sábado, 28 de marzo de 2020

You can fly



Twitter sus cosas malas, muchas; pero también sus cosas buenas, muchas igualmente. Gracias a una de estas cuentas la de BJA Samuel, una persona que se presenta como escritor que centra sus escritos sobre cine hoy ha puesto un tweet que decía " The Conquest of the Air (1901) Dir Ferdinand Zecca. This short film (from early film pioneer Ferdinand Zecca) is amongst the first films to feature an aircraft in flight". 

Esto podría traducirse como «A la conquista del aire» (1901), de Ferdinand Zecca. Este corto de unos de los pioneros del cine, Ferdinand Zecca, está considerado como el primer filme que trata sobre la aviación". 

Del director ya algo comenté en la entrada titulada Pathé Frères, otra consecuencia de la Gran Guerra. Como señalamos en su momento en aquella entrada fue en la primavera de 1900, en la Exposición Universal de París, cuando el empresario cinematográfico Charles Pathé se encontró con retrasos en la instalación de su pabellón y contrató a Zecca para ello. 

Desde ese momento Zecca no paró de trabajar, primero, como ayudante del director de los estudios que tenía Pathé en Vincennes y allí seguirá hasta que en 1906, el propio Zecca dirigiría o supervisaría cientos de películas muchas de ellas inspiradas en películas inglesas, pero otras originales. 

En el blog de Manuel Rodríguez Yagüe se nos dice que "Ferdinand Zecca (1864-1947) tuvo unos orígenes humildes. Segundo hijo del conserje del Théâtre de l’Ambigu en París, comenzó su carrera artística actuando y tocando la corneta en los cafés de la capital. En 1899, Zecca y otro compañero de profesión, Charlus, actuaban juntos en una fantasía musical titulada Le Muet mélomane. A petición de Georges Dufayel, propietario de los grandes almacenes que llevaban su nombre, realizaron un corto adaptando el número". 

Lo cierto que ese número corresponde con la película que he visto y que es A la conquête de l’air (1901), , la primera en tratar el tema del avión y la primera , posiblemente, por apostar por lo que con el tiempo se llamó cine de ciencia ficción. 

Rodríguez Yagüe señala que "En ella aparecía una extraña y ridícula máquina impulsada a pedales, llamada Fend–l´air (“hiende aires”), que volaba sobre los tejados de Belleville. Su importancia reside no en su duración (1 minuto) ni en su argumento, sino en que es el primer ejemplo conocido en el que se utilizó la técnica de pantalla partida: primero rodó en el estudio a un anónimo individuo- aunque también he leído que pudo ser el mismo Zecca- montado en el ingenio volador cubriendo la mitad inferior del objetivo; luego, desde puntos elevados, hizo tomas aéreas de París con la mitad superior cubierta. Confluían así en un solo plano dos filmaciones distintas". Se trata de un truco de pantalla dividida, aunque dejando una línea distintiva entre las dos escenas.  

Como vemos aquí aparecen los primeros efectos especiales en este caso centrados en algo que todavía no era posible: el sueño de Ícaro, el sueño de la posibilidad de volar. Como si de Jules Verne se tratase la la ficción se antepuso a la realidad en la pantalla antes que la realidad del mismo. Zecca había (o se había) filmado a sí mismo en su extraño artilugio suspendido del techo del estudio con la cámara bloqueada Parece ser que el público de la época llegó a pensar que el vuelo era posible. De hecho poco tiempo después , con los hermanos Wright fue posible. 

En 1902 se copió el modelo en The Twentieth Century Tramp, dirigida y producida por Edwin S. Porter, también conocida como Happy Hooligan and His Airship - o en español El vagabundo del siglo XX´- hizo una película similar en la que el artefacto que ante era guiado por un señor que iba agarrado a un timón y que movía unos pedales sobre un fondo nebuloso pero nítido en la mitad inferior de la pantalla, era sustituido y que nos saludaba quitándose la gorra era sustituido por otro artefacto parecido, una dirigible con base en una bicicleta, con una hélice lateral y con las imágenes no de París , sino de Nueva York y algunos de los rascacielos más significativos de la época - Equitable Life- sobre el East River , la parte superior del puente de Brooklyn y se dirige a Staten Island. En la versión que yo he visto, de apenas un minuto  y unos segundos no sale lo que dicen las crónicas , que su máquina voladora explota y piloto se cae en la que es la primera película de Ciencia Ficción realizada en los Estados Unidos.

Pero lo más interesante es que el piloto no es anónimo, de hecho conocemos el nombre del actor, el británico J. Stuart Blackton , sino que ahora el “piloto” en este caso se trata de un personaje de tira cómica norteamericano muy popular por aquel entonces, Happy Hooligan, creado por Fred Opper y del que surgirán una serie de películas.

Las primeras películas de Happy Hooligan fueron una serie de seis cortometrajes de comedia en vivo que se desarrollaron entre 1900 y 1902, producidos por Edison Studios , y pueden ser la primera adaptación de los cómics estadounidenses al cine.

Para el historiador de la aviación Michael Paris en From the Wright Brothers to Top Gun: Aviation, Nationalism, and Popular Cinema (1995) al evaluar The Twentieth Century Tramp , escribió: "Así comenzó una relación tripartita entre la aviación, los cómics y el cine que maduraría en la década de 1930 ". 


Este sueño por el volar sería imitado luego por Georges Méliès con Le Dirigeable Fantastique (1906) o Stuart Blackton con The Airship (1908) Zecca después realizará otra película titulada Le Fee Printemps o El Hada de Primavera y aunque firmada por Ferdinand Zecca, pudo estar detrás, Segundo de Chomón. Evidentemente realizada para la Pathé Frères. 

Como ya hemos indicado será contratado definitivamente por Charles Pathé que lo contrató como director oficial de la nueva compañía, combinando en la empresa diversos cargos técnicos: guionista, diseñador, fotógrafo, actor, supervisor de muchas películas para la compañía. 

En 1902, Zecca comenzó a filmar La Vie et la passion de Jésus Christ (La vida y pasión de Jesucristo) que llegó a los cines en 1903, aunque he visto que para Rodríguez Yagüe se estrenó en 1905 "que, - como señala el mencionado Yagüe- con una duración de 44 minutos, fue quizá el primer largometraje sobre Jesús". 

Zecca fue ascendido a director artístico de Pathé, supervisando el trabajo de los nuevos directores ( Gaston Velle , Hatot Georges , Louis Gasnier). Por consiguiente, su filmografía es difícil de establecer debido a que su papel era variable en algunas películas que podrían ser atribuidos a él. De cualquier manera fue un artista prolífico (23 películas en 1901, 13 en 1902, 8 en el 1903,…) y dotado con un buen sentido intelectual estuvo atento a los descubrimientos formales del cine en su nacimiento. 

Zecca tuvo un enorme éxito en películas que siguen el modelo imaginativo de Georges Méliès; en el de recreación documental (Asesinato del Presidente McKinley ), en películas con peso en el trucaje ( La piscina Imposible ), en la magia ( La bella durmiente , El gato con botas ) o en la actualidad , pues siguió el caso Dreyfus , o el drama social ( En el País Negro , huelga ). Y en muchas de esas ocasiones secundado por el aragonés Segundo de Chomón, fue pionero en el cine a color… Otra historia que contar.

Los historiadores Douglas Alver Menville, R. Reginald y Mary Wickizer Burgess en Futurevisions: The New Golden Age of the Science Fiction Film (1985) describieron el impacto de la película. "... los cineastas anteriores habían usado el futuro cercano como telón de fondo para sus historias ..."

Thanks, BJA Samuel y a su cuenta @bja_samuel por acercarme al inicio de esta historia, la de You can fly. 


J´aime beaucoup le cous cous


Únicamente los que hemos comido cuscús en el norte de África y durante el Ramadan sabemos que el valor cultural, alimenticio y social que tiene. Ahora que hay gente que sabe de todo, yo reconozco que saber, no se de nada, lo que sí pude apreciar este mangar, tan simple y tan sano cuando me he visto recorriendo el país vecino. 

Yo hago cuscús, pero vamos es una birria comparado con el que he comido en Tánger , en Fez , en Marraquech o Ouarzazate, por decir algunos sitios de donde guardo un guardo recuerdo gastronómicos, aunque de otros en Marruecos en lo gastronómico guardo otros muchos recuerdos memorables.

Entiendo que el cous cous es la excusa para hacernos un retrato de las familias de origen magrebí en la Francia actual, que no dejan de ser el retrato del mestizaje, de la adaptación al medio y sobre todo a las circunstancias. 

Es tradicional que en la Francia actual los directores y narradores cinematográficos qur proceden de una determinada cultura busquen en ella sus referencias. Inolvidables, por decir dos títulos del cine francés en este sentido son la inolvidable  El té del harén de Arquimedes de Mehdi Charef (1984)  o la relativamente reciente Indigènes (200&) de Rachid Bouchareb, son buenos ejemplos de ello. Pero hay más.

De las más recientes Cuscús o La graine et le mulet es la que más me ha impactado.. Muestra el retrato de una familia de origen magrebí residente en la ciudad de Sète y como uno de sus componentes, Slimane Beiji, trata de abrir un restaurante en un viejo barco.  

La película lleva por titulo original La graine et le mulet  o The Grain and the Mullet, en inglés, que se refieren al grano de sémola y al mullet - el pescado utilizado- dos ingredientes de este particular cuscús popular en la cocina tunecina . Los dos ingredientes constituyen tanto el alimento básico de la dieta de su familia extendida como el menú en el que planea establecer su restaurante. 

La película tiene como director a Abdellatif Kechiche, actor, director de cine y guionista franco-tunecino. Su ópera prima como director fue en el año 2000 con La culpa la tiene Voltaire (La Faute à Voltaire). También ha dirigido La escurridiza (L'Esquive), que obtuvo los premios César al mejor director y al mejor filme. Ganó, la Palma de Oro, con la atrevida La vie d'Adèle, el premio a la mejor película del Festival de Cannes 20131​ y también el premio FIPRESCI. Sus últimos proyectos han sido Mektoub, My Love: Canto Uno (2017) y Mektoub, My Love: Intermezzo (2019), lo que parece una trilogía. 

Keniche contó en la dirección artística con Benoît Barouh y a un grande en la producción, el director, escritor , distribuidor -aquí productor- Claude Berri, fallecido en 2009, siendo ésta su penúltima producción - La Graine et le Mulet ( Abdellatif Kechiche, 2007)- tras la que hará la que vimos aquí como Bienvenidos al Norte o Bienvenue chez les Ch'tis (Dany Boon, 2008). A Berri se sumaron Pierre Grunstein y Nathalie Rheims. 

En esta película Berri tendrá como respaldo de un presupuesto de $ 9.1 millones y de las productoras Pathé Renn Productions, Hirsch, France 2 Cinéma y con Vértigo como distribuidora. El guion en este caso fue escrito por el mismo (Abdellatif Kechiche) y tendrá igualmente la fotografía de Lubomir Bakchev, el montaje de Ghalia Lacroix y Camille Toubkis y el vestuario de Maria Beloso Hall. 

El reparto lo integran un grupo de actores no profesionales comandado por Habib Boufares como Slimane Beiji, Hafsia Herzi como la joven Rym, Farida Benkhetache como Karima, Abdelhamid Aktouche como Hamid, Bouraouïa Marzouk como Souad, Alice Houri como Julia, Cyril Fayre como Sergueï, Leila D'Issernio como Lilia, Abdelkader Djeloulli como Kader, Bruno Lochet como Mario, Olivier Loustau como José, Sami Zitouni como Majid, Sabrina Ouazani como Olfa. 

La película comienza en la rada del puerto del puerto del mediterráneo francés de Sete . Allí descubrimos que un joven Majid ( Sami Zitouni) , hijo de Slimane y el hijo mayor de Souad, y casado con Julia , una inmigrante de origen ruso con la que tiene un hijo pequeño, y que vive como guía de un barco que explica lo que queda en el actual y decadente Puerto de Sete, tiene una aventura con una de las mujeres que realizan la visita del puerto. 

Después sabemos que ella es Mme. Dorner (Violaine de Carné ) , la esposa del teniente de alcalde. Tras estos vemos trabajando a Slimane (Habib Boufares), un veterano trabajador de un astillero en el que lleva 35 años de los 60 años que tiene . Se trata de un inmigrante del Magreb, una cara marcada por la edad, la decepción y el exceso de trabajo. Pero ahora Slimane se enfrenta a una reducción gradual de horas en el astillero y, ante un futuro en el que sus ingresos y su autoestima se reducirán lentamente a nada. 

Divorciado de su primera esposa, Souad (Bouraouïa Marzouk ) , vive en el deteriorado Hotel de l'Orient, propiedad de su amante Latifa y su hija Rym (Hafsia Herzi) , la joven y emprendedora hija de veinte años del hotelero Latifa (Hatika Karaoui ) y una inmigrante de segunda generación. Ella considera a Slimane como su padre.

Antes de encontrarse con Latifa, va a casa de Souad, la primera esposa de Slimane de aproximadamente y matriarca de la familia. Ella vive en un edificio de apartamentos en el piso debajo de su hijo Hamid y regularmente cocina una gran comida dominical de cuscús para su extensa familia. A ella le lleva el pescado que consigue en el puerto , pero ella está cansada de ese olor a mar que viene junto al pescado. 

Slimane tras eso va en busca de Karima (Farida Benkhetache) la hija de Slimane de su primer matrimonio con Souad que trabaja en una fábrica de conservas de atún y que tiene dos hijos pequeños con su esposo José (Olivier Loustau ) que es compañero de trabajo de Slimane en el puerto. 

Tras estar junto a su hija y nietos decide marchar al hotel de Latifa, aunque antes de subir a la habitación entrega el pescado a Rym. Al día siguiente tiene lugar una reunión familiar en la que se preparara el cous cous de Souad. Un plato mítico que reúne a toda la familia de Slimane y Souad, aunque el primero está ausente. A la comida van todos los hijos de la ex pareja y sus distintas parejas. 

Además de Karima y José, así como sus hijos, están presentes la menor de las hijas Olfa (Sabrina Ouazani ) que atiende a los niños pequeños, el menor de los varones Riadh (Mohamed Benabdeslem) así como la hermana mayor casada con Mario (Bruno Lochet ). 

El problema viene dado cuando Majid tiene una discusión en casa con Julia , su mujer (Alice Houri ), una chica de origen ruso que se siente infeliz, aislada y sin el apoyo de su gran familia. La razón es que se sabe dejada sola todo el día y, a menudo, toda la noche para cuidar a su pequeño hijo. ünicamnete cuenta con el apoyo de su hermano Sergei (Cyril Favre), un hombre paciente y solidario con su hermana. 

Los dos hermanos , Riadh y Majid deciden llevar un plato de cous cous a su padre Slimane. El cada día se siente más presionado porque sabe que será despedido del astillero local. Majid va con la propuesta de que Slimane retorne a su país de origen pues la casa familiar puede ser su cobijo. Le piden que abandonen el tugurio en el que vive, aunque lo hacen delante de Rym que se molesta con ellos cuando comparte el cous cous que le han llevado. 

Decidido a dejar un legado para su amada familia, y alentado por Rym (Hafsia Herzi),esta convence a Slimane para que con el dinero de la indemnización del despido y el paro monte un restaurante de cuscús. 

Para ello ambos intentar transformar un barco en ruinas en un restaurante familiar que se especializará en el cuscús de pescado de hace su ex esposa, una comida que ella prepara para toda la familia todos los domingos. 

Con la entusiasta ayuda de la joven y emprendedora Rym, Slimane solicita los préstamos y las licencia pertinentes, pero pronto se encuentra con el freno y los impedimentos burocráticos. 

Sin desanimarse, Slimane sigue adelante. Cuenta para ello con la ayuda de su hijo recluta a sus hijos especialmente Riadh y Rim. De hecho ella es la que actúa como compañera permanente del padre , aunque no lo sea biológicamente. 

Los dos ayudan a remozar y renovar el barco que lijan, pinta y decoran. Finalmente organizan una gala inaugural con una gran cena con el cous cous de plato estrella. A la misma son invitados muchas personalidades locales así como parte de los burócratas por los que ha pasado el proyecto. Con ello intentan demostrar la viabilidad de la empresa. 

A esta cena de gala se suman un grupo de músicos que se reúnen, aunque algunos también viven, en el local de Latifa, que por otro lado está molesta con Slimane. Además se siente insultada y amenazada por la participación en el proyecto de la ex esposa de Slimane que será la cocinera del restaurante con cuscús de pescado como plato estrella. 

En la noche en cuestión, la asistencia es alta, aunque es evidente la ausencia de la compañera sentimental de Slimane, Latifa que se niega a abandonar su hotel y que está silenciosamente resentida por el hecho de que Slimane no quiera invertir su dinero en renovar su hotel y formalizar su relación. Rym le suplica que asista, animándola a aprovechar la oportunidad para hacer alarde de su comparativa juventud y belleza frente a la ex mujer de Slimane. 

Después de preparar el cuscús, el pescado, las verduras y la salsa en grandes calderos de metal, la ex esposa de Slimane envía la comida con sus hijos y sale de su apartamento para encontrar a un pobre para que pueda donar un plato de comida que ella habitualmente reserva para los menos afortunados. 

Mientras en el restaurante, los hijos descargan los calderos de metal y las mujeres sirven bebida y aperitivos a los invitados que esperan. Los invitados, hablando entre ellos, comienzan a hablar de manera positiva del proyecto y el probable éxito del restaurante. 

Mientras esto ocurre el hijo mayor de Slimane, Majid, examina a los comensales y entre ellos descubre a la Señora Dorner, la esposa del teniente de alcalde con la que mantiene una relación sexual y se inventa una excusa (la llamada de un amigo que ha pinchado el vehículo en la autopista) para salir fuera, alejarse y llevarse el coche en silencio. Él le dice a su hermano pequeño que le diga al resto de la familia que se fue a ayudar a un amigo que se ha averiado en la carretera. 

Por su parte, las mujeres comienzan a calentar la comida cuando notan la ausencia del cuscús. El pánico aumenta cuando descubren que no está allí ya que Majid se ha llevado el auto con el enorme caldero de metal en el maletero. Pero además éste no contesta su teléfono. 

Sabiendo que se tardará al menos otra hora cocinar un nuevo lote, continúan llamando frenéticamente a Majid e intentan llamar a Souad, que está buscando al mendigo para dar un plato de cuscús. 

Ante la situación, Slimane sube en su moto y va a la vivienda de Souad para buscar una solución. Casi en ese momento vemos que Latifa y Rym se han arreglado y han decidido ir a la cena inaugural. 

En el comedor, los invitados, a pesar de los intentos de las mujeres por aplacarlos con licor de dátil y almendras, se van poniendo inquietos. Sus comentarios se vuelven desagradables y se vuelven contra las camareras, básicamente las hijas y familiares de Slimane. 

Éste , por su parte, cuando no puede encontrar a su ex esposa en su piso, Slimane sube al de su hijo y Julia. Nada más llegar descubre que en la casa se vive un dramón ya que Julia, mientras terminaba de preparar la comida con su suegra, recibía en la casa una llamada de una de sus amantes. Allí, como siempre ayudada por su hermano Sergueï que la consuela , Julia llora desconsoladamente. Slimane escucha los reproches detenidamente, pero no dice nada. 

Tras un rato, se marcha y abandona el edificio de apartamentos para coger su moto. En ese momento descubre que ha sido robada. Los culpables, tres niños del barrio, están sobre ella al otro lado del río, burlándose de él. Corre detrás de ellos, pero cada vez que se detienen lo hacen para burlarse de él, Cuando se acerca se mueven antes de que pueda alcanzarlos. 

Por su parte, la tensión en el comedor es máxima, así que Rym decide intervenir. Susurra algo al oído de los músicos, y de repente la música se detiene y las luces se apagan. Cuando esta regresa, Rym aparece frente a los comensales con un traje rojo de la danza del vientre. Los músicos tocan para ella y ella activa el ambiente con una actuación cargada de energía juvenil y sexual. 

Latifa aprovecha la oportunidad para salir a la calle y regresar al hotel para preparar una nueva olla de cuscús. 

Mientras Rym baila y suda, su madre una vez elaborado el cuscús retorna. Camina por la pasarela con un nuevo caldero de cuscús, mientras Slimane continúa persiguiendo a los jóvenes por el edificio de apartamentos. Finalmente se pone de rodillas, antes de colapsar en el suelo, inmóvil. Terminando en este momento la película. 


Este retrato de una familia norteafricana en el sur de Francia , al fin y al cabo una manera muy cercana a lo que nosotros concebimos como familia y dirigido por Kechiche fue una apuesta del director para trabajar con actores no profesionales porque, en sus propias palabras, «aportan frescura». 

La película se rodó en la Chantier naval de Sète, Lattes en el Departamento de Hérault, entre septiembre de 2005 y enero de 2006. 

Se suponía que el rodaje comenzaría en el verano de 2005, pero uno de los actores principales estaba enfermo, lo que provocó en un gran retraso. Por lo tanto, la filmación comenzó en realidad el 5 de septiembre de 2005 y todavía se estaba realizando el 16 de enero de 2006. El set estuvo en un barco en el puerto de Sète durante al menos seis semanas, de octubre a diciembre de 2006. 

Las temperaturas exteriores fueron muy bajas, en comparación con lo que deberían haber estado si se hubiera podido llevar a cabo en la fecha prevista. Esto llevó a la producción a instalar grandes carpas cerca del bote con sistemas de calefacción para que los actores y los extras se mantuvieran cómodos entre tomas. 

La película tuvo en taquilla unos ingresos de $14,776,783. Consiguió además muchos premios. Fue presentada en el Festival de Venecia consiguiendo el Gran Premio del Jurado, el del público , el FIPRESCI, el Premio Marcello Mastroianni para la joven actriz Hafsia Herzi, el Premio SIGNIS y el Premio del Cine Joven. 

Obtuvo cuatro Premios Cesar a la Mejor película, director, guión, actriz revelación (Hafsia Herzi) quedando nominada en el Mejor montaje. Tuvo además el Premio Louis Delluc a la Mejor película francesa del año así como el Prix Lumière al Mejor director y a la Actriz más prometedora (Hafsia Herzi) así como la Étoile d'Or .

Consiguió ser nominada a la Mejor película extranjera en los Premios Independent Spirit y en el Festival de Cine de Antalya consiguió el Golden Orange así como el premio al Mejor director en el Festival de cine de Eurasia para Abdellatif Kechiche.

El Sindicato francés de críticos de cine le concedió el Premio de la crítica a la mejor película . Fue también el David de Donatello Mejor película europea y el Premio del Cine Europeo con el Premio FIPRESCI. 

En cuanto a las críticas destaco la del británico The Guardian , donde Peter Bradshaw defendió que "es una tragicomedia profundamente envolvente, que combina calidez con un nivel inesperado de complejidad y ofrece un comentario ferozmente poco sentimental sobre la política sexual de la familia y la comida. Algunos críticos se han quejado de que las escenas de la vida familiar de Kechiche divagan demasiado, pero para mí tienen la calidad tranquila y sin dirección de la vida real; irradian encanto y autenticidad. Sin ellos, el drama significaría mucho menos. " Y añade "Hafsia Herzi transmite brillantemente la compleja y casi ilegible combinación de motivaciones de Rym: amor, interés propio y enojo. Ella ama a Slimane como a un padre (...) Hay una inteligencia fluida y persuasiva en el corazón de la película, y una actuación poderosa y dominante de Herzi como Rym, quien reclama compulsivamente la posesión de su padrastro, Slimane. Él es el pater familias ausente y en retirada cuyo silencio habitual lo ha convertido en el recipiente de tanta pasión femenina complicada. La misteriosa relación de Rym y Slimane está en el corazón de esta cautivadora película. " 

AO Scott en The New York Times, la citó como la tercera mejor película de 2008, Andrew O'Hehir de Saloom la consideró la sexta mejor película de 2008, y Scott Foundas de LA Weekly dijo de ella que ra la séptima mejor película de 2008 (junto con A Christmas Tale ). 

Wesley Morris, crítico de cine para el Boston Globe, escribiendo para Criterion señala que la película es "esencialmente un retrato de una familia extensa cuya dinámica se replantea constantemente en una colección de escenas largas y llenas de acontecimientos". El elenco interpreta a "personas reales, no símbolos, reclusos, niñeras u otros indignos", y "sus preocupaciones tienen poco que ver con la opresión abierta o la xenofobia". Elogia a Abdellatif Kechiche porque "la narrativa en esta película es secundaria a la naturaleza humana ..." Él llama a la danza del vientre en la secuencia final "complejamente concebida y realizada, y dice" el bailarín usa el sexo y el exotismo cultural para distraer las mesas de antes civilizados, pero de pronto inquietos nativos blancos ". Kechiche "nos invita a reconocer una verdad fundamental sobre los árabes, o cualquier persona de color, en la historia de las películas: los estereotipos venden". 

Ya en España Javier Ocaña en El País dijo de ella que "No le hubiese venido mal una poda parcial a algunas de sus reiterativas secuencias del tramo intermedio (no al brutal clímax final, imprescindible), pero desde luego sus brotes de genio son inolvidables." 

Menos positivo fue Oti Rodríguez Marchante en ABC al señalar que es una "Larguísima crónica multifamiliar (...) las intenciones de Kechiche son buenas, aunque los logros escasos (...) como un Berlanga sin acidez pero con fiebre. (...)." 

La película apareció en las diez mejores listas de varios críticos de las mejores películas de 2008. A mi desde luego me ha gustado reencontrarme con este tipo de cine , con actores no profesionales, que narran historias cercanas, próximas, cotidianas de la vida y de los múltiples perfiles que presenta. Lo digo hoy en nuestro decimoquinto día de confinamiento. Además, j´ai beaucoup le cous cous et le filme aussi. 

Y recalcar algo tan simple y tan auténtico como el bismillah que hemos escuchado varias veces a lo largo de la película. Una palabra que una vez inicias a comer implica dar gracias a Dios y significa “ en el nombre de Allah” pues comienzas una acción, al inicio de algo que deseamos hacer y todo lo que se hace ha de ser por y para Allah.

Un “Bismillah” antes de hacer algo nos invita a reflexionar en lo que hacemos, a meditar si aquello es algo que agrada o no a Allah . Desde luego , a mi que soy rabiosamente humano, me ha agradado, pero sobre todo me ha ayudado a pasar este encierro tan triste y forzoso que nos está tocando vivir.


viernes, 27 de marzo de 2020

Hurricane


Algunos de los que leáis esto es posible que no entendáis lo hipnóticos que podían ser los musicassettes. Alrededor de ellos se juntaban tres o cuatro personas que escuchaban una y otra vez la cara A y la cara B , y rebobinaban eternamente para detenerse en sus canciones favoritas. Por supuesto, no hablábamos ni papa de inglés, pero en los momentos culminantes cantábamos al unísono. Uno de esas cintas, así las llamábamos, que escuchamos durante un verano completo, pudo ser el del 78, pero también al siguiente , fue la de Desiré de Bob Dylan. 

Bajo el plástico de la carcasa estaba el papel que nos informaba qué compañía estaba detrás, la Columbia Records, leíamos el título de las canciones. En la cara A: «Hurricane», «Isis», «Mozambique» , «One More Cup of Coffee (Valley Below)» y «Oh, Sister». En la B: «Joey», «Romance in Durango» , «Black Diamond Bay» y «Sara». 

Nuestras favoritas eran los más de ocho minutos de Hurricane, los once de Joey y esa balada triste con sabor mexicano de Romance in Durango. De esta última repetíamos eso de "No llores mi querida , Dios nos vigila, Soon the horse will take us to Durango . Agarrame, mi vida, Soon the desert will be gone, Soon you will be dancing the fandango". Evidentemente las frases en inglés estaban tamizadas por nuestro desconocimiento del mismo. Pero eso sí, siempre comenzábamos por Hurricane. Siempre Hurricane.

¿Qué sabíamos nosotros de Hurricane? Nada. ¿Qué sabemos ahora? Algo. ¿Cómo podíamos saber que Hurricane era "Huracán" Carter, uno de los más grandes boxeadores de todos los tiempos y qué mientras nosotros cantábamos en un idioma ininteligible él luchaba por conseguir la libertad, pues estaba en la cárcel con tres cadenas perpetuas por un crimen que nunca se pudo demostrar que él lo cometiera? 

Parte de esa historia es la que se nos narra en The Hurricane , una película de 1999, y aquí presentada como Huracán Carter.

Una película dirigida por Norman Jewison y en la que intervino junto Philip Rosenberg otros productores como Marc Abraham, Jean-Yves Asselin, Irving Azoff, Armyan Bernstein, Thomas A. Bliss, Suzann Ellis, Jon Jashni, Michael y Norman Jewison, John Ketcham , Rudy Langlais, Tom Rosenberg y William Teitler amparado por los 51 millones de dólares de presupuesto que pusieron sobre la mesa las productoras Azoff Entertainment Beacon Communications & Pictures y la Universal Pictures así como la Buena Vista International como distribuidoras. La película parte del guion de Armyan Bernstein, Dan Gordon y se basaba en la autobiografía escrita por el mismo preso Rubin Carter titulado The 16th Round y la novela escrita por Sam Chaiton, Terry Swinton y titulada Lazarus and the Hurricane : The Freeing of Rubin "The Hurricane" Carter.

La película contó con la música con muchos toques jazzísticos de Christopher Young aunque se trufa con nuestra canción veraniega de Bob Dylan. 

En la fotografía una grande como Roger Deakins que supo combinar el blanco y negro con el color. Destaca igualmente el montaje de Henry Berman, aunque en otros sitios he visto esto atribuido a Stephen Rivkin. Apareceb en otras cuestiones técnicas Dennis Davenport, Gordon Sim y Aggie Guerard Rodgers en arte y decorados.  

En el reparto gestionado por Avy Kaufman aparece Denzel Washington como Rubin "Huracán" Carter, Vicellous Reon Shannon como Lesra Martin, la actriz canadiense de fría belleza Deborah Kara Unger como Lisa Peters, Liev Schreiber como Sam Chaiton, John Hannah como Terry Swinton, Dan Hedaya como el detective sargento Della Pesca, basada en Vincent DeSimone, Debbi Morgan como Mae Thelma Carter, Clancy Brown como el teniente Jimmy Williams, David Paymer como Myron Beldock, Harris Yulin como Leon Friedman, Rod Steiger como Juez H. Lee Sarokin, Vincent Pastore como Alfred Bello, George T. Odom como Big Ed y Beatrice Winde como Louise Cockersham, así como Garland Whitt y Badja Djola.

La película narra la historia del boxeador de peso mediano Rubin "The Hurricane" Carter , quien fue condenado por cometer un triple asesinato en un bar de su ciudad natal, en Paterson, Nueva Jersey. Su sentencia fue anulada después de haber pasado casi 20 años en prisión. La película , por medio de distintos flashbacks, recorrerá desde la dura infancia del boxeador en la decadente ciudad del Estado Jardín , hasta otros recuerdos de juventud, así como otras historias paralelas hasta que confluyen con el Hurricane.

La película comienza en blanco y negro con el duro combate que enfrenta a Rubin Carter contra otro boxeador de las Islas Virgenes. El protagonista resulta vencedor por KO a los poco más de dos minutos.  Es el año 1966, Rubin "The Hurricane" Carter está considerado un boxeador de peso medio de alto rango, que muchos aficionados esperan que se convirtiera en el campeón de boxeo del mundo.

Casi de inmediato vemos al boxeador, ya en prisión, intentando defender su celda para que nadie le arrebate el libro que está escribiendo sobre su vida y la injusta condena. Descubrimos que Huracán Carter no cree ya en nada ni en nadie, aunque se fía de la recomendación que le hace uno de los funcionarios de prisión, un blanco , Jimmy Williams (Clancy Brown ) de esconderse en el pantalón las páginas del libro que va redactando.

Tras eso volvemos al momento del asesinato. Descubrimos como en el bar de Paterson dos individuos salen del mismo después de escucharse unos disparos que son vistos por un testigo, un italoamericano Alfred Bello ( Vincent Pastore) que declara ante la policía que los responsables han sido dos negros que se han montado en un coche blanco.

Casi de inmediato Carter y su acompañante , su amigo John Artis (Garland Whitt ) son detenidos cuando venían de otro local de copas por la policía que los lleva desde la carretera hasta el hospital en el que está agonizando uno de los heridos , que sin decir nada explícitamente lleva al policía a cargo de la investigación el detective sargento Della Pesca (Dan Hedaya) a detenerlo y encarcelarlo. Carter y su amigo John Artis, tras ser  interrogados por el policía y aunque "nunca fueron sospechosos",  la declaración de Alfred Bello un ladrón cuenta en el juicio tras afirmar que Carter y Artis estaban presentes en el momento de los asesinatos.

Sobre la base del testimonio de Bello, Carter y Artis serán condenados por el triple homicidio en el club, recibiendo Carter tres cadenas perpetuas consecutivas por un jurado compuesto exclusivamente por blancos. . A lo largo del juicio, Carter proclamó su inocencia, alegando que su raza, su carrera en el boxeo y su estatus y su trabajo como activista de los derechos civiles fueron las verdaderas razones de su condena.

Descubrimos que la rivalidad entre Della Pesca y Carter viene de lejos. Por medio de un flashback descubrimos la infancia en la ciudad del que se convertirá en boxeador declarando que “Lo más agradable que puedo decir de mi infancia, es que sobreviví.”. Una ciudad llena de prejuicios racistas y que vive una profunda crisis económicas y de valores. Cerca de sus famosas cataratas - que salen igualmente en Paterson la película de Jarmush- vemos como el grupo de chicos es abordado por un señor , un prohombre de la ciudad, que resulta ser un pederasta. Cuando el tipo iba a violentar a uno de los chicos que iban junto a Carter, éste lo salva  de sus garras tirándole una botella a la cabeza. Cuando el señor atrapa e intenta tirarlo por la catarata , Carter saca un cuchillo y se lo clave en repetidas ocasiones.

El encargado de estudiar el caso es Della Pesca que no tiene reparos en llevar al chico ante el juez que le condena a un centro penitencia de menores hasta los 21 años. Desde ese momento Carter es carne de cañón.

Tras escapar del centro encuentra acomodo en el ejército y en el boxeo. Tras pasar por Europa, regresa a Paterson y allí , en un bar, conoce a la que será su mujer Mae Thelma (Debbi Morgan ), pero también vuelven los fantasmas del pasado pues Della Pesca implacable lo vuelve a detener. Tras pasar por prisión, promete no volver a pisarla y ganarse la vida como boxeador.

Tras una victoria frente al campeón mundial Joey Giardello llevan a Rubin Carter al estrellato, pero casi de inmediato a la prisión en la que pasará casi veinte años 1966 y 1985. En la prisión se siente abandonado por la sociedad y atacado por todos.

Desde su primera reclusión Carter inicia su lucha para demostrar su inocencia lucha que le lleva a publicar su libro, The Sixteenth Round, que es publicado en 1974 y que atrajo la atención de grandes personalidades, como la actriz Ellen Burstyn, el cantante Bob Dylan o Mohamed Alí.


Poco tiempo después su libro es encontrado por casualidad por un chico Lesra Martin (Vicellous Reon Shannon), un joven afroamericano desfavorecida de Brooklyn, ya que sus padres son alcohólicos y que ahora vive en Toronto acogido por un trío dedicado a la beneficencia  a la reparación de viviendas. El trío que atiende en su formación vital a Lesra Martin, está integrado por Lisa Peters ( Deborah Kara Unger ), Sam Chaiton (Liev Schreiber) y  Terry Swinton (John Hannah).

Tras la lectura del libro en 1979 el niño se interesa por la vida y las circunstancias de Carter después de leer la autobiografía de Carter. Él convence a su familia adoptiva canadiense de comprometerse con el caso de Carter ya que incluso ocho años del juicio inicial,  Bello y  otro sospechoso que lo incriminó, Arthur Bradley renunciaron y se retractaron de su testimonio. Sin embargo, Carter y Artis fueron condenados una vez más. Esta ratificación de condena pone fin a su matrimonio con Mae Thelma. Pasando a pensar y defender la idea de que " "Soy libre aquí dentro porque no quiero nada de fuera"."

El chico , amparado por sus tutores, escribe al campeón de boxeo iniciando tras ello una historia epistolar que culmina en un encuentro en la cárcel. Tras eso el chico, Lesra Martin, se marca como objetivo y en ello involucra a sus tutores, el trío de activistas canadienses, para presionar al Estado de Nueva Jersey a reexaminar el caso de Carter. Tanto es así que abandona su localidad de residencia y se instalan en Nueva Jersey y conjuntamente con el despacho de abogados integrado por Myron Bedlock (David Paymer ) y Leon Friedman (Harris Yulin ) que lleva el caso de Carter  hacen un último intento de reabrir el caso.

La historia culmina con las exitosas súplicas del equipo legal de Carter al juez H. Lee Sarokin (Rod Steiger ) del Tribunal de Distrito Federal sito en Nueva Jersey ante la sorpresa de todos acaba reabriendo el caso y  finalmente dictaminando que la acusación en el segundo juicio de Carter cometió "violaciones constitucionales graves" y que su condena se basó en el racismo más que en los hechos.

Como resultado, Carter finalmente fue liberado, lo que lleva a la alegría a los que le han ayudado y a su único amigo en prisión Big Ed (George T. Odom ). Carter resumió su historia diciendo: "El odio me llevó a este lugar, el amor me sacó". Tras salir de la cárcel se nos informa que Carter se instaló en Toronto para vivir con la comuna de canadienses que habían hecho posible su liberación. Posteriormente, Carter se convirtió en un activista a favor de la liberación de presos que, como él, habían sido condenados por crímenes que no habían cometido. Durante años el exboxeador fue director ejecutivo de la Asociación en Defensa de los Injustamente Condenados en Toronto y finalmente creó su propia organización, Inocencia Internacional. El deporte no pudo olvidar sus méritos y le fue reconocido mundialmente su título de Campeón del Mundo de pesos medios. También se dice en los créditos que pasó con el otro condenado y con Lezra Martin practica leyes en Vancouver o en Kamloops, Columbia Británica.


La película del año 1999 no recoge algo que pasó 15 años después, su fallecimiento en 2014 en Toronto (Canadá) a los 76 años de edad tras una larga lucha contra un cáncer de próstata desde el año 2011, y tras escribir otra autobiografía, Eye of the Hurricane: My Path from Darkness to Freedom. Un hombre que pensaba que «La escritura es un arma y es más poderosa de lo que jamás llegará a ser un puño» .

Norman Jewison estaba ya en 1992 interesado en realizar una película biográfica sobre "Huracán" Carter.

Armyan Bernstein compró los derechos de filmación a través de Beacon Pictures , y luego escribió los primeros guiones mientras establecía una asociación financiera con Irving Azoff .

Al principio, Jewison sintió que la historia era tan extensa que encajaría mejor como una miniserie de televisión pero , finalmente, Jewison consideró que Huracán era su mejor trabajo. Se convertiría en la la tercera y última parte de una trilogía de películas con temática de racismo dirigidas por Norman Jewison. Los dos primeros fueron En el calor de la noche (1967) e Historia de un soldado (1984).

Una vez que Denzel Washington firmó para interpretar al personaje principal, rechazados Wesley Snipes y Samuel L. Jackson que compitieron por el papel principal, realizó un largo entrenamiento de boxeo durante un año junto a un entrenador que le llevó a perder una buena cantidad de kilos y trabajó en estrecha colaboración con Rubin Carter. Washington dijo: "Revisó ollas y cafeteras y paquetes de cigarrillos. Tomé un poco de café. Es interesante y desafiante cuando la persona está allí, viva y en la habitación".

La filmación comenzó en noviembre de 1998 , terminando en febrero de 1999 con ubicaciones en Nueva Jersey , en la Prisión Estatal de East Jersey en Trenton y en las ciudades de Avenel y Paterson, y en Toronto así como en los Toronto Film Studios.

Huracán Carter  se estrenó el 17 de septiembre de 1999 en el Festival Internacional de Cine de Toronto . También se presentó en el Festival Internacional de Cine de Berlín el 17 de febrero de 2000.
Dos semanas antes de su estreno en América del Norte, se realizó un estreno de The Hurricane en el Mann Village Theater de Los Ángeles. Muchas de las personas representadas estuvieron presentes. Cuando se le preguntó acerca de ser interpretado por Denzel Washington, Rubin Carter respondió que "No sabía que era tan guapo".

La película fue elogiada por Lesra Martin, quien la describió como "una representación estupenda de eventos precisos", y John Artis, el amigo de Carter que fue condenado con él, dijo que "estaba asombrado de ver lo que sucedió y no tener que sentir la presión que sentí en ese momento".

H. Lee Sarokin, el juez federal que liberó a Carter, sostuvo una objeción y dijo que, a diferencia de su interpretación de Rod Steiger, "soy un tipo discreto"

La película consiguió en taquilla una buena recaudación de $ 74 millones y bastante premios y nominaciones.

Entre los Premios destaca que en el Festival Internacional de Cine de Berlín se llevó el Premio del Gremio de Cines Alemanes , consiguiendo Norman Jewison el Oso de plata de Berlín, así como el de Mejor actor, para Denzel Washington

En los Premios Black Reel se llevó el de  mejor actor para Denzel Washington. En los Globos de Oro el Golden Globe fue para Washington por la Mejor actuación de un actor en una película dramática con otras nominaciones a Mejor director,  Norman Jewison y mejor película dramática.

En los Oscar la película estuvo nominada al Oscar al Mejor actor (Denzel Washington)

El Sindicato de Actores (SAG) fue  nominada a Mejor actor (Denzel Washington) y la  Asociación de Críticos de Chicago fue nominada a Mejor actor (Washington).

En los Premios Blockbuster Entertainment consiguió el Premio Blockbuster Entertainment al actor favorito, drama, Denzel Washington

En los Premios de la Asociación de Críticos de Cine de Chicago se llevó Washington el Premio CFCA al mejor actor.


La película recibió críticas positivas, pero algunos medios de comunicación la criticaron por su inexactitud.

Roger Ebert , crítico del Chicago Sun Times , escribió: "Esta es una de las grandes actuaciones de Denzel Washington, a la par con su trabajo en Malcolm X" .... Washington como el huracán Carter es sobrio, concentrado, lleno de ira y orgullo ... Esto es algo fuerte, y me sorprendió, después de sentir cierta impaciencia en los primeros momentos de la película, encontrarme tan profundamente absorto en su segundo y tercer acto, hasta que al final estaba parpadeando por las lágrimas. Lo que me afecta emocionalmente en el cine nunca es la tristeza, sino la bondad ". Con respecto a los aspectos "ficticios" de la película, Ebert señaló que "Varias personas me han dicho dudosamente que escucharon que la película era 'ficticia. Bueno, por supuesto que sí. Aquellos que buscan la verdad sobre un hombre  en un biopic también podría buscarlo de su amorosa abuela. La mayoría de las biografías, como la mayoría de las abuelas, ven lo bueno en un hombre y demonizan a sus enemigos. Pasan silenciosamente sobre sus imprudentes romances. Al dramatizar sus victorias, los simplifican. Y proporcionan los mejores roles a los personajes más interesantes. Si no lo hicieran, no pagaríamos por verlos ". Añadió: " Huracán no es un documental sino una parábola, en la que el poder de la palabra escrita salva dos vidas".

Para Stephen Holden del The New York Times la película implicaba que "Al contar la historia de la prolongada y exitosa lucha del Sr. Carter por la libertad y la justicia, The Hurricane llega a la gloria con una actuación asombrosa de Denzel Washington ... Es decir, el Sr. Washington se inclina hacia otra cosa. Schlocky y lo saca del estadio de béisbol. Si su Hurricane es un retrato inspirador de la nobleza, es porque el actor nunca oculta los demonios de la furia y la desesperación que corroe debajo de la superficie fuertemente articulada de su personaje ". Pero también señaló  Holden que "La película está tan ansiosa por despertarnos que piensa poco en doblegar los hechos para lograr un efecto dramático.

Entre sus distorsiones más notorias está su representación del título de peso mediano de 1964 del Sr. Carter con Joey Giardello. La película (que tiene secuencias de boxeo finas y naturalistas) retrata incorrectamente la pelea perdida por Carter únicamente debido al racismo de los jueces. La obtención de dicha licencia, por supuesto, agrega una sacudida extra de drama. Pero cuando estos y se suman otras distorsiones y exageraciones, vale la pena preguntarse si ese brillo de autocomplacencia que nos deja la película se ha conseguido con demasiada facilidad y a qué costo ". 

El crítico de cine neoyorquino David Denby calificó la película de "Falsa, evasiva y, de hecho, muy poca cosa: un cuento de hadas liberal".

En cuanto a otro personajes reales el ex campeón mundial de peso mediano Joey Giardello demandó a los productores de la película por difamación por la descripción de su pelea con Carter como una "solución racista". "Esto es una broma, [le dijo al New York Daily News ] que nunca me pegó tanto en 15 asaltos. Prácticamente todos los expertos en boxeo entonces y ahora te dirán que gané la pelea". El árbitro Robert Polis que anotó la pelea 72–66 a favor de Giardello declaró: "Retrataron a Joey Giardello como un luchador incompetente. Pensé que era ridículo".  Incluso el propio Carter estuvo de acuerdo en que Giardello era el vencedor legítimo.

Finalmente, el caso se resolvió fuera de los tribunales, con los productores pagando los daños al campeón retirado y con Jewison acordando hacer una declaración en la versión en DVD de que "Giardello sin duda fue un gran luchador" "

Ya en España Carlos Boyero en El Mundo dijo de ella "A ratos convencional, pero también muy vigorosa (...) Dirección previsible y ejemplar (...) Impresionante caracterización de Denzel Washington"

En El País Ángel Fernández Santos sostuvo que era una "Magnífica película imperfecta que da la medida del enorme talento de Washington (que clava el personaje, lo encumbra, lo eleva a maravilla). El guión es de buena escuela tradicional, pero con baches, desmesurado, no bien medido"

Para Fausto Fernández señala que lo que "iba a ser en principio una serie de TV pero Washington y Jewison se empeñaron en película... " "curiosos los proyectos televisivos de Dan Gordon que acabaron siendo películas de empaque fracasadas como esta " y se trata de "un biopic carcelario de un adormilado Norman Jewison (con Denzel)". Y en otro tweet comenta que "El metraje de la equivocada HURACÁN CARTER pesa más que la condena en prisión del personaje de Denzel Washington..."

En ABC "Esta cinta autobiográfica fue dirigida por el veterano Norman Jewison, un realizador habituado a narrar historias con contenido social ("En el calor de la noche", "Historia de un soldado"), aunque la que nos ocupa es de sus favoritas. Para el rol principal, se pensó en Samuel L. Jackson o Wesley Snipes, pero al final fue a parar a otro carismático actor, más delgado y diez centímetros más bajo que el Carter real, un Denzel Washington que se preparó físicamente durante un año para el papel y se entrevistó repetidas veces con el boxeador. Como curiosidad, este último, que se convirtió en director de la Asociación por la Defensa de los Acusados Injustamente, aparece brevemente en el filme.

A pesar de recibir alguna crítica por imprecisiones con la historia real, ya que antes de su juicio por asesinato, Rubin 'Hurricane' Carter fue expulsado del Ejército, declarado culpable de tres atracos por los que cumplió cuatro años de prisión, ni Carter pronunció un discurso en la sala del tribunal cuando se revocó su condena además de que estuvo realmente fuera de prisión durante cuatro años entre sus dos condenas por juicio ni el detective Della Pesca, Vincent DeSimone, conoció a Carter antes del incidente de Lafayette Grill ni por supuesto a los canadienses ya que murió en 1979 . "

Para terminar y volviendo al inicio de la entrada señalar que tras la publicación en 1974 The Sixteenth Round que atrajo la atención de grandes personalidades, como el cantante Bob Dylan o Mohamed Alí, el cantante se reunió con Carter en prisión, y tras quedar convencido que el exboxeador era inocente, organizó varios conciertos benéficos para exponer su caso y en 1975 escribió la canción "Hurricane" que se convirtió en uno de los mayores éxitos de su tiempo. Efectivamente esa que escuchamos hasta que la cinta y el casette dejo de funcionar.


jueves, 26 de marzo de 2020

La tierra del orgullo


Western menor y que ha inspirado poco, más bien nada. Lo más auténtico del mismo es que está basado en una historia real, la de John P. Clum, un hombre que mostró su humanidad ante los apaches cuando eran objeto de un exterminio puro y duro. La película recibió en España el nombre de La tierra del orgullo aunque su título original fue el de Walk the Proud Land. 

La película es del año 1956 fue rodada en CinemaScope Technicolor para la gloria del exverteano soldado y estrella del western Audie Murphy y fue dirigida por el estadounidense -nacido en Illinois- Jesse Hibbs. Se graduó en la Lake Forest Academy, y posteriormente ingresó en la Universidad del Sur de California (USC), donde fue capitán del equipo de la USC en el Campeonato de la División I de Fútbol Americano de la NCAA, en 1928 en cuyo equipo se encontraba Marion Morrison, más adelante conocido como John Wayne. 

Más adelante, en 1931, Hibbs jugó como profesional en la National Football League (NFL) con los Chicago Bears. Al igual que otros jugadores de fútbol americano como Wayne, Ward Bond, Cotton Warburton y Aaron Rosenberg, Hibbs entró en la industria cinematográfica, donde intervino como actor con The College Widow (1927) intervino en dos películas como actor- pasando a ocupar el puesto de ayudante de dirección entre 1937 y 1953. Ese año debutó en la dirección con The All American, un film sobre el fútbol americano protagonizado por Tony Curtis. 

A partir de entonces se género habitual será el western como lo prueba que siete de sus once largometrajes se integraron en este género. En años posteriores, Hibbs se centró en la televisión, dirigiendo episodios de Perry Mason, The F.B.I. y Gunsmoke. Al final Hibbs se olvidó de toda su carrera pues en 1985 fallecía de Alzheimer. Tenía 79 años. 

La película fue producida por Aaron Rosenberg para la Universal Pictures. Se basó en el guión escrito por Gil Doud y Jack Sher partiendo de la obra Agente Apache: La historia de John P. Clum escrita por su hijo Woodworth Clum en 1936. 

Los guionistas, eso sí, Gil Doud y Jack Sher, agregaron la historia del triángulo amoroso entre Clum, Mary (su prometida) y Tianay, su asistente india. La música de la película fue de Hans J. Salter, William Lava mientras que la fotografía de Harold Lipstein. El montaje quedó para Sherman Todd. Los responsables de arte fueron Alexander Golitzen y Bill Newberry, mientras que los set y su decoración fueron de Russell A. Gausman y Ray Jeffers; mientras que el diseño de vestuario fue de Bill Thomas.

El reparto fue encabezado por Audie Murphy como John Philip Clum que aparece acompañado de Anne Bancroft como la apache Tianay y Pat Crowley como Mary Dennison. Junto a ellos aparecen Charles Drake como Tom Sweeny, Tommy Rall como Taglito, Robert Warwick como Jefe Eskiminzin, Jay Silverheels como Geronimo, Eugene Mazzola como Tono, Anthony Caruso como el violento Disalin, Victor Millán como Santos, Ainslie Pryor como Capitán Larsen, Eugene Iglesias como Chato, Morris Ankrum como el general Wade, Addison Richards como el gobernador Safford y Maurice Jara como Alchise. 

Desde el primer momento la película deja claro que la historia que en ella se relata es una historia real. La del padre del autor de la obra. 

Estamos en 1874 John P Clum (Audie Murphy) llega a Tucson y lo hace con el encargo del gobierno de EEUU de dirigir la reserva apache de San Carlos, cercana a Tucson. El gobierno de los EEUU encabezado por Grant manda a este hombre de la Iglesia, forma parte de la Iglesia Reformista Holandesa, como agente federal con potestad para actuar en la reserva apache de San Carlos también conocida como " El infierno de los Cuarenta Acres" debido las deprimentes condiciones de salud y ambientales. ". 

En la misma , gestionada hasta ese momento por el Ejército se trata a los Apaches como conspiradores y pueden unirse en cualquier momento con Gerónimo. 

Lo cierto es que nada más llegar , ve que en la zona hay una fuerte animadversión por los apaches como lo demuestra el hecho de que algún hombre se vanagloria que tener las cabelleras de varios guerreros y algunas mujeres por las que serán recompensados por ello. Clum se muestra contrario a ello y se encara con ellos. 

Después pasa a reunirse con las autoridades locales conjuntamente con integrantes del Ejército. Ellos miran con malos ojos al recién llegado así como su idea de tratar a los indios como personas. Su misión será la de mejorar las condiciones de vida de los indios y las relaciones entre éstos y la Caballería. Su intención y la del Gobierno de la Unión es probar un nuevo enfoque de paz con los apaches basado en el respeto a la autonomía en lugar de someterse al ejército. 

Nada más llegar Clum descubre que los militares no respetan a los nativos llevando a sus jefes en una cuerda de presos para dar ejemplo de lo que ha de ser la sumisión. Esto no lo concibe en esas condiciones Clum que dice estar allí para proteger los derechos de los indios, y se enfrenta tanto a los militares que humillan y esclavizan a los indígenas derrotados para trabajar las polvorientas heredades. 

De cualquier manera su tarea no es fácil. Nada más llegar se le asigna una viuda india que está acompañada por su hijo como su ama de llaves . Ella Tianay ( Anne Bancroft ) antigua mujer de un gran guerrero fallecido vive tiznada. Pero viendo la actitud del recién llegado que lo primero que hace es retirar las cadenas y luego enfrentarse con los militares. 

Esa misma noche los apaches celebran la liberación bebiendo alcohol algo que está prohibido. Esto implica un enfrentamiento entre Clum y los otros jefes que hay por debajo de la principal autoridad, el Jefe Eskiminzin (Robert Warwick).


De entre ellos hay uno especialmente belicoso como Disalin (Anthony Caruso) con el que se enfrenta con un cuchillo de por medio la llegada del jefe y del ejército aplaca al apache. Al día siguiente Clum ordena la salida de los militares de San Carlos. Entre ellos está un animoso irlandés Tom Sweeny (Charles Drake ). 

Pasan los días y Tianay se siente cada día más atraía por Clum, como manifiesta su nueva forma de vestir en la que ha abandonado su peculiar luto (cortarse el pelo y embadurnarse de tizne) por una traje que la presenta en toda su belleza. Ella se le insinúa abiertamente, pero Clum le manifiesta que está comprometido con su novia del este, Mary Dennison ( Pat Crowley ). 

Una vez los militares fuera aparece un problema logístico, el de la alimentación. Los apaches desde tiempo inmemorial han cazado , pero desde su derrota parcial carecen de armamento. Ante esto Clum se compromete con el jefe a hacer gestiones con la autoridades de Tucson ya que su pedido de carne no llega. 

Antes de salir a Tucson a San Carlos llegan dos buscadores de cabelleras. Los dos detenidos y llevados a Tucson con el fin de encarcelarlos. Al dejar a esos dos ante el sheriff se encuentra con uno de los hombres que estaba a las órdenes del Capitán Larsen (Ainslie Pryor). Se trata de Tom Sweeney ( Charles Drake ) que tras beber como un poseso se compromete a ayudarle . 

Desde ese momento los conflictos entre estas dos culturas van a más. Especialmente lamentable es la muerte de Disalim tras el reparto de armas y munición destinada a la caza. Disalim , aprovechando la coyuntura , dispara sobre Clum. 

Lo cierto es que Clum se enfrenta a las sospechas de los colonos blancos, del ejército y los indios comandados por el jefe rebelde Gerónimo y sus seguidores a pesar de haberse ganado a los otros jefes de reserva . 

A pesar de la insinuaciones de la viuda india (Bancroft) lo cierto es que la llegada Mary Dennison aclara la situación , aunque genera fricciones y malentendidos. No obstante todo se aclara entre las dos mujeres y entre y la comunidad. 

La presencia en la zona de Gerónimo ( Jay Silverheels) llena de inquietud, pero mediante el uso de la diplomacia y las demostraciones de buena fe tanto de Clum como de los líderes apaches, la reserva para tener viabilidad , especialmente cuando tras una entrevista entre Clum y Gerónimo acaba con la rendición de los apaches y su integración en la reserva. 

La película se rodó en Arizona especialmente en Old Tucson , en las Tucson Mountains, en el Desierto de Sonora, en Rincon Mountains, en Picacho Peak State Park, en Ironwood Forest National Monument,en Sierrita Mountains, en el otoño de 1955. 

El protagonista estelar de la película es Audie Murphy, aquí mucho menos convincente de lo habitual. A destacar Anne Bancroft en un papel de india. 

El papel de Mary Dennison, la prometida de Clum, se le ofreció originalmente a Piper Laurie, pero ella lo rechazó para poder estudiar en el Actors Studio en Nueva York. Pat Crowley fue elegido en su lugar. 

El derecho a usar el título "Walk the Proud Land" se obtuvo de Logan Forster, autor de "Proud Land", una novela del mismo género. 

La película se estrenó en septiembre de 1956 e hizo una taquilla de $ 1.5 millones , La película no fue un éxito en la taquilla, algo atribuido al hecho de que Murphy interpretó a un pacifista en lugar de un héroe de acción. Esto puso fin a los planes de Murphy de hacer su proyecto soñado, una película biográfica del pintor Charles Marion Russell . 

En ABC se dice de ella que es una "película, basada en la biografía que publicó el hijo de Clum en 1936 está, lógicamente, demasiado centrada en la figura el agente. De hecho, la crítica se quejó de que el director dedicase más tiempo a describir la vida privada de Clum que a retratar la relación que se estableció entre él y los apaches." 

El crítico Fausto Fernández declaró que "fue la contribución del pluriempleado Audie Murphy a la fiebre del western a favor de los indios que acaeció en los años 50. Corrección y expediente cumplido " 

Un western algo atípico defensor de los indios que relata la vida de John Clum (1851-1932), el hombre que intentó que la Oficina de Asuntos Indígenas cuyos fondos se desviaban hacia sus propios bolsillos diese la cara por su administrados. Lo cierto es que su leyenda como tal comenzó el 14 de diciembre de 1872, el presidente Ulises S. Grant, había establecido La Reserva de San Carlos para el pueblo Apache… y después de una investigación en la que se desvelaron los abusos políticos y militares que allí se cometían, decidió otorgar a los grupos religiosos protestantes el manejo administrativo de las reservas indias. Fue así, como la Iglesia Reformista Holandesa conectó con John Clum, un intelectual newyorkino que recibía los servicios religiosos en esa misma iglesia y aceptó el cargo de procurador, y el 26 de febrero de 1874, llegó ante el pueblo apache dispuesto a cumplir con su misión.

Tras la Ley de Reorganización India de 1934 los diversos grupos formaron un gobierno conjunto y pasó a ser reconocido como la Nación San Carlos como se informa al final de la película.



A destacar la presencia de Murphy junto a Anne Bancroft y Pat Crowley en un western que únicamente interesarán a los amantes del género.


domingo, 22 de marzo de 2020

Revisión de náufrago


Noche de sábado, noche confinada. Película familiar y , a pesar de que hay otras opciones, apostamos por ver Naufrago de Robert Zemeckis con un Tom Hanks grandioso, aunque ya la haya visto tal y como relaté en una entrada anterior que llevaba por título , uno muy original, Náufrago. Pero así el la democracia familiar. 

Vuelvo a ver una historia basada en hechos reales, pero sobre todo vuelvo a ver un gran trabajo en lo interpretativo y en lo físico de uno de los grandes actores de Hollywood, por cierto, afectado por el dichoso coronavirus.

Añado a lo que ya escribí hace años, en 2016, una opinión más, la de Fausto Fernández en Twitter siempre desde su ácida y final pluma cuando señaló en 2013 "El más excitante y molón spot de Fed-Ex que se haga en la vida, pero también una de las importantes pelis de Zemeckis ".

El trabajo de director y actor , espléndido. Mantener una historia con un único personaje hablándole a un balón, a Wilson, - ¿es el apellido de la mujer de actor?- es meritorio.


La historia no la voy a volver a contar , pero reconozco que me gusta la banda sonora, la presentación del accidente del avión , y especialmente el inicio y el cierre de la misma dado el mensaje positivo, especialmente al final. La vida sigue como demuestra Bettina y los caminos que nos ofrecen son múltiples como vemos en el cruce de carreteras. Además, todos tenemos una historia que contar, a veces, una gran historia.


sábado, 21 de marzo de 2020

Spaguetti compañero


Tocaba completar el trio de Sergios . Tras haber visto algunas muy seguidas de un par de películas de uno de los Sergios, Sollima, y haber visto bastantes de la filmografía del más importante de los Sergios, Leone, tocaba el turno al tercero , que no era otro que Sergio Corbucci, uno de los grandes directores del spaguetti western. 

Y aunque comenzó su carrera filmando un "peplum" de bajo presupuesto pero que terminará siendo de culto como fue Rómulo y Remo con con Gordon Scott, Steve Reeves, Virna Lisi, Ornella Vanoni. 

Pero rápidamente entró en el mito del western europeo al estrenar Django (1966), protagonizado por Franco Nero, su película más famosa dentro de este género es sin duda El gran Silencio (1968), un spaghetti western lleno de dramatismo, con un protagonista mudo y un malvado psicópata. Esta película fue censurada (incluso no llegó a estrenarse en algunos países, como fue el caso de España) debido a su violencia explícita. 

Al año siguiente estrenó El especialista (1969) del que fue director y guionista y en 1970 estrenó Los compañeros, también conocida con el nombre de ¡Vamos a matar, compañeros! en la que el romano Sergio Corbucci (1970) doblaba como director y guionista siendo estrenada veinte años de su muerte.
Tras esta siguió rodando muchas comedias en las décadas de los 70 y 80, muchas de ellas protagonizadas por el actor Adriano Celentano, aunque no era extraño ver a otros actores como Albetrto Soldi, Enrico Montesano, Vittorio Gassman, Terenci Hill, Bud Spencer  o Paolo Panelli. Sus películas rara vez han sido tratadas con seriedad y respeto, siendo a menudo consideradas de segunda categoría. Sin embargo, Corbucci se mantuvo fiel a sí mismo, y pasando a ser un director de culto. 

En este caso Sergio Corbucci aparece como director y guionista, aunque en este campo está junto a Massimo De Rita, Fritz Ebert, José Frade encargado de los diálogos , Arduino o Dino Maiuri .


En cuanto a la película es una producción de Antonio Morelli como productor ejecutivo en régimen de coproducción entre Italia y España en la que están presentes Terra Film-Filmkunst , Atlántida Films , Tritone Cinematografica contando con la distribución de Titanus.

La música es de un grande como Ennio Morricone , mientras que la fotografía lo es de Alejandro Ulloa siendo el vestuario de Jürgen Henze junto a Osanna Guardini y el montaje de Eugenio Alabiso.

En cuanto a los protagonistas están Franco Nero como el Sueco o el Pingüino Yodlaf Peterson , el actor cubano italiano Tomás Milián como  'El Vasco' , Jack Palance como John Svedese "mano madera" , Fernando Rey como el Profesor Vitalino Xantos , la bella Iris Berben como  Lola,  José Bódalo como el General Mongo Álvarez,  Eduardo Fajardo como el Coronel , Karin Schubert como  la rubia Zaira Harris y Gino Pernice como el croupier . 

La historia se desarrolla en México, durante la Revolución mexicana, siendo sus protagonistas principales el traficante de armas y mercenario sueco Yodlaf Peterson (Franco Nero) aliado del general Mongo (José Bódalo) enemigo del revolucionario Profesor  Xantos (Fernando Rey).

La película viene narrada en un largo flashback con un enfrentamiento entre El Vasco(Tomás Milián) y el Pingüino (Franco Nero) que van a iniciar  un duelo ante la mirada de una chica Lola (Iris Berben).

Tras eso comienza propiamente la película con la llegada del Sueco (Franco Nero) a la estación de San Bernardo. Allí los revolucionarios se han hecho con el control de la ciudad dejando un reguero de  soldados gubernamentales muertos.

Tras eso vemos cómo el Sueco se hace con un cargamento de explosivos aunque lo oculta como medicinas (¿para frenar una pandemia como la que estamos viviendo? Menudos inútiles de gobernantes tenemos).

Una vez salvado el primer freno tras un encontronazo con dos borrachos, el Pingüino (Nero) tiene un encuentro con El Vasco mientras éste violenta a una chica que resulta ser Lola.

Tras eso hay una discusión dialéctica de la que el Sueco sale airoso y que al final le hace entrega de una moneda de dólar al Vasco.

Cuándo va a su alojamiento allí se encuentra con la chica y un grupo de personas, los "estudiantes" , que son seguidores del profesor Xantos (Fernando Rey), que le pide que lidere su movimiento por la libertad, pero desde la justicia.

Por contra nos enteramos que el Vasco está a las órdenes del general Mongo. Nada más llegar éste a la plaza el pingüino es sacado de la cama a empellones y llevado a la plaza. Está enterado esperando a la muerte hasta que llega Mongo (José Bódalo) .

El pingüino o el sueco  es un mercenario que ha sido contratado por Mongo con el fin de que le abra una caja de caudales hecha en Suecia. Mientras beben y celebran el reencuentro, el sueco y el general de disponen a abrir la caja de caudales. El sueco habla de las características de la caja. El sabe que solo la puede abrir el profesor Xantos que está preso en el Penal de Yuma.

Al sueco se le encarga cruzar la frontera en busca de Xantos , pero es obligado a ir acompañado de El Vasco. El ex lugarteniente de Mongo será el compañero del Sueco.

Mientras cruzan el desierto tienen diversos encuentros con las tropas gubernamentales. Estos le hacen una fotografía. Así que eso ligado a fotografiarse y su respuesta es disparan al fotógrafo.

Una vez cruzado el desierto se montan en el tren que es asaltado por los revolucionarios de Xantos. Entre ellos está la chica. El sueco huye en un descuido con el tren y el Vasco logra subirse en marcha al mismo.

Pero el Sueco quiere ir solo a Yuma. En la frontera se suman a buscar al sueco dos más, el mercenario estadounidense John (Jack Palance) y uno de sus hombres (Álvaro de Luna) integrantes de otra banda de mercenarios que quieren sacar tajada de la revolución. Ellos provocan que la locomotora se frene. 

El Sueco y John, que siempre va acompañado de una rapaz, Marshall, son viejos conocidos. John perdió una mano por culpa del sueco. Éste es colgado. Y allí está cuando llega El Vasco.

Inicialmente pasa de él. Finalmente lo libera tras jurar éste por San Bernardino que nunca lo traicionará.

Una vez en Yuma descubrimos que Xantos (Fernando Rey) en la cárcel recibe la visita de un grupo de personas que intenta negociar en nombre de un grupo empresarial minero . Estos le proponen al político encarcelado unas condiciones beneficiosas para la empresa , pero injusta para México. Ante esto Xantos renuncia al apoyo de los empresarios. Se niega.

Mientras tanto a Yuma han llegado desde el sur el Sueco y Vasco. Antes de liberarlo juegan a la ruleta y se ven con una Madama, Zaira (Karin Schubert ) .

Mientras John que cree muerto al sueco, es contratado por el lobbie minero para acabar con un Xantos que va a ser liberado en breve plazo.

El plan del Sueco para liberarlo es introducirse en la cárcel junto con Zaira y un grupo de fulanas para entretener a los vigilantes del Penal. Siguiendo el plan el Vasco provoca un pavoroso incendio que es aprovechado por el Sueco , como integrante de los bomberos locales, para sacar al político mexicano  de la cárcel y éste, muy a su pesar,  huyen los tres, junto al Vasco, en dirección a San Bernardino.

De camino hablan Vasco y el Profesor hablan de los diferentes proyectos de Xantos y  de Mongo, en boca del Vasco. Pero la llegada de John y sus compinches sorprenden a un Vasco que ha sido abandonado por los suyos. Al Vasco lo torturan con un roedor que le muerde.

Tras liberarlo los tres juntos de nuevo marchan al sur. Ahora han de cruzar la frontera que vigilan las tropas gubernamentales que intentan impedir el paso a la gente de Mongo y Santos. La idea es cruzar con un ataúd con el profesor dentro y ellos disfrazados de frailes de la Orden de San Bernardino.

Pero justo cuando cruzan aparece John junto a su ave Marshall y los suyos, así que disparan a todos los que están huyendo en una furgoneta. La falta de pericia del Vasco con el coche hace que caigan al río.

Tras salvarse, Vasco y el Sueco se pelean. Esto es aprovechado por Santos que huye... aunque cae preso de John que lo entrega a las autoridades mexicanas que es condenado a muerte. Justo en ese momento de ser fusilado llegan los estudiantes junto a Vasco y Sueco ya que éste deduce que Santos ha ido dejando tortugas como podrás para su ubicación.

Finalmente huyen los tres junto a  los estudiantes gracias a que el sueco logra frenar la persecución explosionando el puente fronterizo. 

Mientras en San Bernardino Mongo muestra su brutalidad acabando con los revolucionarios de Mongo. Allí va John con la intención de vengarse a cambio de dinero.

Tras el aviso de la gente de Mongo de que matarán a sus rehenes si no se entrega Santos, éste anuncia que lo hará para evitar muertes inútiles.

A San Bernardino llegan las noticias de la tradición del Sueco y del Vasco. Mongo por su parte espera la llegada de Santos. Este llega dignamente al pueblo, pero le siguen tanto el Vasco como más lejos el Sueco.

Desde la distancia un disparo del Sueco pone fin a John que cae junto a un campanario. Mongo dispara sobre Vasco pero el dólar le salva la vida al Vasco. Un bestial tiroteo va acabando con la gente de Mongo.

Finalmente los dos atrapan al miserable general que reconoce que la revolución nunca estuvo entre sus prioridades. Le dejan salir , pero Mongo intenta matar y disparar y los "estudiantes" ponen fin a su vida. Tras eso el Sueco le pide a Santos la clave de la caja fuerte. Este responde Viva México. Al abrir el Sueco la caja la encuentra vacía. Sólo contiene tierra y grano. Esa , declara Xantos, es la riqueza de México. Mientras la chica y el Vasco se prometen en matrimonio.

Volvemos al principio , al duelo entre Vasco y el Sueco. La intención de llevarse la estatua dorada de San Bernardino.

Tras saber la historia del dólar que le entregó inicialmente el Sueco al Vasco - afirma que había prometido entregar una moneda de dólar al primer idiota que se cruzara en su camino- , pero el duelo es interrumpido por John y sus hombres. Ahora se suma Xantos, un hombre que en la vida se ha enfrentado con un arma a otro hombre . Xantos es asesinado por John, pero este sale por los aires al explotar el vagón sobre el que está. El Sueco huye, el Vasco se queda, el ejército llega, pero el Sueco se arrepiente y avisa a los que desde ahora son sus compañeros.

La película fue rodada el mismo año del rodaje entre Italia y España. En Italia algunas escenas se rodaron en los Cinecittà Studios y en los Elios Studios, ; mientras que el grueso se rodó en España en puntos de Almeria y Madrid. En concreto se rodó en Monasterio de Santa Maria la Real de Valdeiglesias en la localidad de Pelayos de la Presa, en el cercano río Alberche y en Villamanta, pero sobre todo en Almería en las localidades de Polopos, en el Desierto de Tabernas.


El director italiano tiró de dos de los actores más importantes del cine italiano y en gran parte especializados en spaguetti western como son por un lado el actor cubano Tomas Milian , especializado en papeles de mexicano y revolucionario como los que asume junto a Sollima; y, por otra a Franco Negro , un actor fetiche para el director desde que protagonizó Django en 1966. De hecho hay un homenaje de Tomas Milian a Nero cuando lo vemos arrastrando un ataúd fuera de un cementerio. Igualmente Tomas Milian improvisó algunos diálogos como la canción sobre los ojos azules de Franco Nero en la escena en la que corta la cuerda mientras Nero está con un soga y sobre un barril.

Como era habitual en las coproducciones vemos a un nutrido grupo de actores procedentes de los países que participan. Por parte de España los actores son pesos pesados como Fernando Rey , el enorme actor José Bódalo así como un clásico de la escena española fallecido el pasado año en México, Eduardo Fajardo -estuvo también en Django- o Álvaro de Luna, todavía sin saltar a la fama en su papel de Algarrobo. Junto a ellos las bellas actrices alemanas Iris Berben y Karin Schubert.

Destacar de la película que hay cierto homenaje a otros western y especialmente a Grupo Salvaje visible tanto en el estallido del puente como en el brutal tiroteo en el que el Sueco - que usa una Gatlin- y el Vasco vencen a los hombres de Mongo. Así como una banda sonora al más puro estilo Morricone con armónica, silbidos y una canción inicial que dice ""Levantando en aire los sombreros / Vamos a matar, vamos a matar, compañeros! / Pintaremos de rojo sol y cielo / Vamos a matar, vamos a matar, compañeros!" ".

Por otro lado, decir que la ideología y la lucha de clases  subyace en los buenos espaguettis western como éste. Aquí se muestra en el contraste entre el revolucionario honesto , el que quiere cambiar con la ideología, y el revolucionario sarnoso que quiere la revolución para enriquecerse simple y llanamente. De hecho en España cambiaron el "Vamos a matar, compañeros!" porque en 1970 les sonaba a apología comunista.

Por último y para terminar señalar cómo he llegado hasta aquí. Pues se debe al gran Fausto Fernández , @faustianovich que ya en 2019 dijo de ella "En el Olimpo del western europeo (el más político de los géneros), de tú a tú con Zeus Leone, se halla este (y otros) Sergio Corbucci: LOS COMPAÑEROS (TRECE, 12.30h). ¡Vamos a matar, compañeros!". Un año antes había dicho de ella "una película sencillamente magistral " y mucho tiempo ante la calificaba de " "superior. Pero hace unos días señaló "Un vasco, un sueco, un alemán, muchos mexicanos e incluso un chino - aunque en la versión que yo he visto se le llama cherokee-... LOS COMPAÑEROS (La2, 12.30h), mayúsculo western de Sergio Corbucci. Imprescindible. Vamos a matar, vamos a matar, compañeros. "