Come True

 

Hay recomendaciones a las que uno nunca hace caso; otras sí. En este caso leí no tengo claro ni cuando ni donde que había una película de terror que resultaba inquietante y que llevaba por título Come True. Es cierto que en ocasiones no hago mucho caso, pero en esta ocasión sí y descubrí una película canadiense de terror y de ciencia ficción, estrenada en 2020, escrita y dirigida por Anthony Scott Burns. Es una película original en su planteamiento y que está basada en una historia del mismo Anthony Scott Burns junto a Daniel Weissenberger, y producida por Steven Hoban, Mark Smith y Brent Kawchuk para Copperheart Entertainment y Angel Entertainment. 

Inquietante exploración de los sueños en clave ciencia Ficción, con ecos de Cronenberg o Lynn e imágenes de pura pesadilla, como una versión en clave de ficción . 

La película está protagonizada por Julia Sarah Stone como Sara y Landon Liboiron como Jeremy. 

La protagonista es Sara Dunn, una joven con una relación conflictiva con su madre, a quien evita por motivos desconocidos. Esencialmente sin hogar, roba comida en casa de su madre y duerme en un saco de dormir al aire libre o en casa de amigos. Este entorno tan desapacible le afecta al sueño y a  su capacidad para permanecer despierta en clase y durante todo el día. 

Cuando duerme sus sueños están plagados de pesadillas extrañas y surrealistas de un laberinto oscuro y una figura sombría con ojos brillantes. 

Necesitada de dinero, Sara acepta ser sujeto de prueba en un estudio del sueño, cuya intención y objetivo son clasificados. Al principio, Sara duerme bien pero, tras dos sesiones, sus pesadillas empiezan a empeorar. 

Descubre que uno de los científicos, un joven apodado Riff (Landon Liboiron), que ella llama el Friki, la ha estado siguiendo fuera del estudio, y le preocupa que la única otra mujer en el estudio, Emily, aparentemente abandone. 

Sara sufre un ataque de pánico cuando uno de los científicos le muestra una imagen de la misma figura sombría de sus sueños y se cansa de que ninguno de ellos divulgue el propósito del estudio. El científico jefe, el Dr. Meyer, no permite que los científicos más jóvenes utilicen métodos de estudio no aprobados debido a lo que le sucedió a Sara. 

Un día, después de desmayarse al ver una figura sombría en una lavandería, a Sara le roban su teléfono, por lo que se enfrenta a Riff, insistiendo en que el estudio ha tenido un impacto negativo en ella y que solo continuará como sujeto de prueba si él le cuenta. ella el propósito del estudio. Él le informa que el experimento consiste en monitorear los sueños de los sujetos utilizando un dispositivo de escaneo cerebral que convierte las ondas cerebrales en imágenes. 

Durante la siguiente sesión, Sara y el resto de los voluntarios del experimento sueñan con la misma figura sombría al mismo tiempo. Riff afirma que, en todo el mundo y a lo largo de la historia, la gente ha soñado con una figura similar, que también lo ha perseguido desde la infancia. 

A medida que sus signos vitales aumentan, Sara se despierta presa del pánico, sangra por el ojo izquierdo y huye después de decirles a los otros científicos que sabe lo que están haciendo. Riff la persigue mientras ella corre hacia un club en busca de su amiga Zoe, pero se desmaya, lo que lo obliga a cargar su cuerpo inconsciente. 

De vuelta en el laboratorio, los dos voluntarios restantes continúan soñando con la figura de la sombra y quedan semiconscientes por la parálisis del sueño al ver la figura parada al pie de sus camas. Los científicos están profundamente inquietos por su movimiento en el mundo de la vigilia. 

Después de que uno de los científicos entra a la habitación de los voluntarios, la figura lo alcanza y los voluntarios se sientan despiertos con los ojos blancos, lo que provoca que todo el sistema de monitoreo se apague. Sara se despierta de una pesadilla surrealista que involucra a la figura sombría y se encuentra en el departamento de Riff, donde descubre que él se ata a su cama y monitorea sus propios sueños. Ella ve la secuencia de su sueño sobre ella en la que a los dos les crecen colmillos y se besan. Luego tiene el mismo sueño de la figura de la sombra cuando entra en parálisis del sueño y Sara lo despierta antes de que lo alcance. 

Traumatizados y exhaustos, terminan teniendo relaciones sexuales, durante las cuales Sara ve dos figuras de sombras y se desmaya nuevamente, lo que motiva a Riff a llevarla a un hospital. Mientras Riff espera un informe sobre el estado de Sara, comienza a soñar con un laberinto oscuro y una figura humanoide en el mundo despierto. 

Luego se entera de que Sara salió de su habitación y salió del hospital. Riff se da cuenta de que ella es sonámbula y le sangran los ojos cuando intenta despertarla. Llama a su colega, Anita, y la insta a que le ayude a controlar los sueños de Sara mientras camina sonámbula por la ciudad. 

Anita (Carlee Ryski) llega y colocan un monitor móvil en la cabeza de Sara mientras ella, inconscientemente, los lleva a una zona boscosa remota. El sueño de Sara parece imitar el camino que está tomando, con figuras sombrías manifestándose en el monitor, que parecen flanquear al trío. 

Cuando entran a un campo, Riff encuentra un teléfono celular sonando en el césped. Cuando contesta la llamada telefónica, Sara se despierta gritando. Riff consuela a Sara y ella identifica el teléfono como suyo a pesar de que nunca antes había estado allí. La pantalla del teléfono se vuelve estática y, aunque despierta, Sara ve múltiples figuras de sombras en los árboles. El trío huye, pero tanto Anita como Riff son tragados por la oscuridad cuando una figura en la sombra se acerca a Sara. 

De repente, Sara se despierta de nuevo en el apartamento de Riff, desnuda y a horcajadas sobre el cadáver de Riff, aparentemente habiéndole arrancado los ojos en un episodio de sonambulismo. Va al baño, donde recibe un mensaje de texto que la hace reír y examina su reflejo, descubriendo que tiene colmillos. El mensaje dice que ha estado en coma durante veinte años, ya que la están estudiando utilizando una nueva técnica, y los científicos no están seguros de en qué parte de su sueño le llegará el mensaje. Le ruega que se despierte antes de que la pantalla se vuelva negra. 

La película recibió dos nominaciones a los Canadian Screen Awards en la décima edición de los Canadian Screen Awards de 2022, a Mejor Director (Burns) y Mejor Actriz (Stone). Fue presentada en Sitges ese mismo año.

De ella han hablado y por lo general bien críticos de muchos países. Entre los norteamericanos destaco a Joe Lipsett en las páginas de Bloody Disgusting al decir que es "Un auténtico logro artístico (…) " 

Michele Swope de la para mi desconocida Dread Central señala que "Presenta algunos conceptos visualmente impresionantes y aterradores que nos harán reflexionar sobre los sueños (…)".

Matt Donato de SlashFilm dice de ella que "Sin duda perturbadora y repleta de interesantes aspectos estéticos, pero debilitada a nivel narrativo por otro final que pide a los espectadores que saquen de él sus propias conclusiones." En esta ,misma cabecera Chris Evangelista firma que "Sigo siendo un aficionado al cine de Burns, y 'Come True' tiene mucha originalidad a nivel visual (...) como para esperar encontrar algo bueno en el futuro. Pero esto no lo es."  

En  Variety Nick Schager no fue tan elogioso pero dijo "No esconde sus muchas influencias, principalmente relacionadas con el trabajo de David Cronenberg y Philip K. Dick (...) Sin embargo, Burns (...) combina sus fuentes de inspiración (...) para crear un innovador e ilusorio thriller de ciencia ficción." 

Kate Erbland de  IndieWire afirma que "Burns demuestra que tiene un don para construir un mundo, un imaginario y generar tensión, pero una serie de tropiezos en la parte final (...) hacen que el film te deje un regusto amargo." 

Y Tomris Laffly de la web rogerebert.com señala que "Stone está excelente en este viaje salvaje, ofreciendo una presencia sólida, frenética y autoritaria, incluso cuando lo que le rodea está falto de sustancia (…)".

En Gran Bretaña Tim Grierson en las páginas de Screendaily afirma que "Inteligente terror de ciencia ficción que comienza con una premisa algo típica (...) pero que se las ingenia para encontrar nuevas vías para explorar el laberinto de corazonadas que es el subconsciente." ; y en las de The Guardian, Phil Hoad, comenta que "Hay algo visionario en este techno-thriller cursi y rallano lo absurdo (...) Ofrece elementos de fantasía, terror y de la estética synthwave de los años 80 sin entregarse plenamente a ninguno de ellos (…)

Por último, destaco lo que comenta un canadiense como Andrew Mack en Screen Anarchy que la describe como "Un thriller de ciencia ficción espeluznante y con mucho estilo que rinde homenaje a algunos de sus más valiosos predecesores".

Estoy de acuerdo en que la película es inquietante, en ocasiones hipnótica , y que nos lleva al universo de Lynch o de otro director como Cronenberg, un mundo nuevo, donde el sueño y lo onírico es, ante todo, pesadilla.

A destacar su fotografía nebulosa y oscura de Anthony Scott Burns, responsable igualmente de la edición, siendo la música inquietante labor de Electric Youth and Pilotpries.

Novecento

 

En el año 1901, en una finca del norte de Italia, nacen el mismo día el hijo de un terrateniente y el hijo de un bracero que serán amigos inseparables, aunque su relación se verá nublada por sus diferentes actitudes frente al fascismo. 

Así surge este drama que hace un complejo recorrido político y social por la Italia del siglo XX. Una historia que fue creada a través de un guion realizado a seis manos por Franco Arcalli - aquí también encargado de la labor de montaje- , Giuseppe Bertolucci, Bernardo Bertolucci. La película contó con la música de Ennio Morricone, la fotografía de Vittorio Storaro, dando la cara como productor Alberto Grimaldi estando apoyado por compañías en coproducción de Italia-Francia-Alemania del Oeste (RFA). Entre las productoras aparecen Produzioni Europee Associati (PEA), Les Productions Artistes Associes, Artemis Film siendo el responsable de la dirección artística, Ezio Frigerio. 

Novecento es una coproducción cinematográfica europea de 1976 dirigida por Bernardo Bertolucci, con Robert De Niro y Gérard Depardieu en los papeles principales, acompañados por un importante y largo reparto de consagradas estrellas cinematográficas entre los que destacan , aparte de los citados, Dominique Sanda, Francesca Bertini, Laura Betti, Stefania Casini, Ellen Schwiers, Sterling Hayden, Alida Valli, Romolo Valli, Stefania Sandrelli, Donald Sutherland y Burt Lancaster. 

En 1945, Italia se libera de los fascistas. En una finca de Emilia-Romaña, los campesinos intentan unirse a los partisanos y arrestar al propietario, Alfredo Berlinghieri. Al intentar huir, un hombre de mediana edad llamado Atila y una mujer llamada Regina se enfrentan a un ataque de trabajadoras que empuñan horcas. 

La película comienza en cuanto desarrollo cronológico, como un largo flashback, el 27 de enero de 1901, coincidiendo con la muerte de Verdi, nacen al mismo tiempo en la hacienda Berlinghieri dos niños: Olmo Dalcò ( que de mayor es interpretado por Gérard Depardieu), de origen humilde y descendiente de trabajadores de la hacienda, y Alfredo Berlinghieri ( siendo adulto Robert De Niro), nieto del patrón de dicha hacienda (Burt Lancaster). 

Ambos provienen de extremos opuestos del espectro social. Alfredo, de una rica familia terrateniente, crece con su prima Regina, mientras que Olmo, un campesino ilegítimo, es criado por su abuelo Leo, el capataz y portavoz de los campesinos. 

A pesar de sus diferencias, Alfredo, algo rebelde ante la falsedad de su familia, se hace amigo de Olmo, quien se educa como socialista. Durante su infancia, Leo lidera huelgas contra las condiciones injustas en la granja y los dos amigos pasan mucho tiempo juntos. 

Aunque las circunstancias del momento los enfrenten durante toda la historia, surgirá entre Olmo y Alfredo una gran amistad mientras se desarrolla una narración en la que vemos los acontecimientos de relieve que ocurrieron en la Italia de la primera mitad del siglo xx. 

Descubrimos la situación de explotación en la que viven los campesinos de la finca, más tarde la acogida del comunismo por parte de los proletarios, luego narra el final de la Primera Guerra Mundial. Descubrimos que en 1917, Olmo se alista en el Ejército Real Italiano para la Primera Guerra Mundial, mientras Alfredo, como oficial- es capitán , aunque no ha ido al frente- aprende a administrar la granja de la familia. Tras el regreso de Olmo, su amistad continúa, pero se producen cambios. Giovanni, el padre de Alfredo y nuevo padrone, contrata a Attila Mellanchini, como capataz. 

En la década de 1920, Olmo, en una relación con Anita, lidera protestas por los derechos de los trabajadores. La muerte de Giovanni lleva a Alfredo a convertirse en el nuevo padrone y casarse con Ada. Pero sobre todo la obra se centra en el nacimiento del fascismo, apoyado, ideado y mantenido por los grandes capitales, sobre todo poderosos terratenientes que ven cómo merma su poder ante la creciente ideología comunista.

Durante la década de 1930, Alfredo demuestra ser un líder débil y se inclina ante el gobernante Partido Nacional Fascista. El alcoholismo de Ada refleja el vacío de su matrimonio. Mientras tanto, Anita, la esposa de Olmo, muere al dar a luz, dejando una hija, Anita la Joven, que apoya las creencias socialistas de su padre. 

Por ello la película muestra esta ideología fascista que representa el camisa negra Attila Mellanchini (Donald Sutherland). En un principio, Attila es contratado como administrador por el dueño de la finca y nuevo patrón, Giovanni Berlinghieri, que es el padre de Alfredo y que ha heredado la finca de su padre, Alfredo Berlinghieri Senior. Sin embargo, Giovanni muere repentinamente, lo que convierte a Alfredo el joven en padrone (patrón) de la hacienda Berlinghieri. 

Attila, ante la pasividad de Alfredo, comete todo tipo de abusos e injusticias con los campesinos, como agresiones y arrestos. Mientras, Ada (Dominique Sanda), la mujer de Alfredo, burguesa y bohemia, se opone inútilmente a Attila y comienza una relación de amistad con Olmo, que hace sospechar a su marido Alfredo.

A medida que Olmo se convierte en líder entre los agricultores pobres, se intensifican los enfrentamientos con Atila. Las tendencias psicopáticas de Atila conducen a atrocidades y los campesinos toman represalias humillándolo. Hasta que un día la ira de los campesinos estalla contra Attila, por lo que Olmo tiene que huir. 

Los camisas negras allanan y destruyen la habitación de Olmo y en consecuencia Attila es despedido por Alfredo pero este último sufre una enorme tristeza al ver que Ada lo ha abandonado. 

En represalia por la humillación de Attila, los camisas negras matan a varios campesinos. Años más tarde, apartir de abril de 1945, con la liberación de Italia por los aliados, los campesinos armados capturan a Attila y a su mujer (la prima de Alfredo). Atila y Regina, detenidos, son encarcelados en la pocilga de Berlinghieri, y Atila confiesa sus asesinatos antes de ser ejecutado, y ejecutan al primero, así como también un joven campesino captura a Alfredo, el patrón, y lo someten a un juicio popular, convocado por Olmo, que reaparece tras haber estado escondido en la propia hacienda, ya que Olmo ha regresado para presenciar el juicio de Alfredo ante un tribunal de trabajadores. Acusado de dejar sufrir a los trabajadores, Alfredo es condenado a muerte, pero se salva cuando Olmo declara muerto al padrone, simbolizando el derrocamiento del sistema social.

Alfredo, aunque no apoyó al fascismo, es acusado de beneficiarse de las labores de los campesinos mientras que estos sufrían en la miseria. Finalmente Alfredo no es condenado a muerte sino que simplemente su figura histórica, la del padrone, queda destruida. Inmediatamente después de celebrado el juicio, el Comité de Liberación Nacional llega a la hacienda de Berlinghieri e insta a todos los trabajadores a deponer las armas, acto que cumplen puntualmente. 

Luego todos abandonan el lugar, izando la bandera de la hoz y el martillo. Pero Olmo se queda con una cara de insatisfacción, pues sabe que su amigo Alfredo no ha cambiado de parecer, es más, este tajantemente dice: El patrón está vivo. Con eso Alfredo sugiere que el sistema de clases persistirá.

La película concluye con una escena en la que los ancianos Alfredo y Olmo se abordan juguetonamente y luego saltan hacia ellos caminando por una vía de tren. Alfredo se tumba en las vías, imitando un juego infantil, y cuando se acerca un tren, parece intentar suicidarse. El tren pasa por encima de él, recordando su juego infantil.  

La película fue una gran epopeya de su tiempo, producida por Alberto Grimaldi. La cinta tiene un gran carácter persuasivo e ideológico; sin embargo, el excelente plantel de actores, el argumento, la fotografía de Vittorio Storaro y la música de Ennio Morricone convierten a esta película no sólo en una crónica del devenir histórico de las ideologías en la Europa del siglo xx, sino también en una obra de arte cinematográfica. Ambientada en la región ancestral de la familia Bertolucci, Emilia 

Tuvo una fría recepción de la crítica en su tiempo, tal vez debido a que los diversos montajes que se hicieron de la película (el original excedía las cinco horas)

Entre los que la vieron Vincent Canby del The New York Times comentó que era "Una masa informe de película que contiene algunos momentos brillantes y muchos más que son especialmente poco inspirados" 

Roger Ebert tanto en rogerebert.com , como en el diario habitual , el chicago Sun Times comentó que "'1900' es una película fuera de control. Un film concebido en una escala tan épica que no encaja (...) con todos sus problemas, es una película que todo cinéfilo debe ver (…) En el Chicago Sun-Times, escribió que la película "no parece ir a ninguna parte. Es una epopeya sólo en virtud de su duración". 

En otro diario de Chicago, Chicago Reader, Dave Kehr destacó que "Hay grandes momentos en la epopeya marxista de 1976 de Bernardo Bertolucci, pero el resultado final es ambiguo (...) Las caracterizaciones son difusas y la narración parece errática"  

Kevin Thomas de Los Angeles Times dijo de ella que "'1900' es demasiado extravagante emocionalmente como para ser considerada una obra maestra. En lugar de eso, es un logro monumental" 

La revista Variety destacó que "El ambicioso lienzo generacional de Bertolucci está construido de forma muy elaborada." 

Kathleen Maher de Austin Chronicle comentó de ella que "Si no la has visto nunca, ve a verla; se trata de algo muy bueno (…) "

En el  Reino Unido  Tony Rayns de Time Out señala que "Todavía parece una gran catástrofe (...) la película se ve debilitada por su ineptitud como drama 'popular' (...) y su manifiesta incompetencia como argumento político" 

Ya en España, Diego Galán en las páginas de El País dice de ella que es una "Película fundamental (...) un fresco histórico de extraordinaria belleza visual, a ratos épico, intimista en otros, poético siempre" 

Luis Martínez en  El Mundo la califica de "Fresco aparatoso y eterno (...) un enorme tríptico del desaliento. Es la historia de Italia y, de paso, la de la última revolución industrial, la de Europa entera." 

Y el mítico Antonio Gasset de Días de cine sentencia comentando que es "Una película imborrable" 

La película se estrenó fuera de competición en el Festival de Cine de Cannes de 1976. Se proyectó, además, en distintos festivales internacionales, provocando el rechazo de algunos sectores especializados de la crítica que preferían alguna versión diferente puesto que con una duración de 317 minutos en su versión original, 1900 es conocida por ser una de las películas más largas jamás realizadas comercialmente. Su gran extensión llevó a que se presentara en dos partes cuando se lanzó originalmente en muchos países, incluidos Italia, Alemania Oriental y Occidental, Dinamarca, Bélgica, Noruega, Suecia, Colombia, Pakistán y Japón. En otros países, como Estados Unidos, se estrenó una única versión editada de la película. Asimismo, el público no siempre era el adecuado para una película de tantas horas de duración. 

Una restauración de la película se estrenó fuera de competición en el 74º Festival Internacional de Cine de Venecia en 2017. Esta es la que he visto con más de cinco horas de duración. Actualmente tiene la etiqueta de película de culto. 

La obra, que fue galardonada con el Premio Sant Jordi de 1978 a la mejor interpretación en película extranjera (Robert De Niro) y con el Premio Bodil de 1977 a la mejor película europea, narra las cinco primeras décadas del siglo xx en Italia.

En 2008, la película fue incluida en la lista de las 100 películas italianas que deben salvarse del Ministerio de Patrimonio Cultural, una lista de 100 películas que "han cambiado la memoria colectiva del país entre 1942 y 1978"

Platoon leader

En el ámbito militar, "Cabeza de Pelotón" se refiere al líder o comandante de un pelotón, que es una unidad militar más pequeña que una compañía y está compuesta por un número limitado de soldados. En este caso es una película del año 1988 y se desarrolla en Vietnam dirigida por el director Aaron Norris, hermano de Chuck, y responsable que fue de otros proyectos como Black Belt Jones (1974), Braddock: Missing in Action III (1988), Delta Force 2: The Colombian Connection (1990), y The Hitman (1991). 

La película parece surgida al hilo de otras películas del Vietnam entre ellas Platoon (1986) o Apocalipse Now (1979) y que tiene como principal actor a Michael Dudikoff, aquí acompañado de Michael de Lorenzo,  Daniel Demorest,  Jessie Dabson, Robert F. Lyons y Tony Pierce.

Se trata de la historia de un joven oficial recién salido de la academia de West point que es enviado a la guerra de Vietnam como líder de un pelotón cuya misión principal es la de proteger una aldea que todavía no ha sido ocupada por el Vietcom en una zona avanzada. Este teniente de infantería recién nombrado y que llega a Vietnam para hacerse cargo de su primer pelotón, descubre que tiene que demostrar su valía y ganarse la confianza de los soldados si quiere liderarlos.

La película destaca por sus escenas de acción, el carácter violenta de la misma, la presencia de las drogas así como las dificultades de convivencia en un pelotón que está siempre condicionado por los la presencia del Vietcong. La película llegó en español el título de Cabeza de pelotón.

Fue filmada en Sudáfrica y está basada libremente en las memorias del mismo título de James R. McDonough que fueron transformadas en guion por Andrew Deutsch, Rick Marx, David L. Walker y Harry Alan Towers (encargado de adaptar el libro de McDonough). 

Otros técnicos que trabajaron en ella son Merryl MacKenzie (maquillaje), Arthur Wooster en fotografía, siendo el responsable del montaje Michael J. Duthie, Katherine Dover del vestuario y Massimo Vico de los buenos efectos especiales que aparecen a lo largo de toda la película. 

Al inicio de la película conocemos al teniente Jeffrey Knight (Michael Dudikoff), un nuevo oficial de la Academia Militar de los Estados Unidos, que es trasladado en avión a un puesto de avanzada en Vietnam, donde se encuentra con su pelotón, un grupo de veteranos de la guerra. 

Nada más llegar, el sargento de pelotón, Michael McNamara (Robert F. Lyons ), le explica a Knight que el pelotón no necesita un líder que siga las reglas. Las acciones de Knight también están mal vistas por todos sus hombres, excepto por el soldado Joshua Parker (Jesse Dabson), el operador de radio. 

En una de sus primeras patrullas, Knight que intenta atrapar con vida a dos Vietcong , pero que huyen , finalmente, tras introducirse en un cañaveral. Tras eso el teniente descubre una trampa, siendo atacado desde un árbol por un "charlie". Tras acabar con él, verifica que hay una trampa que resulta completarse con un a serpiente. Finalmente , y para completar el desastre el teniente tropieza por descuido con una mina y casi muere. Parker luego pide por radio una evacuación y McNamara ordena a las tropas que se trasladen a una zona de aterrizaje para una extracción. 

Más tarde, mientras Knight se recupera de sus heridas en un hospital del ejército, el mayor Flynn (William Smith) le pregunta si puede tomar el mando nuevamente y Knight acepta. 

Knight es transportado en avión de regreso al puesto de avanzada de su pelotón, pero sus hombres no lo reciben con alegría alguna y descubre que su equipo falta en su alojamiento, ya que no esperaban que regresara. Cuando se dan cuenta de que Knight ha regresado, los soldados se apresuran a devolver su propiedad fuera de su oficina antes de que regrese. Knight se da cuenta de que debe adoptar un enfoque diferente para ganarse el respeto de sus hombres. 

De vuelta a patrullar, el pelotón, primero encuentro el cuerpo de una chica asesinada como traidora por el Vietcong. Ante eso deciden preparar una emboscada a los VC mientras descansan en una poza. Luego el pelotón es atacado por fuerzas pesadas del Vietcong (VC) y Parker es alcanzado por fuego de mortero. Knight llama a su médico para salvar a Parker, pero las heridas de Parker son mortales y muere en los brazos de Knight. Luego llega McNamara con su escuadrón y el grupo repele al enemigo que se retira con el sargento Roach (Brian Libby ) , quien lleva una escopeta y es considerado el soldado más duro del pelotón. Roach luego mata fácilmente al Viet Cong restante. 

Una semana después, el Mayor Flynn le da a Knight 3 nuevos reemplazos, incluido un soldado rebelde llamado Don Pike (Michael Rider). Knight encuentra perturbador el comportamiento de Pike y lo envía al destacamento de limpieza de minas del sargento Roach. Luego, Roach hace que Pike sostenga su dedo en el gatillo sobre una mina mientras Roach se toma un descanso para orinar. 

Más tarde, Knight encuentra al soldado Bacera (Michael DeLorenzo) drogándose en su cuartel cuando se suponía que debía salir de patrulla. Knight se enfrenta a Bacera y tira las drogas que encontró y personalmente dirige la patrulla al día siguiente, vigilando de cerca a Bacera. Aun así, Bacera pide permiso para orinar y cagar. Poco después, Knight encuentra a Bacera expirado con una aguja todavía en el brazo, habiendo sufrido repentinamente una sobredosis, lo que provocó que Knight se enoja consigo mismo y que Roach dispare sobre su cuerpo para que sea considerado baja enn combate. A altas horas de la noche, Knight se despierta y encuentra a un enemigo en el campamento, lo mata y alerta a los hombres de que el puesto de avanzada será atacado. 

El pelotón se prepara para el ataque y dispara bengalas para iluminar el campo de batalla mostrando al Viet Cong avanzando hacia ellos con una fuerza enorme. La base recibe un duro golpe. 

El sargento Robert Hayes (Rick Fitts ) usa sus Claymores y Knight pide un ataque aéreo para repeler al enemigo, pero el pelotón sufre muchas bajas al defenderse del ataque. A la mañana siguiente, Knight confiesa que siente que no puede ser un líder, pero McNamara le dice que los ha llevado hasta aquí y que puede hacer el resto. 

Luego, Knight se encuentra con el capitán Killinski (Evan Barker ) , el teniente Riley ( A.J. Smith) y otro teniente. El Capitán Killinsky explica que el resto del batallón del Viet Cong contra el que lucharon durante la noche está cerca y describe un plan para atacar al enemigo. Knight responde con una idea que cree que funciona mejor y, después de consultar con los otros dos tenientes, Killinsky acepta el nuevo plan, confiando en la experiencia de Knight. 

El pelotón de Knight se mueve a su posición en la jungla y Knight le ordena a McNamara que explore hacia adelante para colocar otro pelotón en posición. McNamera sufre una emboscada antes de llegar al otro pelotón y resulta gravemente herida. Knight y su escuadrón luchan para llegar a McNamera y llevarlo a una zona de aterrizaje para evacuarlo en helicóptero. 

El Capitán Killinski le dice a Knight que una compañía del Vietcong penetró antes de lo esperado y está atacando la aldea. El pelotón de Knight llega a la aldea y mata a la compañía del Viet Cong. Luego, el pelotón es atacado por fuego de mortero y Knight es alcanzado por metralla, lo que le daña el ojo, pero Pike aplica primeros auxilios. 

Roach trae un bebé de una de las cabañas destruidas y se da cuenta de que el Viet Cong estaba detrás de los aldeanos, no de los soldados. Después de la batalla, Knight visita a McNamara y ve que está bien. Le explica que perdieron la aldea, pero lucharon contra el Viet Cong. Luego dice que está empezando a comprender el significado de esta guerra y deja descansar a McNamara. 

Un par de meses después, McNamara regresa a la base y Knight lo saluda y le dice "bienvenido al club de campo" mientras se abrazan. Desde entonces, es considerada una película de culto. 

Producida para la Cannon Films por Harry Alan Towers como responsable de la Breton Films Productions - que también participa en la misma- , contó con la fotografía de Arthur Wooster, el montaje de Michael J. Duthie y la música de George S. Clinton. 

La película recibió críticas mixtas, incluidas críticas por ser una imitación del drama de guerra Platoon de Oliver Stone de 1986.

En diciembre de 2017, cuando la película se lanzó en DVD, el escritor de reseñas cinematográficas de Cinapse, Ed Travis, reconoció las ambiciones de la película en términos de dirección y producción. Travis también elogió al protagonista de la película, Michael Dudikoff, "por lograr la mejor actuación de su carrera por un margen sustancial". También escribió: "No hay absolutamente ninguna sorpresa. Tampoco hay mucho gancho. Supongo que " El punto" es que los líderes se forman en el campo de batalla y no en el aula. O que estar "en la mierda" es lo que realmente hace al hombre. El problema es que el espectador nunca cree ni por un segundo que el teniente Knight no se convertirá en el hombre que sus hombres necesitan que sea. Todo está muy predeterminado y se convierte en un reloj bastante aburrido con poco que haga que uno invierta en el drama, al mismo tiempo que evita muchos de los excesos característicos de Cannon Films", y terminó su reseña diciendo: " En el peor de los casos, es aburrido. En el mejor de los casos, ¡es sincero!". 

Ese mismo mes, Austin Trunick de la revista Under the Radar escribió una reseña igualmente mixta de la película: "Prepárate para algunos de los habituales golpes de pecho y agitación de banderas del subgénero; el Viet Cong es tratado principalmente como personas sin rostro". "Los malos solo están ahí para ser explotados y disparados en masa en cámara lenta gratuita. Espere que las balas alcancen a tres enemigos a la vez y que las granadas individuales exploten varias veces y en diferentes lugares". 

También elogió la actuación superior de Dudikoff en comparación con la estrella contratada de Cannon Films, Chuck Norris; también conocido por su película de acción de 1988 posterior a la guerra de Vietnam, Braddock: Missing in Action III, o sea, Desaparecido en combate III.

Ya en España, Fausto Fernández comentó en Twitter cuando presentaba la película dentro de las programaciones en abierto que "Al rebufo del Vietnam serio de Oliver Stone nace Cabeza de pelótón, una de la Cannon más honesta que la de Oliver. " y añade que " fue la aportación de Sam Firstenberg y Michael Dudikoff a la moda Vietnam del Hollywood (y la Cannon) 80s en una de las películas Golan-Globus más rigurosas sobre la materia. "

La película, que no está nada mal, describe la guerra como lo que fue con toda la brutalidad del combate en la jungla, los desafíos de liderar un pelotón en condiciones adversas y los conflictos internos entre los soldados. La película intentó ofrecer una representación realista de la guerra y los dilemas éticos que enfrentan los soldados en el campo de batalla. En ese sentido cumple sobradamente. 

Cuento de verano

Tras el Rayo Verde y Pauline à la plage, perteneciente a las Comedias y Proverbios, volvemos a una historia autoconcluyente. Aquí retoma al personaje de Pauline, ahora transformada en Margot, y a su actriz, Amanda Langlet. La linea temática está marcada ya por la historia y por ella. Rohmer sigue disfrazado de amateur, vuelve a la dirección y a escribir un guion, con gusto por el cine libre e independiente. 

Los diálogos hablan del azar, la huida de los grupos, con el azul y verde bretón, con ese paso de la ciudad al campo, ese tránsito estival, por parte de unos jóvenes, la película tiene mucho que ver con la juventud. 

Desde el punto de vista del rodaje vemos que los actores salen juntos, en planos largos, amparado por la productora Les Films du Losange et Le Sept Cinemá, en la que está la sombra de Rohmer, Françoise Echetgaray, y Margaret Ménégoz por su sutilidad de la música de Philippe Eidel, Sebastien Erms que introducen música bretana con esas canciones de marinero y con la luminosa fotografía de Diane Baratier...

Cuento de verano o en su título original Conte d'été es el tercer cuento de la serie de las cuatro estaciones , es una película francesa dirigida en 1995 por Éric Rohmer. 

Esta película es la tercera de la serie Cuentos de las cuatro estaciones, de la que forman parte además, Cuento de primavera (1990), Cuento de invierno (1992), y Cuento de otoño (1998), todas ellas dirigidas y escritas por el propio Rohmer. Parece ser que la trama se basa libremente en las experiencias de Rohmer como joven estudiante de cine y sus diversas relaciones. La película se proyectó en la sección Una Cierta Mirada del Festival de Cine de Cannes de 1996. 

 La pelicula está vista a través de él, un papel interpretado por Melvil Poupaud en el rol de Gaspard. Junto a él aparecen Amanda Langlet en el papel de Margot. Gwenaëlle Simon es Solene; Aurelia Nolin es Lena. Igualmente aparecen Aimé Lefèvre  como el marinero de Terra-Nova, Alain Guellaff como  tío Alain; Evelyne Lahana como la tía Maiwen e Yves Guérin como el acordeonista. 

La película se rodó entre el 13 de junio y el 31 de julio de 1995 (en la película las fechas ficticias que se indican van del 17 de julio al 6 de agosto), en diversas localidades turísticas de la Bretaña francesa, entre las que destacan Dinard (donde realmente transcurre la película), Saint Malo, Saint Brieuc y Saint Lunaire. La película no se estrenó hasta el año siguiente (1996). 

La acción tiene lugar a lo largo de 20 días en julio/agosto de 1995 en Dinard, sede de un renombrado balneario turístico, y en otras localidades de Côtes-d’Armor y de Ille-et-Vilaine (Francia).

La historia comienza con la llegada de un chico,  Gaspard, un estudiante de matemáticas, aficionado a la música, especialmente a la composición, acude a la localidad bretona de Dinard para encontrarse con la chica que él considera su novia, que lo tiene loco, Lena.

Mientras espera su llegada, conoce a Margot, una licenciada de etnología, que trabaja como camarera en la cafetería de su tía, y a la sensual Solene, una morena atractiva y sensual que le sugiere nuevos rumbos a su corazón. Margot, la dulce y alegre camarera con la que Gaspard hace amistad sin darse cuenta.

Gaspard, pasa todo el tiempo en el piso vacío de su amigo componiendo música y paseando por el pueblo. Conoce a Margot, una alegre camarera, en un restaurante. A pesar de sus desganas iniciales, pronto se hacen amigos y se reúnen a diario para pasear por la zona. 

Margot tiene un doctorado en etnología y realiza entrevistas de investigación con bretones locales en su tiempo libre. Gaspard le cuenta que tiene una novia intermitente, Léna, que planea visitar Dinard. Margot le dice que tiene un novio a distancia. Gaspard habla de su confusa relación con Léna mientras Margot le ofrece consejos. 

Así transcurren los soleados días mientras pasean. Un día Gaspard intenta torpemente besar a Margot, pero ella lo ignora alegremente. Margot lleva a Gaspard a un viaje de investigación a la casa de un pescador local para hablar sobre canciones populares marítimas en Terranova. 

Tras escucharla, Gaspard se inspira en las historias de los pescadores y escribe su propia canción marinera, una desviación de su típica música blues. 

Una noche Gaspard que cena en el local de la tía de Margot es invitada por esta a salir con sus amigos  a un baile en un bar local donde se siente fuera de lugar. 

Es allí donde conoce a una de las amigas de Margot, Solène, ya que esta se fija en él, aunque ella baila con otro chico. Esto no pasa desapercibido  as Margot, que le comenta a Gaspard la posibilidad de enrollarse con ella. 

Un día se lo encuentra sola mientras él tiene intención de ir a la playa. Deciden cambiar de playa y van en el coche de ella a Saint Malo. Allí descubre que Solène es sensual, segura de sí misma y sencilla. Ella lo invita a navegar en el barco de su tío. Solène, ex cantante de coro, se interesa por la música de Gaspard y él le enseña la canción marinera que ha escrito. Su atracción por él y su talento musical aumenta su baja autoestima con las mujeres. 

Ese día se enrolla con Solène, que acaba de romper con dos pretendientes, tiene ideas rígidas sobre el compromiso y el proceso romántico y Gaspard se alinea al convertirse en su mejor opción en este momento. 

Ambos deciden hacer un viaje a Ouessant, una isla frente a la punta de Bretaña, la semana siguiente al igual que le había dicho a Margot , y a su vez había planeado con Lena. 

Otro día, por casualidad, Léna encuentra a Gaspard en la playa y parece realmente emocionada de verlo después de la larga espera. Gaspard, desconcertado por el comportamiento distante de Léna en el pasado, está encantado con su renovado interés en él y comienza a preparar el escenario para renegar de las vacaciones con Solène. 

Gaspard y Margot hablan sobre su creciente dilema, mientras Margot poco a poco se convierte en parte de este mismo dilema. Margot cuestiona su tendencia a estar de acuerdo con cualquier chica con la que esté en ese momento. Ella se pregunta si es astuto y manipulador, o simplemente un tonto débil. 

Su incapacidad para tomar una decisión lleva a Gaspard a la trampa de reservar dos veces el viaje con Léna y Solène. Más tarde, Léna, en un arrebato de mal humor, confiesa que no está enamorada de Gaspard y se marcha enfadada. 

A Gaspard le parece que su única opción es Solène, pero en un paseo con Margot, vuelve a besarla y esta vez es correspondido. 

Cansado del mal humor de Léna y de la presión de Solène, Gaspard le dice a Margot que quiere viajar con ella a Ouessant porque se da cuenta de que su relación es más honesta y afectuosa. Pero mientras espera una llamada de Solène, Léna llama a Gaspard a su casa, se disculpa por su comportamiento y vuelve a invitarse a Ouessant. Solène también llama, comprometiéndose a viajar y luego cuelga bruscamente antes de que Gaspard pueda responder. Gaspard ahora se enfrenta a un gran dilema, ya que les ha prometido a las tres mujeres que las llevaría a Ouessant. 

Por suerte, un amigo también le llama para informarle de que un hombre en Rennes quiere venderle a Gaspard un equipo de grabación. Es una oferta demasiado buena para dejarla pasar y decide irse de la ciudad y no afrontar sus problemas. Gaspard le pide a Margot que se reúna con él en el ferry a Saint Malo antes de partir, donde le explica la situación. 

Luego, Margot le dice a Gaspard que su novio regresará inminentemente y que irán a Ouessant. Gaspard se sorprende con la noticia, asumiendo que Margot siempre estaría ahí para él, y a medias hacen planes vagos para encontrarse en el futuro. 

Mientras bajan por la rampa hacia el barco, se despiden y se besan, dejando sus sentimientos románticos sin resolver. Margot saluda mientras el barco zarpa, antes de alejarse. Mientras el barco de Gaspard zarpa, suena la vieja canción marinera "Santiano".  

La película glosa las relaciones de amistad y de aproximación al amor de unos adolescentes que juegan a mayores, entre inseguridades, dudas, inquietudes, inexperiencia, curiosidad y temor al fracaso. Los cuatro hacen uso de simulaciones, ocultaciones, pequeñas mentiras, palabras ambiguas y falsas apariencias, para protegerse de compromisos que no desean y de debilidades que no quieren revelar. 

Como es habitual en el realizador, el azar ocupa un lugar relevante en la historia. La amistad fluye con facilidad y los conflictos de intereses se apuntan con la superficialidad propia de unas relaciones de verano, efímeras y breves. 

La acción combina escenarios naturales, muy variados, y diálogos sencillos y naturales, que contienen la belleza de la sinceridad y la espontaneidad. No queda del todo claro si Gaspard juega con las tres chicas una historia de leves enredos o si son las chicas las que se sirven de él para dar sentido a unas vacaciones intrascendentes, de sol, música, baile y conversación. Nada serio puede cuajar en tres semanas, pero las tres muchachas y Gaspard salen enriquecidos en experiencia, madurez y apego a la vida. 

La fotografía, luminosa y colorista, crea escenarios abiertos y cálidos, muy adecuados a la acción, con paseos por las playas y las campiñas próximas. El guion basa su capacidad de sugerencia y emoción en la sencillez de la historia. La interpretación de los dos protagonistas (Gaspard y Margot) desborda naturalidad y espontaneidad. La dirección crea una obra llena de amor a la vida y de exaltación de la juventud. 

La película contagia alegría de vivir y trasmite confianza. Es en definitiva uno de los mejores filmes de Éric Rohmer, que una vez más consigue el "milagro" de captar la "realidad de la vida" a través de una cámara.

De ella han escrito mucho y muy bien algunos críticos desde su estreno. Por ejemplo, Ben Sachs del Chicago Reader comentó sobre ella que "Pocos directores pueden decir tanto con tan poco como Éric Rohmer".

Mark Jenkins del The Washington Post afirmó que "Sus jóvenes actores, sus diálogos realistas, y sus interpretaciones naturalistas sugieren un enfoque casual: pero a medida que la historia progresa, el control del director es cada vez más evidente".

Stephen Holden del The New York Times con respecto a la película escribió que "Tiene espacio para enfocarse en la brillantez de Rohmer revelando la naturaleza humana a través de personajes articulados y multidimensionales" 

En Los Angeles Times Kenneth Turan sostuvo que la película es "Astuta, tranquila y amablemente entretenida, será bienvenida por los fans del director, mientras que sirve como una estupenda introducción para aquellos que no le conozcan" 

Glenn Kenny en la web de Roger Ebert , es decir, rogerebert.com afirmó que "Rohmer tenía una habilidad casi asombrosa para usar las volubles predilecciones de los jóvenes como plataforma de lanzamiento para observaciones filosóficas inteligentes, pero no opresivas. 

En el Reino Unido Tom Dawson críticode la BBC dijo de ella que era "Una comedia romántica bella y agridulce".

James Berardinelli en ReelViews defendió qud "Con 76 años, Éric Rohmer probablemente tiene una mejor comprensión del amor juvenil que la mayoría de los jóvenes amantes"

En la página del Programa internacional de Educación cinematográfica, llamada Le cinéma, cent ans de jeunesse, se escribe el siguiente comentario "La elección de una escala de plano bastante abierta permite captar la realidad casi sociológica de una playa bretona en verano con un interés documental: bañistas, grupos de niños instalados alrededor de una sombrilla, gente de vacaciones que lee. De esta multitud anónima, compuesta por figurantes que ignoran su condición, (algunas pocas miradas a cámara, conservadas en el montaje), el personaje principal, Gaspard, emerge literalmente desde la profundidad de campo para venir hacia nosotros, luego recorre la playa, vacilante, como buscando a alguien. La elección de una playa abarrotada de gente también tiene un valor para el guión: hace que el primer encuentro entre Gaspard y Margot sea fortuito y que sea nuevamente el azar el que conduce a Gaspard, personaje indeciso que se deja llevar por los acontecimientos, a pasar delante de Margot. El encuentro se produce en medio del alboroto de la playa, que el realizador tuvo buen cuidado de conservar: gritos, llantos de niños, fragmentos de conversaciones lejanas… La elección de Rohmer, que tiene el cuidado constante de anclar así a los actores lo más cerca posible de lo real, es una elección estética y ética, inseparable de una economía de rodaje particular: un equipo muy reducido, un sonido que no se destaca (los micrófonos Hi Fi están disimulados en los trajes de baño o entre los cabellos de los actores) le permiten mantenerse discreto, la filmación de la película no debe perturbar el cuadro cotidiano y bien real que da nacimiento al filme". 

Un cuento de verano se considera una de las películas más convencionales de Rohmer debido a su carácter autobiográfico. El uso que hace Rohmer de un protagonista masculino es algo así como una desviación de sus películas anteriores, y es evidente que en ella puso muchas de sus propias ideas en boca de Gaspard durante sus largas discusiones con Margot. 

Los personajes jóvenes de la película se obsesionan con su autoimagen y la dinámica de grupo y el tema general es cómo las relaciones románticas definen la autoimagen y la proyección de la autoestima.  Gaspard ve a Léna, independientemente de su comportamiento, como una mejor decisión empresarial. Solène intenta redefinir su imagen de "ciudadana" convirtiéndola en una artista misteriosa y de mal humor. Léna está profundamente insatisfecha con el hecho de que Gaspard sea su mejor opción en la vida. 

La más segura de sí de los cuatro personajes, Margot, parece estar esperando pacientemente a que Gaspard se encuentre a sí mismo y descubra su amor. 

El rodaje se desarrolla principalmente en playas turísticas, excepto cuando Margot saca a Gaspard de excursión fuera de su zona de confort. No consideramos que las relaciones de Gaspard con Solène o Léna se extiendan más allá de la playa, el agua y otros lugares comúnmente frecuentados por turistas. 

Por el contrario, los largos paseos y las conversaciones de Margot y Gaspard los llevan fuera de las zonas turísticas y hacia el campo. Todos los personajes parecen estar en constante movimiento, deambulando inquietos, caminando o simplemente paseando por la habitación, en referencia a la impaciencia y espontaneidad de la juventud. Gaspard es consciente de su propio aislamiento y le confía a Margot su aversión por los grupos y, sin embargo, el espectador puede ver que su aislamiento es culpa suya. El comienzo de la película sigue Los paseos silenciosos y solitarios de Gaspard en su primer día en la ciudad y, a veces, inventa excusas para estar solo durante toda la película. Gaspard ve esto como una protesta contra la superficialidad, pero un análisis más profundo muestra que puede ser simplemente una forma de proteger su ego.

De hecho, los primeros siete minutos de la película no contienen ningún diálogo, lo que es un récord para las películas de Rohmer, superando incluso los cinco minutos de silencio inicial en su película de 1990, Cuento de Primavera.

El uso de la ropa por parte de Rohmer parece ser una metáfora de las personalidades entre las que Gaspard tiene que elegir. Después de la primera escena en la playa, Gaspard no vuelve a ver a Margot en traje de baño. Su vestimenta es holgada, casual e incluso aparece en pijama en una escena posterior. Sus faldas suelen ser cortas y parece usar sus piernas para coquetear con el inconsciente Gaspard. 

Las personalidades de Léna y Solène parecen variar con la elección de ropa. Léna se muestra tolerante, sexual y abrazadora con su bikini, pero fría, tensa y enfadada con su ropa de calle. 

De manera similar, la provocativa Solène es más impulsiva y se enoja más rápidamente cuando aparece vestida de calle. Del mismo modo, las tres mujeres están estrechamente asociadas con diferentes lugares: Margot aparece con mayor frecuencia a lo largo de la costa, Léna suele verse en la playa y Solène en el interior.

El tiempo juega un papel importante en la película: las tarjetas de título muestran la fecha de cada día del 17 de julio al 6 de agosto. Gaspard registra cuántos días de retraso lleva Léna, mientras camina con Margot y explora las playas en busca de ella. Como es característico de las películas de Rohmer, el tiempo se muestra de forma muy lineal. Gaspard se muestra muy consciente de las limitaciones de tiempo: tiene una fecha en la que debe partir hacia su nuevo trabajo en Nantes y está molesto con Léna por haber realizado un viaje no planificado a Jersey con sus primas, alegando que las deja solas. con muy poco tiempo para visitar Ouessant juntos. 

Como el tiempo, el lugar también es importante en la película. La película se rodó en las localidades costeras de Dinard, Saint Malo y Saint Lunaire, a principios del verano de 1995 para evitar a los turistas. Un fuerte sentido de lugar es un tema común en los Cuentos de las cuatro estaciones de Rohmer y los movimientos de los personajes están claramente indicados. Los nombres de cafés, discotecas o ciudades quedan claros en la cinematografía y los diálogos. 

Durante sus conversaciones, nos enteramos de que Gaspard es de Rennes y que está a punto de empezar a trabajar en una empresa de diseño en Nantes. Margot es de Saint-Brieuc, una hora al oeste de Dinard. 

En sus paseos por la zona, Margot se complace en mostrarle a Gaspard lugares importantes, como ciudades, islas y monumentos, como la Torre Solidor, al otro lado del río Rance. Margot es también la más móvil de los intereses amorosos de Gaspard: lo lleva a la vecina Saint-Lunaire, y Margot es la única de las tres mujeres que "vaga por los tres escenarios" como se la ve en los lugares estrechamente asociados con Léna y Solène, pero no ocurre lo contrario. 

Otros temas típicamente rohmerianos presentes aquí incluyen las ideas de autoengaño y coincidencia, especialmente aplicadas a un protagonista que hace algo inesperado mientras espera a otra persona y luego tiene que tomar una decisión difícil. Gaspard llega a Dinard para esperar a Léna, pero entabla una estrecha amistad con Margot y tiene un romance con Solène. Cuando Léna aparece inesperadamente, Gaspard queda atrapado en una trampa que él mismo ha creado. Para Solène, Gaspard resta importancia a su relación con Léna. Cuando Solène o Léna se muestran amables con él, Gaspard las elogia efusivamente ante Margot. Y cuando pelean, Gaspard se vuelve extremadamente pesimista sobre sus perspectivas. 

Margot habla en nombre del espectador cuando dice que no comprende a Gaspard: ¿está tratando pasivamente de mantener sus intereses románticos complaciéndolos, o es un jugador astuto con un plan? ¿Está engañando a estas mujeres o se está engañando a sí mismo? ¿Y quién es el sustituto de quién? Las respuestas a estas preguntas quedan abiertas a la interpretación del espectador. 

Melvil Poupaud recordó que Rohmer filmaba largas tomas individuales, porque no quería que los actores ensayaran demasiado para que sus líneas se mantuvieran frescas. Los turistas que estaban presentes en su mayoría ignoraron la presencia del pequeño equipo de filmación.

Rohmer dio permiso a la directora de producción de la película, Françoise Etchegaray, para filmar la realización de A Summer's Tale. Esta es la única vez que se grabó el rodaje de una película de Rohmer. 

Jean-André Fieschi recibió el metraje para editarlo después de un encuentro casual con Etchegaray a finales de 1995, pero el documental completo de 90 minutos permaneció olvidado durante diez años. 

Llamada La Fabrique du Conte d'été ("La realización de Un cuento de verano"), Rohmer acordó publicarla en 2006. ​

Re(1) revisión de Un americano en Paris

George Gershwin compuso una obra de arte. Puede que sea la obra clásica más importante de la música de este director norteamericano, composición que se transformó en otra obra de arte de la mano de Vincent Minelli y en un monumento a la música y al color desde que fue estrenada en 1951 .

En estos dos últimos meses la he visto en dos ocasiones y en este caso me he centrado exclusivamente en la vertiente musical. Dada la composición musical que aparece aquí es una obra de arte en sí misma, no solamente por la música sino también por la coreografía que  Gene Kelly, Leslie Caron, en su debut en pantalla,  la polivalencia de Óscar Levant  - un genio multidisciplinar, capaz de tocar, componer, actuar,... -y del cantante de opereta Georges Guétary, junto a la bella y elegante Nina Forch.

La película fue ganadora de seis oscar incluyendo el de mejor película y en el año 2006 fue incluida en el noveno puesto en la lista de los mejores musicales del cine estadounidense por el American Film Institute no entiendo cómo no es la primera.  

Gerardo Sánchez, el director de Días de cine en su entradilla el programa de día de cine clásico comenta como George Gershwin, siendo ya un director de renombre de la música clásica pero también popular norteamericana. En 1928 compuso Un americano en París que combinaba música clásica con jazz, convirtiéndose en un éxito sin precedentes en su país.Se estrenó el 13 de diciembre de 1928 en el Carnegie Hall de Nueva York bajo la batuta de Walter Damrosch. Gershwin opinaba que: «... el jazz es un elemento muy poderoso que está en la sangre y en el corazón de cualquier estadounidense más que cualquier otro estilo de la música popular. Creo que se le puede reconvertir en obras sinfónicas serias, de valor permanente».. 

El director fue a París para empaparse de la cultura europea. Allí intentó que un par de músicos europeos le introdujeran en la musica clásica tradicional como Maurice Ravel o Nadia Boulanger, pero le rechazaron. Así que buscó a otro musico para que le diera un clase de composición. Entre ellos estaba Igor Stravinski. Éste le preguntó cuánto dinero había ganado el año anterior y cuando le contestó que había ganado 200.000  dólares; entonces el compositor ruso le dijo que era él quien necesitaba recibir las clases del compositor americano, compositor entre otras de Rhapsody un Blue que fue llevada al cine y en 1942 bajo la dirección de Irving Rapper.Gershwin dijo de su composición: «Mi propósito aquí es retratar las impresiones de un estadounidense que visita París; mientras pasea por la ciudad, escucha varios ruidos callejeros y absorbe el ambiente francés... La primera parte está desarrollada en un estilo típicamente francés, a la manera de Debussy o el Grupo de los Seis».

Tal y como el crítico Deems Taylor narró en las notas al programa del estreno, en Nueva York el 13 de diciembre de 1928, la obra comienza con un paseo por los Campos Elíseos; una riña con un taxista, el paseo abandonado del turista y el paso a la orilla izquierda del río Sena son las excusas para el lucimiento de las trompetas, el trombón y el clarinete, respectivamente. Un amable violín nos evoca una escena de amor nocturna... cuando aparece el blues, sólo de trompetas con sordina, como recordando Estados Unidos, sensación reafirmada con la entrada de las trompetas lanzando el tema con aire del ragtime propio de los años veinte. El argumento habla ahora del encuentro con otro estadounidense, y entre recuerdo y recuerdo musical de las vivencias anteriores, se oye un ritmo cercano al swing. La obra termina en el punto de partida, el paseo, despidiéndose con el tema de blues grandioso y más estadounidense que parisino. 

La historia de la película se intercala con números de baile coreografiados por Gene Kelly y con música de Gershwin. El ejecutivo de MGM, Arthur Freed, compró el catálogo musical de Gershwin al hermano de George, Ira, a finales de la década de 1940, ya que George murió en 1937. Algunas de las melodías de este catálogo se incluyeron en la película, como "I Got Rhythm" y "Love Is Here to Stay".   Otras canciones de la película incluyen "I'll Build A Stairway to Paradise" y "'S Wonderful". 

El clímax de la película es el ballet "The American in Paris", un baile sin diálogos de 17 minutos con Kelly y Caron ambientado en An American in Paris de Gershwin, con decorados diseñados en los estilos de varios artistas franceses. Rodar la secuencia del ballet costó casi medio millón de dólares. Fue filmado en 44 sets en el lote trasero de MGM. 

Según Leslie Caron en una entrevista de 2009 en el programa de entrevistas de Paul O'Grady, la película generó controversia con la Oficina Hays por parte de su secuencia de baile anterior con una silla; el censor que vio la escena la calificó de "sexualmente provocativa", lo que sorprendió a Caron, quien respondió "¿Qué puedes hacer con una silla?"

En 1951 la Metro Goldwyn Meyer llegó a la gran pantalla la obra del compositor norteamericano que había fallecido.en 1937 , con tan solo 38 años, bajo la dirección de Vincent Minelli, bajo la producción del mítico Arthur Freed, tras los años cuarenta había comprado los derechos de autor de la obra del compositor. Las coreografías imaginativas, divertidas y vitales fueron obra de Gente Kelly. A la película se sumó la canción It's wonderful que no pertenecía a la obra original. 

Las composiciones que se escuchan a lo largo de la película son las siguientes:

• "Embraceable You" protagonizada por Lise, 
• "Nice Work If You Can Get It" por Hank, 
• "By Strauss" por Jerry, Hank, Adam; 
• "I Got Rhythm" por Jerry; 
• "Tra-la-la (This Time It's Really Love)" protagonizada por Jerry y Adam; 
• "Love Is Here to Stay" protagonizada por Jerry y Lise; 
• "I'll Build a Stairway to Paradise" asumida en su integridad y en su escalera por Hank; 
• Concerto in F for Piano and Orchestra por Adam, interpretada por la The MGM Symphony Orchestra aunque es Adam quien aparece de principios a fin;
• "'S Wonderful" protagonizada por Jerry y Hank; 
• Y, finalmente, An American in Paris Ballet protagonizada por Jerry y Lise. 

Esta última es una larga secuencia de ballet de 17 minutos, con decorados y vestuario que hacen referencia a pintores franceses como Raoul Dufy, Pierre-Auguste Renoir, Maurice Utrillo, Henri Rousseau y Toulouse-Lautrec, es el clímax de la película y le costó al estudio aproximadamente 450.000 dólares producirla. Algunos de los fondos de esta secuencia medían 300 pies de ancho y 40 pies de alto. La producción de la película se detuvo el 15 de septiembre de 1950. 

Minnelli se fue para dirigir otra película. Al finalizar esa película a finales de octubre, volvió a filmar la secuencia del ballet.

La película fue rodada en color como solo Vincent Minnelli era capaz de hacer y por supuesto incluye el mítico rojo minelli. Contó con dos directores de fotografía como Alfred Gilks y John Alton responsable de la escena del ballet final que dura diecisiete minutos y que es prácticamente una película en sí misma. Genialidades como I've Got canciones eternas y coreografías inolvidables. Fue nominada seis millones de dólares siendo la de mayor recaudación para un éxito para la Metro Goldwyn Mayer, uno de sus grandes. En 1952 vino Cantando bajo la lluvia, pero esa es otra historia.

El contador de cartas

Yo de cartas sé más bien poco. De hecho reconozco que no me interesa el juego de cartas y eso que de pequeño y cuando digo pequeño hablo desde los cielos 15 años me manejaba perfectamente con el Tute o la brisca así como otros juegos. Pero el tiempo pasa y lo que era una diversión se convirtió en otra cosa y que lo he aparcado.

La película que acabo de ver que llevo por título El contador de cartas y es una película que aparentemente habla del juego. Sin embargo es mucho más compleja que todo eso, pues en el fondo es una excusa para hacer una película sobre el amor, la redención, la venganza... Lo sorprendente es que esta historia del jugador de cartas se transforma en una auténtica "road movie" que te lleva por las áreas de los casinos que hay por Estados Unidos ya que aunque alguno pudieran pensar que los casinos se concentran casi con exclusividad en el estado de Nevada lo cierto es que aparecen trufados por todos los Estados aprovechando las condiciones ventajosas que el gobierno federal concede debe ser de lo poco ventajoso a los nativos americanos.

Para hacer esta historia tan compleja y tan humana, hay que estar muy capacitado, y el mítico y legendario Paul Schrader lo está sobradamente. Él junto con Scorsese fue el guionista de la mítica Taxi Driver (1977) con su amigo, en esta película productor ejecutivo participando en uno de las múltiples productoras que estaban tras la película como Saturn Streaming, Astrakan Films AB, RedLine Entertainment, LB Entertainment, Enriched Media Group y One Two Twenty Entertainment, o como director fue el responsable de películas como American Gigolo (1980), Affliction (1997), First Reformed (2017) y en 2021 planteó esta película que es el Contador de cartas. 

Schraeder cuando fue entrevistado por el historiador del cine británico Mark Cousins creador de una legendaria serie "La Historia del cine: Una Odisea",  comentó que él se sentía heredero del cine francés de posguerra precedente de la Nouvelle vague, y espacialmente del cine de Robert Bresson. De eso no hay duda puesto que me constan que gran parte de sus películas están muy influenciadas por la obra del director de Pickpocket y por esa misma película. La escena del primer momento de entrega de la pareja mientras pasean por San Louis en ese espacio iluminado en el que el actor le da la mano por primera vez a su chica y que acaba con una toma cenital es realmente gloriosa y la última escena de la película en la que el protagonista está nuevamente encarcelado y separado de su chica por una manzana de cristal y ella le acerca la mano para intentar tocarla no hay duda que tiene mucho de Bresson siendo un homenaje directo hacia él y su obra. 

La redención es una baza difícil de ganar en la película de Paul Schraeder. Con la intensidad cinematográfica propia de su director, este thriller nos cuenta la historia de un antiguo interrogador militar en la iraquí prisión de Abu Ghraib para convertido en el presente en un jugador profesional que vive atormentado por las decisiones de su pasado y todo ello con una puesta en escena marcada por las extraordinarias interpretaciones de Óscar Isaac y de Tiffany Haddish acompañados aquí por Tyr Sheridan y el gran Willem Dafoe. 

La película fue presentada en el 78º Festival Internacional de Cine de Venecia en septiembre de 2021, siendo ese mismo mes septiembre de 2021 su distribución por Focus Features. Tras esto tuvo reconocimientos diversos en por ejemplo, la 66ª Semana de Cine de Valladolid, la Seminci del 2021 donde fue nominada a mejor película, pero premiada al Mejor guion (Paul Schrader). Para la National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos) fue una de las Mejores películas independientes del año ; y en los Gotham Independent Film Awards fue nominada a la Mejor interpretación protagonista (Oscar Isaac) y Mejor guion (Paul Schrader). 

La Asociación de Críticos de Chicago también lo nominó a Mejor guion (Paul Schrader). Director, en su faceta de guionista igualmente , y actor principal fueron elogiados en los Festivales o la crítica de Detroit, Chicago, Florida, Dublin y Londres. . 

El protagonista dice llamarse William Tell (Jason Isaacs) y se presente como un jugador que aprendió por sí mismo a contar cartas durante un período de ocho años en una prisión militar. Buscando evitar la atención, ya sea de la fama o de los gorilas de los casinos, la filosofía de juego de Tell es apostar poco y ganar modestamente.

A pesar de jugar casi todos los días, nunca se aloja en un hotel con casino. Vive con dos maletas pequeñas y se aloja exclusivamente en moteles, donde quita cualquier decoración y cubre los muebles con sábanas lisas atadas con cordeles. 

En un casino, Tell se encuentra con La Linda (Tiffany Haddish), una conocida del mundo del juego. Dirige un establo, es decir, a un grupo de jugadores que cuentan con el respaldo de inversores para una parte de sus ganancias. Ella se ofrece a apostar a Tell, pero él se niega, no dispuesto a asumir la responsabilidad. 

En Atlantic City se está celebrando una convención de la industria de la seguridad en el mismo edificio que el casino. Allí Tell ingresa a una sala de conferencias donde se está desarrollando un seminario impartido por el militar retirado de sobre nombre, John Gordo (Willem Dafoe) , pero decide irse casi de inmediato. Al salir, lo reconoce y lo para un joven, Cirk Baufort ( Tyr Sheridan)  que le pasa su nombre y su número. 

Por la mañana al despertar y después de una pesadilla sobre la tortura en un campo de prisioneros, Tell llama a Cirk y accede a reunirse. 

Cirk conoce la verdadera identidad de Tell: el soldado William Tillich, un soldado que fue juzgado y condenado por su papel en el abuso de prisioneros en Abu Ghraib. Cirk explica que su padre, Roger, también estuvo en Abu Ghraib. Al igual que Tell, fue dado de baja deshonrosamente y cumplió condena, pero la experiencia lo llevó a la adicción a las drogas y lo volvió violentamente abusivo. La madre de Cirk abandonó a la familia y Roger finalmente se suicidó. 

El común denominador de los dos exmilitares es Gordo, que entrenó a Tillich y al anciano Baufort en "técnicas de interrogatorio mejoradas", pero como participó como "consultor civil" evitó cargos o culpabilidad. Culpando a Gordo por lo que le pasó a su familia, Cirk planea capturarlo, torturarlo y matarlo para vengarse y busca la ayuda de Tell. Tell se niega, pero se ofrece a llevar a Cirk mientras juega en un intento de ayudar al joven a evitar una vida violenta. 

En su siguiente parada, Tell le informa a La Linda que está interesado en llegar a un acuerdo. Expresa su deseo de participar en la gira de la Serie Mundial de Póquer (WSOP) para ganar suficiente dinero para ayudar a Cirk a cubrir sus deudas y comenzar una nueva vida, después de lo cual Tell se retirará. 

Después de las primeras partidas de las WSOP, Tell gana dinero pero pierde ante Mr. USA, un desagradable jugador ucraniano que ha adoptado una personalidad patriotera estadounidense. 

Se une a Cirk a quien le propone ir con él y va sintiendo una creciente atracción por La Linda, pero evita acercarse demasiado mientras continúa ganando dinero jugando. La relación entre la Linda y Tell va a más como comprobamos en la partida que tiene Tell en Sant Louis. Es de noche cerrada, pero todo está iluminado de luces que enmarcan unos caminos, cuando van caminando sus manos se van rozando hasta que finalmente La linda le entrega su mano.

En una ronda de clasificación en la ciudad de Panamá, Cirk revela que todavía planea matar a Gordo. 

Tell lleva a Cirk de regreso a su motel y confronta al joven con una dura personalidad de interrogador. Le presenta a Cirk 150.000 dólares de sus ganancias en el juego, suficientes para que Cirk pague sus deudas y las de su madre y regrese a la universidad. Insiste en que Cirk regrese con su madre y se olvide de Gordo, amenazando con violencia si no cumple; Cirk se va con el dinero. Tell, que ha iniciado una relación con La Linda, avanza a la mesa final de las WSOP. 

Durante un descanso recibe un mensaje de Cirk, revelando que en lugar de regresar a casa de su madre, en Oregon, fue a la casa de Gordo para matarlo. Tell se siente inquieto durante la reanudación del partido y abandona abruptamente la sala del casino. 

Un informe de noticias muestra que Gordo ha matado a un intruso armado en su casa, presumiblemente Cirk. 

Tell conduce durante la noche para llegar a la casa de Gordo, donde cubre los muebles como lo hace en las habitaciones de su motel. Gordo regresa a casa y Tell lo apunta a punta de pistola, revelando quién es y por qué está allí. En lugar de dispararle, Tell lleva a Gordo a otra habitación para una "recreación dramática" de su estancia en Abu Ghraib. Se escucha a ambos hombres gritar de agonía y, finalmente, Tell emerge de la habitación gravemente herido y cubierto de sangre. Llama a la policía para denunciar un homicidio. 

Al final vemos que Tell está encarcelado en la misma prisión militar de antes, aceptando el entorno rutinario y ascético porque siente que es lo que se merece. La Linda llega de visita y los dos se acercan y cada uno coloca un dedo en el cristal que los separa. Con un largo plano sostenido de los dos dedos separados por el cristal, termina la película. ​

La película, además de contar con la aportación musical de Robert Levon Been y Giancarlo Vulcano, cuanta con una prodigiosa fotografía realizada por Alexander Dynan, que busca desde maravillosos planos cenitales como el comentado en la "feria " de Sant Louis, hasta primeros planos y primerísimos planos para descubrir los rostros de los jugadores de cartas especialmente de William Tell. En enero de 2020, Schrader anunció que Tye Sheridan, Tiffany Haddish y Willem Dafoe se habían agregado al elenco. se sumaban así a Jason Isaac. El rodaje, que estuvo condicionado por el Covid, comenzó en Biloxi, Mississippi, el 24 de febrero de 2020 y concluyó, con paranos, en julio de ese año. En cuanto a la crítica, los comentarios fueron generalmente positivas como Glenn Kenny en la web de rogerebert.com al decir que "Se convierte en una variación de Bresson que constituye una de las propuestas más brillantes de la carrera de Schrader (…)" . 

Curiosamente en las páginas en las que en su momento escribió Roger Ebert, y Chicago Sun-Times, y en las que ahora publica el crítico Richard Roeper, antes en otro diario de la gran ciudad de Illinois, comenta en el mismo que la película era "abrasadora", "impresionante", elogiando la actuación de Oscar Isaac como "magnética" en lo que Roeper llamó "una de las mejores películas del año". 

Rodrigo Perez en The Playlist comentó que "Si conectas con su aura dura e hipnótica, es un viaje verdaderamente salvaje y arrebatador. Una película trágica pero profundamente moral" 

Para David Rooney del The Hollywood Reporter estamos ante un "estudio de personajes contundente" y destacó en el artículo que era "Una obra muy controlada con un dominio infalible del tono (...) Isaac tiene una presencia magnética y cautivadora" En Variety, Owen Gleiberman consideró que "Schrader se acerca a este género con mucha facilidad y habilidad. Una gran escena de póker te hace sentir que estás sentado en la mesa (...) y 'The Card Counter' te da esa sensación" En las páginas del The Washington Post, Ann Hornaday la criticó por ser ocasionalmente superficial y tediosa, demasiado esquemática y falta de brillo. Sin embargo, elogió la película por su "poder inquietante" y elogió la actuación, calificando a Isaac de "fascinante" Peter Travers en ABC News señala que "No te sientas intimidado, deja que sus retos morales se adentren en tu cabeza y corazón. No necesitarás un grado en cine para darte cuenta de que Schrader es un cineasta de talla mundial cuya obra es tan lúdica como profunda" David Ehrlich de IndieWire dijo de ella que "Los desconcertantes movimientos de cámara y la banda sonora de Robert Levon Been hacen que entiendas de forma palpable cómo alguien puede quedarse atrapado en estos lugares para siempre." Todd McCarthy, ahora en Deadline, dice de ella que se trata de "Un drama lento que tiene momentos en los que no suceden suficientes cosas para mantener el interés (...) No obstante, casi al final (...) el drama se eleva a un nuevo nivel". En Gran Bretaña Lee Marshall en las páginas de Screendaily comentó que "Pasa mucho tiempo siendo tan hermética como su protagonista (...) Como película sobre el juego, decepcionará a los conocedores del género" En el The Guardian, Xan Brooks, afirma que "El reparto hace que la película se mantenga honesta y se puede disfrutar su intensidad atmosférica y meditativa. Cuando ofrece su mejor versión, es maravillosamente retro (…)". Ya en España Manu Yáñez de Fotogramas dice que se trata de "Cine social que se eleva hacia lo espiritual (...) Sin dejar títere con cabeza, Schrader retrata la realidad yanqui como un infierno colmado por pulsiones consumistas y militaristas (...) La crítica y guionista Marta Medina en el digital El Confidencial sostiene que "No es perfecta (...) Pero tampoco es inane. Ni artificiosa. Ni vulgar. No es la mejor película de Schrader, pero es una película de Schrader. Y ya, solo por eso, merece la pena dejarse arrastrar al abismo. (…) Javier Ocaña en El País habla de que "La maestría de Schrader, al escoger una tragedia reciente de nuestro tiempo para después llevarla a unos ambientes insólitos, no tiene parangón (...) notabilísima" ; y en este mismo diario Tommaso Koch escribe que "La inquietud se respira en cada instante, como un órdago a una mesa de póquer. Los espacios claustrofóbicos y la música disonante tensan los nervios del espectador. (...) Cine del bueno. Incluso más: memorable." Luis Martínez para El Mundo se trata de una película "Conmovedora, ascética y voraz (...) se precipita desde el primer segundo por una pendiente en espiral que como un torbellino atrapa la mirada del espectador. (...) Schrader demuestra estar más en forma que nunca (…) " Quim Casas en el barcelonés El Periódico sostiene que se trata de "Otra magnífica muestra del cine de Paul Schrader (...) filma las jugadas de cartas, el sustento en la vida del protagonista, como una meticulosa partida de ajedrez sin suspense alguno. Pura ascesis. (…)". Y en este mismo diario, Nando Salvá , comenta que "Es la confirmación de la resurrección de Schrader (...) Su protagonista no es sino otro de los personajes existencialmente atormentados (...) que tanto le gusta escribir y tan bien se le dan. Que no deje de hacerlo, por favor." Oti Rodríguez Marchante en ABC dice que "Schrader cuida su (...) su ritmo pausado con una planificación precisa (...) puede provocarle al espectador una sensación de parálisis (...) Una buena película con la dificultad de encontrarle algún provecho. (…) " Por último, Sergi Sánchez de La Razón habla de que "La tensión dramática (...) proviene de un proceso de redención que Schrader maneja con esa austeridad, tan bressoniana, en la que la emoción siempre suma desde la resta. (…) "