sábado, 29 de septiembre de 2018

Grand Hotel


Con el sonido de un vals, el del Danubio Azul de Joham Strauss, una presentación de personajes similar a las que nos hacía el genial Howard Hawks, y una personaje el Dr. Otternschlag interpretado por Lewis Stone que abre y cierra la película con una declaración de intenciones en la que afirma "Grand Hotel. Siempre es lo mismo. La gente viene. La gente se va. Nunca sucede nada", cercana al sentido a la idea de la vida como algo circular llena de historias , pero en las que aparentemente no pasa nada,  comienza este Grand Hotel una película estadounidense del año 1932 dirigida por Edmund Goulding y producida y distribuida por el mítico Irving Thalberg para la Metro-Goldwyn-Mayer. Fue una película de alto presupuesto para época como se aprecian los $ 750,000 de presupuesto.

La película fue trascendente en la historia del cine. Con ella aparece el llamado "star system" o "all star films", en los que varias estrellas de renombre comparten escena. Es además una película perteneciente a una momento del cine norteamericano curioso, la llamada "época pre-code" en el que la industria cinematográfica estadounidense hace referencia al periodo comprendido entre la introducción del sonido, finales de los años veinte,​ y la aplicación del Código de Producción de Películas (Motion Picture Production Code) que recogía las directrices de censura y que desde 1934 se conoció como «código Hays».

Antes de esa fecha, el contenido de las películas estaba más restringido por la legislación local, las negociaciones entre el Comité de Relaciones Cinematográficas (Studio Relations Commitee) y los grandes estudios, por lo que el código Hays fue a menudo ignorado por los productores de Hollywood. Es perceptible por la tanto en la película alguno de los elementos que más tarde se perseguirán como son insinuaciones sexuales, infidelidad, violencia intensa , la presencia de una mujer que no tiene problema para acostarse con un hombre por dinero o dar la apariencia de chica fácil, la aparición de ladrones de guante blanco que sablean a los habitantes del Hotel, pero que son presentados como protagonistas de cierto encanto.

Curiosamente en febrero de 1930, varios directivos ─entre los que se encontraba Irving Thalberg de Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)─ se reunieron con el jesuita padre Daniel A. Lord y con el católico - eso sí, laico- editor de la revista cinematográfica Motion Picture Herald, Martin Quigley que habían redactado un código de normas cinematográficas (que agradó mucho a Will H. Hays que poco después fue contratado por los estudios de Hollywood en 1922 para limpiar la imagen de estos, dañada por los escándalos protagonizados por los actores, y lo presentaron a los estudios. y, después de algunas revisiones, suscribieron las estipulaciones del código. Uno de los motivos principales que impulsaron la aceptación del código fue evitar la intervención directa del Gobierno. Se querían evitar que las películas fuesen malos modelos para la sociedad norteamericana suprimiendo de las películas lo que hasta esos años se podía ver : gángsteres presentados como héroes, mujeres fatales, defensa del mestizaje, consumo de drogas ilegales, aborto , homosexualidad,etc.

Además la película fue, hasta la fecha, la única que ha ganado el Premio de la Academia a la Mejor Película sin haber sido nominada en ninguna otra categoría.

El guión de William A. Drake está basado en la obra de teatro de 1930 del mismo título de Drake, quien la había adaptado de la novela de 1929 Menschen im Hotel de Vicki Baum . La autora y dramaturga Vicki Baum basó "Menschen im Hotel" en una historia real sobre un escándalo en un hotel que involucra a una taquígrafa y un magnate industrial, y en sus propias experiencias trabajando como camarera en dos conocidos hoteles de Berlín. El argumento se compone de una serie de historias entrecruzadas en el escenario de un hotel de Berlín, inspirado en el Hotel Adlon del barrio berlinés Unter den Linden.

Para la dirección fue contratado por Thalberg , el guionista, novelista , letrista y director británico Edmund Goulding, que desde 1921 trabajaba en los Estados Unidos y que apostó por un cine enmarcado dentro de los dramas cultos o de conjunto e incluso en cine negro y de acción. Curiosamente dos años antes de dirigir esta película, Edmund Goulding dirigió la película The Devil's Holiday (1930), que tuvo lugar en un hotel llamado Grand Hotel. Ambas películas se abren con escenas de los operadores de la centralita diciendo: "¡Grand Hotel!"

La película contó con la fotografía de William H. Daniels, la música compuesta por William Axt y Charles Maxwell y el montaje de Blanche Sewell.

El elenco lo encabeza Greta Garbo como Grusinskaya, la bailarina, los hermanos John y Lionel Barrymore como el Barón Felix von Geigern, en el primer caso y como Otto Kringelein en el segundo. Junto a ellos aparece Joan Crawford como Flaemmchen, la mecanógrafa, Wallace Beery como el director General Preysing, Lewis Stone como el Dr. Otternschlag, Jean Hersholt como Senf, el portero. Asimismo aparecen Robert McWade como Meierheim, Purnell B. Pratt como Zinnowitz, Ferdinand Gottschalk como Pimenov, Rafaela Ottiano como Suzette, Morgan Wallace como el chófer del barón, Tully Marshall como Gerstenkorn, Frank Conroy como Rohna, Murray Kinnell como Schweimann, Edwin Maxwell como Dr. Waitz y Allen Jenkins como Hotel Meat Packer.

La película comienza con una imagen exterior del Grand Hotel, hotel más lujoso y más caro de Berlín , y con una sucesión de personajes protagonistas que realizan llamadas telefónicas , mientras las chicas de la centralizan cruzan los cables de sus llamadas.

Tras la presentación vemos que se trata de Sent, el portero, que está a la espera de ser padre a lo largo de esos días, el barón Felix von Geigern que necesita dinero con urgencia ya que ha de afrontar unas importantes deudas, un enfermo Otto Kringelein que al creer que le queda poco tiempo de vida quiere disfrutar en el Grand Hotel de sus últimos momentos, el empresario Preysing que necesita urgentemente cerrar un acuerdo de fusión con dos empresas , Sajonia y Manchester, para evitar la quiebra de su misma empresa, así como la bella mecanógrafa Flaemmchen que sueña con ser actriz o una bailarina, Grusinskaya, insegura que cree haber perdido la confianza de su público y que piensa en retirarse.

Una vez hemos conocido a estos  personajes vemos al doctor Otternschlag (Lewis Stone), un veterano desfigurado de la Primera Guerra Mundial y residente permanente del Grand Hotel de Berlín, que se dirige a la cámara y a la que le dice: "La gente viene, se va. No pasa nada".

Tras eso vamos conociendo a los personajes con mayor profundidad. Al primero es el barón Félix von Geigern (John Barrymore), que desperdició su fortuna y se mantiene como jugador de cartas y ladrón de joyas ocasional, que colocó a un botones para que saque a pasear a su perro.

Mientras lo hace escucha la queja de un señor, de Otto Kringelein(Lionel Barrymore), un contable moribundo que ha decidido pasar sus últimos días en el lujo de este Hotel para sentir la vida. El barón se muestra amable con el contable y éste le pide que sea su amigo.

También conocemos al antiguo jefe de Otto Kringelein (Wallace Beery), el Director General industrial Preysing, que está en el hotel intentando cerrar un trato importante. Es él el que contrata a la taquígrafa Flaemmchen (Joan Crawford) para que lo asista.

Mientras entra en la habitación de Preysing, aunque éste la expulsa y le pide que le espere fuera, entra en contacto tanto con el señor Kringelein como con el Barón. De hecho ella queda cegada por la clase y el estilo del barón. Ambos quedan para el día siguiente a las cinco de la tarde para tomar el té y bailar en este hotel en el que nunca para la música. Al final, sale el señor Preysing y le pide que entre en su habitación. Entre dictado y dictado , ella que aspira a ser actriz , le muestra a Preysing algunas fotos de la revista por las que ella se presentó, lo que implica que está dispuesta a ofrecerle más que escribir si él avanza en su carrera. Preysing, un hombre repulsivo y sin moral, muy diferente de lo que alardea.

Otra residente del Hotel es la bailarina rusa Grusinskaya (Greta Garbo), cuya carrera está en decadencia. Y que vive en un inmenso mar de dudas sobre si retirarse o no. Sus asistentes Pimenov (Ferdinand Gottschalk) y Suzette (Rafaela Ottiano) le animan y piden que vuelva a recuperar su confianza.

Sin embargo, será el Barón quien se mete , tras una maniobra por el exterior del edificio, en su alcoba es pillado por la bailarina para robarle sus joyas tras regresar del teatro. Lo cierto es que él se esconde en su habitación y escucha cuando habla consigo misma acerca de querer poner fin a todo. Él sale de su escondite y entabla con ella una conversación. Tras la misma, Grusinskaya se siente atraída por él.

A la mañana siguiente, el Barón devuelve las joyas de Grusinskaya, y ella perdona su crimen. Ella lo invita a acompañarla a Viena , una oferta que acepta. Pero las deudas le agobian al igual que su chófer (Morgan Wallace). El barón está desesperado por dinero para pagar su salida del grupo criminal con el que había estado trabajando.

De cualquier manera al día siguiente acude a la cita con Flaemmchen que va acompañado de su jefe y que le ha prometido una habitación en el Grand Hotel para saciar sus instintos libidinosos. Tras eso Preysing negocia con los otros empresarios de Sajonia, aunque miente sobre los acuerdos con Manchester, llegando a firmar un acuerdo desde la mentira.

Por su parte, el Barón que juega tanto con Flaemmchen como con Grusinskaya recibe una propuesta de Kringelein para ir a jugar a las cartas en el Casino. Él y Kringelein se lanzan al juego y mientras Kringelein le sonríe la suerte del principiante y lo gana todo, él pierde todo su dinero.

Tras su victoria que le reporta una importante suma de dinero Kringelein se intoxica con tanto champagne y cae al suelo. En la caída , se le sale su cartera que es encontrada por el Barón que se la guarda en el bolsillo, con la intención de quedarse con las ganancias.

Sin embargo, después de que Kringelein comienza a buscar sus pertenencias perdidas, el Barón, que necesita desesperadamente el dinero pero se ha encariñado mucho con Kringelein, dice haber descubierto la billetera y se lo devuelve ante la mirada del Doctor Otternschlag, presente igualmente en la partida.

Como parte de un plan de fusión desesperado, Preysing debe viajar a Londres y le pide a Flaemmchen que lo acompañe. Más tarde, cuando los dos están en su habitación, que se abre a la suya, Preysing ve la sombra del Barón revolviendo sus pertenencias. Esto provoca el enfrentamiento entre el corrupto empresario y el Barón; los dos luchan, y Preysing golpea al Barón con el teléfono, matándolo.

Flaemmchen ve lo que sucede y va en busca a Kringelein, al estar en la habitación contigua . Éste se enfrenta a Preysing. Él insiste en que actuó en defensa propia, pero Kringelein llama a la policía y Preysing es arrestado generando un enorme revuelo en el Hotel.

Por su parte, Grusinskaya llega tras una sesión gloriosa y no es informada de lo que ha acontecido aunque lo ocurrido ya es conocido por todos. Como habían quedado en verse en el tren, ella parte hacia la estación de tren, esperando encontrar al Barón esperándola allí.

Mientras tanto, Kringelein se ofrece a cuidar a Flaemmchen y seguir disfrutando de la vida , ahora en un siguiente lugar, París, quien sugiere que busquen una cura para su enfermedad.

En esto que suena el teléfono del Grand Hotel y Sent, al que conocimos al principio de la película recibe una llamada. Acaba de ser padre de un chico y su mujer está perfectamente.

Al salir del hotel, el doctor Otternschlag observa nuevamente: "Grand Hotel. Siempre es lo mismo. La gente viene. La gente se va. Nunca sucede nada". Así acaba esta película que refleja como es la vida en la que , aparentemente nunca pasa nada, pero siempre aportan cosas, como la vida y la muerte que conviven con toda naturalidad.

La historia de esta producción comienza cuando el productor Irving Thalberg compró los derechos de la novela Menschen im Hotel de Vicki Baum por $ 13,000 y luego encargó a William A. Drake que lo adaptara para el teatro.

La obra fue presentada en Broadway en el Teatro Nacional el 13 de noviembre de 1930 y funcionó durante 459 representaciones.

Satisfecho con su éxito, Thalberg hizo que Drake y Béla Balázs escribieran el guión y presupuestaron el proyecto en $ 700,000.

Cada uno de los grandes estudios había producido una revista musical de estrellas entre los años 1929-30 para mostrar el esplendor del sonido, pero la sabiduría convencional decretó que no deberían aparecer más de una o dos estrellas en una película, maximizando las ganancias al obligar a las audiencias a pagar ingresos por separado ver sus estrellas favoritas repartidas en muchas películas. Esa filosofía cambió después de Gran hotel (1932), que contó con cinco estrellas de alto nivel de la MGM y se convirtió en una de las películas más taquilleras en la historia del estudio. Al darse cuenta de que un vehículo cargado de estrellas podía atisbar la asistencia de cada una de las bases de admiradores de sus artistas, en lugar de producir cinco o seis vehículos para lograr el mismo efecto, Thalberg inmediatamente ordenó la puesta en marcha de otro proyecto , la película "Cena a las ocho (1933) , que se convertiría la primera comedia repleta de estrellas.

Como ya hemos dicho , la película contó con grandes actores y actrices del momento. Greta Garbo también se mostró reacia a actuar en una película que incluía un reparto con tantas estrellas adicionales. Irving Thalberg fue capaz de convencerla de que aceptara el papel al ofrecerle un dinero sólo por la aparición de su apellido en los créditos iniciales, un honor que estaba reservado solo para los actores más apreciados en ese momento.

Greta Garbo era fiel a su reputación y a veces se mostraba distante y temperamental. En particular, detestaba que ningún extraño la viera en el trabajo mientras filmaba y no tenía reparos en que se quitara gente del set, sin importar quiénes fueran. "... hubiera sido lo mismo si hubiera sido Jesucristo", dijo Lionel Barrymore . "No lo hizo para ser impertinente. Estaba asustada. Era como un gato que se metía debajo de la cama cuando un extraño entraba a la habitación". Edmund Goulding estuvo de acuerdo. "En los estudios ella está nerviosa". Algo así como un caballo de carreras en el correo, realmente temblando, odiando a los espectadores. En el primer clic de la cámara, comienza a verter literalmente Garbo en la lente ".

Además propuso algunos elementos para la película. Por ejemplo, Greta Garbo solicitó que el escenario se iluminara en rojo para crear un ambiente más romántico para los ensayos.

Esta película dejó una de las frases para la historia del cine, que es pronunciada por Grusinskaya, o sea, Greta Garbo en la que repite "Quiero estar solo" e, inmediatamente después, "Solo quiero estar sola". Con el tiempo esa frase se vinculará con la vida personal y casi reclusiva de la actriz sueca que  más tarde aclaró  "Nunca dije que quería estar solo, solo dije 'quiero que me dejen en paz'. Hay toda la diferencia "

Por su parte, otra de las estrellas, John Barrymore, le pidió al director de fotografía William H. Daniels que "Tengo 50 años y quiero parecerme al nieto de Jackie Cooper ".

John Barrymore estaba tan entusiasmado con la posibilidad de aparecer en la película con Greta Garbo que aceptó un acuerdo de tres películas con la MGM.

La relación entre ambos actores fue muy fluida. La Garbo saludó a Barrymore diciendo: "Este es un gran día para mí. ¡Cómo he esperado trabajar con John Barrymore!". Supuestamente Barrymore quedó conquistado de inmediato. "Mi esposa y yo creemos que eres la mujer más adorable del mundo", respondió.

Greta Garbo era, como dicen mis amigos italianos "molto particulare"  en cuanto a cómo se grabaron sus escenas de amor con John Barrymore . Ella solicitó una iluminación frontal roja y requirió que se colocaran cortinas entre la cámara y el equipo de filmación para ayudar a crear el ambiente y crear la ilusión de que ella y Barrymore estaban solos.

Durante una toma, Garbo se dejó llevar tanto por la escena que siguió besando a Barrymore durante tres minutos completos después de que el director Edmund Goulding gritara corten. El metraje adicional de beso sobrevive, pero no se usó en el corte final.

Otra de las estrellas era una actriz emergente,  Joan Crawford, que al principio se opuso a su papel de Flaemmchen porque temía que gran parte de su actuación fuera censurada por ser demasiado provocativa y picara. El director Edmund Goulding y el productor Irving Thalberg le aseguraron que su parte sería filmada con buen gusto y que se la mostraría con simpatía. Sin embargo, las dudas de Crawford estaban justificadas, ya que muchas juntas de censura en los estados conservadores de América cortaron la mayoría de sus escenas por indecencia. En años posteriores, Joan Crawford describió la película como "una gran película, una gran experiencia en mi vida. Estoy muy orgullosa. Estaba muy contenta cuando escuché que lo haría. Solo quería ser digno".

Irving Thalberg originalmente quería que su esposa, Norma Shearer, interpretara el papel de Flaemmchen. Sin embargo, recibió muchos correos de admiradores en los que los fanáticos la desanimaron para que tomara el papel, después de lo cual ella rechazó la parte.

Joan Crawford estaba realmente impresionado por Greta Garbo . Aunque no tenían escenas juntas, Crawford saludaba a la enigmática estrella con reverencia cada vez que los dos se cruzaban entre las configuraciones de la cámara. Garbo nunca respondió, por lo que Crawford dejó de esforzarse para encontrarla y saludarla Algún tiempo después, Garbo detuvo a Crawford mientras ella caminaba silenciosamente junto a ella, comentando, "¿No vas a decirme algo?"

No fue un rodaje fácil. El ganador de un Oscar Wallace Beery salió furioso de los ensayos, diciendo que solo volvería "cuando Joan Crawford aprenda a actuar".

La película fue rodada en los Metro-Goldwyn-Mayer Studios sito en el 10202 W. Washington Blvd., en Culver City. El rodaje principal comenzó en diciembre de 1931 poco después del cierre de la obra teatral en Nueva York. Cuando el rodaje se completó a mediados de febrero de 1932, MGM promocionó la película en gran medida, su trailer jactándose "el mayor elenco jamás montado".

Hubo cierta controversia sobre Greta Garbo, con su fuerte acento sueco, simulando el ruso. Greta Garbo y Joan Crawford aparecen en ninguna escena juntos. Garbo no interactúa con ninguna de las estrellas de la película aparte de John Barrymore.

El estreno tuvo lugar en el Grauman's Chinese Theatre un 12 de abril de 1932 . Buster Keaton propuso una versión de comedia ambientada en una pensión de Nueva York titulada "Grand Mills Hotel" consigo mismo en el papel de Lionel Barrymore . Su propuesta de casting incluía a Marie Dressler como bailarina, Jimmy Durante como contador falso, Oliver Hardy como industrial, Stan Laurel como fabricante de botones, Polly Moran como secretaria y Henry Armetta como empleado de hotel y futuro padre. Aunque Thalberg quería hacerlo, el comediante había sido despedido por Louis B. Mayer y no deseaba ver su regreso al estudio.

En su primer año de lanzamiento, Gran hotel (1932) recuperó cinco veces su presupuesto en su lanzamiento inicial con $ 1,647,000, y llegó a alcanzar una taquilla total de $ 2,250,000.

La película también se vio como un logro artístico en su dirección de arte y calidad de producción. El director de arte, Cedric Gibbons , fue uno de los más importantes e influyentes en la historia del cine estadounidense. Las escenas del lobby estaban extremadamente bien hechas, retratando un escritorio de 360 ​​°. Esto permitió al público ver la acción del hotel de todos los personajes. Cambió la forma en que se crearon los conjuntos a partir de ese momento. En ese sentido parece que el papel del director Edmund Goulding tuvo cierta influencia ya que era uno de los directores más capacitados en el aspecto de la escenografía.

Fue , como ya hemos dicho un éxito de público, el más importante éxitode una película de Hollywood en 1932, pero también de crítica. Para Alfred Rushford Greason, de Variety, la película "puede que no satisfaga del todo a los espectadores que estaban fascinados por su hábil dirección escénica y su actuación moderada, pero atraerá y sostendrá al público más amplio al que ahora se dirige". Añadió: "El drama se desarrolla con una velocidad que nunca pierde su control, incluso durante la duración extrema de casi dos horas, y hay un patrón cautivador de comedia inesperada que lo recorre todo, siempre fresco y siempre patético". Y concluye que es Variety "Mejor que una simple transcripción buena de la obra de Vicky Baum."

Para Mordaunt Hall del The New York Times supuso un elogio a las actuaciones de Greta Garbo y John Barrymore,  y señaló que "La película se adhiere fielmente al original", dijo, "y aunque indudablemente carece de la vida y la profundidad y el color de la obra, por medio de excelentes caracterizaciones mantiene a la audiencia en qui vive". Y añadió en las páginas del The New York Times que "Es una producción merecedora de toda la charla que ha creado y las celebridades deben estar muy orgullosas de sus actuaciones, especialmente Greta Garbo y Lionel Barrymore."

Irene Thirer en el New York Daily News dijo de ella que "Todos y cada uno de los artistas de 'Grand Hotel' hace un trabajo extraordinario. Para nosotros, Garbo es el punto más alto de la magnificencia." 

John Mosher de The New Yorker lo calificó como una "película ingeniosa y astuta", elogiando a Goulding como "un director por fin para darle a Garbo lo que merece" y por su "ingenioso" trabajo de cámara, "saboreando, sospecho, las ventajas que ofrece la pantalla en estos aspectos sobre el escenario, donde el torpe y constante cambio de escenas obstruyó la acción de la obra ".

Para David Parkinson de Empire se trata de una obra "Estridente, envejecida y absolutamente encantadora. Una película que tienes que ver con una copia adecuada si puedes (...) "

Dave Kehr en el Chicago Reader afirma que es "Menos efectiva como película que como desfile deslumbrante de iconos y estrellas"

Entiende  Pauline Kael The New Yorker que "La mayoría de actores hacen actuaciones horribles (...) Pero si quieres ver lo que fue el glamour en la pantalla y cómo eran las 'estrellas', este es quizá el mejor ejemplo de la época."

Sostiene Chris Cabin de Slant que "La película sólo funciona porque Edmund Goulding le dio a sus espacios la misma fuerza y glamour art decó que a sus actores (...)"

En el  Reino Unido Joanna Berry afirmó en Radio Times que "Es el director artístico Cedric Gibbons el que merece alabanzas por el exquisito aspecto de la película (...) "  En otra publicación británica como Time Out se afirma que "La reputación de 'Grand Hotel' ha superado a su calidad verdadera y ahora sólo es interesante como ejemplo de película coral"

Ya en el mundo digital James Berardinelli de ReelViews sostiene que "'Grand Hotel' es notable principalmente por su reparto (...) "

En 2009, Blake Goble de The Michigan Daily lo llamó "el Ocean's Eleven original por su poder de combinar tantas estrellas" y lo comparó con Gosford Park , la película de Robert Altman"por su estructura densa e historias". Añadió, "El ritmo es rápido, la actuación es elocuente y las historias son realmente interesantes. Es pura teatralidad. Pero Hotel perduró gracias a su simplicidad, y el poder de la estrella tampoco duele. Esto es grandioso, viejo Hollywood capturado en la película ".

En España Terenci Moix en su libro sobre la Historia del cine afirma que "La fórmula más exitosa de la metro fue el filme  de estrellas y ninguno alcanzó tanto prestigio como   Gran Hotel". Pero añade que lo que puede lastras la película es Lionel Barrymore que "arruina la película  con su verborrea inaguantable, y el espectador actual tiene que dividir su admiración entre las dos mujeres del reparto, ambas divinas".

En Cine o Sardina Cabrera Infante afirma que la Garn¡bo en esta película se muestra como una "ballerina" patética, frente a Joan Crawford que "en Gran Hotel casi llega a robar la atención a su real oponente, Greta Garbo". 

La película tuvo sus remakes como Week-End en el Waldorf en 1945, y también sirvió de base para el musical de 1989 del mismo título . Otro remake, que será dirigido por Norman Jewison , fue considerado en 1977, que iba a tener lugar en el MGM Grand Hotel de Las Vegas, pero el proyecto finalmente fracasó.

En 2007, la Biblioteca fue seleccionada para su preservación en el National Film Registry de los Estados Unidos por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa".

Como película lo que más me interesa es que fue la creación de un modelo que , en ocasiones, aun es detectable. Como fuente me merece todo su interés. Igualmente merece la pena ver como con ella la Metro puso sobre la mesa su marchamo cumpliendo con su lema “Más estrellas que en el firmamento” que se disponen en la pantalla con actores como los Hermanos Barrymore, creadores de toda una saga, o actrices míticas de la talla de la Garbo o la Crawford. La primera con el peso que tenía , casi como caricatura de ella en su forma teatral , grandilocuente y alambicada, mientras que la Crawford se muestra absolutamente sensual y mundana.

Destaca que en este sentido la película nos va mostrando el poder de los estudios y la enorme libertad creativa que en un momento hubo. Destaca la creación de personajes , pero también formas de rodaje que más tarde encontramos en otros directores mediante fotografías cenitales, primeros planos para remarcar la personalidad de los protagonistas que son presentados como un lienzo social de aquellos que se alojarían en esos años en un Grand Hotel o el narrativo plano americano con personajes cortados levemente por debajo de las rodillas que queda muy funcional para narrar en decorados con varios personajes. Destila el glamour de entreguerras en una sociedad que vive en plena depresión y que gusta de estos filmes para eludir o escapar de su complicada situación.

A destacar el papel del diseñador artístico Cedric Gibbons, hombre clave de la productora, y ganador de 11 Oscars en su carrera, con sus decorados geométricos, sofisticados, herederos del art-déco, que es sabiamente aprovechado por un director como Edmund Goulding. Hay que ver las fuentes del cine, y esta es una de ellas.


miércoles, 26 de septiembre de 2018

Wind River


Un western moderno. Eso he visto. Un western que combina una investigación policial, el desamparado en el que , en ocasiones, viven las comunidades nativas norteamericanas, la violencia de género, hasta la supervivencia. Es obra de Taylor Sheridan, guionista de Sicario (2015) o de Hell or High Water , aquí Comanchería, director y actor norteamericano reconocible en Sons of Anarchy. Esta película del año 2017 es la última entrega de la trilogía temática American Frontier . Las otras son las citadas Sicario (2015) y Comanchería (16)), aunque , en realidad, Wind River es el primer guión escrito de Taylor Sheridan . 

Esta película fue la segunda del director tras una, de la que no tengo noticias que es Vile. Taylor en este caso se inspira en una historia real en torno a una joven india hallada muerta y descalza en medio de la nieve, y su intención profunda se ve al final de la película en la que denuncia las numerosas violaciones , asaltos a jóvenes y desapariciones de indias en las reservas americanas que tienen lugar en la actualidad, todo lo cual no parece interesar en excesos a las autoridades, y de la que no  se tienen cifras oficiales. Tangencialmente describe otros aspectos como la existencia de alto niveles de delincuencia y el consumo de drogas en algunas de las reservas. 

Para enmarcar esta historia tira de un grandioso espacio, una reserva real nativa americana como es Wind River, una reserva india compartida por las tribus de los shoshones y arapaho en la zona centro-occidental del estado de Wyoming y en la que viven cerca de 25.000 personas y que corresponde con una tercera parte del condado de Fremont y una quinta parte del condado de Hot Springs . La reserva se encuentra en la cuenca del río Wind , y está rodeada por Wind River Range , las Montañas Owl Creek , y las Montañas Absaroka . No la visité cuando estuve en Wyoming, ya que sólo pude estar en el maravilloso Parque Yellowstone. 

Como ya he señalado la película fue dirigida y escrita por Taylor Sheridan, una vez reconocida y valorada su obra como guionista, especialmente. 

La producción estuvo en manos de Peter Berg, Matthew George, Basil Iwanyk, Wayne Rogers y Elizabeth A. Bell por medio de un conglomerado de productoras formado por Acacia Entertainment, Riverstone Pictures, Star Thrower Entertainment, Synergics Films, Thunder Road Pictures, The Fyzz Facility, Ingenious Media, Voltage Pictures, Wild Bunch, Tunica-Biloxi Tribe of Louisiana, Savvy Media Holdings, Film 44. Contó con un presupuesto de $11 000 000. La distribución correspondió a The Weinstein Company cuando estaba en plena mareada del Metoo. 

En el apartado técnico destaca la fotografía de Ben Richardson o la música de Nick Cave y Warren Ellis, así como el montaje de Gary D. Roach. 

El reparto lo encabeza Jeremy Renner como Cory Lambert, Elizabeth Olsen como Jane Banner, Graham Greene como Ben y Jon Bernthal como Matt. Junto a ellos aparecen Kelsey Chow como Natalie Hanson, Julia Jones como Wilma Lambert, Gil Birmingham como Martin Hanson, Martin Sensmeier como Chip, Eric Lange como Dr. Whitehurst, James Jordan como Pete Mickens, Ian Bohen como Evan y Hugh Dillon como Curtis. Además aparecen Matthew Del Negro, Mason D. Davis, James Jordan, Teo Briones, Tara Karsian.

La historia comienza en un espacio copado de nieve por el que pasta un rebaño de ovejas que se ven acosados por un grupo de coyotes. De repente se escucha un disparo de un hombre camuflado que al levantarse descubrimos que es Cory Lambert (Jeremy Renner) un cazador que trabajo en la Reserva Indígena Wind River en Wyoming (Estados Unidos), al este de Boulder Flats, la séptima reserva india más grande en los Estados Unidos, formada por un inmenso territorio ahora blanco al ser Invierno. Cory Lambert, es un experimentado rastreador y cazador perteneciente al agente del servicio de Pesca y Vida Silvestre de los Estados Unidos. 

Tras montar en un coche se dirige a una casa. Va a ver a su ex-mujer Wilma Lambert (Julia Jones), madre de su hijo, Casey (Teo Briones) al que ha de atender el fin de semana. La ex le informa que va a realizar una entrevista de trabajo en otro lugar y que eso supondrá llevarse a su hijo y que le pase o aumente la manutención. 

Una vez con su hijo Cory marcha a casa de su suegro pues le ha llamado para decirle que ha perdido un animal, una res, y que piensa que la han matado depredadores. 

Tras dejar al niño sale a identificar los animales que han matado una res de su suegro Dan Crowheart (Apesanahkwat) que vive en la reserva junto a su mujer Alice (Tantoo Cardinal). Concluye que la han matado tres pumas. Cuando sale a la montaña a buscar indicios sobre los depredadores descubre el cuerpo congelado de la joven nativa americana, Natalie Hanson, de 18 años, sin zapatos ni ropa de invierno y con la ingle manchada de sangre. 

La reconoce de inmediato . Es hija de un amigo indio y la mejor amiga de la difunta hija de Cory, Emily, situación que le hace revivir el impacto que supuso su pérdida. Inicialmente parece haber muerto de manera natural, pero el hecho de aparecer descalza, con claros signos de congelación en los pies, sugiere que huía de algo cuando le estallaron los pulmones por correr a tan baja temperatura. 

Al ser una muerte en la reserva ha de ponerse en contacto con el FBI por cuestiones de jurisdicción. Allí llega una joven y novata Jane Banner (Elizabeth Olsen) que se encuentra con Ben Shoyo (Graham Greene), jefe de la policía tribal, Cory Lambert, y el suegro de éste. 

Tras ello van Jane y Cory, junto a Ben, a ver al padre de Natalie, hija de una pareja de nativos, formada por Martin Hanson (Gil Birmingham) y Annie ( Althea Sam) y la hermana de un drogadicto Chip (Martin Sensmeier) y amigo cercano de Cory. 

Jane es novata agente especial del FBI, encargada de un caso por casualidad , al ser la agente más cercana al estar en Las Vegas (Nevada) , que no entiende ya que tampoco entiende a los integrantes de la comunidad que la ven como una intruso. Por lo pronto le llama la atención el hieratismo del padre que parece no sentir nada por lo ocurrido. Y aunque ella intenta determinar si se ha cometido un asesinato ve que él parece no sentir nada hasta que se persona Cory, al que abraza y le habla del dolor de la pérdida de una hija. Cory, al entrar en la casa, ve a la madre de Natalie sufriendo y haciéndose cortes en los brazos en señal de dolor. 

Al día siguiente, Jane descubre por el padre de Natalie que su hija estaba saliendo con un chico, pero no sabe el nombre ni el paradero del hombre. También es informada de la autopsia del médico forense Dr. Randy Whitehurst (Eric Lange) que descubre hallazgos de trauma cerrado y violencia sexual, y confirma la deducción de Cory de que la adolescente había muerto por exposición, específicamente hemorragia pulmonar causada por inhalación rápida de aire bajo cero. Esto que ya había sido adelantado por Cory, le lleva a Jane a reclutar a Cory como su rastreador para ayudarla a resolver el caso. Sin embargo, el médico forense no puede asegurar que la víctima fuera asesinada, lo que impide que Jane pueda llamar a una unidad de investigación adicional del FBI. Por contra el forense llega a la conclusión que expresa verbalmente aunque no puede reflejarlo en el acta : la chica fue asesinada al ser violada. Ese hecho le recuerda a Cory lo ocurrido con su propia hija adolescente, fruto de su unión con una india, fue raptada, violada y asesinada algún tiempo antes. 

Después , un día más tarde, se descubre otro cuerpo, en este caso de sexo masculino, desnudo y destrozado por los animales salvajes como un águila que lo devora. Buscan a algunas personas que le podían dar información , en concreto entre unos drogadictos, entre los que se encuentra el hermano de Natalie, Chip, desconocedor de lo que ha ocurrido, así como Frank Walker (Tyler Laracca), amigo de Chip y traficante de drogas al igual que Sam Littlefeather (Gerald Tokala Clifford). Cory luego se entera de que el novio de Natalie se llama Matt y que trabaja en la seguridad en una plataforma de perforación petrolera. 

Cory le dicen a Jane que el cuerpo masculino ha sido identificado como Matt Rayburn, un guardia de seguridad de la plataforma de perforación. Cory le habla a Jane sobre la muerte de su hija tres años antes, cuyo cuerpo fue descubierto, después de una fiesta en su casa, mientras él y su esposa habían estado fuera de la ciudad. Jane, acompañada por el Sheriff Ben y otros oficiales y visitan la plataforma de perforación, donde se encuentran con varios guardias de seguridad, quienes le dicen que no han visto a Matt desde que se escapó hace unos días después de una discusión con Natalie. 

Mientras el grupo de oficiales de Jane es conducido hacia los dormitorios del equipo de perforación, Cory ha vuelto sobre las pistas hasta el cadáver de Matt y descubre que estas conducen directamente al campo de perforación. Cory intenta advertir a Ben por radio. Uno de los oficiales visitantes nota que los guardias de seguridad comenzaron a rodear a Jane y su equipo. 

La confrontación se convierte en un enfrentamiento verbal mientras discuten sobre quién tiene jurisdicción, lo que Jane finalmente desactiva al afirmar la autoridad federal sobre los demás. 

Jane insiste en que quiere ver dónde se ha estado encerrando Matt y reanudan su aproximación al trailer. Así que llega a la puerta del mismo. 

Tras abrirse descubrimos que es realmente un flashback que muestra a Natalie abrazándose con su novio Matt Rayburn (Jon Bernthal) y terminan acostados en la cama del chico así como haciendo planes de futuro para vivir juntos en California. Mientras están en la cama los compañeros del equipo de seguridad de Matt los interrumpen y entran al remolque después de una noche de consumo excesivo de alcohol. Entre ellos especialmente desagradable se muestra Pete Mickens (James Jordan), un miembro del equipo de trabajo de Matt particularmente agresivo y vulgar, que se burla de ellos y luego ataca sexualmente a Natalie, lo que provoca una respuesta violencia de Matt. Los guardias , entre ellos Dillon (Matthew Del Negro) toman represalias golpeando a Matt dejándolo insconciente y violando a Natalie. Cuando Matt vuelve en si intenta luchar, pero el grupo lo golpea hasta la muerte, dándole a Natalie la oportunidad de escapar del remolque enfrentándose descalza y semidesnuda al mortal clima de la región, logra avanzar 10 kilómetros en medio de una tormenta de nieve, pero fallece al respirar el aire congelado a más de 20 grados bajo cero. 

En el presente, Jane vuelve a golpear la puerta del remolque de Matt, pero es alcanzada por una ráfaga de escopeta disparada por la puerta por Pete, tras gritar un guardia de seguridad que se trata de un agente del FBI está de pie frente a la puerta. Se produce un tiroteo en el que a Jane le disparan en el cuello y matan a los otros oficiales, incluido al jefe local de la reserva, Ben. 

A medida que los guardias de seguridad supervivientes se reagrupan, se preparan para ejecutar a Jane con el fin de ocultar todos los cabos sueltos, un Cory camuflado en una colina cercana, abre fuego con su rifle de caza, matando a todos los guardias restantes excepto a Pete, que huye a pie por detrás del remolque. 

Cory atrapa a Pete y lo lleva en la cima de una montaña forzándolo a confesar. Pete alega que todo es producto de este entorno hostil y de la extrema dureza que ha marcado a los indios , pero también a los trabajadores temporales, que deben capear con la soledad y el aislamiento estos duros inviernos. Cory le ofrece la misma oportunidad que tuvo Natalie, una escapada descalza hacia un camino distante con ropas no aptas para el invierno. Pete corre por su vida, pero tropieza con la nieve solo unas pocas docenas de metros antes de que sus pulmones estallen del frío  y muera por la misma hemorragia pulmonar que mató a Natalie Hanson. 

Tras esto Cory visita a Jane en el hospital y alaba su dureza. Tras eso visita a Martin, el padre de Natalie, encontrándolo fuera de su casa con su pintura de "cara de muerte". Él le dice a Martin que el caso está cerrado y que el hombre responsable de la muerte de Natalie terminó su vida llorando y gimiendo. Se sientan juntos compartiendo el dolor por las muertes de sus hijas, aunque Martin le dice que ha recibido una llamada que le devuelva la vida: su hijo Chip, encarcelado en Comisaria, ha llamado a casa tras un año viviendo sin noticias. 

La película termina señalando que las estadísticas de las personas desaparecidas se mantienen para cada grupo demográfico, excepto para las mujeres nativas americanas, cuyo número sigue siendo desconocido. 

La película se rodó en 40 días , comenzó el 12 de marzo de 2016 en Utah y duró hasta el 25 de abril de 2016. Se rodó en la Reserva de Wind River Indian, en Wyoming, , pero también en Coalville, Park City Studios así como en muchas montañas de los condados de Summit y Wasatch en Utah como en Hidden Peak. También se rodó en Lander, Wyoming, así como en más puntos del Condado de Fremont, en este mismo estado La película está basada en eventos reales. 

Su estreno se produjo en el Festival de Cine de Sundance el 21 de enero de 2017 y la distribuidora The Weinstein Company adquirió los derechos de distribución el 13 de mayo de 2016 durante el Festival de Cine de Cannes. Lo cierto es que la película recibió una larga ovación de ocho minutos al final de su estreno en la sección Un Certain Regard del festival de cine de Cannes. A pesar del acuerdo de The Weinstein, Lionsgate adquirió los derechos de distribución de la película para medios hogareños, y los créditos y el logotipo de Weinstein se omitieron en los servicios multimedia y de transmisión en el hogar. perder los derechos de distribución. En taquilla la recaudación se elevó a $40 352 966. 

En cuanto a los actores decir que Jeremy Renner fue la primera elección del director para el papel principal, pero como estaba ocupado filmando La llegada (2016) en ese momento, Taylor Sheridan se acercó a Chris Pine, quien luego tuvo que abandonar debido a su papel en Wonder Woman (2017). Casualmente, el calendario de Renner se abrió y fue incluido para el papel. Elizabeth Olsen experimentó ceguera de nieve mientras rodaba la película. Esta es la tercera vez que Elizabeth Olsen y Jeremy Renner trabajan juntas en una película, después de Vengadores: La era de Ultrón (2015) y Capitán América: Guerra civil (2016). Jon Bernthal perdió cuatro uñas de los pies en el rodaje de la escena del trailer. También sale un veterano actor visto en múltiples ocasiones en el cine Graham Greene, como oficial de la policía local india. 

La agotadora sesión de rodaje fue filmada en condiciones de verdadera ventisca en la que el equipo fue transportado principalmente a lugares en motos de nieve y nevados, ya que los vehículos normales eran totalmente inadecuados para el terreno peligroso. 

Durante el rodaje, el guionista y director Taylor Sheridan fue visitado en el set por algunos líderes tribales Shoshone que lo asombraron con la revelación de que, en ese momento, había 12 asesinatos de mujeres jóvenes sin resolver en una reserva de unas 6.000 personas. Debido a un histórico fallo gubernamental de 1978 (Oliphant v. Suquamish), la Corte Suprema despojó a las tribus del derecho de arrestar y enjuiciar a los no nativos que cometen crímenes en tierras nativas. Si ni la víctima ni el perpetrador son nativos, un oficial del condado o del estado debe realizar el arresto. Si el perpetrador no es nativo y la víctima es un miembro inscrito, solo un agente con certificación federal tiene ese derecho. Si ocurre lo contrario, un oficial de la tribu puede realizar el arresto, pero el caso debe ir a la corte federal. Este atolladero crea una pesadilla jurisdiccional al asfixiar el proceso legal de las reservas a tal grado, muchos criminales quedan impunes indefinidamente por crímenes graves. 

En una entrevista en agosto de 2017 Taylor Sheridan contó que la película no se basa en un solo caso real, sino en los miles de casos similares que existen. Dijo además : "Bueno, espero que reconozcan que hay una epidemia de violencia en la reserva que necesita atención y que es necesario abordarla. Y espero que también reconozcan que hay personas que viven en la reserva y que no son diferentes". (...)" 

La película obtuvo varios premios. En el Festival de Cannes, Sheridan ganó el premio al Mejor director en la sección Un Certain Regard, siendo nominado en esta misma sección por como guionista y para el premio Caméra d'Or. 

En el Festival de Karlovy Vary obtuvo el Premio del Público. En la National Board of Review (NBR) fue incluida como una de las mejores películas independientes del año. El Sindicato de Directores (DGA)la nominó al mejor nuevo director y en los Satellite Awards nominó a mejor actor a Jeremy Renner y en los Premios Saturn como mejor película de suspense. 

En cuanto a la crítica señalar que Todd McCarthy en The Hollywood Reporter defiende que es "Un potente debut en la dirección. (...) Tiene pegada, una obra llena de acción y violencia" 

Para Owen Gleiberman en las páginas de Variety escribe que "Es lo suficientemente habilidosa y emocionante para demostrar que Taylor Sheridan, como director, tiene las capacidades. Ahora necesita saber qué hacer con ellas." Y añade que es un "drama criminal humanístico, aunque este tiene más habilidad que emoción" 

David Ehrlich en IndieWire escribe que"[Si] Wind River comparte las debilidades evidentes de Sheridan, también aprovecha al máximo sus fortalezas distintivas. [...]" y continúa diciendo "Quizás 'Wind River' no te deslumbre, pero este thriller amargo, visceral, e intenso de forma casi paródica sabe lo que se necesita para sobrevivir." 

Brian Tallerico en la web rogerebert.com señala que "Es un thriller absorbente, basado en un gran sentido del lugar (...) y una gran actuación de Jeremy Renner." 

Peter Travers en Rolling Stone , elogió la dirección de Sheridan y el reparto. Él escribió: "[Es] la configuración de lo que podría haber sido una novela de acción convencional. Afortunadamente, Sheridan es alérgico a todo lo convencional. Para él, la acción es el personaje, y tiene mucha suerte al encontrar actores que no solo entienden su acercarse, pero prosperar en él ". 

Entiende Steve Pond de The Wrap que es "[Una] hermosa y apasionante historia criminal del guionista de 'Comanchería'" 

Ya en el Reino Unido Fionnuala Halligan de Screendaily escribió que la película "Demuestra que Sheridan puede dirigir con facilidad y que su trabajo escrito es eminentemente filmable." 

En España en La Vanguardia , Ignasi Juliachs comenta que "Wind River rezuma cierta esencia a lo Sam Peckinpah en lo que se refiere a personajes íntegros, quizá rotos por alguna desgracia, pero fieles a su palabra hasta el final, sin medias tintas, pues necesitan quedar “justificados” ante sí y los demás". 

En Argentina Pablo O. Scholz de Clarín que "El filme va sumando apuntes, tensión, y cuando todo parece que va a estallar, bueno, estalla." , mientras que Diego Batlle en La Nación que la "Dureza y lirismo, épica y sensibilidad, sordidez y corrección política se combinan con eficacia en esta propuesta" . 

Para terminar diré que la película me ha gustado como western , como película policial de búsqueda de la verdad - perfectamente guiado a través del guión de Sheridan- así como denuncia de una situación de femenicidio al que se suman los estragos de las drogas y la delincuencia que se vive en algunas reservas . Las imágenes impresionan por la belleza que supone una naturaleza silenciona, helada tan admirable como letal. Una buena razón para volver a Wyoming. 

A esto se suma la efectividad de la película está en el trabajo igualmente de todos los actores brillantes , especialmente Jeremy Renner que fue reconocido con premios y nominaciones conjuntándose con clásicos como Greene o con una "partenaire" habitual la bella y vengadora Olsen. Merece la pena y mucho. 

martes, 25 de septiembre de 2018

Certain Women


Three years ago I was in Montaña. One of their nicknames is "Big Sky Country". What a great truth!!! It´s amazing and wonderful. I love this place. Y si tengo que decir una ciudad del estado me quedo con Missoula.

Durante minutos me quedé con las ganas de que  Certain Women, una película estadounidense de 2016 editada, escrita y dirigida por Kelly Reichardt  se desarrollara en la ciudad del oeste de Montana, pero no.

La película está basada en tres historias cortas de la escritora nacida en Helena- sí, la capital de Montana- Maile Meloy, aunque licenciada en Harvard College en 1994 y con un Master de la Universidad de Irvine, California .

Su trabajo ha aparecido en The New Yorker , y es una colaboradora habitual de The New York Times . Eso no impide que gran parte de sus obras se desarrollen en la grandiosa Montana natal.

Por si no lo sabéis Missoula, además de la patria chica de David Lynch, es la sede de la Universidad de Montana y tiene a gala tener importantes talleres de escritura creativa. De hecho se habla de Escuela de escritores de Missoula de la que Norman Maclean y su libro A River Runs Through It , aquí tradicido como El río que nos lleva fue llevado al cine en 1992 por Robert Redford. Gran parte de los escritores y escritoras de esta Escuela se centran en libros de temática nature y / o   novelas "Wildwood".

Meloy, perteneciente a una saga creativa en la que están presentes su hermano , el escritor y músico Colin Meloy , líder de The Decemberists , y su tía la escritora Ellen Meloy no se si es una de ellas. Lo cierto es que ella ahora vive en California, pero gran parte de sus novelas cortas se desarrollan en su Montana natal. El primer libro publicado por la escritora fue en 2002 y se tituló "Half in Love" cuyas historias se desarrollan en el Estado que la vio nacer, aunque ella viva en Los Ángeles. Pues bien , dos de esas historias contenidas en Half in Love, en concreto las que llevan por título "Tome" y "Native Sandstone", así como otra historia perteneciente a su cuarta novela escrita en 2009 Both Ways Is the Only Way I Want It : Stories la que se titula  "Travis, B" fueron adaptadas al cine en el año 2015 por Kelly Reichardt . Eso sí, algunos pequeños detalles que hemos visto en la película como el papel de la hija en las relaciones entre Gina y Ryan proceden de otra obra o de otro capítulo de Meloy, el titulado como "Thirteen &  Half". 

Volviendo a la directora, Kelly Reichardt es además guionista y montadora de sus películas , además de directora de cine independiente que se hace responsable de la mayor parte en sus películas. Estas empezaron con River of Grass , estrenada en 1994, y a la que fueron siguiendo otras como Ode (1999) , Old Joy (2006), Wendy y Lucy (2008), Meek's Cutoff (200), Night Moves (2013) hasta llegar a Certain Women. 

Su cine ha sido multipremiado sobre todo en certámenes de cine independiente como los Independent Spirit Awards o en el Festival de Cine de Sundance, pero también en  certámenes internacionales , principalmemte, de Europa o es muy valorado por las distintas Asociaciones de críticos del país ahora presidido por Trump. 

Sus películas son consideradas por los críticos como parte del movimiento minimalista o del cine del postmodernismo . El término minimalismo , como cualquier etiqueta, es algo que hay que explicar. El término había sido utilizado por vez primera en el número correspondiente a Octubre de 1965 de la revista Art in America por Barbara Rose. Se centraba en la pintura y a la escultura . Se trataba del primer intento de rechazo hacia la catarsis emocional del Neo-Expresionismo. 

Aparentemente en el cine minimalista todo es simple, por no decir austero: los colores de las imágenes, el vestuario, los decorados, los efectos digitales. Hasta los diálogos y la banda sonora son simples , y en ocasiones casi prescindibles. Pudiera parecer que en ellas el guión es lo de menos. Lo importante pudiera ser la plasticidad del paisaje y / o las poderosas imágenes. En gran medida en este tipo de cine todo acaba como empieza. Eso sí, todo se transforma. En el caso de Reichardt se cumple a la perfección. En el inicio de la película escuchamos una voz  procedente de una radio local y al final de la misma vuelve a sonar, aunque para ese momento ya conocemos a las "certain women". 

Para esta película Kelly Reichardt contó con la producción de Neil Kopp , Vincent Savino y Anish Savjani, quedando Todd Haynes como productor ejecutivo y el respaldo de las productoras Film Science , Stage 6 . Pudo contar en este caso con un presupuesto de $ 2 millones, quedando la distribución en IFC, aunque Sony también se quedó con algo de la misma.

Partiendo de lo escrito por Maile Meloy,  la directora , como hace regularmente, escribe el guión y, como viene siendo habitual, también aquí es la montadora.  En otros apartados técnico cuenta Reichardt con la musica de Jeff Grace y  la magnífica fotografía de Christopher Blauvelt.

El reparto está integrado por Laura Dern como Laura Wells como la  abogada, a la que se suma Kristen Stewart como Elizabeth 'Beth' Travis , otra abogada y profesora, la bella Michelle Williams como Gina Lewis como la esposa que quiere levantar una casa, Lily Gladstone como Jamie la nativa americana. 



Igualmente aparece James LeGros como Ryan Lewis como el marido de Gina, el "terrorífico" - lo digo por la serie The Terror- Jared Harris como William 'Will' Fuller el cliente de Laura. También interviene René Auberjonois como Albert el viejo vecino de Michelle, John Getz como el sheriff Rowles y Sara Rodier como Guthrie Lewis la adolescente hija de Michelle y Ryan. 

Junto a ellos en el reparto apareceb James Legros, John Getz, Ashlie Atkinson, James Jordan, Edelen McWilliams, Matt McTighe, Sara Rodier, Gabriel Clark, Guy Boyd, Joshua T. Fonokalafi, Kilty Reidy, Stephanie Campbell, Marceline Hugot, Zena Dell Lowe y Kory Gunderson.   

La historia o las tres historias con cuatro protagonistas comienza en una habitación en la que suena una radio. Sobre una cama nos encontramos a la abogada Laura Wells (Laura Dern)  vistiéndose tras hacer el amor con su amante un anónimo que después nos enteramos que es Ryan (James LeGros) y que,  tras hacerlo, se despide con frialdad quedando ella sobre la cama meditando

Nada más llegar a su despacho Laura ve que se encuentra esperando uno de sus clientes Will Fuller (Jared Harris). Laura lleva lidiando con este cliente disgustado, Fuller, durante ocho meses. Está molesto. Ha perdido su trabajo después de que una lesión le haya causado una discapacidad. Su mal humor le ha costado su matrimonio. Y desde lo ocurrido ha  visitado en repetidas ocasiones a Laura . Comentándole ella siempre lo mismo: no hay nada que hacer por haber aceptado una indemnización que llevaba una clausula que eximía de responsabilidad a su empresa.


Pero como él parece no escuchar sus reiterados consejos, ella decide que tenga una segunda opinión legal , llevándolo a otro abogado en otra localidad.

Después de evaluar el caso, el otro abogado, en este caso de la mayor ciudad del estado, Billings, le dice a Fuller exactamente lo mismo que Laura le dijo; que aunque su compañía tuvo la culpa de sus lesiones, ya no puede demandarlos después de aceptar su acuerdo nominal inicial.

Will lo escucha en silencio, ante la mirada de su ex mujer y de su abogada , y no mueve ni un músculo de la cara, ni le rebate con nada. Ante la sorpresa de Laura que ha aguantado a Will en múltiples ocasiones, el trabajador se calla y parece aceptar la opinión del abogado sin rechistar.


En el camino a casa después de visitar al segundo abogado, Fuller se pelea con su esposa, y sale de su auto, montándose sin permiso alguno en el vehículo de Laura, mientras ella hablaba por teléfono  presumiblemente con su amante, Ryan.

En el camino a casa, él le dice que le gustaría matar tanto a su mujer como a sus antiguos empleadores. Ante esto Laura le dice que como vuelva a comentar algo de eso lo echa del coche.

Esa noche Laura recibe una llamada de la policía. Tras la misma llega al antiguo lugar de trabajo de Fuller, donde el extrabajador ha tomado como rehén a un guardia de seguridad de origen samoano y que dice ser pariente del rey de Samoa. Eso sí, sólo llegará a ser rey si mueren otros quince miembros de la familia que le anteceden. El trabajador se encuentra en el archivo de la empresa con el fin de buscar su expediente, aunque no puede leerlo dado que el accidente le ha afectado a su visión.

Después de ser preparada por la policía, con chaleco antibalas incluido y recibiendo las directrices de un negociador, Laura va al interior del edificio y se encuentra con Fuller, quien le hace leer el expediente del caso que su compañía tiene sobre él y la demanda. Laura lee el expediente completo,. En el mismo se detalla cómo Fuller fue engañado por la empresa para conseguir su  asentimiento con el acuerdo propuesto.

Tras leerlo, y mientras ella le pide perdón, por la parte que le toca en el asesoramiento en ese acuerdo entre empresa y trabajador, Fuller decide dejar ir al guardia.

Luego le pide a Laura que se a la parte frontal del edificio en el que le espera la policía y le pide que le diga a la policía que acepta sus demandas aunque debe actuar como si tuviera un arma apuntando hacia ella. Mientras él aprovecharía las circunstancia para huir por la parte de atrás.

En cambio, Laura le dice inmediatamente a la policía dónde está Fuller y éste queda arrestado. Fuller queda cabizbajo en el coche, ante la mirada de Laura.

Tras la primera historia llegamos a la segunda que tiene como protagonistas a Gina y a Ryan Lewis, el amante de Laura. Son una pareja casada con una hija adolescente. Ambos , por deseo principalmente de ella, está construyendo su propia casa desde cero.

A Gina la vemos corriendo a través del bosque Gina mientras corre. Tras terminar la carrera se dirige a una tienda de campaña en la que están su hija y su marido. Ella siente que su marido, Ryan , constantemente  la boicotea en sus decisiones , y  que apoya a su hija en caso de enfrentamiento con la madre. Ella está molesta por su comportamiento.

De cualquier manera salen de la tienda los tres , y de camino a casa desde el campamento que con el tiempo se convertirá su nuevo hogar, deciden detenerse en la casa de Albert (René Auberjonois), un anciano al que conocen y que Gina parece estimar, para tratar de persuadirle  de que les venda la piedra arenisca que alberga su propiedad y que permanece amontonada en las cercanía de su casa. .

El interés por la piedra por parte de Gina viene de antiguo. La piedra perteneció  la antigua escuela, levantada en la época de los pioneros y fue anterior que la iglesia.

Tras bajarse del vehículo la pareja, pues la niña , por supuesto contando con el apoyo del padre, no quiere bajarse del coche y entrar a saludar van a casa de Albert.

Mientras la pareja habla con Albert de sus problemas de salud vemos que Gina, que intenta ser todo lo amable que puede,  intenta persuadir a Albert para que le venda la piedra arenisca, pero él no está atento a su conversación. El anciano divaga sobre cómo construyó su casa con ayuda de su hermano ya fallecido y lo que iba a ser una construcción provisional se transformó en su hogar definitivo.

En un momento dado de una conversación que parece no derivar en nada,  Albert acepta la petición de Gina de entregar la piedra arenisca , una piedra que está dispuesta a pagar. Tras la aceptación , en la que interviene Ryan con el fin de convencer a Albert de que, finalmente, le regale las rocas.

Algún tiempo después, Gina y Ryan llegan a la parcela con un grupo de operarios y cargan un camión con la roca arenisca. Ella se da cuenta de que Albert lo está mirando desde su ventana y lo saluda con la mano, pero él no responde.

Tras esto se inicia la tercera historia que tiene como protagonista a Jamie (Lily Gladstone ), una chica nativa americana encargada de los animales, principalmente caballos, de un rancho que vive aislada durante el invierno, atendiendo a esos caballos en una granja a las afueras de Belfry.

Como vemos, se trata de un trabajo repetitivo y rutinario en la que día tras día hace lo mismo con los animales que tiene a su cuidado.

Una noche la encargada de los animales se dirige a la ciudad en su furgoneta. Al llegar ve como los autos aparcan en las proximidades de una escuela y sigue a esas personas hasta el interior de la misma. Ya en ella se entera de que ha tropezado con una clase sobre el derecho escolar que es dada  por una joven abogada, Beth Travis (Kristen Stewart), procedente de Livingston, una localidad a cuatro horas de distancia.

Beth imparte este curso puesto que se había comprometido a dar estas clases presenciales sobre el papel del derecho en la educación a un grupo de profesores , ante de obtener su actual trabajo en un bufete de abogados de Livingston, ante el temor de no encontrar trabajo alguno. Jamie y la profesora descubren que los profesores realmente están más preocupados por sus plazas de aparcamiento que sobre el derecho a la educación.


Tras recoger sus pertenencias en el aula y saber que aún le quedan otras cuatro horas de viaje de vuelta, le pregunta a la última en salir del aula, Jamie, dónde puede ir a comer a esas horas. Jamie la lleva a un local, una cafetería, en la que  Beth, se pide una gran hamburguesa y le  explica que vive en Livingston, que está a cuatro horas en auto, por lo que debe hacer el viaje de ida y vuelta de ocho horas dos veces por semana para regresar a tiempo para su verdadero trabajo en el despacho.

Todavía se pregunta Beth el por qué se comprometió a dar estas clases y le habla del temor que tuvo a no trabajar cuando acabó la carrera y terminar siendo una vendedora de zapatos o algo parecido como han su madre y hermana a lo largo de su vida. Tras medio cenar Beth se marcha a Livingston.


A pesar de no tener interés en la ley de educación, Jamie regresa a clase semana tras semana. Una de esas veces que va  se desplaza a la clase en uno de los caballos que cuida. Y , al terminar las clases,  ella y Beth montando a caballo van al restaurante. Descubrimos que cada vez parece haber mñas complicidad entre ellas intercambiando en su conversación experiencias personales.

Sin embargo, la semana siguiente, Jamie se queda atónita y sorprendida al ver que Beth se ha marchado y que ahora las clases la imparte un nuevo maestro que se incorpora como reemplazo permanente de Beth. Jamie abandona inmediatamente la clase y conduce directamente a Livingston.

Pasando la noche en su automóvil, ella , a la mañana siguiente va buscando entre los distintos despachos de abogados información con la esperanza de encontrar a Beth. En ese periplo da con el despacho de Laura ubicado en la misma localidad de Livingston.


Tras dar muchas vueltas da con la dirección del despacho profesional en el que trabaja Beth.  Jamie ve a Beth en el aparcamiento, y sale a su encuentro. Tras un momento en que ambas no saben qué contar, Jamie  le dice que condujo sabiendo que si no lo hacía, nunca la volvería a ver. Pero Beth no responde y Jamie se va . Cuando se marcha ve que en la puerta ella se ha parado con un compañero de despacho.

De camino a casa, se queda dormida al volante y se sale de la carretera a un campo nevado y vacío hasta que finalmente el coche se detiene.

Algún tiempo después, vemos que Laura visita a Fuller en prisión. Él le cuenta cómo su mujer le abandonó por un ex-presidiario ; lo que le hace gracia dada su situación y le dice que él entiende cómo actuó y le pide que responda sus cartas solo para no sentirse tan solo. Ella está de acuerdo.

Por último, vemos que Gina tiene una barbacoa con amigos en su parcela. Su esposo se encarga de la carne y le dice que aprecia su trabajo. Ella, por su parte, se aleja del grupo y  mira la piedra arenisca que ahora aparece ordenada y preparada para transformarse en una pared y sonríe.

Por último , vemos que Jamie continúa trabajando en el rancho haciendo lo que siempre hacía, con la misma rutina, como el devenir eterno de ese oeste humanizado. De hecho todo empieza con una voz que suena de una radio y esa misma voz acaba con la misma.


La película se rodó entre marzo y abril de 2015 en diversos puntos de Montana. En concreto en la localidad de Livingston, en concreto para reflejar los despachos de abogados en 116 Callender St. y 110 B South St, así como en Bozeman en su Centro comercial Gallatin Valley para la escena de los rehenes y en Escuela secundaria Shields Valley, sita en Clyde Park.

Se trata de la primera película de esta directora rodada en este estado ya que gran parte de las obras anteriores las había  rodado en Oregon y quería un cambio de ambiente así que, como ya hemos comentado, entrelazó tres de los cuentos cortos de Meloy, ambientados en Montana, y después de explorar lugares, sintió que Livingston, en lugar de la ciudad natal de Meloy, Helena, era ideal para el aspecto de la película.

Kelly Reichardt consideró , antes de rodar la película que la misma se titulara "Half in Love", pero finalmente se decidió por "Certain Women".

La película está dedicada a Lucy , el perro de Reichardt y estrella de dos de sus películas anteriores: Old Joy (2006) y Wendy and Lucy (2008).

Esta película es la tercera colaboración entre Michelle Williams y Kelly Reichardt . Los anteriores fueron Wendy y Lucy (2008) y Meek's Cutoff (2010).

Con otras de las actrices fue su primera relación profesional como fue el caso de Kristen Stewart , gran admiradora del trabajo de la directora, una actriz que tiene como característica forma de trabajar aprender sus líneas o diálogos de memoria rápidamente y luego modificar algunas palabras para agregar su personalidad a sus personajes. Sin embargo, durante el rodaje de esta película, la directora le dijo que tendría que decir sus líneas palabra por palabra, afirmando en una entrevista que "las palabras son muy importantes para ella ( Kelly Reichardt )".

Reichardt reveló que una de las razones por las que eligió filmar en una película en inverno en los espacios abiertos de Montana fue porque la nieve parece "plana" en otros formatos. Curiosamente, cuando ella comenzó a rodar, había poco o nada de nieve en Montana y , finalmente, la nieve aparece , pero ni es cegadora ni ocupa un espacio inmenso en la película, sólo detectable en el accidente de tráfico de Jamie o en parte durante la carrera de Gina.

Mientras adaptaba la historia corta de Meloy, "Travis B.", para la pantalla, Kelly Reichardt cambió uno de sus personajes de género y pasó de ser un personaje masculino, el de "Chet",  por otro femenino el de "Jamie". De hecho Maile Meloy no sabía cuál era la intención de Kelly Reichardt al cambiar de género al ranchero hasta que vio una proyección. Ella comentó que le encantó cómo cambió la historia.

El productor ejecutivo Haynes señaló que el rodaje de Certain Women se centró en la vidas de unas mujeres que superan con dificultades el aislamiento y la soledad que sienten y eso , a pesar del hecho de que cada historia se cruza y muestra las relaciones de estas mujeres con otros personajes.

La película se estrenó el 24 de enero de 2016 en el Festival de Cine de Sundance quedándose Sony Pictures Worldwide Acquisitions (SPWA) con los derechos de distribución a nivel mundial y fue estrenada teatralmente en los Estados Unidos el 14 de octubre de 2016 por IFC Films y recaudó $ 1,068,054 en el país, convirtiéndose en la película más taquillera de la directora hasta la fecha .

Esta película de cine independiente y de historias cruzadas obtuvo algunos premios.  Entre ellas, Reichardt ganó el máximo galardón en el Festival de cine de Londres 2016 por esta película.


Como ya hemos dicho hay mucho de minimalismo en la forma de entender el cine en la directora. De hecho, Reichardt refleja este minimalismo de forma visual  enfatizando marcos de puertas, ventanas, espejos y estructuras arquitectónicas para fragmentar sus personajes dentro del marco.

Reichardt usa sonidos de ubicación a lo largo de la película, incorporando silbidos de viento o de un tren como vemos a inicio de la película.

Como ya hemos dicho la distribución internacional de la película quedó en manos de Sony- Sony Pictures Worldwide Acquisitions  - incluso antes del estreno de la película en Sundance.

La película pasó por otros festivales como el Festival Internacional de Cine de Toronto , el Festival de Cine de Nueva York ,  y el Festival de Cine The Art of Brooklyn. antes de ser lanzada comercialmente en octubre de 2016.

La película recibió la aclamación de la crítica en su estreno de Sundance.  Para Noel Murray en The Playlist la calificó como película  "totalmente cautivadora" mientras alababa el "efecto hipnótico" del ritmo lento.

Para Guy Lodge en Variety el elogió se centraba en la directora, Reichardt, a quien calificó como la "más tranquila de los grandes cineastas estadounidenses". Y añadió que era "Un peculiar y fascinante examen sobre las vidas vividas cuando incluso quienes las viven no están mirando."

Nigel M. Smith del britanico The Guardian elogió a Reichardt como "un maestro en dramas melancólicas y de lenta combustión". Y señaló "Igual que la mano como directora de Reichardt, las interpretaciones son discretas en todos los ámbitos, pero profundamente sentidas. (...)

Leslie Felperin en The Hollywood Reporter elogió la película y dijo de ella que era una "historia exquisita" y especialmente valoró el trabajo de la "recién llegada y luminosa" Lily Gladstone, pero calificó la película como un todo "un poco académica y seca"  y sentencia diciendo que es  "Un ejercicio cuidadosamente elaborado, pero un poco árido en la adaptación literaria."

Anthony Kaufman de Screendaily señala que "Con 'Certain Women', Kelly Reichardt confirma su estatus como principal poetisa del cine del noroeste de Estados Unidos."

Alonso Duralde en The Wrap comenta que "La película ofrece un escaparate para el tipo de interpretación y fotografía que nunca resulta vistoso, pero siempre se adapta perfectamente a la narrativa."

En Francia, Les Cahiers du cinéma colocó la película en tercer lugar en su tabla Top Ten 2017 (justo después de Twin Peaks (la serie estrenada en 2017) y Jeannette: La infancia de Juana de Arco ).

Además de lo dicho poco más arriba sobre reconocimientos en algunos certámenes cinematográficos, la película y algunas de sus actrices obtuvieron diversos premios como ocurrió en los Premios Independent Spirit que fue nominada a mejor director y actriz secundaria para Lily Gladstone.

El Círculo de Críticos de Nueva York valoró el trabajo como mejor actriz secundaria  de Michelle Williams, mientras que el Los Angeles valoró para el mismo a Lily Gladstone. Esta misma asociación , pero en Chicago nominó a mejor actriz secundaria y revelación a Lily Gladstone.

La Sociedad de Críticos de Cine de Boston premio como Mejor actriz de soporte a Lily Gladstone , valorando con un segundo premio al Mejor elenco.

El Círculo de críticos de cine de Florida así como la de San Diego o San Francisco  nominaron a mejor actriz de soporte a Lily Gladstone, mientras que el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York premió en diciembre de 2016 como mejor actriz  A Michelle Williams tanto por esta película como por Manchester by the Sea. 

La Asociación de Críticos de Cine de St. Louis Gateway 1 nominó como mejor actriz secundaria a  Lily Gladstone. Fue, como se ve, un gran descubrimiento.

En los Premios Gotham Certain women obtuvo una nominación a la mejor película y como nueva actriz para Lily Gladstone también la película fue nominada al Premio del público.

La alianza de mujeres periodistas de cine en diciembre de 2016 nominó a la Mejor mujer directora a Kelly Reichardt al igual que premió la ella como Mejor guionista.

Los críticos de IndieWire en  diciembre de 2016 consideraron  que la actriz debutante Lily Gladstone y que la película  habían sido las mejores del año. También el Festival de cine de Londres considero que era la mejor película

Al final y tras una reflexión llegamos a la idea de que la película es una película que resulta  ser todo un compendio de sensaciones dando lugar a un cine contenido, sopesado, tranquilo, relajado, silencioso, de planos largos, que va entrando poco a poco. Es un cine para ser digerido de forma lenta en la que puedes valorar las historias como tres historias diferentes centradas en tres mujeres de Montana   en la que finalmente sus vidas se cruzan mínimamente y de manera tangencial, siendo esta poco o nada relevante.

Lo más auténtico, desde luego, es este retrato femenino- yo creo que bastante incompleto- de cuatro mujeres sometidas en parte a unas normas sociales en la que lo machista está presente, pero que no es del todo determinante. Son mujeres que tienen un valor en sí mismas, no por su compañía. Puede ser en ese sentido un relato feminista, pero no hembrista. Es feminista en el sentido auténtico del término defendiendo la igualdad entre hombres y mujeres. Y, es cierto, que en la película vemos toques machistas existentes que perviven en la sociedad de esa Montana profunda como pudiera pervivir en Andalucía o en la Apulia. Vemos que , efectivamente, una aparentemente gran profesional como la abogada que es ignorada , inicialmente por su cliente, ¿por el hecho de ser mujer? Puede ser. Pero, por contra, para Will es a la única persona que es capaz de escuchar lo que le dice. Puede ser que en el segundo la dependencia de Gina  o Michelle Williams con respecto a su marido, que es el amante de Laura, sea la de colocarla en una difícil situación ante la hija o ante Albert, pero - creo- que es una relación que no le aporta nada a ella. Y en la de Beth  o Kirsten Stewart ésta queda anulada en la pantalla por la aparición de una inmensa Lilly Gladstone, una marginada acostumbrada al rechazo y a la soledad por ser mujer, por ser pobre y por ser india, pero que se sobrepone a su desaparición.

Lo que si puede ser relevante como he leído es que no podemos apartar las historias del entorno. Y es cierto es la película se centra en tres espacio diferenciados. Y mientras que la primera transcurre en una ciudad y en ella la "women" se enfrenta a su cliente y a sus problemas personales, la segunda en las afueras de esa misma ciudad y se enfrenta a su familia y su entorno; mientras que la tercera es en un entorno rural y el enfrentamiento es una mujer frente a otra.


Así pues Reichardt, narra unas historias sencillas en los que el drama  es contenida , en la que la vida fluye como los ríos de Montana, mansamente, como en el Clark Fork river, uno de los afluentes del río Columbia, en el que te bañas o bajas en balsa o en un neumático por esas frías aguas que desembocan en el Pacífico. Vemos que la película trata de como la vida fluye y continúa. No hay duda de que todo se transforma pero que también que todo permanece en esta  historia contenida y arrebatadoramente femenina.

En Montana, como en otros muchos sitios la gente vive de forma auténtica, es gente corriente que se enfrente al día a día con honestidad,personas que tienen nuestros mismo anhelos y los mismos problemas que cualquiera que no llevan a situaciones dramáticas puede que patéticas, incluso egoístas, pero , desde luego, alejados de lo trágico.

Eso hemos visto, pero sobre todo hemos visto una tierra auténtica, el cuarto estado más extenso y uno de los menos poblados, un estado que es un tesoro, con montañas que brillan en el "País del gran Cielo". Un real "Big Sky Country", dominado por el espíritu demócrata donde el sentido dominante, como decían mis amigos de allá es el "Freedom". Y cuando pienso en lo bien que fue tratado allí mi mente se remite a una idea: "Smile you´re in Montana".





sábado, 22 de septiembre de 2018

21 años de profesión


En el año 2014 Richard Linklater recibió un homenaje a los 21 años de profesión por parte de dos realizadores y por parte de una importante cuadrilla de actores, actrices, productores y directores que elogian ante las cámaras los 21 años de profesión del director de Texas. Curiosamente ayer vi que en la Filmoteca de Andalucía proyectaban la última película estrenada de este director que lleva por título La última bandera y que , desgraciadamente, no puedo ir a la sesión de hoy, ni en la que hubo ayer.  

Es mucho más que un simple homenaje a la carrera de un director que ese año era reconocido con varios premios por su película "Boyhood (Momentos de una vida)", película rodada a lo largo de 12 años  es un auténtico reconocimiento - casi hagiográfico- a un realizador que yo hasta no hace mucho desconocía y que , a día de hoy, puede ser el director independiente más reputado del cine estadounidense. Pero insisto, es mucho más que eso, es el hombre que , según el documental, ha colocado en el mapa cultural norteamericano a la ciudad de Austin, convirtiéndola en capital cultural y cinematográfica de Texas, en parte gracias a su intervención. 

El documental que presenta a este director texano es 21 Years: Richard Linklater, un documental del año 2014 dirigido y escrito por Michael Dunaway y Tara Wood con la producción de las dos personas citadas anteriormente a la que se suman Melanie Miller con el respaldo de Wood Entertainment , la distrubición de Gravitas Ventures.

Cuenta con la fotografía de Aaron Brown, la edición de Jeremy Ward y la música de Graham Reynolds.

A lo largo del documental vemos breves aportaciones en forma de declaración de muchos actores que han colaborado con el director como Keanu Reeves, Matthew McConaughey, Zac Efron, Jack Black, Ethan Hawke, Greg Kinnear, Billy Bob Thorton o Michael McKean, actrices como Julie Delpy o Parker Posey, directores y actores como Jay Duplass y Mark Duplass, Kevin Smith, Jason Reitman o Joey Lauren Adams y Nicky Katt, entre otros, a los que ha inspirado en su trabajo.

Todo ello a través de fragmentos animados y los testimonios de actores. La película es un recorrido desde sus inicios con “Slacker” , una película del año 1991 hasta la que en ese año se presentaba y era multipremiada en los Globos de Oro, “Boyhood” en 2014.

En ese recorrido de 21 años que comienza con la intervención de uno de sus actores más reiteradamente protagonista de sus películas Ethan Hawke en la que habla de cómo le fascinaba la primera película de Richard Linklater en la que se pasea con su cámara de 16 mm durante un día por la ciudad de Austin, en Texas, mostrándonos una galería de personajes, aparentemente sin relación entre sí: parados, intelectuales, músicos, delincuentes, viejos anarquistas o gente de la calle y en la que, realmente, pasar no pasa nada.

Hawke , al igual que resto de actores , actrices , amigos directores y productores va desgranando su paso por sus películas como es el mismo caso de Julie Delpy con la que protagonizan la trilogía menos rentable de la historia del cine, pero más atrevida de todas formada por Antes de amanecer (1995), Antes del atardecer (2004) y Antes del anochecer (2013); pero el actor que reconoce que Rick, así al menos lo llama, es su amigo personal igualmente ha trabajado y nos relata su trabajo en Los Newton Boys (1998), una película que para algunos fue la incursión - fugaz- del director en la industria de Hollywood.

Aporta su visión igualmente Matthew McConaughey que dio el salto al cine con su película Movida del 76 o Dazed & Confused (1993) película que fue el debut de muchos y actuales grandes actores y actrices - y que ya he comentado por aquí, así como en la citada The Newton Boys, una historia real sobre unos asaltantes de bancos en Texas que no han pasado a la historia por no haber asesinado a nadie, o la grandiosa Bernie, película en la que cambió mi opinión de otros de los intervinientes en el documental, Jack Black, que también protagonizó Escuela de rock (2003).

Igualmente aparecen , entre otros Keanu Reeves y Billy Bob Thorton que agradecen su trabajo con el en A Scanner Darkly (Una mirada a la oscuridad) (2005) y Una pandilla de pelotas (2006), la primera una película con personajes reales pero que acaba siendo de animación o la segunda una película sobre un entrenador de un equipo de beisbol infantil, deporte que llegó a ser profesional, algo disfuncional. Igualmente sale un agradecido Zac Efron por haber confiado en él para la película Me & Orson Welles.

Son las declaraciones de estos y de otros intervinientes la que completan el documental que acaba con algo que me ha sorprendido: el papel que ha jugado el director en dinamizar la vida cultural de Austin, convirtiéndo a esta ciudad universitaria texana en una referencia cultural en el estado de la estrella solitaria. Una ciudad que apenas tiene un millón de habitantes y que , al parecer, tiene al resto de Tejas y Estados Unidos centrada en su foco cinematográfico.

Con doce festivales de cine y la Austin Film Society, un ente público que organiza todo tipo de eventos relacionados con el mundo del cine y que además se ocupa de los estudios de la ciudad creados en el antiguo aeropuerto de la ciudad y que obtiene fondos con estrenos o revisiones de películas a la que asisten directores reconocidos internacionalmente y que previamente pasaron por esta ciudad como Quentin Tarantino, Robert Rodríguez, Terrence Malick - que rodó El árbol de la vida en las afueras de esta ciudad- o Guillermo del Toro y que como afirma la que era coordinadora de la Austin Film Society, en 2011 , Rebecca Campbell, para el Diario El País en un artículo llamado , Austin , la otra meca del cine, "Nada de esto hubiera pasado sin Richard Linklater, posiblemente el hombre que más ha luchado para que Austin sea lo que es ahora" o como ella dice "Slacker (1991) es la película fundacional sobre la que se erige la cultura cinéfila de Austin".

El docuemntal se estrenó el 7 de noviembre de 2014 en New York y en Internet- sorprende que no lo hicieran en Austin , y pasó por el Denver International Film Festival ese mismo mes.

Sobre el mismo los críticos no han sido muy amables con el documental  John DeFore en las páginas de  The Hollywood Reporter señaló que se trataba de una "Una película amable, pero totalmente innecesaria (...) los fans de este cinéfilo incansablemente creativo querrán escuchar más que una simple alabanza"

Para  Peter Debruge en las de Variety "21 Years: Richard Linklater' es una hagiografía decepcionantemente hueca: efusiva, superficial y extrañamente caducada".



Y estoy totalmente de acuerdo con este último con el término usado. Se trata de un documental que se transforma en una loa puede que necesaria , a todo el mundo le gusta que le adulen, pero que etrmina siendo hagiográfica como por ejemplo parece extraerse de las palabras de Zac Efron.

Eso sí, reconozco que para mi ha supuesto el descubrimiento de Austin como ciudad, una ciudad que se caracteriza como la mía por sus altas temperaturas-  que venera el cine, el independiente, el comercial, el clásico y el mudo.

Igualmente reconozco que me ha gustado el que me ha dado conocer obras de película de este director peculiar ya con 25 años de profesión a sus espaldas, que parece atrapado por los diálogos de sus actores y actrices, especialmente brillante, y lo más importante, especialmente mundanos y normales, así como una auténtica obsesión por el papel del tiempo visible, al menos, en las películas que he visto con Boyhood a la cabeza, pero visible igualmente en lo que ocurre en esa fracción del día imborrable de Movida del 76 o en Trilogía que  no he visto sobre una pareja en la que el tiempo esta presenta en lo real y en lo ficticio. Espero que saquen otro documental titulado "42 Years: Richard Linklater". La espero para el 2035. Esperemos verla y contarla.