sábado, 30 de noviembre de 2019

Tres bodas de más, algunas sonrisas de menos


'Qué difícil es hacer comedia, buena comedia! Por mucho que incluyas a comediantes de prestigio, no implica que el producto final sea de mi gusto. Se que soy muy exigente con este género, pero ha habido productos muy buenos. Claro basado en buenos guiones y en una suma de sketch muy elaborados. Pero en ocasiones, ni eso. 

Esta noche en la película que dirige el catalán Javier Ruiz Caldera formado en Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña he tenido la sensación de buenos momentos , pero el resultado final es el que señalo en el título: tres bodas de más, pero con algunas sonrisas de menos. 

Ya me pasó con la primera película de este director, Spanish Movie (2009) que aunque inspirada en las obras de ese trío integrado por Jim Abrahams y los Zucker, David y Jerry llega a algo, pero no llena del todo. Eso sí, reconozco que este director catalán creo que sí dio la clave en 2015 con Anacleto: Agente secreto, una adaptación de la serie de historietas homónima del historietista Manuel Vázquez , o reconozco su eficacia en la dirección de algún episodio de El Ministerio del Tiempo o en los anuncios realizados en 2018 para la Lotería de Navidad en ese bucle o en el anuncio de la empresa burgalesa de Campofrío de ese mismo . 

No he visto ni Superlópez (2018) ni Promoción fantasma (2012). Pero sí he visto 3 bodas de más (2013) un película con el apoyo de los productores - cada uno como asociado, productor ejecutivo o , simplemente, productor como son Pablo Alén de la productora La Barouta, María Angulo , Belén Atienza , Juan Carlos Caro, Rosa Pérez, Pepe Torrescusa y por Ricardo García Arrojo parte de Atresmedia Cine, Mercedes Gamero , Mikel Lejarza , Eneko Lizarraga, Enrique López Lavigne y Francisco Sánchez Ortiz. Están como representante del grupo Atresmedia Cine, pero también como representantes de Apaches Entertainment , Think Studio , Ciskul , Antena 3 Films y La Sexta. Invirtieron en ella unos 2,500,000 de euros consiguiendo casi  multiplicar casi por tres lo invertido.

La película partía de un guión de Pablo Alén, que aparece como productor , y Breixo Corral. Cuando con la música de Javier Rodero, aunque uno de los grandes logros son las canciones insertadas en la película que son muchas y muy buenas y que incluyo al final. En cuanto a la fotografía destaca la luminosa, muy luminosa cámara de Arnau Valls Colomer. 

También destaca la labor de edición de Alberto de Toro. Buen papel tienen igualmente la encargada de casting Juana Martínez y de arte, Sylvia Steinbrecht . así como la de vestuario, Cristina Rodríguez. 

En cuanto al reparto la película contempla a un grupo de , en ese momento, jóvenes actores y actrices encabezado por Inma Cuesta como Ruth Belloso, Quim Gutiérrez como Jonás, Martín o Martiño Rivas como Dani y Paco León como Mikel. Aparecen igualmente Berto Romero como Pedro, María Botto como Sara, la jefa de Ruth, Laura Sánchez como Álex, Silvia Abril como Lucía, Joaquín Reyes como el padre de Ruth y Rossy de Palma como Mónica, la madre de Ruth. Igualmente en papeles menores están Bárbara Santa-Cruz como Catalina, Toni Sevilla como Fernando, el padre de Álex y alcalde, Octavi Pujades como Cristiano, Natalia Rodríguez como Montaña, Marina Bukvicki como Natasha la esposa de Mikel, Mauro Muñiz como el Surfista veterano o Eloi Yebra como Piño Loko. 

La historia se inicia en la boda de Sara (María Botto)la jefa de Ruth (Inma Cuesta), una joven investigadora en una universidad. En ella su actual novio, Pedro (Berto Romero) le dice que no se siente satisfecho y rompe allí mismo. 

Tras eso Ruth se siente deprimida, destrozada y aturdida. Ni la llegada de un joven y puteado becario, Dani (Martiño Rivas) le alegra la vida. Se refugia junto a su madre, Mónica (Rossy de Palma) , una mujer liberada y que asiste a un gimnasio y contrata putos y en la bebida. Una noche salen las compañeras y el compañero de trabajo de Ruth y tras tres cubatas se enrolla con un tío, Cristiano (Octavi Pujades ). 

A la mañana siguiente mientras desayunan , aunque ella avergonzada, abre su facebook y descubre que ha sido invitada a dos bodas de dos de sus ex: uno Mikel (Paco León) y Alex . Mientras sale con su "mazao" compañero de cama se encuentra con Pedro que le comunica que se va a casar y que la quiere ver en la boda. 

Así que entre un trabajo no reconocido, un amante que no tiene y la sensación de ser abandonada por cualquier hombre, no tiene más remedio que cumplir con sus compromisos aunque Piensa que no hay nada peor que eso , que tu ex novio se case con otra y te invite a su boda . Pero ella asiste a las sucesivas bodas de sus ex, de los que fueron sus "hombres de su vida", sin que ella consiga encontrar a su media naranja. 

En la primera , la de un surfista, Mikel , va acompañada de su becario Dani que le hace el favor de acompañarla. Durante la boda ve que Dani se enrola con la fotógrafa, mientras que ella se fija en un chico, Jonás (Quim Gutiérrez) , un médico de cirugía plástica que asiste solo a la misma. Es el único enchaquetado y que se mantiene al margen de la locura de la mayoría de l los asistentes que son unos "pasaos". Está allí por haber operado el mano de Mikel que perdió un dedo la mano reimplantándole un dedo del pie. La boda se produce. 

Mikel , el surfista alérgico al compromiso- como todos los hombres que se ha encontrado Ruth en su visda-  y pasado de rosca se casa con Natasha ( Marina Bukvicki) y la ceremonia y el baile posterior y cubateo es un despiporre como chicos empalmados, viejas amigas sin cabeza - o sin leche- como Laura ( Silvia Abril) y que van con su bebé, o un tipo que le tira los tejos, Piño Loko (Eloi Yebra). 

Tras mucho beber está a punto de culminar la noche con Jonás, pero una inoportuna llamada lo impide y acaba borracha como una cuba en la cama con Dani y la fotógrafo. 


A la mañana siguiente, abochornada va a casa de su madre, que está con uno de sus putos y, el lunes se incorpora al trabajo. Dani la trata con comprensión, aunque ella está abochornada. 

Otro día se encuentra con otro antiguo novio en unos servicios. Se trata de Alex ( Laura Sánchez) una un transexual convertido en pibón que se va a casar con un cubano. 

Allí lo casa Fernando, el alcalde (Toni Sevilla), pero a pesar de haber iniciado una relación con Jonás vuelve a ir con Dani. Mientras se realiza la ceremonia descubre que asiste Jonás, pues es el médico que realizó el cambio de sexo. 

Pero no está sólo. Aparece junto a su novia, Catalina (Bárbara Santa-Cruz ) una chica impedida por su culpa con sus gustos sexuales, provocando que durante la asistencia a la boda trascurra nuevamente un enfrentamiento entre ella y Jonás que acabará pagando sin querer Dani tras ser golpeado por el travestí. 

Ruth se va de la fiesta. Está amargada aunque Dani le alienta y la alegra. Al animarla coge confianza que le hace incluso aparcar bien , pero que desaparece tras encontrarse con Jonás. De cualquier manera un golpe de suerte, el envío por parte del becario del trabajo de investigación sobre las langostas , hace que la revista Natura se interese por ella , lo que le abre un nuevo campo de trabajo en otras universidades que le hace desprenderse de la tirana de su jefa , Sara. 

La película va concluyendo cuando vuelve a ir a una nueva boda, la de Pedro. Ahora va acompañado de Jonás que ha roto con Catalina, pero mientras aparca se da cuenta de que Jonás no es su tipo, y le pide que se baje del coche, y de que no tiene por qué asistir a una boda como la de Pedro, el hombre que la despechó. 

Va en busca de Dani que le muestra el video de lo ocurrido que se ha hecho viral en Youtube , tras el atropello de Pedro y de su novia. Tras eso besa a Dani. 

Durante los títulos finales vemos que fotografías de los participantes en la película y por último una escena final con Ruth de niña (Alba Roda ) junto a su padre (Joaquín Reyes) que le explica lo que él espero de ella y lo que ella debe hacer en la vida. concluyendo así la película. 

La película fue rodada en distintos puntos de Cataluña. En concreto espacios de rodaje fueron las localidades barcelonesas de Sitges, El Garraf, Castelldefels, Mas Viver de Torrebonica en Terrassa, Barcelona, Mura, la ciudad natal del director Viladecans, Canet de Mar, L'Hospitalet de Llobregat, Gavà, Cornellà de Llobregat y, por supuesto, Barcelona. 

El director declaró en El País que "Tres bodas de más surge de una historia real, que le pasó a una amiga de Pablo Alén, que recibió seguidas tres invitaciones de sendos exnovios para que acudiera a sus bodas. “La auténtica Ruth les pidió a los guionistas que por favor dejaran su nombre al personaje y que la encarnara un pibón de tía. Con Inma Cuesta queda claro que cumplimos eso y que encontramos a una gran cómica. Por cierto, Inma conoció a la Ruth real. En una película lo más importante son los actores: te lo crees o no te los crees. Me siento muy orgulloso de mostrar ese lado de Cuesta, a la que todo el mundo conoce por su faceta dramática”.

El director no pretende hacer exclusivamente comedia y dijo en la misma publicación que: “De verdad, que me gusta todo. Voy a las salas un par de veces por semana. ¿Las últimas que he visto? la mexicana Heli y Blue Jasmine, de Woody Allen. Y te juro que en cada película intento no repetirme. Al menos reinventarme un poco”. "

Y acaba diciendo que “La película no tiene referencias tan claras como mis dos trabajos precedentes. Pero es inevitable que en mi cabeza, salvando las distancias, estén títulos que me gustan, como la nueva comedia estadounidense, de Judd Apatow o los hermanos Farrelly, o la más clásica de Blake Edwards o Billy Wilder —y por favor, salvando las distancias—. O, ¿por qué no? Berlanga, sobre todo en la segunda boda, con gigolós y algo de España profunda. Todo eso ronda por mi cabeza, pero son influencias inconscientes, poco racionales. Luego la gente lo ve en pantalla y me lo descubre a mí”.  Y concluye diciendo “Por eso Berlanga, por eso ese alcalde sacando pecho sobre la modernidad de su pueblo. Estaba en el guion, pero a la hora de rodar el referente visual es más obvio”. “Sí, lo pienso, pero yo en el fondo lo que quiero es una larga filmografía, poder sumar más películas. Y estate seguro que sea un filme de terror o un pedazo de drama, habrá siempre un momento, una secuencia más relajada, con humor. Porque me atraen mucho esos títulos que saltan y mezclan géneros. Que me haya especializado por circunstancias en la comedia, no quiere decir que no crea en el autor. Es más, se pueden contar muchas cosas, reflejar la vida y emocionarse, a través de la identificación que conlleva la comedia”.

Lo que le llevó a dirigir fue el guión.  “A mí del guion me atrajo que la protagonista fuese una chica así: fuma, bebe, se acuesta con chicos de los que no saben sus nombres, es encantadora y a la vez muy torpe. Yo conozco mujeres así, pero no las veo en las películas españolas. Normalmente esos personajes tienen género masculino. Quería ponerlas en primera línea”.

La buena acogida del film entre el público le supuso la candidatura a siete premios Goya: Mejor guion original, Mejor interpretación femenina protagonista, Mejor actor revelación, Mejor dirección de producción, Mejor montaje, Mejor diseño de vestuario y Mejor maquillaje y peluquería; no obstante no logró ganar ninguna de dichas candidaturas, quedando a las puertas de los mismos. 

Sin embargo, a principios de 2014, la película ganó el premio a la Mejor comedia y al mejor cartel en la I edición de los Premios Feroz. 

Además, la película también se estrenó en el circuito no oficial del Festival de Venecia en 2013, donde tuvo una buena acogida por parte de la prensa. Fue presentada en la sección oficial a concurso del Festival de Sevilla: Sección oficial a concurso. 

Igualmente , la película fue nominada en los catalanes Premios Gaudí consiguiendo el Premio a la Mejor dirección artística 

En cuanto a las críticas Jordi Costa en El País en su crítica titulada "Algo pasa con Ruth" recuerda a la de Mary , dijo de ella que era "De planteamiento estructural atractivo (...) tropieza en un último tramo que se revela anti-climático (...) Pequeños reparos a un conjunto que sigue confirmando a un talento notable".

En este mismo diario, Gregorio Belinchón afirma que " Tres bodas de más, férreo guion de Pablo Alén y Breixo Corral al que Ruiz Caldera ha dotado de un ritmo escalofriante... " Y añade " El guion de Tres bodas de más es bastante bestia, pero Ruiz Caldera lo hace forma elegante, siguiendo la corriente “puño de hierro en guante de seda”, y así el público asiste a bromas textiles-escatológicas (“De verdad que le ha pasado a alguien, a una actriz en realidad, de la que no puedo decir su nombre”), tríos y uno de los gags más pasados de la temporada: cómo una chica se queda paralítica. " . 

Por su parte,  Sergi Sánchez en La Razón escribe que "Se toma la molestia de trabajar los gags sin olvidar la construcción de personajes, que, aunque muy básicos, funcionan como un reloj (...) el despertar a la independencia emocional de esta patosa científica (...) es tremendamente divertido" 

En crítico de ABC dijo de ella que "La película no solo se sostiene en un guión hilarante aderezado con cuatro o cinco golpes de genialidad, sino, sobre todo, en la excelsa actuación de Inma Cuesta (...)" 

En Cinemanía Andrea G. Bermejo comenta que es un "Cruce Bridget Jones, Julia Roberts a la fuga y Hugh Grant sin luto (...) transita entre la comedia bestia de los Farrelly, el romanticismo y las decadentes camisas hawaianas de Alexander Payne (...) " 

Finalmente,  Manu Yáñez en Fotogramas escribe " La crítica nacional encontrará en '3 bodas de más' la confirmación de que en el heterogéneo panorama de la comedia española (del humorismo low cost a la risa con rúbrica de autor) merece un lugar destacado la mejor versión popular del género, la más directa y genuina. Y es que, después de apuntar maneras con sus primeros trabajos, Javier Ruiz Caldera se consagra aquí como un orfebre de la rítmica y la comicidad: a cámara lenta, pasada de vueltas, en clave pop o en plan sensible, el film no deja ni un gag a medio cocinar. 

Por su parte, los historiadores de cine encontrarán en esta hilarante comedia de enredo una demostración de cómo lo clásico y lo moderno pueden convivir en una tensa armonía, como dicta un género que se ordena a partir del caos. 

Así, sobre una matriz de esperpento berlanguiano y de apuntes almodovarianos, '3 bodas de más' hace suya la tentación de la irresponsabilidad que pregonaba Howard Hawks; le cambia el sexo a los eternos nerds interpretados por Cary Grant (una gran Inma Cuesta), y reivindica la cara femenina del clan Apatow y el espíritu trash de los hermanos Farrelly. Y, por último, ¿qué encontrará el público en la película? Pues risas, reflejos deformados de situaciones muy reconocibles, personajes inolvidables (un gran Paco León) y más risas. 

Para acabar señalaré que la película fue un gran éxito de taquilla en España, convirtiéndose en el mayor éxito del cine español del año, recaudando +6 millones de euros, con más 900.000 espectadores. 

Y un aspecto que me ha gustado especialmente es el uso de la música especialmente durante las bodas , fiestas y desplazamientos en coche pues suenas clásicos como Carrie de Europe, canciones horteras de mucho gusto como como el Pavo Real de José Luis 'El Puma' Rodríguez, Save All Your Kisses For Me de Brotherhood of Man; So Called Friend de Texas; Everybody Hurts de Niccó o la tremenda Please Dont' Go de KC & The Sunshine Band. Es uno de los aspectos que más me ha gustado. 

Es cierto que el tono jovial y , evidentemente, fiestero ayudan, y que en el mismo ayudan las interpretaciones siempre brillantes de Paco León e Inma Cuesta, aquí acompañado de una espléndida Inma Botto y de un perfecto atontado y creciente como Quim Gutiérrez . Martiño Rivas un descubrimiento pues trasmite encanto, pero en la película ayuda como ya he señalado la música que acompaña o los chistes o escenas que vierten la pluma de Pablo Alén y Breixo Corral. La película se deja ver, tiene un ritmo ágil, imparable, pero el problema es mío que espero siempre mucho, puede que en exceso, de las comedias. Pero bueno es divertida, no desternillante.


martes, 26 de noviembre de 2019

Estación Comanche


No hay cosa que más me guste que ver un western y descubrir que yo he estado allí, en el lugar en el que se rodó la película. Y eso me ha pasado con Comanche Station cuando he podido reconocer los espacios más cercanos a Lone Pine, una localidad californiana radicada en el árido Valle del río Owens, a la que llegué tras pasar previamente por Death Valley y cruzar las inmensas laderas montañosas de las Rocosas, al este de Sierra Nevada y al oeste de las Montañas Blancas y las Montañas Inyo. 

Es curioso pero el valle se enmarca entre cimas cercanas de las montañas que alcanza una altitud de 3000 m, mientras que en las faldas del Valle llega a 1200 m y una longitud de 120 km de largo, convirtiéndolo en uno de los valles más profundos de los Estados Unidos. 

No hay duda que Budd Boetticher, uno de los hombres con mayor conocimiento de la idea cinematográfica de lo que necesitaba un western , tiró de espacios espectaculares como las Alabama Hills integradas por colinas y formaciones rocosas de curiosas formas y extraños contornos de sus arcos naturales o sus estrechos valles interiores que han pasado por muchas películas especialmente cuando se convirtió en un lugar habitual de rodaje a fines de la década de 1940 y principios de los 50, interpretados por Tim Holt , aunque el próximo año tendrá lugar el aniversario centenario de The Roundup (1920), la primera película documentada producida en la zona. 

Lógicamente, el tándem integrado por Budd Boetticher / Randolph Scott, conocido como "Ranown" westerns, rodaron allí algunas de sus películas, pero también se rodó igualmente Joe Kidd , película del año 1972 dirigida por John Sturges y en la que participaron Clint Eastwood y Robert Duvall. 

En este caso fue Oscar «Budd» Boetticher, Jr. el director fallecido en 2001 perteneciente al período clásico de Hollywood; que desarrolló su obra centrada principalmente en westerns de bajo presupuesto y que lanzó al estrellato a Randolph Scott a finales de la década de 1950. 

Tras una azarosa vida que la llevará a México llega al cine de la mano de Rouben Mamoulian trabajando como técnico en Sangre y arena (1941). 

Para 1942, Boetticher entra en la Columbia Pictures como segundo asistente del realizador siendo entre otros de George Stevens en 1943. En 1944, con 28 años, Oscar dirige sus primeros films para la Columbia. Se trata de cinco películas policíacas de serie B. Al final de la Segunda Guerra, la Navy le solicitó que hiciera documentales y cortos informativos destinados a civiles y militares. Para ellos realiza The Fleet That Came to Stay. 

De regreso a Hollywood, realizó para la Eagle-Lion dos filmes de cine negros, que se proyectaron en 1948. Luego rodó tres filmes de aventuras para Monogram, que se estrenaron entre 1949 y 1950. En 1950, Boetticher realizó para su amigo Hal Roach el telefilm The Three Musketeers que llegó a estrenarse en la gran pantalla en 1953. Es en esa década en la que sus películas se centran en western, cine negro y una particularidad, películas en las que el toreo juega su protagonismo, posiblemente por su amistad con Carlos Arruza. 

De entre ellos destacan The Cimarron Kid (1952), Bronco Buster (1952), Red Ball Express (1952), Horizons West (1952), Seminole (1953), The Man from the Alamo (1953), The Magnificent Matador (1955), Seven Men from Now (1956); Decision at Sundown (1957). Con Los cautivos (The Tall T, 1957) comienza su vinculo con Randolph Scott, y sigue con Buchanan Rides Alone (1958), Ride Lonesome (1959), Westbound (1959) y Comanche Station (1960), algunas de ellas como productor. 

Para esos años Boetticher decía que "Un hombre tiene una misión que cumplir enfrentando tremendas dificultades. Y lo consigue" . 

Tras los 60 el volumen de su trabajo se reduce notablemente.Ese año Budd retorna a México junto a su esposa la mexicaba Debra Paget y con el fin de realizar un documental sobre su admirado Arruza. Pero durante los siguientes siete años una serie de desgracias transformó esa idea en uno de los proyectos malditos más comentados de la historia. En esos años Boetticher sufrió una enfermedad que casi lo lleva a la muerte, se divorció, pasó algunos días en prisión, fue internado en unas cuantas ocasiones (una de ellas en un manicomio) y, para colmo, debió afrontar la muerte del propio Arruza y de varios de los integrantes del equipo de rodaje a raíz de un accidente automovilístico. 

Boetticher pudo concluir el documental en 1972 (los pocos que lo vieron no cesaron de elogiarlo), pero su carrera en Hollywood estaba arruinada. 

Instalado en un rancho de California, se dedicó a imaginar proyectos nunca concretados y a criar exquisitos caballos. "Mi reino por...", otro raro documental de 1985.  A su muerte en 2001, dejaba un total 38 largometrajes, pero siempre será recordado por la serie de cinco auténticas obras maestras del cine del Oeste realizadas, con bajísimo presupuesto, entre 1956 y 1960 y con un mismo protagonista: Randolph Scott. 

Para una de esas películas de colaboración con Scott Estación comanche el director contó con el guión de Burt Kennedy al que . Budd Boetticher lo llamó "el mejor escritor de western de la historia". Kennedy que había escrito 13 episodios para una serie de televisión propuesta para un protagonista mexicano y que John Wayne leyó e intentó obtener financiación como vehículo para Pedro Gonzales a través de la productora de Wayne, la Batjac Productions. 

Pero , aunque el programa de televisión nunca se produjo, llevó a Kennedy a escribir otro western, Seven Men from Now (1956) para Batjac. Lo escribió pensando en Wayne pero el actor acababa de rodar el clásico de John Ford The Seachers y quería tomar un descanso del Oeste, por lo que se buscó un sustituto que no fue otro que Randolph Scott. 

La película pasó a ser dirigida por Budd Boetticher y sería el primero de lo que se conoció como el "Ciclo Ranown". Tras esto Kennedy escribió The Tall T- aquí El hombre de Arizona - para Batjac, basada en una historia de Elmore Leonard . Pero cuando Wayne rompió con su compañero Robert Fellows, Fellows tomó el guión de The Tall T y lo cedió a Scott y Boetticher convirtiéndose en su segunda película. Boetticher, Kennedy y Scott se rencontraron en The Avenger at Twilight (1957), Buchanan Rides Alone (1958) o The Texas Adventurer . A esta le siguieron otro par de obras para Boetticher y Scott escribiendo para la Ranown los guiones de Ride Lonesome (1959) y Comanche Station (1960). 

Para este última Budd Boetticher que contaba como asistente con Sam Nelson se encargó de la producción por medio de la Ranown Pictures Corp. , una productora independiente fundada en 1945 por Randolph Scott y Harry Joe Brown que realizó 14 películas, y amparada por la productora y distribuidora Columbia Pictures Corporation . Harry Joe Brown fue en esta película el productor ejecutivo. 

La película contó con la música de Mischa Bakaleinikoff, la fotografía en Eastmancolor y CinemaScope por parte de Charles Lawton Jr. y el montaje de Edwin H. Bryant . A todos ellos se sumaron otros técnicos como Carl Anderson en la dirección artística y Frank A. Tuttle en los decorados, quedando el sonido en manos de George Cooper y John Livadary. 

En cuanto al elenco aparece encabezado por Randolph Scott como Jefferson Cody, Claude Akins como Ben Lane y Nancy Gates como Nancy Lowe. Junto a ellos aparecen Skip Homeier como Frank, Richard Rust como Dobie, Rand Brooks como el hombre de la Estación , Dyke Johnson como John Lowe y junto a ellos Foster Hood como uno de los comanches, Joe Molina como el jefe Comanche, Vince St. Cyr uno de los guerreros y John Patrick Holland como el hijo de Nancy. 

La historia empieza y acaba de la misma manera. Un jinete Jefferson Cody ( Randolph Scott ), que se desplaza por un paisaje tan desértico como rocosa avanza lentamente por un vericueto de piedras hasta que es localizado por una partida de comanches. 

En principio, el parece un comerciante cuyo objetivo es intercambiar productos con los comanches. Tras un momento de duda y tensión , Cody es llevado al campamento de los comanches. 

Allí su jefe (Joe Molina) accede a intercambiar los que lleva más su Winchester a cambio de entregarle una bella mujer Nancy Lowe (Nancy Gates). 

Tras salir del poblado con la mujer, esposa de otro hombre , le dice que la llevará urgentemente a casa pues hay movimientos entre los comanches que asaltan granjas aisladas y estaciones para robar y llevar el terror a la zona. 

Tras hacer una parada en Comanche Station esperando la diligencia que llevaría a Lordsburg y llevarla a casa. Mientras esperan, una agradecida Nancy le da las gracias por lo realizado. Cody se muestra comprensivo ante la experiencia terrible de la chica.

Mientras hablan llegan tres forajidos liderados por Ben Lane ( Claude Akins ) y sus dos jóvenes secuaces, Frank (Skip Homeier ) y Dobie (Richard Rust) que son perseguidos por una partida de comanches. 

Tras su llegada los cuatro armados en Comanche Station repelen a los nativos americanos. Y poco después Ben revela a Nancy que el esposo de la mujer ha ofrecido una recompensa de $ 5,000, lo que hace que la mujer, residente de Lordsburg, sospeche de los motivos de Cody para ir a su rescate. 

Aunque Jeff afirma no estar al tanto de este premio, ella no cree una palabra y pierde la gratitud que tenía por su salvador. Por su parte, Lane conoce a Cody, y sabe que su esposa fue capturada hace años por los comanches y que desde ese momento busca las partidas de comanches con el fin de comprar la liberación de las retenidas. Sabe además que Cody testificó en su contra en una corte marcial del ejército cuando fue juzgado por matar a indios "domesticados". 

Esa noche Ben propone a Frank y Dobie que sean ellos los beneficiarios de la recompensa del marido de Nancy. Proponen dos opciones y amabas pasan por los mismos matar tanto a Cody como Nancy. 

Sin embargo, las dudas asaltan a Frank que es consciente que eso no está bien. Dobie casi le da la razón, pero ambos , jóvenes y con poca personalidad, deciden seguir los planes de Ben. 

A la mañana siguiente llega un hombre herido. Se trata del hombre encargado de la gestión del puesto de Comanche Station que había retornado allí para cuidar de los animales. No obstante,  ha sido herido por una partida de comanches que están en pie de guerra debido a la campaña iniciada para recibir recompensas por llevar a algunas autoridades las cabelleras de comanches. El malherido hombre (Rand Brooks ) antes de morir por las heridas comenta que la diligencia con destino a Lordburg no llegará. Así que deciden marchar los cinco juntos. 

Mientras avanzan y Ben sigue empeñado en matar a Cody y beneficiarse de la chica, Frank y Dobie se acercan a Nancy . Dobie le habla de la admiración que sienten por Cody, un hombre honesto , un antiguo oficial del Ejército, que se mueve sólo en busca de su mujer desaparecida y en manos de los comanches, o ya muerta. 

El joven Dobie se siente incómodo con tener que matar a una mujer y duda de lo que quiere hacer.  Le confiesa a la Sra. Lowe que Jefferson Cody es un hombre que busca desesperadamente a su esposa capturada por los Comanches hace 10 años. Va a donde sea que oye que hay una blanca a la venta. 

Esa tarde noche los comanches matan a Frank ( Skip Homeier ), uno de los hombres de Lane, y hacen repetidos intentos de matar al resto del grupo. Lane se vincula cada vez más a Cody, pero éste ha sido informada por Nancy de las verdaderas intenciones de hacer que parezca que los comanches mataron a Cody y quedarse con la recompensa para sí mismo. 

Como la recompensa por el rescate de la Sra. Lowe es "viva o muerta", Lane prefiere llevarla muerta para que no pueda testificar contra él. 

Ben trata de emboscar tanto a ella y a Cody. Jeff, que ha sido informada por Nancy, aprovecha la noche y toma a Ben y Dobie por sorpresa y los obliga a irse. Tras eso Ben y su compañero Dobie ( Richard Rust ) van en su búsqueda. 

Cuando están cerca Dobie se niega a ayudar, Lane le dispara por la espalda y acaba con su vida. Alertados por el disparo, Jeff y la Sra. Lowe evitan la trampa. Tras eso se inicia un enfrentamiento abierto en las colinas entre Cody y Lane. 

Cody logra sobrevivir y lleva a la mujer de regreso a casa, descubriendo que tiene un hijo pequeño y su esposo es ciego siendo esta la razón por la que él no participaba en la búsqueda. 

Antes de que le puedan pagar los $ 5,000, Cody se va, acabando así la película por las mismo terreno tortuoso de Alabama Hills. 

Este es el último de los siete westerns que Budd Boetticher rodó para la Columbia y el último de los cinca de la serie bautizada como el 'ciclo Ranown', en honor a la primera sílaba del nombre del protagonista principal, Randolph Scott y las últimas tres letras del apellido del productor Harry Brown. 

La cinta resume las características de esta serie de filmes: estilización de las constantes del género, perfecta integración del hombre en el paisaje y definición de los personajes de un modo esquemático, a través de diálogos precisos.

La presencia de Scott, ya en el ocaso de su prolífica carrera, contribuyó a que estos filmes adoptaran una tonalidad crepuscular. En ''Estación comanche'', Boetticher repite el que será el argumento fundamental de la última etapa de su carrera: la venganza de un hombre que ha perdido a su esposa. 

Dentro del ciclo Ranown, este filme es el más estilizado y tiene un argumento más lineal, aunque circular en su inicio y en su fin. Con el mismo se ponía fin a una fructífera colaboración con The Ranown Pictures Corp. que había firmado con la Columbia un acuerdo de distribución. 

Como he comentado al principio la película fue rodada en 12 días en el área de la Sierra Oriental de California Central cerca de Lone Pine, California , no lejos del pie de Mount Whitney . Las acumulaciones montañosas de rocas conocidas como las Colinas de Alabama sirvieron como telón de fondo para las escenas de apertura y cierre de la película. 

Scott decidió retirarse después de este, pero dos años más tarde Sam Peckinpah lo sacó de su retiro para Duelo en la alta sierra (1962). 

Después de esa película, Scott se retiró definitivamente. En la película hay numerosas menciones del "Stage to Lordsburg", el título de la historia del western de John Ford La diligencia (1939) al que el escritor Burt Kennedy obviamente rinde homenaje. 

En cuanto a la crítica profesional la única que he encontrado es la de Fernando Morales en El País dijo de ella que era "Otra de las siempre efectivas colaboraciones entre el realizador Budd Boetticher y Randolph Scott" 

Debemos destacar del mismo el brillante guión escrito por Burt Kennedy, incluso el hecho de dar a los personajes un toque de cierto encanto que asumen los tres malvados, Claude Akins como Ben Lane, Skip Homeier como Frank, Richard Rust como Dobie, especialmente los dos jóvenes indecisos y que luchan contra las circunstancias y ese embaucador que es en la película Claude Akins todo ello frente al hieratismo de Scott o la humildad que representa el personaje de Nancy Gates y el secreto que ella misma guarda sobre su esposo. 

Por último como señalé al principio, lo más interesante para mi es redescubrir esos espacios que me alucinaron cuando fui al oeste, aunque sea el este de California, dicen que el estado más bonito de la Unión. Desde luego impresionante sí que lo es.  Y un apunte antropológico los indios de la zona del rodaje no eran los comanches  sino los Paiute-Shoshone  que todavía se asiente en una reserva, la de Lone Pine en aquella comunidad. 


martes, 19 de noviembre de 2019

El dinero


Puertas que se abren , puertas que se cierran. Ventanas que enmarcan historias, historias que nacen con una nimiedad y que culminan en un asesinato múltiple. Es , si me permiten el símil, la historia de una lluvia que cae mansamente en la montaña , pero que el valle provoca una inmensa avenida que arrasa la vida de muchas personas. 

Esa es la historia de El Dinero o L'Argent, una película dramática francesa dirigida por el cineasta Robert Bresson en 1983. Esta obra es el legado definitivo del también fotógrafo y pintor. Se encuentra libremente inspirada en la primera parte de la novela de León Tolstói, Le Faux Coupon El cupón falso o El falso billete. 

Fue la última película de Bresson falleciendo a los 98 años en 1999 y por ella obtuvo el premio a mejor director en el Festival de Cine de Cannes de 1983. Es curioso que Robert Bresson, un fotógrafo metido en el cine pero con un planteamiento ascético del mismo , que ganas usaba actores profesionales y que narraba casi literariamente lo que eran para él obras visuales que se centran en aspectos que suelen escapar a la miraba habitual. De ahí que la cámara se centre en esas puertas, esas ventanas, en las manos, en los silencios , en los encuadres sin figuras, o en las figuras que piensan y meditan pero que hablan poco. 

Esa idea ascética de si cine hace que su película tenga lo que en realidad importa , el sonido, pero salga de la misma, lo que suele ser un añadido durante el montaje, la música. Es por esta razón por la que en esta película apenas escuchamos músicas salvo en la de un personaje que sabe tocar el piano e interpreta una obra de Johann Sebastian Bach. 

Bresson gusta de un tono ascético en el sentido religioso y prueba de ello está en la imagen de personas que rezan por el alma de los que se sienten condenados, un preso que reza por el protagonista, que ha intentado suicidarse. También en la idea de venganza pero que acaba con la redención por medio del arrepentimiento una vez cometido el brutal asesinato final y que es observado por una barrera externa de parroquianos que me recordaban un cuadro de Gauguin, el de la Visión después del sermón, una de las primeras obras del estilo simbolista en el que empieza a trabajar el artista y que representaba la «simplicidad rústica y supersticiosa» de los asistentes al mismo. Aquí testigos mudos de la entrega del inocente que acaba por transformarse en un brutal asesino del que no vemos nunca sus asesinatos, pero sí los efectos de los mismos. Bresson como buen asceta prescinde del espectáculo para dejar de mostrar el hecho. 

La obra de Bresson comenzó en 1934 con Les Affaires publiques, un cortometraje cómico. Pero recién empezada la Segunda Guerra Mundial, fue apresado por más de un año en un campo de concentración alemán. 

En 1943, Les angés du peché o Los ángeles del pecado y en 1945 una tragedia psicológica con Las damas del bosque de Bolonia (Les Dames du Bois de Boulogne). Después vinieron sus obras más conocidas Diario de un cura rural (Le Journal d'un curé de campagne, 1950),una adaptación de la novela de Georges Bernanos . Un condenado a muerte se ha escapado (Un condamné à mort s'est échappé, 1956) y Pickpocket (1959). Son obras en las que el director renunciaba a actores profesionales y a todo artificio, en busca de un lenguaje visual puro, cargado de gestos, miradas y sonidos para dar profundidad a las convicciones morales de la historia.


A estas siguieron otras como El proceso de Juana de Arco (Le Procès de Jeanne d'Arc, 1962), Al azar de Baltasar (Au hasard Balthazar, 1966) , Mouchette (1967) y Una mujer dulce (Une femme douce, 1969), Cuatro noches de un soñador (Quatre nuits d'un rêveur, 1971), Lancelot du Lac (1974), El diablo probablemente (Le Diable probablement, 1977) concluyendo su trayectoria como director en 1983 con El dinero (L'Argent). Más tarde, en 1995, toda su obra cinematográfica recibió el premio René-Clair . 

Esta obra fue una producción de Jean-Marc Henchoz, Daniel Toscan du Plantier así como Antoine Gannagé y Jean-Marc Henchoz vinculados con Marionfilms. Seguía un guión escrito por Robert Bresson, pero basada en El cupón falso o El billete falso de León Tolstói y que produjo Marionfilms, FR3 y EOS Movies y distribuyó MK2 Diffusion. 

La fotografía estuvo a cargo de Pasqualino De Santis y Emmanuel Machuel, mientras que el montaje fue de Jean-François Naudon. La decoración fue de Pierre Guffroy. El execpcional trabajo de sonido fue de Jean-Louis Ughetto y Luc Yersin. 

El protagonista fue Christian Patey como Yvon Targe, junto con Vincent Risterucci como Lucien, Caroline Lang como Elise, Sylvie Van den Elsen como la mujer canosa, Michel Briguet como el abusador padre de la mujer canosa. Junto a ellos aparecen Béatrice Tabourin como la fotógrafa, Didier Baussy como el fotógrafo, Marc Ernest Fourneau como Norbert y Bruno Lapeyre como Martial, entre otros. 

Hay que decir que Bresson trabajaba desde 1951 principalmente con actores no profesionales, que él llama modelos. El modelo nunca debe haber hecho teatro ni cine para darle al director la oportunidad de "modelarlo". Su principio rector era: "El automatismo engendra emoción". 

Un primer plano fijo da inicio a la película: un cajero expulsando billetes . Sin embargo, la historia que se nos narra da comienza cuando un joven , Norbert ( Marc Ernest Fourneau) que va salir y que necesita dinero de su asignación mensual se encuentra que su padre (André Cler) , que está trabajando en un estudio y ni quiere ni puede atenderlo no se da la cuantía que él le pide, recordándole que tiene una deuda con un compañero de la escuela y que debe pagar. Tampoco le da dinero su madre (Claude Cler). Esto lo lleva a empeñar su reloj a un amigo que, en lugar de pagarle, le da un billete falso de 500 francos. 

Junto a este amigo deciden usar dinero falso que tiene este último para poder comprar e intercambian el billete falso en un negocio de fotografías, con el pretexto de comprar un portarretratos. La chica a la que le hace la compra (Béatrice Tabourin ), pero cuando el dueño (Didier Baussy) se da cuenta, regaña a su pareja por su falta de cuidado. 

Ella se defiende reclamándole a él por haber aceptado dos billetes falsos la semana anterior. Él promete deshacerse de todos los billetes falsos que tengan, en la próxima oportunidad que encuentre. 

Como las ocasiones las pintas calvas el siguiente que entra por la puerta, un trabajador , Yvon Targeque (Christian Patey) le lleva un porte de gasolina para el suministro de combustible para calefacción por valor de 1.500 francos como puede ver en la factura y el fotógrafo le paga con los falsos billetes. 

Yvon intenta pagar la cuenta de un restaurante con los billetes falsos, pero el camarero los reconoce como falsificados. Yvon es arrestado. 

En el juicio posterior la gente de la tienda de fotografía con la colaboración de uno de sus trabajadores , Lucien (Vincent Risterucci ) miente. Evita ir a la cárcel; sin embargo, pierde su trabajo.  
La chica que trabaja en la tienda de fotografía reconoce a Norbert en la calle con un grupo de sus amigos de la escuela, y ella se acerca a las autoridades de la escuela y lo acusa de haberles pasado los billetes falsos. 

Cuando el Capellán da una charla en clase ante los estudiantes sobre las facturas falsificadas, centrándose en la deshonestidad del hecho, Norbert abandona el aula. En casa, la madre del chico le aconseja que lo niegue todo, y ella va a la tienda de fotografía con un soborno para que los dueños dejen que el asunto se olvide. 

Por su parte,  Lucien (Vincent Risterucci ) el asistente de la tienda de fotografía que participó en el juicio y cometió perjurio en favor de sus jefes al negarse a reconocer a Yvon, los estafa al aumentar los precios mientras están fuera de la tienda y se embolsan la diferencia. Cuando los dueños del negocio lo descubren, lo despiden, pero, ellos no saben que ha hecho copias de las llaves de la tienda. 

Él y dos amigos roban la caja fuerte de la tienda y comienzan una operación de robo de tarjetas ATM de cajeros automáticos, similares a las que aparecen a inicio de la película durante los títulos de crédito. 

Por su parte, Yvon necesitado de dinero, pues está casado con Elise (Caroline Lang ) y tiene una hija pequeña, ayuda a un amigo en un robo a un banco, como conductor del vehículo en el que huyen.Pero la policía frustra el robo y arresta a Yvon, quien es juzgado y sentenciado a prisión por tres años. 

Mientras está en prisión, Yvon se entera de la muerte de su hija y de la decisión de su esposa de comenzar una nueva vida sin él tras recibir una carta de su mujer diciendo que lo abandona para comenzar una nueva vida. Yvon se queda lleno de dolor y desesperación. 

Fracasa en un intento de suicidio.Ante el mismo dos presos comentan que “Se tiene miedo a la muerte porque se ama la vida”, tras lo cual uno se pone a rezar por su alma. Lucien y sus cómplices finalmente son capturados y arrestados, y Lucien es enviado a la misma prisión que Yvon. Lucien ofrece incluir a Yvon en un intento de fuga de prisión, pero Yvon se niega. Yvon culpa a Lucien por sus problemas y quiere venganza. 

Lucien continúa con su plan de escape. El intento de fuga se transforma en un plano fijo de una puerta a oscuras; el sonido de una alarma, el encendido de una rendija de luz. Se oyen pasos de carreras y una frase en off.

Ha fracasado, pero Yvon y su compañero de celda escuchan ruidos en el pasillo que implican que Lucien ha sido atrapado, y el compañero de celda, un hombre sabio que le había pedido que “No te involucres en el absurdo del mundo”, cree Yvon al igual que Lucien probablemente serám transferidos a una prisión de máxima seguridad mucho más severa. 

Al salir de prisión, Yvon no tiene nada. De inmediato, mata a los guardias de un hotel para robarles la caja. 

Luego busca refugio en el campo en la casa de una amable mujer de pelo blanco y su familia. La mujer de pelo gris dotada de indulgencia y bondad ilimitadas le dice en algún momento que “Recibirás perdón. Si yo fuera Dios, perdonaría a todo el mundo” y le habla de su dura vida con un padre (Michel Briguet ) - o marido no me ha quedado del todo claro- que a pesar de ser un músico reputado que toca a Bach , le agrede de forma regular y de cómo ha de atender a un chico impedido. 

Pasa un poco de tiempo, y aunque Yvon parece rehabilitarse, sin embargo, una noche , sin motivo aparente, Yvon mata a los que viven en la casa con un hacha y sabemos su motivo - o no- pues a la mujer le pregunta: “¿dónde está el dinero?” empuñando el hacha, acabando con todos los que viven en la casa.

Va a un restaurante, le confiesa a un oficial de policía lo ocurrido y es arrestado a la vista de todos los parroquianos que expectantes - y nosotros con ellos perturbados- que ven la salida de Yvon pero se centran en la sala vacía de la cafetería. Un último plano fijo ante un cajero que vuelve a dar dinero pone fin a la película con sus títulos de créditos.  

Bresson empezó a trabajar , asistido por Olivier Péray, primero en el guión de la película en 1977 inspirándose en la obra escrita por León Tolstói. Más tarde, Bresson dijo que era la película “con la que estoy más satisfecho – o al menos es en la que encontré la mayor cantidad de sorpresas cuando estuvo terminada – cosas que no esperaba.” 

La película fue estrenada en Francia, el 18 de mayo de 1983 por MK2 Diffusion y premiada en Cannes. 

En cuanto a la crítica Vincent Canby escribió en The New York Times que “Ese Robert Bresson, el veterano director francés, es todavía uno de los realizadores cinematográficos más rigurosos y talentosos del mundo, es evidente con la llegada de su hermosa y astringente película, El Dinero". Canby añadió que “Como todas las películas de Bresson, El Dinero no puede ser interpretada exclusivamente en términos sociales, políticos o psicológicos… El Dinero podría ubicarse en análisis Marxistas, sin embargo, es cualquier cosa menos Marxista. Es demasiado poética – demasiado interesada en los misterios del espíritu." 

Tom Milne descubrió que L′Argent era "inconfundiblemente una obra maestra", señalando "la extraordinaria apoteosis de la secuencia final" y el "asombro sin aliento en la última imagen de los espectadores congelados mientras observan la habitación vacía desde la cual todas las pruebas del crimen ha ido."  Y en The Times se califica como una película "única, destacable, devastadora". 

Bresson recibió el Premio del Director en el Festival de Cine de Cannes de 1983 , junto a Andrei Tarkovsky (que admiraba las obras de Bresson) por su película Nostalghia . L'Argent fue nominado a Mejor sonido en los César Awards 1984 y ganó, además, el National Society of Film Critics Award como Mejor Director de 1984. 

La película rodada en Eastmancolor muestra como el espectador es testigo de la caída del protagonista, que viene a cometer los peores crímenes, una caída que se presenta como consecuencia de una injusticia original, en sí misma debido al atractivo de la ganancia. 

El propio Bresson en algunas de sus obras teóricas publicó algunas cuestiones centrales sobre el por qué de sus obras. Con respecto a la última señaló Robert Bresson: … desde hace años he suprimido por completo en mis películas la música de apoyo o de acompañamiento. Tardé mucho en darme cuenta de su efecto nefasto, sobre todo cuando se trata de una música célebre. Inmediatamente, las imágenes pierden vigor; mientras que con el menor ruido, se ahondan, ganan en profundidad, adquieren una tercera dimensión.


Michel Ciment: ¿Por qué eligió para El dinero la Fantasía cromática de Bach? 

R.B.: Porque no quería que mi pianista tocara una música sentimental. Pero la música de Bach es siempre sentimental, de modo que me he equivocado un poco. 

R.B.: Lamento no haber podido detenerme más en la idea de redención de Yvon en El dinero; pero en ese momento el ritmo de la película no lo permitía. 

M.C.: Yvon es un poco como el ángel exterminador.

R.B.: La sociedad lo abandona. Su matanza es como la explosión de su desesperanza. 

R.B.: Hay muchos bellos relatos de Tolstói. Uno de ellos es El billete falso, que me brindó algo más que un punto de partida: la idea de una propagación vertiginosa del Mal y el surgimiento final del Bien. 

Por último señalar que Bresson buscaba insistentemente que el cine, para él la herramienta mas potente del arte, se desprendiera de los elementos de otras artes , especialmente del teatro.


De acuerdo con Alan Pavelin, su obra tiene tres fuentes principales de inspiración: su inspiración catolicismo jansenista que implica que sus personajes carecen de "psicología" , su carrera como pintor y su experiencia de prisioneros de guerra . Para él los personajes son guiados por el destino, no hay que explicar las razones o los motivos de su acción . Y esto es precisamente lo que ocurre con Yvon, un joven que es injustamente acusado de traficar con dinero falso, y que por ese error  judicial, su vida se complica y se llena de adversidades que culminan con su entrada en prisión, no solo porque el ambiente lo va degradando y corrompiendo hasta convertirlo en una persona sin escrúpulos ni principios morales, sino por lo que acontece en su vida cuando está preso. 

Esta película cumple alguno de sus principios: la igualdad de importancia entre las imágenes y los sonidos, trabajo importante del campo a través de la estilización de estos; las múltiples tomas para obtener lo absoluto, los modelos ocultos, la estilización de sus voces; y el gusto por una cámara que apuesta por buscar los tres cuartos en la pantalla .

A esto se une el uso de la elipsis ,  los detalles mínimos, los encuadres que cortan la figura humana, junto a ello los diálogos ceñidos a la mínima e imprescindible concisión, la ausencia de imposturas y el minimalismo radical lleno de detalles (cafetera, tazas, cerraduras,...) y planos vacíos - o llenos según veamos- con enfoque especial a una manos que se abren, se cierran, que reciben o que dan , que son receptoras de agua o de avellanas verdes en la palma de una mano y eso sí, puertas, y en la que el personaje principal no aspira a alcanzar la gracia divina pues la única redención es el reconocimiento de la culpa.


Tras la muerte del director se instituyó el premio Robert Bresson , un premio cinematográfico que presentado por los Consejos Pontificios de la Cultura y de las Comunicaciones Sociales que premiaba a los directores que en el Festival de cine de Venecia trabajan buscando un obra "significativa por su sinceridad y la intensidad de la búsqueda del sentido espiritual de la vida".


La película se centra en el papel degenerativo y corrupto de ese poderoso caballero "Don Dinero" que actúa como un nuevo Dios en cuyo altar se sacrifican valores e ideales, así como en el azar que juega un papel importante en la vida del protagonista que lo mueve como si fuese una marioneta por lo que el director trasmite una mirada escéptica sobre la humanidad casi sin esperanza que parece avisarnos de algo terrible: No future!!!


viernes, 15 de noviembre de 2019

Meteoro



Lo mismo que en 1998 Armaggedon de Michael Bay y Deep Impact de Mimi Leder revitalizaron el cine de catástrofes y dieron ejemplo de como una de las grandes amenazas que puede sufrir el planeta puede proceder del espacio exterior. Y no a través de seres invasores como los de Mars Attack o de extraterrestres colonizadores como los de las distintas versiones sobre la Invasión de los ladrones de cuerpos, o las adrenalínicas y llenas de testosterona como Independence Day o como vimos en Battleship. 

Y eso que había un interesante preedente de cine de serie B con la película Cuando los mundos chocan (1951) en el que una estrella gigante está a punto de chocar con la Tierra, lo que inevitablemente provocaría el fin del mundo. El Gobierno rehúsa escuchar a los científicos, pero un grupo de empresarios financia la construcción de una nave espacial con el fin de transportar a un número limitado de personas a otro planeta para crear allí una nueva civilización. Esta producción dirigida por Rudolph Maté en technicolor logró el Oscar a los mejores efectos especiales. 



Pues bien a finales de los setenta cuando el cine de catrástrofes que había dado tan buenos resultados en taquilla llevó al estreno de Meteoro, una película dirigida por Ronald Neame , se inspiró en un informe del MIT del año 1967, Project Icarus . Una voz en off al final de la película menciona "Proyecto Ícaro", un informe sobre el concepto de usar misiles para desviar un asteroide terrestre. Toma ya!!! 

El Proyecto Icarus original fue un proyecto que desarrollaron un grupo de estudiante de la Universidad posiblemente más prestigiosa del mundo, el MIT, durante una clase de ingeniería de sistemas dirigida por el profesor Paul Sandorff en la primavera de 1967. En la misma se examinaron las metodologías que podrían desviar un supuesto asteroide llamado 1566 Icarus si se descubriera que estaba en curso de colisión con la Tierra. La revista Time publicó un artículo sobre la investigación en junio de 1967. y los resultados de los informes de los estudiantes se publicaron en un libro al año siguiente. 



Tan impactante fue que un guión fue escrito por el ganador del Oscar Edmund H. North junto a Stanley Mann basado en que un grupo de científicos de todo el mundo que luchan colegiadamente y a pesar de la política internacional dominante durante la Guerra Fría después de que se detecte que un asteroide está en curso de colisión con la Tierra. 

La idea lanzada por una productora hoy desaparecida en una de sus últimas películas, la American International Pictures se transformó en Meteoro. Como el asteroide la película fue a impactar en la productira ya que el fracaso general de esta película provocó la caída de la misma y su desaparición en el Universo cinematográfico. Posiblemente reflejó Meteoro que el cine de catástrofes interpretado por una pleyade de grandes y famosos actores y actrices en este caso Sean Connery, Natalie Wood, Henry Fonda, Martin Landau, Brian Keith y Karl Malden comenzaba su decadencia. 


Meteoro es una película estadounidense del año 1979, dirigida por Ronald Neame y producida por Arnold Orgolini, Theodore R. Parvin y Run Run Shaw para la Shaw Brothers, una productora de Hong Kong junto con la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) y que contó con la distribución de la American International Pictures y un presupuesto que se movía entre los $ 16 millones. 

La película respondía al guion escrito por Stanley Mann y Edmund H. North y que contaba con la música de Laurence Rosenthal, la fotografía de Paul Lohmann y el montaje de Carl Kress.

El reparto lo integraban Sean Connery como el Dr. Paul Bradley, Natalie Wood como Tatiana Donskaya, Karl Malden como Harry Sherwood, Brian Keith como Dr. Alexei Dubov, Martin Landau como el General Adlon, Trevor Howard como Sir Michael Hughes, Richard Dysart como el Secretario de Defensa, Henry Fonda el Presidente de los Estados Unidos, Joseph Campanella como el General Easton y Bibi Besch como Helen Bradley. Junto a ellos Bo Brundin como Rolf Manheim, Roger Robinson como Bill Hunter, Michael Zaslow como Sam Mason y Sybil Danning como Girl Skier. 

La película comienza cuando el inmenso cometa o asteroide Orpheus / Orfeo golpea el cinturón de asteroides, que de repente cambian de órbita. Tras el golpe se envían docenas de fragmentos de asteroides que aparecen en curso de colisión hacia la Tierra, junto con un fragmentos gigantes del cometa que causarán previsible la extinción del mismo. Si impacta, la tierra será víctima de una nueva edad glaciar. 

Mientras el gobierno de los Estados Unidos presidido por su Presidente (Henri Fonda) se involucra en maniobras políticas, los fragmentos de asteroides más pequeños que preceden al cuerpo principal causan estragos en distintos puntos del planeta, revelando la amenaza que está en ciernes. 



La única opción de destruirlo es mediante misiles equipados con cabezas nucleares, lanzados desde satélites en órbita. Lo que no sabe nadie es que Estados Unidos tiene un satélite secreto llamado Hercules que a su vez sirve de plataforma de misiles nucleares en órbita. 

Dicho satélite fue diseñado por el Dr. Paul Bradley ( Sean Connery) un científico que vive una crisis matrimonial con su esposa Helen Bradley (Bibi Besch) y que está dolido con el ejército de los Estados Unidos por modificar la naturaleza de su proyecto que en principio era pacífica. 



La intención del científico inicialmente era defender la Tierra contra una amenaza como la que ahora mismo Orpheus está provocando, pero en su lugar el ejército de los Estados Unidos modificó la idea inicial para convertirla en un arma orbital que ahora apunta a la Unión Soviética . 

Después de muchos cálculos, se determina que los catorce misiles nucleares a bordo de Hércules no son suficientes para detener el meteorito. Por su parte, Estados Unidos ha sabido que la Unión Soviética también tiene un satélite de armas similar llamado Pedro el Grande en órbita, con sus dieciséis ojivas nucleares apuntadas hacia ese país. 

Al necesitar la potencia de fuego adicional para detener a Orfeo, el presidente ( Henry Fonda ) aparece en la televisión nacional y revela la existencia de Hércules , explicando que fue creado para enfrentar la amenaza que representa Orfeo. También ofrece a los soviéticos la oportunidad de salvar el planeta anunciando que ellos también tenían el mismo programa y su propia arma satelital. 


Para coordinar el contraesfuerzo entre los dos países, Bradley solicita que un científico soviético llamado Dr. Alexei Dubov ( Brian Keith ) se incorpore al programa para destruir la amenaza. Bradley y su compañero Harry Sherwood ( Karl Malden ) de la NASA se encuentran en el centro de control , Hércules , ubicado debajo del número 195 de Broadway en el Bajo Manhattan. Pero allí es el mayor general Adlon ( Martin Landau ), el comandante de la instalación. 


A pesar de los recelos iniciales llega Dubov acompañado de su intérprete Tatiana Donskaya ( Natalie Wood ), y Bradley desde el principio se pone a trabajar con él para romper el hielo entre ellos. 


Como Dubov no puede admitir oficialmente la existencia del dispositivo soviético, está de acuerdo con la propuesta de Bradley de que trabajen en la "aplicación teórica" de cómo se coordinarían las armas de una plataforma espacial soviética "teórica" con la plataforma estadounidense. 


Mientras tanto la relación entre la intérprete Tatiana Donskaya y el Doctor Bradley va a más iniciando una relación personal entre integrantes de las dos potencias. 

Poco después más fragmentos de meteoritos golpean la Tierra (uno en Siberia ), y los soviéticos finalmente admiten que están dispuestos a unirse al esfuerzo. Ambos satélites están coordinados y se vuelven hacia el gran asteroide entrante a medida que fragmentos más pequeños continúan golpeando el planeta, causando grandes daños, incluida una avalancha mortal en los Alpes suizos y un tsunami que devasta a Hong Kong . 



Queda poco tiempo y en las horas restantes antes del impacto de Orfeo , como estaba previsto, la plataforma de Pedro el Grande con sus misiles se suman apuntando al asteroide, junto con los misiles del Hércules programado para ser disparado 40 minutos más tarde. Poco antes de lanzar los misiles del Hercules un fragmento escindido golpea el centro de mando de la ciudad de Nueva York . 


Si se destruye el centro, Hércules no podrá lanzar. Con apenas unos segundos Hércules recibe la orden para disparar desde el centro de comando y lanza sus misiles. A pesar de que el asteroide impacta en la ciudad, destruye el World Trade Center en un golpe directo y crea un gran cráter en Central Park . 

Varios trabajadores dentro del centro de control mueren cuando la instalación es parcialmente destruida por el colapso del edificio de arriba, y los supervivientes lentamente salen del centro de control pasando por el sistema de metro de Nueva York , que se ha convertido en una trampa debido al agua del East River que inunda los túneles y lo llena todo de barro. 

Mientras tanto, los dos lanzamientos de misiles, los americanos y los soviéticos, se unen en tres oleadas sucesivamente más grandes. El equipo del Hércules llega sucio, a una estación de metro llena de gente. Finalmente, los misiles alcanzan el meteoroide. La primera oleada de misiles golpea la roca, causando una pequeña explosión, la segunda oleada de misiles sigue con una explosión más grande, y la tercera oleada crea una enorme explosión. De los 30 misiles lanzados con una potencia de destrucción de 100 megatones cada una 3 fallan, pero el resto consigue impactar y destruir el asteroide. Cuando el polvo se despeja, el asteroide aparece borrado. 

En la ciudad de Nueva York, las radios transmiten las buenas noticias: Orfeo ya no es un peligro para la Tierra. Justo entonces, los ocupantes de la estación de metro son rescatados. 

Más tarde, en un aeropuerto, Dubov, Tatiana, Bradley y otros intercambian despedidas antes de que Dubov y Tatiana salgan en un avión hacia la Unión Soviética. Una vez acabada la amenaza, Dr. Dubov regresa otra vez a la Unión Soviética con una calurosa despedida de los estadounidenses. 



La película fue una coproducción de American International Pictures con el estudio Shaw Brothers de Hong Kong. De hecho $ 2.7 millones del presupuesto provienen de AIP que se quedaría con la distribución. 

El guion de la película fue escrito por Stanley Mann y Edmund H. North, mientras que la producción corrió a cargo de la compañía Metro-Goldwyn-Mayer. Es importante destacar, que durante esta película John Williams fue reemplazado por Laurence Rosenthal para hacer la música de la película. 

El rodaje comenzó en octubre de 1977 y términó a finales de enero de 1978, principalmente en MGM Studios en Culver City, California, con algunas filmaciones en Washington, DC , St. Moritz en Suiza y Hong Kong . 

La fecha de lanzamiento de la película estaba programada para el 15 de junio de 1979, pero se retrasó al 19 de octubre debido a los reshoots de los efectos especiales. Varios equipos de producción de efectos visuales fueron despedidos durante el curso de la larga producción por no producir efectos adecuados con un presupuesto muy limitado. La compañía finalmente se vio obligada a proporcionar los efectos vistos en esta película por lo que quedaba dinero, comprometiendo seriamente los resultados.

Para culminar las desgracias que el rodaje paró dos días cuando Sir Sean Connery contrajo una afección respiratoria durante el rodaje de la secuencia de lodo. El barro también derribó a Connery, enterró a Karl Malden dos veces, mientras que Natalie Wood casi fue absorbida por una de las bombas. 

Durante el rodaje de barro, los actores y actrices se tapaban las orejas con algodón y tenían que lavarse los ojos al finalizar cada toma. La película reutilizó algunas imágenes de la película de 1978 Avalanche. De cualquier manera el rodaje de la gran avalancha requirió diez días de trabajo de localización en los Alpes bávaros en Suiza. Esta secuencia utilizó diez mil libras de nieve artificial para su sesión de estudio. Algunas de las imágenes de avalanchas, como el esquiador en rojo, fueron tomadas de la película Avalancha (1978). 

La secuencia del maremoto involucró diez días de rodaje en Hong Kong. Para las escenas, se liberaron accidentalmente ocho mil galones de agua de dos tanques de viaje al mismo tiempo (se suponía que debían ser lanzamientos consecutivos) y ocho personas fueron arrastradas. No se produjeron lesiones graves, solo pequeños cortes, golpes y contusiones. 

Las tomas que contienen los edificios que se derrumbaron en la escena de destrucción de la ciudad de Nueva York, fueron tomadas de imágenes de la demolición de los apartamentos Pruitt-Igoe en St. Louis, Missouri. Estos edificios fueron diseñados por Minoru Yamasaki, el mismo diseñador que el World Trade Center, que también aparecen destruidas en la película. Nadie sabía lo que les esperaba. 


El escenario albergaba un tanque y un sistema de drenaje de alta velocidad, que se usaba para muchos de los viejos musicales de Esther Williams MGM que presentaban piscinas. El sistema de metro de la ciudad de Nueva York se construyó dentro de la piscina vacía. La secuencia tardó entre ocho y catorce días en filmarse y aparece en la pantalla menos de cuatro minutos y costando alrededor de un millón y medio de dólares para filmar. 

Los expertos en armamento señalan que los misiles que aparecen lo hacen en una formación demasiado cercana para ser efectivos. El primer misil en detonar destruiría a todos los demás cercanos antes de que pudieran desplegarse. Incluso si los temporizadores dentro de los otros misiles estuvieran perfectamente sincronizados, la más mínima variación en los materiales de la bomba causaría que solo el primer dispositivo explote correctamente (y sea ineficaz). En terminología militar, esto se conoce como "fratricidio". 

Natalie Wood podía hablar ruso con fluidez en la vida real. Sus padres eran inmigrantes rusos y su nombre de nacimiento era Natalia Nikolaevna Zakharenko. Brian Keith también hablaba ruso con fluidez. Sin embargo, él no era de ascendencia rusa.

Brian Keith fue una elección de casting de último minuto, reemplazando a Donald Pleasence, que tuvo que abandonar. Su papel como el primer ministro ruso fue el papel final de la película para el actor nacido en Rusia Gregory Gaye.  



La película fue estrenada en el Meteor Crater en Arizona, pero tras su estreno fue un fracaso de taquilla, a pesar de haber sido nominada al Oscar al mejor sonido ( William McCaughey , Aaron Rochin , Michael J. Kohut y Jack Solomon ) perdiendo ante Apocalypse Now , además de recibir críticas negativas La película reflejaba el ocaso de un género, el del cine catastrofista que tan en boga estuvo durante la década de los 70 gracias a títulos como El coloso en llamas o El puente de Cassandra. 

En esta ocasión, la amenaza llega en forma de asteroide, una premisa que se repetiría dos décadas más tarde en las exitosas Deep Impact y Armaggedon y que contó con el precedente de Asteroide (1997) , una miniserie de la NBC sobre un asteroide gigante en curso de colisión a la Tierra y sobre las actividades del Gobierno de los Estados Unidos para evitar su impacto con el planeta en el que estaban Michael Biehn y Annabella Sciorra.

Incluso en España cuando el cordobés F. Javier Gutiérrez, estrenó 3 días (2008), la mejor película en el festival de Málaga de 2008, que narraba cómo el secretario general de la ONU anuncia que un gigantesco meteorito está a punto de chocar contra la Tierra en setenta y dos horas 

En el presente milenio ha habito título sobre esto como Melancolía (2011) de Lars von Trier con Kirsten Dunst viendo como un planeta llamado Melancolía se dirigía inevitablemente a la Tierra. La película logró tres premios del cine europeo y Dunst se impuso como mejor actriz en Cannes o Buscando un amigo para el fin del mundo (2012) con Steve Carell y Keira Knightley en la que un hombre abandonado por su mujer la víspera de la caída de un meteorito que destruirá la Tierra, decide buscar a su novia de la adolescencia y para ello cuenta con la ayuda de su joven y bella vecina o en el cine B de 2012: Supernova (2009) en la Brian Krause y Heather McComb son un astrofísico que elabora un plan peligroso y desesperado para desviar de la Tierra el destructivo estallido de radiación de una estrella supernova que se dirige hacia el planeta. 

Sin embargo, a pesar de contar con un atractivo reparto en el que participaban entre otros Sean Connery, Natalie Wood, Martin Landau o Henry Fonda, Meteoro pasó con más pena que gloria por las taquillas.Y eso a pesar de una campaña publicitaria relativamente grande y agresiva. Por ejemplo, Marvel Comics publicó una adaptación de cómic de la película del escritor Ralph Macchio y los artistas Gene Colan y Tom Palmer en Marvel Super Special # 14. 



En su crítica del New York Times , Janet Maslin calificó a la película de "tarifa estándar por desastre", y agregó que "el suspenso es fangoso y el desarrollo del personaje es nulo". Gene Siskel, del Chicago Tribune, escribió: "Seamos realistas, la conclusión en una película de desastre es cuán especiales son sus efectos especiales. Con 'Meteor', la respuesta no es muy brilllante. El gran meteorito en la imagen, que se precipita hacia la Tierra a 30,000 millas por hora, parece algo que encontré recientemente en el fondo de mi refrigerador: pan verde ". 



En Variety calificaron la actuación de "uniformemente buena", pero los "directores en su mayoría están esperando que ocurra la próxima calamidad ... Lo que realmente le importa al público para este tipo de película, por supuesto, no es la actuación, sino las imágenes, y aquí, "Meteor" obtiene buenas calificaciones, pero no excelentes ". 

Charles Champlin del Los Angeles Times escribió que "contra viento y marea, es, por lo que pretende ser, sin inspiración pero competente, eficiente, comercial y entretenido, con algunos momentos aleatorios que son muy agradables". 

Judith Martin de The Washington Post lo llamó "su estándar 'Dios mío, ¡aquí viene!' trabajo, para aquellos que les gusta ese tipo de cosas " y concluyendo que "A medida que avanzan los efectos, y los efectos en lugar de las sorpresas (o cualquier argumento real) son lo que los productores han depositado, Meteor se ve decididamente anticuado y de segunda mano". 

En España Fernando Morales en El País señala que es "Convencional entrega catastrofista muy al estilo de las que proliferaron en la década de los setenta y resurgieron a finales de los noventa. Intrascendente".

Por su parte, Fausto Fernández en Twitter señala que esta película es de "lo peor de ese Connery setentero" una película de" gran y ridículo presupuesto y acabado".  

Lo único que me queda por decir es que como película es buen ejemplo de lo que ocurre cuando un tema , el de las catástrofes se exprime. Se saca poco de él, aunque sí es interesante desde el punto de vista de la ciencia y de la historia, pues la guerra fría está ahí presente no en forma de guerra, sino en forma de colaboración y aproximación carnal entre un científico norteamericano y una traductora soviética. El amor puede con la guerra, de eso no hay duda.