (..) "

Alexis Puig comenta en el argentino Infobae que "El corazón del filme, es la interpretación de Sylvester Stallone, una performance conmovedora, el canto de cisne de un personaje a esta altura mitológico." En ese sentido no se lo que piensa el actual Brian Castaño que retuvo el título regular AMB de peso superwélter y con un balance de 15 - 1 empate.

Finalmente, el superligero y último campeón argentino Lucas Martín Matthysse no se si ha leído a Leonardo D’Espósito, de la revista Noticias quien comenta que "Está narrada a la perfección y tiene algunos alardes técnicos y escenas de gran creatividad y modernidad que pasan inadvertidas, como si el director sólo usara su talento para seguir a un par de personajes geniales. " Lo que si estará de acuerdo con Diego Lerer que dice, y con razón, que "Los resultados han sido muy buenos, pero no estaría mal cambiar un tanto la receta para los próximos episodios."

Para mi ha sido , como dije al principio, una grata sorpresa con un buen trabajo de los dos protagonistas, uno recuperado en los últimos años, Stallone, otro emergente , con fuerza, con carisma, con tipo y con buena actuaciones. Me ha impresionado su preparación física que lo deja en un estado fibroso. Y lo hace respetando la esencia del primer Rocky  y homenajeando en su coherencia al mismo Stallone.

Un película que vuelve a poner de pie al  boxeo,no nos deja tirado en la lona, noqueado o aturdido, que respeta ese final en la que no se debe ganar porque sí,  convirtiendo al rocoso y envejecido boxeador en un padre putativo del joven actor.

Coogler que hace una gran película que la lleva con un ritmo adecuado en enero de 2016, recibió un encargo tras firmar y coescribir para la Marvel la película Black Panther integrante étnica perteneciente a la Marvel Cinematic Universe , lo que le convertía en el cineasta más joven de Marvel Studios , y en el inicio de una larga historia de éxitos. Este año, tras el éxito del pasado año, estrenó Creed II, que han visto mis hijos, aunque no yo, pero que creo que ha sido muy exitosa, no tanto como la de Marvel, pero esa es ya otra historia, u otro round.



miércoles, 30 de enero de 2019

Ensayos cinematográficos al borde de dos ríos


Una en la ribera izquierda, con Jean Daniel Pollet entre sus integrantes y una obra, su particular versión del Méditerranée (Jean-Daniel Pollet, 1963) , y otra en la ribera del Indo con un cineasta hindú, Mani Kaul , y su trabajo para el Ministerio de Turismo de Cachemira que se concreta en Before my eyes (Mani Kaul, 1988) han sido las dos películas como ensayos cinematográficos. Pasamos de Francia a la India , y de la rive gauche al cine indie hindú. 

Como ya he dicho ambos son modelo distintos de lo que se conoce como ensayo en la cinematografía una visión mediante el lenguaje específico del cine de lo introspectivo entendido como una experiencia con el objetivo de desarrollar el propio pensamiento y las propias ideas. 

Un francés, como no podía ser otro en lo teórico, Didier Coureau escribió en la obra colectiva titulada L'essai et le cinéma​ una teoría de lo que era este tipo de ensayo. Se trata de una forma que expresa pensamiento, una « una poética del pensamiento » y yo añado que trasmitida a través de las imágenes , que pueden ir o no acompañadas de una música , de un texto literario o del silencio total. 

En ese misma obra José Moure señala que « partiendo de la masa desordenada del saber, entonces ubicar un pedazo junto a otro, tratando que el desarrollo de los mismos avance al unísono, tratando de inventar alusiones plausibles, tratando de encontrar una parte de verdad en la ilusión y en la ensoñación​»  

El ensayista que usa el cine como medio no responde a ninguna regla establecida. Jean-François Lyotard escribió que « el ensayista y el artista trabajan sin reglas con la finalidad de establecer algunas reglas de lo que podría ser​». En este sentido el ensayo es una obra posmoderna,​ una obra hacia el futuro. Y el cineasta ensayista es pues por esencia un cineasta posmoderno dándose la mano , en ese sentido, casi con lo experimental. 

Experimentales o posmodernos pudieran ser los integrantes de la Nouvelle vague o de esa "vague" paralela y más retraída o menos sonora que fue la corriente conocida como Rive Gauche o margen izquierda al final de la década del cincuenta. Surgida a la par de la Nouvelle vague, la Rive Gauche (Margen izquierda), es otra orilla, por lo que es posible que sus obras llegaran usando terminos de hidrografía a otras vertientes cinematográficas. Esta «Rive gauche» iba mucho más que lo cinematográfico y de lo ideológico, pues se acercaba casi a un modo de vida, afectando incluso a la manera de vestir y aparentar. 

Los distritos VI y V, antiguos barrios bohemios, artísticos e intelectuales de la primera mitad del siglo XX, caracterizaron lo mejor de dicho estilo, ahora llamado «bobo» (pronunciado bobó, de bourgeois-bohème, "burgués bohemio"), en oposición a los barrios burgueses más clásicos y conservadores de los distritos XVI y XVII, situados en la margen derecha. 

Esta Rive Gauche era la zona de estilo de vida bohemio, en los que se asentaban tradicionalmente los barrios de artistas e intelectuales . Si la "nouvelle" se apoyaba en "Cahiers du cinéma" , la "rive" lo harña en la evista especializada en cine Positif, desde donde críticos, guionistas y escritores, incursionaron como directores de sus propias películas. Entre los directores de la rive gauche estaban Chris Marker, Alain Resnais y Agnès Varda, quienes compartían orígenes como documentalistas, orientación política de izquierda y las ganas de explorar con las fronteras artísticas. 

Chris Marker dirigió en 1962 La Jetee, una curiosa película de ciencia ficción contada con imágenes fijas, como una fotonovela. A Resnais se unió el novelista Alain Robbe-Grillet para hacer la compleja El año pasado en Marienbad (L’Annee Derniere A Marienbad, 1961) que resultó ganadora en el Festival de cine de Venecia. 

Por su parte, Robbe-Grillet dirigiría Trans-Europ-Express en 1966 y la directora Agnès Varda (esposa de Jacques Demy), junto a Margueritte Duras, la mujer más reconocida. Además de los cortometrajes y documentales que realizó, algunos consideran que su debut, La Pointe Courte (1954) sería la primera película que activaría la "Nueva Ola" y la "ribera"". 

En 1961 dirige Cleo de 5 a 7, un filme de melancólica belleza y “el retrato de una mujer pintado en un documental sobre París”, como la definió su directora, Agnès Varda. Los mejores momentos de esta película tienen a Cléo -alta, esbelta, preciosa- recorriendo las calles parisinas, en medio de panorámicas de atmósfera documental, donde transeúntes desprevenidos parecen ignorar a la actriz, que se mezcla sin dificultad entre todos ellos. Ese aire fresco y libre, contagia un filme que es a la vez una reflexión sobre el tiempo -está filmada en tiempo real, dividida en capítulos que indican la hora precisa de cada uno- y sobre la ansiedad que la espera de una noticia genera en una mujer que se da cuenta que su belleza no es un antídoto infalible contra el drama de la vida. 

Tres años antes otro miembro de la “ribera izquierda” había hecho una declaración de principios en Hiroshima mon amour. Resnais filma el recuerdo, filma las huellas -las cicatrices mejor- que la hecatombe atómica dejó en la piel y en los espíritus. Lo hace con una narración grave, tensa, supremamente concentrada, donde las rupturas temporales se hacen orgánicas, donde el dolor, la muerte y el deseo se mezclan de manera extraña. 

El gran crítico, programador y archivista Kent Jones afirma que “es posible que Hiroshima mon amour sea la primera película moderna del cine sonoro en cada aspecto de su concepción y ejecución -construcción, ritmo, diálogo, estilo interpretativo, aspecto psicológico, e incluso banda sonora”. Y eso lo consigue Resnais -y su guionista Marguerite Duras- partiendo de la idea de hacer un documental y arribando por último a la concepción de un argumental intimista, donde las consecuencias de la guerra en el recuerdo de los protagonistas reflejan un dolor colectivo que el filme transmite con precisión. 

Truffaut en entrevista para France-Observateur realizada en 1961 declarara que la Nueva Ola no era otra cosa distinta a “un nombre colectivo inventado por la prensa para reagrupar cincuenta nombres nuevos que han aparecido en dos años”. 

Y a esos realizadores se sumaron un puñado de actores y actrices que también representaban nuevos valores y una nuevo enfoque en Cahiers du cinéma que afrontaba los cambios derivados de las nuevas obligaciones de sus antiguos escritores, ya sin tiempo de dedicarse al periodismo. 

La nueva generación de críticos chocó con el editor en jefe, Eric Rohmer, quien fue reemplazado por Jacques Rivette, señalando el inicio de una nueva era, donde las cosas ya no serían como antes. Pero las dos orillas ya estaban separadas por una fuerza superior a la del caudal del Sena. 

Por un lado Rive Gauche, cuyos mayores exponentes, Resnais, Marker,Duras y Robbe-Grillet se caracterizaba por la concepción de un cine retórico, emparentado con lo literario, en especial con la Nouveau roman y las artes plásticas. 

Lejos del estrépito de la Nouvelle vague, representada por autores como Truffaut, Godard, Rivette Rohmer y Chabrol, mucho más jóvenes, audaces y sobretodo mucho más exitosos financieramente hablando, inclinados por los filmes alocados, frenéticos, pero a la vez marcados por una desconsoladora resignación, que provocaba cierta resistencia entre los miembros de la contraparte, quienes a su vez eran más participativos en temas políticos y estaban plenamente identificados con los movimientos de izquierda. 

No obstante estas diferencias, las dos corrientes no eran opuestas ideológicamente, e incluso presentaban una evidente empatía, puesto que las dos consiguieron crear un nuevo orden en el mundo cinematográfico europeo y lograron cautivar la audiencia juvenil. 

Esta comunión tiene como testimonio el considerable número de páginas de uno y otro magazín que fueron destinadas a defender y promover a los autores del otro lado del río dejando por el camino obras como Toda la memoria del mundo (Toute la memorie du monde. Alain Resnais. Francia, 1956); Guernica. Alain Resnais .Francia, 1950); Noche y niebla (Nuit et brouillard. Alain Resnais. (Francia, 1955); Hiroshima mon amour (Alain Resnais. Francia, 1959); La sexta cara del pentágono (La sixième face du Pentagone de Chris Marker y François Reichenbach. Francia, 1968); Sin sol (Sans soleil. Chris Marker.Francia, 1983); Chats perches deChris Marker. Francia, 2004); El fondo del aire es rojo (Le fond de l’air est rouge de Chris Marker, Francia, 1998), Tío Yanco (Oncle Yanco) de Agnes Varda, Francia, 1967); Panteras Negras (Black Panthers) de Agnes Varda.Francia, 1968; Respuesta de mujeres (Réponse de femmes de Agnes Varda, Francia, 1975) o Salut les cubains (Agnes Varda, Francia, 1963) 

Como vemos no aparece Jean-Daniel Pollet este director de cine nacido en La Madelaine (1936) y guionista francés que estuvo muy activo en los años sesenta y setenta y que se asoció con dos enfoques para el cine: comedias que combinaban elementos burlescos y melancólicos, y películas poéticas basadas en textos de escritores. 

Comenzó como camarógrafo de los servicios de imagen del Ejército y luego como ayudante de realización de uno de los grandes clásicos del cine galo, Julián Duvivier, de quien diría: "Me enseñó todo lo que no hay que hacer". 

Ya en 1958, realizó un cortometraje en París llamado Pourvu qu'on ait l'ivresse con su actor fetiche Claude Melki..., en el que Pollet filmó los movimientos de las siluetas de los bailarines. Pollet se basó en las imágenes y los temas de esta primera película en muchos de sus trabajos posteriores, al incorporar elementos de comedias populares imbuidas de elementos tanto burlescos como melancólicos. 

Su siguiente película, el largo La ligne de mire (1960), no se estrenó nunca porque, tras el éxito inicial de la nouvelle vague la inflación de títulos hace que todos los que no sean de los padres fundadores -Truffaut, Godard, Rivette, Chabrol- sean vistos con reticencia. 

A principios de la década de 1960, Pollet comenzó a explorar otro enfoque de la realización cinematográfica con en la película que hemos visto, Méditerranée , que realizó durante dos años con Volker Schlöndorff . 

Pollet intentó crear una forma de película poética, utilizando textos y comentarios de escritores como Philippe Sollers ,Jean Thibeaudeau , y Francis Ponge .Al final fue responsable de una veintena de títulos de muy distinta duración y acogida. 

En la década de 1990, se quedó paralizado después de ser golpeado por un tren mientras estaba realizando un trabajo de localización, por lo que filmó sus últimas películas en las áreas alrededor de su casa en la ciudad francesa de Cadenet . En 2004, cuando Pollet se dio cuenta de que se acercaba su muerte, escribió su último guión, Jour après jour , que fue terminado por Jean-Paul Fargier . 

Pollet murió a la edad de 68 años , en 2004 en Cadenet, Vaucluse , Francia. Octavi Martí escribió en septiembre de 2004 que "Hay cineastas que son más conocidos por los lectores de revistas y enciclopedias que por los espectadores de cine. Es el destino trágico de Jean-Daniel Pollet" 

Méditerranée es una película experimental francesa de 1963 que bajo la dirección de Jean-Daniel Pollet . Dicha película cuenta con dos pesos pesados del cine : la asistencia de Volker Schlöndorff y la producción de Barbet Schroeder por medio de Les Films du Losange. Fue escrito por Philippe Sollers , siendo Jackie Raynal responsable de la post-sincronización y el montaje de sonido del film y la música de Antione Duhamel . Los comentarios son de Philippe Sollers. 

La película de 45 minutos es citada como una de las películas más influyentes de Pollet, que de acuerdo con Jonathan Rosenbaum pudo influir en la obra Desprecio de Jean-Luc Goddard. 

Jackie Raynal escribió sobre ella diciendo que "Jean-Daniel trabajó intensamente, muy ensimismado, en el proceso de montaje durante muchísimo tiempo”. “Le llevó meses, incluso algo más de un año, montar un material que había rodado relativamente rápido. Y luego la post-sincronización del sonido. Así que estuvimos mucho tiempo trabajando juntos en aquella sala de montaje mediterránea. Horas y horas de visionados, construyendo el film, creando su murmullo.” 

La filmación contiene imágenes del Mediterráneo, pero a través de una alambrada, imágenes de la gran pirámide de Kheofs, una momia, una imagen de un dios egipcio, algunos espacios grecoromanos como el templo de Hera en Paestum , así como unas ruinas arqueológicas que no he conseguido identificar, una jardín siciliano con naranjos y al fondo una gran casa, el mar, un viejo pescador con aspecto de musulmán, escenas de corridas de toros con el Cordobés de maestro, una niña en una mesa de operaciones, así como una celebración festiva y una imagen que se centra en una chica adolescente que sonríe. 

Imágenes aparentemente caóticas que nos remiten a un espacio común e identificable, nada extraño para nuestra cultura. Pollet parece apostar por las sensaciones visuales a los que suma el texto de Sollers. 

Santiago Rubín de Celis dice que Pollet fue un cineasta sin red, de “todo o nada”, con una virtud por encima de todas las otras: su tenacidad.

Y añade "El cine de Pollet, como el de Chris Marker -infatigables viajeros ambos; acechadores del instante; creadores de precursores, como escribiera Borges de Kafka-, no puede imaginarse sin Vertov (que, de Franju a Godard, con y sin su acólito Gorin, ha influido tanto en el cine francés de después de la guerra como el cine clásico norteamericano) y sus meditaciones bajo la forma de ensayos audiovisuales, ese “cine-verdad” surgido a través de una noción radical del montaje cinematográfico (“fragmentos de energía real que, mediante el arte del montaje, se van acumulando hasta formar un todo global”). Tampoco sin la revitalización del cine francés que supuso la nouvelle vague y aledaños".  

Sobre esta película añade de Celis " Con Méditerranée, Pollet se acerca a determinadas búsquedas de lenguaje asociadas a la forma del cine-ensayo. A Resnais y Marker, sobre todo, a los que además le une un tema: el de la memoria, y una concepción de ésta como motor estructural del relato, organizado a partir de libres asociaciones mentales y reminiscencias. El cineasta obra el milagro de convertir una sucesión desordenada de fragmentos, prescindiendo de cualquier función narrativa del comentario, en un itinerario poético de fracciones de ida y vuelta. " 

Y acaba diciendo de la película que " Pollet organizó su película a partir de una serie de motivos, de núcleos, que aparecen y desaparecen una y otra vez. Tanto en las imágenes como en el comentario de Philippe Sollers, escrito específicamente a partir de ellas, estructurándolo, por muy tenue que sea este orden. " 

Para Octavi Marti "(...) con Mediterranée -un ensayo resultado de una filmación errática prolongada durante más de tres años (1963-1967) proyectada en las filmotecas de medio mundo- con la película que Pollet se transformó en un cineasta de cinéfilos. El texto, es decir, la voz en off, escrita por el entonces Papa de la revista Tel Quel, Philippe Sollers, contribuyó a la intelectualización y a la vez marginalización maléfica del director. " 

Con todo se ha incluido esta ensayo cinematográfico dentro de la obra de Steven Schneider que lleva por título "1001 películas que tienes que ver antes de morir".


El primero ha sido una ribera izquierda del sena , ampliable al Mediterr´neo, la segunda, lo es al Indo. Y si Pollet no estaba adscrito a la ribera izquierda, pero pudo sentirse próximo a ella, el segundo protagonista de esta entrada, Kaul, está vinculado a lo que se conoce como cine paralelo indio, un movimiento cinematográfico indio surgido en el estado de Bengala Occidental en la década de 1950 como una alternativa al cine indio comercial convencional , representado especialmente por el cine popular hindi, conocido hoy en día como Bollywood. 

Este movimiento estuvo inspirado en el neorrealismo italiano y comenzó justo antes que la nouvelle vague o la orilla izquierda. fue un precursor de la New Wave india de los años sesenta. El movimiento fue liderado inicialmente por el cine bengalí y cineastas como Satyajit Ray y su The Apu Trilogy que desarrolló entre 1955 y 1959 , así como cineastas como Mrinal Sen , Ritwik Ghatak , Tapan Sinha y algunos más. 

Más tarde ganó prominencia en otras industrias cinematográficas de la India y Bangladesh . Es conocido por su contenido serio, realismo y naturalismo, elementos simbólicos con una aguda vista sobre el clima sociopolítico de la época, y por el rechazo de las rutinas insertadas de danza y canción que son típicas de las películas indias tradicionales. 

En la década de 1960, el gobierno de la India comenzó a financiar películas de arte independientes basadas en temas de la India. Muchos de los directores eran graduados del Instituto de Cine y Televisión de la India (FTII), en Pune . 

El director de cine bengalí Ritwik Ghatak que fue profesor en el instituto y director se lanzó a este tipo de proyectos, pero , a diferencia de Ray, Ghatak no ganó fama internacional durante su vida y eso que fue autor de Nagatik (1952) fue quizás el primer ejemplo de una película de arte bengalí, que precedió a Pather Panchali de Ray por tres años, pero no se estrenó hasta después de su muerte en 1977 o Ajantrik ( 1958) fue también una de las primeras películas en retratar un objeto inanimado, en este caso un automóvil. 

Alumno de Ghatak fue el rajasthaní Rabindranath o Mani Kaul, sobrino del actor y director Mahesh Kaul, que se graduó en el Instituto de Cine y Televisión de la India (FTII) donde fue alumno de Ritwik Ghatak y más tarde se convirtió en profesor. Comenzó su carrera con Uski Roti (1969), que ganó el Premio Filmfare Critics a la Mejor Película , ganó cuatro de ellos en total. Ganó el Premio Nacional de Cine a la Mejor Dirección en 1974 por Duvidha , su tercera película y primera en color sobre una adaptación de un cuento popular de Rajasthan que copió visualmente el estilo de pintura en miniatura de Rajasthani, y más tarde el Premio Nacional de Cine por su película documental sobre un conocido cantante hindú, Siddheshwari en 1989. Kaul fue uno de los co-fundadores de la Cooperativa de Cine Yukt (Unión de Técnicos de Cinematografía) en 1976, lo que llevó a películas de vanguardia. 

Los críticos opinaron que "la concepción cinematográfica de Mani Kaul, la ficción y las películas documentales no tienen una línea divisoria claramente demarcada". Mani Kaul murió en 2011 en su casa en Gurgaon , cerca de Delhi, después de una prolongada batalla contra el cáncer, no sin antes haber sido miembro del jurado del 21º Festival Internacional de Cine de Berlín (1971) o profesor visitante en la Universidad de Harvard durante el año escolar 2000–2001 . En su último año, cuando luchaba contra una enfermedad, tuvo la oportunidad de dirigir una película sobre la visita del director italiano Roberto Rossellini a la India en la década de 1950. El guión debía basarse en el libro de Dileep Padgaonkar, Under Her Spell, pero Kaul estaba demasiado enfermo para comenzar el rodaje. Sobre como vivía al margen de la idea comercial de muchos cineastas paisanos se cuenta la siguiente anécdota de un famoso director de Bollywood que una vez lo conoció y dijo después: "Simplemente no sabía de qué hablarle".

El grupo de documentales de Kaul, muy diferentes a los editados por la Corporación Financiera de Cine (FFC) con voces en off, a menudo en inglés, eran tan distintivos como característicos. El más conocido es probablemente Dhrupad (1982), en el que examina una de las formas más puras de la música clásica india. La película argumenta que tanto el lenguaje popular como el clásico se derivaron, a lo largo de unos 2,000 años, de la música tribal y la celebración de la naturaleza y los ciclos de la vida. En la última toma, que se extiende por unos seis minutos, la cámara recorre elocuentemente el horizonte de Mumbai, observando los barrios marginales y los rascacielos, acompañados de la forma Dhrupad, para dar forma y significado a la existencia caótica de la ciudad en expansión. 

De 1989 es su documental Before My Eyes , un documental que se dedica a mostrar imágenes y sonidos del Valle de Kashmir o Cachemira. En el documental no existe voz en off, ni aparentemente orden ni representación actoral, nada más alejado de la realidad. Todo está desarrollado con sumo cuidado y los niños que aparecen, los imágenes de la noche, el paso de la barca por la ventana todo está meticulosamente programado y trabajado. 

Financiado por el Ministerio de Turismo de ese importante estado del norte del país, el mismo carece de voz en off y se compone únicamente de imágenes y sonidos procedentes de un cello y de instrumentos tradicionales del país. 

Como , al parecer, en otras películas documentales de Mani Kaul intenta crear una construcción sensorial mirando el espacio. Sus películas por lo general tratan de crear una estética que responden al de un Haiku o poema visual con formas de poesía y la estética de la sugestión que este caso viene a través de una impresionante fotografía y una música muy sugerente. Y eso desde la primera escena formada por la imagen del agua del lago Dal y su respuesta a la fuerza alada de un helicóptero cercano no perceptible. 

Las imágenes tomadas por el helicóptero o globo aerostático, tanto del agua, como de los campos de arroz que se extienden por las laderas , como la superficie abrupta de una montaña nevada se ve acompañada por el sonido del Raga Shree y su esquema melódico de una composición en la que está presente la improvisación al que se une el tambor pakhwaj o indio con patrones rítmicos característicos propio de la música del norte de la India al que se suma el cello de la interprete estadounidense Nancy Lesh a la que vemos en una habitación junto a un río y en la que vemos luminosidades surgidas del juego de las telas y las ventanas. 

Creación artificiosa de una noche en la que se pasea a caballo o en la que vemos como la sombra del helicóptero desciende por un glacial. 

Una sesión compleja, curiosa, diferente que no indiferente, para descubrir otros tipos de cine, el ensayo poético y lo realizado en lares tan cercanos como alejados. Ha merecido la pena, ha sido complicado, pero el aprendizaje extenso.


martes, 29 de enero de 2019

Michelangelo frente a Michelangelo


Hoy he visto, más que leído,  un testamento. Se trata de un testamento artístico y visual. En el mismo un director nonagenario se despedía de un colega artista que murió varios siglos antes. La despedida entre uno y otro ha sido por medio de una lucha de miradas y se concretó en un cortometraje de unos 17 minutos titulado Lo sguardo di Michelangelo, (2004) o La mirada de Michelangelo , aunque en inglés se presento como Michelangelo , eye to eye. 

La película fue la última dirigida por Michelangelo Antonioni, asistida por Enrica Antonioni y con el mismo director en una producción en la que están el Istituto Luce y Lottomatica - y la Warner Independent Pictures (WIP) en la distribución- , así como la fotografía de Maurizio Dell'Orco siendo ayudado por Marco Adesso y el soberbio montaje de Roberto Missiroli y la asistencia en el mismo de Giuliana Sarli. 

Para el documental contó como consultores históricos a Antonio Forcellino y Raffaele Viola y Christoph L. Frommel como consultor científico. Y presenta como música las voces polifónicas del "Magnificat IV" de Giovanni Pierluigi da Palestrina, exquisito compositor renacentista. 

La historia comienza con la entrada del director en la Chiesa de San Pietro in Vincoli, en el Monte Esquilino, y , lo hace entre luces y sombras mientras las pisadas sólidas del veterano director resuenan por el templo en lo que será un duelo entre el hombre y la composición escultórica que Michelangelo realizó para el Papa Giulio II y que realmente nunca terminó.

Es cierto que no lo hizo, pero no es menos cierto que el veterano escultor se enfrenta a este mármol que representa a un líder religioso en su senectud, para dejarnos su obra más realista. Era lo que iba a ser una estructura colosal que debía dar a Miguel Ángel el suficiente espacio para sus seres superhumanos y trágicos, que, en principio, presentaría de tres niveles y aproximadamente unas 40 estatuas.

En el centro del mausoleo estaría ocupado por una inmensa figura diseñada para ser vista desde abajo. Es el líder que ha guiado al pueblo de Israel sacándolo de Egipto y recorriendo el Sinaí. Se presenta sendente, con las Tablas de la Ley debajo del brazo, mientras que con la otra mano acaricia los rizos de su barba.

Miguel Ángel utilizó para la figura con la cabeza vuelta, concentrando una expresión de ira que se refleja también en la poderosa constitución tensión que transmite la estatua y en su mirada. Es por eso que estamos ante un duelo de miradas, a través de los ojos del mundo judeocristiano y ante la mirada de un humanista, como Miguel Ángel, del cine.

Es una representación neoplatónica, la parte derecha está estable, es la parte divina, por donde le viene la inspiración, en contraposición la parte izquierda es la parte por donde le viene el peligro y el mal. Está tenso, viendo como su pueblo ha caído en la idolatría. Como he dicho tiene cuatro elementos neoplatónicos: la tierra, representada en la pierna con los pliegues de la ropa a modo de cueva; el aire cuando respira, se percibe en las aletas de su nariz, que se expanden; el agua representada en sus barbas a modo de cascada; y el fuego representados con esos "cuernos".

La sangre fluye de manera contenida, parece que está a punto de estallar y empezar a gritar, frunce el ceño, su psique se puede captar a través de su gesto y su mirada,podemos ver su pensamiento, es un trabajo psicológico muy estudiado.

En su artículo "El Moisés de Miguel Ángel", Sigmund Freud apuntaba que la mirada del profeta es una conjunción de desprecio, furia y pena al observar la multitud que adora el becerro de oro por eso tiene la cabeza erguida volteada hacia su izquierda y la tensión de la mitad derecha del cuerpo, con las venas y los músculos marcados, se contrapone con el relax de la otra mitad, movimiento que sugiere que Moisés está a punto de incorporarse.

A diferencia de lo que he leído la obra pudiera representar aspectos que son constantes en la filmografía del director italiano, superando lo reconocible, rastreando el misterio de la relación entre el cuerpo, la conciencia que lo observa y la “idea” que lo habita.

El director tras presentarse frente al gigante marmóreo y enfrentado en su mismo silencio lo admira , la toca - que envidia siento- , y sus ojos que no son otra cosa que la cámara va pasando por los más mínimos detalles de la obra. Su mano en primer plano acaricia suavemente los detalles del mármol que el encuadre de la cámara torna abstractos. Vamos , a través de sus manos y con la mirada de la cámara descubriendo las texturas.

El realizador mira el Moisés como dirigió sus películas, reconociendo que el autor -su conciencia y su técnica- es incapaz, que solo atisba el vacío; e incluso ante la perfección de la proporción renacentista .

Antonioni parece insistir en la pregunta por lo que queda oculto, aquello que no se explica con figuras reflejo de un supuesto ideal neoplatónico que explique el mundo. Aquello más allá del autor y de la obra que se manifiesta a través de la sombra y el silencio.

Decía Julio Cabrera en su obra Cine: 100 años de filosofía al referirse al cine del director italiano: «La inmensa mayoría de los filmes tratan acerca de cuestiones “ónticas” (o sea, referidas a los entes): personas que están preocupadas, afligidas o angustiadas por problemas económicos, o porque están siendo injustamente perseguidas (…) Pero existen ciertos filmes (muy pocos) que son, posiblemente, los filmes más filosóficos de todos, en los cuales los protagonistas están preocupados, afligidos o angustiados… por nada en particular y, en cierto sentido, por todo, en general, o simplemente por ser, por estar en el mundo».

Tras verla, tocarla, sentirla desde el silencio profundo y despedirse de ella sale de la Iglesia y así acaba la película , dando la espalda a Michelangelo.  

La película fue presentada en el Festival Internacional de Cine de Valladolid del año 2004 siendo su testamento como    película final de Michelangelo Antonioni, un director que ha estudiado sin par (durante casi 55 años) la incapacidad de las personas para comunicarse entre sí y que ha creado seres que se mueven o se paralizan por la angustia, pero siempre elegantes, melancólicos, e imposibles.

Nos hace reflexionar sobre qué pasa aunque aparentemente no sucede nada. Lleva la sutileza al extremo y lo hace por medio de tomas panorámicas y lentos travellings. Es intersante descubrir que él es su último personaje debilitado por un derrame cerebral y ha sido privado del habla y la mayoría de los movimientos corporales durante casi 20 años, y  una estatuas "inanimadas"  de Michelangelo Buonarroti.

Atrás quedaba su primer filme “Gente del Po” (1943), que retrataba la difícil realidad de la clase obrera italiana. o “El grito” (1957) plantea la vida de un proletario que abandonado por su mujer emprende un viaje hacia el norte de Italia. Ambas son propias del neorrealismo imperante de esa época.

Sin embargo en “El grito” demuestra que muchas veces los problemas de las clases bajas no se hallan sólo en lo económico, sino también en lo emocional.

El director  eligió mostrar otro tipo de miserias que no habitan en lo material sino en lo humano: La incomunicación, la angustia.

Sus personajes suelen tenerlo todo y sin embargo algo los aqueja. Parejas que no se entienden (La Noche, El eclipse, etc.), circunstancias poco claras (La aventura, Blow up, El Reportero), o realidades demasiado injustas para ser aceptadas como tal (Zabriskie Point, 1970). De hecho, por estudiar las clases altas, se lo considera una “segunda fase” del neorrealismo en donde profundiza el aspecto psicológico de los personajes, más que las condiciones materiales o físicas.

En su tetralogía de la incomunicación (La noche, La aventura, El eclipse y El desierto rojo) pone en manifiesto la alienación que vive el hombre de la modernidad, la cual termina por interferir en las relaciones más íntimas; aislando cada vez más al sujeto incomprendido.

En la película está la cámara mirando, panoramizando o rastreando incesantemente cada detalle de las impresionantes estatuas hasta que opta `por llevar su mano  para acariciarla sintiendo la naturaleza táctil del arte del escultor.

Es su testamento y su despedida de sus  admiradores , es un canto del cisne  conmovedora sobre todo si sabemos que Antonioni murió tres años después de la realización de este corto, seguido por el segmento de "Eros" (también de 2004) que constituye el punto final de su carrera cinematográfica, su despedida, llena de luces y sombras, pero vence la luz.


lunes, 28 de enero de 2019

El viajante


No hace mucho se presentó - me enteré por el programa Días de cine-   la nueva película del iraní Asghar Farhadi. Se había rodado en España y en español y detrás de ella estaban el productor Alexandre Mallet-Guy, de Memento Films, que se encarga de la película junto a El Deseo, la productora de los hermanos Almodóvar. Los protagonistas de la misma eran la pareja formada por Penélope Cruz y Javier Bardem al que se único Ricardo Darín. 

Por parte de El Deseo, Agustín Almodóvar contaba en alguna entrevista que conocieron a Farhadi en Los Ángeles, durante la campaña de promoción de La piel que habito, los españoles, y Nader y Simin, una separación, el otro. "Su cine y el de Pedro tienen que ver con las relaciones personales y de familia", cuenta el productor. "Y así nació una cercanía que nos llevó a la posibilidad de trabajar juntos". 

Más tarde el iraní se pasó por el rodaje de Julieta. El director estaba en España en junio de 2017 para el rodaje de la que sería su película Todos lo saben, película que vi presentada en "Días de Cine" tras su estreno en 2018 . Estaba localizando y empapándose del ambiente del rodaje en España en nuestro particular mezzogiorno y en nuestro amable otoño de 2017 en la localidad madrileña de Torrelaguna. 

Declaró el iraní que "Este drama hablará, como mis películas, de personas y sus sentimientos". Para Farhadi era su segunda película en el extranjero, tras El pasado, que rodó en Francia y que supuso para Bérénice Bejo el premio a la mejor interpretación femenina en Cannes en 2013. 

Carlos Boyero en El País dijo de él "Desgraciadamente, el nombre del director iraní Asghar Farhadi le puede sonar al gran público no en función de las historias que ha contado su cine, sino por el salvaje veto de Trump, interrumpido en nombre de la sensatez por los jueces, a que los ciudadanos de siete países musulmanes pisen Estados Unidos. El viajante, (...) de Farhadi, estaba nominada para el Oscar a la mejor película de habla extranjera, pero paradójica, artera y enloquecidamente, no le permitirían recoger el premio a su creador en el caso de que lo lograra. El viajante ganó, pero el consecuente mosqueo de su director le aconsejó no estar presente en el lugar donde antes le prohibían estar. "

Comentaba el crítico que esta obra por la que fue galardonado con el Oscar no tenía la frescura de obras anteriores. la complejidad que desprendía la obra maestra de Asghar Farhadi "Nader y Simin , una separación", una película asfixiante y dura en la que todos sus desdichados personajes poseen razones para sus actos. Nada es lo que inicialmente parece en la tortuosa historia de un matrimonio que se está separando, su hija adolescente, el padre de él, enfermo de alzhéimer, la asistenta embarazada que debe cuidarle y su implacable marido. Farhadi hablaba con lenguaje poderoso de las luces y las tinieblas de algo llamado humanidad, contagiando al espectador el desasosiego, la ira, la confusión y los anhelos de los acorralados personajes. 

Tras el éxito internacional de El viajante, a continuación, Farhadi se trasladó a París para rodar El pasado, pero las señas de identidad de su mundo permanecen inequívocas. Los asuntos del corazón, el reencuentro de las antiguas parejas, siguen sangrando, les rodea la oscuridad, los enigmas acabarán en derrumbe emocional. 

Pero la que yo he visto esta Forushande (The Salesman) o como se llamó en España, El viajante, siendo Eel séptimo largometraje de Asghar Farhadi. La película que catapultó internacionalmente a Asghar Farhadi y que sería un guión suyo. Era una producción iraní en las que estaba involucrados Alexandre Mallet-Guy y el mismo Asghar Farhadi para la productora estatal iraní Filmiran, la Farhadi Film Production y la francesa Memento Films , también responsable de la distribución junto con Arte France Cinéma.

Una película contaba con la música de Sattar Oraki , la fotografía de Hossein Jafarian y el montaje de Hayedeh Safiyari

El reparto lo asumen Shahab Hosseini como Emad, Taraneh Alidoosti como Rana a los que se suman Babak Karimi como Babak, Farid Sajadhosseini como El hombre, Mina Sadati como Sanam, Maral Bani Adam como Kati, Mehdi Koushki como Siavash, Emad Emami como Ali, Shirin Aghakashi como Esmat, Mojtaba Pirzadeh como Majid, Sahra Asadollahi como Mojgan, Ehteram Boroumand como la señora Shahnazari y Sam Valipour como Sadra.

La película se inicia con la situación crítica que supone sufrir un movimiento que agrieta el edificio en el que vive una pareja integrada por Emad ( Shahab Hosseini), profesor de lengua y Literatura en un instituto,  y Rana (Taraneh Alidoosti ),   actriz, que junto a su marido se dedican a la interpretación teatral y que tras el mismo y el daño en la infraestructura que sufre,  deben dejar su piso en el centro de Teherán,  y todo a causa de los trabajos que se están efectuando en el espacio colindante y que amenazan con derribar  el edificio.

Ante la situación han de buscar  instalarse en otro lugar y un amigo de ambos, el atrezzista, - o uno de los actores,- de nombre Babak ( Babak Karimi) , les ayuda a encontrar vivienda en otra urbanización.

La vivienda en propia de la clase media en un barrio normalizado de la ciudad. Tras eso, y entre ensayo y ensayo de una obra que están a punto de estrenar " La muerte de un viajante " del dramaturgo norteamericano Arthur Miller, Emad interpretando Willy Loman y Rana interpretando a Linda,  realizan el traslado abandonando numerosas pertenencias...

Emad como profesor del instituto habla y discuto con ellos por su falta de seriedad y les explica que está ensayando la obra de Arthur Miller y los jóvenes bromean acerca de que  es para ellos un "vendedor" o "un viajante".

Pero a los pocos días de instalarse Rana vive un extraño incidente relacionado con el anterior inquilino cambiará dramáticamente la vida de la joven pareja y las relaciones entre Emad y Rana



Lo cierto es que esa tarde, mientras Rana está sola en casa y comienza a bañarse ocurre algo. Vemos cuando llega  Emad que descubre que su mujer falta y el baño está cubierto de sangre.

Enad se apresura al hospital, donde sus vecinos le informan sobre el estado de su esposa y le dicen que cambie las cerraduras del departamento. En ese momento dejan entrever que lo que le ha pasado a Rana no ha  sido un accidente, sino que  ha sido atacada por un intruso.

Emad también se entera por unos de los  vecinos de que el inquilino anterior era una prostituta, que tenía conflictos con algunos de sus clientes y que uno de ellos era un señor de mediana edad.

Cuando  Rana regresa a casa, no lo hace con normalidad pues sufre un trauma y es reacia a ir a la policía. Ella no se baña, por temor a ir al baño  nuevamente, y, a pesar de que sigue en su labor de actriz, lo cierto es que ,  en medio de una actuación, rompe a llorar y abandona el escenario.

Aunque una depresiva Rana no recuerda el rostro de su atacante, Emad descubre que el culpable dejó las llaves de su auto, que tras indagar coincide con una camioneta estacionada afuera. El atacante también dejó un teléfono móvil y dinero con el que Rana compró comestibles, creyendo que Emad se lo había dejado.

Emad culpa cada vez más a Babak por ocultar la verdad sobre el ex inquilino, en un momento llamando a su personaje, el de  Charley , "degenerado" en medio de una actuación, aunque eso no está en el guión de Miller.

Finalmente, Emad recurre a uno de sus alumnos, cuyo padre solía trabajar en la Policía de Tránsito iraní. Gracias a él es capaz de rastrear el camión a un chico joven que trabaja en una panadería llamado Majid (Mojtaba Pirzadeh). Enad se entera que Majid está a punto de casarse con una chica, hija de un matrimonio formado por un hombre de Edad y su madre.

Ante las circunstancias Emad consulta al futuro suegro de Majid, sobre la titularidad del camión y sobre las intenciones del chico y este le dice que el camión es compartido ya que él es viajante.

Poco a poco mientras se entrevistan Emad va concluyendo que fue el hombre mayor era él mismo que el intruso, aunque niega haber atacado a Rana, lo que implica que simplemente la sobresaltó.

Emad, para darle un escarmiento, decide  llamar a la familia del anciano al apartamento y lo encierra en una pequeña habitación para esperar sin decirle nada a Rana  con la intención de revelar su verdadero carácter a todos, especialmente a la mujer.

Pero cuando abre la habitación, el viejo parece estar teniendo problemas cardíacos y Emad llama a Rana presa del pánico. Cuando Rana descubre lo que Emad pretende, ella dice que terminará entre ellos si persiste su venganza.

Cuando llega la familia, encabezada por una señora entreda en años y en kilos con la que lleva casado varias décadas el señor , así como su hija y el novio de esta, ellos creen que han sido llamados a una emergencia médica, por lo que agradecen  a Emad por salvar su vida.

Justo antes de irse, Emad insiste en arreglar su cuenta con el anciano en privado, devolviendo el dinero que había dejado después del asalto de Rana.

Sin ser visto por la familia, Emad le da una bofetada al anciano, que luego se desploma cuando se va con su familia, y llaman a una ambulancia. Rana y Emad regresan juntos al teatro, que parece repetir la historia que han vivida y que, posiblemente , acabe con la relación entre la pareja. .

La película se rodó en la capital iraní, en Teherán. Señalar que Farhadi quedó tan impresionado con este proyecto que decidió detener su proyecto en curso en España con Penélope Cruz y la producción de los Almodóvar y regresar a Irán para filmar esta película en su país de origen.

Durante la producción inicial, Farhadi publicó un anuncio en las redes sociales pidiéndole a las personas que enviaran audiciones cortas en video de sí mismas. Al principio, la película se llamaría Berasad bedast-e ahoo (Delievered to Ahoo), pero luego, en medio de la filmación, el nombre cambió a The Salesman. Miles de iraníes participaron en esta convocatoria de audiciones con la esperanza de aparecer en la última película de Farhadi. Pero en lo básico el director tiró de tiró de sus habituales, siendo la cuarta colaboración de Asghar Farhadi con Taraneh Alidoosti y la tercera con Shahab Hosseini.

El rodaje se detuvo una semana debido a la repentina muerte del grabador de sonido Yadollah Najafi.

Fue incluida en la sección a competir  del Festival de Cannes 2016. En Cannes, Shahab Hosseini ganó el premio a Mejor Actor y Asghar Farhadi ganó el premio al Mejor Guion.

En septiembre de 2016, la película fue seleccionada como representante de Irán para competir por el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en los 89.° Premios Óscar, y en diciembre de 2016 quedó en la lista de nueve películas que fueron consideradas para nominación en dicha categoría, y en enero de 2017 quedó en la lista definitiva de cinco nominados de la categoría, siendo en febrero de 2017 la que ganó el premio a Mejor Película de Lengua Extranjera. Era el segundo galardón para Farhadi (el primero fue por el film de 2011 Yodaí-e Nader az Simín) y era la cuarta de las películas de este director que llegaba a la competencia por los Oscars. Las anteriores fueron A propósito de Elly (2009), Nader y Simin, una separación (2011) y El pasado (2013). De todas maneras le supera Majid Majidi con 5 películas

Sin embargo, el director no asistió a la entrega de los  Oscar y en su lugar fue una mujer, Anousheh Ansari, la primera mujer astronauta iraní , que en nombre del director, que mostraba así su descontento con la Presidencia de Trump y su política contra la presencia de musulmanes en suelo americano, leyó su declaración preparada durante el discurso de aceptación: "Lo siento, no estoy con ustedes esta noche. Mi ausencia es por respeto a la gente de mi país y a las de las otras seis naciones". quienes no han sido respetados por la ley inhumana que prohíbe la entrada de inmigrantes a los EE. UU. Dividir el mundo en las categorías de nosotros y enemigos crea miedo, una justificación engañosa para la agresión y la guerra. Estas guerras impiden la democracia y los derechos humanos en los países que han sido víctimas de la agresión. Los cineastas pueden girar sus cámaras para capturar las cualidades humanas compartidas y romper los estereotipos de varias nacionalidades y religiones. Crean empatía. Nosotros y otros - una empatía que necesitamos hoy más que nunca ".

Al ganar su segundo Oscar, Asghar Farhadi se convirtió en el sexto director después de que Bergman, Fellini, De Sica, Kurosawa y René Clement ganaran dos Oscar o más.

Previamente en la gala de los Globos de Oro la película fue nominada a la Mejor película de habla no inglesa

La National Board of Review (NBR) la consideró la mejor película de habla no inglesa. Y la pelíucla recibió múltiples premios y nominaciones más.

En los Critics Choice Awards fue nominada a Mejor película de habla no inglesa . Fue presentada en el Festival Internacional de Valladolid - Seminci: Sección oficial

En los Satellite Awards fue señalada como la mejor película de habla no inglesa y en los Premios BAFTA fue la nominada a Mejor película en habla no inglesa.

Consiguió el Premios Guldbagge de Suecia al mejor film extranjero y en el Festival Internacional de Cine de Chicago consiguió el Premio Especial del Jurado Silver Hugo para Asghar Farhadi. Los críticos y sus asociaciones también pensaron en ella consiguiendo el Premio de la Crítica Cinematográfica a la Mejor Película en Lengua Extranjera; el de la Asociación de Críticos de Cine de Dallas–Fort Worth , el del Círculo de Críticos de Cine de Florida a la Mejor Película en Lengua Extranjera ; el del Festival de Cine de Mumbái donde fue Premio de la Audiencia.

El Festival de Cine de Múnich le dio el título de Mejor Película Internacional , y el de Extranjera lo fue en la Junta Nacional de Crítica M, también lo tuvo por parte del Círculo de Críticos de Cine de San Francisco , la Sociedad de Críticos de Cine Online , en el Festival Internacional de Cine de Vancouver , la Asociación de Críticos de Cine del Área de Washington D.C.; la Asociación de Críticos de Cine de Denver , etc...

La película rompió el récord de taquilla del fin de semana de apertura en Irán en agosto de 2016 batiendo todos los récords y convertirse en la tercera película de mayor recaudación en la historia de la taquilla local de Irán.

Señalar que miles de personas asistieron a una proyección de The Salesman en Trafalgar Square antes de la ceremonia de los Oscar el 26 de febrero. La proyección de la película fue programada por el alcalde de Londres, Sadiq Khan, y también con el apoyo de la actriz Keira Knightley para apoyar a Asghar Farhadi, quien había anunciado que boicotearía la ceremonia a raíz de la prohibición de viaje de Trump.

Por parte de la crítica destacar las buenas críticas generalizadas comenzando por  Owen Gleiberman que escribió en Variety que "La nueva película de Asghar Farhadi, el magistral director iraní de [Yodaí-e Nader az Simín]] y The Past, es otra gema finamente tallada del suspense neorrealista." Y añadió  Gleiberman que  "(...) 'The Salesman' es incluso más modesta, minimalista y contenida que las anteriores películas de Farhadi"

Deborah Young en The Hollywood Reporter resumió la película como "Particularmente magistral al final, pero no tan cautivadora." y añade que "Carece de la asombrosa complejidad social de (...) 'Nader y Simin, una separación'; aquí los engranajes no están tan ocultos y una sensación de drama forzado conduce a algunos momentos tediosos. Pero todo se perdona cuando llega el golpe final"

Ben Croll The Wrap dijo sobre ella que "Lo nuevo de Farhadi es bueno, pero no grande (...) 'The Salesman' muestra al director regresando a muchos temas e ideas que exploró en anteriores películas"

Por su parte, Dana Stevens , en la revista progresista y de arte Slate afirma que "Las dos historias se entrecruzan sin interrupciones y sutilmente, los problemas de la vida cotidiana de la pareja no se repiten tanto como se refractan las experiencias de sus homólogos de ficción."

Peter Travers , el clásico columnista de Rolling Stone señala que "'The Salesman' es un deslumbrante, oscuro, divertido y silenciosamente devastador drama humano de Irán. Estás en las manos de un importante cineasta. (...) "

Anthony Lane en el clásico The New Yorker dice que "Con cada plano, nuestras simpatías parpadean y se inclinan."

Y, por ultimo, A. O. Scott en el diario neoyorkino The New York Times sostenía que "Con exquisita paciencia y atención al detalle, Asghar Farhadi, el escritor y director, construye una trama sólida y llena de suspense sobre incidentes ordinarios, y lo empaqueta con ideas ricas y resonantes."

En el Reino Unido Peter Bradshaw del The Guardian afirmaba que "La pura inteligencia cinematográfica de Farhadi la hace muy digna de verse (...) 'The Salesman' es un drama valioso y bien realizado (...) "

Y un poquito más al oeste, el irlandés Donald Clarke, de The Irish Times establece que "Lo último de Asghar Farhadi trae a otra familia bajo la tensión de un ataque violento."

Ya en  España Luis Martínez en El Mundo afirmaba sobre ella que era " una pieza de una perfección casi humillante, puesto que, precisamente, de eso trata, de la humillación. (...) Farhadi vuelve a recuperar su caligrafía existencial, humana y herida de sus mejores trabajos."

Carlos Boyero en  El País aseveraba que "el tono opresivo, la angustia, el misterio, la sensación de que todo va mal y que acabará mucho peor lograron engancharme. Farhadi describe todo esto de forma sutil, consciente de la complejidad del ser humano (...) Siempre sales tocado en su cine. Y deja poso. Te perturba lo que te ha contado, su lenguaje es de primera clase."

Desde las páginas del ABC  Oti Rodríguez Marchante satisfecho con la película decía  "Lo más sorprendente es que uno sale de verla con el corazón prieto y con la sensación de que si vuelve a verla (...) tendrá otra imagen aún más completa y mejor de esta emocionante historia (...) "

En Cinemanía  Nando Salvá escribía que  "Farhadi vuelve a confirmarse como un orquestador único de situaciones que (...) usando simples diálogos y sutiles gestos llenos de significado, [hacen] que el corazón se nos salga por la boca (...) "

Mientras que  Jordi Costa en Fotogramas "La ósmosis entre representación y vida que une a Douglas Sirk, John Cassavetes, Ingmar Bergman y Pedro Almodóvar encuentra aquí oportuna descendencia (...) "

Por citar en otros lugares del mundo  Diego Batlle en  el bonaerense diario  La Nación comentaba que   "No llega al extraordinario nivel de 'About Elly' y 'La separación', pero es un regreso a la solidez y la inteligencia de Farhadi." Y otro crítico argentino,  Javier Porta Fouz desde el mismo diario comentaba que  "La película de Farhadi es entretenimiento con temas espinosos, y en ese sentido es una muy buena propuesta, ágil, entretenida. Pero como suele suceder con películas de mucho menor prestigio, la pericia y la astucia logran disimular las inconsistencias, pero no eternamente."

Y su desde sus vecinos de enfrente,en Clarín , Pablo O. Scholz, escribía que "Es un filme tenso, que a medida que avance, irá cambiando el sentimiento del espectador ante los personajes. (...) Hay algo que implosiona y que se esparce, recubre la totalidad del filme. Gran película."

Diego Brodersen de Página 12 afirmaba que "El director de 'La separación' vuelve a algunas de las ideas que ya estaban en aquel film, con una pareja de clase media atravesando una crisis, en la que pesa el componente cultural y religioso de la teocracia iraní. Sin embargo, la resolución resulta forzada."

Por su parte, Leonardo D’Espósito de Noticias "Es en parte un estudio de costumbres y, en parte, un film de venganza que se transforma en algo así como un thriller común a reglamento. (...) Funciona, tiene algo de tensión y se nota la fórmula."

Y Diego Lerer en MicropsiaCine.com se trata de un "Drama realista con elementos de suspenso a la manera de sus anteriores películas, con extensos diálogos, confusas situaciones de violencia y diferencias de criterio sobre qué actitudes tomar al respecto."

Para el no capitalino  Roger Koza desde  La Voz del Interior se trataba de uno de "Los cuentos morales de Farhadi son cada vez más eficientes, y por eso también menos interesantes. Es un cine de puras certezas y pocas preguntas. (...)"

Desde México Leonardo García Tsao en La Jornada "Farhadi es un experto en filmar dramas cotidianos en espacios cerrados y nos hace partícipes del dilema de la pareja protagónica, (...) Aunque la película peca de prolongar demasiado sus escenas finales, no disminuye el impacto de su resolución."  Desde las mismas páginas de este diario Carlos Bonfil relataba que  "Es formidable el análisis que hace el realizador del distanciamiento afectivo de la pareja a partir de la agresión sexual y de la difusa identidad del agresor misterioso ."

Por su parte,  Mabel Salinas en Cine Premiere defendía que era   "Una gran historia, llena de capas, complejidades, personajes tridimensionales y humanos –con defectos y virtudes– que dan pie a una cinta extremadamente bien contada. (...)"

Para  Jorge Ayala Blanco desde El Universal lo que el director "Hace que cada nueva situación se despliegue, considere, desmenuce, reenfoque y resuene desde veinte ángulos psicológicos posbergmanianos distintos y diversamente encarnados por cada personaje."

Mientras   Lucero Solórzano en el  Excélsior decía que era "Otra película redonda de Farhadi que, si usted gusta de su cine, no debe perderse." ; y, otra, Solórzano, ahora Fernanda en  Letras Libres nos mostraba que "La cinta tiene méritos para ser premiada, por el modo en que retrata los efectos que una sociedad opresiva tiene sobre las decisiones que las personas toman en su esfera íntima."

Las alabanzas igualmente están presentes en otros diario del cono sur , como los uruguayos Guilherme de Alencar Pinto o Gustavo Iribarne, en Chile Ernesto Garrat de El Mercurio  y Ascanio Cavallo  , Héctor Soto en La Tercera  al igual que Rodrigo González ; o en Colombia Samuel Castro y  Oswaldo Osorio en  El Colombiano o Mauricio Laurens en  El Tiempo.

Por mi parte decir que la película que no había visto, me ha gustado. Es cierto que yo el cine iraní que seguí fue el de Abbás Kiarostamí , un director más asentado en Europa que Farhadi, mucho más enraizado en su país, aunque haya estrenado el pasado Asghar una película rodada, producida y en España con actores que hablan en castellano.

A Kiarostamí debo agredecerle el camino que abrió , en mi modestísimo entender que es bien poco, al cine iraní a principios de los noventa con "A través de los olivos" y del que he visto, últimamente , una de sus obras, Copie conforme o Copia certificada.

Me gusta con respecto a la idea de presentar la historia paralela entre el mundo de la representación , la del teatro por medio de "La muerte de un viajante"  y la realidad a través de la crisis de la pareja que culmina con la muerte real de otro viajante, el señor.

Me ha interesado como se puede presentar desde esta zona del "Cine Indie" - ese ha sido el espacio en el que he visto la película-  ese juego entre realismo y el espejo que finalmente desembocan en este thriller atípico que concluye en un triste final de un caso abierto que pone en barrena una relación.

Gustarme y mucho el trabajo de esos para mi desconocidos , pero también premiados actores y actrices de ese país, el desarrollo original del guión, los dilemas morales que tienen también tanto Emad como Rana.

Para terminar, una película con crítica social , incluso a las autoridades , censores de por medio, a la especulación inmobiliario, a las malas construcciones, al déficit de vivienda, en este drama   lleno de  frescura en opinión de este simple ignorante al que le gusta ver a diario una película sea de donde sea.