El héroe de Berlín (Race)

Jesse Owens fue auténticamente el hijo del viento, al menos, el primero, cuando el viento soplaba en contra tanto en los Estados Unidos como en el resto del mundo. 

Ser negro en los Estados Unidos allá por 1936 era lo que nos podemos imaginar una auténtica carrera de obstáculos. Nacer en Alabama lo complicaba más, por eso la familia marcha a Cleveland (Ohio) en la llamada Gran Migración Negra, que llevaría población del sur del país a centro y norte. 

Ganar cuatro medallas de oro siendo un hombre de color delante de todos los jerarcas nazis era todo un riesgo , pero fue la victoria de la humanidad ante los inhumanos criminales que se sentían superiores. El recorrido desde su acceso a la Universidad de Ohio desde su Cleveland adoptivo, las dificultades encontradas, la fortuna de coincidir con alguien como su entrenador que cree en él y su triunfo en Europa ante los ojos del mundo y el objetivo de una cámara de una siempre reivindicable como artista Leni Riefenstahl.

Una película canadiense ha sacado a la luz la historia de Jesse Owens, aunque en coproducción junto a Alemania y Francia pero lo cierto que a mi me remite a formato de telefilm. En la producción participa Louis-Philippe Rochon, Dominique Séguin, Jean-Charles Lévy y Luc Dayan encontrándose amparada por Jesse Race& Forecast Pictures, JoBro Film Finances y Trinity Race con el apoyo de la familia Owens, la Fundación Jesse Owens, Jesse Owens Trust y Luminary Group con la distribución de Focus Features manejando un presupuesto $ 5 000 000 

La dirección fue del director y productor de cine británico-australiano nacido en Jamaica, Stephen Hopkins que pasará a la historia como el director de la película de suspenso y ciencia ficción Depredador 2, estrenada en 1990. Y que fue productor coejecutivo de la primera temporada de la serie 24, dirigiendo la mitad de los episodios (incluyendo el primero y el último). Fue también el responsable de Pesadilla en Elm Street 5: The Dream Child (1989) así como de otras películas con cierto éxito comercial como Blown Away (1994), Los demonios de la noche (1996), Perdidos en el espacio (1998) y Bajo sospecha (2000). 

En 2004 dirigió la película Llámame Peter, una biografía del actor Peter Sellers que no gustó nada al hijo del actor, Michael Sellers. Entre otras, también destaca su dirección en la serie Californication el mismo año que estrenó The Reaping afrontando en 2016 está película . 

Para la misma se basó en un guion de Joe Shrapnel, Anna Waterhouse. En la música contó con el trabajo de Rachel Portman y en fotografía el de Peter Levy. El resto de técnicos es visible en los muchos premios y nominaciones que recibió la película. 

En cuanto al reparto destaca Stephan James como Jesse Owens, Jason Sudeikis como Larry Snyder,  Eli Goree como Dave Albritton, Shanice Banton como Ruth Solomon-Owens,  Carice van Houten como Leni Riefenstahl, Jeremy Irons como Avery Brundage,  William Hurt como Jeremiah Mahoney, David Kross como Carl 'Luz' Long, Jonathan Higgins como Dean Cromwell,  Tony Curran como Lawson Robertson,  Amanda Crew como Peggy, Barnaby Metschurat como Joseph Goebbels, Chantel Riley como Quincella, Vlasta Vrana como St. John, Shamier Anderson como Eulace Peacock,  Jeremy Ferdman como Marty Glickman, Glynn Turman como Harry Davis, Jonathan Aris como Arthur Lill, Nicholas Woodeson como Fred Rubien, Giacomo Gianniotti como Sam Stoller, Eli Goree como Dave Albritton, Anthony Sherwood como el reverendo Ernest Hall, Jon McLaren como Trent, Tim McInnerny como el General Charles, Adrian Zwicker como Adolf Hitler, Jonathan Higgins como Dean Cromwell, Karl Graboshas como Adolf Dassler, Arthur Holden como Rudolf Dassler y Anian Zollner como Hans von Tschammer. 

La historia narra la historia del mítico atleta Jesse Owens (Stephan James), el coloso de la velocidad que saltó a la fama en los Juegos Olímpicos de Berlín de 1936, cuando dejó al mundo boquiabierto con sus espectaculares marcas que echaron por tierra la teoría de Hitler sobre la supremacía de la raza aria.  

Conocemos a un joven Jesse Owens , un prometedor corredor afroamericano , que deja su casa en Cleveland en plena depresión, con su padre en paro, y marcha para asistir a la Universidad Estatal de Ohio, a pesar de enfrentarse a la discriminación racial y los insultos de los atletas blancos, y al lastre de tener una hija nacida fuera del matrimonio con su novia Ruth Solomon, más tarde, Owens (Shanice Banton) que se gana la vida como peluquera. 

Atrae la atención del entrenador Larry Snyder (Jason Sudeikis), un entrenador exigente pero que estuvo a punto de ser la gran promesa del atletismo norteamericano. Al ver a Jesse se da cuenta del enorme  potencial de Owens. pero necesita mejorar su forma y técnica. 

Cuando Snyder sugiere que es lo suficientemente bueno para competir en los Juegos Olímpicos de Berlín de 1936 , Owens está interesado, pero vacila debido a la propaganda racial en la Alemania nazi . 

El Comité Olímpico de EE. UU.  se encuentra dividido sobre esta cuestión ya que la visión prágmática del Presidente del Comité que preside Avery Brundage ( Jeremy Irons) ve la oposición que manifiesta otro de sus integrantes Jeremiah Mahoney (William Hurt) ya sí considera que hay que  boicotear los Juegos Olímpicos por las políticas discriminatorias de Alemania. Deciden que únicamente accederán a los Juegos si el Ministro organizador de los Mismo, el Ministro de propaganda alemán,  Joseph Goebbels (Barnaby Metschurat ) da garantías personales de que permitirán competir a atletas extranjeros de cualquier raza, además de prometer controlar su propaganda, algo complicado pues los Juegos quieren ser utilizados por los Jerarcas nazis como escaparate del regimen.  de hecho para mostrar la capacidad de los alemanes contarán con la dirección de Leni Riefenstahl (Carice van Houten) que hará una película sobre los mismos. 

Mientras Owens  sigue con sus entrenamientos y trabaja para mantener a su novia Ruth y su hija pequeña, acepta un trabajo en una estación de servicio , lo que molesta a Snyder cuando su trabajo entra en conflicto con su compromiso de entrenar. Cuando Snyder descubre que Owens tiene una familia que mantener, le consigue un trabajo, lo que le permite concentrarse en correr. 

Owens pasa a batir varios récords, en el campeonato nacional que tuvo lugar en Ann Arbor (Michigan), incluidos algunos de Snyder, y comienza una relación con una joven  Peggy (Amanda Crew ) cuyas atención a traido con su nueva fama como atleta. Cuando Ruth lo amenaza con una demanda, Owens se distrae y pierde una carrera ante su compañero y competidor Eulace Peacock (Shamier Anderson). Owens decide volver con Ruth para reconciliarse, convenciéndola de que se case con él cosa que finalmente hace. 

Las visitas a Berlín por parte de Avery Brundage terminan con entrevistas con jerarcas nazis que prometen suavizar las medidas contra los judíos y los integrantes de otras comunidades, además se lleva la oferta de que como constructor podrá aspirar a levantar la nueva embajada nazi en Washington que planetada por Speer, puede ser un suculento negocio. Con la promesa de respeto lleva la propuesta al comité y derrota a la oposición que encabeza Jeremiah Mahoney que, de inmediato, presenta la dimisión.

A medida que se acercan los Juegos Olímpicos, la NAACP y una una agrupación integrada por miembros de la iglesia de la comunidad negra, le pide que no vaya a Berlín por motivos políticos. Todos saben que el Führer, como otros miembros del gobierno, tenía la expectativa de que los atletas alemanes dominarían las disciplinas deportivas.Owens entra en conflicto, pero Peacock, que sabe que no podrás ir por una lesión,  lo insta a competir para desafiar la ideología racial nazi. 

La selección de los atletas se produce y Jesse es incluído, no así como integrante del equipo de entrenadores de entrenador Larry Snyder, a pesar de las protesta de Owens. Sin embargo, una vez embarcado en el transatlántico descubre que Snyder va a título personal. 

En Berlín, antes de los juegos Owens choca con el seleccionador nacional que finalmente admite a Snyder como integrante en el equipo técnico. Con él Owens gana su primera medalla de oro en los 100 m de carrera por delante de su compañero de estudios Ralph Metcalfe, pero cuando el miembro del Comité Olímpico Internacional Avery Brundage lo lleva para recibir las felicitaciones de Adolf Hitler , le dicen que el Canciller se ha ido temprano del estadio para evitar el encuentro. 

Brundage advierte a Goebbels que Hitler debe felicitar a todos los ganadores o a ninguno, y Goebbels responde que Hitler no aparecerá con "eso". 

Tras eso Owens se clasifica a continuación para el salto de longitud después de que su rival alemán Luz Long le diera inesperadamente algunos consejos sobre su técnica de salto. Owens gana otra medalla, y Luz públicamente le da la mano y se une a él para una vuelta de la victoria, expresando en privado su preocupación por la política nacional. 

El 5 de agosto se adjudicó la carrera de los 200 m con un tiempo de 20,7 s por delante de Mack Robinson. 

Después Owens gana su cuarta y última medalla en el relevo 4 x 100 m, reemplazando a dos atletas judíos estadounidenses cortados por Brundage, quien ha sido convencido por Goebbels de hacerlo para evitar un escándalo por un acuerdo comercial que Brundage firmó con los nazis antes de los juegos. 

Antes de salir a los Estados Unidos, la directora Leni Riefenstahl que filma el evento deportivo en contra de las órdenes de Goebbels, luego le pide a Owens que repita su salto de longitud ganador de una medalla para obtener algunas tomas más para su próxima película, Olympia . 

Tras esto no hay duda los Juegos de Berlín no serán los Juegos de los nazis, sino los de Jesse Owens que acaba siendo un héroe en su país y en el mundo. No obstante, al llegar es el protagonista absoluto del desfile con confeti en Nueva York en su honor por la Quinta Avenida, pero por la noche el homenajeado debió utilizar el montacargas del Waldorf-Astoria para asistir a otra celebración en su honor. 

Tras esto nos enteramos de algunas cosas en la vida de Owens como que nunca fue recibido por el presidente Franklin D. Roosevelt quien nunca le extendió una invitación a la Casa Blanca tras sus triunfos en Berlín o como mantuvo su relación con el saltador alemán Luz Long hasta que fallece en el Frente del este durante la guerra, como su hazaña de las cuatro medallas de oro no sería igualada hasta los Juegos Olímpicos de Los Ángeles 1984 por Carl Lewis . Murió a los 66 años en Tucson, Arizona, el 31 de marzo de 1980 rodeado de su esposa y de su familia. Todo ello con fotgrafías reales del atleta de Alabama, del héroe que fue en Berlín, del primer "hijo de viento".

El rodaje de esta película comenzó el 24 de julio de 2014 en Montreal y en el Estadio Olímpico de Berlín que tuve la ocasión de visitar  hace unos años. 

John Boyega estaba inicialmente configurado para protagonizar a Owens; sin embargo, finalmente se retiró para protagonizar Star Wars: The Force Awakens y posteriormente fue reemplazado por Stephan James. 

La distribución en Alemania y Canadá estuvo a cargo de Squareone Entertainment y Entertainment One y Focus Features se encargó de la distribución en los Estados Unidos. La película consiguió una recaudación de $ 24 804 129.  

La película ganó cuatro premios en los Canadian Screen , incluido el de Mejor Actor para Stephan James ganando igualemnte al Mejor sonido (Claude La Haye , Luc Boudrias y Pierre-Jules Audet) y mejor edición de sonido (Pierre-Jules Audet, Jérôme Décarie, Michelle Cloutier, Stan Sakell, Jean-François Sauvé, Mathieu Beaudin, François Senneville, Luc Raymond y Jean-Philippe Saint-Laurent) y a los Mejores efectos visuales (Martin Lipmann, Cynthia Mourou, Benoît Touchette, Jonathan Piché-Delorme y Frédéric Breault) siendo nominada como Mejor Película al igual que en la Mejor dirección de arte / diseño de producción en las personas de David Brisbin, Isabelle Guay y Jean-Pierre Paquet , Mejor diseño de vestuario (Mario Davignon) , Mejor maquillaje ( Natalie Trépanier y Réjean Goderre). 

Recibió los Premios Golden al mejor Trailer y Mejor Spot de TV Independiente  con Premios Leo a la Mejor actuación de reparto  (Eli Goree ) , fue nominado al Prix ​​Iris  a la Mejor dirección de arte (David Brisbin, Isabelle Guay y Jean-Pierre Paquet), Mejor sonido (Pierre-Jules Audet, Luc Boudrias y Claude La Haye),  Mejores efectos visuales (Martin Lipmann, Cynthia Mourou y Benoît Touchette) y  Mejores vestuario (Mario Davignon ) Mejor Peluquería (Réjean Goderre). 

 

En cuanto a las críticas destacar la de Richard Roeper en el Chicago Sun-Times donde destaca que "Un tópico biopic deportivo con pocos matices y una inclinación por los los momentos dramáticos repletos de sacarina (...) " 

Ty Burr del Boston Globe escribe que "Como un atleta entrenado en exceso que sufre un tirón en su gran carrera, la película trata de hacerlo todo y se queda corta" 

Stephen Holden en las páginas del The New York Times describe que "'Race' nos recuerda que, mucho antes de que la televisión elevase a los deportistas negros a la categoría de dioses, había atletas como Jesse Owens que allanaron el camino".

En otro diario neoyorkino Stephen Whitty en el New York Daily News comenta que "Como biografía de Hollywood sobre el gran Jesse Owens, se supone que tenía que ser épica. Pero sus personajes son planos e irreales. Aparte de algunos grandes momentos, es tan barata y falsa como una peli setentera (...) 

Andrew Barker de Variety defiende que "Haciendo algunos intentos admirables para hacer más complejo lo que debíera haber sido una narración deportiva inspiradora estándar, 'Race' es mejor de lo que debía, pero no por mucho..." 

Para  Sheri Linden The Hollywood Reporter  se trata de "La historia fascina, pero la narración no alcanza el oro." 

Peter Travers de Rolling Stone señala que "'Race' ofrece lo mejor cuando se centra en las esquinas de una historia que sólo creíamos conocer. (...)" 

Ya en  España Javier Ocaña en El País escribe que "La película es correcta pero superficial en su fondo, y demasiado acartonada en su forma." 

Francisco Marinero en El Mundo entiende que "La biografía está realizada según las convenciones de Hollywood (...) Impecables la divulgación de las maniobras políticas y el casi falso documental de los Juegos (...) ". En este diario se señala que "El galardonado productor y director Stephen Hopkins (''Llámame Peter''), se encarga de la dirección de este filme, mientras que Joe Shrapnel y Anna Waterhouse, quienes ya trabajaron juntos en ''Frankie & Alice'', escriben el guion. Stephan James (''El blues de Beale Street'') y Jason Sudeikis (''Colossal''), encabezan el elenco de actores de la película. El título original de la película ''Race'' juega con el doble sentido de la palabra en inglés; el primero sería el de carrera o competición deportiva, mientras que el segundo haria referencia a la raza (grupo étnico de personas)". 

Por último Carlos Marañón en Cinemanía dice que "Stephen Hopkins, realizador fronterizo entre cine y televisión, confirma el aroma a telefilme en una película cuyo sentido final parece el de reclamar para Jesse Owens el reconocimiento oficial que jamás tuvo (...)". 

No puedo estar mas de acuerdo con esto último, la película tiene un formato de telefilm a pesar del elenco de peso que tiene especialmente con la participación de Jason Sudeikis, William Hurt, Carice van Houten  y,  el desconocido para mi, Stephan James, muy integrado en el papel. 

Sin embargo y a pesar de esto me ha hecho dudar mientras la veía que se hubiese estrenado en salas comerciales pues tiene mucho de espíritu televisivo. Indudablemente, en Estados Unidos Owens fue un héroe y como tal se merece la atención de los espectadores. Sin embargo, para mi fue uno de los grandes mitos del deporte. 

Conocer su vida es cierto que me ha interesado sobre todo al no ser consciente de la doble discriminación, pues sinceramente estaba más al tanto de la que sufrió por las aiutoridades nazis y apenas había caído en la que sufrió en su país. Sin embargo, si como biopic es de interés o como portadora de una muestra de lo que fue - y es- racismo, la superación y el espíritu deportivo, creo que en su desarrollo cinematográfico está falto de tensión, de vida. En ese sentido creo que ha sido una oportunidad perdida. 

Mac Arthur, el general rebelde

Todo empieza y acaba en West Point, algo coherente para un hombre de ese lugar. Así comienzay acaba este biopic para la gloria interpretativa de Gregory Peck que hace una semblanza vital del hombre que pasó a la historia por cumplir sus promesas a la gente que dejaba atrás y que desde el militarismo descubrió la barbaridad de la guerra. El hombre de la Pipa de mazorca y del "Volveré" más famoso de la historia. Hablamos de Douglas MacArthur. Un hombre según Javier Ventosa que lo describe en La Vanguardía "Extravagante, carismático y vanidoso, íntegro, austero y desconfiado, capaz de lo mejor y de lo peor en el campo de batalla (...) odiado o amado, criticado o aplaudido, pero siempre fue, como le gustaba, el centro de atención.".  

Con este personaje de tanta enjundia Joseph Sargent un director que fue responsable de "Pelham 1, 2, 3" y que falleció en 2014, se lanzó a dirigir un biopic que no deja de ser una una producción que gestionada por Frank McCarthy y con el apoyo de la productora de la Universal Pictures que manejaba un presupuesto de $ 9 millones. La película parte de un guion escrito a cuatro manos por Hal Barwood y Matthew Robbins. 

La película contó con la música heroíca de Jerry Goldsmith. A esto se suma la fotografía de Mario Tosi y el montaje de George Jay Nicholson. 

La película es un vehículo para el protagonistas absoluta de la misma Gregory Peck como General Douglas MacArthur. Junto a él aparecen Ed Flanders como presidente Harry S. Truman, Dan O'Herlihy como presidente Franklin D. Roosevelt. Junto a ellos están Ivan Bonar como el teniente general Richard K. Sutherland, Ward Costello como General del Ejército George C. Marshall, Nicolas Coster como el coronel Sidney Huff. Marj Dusay aparece como la esposa del protagonista Jean MacArthur. Igualmente aparecen Art Fleming como W. Averell Harriman, Russell Johnson como Almirante de la flota Ernest J. King, Sandy Kenyon como el teniente general Jonathan M. Wainwright, Robert Mandan como el representante Martin, Allan Miller como el coronel LeGrande A. Diller, Dick O'Neill como el Mayor General Courtney Whitney, GD Spradlin como el general de división Robert L. Eichelberger, Addison Powell como Almirante de la flota Chester W. Nimitz, Garry Walberg como el teniente general Walton Walker y James Shigeta como General Tomoyuki Yamashita. 

El general Douglas MacArthur, comandante supremo de las fuerzas aliadas en el Pacífico durante la Segunda Guerra Mundial, fue también comandante de las Naciones Unidas en la Guerra de Corea. Esos son los dos momentos en los que se centra el recorrido vital del general cuya vida conocemos a través de un largo flashback cuando un ya veterano MacArthur visita West Point en 1962 y enlaza su historia tanto tras el inicio de su intervención como al final de la misma. 

Lo primero que vemos en su vida es la resistencia en Corregidor en los primeros días del año 1942, durante la caída de Filipinas. Tras eso vemos como sale de ese espacio y lideró con éxito la defensa de Australia y la reconquista de Nueva Guinea, las Filipinas y Borneo. 

Tras estos éxitos vemos como era el jefe previsto para dirigir la invasión de Japón en noviembre de 1945, pero tras el lanzamiento de las dos bombas atómicas sobre el país, éste se rindió siendo nombrado representante de los aliados en la ceremonia de rendición del 2 de septiembre. Supervisó la ocupación de Japón desde 1945 hasta 1951. 

Su historia como militar culminó con su retiro forzoso, tras ser destituido por el presidente Truman en abril de 1951, del mando de las fuerzas americanas en Corea a causa de su insistencia en usar armas atómicas contra China tras liderar las fuerzas de las Naciones Unidas que defendieron Corea del Sur en 1950-1951 contra el intento de Corea del Norte de unificar el país por la fuerza. 

Entre esos momentos del relato nos enteramos que el general de cinco estrellas natural de Little Rock (Arkansas), era hijo del teniente general Arthur MacArthur, un héroe de la guerra de Secesión, condecorado también con la Medalla de Honor durante la guerra civil estadounidense. Se crió a lo largo y ancho de todo el país, pero en 1898 ingresó en West Point. Allí asume algunos principios como el gusto por el mando, un estricto sentido de la obligación y un concepto muy militar del honor, pero también de ser un hombre con fama de valiente, arrogante y astuto . 

Sirvió como ayudante de su padre, destinado por aquel entonces como gobernador general de Filipinas, que aún era una posesión estadounidense. 

De 1904 a 1914 fue asignado a tareas de ingeniería en las Filipinas, Wisconsin - donde se presentó como candidato, sin éxito alguno- Kansas, Míchigan, Texas y Panamá. De 1913 a 1917, MacArthur sirvió en el Estado Mayor del Departamento de Guerra cumpliendo misiones de inteligencia en Veracruz, México. 

Durante la Primera Guerra Mundial, MacArthur sirvió en Francia al frente de la División Arco Iris en las batallas de Saint-Mihiel y la ofensiva de Meuse-Argonne. Durante la guerra, MacArthur recibió dos veces la Cruz de Servicios Distinguidos, siete Estrellas de Plata, una Medalla por Servicio Distinguido del Ejército y dos Corazones Púrpura donde ya pone en marcha su posición adelantada: «Liderar desde el frente». 

MacArthur, viendo que los presupuestos militares menguaron año tras año comenzó a dudar de la clase política que no comprendía la importancia del gasto militar en un momento en que Alemania y Japón se rearmaban. 

De esta época datan sus primeros choques con el nuevo presidente, Franklin D. Roosevelt, a quien llegó a responsabilizar de futuras derrotas norteamericanas. En julio de 1941 Roosevelt lo llamó de nuevo al servicio activo en el Ejército de los Estados Unidos y lo nombró comandante de las Fuerzas de los EE.UU. en el Lejano Oriente centrando su actividad en Filipinas. 

El cuartel general de MacArthur en la campaña de las Filipinas de 1941-1942 fue la isla fortaleza de Corregidor; su único viaje a la línea del frente en Bataán hizo que empezase a circular el mote despectivo de «Digout Doug» (el enterrado Doug) punto de inicio del realto en la película.

Allí contuvo durante meses los furiosos ataques japoneses. Lo cierto es que Corregidor sufría bombardeos casi constantes por parte de las fuerzas aéreas japonesas, hasta el punto en que Manuel Quezón pidió expresamente al general que «no se pusiera a sí mismo en peligro». En marzo de 1942, mientras los japoneses ampliaban su control de las Filipinas, 

MacArthur recibió la orden directa de Franklin D. Roosevelt de trasladarse a Melbourne, Australia, después de que el presidente Quezón y su esposa ya se hubieran marchado. Tras muchas protestas y vacilaciones, MacArthur, su esposa, Jean Faircloth , su hijo de cuatro años y un grupo selecto de asesores y comandantes subordinados, finalmente huyó de Filipinas a bordo de la lancha torpedera PT-41 comandada por el entonces teniente John D. Bulkeley, y logró escapar de una intensa búsqueda japonesa en persecución del general estadounidense. 

Al ceder el mando a otro mando se despidió con su célebre “I shall return” (volveré), una promesa que se convirtió en símbolo de esperanza para América. 

Filipinas caería poco después, y el avance japonés continuó imparable por el Sudeste asiático. Mac Arthur llegó a la isla de Mindanao el 13 de marzo, y se embarcó tres días después en un B-17 Flying Fortress; el 17 de marzo llegó al aeródromo de Bachelor, en el Territorio del Norte australiano, desde donde se desplazó a Adelaida en ferrocarril. Allí dara otro famoso discurso, en el que dijo «Salí de Bataán, y volveré» se pronunció en Terowie, Australia Meridional, el 20 de marzo, refornzando lo que había dicho a su salidade Filipinas. 

Fue nombrado de inmediato comandante supremo de todas las fuerzas aliadas en el teatro del Pacífico suroccidental, tras lo éxitos de la Marina, comandada por los almirantes Ernest King (jefe de Operaciones Navales) y Charles Nimitz (jefe de la Flota), obtiene sus primeras victorias (Midway, mar del Coral), que socavan la supremacía naval nipona. 

Con el fin de eliminar cualquier posible ambigüedad, el primer ministro de Australia, John Curtin, puso a las fuerzas armadas australianas directamente bajo su mando. Mac Arthur decide que los combates se centren en la zona de Nueva Guinea y las Indias Orientales Neerlandesas. 

En marzo de 1943, la Junta de jefes de Estado Mayor de EE.UU. aprobó el plan estratégico de MacArthur, conocido como Operación Cartwheel o estrategia de los “saltos de rana”, cuyo objetivo era capturar la base principal japonesa en Rabaul a base de ocupar posiciones estratégicas para usarlas como bases avanzadas así como desembarcar donde los japoneses son débiles, asegurando los aeródromos para lanzar desde allí ataques contra las líneas de avituallamiento enemigas. 

Las fuerzas aliadas, bajo el mando de MacArthur desembarcaron en la isla de Leyte el 20 de octubre de 1944, cumpliendo su juramento de volver a Filipinas. Para él Filipinas, era para él la llave de la campaña del Pacífico. La Marina, sin embargo, tenía su propio plan, que ignoraba las Filipinas para atacar Formosa y, desde allí, Japón. 

La posición en el archipiélago se consolidó con la batalla de Luzón tras un fuerte combate, y a pesar de un contraataque masivo japonés en la batalla del Golfo de Leyte. Con la reconquista de las islas, MacArthur trasladó su cuartel general a Manila, con el fin de planificar la invasión de Japón, prevista para finales de 1945. Dicha invasión se anuló a consecuencia de la rendición japonesa tras los bombardeos atómicos sobre Hiroshima y Nagasaki, y el 15 de agosto de 1945 MacArthur recibió la rendición formal de Japón que dio por finalizada la Segunda Guerra Mundial para firmar el tratado en nombre de los aliados recibió la Medalla de Honor por su liderazgo en el teatro del pacífico suroeste convirtiéndose general cinco estrellas. 

A MacArthur, investido de plenos poderes por su mayor prestigio sobre otros generales, le corresponderá aplicar las condiciones de capitulación en el acorazado Missouri, anclado el 2 de septiembre en la bahía de Tokio. Su discurso en esa ocasión, contra lo que esperaban los japoneses, fue más un canto a la paz que una humillación hacia los enemigos vencidos. 

MacArthur recibió órdenes de Washington el 29 de agosto de ejercer la autoridad final sobre el país a través de la maquinaria de gobierno existente, incluyendo la figura del emperador Hirohito.

Este periodo como comandante supremo de las Potencias Aliadas en Japón, en que dirigió con mano firme al país hacia un nuevo régimen político durante cinco años y medio, es su mayor contribución a la historia. Sin embargo, algunos critican su trabajo para exonerar de toda investigación criminal a Hirohito y al resto de miembros de la familia imperial implicados en la guerra. 

A finales de 1945, los jurados militares aliados juzgaron a más de 4000 oficiales japoneses por crímenes de guerra. Unos 3000 fueron condenados a cumplir sentencias de prisión, y 920 fueron ejecutados. Los oficiales acusados se enfrentaron a cargos surgidos de múltiples incidentes, incluyendo la masacre de Nankín, la marcha de la muerte de Batán y la masacre de Manila. 

En sus cinco años en Tokio, siguiendo las directrices marcadas por Washington, puso en marcha una política de ocupación liberal y un plan de reformas destinado a desmilitarizar Japón, reconstruirlo y modelarlo a semejanza de Estados Unidos. 

Su mayor logro fue la aprobación en referéndum de una nueva Constitución, elaborada por su Estado Mayor en una semana, que establecía el desarme y el pacifismo de Japón y la reducción del papel del emperador. Instauró elecciones libres, emancipó a las mujeres, liberalizó la educación, separó Iglesia de Estado e impulsó la reforma agraria en un campo que aún tenía rasgos cercanos al feudalismo. 

Cuando abandonó el país, en abril de 1951, fue condecorado por el propio Hirohito. Dos millones de japoneses lloraron su marcha por las calles de Tokio. En 1945, como parte de la rendición del Japón, los Estados Unidos de América acordaron con la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas dividir la península de Corea a lo largo del paralelo 38. Esto resultó en la creación de dos estados, al sur y al norte. Este último lanzó un ataque por sorpresa, invadiendo a su vecino en un intento de reunificar la península por la fuerza, el 25 de junio de 1950, dando inicio a la guerra de Corea.

La Asamblea General de las Naciones Unidas autorizó a las Naciones Unidas a formar una coalición militar internacional para apoyar en su defensa a Corea del Sur. MacArthur tomó el mando de dicha coalición, primero en la operación de defensa a la desesperada, y luego, una vez detenida la invasión, en una contraofensiva total, destacando un arriesgado pero exitoso desembarco tras las líneas norcoreanas en Incheon.desembarco anfibio en la retaguardia enemiga, que cortaría en dos sus fuerzas y aflojaría el cerco sobre Pusan. 

Era una opción arriesgada, en un terreno difícil, vista con recelos por Omar Bradley, jefe del Estado Mayor, y por el propio Truman. La maniobra logró flanquear con éxito al ejército norcoreano, forzándole a retroceder hacia el norte completamente desorganizado. 

Las fuerzas de las Naciones Unidas (compuestas básicamente por miembros del Ejército estadounidense) iniciaron la persecución, entrando en territorio norcoreano y aproximándose a la frontera con China, establecida en el río Yalu. 

El 19 de noviembre de 1950, un fuerte contingente de tropas del ejército chino atravesó el Yalu, lo que obligó a retroceder a los estadounidenses y a las fuerzas de la ONU que comandaban. Tras calificar la intervención china como «el inicio de una guerra totalmente nueva», MacArthur buscó usar el armamento nuclear contra Corea del Norte. 

Truman deseaba mantener el conflicto en su forma de «guerra limitada», temiendo el estallido de la Tercera Guerra Mundial. Molesto, MacArthur empezó entonces a realizar declaraciones a la prensa en las que advertía de una derrota aplastante e inminente. La propuesta de MacArthur de bombardear Manchuria, refugio de tropas y cazas chinos, es denegada por su alto riesgo. 

La paciencia de Truman llegó a su límite cuando el jefe republicano del Congreso leyó en él una carta de MacArthur en la que expresaba públicamente su punto de vista y sus enfrentamientos con la presidencia.“El colosal error de MacArthur”, titula el New York Times, que advierte que el general “ya no debe ser considerado como la autoridad suprema en materia de estrategia”. 

En abril, la Junta de jefes de Estado Mayor declaró necesario apartar a MacArthur del mando por razones militares, alegando que habían perdido confianza en su estrategia.Truman aprovechó la ocasión y le relevó de su cargo en Japón, situando en él a Ridgway el 11 de abril de 1951.

MacArthur regresó directamente a Washington D. C., su primera estancia en los Estados Unidos desde hacía once años. Allí hizo su última aparición pública, en la lectura de un discurso en el Congreso de los Estados Unidos, interrumpido por treinta ovaciones de los congresistas. En el que sería su discurso de despedida, dijo: «Los viejos soldados nunca mueren; solo se desvanecen. Y como los viejos soldados de la balada, ahora cierro mi carrera militar, y simplemente me desvanezco —un viejo soldado que tan solo intentó cumplir con su deber como Dios le dio a entender. Adiós». 

Tras ello se acercó a la política pero quien iba ganando enteros Dwight D. Eisenhower que, fialmente, ganó. Lo último que sabemos de él fue su discurso en West Point. Finalmente falleció en Washington D. C., el 5 de abril de 1964. A sus exequias no acudirían ni Truman ni Eisenhower, aunque sí el primer ministro de Japón. 

Gregory Peck dijo sobre la película que "Admito que no estaba muy contento con el guión que me dieron, o con la producción que me dieron, que estaba principalmente en el lote trasero de Universal. Pensé que estafaron la producción". 

La película consiguió en taquilla unos $ 16,320,000 en los EE. UU. Contiene algunos errores en la historia como la reunión en Pearl Harbor entre el presidente Roosevelt, el almirante Nimitz y MacArthur para discutir la estrategia de Asia oriental, MacArthur señala el golfo de Lingayen en el oeste de Luzón, llamándolo Golfo de Leyte y refiriéndose a él como el sitio de su reingreso a Filipinas. La batalla del golfo de Leyte y la batalla de Leyte , que incluyeron el primer regreso de MacArthur a suelo filipino el 20 de octubre de 1944, se llevaron a cabo en Visayas, en el centro de Filipinas . La invasión del golfo de Lingayen , con MacArthur haciendo un aterrizaje igualmente dramático en la isla principal de Luzón, ocurrió el 9 de enero de 1945. 

Otro error tampoco tan vital fue que en la pared del camarote del barco de la reunión de Roosevelt, Nimitz y MacArthur en Pearl Harbor hay una pintura del crucero pesado USS Los Angeles de la clase Baltimore . Sin embargo, no se puso en servicio hasta el 22 de julio de 1945, por lo que no se utilizó para la Segunda Guerra Mundial. 

El uniforme del teniente general soviético Kuzma N. Derevyanko se presenta erróneamente con las hombreras de un teniente superior soviético en lugar de un teniente general. La rendición japonesa de la escena de la Segunda Guerra Mundial a bordo del USS Missouri (BB-63) muestra los cañones cuádruples de 40 mm del acorazado cubiertos (suspendidos) durante la película. Además, hay muchas referencias al Estado Mayor Conjunto ; sin embargo, ese grupo no se creó hasta 1949. 

La película obtuvo algunos premios. En concreto obtuvo una nominación a los Globos de Oro al ser nominado Gregory Peck al Mejor actor dramático. 

En cuanto a las críticas destcara que Luis Martínez en El País dice de ella que es una "Vibrante colección de escenas guerreras en un aseado y recio oficio a las exigencias de la biografía henchida" 

Francisco Marineor en El Mundo comenta que la película tiene "Buenas escenas bélicas, pero demasiada glorificación. Regular" 

En este mismo diario se señala que "Un sólido filme bélico y biográfico en el que brilla la excelente interpretación de Gregory Peck, nominado para el Globo de Oro de 1978 por su trabajo. Las comparaciones entre ''MacArthur, el general rebelde'' y ''Patton'' (ganadora de siete Oscar), la otra gran película biográfica de una de las figuras imprescindibles en la historia militar de Estados Unidos, son inevitables. ''MacArthur'' es mucho más ambiciosa en la forma de relatar los acontecimientos, puesto que éstos abarcan casi una década, aunque no está reforzada por el magnífico guión de Francis Ford Coppola y Edmund H. North, de que gozó ''Patton''.

Una vez vista diré que es un biopic sin más que te acerca a la contradictoria figua de un general no se si rebelde, si, al menos, singular capaz de hablar de paz y plantear luego el empleo de las armas nucleares. Un auténtico espíritu de la contradicción. Lo mejor de la película el trabajo de Gregory Peck sobre el que recae todo el peso del responsable del "Volveré" que como vemos no fue Terminator, y lo peor el hecho de ser excesivamente lineal. Aceptable. 

El rostro impenetrable

Pocas veces un western acaba en el agua. Muy pocas veces, acabamos viendo lo que hay en el punto terminal del oeste, el Pacífico. Pero el rostro impenetrable es uno de los pocos en los que el mar rivaliza con el desierto. Y llama la atención, pues el desierto es el espacio en el que se produce la ruptura de una amistad y comienza el principio de una traición, de la deslealtad que termina ante una localidad frenter al mar. 

Así es el rostro impenetrable un western que acaba ante el Océano, que pasa por el Penal de Sonora y termina en los alrededores del  Monterrey californiano, no confundir con el de México. Tuve la fortuna de haber bajado por ese tramo de la Estatal 1 . Un tramo que disfruté del océano, de la montaña, de una naturaleza salvaje, leones marinos incluidos, y de infraestructuras creadas por el hombre y que comunican El Camino Real costero que va entre San Francisco y el Big Sur que tuvo en Monterrey y Carmel el centro de mi viaje costero frente al Pacífico. Sin seguridad he creído ver más que la ciudad que fue los contornos de las playas de Garrapata Beach, la costa cercana al arroyo Malpaso todo ello por la ruta de mi paisano Cabrillo.

El protagonista estelar de estar película es un Marlon Brando con mando en plaza, duro como siempre, de poses, con miradas que pasan de ser torvas hasta entregadas, de cabeza caída pero vigorosa, altiva, siempre audaz y llena de primeros planos. Pocas veces un western, en este caso dirigido por este divo de la interpretación, le da tanto peso al mar, a las olas, a los acantilados, a los cipreses marinos o a las playas.

Con un elenco grandioso trufado de hispanos y de estrellas  que van desde Modesto, un cholo, un "pelao", a los dos malvados deuteragonistas como Karl Malden o Ben Johnson. Junto a ellos chinos, mexicanos, colonos de origen hispano y anglosajón que conviven mejor que peor, pero que no intervienen de forma directa  en esta historia que no es otra cosa que la de una vieja amistad rota por una traición en la que también existe espacio para una breve pero delicada historia de amor  con Pina Pellicer, que hace de hija de la inolvidable Katty Jurado. 

One-Eyed Jacks , pues ese es su título en inglés, fue la primera y única película que dirigió Marlon Brando. Aunque se comenzó a rodar en 1958, se estrenó en 1960.

Originalmente al frente del proyecto estuvo Stanley Kubrick siguiendo un guión de Sam Peckinpah , pero las disputas entre los estudios llevaron a su reemplazo por Brando y Guy Trosper tras varios meses alegando desavenencias con Marlon Brando, quien terminó dirigiendo la película. La actriz Rosita Moreno colaboró como asesora técnica. 

La película era un producción de George Glass, Walter Seltzer y Frank P. Rosenberg que daban la cara ante la productora Pennebaker Productions que manejó un presupuesto de $ 6 millones . La distribución quedó en manos de la Paramount Pictures pasando a ser de dominio publíco entre 1988-2010 siendo tras su restauración propiedad de la Universal Pictures y Sony Pictures Television.

El guion original era de Rod Serling aunque el finalista fue de Guy Trosper, on aportaciones de Calder Willingham y Sam Peckinpah , éste sin acreditar. La película estaba basada en la novela de Charles Neider.

La banda sonora es de Hugo Friedhofer, mientras que la fotografía fue de Charles Lang Jr. y el montaje de Archie Marshek y Jack H. Lippiatt.

En cuanto al reparto lo encabezan Marlon Brando como Río, Karl Malden como el sheriff Dad Longworth, Katy Jurado como María Longworth, Pina Pellicer como Louisa, Ben Johnson como Bob Amory, Slim Pickens como Lon Dedrick, Larry Duran como Chico Modesto, Sam Gilman como Harvey Johnson , Timothy Carey como Howard Tetley,  Míriam Colón como la "pelirroja", Elisha Cook, Jr. como Carvey , Rodolfo Acosta como el capitán mexicano de los rurales, Tom Webb como el hijo del granjero, Ray Teal como Barney, John Dierkes como Chet , Philip Ahn como tío , Margarita Cordova como Nika, la bailarina de flamenco, Hank Worden como Doc,  Joan Petrone como la mujer vendiendo flores durante una fiesta en Monterey. 

La película comienza con un atraco en el que participan Rio ( Marlon Brando ), su mentor Dad Longworth ( Karl Malden ) y un tercer hombre llamado Doc (Hank Worden  ) roban un banco de dos alforjas de oro en Sonora, México . 

Los rurales mexicanos  los rastrean, mientras los dos últimos beben en una cantina y disfrutan con mujeres bonitas, Río tontea con la hija de un hacendado. Sin embargo, la llegada inesperada de los rurales daal traste con el descanso y   matan a Doc, mientras que Dad y Rio escapan, aunque quedan atrapados en una colina alta con un único caballo para los dos. 

Rio calcula que los rurales "pululando sobre nosotros dentro de una hora" así que entre los dos deciden que uno  podría tener éxito en cabalgar hasta un picadero cercano en una pequeña casa de adobe y regresar con nuevas monturas para huir. Ellos  se la juegan aunque Rio ha hecho trampas para que su amigo, Dad, pueda ser el que salga de la reseca montaña. 

Dad llega a un corral y amarra las alforjas de oro en un caballo nuevo, pero se lo piensa mejor. Dirige su mirada hacia el punto  en el que está Río y que seguramente será tomado por los rurales , y con el otro mira en la dirección opuesta, hacia la frontera y la seguridad. La primera opción lo conduce al peligro y da pocas posibilidades de sobrevivir con la mitad del botín, la otra hacia cierta seguridad con todo el botín. 

Tras un breve momento de reflexión deja a su amigo para que se lo lleven los rurales. Tras pasar unas horas y sin agua Rio es arrestado deshidratado y transportado llevado a un penal, aunque antes pasa por el picadero de adobe, el jacalito , donde se entera de la traición de Dad. 

Rio pasa cinco duros años en el Penal de Sonora. Se escapa con su nuevo compañero Chico Modesto (Larry Duran) y sale con un único objetico: encontrar a Dad Longworth y vengarse por su traición. 

Río vive obsesionado con la idea de vengarse del traidor. Sin embargo, y siempre acompañado de Modesto va de cantina en cantina buscando información. En una de ellas coincide con una chica amiga común tanto de él como de Dad, una pelirroja , que juguetea con los yanquis. Se tratan de  Bob Amory  (Ben Johnson) y Harvey Johnson ( Sam Gilman). El primero aborda a Río y le propone un proyecto: el asalto de un banco de Monterrey (California), queda demás tiene un interesante aliciente: el sheriff del pueblo no es otro que Dad.

El cuarteto se dirige a la frontera y tras quince días llegan a la costa californiana la ciudad de Dad, quien ha pasado todos estos años temiendo su regreso mientras ahora aparenta una vida legal como sheriff de Monterey, California . 

Río en lugar de tenderle una emboscada, le da la oportunidad de explicar por qué lo dejó tirado en México. El mismo Rio le cuenta que escapó del asedio y que nunca fue capturado y, como tal, no tiene motivos para sentir venganza. La situación incómoda a Dad pero la historia de Rio no es menos inverosímil así que lo invita a pasar al interior de su casa situada a dos millas de la ciudad, junto al mar. 

Sin embargo, todo este tiempo ha servido para que Rio madure su plan de vengarse de Dad y también para llevar a cabo un robo a un banco en Monterey con sus nuevos socios. De todas maneras el afirma que está de camino a Oregón. No obstante, los planes se desvían cuando Rio se enamora de la hermosa hijastra de Dad, Louisa ( Pina Pellicer ). 

Louisa invita a Rio a disfrutar de una fiesta al día siguiente. La fiesta es un hervidero de personas y de bebida. Baila y bebe como todos los asistentes. Río además esa noche le sirve para engatusarla y pasar la noche con ella en la playa. 

Dad intenta castigar a Louisa por lo sucedido, pero tras la intervención de su esposa, María, ( Katy Jurado) renuncia. Aún enfurecido, atrapa a Rio, tras el incidente vivivo en un bar con un hombre que agrede a una flamenca y aprovechando la coyuntura lo ata en el medio del pueblo y le da una brutal paliza con un látigo. Luego aplasta la mano de la pistola de Rio con la culata de su escopeta, para asegurarse de que Rio nunca pueda vencerlo en un tiroteo. 

Tras lo ocurrido permite que salga de la localidad y Río y los suyos se refugian en la casade unos chinos en la playa. Allí se recupera aunque lentamente de sus heridas, lo que desespera a Emory y a su socio. No a Modesto que está fielmente con Río.

Rio lucha con sus deseos conflictivos de amar a Louisa que lo busca en la playa aunque le oculta que va a ser padre y vengarse de su padrastro. Practica repetidamente disparar con la mano izquierda. 

Con el tiempo Río decide renunciar a la venganza y al asalto al banco. Su intención es buscar a Louisa y marcharse de la ciudad. 

Sin embargo, Emory ha estado elaborando sus propios planes. Él y su socio matan a Chico cuando éste ha decidido regresar a México. Mientras marchan con dirección a Monterrey le ofrecen participar en el robo al banco sin el conocimiento de Rio. Modesto se niegan, pero lo matan.

Después Emory va  en bisca de Dad y le dice que Río le espera. Mientras espera Emory comete el atraco, pero este sale mal y una joven muere. 

Tras lo ocurrido Rio es acusado de cometer los crímenes por Dad y a pesar de que  Rio  lo niega , sabiendo que el resultado de su juicio condenatorio Dad lo encarcela. 

Tras el juicio Rio es condenado a ser ahorcado en dos días. Dad tiene una última charla privada con él, nuevamente tratando de absolverse a sí mismo por todo lo que ha hecho. Rio responde: " he visto el otro lado de tu cara". 

Por su parte, Louisa visita a Rio en la cárcel para decirle que va a tener a su bebé. Luego es golpeado por el sádico ayudante del sheriff Lon Dedrick ( Slim Pickens ), quien deseaba tener una relación con Louisa. 

Por su parte, María se enfrenta a Dad e insiste en que le digan la verdad sobre la relación entre él y Rio, afirmando que sabía que algo andaba mal desde el momento en que Rio llegó. Ella dice que sabe que Dad quiere colgarlo simplemente por culpa. Dad se va enojado después de decirle que no aprecia todo lo que ha hecho por ella y más aún cuando se entera que su hijastra está embarazada. 

Mientras tabto, Louisa intenta pasar de contrabando una pistola Derringer de bolsillo a Río, pero Dedrick la descubre, se burla de ella y la saca de la cárcel, dejando la pistola sobre una mesa. Mientras están fuera, Rio con gran dificultad es capaz de tomar la pistola que ha quedado sobre una mesa Sin embargo, está sin munición. De cualquier manera apunta con el arma descargada a Dedrick cuando regresa.

Consigue salir y Rio se escapa de la cárcel. Rio toma el revólver de Dedrick, lo golpea hasta dejarlo inconsciente y lo encierra en una celda. 

Mientras Rio se escapa, Dad lo ve, yendo a la ciudad. Bajo fuego, en el enfrentamiento final, Rio mata a tiros a Dad. Rio y Louisa cabalgan hacia las dunas y se despiden sentimentalmente. Rio ahora será un hombre perseguido y ya es buscado en México, por lo que le dice a Louisa que podría ir a Oregon . Él le dice que lo busque en la primavera, cuando él regresará por ella. Acabando en la playa la película.

Rod Serling , creador de la serie de televisión The Twilight Zone , escribió una adaptación de la novela The Authentic Death of Hendry Jones de Charles Neider (1956), a petición del productor Frank P. Rosenberg. 

El libro era un tratamiento ficticio de la historia de Billy the Kid , trasladada de Nuevo México a la península de Monterey en California. La adaptación fue rechazada, pero Rosenberg luego contrató a Sam Peckinpah , quien terminó su primer guión el 11 de noviembre de 1957. 

La productora Pennebaker Productions de Marlon Brando había pagado $ 40,000 por los derechos de Authentic Death y luego firmó un contrato con Stanley Kubrick para dirigir para Paramount Pictures . 

Peckinpah entregó un guión revisado el 6 de mayo de 1959. Brando luego despidió a Peckinpah y contrató a Calder Willingham para que revisara más el guion de la película, pero finalmente él también fue despedido. 

Guy Trosper fue contratado como reemplazo final. Además, Stanley Kubrick, por razones desconocidas, dejó de dirigir la película solo dos semanas antes de comenzar la producción.  Brando se ofreció a dirigir en su lugar. En última instancia, la película se parecía poco a la novela de Neider, y lo que queda tiene mucha más resonancia con la historia que con la ficción. 

En varias ocasiones, los dos guionistas acreditados y el no acreditado Peckinpah han reclamado (o han reclamado por ellos) la mayoría de la responsabilidad de la película. Cuando se le preguntó a Karl Malden quién escribió realmente la historia, dijo: "Hay una respuesta a tu pregunta: Marlon Brando, un genio de nuestro tiempo". Parece que malden llegó también la dirección de algunas secuencias. 

Se rodó en escenarios de California como Monterey Peninsula y su 17-Mile Drive, Pfeiffer Beach en Big Sur, Cypress Point en Pebble Beach, en Zabriskie Point del Death Valley National Monument, Warner Ranch sito en Calabasas. También se rodó en México en concreto en Bavispe y Yaqui River y Altar en Sonora, Durango, Puerto Peñasco, y en los Paramount Studios en el 5555 Melrose Avenue de Hollywood entre diciembre de 1959 y octubre de 1960. 

La película fue el último largometraje de Paramount Pictures estrenado en VistaVision allá por el 30 de marzo de 1961 en la ciudad de Nueva York. Lo cierto es que generó poco dinero, lo que llevó a una serie de películas sin éxito para Brando. 

Marlon Brando filmó un total de cinco horas de imágenes adicionales, algunas de las cuales fueron destruidas más tarde. Más tarde, otros directores trabajaron en el resto de la película después de que Brando se alejara de la producción. En una entrevista con Rolling Stone de 1975, Brando dijo sobre la dirección: "Trabajas hasta la muerte. Eres el primero en levantarse por la mañana ... Quiero decir, filmamos esa cosa en la carrera, ya sabes, inventas el diálogo la escena anterior, improvisando, y tu cerebro se vuelve loco ”. 

Gran parte de la crítica consideró que El rostro impenetrable era un ejercicio narcisista de su director-actor. Sin embargo su recepción en Europa fue muy buena, de tal modo que en julio de 1961 recibió la Concha de Oro en el Festival Internacional de cine de San Sebastián.

Con todo la pelívula fue nominada al Oscar a la  Mejor fotografía en color para Charles Lang (1902 - 1998), y el Sindicato de Directores (DGA) la nominó a Mejor director.

Como ya hemos visto la película en los Estados Unidos no tuvo una gran respuesta aunque recibió buenas críticas. 

Bosley Crowther de The New York Times , influenciado favorablemente por los esfuerzos de Brando, señaló: "Dirigido  e interpretado con el tipo de estilo vicioso que el Sr. Brando ha puesto en muchos de sus papeles escurridizos y escabrosos. El realismo huele en ellos , como está en muchos detalles de la película. Pero, al mismo tiempo, está curiosamente rodeado de elementos de romance cremoso-cliché y una especie de extravagancia pictórica que se suele ver en las películas de las islas del Mar del Sur ".

En las páginas de Variety, por otro lado, se escribió que "Es una rareza (...) tanto su fuerza como por su debilidad que radica en el área de la caracterización. El concepto de Brando exige, sobre todo, profundidad de carácter, figuras humanas dotadas de un bien y lados malos de su naturaleza ". 

Dave Kehr de The Chicago Reader escribió: "Hay una fuerte atracción freudiana en la situación (el nombre de la pareja es" Dad ") que es más ritualizada que dramatizada: las escenas más memorables tienen una feroz intensidad masoquista, como si Brando estaban aprovechando la oportunidad para castigarse a sí mismo por algún crimen desconocido " 

En filAffinity se informa que es un "Western de traiciones y venganzas que comenzó a rodar Stanley Kubrick pero que acaba y firma Marlon Brando. Algo excesivo en su metraje, tiene excelentes secuencias pero, sobre todo, tiene a Brando y a Malden"

En el País Miguel Ángel Palomo señala que es un "Western sin precedentes, psicológico, fantasmagórico, abstracto. También, un ejercicio de egolatría feroz. Pero las barrocas imágenes suponen en su osadía un alarde tal que se le perdona el narcisismo" 

Por último en ABC Play señala que "Wéstern psicológico sobre un malhechor que busca vengarse de un antiguo amigo, ahora 'sheriff'. Basado en la novela de Charles Neider, se trata de la única incursión tras la cámara del mítico Marlon Brando. Un filme considerado notable en cuanto a su estudio de personajes, pero criticado por su excesivo metraje y el narcisismo de su director. La película se benefició del trabajo de sus dos protagonistas principales, Marlon Brando y Karl Malden, ambos pertenecientes a la célebre escuela del método, y de la actriz secundaria Katy Jurado ("La hoguera de odios"). "

Lo cierto es que la película pasó a ser de dominio público en 1988 , pero en  2018 la película fue seleccionada para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso. Merecido premio para este western que mira más al mar que ningún otro. 

Perros de paja

Straw Dogs o Perros de paja  es una película estadounidense-británica de suspense y drama de 1971, dirigida por Sam Peckinpah. Coherente con el carácter del maestro californiano que buscó refugio en Montana, crítico con los estudios, verso libre y con criterio y temperamento, amigo de sus amigos y hombre de convicciones como puede comprobar hace unos meses al ver el documental  que protagoniza su hija, titulado Peckpinpah Suite, que no deja de ser la búsqueda de las raíces de un padre al que poco trató, aunque según se ve, mucho quiso. 

Perros de paja es una de esas películas claves en la filmografía de Peckinpah, pues es un producto marca de la casa y, como gran parte de su obra, un estudio sobre la violencia del ser humano como uno de los impulsos que mueven a los hombres y determinan la condición humana de cada uno. En este caso la película está basada en la novela "The Siege of Trencher's Farm", de Gordon M. Williams.

Desconocía que "Perros de paja" es una expresión de origen chino y que se utiliza para hacer referencia de aquellas personas que aparentan fuerza y poder pero que en realidad presentan una condición o naturaleza hueca, falsa. También se utiliza para aquellos a quienes se utiliza para un fin sin su conocimiento. Pero reconozco que la idea que más me gusta aplicada a la película, dada la naturaleza de su protagonista, es la que defiende el taoísmo que significa que dice más o menos lo siguiente:

Ni el Cielo ni la Tierra tienen sentimientos 

trata todas las cosas como perros de paja. 

El Sabio no tiene sentimientos

trata a toda su gente como perros de paja. 

En este caso la película del californiano enamorado de México se una producción de Daniel Melnick para la productora ABC Pictures Corp. en la que participan Talent Associates Films, Ltd. Amerbroco Films, Ltd. y que contó con un presupuesto de $ 2,2 millones. La película fue distribuida por la British Film Institute (BFI).

La película parte del guion escrito enytre David Zelag Goodman y Sam Peckinpah, como ya he señalado, basada en The Siege of Trencher's Farm, de Gordon Williams.

La película cuenta con la música de Jerry Fielding, la fotografía de John Coquillon y un montaje que vivió turbulencias como demnuestra que en el mismo participaron Paul Davies ,  Tony Lawson y Roger Spottiswoode. El diseño de producción de la película fue de Ray Simm. 

El reparto lo encabeza Dustin Hoffman como David Sumner, Susan George como Amy Sumner , Peter Vaughan como Tom Hedden, T. P. McKenna como el Mayor John Scott , Del Henney como Charlie Venner , Jim Norton como Chris Cawsey , Donald Webster como Phil Riddaway,  Ken Hutchison como Norman Scutt o Scutty, Len Jones como Bobby Hedden, Sally Thomsett como Janice Hedden, Robert Keegan como Harry Ware, Peter Arne como John Niles , David Warner como Henry Niles, Colin Welland como el reverendo Barney Hood y Cherina Schaer como Louise Hood.

La película comienza con la llegada a una localidad de Wakely en el campo de Cornualles de los Sumner, unos recién casados que buscan en la localidad la tranquilidad que necesita el marido David (Dustin Hoffman) para desarrollar un trabajo de investigación dentro de las matemáticas una vez que ha obtenido una beca para estudiar estructuras estelares. David es estadounidense y tiene una formación científica, es matemático aplicado que se muda con su  joven y liberal esposa inglesa Amy (Susan George) a su pueblo natal de Wakely. 

La pareja se ha instalado en la casa familiar que ha sido heredada por Amy tras la muerte de su padre. La casa tiene un anexo en mal estado que lleva unos días reparándose.

Nada más llegar Amy al pueblo se encuentra con su ex novio, Charlie Venner (Del Henney ). En una conversación entre ambos vemos que él no la ha olvidado , pero ella lo rechaza algo que le molesta. Además nos enteramos que en la reparación de la casa están tres amigotes de éste  Norman Scutt, Chris Cawsey y Phil Riddaway. A ninguna le gusta que un forastero se haya casado con una de los suyos. Tras comprar avituallamientos para la casa David va al pub donde tiene la desagradable sorpresa de conocer al tío de Venner, Tom Hedden (Peter Vaghan), un borracho violento cuya coqueta hija adolescente Janice ( Sally Thomsett ) parece atraída por Henry Niles (David Warner), un hombre mentalmente deficiente despreciado por toda la ciudad. 

Nada más llegar a la granja de los Sumner , un lugar aislado del pueblo, Trenchers Farm,  conocemos a los que allí trabajan para techar el garaje, entre ellos Scutt, un ex convicto que le dice a cazador de ratas Cawsey sus celos por la relación pasada de Venner con Amy. 

Los Sumner están impacientes por la falta de progreso por eso han decidido contratar a Venner y su primo Bobby. 

Vemos que a pesar de que dicen quererse hay fuertes tensiones en su matrimonio. Amy critica la falta de ambición de David, mientras que éste echa en cara su infantilismo capaz de cambiar un signo en su pizarra de trabajo. Amy piensa que él es un cobarde siendo esta la verdadera razón para dejar Estados Unidos. 

Él responde retirándose más profundamente en sus estudios, y le pide que dejé en paz al gato al que busca de manera permanente y utilice sujetador o que cierre las cortinas cuando se cambia ignorando tanto la hostilidad de los lugareños como la insatisfacción de Amy que se desnuda de forma descarada ante los operarios. 

Su distanciamiento y discursiones en las que Amy le dice en alguna ocasión que "“Estoy aquí porque dijiste una vez que aquí podríamos ser felices” ", da como resultado las bromas que atraen la atención de Amy y su comportamiento provocativo hacia los trabajadores, particularmente Venner. 

David , que de vez en cuando baja al pueblo, ve como es atendido amablemente por el Mayor e incluso  acepta tener un encuentro y una conversación con el vicario, el reverendo Barney Hood, y su mujer. Tanto él como Amy, son invitados a una evento comunitario organizado por el vicario en el que participarán todos los lugareños.

Una noche cuando David llega a casa y después de buscar al gato lo encuentra colgando muerto en el armario de su habitación, Amy reconoce que Cawsey o Scutt son los responsables, pues son las únicas personas que han podido tener acceso a la casa. 

Amy presiona a David para que se enfrente a los trabajadores, pero él está demasiado intimidado por ellos para acusarlos. La estrategia de Amy, que junto a unas cervezas saca un cuenco de leche, no sólo no da resultado sino que David lo asume como una intervención de Amy inapropiada.

Tras las cervezas los hombres invitan a David a ir de caza al día siguiente. Lo llevan a un lugar remoto y lo dejan allí con la promesa de conducir pájaros hacia él. 

Con David lejos, Venner va a Trenchers Farm, donde intenta tener sexo con Amy. Ella se resiste al principio, luego se somete. Después llega a Scutt que entra en silencio y armado y le indica a Venner que se aleje a punta de pistola y viola a Amy mientras Venner la sujeta a regañadientes. 

David regresa mucho más tarde, resentido tras matar un par de faisanes, algo que no le interesaba, por la broma pesada que le hicieron los hombres. 

Amy, aunque claramente molesta, no dice nada sobre los intrusos y lo que le hicieron, aparte de un comentario que escapa a la atención de David. 

Al día siguiente, David despide a los trabajadores, aparentemente por su lento progreso. Más tarde, los Sumner asisten a una reunión social en la iglesia donde Amy se angustia al ver a sus violadores. En el acto social, Janice invita a Niles a irse con ella y ella comienza a seducirlo para alejarlo de la multitud. 

Cuando se descubre que Janice ha desaparecido, se envía a su hermano Bobby a buscarla, y cuando él la llama, Niles entra en pánico y estrangula a Janice hasta la muerte. 

Los Sumner, que también se sienten muy incómodos en el acto y se van temprano, conduciendo a través de una espesa niebla, y accidentalmente atropellan a Henry Niles cuando escapa de la escena del crimen. 

Lo llevan a su casa y David llama al pub local para informar del accidente y solicitan un médico. Los lugareños, que mientras tanto se han enterado de que Janice fue vista por última vez con Niles, son alertados sobre el paradero de Niles. 

Pronto, Hedden, Scutt, Venner, Cawsey y Riddaway llegan a la granja y se disponen a golpear borrachos las puertas de la casa de los Sumner. 

Al negarse a entregar a Niles, David se niega a permitir que se lo lleven, a pesar de las súplicas de Amy. El enfrentamiento parece desencadenar un instinto territorial en David: "No permitiré la violencia entre en esta casa". 

El Mayor Scott llega para calmar la situación, pero Hedden lo mata accidentalmente durante una pelea. Al darse cuenta del peligro que corre al presenciar este homicidio, David improvisa varias trampas y armas, incluido aceite y agua hirviendo, para defenderse de los atacantes. 

Sin darse cuenta, obliga a Hedden a dispararse en el pie, deja a Riddaway inconsciente y golpea a Cawsey hasta matarlo con un atizador. 

Venner lo sostiene a punta de pistola, pero los gritos de Amy alertan a ambos hombres cuando Scutt la ataca de nuevo. Scutt sugiere que Venner se una a él en otra violación en grupo , pero Venner lo mata a tiros. 

David desarma a Venner y en la pelea se el cuello al enredarse en la trampa de casa que compra David para decorar la casa al inicio de la película. 

Revisando la carnicería resultante y sorprendido por su propia violencia, David murmura para sí mismo: "Jesús, los tengo todos" ya no parece ser el hombre reservado y tímido que vive absorto en sus investigaciones y que procuraba evitar cualquier disputa. Junto en ese momento Riddaway se recupera y  lo ataca brutalmente, pero Amy le dispara mientras intenta romper la columna vertebral de David. 

Tras eso  David se sube a su coche para llevar a Niles de regreso al pueblo. Niles dice que no conoce el camino a casa. David dice que él tampoco y ambos se marchan dejando atrás un impresionante reguero de cuerpos destrozados por la venganza de Sumner acabando así la película.

Las dos películas anteriores de Sam Peckinpah , The Wild Bunch y The Ballad of Cable Hogue , habían sido realizadas para una de las "Majors" en concreto para la Warner Bros.-Seven Arts . Sin embargo su relación con la compañía terminó después de que la filmación caótica de Cable Hogue terminara con una tardanza de 19 días sobre la planificación prevista y $ 3 millones sobre el presupuesto .

Ante esta mala imagen dada Peckinpah se vio obligado a viajar a Inglaterra para dirigir Straw Dogs, una película que iba a producir Daniel Melnick, quien había trabajado previamente con Peckinpah en su película para televisión de 1966 Noon Wine.

El guion comenzó a partir de la novela de Gordon Williams The Siege of Trencher's Farm y como señaló posteriormente Peckinpah  "David Goodman y yo nos sentamos y tratamos de hacer algo válido de este libro podrido. Lo hicimos. Lo único que conservamos fue el asedio en sí". 

En cuanto a la idea original muchos fueron planteados para el papel de David, entre ellos  Beau Bridges , Stacy Keach , Sidney Poitier , Jack Nicholson y Donald Sutherland fueron considerados para el papel principal antes de que Dustin Hoffman fuerse el elegido.  Hoffman accedió a hacer la película porque estaba intrigado por el personaje, un pacifista que ignoraba sus sentimientos y el potencial de violencia que eran los mismos sentimientos que aborrecía en la sociedad. Para el papel femenino se barajó la posibilidad de contratar a Judy Geeson , Jacqueline Bisset , Diana Rigg , Helen Mirren , Carol White , Charlotte Rampling y Hayley Mills pero para el papel de Amy se optó por Susan George. Hoffman no estuvo de acuerdo con el reparto, ya que sintió que su personaje nunca se casaría con un tipo de chica tan " Lolita ". Peckinpah insistió en George, una actriz relativamente desconocida en los Estados Unidos en ese momento. Y fue finalmente la seleccionada.

El rodaje se realizó en  St Buryan cerca de Penzance en Cornwall , incluso en la iglesia de St Buryan . Los interiores se rodaron en Twickenham Studios en Londres . 

La película se estrenó en Gran Bretaña en noviembre de 1971 y un mes después, en diciembre de 1971 en los Estados Unidos, concretamente en Los Ángeles. La taquilla superó con creces lo invertido con $ 8 millones. En cuanto a los Premios en aquel 1971 fue nominada al Oscar a la mejor bso drama 

En cuanto a las críticas destaca la de Roger Ebert del The Chicago Sun-Times que describió la película como "una gran decepción en la que las teorías de Peckinpah sobre la violencia parecen haber retrocedido a una especie de mezcla del siglo XIX de Kipling y machismo". Y en rogerebert.com "Cuando se puede resumir una cinta con tanta facilidad, ¿para qué molestarse en hacerla? (...) Es una película inteligente pero sólo interesante en el contexto del resto de sus obras" 

En las cercanías, Gene Siskel del Chicago Tribune  escribió que a pesar de que no estaba de acuerdo con la aparente cosmovisión de Peckinpah de que "el hombre es un animal, y su pasión por destruir a los de su propia especie se encuentra justo debajo de su piel", sin embargo, era "una película magníficamente hecha. Peckinpah crea un ambiente de violencia inminente con gran habilidad ". 

Para Vincent Canby del The New York Times fue una "una decepción especial" ya que era "una película inteligente, pero interesante sólo en el contexto de sus otros trabajos".. Pero añade 'Straw Dogs' sirve como tratado abrasador del director sobre los impulsos animales inherentes al hombre (...) " 

Variety escribió en sus páginas que  "El guion (de la novela de Gordon M. Williams El asedio de la granja de Trencher ) se basa en el impacto y la violencia para superar la debilidad en el desarrollo, la caracterización superficial y la falta de motivación".

Gary Arnold del The Washington Post escribió: "Las personas que son sensibles tanto a la visión como a las implicaciones de la violencia probablemente se sentirán disgustadas y enojadas por 'Perros de paja' porque no hay una motivación creíble para la violencia. Por primera vez, Peckinpah realmente parece especializarme en la violencia en lugar de explorar sus efectos y significados ... Me habría salido de 'Perros de paja' en varios puntos si hubiera sido cualquier cosa menos un crítico profesional ". 

Paul D. Zimmerman de Newsweek declaró: "Es difícil imaginar que Sam Peckinpah alguna vez haga una película mejor que Los perros de paja. Expresa a la perfección su visión primitiva de la violencia: su creencia de que la hombría requiere ritos de violencia, que el hogar y el hogar son inviolable y debe ser defendido con sangre, que un hombre debe conquistar a otros hombres para demostrar su valentía y aferrarse a su mujer ". 

Al otro lado del país, Charles Champlin de Los Angeles Times la calificó como "una pieza de narración abrumadora, que seguramente recordará a cada espectador los pozos de emoción primaria que acechan dentro de sí mismo, bajo la frágil capa de control civilizado. Es, creo, un mejor película que 'The Wild Bunch', menos ritualista y menos espantosamente gráfica en su violencia, y de hecho menos cínica ". 

En 1997 en las páginas de Entertainment Weekly se destacaba que la interpretación contemporánea era la de una "exploración seria de la relación ambivalente de la humanidad con el lado oscuro", pero ahora parece un "baño de sangre de explotación". 

Nick Schager de Slant Magazine por su parte escribió: "Sentarse a ver el controvertido clásico de Peckinpah no es muy diferente de ver cómo una mecha encendida avanza lenta e inexorablemente hacia su destino combustible: la acumulación tensa es tan impactante y cruel como su feroz conclusión es inevitable ". 

Philip Martin del Arkansas Democrat-Gazette escribió: "Peckinpah" en Straw Dogs ... ha seguido siendo importante para mí durante 40 años. Junto con La naranja mecánica de Stanley Kubrick , Perros de paja se coloca como una película profunda y transgresivamente violenta producto de los años 70; uno que aún conserva su poder de causar conmoción después de todos estos años ". 

Nick Schager de Slant "dice que "No es divertida de ver, pero es una experiencia poderosa y única, una verdadera obra de arte." 

Andre Dellamorte de Collider destaca que "La misión de Peckinpah es perturbar y lo consigue a través de un elaborado montaje (…) " 

Desde Gran Bretaña Almar Haflidason de la BBC dice que "Peckinpah presenta a la violencia de una manera muy cruda. No necesita de la sangre (aunque la utiliza mucho) para hacer sentir esa violencia extrema. En Perros de paja, el personaje de Dustin Hoffman siente esta desazón, ya que se encuentra solo en un entorno hostil, en el que incluso su propia esposa representa una amenaza a su integridad". 

La película hay que verla en su contexto fue controvertida, en su estreno en 1971, se destacó la la escena de violación prolongada que es la pieza central de la película. Los críticos acusaron a Peckinpah de glamorizar y erotizar la violación y de participar en el sadismo misógino y el chovinismo masculino ,  especialmente preocupados por la ambigüedad pretendida de la escena: después de resistirse inicialmente, Amy parece disfrutar partes de la primera violación, besando y sosteniendo a su atacante, aunque más tarde tiene recuerdos traumáticos. Otra crítica es que todos los personajes femeninos principales describen a las mujeres heterosexuales como perversas, ya que cada aparición de Janice y Amy se utiliza para resaltar la sexualidad excesiva.

La violencia provocó fuertes reacciones, muchos críticos la vieron como un respaldo a la violencia como redención y la película como una celebración fascista de la violencia y el vigilantismo . 

Otros lo ven como anti-violencia, describiendo el final sombrío como consecuencia de la violencia. Dustin Hoffman vio a David deliberadamente, aunque inconscientemente, provocando la violencia, siendo su alboroto homicida final el surgimiento de su verdadero yo; este punto de vista no fue compartido por el director Sam Peckinpah. El estudio editó la primera escena de violación antes de lanzar la película en los Estados Unidos, para obtener una calificación R de la MPAA . 

En el Reino Unido, la Junta Británica de Clasificación de Películas la prohibió de acuerdo con la Ley de Grabaciones de Video  aunquer se había estrenado en cines en el Reino Unido, con la versión sin cortes obteniendo una calificación de 'X' en 1971 y la impresión con clasificación R de Estados Unidos ligeramente cortada con una calificación de '18' en 1995. 

En marzo de 1999, una nueva edición de Straw Dogs , que eliminó la mayor parte de la segunda violación, consiguió que se le negara un certificado de video cuando el distribuidor perdió los derechos de la película después de aceptar hacer los cortes solicitados de BBFC, y la versión completa sin cortes también fue rechazada para video tres meses después con el argumento de que el BBFC no pudo pasar la versión sin cortar tan pronto después de rechazar una cortada. 

El 1 de julio de 2002, Straw Dogs finalmente fue certificado sin editar en VHS y DVD . Esta versión no estaba cortada y, por lo tanto, incluía la segunda escena de violación, en la que, en opinión del BBFC, "se demuestra claramente que Amy no disfruta del acto de violación". 

El BBFC escribió que "Los cortes realizados para la distribución estadounidense, que se hicieron para reducir la duración de la secuencia, tendieron paradójicamente a agravar la dificultad con la primera violación, dejando al público la impresión de que Amy disfrutaba de la experiencia. La Junta consideró en 1999 que la versión precortada erotizaba la violación y, por lo tanto, planteó preocupaciones a la Ley de grabaciones de vídeo sobre la promoción de actividades nocivas". 

La versión de 2002 es sustancialmente la versión original sin cortes de la película, restaurando gran parte de la inequívocamente desagradable segunda violación. La ambigüedad de la primera violación se contextualiza con la segunda, lo que ahora deja bastante claro que la agresión sexual no es algo que Amy finalmente agradezca.

Lo cierto es que desde la década de 1960  la figura de Peckinpah es vista como un transgresor , un hombre que rompe los moldes con obras en las que la violencia aparece en primer plano y muestra su cara menos amable. Perros de paja es una de las películas más características de esta época. 

Con todo señalar que a pesar de no ser un western, lo cierto es que tiene estructura de western. Ese ataque reiterado a la casa me ha remitido por momentos al ataque al hogar que habremos visto en infinidad de ocasiones. 

La película es hija de su tiempo como  A Clockwork Orange , The French Connection y Dirty Harry. Es más, películas que no eran otra cosa que un estudio sobre la irracionalidad y la violencia del ser humano. Yo recuerdo haberla visto dentro de aquel ciclo que fue presentado como cine a medianoche que se daban los viernes por la noche entre 1985 y 1988, pero eso es otra historia.