Bellamy

 

Tenía pendiente una entrada de Claude Chabrol sobre la película Le boucher, El carnicero, en la que explicaba lo grande e importante que ha sido en la historia del cine, tanto este director como el grupo al que pertenecía , la "nouvelle vague". Para completar lo que tengo esbozado, pero no escrito ni publicado, añadiré que fallecido a los 80 años de edad, nos dejaba algo más de 50 en el cine - había comenzado con "El bello Sergio" ( 1958), casi 60 largometrajes, su tercer momento profesional está ligado a lo que el llamó su "Etapa Patrick Godeau (2004-2009)" que representaba casi su “tercera juventud” . Una vez escrito aquí está Le boucher. 

Cercano a sus casi 80 años, Chabrol retomaba en ella algunas de sus características del cine anterior, como la historia de un triángulo amoroso en Una chica cortada en dos (Une fille coupée en deux, 2007), que fue Premio Filmcritica "Bastone Bianco", o la recuperación para su cine de Isabelle Huppert en Borrachera de poder (L'ivresse du pouvoir, 2006) o en su obra testamento final, Bellamy, su amor por el cine y la literatura policíaca que le sirve como excusa para hablar de la complejidad de la familia, el amor en la edad madura, el asesinato, la muerte, o el papel de la burguesía francesa de provincias, así como su primera y última colaboración uno de los más grandes actores franceses, Gerard Depardieu. 

Todo esto lo hace un última película, Bellamy. Para hacerlo contó como subdirectores con Cécile Maistre, Vincent Guilleminet , Constance Meyer y César Chabrol. Bellamy o Monsieur Bellami es una película producida por Françoise Galfré, Patrick Godeau y Jean-Louis Nieuwbourg , aunque implicado igualmente estuvo Gérard Depardieu para las productoras Alicéléo, France 2 Cinema, DD Productions y con el apoyo de la región Languedoc-Roussillon. 

Para su historia contó con un guion escrito por el mismo Claude Chabrol y Odile Barski. A la película se sumó la musica de Matthieu Chabrol, orquestada y dirigida por Laurent Petitgirard y durante la misma suena música de Georges Brassens , Tchaikovsky ( 6 ª Sinfonía Patética ) - para el taxi- y, al final, Edward Elgar ( Concierto para cello ) la fotografía de Eduardo Serra, el montaje de Monique Fardoulis y el diseño de producción de Françoise Benoît-Fresco. El vestuario fue labor de Mic Cheminal, mientras que el sonido y las mezclas son de Éric Devulder y Thierry Lebon. 

La película cuenta en el elenco con Gérard Depardieu como Paul Bellamy, Clovis Cornillac como su hermanastro Jacques Lebas, Jacques Gamblin como Noël Gentil / Emile Leullet / Denis Leprince y Marie Bunel como Françoise Bellamy. Junto a ellos están Vahina Giocante como la masajista Nadia Sancho, Rodolphe Pauly como el abogado, Adrienne Pauly como Claire Bonheur, Marie Matheron como Madame Leullet, Dominique Ratonnat como el médico, Yves Verhoeven como Alain, Henri Cohen como el presidente del tribunal, Thomas Chabrol como otro del tribunal y Bruno Abraham-Kremer como Bernard. 

La película comienza con un recorrido visual de un horizonte, un espacio en el que a través de un travelling vemos los tejados de un espacio que al centrarse un poco más, descubrimos que es un cementerio, el cementerio de Sète, frente al mar. 

Cuando la cámara se acerca vemos que al pie del mismo hay un coche accidentado y junto a él, el cuerpo de un hombre descabezado y quemado. 

Tras esto la historia nos remite al día a día de una pareja. Como todos los años, el comisario Paul Bellamy (Gerard Depardieu) va a pasar unos días a Nîmes a casa de que heredó su mujer de su familia. Su mujer Françoise (Marie Bunel) gusta de esa casa familiar , aunque está deseando igualmente salir al exterior algo que a Paul le da mucha pereza. Ella sólo piensa en hacer algún crucero por países lejanos, pero Paul odia viajar. 

Lo cierto es que el inspector Paul Bellamy (Depardieu) es un famoso detective de la policía parisino experimentado y obeso que quiere disfrutar de sus vacaciones con su esposa Françoise (Marie Bunel) en Nimes . 

Descubrimos a Bellamy leyendo tranquilamente, cuando un señor se mete en su jardín y mira la casa con Paul dentro. Pero después se acerca a la cocina en la que está Françoise. Posteriormente ella escucha como llaman a la puerta y resulta que es el señor que estaba en el jardín. Se trata de un hombre que dice llamarse Noël Gentil (Jacques Gamblin) y le da un número de teléfono. Ella le dice que no molestará a su marido y le pide que se vaya. 

Sin embargo, poco después se lo comenta. A pesar de no haber anotado el número , ella lo recuerdo al detalle y , finalmente, se lo da a Paul. 

Tras la cena, Paul contacta con él y va al motel en el que ese señor reside. Al llegar Noël Gentil le dice que se siente responsable o no de una muerte. Noël le cuenta la historia de un corredor de seguros de nombre Emile Leullet (Jacques Gamblin), que recientemente intentó fingir su propia muerte en un accidente automovilístico cerca de Sète. La razón del mismo es que tenía una amante (Vahina Giocante) y quería con ese dinero defraudar al seguro para su propio bienestar y el de su mujer a la que acaba de abandonar. Leullet, reconoce que está escondido bajo un nombre falso y apariencia alterada y sin saber qué hacer busca ayuda de Bellamy que es una celebridad en toda Francia a través de sus memorias publicadas, que revelan que tiene una "debilidad por los asesinos". Tras volver a casa, le cuenta el caso a su mujer  que habitualmente está interesada por los casos que lleva su marido aunque éste no es oficial.  

A la mañana siguiente Bellamy va en busca de la mujer de Leullet (Marie Matheron), a la que conoce Françoise ya que le da clase a su hijo por las mañanas. Madame Leullet le cuenta que su marido la ha abandonado puesto que comenzó una relación que ella creía que no llegaría a nada con una masajista que tiene un local en el casco viejo de Nîmes. La masajista es Nadia Sancho (Vahina Giocante) una chica joven y guapa que era la pareja de baile de su marido. Poco a poco fue pareja de otras cosas, algo que a Madame Leullet le molesta en exceso , tanto es así que cerró el zapatero e intentó evitar que su marido saliese de la casa. Pero el no dudo en salir cada noche y no disimular que mantenía una relación con la chica. 

Cuando le entrega una foto de Emile, Paul se la lleva a casa y Françoise descubre que Emile y Nöel Gentil son la misma persona, aunque ahora operada y con aspecto distinto. 

A la casa de los Bellamy suelen ir amigos de la pareja, como un dentista gay con el que gustan cenar. Es él quien le da información a Françoise de un crucero por Egipto. Prefieren cenar con él y con su novio, un cirujano facial, que con una visita familiar que esperan un jueves por la noche, pero que se adelanta en unos días. 

El familiar que está por llegar es el medio hermano alcohólico de Bellamy, Jacques Lebas (Clovis Cornillac), que aparece inesperadamente antes de lo previsto. 

Desde ese misma noche que llega en taxi, vemos que tanto él como Paul comienzan a discutir amargamente por todo. Las razones son todas: las inversiones que Jacques quiere hacer en la compra de un bosque, después de haber perdido las tierras de la familia, el gusto por el juego, la suerte de Paul frente a la suya, el exceso de bebida, el querer el coche de su hermano, un Mercedes, el pedir un préstamo al mismo. No hay razón que no inicie una discusión. 

Tanto le harta la presencia de su hermano que Paul comienza a beber a pesar de que llevaba un tiempo sin hacerlo. Françoise lo lleva con resignación , pero sin estar encantada no está molesta. 

Los días van pasando y Paul encuentra tiempo para entrevistar informalmente e interrogar repetidamente a Leullet, a la amante de Leullet, incluso a la ex amante del posiblemente fenecido, un vagabundo de nombre Leprince , una chica llamada Claire Bonheur (Adrienne Pauly) ,que trabaja en Bricomarché. 

Por lo que le cuenta a Paul esta última Leullet pudo o no haber matado al vagabundo cuyo cadáver fue encontrado quemado en su automóvil. Ella mientras toma un café le habla de quién era realmente el hombre muerto en el accidente, Denis Leprince (Jacques Gamblin), hijo de un juez local, que lo había apartado de su vida y que ahora también está muerto. 

A medida que las cosas se complican, las tensiones familiares amenazan con abrumar las obligaciones "profesionales" de Paul. Éste es un gran profesional, en medio del enfrentamiento con su hermano que roba en la casa del dentista cuando es invitado a cenar, del que duda de su lealtad como hermanastro con respecto incluso en un momento que lo ve descamisado en la casa saliendo del cuarto de su mujer llega incluso a dudar de Françoise.

A pesar de todas esas dudas la tranquilidad que le trasmite ella lo apacigua todo. Ellos hablan de lo que está por venir , según creen. Dudan de sobre si Leullet, cuando decida salir del motel, si buscará antes a su amante o a su esposa. Se plantean igualmente si el vagabundo tenía motivos para suicidarse o fue inducido a la muerte, etc. Entre ese mar de dudas , lo cierto es que el hombre que se esconde en el motel en las afueras de Gard, Leullet, desesperado cuando Paul le informe de que su amante ahora mismo está teniendo una relación con el comisario de policía, decide entregarse a la policía y se pone a disposición de la justicia. 

Por su parte, Claire que está convencida de poner fin al caso y , finalmente, piensa en que posiblemente Denis tuvo el deseo de acabar con su vida, casi como homenaje a su padre espiritual que nos es otro que Georges Brassens , el músico enterrado en Sète, a pocos metros donde cayó el coche del desdichado Denis. Por lo tanto, pone a disposición de Leullet a un joven abogado (Rodolphe Pauly ), que parece ahora mismo su amante, y que tiene claro cómo ha de ser la defensa. Todo esto ocurre, mientras Madame Leulet ha fallecido de un infarto fulminante. 

El juicio tiene lugar y Leullet es absuelto en el juicio tras la intervención sorprendente del joven abogado  quien presenta la defensa (también a sugerencia de Bellamy) en forma de una canción de Georges Brassens . 

Tras el juicio Paul vuelve a casa. Cuando llega Jacques ya se ha marchado. Se ha llevado el Mercedes de Paul. Lo llama desde Saint Malo, en el norte. 

Días después Françoise recibe una llamada desde un hospital. Jacques, al que hemos visto llevando el coche a toda velocidad por las carreteras nacionales enmarcadas entre grandes árboles, ha muerto en un accidente. 

Esa noche Paul le confiesa a su mujer, que siempre estuvo en deuda con Jacques, ya que un día, mientras su madre le ordenaba que lo cuidará estuvo a punto de estrangularlo. Su vida sin él hubiese sido otra, distinta, puede que peor. Esa es la fuente de su tristeza vital que lleva sintiendo toda la vida con respecto a su relación fraterna. 

La película termina con un epigrama de WH Auden  que dice que "Siempre hay otra historia / Hay más de lo que parece". 

La película está dedicada a la memoria de dos Georges. Georges Simenon y de Georges Brassens (enterrado en el cementerio que se ve al principio). De hecho sobre el primero Bellamy viene a tener costumbres parecidas a las del principal personaje creado por Simenon, el inspector Maigret . Al igual que él Bellamy es un amante de los buenos vinos y un gran fumador, pero en lugar de fumar en pipa fumará cigarros. Chabrol dijo en una entrevista que la película es como una "novela que Simenon nunca escribió", una especie de " Maigret de vacaciones". 

Esta último película de Chabrol (que murió al año siguiente) y la única vez que trabajó con el actor  Gérard Depardieu . De hecho la película comenzó con el deseo mutuo que tenían Claude Chabrol y Gérard Depardieu de rodar juntos. Varias veces había coincidido de vacaciones en Nimes y habían hablado de ello por lo que decidieron rodar una película en esta ciudad, que es tan romana como contemporánea. Para ello tiraron de un caso real ya que el film está inspirado en el caso "Yves Dandonneau".

La película se rodó entre abril y junio de 2008. La base del rodaje estuvo en Nîmes en el Departamento del Gard. La película se abre con varias tomas de lugares famosos de la ciudad de Nîmes , es un guiño del director al actor, porque ambos tienen lazos de Nîmes y lugares favoritos… Asimismo, en varias escenas algunos objetos o carteles hacen referencia a la ciudad. (Cartel de Féria 2008…) De la ciudad vemos su plaza de toros, las Arènes, del Boulevard des Arènes, el Hôpital Universitaire de Carémeau, el Bricomarché, el Palais de Justice en el Boulevard de la Libération,el Cinéma Le Sémaphore, Uchaud así como diversas calles de la ciudad como Rue Maurice Fayet, Rue Littré, Place d'Assas, el Grand Café de la Bourse en el Boulevard Victor Hugo, así como otros lugares del Grad como Gajan, Saint-Mamert-du Gard, Caissargues. Igualmente aparecen otras localidades de otros Departamentos como  Leucate en el Aude, Montpellier y Sète ambas en Hérault. 

El director  presentó la película en febrero de 2009 en Berlín y recibido con una gran ovación en la edición del Festival Internacional de Berlín, donde fue premiado con un Oso de Oro honorífico por su trayectoria. Lo cierto es que Claude Chabrol aprovechó la ocasión para presentar entonces su última película, Bellamy, aunque no contó con el favor de la crítica. Poco después fue estrenada en 2009 en su país de origen. 

En España fue presentada en Valladolid en el otoño de 2010 en la 55 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) como parte del homenaje que el festival tenía previsto dedicar al director. El realizador, según recordaron fuentes del festival en un comunicado recogido por Europa Press, había confirmado su presencia en el certamen como protagonista de la retrospectiva 'Universo Chabrol', que incluía títulos como 'Merci pour le chocolat' (2000), 'La cérémonie' (1995) o 'La demoiselle d'honneur' (2004). Este ciclo y una publicación que lo acompañaba, 'Claude Chabrol: la mirada del entomólogo', fueron realizados por Cahiers du Cinéma España. La prevista entrega que iban a recibir de la Espiga de Honor fue recogido uno de sus familiares.

Con respecto a la crítica los franceses por un lado valoraron el trabajo del octogenario director, pero con matices. 

Emmanuel Burdeau en la mítica revista en la que escribía el director , Cahiers du cinema, en su número n ° 643 de marzo de 2009 publicó lo siguiente: "No tendría mucho sentido, entonces, usar la distinción habitual entre el Chabrol grande y pequeño en esta ocasión (...) Porque la novedad de Bellamy es ante todo que se entrega absolutamente por lo que es: un texto, una película. Un entrelazamiento de significados unidos. Un juego de mesa. Su medida no es externa, calculable a la luz de una obra, un éxito anterior, un tema o un estado de cine. Está construido solo a partir de las referencias que la película maneja por sí misma. Lo que ganamos es considerable. " 

Por su parte, Jean-François Rauger en las páginas de Le Monde en marzo de 2009 comentó que : “ Bellamy es una película engañosamente afable. Mientras el motor policial de la intriga se desmorona, se ponen en marcha los componentes de una visión que van más allá de las cuestiones triviales del género criminal. En el transcurso de la investigación, aparecen los detalles de la estafa, el plan de fuga con una amante, la implementación de subterfugios mediante operaciones de cirugía estética y disfraces, destinados a facilitar su desaparición y su reemplazo por un doble. " 

Jacques Morice en Télérama , escribía tras su estreno en febrero de 2009 : “Baste decir que la película se reserva pliegues inesperados. Está lleno de guiños (a Truffaut , Maupassant …) y homenajes (especialmente a Brassens ). Las ostras calientes, la pintada, las arenas de Nîmes y el monumento que es el mismo Depardieu podrían hacer creer en un paseo patrimonial un poco cómodo. Apariencia engañosa. Comenzó un poco suavemente como una serie B (...), aunque Bellamy termina fríamente como una película negra a la Duvivier , consumida por la culpa y el autodesprecio. "

Mehdi Benallal en Foco escribió que "¿Qué hay en Bellamy para decodificar ?" Todo, por supuesto, de ahí el extraordinario placer intelectual que tenemos frente a esta película. Este placer se redobla al ver que se realiza una investigación, y se convierte en una emoción violenta cuando uno comprende que esa investigación ocultaba otra. Cuando las investigaciones de Bellamy llegan a su fin, solo quedan "habitaciones vacías" para explorar, luego se lo ve derritiéndose lentamente, incapaz de seguir fingiendo ser un policía eficiente, bondadoso y dichoso, incapaz de seguir ocultando la figura de su hermano detrás de esta fachada. Su tristeza y su carencia afloran a la superficie, y es un niño muy chiquito el que pide luz en la gran cama, y se refugia en el costado de la tostadora para no escuchar las malas noticias derretirse sobre él como la verdad. "

Entre las críticas menos elogiosas destaca la escrita en el diario de editorial comunista, L´Humanité o L´Huma por Gilles Renault que dice de ella que “Sin convicción real, entorpecidos por la presencia imponente de Depardieu (...) buscamos un sentido en la puesta en escena perezosa y la interpretación despojada, antes de capitular (...). " 

Muy crítica Rania Hoballah en Metro comenta que “Bellamy decepciona. Si Depardieu interpreta a otro policía desilusionado, Chabrol se enreda en sus historias de simulación. " 

Josefina Sartora en Otros cines comenta que "Como en todos los films de Chabrol, la actuaciones son impecables: Depardieu, en su primera colaboración con este maestro, interpreta con serena intensidad un personaje por fin no sólo a la medida de su físico sino también de su experiencia; una excelente Marie Bunel es su esposa y Jacques Gamblin se anima con tres caracterizaciones diferentes. Como ya se dijo, todo el film está sostenido por la ambigüedad; el viejo director está más interesado en abrir preguntas y perspectivas que en llegar a conclusiones o certezas. ".

Por mi parte señalar que a mi la película me ha gustado. Por lo pronto consideró extraordinaria la actuación de la pareja formada por Gérard Depardieu y Marie Bunel, que trasmite encanto, cariño, respeto, dudas por medio de sus caricias que intenta dar siempre él a ella o sus excelentes diálogos. El resto que lo acompaña están igualmente bien. A destacar el papel múltiple de Jacques Gamblin que hace hasta de tres personajes diferentes. 

Me ha gustado especialmente un momento, cuando hablando de la suerte, de la fortuna, del dinero, del papel de los seguros, Depardieu se dirige a la cámara en un discurso de crítica social que indudablememte lo hace en boca del mismo Chabrol. 

La película está llena de historias, de pequeñas píldoras en las que descubrimos desde dramas, hasta humor y amor, críticas a la sociedad de clases, al papel de la fortuna, a la dualidad. La de la pareja integrada por Bellamy y su esposa, una pareja que se quiere y complementa a pesar de sus intereses , a veces no coincidente; la historias de los dos hermanos, que por no compartir no comparten ni su apellido, el afortunado Bellamy, y el desgraciado, Lebas. Ambos conforme avanza la historia van completando los huecos que nos faltan de la misma ( los recelos de uno hacia el otro, el peso del pasado, desde la niñez al presente, la vida de aciertos de uno , y de desgracias del otro, la posición de uno al lado de la justicia y el éxito, y la del otro avocada al fracaso que incluso le ha llevado a prisión). La historia de Leullet con esas dos mujeres, sus arrebatos de sensibilidad, su intento de resarcirse a su mujer y a su amante, traicionando a la empresa en la que trabaja, su gusto por el cambio de personalidad, su paso desde el mundo de los humildes a una posición de poder. El papel importantísimo de las mujeres que intentan vivir el presente más que anclarse en el pasado. El peso de lo ambiguo visible en el epílogo o cita final de W.H.Auden "Siempre hay otra historia. Hay más de lo que los ojos pueden captar". Siempre es así. 

De repente, el último verano

 

Mustang

 

Cuando fuimos brujas

 

Conocí a una noruega que era la doble de Björk. La conocí, aunque parezca mentira, en lo alto de una montaña, en Fløyen, la más montaña visitada y concurrida de las siete que rodean el centro de Bergen. Ella pintaba una casa. 

La casualidad es así. Mi camiseta me delataba como español y mi inglés también. Cansados como estábamos, tras hacer un largo recorrido por la zona a la que subimos por un funicular, me tocó preguntar al único grupo de personas que vimos a la caída de la tarde. 

Ella estaba entre los que pintaban. Tras darme la información que le solicité en inglés y al fijarse en mi camiseta, la casualidad quiso que me preguntará de dónde era. La sorpresa fue mayúscula cuando tras contestarle, ella me dijo que iba a ser el Erasmus en mi ciudad. 

Meses después, aquello fue en julio, nos encontramos en un pub. Tras ese encuentro hubo otros semanas más tarde. Fue un tiempo de salidas noctámbulas y campestres en días festivos. De pasear perros ajenos, de caminar por el campo, de ir a recitales de poesía vanguardista, de cervezas solos y acompañados, de cenas, de fiestas. Fue un tiempo de diversión y de fuga. De prórrogas diarias, de atenciones, de risas, de suma de casualidades. Unas semanas de sorpresas y de felicidad plena, casi cinematográfica. Lógico, era divertida, alegre, sensible, comprometida con unos valores. Toda una joya. 

Pero las joyas con el tiempo pueden llegar a desgastarse , incluso a desaparecer , y al acabar su periodo académico, en una época en la que estaba naciendo el correo electrónico, la historia se desvaneció, con pena, entre nieblas y lágrimas. Fue una historia de casualidades, de estar allí en el momento oportuno, de cruzarnos, de otoños brumosos, de sentimientos francos. De ella solo guardo el recuerdo de alguna foto que nunca miro y ese parecido en la que la veo cunado vuelvo a ver a Björk en una pantalla. Así que mientras veía a Björk Guomundsdóttir con el rostro de la chica de 21 años que tenía en 1991 no me he podido sino acordarme de ella. 

Ella , no como cantante, sino como actriz en uno de los cuatro personajes que aparecen en 'Cuando fuimos brujas', película estadounidense filmada en Islandia. Cuando ella rueda la película ya tenía cierto recorrido como cantante. En 1977, con 11 o 12 años ya había publicado un primer disco de folk-pop para luego saltar a la escena punk de su país con grupos como KUKL (brujería, en islandés medieval) o Tappi Tíkarrass (tapona el culo de la perra). Su primer álbum de su banda alternativa, Sukurmolarnir, no apareció hasta 1988 y ya con el nombre anglosajón de The Sugarcubes, un grupo que se había formado a principios de 1986 y con un gran éxito en solitario con Debut (1993). 

La película era su debut en pantalla . También era la primera película de su directora, Nietzchka Keene, aunque no se estrenó en España en 2019 casi con treinta años de retraso cuando ya está restaurada en 4K por el Wisconsin Center for Film & Theater Research y The Film Fundation, con fondos de la George Lucas Family Fundation,The Juniper Tree. 

La directora estadounidense Nietzchka Keene escribió el guion de su ópera prima en 1986 cuando, interesada en las lenguas nórdicas medievales, se embarcó en este proyecto, después de recibir una beca Fulbright en Islandia. 

Allí estudió y escribió el guion de esta película que se rodó en 1987 pero que no acabó de montar hasta 1989, cuando logró una nueva beca. 

Tras conseguir una beca Verna Fields-Memorial de la UCLA pudo editarla y completarla tres años más tarde y presentándola como una producción de Keene / Moyroud Productions. Una vez acabado el proceso, la directora dio clases de dirección y montaje en la universidad de Wisconsin hasta su muerte, en el 2004. ocurrida tras un cáncer de páncreas. Tenía tan solo 52 años. 

Nietzchka Keene había rodado algunos cortometrajes y dos películas más, mayoritariamente desconocidas para el gran público, Heroine of Hell (1994) y Barefoot to Jerusalem (2004), la cual quedó inacabada en su última fase de postproducción, pero que fue finalizada tras su fallecimiento y estrenada 4 años después. Otro de sus proyectos, Belle, basado en la vida de la asesina en serie Belle Gunness, no tuvo tiempo de completarlo. 

Después de su muerte, el archivo de Keene fue donado al Centro de Cine y Teatro de la universidad de Wisconsin–Madison. Allí permaneció durante décadas en el olvido aunque con única copia que existía de la película. 

Amy Slope, conservadora del Archivo de Cine de Harvard y ex alumna de Nietzchka Keene,  fue la gran impulsora de este proyecto. Slope,  señaló que esta película fue víctima del olvido (“junto con muchas de las otras películas independientes de mujeres durante este período de tiempo”) pero ha sobrevivido gracias a sus evidentes logros artísticos. 

Con la complicidad del reputado restaurador e historiador del cine independiente Ross Lipman (“esta película es maravillosa”, recuerda desde Los Ángeles) ambos se dirigieron a la fundación de Martin Scorsese para conseguir el dinero necesario para restaurar el filme. 

Fue el equipo de Film Foundation quien sorprendido ante el material decidió extender el cheque definitivo. Patrocinio al que luego se sumaría también la fundación de George Lucas. 

La historia de 'Cuando fuimos brujas', parte de un cuento de los hermanos Grimm cuyo título original, 'The juniper tree' ('El enebro') que adaptó la misma Nietzchka Keene. la película contó con la música de Larry Lipkis y la fotografía de Randolph Sellars.

El reparto lo integran cuatro personas Björk como Margit, Bryndis Petra Bragadóttir como Katla, Valdimar Örn Flygenring como Jóhann , Geirlaug Sunna Þormar como Jonás, Gudrun Gildottir como la madre. 

La historia se desarrolla a finales de la Edad Media, en un área rural de islandia. En ella conocemos a la joven Margit (Björk) que la hermana pequeña de Katla (Bryndis Petra Bragadóttir ) , una joven con poderes especiales. Ambas huyen a las montañas después de la muerte de su madre que ha sido quemada por brujería. 

Las hermanas encuentran refugio con Jóhann ( Valdimar Örn Flygenring ), un viudo que vive con su hijo pequeño Jónas (Gudrun Gildottir ) que vive área aislada criando ganado. 

Mientras Katla trata de seducir al campesino, como ya hizo durante el camino, Margit y Jónas se hacen buenos amigos. Pero el pequeño está convencido de que Katla es una bruja y la odia profundamente más aún cuando para él sigue viva la presencia de su madre, tumba visita y lleva flores a diario. 

Katla , está convencida de sus poderes mágicos, en un universo amatorio. Pero más que del fuego de una hoguera, ella lo que teme es la soledad y el hambre. Mientras intenta realizar uno de sus "embrujos" amatorios, surgidos de la superstición , es vista por Jonas que desde es momento la tacha de bruja. 

La soledad del ambiente y el paisaje en una isla desértica y salvaje hacen el resto. Por un lado el hombre viudo se mueve entre sus deseos más primarios y el cariño de su hijo. Y a pesar del embrujo, Jóhann recela de Katla cada vez que la ve hablando con su hijo. 

La joven Margit durante el camino ha tenido visiones con una mujer. Ya asentada descubre que esa mujer a la que ve como algo próximo y cercano en lo afectivo es su propia madre. Eso le transmite al joven Jonas que también desea ver a su madre que está enterrada junto a un enebro en el que paran algunos cuervos. 

A pesar de que por las noches Jóhann y Katla tienen sexo en ocasiones, en otras ve en ella una intrusa en la vida entre padre e hijo. Por otro lado, Margit que ve a su madre en muchas ocasiones parece querer ayudare a Jónas, a través de su hija menor por lo que este le entrega un amuleto para proteger al muchacho. Katla se ve cada vez más aislada y alejada de su hombre. Eso irrita a una temerosa mujer que , un día, en el que Jóhann ha salido con Margit fuera de la granja, se encuentra con el niño en la ladera de un acantilado. Allí el pequeño le dice lo que sospecha de él, y de la enorme confianza que tiene en Margit. 

Cuando Katla le reta a que si tanto confía en su hermana que se lance volando por el acantilado, Jonas le dice que, por supuesto, pero como va reculando ante la presencia de Katla tiene la mala suerte de caer por el mismo y matarse. 

Al bajar del escarpe Katla opta por cumplir con un rito para ganarse el amor de Jóhann, le corta el meñique y lo pone en la cazuela. Al llegar Johann y su hermana, el chico no está. Katla , lo intenta tranquilizar con la comida. 

Mientras comen, Margit encuentra el dedo del chico y lo oculta en su traje. A la mañana siguiente lo entierra junto al cuerpo de su madre. Pero tras tener una nueva visión con su madre, se acerca a Jóhann y a su hermana y les cuenta que ella sabe que el chico ha muerto, que la responsable de la muerte es Katla, pero que no hubo maldad ni intención. Ante lo que dice Katla toma los caballos y se marcha. Jóhann y Margit se quedan solos y comienzan a vivir una nueva vida. Con Margit cerrando la puerta de la casa se pone fin la película. 

La película fue rodada entre 1986 en Islandia en espacios como Seljalandsfoss Waterfall, y también en 1987, Keene lo montó en 1989 y un año después empezó su despliegue por festivales independientes, aunque quedó sin distribución comercial. 

La película, para aquellos que conocen el proceder de la directora, Nietzchka Keene, - vamos, no es mi caso- responde a elementos en común que aparecen en su obra, especialmente en lo referente a su iconografía religiosa y al tratamiento feminista de sus historias en este caso con las actrices Björk y Bryndis Petra Bragadóttir como protagonistas. La primera por lo tanto debutó. 

En 2000, Björk logró el máximo reconocimiento a una actriz en el Festival de Cannes por su papel en el musical de Lars Von Trier Bailando en la oscuridad, que también se alzó con la Palma de Oro. Poco después, la cantante anunció que no volvería a trabajar en el cine. La experiencia, según ella misma ha dejado saber con los años, fue traumática. 

Cuando fuimos brujas está inspirada en un cuento de hadas de los Hermanos Grimm y es un drama pictórico cuyas imágenes preciosistas y al tiempo fantasmagóricas, rodadas en blanco y negro, para crear una atmósfera mística.

 

La película fue presentada en 1991 en el Festival de Sundance siendo Nominada al Gran Premio del Jurado aunque también ganó el Prix du Public en el Festival des Films des Femmes de Montreal y fue considerada la Mejor Ópera Prima en el Festival Internacional de Cine de Troia (Portugal) en 1991. Tras eso no encontró distribuidor. 

Pero en 2019 adquirió nuevo protagonismo al ser presentada en Festival de Sitges 2019 en la Sección Seven Chances y más tarde reestrenada en salas tras una restaurada en 4K por el Wisconsin Center for Film & Theater Research y The Film Fundation, con la ayuda económica de la George Lucas Family Fundation. 

Las críticas en positivo se sucedieron David Ehrlich de IndieWire dijo de ella que era "Una joya etérea lista para ser redescubierta (...) El debut de Keene revitaliza un cuento de hadas hiper-violento cuestionando la misoginia que defiende su orden moral" 

Robert Abele de Los Angeles Times escribió que "Keene sólo hizo dos películas en su breve vida, pero 'The Juniper Tree' es suficientemente absorbente para lamentar que no hubieran existido más".

Carson Lund de la revista Slant comentó que la película "Triunfa sobre todo como poema visual, y en sus rápidos 78 minutos, su expresionismo de bajo presupuesto es suficiente para superar un drama que, en ocasiones, resulta pesado (...) " 

Glenn Kenny en The New York Times sostuvo que "Tiene un estilo que no participa de las influencias previsibles - esperarías ecos de Ingmar Bergman o Carl Dreyer - pero tiene una voz enteramente suya" 

Y en otro semanario neoyorkino Richard Brody en The New Yorker dijo de ella que era "Lírica y austera (...) Björk imprime a su rol visionario una calma sobrenatural" 

Ya en España destaca lo escrito por Elisa Fernandez Santos en El País quien afirmó que "La fotografía firmada por Randy Sellars no solo absorbe la inhóspita belleza del paisaje sino la de una intérprete a la que ya entonces le bastaba su mera presencia para evocar fuerzas ocultas de la naturaleza". Y añade en el mismo artículo que "la película se presenta ahora no solo como una obra sin tiempo y de imponente belleza sino como un filme con una temática de actualidad gracias a la nueva ola feminista: el recuerdo de cómo miles de mujeres y niñas padecieron a lo largo de la historia la persecución, la tortura y la condena a muerte bajo la acusación de ser brujas, hechiceras o magas. Procesos salvajes de los que Keene quiso hablar desde su poético aquelarre islandés. Pero ni el éxito estratosférico de su bruja protagonista logró evitar el ninguneo a una obra que, según Amy Slope, es un poderoso doble ejemplo “del aislamiento cultural que condena a las mujeres visionarias”. ". 

Quim Casas en El Periódico escribe que la película "remite a una determinada poética de dos grandes cineastas escandinavos, Ingmar Bergman y Carl Theodor Dreyer, ligada también a la fantasía, la brujería y lo sobrenatural: 'El séptimo sello', 'El manantial de la doncella' o 'Dies Irae'. ( ...) Los personajes de 'Cuando fuimos brujas' no avanzan hacia Dios ni hacia el diablo, pero definen bien la pugna entre el raciocinio y lo sobrenatural: los hechizos inexplicables de Katla o la aparición de la madre muerta que contempla en silencio a sus hijas." 

Para Daniel De Partearroyo en Cinemanía se trata de "Una película endiabladamente fascinante (...) una historia de brujería sin ambages (...) Hiperbalada medieval de emancipación femenina tan volcánica como la tierra islandesa o el aura mágico de Björk. (…)" 

Desirée de Fez en Fotogramas comenta que "La primera película de Nietzchka Keene se estrena en España casi con treinta años de retraso pero, paradójicamente, llega en el mejor momento posible. Restaurada en 4K por el Wisconsin Center for Film & Theater Research y The Film Fundation, con fondos de la George Lucas Family Fundation, Cuando fuimos brujas establece un sugerente diálogo con el presente al menos en dos direcciones. Por un lado, es el revulsivo perfecto al cine fantástico actual más obvio en sus premisas y menos arriesgado en la caligrafía. Centrada en la huida de dos hermanas (una de ellas interpretada por Björk en su debut en el cine) tras la muerte de su madre, acusada de brujería y quemada en la hoguera, la película de Nietzchka Keene está tocada por el misterio. Un misterio –ligado tanto a lo humano como a lo esotérico– que se expresa por igual a través de las acciones de los personajes y de sus enigmáticas y poderosas imágenes. Rodada en un imponente blanco y negro (si bien las comparaciones con Bergman o Dreyer se sienten antojadizas), Cuando fuimos brujas crece en las escenas deliberadamente fantásticas, en los pasajes de brujería (el pecho insondable de la madre, el ritual macabro de la hermana). Keene se revela en ellas una creadora personal, original, arriesgada y nada caprichosa de imágenes fantásticas preñadas de (turbias y dolorosas) emociones. Es en sus pasajes más genéricos donde el filme abre la otra línea de diálogo con el presente. A años luz del cine contemporáneo que se pretende feminista con cuatro eslóganes metidos con calzador, la película de Nietzchka Keene haya en la brujería (y en la superstición, el rumor, el miedo) la manera de hablar –con contundencia pero sin tesis rígidas– de una misoginia profunda y atávica, del miedo a la mujer y de los vínculos entre madres, hijas y hermanas".  Y en un tweet posterior comenta que " Cada vez la siente más valiosa y relevante".

El gran Fausto Fernández , habitual en Fotogramas dijo de ella en Twitter que "Cuando fuimos brujas, o cuando un cine europeo y nórdico conjuró a Tarkovski en un drama de mujeres que se podría entender como un western críptico y panteísta. ". 

En filmaffinity se dice que es una " confluencia de distintas dimensiones (la feminidad y la masculinidad, lo mágico y lo terrenal, la fiereza de los mayores y la inocencia de los pequeños), además de la impronta del paisaje" 

La película la he visto en este mes que TCM ha apostado por el cine de mujer. Y esta película es una buena muestra de lo que es el cine en femenino que propone una visión antropológica de una época en la que la brujería y la religiosidad se mezclan y le sirven a su directora para reflexionar sobre la feminidad, la maternidad y el empoderamiento de la mujer en un mundo misógino coartado por la superstición y el poder atávico del hombre. 

Lo cierto es que en determinadas culturas el árbol del enebro (Juniper) era un símbolo de fertilidad y sus bayas se usaban como anticonceptivo femenino para los nativos americanos, pero aquí todo es presentado desde la óptica del cine de arte y ensayo dando lugar a una película compleja , detallista en la que la imagen en un impresionante blanco y negro , lleno de matices, y un sonido que juega un papel importante.  Es una declaración de amor eterno al eterno , espiritual y sosegado cine nórdico que es así desde sus orígenes.

Si la ves, pensarás que es una película lenta y espiritual. Y es cierto, pero también una delicada muestra de la superstición que se combinaba con lo religioso, con el miedo y , especialmente, con el afán de supervivencia. Supervivientes igualmente son los recuerdos, al menos por el momento.

Mud

 

Bill Murray, consejos para la vida

El actor Bill Murray es muy grande. Lo ha demostrado en muchas de sus películas, ya sean comedias, la primera que tengo en mente las dos entregas de The Ghoshbuster , la comedia ectoplásmica más representativa de los ochenta, en Space Jam como amigo de Michael Jordan y de los dibujos, o ese divertimento en la que hace de si mismo en un mundo zombie como es la primera entrega de Zombieland , ya me sirven, o en papeles algo más dramáticos como ese dramaturgo sin suerte en Tootsie, o esa  joya que es Groundhog Day o Atrapado en el tiempo - el tiempo de la marmota, como yo lo llamé- y más serios como en The Monuments Men o en la película de Sofia Coppola, Lost in Traslation - pendiente de realizar la entrada-. 

Es mucho más que eso es un hombre que participa en muchas leyendas urbanas, muy conocidas en los Estados Unidos, mucho menos aquí, pero por lo que se ve y se descubre en The Bill Murray Stories: Life Lessons Learned from a Mythical Man, aquí presentado como Bill Murray, consejos para la vida , es un hombre que trata de aportar pequeñas dosis de magia a la vida de la gente corriente, personas desconocidas, que lo admiran y que es capaz de integrarse por unos minutos u horas en sus propias vidas. 

Eso es lo que nos presenta el documental desarrollado por Tommy Avallone, director y productor de cine natural de New Jersey conocido por su trabajo en los documentales I Am Santa Claus o Waldo on Weed, y que parte de un guion escrito por el mismo y Max Paolucci para plantearnos la tesis de si son ciertas las muchas historias que tienen como protagonista a Bill Murray y que lo convierten en unb ser cercano y querido en los Estados Unidos. 

El documental, hecho de la manera más pedrestre, amparado por los productores Raymond Esposito, Max Paolucci, Derrick Kunzer y Kevin Sisti Jr.para la productora Double Windsor Films y Old Lime Productions con sólo tres operadores, encabezado por el mismo Avallone y que cuenta con el apoyo técnico en la fotografía de Derrick Kunzer - Avallone se edita a si mismo- y a la que ha ido introduciendo la música de John Avarese en un recorrido vital por la personalidad de Bill Murray, y en la vida de otras personas como John Barnhardt, Johnathan Davis, Albert DiGiacomo, Gavin Edwards, Peter Farrelly, Brian Gallagher, Josh Horowitz, Rachel Keefe, Joel Murray, Ryan Petrillo. 

Para ello Avallone que intenta inicialmente contactar con Bill Murray, un actor sin agente, con un teléfono que únicamente conocen sus más allegados, y al no conseguirlo inicia un periplo que lo lleva desde Charleston en Carolina del Sur de donde es partícipe del equipo de Beisbol local hasta Chicago en su Illinois natal, pasando por Los Ángeles , la texana Austin, Chicago - la ciudad que en la que formó como actor- y llegando hasta Saint Andrews. 

A lo largo del periplo vamos conociendo anécdotas que humanizan al antidivo que es. Se acerca así a la vida de este cómico que fue lanzado al estrellato en en el mítico programa de humor Saturday Night Live, en la que estuvo tres temporadas entre 1977 y 1980, actuación que le valió obtener un premio Emmy, y más tarde protagonizó películas cómicas como Caddyshack (1980), Los Cazafantasmas (1984) y Groundhog Day (1993). Posiblemente su origen humilde, su amor a la música El documental fue presentado en el Hot Docs Canadian International Documentary Festival , el más importante festival de Norteamérica y fue nominado en el American Film Festival. 

Para la crítica el documental de Avallone es un buen modelo de cine documental. Para Peter Howell, del periódico canadiense Toronto Star, dijo de ella que "Las historias de Bill Murray: lecciones de vida aprendidas de un hombre mítico aborda el divertido y extraño hábito de la estrella del título de irrumpir casualmente en la vida normal". 

Richard Roeper del Chicago Sun-Times le dio una buena valoración a "The Bill Murray Stories" , mientras que John DeFore del The Hollywood Reporter le gustó la película, pero la calificó como "una exploración de la cultura pop agradable pero apenas esencial". 

Gracias al mismo vemos que muchas leyendas urbanas sobre él son ciertas. Descubrimos que es capaz de salir en la foto de una pareja de Charleston que preparaba su boda, capaz de ir acompañando a un grupo de chicas en una fiesta privada en Austin, leer poemas a un grupo de trabajadores, ponerse detrás de la barra de un bar de copas, hacer amistad con un camarero, pinchar música en una fiesta, jugar al fresbee con un grupo de jóvenes, ponerse a limpiar vasos en una fiesta en Saint Andrews o hacerse fotos con quien se lo pida. Un hombre que aparenta ser normal y devorverle al mundo lo que el mundo le ha entregado.

El último boy scout

 

Carlos Pumares era el encargado de llevar un programa de cine en la radio. Su cadena era Antena 3 Radio, cuando Antena 3 era simplemente eso, un punto en el Dial. Comenzaba justamente tras el final del programa deportivo que guiaba José María García. Recuerdo aún como puso a parir a García el día que anunció que abandonaba el programa. 

El crítico de cine, pero también Físico, natural de Portugalete era amante del cine clásico, de la buena música, de poner fragmentos de películas con las voces originales , que en España no había donde escucharlas y de responder a los oyentes que querían preguntar y, en ocasiones, incordiar con un "Sí, buenas noches, digamé". 

Recuerdo un día que habló de una película que no habían estrenado no hace mucho. Era "El último boy Scout" afirmando que el mismo tenía uno de los comienzos más trepidantes del cine cuando un jugador de fútbol americano se pega un tiro en la sien tras, recibir una llamada vinculada con las apuestas ilegales y que una vez escuchada la amenaza radiofónica sale al campo toma el balón y se lanza hasta el final de la línea cuando le sale a frenarlo el saca una pistola y le pega un tiro uno, al otro y finalmente cuando frena en seco, una vez, convertido el espectáculo deportivo en una tragedia, pronuncia una frase tremenda: “La vida es una mierda”. Tras eso se pega un tiro y le salen los sesos de la cabeza. 

Así comienza la película del británico Tony Scott, el hermano de Ridley que en el año 2012 y , sin razón aparente alguna, acabó con su vida arrojarse de un puente en Los Ángeles no sin antes dejarnos muchas y buenas películas como la que aparecen en esta imagen inferior. Según el parte médico, no padecía cáncer, ni ninguna enfermedad grave o terminal. Lo mismo pensó con el futbolista, la vida era una mierda. 

La película producida por Joel Silver y Michael Levy para las productoras Geffen Pictures, Silver Pictures y Warner Bros. El guion escrito por Shane Black de una historia surgida de la mente de Shane Black y Greg Hicks. 

Contó con la musica escrita por Michael Kamen, la fotografía de Ward Russell y el montaje de Stuart Baird, Mark Goldblatt y Mark Helfrich. 

La película está interpretada por Bruce Willis como Joe Hallenbeck y Damon Wayans como Jimmy Dix. Junto a ellos están Chelsea Field como Sarah Hallenbeck, Noble Willingham como Sheldon Marconey Taylor Negron como Milo. 

Aparecen igualmente Danielle Harris como Darian Hallenbeck, Halle Berry como Cory, Bruce McGill como Mike Matthews, Kim Coates como Chet, Chelcie Ross como el senador Calvin Baynard, Joe Santos como Capitán Ben Bessalo, Clarence Felder como el teniente Mick McCaskey, Tony Longo como Ray 'Big Ray' Walston, Frank Collison como Pablo, Eddie Griffin como Club DJ, Billy Blanks como Billy Cole y Colby Kline como Darian más joven. 

La película comienza con un videoclip de Bill Medley cantando Friday Night's A Great Night For Football mientras van saliendo los títulos de crédito en el que se intercalan acciones de un partido de fútbol americano. 

Durante el descanso de un partido de fútbol televisado, un jugador de los LA Stallions, Billy Cole (Billy Blanks ), que juega contra los Cleveland Cats, recibe una llamada telefónica de un hombre que dice ser Milo, quien le advierte que gane el partido o morirá asesinado. 

Tras la llamada Cole toma una sustancia dopante y , salta al campo. Al reiniciarse el juego el quarterback le lanza el balón y este lo toma en sus manos e inicia una carrera en la que va esquivando a los que le salen al paso. Sin embargo, ante la presencia de un defensor,  y para sorpresa de todos, saca un arma que porta y comienza a disparar a los tres jugadores rivales que le salen al paso, para llegar a la zona de anotación. Una vez ha frenado, Cole se dispara en la cabeza afirmando que todo es una mierda. 

A la mañana siguiente, nos encontramos con el investigador privado Joe Hallenbeck (Bruce Willis), está durmiendo en su coche. Se trata de un ex integrante del Servicio Secreto presidencial que ha salido deshonrado como agente tras golpear a un senador que estaba maltratando a una chica, no importando que en un momento dado y previo fuese un héroe nacional por salvar al presidente de un intento de asesinato.

Unas vez recompuesto va a su despacho recibe la llamada de su colega y mejor amigo Mike Matthews ( Bruce McGill) que le propone un trabajito: vigilar a una chica joven, una streapper, y protegerla por unos 500 pavos. 

Al llegar a casa descubre que su esposa Sarah (Chelsea Field  )  está en pijama. Pregunta por su hija, pero de inmediato mira debajo de la cama y pregunta que dónde está él. Joe tiene claro que su mujer teniendo una aventura pero no sabe quién es. 

Tras apuntar al armario ropero, del mismo sala su mejor amigo, Mike Matthews. La tensión en la casa es total, pero Joe acompaña a la calle a Mike para que tome el coche.

Mientras hablan Mike le da a Joe las referencias necesarias para que comience a actuar como guardaespaldas de una stripper bellísima llamada Cory (Halle Berry). Una vez despedidos Mike se mete en el coche que, de inmediato, salta por los aires. 

Ahora le toca saber a Joe por qué a Mike le colocaron una bomba bajo el coche. Mientras tanto la policía empieza a indagar en Joe, su esposa y los trabajos de Mike. 

De cualquier manera Joe comienza a trabajar con el encargo de Mike y va al bar donde trabaja Cory. Allí Joe contacta con la chica que le explica que lo quiere cerca cuando salga del trabajo. 

Cuando la chica se dispone a trabajar ante el público, Joe es abordado por el novio de Cory, el antiguo quarterback de los Stallions, Jimmy Dix (Damons Wayans) quien fue expulsado de la liga por temas de juego, apuestas ilegales-  y presunto abuso de drogas- dopaje-. 

Después de una discusión entre Joe y Jimmy, , un hombre que se muestra celoso e impulsivo, y además molesto con la presencia del detective, saca a Cory de su "jaula" de baile mientras ella está actuando. Tras esto Joe , la espera afuera, aunque es noqueado por un equipo de sicarios.

Por su parte, Jimmy y Cory salen del bar en coches separados mientras que Joe se queda para golpear a uno de los sicarios. Cuando salen el coche de Cory es golpeado por detrás y se detiene para enfrentarse al otro conductor, pero los sicarios la matan. 

Igualmente Jimmy es atacado e inmovilizado, pero Joe lo salva, aunque Joe se deshace de algunos de ellos.

Una vez que no tienen nada que hacer por la vida de Cory, y tras llegar la policía, ambos van a casa de Cory. La casa está asaltada, pero Jimmy y Joe encuentran una conversación telefónica grabada entre el senador Calvin Baynard, quien dirige una investigación del Congreso sobre los juegos de azar en los deportes, y el propietario de Stallions, Sheldon Marcone. Joe entiende que Cory tenía una historia con el Senador, precisamente el hombre que acabó con su carrera profesional dentro de la policía.

Cuando intenta escuchar con más detalle la cinta esta se estropea en el estéreo del coche de Joe, Jimmy se da cuenta de que Cory intentó usar la cinta contra Marcone para intentar que Jimmy regresara de nuevo al equipo, lo que llevó a Marcone a enviar a los sicarios. 

Joe salva a Jimmy de un segundo coche bomba al que le han colocado explosivo plástico y logra que dos sicarios que se han acercado les explote el coche, saltando ello por un terraplén en el último momento. Desafortunadamente, la explosión destruye las evidencias restantes. 

Joe le revela a Jimmy que cuando estaba en el Servicio Secreto, fue testigo de cómo el senador Baynard (Chelcie Ross ) torturaba a una mujer en una habitación de hotel y que por eso agredió al senador para frustrar el ataque. Baynard tomó represalias haciendo que Joe fuera despedido del Servicio Secreto por negarse a encubrir el incidente. 

Una vez que saben uno la historia del otro, van ambos a casa de Joe, Jimmy conoce a la abrasiva hija de Joe, Darian (Danielle Harris  ). Vemos que la chica es muy borde con su padre y con el recién llegado al que reconoce como el jugador que fue. Pero ella no perdona a su padre por impedirle salir de fiesta. 

Cuando Joe descubre a Jimmy , que ha pedido permiso para ducharse, intentando usar cocaína en el baño, Joe lo echa de su casa. Cuando Jimmy se va, Darian, que se disculpa, le pide que firme un autógrafo, ​​indicando que su padre Joe era aficionado al deporte y que  Jimmy era su favorito y que t5ras ser apartado de la Liga por el juego y consumo de drogas y nunca volvió a ver otro partido. Jimmy le deja un autógrafo dedicado que dice "Para la hija del último Boy Scout". 

Mientras la policía sigue con su investigación y al saber por un vecino que el coche de Mike pasó toda la noche en la calle, desdiciendo la declaración de Joe que señaló que había ido expresamente a la casa para hacerle el encargo de Cory deduce que había una aventura entre Mike con Sarah, por lo que los detectives el Capitán Ben Bessalo (Joe Santos) y el  teniente Mick McCaskey (Clarence Felder) asumen que Joe lo mató y lo detienen. 

Pero Milo (Taylor Negron) , el principal secuaz de Marcone, captura a Joe primero y dispara a McCaskey con el revólver de Joe. 

Tras eso lo llevan a Joe ante Marcone que le explica a Joe que ha estado comprando votos en el Senado para legalizar el juego deportivo, pero que Baynard trató de chantajear a Marcone por $ 6 millones.

Siendo consciente de la conocida historia pasada de Joe con Baynard, Marcone le dice que sería más barato matar al senador e incriminar a Joe por el asesinato. Ante esto Joe se ve obligado a entregar un maletín lleno de dinero a los guardaespaldas de Baynard mientras alguien toma fotos, pero se da cuenta de que Milo lo cambia con un maletín con cables  explosivos. 

Mientras tanto Jimmy está buscando a Joe, pero la sorpresa llega cuando a la búsqueda se suma una descarada Darian que se mete en el coche con Jimmy al que lleva hasta la casa del Senador. Tras seguir al coche al que llevan a Joe, logran rescatarle. 

Una vez es rescatado por Jimmy y Darian, y con ambos maletines después de sacar a los guardaespaldas y a Milo de la carretera., aunque éste sobrevive, y mientras Darian se queda esperando a la policía, Milo la secuestra. 

Al dirigirse al estadio para rescatar a Darian, Joe y Jimmy son capturados y escoltados a la oficina de Marcone. Jimmy los distrae, lo que les permite luchar para liberarse. Al darse cuenta de que Milo intentará dispararle a Baynard desde una torreta eléctrica del estadio, Joe lo persigue mientras envía a Jimmy para advertir al senador. 

Agarrando la pelota del juego, Jimmy se la lanza a Baynard y le da en la cara con lo que lo derriba justo cuando Milo comienza a disparar. 

Mientras tanto Joe golpea a Milo contra el borde de la plataforma de luces del estadio, donde los agentes de los SWAT le disparan varias veces. Milo luego cae sobre las palas del rotor en movimiento de un helicóptero de la policía. 

Marcone, mientras tanto ha huido y recupera el maletín de dinero. Pero Marcone no sabe que se ha llevado el maletín modificado lleno de explosivo así que muere cuando lo abre en su casa como comprueban al ver estallar la casa que tiene en las colinas desde la distancia. 

Al día siguiente, Joe y Sarah se reconcilian, mostrando solidaridad con una Darian mucho más receptiva. Por otro lado,  Joe y Jimmy deciden convertirse en socios, y Joe le dice a Jimmy su lema: " Prepárate ". 

La película se basó en un guion original de Shane Black . que escribió el mismo después de haber estado descansando por un periodo de dos años. Black recordó en una entrevista posterior que "Estaba ocupado llorando mi vida y, en muchos sentidos, la pérdida de mi primer amorl. No tenía muchas ganas de hacer nada más que fumar cigarrillos y leer libros de bolsillo. Todas las cosas vuelven. Pasó el tiempo y, finalmente, me senté y transformé parte de esa amargura en un personaje, el foco central de una historia de un detective privado que se convirtió en The Last Boy Scout . Escribir ese guion fue una experiencia muy catártica, una de las mejores experiencias que he tenido. Pasé mucho tiempo solo trabajando en eso. Días en los que no hablaría. Tres, cuatro días en los que quizás dije un par de palabras. Fue un momento maravillosamente intenso en el que mi concentración fue mejor que nunca. Y fui recompensado tan generosamente ($ 1,75 millones) por ese guion que se sintió como una reivindicación y como si hubiera vuelto a la normalidad". 

Ese dinero por un guion fue en ese momento una cifra récord pagado en este caso por la Warner, a pesar de que la ya desaparecida Carolco Pictures le ofreció 2,5 millones. Lo cierto es que Black quería volver a trabajar con Joel Silver, como ya hizo con Arma Letal, por cierto algunos de cuyos fotogramas salen en la televisión que mira Darien.  

El escritor Shane Black tuvo que luchar con su guion y como relata “Me vi obligado a reescribir más esa película que cualquier otra cosa que haya hecho. Hubo una tremenda presión por parte del estudio para conseguir a Bruce Willis y que esto fuera una continuación de Die Hard . Se mostró reacio, y con razón: 'Toda esta película trata sobre mí salvando a mi esposa. Acabo de hacer eso en Die Hard. Entonces dijeron: 'Está bien, minimicemos a la esposa y, ya que estamos en eso, agreguemos un gran final'. Había una presión general para hacerlo más grande de alguna manera ". 

Shane Black y Tony Scott dijeron en años posteriores que el guion original era mucho mejor que la película final. 

The Last Boy Scout se filmó en 90 días entre el 11 de marzo y el 9 de junio de 1991. Se rodó entre Los Ángeles, San Diego y San Marino todas ellas ciudades californianas. Se rodó en concreto en Long Beach, en el Lower Grand Tunnel, en la City Hall de Bervely Hills, Los Angeles Memorial Coliseum , en el área de Pacific Palisades, en el Qualcomm Stadium de San Diego, en la Oak Grove Avenue de San Marino, pero también en West Hollywood.  

La película tuvo una producción muy problemática. Hubo conflictos y   discusiones  entre el director y el productor Joel Silver, el principal actor, Bruce Willis con su compañero en pantalla, que no se soportaban entre sí, y el director Tony Scott. Tony Scott odiaba tanto trabajar con el productor Joel Silver que basó el personaje de Lee Donowitz, productor de películas, consumidor y comerciante de cocaína en su próxima película Amor a quemarropa (1993) en Silver y se aseguró de que se viera y actuara como Silver.  

El productor Silver fue descrito como un "loco, con largos y horribles ataques de cordura", y se lo comparó con un piloto de combate que viajaba como pasajero. "Tan pronto como te topes con un poco de turbulencia, de inmediato va a lanzar el chico por la ventana y hacerse cargo de la dirección ". 

El actor Taylor Negron,   Milo en la película, lo describió como un hombre extremadamente práctico en todos los aspectos de la producción. 

El subdirector James Skotchdopole atribuyó la tensión en el set a una “sobreabundancia de machos alfa en ese proyecto. Bruce estaba en la cima de su estrellato, Joel también, Tony y Shane también. Había mucha gente que tenía muchas opiniones sobre qué hacer. Hubo algunas personalidades acaloradas, de principios de los noventa, cargadas de testosterona en la línea. Era un 'ambiente cargado', digamos ". 

En el The New Yorker, Joel Silver comentó que la realización de esta película fue "una de las tres peores experiencias de su vida". Tony Scott también habló sobre lo miserable que fue la producción, en gran parte porque Silver y Bruce Willis se hicieron cargo de la producción, alteraron partes del guion de Shane Black y lo obligaron a filmar escenas que odiaba bajo la amenaza de ser despedido y tener que perder su salario. 

Un ejemplo de las dificultades fue que casi se produce un motín durante el rodaje en el Coliseo de Los Ángeles. Cientos de extras fueron retirados para un segundo día de rodaje, pero se tomó una decisión de último minuto para cancelar el retiro. Los extras no fueron informados de la decisión y llegaron esperando un día de trabajo. La producción les negó el pago y, a medida que aumentaba el descontento, comenzaron a levantarse contra la barrera que rodeaba el set. Se llamó a la policía antidisturbios para dispersar a la multitud. 

En cuanto a la música destina mucho sonido heredero de los ochenta con una banda sonora compuesta y dirigida por Michael Kamen (quien también compuso Hudson Hawk ese año), su único trabajo para Tony Scott. De hecho la hizo por su amistad personal con Willis y el productor Joe Silver. Pero no quedó nada satisfacho. Además cuenta con la citada canción interpretada por Bill Medley que interpretó la canción "Friday Night's A Great Night For Football", escrita por Steve Dorff y John Bettis , en la pantalla durante los créditos iniciales.

Surgieron más problemas durante la posproducción, cuando el corte original de la película resultó ser una "impresión al límite de lo imposible de ver". Se contrataron diferentes editores , de hecho hay tres acreditados- Stuart Baird, Mark Goldblatt y Mark Helfrich - en un intento de abordar la tendencia de Scott de filmar una cobertura excesiva con múltiples cámaras. El editor Mark Helfrich describió que hubo que clasificar "montañas de materia prima" para editar el primer corte: "Hubo más metraje filmado para The Last Boy Scout que en cualquier película en la que haya trabajado". 

Recordó con incredulidad que el trabajo de los editores anteriores parecía haber sido rechazado, desarmado y vuelto a colocar en los carretes diarios: "Todavía había empalmes por todas partes". 

Por su parte, otro editor como Mark Goldblatt la recuerda como una de las experiencias más dolorosas y frustrantes de toda su carrera, y se niega a discutirla en entrevistas, aunque sí mencionó en una entrevista de podcast que varios otros editores fueron contratados y luego despedidos antes que él. y que Warner Bros. comenzó a probar la película antes de que estuviera completamente terminada. 

Los ejecutivos del estudio se preocuparon por la expansión del presupuesto, mientras que las reacciones poco entusiastas de una audiencia de proyección de prueba, así como el personaje desagradable interpretado por Willis, hicieron poco para disipar estas preocupaciones. 

Cuando se contrató al editor Stuart Baird, la película finalmente dio un giro positivo. Baird había sido contratado para ayudar a reeditar otras producciones problemáticas, como Tango & Cash (1989) y Demolition Man (1993). 

La película se estrenó en diciembre de 1991  y no cumplió en taquilla con las expectativas dado el poder de las estrellas y el precio récord que se pagó por el guión de Shane Black (1,75 millones de dólares).

La película recaudó $ 7,9 millones en su primer fin de semana, y el total  de recaudación mundial de $ alcanzó los 114,5 millones. 

En cuando premios la película fue nominada a dos premios MTV Movie Awards a la Mejor secuencia de acción : para la secuencia de palas de helicóptero y al mejor dúo en pantalla : Bruce Willis y Damon Wayans.

Las críticas fueron variadas, y algunos críticos citaron incluso que se hiciera coincidiendo con el estreno navideño de una película tan violenta como una razón de su taquilla algo decepcionante. 

Aunque la película no fue un éxito de taquilla, ayudó a Bruce Willis a recuperar su estatus de estrella después del desastroso Hudson Hawk y se hizo muy popular en el mercado de alquiler de videos pues se quedó como una obra de culto en la que  muchos elogiaron la escritura, el más caro de la historia hasta que llegó el de Joe Ezsterhas en "Instinto básico", la dirección y la química entre Willis y Wayans. Algunos críticos la señalan como una de las mejores películas del catálogo de Scott. 

Para Roger Ebert del Chicago Sun Times le sorprendió el guion del que dijo: "El guion original de The Last Boy Scout estableció un récord en su precio de compra; eso probablemente se debió al humor del diálogo del vestuario, ya que la trama en sí podría haberse reescrito a partir de las películas de Arma letal de cualquier graduado de una escuela de cine ".  Ebert añadió que era "un excelente ejemplo de lo que es: un thriller de acción brillante, hábil, cínico, inteligente, absolutamente corrupto y vilmente misógino".  

Leonard Maltin dijo de ella que era "Más de lo mismo de la escuela Lethal Weapon de realización de películas de acción hardcore ... Violenta, incluso para los estándares de este género, pero lo suficientemente animado como para que sea una buena vista".

En Variety destacan que "No hay nada especial en esta película de tiros entretenida, aunque descerebrada, más allá de un amplio surtido de bromas juveniles y elaboradas secuencias de acción" 

Para Owen Gleiberman de Entertainment Weekly  se trató de "Un thriller de colegas de moral cuestionable que también resulta ser una de las películas más entretenidas de la temporada"

Ya en España en El País Miguel Ángel Palomo señala que "Tony Scott nunca ha sido sutil: en este insustancial filme ya funciona alborotado del todo. (...) Willis mientras persigue a los malos hace chistes sin parar y bate el récord de tacos dichos en una pantalla. Entretenida es, desde luego, pero no es cine ni de lejos" ; mientras que Fernando Morales en este mismo diario que se trata de una "Imitación de 'Arma letal' a base de acción, intriga y humor. Todo muy repetitivo, pero con el eficaz Willis". 

Por mi tarde señalar que es un buen "budy" filme policíaco con protagonizan dos perdedores en lo vital y en lo profesional , llena de tanta acción como de frases lacónicas y lapidarias y que te mantienen entretenido. Tenía razón Carlos Pumares, la película da mucho más de sí de lo que uno esperar. Lo cierto es que casi siempre tenía razón. "Sí, buenas noches, digamé".

 

El sargento de hierro

 

El martillo de los dioses

Historias vikingas de una familia muy malvenida que hace el vikingo - en Córdoba sabemos lo que significa ser un vikingo- . No , no hablamos del martillo de Thor, que pudiera sugerir el nombre. 

Hablamos de Hammer of the Gods, una película dirigida por Farren Blackburn , un director y guionista de cine y televisión británico que ganó un BAFTA a la mejor miniserie dramática por The Fades, que vi hace años. También lo recuerdo por ser el director de series como la serie de la BBC Los mosqueteros y, especialmente, por algunos episodios de Doctor Who como "The Rings of Akhaten" y el especial de Navidad de 2011, "The Doctor, The Widow and the Wardrobe" . También dirigió la serie policial Luther , Los inocentes , el thriller psicológico Shut In protagonizado por Naomi Watts, Daredevil de Netflix / Marvel , Iron Fist o The Defenders . 

Los vikingos son siempre un pueblo con gran proyección en la pantalla. Si alguna película clásica los colocaba en el centro de sus historias- como las míticas Los vikingos de Richard Fleischer o , incluso, El príncipe Valiente de Henri Hathaway, lo cierto es que el Universo vikingo ha resurgido gracias a esa magnífica serie que ha sido Vikings que nos ha traido a Ragnar Lodbruk y a sus hijos. Hasta los rusos han visto el peso de los varegos en su pasado y lo han llevado al cine. 

En este caso la película no le llega a la altura de los zapatos ni en la historia ni en el tipo de producción. Queda a años luz de todo lo citado. 

El martillo de los dioses fue producido por Rupert Preston y Huberta Von Liel para las productoras Vertigo Films y TV Puls. La película desarrolla el guion escrito por Matthew Read. La música cuenta con la música de Benjamin Wallfisch, la fotografía de Stephan Pehrsson y el montaje de Sam Williams.

El reparto lo encabeza Charlie Bewley como el príncipe Steinar y sus hombres Clive Standen como Hagen, Michael Jibson como Grim, Guy Flanagan como Jokul . Junto a ellos aparecen James Cosmo como el viejo rey Vikingo Bagsecg, Elliot Cowan como Hakan, Glynis Barber como Astrid y Ivan Kaye como Ivar. Aparecen igualmente Alexandra Dowling como Agnes, Finlay Robertson como el príncipe Harold, Francis Magee como Ulric el cronista, Salomon Thomson como Wilfred, Michael Lindall como el líder sajón, Laura Sibbick como un mujer sajona y Theo Barklem-Biggs como el príncipe Vali. Igualmente aparecen Michael Jibson, Guy Flanagan, Susan Fordham. 

Los personajes protagonistas son presentados en batalla sangrienta frente a un grupo de sajones con sus nombres nada más desembarcar. Se trata del joven príncipe Steinar (Charlie Bewley) y sus hombres más cercanos como son su consejero Hagen (Clive Standen), un guerrero asalvajado como Grim (Michael Jibson) y el supersticios y respetuoso con las tradiciones como Jokul (Guy Flanagan). 

Tras enfrentarse a un grupo de sajones, no dejando títuere con cabeza, descubrimos que Steinar es un joven principe vikingo que ha sido llamado con su padre que se encuentra en lucha contra los sajones por el control del centro de la isla de Gran Bretaña. Estamos en 871 d.C. 

Steinar y sus hombres no han venido solos. El y sus hombres han llegado con el fin de sumarse a los guerrerps que luchan contra un levantamiento sajón que está aplastando a las fuerzas de ocupación lideradas por su padre, el viejo rey Bagsecg (James Cosmo). 

Antes de llegar al campamento de su padre, Steinar su encuentra con su medio hermano menor Vali (Theo Barklem-Biggs ), que le informa que su padre está gravemente herido. Steiner es convocado a una reunión familiar con su padre, su hermano mayor Harold y al que asiste Vali que no cuenta con el apoyo de nadie al ser medio sajón. 

Ausente está su hermano mayor, Hakan (Elliot Cowan ), a quien no se ha visto en más de una década debido a que fue expulsado de la dignidad real por razones desconocidas para Steinar. Bagsecg, que está postrado en cama y muriendo, teme dejar el trono a Harold ( ya que sería el siguiente en la línea dinástica tras Hakan) . Pero al padre no le gusta, pues no es ni valiente ni un gran guerrero, sino que cree en la solución diplomático con los sajones, con los que se entiende.

Para sorpresa de todos el rey ordena a Steinar que mate a Vali por cobardía, para poner a prueba su fuerza como líder. Pero Steinar se niega y advierte a Harold, quien intenta ganarse el favor de su padre que s´está dispuesto. Furioso por su actitud, Bagsecg despide a Harold y Vali y ordena a Steinar que haga algo complicado como que se aventure en las hostiles tierras inglesas para encontrar a Hakan y traerlo de regreso para que pueda asumir el trono. 

En principio la misión es para Steinar en exclusividad. Pero junto a él se irán sumando sus amigos, con los que ha desembarcado como son Hagen, Grim, y Jokul. Una vez que han salido se les une Vali, quien advierte que ha sido testigo de cómo su hermanastro Harold se ha reunido en secreto con el Rey Sajón. A pesar de la urgencia por regresar, Steinar sigue adelante. 

El objetivo es la misión y para solucionarla han de encontrar previamente a un antiguo guerrero de Hakan, Ivar el Deshuesado (Ivan Kaye) , un vikingo solitario y sodomita. 

Tras dejar a Vali con los caballos , los otros van en busca de Ivar al que localizan. Este vive con una esclava llamada Agnes (Alexandra Dowling) y un esclavo mudo . Tras encontralo Ivar acepta llevarlos a donde cree que está Hakan . Al viaje su suma Agnes. 

Cuando regresan al lugar en el que estaba Vali, descubren que los caballos han sido sacrificados. Al rato aparece Vali que comenta lo ocurrido. Ha sido asaltado por un hombres encapuchados. Tras decidir seguir adelante , el grupo se encuentra en una zona arbolada y con niebla. 

De la niebla salen los hombres encapuchados y se enfrentan a todos. Los hombres sin rostro matan a Grim y , poco después, vuelven a atacarlos y los capturan a todos. 

Estos hombres enmascarados descubrimos que son caballeros sajones de fe cristiana, su capitán confirma que Harold ha estado negociando en secreto una rendición, con la condición de que permanezca en el poder dirgiendo su pueblo. Pero el capitán le propone a Steinar que él sería el más adecuado para gobernar su clan, si aceptaba someterse al cristianismo. 

Steinar se niega, sabiendo que eso implicaría un enfrentamiento con los suyos que no aceptarían el dominio de los cristianos . Vali, sin embargo, cambia de bando para salvar su vida y es llevado a una iglesia cercana. Los demás están atados a unos robles. A Ivar lo han castrado por morder la oreja de un soldado y se está desangrando. 

La única que no ha sido tomada como prisionera es Agnes que, al desaparecer la guardia de vigilancia para llevar a Vali a la Iglesia , aprovecha la coyuntura para liberar a Steinar. 

Este libera luego a Hagen y Jokul. Ivar muere por la pérdida de sangre, pero le dice a Steinar antes de morir dónde puede encontrar a Hakan. 

Tras eso rescatan a Vali, pero Hagen y Jokul exigen que lo maten por su cobardía y traición, lo que obliga a Steinar a matar a Hagen en duelo para proteger a su hermano. 

Ahora, los cuatro supervivientes con Agnes incluida, se dirigen a un bosque al que Jokul teme entrar. Steinar lo hace y pide a los demás que lo acompañen. Pero Steiner al entrar en la cueva es capturado, esta vez por una tribu que habita en las profundidades de una cueva cercana. Llevado allí, Jokul es asesinado y luego se sirve como banquete de la tribu, Vali cambia de bando nuevamente, mientras que Agnes es reclamada por el jefe tribal, que resulta ser el hermano mayor de Steinar, 

Hakan (Elliot Cowan), a quien la tribu adora como a un dios. Durante la celebración, Steinar se encuentra con su madre Astrid ( Glynis Barber), a quien creía muerta, y que ha sido abducida por el jefe espiritual de esa tribu cavernícola y antropófaga que resulta ser Hakan. 

Steinar descubre que la verdad detrás del exilio de Hakan está en la relación que comenzaron su madre y su hermano que comparten abiertamente un apasionado beso. 

Después de que Hakan mata a Vali para aumentar su dominio sobre la tribu, él y Steinar son bajados a un pozo oscuro para luchar hasta la muerte. A pesar de que Astrid le entrega en secreto a Hakan un cuchillo para ganar, Steinar sale vencedor . 

La tribu se inclina en sumisión mientras Astrid, en un intento de matar a Steinar, es arrojada al pozo por él. Más tarde, Steinar regresa al campamento de Bagsecg con Agnes y le presenta la cabeza de Hakan a su padre. Harold argumenta que se suponía que debía traer de vuelta a Hakan con vida. Pero Bagsecg responde "Fue enviado a buscar un rey" viendo que Steinar ahora está listo para liderar a su gente. Tras esto Steinar mata a Harold por su traición, ante los aplausos de Bagsecg. 

Más tarde, con Agnes a su lado, reúne a su ejército y los arenga para enfrentarse a las fuerzas sajonas que se acercan acabando así la película. 

La misma se rodó en el Beacon national park de Gales. En la película aparecen un par de actores de la serie Vikings como Clive Standen, Rollo en la serie e Ivan Kaye que hace aquí de Ivar the Boneless , aunque en la serie es el Rey Aelle. Y alguno de Juego de tronos como James Cosmo, veterano jefe de la Guardia de la noche, aquí el Rey Bagsecg. 

La película fue estrenada en julio de 2013 siendo un fracaso de público. Las críticas en general fuerpn bastante malas.

Sin embargo, Tom Huddleston de Time Out comentó que "No es una obra de arte, pero para ser una chapucera película de acción casera, es sorprendentemente sólida (...)" 

Peter Beech de The Guardian escribió "Un sentido del humor y algunas escaramuzas pirotécnicamente sangrientas animan esta historia de un vikingo en un terreno hostil sajón". 

Matt Glasby en las páginas de la revista Total Film escribió: "Dirigido y actuado con valentía, pero un poco gastado en términos de trama y diseño, es adecuadamente salvaje pero no lo suficientemente divertido como para perdonar los defectos". 

Dean Essner de Slant Magazine la calificó como "un ejercicio insoportablemente estúpido en sangre que merece morir de la misma muerte cruel y desalmada que casi todos los personajes hacen en algún momento" 

Mark Adams en Screendaily dijo de ella que "Desgraciadamente el guion nunca se aprovecha de la sombría estructura, y se basa en clichés en lugar de hacerlo en la violenta oscuridad que hizo a 'Valhalla Rising' tan melancólicamente impresionante" 

Philip French de The Observer la calificó como "un entretenimiento desagradable, brutal y relativamente corto, dirigido a los conanistas de la mitad del rollo" 

En general estoy de acuerdo con lo que han calificado los críticos. Lo peor de una película, que en el fondo es de aventuras es que no te entretengan, que no te estimulen, sino que se convierta en un lebrillo de barro. Y eso me ha parecido una oportunidad perdida para contar una road movie histórica a pie. No tiene ritmo, no hay mucho donde rascar. Intrascendente.