Sinister 2

Visto Sinister, ya sabes de qué va Sinister 2. Lo mismo pero con dos hermanos, uno bueno y otro malo. Dos gemelos, un poco en la línea de El otro de Robert Mullingan, aunque con más corporeidad. 

Película de sustos dadas las apariciones inesperadas y por la presencia siempre inquietante de niños. Em ese sentido recuerdo a Chico Ibáñez Serrador y la defensa de la idea de que un niño es más aterrador que un adulto. 

Sinister 2 es una película de terror estadounidense de 2015 protagonizada por James Ransone y Shannyn Sossamon, dirigida por Ciaran Foy y escrita por Scott Derrickson y C. Robert Cargill. 

Se presenta como una secuela de la película británica del 2012, Sinister, que tuvo como protagonista a Ethan Hawke, aunque ahora en manos de Ciaran Foy, un director de cine y guionista irlandés que en el 2006, dirigió un galardonado cortometraje The Faeries of Blackheath Woods basado en su propio guión y que en 2012, saltó a la gran pantalla cuando Foy escribió y dirigió su debut cinematográfico, Ciudadela, un filme de terror psicológico , protagonizada por Aneurin Barnard. La película se estrenó en el festival South by Southwest el 11 de marzo de 2012 y ganó varios premios. 

Esto colocó en buena posición a Foy para dirigir la continuación de Sinister, la 2, para Blumhouse Productions , ya que detrás aparecían Jason Blum, Scott Derrickson y Brian Kavanaugh-Jones. La distribución quedó en manos de Focus Features, Estudio eOne Entertainment, Automatik Entertainment y Blumhouse Productions. 

En este caso la película fue escrita por uno de los productores Scott Derrickson junto a C. Robert Cargill. Fue precisamente Derrickson quien señaló a Foy por su trabajo de direcció tras ver Citadel . 

El pasado año, en 2019, estrenó Foy, Eli, una película de terror estadounidense de 2019, a partir de un guión de David Chirchirillo, Ian Goldberg y Richard Naing. Está protagonizada por Kelly Reilly, Sadie Sink, Lili Taylor, Max Martini y Charlie Shotwell. 

Para esta película , la que nos ha traido hasta aquí, contó con la música asonante de Tomandandy, la fotografía de Amy Vincent y el montaje de Ken Blackwell.

En cuanto al elenco el director irlandés contó con James Ransone como So & So, Robert Sloan como Dylan, Dartanian Sloan como Zach, Shannyn Sossamon como Courtney y Jaden Klein como Ted. Junto a ellos aparecen Lucas Jade Zumann como Milo, Laila Haley como Emma, Olivia Rainey como Catherine, Caden M. Fritz como Peter, Claudio Encarnación como Alex, Lea Coco como Clint y Nick King como Bughuul o Sr. Boogie.

La historia se ubica un año después de la muerte de Ellison Oswalt ( Ethan Hawke) y su familia a manos de su pequeña hija Ashley Oswalt ( Clare Foley) quien descuartizó a su familia siguiendo las órdenes del demonio Bughuul. 

En este nuevo filme nos encontramos con otra familia, en este caso una familia con problemas, con un padre violento lo que ha provocado que la madre haya optado por separarse. La madre ha huído  junto a sus dos hijos gemelos, y se han instalado en una pequeña granja, evitando así  al maltratador padre de estos, porque la madre está tratando de conseguir el divorcio debido al abuso que sufrían ella y sus hijos a manos del hombre. 

Al lugar llega un exagente So & So ( James Ransone) , quien tiene breves apariciones en la primera película), quien previamente se confiensa ante un cura. A pesar de no tener fe alguna, le cuenta como investiga por su propia cuenta casos y sucesos relacionados con el mal, en abstracto, y que han derivado en brutales y misteriosos asesinatos similares al que investigó Ellison Oswalt. 

Cuando el exagente So & So , ahora detective privado, que sabe de la muerte de la familia Oswalt y de las investigaciones de Ellison, trata de descifrar y armar el rompecabezas de como sucedieron aquellos asesinatos, casualmente da con Courtney ( Shannyn Sossamon) y sus dos hijos Dylan y Zach ( Robert y Dartanian Sloan) al haberse instalado en una granja de una amiga de Courtney cercana a una iglesia abandona.

Conocemos a Courtney en un centro comercial y se siente vigilada por hombres y mujeres contratados por su ex Clint (Lea Coco). 

Desde que allí se instalaron uno de los hijos , Dylan, tiene pesadillas que le hacen ver a otros niños fallecidos. El que más se aparece es Milo (Lucas Jade Zumann) que le enseña unas películas que él y sus amigos habían grabado para Bughuul.

Milo le enseñaba a Dylan una película cada noche dándole a entender que así debe ser  como él deber  grabar su propia película para evitar que el mal de Bughuuel actúe contra él, su familia y los otros niños y niñas aparecedos/as que se presenta como sus amigos y protectores.

 Tras instalarse y huir de un supermercado al lugar llega So & So  con intenciones de quemar la iglesia y la casa, pero se encuentra con Zack y con su hermano, dándose cuenta de que la casa no está deshabitada como él creía.

Ante esto decide hablar con Courtney que se siente atraída y segura con el detectiva, más aún cuando ella aprecie como ante la llegada de un policía federal que acompaña a su marido se enfrenta a ambos. Desde ese momento decide que debe ayudar a la mujer y los hijos frente al padre.

Con todo como sigue interesado en su investigación decide revisar la iglesia donde se había cometido previamente un homicidio y se da con la sorpresa de encontrarse unas extrañas sombras de unos niños y de Bughuul quienes lo espantan haciéndolo rápidamente abandonar el lugar. 

Entonces él detective viaja hasta una facultad que investiga fenómenos acústicos y desde donde le informan  y escuchan un audio de un niño ¿noruego? diciendo unos números y al último pronunciando el nombre de Bughuul. 

Mientras esto sucede, Zach empieza a tener celos de su hermano porque él también ve a los chicos que se aparecen cada noche y además el quiere grabar la película. Entonces golpea a su hermano pensando que así se ganaría la simpatía de los niños, sin embargo estos se enojan con él e incitan a Dylan a que tome venganza. 

Esa noche los niños debían mostrarle a Dylan la última película, pero éste rechaza a Milo y decide no verla, entonces es perseguido por los niños y por Bughuul por la casa.

Cuando los niños se dan cuenta de que Dylan no va a cambiar de opinión eligen a su hermano como anfitrión de la película dándole la oportunidad de asesinar a toda su familia. Es entonces cuando Clint va en busca de Courtney con una orden judicial que exigía la entrega de sus hijos o abandonar la casa. Ella con tal de no abandonar sus hijos opta por regresar con su abusivo esposo.

El detective vuelve a la granja y se da cuenta que Courtney y los niños no están. Ahora considera que Courtney y los chicos están ante un doble peligro: el marido y Bughuul pues sospecha que  iría tras la familia. El detective intenta llamar a Courtney pero sus llamadas son rechazadas por Clint quien contesta por sms de forma grosera. Aun así después de leer el mensaje, el detective, va al encuentro con Courtney y sus hijos para avisarles del inminente peligro.

Pero cuando llega a la casa de Clint es brutalmente golpeado por éste, quien esta celoso porque piensa que el detective tenía intenciones con su esposa. 

Al día siguiente, llega el gran día de Zach, quien se prepara para hacer su película. Entonces comienza a grabar las primeras escenas en la tarde de almuerzo con su familia y Dylan con miedo le envía un mensaje al detective pidiéndole ayuda.

Es entonces cuando el detective decide ir al rescate pero llega a la casa y no encuentra a nadie. Desde la distancia ve un extraño humo proveniente de la granja. Mientras So&So llega, Zach ya asesinó a su padre colgándolo en una cruz y rociándolo de gasolina para posteriormente quemarlo; lo mismo está dispuesto a hacer con su madre y con su hermano pero el detective llega a tiempo y con su furgoneta golpea a Zach.

Mientras está inconsciente por el golpe el detective aprovecha para bajar de las cruces a Courtney y Dylan. Cuando Zach se recupera  Milo le señala la cámara tirada indicando que debe continuar con la película, entonces Zach agarra una hoz y de un movimiento agrede al detective comenzando luego a perseguir, a su madre y a su hermano por toda la granja hasta llegar a la casa de Clint donde ellos se escabullen. 

Ya en la casa, Milo y los demás totalmente deformados ayudan a Zach a buscar a Courtney y a Dylan por la casa para que pueda asesinarlos personalmente;logran acorralarlos en una sala, pero entonces, llega el detective y con un hierro le propina un golpe a la cámara tan fuerte que la rompe y Zach desesperado va en busca de una nueva cámara para terminar su película, pero no encuentra nada y los niños le reprochan diciéndole que ya no podrán regresar y que ha hecho enojar a Bughuul. Es entonces donde el demonio aparece por detrás y coloca su mano sobre el hombro a Zach, llevándoselo con él al más allá e incendiando todo el lugar. 

Cuando la casa comienza a arder el detective insta a Courtney y Dylan a salir, teniendo que prácticamente arrastrar a Courtney fuera ya que ella no quería dejar a su hijo atrás. 

Han escapado de todo y pasan por el motel para recoger las cosas que dejó allí el detective. Entonces de repente aparece en el escritorio de la habitación la radio en la que éste había escuchado las coordenadas previamente. Esta se enciende sola, por lo que inmediatamente se comienza a escuchar la voz de lo que parece ser un hombre de voz muy grave diciendo "Son los niños... Son los niños", luego se escucha las voces de los niños repitiendo al unísono "Él se lleva a los niños... Él consigue a los niños". 

Tras una breve pausa y la transmisión finaliza con la voz de una niña pequeña diciendo con voz burlona "Detective...". Cuando el detective escucha esto, comienza a acercarse a la radio para investigar y aparece la cara de Bughuul a un lado, la pantalla se torna en negro y la película termina. 

La película se anunció una secuela que se puso en marcha en marzo de 2013, con Scott Derrickson  para escribir el guion junto con C. Robert Cargill, pero no para dirigirla el estaba más centrado en ‘Doctor Extraño’ de Marvel , y eso que Derrickson había dirigido la primera película.

El 17 de abril de 2014, se anunció que Ciaran Foy dirigiría la película, y que Brian Kavanaugh-Jones, Charles Layton, Xavier Marchand y Patrice Théroux serían los productores ejecutivos.

La filmación empezó el 19 de agosto de 2014 en distintos puntos de Illinois como Chicago, Kankakee, Joliet y​ St Anne, Grant Park y en el Chicago Studio City de Taylor Street. La película se estrenó el 21 de agosto de 2015. . La recaudación fue elevada $54 104 225 y eso que manejó un presupuesto de $10,000,000 . El éxito de públicó no se rubricó con una valoración por parte de los críticos.

En Estados   Kyle Anderson de  Entertainment Weekly escribió sobre ella que "[El] gran problema de 'Sinister 2' (y de una gran cantidad de películas de terror producidas por Blum House) es que el final es tremendamente insatisfactorio (...) ¿Que asusta? Claro. (...) Pero 'Sinister 2' no sabe lo que quiere ser, y no añade nada." 

Andy Webster de The New York Times sostuvo que "A pesar del torpe encanto del Sr. Ransone, 'Sinister 2' no puede reclamar la misma delicadeza, sustituyendo la moderación de la original por una trama chabacana y gore más gráfico." 

Katherine Pushkar del New York Daily News comentaba que "Una cosa hay que reconocerle a esos niños asesinos: son creativos (...)" 

En otro diario de la Gran Manzana, Kyle Smith del New York Post afirmaba que era "Funcional aunque redundante secuela (...) en cierto modo es, al mismo tiempo, demasiado dilatada y abrupta, pero tiene un montón de escenas terroríficas. (...) " 

Para  Andrew Barker de Variety se trataba de "Una nueva versión tan descerebrada, y vergonzosamente tonta, que es imposible imaginar a alguien suplicando por otra entrega." 

En The Wrap  Dave White defendía que   "El aspecto visual se ha agudizado hasta el absurdo, casi provocando la risa, y las muertes se deslizan hacia el reino del ridículo de la franquicia "Saw"." 

Justin Lowe en The Hollywood Reporter "Desde luego es siniestra, pero no particularmente terrorífica (...) Sinister 2 va un poco corta en el lado creativo, si bien el director Ciaran Foy consigue hacerlo suficientemente bien como para capturar parcialmente al modelo original." 

Ya en España Francisco Marinero de El Mundo escribía que "Algunas truculencias (...) son tan rebuscadas que están más próximas al ridículo que al puro horror. (...)" 

Para Jesús Palacios de Fotogramas "Hay secuelas que parecen hechas a desgana. (...) Ese es, claramente, el caso de 'Sinister 2' (...) hay aquí solo un puñado de sustos manidos (...) una historia sin relieve, entre el melodrama familiero y el thriller sobrenatural mal construido y peor llevado." 

Manuel Piñón en otra clásica revista de Cine, Cinemanía comentaba que "Sinister 2 cumple sobradamente con lo que puede esperarse de ella. Incluso aporta ideas interesantes en el campo de la tortura cinematográfica (...) Una secuela bastante lucidita (...) " 

Mikel Zorrilla en Espinof habla de terrorifico destrozo y de secuela innecesaria. Y habla de la evolución de la historia resulta monótona y rutinaria con sus malsanas grabaciones.  

En Argentina las opiniones iban desde la de Pablo O. Scholz en Clarín en la que afirmaba que "No hay suspenso, sí torturas, no hay incertidumbre y sí la certeza de lo que va a venir a continuación..." hasta la Ezequiel Boetti en Página 12  que afirma que "El segundo largometraje de Ciarán Foy esfuma los méritos de su predecesora para convertirse en una –otra– película salida de la chacinería de los sustos." 

Por su parte el argentino Gustavo Castagna de Tiempo Argentino "La historia de 'Sinister 2' se ve favorecida por la no abundancia de CGI (...) y sí por una bienvenida alternancia de una puesta escena clásica (no hay "apuros" que propicie la edición) aplicado a los nuevos tiempos." 

Fernando López de La Nación afirma que "Como puede esperarse, cabe la multiplicación de lugares comunes, clichés y sobresaltos, pero hay muy poco de imaginación y menos todavía de sutileza." 

Néstor Burtonede  OtrosCines.com "Se trata de una serie de golpes de efecto más o menos logrados, algunos aciertos climáticos y una historia que se desvanece tanto o más rápido que los pequeños fantasmas que pululan por la pantalla.(...) " 

En  México Adrián Ruiz Villanueva del Excélsior dice que "Todo es redundante, siniestro, pero con tintes de déja vu." 

Por mi parte decir algo que ya he dicho. Se deja ver. Da sustos, pero es absolutamente prescindible, vista la una, vista la demás. Más que Siniestro, es redundante. Hay guiños a otros película en la que los niños juegan un papel importante y malvado como Los niños del Maíz basasa en la obra de Stephen King. Y ahí está su valor e interés, en el terror de unos niños que son muy malos en una historia de "fast film". Ver y tirar, Intrascendente.

Tambores apaches

Acabo de  ver una desconocida película que llevaba por título Tambores apaches, un western de serie B del año 1951 dirigido por Hugo Fregonese, del que ya hablamos cuando presentamos Saddle Tramp y del que tendría que haber escrito tras ver Furia rebelde o El asalto vista durante el confinamiento.

Dice de este director el gran Fausto Fernández "No habiendo sido nunca un director memorable, Hugo Fregonese se las apañó para crear una filmografía con bastantes títulos de probada eficacia, como este "Apache drums"y añade que estamos ante un "western de bajo presupuesto y alto espíritu creativo ya desde sus títulos de crédito" en el que intervino Val Lewton, uno de los productores básicos de la historia del cine, en este caso para la Universal International Pictures que no se ciñó únicamente al fantástico y que al igual que el director Hugo Fregonese, que si bien no destacaba siempre solía cumplir en todos los géneros...

Fregonese fue un hombre destacable en el mundo del cine, sobre todo respetado su contribución a la historia del cine argentino. En los años 50 dio el gran salto a Hollywood y "Tambores Apaches" se convirtió en su tercer trabajo allí.

A pesar de que el director Hugo Fragonese fue un gran narrador, este eficiente wéstern de serie B fue realmente una obra del productor Val Lewton, el hombre que revalorizó el cine fantástico y de terror con su serie para la RKO, con películas como La mujer pantera de Jacques Tourneur, La séptima víctima, de Mark Robson o Yo anduve con un zombi. En este caso es un filme que se convirtió en su último trabajo y a la vez en el primero en color fotografiado por Charles P. Boyle. Cuenta con la edición de Milton Carruth.

La cinta, basada en una novela de Harry Brown titulada "Stand at Spanish Boot", cuenta con el guion de David Chandler una destacable banda sonora orquetada por Hans J. Salter en la que destaca la música de percusión y para la que utilizaron una orquesta formada por 20 indios Apaches que cantan en la ceremonia de preparación para ir a la guerra y para iniciar una ceremonia de combate que los impulsa a dar su vida.

El reparto lo integran Stephen McNally como Sam Leed, Coleen Gray como Sally , Willard Parker como el alcalde Joe Madden, Arthur Shields como el reverendo Griffin y James Griffith como el Teniente Glidden. Igualmente aparecen Armando Silvestre como Pedro-Peter, Georgia Backus como Mrs. Keon, Clarence Muse como Jehu, Ruthelma Stevens como Betty, James Best como Bert Keon, Chinto Guzman como Chacho y Ray Bennett como el Sr. Keon.

La película comienza presentando un contexto histórico que nos muestra como los apaches mescaleros liderados por el jefe Victorio amenazan a una y otra franja de la frontera entre México y el sur de los Estados Unidos.

En una zona fronteriza de México hay una ciudad llamada Spanish Booth poblada por colonos estadounidenses y mineros galeses que conviven con la población hispana asentada desde hace siglos. Por su estratégica situación los blancos sufren constantes ataques por parte de los Apaches.

Sam Leed (Stephan McNally), un jugador y pendenciero, enamorado de una chica galesa que regenta un bar, Sally (Coleen Gray ), y que también es el objeto de la atención del alcalde, acaba de convertirse en el indeseable de Spanish Boot tras un tiroteo en la taberna.

Tras el mismo es expulsado de la ciudad por el Mayor o alclde Joe Madden (Willard Parker) dada  su mala conducta. En esta petición está igualmente otro hombre que apoya al alcalde. Se trata de un reverendo galés, el reverendo Griffin (Arthur Shields), jefe espiritual de la comunidad de mineros galeses allí asentados para trabajar en las minas.

La limpieza de la comunidad que inician uno y otro se lleva por delante a las integrantes del único burdel de la comunidad que, a la mañana siguiente, salen de la localidad.

Una vez que Leed ve salir la diligencia con las chicas, el mayor le insta a irse deinmediato. Tras hablar co Sally, la chica por la que luchan tanto Leed como el Mayor, decide marcharse sin ofrecer resiststencia.

Poco después de salir de Spanish Booth descubre la masacre que los Apaches han cometido tras asaltar la diligencia de unas mujeres que habían abandonado el pueblo poco antes que él. Tras ser informados por un hombre de color que trabaja para la Madame, Jehu (Clarence Muse) que le explica a Sam Leed el inesperado asalto de los apaches mescaleros que literalmente han salido de las rocas.

Ante lo sucedido Leed regresará a la tranquila población para advertir a sus confiados lugareños de que un grupo de apaches mescaleros del peligro que sufren visto lo visto tras descubrir la diligencia y la infausta suerte de las mujeres que la ocupaban,

La llegada de Leed a Spanish Boot vuelve a tensionar la situación con el alcalde y con el reverendo Griffin. Pero de cualquier manera lo creen. Esa noche el alcalde Madden manda a un muchacho a dar aviso a la caballería.

A la mañana siguiente el cuerpo del chico es encontrado en el pozo por  Chacho (Chinto Guzman )  así que como un apache que colabora con el ejército tiene sed , Leed provoca a la gente de la comunidad invitando a beber cerveza al india Pedro Peter (Armando Silvestre) mientras lo invita propone que una partida de los habitantes  en busca de agua. A la partida se suman muchos lugareños así como el reverendo.

El grupo que sale a buscar agua logra su objetivo sin dificultad alguna. No obstante cuando regresan  son atacados por una partida de unos 30 hombres de los mescaleros de Victorio. El grupo que llega el agua huye, aunque Leed y el reverendo Griffin se quedan para frenarlos. Aunque casi sin munición, hieren a Victorio, lo que frena el ataque.

Casi de inmediato hace su aparición un grupo de la Caballería integrado por el Teniente Gliden (James Griffith) en el que van algunos soldados pertenecientes a las naciones nativas americanas, entre ellos el apache Pedro Peter ( Armando Silvestre) junto con el Mayor Madden.  Éste nada más ver a Leed ordena su detención al haber dado de beber alcohol a Pedro Peter. El Teniente, muy a pesar, y apoyado por Griffin, procede a detenerlo por haber infrigido las leyes federales que prohiben dar de beber alcohol a los nativos.

Tras esto retornan a Spanish Boot. Todos confían que Victorio y los suyos se hayan retirado. Sin embargo, nada mñas lejos de la realidad ya que mientras están enterrando a los caídos, los mescaleros atacan causando muchisimas bajas entre los habitantes de Spanish Boot.

Los pocos supervivientes se refugian en un edificio sólido, elevado con ventanas en las parte superior.  Se trata de la Iglesia. Desde ese momento no paran de sonar los tambores apaches que anuncian un ataque inmimente en el momento en que paren o cambien de ritmo.

En ese espacio esperan las mujeres, niños, algunos mineros así como Chacho y Pedro Peter o el Teneinte herido de una lanzada, así como el trío protagonista su fin ante los continuos ataques a la  iglesia, Los ataques al son de los tambores se repiten una y otra vez con apaches pintados de vivios colores (rojos, verdes, amarillos,...) y poco a poco van cayendo algunos de los que resisten.

Hay un hilo de esperanza cuando paran los tambores y uno de los apaches explica en un perefecto castellano ( he visto la versión original) que si alguno de los que resisten es médico para atender a Victorio. El mayor Madden es veterinario, además de herrero y alcade, así que sale por la puerta con la esperanza de ganar tiempo para que llegue la caballería.

Pero la muerte se produce , así que el alcalde es asesinato y se reinicia el ataque y el son de los tambores. El inal parece llegar, pero los que llegan son los integrantes de caballería.

Tras su irrrupción la película se precipita a su final con los supervivientes dando gracias a Dios y con la relación entre Sally y Leed consolidada. Como era de esperar "happy end".

Rodada entre agosto y septiembre de 1950 rodada en espacios naturales de Arizona como Tucson, Cortaro, Marana y California como el Red Rock Canyon State Park en Cantil, y en los Universal Studios en el 100 Universal City Plaza, de Universal City. 

Comentar que los indios "apaches" eran en realidad socorristas de la playa de Santa Mónica, California, que llevaban pintura de cuerpo completo con el fin de parecerse a los apaches. El director Hugo Fregonese y el productor Val Lewton querían que los apaches saltaran mucho desde las ventanas altas, los techos, y que tuviesen un aspecto atlético, pero como el presupuesto de la película impidió contratar especialistas para interpretar a los apaches, decidieron contratar a los socorristas debido a su buen estado atlético y, lo que es más importante, al hecho de que no tenían que obtener el salario de los especialistas. 

Como señala Lluis Laborda en un interesante post en La Vanguardia, Tambores apaches plantea la idea del asedio (y la respuesta de personajes enfrentados a una situación de extrema gravedad) como motivo central del relato. Además añade que la película contiene escenas casi de terror (el asedio de los apaches a los supervivientes del ataque, atrincherados en la iglesia del pueblo), rodadas con buen uso de las luces y las sombras por Charles P. Boyle, y una cierta crítica al papel ejercido por los colonos en relación con los indios.

A destacar igualmente el papel de productor Val Lewton amante de brillantes e inteligentes puestas en escena , en los que el relato y las elipsis, especialmente, la inicial, la de mostrarnos el contexto en el que se desarrolla, la frontera entre Estados Unidos y México, y tras eso una puerta que se abre, en este caso la de la iglesia de Spanish Boot, donde se desarrollará la última parte del relato. 

Cuando se estrenó la película, en la primavera de 1951, The New York Times le dio a la película una crítica mixta y escribió: " Apache Drums es una película tensa y emocionante cuando sus indios pintados de verde y rojo, gritando de forma entusiasta, saltan, cabalgan para atacar o literalmente muerden el polvo con golpes auténticos. Aunque se dijo en el mismo artículo que el producto final podía ser "aburrido y manso" . 

Recientemente, el crítico de cine Dennis Schwartz habitual en la web Rottentomatoes revisó la película escribió una crítica favorable al decir: "Es el tipo de western efectivo de serie B  donde la caballería llega justo a tiempo para rescatar a los blancos de los indios atacantes. El director Hugo Fregonese ( Untamed Frontier ) hace de asistente a los ojos de Lewton para obtener detalles y fotografías oscuras ... David Chandler presenta un guión nítido que siempre está tenso y lleno de emocionantes secuencias de acción, excepto cuando mantiene las cosas demasiado habladoras, que amortigua la narrativa con una fea y romántica pelea romántica. "Muy buenas cosas para un western tan modesto, que demuestra que se necesita todo tipo de valentía y que la peor situación puede sacar lo mejor de un hombre".

Time Out London también  escribió: "Bellamente escenificado por Fregonese, especialmente el ataque climáx a la iglesia donde los sobrevivientes se ponen de pie, con Apaches pintados que entran en erupción a través de las altas ventanas como demonios del infierno. La última producción de Val Lewton, está lleno de toques reconocibles al instante de sus series de la RKO: la sutil ambivalencia que socava las actitudes y los principios éticos, la postura generosa contra el racismo, la preocupación por la infancia (el jugador distrae a los niños asustados con una exhibición de juegos de manos ), el amor por canciones tradicionales (los niñas  cantan a  coro junto a Coleen Gray " Naranjas y limones" y el reverendo contrarresta el canto de los apaches con otro himno clásicos de los galeses "Los hombres de Harlech".

A destacar de la película el hecho de ser un producto muy digno de serie B, entretenida, bien rodada, enérgica cunaod lo necesita, y plácida cuando lo requiere. Gusta de imágenes impactantes desde distintas posiciones con la cámara destacan algunos contrapicado tanto de los espacios naturales como de la iglesia. Bien fotografiada , luminosa cuando quiere, cegadora en los exteriores y que se gusta en las sombras y claroscuros en los interiores de la iglesia, durante la noche del asedio. Película muy recomendable.

La reina de España

Soporifera es poco. Es un coñazo, con todas las letras, un tostón que obliga a preguntarse a uno ¿Por qué coño se hacen cosas así? Lo que pretende ser una comedia queda en presunta. Ni tan siquiera se acerca a la comedia. Insoportable, insufrible producto que hace desvacener los buenos recuerdos que podía tener uno y que reconozco que guardaba de "La niña de tus ojos" con la que Fernando Trueba consiguió 7 Goyas . Todo se viene abajo, desde los primeros minutos, sabes que te has metido en el terreno pantanoso del tedio. Que si recuerdos de allí, retales de allá. Vamos, de vergüenza ajena.

Pues bien esta es la cosa que presentó en 2016 Fernando Trueba, ganador de un Óscar en 1993 por la película 'Belle Époque' o nominado en 2012 con 'Chico y Rita' en la categoría de mejor película de animación, la secuela de la película de 1998 La niña de tus ojos, también dirigida por Trueba. 

Se trató de una producción de Fernando Trueba P.C. y Atresmedia Cine con un presupuesto de 11.000.000€. Antonio Resines y Penélope Cruz aparecen en el proyecto como productor asociado y productora, respectivamente. 

La película se basaba en un guon escrito por el mismo director y contó con la música de Zbigniew Preisner y la fotografía de José Luis Alcaine.

En cuanto al elenco lo encabeza Penélope Cruz como Macarena Granada, Antonio Resines como Blas Fontiveros, Neus Asensi como Lucía Gandía, Ana Belén como Ana, Javier Cámara como Pepe Bonilla, Chino Darín como Leonardo "Leo" Sánchez, Loles León como Trinidad "Trini" Moreno, Arturo Ripstein como Sam Spiegelman, Jorge Sanz como Julián Torralba, Rosa María Sardà como Rosa Rosales, Santiago Segura como Castillo, Cary Elwes como Gary Jones, Clive Revill como John Scott, Mandy Patinkin como Jordan Berman, Carlos Areces como Francisco Franco, Aída Folch como novia, Jesús Bonilla como Marco Bonilla, Ramón Barea como Ramón y Anabel Alonso como asesora histórica. 

Tras un prólogo que parte del rodaje de "La niña de tus ojos" hace un recorrido de 18 años entre el final del mismo hasta casi dos décadas después. 

Tras llegar a los años cincuenta, casi veinte años después de los hechos narrados en La niña de tus ojos, se anuncia que la actriz Macarena Granada (Penélope Cruz) , convertida en una estrella de Hollywood, como hemos visto en el prólogo en sepia, retorna a España con el fin de rodar una superproducción sobre la reina Isabel la Católica. 

Al enterarse de la noticia, Blas Fontiveros (Antonio Resines), que no había vuelto a España desde que se fuera a dirigir "La niña de tus ojos" a la Alemania nazi 18 años atrás, decide regresar y reencontrarse con algunos de sus viejos amigos y compañeros que se enterán que Blas ha pasado una temporada en un campo de concentración, siendo uno de los supervivientes españoles de Mauthausen y que, tras eso, se quedó en Francia trabajando hasta la llegada de la noticia del regreso de Macarena. 

Una vez aquí se encontrará con sus antiguos compañeros que trabajaron en 'La niña de tus ojos' 18 años después. La primera en verlo es Lucía Gandía ( Neus Asensi ), la estilista y encargada de vestuario que se ha casado con Castillo (Santiago Segura) un personaje abierto gay encargado de los escenarios y efectos especiales que ahora vive un matrimonio de convenciencia con Lucía, que ahora es lesbiana. 

También se encuentra con un galán en horas bajas como Julián Torralba (Jorge Sanz) que intenta reactivar su carrera asumiendo el papel de Boabdil en la película.  Para la misma, al ser una superproducción con capital norteamericano, producto del momento histórico que se vive en el país dado los acuerdos con Estados Unidos, están presentes dos norteamericanos, un productor de origen judío como Sam Spiegelman ( Arturo Ripstein) y un guionista Jordan Berman (Mandy Patinkin ) así como un director de renombre como John Scott ( Clive Revill) un director más preocupado en beber que en dirigir. 

Tras conocer a productor y guionista que son presentados por el jefe de producción Pepe Bonilla ( Javier Cámara) va en busca de su ex mujer Ana (Ana Belén) , una mujer con la que tuvo dos hijos, que dejó a Blas cuando se enteró de su aventura con Macarena, y cuyo matrimonio declarado nulo, le ha llevado a casarse con un alto cargo del Movimiento. Hablando con ella se entera de que su hija se casará en unos días. A pesar de que ella le ha perdonado no quiere ni verlo, aunque le da un dinero.

Esa noche como señaló Castillo tiene lugar una fiesta en un "tablao" flamenco. Allí se reencuentra con la veterana actriz Rosa Rosales (Rosa María Sardà) y con su viejo calanborador Marco Bonilla (Jesús Bonilla). Tras verse con ellos y contar su triste historia, productor y guionista comunista integrado en la lista negra de Hollywood,  le ofrecen la dirección de la segunda unidad. 

Al día siguiente llegan a España desde Hollywood Macarena Granada acompañada de su colaboradora Trinidad "Trini" Moreno (Loles León )  junto al galán de la película, el actor norteamericano Gary Jones (Cary Elwes ).

Nada más iniciarse el rodaje  por parte de Blas encargado de las escenas de enfrentamientos entre cristianos y musulmanes , pero también del principal con la incorporación de Isabel y Fernando para dolor de la asesora historica (Anabel Alonso)  y aunque siguen los reencuentros, también hay algún encuentro amoroso entre la actriz y el jefe del equipo eléctrico Leonardo "Leo" Sánchez (Chino Darín).

Poco después la presencia de Blas es detectada en la boda de su hija por lo que es identificado y detenido y pasa a estar represaliado por la dictadura de Franco(Carlos Areces  )  que lo pone a trabajar en Cuelgamuros, lugar en el que se levanta el mausoleo de Franco y qe pasará a la historia como el Valle de los Caídos. 

Desde ese momento la película deriva en la historia de intentar sacar del pais a Blas, en la que los amigos del director ayudan a su salida. Con un encuentro entre Franco y Macarena acaba este disparate.

¿Por qué es un disparate? Como he leído en Espinof se debe a que "una vez ultimados los reencuentros y hechas las presentaciones de nuevos personajes, Trueba pasa a centrarse en una combinación de cinefilia y mitomanía con la que apuesta por un toque ocurrente que podría haberle sentado bien a ‘La reina de España’ La película surge como homenaje al cine español y haciendo referencia a un hecho histórico cuando en pleno franquismo, un productor como Samuel Bronston desembarcaba en Madrid para rodar '55 días en Pekín' (1963) o 'La caída del imperio romano' (1964). Entre los proyectos que no llegaron a cuajar de Bronston, se encuentra una 'Isabella of Spain' con guion del historiador comunista John Prebble y Sophia Loren como probable protagonista, el personaje de Penélope Cruz rehúsa comer sola en su camerino y se dirige al comedor popular, porque esto de ser una estrella".

La película es una parodia con detalles en parte basados en una realidad, La  realidad es el régimen, presentado desde tanto maniqueismo que acaba en caricatura. Lo más interesante es la referencia a una importante industria cinematográfica española que se mueve entre las comedias de teléfono blanco y nuevas corrientes como aquella que plantea nuevas vías como las que marcaron, y se cita, las llamadas Conversaciones de Salamanca o la burvbuja moral en la que ellos vivían. 

Decir que en la película trabajaron 1.800 figurantes y más de 500 técnicos. El director intentó rendir un homenaje a figuras como la de Emilio Ruiz, maestro de los efectos visuales que trabajó en casi todos los filmes extranjeros rodados en España como el 'Espartaco', de Stanley Kubrick, a 'Lawrence de Arabia', de David Lean, y que aquí aparece como personaje en un pequeño papel. 

Esperpéntico es el aparente homenaje a John Ford, aquí presentado como un borracho o ese fantoche de actor norteamericano émulo de Cary Grant, asumido aquí por Cary Elwes,  que es presentado aquí como se dice de César " el marido de todas las mujeres y la mujer de todos los maridos". 

La crítica puso no la puso parir en mayor medio que en menos la película. Para Javier Ocaña en El País destaca "La irregularidad en gags e interpretaciones, desarrollo y puesta en escena, se adueña del relato. (...) esta reina de España, con más sombras que luces, es un pálido reflejo de aquella niña de tus ojos." Desde este diario Juan Cruz pidió apoyar la película "Vayan a ver La Reina de España. Ayúdense a reír". 

Francisco Marinero de El Mundo señala que "En la tradición de la mejor comedia española cuenta con unos actores secundarios que crean personajes memorables sin incurrir en la caricatura fácil (...) "  

Para Oti Rodríguez Marchante en  ABC "Es un film de historia deslavazada, con una intriga como cantada en falsete (...) " 

En Cinemanía Carlos Marañón señala que "La camaradería sigue luciendo, entrañable (...) Atractiva propuesta plasmada de forma poco convincente, el filme queda deslavazado (...) " 

Beatriz Martínez en Fotogramas escribe que "[El] aroma melancólico [de Trueba] se encuentra más presente que nunca (...) Entre risas y llantos transcurre una película que, en cierta manera, termina siendo víctima de sí misma (...)" 

En los Estados Unidos  Jay Weissberg en Variety dice que "Trueba se lo pasa tan bien volviendo a visitar personajes de 'La niña de tus ojos' que se olvida de cómo construir una historia con varios hilos y hacer que funcione." 

Jonathan Holland en The Hollywood Reporter iniste que se trata de "Una dramedia histórica simpática pero poco memorable (...) 'La reina de España' es la clase de proyecto que a los equipos de marketing les gusta calificar como 'clásico', cuando en el fondo saben que es simplemente pasado de moda" 

Para Tatiana Craine en Village Voice señala que "Este irregular film pasa por alto muchas cosas y dura demasiado. La suntuosa producción, el diseño de vestuario y la fotografía experta de José Luis Alcaine la hacen un banquete para los ojos... pero sin demasiada sustancia." 

Keith Watson de la revista progresista Slant afirma que es "Una agradable pero estática colección de escenas e incidentes que no llegan a integrarse de forma coherente en una totalidad (...) Trueba no es capaz de explorar las implicaciones políticas del film (…) " 

En el  Reino Unido Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian "Penélope Cruz rescata esta habitualmente estúpida comedia, ambientada en los años 50, en la España de Franco (...) una historia entretenida, a veces exasperante (…)" 

Sarah Ward de Screendaily defiede que "La audiencia no necesita estar familiarizada con su predecesor para saber adónde va este poco exigente y poco memorable esfuerzo."  

Por último, en México Leonardo García Tsao en La Jornada defiende que "La premisa ofrecía muchas posibilidades de una sabrosa sátira política, (...) Lástima que el guión es un ejemplo de oportunidades perdidas. Y la mano pesada con que Trueba dirige a sus actores tampoco ayuda." 

Lo cierto es que la película no funcionó. Desde luego no ayudaron las polémicas palabras de su director, Fernando Trueba, durante su discurso de aceptación del Premio Nacional de Cinematografía en San Sebastián, en septiembre de 2015 , meses antes del estreno, cuando dijo no haberse sentido en su vida «ni cinco minutos español», aunque día después declaró que "Solo quería hacer un discurso divertido que no fuera conflictivo" ante el ministro Méndez de Lugo. motivaron un llamamiento al boicot de la película en las redes sociales especialemnte cuando echaron en cara al director que sí se sentía español para recibir inversiones. 

Su mujer y productora , Cristina Huete declaró que ""Todo está subvencionado en este país: la industria del automóvil, la prensa, la agricultura... Y el cine es la penúltima industria en subvenciones". 

La película fracasó en las taquillas recaudando unos 600.000 euros. En El Confidencial se informaba que " la película ha sido un fiasco muy grande. Con esto, Fernando Trueba y Cristina Huete [productora de la película y mujer del director] se han hipotecado seguro", revelaban a El Confidencial fuentes de la industria conocedoras de los entresijos financieros de la producción. Se decía en esta publicación que "Por lo que yo sé, están muy agobiados de dinero". "Resines ha puesto de su dinero un millón de euros", afirman las misma fuentes. "Y Penélope Cruz, lo que le correspondería por su salario, que es en torno a dos millones de euros". Porque, para financiar 'La reina de España', Trueba habría recuperado "una filosofía que es la de hacer cine en cooperativa: eso significa que técnicos y actores aportan su salario, capitalizándolo como si fueran dueños de una parte de la película y convirtiéndose en accionistas". Incluso el propio Trueba habría "aportado su trabajo de guion y dirección", "cifrado en un millón de euros más o menos", estima, "porque las cuentas todavía no son públicas hasta que se manden a auditar al ministerio". 

La reina de España formó parte del programa oficial del Festival de Cine de Berlín 2017, en la sección Berlinale Special Gala, en la que se presentan obras actuales de cineastas contemporáneos. 

La película obtuvo cinco nominaciones en la 31.ª edición de los Premios Goya. Entre ellos los de Mejor actriz protagonista para Penélope Cruz, Mejor dirección de producción para Pilar Robla, Mejor diseño de vestuario en la persona de Lala Huete, Mejor fotografía para José Luis Alcaine y Mejor dirección artística para Juan Pedro de Gaspar. No consiguendo ninguno. 

En los Premios Platino Juan Pedro de Gaspar fue nominado a Mejor Dirección de Arte, pero nada. No fue considerada paea otros premios más.

Por mi parte decir que ha sido una película innecesaria, sin sentido, pretendidamente política, aunque se queda en panfletaria. ¿Un homenaje al cine? Flaco favor le ha hecho al cine. Si quería hacer Trueba un homenaje al cine, tenía que mirar con la sabiduría de otro Fernardo, el Fernán Gómez. El resultado una película mala hasta decir !basta!, plúmbea, insoportable, en fin, un coñazo, con todas las letras, de principio a fin. Fernando Trueba, sombra de lo que eras. Al final, con esta "Reina" uno descubre que recuperar en ocasiones no tiene sentido y que esta reina lo mismo nos sirve para convertirnos en republicanos, al menos, cinematográficamente hablando. Una mala película, un coñazo. 

La máscara de Fu- Manchú

Fu-Manchú, mito entre los mitos de mi infancia. Malvado entre los malvados. Su nombre, intimidaba. Aunque siempre encontraba su horma de zapato en el investigador inglés Sir Denis Nayland Smith y en el doctor Petrie.

En la máscara de Fu-Manchú - The Mask of Fu Manchu - el novelista inglés Sax Rohmer, famoso por sus novelas de misterio y policíacas, escritas en torno a 1912 nos presentó el personaje del Dr. Fu Manchú. Un personaje  de origen noble perteneciente a la familia imperial. Un hombre de gran fortuna por lo tanto con grandes recursos económicos, especialista en filosofía, medicina y leyes, que conspiraba continuamente para dominar el mundo. Era famoso por su astucia, su falta de escrúpulos y sus ingeniosas torturas para quebrantar voluntades. Tiene una gran cantidad de esbirros, ninjas y otros guerreros, que contacta con sectas orientales que están bajo su mando, y que es capaz de usar animales mortales tales como serpientes, arañas y escorpiones para atentar contra sus enemigos, siendo igualmente diseñar aparatos modernos para conseguir sus indecorosos objetivos. 

Hay una descripción fundamentada de Fu manchú en el capítulo II de la novela ''El demonio amarillo'' y lo describe de la siguiente manera: ''Imagínate una figura clásica de mandarín chino; un hombre de alta estatura; delgado, de miembros recios, felino en sus actitudes y movimientos, con un entrecejo como el de Shakespeare y un rostro de expresión verdaderamente satánica. De su cráneo afeitado pende la coleta tradicional de los hijos del «Imperio Celeste». Sus ojos tienen el fulgor magnético de los ojos de la pantera''. 

Su cuarta aparición en un largometraje fue sin lugar a dudas la mejor de todas las apariciones de éste (ya había aparecido en seriales mudos con Harry Agar Lyons y en una trilogía de películas con Warner Oland, ''El misterioso Dr. Fu manchú'' ,''La expiación de Fu manchú'' y ''La hija del Dragon''). Habían sido llevadas al cine por directores como Charles Brabin o Charles Vidor.

Charles Brabin había realizado muchas películas mudas la mayoría están hoy en día olvidadas. Esta es la única que es conocida hoy en día si no contamos ''Ben Hur'' (1925) película que no termino y que fue acabada por Fred Niblo.

Antes de "La máscara de Fu Manchú" se realizaron otras películas con este personaje como  ''El misterioso Dr. Fu Manchu'' (1929) ,''La expiación de Fu manchú'' (1930) , ''La hija del Dragon'' (1931), 

La máscara de Fu Manchú es una película estadounidense anterior al Código de 1932 dirigida por Charles Brabin. En este caso la máscara de Fu Manchú tiene un guion escrito por Irene Kuhn, Edgar Allan Woolf y John Willard, y se basó , como era de esperar, en la novela homónima de 1932 de Sax Rohmer. La película, protagonizada por Boris Karloff como Fu Manchu y Myrna Loy como su hija, gira en torno a la búsqueda de Fu Manchu de la espada dorada y la máscara de Genghis Khan. Lewis Stone interpretó a su némesis. 

La película fue producida para la Metro Goldwyn Mayer por la Cosmopolitan Productions, también conocida como Cosmopolitan Pictures, fue una compañía cinematográfica estadounidense con sede en la ciudad de Nueva York desde 1918 hasta 1923 y Hollywood hasta 1938. Fue estrenada en noviembre de 1932 y manejó un presupuesto de unos $ 327,627. Contó con la música de William Axt y la fotografía en blanco y negro de Tony Gaudio, así como el montaje de Ben Lewis. 

En los principales papeles nos encontramos con Boris Karloff como Dr. Fu Manchu, Lewis Stone como Sir Denis Nayland Smith, Karen Morley como Sheila Barton, Charles Starrett como Terry Granville, Myrna Loy como Fah Lo See, Jean Hersholt como Dr. Von Berg, Lawrence Grant como Sir Lionel Barton, David Torrence como McLeod, C. Montague Shaw como curador Dr. Fairgyle y Alyn Warren como Goy Lo Sung. 

La película comienza con una advertencia: Sir Denis Nayland Smith, del Servicio Secreto Británico, comenta al egiptólogo Sir Lionel Barton que debe vencer a Fu Manchu en la carrera para encontrar la tumba de Genghis Khan que se sabe que está en el Desioerto del Gobi. Fu Manchú tiene la intención de utilizar la espada y la máscara de Khan para proclamarse la reencarnación del legendario conquistador e inflamar a los pueblos de Asia y Medio Oriente hacia una guerra para acabar con la "raza blanca". Cuando la tumba de Gengis-Kan es descubierta en el desierto de Gobi, suscita el interés de todos los arqueólogos del globo, y, lógicamente, también acapara la atención de Fu Manchú, quien estima que poseyendo la máscara y la espada del mítico guerrero se granjeará la unión de los pueblos de Oriente y de esa manera conquistará el mundo. 

Poco después, Barton, el descubridor de la tumba es secuestrado por los "dakoits" del maligno doctor en un museo. Barton es llevado ante Fu Manchu, quien intenta sobornar a su cautivo para obtener la ubicación de la tumba, incluso ofreciéndole a su propia hija, Fah Lo See. Cuando eso falla, Barton sufre la "tortura de la campana" . Consiste en colocar al torturado debajo de una campana gigantesca que suena constantemente , con la intención - fallida- de lograr que revele la ubicación de la tumba. Sheila, la hija de Barton, insiste en ocupar el lugar de su padre en la expedición, ya que sabe dónde está la tumba. Encuentra la tumba y sus tesoros con la ayuda de su prometido Terrence "Terry" Granville y sus asociados, el Dr. Von Berg y McLeod. Sir Nayland Smith se une a ellos poco después. 

McLeod es asesinado por uno de los hombres de Fu Manchu durante un intento de robo, después de que McLeod mata a uno de los hombres de Fu Manchu. Un emisario se ofrece a intercambiar a Barton por los valiosos artefactos. 

A pesar de las dudas de Terry, Sheila lo convence de llevar las reliquias a Fu Manchú sin que Smith lo sepa. Sin embargo, cuando Fu Manchu prueba la espada, determina que es falsa (Smith las había cambiado). Terry es azotado bajo la supervisión de Fah Lo See, quien se siente atraído por él. 

Mientras tanto, Fu Manchu hace que le entreguen el cadáver de Barton a Sheila. Cuando Smith intenta rescatar a Terry, él también es llevado cautivo. A Terry le inyectan un suero que lo hace temporalmente obediente a Fu Manchú y lo liberan. Les dice a Sheila y Von Berg que Smith quiere que le traigan la espada y la máscara. Sheila se da cuenta de que algo anda mal, pero Von Berg desentierra las reliquias reales y siguen a Terry hacia una trampa. 

Capturados por Fu Manchu, el grupo es sentenciado a muerte o esclavitud, pero no antes de que Sheila logre hacer que Terry vuelva a la normalidad. Sheila servirá como un sacrificio humano, Smith será bajado a un foso de cocodrilos y Von Berg será colocado entre dos conjuntos de púas de metal que se acercan poco a poco. Terry está preparado para otra dosis del suero, que lo convertirá en un esclavo permanente de la hija de Fu Manchú. 

Sin embargo, Smith logra liberarse a sí mismo, a Terry y a Von Berg. Usando una de las armas del propio Fu Manchú, un rayo mortal que dispara una corriente eléctrica, los hombres incapacitan al villano mientras levanta la espada para ejecutar a Sheila. 

Cuando Fu Manchu deja caer la espada, Terry la recoge y lo mata a machetazos. Mientras Terry libera a Sheila y se la lleva, Smith y Von Berg incineran a los seguidores de Fu Manchu usando la misma arma. 

A salvo a bordo de un barco con destino a Inglaterra, Smith arroja la espada por la borda para que el mundo esté a salvo de cualquier futuro Fu Manchú. 

La película se realizó tras el fracaso de taquilla de Freaks (1932) de Metro-Goldwyn-Mayer. El rodaje de La máscara de Fu Manchú comenzó en los estudios MGM de Culver City. Karloff, que acababa de terminar su papel en Frankenstein (1931) para Universal, descubrió que la película no tenía un guion completo y le dieron sus líneas durante y después de su preparación diaria en la silla de maquillaje. Boris Karloff tenía que aguantar 2 horas y media diarias de maquillaje por parte de la maquilladora Cecil Holland. Karloff recordó que el maquillaje era "extremadamente malo" , aunque , al menos, duraba poco comparado con las 8 horas de ''Frankenstein'' y ''la Momia''). 

Tras una producción difícil, fue un éxito financiero para el estudio a pesar de las críticas generalmente negativas. Durante su lanzamiento inicial, The Mask of Fu Manchu fue criticado por el gobierno chino, y la embajada china en Washington lanzó una queja formal contra la película por su representación hostil de los chinos. El discurso donde Fu Manchu les dice a sus seguidores que "¡Maten al hombre blanco y lleven a sus mujeres!" fue señalado por fuertes críticas. Algunos otros críticos también se opusieron a las representaciones de violencia y sexualidad de la película. 

En el relanzamiento de la película en cines en 1972, la Liga de Ciudadanos Japonés-Americanos solicitó que la película fuera retirada de circulación debido a su representación negativa de los asiáticos ya que "la película era ofensiva y degradante para los asiático-estadounidenses ". Debido a tales críticas, se cortaron varias escenas para el lanzamiento de la película en 1992 de VHS. Los últimos lanzamientos en DVD de la película han restaurado estas escenas. 

Hasta entonces Fu Manchú solo había tenido otros dos rostros, el del irlandés Harry Agar Lyons en al menos una veintena de cortos ingleses de la época muda y el sueco encasillado curiosamente en papeles de oriental Warner Oland. 

Sorprende ver a Mirna Loy como hija de Fu - Manchú. La actriz que interpretó a Fah Lo See , la hija de Fu Manchu, se describió a sí misma como "arrojada" a la película por el estudio y que le dijo a uno de los productores: "No puedo hacer esto... He hecho muchas cosas terribles en el cine, pero esto "La chica es una ninfómana sádica". Loy continuó, afirmando que ella y Karloff "aportaron algo de sentimiento y humor a esos personajes de cómic. Boris era un buen actor, un profesional que nunca fue condescendiente con su material, a menudo indigno".

Después de Karloff el personaje dormiría prácticamente para el cine hasta su resurrección de la mano del no menos grande Christopher Lee. 

Fu, retornó al cine realmente en 1965 en la película ''El regreso de Fu manchú'' de Don Sharp con Christopher Lee, el sustituto de Karloff como rey del terror, la película tuvo varias secuelas  ''El regreso de Fu manchú'' (1965), ''Las 13 novias de Fu manchú'' (1966), ''La venganza de Fu manchú'' (1967), ''Fu-Manchú y el beso de la muerte'' (1968), ''El castillo de Fu manchú'' (1969) y ''El diabólico plan del Dr. Fu Manchu'' (1980) y ''La hija de Fu manchú'' (1990, cortometraje de 20 minutos con Paul Naschy en el papel). 

En este film de 1932 de escasa duración, de poco más de una hora,  dirigido oficialmente por Charles Brabin (algunas fuentes apuntan a Charles Vidor), pues se sabe que él inició la película. El director Vidor fue despedido y la mayoría, si no la totalidad, del metraje que filmó se eliminó de la película terminada. Fue reemplazado por el ya citado Charles Brabin. 

Cuando comenzaba la producción, MGM tuvo que lidiar con otros problemas asociados con la muerte del productor Paul Bern. Stromberg sólo volvió a dictar ideas para La máscara de Fu Manchú, a inicios de septiembre. A mediados de ese mes de septiembre, Stromberg dictó "Dios nos perdone por filmar lo que tenemos". Las retomas y nuevas escenas se extendieron durante el mes siguiente, y el rodaje finalizó el 21 de octubre. 

Así y todo, la película transcurrirá entre las aventuras de los arqueólogos británicos y las astucias de Fu Manchú, que entre otras cosas nos deleitará con alguna que otra tortura (más o menos imaginativa) y a partir de reseñas contemporáneas, The American Magazine señaló que la película como "una hora escalofriante y emocionante de entretenimiento espeluznante", mientras que el Film Weekly de Gran Bretaña la elogió como un "thriller de sangre y truenos de dimensiones de pesadilla". 

El historiador de cine Gregory William Mank afirmó que la mayoría de los críticos estaban horrorizados por la película. Posiblemente, y esto lo digo yo, por la violencia que trasmite en relación a la tortura de la campana, los latigazos, el aviso en forma de mano cortada, el suero de voluntad hechos con arañas y serpientes, las trampas mortales con fosos de cocodrilos o los tableros de enormes pinchos que se cierran, o el uso de los rayos eléctricos. Hay de todo.  

Variety dijo de ella que "esta vez deberían haber dejado que el médico descansara en paz", encontrando que Morley estaba mal interpretado, Karloff todavía actuaba como el monstruo de Frankenstein, mientras que Myrna Loy estaba "haciendo el papel". 

En The BFI Companion to Crime, los autores describieron la película como "la película más elaborada que presenta al personaje", y lo atribuyeron al reparto de Karloff y Loy, mientras que encontraron la trama "inconexa, incluso para estándares espantosos". Manchu no es la película definitiva, ni siquiera la mejor, de Fu Manchu, pero sí la más delirante".

Seda

Hace años compré y me leí un librito. Era eso, un librito, una novela corta. Ninguno de sus capítulos supera las tres páginas Lo firmaba el escritor piamontés, es de Turín, Alessandro Baricco, publicada con el nombre de Seta por primera vez en 1996. Fue un gran éxito editorial y fue traducida a varios idiomas.

Dos años después, una de sus obras, un monólogos teatral, Novecento, fue llevada al cine con el título de La leyenda del pianista en el océano, dirigida por Giuseppe Tornatore y protagonizada por el británico Tim Roth. Era de esperar que alguien quisiera llevar al cine esta obra escrita en el 96 que se desarrolla a un ritmo pausado y sutil que nos presenta de forma elegante las prácticas de Japón vistas por un occidental sin prejuicios , pero con asombro.

Y como inevitable lo hizo el director quebecois François Girard en 2007 una adaptación cinematográfica que internacionalmente se presentó con el título de Silk. La trayectoria de este director canadiense no es muy extensa, pero entre las que está El violín rojo.

Este año ha estrenado La canción de los nombres olvidados, una historia que se centra en la intensa búsqueda que emprende Martin Simmonds (Tim Roth) de adulto para encontrar a su hermanastro Dovidl Rapoport (Clive Owen ) basada en la novela homónima escrita por el crítico musical Norman Lebretch.

La película es una coproduccín entre Canadá, Italia y Japón por medio de las productoras la británica Rhombus Media, la italiana Fandango y la japonesa Bee Vine Pictures amparada por la New Line Cinema y que contó con la distribución en Italia de Medusa Film y un presupuesto aproximado de 20 millones $.

La película siguió el guion escrito a cuatro manos por el mismo François Girard junto a Michael Golding, y contó con la brillante música del siempre sugerente Ryuichi Sakamoto , mientras que la fotografía era de Alain Dostie. El montaje fue obra de Pia Di Ciaula.

En cuanto al elenco lo encabeza Michael Pitt como Hervé Joncour, Keira Knightley como Hélène Joncour y Alfred Molina como Baldabiou. Aparecen igualmente Miki Nakatani como Madame Blanche, Kōji Yakusho como Hara Jubei y Sei Ashina como la chica.Igualmente aparecen Kenneth Welsh como el alcalde Joncour y padre de Hervé, Mark Rendall como Ludovic Berbek, Jun Kunimura como Umon, y en papeles menores Martha Burns, Marc Fiorini, Alexander Brooks, Akinori Andô, Chiara Stampone y Callum Keith Rennier.

La película comienza con el protagonista Hervé (Michael Pitt) narrando sus observaciones de una mujer asiática que se baña en una fuente termal , y luego afirma que su historia realmente comienza antes, cuando regresó a su ciudad natal en el siglo XIX en Francia mientras estaba de licencia del ejército. Conoce a Hélène (Keira Knightley ), una maestra, que no quiere nada más que un jardín y Hervé, que no quiere nada más que casarse con ella.

Tras eso nos enteramos que en una pequeña localidad de la Francia rural del siglo XIX, el alcalde (Kenneth Welsh) está dispuesto a mandar a su hijo, Hervé Joncour (Michael Pitt), al ejército para que haga carrera militar. El joven Hervé aceptará, aunque no es su deseo, puesto que su único deseo sería quedarse en el pueblo, enamorado de Hélène (Keira Knightley), la maestra de la escuela.

Mientras Hervé está en el ejército, llega al pueblo Baldabiou (Alfred Molina), un fabricante de tejidos con la idea de crear varias fábricas textiles en el pueblo a partir de la seda, a cambio de que su alcalde le deje las manos libres.

Baldabiou, montará tres fábricas de seda sobre las que se apoya la economía de la ciudad. El negocio funciona hasta tal punto que logra revitalizar la economía del pueblo, y se convierte en la principal fuente de ingresos de gran parte de los ciudadanos.

Cuando Hervé vuelve a su casa mientras estaba de permiso, observa sorprendido los cambios del pueblo. Baldabiou, conocedor de las pocas ganas que tenía Hervé de volver al ejército, principalmente por su prometida, le ofrece un trabajo en su fábrica a pesar de que su padre, el alcalde, no lo quería así.

No obstante, los favores que se ha ido ganando el comerciante serán determinantes para que no se opusiera. Él convence al padre de Hervé, el alcalde, para que deje que Hervé deje el ejército.Poco después, Hervé se casa con Hélène.

La tranquilidad en el pueblo se ve enturbiada con la noticia de una grave enfermedad que está atacando a todos los huevos de los gusanos de seda de Europa. Este hecho obliga a Baldabiou a tomar medidas urgentes para salvar el negocio, y decide mandar a Hervé al norte de África. En 1862 Hervé viaja a Egipto para comprar huevos de gusanos de seda , pero tras el largo viaje, descubre que la plaga también llegó a ese continente.

Una vez en su tierra natal, la única opción es ir al fin del mundo, a un lugar tan alejado donde todavía no haya llegado la plaga: Japón. El problema es que el país está peligrosamente cerrado para los extranjeros .

Aprovechando un antiguo contacto de Baldabiou, organizan el viaje. Hervé emprende el viaje a través de Europa que culmina en Rusia, y cruza las estepas heladas y cruza el océano en un barco de contrabandistas, disfrazado con el atuendo típico japonés.

Una vez en tierras niponas, varios guías con los ojos vendados le llevarán a una aldea en las montañas, donde conocerá a Hara Jubei (Kōji Yakusho), que se convierte en un poderoso aliado que aceptará venderle los ansiados gusanos. Durante su estancia en el pueblo se verá atraído por su concubina sin nombre (Sei Ashina).

Los gusanos perfectos y sanos de Japón son recibidos con júbilo en el pueblo. Baldabiou lo compensa de tal manera que lo convierte en un hombre rico. Con el dinero compra una casa grande y un jardín para Hélène. Lo que les permite pasar varios años en paz en su nueva casa.

Años más tarde, Hervé tiene que volver a por más huevos de gusano. En su segundo viaje a Japón, donde coincide con un holandés que se dedica a la venta de armas y que le habla de que el país va a vivir un periodo convulso. Sin embargo, el está obsesionado con la Chica que una noche le da a Hervé una nota en japonés.

Tras una cena en la que están muchos señores, presidida por Hara Hubei, tras la misma tiene relaciones sexuales con otra chica que ella le presenta para ello Después de haber intercambiado más huevos que en su primer viaje, Hervé retrasa su partida dos días con la esperanza fallida de volver a ver a la Chica, aunque encuentra rotas las gafas del holandés.

De vuelta a casa, Hervé, que tiene la duda de lo que aparece escriito en la nota, busca en un burdel de Lyon a una meretriz japonesa, Madame Blanche, conocida por dar las pequeñas flores azules que lleva a sus clientes. Él solo quiere que ella traduzca la nota para él. Lo hace. La nota dice: "Vuelve o moriré". Madame Blanche (Miki Nakatani ) le aconseja a Hervé que "se olvide de ella, que no morirá, y usted lo sabe".

Baldabiou tiene la intención de enviar a Hervé a China, ya que Japón ya vive una guerra civil , pero Hervé insiste en Japón. Aunque hay oposición entre los inversores de la fábrica, Balbabiou los convence y vuelve a mandar a Hervé.

Al llegar comprueba que la guerra ha estallado y el pueblo está abandonado. Un sirviente de Jubei le muestra a Hervé dónde han ido Jubei y su familia.

Tras integrarse en el grupo descubre Jubei se ha vuelto hostil, tal y como le había advertido el holandés, y le dice a Hervé que se vaya a casa. Se niega a mostrarle la Chica y , a la mañana siguiente, encuentra colgado al criado.

Hervé compra algunos huevos en Sakata , pero el retraso al seguir a la chica provoca que eclisionen todos los huevos y la muerte de todos los gusanos, antes de llegar a Francia. La economía de la ciudad está arruinada, aunque Hervé contrata a mucha gente del pueblo para cumplir con el sueño de su mujer: el jardín de Hélène.

Desde ese momento marido y mujer viven de forma plácida en la localidad. Ya son conscientes de que nunca tendrán hijos, otro de los sueños de la pareja. Se relajan en la plaza y ella sigue con sus clases. La vida se normaliza.

Meses después, Hervé recibe una larga carta en japonés de la Chica. Nuevamente lleva la carta a Madame Blanche para su traducción, quien está de acuerdo, siempre que Hervé nunca vuelva a verla. La carta es una declaración de amor profundamente conmovedora, que le pide que sea feliz en su vida, ya que nunca más volverán a estar juntos.

Unos años más tarde, Hélène enferma y muere en 1875. Después de su muerte, Hervé la entierra en un espacio de lirios azules para que embellezcan su tumba. Comido por las duda busca a Madame Blanche una vez más, creyendo que ella ha escrito la carta, pero no la encuentra en burdel lyonnais , localizándola en París.

En la capital francesa ella le revela que Hélène había escrito la carta y le pidió a Madame Blanche que la tradujera. Hélène sabía que Hervé estaba enamorado de una mujer japonesa y quería que fuera feliz.

Madame Blanche le dice a Hervé que, más que nada, su esposa quería ser esa mujer. Hervé finalmente se da cuenta de que era Hélène siempre había sido su verdadero y gran amor después de todo.

Se revela que la narración de Hervé nos cuenta es el relato de su historia a Ludovic, el hijo de un amigo, lo más parecido a un hijo que Hervé y Hélène han tenido a lo largo de los años. Ludovic, ahora un joven y jardinero permanente de Hélène, es el que más aprecia el papel del jardín.

Con la marcha de Baldabiou a otra localidad para reiniciar una nueva vía y reflexionando por los extrañas vías que nos llevan acaba la película.

La película se rodó en la primavera de 2006 en localidades de Italia, Japón y Gran Bretaña. En Italia se rodó en Roma , en los Cinecittà Studios, en el Lido de Ostia, en Ronciglione en la provincia de Viterbo, en el Lazio, al igual que en Sermoneta de la Latina, en Turín en el Piamonte, en Pigna, sita en Imperia (Liguria) , Sermoneta, Latina.

En Japón se rodó en el Baba House Museum de Matsumoto en Nagano, en Sakata localidad de Yamagata, en concreto en el Sankyo Rice Storehouse, en Geibikei Valley, en la provincia de Iwate, al igual que Ichinoseki y Ofunato.

En Gran Bretaña se rodó en Kidderminster de Worcestershire, incluso en la canadiense Toronto, en Ontario.

La película ha sido producida por Domenico Procacci, del equipo italiano de Fandango, que se hizo con los derechos de la novela poco tiempo después de ser publicada, si bien le llevó varios años hasta adaptarla a la gran pantalla, con el nombre de varios posibles directores para realizarla. Girard, director de la oscarizada El violín rojo, se unió al proyecto al principio, aunque volvió a él hace sólo algunos años. Girard explicó mientras estaba en Roma que “se enamoró inmediatamente del libro” y, contrariamente a lo que mucha gente pueda pensar, “no fue un libro difícil de adaptar, pues es muy cinematográfico. Presenta un gran equilibrio entre lo íntimo y lo épico, e intenté mantenerme fiel a la escritura de Baricco, especialmente en los pequeños detalles”.

La película fue estrenada en marzo del 2008 en España e Hispanoamérica. Obtuvo en taquilla unos 8 millones de dólares.

En cuanto a las críticas destaco la de Roger Ebert en las páginas del Chicago Sun-Times al decir que "Todo se recompila al final en una revelación fugaz que es espectacularmente pobre. (...) ."

Joshua Kosman en el San Francisco Chronicle señala que es "Una película preciosa pero ligera." Para Todd McCarthy en Variety comenta que "Silk es un bostezo. Insustancial, árida y finalmente aburrida (...) no hay rastro de vida real o de energía en ella (...) con una interpretación apática de Michael Pitt."
Ya en España Carlos Boyero en El País dice que "Sólo aprecio a un adaptador que guarda fidelidad extrema a un texto (...) Lo que admite discusión es su fatuo convencimiento de que están creando arte mayor. (...) no hay duda está hecha al gusto del público más convencional."

José Manuel Cuéllar en el ABC señala que la película genera "Petulantes bostezos. (...) Se salva, lo poco que se salva, por la labor técnica, impecable, y por el trabajo del siempre eficiente Alfred Molina (...)."

Alberto Luchini en El Mundo afirma que "La poesía es otra cosa. (...) exceptuando a Keira Knightley, nada en la película funciona (...) Girard se olvida por completo de desarrollar una narración mínimamente coherente (...) ."

Destacar de la película aspectos técnicos como el diseño de producción y la fotografía bellísimos en gran medida rodados en exteriores italianos  y japoneses, combinando espacios luminosos y bellos paisajes veraniegos e invernales.

Sin embargo, la película carece es excesivamente lenta, casi melancólica, alejada de la pasión, pretende ser sútil, elegante, bella, pero acaba siendo fría, apagada, sin vida. Desde luego, la película no va como la seda en casi ningún momento.