lunes, 20 de abril de 2020

El asalto


Ya hemos hablado en una ocasión de aquel director argentino que decidió hacer carrera en los años 50 en los Estados Unidos. Su nombre Hugo Fregonese. Su obra empezó y terminó en Argentina, pero entre Pampa bárbara (1945) y Más allá del sol (1975) tuvo muchos films, algunos clásicos en su país natal como Apenas un delincuente (1949) y otros en los Estados Unidos como Viento salvaje (Blowing Wind, 1953) con Gary Cooper, Barbara Stanwyck y Anthony Quinn. Volvemos con él para comentar Furia rebelde o El asalto, aunque en realidad se llamó The Raid.

Se trata de una película, como la mayor parte de las que hizo en los Estados Unidos, en la que estaba amparada por una pequeña productora Panoramic. Con ella el director argentino Hugo Fregonese llevaron a buen término este ambiguo drama bélico y moral convertido en guion por Sydney Boehm, y Francis M. Cockrell que se basaba libremente en un incidente real, la Redada de St. Albans , así como en el libro de Herbert Ravenal Sass. Sin embargo, la película hizo un cambio significativo, convirtiendo lo que era un simple asalto en un acto de venganza por la quema de Atlanta llevada a cabo por el general William Tecumseh Sherman.

La película contó con buenos técnicos y mejores actores, algunos de ellos de importante recorrido. En el apartado musical la responsabilidad recayó en Roy Webb , mientras que la fotografía fue de Lucien Ballard.

El reparto lo encabezan Van Heflin como el Mayor Neal Benton / Neal Swayze , Anne Bancroft como Katie Bishop, Richard Boone como el Capitán Lionel Foster , Lee Marvin como Teniente Keating,  Tommy Rettig como el joven Larry Bishop,  Peter Graves como el Capitán Frank Dwyer,  Douglas Spencer como Reverendo Lucas, Paul Cavanagh como el coronel Tucker,  Will Wright como Josiah Anderson, el banquero , James Best como el teniente Robinson , John Dierkes como  Fred Deane, Helen Ford como Delphine Coates , Harry Hines como Mr. Danzig , Simon Scott como el Capitán Floyd Henderson , William Schallert como Soldado uno de los soldados rebeldes y Claude Akins como el teniente Ramsey (estos dos últimos sin acreditar)

La película está basado en hechos reales. Se inicia en el año 1864 cuando la Guerra de Secesión  está próxima a su final, con la inapelable victoria del ejercito de La Unión.

Un grupo de oficiales y soldados confederados dirigidos por un oficial (Van Heflin) se fuga de una prisión de la Unión en Plattsburgh, Nueva York , a pocos kilómetros de la frontera entre Canadá y Estados Unidos. Son seis los prisioneros confederados los que han buscado refugio en el Canadá, en concreto en Montreal,  y desde allí planean tomar por sorpresa un pueblo del Norte para robar su banco,  reponer el tesoro confederado y destruir e incendiar una pequeña población cercana a la frontera canadiense como venganza por la Marcha de Sherman y unir las fuerzas de la Unión. . La razón estriba en que están afectados por el odio y rabia por lo sucedido a sus familias y posesiones en el sur.

Tras diseñar el ataque concretan que el mismo tendrá lugar en octubre de 1864 y la ciudad objetivo será Saint Albans en el estado de Vermont, al norte del país y cerca de la frontera con Canadá.

El encargado de dirigir la operación es el Mayor Neal Benton (Van Heflin) el oficial sudista que lideró la fuga de una prisión y que ha reunido un destacamento para seguir luchando en la retaguardia, El ha perdido a su familia y se ha quedado sin propiedades. Nada le espera en el sur, únicamente le guía la venganza.

Nada más llegar a la localidad de Vermont se hace pasar por un comerciante canadiense de nombre Neal Swayze y tras llegar a contactar con un banquero le recomienda alojarse en casa de la viuda Katie Bishop (Anne Bancroft), una mujer que ha perdido a su marido en el frente y que se ha quedado con la gestión de su negocio junto a su joven hijo, Larry Bishop (Tommy Rettig), que desde el principio siente una enorme admiración por el recién llegado. Entre el comerciante y el chico comienza una relación paterna filial que encandila a la madre, que igualmente se acerca a Swayze.

No sabe nadie que en las proximidades están agrupados los hombres del mayor diseñando el asalto a la ciudad, una ciudad en la que las tropas unionistas están al mando de un  capitán lisiado   Lionel Foster (Richard Boone), enamorado de la viuda que debe hacer frente a un oscuro pasado de cobardía .

Los otros asaltantes se quedan en un granero abandonado o se hacen pasar por vendedores ambulantes de utillería doméstica ante los ojos del destacamento de los soldados de la Unión para estudiar como realizar el robo y hacerse el control del pueblo.

Pero entre los sudista hay de todo, desde violentos vengativos a algunos  borrachos como Teniente Keating (Lee Marvin), enajenado por el alcohol.

Mientras se consolida el plan de Swaize Keating, cada vez más descontrolado y más ebrio interrumpe un servicio de la iglesia, y Benton, el líder de la incursión, lo mata de inmediato, para evitar que hablase de quiénes son los integrantes del complot.

La gente del pueblo ve en Benton a un salvador, así que por gratitud lo introducen en el seño de la sociedad local, abriéndole las puertas de la comunidad.

La Señora Bishop cae a sus pies y el mismo Capitán Foster reconoce su valía a pesar de las dudas que inicialmente albergaba sobre él, regalándole hasta el sable de un oficial confederado que había conseguido en una subasta sin darse cuenta de su verdadera identidad.

Sin embargo, llega el día señalado y el comandante Benton vestido con uniformes de la Confederación es descubierto por Larry Bishop avisando a su madre que siente una profunda decepción a pesar del amor que siente por él.

Por otro lado a la ciudad llegan  los otros asaltantes que estaban en el granero, todos vestidos con uniformes de la Confederación, toman a algunos ciudadanos como rehenes como son los Bishop, roban la caja fuerte del banco a punta de pistola, incendian el ayuntamiento que es defendido con valentía por primera vez en su vida por parte del Capitán Foster y galopan hacia el norte justo  en el momento en que llegan las tropas de la Unión.

Para conseguir conretar la huída los confederados queman  un puente detrás de ellos. Tras cruzarlo, Swayze mira hacia atrás. Ha vuelto a perder.

La película se rodó en los RKO-Pathé Studios sito en Washington Blvd., en la localidad californiana de Culver City, , mientras que los exteriores se rodaron en Sherwood Forest en Lake Sherwood, California,

La película contó con la distribución de la productora 20th Century Fox. La película está basada en un verdadero hecho histórico ya que la incursión de The St, Albans, en Vermont ocurrió el 19 de octubre de 1864 cuando veintiún soldados de caballería llegaron de Canadá y se apoderaron de St. Albans,  en lo que fue el hito bélico más septentrional de la Guerra Civil estadounidense.

El agente confederado George Sanders organizó la acción y el teniente Bennett Young dirigió la redada. Young subió los escalones de un hotel y gritó: "¡Esta ciudad ahora está en posesión de los Estados Confederados de América!"

Desde 1914, ha habido un marcador histórico de Vermont frente a Taylor Park que conmemora el evento y una placa conmemorativa en la entrada de lo que fue el Banco del Condado de Franklin. Es el único de los tres bancos robados que sigue en pie y sigue siendo un banco. La película cambió el año y la razón de la redada.  El objetivo era materializar una guerra de guerrillas que obligase a las tropas nordistas a dispersarse del frente principal de la guerra en el sur.

En el programa "What's My Line", uno de sus invitados Van Heflin comentó que Richard Boone le robó esta película por su excelente actuación sin ebargo Boone no estaba de acuerdo. Lo cierto es que Richard Boone aparece como un hombre atormentado por su pasado y por su sentimiento a lo largo de toda la película. Y es normal en un hombre con su enorme presencia y gran físico y que aquí pasa de ser un posible villano a convertirse en el clásico personaje en busca de redención.

Lo cierto es que Van Heflin y Boone mantiene una intensa lucha interior, uno y otro corroído por el rencor, jugando entre su deber y lo que le gustaría haber sido.

Señala el bloguero argentino Santiago García hablando sobre el director que "  Su trabajo es eficiente, veloz, la película es muy entretenida y los actores brillan. Un director que merece más fama de la que tiene. Uno de esos realizadores de perfil bajo y un gran número de buenas películas. ".

En ABC Play se señala que "El director argentino Hugo Fregonese se sintió a sus anchas con este filme desarrollando su tema favorito: la fuga de presos y la posterior adaptación a un nuevo mundo desconocido. Fregonese quiso hacer un guiño a sus compatriotas eligiendo como día del asalto el 17 de noviembre. Esa misma fecha pero de 1945 fue cuando el pueblo argentino se alzó en una gran movilización obrera y sindical para exigir la liberación de Juan Domingo Perón, detenido por reclamar los derechos de los trabajadores. La historia que relata la cinta está basada en el ataque real a la apacible ciudad de St. Albans, en la frontera canadiense. En cuanto al reparto destaca la intervención del actor Lee Marvin, quien se colocó en los 60, y gracias al Oscar obtenido por "La ingenua explosiva", entre las estrellas de Hollywood más deseadas del momento. El toque femenino lo pone la neoyorquina Anne Bancroft, quien obtuvo una estatuilla por su interpretación en "El milagro de Ana Sullivan", dando vida a la maestra que enseña a Ana ".

También destaca el papel de Lee Marvin aquí presentado como  un adicto al alcohol y enloquecido por los avatares de la guerra

La película es un ejemplo de concisión narrativa, claridad de dirección y riqueza de ideas que eran necesarias en la producción de bajo presupuesto. Las limitaciones no permitían desperdiciar planos, con lo cual estos se llenan por igual de información narrativa y profundización psicológica. El resultado es una reflexión sobre la guerra y los hombres en guerra, articulada en la acción y tensión de un thriller, donde los personajes están dibujados a la perfección, en sus anhelos y contradicciones, responsabilidades y deberes, méritos y errores, indecisiones y resoluciones.

Al final tenemos una película extraña y oscura que lleva a esta “The Raid”  con sentido de wéstern las preocupaciones y dudas morales , la sensación de fatalismo, mientras se solapan géneros como la fuga carcelaria, las hazañas bélicas, los robos perfectos y el melodrama.

Todo ello rodado con fotografía es amarillenta y terrosa, como queriendo agudizar la tristeza y tragedia del conflicto entre el Norte y el Sur, del que ambos salen mal parados. Una película llena de dilemas morales, intensa, emotiva, llena de decisiones difíciles y con un final amargo.


domingo, 19 de abril de 2020

One cut of the Dead


Kamera o tomeru na! o One cut of the Dead es una agradable sorpresa. Una comedia inteligente sobre zombies, pero también de lo irreal y fantasioso en el cine. Pues la película es realmente un inteligente homenaje a las películas de serie Z. 

Una divertida reflexión sobre el cine realizada por un director de Kioto de 36 años como es Shinichirô Ueda. Se trata de un director y guionista que ahora ha pasado igualmente a la producción. Comenzó en 2011 con Okome to oppai. Tras esto dirigió cinco cortos antes de llegar en 2017 a Kamera o tomeru na!. 

La película contó con el Koji Ichihashi siendo producida por ENBU Seminar y Panpokopina que contó con una financiación ínfima de 3,000,000 de yen japoneses , unos $ 25,000, que parte de un guion propio, al igual que la edición, y cuenta con la música de Nobuhiro Suzuki junto a Kailu Nagai y la fotografía de Takeshi Sone. La distribución quedó en manos de Asobi System. .

El reparto lo integran Harumi Shuhama como el director Harumi Higurashi, Takayuki Hamatsu como Takayuki Higurashi Mao Higurashi como Mao la mujer del director, Yuzuki Akiyama como la actriz Chinatsu o Aika Matsumoto, Kazuaki Nagaya como Kazuaki Kamiya y Manabu Hosoi como Manabu Hosoda. Junto a ellos Ayana Gôda, Miki Yoshida, Hiroshi Ichihara, Yôko Takahashi, Takuya Fujimura, Satoshi Iwagô, Tomokazu Yamaguchi, Manabu Hosoi, Yoshiko Takehara, Sakina Iwaji.

La historia desarrollada en dos (tres si sumamos los créditos finales) nos muestra la grabación de una película de serie B "One Cut of the Dead" de muertos vivientes que es interrumpida por un auténtico apocalipsis zombi y que están filmando en una planta de filtración de agua abandonada. 

El director, Higurashi (Takayuki Hamatsu), que está filmando con un equipo mínimo de cuatro personas discute con los actores y finalmente los abandona. Mientras los actores esperan a que regrese, se inicia un verdadero apocalipsis zombie comienza para deleite del director que insiste en que el operador de la cámara continúe filmando. 

Vemos como un grupo de los tres protagonistas oficiales de la películas consiguen huir. A ellos se suman el director que aparece y desaparece por momentos. Finalmente, uno tras otro irán cayendo ante los envites de los zombies que son los mismos compañeros de rodaje. Y , finalmente, la chica protagonista queda en el centro de una estrella de sangre, acabando así la película... 

Pero casi de inmediato comienza otra que se desarrolla unos días antes. En esta segunda mitad donde descubrimos todos los entresijos y detalles que acaban de pasar son parte de un proyecto televisivos, el de un canal de cine de terror zombie , que contrata al director para el rodaje en un metraje limitado de medio hora y en un único plano secuencia la película. 

Descubrimos ahora a los responsables del proyecto, las dificultades para que el mismo pueda salir. El uso de todos los clichés del género posibles, los contratiempos de una grabación en directo, el peso de la improvisación. Es ahora cuando vemos la misma película pero desde otro plano. 

La película fue rodada en ocho días entre Tokio y sobre todo en Mito, en la prefectura de Ibaraki en un edificio abandonado de la localidad. Los primeros 37 minutos fueron filmados en una sola toma. Para prepararlo todo tardaron 2 días y 6 tomas para que el elenco y el equipo lo consideraran perfecto. 

Según la actriz Harumi Shuhama, el elenco realizó la escena de una toma perfectamente en el segundo intento, pero un error del equipo hizo que las cámaras se detuvieran durante la toma y quedaran inutilizables. 

La película fue realizada por un bajo presupuesto de ¥ 3 millones con un elenco de actores desconocidos y que además pagaron dinero para estar en esta película, al menos inicialmente, porque este era un producto final de un taller de actuación y dirección llamado ENBU Seminar. 

Fue el proyecto final del director Shinichiro Ueda que participaba en los talleres para actores y cineastas en la escuela de teatro Enbu Seminar en Tokio. El título original "Kamera wo tomeru na!" en japonés significa "¡No dejes de rodar!". 

La película se estrenó en Japón en un pequeño cine y con una duración limitada a seis días. Sin embargo, la película comenzó a atraer la atención nacional e internacional después de convertirse en la favorita del público tras una votación de la audiencia en el Festival del Lejano Oriente de Udine. Allí recibió una gran ovación y el Premio del Público en el Festival de Cine del Lejano Oriente de Udine en el año 2018. 

Poco después fue presentada en Sitges donde encantó al público con un pase lleno de reacciones entusiastas, vítores. Se llevó una ovación de cinco minutos al acabar su proyección. 

Tras este periplo exitoso One Cut of the Dead comenzó a tener una mayor exposición , incluido un relanzamiento en Japón. Tras el mismo alcanzó una recaudación de US $ 27,935,711 ( ¥ 3,12 mil millones ) en Japón y $ 30,5 millones en todo el mundo, haciendo historia en la taquilla al ganar más de mil veces su presupuesto.


La película también recibió la aclamación universal de los críticos, que elogiaron su originalidad, escritura y humor. 

En Variety,  Richard Kuipers escribió que la película era una comedia de terror "maravillosamente imaginativa comedia de terror de Shinichiro Ueda da una perspectiva nueva al género de zombis (...) y atribuyó su éxito a "su espíritu irresistiblemente [...] hinchable que brilla positivamente con el contagioso entusiasmo de "¡Vamos todos, hagamos un espectáculo!" que ha servido tan bien a las películas desde los días de Andy Hardy ". Y dice de ella que fue "Concebida y ejecutada con inteligencia" 

Elizabeth Kerr del Hollywood Reporter, descubrió que la película era "una comedia de zombis hilarante y a menudo risueña", y señaló que aunque la película "se hunde en el segundo acto mientras establece el tercero, no es así tanto que pierde todo el vapor que generó por la puerta ". Y añade que es "Un apocalipsis zombi con un inteligente giro cómico (...) Una comedia zombi desenfadada e hilarante".

David Ehrlich de IndieWire, opinó que la película era "La mejor comedia de zombis desde 'Shaun of the Dead' (...) " y "tan sincera e hilarante que es fácil perdonar los artilugios que la mantienen unida y pasar por alto que Ueda realiza una ingeniería inversa de la mayoría de sus mejores gags. Detalles aparentemente sin importancia en la lenta sección media de la película florecen en asesino bromea unos 30 minutos después " Concluye diciendo que es " Una delicia autorreflexiva que homenajea y humilla al cine de zombis a partes iguales".


Meagan Navarro de Bloody Disgusting dice de ella que "Está grabada en una toma continua y si te quedas, verás que hay muchos detalles interesantes en esta sorprendente comedia zombi (…)" 

Jeremy Kirk de First Showing señala que es "Una auténtica película de muertos vivientes que revitalizará incluso a los espectadores más hastiados con el género." 

Rob Hunter de Film School Rejects dice de ella que "No es sólo la mejor comedia de zombis en años, sino también la mejor película sobre cine independiente en décadas." 

En el Reino Unido Peter Bradshaw en The Guardian señala que es una "Una película que rescata a un género agotado sin insistir demasiado en la metáfora o la sátira (...) " 

En Canadá J Hurtado en Screen Anarchy que "Es difícil que una película pueda sorprenderme por completo (...) No he visto nada como 'One Cut of the Dead' y eso es muy estimulante" 

Ya en España Víctor Esquirol en FilmAffinity señala que "Es la serie B (o directamente Z) vista como la sublimación del esfuerzo épico que se esconde detrás de cualquier manifestación cinematográfica. Un conjunto muy hábilmente diseñado para ennoblecer, desde la humildad más incontestable, uno de los más cariñosos homenajes jamás dedicado a esos apasionados maestros de la improvisación y el sacrificio, capaces de obrar ese milagro: levantar una película (de zombies). " 

Javier Ocaña en El País defiende que "El conjunto se convierte en una descacharrante comedia metalingüística, de una enorme complejidad siendo particularmente sencilla" 

Ricardo Rosado en Fotogramas sostiene que es un homenaje "sobre el amor incondicional al cine (...) Bienvenidos al año cero de recomendaciones insistentes con ‘One Cut of The Dead’, el llamado ‘Zombies Party’ japonés ha venido para quedarse." 

Eulàlia Iglesias en El Confidencial confiesa que "Ueda sabe contagiar al espectador la energía (...) y la capacidad para resolver situaciones complicadas (...) comedia de zombis que deviene una celebración del cine pensado, realizado y visto de forma colectiva. (…)" 

En Espinof Jorge Loser escribe que parte de un "punto de partida comienza un juego de realidades y ficción dentro del cine que adereza el planteamiento de un plano secuencia de terror cuya gracia, en principio, es la cutrez con la que está realizado, sirviendo como un juego de homenaje al cine de serie z un tanto bizarro y confuso. Un trabajo de cámara en mano descuidado, solo utilizando luz natural, y una concatenación de casualidades que indican que se trata de un rodaje caótico e improvisado más que una cuidada coreografía". Y añade que la película "comparte un amor por el oficio de hacer cine que probablemente tocará la fibra a tantos cineastas noveles que puede incluso convertirse en una obra de culto para ellos. Por otro lado, mucha de la efusividad con la que fue recibida tiene más que ver con el efecto contagioso de una sala de cine, con algo de histeria colectiva y filtro de festival de por medio, que con su verdadera capacidad de crear comedia más allá de los ecos de ‘humor amarillo’ y la complicidad con el espectador. "

En Cine Maldito "One Cut of the Dead es un entretenimiento maravilloso, tan sencillo y con una mirada tan tierna por la profesión que no consigue más que encandilar a cualquiera. Partiendo de un subgénero limitado y explotado hasta la saturación, logra su meta entre carcajadas y guiños". 

En México Jesús Chavarría en La Razón comenta que "Ueda logra conjugar una clara vocación de fanservice con el horror más esencial." 

En cuanto Premios en la 43 edición de los Hochi Film Awards consiguió el premio a la mejor película y dos nominaciones al Mejor director (Shinichiro Ueda) y Mejor artista nuevo.

En la 31 edición de los Nikkan Sports Film Awards la película consiguió el Premio Yūjirō Ishihara, siendo nominada entre otras al mejor director y Mejor Revelación.  En la 40 edición del Festival de Cine de Yokohama obtuvo el Premio Especial del Jurado. 

En la 73 entrega de los Mainichi Film Awards ganó el premio al Mejor director, Shinichiro Ueda, siendo igualmente nominado por su guión. 

En los 61º Premios Blue Ribbon se llevó el premio a la mejor película y una nominación al Mejor director.

En los 28 ° premios Tokyo Sports Film Awards ganó el Premio al mejor director , siendo nominado a la mejor película, al Mejor actor en la persona de Takayuki Hamatsu, mejor actriz de soporte para Harumi Shuhama. 

En los 13º Premios del cine asiático la nominación para Ueda al Mejor nuevo director. Y en los 42º Premio de la Academia de Japón ganó el premio al mejor montaje cinematográfico y nominaciones a la mejor película, mejor director, mejor actor, mejor guión, mejor música en las personas de Nobuhiro Suzuki, Shōma Itō y Kyle Nagai , mejor fotografía y mejor grabación de sonido para Kōkichi Komoda.

Una pel´cula, muy recomendable. Una gratísima sorpresa en esta película homenaje al cine barato, bien ideada y mejor ejecutada. Es un dos ( o tres) por uno. ¡Qué más quieres!


sábado, 18 de abril de 2020

Bagdad Café


Esta película que hace una eternidad que vi está ligada a una canción, "Calling You", compuesta por Bob Telson para la película, y que fue nominada al Óscar a la mejor canción original en 1988. Pero también esta película es un homenaje a la magia del paisaje desértico y en el desierto. Una magio que viene de lo natural ya que en él puede mostrar todo tipo de fenómenos de luces como le ocurre a Jasmine en la que la luz del sol se refracta generalmente en el horizonte y que es visible en el Mojave, ese desierto que recorrer y disfrutar de este a oeste, y  que se extiende entre los estados de Arizona, Nevada y California. Paisaje absolutamente espectacular el del Mohaje.

Este es el lugar del Bagdad Café, una película que se llamó así en España y que fuera, en otros países, se llamó Out of Rosenheim. Se trata de una película alemana - de eso me he enterado hoy- dirigida por el director de cine, director de televisión, guionista y productor alemán muniqués Percy Adlon. 

El filme tiene una duración de 95 minutos en la versión estadounidense y 108 minutos en la versión alemana. La persona que estuvo detrás del proyecto fue Percy Adlon. 

En 1978, Adlon, junto a su esposa Eleonore Adlon, decidió fundar la compañía FILM GmbH. El primer proyecto de la compañía fue el docudrama Der Vormund und sein Dichter sobre la vida del escritor suizo Robert Walser. Este docudrama ganó dos Premios Adolf Grimme. 

En 1981, Adlon dirigió su primer largometraje, Céleste, el cual fue exhibido en el Festival de Cannes. En 1987, lanzó esta película, Bagdad Café, iniciando así su colaboración con el productor Dietrich von Watzdorf. La película fue un éxito internacional, lanzando a la fama a la actriz Marianne Sägebrecht. 

En 1997, Adlon empezó a trabajar con cámaras digitales, realizando trabajos como Die Straußkiste, Mein München y Hawaiian Gardens. 

Entre 2001 y 2002, filmó Koenigs Kugel, sobre la escultura The Sphere, la cual fue recuperada de los escombros de los atentados del 11 de septiembre de 2001 en Nueva York. 

En 2007, viajó a Ngorongoro (Tanzania) para filmar el documental Orbella’s People sobre una familia masái. Actualmente, Percy y Eleonore Adlon viven en Pacific Palisades (Los Ángeles), mantienen la productora y tienen un hijo igualmente vinculado en este mundo del cine.

Percy Adlon junto a su mujer Eleonore  así como  Dietrich von Watzdorf estuvieron al frente de este proyecto que además estuvo amparado por la Bayerischer Rundfunk, Hessischer Rundfunk, Pro-ject Filmproduktion y Pelemele Film siendo al final una coproducción entre Alemania del Oeste (RFA) y los Estados Unidos.

El guion de la película fue escrito por Percy Adlon, Eleonore Adlon y  Christopher Doherty, quedando la música en manos de Bob Telson, la fotografía de Bernd Heinl y el montaje de Norbert Herzner.

El reparto lo integraron Marianne Sägebrecht como Jasmin Münchgstettner ,a actriz de color CCH Pounder como Brenda, un veterano de Hollywood como Jack Palance en el papel de Rudi Cox , Christine Kaufmann como Debby, Monica Calhoun como Phyllis,  Darron Flagg como Salomo , George Aguilar como Cahuenga,  G., Smokey Campbell como Sal, Hans Stadlbauer como Herr Münchgstettner, Alan S. Craig como Eric,  Apesanahkwat como el Sheriff Arnie y los camioneros Ronald Lee Jarvis como Ron, Mark Daneri como Mark,  Ray Young como Ray y Gary Lee Davis  como Gary. 

La historia se desarrolla en mitad del desierto de Mohave (EE.UU.), cuando una alemana Jasmine Münchgstettner (Marianne Sägebrecht) y su marido (Hans Stadlbauer) tienen una fuerte discusión. Ella se baja del coche, coge la maleta. 

Al rato el señor Münchgstettner llega a un sucio bar de carretera, el Bagdad Café, preguntando en un inglés muy básico si han visto a una señora grande y extranjera allí. El señor lleva un enorme termo de café que deja tras salir de allí.

Poco después descubrimos como se desplaza por la carretera llegando a ese mismo local, el Bagdad Café, que está regentado por una mujer negra llamada Brenda (CCH Pounder ).

La dueña del local está alterada con su marido Sal (G., Smokey Campbell  ) al que echa de casa, pero también está molesta con todo el mundo. Con sus hijos, con el niño pequeño que no para de llorar , con su camarero Cahuenga ( George Aguilar), y casi son dos únicos residentes , un actor de Hollywood jubilado que vive en una caravana, Jack Palance (Rudi Cox)  y Debbie (Christine Kaufmann ).

Jasmine se instala allí muy a pesar de Brenda que duda de ella. Tanto es así que llama al sheriff local Arnie ( Apesanahkwat ) que descubre que todos sus papeles están en regla.

Jasmine , de la que conocemos que es de la localidad bávara de Rosenheim, aprovechando que la desesperada Brenda no está en el Bar, decide limpiar aquello y dejándolo como nuevo. Como era de esperar la reacción de Brenda es de alteración, pero tras tranquilizarse le parece bien. Poco a poco la turista alemana se va integrando en la pequeña comunidad y entablando amistad con los clientes habituales. 

Por su parte, Sal desde la distancia observa las transformaciones que se van produciendo en el Bagdad Café. Transformaciones que afectan igualmente a sus dos hijas. Una chica Jasmin (Monica Calhoun) que poco a poco se va centrando en el local y no tanto en sus alocadas amistades así como otro hijo, pianista, que apenas puede ensayar por el llanto del bebé, que resulta ser su hijo. O ese turista que pide permiso para instalar su tienda y que enseña a tirar magistralmente el boomerang. 

Un papel esencial en la estabilidad del local y en la presencia cada vez más cómoda de Jasmine está en la amistad que establece con Cox, un antiguo decorador de Hollywood, que está empeñado en retratar a la alemana y una glamorosa artista del tatuaje (Kaufmann). 

Jasmine va conociendo al hijo de Brenda (Darron Flagg) un chico que toca los preludios de JS Bach en el piano y que pasa a entenderse bien con la alemana, una mujer con la capacidad de empatizar en silencio con todos los que conoce en el café y ayudada por la pasión por la limpieza.

Brenda finalmente se hace amiga de Jasmin y le permite trabajar en el café. El café es visitado por una variedad de personajes coloridos y algunos camioneros.

Mientras, ésta consigue transformar el destartalado local que pasa de ser una parada aislada de camiones  a un local en la que cada noche acude una numerosa clientela y en un espacio muy popular gracias a su habilidad con los trucos de magia, Con ellos Jasmin transforma gradualmente el café y todas las personas que lo rodean. El local pasa a satisfacer a los clientes habituales, unos camioneros como Ron (Ronald Lee Jarvis), Mark (Mark Daneri), Ray (Ray Young) y Gary (Gary Lee Davis) a ser más atractivo según ellos que muchos locales de la cercana Las Vegas.

Sin embargo cuando el  negocio va en marcha se persona en el local el sheriff Arnie que al ver allí trabajando a Jasmine, mucho tiempo después de haber concluido su permiso de residencia por lo que tiene que volver a Alemania. Tras su marcha, la magia ha desaparecido como vemos.

No obstante Jasmine regresa ante la alegría de Brenda y el Bagdad Café vuelve a congregar a una buena cantidad de clientes así como Sal que retorna junto a Brenda. Lo único extraño es que la marcha de Debby que no puede con tanto éxito, acabando poco después la película.

La película fue filmada en marzo de 1987 en las localidades de Bagdad y Williams en Arizona, y en algunos puntos de California como la Solar One Power Plant cerca de Daggett, y en Newberry Spring en California. Y eso que la película ubica el lugar cerca de Las Vegas en Nevada.

Sin embargo, el bar/Motel, el Bagdad Café, se rodó en California, es un antiguo local de la ruta 66. Tras quedar relegado por la Interestatal 40 en 1973, el original Bagdad Café fue abandonado y finalmente arrasado. Así que realmente el "Bagdad Cafe" se rodó en el  Sidewinder Cafe que se encuentra en Newberry Springs , a 50 millas (80 km) y ya en California al oeste de donde se encontraba el original Bagdad Café. Este café se ha convertido en un destino turístico; para capitalizar la película, cambió su nombre por el de Bagdad Cafe. Un pequeño tablón de anuncios en la pared del café presenta instantáneas del elenco y el equipo de la película. 

La película es una comedia que transcurre en un remoto "truck-stop" café y motel en el desierto de Mojave. A mi personalmente me recordaba a un motel en el que me aloje en Amargosa Junction, sita en Amargosa Valley en California, pero casi en la misma frontera de Nevada, muy cerca del Parque Nacional de Death Valley en pleno Mojave y que tenía como horizonte la Funeral Mountains. Un local aislado, el Amargosa Opera House & Hotel, en mitad de la nada, en pleno desierto, que tuvo su momento de gloria, pero con mucho encanto. A eso ayudada el teatro de la ópera de Marta Becket anexo que estuvo lleno de vida entre 1906 hasta 1940, cuando la minería de bórax estaba en auge.


Según la actriz CCH Pounder, Jack Palance se negó a hacer una escena romántica con Marianne Sägebrecht porque la encontraba poco atractiva. La escena fue filmada con cada actor en momentos separados y editada juntos. La película fue filmada en secuencia para acomodar a Marianne Sägebrecht, que no hablaba mucho inglés. Whoopi Goldberg rechazó el papel de Brenda. 

La película que se estrenó en España en diciembre de 1988 tuvo críticas positivas y un ingreso bruto en los Estados Unidos de $ 3.59 millones.

Para Rogert Ebert de The Chicago Sun Times "El encanto de Bagdad Cafe está en cada personaje y cada momento pues no se anticipan, están oscuramente motivados, tienen un significado incierto y vibran con la vida".

Lisa Nesselson de France24 señala que la clave está en su tema musical hipnótico e "ineludible ... suceden cosas extrañas de una manera encantadora y sin tramas".

Menos amable en su crítica es Jonathan Rosembaum del Chicago Reader al decir "Desafortunadamente, los conceptos curiosos de la película siguen siendo inverosímiles incluso a un nivel de fantasía, y la mayoría de las posibilidades satíricas se eluden o se pierden. "

La película obtuvo una buena cantidad de Premios y nominaciones a lo largo de 1988. Fue nominada al Oscar a la Mejor canción original "Calling you" de Bob Telson . Ganó el Premios César a la Mejor película extranjera al igual que en los Premios Guldbagge que son los de Suecia. Fue nominada en los Premios Independent Spirit a la Mejor película extranjera. También el año de su estreno en Alemania ganó dos Premios del cine Alemán a la mejor película y mejor actriz (Sägebrecht). Fue la ganadora de los Bavarian Film Award al mejor guión en las personas de Eleonore & Percy Adlon. También ganó el Ernst Lubitsch Award al mejor director Percy Adlon. . Ganó los Amanda de la Academia noruega a la mejor película extranjera (Percy Adlon) así como el Artios de la Casting Society of America al mejor casting en una comedia en las personas de Al Onorato y Jerold Franks.

En 1990, la película fue recreada como una serie de televisión protagonizada por James Gammon , Whoopi Goldberg, que ahora sí que hizo de Brenda , el papel que asumiño CCH Pounter, junto a Cleavon Little y Jean Stapleton, con Stapleton como el turista abandonado y Goldberg como el trabajador del restaurante. En la versión televisiva, el turista ya no era de Alemania. La serie fue filmada en el formato de comedia convencional , ante una audiencia de estudio.  El programa no atrajo a una audiencia considerable y se canceló después de dos temporadas.

Por mi parte decir que es una extraña, brillante, curiosa y encantadora película, en la que pasar, pasa poco, pero lo que le da valor en si mismo es la magia de la vida que como el boomerang va y viene dando vueltas. Curiosamente podemos contraponer la llegada por primera vez de Jasmine como una turista t¡y cliente ; y el retorno de Jasmine como una amiga. A esto se suma el color del desierto y todo ello enmarcado con una canción imborrable.


viernes, 17 de abril de 2020

La línea invisible


Esperaba más y he encontrado menos. Lo reconozco. La serie está bien en el fondo, mostrar el origen de algo que nos condicionó de tal manera es interesante, pero creo que a la serie le falla no el fondo , sino la forma. Y entre una y otras, el alma.

Por otro lado, reconozco igualmente que va ganando capítulo tras capítulo, pero los dos primeros son plomos que pesan y lastran. Después la serie crece hasta llegar a un final explosivo, pero muy airoso y maduro.

Me tiro al charco y lo digo: Puede que haya fallado en la elección de los actores principales. Ni el gran Antonio de la Torre me satisface, cuando siempre lo borda. Dos honrosas excepciones: Ramón Barea, en un breve aparición, pero tremenda como el padre Goizueta, y Anna Castillo, así como otros muchos secundarios que sí que son de lujo como Patrick Casado o Emilio Palacios que hacen de dos pistoleros como Txema y Peru. Pero es que ni dos actores que hacen de hermanos Etxebarieta, el impresionante Enric Auquer en Quien a hierro mata ni el desconocido al menos para mi Alex Monner me llegan a convencer. Carecen del alma, el sentir que requerían unos personajes como los suyos en una historia como esta.

Y eso que Mariano Barroso, el director es un hombre con tablas, pero en la miniserie considero que hay lagunas al menos, en el desarrollo de la tensión de la historia. Se trata de una serie producida por Movistar+ junto a Sentido Films y Corte y Confección de Películas, distribuida por Movistar+ y estrenada hace unos días, en concreto el 8 de abril de 2020. La miniserie se desarrolla en seis entregas de unos 50 minutos cada uno. 

Otra cosa distinta es la labor del guion, bárbara, que han elaborado el mismo Barroso, junto con los más implicados en la historia, Alejandro Hernández y Michel Gaztambide, cuando recogieron el guante que en su momento lanzó Abel García Roure. El resultado es una historia bien desarrollada, con diálogos que impresionan, algunos como los de Ramón Barea, para enmarcar. 

La película cuenta con la música de Vicente Ortiz Gimeno, la buena fotografía, algo nebulosa de Marc Gómez del Moral.

En cuanto al reparto lo preside Àlex Monner como Txabi Etxebarrieta y Antonio de la Torre como Melitón Manzanas.Junto a ellos, los dos grandes protagonistas están Anna Castillo como  Txiki , Enric Auquer como Jose Antonio Etxebarrieta, Patrick Criado como Txema,  Joan Amargós como Maxi, Emilio Palacios como Peru y Asier Etxeandia como El inglés.

Igualmente aparecen Aia Kruse como Teresa , Amaia Sagasti como Julia, Xóan Fórneas como José Antonio Pardines, Alba Loureiro como Amalia , Patricia López Arnaiz como Clara , una magnífica María Morales, que hace de madre de Txabi y José Antonio, Pablo Derqui como el inspector o subinspector Chamorro y Ramón area como el Padre Goizueta.

Junto a los anteriores unos secundarios que para mi junto a Anna Castillo están de diez  como son Josean Bengoetxea,  María Morales, Aia Kruse, Koldo Olabarri, Jon Viar, Javier Coll, Óscar Morchón, Alvar Gordejuela, Asier Olaizola, Ione Irazábal, Txema Blasco.

La miniserie nos narra los comienzos de ETA durante los años sesenta, década clave para la organización terrorista y ,momento es su despegue ideológico, estratégico y social. Un momento esencial es su V Asamblea pues si en las anteriores dudan del uso de la violencia como parte de las acciones a realizar en esta quinta optan por esa vía.

La historia se centra en como va entrando en la organización y adquiriendo protagonismo Txabi Etxebarrieta (Alex Monner) hasta convertirse en el líder de la organización. Vemos en la misma por nedio de un flashback en el segundo capítulo como se decide su nombre ETA, como en su aparición estos jóvenes surgidos de las filas de las juventudes del PNV y que están amparados por algunos integrantes del clero vasco se encuentran influenciados tanto por el movimiento de independencia de Argelia con respecto a Francia o por la revolución cubana - ese Patria o Muerte, que escuchamos en algún momento es muy significativo- adaptan esa famosa estrategia que ley hace años en un libro de Ricardo de la Cuerva ‘acción-reacción-acción’ como una maniobra de resistencia en oposición al estado franquista.

Desde el primer episodio titulado “Pintadas y petardos” vemos quíenes son los tres protagonistas de la misma, los hermanos Etxebarrieta, sus relaciones de amistad, sus amoríos, el acercamiento a la banda del menor de los hermanos, así como cuáles son las bases sociales que apoyarán el nacimiento de esta organización.

También este este episodio como en el siguiente las dudas entre privilegiar unos fundamentos ideológicos y políticos, los que priman la reivindicación "sozialista", revolucionaria que implica una lucha de clases, una defensa de la clase obrera independientemente de su origen- frente a los nacionalistas , que acaban estando más ligadas a planteamientos de confrontación entre el estado español y la singularidad vasca.

En paralelo vamos conociendo al otro protagonista, al frontal, a Melitón Manzanas (Antonio de la Torre) un inspector tan eficaz como profesional, atento padre con su hijo, infame con su mujer, aunque con negocios en el contrabando - o al menos eso se deja entrever-  y con un comportamiento brutal al ser un interrogador, un bestia - un torturador, vamos- de detenidos.

El propio Melitón en esos primeros momentos desconoce lo que es ETA, pues los sospechosos habituales son los obreros, los antifranquistas conocidos, los nacionalistas, pero al final del capítulo ETA atenta contra un monolito de la falange. Es la primera actuación "sonora" de la banda.

En la segunda entrega, Un líder, vamos viendo cómo se irá organizando la banda. Nos presenta el momento en el que, reunidos, los fundadores de ETA deciden en 1959 cuáles van a ser los preceptos de la organización y cuál va a ser su nombre. En ese momento descubrimos la ascendencia que tiene en el grupo el inglés (Asier Etxeandia), - un personaje ficticio como tal pero surgido de la hibridación de dos hombres reales ( Txillardegi y Krutwig, pero inspirado como teórico en Julen Madariaga)- conocedor de la lengua y la cultura vasca, un hombre con buenos contactos y que tiene una enorme ascendencia en la organización.

En ella vemos a Txabi como comienza a cobrar más protagonismo en una organización con su rechazo a la línea política, claramente marxista, que van asumiendo algunos de los que forman el núcleo de la dirección de ETA como Erreka ¿Patxi Iturrioz? representante de la facción obrerista que no entiende la proyección de los recién incorporados, gran parte de ellos jóvenes universitarios como Txabi, alumno de cuarto de ingeniería y profesor asociado de la Universidad, claramente de la línea vasquista.

Unos y otros coinciden en su lucha contra el franquismo y su frontal enfrentamiento contra la represión franquista que actúa sin medida frente al movimiento estudiantil y a las acciones obreroasespecialmente en Guipúzcoa y Vizcaya.

En este episodio vemos como en esa lucha entre unos y otros visible en la V Asamblea , el sector obrerista es relegado por los nacionalista partidarios de la acción armada que propugna Txabi, que recibe el visto bueno de El Inglés, con lo que quedan fuera de la organización el Frente Obrero, al ser acusado de españolista.

En el episodio tercero Tambores de guerra vemos como Melitón Manzanas, ya presionado por el aparato franquista, de un Franco que veranea en san Sebastián cada vez más cerca de identificar a Xabi, el líder de ETA aunque conocido por Pepe. De él el aparato policial no tiene información salvo un dibujo cercano a su imagen real.

Mientras, ETA emprende sus primeras acciones (ekintzak) reivindicadas por la organización y siguiendo lo acordado en la V Asamblea en la que se ha impuesto la línea de actuación de Txabi, la violenta.

Xabi entragado ya a la causa, habiendo renunciado a la opción de una beca en Oxford, mintiendo a su  madre y a sus alumnos/as se dispone en un caserio aislado a iniciar el proyecto defendido en la V Asamblea.

El primero objetivo será un banco así que una sede del Banco Guipuzcoano será el primer objetivo de estos jóvenes nacidos de la V Asamblea. Un hombre de acción como Txema (Patrick Criado  ) asalta la entidad en nombre de Euskadi Ta Askatasuna y sale de la misma gritando ¡Gora ETA! Desde ese momento la financiación a través de robos de bancos se haría habitual en estos primeros años,

En este capítulo un José Antonio, presionado por su madre que sospecha de la implicación de su hijo en la organización tiene una conversación con el hermano de Txabi, José Antonio, que deriva en un encuentro entre éste y  El Inglés. Éste refiere que la construcción de un pueblo necesita de tiempo y sangre, abriendo la puerta a una cimentación de la identidad vasca a través de la violencia física. Sin embargo, el atentado contra individuos aún no se plantea en el seno de la organización, lo cual se demuestra en el deseo de no dañar a nadie. Un ejemplo de ello es el atentado planteado y fallido contra la sede de 'El correo español.El pueblo vasco',  en la entrada del edificio por ser el diario más leído de los vascos, pero también un periódico próximo al franquismo.

La cuarta entrega se titula Un poeta. Tras el desastre del atentado ante la sede del diario y que supuso la detención de uno de los miembros de la organización, el chico que manejaba la dinamita y que supuso la salida por pies de Txema , genera entre los jóvenes dudas y preguntas sobre ¿Quiénes son los míos? Se pregunta Txabi. ¿Por quién lucho? ¿Quiénes son los buenos? ¿Y los malos? ¿Sigue existiendo acaso esta dicotomía? El claroscuro moral envuelve al fin a todos los protagonistas de la serie. Especialmente a Txiki (Anna Castillo) la primera mujer integrada en cuerpo y alma en la banda y  que está embarazada de cinco meses de su compañero Maxi (Joan Amagós).

Por otro lado tras una visita al Inglés, la persona que maneja la organización en la sombra, en el País Vasco francés, Maxi y Txabi tienen un encuentro fortuito poco después de pasada la frontera. En ese encuentro que acaba con la huida por el bosque de los terri¡oristas concluye con un encuentro entre la Guardia Civil y Txabi. En el mismo, a pesar de que Txabi gracias a Maxi, consigue huir el Etxebarrrieta se deja un cuaderno de poemas. que será encontrados por la policía y que llega a manos de Manzanas.

El policía lleva el cuaderno, tras ser orientado por una monja del colegio de su hija, hasta una librería. La empleada de la librería se ve atrapada en una encrucijada moral, ya que tras ser  interrogada por Manzanas, al principio rehúsa ayudarle por ir en contra de sus principios, pero al ser amenazada no le queda otra opción.

Por su parte descubrimos que Txabi  ha roto con todo lo que le unía a su antigua vida como se ve tras la conversación telefónica con su hermano que le informa que Julia, su ex novia se va a casar con un chico de Neguri. Txabi en la conversaciones da por zanjada una etapa de su vida. Ahora está plenamente integrado en ETA, siendo el líder de referencia.

Melitón Manzanas da por fin con el nombre de "Pepe·" y hace una visita a la casa de los Etxebarrieta. José Antonio, del que nos enteramos que estuvo vinculado con EGI, logra escapar de la detención gracias a que la madre trabaja en el Ayuntamiento de Bilbao.

A esto se  suma el  cómo los integrantes de la organización toman la decisión de llevar a cabo el primer asesinato planeado de la organización. Tras hablar con el Padre Goizueta (Ramón Barea) hay un proceso de elección de la víctima. No es algo arbitrario, y el elegido es Melitón Manzanas.

Ahora la linea invisible se torna gris, dada la ambigüedad humana provocada fatalmente por la opresión, generándose espacios en los cuales los sujetos ven cuestionados sus valores morales más básicos como le ocurre a Txiki, incluso a Peru. No así a Txabi que como cabecilla de ETA dictaminó que la única respuesta posible a la opresión que estaba sufriendo la sociedad vasca, a pesar de que esta se vivía también en el resto del país, era contestar con la misma herramienta.

Melitón Manzanas es colocado en el centro de la diana como primera víctima. Sin embargo, veremos pronto que no será el primer asesinato.

El capítulo quinto se llama La Línea. El capítulo comienza como un claro homenaje a José Antonio Pardines, un guardia civil gallego que se convierte en la primera víctima de ETA. Lo vemos como un guardia civil de tráfico de 25 años  que permite a los paisanos cazar y que es cumplidor con su trabajo, pero que está deseando volver a su Galicia natal justo en el momento en que conoce a una chica de la que se enamora.

Por otro lado, vemos a un Txabi cada vez más desquiciado, lo que se nos muestra a través de su adicción a la Centramina (anfetaminas). No come, no duerme, no habla. Pepe su otro yo, el poderoso, lo ha absorbido.

Los caminos de uno y de otro se cruzan cuando Txabi y Peru - en la vida real, Iñaki Sarasketa - va a un encuentro a Beasáin. La historia de ETA cambiará a la altura de Villabona, tras un desvio, en un control rutinario.

Tras llevar un Seat robado con matricula de Zaragoza el coche es visto por Pardines que le sigue y los para. Peru no quiere disparar, pero Txabi ha decidido que éste es el camino de ETA. El chico muere en la carretera. Era el 7 de junio de 1968.

El sexto y último capítulo es El futuro. Continúa la huida de Txabi y Peru, que son acogidos en la casa de un conocido de Peru en Tolosa. Txabi parece estar ido por el efecto de las anfetaminas.

Cuando el que amigo de Peru lleva a casa les dice que allí no se van a quedar y propone llevarlos a Beasáin. Una patrulla de la Guardia Civil para el coche con los tres y tras ser registrados por una pareja de guardias civiles son conminados a salir. Txabi, que lleva pistola, saca la pistola e intenta disparar.

Sin embargo, Txabi resultará gravemente herido y morirá en el hospital poco después. Así, en menos de 24 horas, ETA tenía a su primera víctima y su primer asesinado.

El entierro de Xabi se presenta como un acto reivindicativo. La muerte de Txabi sería aprovechada por la organización en su beneficio . Este les permite tener un relato por parte de los ideólogos de ETA, a partir del cual Txabi era un verdadero gudari y se había convertido en el primer mártir de la revolución que estaba por venir.

Como la historia debe concluir falta un final que no es otro que el asesinato de Melitón Manzanas planeado para octubre, y que se adelanta a agosto, poco menos de dos meses después de la muerte y asesinato de Txabi. Así que el jefe de la policía y la Brigada Social Política de Guipúzcoa es asesinado en las escaleras que le llevaban a su casa ante su mujer.

La historia acaba con el relato de Txiki en el que reflexiona mientras cruza la muga entre España y Francia sobre lo que le conduce al exilio y sobre un relato que llevó al dolor de mucha gente, pero «tanto dolor no sirvió de nada».

Así vemos como ese 7 de junio de 1968, el líder de ETA, Txabi Etxebarrieta, cruzaba "la línea invisible" asesinando a la primera de las 853 víctimas de la organización terrorista, el guardia civil gallego José Antonio Pardines, de sólo 25 ańos de edad. Con ese asesinato se abría la espita de una violencia que acabó con el asesino, pero también con Melitón Manzanas y con el tiempo con esas más de 800 víctimas.

La linea invisible abre un un camino plagado de dolor y venganza, de miedo y terror, que marcaría los siguientes cincuenta años de la historia de España como dice la sinopsis oficial de Movistar.


Con esta serie Mariano Barroso asumía la dirección de su segunda serie para Movistar+  tras El día de mañana. Se une pues el proyecto “ya llevaba varios años desarrollándose” a manos de Michel Gaztambide, Alejandro Hernández y el creador, Abel García Roure.

Lo que le atrajo de él, según relató fue que “la historia que cuenta es una especie de zona oscura, un ángulo muerto que no se conoce, y me parecía fundamental conocerlo. Todos tenemos tanta información de lo que pasó después que, de alguna manera, eso ha eclipsado lo que pasó antes”. Y añade que “Uno de los grandes hallazgos al empezar la serie fue que en este mundo tan plano, tan maniqueo, de repente descubres que el jefe de la policía social y política del franquismo en la provincia de Guipúzcoa, que había estado formado en la Gestapo, resulta que era un tipo de Irún que hablaba euskera; y el primer líder de ETA no entendía ni una frase”.

El director cree que es posible contar esto por la desaparición de la banda ya que “Cuando estás en medio de la tormenta es imposible hablar. El tiempo ya ha ido dejando caer las suficientes capas. Aunque la cosa está muy viva allí: cuando llegas al País Vasco y preguntas sobre el tema, ves que hay una especie de dualidad. La gente no quiere hablar del tema pero, por otra parte, no puede evitarlo. Y ahora es tiempo de hacerlo”.

El director valoró el esfuerzo de los actores que según él van mucho más allá de las líneas escritas y, por tanto, son responsables también de parte de la autoría de la obra. “Eso lo tienen Anna [Castillo], Àlex y Enric”, afirmó el realizador,

El director dijo que “Àlex es totalmente cerebral e interectual; y Enric es una especie de hormona andante. Un corazón con patas”.

Para Eric Auquer los dos hermanos “Son dos personajes que tampoco están en el imaginario colectivo de los españoles así que era mejor olvidarnos de cómo eran exactamente”.


Por su parte Alex Monner añadió: “Tuve que dejar de pensar en interpretar el Txabi [Etxebarrieta, su personaje] que yo pensaba que había existido. Mi viaje fue encontrar al que estaba dentro de la historia”.

El actor malagueño, Antonio de la Torre, que da vida a Melitón Manzanas,  señaló que "La línea invisible tenía tres grandes atractivos, y no necesariamente en este orden: uno, el contexto de un sueño que devino en pesadilla; dos, el personaje, sobre el que hay mucha leyenda y poco conocimiento; y luego, trabajar con Mariano. Nos conocemos prácticamente desde que yo decidí ser actor”.

Anna Castillo la actriz a la que descubrí en la maravillosa El Olivo señaló que que tuvo incluso que dejar volar su imaginación en el proceso de creación del mismo y declaró que "Me inventé parte de mi personaje porque no se sabe como era ". "

Para interpretar su papel Antonio de la Torre se puso en contacto con un familiar de Melitón Manzanas. “A sus ojos, era un padre ejemplar, un hombre encantador, y nunca torturó”. Pero lo informes dicen lo contrario. Además declaró que "una película cuenta más que ochenta telediarios”.

Para él, es muy importante explorar los factores tras la creación de la banda armada. “La violencia nunca tiene justificación, pero sí explicación. Siempre, de hecho”.

La película fue presentada en la Sección Oficial del Festival de Málaga 2020 y fuera de concurso.

En cuanto a las críticas señalar que todas han sido buenas. Para Luis R. Aizpeolea de El País "El arranque ya vislumbra que no estamos ante una serie convencional sobre ETA, pues Barroso se ha arriesgado a contar la tragedia desde su interior, basada en hechos y personajes reales, con actores de primera fila que los encarnan atinadamente"

Para Federico Marín Bellón de ABC la serie tiene mucho del director. "Barroso es un hombre de cine, pero su carrera televisiva es sobresaliente (...) Aquí trata un material especialmente sensible, abordado desde un ángulo casi virgen" Quim Casas: Diario El Periódico "Barroso no intenta humanizar a nadie, pero sí mostrar su cotidianidad (...) Muestra sin efectismo las torturas de la brigada político-criminal, los primeros atracos y atentados (... ) Es una dramatización clásica y algo higiénica (...) "

Marina Such de Fuera de Series dice de la misma que "Es menos redonda que 'El día de mañana', y seguramente va a generar bastante conversación (o debería), pero es efectiva y mantiene en todo el momento el control de lo que está contando."

Por su parte de  Javier Zurro  que escribe en El Español en la que dice " La línea invisible no blanquea nunca a ETA. No es su intención y no lo hace en ningún momento. El problema viene de una inmadurez que hace que no sepamos capaces de entender que detrás del asesino hay un vecino, un hijo un hermano. Los etarras no son masas informes, seres sin personalidad que comen niños por las mañanas y disparan el gatillo por las tardes. Entenderlos así es negar la historia y la vida, y sirve de poco para no repetir nuestros errores. Los buenos vecinos no tienen por qué ser buenas personas. Los protagonistas son jóvenes que creen en sus ideales y que toman una decisión que sumió a España en una pesadilla." Y añade "Dos declaraciones de intenciones claras que evidencian que no hay blanqueo. Una es el quinto episodio, una cápsula dedicada enteramente al Guardia Civil José Antonio Pardines, primer asesinado real de ETA. Le dedican un capítulo entero independiente para él y le tratan como un personaje blanco. Una historia de amor preciosa truncada por el terrorismo. No hay grises en esta decisión. Pardines es una víctima clara. La otra decisión es el final y el monólogo de Anna Castillo, ".

Marta Medina en El Confidencial nos comenta que "En 'La línea invisible', Barroso se ha centrado en los momentos previos a aquel 7 de junio de 1968. Con su habitual estilo didáctico, el director alterna el punto de vista de los hermanos Etxebarrieta (interpretados por Àlex Monner y Enric Auquer) con el de Melitón Manzanas, para intentar cubrir los principales ángulos del estallido del conflicto armado, un juego de "pintadas y petardos" que acabó extendiéndose durante medio siglo y que ha sido causa y consecuencia de la deriva política de la España postransición. Porque el ahora siempre es hijo del ayer."

Pero por parte de personas que conocieron a uno de los principales protagonistas a Txabi Etxebarrieta, Ramón Zallo, Catedrático Emérito de la UPV/ EHU en una publicación digital Naiz , eso sí, vinculada con Gara: "El Txabi de la serie no es el que nos dio una charla de captación en San Ignacio (Bilbao) en 1966. Pero tampoco es el que cuentan los que le trataron en su último año de vida y que le describen con ganas de vivir, nada sombrío, enamoradizo". Según Zallo, los autores de la serie " dicen que solo han querido contar una historia sin sesgo. No lo han conseguido. Es un relato bien contado pero de parte." Y añade "Dilemas morales… que son planteados en la serie desde la mirada de hoy, no en su momento histórico. Releer las historias, con ojos de hoy y fuera de contexto, las falsea y les hace decir –porque se sabe lo que siguió– lo que se quiere que diga. Una posverdad. En cambio, los buenos –los que lucharon por un ideal desde el riesgo máximo contra una dictadura–, aquella ETA –entre otras organizaciones– es presentada como romántica, sí, pero le añaden cuatro atributos... inciertos. " Como son según él " un afán desmedido por empuñar armas, llegar a matar, ", la banalización "del término terrorismo ". La tercera , la del acto desencadenante . Para Zurro "La idea de un acto fundacional de una nueva etapa de salto cualitativo mediante un rosario de atentados mortales, no encaja con los hechos. No hubo tal rosario. Tuvieron que pasar 5 años desde 1968 hasta la muerte de Carrero Blanco (1973), para que las víctimas mortales se colocaran en el centro de la estrategia... Y fue ya otra ETA. " . Y la cuarta que "«tanto dolor no sirvió de nada»". Y concluye diciendo "Lo mejor de la serie es que recuerda que está socialmente pendiente el debate sobre lo que pasó, un ejercicio tan doloroso e imprescindible, como legitimador y sanador para todas, repito todas, las corrientes, y al que ni “Patria“ ni “La línea invisible” contribuyen más que para embarrar".

Lo cierto es que, a pesar de lo argumentado por Zallo, "Las detenciones producidas a raíz del asesinato de Manzanas darían lugar a juicios sumarísimos contra 16 militantes, de los cuales 6 serían condenados a muerte, dando lugar al llamado Proceso de Burgos, en el que participaría como abogado José Antonio, el hermano de Txabi. Las sentencias a muerte serían finalmente conmutadas. Este proceso se produjo al mismo tiempo que ETA sufría una de sus mayores crisis de identidad. Poco antes, en la VI Asamblea, se había producido una escisión en el seno de ETA, debido a tensiones entre distintas facciones. Pero esto pertenece a otra serie.


jueves, 16 de abril de 2020

El vengador sin piedad


Desconocido western para mi, duro como pocos, sin concesiones, bien realizado y con grandes actores como Gregory Peck, un hombre con imagen de justo que aquí la rompe de principio a fin . Imagen rota en algunas ocasiones como en su duelo al sol, pero también en esta, y muy buenos secundarios. La historia de una venganza, pero también la de un error, la de grandes mentiras que se desarrollan en esta road movie fronteriza.

La película se titula The Bravados vendida en España como El vengador sin piedad. Una película del año 1958 de un grande como Henry King, un director que estuvo presente en siete películas nominadas para el Premio de la Academia a la Mejor Película y que dirigió por primera vez en 1915 y creció hasta convertirse en uno de los directores de Hollywood con mayor éxito comercial de las décadas de 1920 y 1930. Fue uno de los 36 fundadores de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas y nominado dos veces para el mejor director Oscar . En 1944, recibió el primer Premio Globo de Oro al Mejor Director por su película La canción de Bernadette . Trabajó a menudo con Tyrone Power y Gregory Peck y para 20th Century Fox . d, y que fue una producción de Herbert B. Swope Jr. para la major 20th Century Studios. 

La película parte de un guion de Philip Yordan que a su vez se inspira en la novela de Frank O'Rourke del mismo nombre. 

La película cuenta con la música de Alfred Newman y Hugo Friedhofer así como la fotografía de Leon Shamroy , rodada en CinemaScope y en color DeLuxe. A destacar el montaje de William Mace y el vestuario de Charles LeMaire. 

En cuanto al reparto lo preside Gregory Peck como Jim Douglas, Joan Collins como Josefa Velarde, Stephen Boyd como Bill Zachary, Albert Salmi como Ed Taylor, Henry Silva como Lujan y Lee Van Cleef como Alfonso Parral. Junto a ellos aparecen Andrew Duggan como el sacerdote , así como Kathleen Gallant como Emma Steimmetz, Barry Coe - fallecido el pasado año- como Tom, George Voskovec como Gus Steinmetz y Herbert Rudley como el Sheriff Eloy Sanchez. Igualmente en papeles menores Ken Scott como Primo, ayudante del Sheriff, Gene Evans como John Butler, Joe DeRita como Simms - y que no es otro que "Curly Joe" de los Tres Chiflados-, Jason Wingreen como Nichols, Robert Adler como Tony Mirabel y Ada Carrasco como el señor Parral. 

La película se inicia con la llegada a caballo de Jim Douglas (Peck) hasta un pueblo llamado Río Arriba. El lugar está vigilado por agentes de la ley que lo llevan ante el sheriff local Eloy Sánchez (Herbert Rudley) que , tras algunas dudas, permite ver a los cuatro hombres que busca Douglas. Estos son dos hombres blancos, un mestizo y un indio: Bill Zachary (Stephen Boyd), Ed Taylor (Albert Salmi), Alfonso Parral (Lee Van Cleef), y Lujan (Henry Silva) que están presos en la cárcel y que aguardan la horca. 

Por lo que se deduce Douglas es un granjero que persigue sin tregua a cuatro hombres que asesinaron a su esposa seis meses antes. Cuando, por fin, los encuentra en la cárcel se entera que van a ser ejecutados en la horca al día siguiente. 

Mientras espera el momento de la ejecución, Douglas se encuentra con una mujer Josefa Velarde (Joan Collins), una antigua novia de Nueva Orleans, a quien conoció y de la que se enamoró hace casi cinco años en Nueva Orleans. Ella ha estado cuidando el rancho de su difunto padre y nunca se ha casado. Douglas revela que se casó, que ahora es viudo y que tiene una hija (María García Fletcher). Josefa luego descubre por el sacerdote de Río Arriba ( Andrew Duggan ) cómo murió la esposa de Douglas. 

También por el pueblo reconoce a otros vecinos como son Gus Steimmetz (George Voskovec ), su hija Emma (Kathleen Gallant) y su prometido Tom (Barry Coe). 

El verdugo, un hombre bien vestido llamado Simms ( Joe DeRita ) llega al pueblo y tras coincidir con Douglas en la taberna va en busca del sheriff que lo espera para el ahorcamiento del día siguiente. Con la excusa de evaluar a los hombres para la soga, acuchilla al sheriff y los forajidos escapan. 

El sheriff herido aún puede matar al falso verdugo y llegar a la iglesia donde el pueblo está reunido en la misa que imparte el sacerdote (Andrew Duggan ). De hecho en la iglesia están todos salvo el sheriff, incluido Jim y Primo (Ken Scott) el ayudante del Sheriff. 

Unos minutos antes de que acabe la ceremonia Emma Steinmmetz sale de la misa y marcha a su negocio, precisamente donde se han refugiado los cuatros forajidos, que la secuestran. 

Tras la llegada de Eloy Sánchez a la Iglesia varios vecinos salen tras los cuatro, pero Douglas ante una sorprendida Josefa Velarde espera hasta la mañana. Él anticipa que uno de los prisioneros se quedará para cortar a todos en un pase, que es lo que sucede. Douglas, gran rastreador, sabe como enfrentarse a los cuatro. 

Tras llegar al sitio en el que han sido frenados por los disparos de uno de ellos, Taylor, les pide que esperen a la noche para salir en busca de los cuatro. El grupo encuentra a un hombre muerto, que pudiera ser el verdadero Simms. 

Los forajidos determinan que Douglas es el hombre del que más deben preocuparse. A Parral se le asigna el trabajo de emboscarlo. El primero en hacerle frente a Douglas, al que reconocen como el hombre que entró en prisión a mirarles fijamente a la cara,  es Alfonso Parral, pero Douglas lo sorprende por detrás. 

Parral ruega por su vida e insiste, cuando Douglas le muestra una foto de su esposa, afirma que nunca la ha visto. Pero un Jim Douglas, sin piedad, le mata. Luego hace lo mismo con Taylor que le ha esperado en el bosque cuando lo adivina en el horizonte. 

Taylor dispara sobre Douglas, sin embargo, evade su fuego, luego lo ata con los pies y lo cuelga boca abajo de un árbol. Tras eso Douglas se lanza tras los otros dos fugitivos, Luján y Bill Zacary, logran llegar a casa de John Butler (Gen Evans), un minero y vecino de Douglas. 

Butler les dice a los hombres que necesita ir a trabajar afuera y se va, en realidad intenta escapar. Zachary desde el interior de le dispara y lo mata; Lujan va a buscar un saco de monedas que Butler se había llevado con él. 

Mientras Lujan hace esto, Zachary viola a Emma. Lujan ve acercarse a los jinetes, llama a Zachary y ambos huyen, dejando atrás a la niña. Los jinetes resultan ser Josefa y uno de sus hombres del rancho, que ahora ven a Douglas que viene hacia ellos desde otra dirección. 

Poco después el grupo también llega y el padre y el prometido de Emma encuentran a Emma. Previsamente Josefa y Douglas han encuentrado a Emma, violada por Zachary, en la casa. 

Tras comprobar lo ocurrido, Douglas vuelve a su rancho para conseguir caballos frescos, pero descubre que los fugitivos se llevaron sus últimos caballos. Él deja a Josefa con su hija. En la frontera, Douglas entra en un bar y encuentra a Zachary. El forajido afirma no conocer a la mujer de la fotografía que Douglas le muestra y le grita que lo deje. Douglas saca su arma, Zachary saca la suya y Douglas lo mata a tiros. 

Finalmente va en busca del que resto, Luján. Encuentra a Luján, que tiene mujer e hijo. Douglas es sorprendido por la mujer que lo deja inconsciente de un golpe. Cuando despierta, Lujan insiste en que nunca ha visto a la mujer de Douglas. Él recuerda que él y sus compañeros habían pasado el rancho. 

Pero Douglas señala el inconfundible saco de las monedas. Lujan explica que tomó la bolsa del cadáver de Butler. Douglas se da cuenta que Butler fue quién mató a su mujer. 

Ahora sabiendo que los cuatro hombres no habían tenido nada que ver con la muerte de su esposa, Douglas se siente culpable, de que él no es mejor que ellos, ya que mató a tres de ellos a sangre fría. 

Así que vuelve al pueblo y va a la iglesia para pedir perdón. El sacerdote (Andrew Duggan) le dice que aunque no puede tolerar las acciones de Douglas, lo respeta por no poner excusas por lo que ha hecho y que, en todo caso, eran unos asesinos. Josefa llega con la hija de Douglas, y salen juntos de la iglesia. 

Al salir la gente del pueblo lo aclama por su valor cuando sale de la iglesia, aunque la cara de Jim no trasmite alegría alguna. 

Rodada en el invierno - febrero- de 1958 en las localizaciones naturales de Morelia, Pátzcuaro y Uriapan, las tres en Michoacán, Jalisco, en Guadalajara, en este mismo Estado de Jalisco, en Yucatán, en las Montañas de St Jose Purua.

La estrella del mismo es Gregory Peck admitió que le resultaba difícil manejar un personaje tan odioso. Mientras filmaba, Gregory Peck decidió convertirse en un vaquero en la vida real, por lo que compró un gran rancho de trabajo cerca de Santa Bárbara, California, que ya contaba con seiscientas cabezas de ganado premiado. Gregory Peck declaró que la película fue escrita como un ataque al macartismo, una política a lo que se opuso firmemente. La película fue lanzada el 25 de junio de 1958 en los Estados Unidos y recibió el National Board of Review ala mejor actor secundario para Albert Salmi. 

En cuanto a las críticas destaca la del The New York Times cuando el crítico AH Weiler escribió que "The Bravados emerge con el sello inconfundible de Henry King, quién rodó en áreas de México Michoacán y Jalisco, se ha asegurado de que su elenco y su historia se muevan a un ritmo incansable ... .En cañones, montañas, bosques y cascadas de los lugares naturales utilizados, hacen pintorescos material para las cámaras en color. Pero los productores han dado su 'persecución' esencialmente sombría, igualmente colorida y deslumbrante ". 

En Time Out comentan que "Nueve años después del impresionante Twelve O'Clock High , ocho años después del magnífico The Gunfighter , King y Peck se unieron nuevamente para esta western centrado en la venganza. Por un momento, parece que la magia iba a funcionar de nuevo, mientras Peck cabalga sombríamente en una pequeña ciudad, anuncia que su propósito es ver colgar a cuatro forajidos y, cuando logran escapar, sale de su grupo para exterminar al forajidos uno por uno. Irónicamente, aunque culpable de crímenes similares, el cuarteto (Boyd, Salmi, Van Cleef y Silva) resulta no ser culpable de la violación / asesinato de la esposa de Peck. Señal para una crisis de conciencia que se resuelve en términos religiosos superficiales, con Joan Collins convenientemente a la mano como imagen de salvación. Con buenas actuaciones y excelente trabajo de cámara "Scope" de Leon Shamroy , las secuencias de acción están bien, pero los motivos religiosos son tan poco consistentes como The Song of Bernadette . " 

En la Enciclopedia Britannica se habla de que para Henri King " The Bravados (1958) fue otra de las raras incursiones de King en el oeste. En la aclamada película, Peck fue elegido atípicamente como un hombre que busca a los hombres que violaron y mataron a su esposa". 

Más recientemente, Dennis Schwartz dijo que el equipo de Gregory Peck con el director Henry King funciona de forma excelente. El mensaje religioso es innecesario para una película que tiene tantos valores de producción y potencial para ser una de las grandes.

Ya en España Fernando Morales en El País defiende que es un "Maravilloso western (...) excelente trabajo de Gregory Peck (...) y magnífica puesta en escena"

En ABC Play "Un impecable wéstern, dirigido por Henry King, cineasta quizás desprovisto de un estilo visual propio pero capaz de rodar un gran número de obras de enorme solidez y considerable éxito comercial. Para la ocasión, King utilizó a Gregory Peck, uno de sus actores predilectos a quien le confió un papel mucho más duro de los que él solía interpretar. "

Un aficionado al cine como Faustino Sánchez publicó un tweet muy acertado que señalaba que "Difícil quedarse con una sola escena de esta película que consigue el milagro de reflejar el dolor y la ira sin salirse un ápice de las máximas de King de armonía, equilibrio y mesura, que en principio no parecen casar del todo bien con el tema ".

Por su parte, el gran Fausto Fernández en algún tweet señala que "Tortuoso y torturado western psicológico (y profundamente moral, que no moralista), EL VENGADOR SIN PIEDAD (TRECE, 18.30h) tiene como eje la venganza (Gregory Peck), pero también el perdón (Henry Silva). " Y en otro señala que además de tenre una "gran presencia y carga religiosa" se trata de "uno de los más logrados westerns de Henry King. Increíble Gregory Peck, pero mejor que él está Henry Silva". Todo lo reseñabla de este "western psicológico, de reflexión moral, violento y de tesis".