Proyecto Salvación

Proyecto Salvación o Project Hail Mary es una pelóicula del año 2026 dirigida por Phil Lord, Christopher Miller y protagonizada por Ryan Gosling y Sandra Hüller en la que un profesor de ciencias Ryland Grace (Ryan Gosling) se despierta en una nave espacial a años luz de casa sin recordar quién es ni cómo ha llegado hasta allí. A medida que recupera la memoria, empieza a descubrir su misión: resolver el enigma de la misteriosa sustancia que provoca la extinción del sol. Deberá recurrir a sus conocimientos científicos y a sus ideas poco ortodoxas para salvar todo lo que hay en la Tierra de la extinción... pero una amistad inesperada significa que quizá no tenga que hacerlo solo.

Revisión de Greenland

Greenland es una película estadounidense de catástrofes de 2020 protagonizada por Gerard Butler como el padre de una familia que debe luchar por sobrevivir mientras un cometa destructor de planetas se dirige a la Tierra. Está dirigida por Ric Roman Waugh y escrita por Chris Sparling . El reparto también incluye a Morena Baccarin , Roger Dale Floyd, David Denman , Hope Davis , King Bach , Merrin Dungey y Holt McCallany . Originalmente programada para estrenarse en cines en Estados Unidos, la película Greenland sufrió varios retrasos debido al COVID-19 y , finalmente, fue distribuida en Estados Unidos por STXfilms , y yo la vi al estar disponible en video bajo demanda y streaming a través de Amazon Prime Video .

The boys ( V temporada)

La quinta y última temporada de The Boys se estrenó en Amazon Prime Video el 8 de abril de 2026 con sus dos primeros episodios y conclusiones el 20 de mayo de 2026. Esta entrega final consta de 8 episodios donde Patriota gobierna con terror y los muchachos organizan una resistencia final

La larga marcha

 

En un futuro distópico, cien adolescentes participan en una brutal competición donde deben caminar sin descanso: si se detienen o reducen la velocidad de la marcha, mueren. Solo uno sobrevivirá. Adaptación de la novela de Stephen King, dirigida por Francis Lawrence (Soy leyenda, Los juegos del hambre: En llamas) y protagonizada por David Jonsson, Charlie Plummer, Cooper Hoffman y Mark Hamill.

El reverendo

Película del año 2017, y un lujo del gran director y guionista Paul Schrader que le da un protagonismo absoluto a Ethan Hawke, aquí acompañado de Amanda Seyfried, siendo actor - y en menor medida, la actriz- que asume el papel protagonista de esta película que en inglés , es decir, en su versión original llevó como título el de First Reformed en razón a una parrroquía cuyo líder es Ernest Toller, un ex militar que tras la muerte de su hijo y la separación de su mujer se refugia en esta pequeña iglesia del estado de Nueva York como reverendo. 

El reverendo Ernst Toller (Ethan Hawke) , de la Primera Iglesia Reformada de Snowbridge, Nueva York, lleva un año escribiendo sus pensamientos en un diario, tras el cual piensa destruirlo. Dirige una iglesia reformada fundada por protestantes holandeses de Frisia hace 250 años y que fue una parada del Ferrocarril Subterráneo ; bajo su liderazgo, la asistencia disminuye considerablemente, alejándose de su enfoque histórico en la teología reformada. Actualmente, funciona principalmente como atracción turística integrada en una megaiglesia Abundant Life que preside el reverendo Joel Jeffers ( Cedric Kyles) . 

Para lidiar con sus problemas, como el alcoholismo, Toller lee obras católicas ( G. K. Chesterton y Thomas Merton ) y libros místicos ( La Nube del No Saber ). Esta nueva dirección espiritual lo lleva a buscar apoyo en una megaiglesia carismática cercana, Vida Abundante, propietaria de la Primera Iglesia Reformada. 

Toller, parece que poer tradición militar fue capellán militar , aunque también está lidiando con la muerte de su hijo, quien falleció en la guerra de Irak ; Toller lo había animado a alistarse en contra de la opinión de su mujer, siendo esta la razón del por qué se han separado. 

Mientras desarrolla su labor conocerá a Mary Mensana (Amanda Seyfried) una feligresa embarazada que le pide ayuda para que se convierta en consejero de su marido, un ecologista radical con tendencia suicidas, que además rechaza a su hijo porque el cambio climático está a punto de destruir el mundo. 

Mary, quien busca terapia para su esposo, Michael ( Phillip Ettinger) , un ecologista radical . Michael dice que quiere que Mary, que tiene 20 semanas de embarazo, aborte, porque no quiere traer un hijo a un mundo que se volverá prácticamente inhabitable debido al cambio climático.

Mary encuentra un chaleco suicida perteneciente a su esposo en su garaje. Ella se lo entrega a Toller como antiguo militar y éste lo toma, prometiendo aconsejar a Michael al respecto. Mary y Toller discuten la posibilidad de ir a la policía, pero Toller siente que eso empeoraría drásticamente el estado de Michael. 

Justo antes de su inminente cita, Michael le envía un mensaje de texto a Toller pidiéndole que se reúnan en un parque local. Toller llega y encuentra a Michael muerto por un disparo autoinfligido. 

De acuerdo con el testamento de Michael , se celebra un servicio en un vertedero local de residuos tóxicos, donde se esparcen sus cenizas. 

Mientras tanto, se están haciendo planes para celebrar el 25 aniversario de First Reformed con un servicio al que asisten el alcalde, el gobernador y un notable industrial, Edward Balq (Michael Gaston) , Consejero Delegado de la empresa Balq, uno de los principales patrocinadores financieros de Abundant Life y por su puesto el principal de la congregación Joel Jeffers. 

En una reunión en un restaurante, Toller discute con Balq sobre el cambio climático después de que Balq dijera que el servicio conmemorativo de Michael fue un acto político. Balq dice que el cambio climático es "complicado", pero Toller lo ve como una simple cuestión de mayordomía cristiana . 

Tras sufrir diversas dolencias, Toller acude a regañadientes al médico, quien sospecha que padece cáncer de estómago y le programa unas pruebas. Usando el portátil de Michael, que este se llevó tras su suicidio para evitar que la policía descubriera su radicalismo y le causara problemas a Mary, Toller investiga las preocupaciones de Michael, incluyendo qué lo inspiró a fabricar el chaleco explosivo. 

Una noche, Mary visita a Toller en la casa parroquial , y él interpreta el papel de Michael en un rito de intimidad física no sexual que ambos solían realizar, «El Viaje Mágico del Misterio», en el que Mary se tumbaba encima de él y compartían la respiración del otro. 

Toller le ruega a Mary que no asista al servicio de aniversario. Preparándose para su papel en la ceremonia, se pone el chaleco y lo arma. 

Cuando ve a Mary entrar en la iglesia, se quita el chaleco y, en su lugar, se envuelve en alambre de púas bajo el alba . Se sirve un vaso lleno de limpiador de desagües químico y está a punto de bebérselo cuando Mary lo interrumpe. Los dos se abrazan y se besan apasionadamente, acabando así la historia de este reverendo que comienza siendo consejero de la pareja que atraviesa una profunda crisis, quq intentará mediar entre ellos, pero que lo convierte en un ser atormentado por su pasado y presente dejando salir toda su angustia emocional haciendo que este sentimiento se convierta en el motor que mueve todo el hilo argumental de la película. 

El reverendo , que no deja  de ser un trhiller psicológico, fue escrita y dirigida por Paul Schrader que obtuvo los premios mejor actor y mejor guión del círculo de críticos de Nueva York del año 2018 fue nominada a mejor guión original de los oscars del año 2019 y fue aclamada por el público y premiada por cola green dropa en 2017 en Venecia, además de recibir muchas nominaciones y premios en otros festivales internacionales. 

La película fue escrita y dirigida por este director responsable de títulos como American Gigoló o Aflicción , o la más reciente, El contador de Cartas (2021) o Master Gardener (2022), y que en este caso estuvo producida por Christine Vachon, David Hinojosa, Frank Murray, Jack Binder, Greg Clark, Colina Victoria, Gary Hamilton y Deepak Sikka representantes de productoras ligadas al cinme independiente como Killers Films , Omeira Studio Partners , Fibonacci Films, Big Indie Pictures. y Arclight Films (Internacional) que invirtieron unos $3.5 millones, ganando tras su distribución unos 4 millones.

El rodaje principal duró 20 días, y se rodó en los alrededores de Brooklyn y Queens , Nueva York, incluyendo el edificio y los terrenos de la Iglesia Episcopal Zion en Douglaston .  

El estilo sobrio de First Reformed recuerda las películas de Yasujiro Ozu , Robert Bresson y Carl Theodor Dreyer sobre las que Schrader escribió en su libro de 1972, Transcendental Style in Film . Elementos del guion aluden a Diario de un cura rural (1951) de Bresson, Luz de invierno (1963) de Ingmar Bergman y la obra de Dreyer, así como al propio guion de Schrader para Taxi Driver (1976). Schrader dijo que la película Ida (2013) de Paweł Pawlikowski lo inspiró a filmar en una relación de aspecto de 1.33:1 , diciendo que "impulsa las líneas verticales, por lo que se obtiene más del cuerpo humano en el encuadre". 

Para concretar sobre esto la película cuenta con la fotografía de Alexander Dynan y el montaje de Benjamín Rodríguez Jr, así como con la música de Brian Lustmord Williams es un músico de origen británico, nacido en Gales, reconocido como uno de los creadores del género musical dark ambient gracias a su álbum Heresy, un trabajo que ha sido descrito como «piedra angular del dark ambient, de las atmósferas asfixiantes y lúgubres. 

En cuanto a actores y actrices , además del protagónico papel de Ethan Hawke, decir que antes de contactar a Seyfried como Mary Mensana, Schrader discutió la posibilidad de que Michelle Williams interpretara a Mary. La película cuenta igualmente con Cedric Kyles como el pastor principal Joel Jeffers de Abundant Life,una megaiglesia evangélica, Victoria Hill como Esther, directora de coro en Abundant Life y Philip Ettinger como Michael Mensana, el marido de Mary así como Michael Gaston que interpreta a Edward Balq, un industrial local y patrocinador financiero de Abundant Life. 

Aparte mención requiere el nominado los Oscar hasta en cuatro ocasiones esanjauque un cabezazo de thriller que le granjeó el reconocimiento mejor actor en los premios de la crítica del cine de Seattle de de 2018 cuyo reparto completa actriz ya citada. 

La película se estrenó en el 74º Festival Internacional de Cine de Venecia en agosto de 2017. También se proyectó en el 44.º Festival de Cine de Telluride en septiembre y en el 42.º Festival Internacional de Cine de Toronto en septiembre. y se estrenó en cines en Estados Unidos en mayo de 2018, distribuida por A24 . Recaudó 4 millones de dólares en todo el mundo. 

Tanto el National Board of Review como el American Film Institute seleccionaron First Reformed como una de las diez mejores películas de 2018, y Schrader fue nominado a Mejor Guion Original en la 91ª edición de los Premios Óscar . 

En la 24ª edición de los Critics' Choice Awards , Hawke fue nominado a Mejor Actor y Schrader ganó el premio a Mejor Guion Original . 

En la 34ª edición de los Independent Spirit Awards , la película fue nominada a Mejor Largometraje , Mejor Director y Mejor Guion , mientras que Hawke ganó el premio a Mejor Actor Protagonista . 

La película recibió críticas positivas, que elogiaron principalmente la actuación de Hawke y la dirección y el guion de Schrader. 

AO Scott de The New York Times escribió: « First Reformed lidia con la realidad contemporánea, pero no es una obra de realismo en el sentido convencional del término. Los diálogos se presentan con cadencias formales, casi rígidas, y las imágenes son nítidas, elegantes y sencillas». Y añade ""Schrader (...) tiene 71 años y ha tenido una carrera larga y variada, pero 'First Reformed' da la impresión de ser algo totalmente nuevo y original. Más que eso: parece una epifanía." 

En otra publicación neoyorkina, The New Yorker, Richard Brody escribe que "Es una película feroz; Schrader, uno de los creadores más importantes del cine moderno (...) parece que la ha hecho en un estado de furia, pasión, dolor, luto y deseo" 

Ann Hornaday del The Washington Post comenta que se trata de "Un hipnotizante y austero drama (...) Da la impresión de ser la película por la que Paul Schrader ha venido a este mundo (…) ". 

Owen Gleiberman en Variety señala que estamos ante "Una película grindhouse de autor que te engancha (...) [Hawke] coge el papel de Toller (...) y lo hace convincente (...) [Schrader] sigue siendo un gran cineasta." 

Todd McCarthy en The Hollywood Reporter afirma que "Es su trabajo más efectivo desde 'Auto Focus 15' (...) No hay suficiente energía o estilo en la elaboración para hacer que te olvides de la naturaleza esquemática de la construcción dramática" 

Peter Travers en Rolling Stone escribe sobre ella que "Schrader nos ofrece una de las mejores películas del año (...) Ethan Hawke ha alcanzado una nueva cima en su carrera, y parece haber despertado en él una nueva consciencia eco-activista (…) 

Justin Chang de Los Angeles Times calificó la película como «una delicia para el cinéfilo y un enigma para el creyente, una austera película de arte estadounidense con un alma de película de serie B estimulante, y una historia en la que el más cruel de los desenlaces cósmicos puede, en última instancia, no ser diferente de la más hermosa llegada de la gracia». 

David L. Sims de The Atlantic calificó la película como «un relato de angustia existencial [...] una mirada amarga a nuestro mundo a través de los ojos de alguien que está cada vez más horrorizado de ser parte de él, y una película que es una de las experiencias cinematográficas más impactantes del año». 

En la prensa de Illinois, Michael Phillips de The Chicago Tribune escribió: «Para ser un ejercicio tan deliberado en un estilo específico y metódico, First Reformed es extrañamente estimulante, llena de ideas vitales, contradictorias y sin resolver». Por su parte, Richard Roeper en el Chicago Sun-Times añade que es "Una obra de arte ineludible, memorable y en ocasiones insoportablemente triste (…) 

En el Reino Unidos Peter Bradshaw de The Guardian escribió: «La severidad bunyaniana de esta película es tan refrescante como un vaso de agua helada» y la calificó como «una película apasionadamente enfocada, pero no una obra maestra», señalando que el nombre del personaje principal es una alusión al dramaturgo alemán Ernst Toller . 

Ya en España Javier Ocaña en El País destaca que es una "Película felizmente a contracorriente, es un tratado sobre el remordimiento (...) es de una altura dramática desacostumbrada, acercándose a temas contemporáneos como el terrorismo y los intereses económicos de las religiones". En este mismo diario, Tommaso Koch comenta que la película "Muestra destellos evidentes de su talento [de Schrader] (...) la rueda con frialdad absoluta: los largos planos fijos, con la pantalla reducida casi a un cuadrado, duran siempre un poco más de la cuenta." 

Nando Salvá en El Periódico sostiene que es "La mejor película de Paul Schrader en 15 años es una obra llena de dolor e ira contenida, otro de sus grandes estudios sobre la desesperación y la soledad espirituales (…)" 

En las páginas de ABC, Antonio Weinrichter, valora felizmente que el "" (...) retorno a la buena forma de Paul Schrader (...) ingrata película, ferozmente fuera de moda (...) un Ethan Hawke tan en estado de gracia como de desgracia lo está su personaje." 

Yago García en Cinemanía destaca que estamos ante "La mejor cinta con su firma [Schrader] en mucho tiempo (...) podría pasar también por uno de los trabajos más comedidos de su autor (…)" 

Desirée de Fez en Fotogramas elogia la película "Por poco habitual, enfrentarse a una película de la solidez, la complejidad, la hondura, la intensidad, el alcance y la franqueza de 'El reverendo' es una experiencia abrumadora. (...) una obra monumental (…)".

Por mi parte decir que la película responde perfectamente al cine de Paul Schrader, responsable de los guiones de Taxi Driver, La Última tentación de Cristo, Toro Salvaje, película que fueron llevadas al cine por Scorsese,  que se define por el arquetipo del «hombre en su habitación»: protagonistas masculinos solitarios, alienados y obsesivos que lidian con una profunda culpa, el aislamiento urbano y una necesidad urgente de redención moral o espiritual. Como es habitual en su cine está presente , y en este caso es casi protagonista, la culpa y el pecado todo coherente con la raíz calvinista siempre presente en sus tramas. Junto a ella la redención como vemos al final de la mismay en el desarrollo vemos ese viaje interior del personaje para salvar su alma o encontrar sentido al dolor. 

Por supuesto,  también esta presente en su tramas - y aquí especialmente- la alienación y la presencia de un diario que le sirve para plasmar sus pensamientos con voz en off. También está presente una violencia contenida con tensiones psicológicas que estallan de forma abrupta tras largos periodos de apatía o rutina. como conclusión vemos que su cine sigue una línea trascendental que le permite conectar con Ozu, Dreyer y Bresson, busca lo metafísico mediante la contención, el estatismo y el minimalismo estético y responde a un ritmo contemplativo con el uso del tiempo muerto y de la observación pausada del entorno frente al montaje frenético comercial y la elipse. 

Por último descubrimos que la película responde a su estructura confesional en la que está muy presente la transformación íntima y el examen de conciencia más que en la acción trepidante como vemos especuiialmente en el personaje de Ernst - tal y como le llama Mary al final de la película- Heller.

Me siento extraña

La película Me siento extraña (1977)supuso un hito en la Transición española al convertirse en la primera cinta del cine español en mostrar de forma abierta y central una relación amorosa entre dos mujeres., rompiendo con la censura y los tabúes de la época. Protagonizada por Rocío Dúrcal y Bárbara Rey , abordó el lesbianismo sin eufemismos cómicos ni caracterizaciones "extrañas". Introdujo reflexiones sobre el machismo, la opresión patriarcal y el maltrato en el matrimonio, además de ser todo un éxito en taquilla. 

Supuso para una de sus protagonistas Rocio Dúrcal el paso de sus musicales blancos a un papel adulto y transgresor , mientras que para Bárbara Rey Bárbara supuso confirmar su peso en la imagen de artista capaz de superar la escena televisiva además de que la preopia actriz reconoció años más tarde que durante el rodaje de esta trama comprendió que en su vida real no sentía atracción por las mujeres, delimitando claramente la ficción del plano personal.

El artífice de esta película no fue otro que un director con una historia longeva como Enrique Martí Maqueda cuya vida da para escribir un libro o una película. Tras iniciar estudios de Derecho en 1953, comienza su contacto con los medios de comunicación al presentarse al concurso de locutores El Micrófono de Plata, de Radio España, aunque retiraría su participación antes de llegar a la fase final. 

Pese a ello, poco después, es contratado por la emisora en la que comienza su singladura profesional. Nacido en 1935, debuta en televisión en 1957 presentando el programa El futuro ha comenzado, al que seguirían Estadio galerías (1960) y Quién dice la verdad. Tras completar su formación como realizador en Nueva York (1964), regresa a TVE para ponerse al frente de programas como Cancionero o Musical. 

En Radio Madrid (Cadena SER) realizó varios programas, el más significativo fue "Radio Madrid Madrugada" en el que a sus órdenes trabajaron Manolo Alcalá y Joaquín Prat, ambos ya desaparecidos. 

A partir de ese momento comienza a consagrarse como uno de los principales realizadores del panorama televisivo español, con espacios muy recordados como Salto a la fama (1964-1965), con José Luis Barcelona, Musical 14'05 (1965-1967), Antena Infantil (1965), con Los Chiripitifláuticos, Con acento (1968), con Manuel Martín Ferrand o Los hombres saben, los pueblos marchan (1969-1970), con Joaquín Soler Serrano. 

Tras una ausencia de cinco años regresa a TVE con el musical La hora de... (1975) y la comedia Pili, secretaria ideal (1975), con José María Prada y Elena María Tejeiro. 

Un año más tarde consigue atraer la atención del público con un programa de variedades para la noche de los sábados, titulado Palmarés, que lanzaría a la fama a su entonces desconocida presentadora: Bárbara Rey, luego sustituida por Pilar Velázquez. 

Un año más tarde, en 1977,  dirigía y firmaba los guiones de la película del destape español Me siento extraña, que protagonizaron la propia Bárbara Rey y Rocío Dúrcal. 

Entre 1977 y 1983 realizó el espacio 300 millones, emitido para todos los países de habla hispana. Precisamente en aquella época, en noviembre de 1978, recibió una carta bomba explosionada por las fuerzas de seguridad y remitida por un aspirante cantante que pretendía actuar en 300 millones. 

Tras unos años apartado del medio, regresó en 1988 con el espacio musical Contigo, presentado por Heter Parisi y Norma Duval acompañadas por Pedro Rollán debutando en TV José Manuel Parada y Loles León entre otros. 

A finales de los años noventa pasó a dirigir La Espuela en Radio España de Madrid y en agosto de 1998 fue contratado como Director General de la televisión local del municipio de Marbella, terminando su estancia en ella a los seis meses por desacuerdos con el equipo de Jesús Gil y Gil al frente del consistorio marbellí. 

En el 2007 reapareció sorpresivamente en el espacio de crónica rosa A tres bandas de Antena 3, con Jaime Cantizano y María Patiño, con motivo de la polémica generada por sus propias declaraciones previas sobre la vida privada de Bárbara Rey, en las que se había despachado con su excompañera, afirmando, entre otras cosas, que la vedette "mantuvo relaciones sexuales con empresarios adinerados, directores de teatro y compañeros de profesión por interés", y que cuando él era realizador del programa de Televisión Española Palmarés y ella su presentadora, Rey le había llegado a consultar si "existía la posibilidad de posponer el día de grabación, porque tenía que verse con un hombre que estaba dispuesto a pagarle 300.000 pesetas por su compañía". 

Desde el 2009 simultaneó los papeles de presentador-moderador y pugnaz opinante en dos programas de la televisión local orensana telemiño: En portada y Punto crítico, siendo sustituido al frente del segundo en el 2010. 

En septiembre del 2012 se anunció que sería cabeza de lista por la provincia de Orense de la formación política de Mario Conde, a las elecciones al Parlamento de Galicia de ese año. 

Fue director-presentador de los programas culturales de Telemiño de la televisión de Ourense, y fue entrevistado en el programa "Leer es un placer" con la finalidad de promocionar la lectura y la información sobre el mundo de los libros. 

En octubre de 2014 inicia una serie cultural titulada "Talleres" en la que periódicamente invita a los más distinguidos artistas plásticos de Galicia, especialmente a los ourensanos. Estuvo unido sentimentalmente a la actriz Paca Gabaldón. 

En 2023 en la serie "Una vida Bárbara" Bárbara Rey denunció que sufrió acoso y fue agredida sexualmente por el realizador. La web de la sexta reflejaba que Bárbara Rey declaró que Enrique Martí Maqueda la acosó y llegó a realizarle tocamientos. El realizador se defendió afirmando que : "Me hubiera ido con ella a la cama encantado,si digo otra cosa, miento, pero no surgió ni yo me insinué más allá de lo normal. Yo di el mantazo y entonces el bicho no entró, pero no surgió ni yo me insinué más allá de lo normal". Este mismo realizador justificó así haber realizado un plano del pubis de la artista que incomodó a Bárbara Rey, achacando precisamente a esta imagen la carrera de la vedette y atribuyéndose así el éxito de la artista.

Pero volvamos al año  1977  y a esta producción española dirigida por Enrique Martí Maqueda y producida por Oscar Garrido Tizón y la productora Alborada P.C. y que cuenta entre sus logros haber combinado árbol a dos estrellas del mundo la cantante y actriz Rocío Dúrcal y a Barbara Rey. 

La película partía de un guion de Rafael Herrero y Enrique Martí Maqueda y contaba con la música de Rafael Pérez Botija, la fotografía de Raúl Artigot y como estrellas indiscutibles con Rocío Dúrcal como Laura y Bárbara Rey como Marta. Junto a ellas aparecen actores como Francisco Algora (Paco Algora) como Lucio, Ricardo Tundidor como Sergio, Eva León Conde como Gloria , Luis Marín como Paco,  Rafael Navarro como don Antonio,  Laly Soldevila como asistenta de Marta, José Antonio Ceinos como Eduardo, Francisco Nieto (Paco Nieto) como amigo de Paco , Fernando Sánchez Polack como el tabernero Tomás , Víctor Israel como invitado a una fiesta con un extraño instrumento de viento, Eva Robin como invitada fiesta,  Juan A. De Los Santos (Juan Antonio de Santos) como Jacinto , Fabián López Tapia como Pedro / médico , Pepín Salvador como Mayordomo y en un brevísimo papel Xan dos Bolas como parroquiano de la taberna.

La historia se centra en dos chicas, Laura y Marta. Laura es una pianista que abandona su hogar debido a los malos tratos de su marido , Sergio (Ricardo Tundidor), hijo de un poderoso hombre Don Antonio (Rafael Navarro), un roico empresario y hombre chapado a la antigua que no acepta separaciones de parejas y menos ante sus amistades. 

Laura huye de casa y busca cobijo en una amiga que la deriva a Marta, una vedette de revista y televisión. Laura se ofrece a vivir en su casa, un chalet sito en el una localidad campestre, atendido por una asistenta (Laly Soldevilla),  a cambio de trabajar en la preparación  canciones para su futuro espectáculo. Lo cierto es que Laura es una pianista notable que abandona su hogar porque su suegro le hace insoportable la convivencia del matrimonio. La realidad es que los malos tratos psicológicos y físicos del marido de Laura son los causantes de la búsqueda de paz por parte de la agredida. 

Marta, una vedette de revista y televisión que hará uso de las dotes de Laura al piano para preparar nuevas canciones para su espectáculo. En el chalet de Marta prepara las canciones. La tranquilidad únicamente es rota por la presencia de un disminuido que siente una gran atraccuión por Marta como es Lucio ( Paco Algora), así como los habituales brutos de pueblo que valoran que las chicas están muy buenas y les gustaría traginárselas , algo que comenta en el bar local, regentado por Tomás ( Fernando Sánchez Polack), como le ocurre a Paco (Luis Marín) o su amigo (Francisco Nieto) que , además, hacen chapuzas en el jardín y la piscina de la casa.  

A partir de ahí comienzan a ser la «comidilla» de sus vecinos alentando a Lucio a tontear con ellas. Ellos juguetean puerilmente con él, aunque éste está salido como un mono.

Mientras la vida continua y Marta , de vez en cuanto monta fiestas algo bizarras con sus amigos que van desde abogados hasta gentte del espectácuilo como  Gloria (Eva León), fiesta a las que Laura decide no ir , pero sobre todo por la presencia de Sergio que intenta convencerla para que vuelva. Sin embargo, ante las dudas que le surgen a Laura vuelve su cara brutal y la agrede como un animal.

La realidad es que los malos tratos psicológicos y físico del marido de Laura que son los causantes de que lla busque la paz y que sea Marta la que le consuele, como cuando culmina al final de la película, una vez superado igualmente otro brutal ataque por parte de Paco y su amigo a  Marta aunque en su rescate aparece Lucio. La película acaba cuando ellas se encuentran y se dan amparo ante sus distintas soledades. 

La película fue rodada en exteriores e interiores naturales de Collado Villalba, Madrid y alrededores. 

Fue una de las películas españolas que más ingresos obtuvo en el primer año de su estreno. Al poco tiempo del estreno, las actrices protagónicas renegarían de la película (y muy especialmente Rocío Dúrcal, quien tampoco quiso ir al mismo ya que consideró que esta película había sido un error para ella). Este filme supuso la retirada voluntaria y definitiva de Rocío Dúrcal del cine. Además de lo mencionado, Dúrcal jamás vio la película terminada ya que, por un lado se negó a seguir filmando por tantos cambios que se le hicieron en los guiones durante el rodaje, y por otro, comenzó a dar más énfasis a su carrera como cantante y empezó a realizar diversas presentaciones musicales con sus rancheras en México tras su retiro cinematográfico.

Las críticas iniciales a la cinta fueron mixtas, pero con el paso del tiempo llegó a obtener el estatus de cine de culto al considerársela un filme pionero de la cinematografía española por presentar el tema del lesbianismo de una forma más abierta al público.

En 2010 Bárbara Rey recibió el premio honorífico del IV Festival Internacional de cine gay y lésbico de Andalucía, por su interpretación en la película. La actriz fue a recogerlo y manifestó sentirse orgullosa de que, más de 30 años después, se valorase la película que, en su momento, había recibido muy malas críticas por su contenido homosexual.

En 2023, la cinta fue restaurada digitalmente, en formato 4K, por la plataforma FlixOlé para su estreno en la misma que es la que yo he visto.

La primera de las Dunkerke, la de Ealing

Dunkerque, de Christopher Nolan, fue una de las películas más esperadas de 2017. Supuso para Christopher Nolan una reinvindicación del cine bélico pero introduciendo elelemtynos nuevos como el prescindir de la típica exposición patriótica y el villano personificado, apostando por una experiencia sensorial inmersiva y de supervivencia pura. Para la industria, significó un triunfo técnico rodado en formato IMAX analógico y una audaz estructura narrativa fragmentada en la que se cruzan una tripartición temporal, con 3 perspectivas y duraciones distintas (una semana en tierra, un día en el mar y una hora en el aire) que convergen en un clímax unificado, reducir los diálogos a la mínima expresión y con ello los arquetipos clásicos de personajes para priorizar la atmósfera física por encima de la psicología tradicional y minimizó el uso de CGI, empleando destructores reales, millas de extras y cámaras IMAX pesadas dentro de cabinas de aviones. La historia retrataba una evacuación desesperada ( Operación Dinamo ) donde el triunfo no es abatir al enemigo, sino simple y llanamente seguir con vida; la ausencia del rpstro del enemigo pues omite la aparición de oficiales alemanes en pantalla, convirtiendo al enemigo en una amenaza abstracta, invisible y constante (bombas, torpedos, disparos lejanos) y todo ello con la música de Hans Zimmer actúa como un reloj de cuenta atrás que manipula el tiempo fílmico y asfixia al espectador.

La historia no dejaba de ser la misma y reflejaba lo que había ocurrido hace 77 años, pero que ya había sido llevada al cine en 1958, cuando se estrenó la versión en blanco y negro bajo la dirección de Leslie Norman .

Dunkerque aún permanecía viva en la memoria del público. Sesenta años antes de la épica de Christopher Nolan, John Mills y Richard Attenborough protagonizaron una exitosa reconstrucción de la historia de Dunkerque que arrasó en taquilla e inspiró a The Smiths. para sacar en la portada del sencillo del año 1985  'How Soon Is Now?',  en la que The Smiths mostraba a Sean Barrett rezando en una escena de Dunkerque (1958) que hacía referencia a la  Operation Dynamo que se desarroollará en las playas de la localidad francesa de Dunkerque..

La película de Leslie Norman era una épica dramatización de los estudios Ealing sobre la evacuación de más de 330.000 soldados británicos y franceses de las playas de Dunkerque. Se trata de una producción de carácter coral dirigida por el montador, productor y futuro director de series de televisión Leslie Norman.

El primer crédito importante de Norman fue como supervisor de montaje del clásico drama sobre el arreo de ganado en tiempos de guerra, The Overlanders (1946), protagonizado por Chips Rafferty. De regreso a Gran Bretaña, trabajó en The Life and Adventures of Nicholas Nickleby (1947) y Frieda (1947). 

Después el director produjo entonces uno de los clásicos dramas bélicos británicos de la década de 1950, una historia épica sobre el servicio en un convoy atlántico durante la Segunda Guerra Mundial, The Cruel Sea (1953). 

Para 1955, Leslie Norman dirigía sus propias películas, comenzando con el thriller The Night My Number Came Up (1955), seguido por un drama de personajes ambientado en Australia, The Shiralee (1957), que tuvo una buena acogida; e incluso un drama de ciencia ficción, X the Unknown (1956) y Jungle Fighters (1961). Norman, siempre versátil, se dedicó a la dirección de series de televisión durante las décadas de 1960 y 1970. 

Dunkerque por lo tanto es una película bélica británica basada en hechos reales, en concreto retrata la Operación Dinamo, describiendo minuciosamente los detalles o pormenores de la misma, del como se consigue el rescate masivo de tropas británicas y aliadas atrapadas en Dunkerque en los inicios de la intervención británica durante la Segunda Guerra Mundial. Está protagonizada por John Mills , Richard Attenborough y Bernard Lee. 

La película está basada en las novelas The Big Pick-Up de Elleston Trevor y Dunkirk, coescritas por el teniente coronel Ewan Butler y el mayor J.S. Bradford siendo el guion responsabilidad de David Divine. 

Producido por Michael Balcon para la productora Estudios Ealing fue distribuido por Metro-Goldwyn-Mayer contando con un presupuesto $1.025.000 o £400.000. En el apartado técnico la película contó con la intervención de Paul Beeson en la fotografía, Gordon Stone en el montaje y la música de Malcolm Arnold.

Para Michael Balcon fue "la película más importante en la historia de Ealing", una productora especializada normalmente en la comedia.

Para su desarrolo se localizó a propietarios de pequeñas embarcaciones para la producción y el reparto incluyó oficiales del ejército reales.Se recortaron aproximadamente veinte minutos para el estreno en Estados Unidos. Los populares artistas británicos de music hall de la época de la guerra, Bud Flanagan y Chesney Allen, se interpretan a sí mismos, cantando "We're Going to Hang Out the Washing on the Siegfried Line". 

La película se rodó en exteriores en Francia y en los estudios británicos de MGM. Se utilizaron imágenes de archivo de The Cruel Sea (1953) para mostrar un destructor siendo hundido en el muelle. 

El rodaje comenzó el 29 de abril de 1957. Las secuencias de playa se rodaron en  Camber Sands, cerca de Rye, East Sussex , y el centro de la ciudad de Dunkerque se recreó utilizando parte del puerto de Rye . 

Se construyó temporalmente un puente tipo canal sobre el puerto superior, que conducía al muelle. Fue por este puente que los refugiados y las tropas llegaron al "centro de la ciudad". Varias escenas tienen lugar en este sitio, en particular un plano secuencia que sigue a dos oficiales del ejército británico mientras discuten la situación. Al fondo, el espectador puede distinguir la iglesia de Rye y algunos almacenes antiguos, que aún se conservan, aunque muy restaurados. Uno de los almacenes se utilizó como interior para la "Escena del granero". La granja Tibbs, en Udimore, se utilizó para la escena de los soldados refugiándose en una granja francesa. La escena en la que el puente fue dinamitado al principio de la película tuvo lugar en el río Medway , en Teston Bridge , Teston , en Kent. 

El director Leslie Norman recordó más tarde que la producción de Dunkerque fue tremendamente complicada desde el punto de vista logístico. Sin embargo, se hizo con un presupuesto de 400.000 libras y se mantuvo por debajo del presupuesto... Yo era un chico de una escuela pública que llegó a ser mayor en la guerra, y eso influyó mucho en mi percepción de Dunkerque. No creo que Dunkerque haya sido una derrota; siempre la consideré un esfuerzo muy valiente, pero no una victoria. Las películas de Ealing de la década de 1950 suelen considerarse íntimas y con un humor entrañable. Pero en 1958, Sir Michael Balcon, director del estudio, se propuso demostrar que Gran Bretaña podía producir una película bélica a la altura de las estadounidenses. 

El director que eligió fue Leslie Norman, padre del fallecido Barry Norman. Ambas películas narran la historia de guerra más británica: cómo Gran Bretaña encontró una forma ambigua de victoria en la derrota a manos de los alemanes que avanzaban en Francia. Alrededor de un tercio de millón de hombres, principalmente británicos y franceses, fueron rescatados por mar en el norte de Francia cuando una flotilla de pequeñas embarcaciones cruzó el Canal de la Mancha desde la costa sur de Inglaterra para prestar apoyo a los buques de mayor tamaño. 

Para cuando se rodó la película, los problemas financieros obligaron a Sir Michael a vender los estudios Ealing y trasladarse temporalmente a las instalaciones de MGM en Borehamwood. Poco después, la compañía cerró definitivamente y Dunkerque fue una de las últimas producciones de Ealing. Compañía  y eso que la película hizo una taquilla de  $2.060.000 

Sir Michael Balcon,  el productor, había convencido al Ministerio de Guerra para que prestara a cientos de militares como extras, lo que aún hoy confiere a las escenas de los alrededores de Dunkerque un realismo convincente. "Mires donde mires, había fusiles, uniformes y hombres gritando. 

El joven actor Sean Barrett, quien interpretó al adolescente Frankie, y al que descubrimos en la primera parte de la película se centra en el frente interno, donde el jefe de Frankie, interpretado por Richard Attenborough, es acusado de lucrarse desde los primeros días de la guerra, pero cuando se hace el llamamiento para que pequeñas embarcaciones ayuden a rescatar a las tropas británicas, Attenborough zarpa con Frankie y un periodista interpretado por Bernard Lee.  En una entrevista cercana a 2017 Barrett recordaba como una secuencia fue impresionante en la que las tropas asisten a un servicio religioso en la playa cuando, de repente, aparece un avión alemán y todos se dispersan presas del pánico. «Fue emocionante rodar eso», dice. «Había manchas negras en la arena donde iban a explotar y nos dijeron que, bajo ningún concepto, nos hiciéramos los valientes y las pasáramos por encima. Y todo tenía que salir perfecto para la cámara. Hoy es diferente, ya que se pueden corregir muchas cosas después». "Mi escena más emotiva fue cuando Bernard Lee es ametrallado y muere en la playa. Tenía que reaccionar a algo como 'Me voy, Frankie... por favor, díselo a mi esposa', pero siendo el personaje que era, para mis tomas de reacción Bernard seguía repitiendo la frase como 'Por favor, díselo a mi corredor de apuestas', intentando hacerme llorar. De alguna manera lo superé." 

El mismo actor declaró que "Mi tío estuvo en Dunkerque, así que en 1958 seguía siendo un momento significativo para mucha gente. Es curioso que, tantos años después, un director esté haciendo otra versión de lo sucedido." Y añadi´ço en la entrevista que "Obviamente, el cine ha cambiado, pero en su época, la versión de Ealing fue un gran proyecto. Creo que incluso ahora impresiona a la gente porque las mejores escenas realmente tienen un toque de realidad." 

La banda sonora fue de Malcolm Arnold , lo que puede explicar el hecho de que muchos de sus segmentos suenan muy parecidos a su tema ganador del Premio de la Academia de El puente sobre el río Kwai , realizado el año anterior (1957), o Héroes de Telemark (1965).

En la película John Mills interpreta al cabo "Tubby" Binns , mientras que Richard Attenborough aparece como John Holden y Bernard Lee como Charles Foreman. 

Otros interpretes son Robert Urquhart como el soldado Mike Russell,  Ray Jackson como el soldado Barlow , Ronald Hines como el soldado Miles,  Sean Barrett como Frankie, el aprendiz de Holden. Igualmente aparecen Roland Curram como el soldado Harper, Meredith Edwards como el soldado Dave Bellman.

Michael Bates como el aviador Froome,  Rodney Diak como el aviador Pannet , Michael Shillo como Jouvet, un reportero francés. Eddie Byrne como comandante del Tough's Yard) , Maxine Audley como Diana Foreman, la esposa de Charles, Lionel Jeffries como coronel  y oficial médico superior,  Victor Maddern disfrazado de marinero mercante en un pub  - aunque Maddern fue marinero mercante durante la guerra- Anthony Nicholls como portavoz militar Bud Flanagan y Chesney Allen interpretándose a sí mismos ( Flanagan y Allen ) 

Por último aparecen Kenneth Cope como el teniente Lumpkin ,  Barry Foster interpreta al mensajero que dirige a Tubby a la batería de artillería, Warwick Ashton como sargento mayor de batería, Peter Halliday como batería principal, John Welsh como coronel del estado mayor , Lloyd Lamble como coronel del estado mayor , Cyril Raymond como el general vizconde Gort,  Nicholas Hannen como el vicealmirante Ramsay en Dover,  Patricia Plunkett como Grace Holden, la esposa de John, Michael Gwynn como comandante en Sheerness, Fred Griffiths como Old Sweat , Dan Cressy como Joe,  Christopher Rhodes como sargento en las playas, Harry Landis como el teniente Levy, un médico militar que trabaja en la playa, John Horsley como el padre que oficia misa en la playa francesa, Patrick Allen como sargento en el campo de desfiles.

Sin acreditar aparecen Bernard Cribbins como marinero sediento,  William Squire como capitán de un dragaminas  y Bud Tingwell como sargento en la cocina.

Estamos en 1940, una música de fanfarria de tradición militar compuesta por Malcolm Arnold resuena sobre un rótulo de tipografía elegante con el título del film —Dunkirk— sobre fondos grises y neutros. Después de unos completos créditos del equipo técnico y artístico, la primera secuencia nos sitúa en Francia, en una sala de cine improvisada en alguna población rural. Allí los soldados ingleses contemplan la proyección de un noticiario de los últimos avances en Europa. Es una buena manera de presentar a los personajes de la unidad comandada por el cabo Tubby Binns (John Mills) , un grupo que se quedará en la retaguardia después de ser olvidado por los mandos de su tropa. Comienza para ellos una odisea muy peligrosa hasta llegar a la costa de Dunquerque.Mientras en Gran Bretaña, el periodista inglés Charles Foreman (Bernard Lee )  se esfuerza por advertir a sus complacientes lectores sobre los peligros que suponía el aumento de tropas alemanas en Europa occidental. Arremete contra el Ministerio de Información por ocultar la verdad. 

La mayoría de sus compatriotas, incluido su vecino John Holden (Richard Attenborough ) , se habían dejado llevar por la aparente falta de combates importantes durante la « Guerra de Mentira ». Además Holden se va enriqueciendo con la guerra ya que es propietario de un taller mecánico y, como actividad secundaria rentable, fabrica hebillas de cinturón para el ejército británico . 

Comienza la Batalla de Francia , y los alemanes avanzan rápidamente, atrapando a las fuerzas aliadas a lo largo de la costa del Canal, aunque algunas intervenciones se hacen en suelo belga como la realizada para volar un puente por el teniente Lumpkin (Kenneth Cope, el cabo "Tubby" Binns (John Mills) y un puñado de hombres de la Fuerza Expedicionaria Británica integrada por los soldados Mike Russell (Robert Urquhart) ,  Barlow (Ray Jackson) ,  Miles (Ronald Hines),   Harper (Roland Curram), Dave Bellman ( Meredith Edwards) . Todos ellos regresan tras volar un puente y descubren que su división se ha retirado. 

El teniente habla con un conductor que dejaron atrás, pero ambos mueren en un ataque aéreo de la Luftwaffe antes de que Binns, que tiene los galones de cabo y ha de hacerse cargo de la unidad, y ante de que pueda ser informado de la situación, quedando a cargo de cuatro hombres, los soldados rasos Barlow, Bellman, Fraser y Russell, sin idea de adónde ha ido su unidad. 

El grupo presencia un ataque aéreo contra refugiados y tras el mismo llegan a un campamento de la Real Artillería . El soldado Fraser muere cuando la batería repele a una fuerza de tanques alemana. 

El oficial al mando de la batería ordena a Binns que se dirija al norte con sus hombres y dos rezagados, los soldados rasos Harper y Miles, e intente encontrar su unidad. Justo después de partir, la batería es aniquilada por bombarderos en picado Stuka . 

Mientras tanto, la situación se ha vuelto tan desesperada que el comandante de la BEF, el general Gort, ignora las órdenes de contraatacar y, en cambio, posiciona sus unidades para la evacuación de Dunkerque . 

En Inglaterra, el vicealmirante Ramsay dirige la Operación Dinamo ; el Almirantazgo comienza a requisar todos los barcos civiles adecuados, incluidos los de Foreman y Holden, para navegar a Dunkerque y ayudar a evacuar a las tropas de las playas. 

Los barcos se reúnen en Sheerness . Foreman insiste en llevar él mismo su lancha motora Vanity a Dunkerque, a pesar de las advertencias sobre el peligro. Otros propietarios de barcos siguen su ejemplo. Tras una reticencia inicial, Holden decide llevar también su barco Heron , asistido por su joven aprendiz Frankie (Sean Barrett). 

Binns y sus hombres pasan la noche en una granja abandonada, pero al amanecer llega una unidad alemana; en el tiroteo que se desata, Bellman resulta gravemente herido. Los hombres escapan, pero Binns se ve obligado a dejar atrás a Bellman para que reciba atención médica. 

Más tarde, tras pasar sigilosamente junto a un campamento alemán al amparo de la oscuridad, se topan con un camión de la RAF , tripulado por los aviadores Froome y Pannet, y van con ellos a Dunkerque, donde las tropas aliadas están siendo sometidas a bombardeos y ametrallamientos aéreos constantes . 

Binns y sus hombres logran abordar un barco, pero este es bombardeado al zarpar; se ven obligados a saltar por la borda mientras se hunde. Sus posibilidades de rescate empeoran aún más por la decisión del Almirantazgo de retirar sus destructores . 

Ramsay argumenta en contra de su retirada, y el Almirantazgo accede a regañadientes a enviarlos de vuelta. 

Foreman y Holden transportan a muchos soldados a los buques más grandes, pero el barco de Foreman es hundido por un bombardero, matando a Joe. 

Holden recoge a Foreman. Al no ser posibles las operaciones portuarias, miles de tropas aliadas se reúnen en las playas. 

En el siguiente ataque, Barlow resulta herido y es llevado a un puesto de socorro. El motor del Heron se avería cerca de la playa. Mientras Russell, mecánico de automóviles en la vida civil, realiza las reparaciones, Foreman y Frankie van a tierra para inspeccionar la escena. 

Al día siguiente, durante la misa que se oficia para los soldados , Foreman muere en un ataque aéreo justo cuando Russell completa sus reparaciones, y el grupo de Binns y seis soldados más embarcan. 

Holden zarpa de regreso a casa. En alta mar, el motor se avería de nuevo y el barco deriva hacia el puerto de Calais, en manos alemanas . Afortunadamente, son avistados por un destructor y llevados de vuelta a Inglaterra acabando así la película y la historia que conocemos como la Operación Dinamo y que visto en el 2017 bajo la óptica del "señor" del tiempo, Christopher Nolan. 

El estreno mundial tuvo lugar en el Empire sito en Leicester Square , en Londres, el 20 de marzo de 1958.

La película fue la tercera producción más popular en la taquilla británica en 1958, después de El puente sobre el río Kwai y Los vikingos .

Michael Balcon admitió que la película no tuvo éxito en EE. UU., pero que "tuvo un éxito maravilloso en otras partes del mundo". 

Bosley Crowther, en su reseña para el New York Times , elogió las actuaciones de los protagonistas y del reparto secundario. 

Las críticas posteriores dan opiniones positivas a mixtas sobre la película. Una crítica de "The Movie Scene" elogiaba las actuaciones de los protagonistas y los efectos. 

En Nerdly.co.uk señala que la película tiene "un nivel de autenticidad sorprendentemente veraz, incluso sobre el mal manejo de los eventos por parte de los británicos". 

El crítico Derek Winnert señaló que la película era "larga, ambiciosa, absorbente, inteligente e informativa, y no tan celebrada como debería ser". 

Una reseña de The Spinning Image señaló que "si bien fue un éxito en su época y se convirtió en un clásico de las transmisiones televisivas durante muchos años, aunque es innegable que quedó eclipsada por Dunkerque de Christopher Nolan en 2017, que aplicó técnicas del siglo XXI a una trama de la década de 1940 y fue una de las películas más taquilleras de la década , pero la versión de 1958 tenía una fuerza propia y no debería ser descartada". 

Otro crítico dijo que la película "palidece al lado de la película de Nolan, pero en muchos aspectos, refleja con mayor precisión la actitud británica en el período inmediatamente posterior a la Segunda Guerra Mundial y es un buen complemento para ella". 

En Variety "La historia de una derrota que, milagrosamente, se transformó en una victoria definitiva al fortalecer la determinación y la solidaridad de Gran Bretaña, planteó a Michael Balcon y a su equipo numerosos desafíos. Dunkerque es un espléndido casi documental que, sin embargo, no alcanza la magnificencia. " y añade "La película se caracteriza por un tono deliberadamente sobrio, sin heroísmos forzados y con diálogos de una autenticidad casi clínica. En definitiva, es una película absorbente, más que conmovedora. ". 

Hemos de señalar la realidad de la historia y como la fortuna sonrió a los britñanicos, a pesar de los pesares. Lo cierto es que el general Von Kuechler asumió el mando de todas las fuerzas alemanas en Dunkerque. Su plan era simple: lanzaría un ataque total en todo el frente. Extrañamente, ignoró una interceptación de radio que le decía que los británicos estaban abandonando el extremo oriental de la línea para replegarse a Dunkerque. Aunque Churchill había prometido a los franceses que los británicos cubrirían su escape, en tierra fueron los franceses quienes mantuvieron la línea mientras los últimos británicos restantes eran evacuados. Soportando el fuego concentrado de la artillería alemana y el ametrallamiento y las bombas de la Luftwaffe, los franceses se mantuvieron firmes. 

El 2 de junio (el día en que las últimas unidades británicas se embarcaron en los barcos), los franceses comenzaron a retroceder lentamente, y para el 3 de junio los alemanes estaban a unas dos millas (3 km) de Dunkerque. 

La noche del 3 de junio fue la última noche de evacuaciones, y el 4 de junio, los alemanes izaron la esvástica sobre los muelles de los que tantas tropas británicas y francesas habían escapado ante sus narices. 

El Ministerio de Guerra tomó la decisión de evacuar a las fuerzas británicas el 25 de mayo. En los nueve días transcurridos entre el 27 de mayo y el 4 de junio, 338.226 hombres escaparon, incluyendo 139.997 soldados franceses, polacos y belgas, junto con un pequeño número de soldados holandeses, a bordo de 861 buques, de los cuales 243 se hundieron durante la operación. 

El Mando de Cazas británico perdió 106 aviones en combate aéreo sobre Dunkerque, y la Luftwaffe perdió unos 135, algunos de los cuales fueron derribados por la Armada Francesa y la Marina Real Británica. 

Los muelles de Dunkerque estaban demasiado dañados para ser utilizados, pero los diques o malecones Este y Oeste estaban intactos. El capitán William Tennant, a cargo de la evacuación, decidió utilizar las playas y el dique Este para desembarcar los buques. Esta exitosa idea aumentó enormemente el número de tropas que podían embarcarse cada día, y de hecho, en el punto álgido de la operación de rescate, el 31 de mayo, más de 68.000 hombres fueron desembarcados. Los últimos miembros del Ejército Británico partieron el 3 de junio y todos regresaron a Dover. 

Sin embargo, Churchill insistió en regresar a por los franceses, por lo que la Marina Real regresó el 4 de junio para intentar rescatar al mayor número posible de soldados de la retaguardia francesa. Más de 26.000 soldados franceses fueron evacuados ese último día, pero entre 30.000 y 40.000 más se quedaron atrás y se vieron obligados a rendirse a los alemanes. 

Posiblemente he visto la versión restaurada digitalmente como parte del proyecto Coast and Sea del BFI . La pelíocula fue la última película bélica de Ealing. 

Tras haber realizado cortometrajes propagandísticos para el Ministerio de Información, el productor Michael Balcon fundó su propia unidad de cortometrajes, y Young Veteran (1940) , de Alberto Cavalcanti , marcó el estilo docurealista que caracterizaría las películas bélicas de Ealing. 

Con la intención de mostrar a la gente común haciendo su parte (a veces enfrentándose a la incompetencia de la clase alta y los altos mandos), películas como Went the Day Well? (1942), The Foreman Went to France (1942) y San Demetrio London (1943) reforzaron la idea de que todos estaban juntos en esto. En la que sería la penúltima producción del estudio, Balcon buscó recuperar ese sentido de unidad reavivando el espíritu de Dunkerque. 

Lo cierto es que el drama inherente a toda película bélica se basa en el realismo documental. Evitando el triunfalismo patriótico que había empañado muchos relatos de hazañas bélicas, Balcon se apegó a la fórmula de Ealing, que tan buenos resultados le había dado en El mar cruel (1953). 

Leslie Norman había producido esta epopeya naval, y su familiaridad con la mentalidad marítima garantiza que las secuencias de los «barcos pequeños» se presenten con una sobriedad férrea. Como antiguo montador, Norman también conocía el valor de un montaje explicativo, y Gordon Stone hace un uso elocuente de imágenes de noticiarios, mapas animados y reconstrucciones de estudio para establecer y desmantelar la atmósfera de complacencia doméstica y reforzar la sensación de peligro, caos y confusión en la playa. El sonido y la imagen se combinan con un efecto devastador. 

Muchos de los espectadores en 1958 habían vivido la guerra, y el sonido de los bombardeos de la Luftwaffe les resultaba demasiado familiar. El supervisor de sonido Stephen Dalby capta el aterrador silbido de los Stukas mientras se lanzan en picado para ametrallar a los refugiados franceses, los puestos de artillería de la BEF (Fuerza Expedicionaria Británica) y los soldados atrapados en las dunas. Pero los silencios que siguen son igual de sobrecogedores, pues invariablemente señalan un respiro temporal. 

Norman Leslie  transmitió esta sensación de impotencia y ansiedad alternando entre las tomas panorámicas de Paul Beeson de las columnas en retirada que avanzan hacia los barcos que esperan y primeros planos de rostros de hombres comunes que luchan por controlar sus emociones mientras esperan como presas fáciles. Nada de heroísmo exagerado, solo una caracterización creíble. 

El guion de David Divine y WP Lipscomb fue adaptado de dos novelas: The Big Pick-up de Elleston Trevor y Dunkirk de los veteranos de la Fuerza Expedicionaria Británica , el teniente coronel Ewan Butler y el mayor J. Selby Bradford. 

Trevor aportó la historia de la unidad destacada liderada por el cabo 'Tubby' Binns (John Mills), cuya reticencia a asumir el mando contrasta con la indiferencia del recién estrenado padre y próspero contratista de guerra John Holden (Richard Attenborough), y la profunda desilusión del escéptico periodista Charles Foreman ( Bernard Lee ). La insistencia de este último en capitanear su propio barco a través del Canal de la Mancha avergüenza a Holden, quien se ve obligado a seguir su ejemplo. 

Procedentes de distintos rincones del país y de las distintas clases sociales, los personajes secundarios refuerzan los temas del resentimiento y el alivio que supone retirarse para luchar otro día. Se otorga la misma importancia a los errores y al coraje. Como reflejo del cinismo nacional posterior a la crisis de Suez a finales de la década de 1950, este relato del milagro poco glorioso que redujo la brecha bélica entre civiles y militares modera la celebración de la infatigabilidad que salvó a la Fuerza Expedicionaria Británica (tras menos de un mes en suelo continental) con una crítica juiciosa de la indecisión del gobierno, la ofuscación del Ministerio del Interior y la ineptitud militar. El rechazo a la política de apaciguamiento explica la frustración de Foreman ante la incapacidad de Gran Bretaña para rearmarse frente a la creciente agresión nazi, mientras que las relaciones anglo-francesas se tensan por la ineficacia de la Línea Sigfrido. Asimismo, un soldado herido se enfrenta a un supuesto especulador, mientras que muchos en Inglaterra se dejan llevar por una falsa sensación de seguridad bélica. Sin embargo, una vez que el combate se intensifica, la ingenuidad estratégica fuerza una retirada que se convierte en un desastre por falta de liderazgo. Finalmente, se evitó la catástrofe, pero, al parecer, más por suerte que por criterio.

La película está narrada con dos acciones paralelas que suceden alternativamente. La primera en el campo de batalla francés. La segunda con la formación de una fuerza naval civil, compuesta por yates, pesqueros y naves de recreo de los habitantes cercanos al Canal. En Francvia vemos las aventuras y desventuras de este grupo de hpombres, mientras que en Gran Bretaña el tono es propio de un drama costumbrista con críticas veladas hacia la neutralidad, el estraperlo y la cobardía, pero se hace sin buscar propagando ni ridiculizar al enemigo aino que se apuesta por un discurso más colectivo que individual, más social que heroico. Por supuesto con el elogio tanto a las víctimas, como a los ejércitos aliados y a los civiles que se implicaron en el salvamento con ayuda de sus embarcaciones. 

La película se aleja de la propaganda triunfalista clásica al dar voz a las dudas, la vulnerabilidad y el desconcierto de los hombres corrientes frente a la derrota; ilustra cómo la tragedia impulsó a una sociedad a superar la apatía inicial para colaborar en una causa común de rescate y supervivencia, centrándose en la humanidad de los afectados mostrando cómo personas comunes y corrientes, tanto soldados rasos como civiles en el frente interno, superan el miedo para cumplir con un deber colectivo, refleja la unión y el apoyo mutuo entre compañeros de milicia y ciudadanos para salir adelante en momentos de extrema desesperanza ; y presenta el sufrimiento y la empatía de forma medida y honesta, huyendo del dramatismo artificial o la glorificación gratuita del combate

El señor de los anillos: versiones extendidas

El retorno del rey (la que fue conclusión de la trilogía de El Señor de los Anillos) fue estrenada en España en diciembre de 2003. Además, con motivo de su 25 aniversario, la película regresó a los cines de toda España en mayo de 2026, proyectándose en formato 4K y en su Versión Extendida, que además fue emitida en diciembre de 2025 en Movistar +. 

Yo me he dedicado a ver en estos tres días pasados estas tres películas extendidas que seis meses después del estreno de El retorno del rey, en algunas salas de varios cines de Norteamérica y otros países, se proyectaron unas versiones extendidas de la trilogía con escenas inéditas y con escenas extendidas.

Estas versiones son más fieles a los libros de Tolkien que las versiones que todos hemos conocido en los cines, vienen a ser las versiones definitivas de los filmes de «El Señor de los Anillos”. 

No importa que duren casi cuatro horas cada una (y en el caso de la tercera y última, más de cuatro horas) pues la Tierra Media se merece eso y mucho más.

Lo cierto que hace seis meses Movistar + tuvo a bien emitir y crear un canal llamado Tierra Media, en el que junto a estas películas incluían el biopic sobre Tolkien , que ya puede ver con ese título homónimo así como versiones animadas tanto del señor de los anillos como una específica que tenñía como protagonistas a los Rohirrin.

Ni que decir tiene que ninguna - o casi- de las adiciones a estos filmes es de relleno. Mucho de lo agregado es relevante y ayuda a desarrollar mejor a los personajes, la narrativa o simplemente el mundo creado originalmente por Tolkien. 

«El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo” es decir, la primera entrega, es la película que más se beneficia de todo el material extra. Lógico, pues en esta entrega se establece lo que van a ser   las personalidades de los personajes y sus problemas; el conflicto central; la construcción del universo; la historia de trasfondo de Sauron, Isildur y el Anillo Único; las características de las diferentes razas (Hombres, Hobbits, Elfos, Enanos y más) y, por supuesto, el estilo que Jackson le daría a sus películas. 

En el prólogo en el que vemos a Bilbo Baggins (Ian Holm) escribiendo su libro y hablándonos a través de una narración en off sobre los Hobbits. Se nos da mucha más información sobre su cultura y la paz que buscan en el mundo. Además, se hace un mayor énfasis en la paranoia que Bilbo siente ahora que está adicto al Anillo, escondiéndose de sus familiares lejanos no solo al principio cuando está en su casa en Bag End, sino también ya en la fiesta de su cumpleaños, donde además comparte un momento callado e introspectivo con Frodo durante la fiestuki. Esto último, por supuesto, ayuda a desarrollar mejor la relación entre tío y sobrino.

Siguiendo con el inicio de la película, esta versión extendida ahonda un poco más en el prólogo que nos explica la guerra de la Segunda Edad. Vemos a Isildur siendo asesinado luego de que las fuerzas enemigas lo encuentran con el Anillo, a diferencia del corte regular de la película, donde simplemente aparece muerto en un río. Y también se hace un mayor énfasis en los conflictos internos de Aragorn, hijo de Arathorn (Viggo Mortensen), y heredero al trono de Gondor.  Precisamente, en Rivendel ante la tumba de su madre,  tiene lugar una conversación con Boromir  junto a la estatua que lleva los restos de Narsil, la espada de Isildur.

Parece que esta versión extendida de «El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo” se concentre más en Aragorn,  pues descubrimos sus miedos respecto a la debilidad del espíritu familiar. Evidentemente el personaje parece humanizado siendo m,ucho más que un ser heroico y apuesto y valiente y emocional capaz de renunciar a heredar el trono de Gondor.

Cuando Frodo y Sam Gamyee (Sean Astin) recién están saliendo de Hobbiton, se encuentran con un grupo de elfos que están yendo a las Bahías Grises se nos informa del fin de la era élfica en la Tierra Media.  

Además, en esta primera entrega tenemos la versión completa de la entrega de los regalos por parte de Galadriel (Cate Blanchett) a los nueve miembros de la Comunidad, lo cual ayuda a justificar el que todos tengan capas de Elfos a partir de cierto momento, así como dagas para Merry (Dominic Monaghan) y Pippin (Billy Boyd), o una soga irrompible para Sam que le será útil en la segunda entrega. 

Esto no interfiere demasiado con el ritmo de la cinta — «El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo” se sigue moviendo igual de rápido que siempre, con intención e intensidad, sin que los momentos más emotivos, como la “muerte” de Gandalf (Ian McKellen), dejen de funcionar tan bien. 

La versión más larga de “El Señor de los Anillos: Las Dos Torres” también funciona  en esta Versión Extendida.

Para empezar, todo el inicio con Frodo (Elijah Wood) y Sam (Sean Astin) caminando por una zona rocosa en dirección a Mordor se ha alargado —como para darle un mayor uso a la cuerda que Galadriel (Cate Blanchett) le regaló a Sam, pero no mucho más. Es algo que se aprecia porque algo de contexto adicional le da a las situaciones en las que los dos Hobbits se meten antes de encontrarse con Gollum/Sméagol (Andy Serkis), pero la verdad es que no se siente como algo vital. 

Algo similar se puede decir sobre las escenas adicionales con Gimli (John Rhys-Davis) y Legolas (Orlando Bloom). Ya en la versión original, Gimli es relegado básicamente a ser un personaje de comedia, cayéndose frecuentemente de su caballo y teniendo intercambios e interacciones algo incómodas con los personajes humanos. Pero ese sentido de comedia está presente cuando está sentado encima de un cadáver de orco luego de la Batalla de Helm’s Deep, y le dice a Legolas que la criatura se movió porque tiene su hacha metida en su sistema nervioso. 

También se extiende la historia de los Ents aquí entroncada con la historia de  Merry (Dominic Monaghan), Pippin (Billy Boyd) y Barbol. La voz del Ent es de John Rhys-Davis. La historia entre ellos dónde Pippin toma el agua que le hace crecer es graciosa pero a la vez curiosa, ya que hace referencia a una escena de la novela de “La Comunidad del Anillo” y no cuando Barbol se pone a recitar poesía mientras los Hobbits se duermen en sus ramas.

También un persona de Roham como Éowyn (Miranda Otto)  adquiere otro protagonismo ya que se le da más énfasis comienza a sentir por Aragorn (Viggo Mortensen). 

De los momentos nuevos que comparten, destaca la escena en la que ella le ofrece un mal estofado  que sirve para desarrollar un poco mejor la historia de trasfondo de Aragorn. Resulta que nuestro guerrero humano favorito, al ser descendiente de Isildur, es muy longevo, y a pesar de lucir cuarentón, ¡tiene ochenta y siete años! 

Por otro lado, casi al principio hay escenas que involucran al hijo del Rey Théoden (Bernard Hill). El poder ver a Éomer (Karl Urban) encontrar al chico medio muerto causa un mayor impacto, y la inclusión del funeral del joven, en el que Éowyn realiza unos cánticos desgarradores, complementa muy bien el momento posterior en el que vemos al Rey llorar por la muerte de su hijo. Se puede argumentar que estas escenas son inferidas en el corte original de la historia, pero el poder verlas y sentirlas en la Versión Extendida ayuda a justificar mejor las decisiones que Théoden termina tomando, dejando bien en claro el sufrimiento por el que tiene que pasar luego de ser “rescatado” por Gandalf (Ian McKellen). 

También en esta segunda entrega vemos a Faramir (David Wenham) cómo captura a Frodo, Sam y Gollum, lo vemos tener un flashback en el que lo vemos primero celebrar una victoria junto a su hermano mayor Boromir (Sean Bean) en Osgiliath, para luego ver cómo es subestimado y maltratado por su padre Denethor (John Noble). Se trata de una magnífica secuencia de recuerdo que logra comunicar muy bien los conflictos entre hijos y padre, así como el hecho de que Boromir siempre fue el favorito de Gondor. 

Por otro lado, en  “El Retorno del Rey” la versión extendida añade 62 minutos adicionales (aumentando su duración de 3 horas 21 minutos a 4 horas 23 minutos) con escenas cruciales, como la confrontación de Gandalf con Saruman en Isengard, el enfrentamiento de Aragorn con la repugnante Boca de Sauron y la resolución de la historia del elfo Legolas y el enano Gimli con los piratas de Umbar. 

Lo cierto es que “El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey” es la culminación de todo lo que Peter Jackson logró hacer con las dos películas anteriores y uno de los blockbusters épicos con once Premios de la Academia, y en su momento, uno de los filmes norteamericanos más exitosos en la taquilla. Tenemos ahora sí una escena que explica el destino de Saruman (Christopher Lee), mientras que en la versión regular simplemente lo dejan en su torre , pero ahora hay una escena de enfrentamiento verbal con Gandalf (Ian McKellen) y los demás en Isengard, la cual culmina con Grima (Brad Dourif) asesinando a su exjefe, quien cae de la torre y muere empalado. Junto a esta ahora vemos como Pippin (Billy Boyd) encuentre el Palantir en medio del agua. 

En esta Versión Extendida de “El Retorno del Rey” hace un mayor énfasis en el personaje de Faramir (David Wenham), en su enfrentamiento con su padre, el senescal Denethor (John Noble), así como un momento que comparte con Pippin, donde le cuenta que la armadura que el Hobbit estaba usando le solía pertenecer a él. E incluso más importante: tiene ahora dos escenas con Éowyn (Miranda Otto), las cuales dan a entender que se terminan enamorando y convirtiendo en una pareja. Todo esto ayuda a desarrollar mejor a sus personajes y a darle un final satisfactorio a las historias tanto de Faramir como de Éowyn. 

Adicionalmente, tenemos la línea narrativa de Aragorn (Viggo Mortensen), Legolas (Orlando Bloom) y Gimli (John Rhys-Davis) buscando al ejército de los muertos en la montaña. Evidentemente, esto es algo que también aparece en el corte regular de la película, pero que acá está mejor desarrollado. No solo tenemos un momento visualmente impactante, con un mar de calaveras cayendo encima de nuestros héroes o las mismas siendo pisadas por Gimli, mientras tratan de escapar de la caverna de los muertos, sino también un poema recitado por Legolas sacado directamente del libro de Tolkien. Junto a esto vemos al trío abordar el barco de los corsarios junto al ejército de fantasmas

Aragorn tiene un par de momentos más con él que me parece contribuyen al mejor desarrollo de la narrativa. Por un lado, tenemos la escena en la que confronta a Sauron a través del Palantir, con este último tratado de asustarlo mostrando imágenes de Arwen (Liv Tyler). Pero lo mejor está en la escena con la Boca de Sauron (el gran Bruce Spence), quien intenta intimidar a nuestros héroes justo fuera de la Puerta Negra en Mordor. El efecto de la boca enorme de dicho personaje es apropiadamente perturbador, pero lo mejor de la escena es que hace referencia a un momento similar en el libro y contribuye a la sensación de desesperanza que los personajes podrían tener antes de enfrentarse a las fuerzas de Mordor. 

Finalmente, en lo que se refiere a la historia de Frodo (Elijah Wood), Sam (Sean Astin) y Gollum (Andy Serkis), no hay demasiadas adiciones. Después de todo, son ellos los que cargan con el peso entero del conflicto, por lo que me imagino que Jackson y compañía decidieron no quitar mucho de su historia para el corte original. No obstante, sí hay una secuencia nueva en la Versión Extendida en la que vemos a los Hobbits metiéndose en un grupo de orcos marchando por Mordor, para luego comenzar una pelea y así crear una distracción y poder escapar. Puede que no suene a mucho, pero la escena ayuda a que la travesía de los Hobbits por Mordor se sienta un poco más difícil, contribuyendo a la tensión que uno siente por ellos. Después de todo, uno “no puede simplemente caminar por Mordor”, así que tenía sentido que Frodo y Sam se encontraran con más obstáculos en dicho lugar. 

Las escenas adicionales en la Versión Extendida de “El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey” son todas importantes. Ayudan a explicar la muerte de ciertos personajes, a desarrollar mejor a otros, a aumentar la tensión que debería desarrollarse a lo largo de la película, o simplemente a detallar mejor las situaciones por las que los protagonistas pasan.

La versión extendida de la trilogía de El Señor de los Anillos, dirigida por Peter Jackson, añade aproximadamente dos horas de metraje inédito en total. Estas ediciones no son solo recortes con escenas añadidas, sino nuevos montajes que profundizan en la Historia de la Tierra Media y el desarrollo de los personajes. Las adiciones cumplen el propósito de hacer las películas más fieles a los libros de J. R. R. Tolkien. Más contexto de la Comarca: Escenas iniciales con Bilbo Bolsón escribiendo su libro y detalles sobre las costumbres de los hobbits, pero también hay momentos donde los personajes cantan pasajes clásicos de los libros, como Aragorn cantando sobre Beren y Lúthien. En total más de 1800 kilómetros de película grabadas se recortaron hasta las 11 horas y 23 minutos (683 minutos) de duración que suman los tres DVD en versión extendida. 

El montaje fue la operación final en la que las películas tomaron su forma definitiva, y durante la que Jackson se dio cuenta de que hasta el mejor script puede quedar en ocasiones redundante en la pantalla. Se vio obligado a retirar a diario escenas completas de múltiples tomas. Con todo, lo cierto es que gran parte del metraje rodado no se utilizó en las películas proyectadas en las salas, y ni siquiera en sus versiones extendidas en DVD. 

Los descartes más relevantes produjeron el acortamiento de importantes escenas de la trama, eliminaron tomas sueltas, o, incluso, escenas completas. Entre los primeros se pueden mencionar las siguientes escenas significativas que fueron concebidas más largas que el montaje final: la Batalla de la Última Alianza, presentada en el prólogo de La Comunidad del Anillo; el diálogo del Concilio Blanco, en el que Gandalf explicaba cómo Sauron forjó el Anillo Único; el intento de Boromir de hacerse con el Anillo;las visiones de la Tierra Media que tiene Frodo al ponerse el Anillo;  la batalla en Parth Galen;

De los segundos, se pueden enumerar las siguientes tomas sueltas cortadas, conocidas por haber sido mencionadas por el equipo, o vistas en tráiler u otro material promocional: una oscura imagen de los tráileres de dos jóvenes elfas jugando en Rivendel; diversas tomas, mencionadas por el equipo en los comentarios de los DVD, de un animal (se usaron varios, desde conejos hasta un ciervo) molestando a Frodo y Sam en el Bosque Cerrado;

Y de los terceros, se enumeran las siguientes escenas completas desaparecidas de las películas: el ataque de los orcos de Moria sobre los flets en las lindes de Lothlórien después de que la Compañía saliera de las minas. 

Gran parte del metraje de esta se pudo ver como material promocional del lanzamiento en DVD de la versión de las salas de La Comunidad del Anillo, en sus folletos, como material documental en los DVD de las ediciones extendidas y en las imágenes de los juegos de cartas coleccionables; un ataque de un uruk-hai a Frodo y Sam en el río Anduin; una visión de Faramir en la que se imagina a Frodo transformándose en una criatura similar a Gollum; un combate entre Sauron y Aragorn en la Puerta Negra. 

En contra de lo aparente, la escena sí se incluyó en El retorno del Rey, pero con un troll generado por ordenador ocultando la imagen de Sauron y sustituyéndole en la acción, pues Jackson pensó que la escena con Sauron era inapropiada. En ella se ve también a Sauron bajo la apariencia maravillosa de Annatar, el Señor de los Dones.

Peter Jackson ha comentado que le gustaría incluir algunas de estas últimas escenas no empleadas en una futurible «Ultimate Edition» de la trilogía, probablemente en alta definición. No serían insertadas en los montajes existentes de las películas, sino accesibles para su visionado independiente. Esta edición también podría incluir tomas descartadas.