El rey del mundo

Durante parte de la película que acabo ver, una coproducción britanico- estadounidense, en la que están Margate House Films y que contó con la distribución de la Samuel Goldwyn Films, me he estado acordando del Coronel Kurtz de Apocalipsis Now, y por la época del libro que lo inspiró El corazón de las tinieblas de Joseph Corand. Tanto la película como el libro del belga tratan de un relato sobre el imperialismo. El primero describe como era ese imperialismo en el siglo XX, el segundo lo hace como un relato propio del siglo XIX. En ambos el protagonista es un hombre reflexivo que descubre la ambición , el poder, el odio y la venganza. La hazaña de Brooke inspiró a los escritores como el ya citado Joseph Conrad en su libro "Lord Jim" y "El corazón de las tinieblas", y a Rudyard Kipling para "El hombre que pudo reinar". 

El relato cinematográfico que Michael Haussman, un director formado en la realización de videoclips, realizó en el año 2021, una película titulada en inglés Edge of the world, contiene todo eso. Transmite muy bien lo que es el mundo de hoy sobre todo la moral en el mundo de hoy y frente a esta una gran parte de la historia del siglo XIX relacionada con el imperialismo especialmente el británico y su idea de dominio del mundo para la gloria política económica y moral del Reino Unido. 

La historia basada en hechos reales y adaptada con un guion de Rob Allyn, al parecer se desarrolla a mitad del siglo XIX cuando el gobierno británico contrata al oficial sir James Brooke (Jonathan Rhys Meyers) para terminar con la piratería que afectaba el estrecho de malaca a las costas de Malasia y al norte de la isla de Borneo. Esa piratería era asumida por los Lanum que inicialmente y por la población autóctona se le llamaba los hombres serpiente y asolaban aldeas de la costa. 

Nada más desembarcar nos enteramos que su misión en las costas de Borneo es observar y documentar. Que como buen inglés no ha de tomar partido. Y aunque sirve a la corona británica, esencialmente se sirve a sí mismo. Ya vemos que, en el fondo, este autoconsiderado "don nadie", un mediocre y, en lo afectivo un cobarde, lo que ansía es reconocimiento y poder. 

Pero Brooke tras desembarcar en una playa vamos allá y cuando llega a su destino no solo exterminan los piratas sino que se convierte en él del reino de Sarawak, consiguiendo tal poder que incluso parece oponerse al gobierno británico. Vemos que la jungla le va transformando en un hombre obsesivo, aunque no le hace perder su horizonte de civilizador pues le horroriza ver como los nativos gustan de cortar cabezas y ahumarla hasta que los ojos se derriten.

Junto con esta historia de imperialismo británico evidentemente también hay una historia de amor la que protagoniza Brooke que previamente ha abandonado a su novia Elizabeth ,más tarde, Elizabeth Crookshawk(Hannah New) junto a una chica local Madame Lim (Josie Jo), una historia de lealtad familiar pero también de ambición la que protagoniza Dominic Monaghan (Crookshawk), ritmo del protagonista, así como el ayudante de ambos (Otto Farrant) o la soberbia ingresa representada por el capitán del vapor Némesis , Sir Edward Beech (Ralph Ineson). 

Parece ser que la película está basada en hechos reales. Al final de la película se nos informa que James Brooke fue coronado rajá por el sultán de Brunei el dieciocho de agosto de 1842. Reinó durante 26 años embarcándose en una cruzada de por vida para acabar con la piratería, la esclavitud y los cortadores de cabeza. Por su valentía en la lucha contra los piratas de Borneo,  la reina Victoria lo nombró Caballero en el año 1847. 

En 1854, tras desafiar las ambiciones coloniales fue jugado por asesinato en una investigación parlamentaria y no se se declaró ni culpable ni inocente. Alegó que los tribunales británicos no tenían jurisdicción para enjuiciarlo como rajá de una Sarawat independiente.

James y Fátima se casaron según los ritos locales tuvieron una hija y en 1857 James reconoció formalmente a su hijo ilegítimo inglés rebautizándolo como George Brooke. 

Sir Charles Brooke fue segundo raja de Sarawak. Tras la muerte de James en 1868 gobernó Sarawak hasta su muerte en 1917.  Los hijos de Charles gobernaron Sarawak hasta la invasión japonesa durante la Segunda Guerra Mundial. Un siglo después de la llegada de James .Sarawak se convirtió en colonia británica en 1946 y formó parte de la federación malaya hasta 1963.

De ellas han dicho en las páginas de Variety, concretamente, Michael Nordine que se trataba de "Una narración atractiva (...) Se distingue por sus imágenes evocadoras (...) y por la animada intensidad de Meyers." En el The New York Times Jeannette Catsoulis destacaba "La actuación de Meyers —rígida, remota, magníficamente arrogante— es extraña; pero viendo los diálogos estridentes que se ve obligado a decir, la cosa más o menos funciona." 

Por su parte, Phuong Le, en las páginas del británico The Guardian sostiene que es "Una película que no logra mostrar la complejidad de su fascinante protagonista (...) Quizás podría funcionar como una oda a una época pasada de clásicos de espadachines, pero Brooke merece mucho más (...) " 

Ya en España Toni Vall en Cinemanía destaca que "Con una historia potente, narrada a ratos bien y a ratos atropelladamente, inyectada de una sana irrelevancia. (...) y Carmen L. Lobo en La Razón destaca la presencia de "Un título oscuro e irregular sobre civilizaciones perdidas y cabezas cortadas de un sablazo." 

Para mi lo mejor de la película , aparte de su valor como dato histórico, está en su música responsabilidad de Will Bates y en su fotografía que fue obra de Jaime Feliu-Torres. Como dice Quim Casas en diversos diarios, entre ellos en La Opinión de Murcia "...abusa un tanto de la voz en off, profunda y solemne, del propio Brooke, narrador de sí mismo y su odisea, así como de unas imágenes contemplativas que parecen heredadas del cine de Terrence Malick. " Pues eso. 

Frankenstein

Acabo de ver la primera versión de la que tengo noticias del clásico de Mary Shelley , Frankestein. Se trata de una versión restaurada recientemente por la Librería del Congreso. Es una versión libre de la obra realizada por la Edison Production y que cuenta con la música de Donald Sosin. Fue dirigido por J. Searle Dawley siendo el operador de cámara James White.

En cuanto los actores aparecen tres : el Doctor que es asumido por Augustus Phillips, Elizabeth cuyo papel es interpretado por Mary Fuller y Charles Ogle que es el monstruo. Fue rodada y estrenada en marzo de 1910

Como era de esperar es la historia de este nuevo Prometeo escrita por Mary Shelley. J. Searle Dawley participa igualmente en el guion. Es un corto de 15 minutos , algo menos.

Narra la historia de Víctor Frankenstein cuyo personaje no era tan complejo ni minucioso, y tenía un semblante parecido al de un mago, en vez de un científico. Su intención es crear al humano perfecto , pero termina engendrando en un caldero hirviendo a un monstruo deforme y agresivo. La criatura escapa. Poco después Víctor se enamora de una mujer, y tras la boda el monstruo aparece. 

Fue la primera adaptación a la pantalla de la novela de Mary Shelley, y fue producida por Thomas Alva Edison. La película fue rodada en cine mudo y cámara fija en plano general durante toda su duración. Se rodó en tres días en los edificios Edison Studios del Bronx, en Nueva York. Edison no tuvo una participación activa en la película: únicamente puso su nombre como productor. 

El director, J. Searle Dawley, concibió el guion y emprendió la dirección pensando en la visión de la obra en el quinetoscopio. 

La obra, adaptación libre de la novela, se estrenó el 18 de marzo de 1910. En su primera versión Frankenstein creó al monstruo en un caldero hirviendo a diferencia de otras posteriores en las que se valía de la energía de un rayo. La toma se realizó quemando un muñeco del monstruo que tenía un esqueleto como armazón y luego fue montada invirtiendo el tiempo, de esta forma parece que la sustancia se va adhiriendo a los huesos mientras se ve el humo y el fuego descender. Este recurso tiene que ver con el tratamiento mágico que hacen del fuego los alquimistas para 'condensar' el tiempo. En la publicidad de la película, la Edison Film Company daba la siguiente información: [...] se ha intentado eliminar con cuidado todas las situaciones realmente repulsivas y concentrarse sobre los problemas místicos y psicológicos que se hallan en este asombroso relato. 

Durante muchos años, esta película, se creía perdida. En 1963, se hallaron, en viejos archivos de Edison, imágenes y una descripción del argumento. 

En los 50, una copia de la película fue comprada por el coleccionista de películas de Wisconsin Alois F. Dettlaff, que no comprendió su rareza hasta muchos años más tarde. De la existencia de esa copia se dio noticia por primera vez a mediados de los años 70. Aunque algo deteriorada, la película podía ser vista en su integridad, con títulos y tintes como en 1910. 

Detalff tenía una copia de preservación en 35 mm hecha por el George Eastman House a finales de los 70. El 15 de noviembre de 2018, la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos anunció a través de su blog que había completado una restauración del cortometraje.

The funhouse

Nosotros pensamos que el cine español entre 1939 y 1975 pudo estar condicionado por la censura franquista, e indudablemente, lo estuvo. Sin embargo, a lo mejor no sabréis que en la década de los años 80, en Gran Bretaña, hubo censura para un total de unas 40 películas que fueron prohibidas por las autoridades censoras del Reino Unido. 

El término coloquial con el que se conocieron estas películas fue la de Video nasty (que se podría traducir como repugnancia videográfica). Un término acuñado en 1982. Era la BBFC (British Board of Film Classification, que se traduce como Oficina británica para la clasificación de películas), que había sido fundada en 1912, con la finalidad de clasificar las películas para su distribución en cines en el conjunto del Reino Unido, la encargada de ello. 

Lo cierto es que fueron durante largo tiempo los consejos locales quienes tenían la última palabra frente a las recomendaciones del BBFC. La razón casi siempre alegada era por tener un contenido sexual y/o violento muy explícito, no siendo aprobadas siquiera para una censura parcial, sino retiradas de la circulación en su integridad. Esto se hizo así desde el gobierno conservador encabezado por Margaret Thatcher entre 1979 y 1990. 

Es cierto que algunas de estas películas fueron distribuidas posteriormente con diversos cortes en su metraje impuestos por la censura. Y este fue el caso de la inocente The funhouse.  

La Casa de los horrores, al menos así se llamó en España, es una película de Tobe Cooper del año 1981 y al parecer una de las películas que inspiró a Quentin Tarantino para convertirse en siniestro. 

La película es un slasher muy del gusto de Tobe Hooper, escrita por Larry Block y protagonizada por Elizabeth Berridge, Kevin Conway, William Finley, Cooper Huckabee, Miles Chapin, Largo Woodruff, Wayne Doba y Sylvia Miles. que en este caso cuenta con una historia para adolescentes no enmarcada en el campo sino en una pequeña ciudad. 

Los protagonistas de la misma son dos chicos y dos chicas que junto al hermano de una de ellas, pasan una terrible noche en una feria ambulante instalada en los alrededores de la ciudad en Iowa. 

Pese a los siniestros rumores que corren por la ciudad y a la oposición del padre de Amy, los cuatro adolescentes en una doble cita que responden al nombre de Amy Harper, Buzz Carson, Richie Atterbury y Liz Duncan , deciden ir a la feria ambulante en busca de algo de diversión una vez acabada la película que fueron a ver. 

Las dos parejas pasan la velada de atracción y atracción divirtiéndose. Amy va con su nuevo novio Buzz y su mejor amiga Liz con el irresponsable de Richie. En el carnaval, los cuatro adolescentes fuman marihuana, se asoman a un espectáculo de striptease para mayores de 21 años, interrumpen a la adivina Madame Zena, visitan la exhibición de monstruos de la naturaleza y ven un espectáculo de magia. 

Pero Richie desafía al grupo a pasar la noche en "The Funhouse", que en realidad es una casa del terror y cuando se acerca la hora de regresar a casa las dos chicas llaman a sus padres y les cuentan que han decidido quedarse toda la noche en casa de una de ellas, aunque en realidad van a pasar la noche con los chicos en la feria. 

Entonces Liz propone entrar en la casa de los horrores una última vez antes de que cierren. Una vez dentro los cuatro observan horrorizados tras haber hecho el amor como en una escondida habitación de la casa y a través de una rejilla ven como se produce el terrible asesinato de la pitonisa de la feria por parte de uno de los trabajadores de la casa del terror. 

Los adolescentes ven al asistente de la atracción, un hombre silencioso con una máscara de Monstruo de Frankenstein, contratar a Zena como prostituta. Experimenta eyaculación precoz, pero a pesar de su pedido, Zena no le devuelve su tarifa de $100. 

Los adolescentes intentan irse, pero se encuentran encerrados dentro de la casa de la risa. Mientras intentan escapar, Richie roba en secreto el dinero de la caja fuerte de donde el asistente enmascarado tomó la tarifa de Zena y le paga. 

Al tener el dueño de la casa de terror , Conrad Straker, que resulta ser el padre del asesino, conocimiento del asesinato le recrimina a lejos su comportamiento pero una vez más le ayuda a esconder el cadáver. Conrad también se da cuenta de que falta el dinero. Pensando que Gunther lo tomó, lo ataca. Se revela que el rostro de Gunther está terriblemente deformado a través del albinismo y la displasia frontonasal con dientes afilados que sobresalen, cabello largo y blanco que se vuelve ralo, ojos rojos y una hendidura que le sube por el puente de la nariz. 

El criminal que es un hombre de gran envergadura y que oculta su deformado rostro detrás de una máscara de Frankenstein y no es otro que Gunther, el hijo desequilibrado del dueño de la atracción. 

Es en este momento cuando el encendedor de Richie cae al suelo desde el techo en el que él y los demás se escondían y el padre se da cuenta de que están siendo observados por los cuatro chicos y salen corriendo a cerrar la atracción. 

La delicada situación de los muchachos se complica aún más cuando Ricci ha robado parte del dinero de la recaudación del dueño. . Buzz concluye que Richie tiene el dinero. Richie insiste en que habría dividido el dinero con los demás. 

A pesar de que Liz quiere devolver el dinero, Buzz sabe que es demasiado tarde porque ahora están en peligro. Así pues los cuatro quedan atrapados en el interior de la casa de los horrores perseguidos por el psicópata asesino y su padre que ha ordenado que acabe con ellos. 

Los chicos, que se arman con los diversos accesorios de la casa de la risa como armas, buscan una salida desesperadamente pero uno a uno son asaltados y salvajemente asesinados.Conrad cuelga a Richie con una cuerda, y los tres restantes son testigos de su cadáver atravesado en un carro. Liz, histérica, cae por una trampilla y se enfrenta a Gunther. Ella lo apuñala con una daga y él la mata empujando su cabeza a través de un extractor de aire industrial. Buzz apuñala a Conrad hasta matarlo cuando se enfrenta a él y a Amy, pero luego es asesinado por Gunther. 

Durante un enfrentamiento entre la chica final Amy y Gunther en el área de mantenimiento de la casa de la diversión, Gunther es electrocutado y muere aplastado entre dos engranajes giratorios. Cuando amanece, Amy, la única sobreviviente traumatizada, emerge de la casa de la risa y se dirige a casa mientras la gorda animatrónica en lo alto de la entrada se ríe burlonamente de ella. 

En paralelo el hermano pequeño de una de las chicas ha sido testigo de como entraron en la casa de los horrores y sin embargo no salieron. De hecho el niño estuvo a punto de ser asesinado por el monstruo pero finalmente uno de los trabajadores de la feria los recoge y llama a sus padres para que se lo lleve. 

Al principio de la película Hooper rinde un homenaje a Psicosis - la escena inicial es un homenaje no disimulado, en la que un intruso enmascarado ataca a la adolescente Amy mientras se ducha. El atacante resulta ser su hermano menor Joey, un fanático de las películas de terror, y su arma es un cuchillo de utilería de goma falso-, a James Whale y a Halloween, aunque después con un buen pulso narrativo y unas sugestivas imágenes juega en la frontera entre la realidad y la fantasía. 

The Funhouse fue escrita por Larry Block, y el guión fue comprado por Universal Pictures, que buscaba producir una película de terror para adolescentes después del éxito de Friday the 13th (1980) de Paramount. $3 millones de dólares fueron invertidos en la producción que estuvo a cargo de Steven Bernhardt, Derek Power, Mace Neufeld y Mark L. Lester responsables de Universal Pictures, Mace Neufeld Productions y CFI Hollywood. En el apartado técnico contó que la fotografía de Andrew Laszlo, el montaje de Jack Hofstra y la música de John Beal.  

Aunque ambientada en el medio oeste de Estados Unidos en Iowa,The Funhouse se rodó en los estudios de Norin en Miami, Florida. Los juegos mecánicos y las atracciones que aparecen en la película, que datan de las décadas de 1940 y 1950, se adquirieron de un carnaval desaparecido en Akron, Ohio.

Estrenada por Universal Pictures, la película fue la primera gran producción de estudio del director Hooper después de Eaten Alive (1976) y The Texas Chain Saw Massacre (1974). 

Tras su lanzamiento el 13 de marzo de 1981, fue una decepción comercial, alcanzando unos ingresos de $7.8 millones, pero recibió críticas mixtas a positivas de los críticos.

En el libro de 2021 American Twilight: The Cinema of Tobe Hooper, los escritores Kristopher Woofter y Will Dodson notan un tema recurrente a lo largo de The Funhouse de un mundo en el que los adultos maltratan y menosprecian a los adolescentes, caracterizándolos como "una camarilla corrupta que priva a los jóvenes de sus derechos. " 

Al crítico de cine Gene Siskel del Chicago Tribune le gustó la película y la citó como uno de sus "placeres culposos" en un programa de 1987, y le dio valor a la película por tener una historia interesante, una dirección creativa e incluso un villano algo comprensivo.

John Corry de The New York Times señaló: "A veces, de hecho, el Sr. Hooper casi nos convence de que está tramando algo más que sangre, espeluznante y trauma. Ha rodado un carnaval - monstruos espectáculo, espectáculo femenino, estafadores y geeks, con un sentido del estilo. El carnaval es una pequeña visión del centro de Estados Unidos que se ha vuelto amargo, deleitándose con una alegría mezquina, y no está mal mientras dura. Entonces entra el monstruo y babea. " 

En Variety se publicó que "A pesar de toda la elegancia de la fotografía, [la] imagen no tiene nada en particular bajo la manga, y los devotos de The Texas Chain Saw Massacre del director Tobe Hooper estarán particularmente decepcionados con la falta casi total de conmociones y caos".

Funhouse estuvo prohibida varios años en Inglaterra debido a la confusión con otra película del mismo título y en el contexto de la moral imperante en la época de Margaret Thacher y su lista negra de los vídeos Nastys de los que ya hemos dicho algo. Curiosamente ahora es ella la homenakeada. Netflix estrenó HAUNT, el mejor slasher de 2019, donde los guionistas de Un Lugar Tranquilo hacían un homenaje a The Funhouse de Tobe Hooper con un catálogo despiadado de muertes violentas y estupendos efectos gore en una casa de los horrores convertida en escape room mortal Disfrútenla, simplemente.  

Little women

Lo que podría haber sido  Four sister es realmente Little women aquí conocida con el clásico nombre de Mujercitas y en una de sus más antiguas versiones. Posiblemente la más cercana a la última estrenada hace unos años, en 2019 con Saoirse Ronan como protagonista absoluta en el papel de Jo, aunque yo la primera versión que vi de esta obra fue una colorista Mujercitas del año 1949, con June Allyson, Elizabeth Taylor y Peter Lawford.

En este caso las cuatro hermanas son Jo (Katherine Hepburn) , Amy (Joan Bennett) , Beth (Jean Parker) , Meg (Francés Dee) estando presentes el resto de protagonistas como son el Profesor Bhaer (Paul Lukas) , Laurie ( Douglas Montgomery) , el Sr. Laurence (Henry Stephenson), Brooke (John David Lodge) etc.

Mujercitas ha sido adaptada al cine siete veces. La primera adaptación fue una película muda dirigida por Alexander Butler y estrenada en 1917, protagonizada por Daisy Burrell como Amy, Mary Lincoln como Meg, Ruby Miller como Jo y Muriel Myers como Beth. Se considera una película perdida. 

Otra adaptación cinematográfica muda se estrenó en 1918 y fue dirigida por Harley Knoles. Fue protagonizada por Isabel Lamon como Meg, Dorothy Bernard como Jo, Lillian Hall como Beth y Florence Flinn como Amy 

La primera versión sonora es esta Little women que fue dirigida por George Cukor en 1933 y para algunos es la mejor adaptación de la conocidísima novela de Mary Alcott, firmada con todo el glamour de los mejores tiempos de Hollywood. El guión, escrito por Sarah Y. Mason y Victor Heerman, está basado en la novela homónima de dos volúmenes de 1868-1869 de Louisa May Alcott. La película fue seguida por una adaptación de Little Men al año siguiente.

La historia es la conocida. Durante la Guerra civil Americana cuatro hermanas son educadas con entusiasmo por su madre, la señora Marsh. Estamos en Concord, Massachusetts, durante y después de la Guerra Civil Estadounidense. La película es una serie de viñetas que se centran en las luchas y aventuras de las cuatro hermanas March y su madre, conocida cariñosamente como Marmee, mientras esperan el regreso de su padre, un coronel y capellán del Ejército de la Unión. 

La enérgica Jo, que satisface los caprichos de su acomodada tía March, sueña con convertirse en una autora famosa y escribe obras de teatro para que sus hermanas que las representen para los chicos y chicas locales. Cada una es muy particular. Amy es bonita pero egoísta, Meg trabaja como institutriz y la sensible Beth practica con su clavicordio, aunque no suena bien del todo. Mientras el padre que combate en el frente será siempre su una referencia ética para este grupo de jóvenes que se enfrenta al paso de la niñez a la adolescencia y la juventud. 

Las chicas conocen al joven que habita la casa de su vecino, que responde al nombre de Laurie, y que ha venido a vivir con su abuelo, el Sr. Laurence, el rico vecino de al lado de los March y que comienza a desvivirse con las Marsh cuando se entera que las guía la caridad cristina con los vecinos más desfavorecidos. 

Los Laurence los invitan a una lujosa fiesta en la que Meg conoce al tutor de Laurie, John Brooke con lo que los cimientos sentimentales de las March se mueven. 

Durante los próximos meses, John corteja a Meg, minentras que Jo publica el primer cuento en un diario local, mientras que Beth, a menudo, aprovecha la oferta del Sr. Laurence para practicar con su piano.

Un día Marmee recibe comunicación de que su esposo se está recuperando en un hospital en Washington, D.C. después de una lesión, por lo que viaja allí para cuidarlo. 

Durante su ausencia, Beth contrae la escarlatina del bebé de un vecino. Ella se recupera, pero  queda inválida y muy debilitada. 

Los padres de la casa March regresan y Meg se casa con John. Laurie le confiesa su amor a Jo, quien lo rechaza. Cuando él la rechaza a cambio, Jo se muda a la ciudad de Nueva York para seguir su carrera como escritora y vive en una pensión. Allí conoce al profesor Bhaer, un lingüista alemán empobrecido.

Con su ayuda y aliento, y algún que otro desencuentro, Jo mejora su escritura y resuelve sus sentimientos confusos sobre Laurie. Beth está al borde de la muerte, por lo que Jo regresa a Concord para estar con su familia. 

Después de que Beth muere, una afligida Jo se entera de que Amy, quien acompañó a la tía March a Europa, se enamoró de Laurie y aceptó su propuesta de matrimonio. 

Tras el regreso de Laurie y Amy, que ahora están casadas, Jo se alegra por ellas. Mientras celebran la nueva situación familiar , el profesor Bhaer llega de la ciudad de Nueva York y trae el manuscrito de Jo para Mujercitas, que pronto se publicará. Le confiesa su amor a Jo y le propone matrimonio. Jo acepta, dándole la bienvenida a la familia.

La película producida por Merian C. Cooper para la RKO Radio Pictures, tenía un presupuesto de $ 1 millón y 4000 personas trabajaron en ella durante el programa de producción de un año. Los investigadores autenticaron aproximadamente 3000 artículos, incluidos disfraces, muebles y electrodomésticos. Hobe Erwin, un ex artista y decorador de interiores, fue contratado para supervisar la decoración del escenario, y modeló el interior de la casa March a partir de Orchard House, la casa de Louisa May Alcott en Massachusetts. 

Los exteriores se filmaron en Lancaster's Lake en Sunland, Providencia Ranch en Hollywood Hills y Warner Bros. Ranch en Pasadena. Las copias originales de la película emplearon el uso de coloreado a mano para chimeneas y velas.

El director de la película George Cukor, contó con un guion en el que intervinieron David Hempstead, Victor Heerman y Sarah Y. Mason, pero destaca en su obra Behind the Screen, escrita en 1938 señala que "Cuando dirigí Mujercitas tuve que desarrollar una nueva técnica para garantizar los mejores resultados gracias a la colaboración entre la señorita Hepburn y yo... Katharine Hepburn, es una excelente actriz, y más que una personalidad. Es una dínamo humana. Sin querer ser, y simplemente por el vigor de su propia mente y la intensidad de su actitud hacia su propio trabajo, ella puede ser, si se le da la oportunidad, lo que yo llamaría un matón artístico... (...) un director con conciencia - como era su caso-  luchará con uñas y dientes para obtener la película como él quiere. Permítanme apresurarme a decir que la señorita Hepburn y yo  luchamos por sacar adelante el proyecto en absoluto. Confieso libremente que utilicé muchas armas para tratar con ella: rabia simulada, ridículo y halagos de buen humor. Tiene un gran sentido del humor, y es capaz de dirigirlo contra ella misma".

 

Aunque David O. Selznick no recibió crédito en la pantalla, regresó a RKO desde MGM para supervisar la producción como la última película que quedaba en su contrato con el estudio.

El objetivo principal del director George Cukor era enfatizar la yuxtaposición entre el sacrificio y la vida familiar en Mujercitas. La fotografía fue labor de Henry W. Gerrard, mientras que la edición fue de Jack Kitchin y la música del talento de Max Steiner. 

A petición de K. Hepburn, el diseñador de vestuario Walter Plunkett creó un vestido para su personaje basado en el que usó su abuela materna tomando como referencia un vieja foto familiar. Plunkett necesitaba rediseñar varios de los trajes de Joan Bennett para ocultar su embarazo avanzado, una condición que Bennett intencionalmente no le había mencionado a Cukor cuando la eligió para la película. Cukor se decidió impulsivamente por Bennett para el papel de Amy March después de conocerla en una fiesta mientras estaba un poco ebria, convirtiéndola en la segunda actriz anunciada del elenco. Plunkett diseñó todos los vestidos con mucho cuidado, mezclando deliberadamente prendas de vestir entre las hermanas March en diferentes escenas para enfatizar el vínculo familiar. 

La tía March tendría que haber sido Louise Closser Hale que estaba programada para interpretar a la tía March, pero después de su muerte el 26 de julio de 1933, Edna May Oliver asumió el papel. El estreno tuvo lugar en noviembre de 1933 y multiplicó por cinco lo invertido en ella, que finalmente fueron unos 400.000 dólares. Mujercitas fue votada como una de las diez mejores películas de 1934 por la encuesta anual de críticos de Film Daily. 

Los elegios de la crítica fueron generalizados.  Mordaunt Hall en las páginas del The New York Times escribió: "La manera relajada en la que George Cukor, el director, ha presentado los incidentes seductores en forma pictórica es muy bienvenida después de los cuentos estereotipados con camisas rellenas. No importa que esta crónica no tenga un héroe, o incluso un villano, porque la ausencia de tales personajes, por lo general extravagantemente dibujados, hace que uno se sienta bastante contento de morar por el momento con corazones humanos de los tiempos pasados de moda. La película comienza de una manera suave y se desliza suavemente sin ningún intento forzado de ayudar a que el final permanezca en la mente de la audiencia". 

También en las páginas del The New Yorker John Mosher destacó que la película era "un triunfo asombroso" y "una película más intensa" , forjado con más sentimiento, que cualquier otro que podamos ver en mucho tiempo por venir". 

Variety lo calificó ´como "un documento magníficamente humano, de tono sombrío, majestuoso y lento en movimiento, pero siempre elocuente en sus interpretaciones"

El buen trabajo del director y del grupo de actrices tuvo su  compensación. Ganó el Óscar a la mejor adaptación en los autores Victor Heerman y Sarah Y. Mason, siendo nominada a la mejor producción y mejor director. Y en el primer certamen del Festival de Venecia celebrado en la ciudad en 1934 - en el Venice International Film Festival- premió con una nominación al mejor director extranjero a George Cukor y concedió el mejor trabajo a la mejor actriz a Katharine Hepburn. Visto lo visto, era de esperar.

Pépé le Moko

Mientras el Ville d´Oran sale del puerto, dejando atrás la Kasbah de Argel. No sólo queda la Kasbah de la capital de Argelia, sino queda el cuerpo sin vida de un jefe de una banda local buscado por la policía y que tenía su refugio en la zona alta de la ciudad. Ante de morir ha estado llorando viendo a su amante partir en barco, antes de morir ha gritado su nombre ante su silueta, pues la ha visto sobre el barco un segundo. Ella no lo ha oído ya que ha sonado la sirena del barco al partir del puerto.  Antes de morir ha sacado un cuchillo, a pesar de las grilletes que aprisionaban sus manos, Antes de morir y de poner fin a su vida le han cruzado las lágrimas su rostro. Así termina la historia de un hombre duro, pero sobre todo, la historia de una de las películas más míticas del cine francés. Así es  “Pépé le Moko”. 

Un título mítico y que estaba deseando ver por todo: nombre sugerente, título que está en todas las enciclopedias como de los más relevantes, por saber que era eso de "Le Moko". Ahora sé que Moko es el nombre propio que se utiliza para designar a los sureños en general, pero a los naturales de Toulon , les toulonnais, en particular. La palabra fue inventada por los marineros bretones que, enfrentados a los de Provenza, reprochaban con frecuencia a estos últimos intercalar sus frases con: em'acò (y con eso), pronunciado aproximadamente “'m'oco” en Toulon .  

Influenciada por el cine de gángsters americano, y dirigida por Julien Duvivier , nos encontramos con un film con voz y personalidad propia: basada en la novela homónima (aunque se presentó bajo el nombre de Detective Ahelbé) de Henri La Barthe, que participó como guionista junto al director, siendo adaptada por Jacques Constant, con los diálogo de Henri Jeanson, siendo producida por Paris Film y estando como productores Robert y Raymond Hakim, con un rodaje en exteriores, imágenes semidocumentales que nos muestra la fauna humana que habitaba la kasbah, pero con todo la obra sigue los planteamientos típicos del cine que , por aquellos, - estamos en 1937-, se hacía el Jardín, en Hollywood. El personaje de Gabin es arquetípico del cine realista poético francés. 

La película contó con el montaje de Marguerite Beaugé, la fotografía de Jules Kruger y Marc Fossard, el sonido de Antoine Archimbaud y la música de Vincent Scotto y Mohamed Iguerbouchène, aunque en la misma suena la canción: Où est ? con letra de André Decaye/Lucien Carol y música de Vincent Scotto , interpretada por la cantante Fréhel, que interpreta el papel de una cantante olvidada por el público -que es ella en el momento de la película-. Se trata de una canción nostálgica que evoca París. El propio Jean Gabin interpreta en esta película una canción de amor de sus inicios en el music hall a lo Maurice Chevalier .

La historia nos lleva a Argel lugar variopinto y en el que policía intenta acorralar a uno de los capos parisinos , Pépé le Moko, famoso ladrón que lleva casi dos años escondido y que se ha refugiado con su banda en la Casbah de Argel . A pesar de que la policía es consciente de su presencia, no han podido capturarlo debido al apoyo de la comunidad y al complejo diseño. Allí, junto a los integrantes de su banda como Pierrot (Gilbert Gil), el joven amigo de Pépé o Carlos (Gabriel Gabrio), Max (Roger Legris) o Jimmy (Gaston Modot) o algunos locales como Régis ( Fernand Charpin),   es intocable. 

Cerca de la Tetería Ali Baba vive junto a Inès (Line Noro), la amante de Pépé, pero no puede salir sin ser arrestado. Más aún cuando entre su círculo también hay soplones como Arbi (Marcel Dalio). 

Su vida cambia cuando se enamora de Gaby Gould, una bella parisina( Mireille Balin) , una joven demi-mondaine, con todo lo que significa eso en el francés del siglo XIX, mantenida por un rico, que pasa allí como turista, representando todo lo que la Casbah no es: parisina y sofisticada. Esta relación entra en conflicto con la celosa Inès, amante de Pépé. 

Por su parte, el Inspector Slimane (Lucas Gridoux), que conoce a Pépé le promete arrestarlo si alguna vez intenta irse, sigue todo esto muy de cerca, pero ahora cuenta con el desarrollo de este triángulo amoroso para sacar al jefe de su escondite. Sólo así podrá ponerlo bajo arresto. 

Mientras tanto, Régis, un residente de Casbah, colabora con la policía y propone un plan para utilizar al amigo de Pépé, Pierrot, como cebo para sacarlo de la Casbah.

La tensión entre Pépé y Régis estalla cuando Pierrot desaparece y Pépé se enfrenta a Régis, justo cuando Gaby y Pépé se reencuentran en la Casbah y pasan una noche juntos. 

Sin embargo, cuando Pierrot muere, Régis es asesinado y Gaby se va sin despedirse. Pépé sufre una crisis nerviosa, pero Inés lo mantiene en la Casbah mintiendo sobre el paradero de Gaby. Pépé luego encuentra a Gaby en la Casbah y tienen un encuentro apasionado. Acuerdan volver a verse al día siguiente. 

Sin embargo, Slimane interviene y le dice al prometido de Gaby que es peligroso para ella visitar la Casbah, con la esperanza de que Pepe venga a buscarla si no se presenta a su cita. A pesar de esta advertencia, Gaby opta por ignorar a su amante y mantenedor y vuelve a encontrarse con Pepe. 

Tras esto, Slimane le dice a Gaby que Pepe está muerto y aunque Pépé le escribe una carta a Gaby, se la entrega a Carlos y le pide que se la lleve a su hotel. Pero Carlos no cumple y traiciona a su jefe.

Cuando a Pépé se le informa más tarde que Gaby se va de Argel después de que Slimane le dijera que estaba muerto, deja la Casbah para encontrarla. 

Esto es aprovechado por Inés que le cuenta a Slimane el plan de Pepe, lo que lleva a su arresto en el interior del barco cuando éste va a partir del puerto. Pepe ve que el barco se lleva a Gaby y se suicida con un cuchillo. 

Aunque hay muchos elementos documentales en la película lo cierto es que la mayor parte de la película fue rodada en una reconstrucción de la Casbah, con un gran trabajo de decoración a cargo de Jacques Krauss, en los estudios de Joinville-le-Pont, cerca de París, siendo difícil utilizar el pesado equipo que requería el cine de la época en las estrechas calles de la Casbah, donde sólo se realizarán algunas tomas exteriores. También se rodó en Sète y Marsella y en los estudios Pathé-Cinéma. De hecho Mireille Balin no llegó a pisar Argel en esta ocasión: además, aparece duplicada en los planos generales de la escena final del transatlántico. 

Durante el rodaje de Pépé le Moko, Jean Gabin y Mireille Balin se conocieron y se enamoraron. Su relación sentimental, bastante discreta, y su relación profesional tendrán la misma duración: hasta el final de Gueule d'amour , el mismo año. 

Pépé Le Moko tuvo su inmediata influencia en el cine. Pépé le Moko fue luego adaptado dos veces en los Estados Unidos: al año siguiente de su estreno, en 1938, bajo el título Argel (Algiers, aunque en francés Casbah) por John Cromwell con Charles Boyer como protagonista y Hedy Lamarr, y luego en 1948, bajo el título Casbah por John Berry. Pero años antes, durante la guerra su influencia llegó hasta la mismísima Casablanca. También será parodiada . En 1949, el famoso actor cómico italiano Totò asumió el papel de Jean Gabin en una película de parodia : Totò le Moko , de Carlo Ludovico Bragaglia . 

La película disfrutó de varios estrenos en cines en Francia en agosto de 1940, en enero de 1953 y en mayo de 1958. Con todo debido a la Segunda Guerra Mundial y la naturaleza oscura de la película, las autoridades francesas se preocuparon cada vez más por la "influencia desmoralizadora" y finalmente decidieron prohibir a los ciudadanos ver la película. 

De todas formas la acogida de Pépé le Moko fue triunfal en Francia y en el extranjero, incluso en Estados Unidos, a pesar del moralismo del Código Hays y de la censura, que retrasará su estreno en varias ciudades, como Nueva York, hasta 1941. La razón pudo ser que el estreno estadounidense de la película se había retrasado durante aproximadamente cuatro años por Walter Wagner, director de Argel, debido a su compra de los derechos de la película en los Estados Unidos. Pero la película fue bien recibida según lo informado por el New York Times. El escritor James Travers afirmó que la película de 1937 podría considerarse "la más evocadora de las primeras películas de cine negro vistas en Estados Unidos". 

La película ganó al menos dos premios internacionales: el Premio japonés Kinema Junpo a la Mejor película en lengua extranjera en 1940 y el Premio estadounidense de la Junta Nacional de Revisión a la mejor película en lengua extranjera en 1941. 

Según el periodista , guionista , historiador , crítico de cine y escritor francés, Jacques Siclier , fallecido en 2013 y que había escrito a fondo sobre Jean Gabin, pero que fue referenciado por Claude Beylie en su obra Películas clave del cine (1987) “ Pépé le Moko es la instalación oficial, en el cine francés de antes de la guerra, del romanticismo de los seres al margen, de la mitología del fracaso. Es poesía populista al límite: chicos malos, prostitutas, alcohol, suciedad y flor azul” . 

En una entrevista concedida en 1999 sobre su cineteca imaginaria , el cineasta Jean-Pierre Mocky cita a Pépé le Moko : “En el cine francés, Pépé le Moko de Julien Duvivier es para mí una película emblemática. Pertenece a películas interpretadas por actores que hoy ya no existen, es decir papeles secundarios que podrían ser protagonistas".

El inglés Graham Greene en una reseña de la película para The Spectator afirmó que es: «Una de las películas más emocionantes y conmovedoras que recuerdo haber visto» que logra «elevar el thriller a un nivel poético». Según un documental de la BBC, le sirvió de inspiración para el guion de El tercer hombre. Personalmente, me ha encantado descubrir un mito que podría insertarse dentro del naturalismo poético francés o realismo negro, como lo define Román Gubern en su Historia del Cine, publicada por Anagrama. 

El realismo negro de anteguerra es naturalista por su significativa elección de los personajes arrancado de las capas más bajas del "escombro social" puesto que son desheredados de la fortuna, chulos, mujerzuelas, echadoras de cartas, maleantes o suicidas. Es también naturalista por la topografía que componen sus sórdidos ambientes como muelles, tabernas, hoteles mugrientos callejuelas incómodas con paredes desconchadas. Guber además señala que es poético por su estilización romántica de todos estos elementos realistas y negro por el implacable fatalismo que domina estos dramas en los que la felicidad aparece como un espejismo inalcanzable que rezuman una visión sombría y pesimista del hombre tendiendo un puente entre el gusto populista de los años treinta y el desesperado nihilismo existencialista que cristalizará en la posguerra. 

Añade Gubern que Duvivier que ya contó con Jean Gabin en La bandera (1935) en este caso lleva la historia a la Casbah, aquí "lo impulsó como un puntal en este tipo de películas presentado como un antihéroe de perfil trágico, un mauvais garçon, mascullando su argot con acento canalla y confinado el gris suburbio de las ciudades en este caso de las callejuelas transformada en una jungla ideal para los bajos fondos". 

La bella y la bestia

Jean Cocteau firma, esta con una estrella de David, en 1947 una joya del cine, un clásico entre los clásicos: la Bella y la Bestia. 

Escribía Terenci Moix en los ochenta que la fortuna crítica de copto parecía haber descendido mucho últimamente e incluso que era muy probable que sea un nombre con poco que decir a la reciente promociones de lectores o espectadores. Sin embargo durante tres décadas estuvo siempre presente en todas las formas de la creación cultivadas en Francia convirtiéndose en un icono cultural imprescindible. Desde su apartamento del Palais Royal seinmiscuyó en la novela la poesía el teatro prosa la pintura el ballet la ópera y por último en el cine, una disciplina en la que quiso ver la síntesis de todas las demás. 

La obra cinematográfica de este director se distinguía por un eclecticismo en absoluto distinto a sus aproximaciones a las otras artes. 

En 1930 cuando realiza su primera obra, Le sang d'un poète se acogió a los postulados más ortodoxos del surrealismo y aportó una serie de aproximaciones enteramente nuevas en la que no es posible descartar su visión del mundo homosexual. Esta visión continuará imperando a lo largo de toda su obra con aspectos diáfanos que la crítica pacata se obstinó siempre en silenciar. De hecho esta visión traducida en símbolos vivientes es la que justifica en la actualidad ese film que por lo demás se limita a cultivar con mayor o menor acierto el profundo sentido de la libertad estética del movimiento a que se acoge. 

Hasta mil novecientos cuarenta y seis no volvería a ponerse tras las cámaras y en el período intermedio tremendamente conflictivo se produce su efervescente actividad en otra disciplinas concentradas y la permanente edificación de realidad es al tiempo que se consolida la creación, típicamente cocteauniana, del poeta como demiurgo, de feroz egocentrismo que implica la creación de un universo de esferas superiores, quintaesenciales, completamente alienadas de todo contacto con la realidad inmediata. 

Decía Terence Moix que " el poeta como oficio como jerarquía como derecho como uniforme de ir por la vida pasa a los dominios de la creación cinematográfica con idéntico sentido de la omnipresencia tan irritante como fascinadora. Y si en algunos casas, la alquimia propuesta por Cocteau se muestra demasiado irreverente, y acaso excesivamente asumida, su siguiente filme disculpa todo cuanto en esta actitud pudiera parecer pasado para triunfar por los caminos de la fascinación absoluta". 

Ese film no era otro sino La belle et la bête (1946) que contó con la ayuda de René Clément como segundo, la fotografía de Henri Alekan y la música de Georges Auric, y que ha sido definida como una obra destinada a provocar la fascinación de los niños y a la vez la pasión del cinéfilo. 

Evidentemente su estética va mucho más allá de la literatura y amparándose en todos los pretextos del prestigio organiza una auténtica kermese de motivos visuales que alternan la herencia del surrealismo con la del barroco y los recursos del ballet con los de la gran ópera. 

Mucho tiene que ver esta película con la que en 1992 Disney llevó gran pantalla una película de animación que también se convirtió en un clásico, cierto es que las dos tienen en común una historia pues se basa en un cuento francés. 

Tomando la conocida fábula, sin pedir excusas por cierta sumisión a la exigencia del género, Cocteau organiza el mecanismo de la fascinación con tal rigor que el reconocido egocentrismo de sus temas mayores desaparece en provecho de la obra en su totalidad. 

En esta en este caso la historia nos relata que hace mucho tiempo un armador francés vivía con su hijo ludovic y sus tres hijas Felicie, Adelaïde y la dulce Bella y sufría las turbulencias de la vida al perder parte de su mercancía en un naufragio esto le llevaba a la ruina. 

Una tarde tormentosa cuando el padre venía de negociar un requerimiento con una empresa armadora que se había quedado con parte de la producción de su barco este se pierde en el bosque y encuentra el refugio en un castillo misterioso. 

Su presencia en principio no importa al dueño del lugar una criatura mitad hombre mitad bestia. Largo cuando el padre quiere llevar un regalo a su hija en concreto una rosa provoca la ira de esa bestia. 

Para salvar la vida de su padre Bella se ofrece como moneda de cambio y se traslada al vivir al castillo. 

Para esta obra Cocteau contó con uno de sus intérpretes favoritos Jean Marais. Un actor que también fue su amante tal y como relató el director en su libro "Histories de ma vie". Un libro de absoluta generosidad que confirman los aspectos míticos de la legendaria pareja y el lugar insustituible que el joven Marais ocupó en la obra toda del poeta incluso en detrimento de sus propios intereses. Porque Jeanut, como le llamaba Cocteau, vivió intensamente el drama de no ser profeta en su tierra. 

Para Roman Gubern el retorno de este director tras quince años de inactividad, para contarnos "la redención del monstruo por el amor de la dama vista con su temperamento mórbido y misógino". 

Pan, amor y fantasia

Hubo una época, la inmediata postguerra, en la que el cine italiano fue casi todo. En parte se debe al neorrealismo, pero hubo una variante xdel neorrealismo que se conoce como neorrealismo rosa y que tiene alguna película referencial como la que acabo de ver, Pane, amore e fantasia. Aunque Umberto D. se considera el fin del período neorrealista, las obras posteriores giraron hacia atmósferas más ligeras, edulcoradas y levemente optimistas, más coherentes con las mejores condiciones de Italia justo antes del boom económico; este género pasó a ser conocido como neorrealismo rosa. 

El precursor del neorrealismo rosa fue Renato Castellani, que contribuyó a poner de moda la comedia realista con Bajo el sol de Roma (1948) y Siempre es primavera (1949), ambas rodadas en exteriores y con actores no profesionales, y sobre todo con éxito de público. y la crítica de Two Cents Worth of Hope (1952), que sentó las bases del neorrealismo rosa. 

Películas representativas de este neorrealismo rosa, que combinan comedia popular y motivos realistas, son Pane, amore e fantasia (1953) de Luigi Comencini y Poveri ma belli (1957) de Dino Risi, ambas obras están en perfecta armonía con la evolución del traje italiano. El gran éxito de público y algún que otro premio internacional, de las dos películas se mantuvo casi sin cambios en las secuelas Pan, amor y celos (1954), Escándalo en Sorrento (1955) y Bonita pero pobre (1957), también dirigidas por Luigi Comencini y Dino Risi.

 En nuestro caso, Pan, amor y fantasía el protagonista es Antonio Carotenuto (Vittorio de Sica) mariscal de los carabineros llega a un pequeño pueblo montañés del sur de Italia llamado Sagliena (una localidad imaginaria para el que se empleó Castel San Pietro Romano, en el Lacio). Maduro y soltero, un don Juan empedernido, que tendrá que adaptarse a la vida monótona y tranquila del pueblo, es trasladado aquí inmediatamente después de la guerra, intenta conseguir los favores de una pizpireta jovencita Maria De Ritis aunque se le conoce ccomo Pizzi o la «Bersagliera» (Gina Lollobrigida) , conocida como la desenvuelta o la leñadora, una chica deseada por todo el sector masculino del pueblo, que está enamorada de un serio tímido y joven carabinero muy formal que responde al apellido de Stelluti (Roberto Rossi) , subordinado de Antonio, que, confundiendo la campechanía de Maria con promiscuidad, le hace proposiciones, y es rechazado, por lo que dirige su propósito hacia la vecina de enfrente, una señora de mediana edad, Annarella Mirziano (Marisa Merlini), que parece corresponderle. 

Desde entonces, y siempre aconsejado por su criada Caramella (Tica Pica) dirige su mirada hacia la comadrona Annarella (Marisa Merlini), una joven formal y misteriosa. Entre la maledicencia del pueblo, las dos aventuras amorosas se hacen y deshacen hasta llegar a buen puerto. En el caso de la joven pareja es Paoletta (Maria-Pia Casilio), la sobrina del cura, Don Emidio (Virgilio Riento ) y sacristana de la parroquia, está enamorada del carabiniere Stelluti, pero este último está realmente enamorado de la Bersagliera y quiere que su madre la conozca. 

La población de la aldea la forman niños, muchos, ancianos ociosos, que se entretienen como mirones, que alimentan rumores y sospechas, algún que otro comerciante de telas y trabajadores del campo que viven en la pobreza como se aprecia en sus ropajes, las viviendas, la precariedad de las infraestructuras - dominan los caminos de tierra- y la escasez de alimentos. Cuando el jefe de los carabinieri le pregunta a un vecino qué come, éste le responde "pan con fantasía" (pan solo). 

El mariscal se acaba enamorando de Anarella, a pesar de ser madre soltera - ese era su secreto- y pizzicarella alcanzará la felicidad con su amado Stelluti. Así, gracias a la intervención de Don Emidio, que informa al mariscal, Stelluti y la Bersagliera se comprometen mientras el mariscal, la tarde de la fiesta de San Antonio, con la procesión de San Antonio con ángeles blancos, con fiesta en la plaza mayor, con los carabinieri con sus uniformes de gala, Antonio se compromete con la partera del pueblo: Annarella. 

Uno de los títulos más populares de la comedia italiana de los años cincuenta aquí dirigida por Luigi Comencini en el año 1953 a partir de su propio guion, escrito en colaboración con Ettore Maria Margadonna con unos personajes entrañables que han hecho historia ya que la película tuvo varias continuaciones.Se rodó en exteriores de Castel San Pietro Romano (Lazio), recreando el interior montañoso de la región de los Abruzzi, y en los Titanus Studios (Roma). 

La película se puede considerar como una intromisión cómica en el neorrealismo ya que cuenta con una estupenda descripción de personaje populares enmarcados en escenarios naturales. Es una comedia ligera con un magistral sentido de la observación y que se mantiene muy viva resultando entrañable.La estética corresponde al neorrealismo italiano, dentro del que se sitúa en el apartado del neorrealismo rosa, que ofrece una visión optimista. 

La película se estrenó en Italia en diciembre de 1953 y fue un enorme éxito dando pie a lo que se llamó neorrealismo rosa. Se trató de una producción de Titanus en la estuvieron Marcello Girosi como productor y en el diseño de producción Gastone Medin y Gino Rissone . Algunos críticos consideran la mejor actuación de Gina Lollobrígida, y la más natural. 

De entre los críticos destaco la señalado por Fernando Morales en El País o lo que señaló sobre ella la revista Fotogramas. El primero escribió sobre ella lo siguiente: "Simpática cinta, que alcanzó un sonado éxito comercial y que sirvió como preludio de su 'Pan, amor y celos'. Divertida." . En la segunda, en Fotogramas se dice que es "Una de las comedias italianas que más impacto causaron en su día (...) La historia del capitán de carabineros (...) tiene el suficiente gancho para imponerse por encima de sus propias limitaciones. (...)  

Por esta película, Luigi Comencini, que contó como ayudantes de dirección con Alessandri y Franco Montemurro , fue el ganador del Premio Oso de Plata a la mejor dirección en el Festival Internacional de Cine de Berlín de 1954 y Ettore Maria Margadonna fue candidato al Premio Óscar al mejor argumento el mismo año. La película contó con otros técnicos de gran prestigio como Alessandro Cicognini en la música en la que introduce temas de la tradición de la zona, Paolo Ketoff estará en el sonido, Arturo Gallea en la fotografía, Mario Serandrei en el montaje y siendo Ugo Pericoli el responsable de la escenografía y del vestuario. 

También en 1954 Gina Lollobrigida - fallecida en enero de este año a los 95 años- recibió el premio Nastro d'argento (Cinta de plata en español), concedido anualmente por el Sindacato Nazionale Giornalisti Cinematografici Italiani (SNGCI) (Sindicato Nacional Italiano de Periodistas de Cine) como mejor actriz protagonista. En la British Academy of Film and Television Arts BAFTA el filme fue candidato en 1955 al premio a la mejor película y a la mejor actriz en 1954 fue candidato a la mejor película extranjera en el National Board of Review. El Círculo de críticos de Nueva York la nominó a mejor película extranjera. 

Tan importante fue esta película que tuvo varias secuelas, todas ellas con Vittorio De Sica como son en 1954: Pan, amor y celos (Pane, amore e gelosia), con la misma Gina Lollobrigida y dirigida también por Luigi Comencini. A esta siguió 1955: Pan, amor y... (Pane, amore e...), con Sophia Loren y dirigida por Dino Risi, y ya en color.Incluso en 1959 se trasladó a España con Pan, amor y... Andalucía, con Carmen Sevilla y dirigida por Javier Setó. 

También se considera como otra secuela, sin Vittorio De Sica, Tuppe tuppe, Marescià! o È permesso Maresciallo?, de 1958, con Peppino De Filippo y Giovanna Ralli, y dirigida por Carlo Ludovico Bragaglia. 

Esta tendencia, y algunas de estas películas, lanzaron a la popularidad a algunas actrices como Sophia Loren y Gina Lollobrigida, como ocurrió en este caso, y la que sería identificada como "maggiorata" por el mismo De Sicca. A estas se sumaron otras como Silvana Pampanini, Lucia Bosé, Barbara Bouchet, Eleonora Rossi Drago, Silvana Mangano, Virna Lisi, Claudia Cardinale y Stefania Sandrelli. Pero pronto el neorrealismo rosa fue reemplazado por la Commedia all'italiana, un género único que, nacido en una línea idealmente humorística, hablaba muy seriamente de importantes temas sociales como veré en poco en Divorcio a la italiana. Pero eso es otra historia.