jueves, 28 de febrero de 2019

Spring Breakers


Hace un momento, mientras concluía la entrada anterior , he visto que Selena Gomez fue premiada en los Premios ALMA. Me ha sorprendido que una chica que pasó por la pantalla televisiva y que inició su carrera como actriz a los siete años con el papel secundario de Gianna en la serie infantil Barney & Friends y posteriormente se consolidó en serie de Disney Channel sea una de las protagonistas de Spring Breakers, cuyo lema en algún momento me ha parecido escuchar era algo así como "tetas y culitos"  repetido en la película en multitud de ocasiones.  Es más este vinculo con Disney Channel parece estar incluso en como se nombra a Britney Spears, a la que casi se le da un homenaje ante un piano.

Reconozco que la película me ha dejado un poco estupefacto. No entendía se incluía en el canal TCM, un canal que apuesta por obras premiadas y / o consolidadas de ayer, de hoy y de siempre. Claro, al final , he visto que la película fue premiada en multitud de festivales, pero , bueno, está claro que no siempre tengo que estar de acuerdo con lo que se premia ni con lo que he visto.

Este ha sido el caso de esta Spring Breakers, que significa algo así como "Fiesta de Primavera" que, parece ser en Estados Unidos viene a ser el pistoletazo de salida de las vacaciones de Semana Santa - para nosotros- aunque para ellos es una especie de desparrame universitario en la la cálida Florida, una especie de gran homenaje popular al "Sexo, drogas y Rock & Roll". 

Desde el principio lo digo. La película no me ha gustado. Me ha parecido un videoclip extenso con una historia que enlaza la vida de las cuatro amigas, pero , la atención que tiene hasta llegar a conseguir el dinero, asalto incluido, se diluye en cuestión de segundos una vez que salen de cárcel tras el pago de la fianza por parte del personaje que interpreta James Franco, que en esta ocasión me ha recordado más a Jesús Franco o Jess Franco que nunca. 

Empecemos por donde siempre. La película fue dirigida por un director  y guionista californiano nacido en 1973 , pero criado en Tenessee. Es hijo de un documentalista que trabajo para la PBS, el canal público estadounidense, en los años 70 y quien le enseñaría a usar una cámara Bolex. Tras vivir en el sur, marchó junto a su abuela a Nueva York . Desde pequeño mostró un interés enorme por el cine con autores que iban desde Buster Keaton hasta "indepes" por usar un término político . como las de John Cassavetes ,Werner Herzog , Jean-Luc Godard , Rainer Werner Fassbinder o Alan Clarke . Korine conoció a Chloë Sevigny - sí, la del conejo marrón- en Washington Square Park en la ciudad de Nueva York durante su último año de escuela secundaria en 1993 lo que le hizo participar a ambos en la película de cine independiente de bajo presupuesto Kids (1995) de Larry Clark, aunque ella como actriz y él como guionista de la misma. Kids, lo digo, que fue escrito en tres semanas , tras conocerse, casualmente director y guionista mientras patinaban en ese parque neoyorkino, se centra en un día en la vida de un grupo de adolescentes en la ciudad de Nueva York y su comportamiento hedonista hacia el sexo y el abuso de sustancias ( alcohol y otras drogas callejeras ) a mediados de los noventa. Nada nuevo en referencia a Spring Breakers.

Desde entonces se ha convertido en una importante película de culto . La película, aunque controvertida, impulsó la carrera de Korine y lo puso en contacto con el productor de cine Cary Woods, quien presupuestó alrededor de $ 1 millón para que Korine escribiera y dirigiera Gummo (1997). La película se estrenó en el 24º Festival de Cine de Telluride el 29 de agosto de 1997. Durante la proyección, numerosas personas se levantaron y se fueron durante la secuencia inicial de ahogamiento de gatos. Sin embargo, meses más tarde, el director recibió una llamada de Werner Herzog elogiando la película y algunas de sus secuencias. Aunque la mayoría de los críticos lo consideraron un desastre ininteligible, ganó los máximos premios en el Festival de Cine de Venecia de ese año y Korine se ganó el respeto de destacados cineastas como Gus Van Sant , entre otros.

En 1998, Korine lanzó The Diary of Anne Frank Pt II , un collage de 40 minutos con tres pantallas que irritó más aún a algunos críticos. Se evidenciaba que era una especie de "enfant terrible".

Lo siguiente fue Julien Donkey-Boy , lanzado en 1999, que incluyó algunos de los puntos del manifiesto Dogme 95 aunque rompía una serie de principios básicos del movimiento. Lars Von Trier alabó la capacidad de Korine para interpretar las reglas de manera creativa. Al igual que Gummo y Kids , también se convirtió en una especie de clásico de culto, una película para aquellos que buscan cine, como señalaba Roger Ebert que comentaba que era "impactante para la mayoría de los cinéfilos", - y añadía que era una de estas producciones indie- "que ahora son la norma".

En el 2000 se estrenó The Devil, The Sinner, and His Journey , y en 2002, Larry Clark volvió a confiar en el creador para Ken Park , basado en un guión de Korine que había escrito varios años antes. La película, otro cuento de jóvenes que salió mal, y no se distribuyó en los Estados Unidos.

En 2003, realizó el documental televisivo Above the Below sobre su amigo y colaborador David Blaine y su truco de 44 días en un parque en la orilla del río Támesis en Londres , algo que salió en todas las televisiones- dentro de una caja de plexiglás suspendida . Un documental encargado por Sky Television y Channel 4 - decir que Korine ha trabajado con Blaine en varias ocasiones. Su tercer largometraje, Mister Lonely , fue coescrito por su hermano, Avi Korine y protagonizado por Diego Luna , Samantha Morton , Denis Lavant , Anita Pallenberg , David Blaine , Werner Herzog y Mal Whiteley. La película fue estrenada en 2008 en Cannes. Fue su película con mayor presupuesto- $ 8.2 millones- recibió críticas mixtas y un varapalo en la taquilla.

En 2009 Korine estrena Trash Humpers en la sección Visions del Festival Internacional de Cine de Toronto 2009 y a pesar de ser una obra de ficción, la película ganó el máximo premio en el destacado festival de cine documental europeo CPH: DOX, el Festival Internacional de Documentales de Copenhague , en noviembre de 2009.

El siguiente proyecto de Korine fue Spring Breakers , que se produjo en 2012 en Florida , Al observar las primeras escenas que se filmaron y al hablar de la trama, el elenco y las obras anteriores del cineasta, la revista Indiewire escribió "esta podría ser la película más extraña que el director haya hecho simplemente por la naturaleza de ser totalmente diferente a su trabajo anterior". El rodaje finalizó el 30 de marzo de 2012. 

La película de Harmony Korine -evidentemente también su guión- tuvo el respaldo de Charles-Marie Anthonioz,  Jordan Gertner,  Chris Hanley y David Zander por medio de las productoras Muse Entertainment , O'Salvation, Division Films , Annapurna Pictures y Radar Productions y contó del apoyo de la distribución de A24 de un presupuesto de US$5.000.000

La película cuenta con la música de Cliff Martinez y Skrillex, la fotografía de Benoît Debie y el montaje de Douglas Crise

El reparto está interpretado por James Franco como Alien, Ashley Benson como Brit, Vanessa Hudgens como Candy, Selena Gomez como Faith y la mujer del director Rachel Korine como Cotty. Junto a los anteriores citados se encuentran Heather Morris como Bess, Gucci Mane como Archie, Ash Lendzion como Forest y los gemelos Sidney y Thurman Sewell como The ATL Twins o Gemelos Narcotraficantes. También aparecen Emma Holzer y Josh Randall.

La película comienza con el desbarre total que se produce un año sí y otro también en las playas y en los alojamientos de Florida cuando se dan las vacaciones escolares de primavera (spring break) un desparrame total de sexo, drogas y rock & roll que no tiene nada que envidiar o no  a lo que ocurre en Magaluz o en las playas catalanas con los estudiantes británicos.

En este caso es la historia de cuatro estudiantes de una universidad menor de un lugar nada atractivo llamadas Faith (Selena Gomez), Brit (Ashley Benson), Candy (Vanessa Hudgens) y Cotty (Rachel Korine) .

Las chicas tienen personalidades muy diferentes. Faith pertenece a un grupo religioso de la universidad, pero eso no impide que guste salir con sus amigas a las que conoce desde infantil que son más lanzadas y a las que le gusta fumar droga o beber.

Eso sí tienen en común dos cosas: están asqueadas del sitio en que viven y no tienen dinero. De hecho, ven como sus compañeros/as de Universidad han salido a esas escapadas de Spring Breakers, pero ellas andan sin blanca. Así que tres de ellas Brit (Ashley Benson), Candy (Vanessa Hudgens) y Cotty (Rachel Korine) planean reunir dinero para su viaje de vacaciones de primavera asaltando un restaurante de comida rápida.

Brit y Candy, después de drogarse con cocaína , se ponen máscaras y usan martillos y pistolas de juguete - de agua- pero con aspecto realista para robar siendo asistidos por Cotty, quien previamente ha robado el coche de uno de sus profesores  y luego lo quema.

Son cuatro jóvenes estudiantes con ganas de mucha juerga como vemos en el autocar que las lleva a la playa. Nada más llegar a  San Petersburgo, Florida , alquilan unas scooters, van a las fiestas de la playa y los conciertos de hip hop que por allí se dan , por la noche se bañan en la piscina y deciden que ese es el mejor momento de sus vidas y que nunca deberían volver a la rutina, les gusta ver el amanecer y la caída del sol en la playa, y contarle a Faith como fue el brutal asalto.

Pero eso es solo el principio. Durante una noche de fiesta, en una fiestas en la que la bebida, sexo  y la droga corre sin freno acaba de mala manera con algún coma etílico y con la llegada de la policía que conllevará que las chicas sean arrestadas con cargos por drogas. Con resaca y vestidas solo con sus bikinis, comparecen ante un juez, pero son liberadas al no estar en posesión de las mismas , aunque a cambio del pago de una fianza o han de pasar otros tres día en el calabozo.

Inesperadamente salen del mismo cuando Alien (James Franco), un rapero , gangster y matón local,  traficante de armas y drogas , que asiste a la vista para ayudar a sus amigos, unos gemelos ( Sidney y Thurman Sewell  ) , que también han sido detenidos en la fiesta.

Nada más salir Alien las toma bajo su ala y las lleva a las vacaciones más salvajes de la historia. Duro por fuera, como el macarra absoluto que es, pero  amable con la chicas.

Sorprendente  Alien se gana el corazón de tres de las  chicas, no así el de Faith que se siente incómoda y le parece degradante todo lo que han vivido al igual que  los macarras amigos de Alien. Alien lleva a las chicas  a un club local frecuentado por miembros de pandillas, donde Faith se siente aún más incómoda con su estilo de vida. A pesar de los intentos de Alien de convencerla de quedarse, Faith decide irse y les ruega a los demás que la acompañen. Se niegan, sin embargo, y ella hace el viaje a casa sola, no sin antes ser sobada por el impresentable Alien.

Es cierto que Alien engatusa a Cotty, a Candy y a Brit con su riqueza y su arrogancia de "chico malo". Alien lleva a las chicas restantes a un club de striptease propiedad de su rival, y antiguo mejor amigo de este subnormal. Se trata de un negro llamado Big Arch, quien le advierte a Alien que deje de vender drogas en su territorio.

Las chicas regresan a la mansión de Alien, donde hace una ridícula ostentación de su dinero obtendo por la venta de drogas y el alijo de armas, describiendo su vida como el " sueño americano ". Brit y Candy de repente agarran una de sus armas y amenazan con matarlo; encendido, Alien le hace una felación al arma- por no decir que hace el ridículo en grado extremo- y declara que se ha enamorado de las chicas.

Alien , desde ese momento, va a más y se dedica a pasear con la chicas . A ellas le entregavunas mascaras rosas y armas con la que realizan varios robos a mano armada.

Una noche, mientras están en el auto de Alien, Big Arch y otro miembro de su pandilla se acercan a ellas, los amenazan y disparan sobre el vehículo hiriendo a Cotty.

Alien promete tomar represalias, pero Cotty, traumatizada, decide que ya está bien de hacer el gilipollas o lo que quieres en la película de su marido y decide regresar a casa.

Brit y Candy se quedan atrás y comienzan una relación sexual con Alien. Los tres deciden vengarse de Big Arch.

En un flashforward , las dos chicas llaman a  sus casas, prometiendo trabajar más duro y convertirse en mejores personas.

De vuelta al presente, los tres viajan en una lancha a motor hasta la mansión de Big Arch. Después de atracar en el muelle, comienza su venganza. Nada más iniciarse, Alien es asesinado a tiros por uno de los guardias de Big Arch.

Brit y Candy continúan, matando a los hombres , incluso a las mujeres negras o latinas que uso ese animal de Big Arch antes de enfrentar y matar a Big Arch en persona.

Durante el asalto vemos como la cámara recorre los cadáveres de la chusma de Big Arch mientras las chicas hablan en voz alta y describen la belleza de la playa y reflexionando que han descubierto quiénes son realmente.

Brit y Candy, silenciosos y con expresiones pensativas y ambiguas, conducen a casa en Lamborghini de Big Arch . En un flashback final muestra a la pareja besando el cadáver de Alien. Así acaba esta , para mi, ridícula película cercana al flower power.

Reconozco que me ha irritado. Carece de inteligencia alguna. La chicas de rosa y los chicos malortes con dientes de acero inoxidable.

De acuerdo con Harmony Korine, éste  escribió la película para «compensar» sus propias vacaciones de primavera, ya que se dedicó por completo al skate, y se perdió lo que él vio como una oportunidad para «actividades hedonistas».

Korine había ideado el concepto para los Spring Breakers durante varios años antes de la producción, con ideas fugaces sobre la trama y lo que debería ocurrir. Su deseo inicial era crear una " película sensorial " que tuviera más que ver con el sentimiento que la acción y que le diera poca importancia a la narrativa o la trama , cuya idea surgió más adelante.

Una vez que Korine desarrolló la columna vertebral de la historia, que se desarrolla alrededor del período de vacaciones de primavera en Estados Unidos, viajó a Florida para escribir el guión.

Tras eso comenzó la producción en 2012, contando con un presupuesto estimado de $ 5 millones, siendo la segunda película más cara de Korine hasta la fecha.

En principio las elegidas iban a ser para formación original de  las protagonistas Selena Gomez, Vanessa Hudgens y Emma Roberts, aunque  Rachel Korine fue la primera en confirmarse en el proyecto.

Emma Roberts se retiró de la filmación a mediados de 2012 debido a «diferencias creativas que no podían ser resueltas».

El director Korine reunió a propósito un grupo de actrices jóvenes conocidas procedentes del mundo televisivo e infantil con una reputación similar a la de Roberts en Hollywood.

La película se filmó entre marzo y abril de 2012 en los alrededores y en la ciudad de St. Petersburg, Florida.

De la película se presentó un trailer de tres minutos de la película que se estrenó en el Festival de Cine de Cannes 2012 y que dió lugar a la crítica de Indienwire antes mencionada.

Se confirmó que Skrillex produciría la banda sonora de la película

La película fue una de las de este director en recibir un lanzamiento amplio. Spring Breakers fue lanzado el 22 de marzo de 2013 en los Estados Unidos por A24, al principio con un lanamiento limitado a 11 cines, y luego tras ver el éxito inicial a gran escala. Finalmente  recaudó más de $ 31 millones en todo el mundo, lo que lo convierte en un éxito rotundo considerando el pequeño presupuesto.

Fue seleccionada para competir por el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia de 2012 en su Sección oficial compitiendo el director por el León de Oro.

En los Premios Independent Spirit fue nominada a Mejor fotografía de Benoît Debie y el Círculo de Críticos de Nueva York la nominó al Mejor actor secundario (Franco) al igual que hicieron los críticos de Los Angeles: . La Asociación de Críticos de Chicago puso sus nominaciones en Franco , igualmente, y en la música de Cliff Martínez .

En los Teen choice Awards fue elegida como Mejor Actriz Selena Gomez y en los MTV Movie Awards fue nominada al Mejor Beso entre Ashley Benson, James Franco y Vanessa Hudgens - en la línea de su ridiculez- La Alianza o Liga de Mujeres Periodistas de Cine concedió la nominación a la actriz más necesitada de un nuevo agente a Ashley Benson , Rachel Korine , Selena Gomez y Vanessa Hudgens.

La Asociación Belga de Críticos de Cine le dió el Gran Premio - supongo que por el carácter surrealista de los belgas- , la Asociación de Críticos de Cine on line de Boston la incluyó entre Las diez mejores películas del año , siendo la ganadora.

La Asociación de Críticos de Cine de Ohio Central se fijó en el Mejor actor de reparto en James Franco y la mejor cinematografia en la fotografía de Benoît Debie.

El Círculo de Críticos de Cine de Dublín concedió el Premio a la Mejor cinematografia para Benoît Debie También se fijaron en ella la Asociación de Críticos de Cine de Indiana , el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York en el trabajo de James Franco como ocurrió con la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles y los del Área de Washington DC , los Detroit , los San Francisco , los Toronto . En los Premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine concedió el Premio al Mejor actor de reparto a James Franco.

Se clasifica en las 100 mejores películas de la BBC Magazine del siglo XXI . A principios de 2015, Indiewire colocó a Spring Breakers en el puesto 50 de las 50 mejores películas de la década del 2010. En 2016, la revista británica de cine Little White Lies colocó la película en el número 40 de su lista de las 50 mejores películas de la década (hasta ahora) . En Francia, la revista Les Cahiers du cinema presentó a Spring Breakers en su portada de marzo de 2013 y la colocó en segundo lugar en su lista de los Diez Mejores de diciembre de 2013.

La película recibió críticas generalmente positivas de los críticos de cine , y algunos lo calificaron como un potencial clásico de culto .

Los críticos y los estudiosos han leído un significado más profundo en la trama de la película, comentando su reflejo de la superficialidad moderna y la obsesión de la generación más joven por los estilizados y desechables, por la cultura pop y lo efímera valor de lo  sensorial.

Spring Breakers ha generado debate y controversia entre los críticos, algunos consideran que la película es sexista debido a su objetivación de las mujeres, mientras que otros consideran que la película es una película feminista o de empoderamiento femenino. La película recibió críticas generalmente positivas.

En lo que respecta a  esto en The Guardian se sugiere que la película "refuerza la cultura de la violación " y "convierte a las mujeres jóvenes en objetos sexuales", mientras que otros revisores afirman que "lleva el hedonismo del alcohol y el bikini al extremo", como la "cámara se desliza hacia arriba, abajo y alrededor de los cuerpos de estas mujeres como una lengua gigante". Aquí Xan Brooks firma que  "Korine fue a Florida como un maduro enfant terrible de cine de autor, con su carrera en punto muerto (...) Regresa como un hombre poseído, rearmado como un Russ Meyer del siglo XXI (...)"  Brooks, igualmente dice que es "el largometraje más plenamente realizado y puramente satisfactorio de Korine desde Gummo ".

También en el Reino Unido Joshua Rothkopf desde Time Out afirma que "Spring Breakers puede ser una inspirada sátira sobre la juventud o la comedia 'mainstream' más irresponsable que Hollywood vaya a hacer nunca (...) Algunos dirán que es cruda... y además es radical (...) "

Por contra, según Rolling Stone, la película presenta "una especie de camaradería del poder femenino que casi podría llamarse feminista", un resultado de la intención del director de "hacer el trabajo más radical, pero exponerlo de la manera más comercial (...) para infiltrarse la corriente principal". En esta revista Peter Travers  afirma que "La hueca fiesta de la playa de 'Spring Breakers' convertida en arte por la bizarra consistencia del filme de Harmony Korine, ha vuelto a poner a Franco en plena forma (...)"

Scott Foundas en las páginas de Village Voice señala que "Spring Breakers viene a ser el espejo de la cultura pop en el que la juventud se refleja, dejándonos sin saber si reir, horrorizarnos o maravillarnos por su extraña belleza. Todo lo que sé es que no puedo esperar para volver a verla por segunda vez (...) "

Richard Roeper escribió "La cámara de Korine es casi un arma intrusiva cuando se detiene sobre los cuerpos suaves y ágiles de Vanessa Hudgens, Selena Gomez, Ashley Benson y su esposa, Rachel Korine ... Acabó elogiando el carácter de Alien y el sentido del humor de la película.

Emma Seligman de The Huffington Post describió la película como" Scarface conoce a Britney Spears ".

Oliver Lyttlelton de IndieWire  señala que la película sería un futuro favorito de culto para los" cineastas de medianoche ".

Guy Lodge of Variety le dio una crítica negativa al afirmar que "esta atractiva y gaseosa imagen puede ser un shock para el sistema para los fanáticos de las reinas adolescentes Selena Gomez y Vanessa Hudgens, pero sigue siendo bastante despiadada por los escritores".

David Rooney de The Hollywood Reporter notó que James Franco da una de sus actuaciones más extrañas en su impredecible carrera, diciendo que "es un cruce entre Bo Derek en 10 y Richard Kiel en Moonraker ". Y concluye que es "Una risotada porno-pulp sobre el escarnio al Sueño Americano (...) Tiene un hipnótico estilo visual (...) También es demasiado monótona y vacía para resultar verdaderamente provocativa"

Andrew Schenker de Slant Magazine y Jamie Dunn de The Skinny la valoraron positivamente y en este segundo el segundo de los críticos escribe que : "Si Michael Mann tomara muchos alucinógenos y filmara un video de Girls Gone Wild , podría verse algo así".

Owen Gleiberman desde Entertainment Weekly afirma que es "La primera película 'comercial' de Harmony Korine es, de lejos, lo mejor que ha hecho en su carrera."

Manohla Dargis en las páginas de The New York Times afirma que "El Sr. Korine entra en un controvertido tema muy americano: la búsqueda de la felicidad llevada a extremos nihilistas, pero convierte esa exploración en una fiesta muy divertida que acaba resultando más una película de terror que una comedia"

Ya en España Luis Martínez en El Mundo comenta que la película es "Una brutal y muy divertida invitación al caos. No hay moralismos, ni mensajes. Todo es carne cruda." Alberto Luchini  en este diario señalaba que esta "Demencial mezcla de cine negro y comedia adolescente descerebrada, sin pies ni cabeza (...) Lo peor no es que sea una película muy mala, que lo es, es que es una película que pone de muy mal humor."

Jordi Costa Diario en  El País considera que es "La primera película de Korine condenada a ampliar su público objetivo y, sobre todo, capaz de dar gato por liebre a sus incondicionales (...) la escena del atraco al restaurante es una soberbia prueba de fuerza estilística." Desde este diario Carlos Boyero argumenta lo contrario es "El demencial argumento solo es un pretexto (...) filmado con la estética de los peores videoclips y sin que en ningún momento deje de atronarte la música house."

Nando Salvá en  Cinemanía sostiene que "Algo así como una variación de 'Drive' diseñada a la manera de Russ Meyer (...) no contiene nada verdaderamente escandaloso. (...) en el fondo no es más que un cuento de hadas algo oscuro (...) "

Sergi Sánchez en  La Razón considera que "La película trata de prolongar el proyecto vandálico de Korine, que parecía haber tocado techo (...) una sátira sobre la saturación de vacío de la hipermodernidad líquida (...) Lo que queda claro es que Korine es un artista como la copa de un pino (...) "

Para  Jordi Batlle Caminal en  La Vanguardia se trata de "Un delirio ultranaif bajo cuyas capas de furia y cinismo yace una muy veraz radiografía de nuestro tiempo. (...) "

Un bofetón o algo parecido a eso es  Oti Rodríguez Marchante que en las páginas de  ABC señala que "El único problema de la película no es entenderla, sino soportarla, porque ese hastío por la vida vacía se transmite con enorme eficacia al espectador (...) un desenlace en el que el acid, el house y todo lo demás ya han hecho pleno efecto en sus creadores"

En Argentina , Diego Batlle en La Nación considera que "En esta oda adolescente hay dosis de irreverencia y de libertad que son infrecuentes en el cine norteamericano de hoy. (...) Spring Breakers tiene todo para (...) convertirse con el tiempo en película de culto.

Pablo O. Scholz en Clarín comenta que las chicas son "Malhabladas, sexies y violentas, las chicas se ponen salvajes en un cóctel potente para desprejuiciados, un relato sobre la moral y lo amoral lo suficientemente abierto para que el espectador apruebe o desapruebe tamaña festichola de estímulos."

Horacio Bernades en Página 12 afirma que "Con un par de chicas Disney, el director de 'Gummo' hizo una de las películas más lúcidas y osadas que se hayan visto en mucho tiempo. Generará un enorme desconcierto."

Santiago García en Tiempo Argentino considera que es "Una comedia ligera e inteligente como 'Dulces y peligrosas' [Sugar & Spice] hizo, hace una década, mucho más por la amistad, la vitalidad y la transgresión femeninas que este olvidable producto sin destino."

Por último, Ascanio Cavallo en el chileno El Mercurio comenta que "Esta puede ser la película más madura de Korine, no tanto por su pendiente conservadora (...), sino por el delicado control con que la conduce desde el entusiasmo hacia las sombras."

A mi personalmente no me ha gustado la pelíciula, me ha parecido una historia envuelta en papel de celofán con muchos colorines, pero con poca sustancia. Nos presenta algo que sabemos por los informativos de los excesos universitarios, ahora en una sociedad con mucho de low cost y mucho móvil más evidentes y reconocible.

Pero la película se presenta con personajes con poco conciencia o sin conciencia directamente, con el gusto que muchas chicas tienen a vivir en el borde del precipicio. La extraña atracción que ejercen unos malotes que no sólo dan grima, sino la pestilente impresión de que van hasta sucios.

No en esta película nada nuevo. Por momentos es violenta, por momentos irrefrenable como una cabeza afectaba por la bebida en las camas que dan vueltas. Invita en ese sentido a colocar el el pie en el suelo.

¡Y qué decir del pasamontañas rosa! Creo que el director , Korine, es simplemente un inteligente provocador nato, que es conocedor de lo que puede agradar o desagradar al espectador, del relato con  violencia , del gusto por lo sensorial, casi viscoso por momentos de la pulsión sexual que hay. Al final, me ha resultado como fuegos artificiales están, ha podido haber un momento brillante, pero lo que queda en mis sentidos es más el ruido que las imágenes.

Sabios tiene la Iglesia y grandes críticos tiene el cine, pero yo lo he visto con la simplicidad del que no es crítico de cine, sino un mero espectador que no ha visto gran cosa. Lo de filme de culto, simplemente, no lo entiendo. Mejor para Harmony Korine y para aquellos que apostaron en esta película por su proyecto. Peor para mi que he tenido la sensación de que veía algo ridículo.

Y lo pero puede estar al llegar. Se ha hablado de una secuela , bajo el nombre de Spring Breakers: The Second Coming . Se llegaron a anunciar nombres como  Jonas Åkerlund como director con Irvine Welsh escribiendo el guión, sin la participación de Korine o el reparto original. Puede que lo que hagan termine en el contenedor de contenidos de Antena 3- basado en hechos reales- o en el Multicine. Nada de nada.


Salvajes


Antes de Savages, esa película del año 2012,  han pasado por aquí varias películas en las que el director Oliver Stone ha estado implicado. Algunas mejores  y otras peores. Lo cierto es que hablamos de un director que no tiene medias tintas y que hace las cosas razonablemente bien o fatal. Eso sí, casi siempre, por no decir , siempre comprometido. Aunque en esta película Salvajes lo he visto mucho peor y bastante menos comprometido que en otras de sus obras.

Por aquí han pasado desde Alejandro Magno hasta Salvador, desde Nacido el 4 de julio hasta Snowden - aunque todavía la entrada de este biopic no está elaborada- , desde la tremenda World Trade Center hasta Platoon, por no hablar de Nixon de las que no elaboré entrada alguna, pero que volverá a caer antes o después, al igual que Natural Born Killers,  como ocurrirá en un plazo más o menos breve con su película más conseguida: JFK . 

Por eso me ha extrañado la factura de Salvajes, pues salvo por la brutalidad de algunos momentos, lo cierto es que no parece suya. De este director siempre espero más , mucho más. 

La película es el resultado de la conjunción de la labor en el guión de tres mentes pensantes: Shane Salerno, Don Winslow, Oliver Stone , siendo el segundo el responsable de esta novela homónima. Winslow es un reputado escritor estadounidense reconocido por sus novelas negras y de crimen y misterio. Un hombre formado en la Universidad de Nebraska en historia y periodismo, especializado en historia africana, lo que le llevó a Sudáfrica donde trabajó como periodista e investigador en la Universidad de Ciudad del Cabo. Tras abandonar el hemisferio sur se refugió en la cálida California, en concreto en una localidad cercana a San Diehgo, Julián, y allí vivió como detective privado y guionista de cine y televisión. Dos de sus obras han sido llevadas al cine, además de esta Salvaje novela, fue el responsable de Bobby Z (The Death and Life of Bobby Z, 2007), una película dirigida por John Herzfeld y protagonizada por el desaparecido Paul Walker, junto a Laurence Fishburne y Olivia Wilde. Decir que desde sus libros defiende algo que se ve en Salvajes: solo la legalización de las drogas puede reducir el narcotráfico y que Estados Unidos actúa en México contra la droga con la mentalidad con que luchó en Vietnam. No hace mucho, en 2015, fue premiado por su obra El Cártel con el IX Premio RBA de Novela Policiaca . Esta claro que sabe del tema y que le preocupa el mismo.

Detrás del proyecto se pusieron las productoras Ixtlan Productions, Onda Entertainment y Relativity Media , y con cabezas visibles de la producción Moritz Borman y Eric Copeloff , con la distribución de Universal Pictures que aflojaron los 45.000.000 dólares del presupuesto.

Para el proyecto se contó con Adam Peters en el apartado musical, la fotografía de Daniel Mindel -siendo la primera película de Oliver Stone en casi 17 años en ser fotografiada con lentes anamórficas Panavision. - y el montaje de Joe Hutshing,   Stuart Levy y   Alex Marquez que habla de las dificultades para la concreción del producto final.

En el reparto aparecen Taylor Kitsch como Chon, Aaron Johnson como Ben y Blake Lively como Ophelia "O" Sage. Junto a ella aparecen John Travolta como Dennis,  Demian Bichir como Alex , Salma Hayek como Elena Sánchez "La Madrina" y Benicio del Toro, como Miguel "Lado" Arroyo . Igualmente aparecen Sandra Echeverría, como "Magda" o Magdalena Sánchez , la hija de Elena, Joaquín Cosío, como El Azul, Emile Hirsch como Spin, Mía Maestro como Dolores Arroyo , Shea Whigham como Chad, Joel David Moore como Craig , Amber Dixon como Sophía , Diego Cataño como Estéban,  Leonard Roberts como Frankie , Trevor Donovan como Matt,  Ralph Echemendia como Wiley , Jake McLaughlin como Doc , Alexander Wraith como Sam , Antonio Jaramillo como Jaime,  Leana Chavez como Gloria,  Elena Varela como Maria,  Sean Stone como Eric y Ali Wong como Claire. Además aparecen Gonzalo Menéndez, Jonathan Patrick Moore, Aaron Kunitz, Matt Riedy.

La película comienza con una escena desagradable en la que vemos a un grupo de latinosamericanos atados los unos a los otros que están siendo amenazados por un tipo que porta una motosierra y lleva una careta que le tapa el rostro; tras esto una voz en off perteneciente a una de las protagonistas, concretamente a Ophelia "O" Sage ( Blake Lively) que nos informa que nos contará una historia de la que ella es , entre otras personas, una de las protagonistas y puede que en estos momentos esté viva o esté muerte, pero nos quiere comentar que todo empezó en Laguna Beach, un centro costero y turístico del condado de Orange, California, que acoge a los niños y niñas bien de las privilegiadas clases pudientes del estado y del país,  sin nada que hacer, compuesta por  adolescentes sin oficio ni beneficio salvo el dinero de sus padres y con demasiado tiempo libre y dinero.

Posteriormente vemos que O está haciendo el amor intensamente, aunque ella mismo reconoce que en ese momento está follando con otro de los protagonistas , Chon (Taylor Kitsch), un ex SEAL de la Marina estadounidense que ha participado en la campaña de Afganistán  y la de Irak , aunque también ha sido ex mercenario que no está seguro de que valga la pena salvar al mundo.

Después nos comenta que ella gusta estar tanto con Chon, como con su mejor amigo Ben (Aaron Johnson), un budista pacifista y caritativo botánico que aspira a salvar al mundo, y que ahora se encuentra en un punto desconocido del continente africano colaborando con una fundación.


Nos recalca que ella conoció a ambos amigos hace un par de año cuando dejaron de ser dos chicos que hacían turismo en la zona y optaron por convertirse en dos jóvenes emprendedores, que como buenos amigos desde la adolescencia, decidieron entrar en el negocio del cannabis de alta calidad, en parte en su vertiente legal pues así está regulado en el Estado de California y de otros estados de la Unión, pero igualmente en el mercado ilegal. Está planteado como un buen y lucrativo negocio en base a los conocimientos botánicos y económicos de Ben  formado en la Universidad Californiana de Berkeley y la buena calidad de las semillas que ha traído desde Afganistán de manera ilegal Chon. Con la conjunción de la formación y las semillas ambos apostaron cultivar marihuana.

Las semillas producen una variedad particularmente potente, que desarrolla una amplia base de clientes. Chon y Ben se hacen ricos, y Ben dedica tiempo y dinero al trabajo de caridad en África y Asia.

Desde hace un par de años los dos amigos de Laguna Beach, que comparten novia, se dedican al tráfico de drogas pues han montado un lucrativo negocio casero: cultivar y vender la mejor marihuana que jamás se ha desarrollado. .

Los dos amigos también comparten novia, la bella Ophelia (Blake Lively). Los tres disfrutan de la vida sin molestar a nadie. Pero una empresa de este tipo no puede permanecer oculta durante mucho tiempo.

Su legendaria hierba y su innovador negocio llaman la atención del cártel mexicano de Baja California, encabezado por su despiadada jefa Elena Sánchez "La Madrina" (Salma Hayek), su brutal mano derecha Lado (Benicio Del Toro) y Alex (Demián Bichir), un abogado sin escrúpulos.

Casi de inmediato. una vez terminado el sexo con Chon, éste descubre que le acaban de enviar un mensaje con imágenes en los que se ven una serie de cabezas cortadas y cuerpos desmenbrados, sobre todo descabezados. En el mensaje que procede de una voz distorsionada que más tarde descubrimos que se trata de Elena Sánchez, la Doña de la droga mexicana, que le exige asociarse con Ben y Chon, aunque quien ejecuta con brutalidad las órdenes es el encargado mexicano del cartel de la droga Miguel "Lado" Arroyo ( Benicio del Toro ).

Este exige una reunión en la que el cartel ofrece una asociación entre los productores americanos y los traficantes mexicanos.

Aunque Chon y Ben ofrecen entregar su red y salirse del negocio, el cartel quiere su experiencia en la producción y en la calidad de la misma, así que insiste en la creación de una sociedad.

Ante la insistencia de los mexicanos y el temor de implicarse en su conocida espiral de violencia, Chon y Ben hacen planes con Ophelia para ir a Indonesia por un año, sin decirle que están huyendo del cartel.

Ante de tomar la decisión definitiva deciden hablar con un agente corrupto de la DEA, Dennis Cain ( John Travolta ), quien recibe dinero de ellos. Aunque este les insta a unirse al cartel.

Poco después y tras una cena Ben y Chon deciden no estar nada interesados en el negocio. Tanto es así que los dos muchachos se niegan, pero sin ser conscientes que nadie dice no a La Reina sin perder algo a cambio.

Aunque organizan una salida racional del negocio creando empresas tapaderas y optando por pasar un año fuera del país, necesitan que O recupere su pasaporte en manos de su madre y ésta a su vez decide darse una vuelta por el centro comercial para comprar ropa para el largo viaje.

Pero , a pesar de que Chon le ha puesto un protector que la sigue a distancia , un hombre de Lado disfrazado de policía acaba con su guardaespaldas y , finalmente, secuestra a O (diminutivo de Ophelia).

Chon y Ben , que están esperando impacientes a Ophelia reciben una videollamada de la líder del cártel Elena Sánchez ( Salma Hayek), que amenaza con dañar a Ofelia si rechazan la asociación  y les exige como rescate todo el dinero que han ganado durante los últimos cinco años.

Elena no ha tenido en cuenta el poderoso lazo que une a Ben, Chon y O. Ellos discuten la situación con Dennis, quien les dice que Elena Sánchez que es la persona que está detrás del secuestro se enfrenta en estos momentos a la pérdida de sus conexiones políticas en México lo que ha frustrado sus esfuerzos para mudarse a los Estados Unidos donde reside su única hija. Y como ya ha perdido a la mayor parte de su familia, Dennis le dice que él no tiene nada que pueda ayudarlos. Viendo la nula colaboración con ellos, Chon apuñala a Dennis en la mano y le golpea en la frente y le exige inteligencia de la DEA para que puedan atacar a Elena.

Y aunque en principio los dos jóvenes se muestran dispuestos a pagar, al mismo tiempo, idean un plan para rescatar a la chica y vengarse de sus secuestradores, con la ayuda de un agente corrupto de la DEA llamado Dennis (John Travolta) y el astuto contable Spin (Emile Hirsch). Así empieza una larga y salvaje batalla llena de crueldad y peligro entre voluntades de hierro.

Con la ayuda de cuatro amigos de los Navy SEAL de Chon, él y Ben atacan un convoy que lleva dinero del cártel y matan a siete de los hombres de Elena.

Por su parte,  Ofelia, está retenida en pésimas condiciones alimentarias, sanitarias, etc, además de empezar a sentir el mono por no tomar drogas y exige hablar con quien esté a cargo. Lado la droga ( y después nos enteramos que la viola en represalia por pasar por encima de su cabeza).

Por su parte, Elena, empatiza con la chica, pero su prioridad es ahora viajar a los Estados Unidos para visitar a su única hija viva y salir de la escalada de violencia que implica esta guerra abierta en lo físico y en lo económico. Decide en un momento llevarse a Ophelia con ella.

Chon y Ben mediante ficciones bancarias y manipulación de documentos hace que uno de los integrantes del cártel Alex, ( Demián Bichir ) aparente ser y estar trabajando para El Azul (Joaquín Cosío ), responsable de la banda rival y los enemigos de Elena, .

Con la ayuda de Dennis, falsifican la evidencia y se la dan a Lado. Lado tortura a Alex para forzar mediante la aplicación de una cruel tortura consiguen una confesión.

Después de que Alex confiesa, Lado le pone un neumático y lo rocía de gasolina y obliga a Ben a encender la gasolina con una antorcha; Ofelia se ve obligada a mirar.

Tras eso Lado cruza a Elena a los Estados Unidos y comienza a trabajar con El Azul. Ben y Chon le pagan a Dennis $ 3 millones por que éste le pase información sobre la hija de Elena, Magdalena ( Sandra Echeverría ), y el nombre de su informante en el cartel de Elena.

Ben y Chon secuestran a Magda y llaman a Elena para establecer que ahora tienen el control. Con Elena a su merced, organizan una reunión en el desierto para intercambiar a Ofelia y Magda en la que los francotiradores de ambos lados están en posición.

Elena pregunta quién reveló la ubicación de su hija, y Chon le dice que era Lado. Ella intenta matar a Lado, pero él le dispara primero; iniciándose así un tiroteo en el cual Chon recibe varios disparos.

Lado recibe un disparo en la espalda de Ben, pero le dispara en el cuello antes de que Ophelia lo mate. Ben está herido de muerte y Chon le inyecta a Ophelia y a él una sobredosis mortal para que puedan morir juntos.

Sin embargo, cuando todo parece acabar , volvemos a escuchar la voz en off de  Ofelia y la vemos como se despierta de una pesadilla.

Nuevamente vemos lo que ha pasado durante la reunión de intercambio de prisioneras. Cemos que Lado le roba el auto a Elena y se escapa cuando Dennis lleva a los agentes de la DEA a la escena.

Todos menos Lado y Magda , que huye corriendo, son arrestados. Debido a que Ben tiene información incriminatoria sobre Dennis, Dennis identifica a Ben y Chon como sus informantes en el cartel y son liberados.

Elena es sentenciada a treinta años de prisión, y, por su parte,  El Azul y Lado crean un nuevo cartel llamado los Azulados.

Finalmente la voz en off nos informan que Ben, Chon y Ophelia abandonan el país y viven en una cabaña junto a la playa, posiblemente en Indonesia. Ofelia se pregunta si viven como salvajes.

El rodaje se extendió por todo el verano de 2011, desde julio al 30 de septiembre de 2011. Durante agosto de 2011 se estuvo rodando en Pacific Palisades, en el barrio de Pacific Palisades en Los Ángeles, aunque también se rodó en la misma Laguna Beach,en Santa Clarita, en Malibú, en Rat Beach en Torrance, en Dana Point, en la South Bay Galleria de Redondo Beach, Piru Creek, en Simi Valley, en Rancho Palos Verdes todas ellas en California. Se rodó igualmente en la Isla Moyo de Nusa Tenggara Barat en Indonesia.

Los Angeles Times informó: "La piscina cubierta de la finca se convirtió en una granja de marihuana hidropónica masiva para la producción de la película, con cerca de 300 macetas de alto octanaje atascadas en el vivero secreto".

El diseñador de producción Tomas Voth dijo: "Quería usar plantas reales y las tenía listas, pero era algo legal. Universal nos dijo que usáramos falsificaciones". Por razones legales, todas las plantas de marihuana en la película son artificiales. Los diseñadores de producción visitaron a los cultivadores legales de marihuana medicinal para obtener los detalles correctos.

Oliver Stone comenzó a trabajar en la adaptación al guión antes de que se publicara el libro. Tan seguro estaba de esta historia que él mismo contribuyó a invertir en el proyecto.Las escenas de sexo fueron filmadas durante los primeros tres días tras dos semanas de ensayo. Inicialmente fue Jennifer Lawrence la elegida originalmente como Ophelia pero se retiró debido a conflictos de programación.  Otras actrices consideradas para reemplazar a Lawrence incluyen Amber Heard , Olivia Wilde , Lindsay Lohan , Teresa Palmer y Abbie Cornish . En abril de 2011, se informó que Blake Lively había sido elegido como Ophelia. Oliver Stone le ordenó a Blake Lively que tomara entrenamiento con armas de fuego para su papel. A pesar de no tener experiencia en el campo de tiro, ella golpeó la masa central en sus primeros tres disparos.

Antes de elegir a Taylor Kitsch en la película, Oliver Stone le pidió al director Peter Berg que le mostrara 30 minutos del trabajo de Kitsch en Battleship para ver cómo era como protagonista, y después de ver las imágenes, lo eligió. Uma Thurman interpretó a la madre de Ophelia, Paqu, pero sus escenas fueron cortadas debido a limitaciones de tiempo. Además, Taylor Kitsch recibió entrenamiento de verdaderos Navy SEALs como parte de su preparación para la película.

Leonardo DiCaprio , Tom Hardy , Garrett Hedlund y James Franco fueron considerados para interpretar a Ben que , finalmente, fue para Aaron Taylor - Johnson.

Trevor Donovan originalmente audicionó para un papel que fue cortado, pero después de ver la cinta de Donovan, Stone específicamente le escribió una parte que no estaba en el libro. Oliver Stone escribió el papel del novio de Magda para Trevor Donovan después de que se cortó la parte para la que había audicionado originalmente.

El personaje de Elena Sánchez ( Salma Hayet) se basa libremente en Mireya Moreno Carreon, la primera mujer mexicana conocida en el cártel. Michelle Rodríguez y Zoe Saldana fueron consideradas para el papel de Elena que fue para Salma Hayek .

La película entró a la postproducción en octubre de 2011. Originalmente estaba programada para un lanzamiento en otoño, pero la fecha se trasladó inmediatamente a julio después de la primera proyección para el estudio. Se estrenó el 6 de julio de 2012  aunque a gran escala en agosto de 2011. La película recaudó unos  82.966.122 dólares.

Salvajes recibió críticas mixtas de los críticos.  La película fue algo mejor recibida en Europa, siendo especialmente crñitica en México como se constata lo crónica que hizo de la película Leonardo García Tsao en el mexicano La Jornada en la que se nos dice que es "Ridícula en cualquiera de sus conclusiones, 'Salvajes' se plantea, más bien, como el triunfo del cinismo de Stone que se contenta con concluir frívolamente que el conflicto se explica, porque ambos lados de la frontera están habitados por gente de lo más incivilizada."

El periodista de cine y música del Reino Unido Dylan B Jones lo elogió, alegando que el director Oliver Stone había encontrado "una variedad mágica de sexo sensual, agitación emocional frenética y secuencias de acción de inteligencia brillante".

Roger Ebert, del Chicago Sun-Times elogió la dirección de Oliver Stone, diciendo: "Gran parte de la fascinación de los 'Salvajes' se debe al tratamiento de las negociaciones de Stone, que involucra porcentajes, "escalas móviles durante tres años, un último pago y otros detalles financieros que las drogas tienen en común con las grandes empresas. Es fascinante ver a las dos partes tratando de superarse mutuamente". Y añadió el crítico del Chicago Sun-Times que era "Un regreso formal al lado oscuro de Stone, 'Savages' genera una implacable energía y algo, aunque no demasiado, de humor (...) "

Drew McWeeny dijo de ella que era  "uno de los placeres más completos para mí este verano".  Valoró positivamente las actuaciones de los actores y describió el trabajo de Lively como "inteligente y triste precisamente porque ella interpreta a O como una pequeña alma rota y necesitada" y elogió el vínculo entre Kitsch y Taylor-Johnson, que "no solo parece creíble sino que también es auténtico y vivió en toda la película".

Por contra, Connor Jason, señaló que  " Savages es un gran desastre, hermosos actores y lugares mezclados con una trama que comienza con fuerza pero que finalmente se convierte en un festival de sueño. ".

En una entrevista televisada, Oliver Stone hizo una serie de afirmaciones infundadas y falsas para justificar su oposición a la Guerra contra las Drogas , alimentando una "narrativa distópica de México" y alimentándose de la creencia de que los delincuentes mexicanos son "superhombres invencibles". . "

Para Todd McCarthy del The Hollywood Reporter "'Savages' representa, al menos, una resurrección parcial del lado más alucinatorio, violento, sexual y en una palabra, salvaje [de Stone]"

Nos dice Kyle Smith en el New York Post que "Este noir a lo Elmore Leonard sobre los bajos fondos versus los hijos de puta es diversión inmunda y despiadada (...) "

Desde las páginas de Entertainment Weekly comenta  Owen Gleiberman  que "'Savages' es Oliver Stone haciendo lo que debería haber hecho hace mucho tiempo: un thriller criminal tramposo, amoral, rápido y sucio que está afortunadamente libre de cualquier relevancia de actualidad social o política"

Claudia Puig en USA Today sostiene que "Aunque 'Savages' apunta a ser provocativa y dinámica, acaba resultando predecible y forzada (...)

Ya en España Luis Martínez en  El Mundo afirma que se trata de "Un alborotado delirio en el que, prácticamente, cabe todo. (...) Todos y cada uno de los tópicos que componen la carrera del director son concitados en la pantalla sin más beneficio que la desgana."

Desde las páginas de El País Jordi Costa afirma que  "'Salvajes' parece algo fuera de programa, pero Stone ha tenido la habilidad de ocultar bajo la superficie suficientes elementos para garantizar su futura reivindicación como uno de los noirs más pertinentes del momento"

En La Razón Sergi Sánchez sostiene que  "Stone intenta reencontrarse sin éxito con su cara más violenta y canalla. (...) «Salvajes» es tan rutinaria y acepta sus carencias narrativas con tanta desgana que resulta difícil entender el porqué de su existencia"

Salvador Llopart en el barcelonés La Vanguardia señala que "Cuando está brillante, es impresionante. Cuando no, como por momentos en 'Salvajes', especialmente al final, Stone es cansino. (...) Pero todavía sabe lo que es hacer una buena película. (...) "


Nando Salvá desde Cinemanía refleja por escrito que "En ningún momento se percibe como una película arraigada en la realidad, pero tampoco se aleja lo suficiente de ella para funcionar como 'cartoon'. (...) El gusto de Stone por el exceso sigue intacto, pero aquí le falta fiereza"

Desde el cono sur Fernando López en La Nación afirma que "Todos los estereotipos valen para Stone."

Para  Horacio Bernades en Página 12 "La película termina resultando algo así como un canto a la libre empresa, la iniciativa individual y el american way of life, (...) ¿Qué pensará Fidel de todo eso?"

Para  Hugo F. Sánchez en Tiempo Argentino se trata de "Un thriller rutinario, que supuestamente profundiza la visión sobre las prácticas del capitalismo, un lustroso packaging cinematográfico que envuelve el miedo del civilizado Norte frente a la barbarie del Sur."

Isabel Croce en La Prensa estamos ante "(...) una película "clase B", con el formal estilo de Oliver Stone."

La película fue nominada en los Premios ALMA 2012 , los American Latino Media Arts Award o ALMA Award , anteriormente conocido como NCLR Bravo Award , un premio que destaca las mejores contribuciones de los latinos estadounidenses a la música, la televisión y el cine. Los premios promueven ¿representaciones justas y precisas de los latinos?. En este sentido no entiendo como fueron nominados siquiera. Pero, en este caso los premios que , finalmente, no tuvo - quedándose en nominaciones- fueron entregados en una ceremonia en Pasadena iban a ser para Benicio del Toro como al mejor actor, Salma Hayet a la mejor actriz y como actor y actriz de apoyo los nominados fueron Demián Bichir y Mia Maestro , respectivamente.

En cuanto a mi valoración considero que la película tiene sus momentos. Algunos bien llevados , con tensión y con espectacularidad en la que se aprecia la mano de Oliver Stone. Sin embargo, yo creo que el problema radica en dos puntos: la idea de negocio casi ejemplar de un negocio legal en algunos estados de norteamérica, pero que yo vinculo con la adicción inicial y con los problemas psicológicos después - que se lo pregunten a uno de mis antiguos vecinos, con problemas de esquizofrenia derivada del consumo y con un aspecto hoy cercano a los 70 años y no a los 55- más que a las bondades especialmente ligadas a enfermedades ligadas al dolor; y , por otra a ese final dual, que se aproxima a lo ridículo, pues tan lamentable es el primero como el segundo.

Por otro lado, entiendo que algunos mexicanos les moleste la imagen que de algunos de ellos se transmite aquí ( políticos corruptos con vínculos y raíces en el crimen de drogas, ), criminales sin piedad , pero que también por momentos son torpes y ridículos, mujeres fatales que recuerdan a la Reina del Sur de Pérez Reverte o la presencia de un corrupto inspector de la DEA , creo que no compensa lo suficiente, en todo caso parece encaminar su trabajo más hacia la comedia del mal gusto que a lo dramático. No se si esa división entre chicos listos americanos y hombres brutales mexicanos es del todo positiva. Pude que haya servido para dar más munición a ese pirómano político que es Donald Trump.

En este sentido estoy totalmente de acuerdo con los escrito en La Voz del interior , un diario argentino , por Javier Mattio al exponer que "Stone se queda parado en la frontera sin jugarse, ambivalencia hecha explícita en el doble e indeciso final. El defecto de 'Salvajes' no es su falta de solemnidad, sino el tedio de su pretendida diversión" , o como señala Leonardo D’Espósito en Noticias "Termina pareciéndose a un melodrama o, más bien, a su parodia. No deja de ser interesante, aunque está lejos de la locura satírica de 'Un domingo cualquiera' o la fuerza narrativa de 'JFK', sus mejores películas."

Eso sí, me ha servido para ver que el ritmo narrativo en Oliver Stone sigue vivo, y como decimos aquí " quien tuvo, retuvo" ,  pero su elección en cuanto a lo que ha de narrar deja bastante que desear.


Ford, el hombre que inventó América


En febrero de hace 125 años nacía en Maine - era el año 1894-John Martin Feeney. De claras raíces irlandesas, con el tiempo decidió que su nombre artístico tendría que ser otro, y lo fue, y pasó a llamarse John Ford , el nombre con el que ha pasado a la historia del séptimo y como no sólo de los grandes, sino de los mejores entre los grandes. 

A lo largo de su larga trayectoria profesional este director nos dejó casi 150 títulos, un trabajo que empezaba en los tiempos del cine mudo hasta obras en los años sesenta. No destacaba por el número, que también, sino por la eternidad de sus obras y el legado de la misma. François Truffaut decía que Ford inventó el cine y que «John Ford es uno de esos poetas que no hablan de poesía». Orson Welles decía que entre sus tres directores favoritos se encontraban " John Ford, John Ford y John Ford". Fue busca´do por críticos y cineastas para sacar al exterior y dar a conocer al mundo su auténtico yo, pero no fue posible, al menos, en vida. Era tan inteligente como cortante como comprobamos en la respuesta que le dio en una entrevista a Jean-Luc Godard, en su época en «Les cahiers du cinema», ante la pregunta de qué lo había llevado a Hollywood .Ford le respondió con sorna: «Un tren». En el documental se ve cómo le dice al cámara «¡Corten!» ante una pregunta incómoda que le plantea Peter Bogdanovich, autor de una de las mejores biografías sobre el mito. 

Hoy he visto en TCM un homenaje a este realizador que amaba tanto lo irlandés como a su manera de concebir los Estados Unidos, cuando los Estados Unidos no tenían ni tan siquiera una imagen de si mismos, en forma de documental en el que se analiza la trayectoria del cineasta, ganador de cinco Oscar, más que nadie en la historia de la Academia de Hollywood, y cómo logró captar el carácter profundo de los Estados Unidos. 

El documental se titula John Ford: 125 años del hombre que inventó América. John Ford, the man who invented America ha sido dirigida en 2018 por Jean-Christophe Klotz, un antiguo reportero de guerra franco-estadounidense, y producida por Hauteville Productions. 

Para el director del documental estamos ante " un hombre enigmático, una persona inconformista y un humanista comprometido siempre con las causas más justas. Los personajes que encontramos en las películas de Ford, sobre todo aquellos que interpretó John Wayne, su actor fetiche, captan la médula misma de los Estados Unidos". 

El director francés parte de la tesis de que ningún otro director ha captado mejor el carácter profundo de los Estados Unidos como John Ford. En sus largometrajes encontramos los mitos, los héroes, las utopías, las esperanzas, el motor del llamado “sueño americano”. “Me llamo John Ford y hago películas del oeste”. Así se definió en una ocasión este legendario realizador. Y es bien cierto. El creó el imaginario de América y un espacio que le servirá para ello, Monument Valley. La que es una enorme extensión de terreno situada entre los estados de Utah y Arizona, que históricamente nunca será el lugar de batallas entre los blancos contra los indios y por el que nunca cruzaron por él caravanas de pioneros ni había fuertes de la caballería de los Estados Unidos. Sin embargo, gracias a las películas de John Ford, Monument Valley se ha convertido en un lugar mítico, la esencia misma de la historia americana. 

El reportaje habla del director y como éste hablaba desde sus películas. Parte de alguno de los westerns más inolvidables como La diligencia, Fort Apache, Centauros del desierto o El hombre que mató a Liberty Valance, entre otros muchos, la mayoría verdaderas obras maestras del cine, pero que eran obras que decían más de lo que narraban en el historia. El mensaje de los mismos es mucho más profunda y su mirada - aunque tapada con un parche como Fritz Lang o Raoul Walsh-  tendía a ir más allá. 

No se quedó para expresar su pensamiento en este género, aunque éste género le sirve de medio para contar lo que le interesa que sepamos, sino que también rodará dramas con un intenso contenido social como Las uvas de la ira o ¡Qué verde era mi valle! También filmes en los que recordaba la Irlanda que tuvieron que dejar sus padres como El hombre tranquilo y El delator o bélicas como Escrito bajo el sol. Incluso una que transcurre en el corazón mismo del continente africano como Mogambo. 

John Ford: el hombre que inventó América analiza elementos básicos de la trayectoria del cineasta y cómo, a lo largo de su filmografía, logró, mejor que ningún otro realizador, captar el carácter profundo de los Estados Unidos. Sus mitos, sus héroes, sus utopías y esperanzas. La razón de expresarlo a través de sus películas se debe a que a Ford no le gustaba hablar de sí mismo. Menos aún de su ideología. Quizá por eso fue considerado un izquierdista y un reaccionario a la vez. 

Uno de sus descubrimientos, John Wayne, el actor al que enseñó actuar y amigo personal de Ford, y que era de inequívocas ideas conservadoras, representó como nadie sus ambigüedades, con personajes heroicos y contradictorios. Ford moldeó al actor y lo convirtió en estrella, en la representación de su visión de América. En apoyo de esta tesis , durante el documental, además de ver fragmentos de sus películas más representativas para cada época y cada momento, vamos escuchando fragmentos de algunas de las entrevistas que el director de Maine dio, posiblemente, muy a pesar suyo, pero también las declaraciones que ante la cámara del director francés hacen personas que lo conocieron directamente o transversalmente. 

Escuchamos a uno de sus nietos , Dan Ford, que lo conoció en su niñez como al director le gustaba representar el papel de rudo hombre del Oeste, como si quisiera esconder que era un hombre cultivado y un lector infatigable o como se refugiaba de sus demonios personales a través de una botella , especialmente, en su barco. 

«El hombre que inventó América» sostiene que John Ford escribió una historia paralela de los Estados Unidos tan profunda y verosímil que el público olvidaba que sus películas eran ficción. En su primer gran éxito en lo colectivo está La diligencia, la película que catapultó en la historia a John Wayne. 

Es interesante por ser una película que va más allá de los estereotipos cinematográficos del western: un forajido que ha matado , pero que tiene tan buen fondo, como la prostituta, el doctor al que le gusta la bebida, el jugador de cartas, .... Una vez creado el imaginario americano con la suma de todas las personalidades de los perdedores que lleva en su interior la diligencia, nos presenta al que puede ser el más execrable personaje, el banquero que roba su propio banco, y que gusta dar lecciones de moral a los demás, vemos como el director pasó a otros temas que representaban su espíritu crítico contra las injusticias que maltrataban el país. 

Esa manera de presentar la realidad americana es visible en Las uvas de la ira, basado en la novela de John Steinbeck, una amarga crónica de la Gran Depresión, la crisis económica que sacudió Norteamérica en 1929. Los rostros retratados por su cámara en «Las uvas de la ira», por ejemplo, quedaron grabados en la memoria colectiva como documentos auténticos de la época de la Gran Depresión. Si le permitían ir a su aire y hablar de injusticias era porque, como gran patriota, sus películas ensalzaban a su vez la imagen del país. 

Tras estos títulos nos comenta su nieto como el siguiente gran paso en su vida como compromiso con su nación está en su inmediata incorporación en el Ejército estadounidense tras estallar la Segunda Guerra Mundial. John Ford se alistó en la marina estadounidense después del ataque japonés a Pearl Harbor. Quería convencer a las autoridades militares de la necesidad de formar a fotógrafos y cámaras para que retrataran el conflicto desde el punto de vista americano. Tras intensas negociaciones, Ford consiguió salirse con la suya y se encargó personalmente de la formación de estos nuevos reclutas. 

El papel que jugó especialmente relevante en los documentales realizados durante , por ejemplo, La batalla de Midway, por la que obtuvo uno de sus Oscar al mejor documental. Su bautismo de fuego tuvo lugar en 1942 en las islas Midway. Dio una sola orden a su joven cámara: “Fotografía caras. El combate siempre lo podemos recrear después”, le dijo. El director fue herido en el brazo por un impacto de metralla, pero continuó filmando, logrando un metraje de una inusual intensidad. La batalla de Midway ganó el Oscar al mejor documental en 1942, uno de los cinco que lograría Ford a lo largo de su carrera. Ford recorrió con sus camarógrafos casi todos los campos de batalla. Estuvo en las arenas del desierto africano; se metió en las lanchas que participaron en el Desembarco de Normandía; siguió a las tropas que marcharon sobre Alemania y las que combatían en las aguas del Pacífico. 

Tras su etapa bélica lo experimentado está presente en My Darling Clementine o Pasión de los Fuertes, la película que nos muestra el duelo entre Victor Mature y Henri Fonda y que nos presentó desde otra perspectiva el Duelo en OK Corral. 

Esta manera de ir alejando el oeste de la gloria y esencia de un país está presente en lo que le dice James Stewart el periodista de «El hombre que mató a Liberty Valance», «esto es el Oeste, señor; si la leyenda se convierte en realidad, publica la leyenda». Y, ese alejamiento progresivo también está en Centauros del Desierto o The Seachers, una auténtica obra sobre el origen violento y racista del Oeste contra los nativos americanos; así como el pasó a visiones más pacifistas en otras de sus obras. 

Especialmente relevante es la posición en la que están esos grandes westerns de los años 50 y 60, que culminarán en El sargento negro o El gran combate. En estas dos últimas se habla con enorme respeto de los nativos americanos y de la población negra, que en la década de los años sesenta reivindicaba sus derechos civiles. El documental se detiene a menudo en un territorio mítico, otra de sus invenciones. 

El cineasta de origen irlandés descubrió Monument Valley en 1938 y rodó allí siete películas, algunas imprescindibles, como «La diligencia» y «Centauros del desierto», esa enorme extensión de terreno entre Utah y Arizona en la que nunca se libraron batallas contra los indios ni cruzó caravana alguna de pioneros. Fue una de las mentiras con las que Ford alteró la historia americana. Pero otra gran verdad fue que dignificó el espacio y lo cedió a sus auténticos moradores, los navajos que acabaron siempre parte de su familia personal y profesional y que todavía en el presente usan las películas de Ford para ver a sus antepasados. 

Además de la aportación de su nieto, especialmente interesante han sido las declaraciones del biógrafo del director Joseph McBride en la que afirma que “John Ford, como hijo de emigrantes que era, quería ser aceptado en la sociedad americana”o como “Ansiaba ser aceptado por la clase dirigente y terminó por conseguirlo, pero en el fondo era un rebelde irlandés que se oponía a la clase dirigente. Así que siempre estaba dividido entre ambos extremos, lo que hace de él una persona y un artista muy interesante”. Esto se hace visible en el momento de declaró ante el Comité de Actividades Norteamericanas o la crítica enorme a Cecil B. DeMille que le obligó a este a presentar su dimisión de la Asociación de Directores Estadounidenses, al declarar que «Nadie puede respetar una organización con un nombre tan altisonante y que ha fracasado en todos los empeños que ha asumido. Cuanto antes acabemos con ella, mejor» pero , como al enterarse que sus críticas, le habían hecho dimitir, le mandaba una carta excusándose. 

Además de escuchar las opiniones del biógrafo del director, Joseph McBride aparecen las del nieto de John Ford, Dan Ford, o de la filósofa francesa Cécile Gornet. Gracias a sus testimonios, el largometraje ofrece una reflexión no solo cinematográfica, sino también histórica y política del papel que ha jugado John Ford en la creación de la identidad estadounidense. 

Para Jean-Christophe Klotz, el cine de Ford muestra siempre un país intentando reconciliarse consigo mismo tras la terrible Guerra Civil que padeció. También una tierra en la que cada persona puede encontrar un lugar para vivir, sin que importe cuál es su origen o su pasado. Para John Ford América está construida sobre una leyenda. Quizá, como sostenía François Truffaut, John Ford no solo inventó el western como género, sino que quizás inventó el propio cine. 

Vemos a lo largo del reportaje como de su visión optimista inicial su visión sobre su país se fue haciendo cada vez más amarga y pesimista, como si fuera intuyendo lo que iba a ocurrir después de su muerte hasta llegar a nuestras días en la que un vendedor mediático, Donald Trump, intenta imponer su discurso en el que la verdad fluye poco y la mentira se adueña de casi todo. Un discurso lleno de fronteras. 

En definitiva, John Ford, el hombre que inventó América muestra, nos muestra un cineasta complejo, poliédrico y contradictorio reflejo de los que es su país, los Estados Unidos. 

Federico Martín Ballón dice en ABC que este documental "no se ciñe a glosar la magnitud del cineasta, sino que hurga en los secretos de la persona que se escondía detrás de sus películas. "

Un documental necesario para colocar nuestra mirada en sitios diferentes a la hora de ver a Ford y sus películas. En ellas siempre hay un doble discurso y si el primero, el evidente, el narrativo es brillante, el segundo, el profundo, es esencial para entender a un hombre que hacía western, pero , sobre todo, su sentido de la vida. 


miércoles, 27 de febrero de 2019

Atila


Attila , the hun. Grabada en VHS hace muchos años, tras ser emitida en TVE , pero perdida cuando el VHS fue devorado por el DVD, cayó en el olvida hasta que volvió a ser emitida hace unos seis meses. 

Desconocía en su momento quien era su protagonista, pero me sorprendió gratamente descubrir que el actor que asumía el papel de Atila no era otro que Gerard Butler en una de sus primeros papeles estelares en esta Attila the Hun, un telefilm destinado al mercado televisivo y dividido en dos capítulos o dos entregas. Ambos fueron dirigidos por Dick Lowry, un profesional de la dirección - y en ocasiones productor- nacido en 1944 en Oklahoma.

Su labor se centró en la dirección de series y películas televisivas desde 1975 hasta 2011 , entre las que destacan muchas en las que está implicado como actor el cantante country de voz profunda Kenny Rogers como The Gambler (1980) , película que volverá a tener una segunda y una tercera entrega siempre con Kenny Rogers en el elenco y al que volverá a dirigir al año siguiente en Coward of the County . Dirige igualmente a Arnold Schwarzenegger en 1983 en The Jayne Mansfield Story junto a Loni Anderson , a Brooke Shields en Wet Gold (1984), o la aterna Bette Davis en Murder with Mirrors (1985) , entre otras más, acabando su trayectoria profesional en Jesse Stone: Innocents Lost un telefilm con Tom Selleck de protagonista. 

Atila, el huno - o Attila the hun en su versión original- fue una de sus últimas obras como director. Para la misma tuvo como productores ejecutivos a Caldecot Chubb , Sean Daniel y James Jacks, así como Paul Lichtman y Robertas Urbonas como productores que respaldaban a las siguientes productoras : Alphaville films, Michael R. Joyce Productions, Attila Productions, quedando la distribución en manos de la Universal Studios. 

Para el desarrollo de este proyecto estadounidense y lituano se contó con el guión escrito por Robert Cochran, la fotografía de Steven Fierberg y el monatje de Tod Feuerman. Nick Glennie-Smith fue el responsable de componer la banda sonora instrumental de la producción. El reparto combina a jóvenes promesas y a veteranos actores. 

Destacan sobre todo Gerard Butler como Atila, - siendo el joven Rollo Weeks como joven Atila-, Powers Boothe como Flavio Aecio, Simmone Jade Mackinnon como N'Kara / Ildico, Reg Rogers como Valentiniano III, Alice Krige como Gala Placidia, Pauline Lynch como Galen, Steven Berkoff como Rua, Andrew Pleavin como Orestes, Tommy Flanagan como Bleda, Kirsty Mitchell como Honoria, Jonathan Hyde como Flavius ​​Felix, Tim Curry como Theodosius II, Janet Henfrey como Palcharia, Liam Cunningham como el visigodo Teodorico I, Richard Lumsden como Petronio, Mark Letheren como Thorismund, Jolyon Baker como Mundzuk, David Bailie como el chamán e Isla Fisher como Cerca. 

La historia se inicia con la caza de un ciervo. El animal es perseguido por un grupo de jinetes encabezado por el padre de Atila , así como éste siendo todavía un niño ( Rollo Weeks ) , cuando lo alcanzan son conscientes de que han entrado sin permiso en las tierras de otro clan de su tribu y sospechan que pueden tener problemas.

Cuando el grupo retorna con la caza realiza una parada. Durante la misma su padre le cuenta la profecía en la que un Gran Rey, tras encontrar una espada legendaria, unificaría las tribus hunas y conquistaría el mundo conocido. 

Cuando llega llega a su campamento su poblado es atacado por una tribu de hunos rivales arrasando la aldea, matando a todos los habitantes, incluyendo a sus propios padres y abuela, aunque el queda oculto bajo un carro. 

Tras vagar durante semanas por la estepa y alimentarse de la sangre de su caballo, Atila es encontrado y acogido por su tío Roas (Steven Berkoff) e integrado en su familia. 

Con su tío se forma como persona y como guerrero hasta ser años después un hombre experimentado y apuesto guerrero, se disputa la sucesión de Roas con su hermano/ primo, Bleda (Tommy Flanagan), quienes se odian a muerte. 

Criado por su tío, el rey Roas, demuestra desde pequeño su carácter de líder, perdonando a los asesinos de su padre que se rinden y humillan ante él, y siempre teniendo en mente la profecía de que un hombre procedente de las tierras del este uniría a todas las tribus para desafiar a Roma por el derecho a dominar el mundo. 

Mientras, todo esto ocurre, en el decadente y corrupto Imperio Romano de Occidente, el poder ha recaído en el infantil e incompetente Valentiniano III (Reg Rogers), totalmente sometido a su madre, Gala Placidia (Alice Krige), que hace unos años decidió encarcelar a uno de sus generales , el general Flavio Aecio (Powers Boothe). 

Atila (Gerard Butler), ahora como joven caudillo de las hordas bárbaras conocidas como los Hunos, entra en conflicto con las legiones romanas al atacar territorio vasallo en Roma. En ese momento Atila ha penetrado dentro del limes romano y ha atacado poblados de la zona de Panonia. En el ataque a uno de estos poblados ha puesto sus ojos sobre una esclava que se enfrentó a él, un pelirroja Nkara (Simmone Jade Mackinnon) a la que le perdona la vida y la lleva como botín ante su tío. 

Este ataque , ya dentro del territorio controlado por el Imperio como es la provincia de Panonia, inquieta a Roma. 

Tras la preocupación en el Imperio Occidental por el avance de los hunos, deciden poner al mando al único hombre capaz de derrotarlos, Flavio Aecio (Powers Boothe), quien de niño vivió entre ellos y que estaba encarcelado, por conspirar contra Placidia y Valentiniano. Tras algunas dudas,  Aecio es finalmente es liberado y se le da el cargo de Magister militum, con la misión de rechazar a los belicosos hunos. 

De cualquier manera, el emperador romano de Occidente, Valentino (Reg Rogers), pusilánime y sólo preocupado por las diversiones y espectáculos palaciegos, minusvalora el potencial del ejército de Atila ha diferencia de los que piensa su madre y sus colaboradores. 

Mientras , en los territorios de Orienta la relación entre Atila y Bleda es cada vez es más tensa, sobre todo cuando Bleda toma como concubina a Nkara (Simmone Jade Mackinnon), una esclava de quien está enamorado Atila. 

Como la tensión en el limes va a más, Aecio decide reunirse junto a Atila. Los romanos y los hunos se reúnen y firman una alianza para hacer frente a los visigodos de Teodorico (Liam Cunningham  ). 

Después de que Aecio derrotara a Teodorico con ayuda de Atila, éste marcha a Roma para quedar impresionado con el triunfo y allí queda impresionado por la riqueza y ostentación de la ciudad (ya que Aecio creía conveniente ganarse la amistad de Atila).

Desde su llegada inicia una relación con la bella y calculadora Honoria (Kristy Mitchell), hermana del emperador. Además, en Roma recibe directrices de cómo ser un buen estratega de la mano de Flavius Aecio. 

Pero aprovechando la ausencia de Atila, Bleda mata a su padre Roas y se autocorona rey de la tribu. Al tener conocimiento de la noticia, Atila parte a defender sus derechos, y acogiéndose a la tradición decide resolver su disputa en un combate singular. En el mismo se utilizarán flechas y espadas. 

Tras un duro combate en el que ambos caen heridos, aunque , finalmente, Atila vence y mata a Bleda siendo, finalmente, coronado rey, además toma como esposa a Nkara. 

Atila inicia entonces una guerra de unificación contra los demás hunos y tras eso, comienza una guerra contra el Imperio Romano de Oriente, que está en manos de otro emperador , Teodosio II ( Tim Curry).

Por su parte, Valentiniano y Aecio están tranquilos ya que por el momento, se creen a salvo. Cuando Nkara muere en el parto de su hijo, Atila encuentra la legendaria espada de la que hablaba su padre, siendo aclamado como el Gran Rey de los hunos. 

Mientras, Aecio se reúne con el emperador oriental, Teodosio II para planear una estrategia contra Atila. Teodosio II manda a un asesino para acabar con el huno, mientras que Aecio, encuentra una esclava muy parecida a Nkara, para que seduzca y asesine a Atila, el cual había matado a su familia. 

Aecio se infiltra entre los hunos, el asesino falla y Aecio es descubierto. Atila le invita a quedarse con él, pero Aecio lo rechaza, argumentando que él solo sirve al Roma y no a un emperador o rey, Atila se niega a firmar un tratado de paz con el Imperio Occidental. 

Atila entonces descubre a Ildiko y se enamora de ella al instante, por el parecido con su fallecida Nkara. 

Por su parte, Honoria, la hermana del Emperador Valentiniano III , que está desterrada en el Imperio Oriental por conspirar contra su hermano, envía una carta de petición de matrimonio a Atila, y éste ve el pretexto perfecto para iniciar su ansiada invasión sobre el Imperio Romano de Occidente, las tribus al norte del Rin se unen a Atila en su invasión. 

Atila avanza entonces por la Galia, saqueando ciudades a placer, arrasando los campos y matando a cualquier habitante en su camino. 

Aecio decide plantar batalla a Atila en Orleans, pero la ciudad cae demasiado pronto y el plan de Aecio se ve frustrado antes de tiempo, así que decide forjar una alianza con Teodorico, rey de los visigodos, para ello le entrega a su amada hija Lidia. 

La batalla decisiva tiene lugar en Châlons, en la Batalla de los Campos Cataláunicos, Aecio y su ejército confederado romano-bárbaro derrota a Atila y sus hunos son obligándolos a retirarse. 

En pleno combate, Aecio ordena la muerte de Teodorico, pero no puede asestar el golpe final a Atila, ya que el hijo y heredero de Teodorico regresa a las tierras visigodas. 

Pero el general romano Flavio (Powers Boothe), sospechando las posibilidades y capacidad de los Hunos, firmará una alianza con las tribus visigodas para hacer frente a los invasores del este. 

Tras la batalla, Aecio regresa a Roma donde es recibido como un conquistador, mientras que Atila contrae matrimonio con Ildiko. Esta comienza a enamorarse progresivamente de Atila y ya no está tan convencida de asesinarlo, pero en la noche nupcial Atila llama "Nkara" a Ildiko, y esta lo envenena. 

A la mañana siguiente, el lugarteniente de Atila, Orestes (Andrew Pleavin), descubre su cadáver y elimina a Ildiko. 

En Roma, Valentiniano y Placidia, satisfechos por la muerte de Atila, no consideran ya que Aecio tenga importancia, Valentiniano le llama a una audiencia, y lo apuñala. 

Tras la muerte de Atila, el Imperio Huno no tardaría en dividirse y desaparecer. Por su parte, tras la muerte de Aecio, no había líder capaz de defender a un Imperio Romano de Occidente en plena decadencia, el cual no tardaría en desaparecer, acabando así la película.

La película fue rodada en  Lituania posiblemente a lo largo del año 2000. La miniserie en dos capítulos presenta algunas contradicciones o errores en el plano histórico, pero , como siempre dijo en estos casos, los historiadores han de abstenerse de tomarse al pie de la letra lo que es una mera narración  historicista, inspirada en la historia, pero no ajustada a la realidad histórica. 

En este sentido decir que , por ejemplo, en la serie vemos como un soldado llamado Petronio intenta sin éxito asesinar al emperador Valentiniano por orden de Aecio, aunque falla en su cometido; y lo cierto es que un senador llamado  "Petronio" asesinó en realidad al emperador .

A lo largo de la serie vemos como las legiones romanas usan el equipamiento tradicional de los romanos durante la época del emperador Trajano, aunque , ya para el siglo V, su equipamiento era ya distinto. 

Por otro lado, vemos Atila venció a Bleda en un combate singular  pero en realidad, Atila y Bleda reinaron conjuntamente durante un tiempo, y Bleda murió en un accidente de caza, aunque la mano de Atila siempre se sospechó que estuvo bajo su muerte. 

Tampoco se tiene constancia de que Atila en Roma mantuviera una relación con Honoria o que Gala Placidia se niege a dar a su hija Honoria en matrimonio a Atila alegando que su hija nunca se casaría con un bárbaro, cuando en la realidad, Gala Placidia estuvo casada con Ataúlfo, un rey visigodo.

Vemos en la miniserie como Atila cumple con la leyenda a la hora de localizar una espada algo que es ajeno a la hora de ser nombrado para conseguir ser rey de los hunos. 

Durante la Batalla de los Campos Cataláunicos, Aecio ordena a su legado que asesine a Teodorico, no existe ninguna prueba de que Aecio ordenara la muerte de Teodorico como tampoco se tiene constancia de que Aecio  y Teodorico estuviesen casados con la misma mujer o que Aecio, tenía a su cargo a la hija de Teodorico, y que éste, cuando los romanos y los visigodos firman su alianza, exige a Lidia, la supuesta hija de Aecio, le sea entregada. 

En la miniserie, no se comenta nada de las conquistas en Italia que hizo Atila tras la Batalla de los Campos Cataláunicos, y donde llegó a estar a las puertas de Roma. 

Otros ausencia notables son el nulo peso del Papado en esta historia no apareciendo el Papa León III ni se dice que , en aquellos años, la capital del Imperio de Occidente estaba en la Padania, en concreto en la ciudad de Rávena.

Sobre la muerte de Atila  la versión más aceptada es que según el relato de Prisco dice que cierta noche, tras los festejos de celebración de su última boda (con una goda llamada Ildiko), sufrió una grave hemorragia nasal que le ocasionó la muerte. Otra versión de su muerte es la que nos ofrece esta miniserie, pero no es tan aceptada por los historiadores. Por último, en cuento a la muerte de Aecio decir que muere tiempo después de Atila, al año, uno  en el 453 y Aecio en el 454, sin necesariamente producto de una causa - efecto.

En cuanto a las críticas a la  miniserie en  ABC se señala que la miniserie televisiva "narra, mezclando historia con ficción, la vida del famoso caudillo huno al que, injustificadamente, se le atribuye la caída del imperio romano. Rodada con un atractivo reparto y un holgado presupuesto, esta producción americana grabada en Lituania se centra en la figura del conquistador más que en las circunstancias históricas. Dirigida por Dick Lowry ("Después de una guerra"), un especialista en este tipo de producciones para la pequeña pantalla, "Atila, rey de los hunos" se exhibe de dos modos: o bien como un largometraje de tres horas de duración o como una miniserie. " 

Por su parte, Miguel Ángel Palomo en las páginas de  El País señala que "Aunque acusa su destino televisivo, al menos la factura técnica, en la que se hace patente su amplio presupuesto, es más que digna." 

Al final lo que si encontramos a un eficaz director de series y películas para televisión como Dick Lowry que ajusta la idea de un peplum decadente del siglo V al siglo XXI en base a luchas,  aventuras, traiciones palaciegas, luchas , amores, traiciones, buenos y malos  realizando un producto adecuado para verlo en dos entregas y no en un lote, cosa que , erróneamente, es lo que yo he hecho.

Vemos que la serie presente a actores sólidos y con cartel en el mundo de la televisión como el casi siempre malvado Powers Boothe ,  aquí como Aecio  o el histriónico , Tim Curry, como Teodosio II, acompañado por actores jóvenes y prometedores como Gerard Butler 

A destacar el vestuario hunos, que nunca me lo hubiese imaginado así, ni las muchas "coreografías" tanto para danzas como para el tema de los combates. En definitiva, una miniserie en dos entregas entretenida. Recomendación, por partes mejor que en un todo.