Pacto tenebroso

 

Sleep, my love

*EC: En construcción

Alien Covenant

 

Suspiria

Frente a frente con la muerte

*EC: En construcción

Yo anduve con un zombie

 Jacques Tourneur es uno de los directores que incluye Mark Cousins entre aquellos que fueron investigados por el comité de actividades antiamericanas. Sin embargo para mí es uno de los directores más sorprendentes de aquel Hollywood de los años cuarenta y cincuenta capaz de enfrentarse a películas de bajo presupuesto y hacer de ellas auténticas maravillas. Prueba de ello es la mítica la mujer pantera. 

Para Terenci Moix en el tercer volumen de su historia del cine publicada por el diario ABC en su revista blanco y Negro dice que el prestigio de este director ha ido en aumento con los años hasta el punto de que algunos de sus títulos se cuentan entre los considerados filmes de culto, imprescindibles para muchos cinéfilos. Esto es particularmente cierto en el caso de una de sus obras maestras como es Retorno al pasado (Out of The past, 1947) así como dos ligadas al cine de terror como La mujer pantera (Cat People, 1942) y la que nos ha traído hasta aquí Yo anduve con un zombie (I walked with a Zombie, 1943), filmes que la crítica conspicua dejó pasar en su momento por considerarlos únicamente obras de género y aún de géneros menores. Pero en ellos, al igual que en "The Leopardo Man, 1943) o en The Night of The Demon (1958) Tourneur evita las los habituales peligros de la trivialización gracias al perfecto cuidado del clima dramático y al logro de un estado de ánimo angustioso partiendo de temas o elementos marginales a la imagen (el sonido, la música y los silencios, especialmente). 

Las películas que sí le dieron la gloria en el presente a este director fueron las películas de aventura entre ellas el halcón y la flecha, uno de los mejores ejemplos de acción cinematográfica, recuperando el aspecto deportivo y optimista de los viejos filmes de Douglas Fairbanks o la mujer pirata, que son grandes ejemplos de utilización del color en el sentido dramático.

Tourneur (1904-1977) era hijo de Maurice Tourneur , una de las figuras más emblemáticas e influyentes del Hollywood del periodo mudo y representante máximo de lo que se dio a llamar el refinamiento europeo aplicado a la estética americana. Como, Jacques  se movió con igual dominio en todos los géneros incluido el western del que por aquí ya hemos comentado Wichita (1955) o Una pistola al amanecer (Great Day in The Morning, 1956). Su carrera no terminó aquí pasó por Italia para rodar un peplum como La batalla de Maratón, y sus trabajos finales los hace para la Americana  Internacional de Roger Corman. 

En este caso yo anduve con zombie es una película del año 1943 realizada para la RKO. Parece ser que los directivos de la RKO vieron en un periódico una historieta titulada yo anduve con un zombie. El titular le sirvió de inspiración y encargaron el proyecto a uno de sus más reputados productores de género fantástico, Val Lewton. Este tan solo conservó el título ya que prefirió hacer una adaptación bastante libre de la novela Jane Eyre, introduciendo eso sí los temas del vudú y de los muertos vivientes. 

La dirección recayó en Jaques Tourneur , con el que Lewton ya había trabajado en la mujer pantera y con el que volvería a hacerlo en el hombre el leopardo. Ambas películas junto con Joan anduve con un zombie se convirtieron en los clásicos de terror de la RKO y Tourneur en un distinguido director. Desgraciadamente, en su momento la película no llegó a estrenarse en España. 

La la historia de la película se inicia cuando una joven enfermera canadiense de nombre Betsy es contratada para trabajar en un país del Caribe. Allí ha de trabajar en una plantación y cuidar a la esposa de Paul, el jefe de la misma. El principio Betsy cree que la mujer está en coma, pero luego empieza a sospechar de que es un zombie. Para curarla acepta usar los métodos de los nativos o sea el vudú. 

El muñeco diabólico

 

Los ojos del diablo

 Homenaje a Edgar Alan Poe

Les lyonnais

 

Yucatán

 

El cabo del miedo

 

De hombre a hombre

 

Morocco

 

Le magnifique

Con el pomposo nombre de Cómo destruir al más famoso agente del mundo volvemos a Philippe La Broca y a un Jean Paul Belmondo que acompañado de una bellísima Jacqueline Bisset se dedican a hacer  un remedo entre filmico y literario de las aventuras del agente 007 eso sí con su toque francés y la cómicidad de Broca acompañado con un Belmondo, el feo del cine francés, en plena forma. 

*EC: En construcción

Annabelle Creation

 

Caída y auge del artista

The Artist

L´uomo meccanico

 

Tres jóvenes de Texas

 

Entrevista con un vampiro

 

Con el corazón en la garganta

Ya pudimos disfrutar de un buen plato de pasta dirigido por el cocinero Mario Caino cuando disfrutamos de ese western, en la que la pasta venía aderezada de una salsa de en la que estaba el gorgonzola y el chorizo como ocurría en Un tren para Durango . 

En esa entrada hacia referencia a la trayectoria de este  prolífico director, hombre valiente donde los haya que se atrevía con todos los géneros , cuando digo todos me refiero a todos, pero que por aquí ha pasado siempre por lo mismo: el "Spanish" western o, como yo le damos un western con chorizo que involucraba a productoras españolas e italianas y elencos multinacionales, con algún actor estadounidense y algún francés, aunque la inmensa mayoría eran realmente italianos y españoles. 

En la película que me ha traído hasta aquí, Con el corazón en la garganta, el gran protagonismo lo asume un grande del cine español hoy olvidadísimo, Eduardo Fajarno, que aquí hace de malo malísimo, una de esas siete pistolas de las que refería el título italiano de la película, Sette pistole per un massacro que también es conocida con el título de Adios, hombre. 

Es curioso pero con ese título en español tenemos Col cuore in gola una película francoitaliana dirigida por Tinto Brass en el año 1966 con por Jean-Louis Trintignant y Ewa Aulin, pero que no tiene nada que ver con el western que he visto.  

La película estuvo producida por Copercines Cooperativa Cinematográfica y la United Pictures contando como Jefe de Producción con Ignacio Gutierrez siguiendo un guion de Eduardo Manzanos Brochero y el mismo director,  Mario Caiano. Éste contó con Gregorio Manzanos como ayudante y Julián García de la Vega como ayudante de producción.

La película, un western menor no tiene nada de Morricone sino que la música es de Francesco De Masi. La fotografía Sergio Martino y Julio Ortas siendo la película montada por Gian Maria Messeri . En el apartado de escenografia o arte, como quieras llamarlo, estuvo Jaime Cubero y Josè Luis Galicia.

En el vestuario la responsabilidad fue de María Gelmetti , aunque la sastrería fue de Peris Hermanos y el maquillaje fue de Dante Trani. La sonorización correspondió a Arcofon siendo revelada en los Laboratorios de Fotofilm Madrid SA y en Eastmancolor. La edición fue cosa de Gianmaria Messeri.

El reparto lo encabeza Craig Hill como Will Flaherty , Giulia Rubini como Peggy y  Eduardo Fajardo como Tilly . Junto a ellos aparecen Piero Lulli como Luke Bradham, Roberto Camardiel como Doc,  Eleonora Vargas como Judith , Nazzareno Zamperla como Tom, el hermano de Peggy. Igualmente tiene protagonismo  Nello Pazzafini como uno de los hombres de Tilly,  Jacques Herlin como Pym, el coreógrafo empresario y pianista , Massimo Carocci como  Ziggy.

Después de cumplir diez años de prisión por asesinato, Will Flaherty (Craig Hill) huye de la cárcel en la que cumple su setencia y regresa a su ciudad natal, Little Tucson,  con el fin de descubrir a los responsables de su injusta detención y condena. Se ha escapado y quiere saber quiénes lo resposabilizaron de un robo y de dos asesinatos no cometidos. Mientras,  intenta aclarar lo sucedido con un antigua novia Peggy (Giulia Rubini) , una mujer que regenta un saloon, en el que canta y que , en principio, no quiere saber nada de él. Ni ella ni el barman que no quiere servirle un whisky , y le exige que abone la consumisión antes. Finalmente Will se enfrenta al barman y la situación se templa cuando Peggy cumple con lo que desean los parroquianos. 

Casualmente su llegada coincide con la llegada de  una partida de bandidos encabezada por Tilly (Eduardo Fajardo) que asalta el banco donde dinamita la puerta de la casa fuerte esperando encontrar allí el oro que iba a llevar al banco una diligencia. Los habitantes del pueblo no escuchan nada pues el ruido ha quedado amortizado por unas mantas. 

Mientras roban , y ven que no hay nada cambian de estrategia y deciden asaltar la diligencia que lo lleva en la cercanías del pueblo. Para realizar sus planes han de secuestrar a todos los ciudadanos de Little Tuesnon a los que mete en la Iglesia. 

La banda de Tiny y Doc (Roberto Camardiel ) se instala en el salón del pueblo que es regentado por Peggy, una hermosa mujer. 

Mientras tanto a la ciudad llega una diligencia, pero no lleva oro sino una compañía de bailarinas encabezadas por Judith (Eleonora Vargas) y por el gerente y coreógrafo de la compañía Pym (Jacques Herlin ) . Sigilósamente Peggy acuerda con Judith un plan para despistar a los hombres de Doc y Tilly.  

El mismo Will es retenido como rehén y atado en el establo, aunque conseguirá escapar de ellos gracias a la ayuda inestimable de Peggy y de su hermano Tom (Nazzareno Zamperla)  uno de los heridos durante el asalto al saloon. 

Una vez libre, Will consigue saber  por Luke Bradham (Piero Lulli) el hombre de Tilly que atistiguó contra él que su jefe fue el responsable del robo y de los asesinatos y que además, lo hicieron al margen de la banda , traicionando a Doc y a sus partidarios. Se entera igualmente que la intención de Tilly es asesinar a Will. Con Luke como rehén que declara ante las autoridades de un pueblo cercano Will no dudará en volver al pueblo y enfrentarse a los bandidos para dejar el pueblo limpio de indeseables. 

La película fue rodada entre  Madrid, - en concreto en Hoyos del Espino y Colmenar Viejo- sede de Copercines  y  Roma sede de United Pictures donde se rodó en los Elios Studios y Cinecittá Studios a lo largo del año 1967. En Hoyo de Manzanares se construyó un pueblo del Oeste por el productor Eduardo Manzanos Brochero, aquí también guionista, llamado 'Ciudad Dorada'  

Antonio Albert en el País en 1995 describió la película como "Pobretón espaguetti con toque espeso". 

En ABC Play "Western cuyo argumento principal es la venganza. Su protagonista, Craig Hill, aunque es norteamericano ha desarrollado casi toda su carrera a este lado del charco, trabajando sobre todo en películas italianas y españolas. Cabe destacar también su participación en series de televisión catalanas. ". 

Western de usar y tirar con un siempre convincente y extraordinario Eduardo Fajardo, un actor longitudinal, con una voz admirable, que trabajó en más de 180 películas y pasó de ser un galán a un malvado sin escrúpulos y que falleció en México en 2019, con su estrella en el Paseo de las estrellas en Almería.   Junto a él Craig Hill un clásicos de los Spaghetti como "Hands of a Gunfighter" , "Ocaso de un Pistolero", siguió actuando en "Seven Pistols for a Massacre", "Rick and John¨, ¨Conquerors of the West¨, ¨Bounty hunter¨, "I Want Him Dead", "Tres cruces de la muerte", ¨Bury Them Deep¨ y "I want him dead". Lo dicho, de usar y tirar, simplemente alimenta un rato, el tiempo que tardas en verla. 

Mi nombre es Harvey Milk

 

Santos y soldados

 

Libertad o Muerte

 

El primer texano 

Comando en el mar de China

 

Sicarivs, la noche y el silencio

Caravana hacia el sur

 

¡Qué noche la que aquel día!

¡¡¡Qué grandes son The Beatles!!!  Ya lo dije cuando presenté la última película que vi de Danny Boyle que llevaba por título Yesterday. Y es que lo que hizo el cuarteto de Liverpool y los que nos aportó a nuestra memoria musical y casi personal es único. Lo cierto es que John - al conocimos con bastante detalle en el documental Imagine-.  Ringo, Paul y George convierten esta película- A Hard Day's Night-, la primera de las cinco películas que tuvieron como protagonistas a The Beatles, en una delicia. ¡Qué buena tarde he pasado viendo la noche de aquel día!

La película fue hecha con el grupo que se encaminaba al cénit de su carrera , siguiendo un estilo de falso documental, que describe un día - pueden ser dos- en la vida del grupo cuando estaba en la cresta de la ola. Por eso es magnífico escuchar esas canciones compuestas mayoritariamente por John Lennon y Paul McCartney como son «A Hard Day's Night», «I Should Have Known Better», «I Wanna Be Your Man» , «Don't Bother Me» , «All My Loving» , «If I Fell», «Can't Buy Me Love», «And I Love Her», «I'm Happy Just to Dance with You», «Tell Me Why» y «She Loves You». 

Como todo lo que rodea a The Beatles está entre dudas y tinieblas, pues los cuatro, más bien tres, ya que George Harrison parece estar siempre al margen de las polemicas, responsabilizan a Ringo Starr como el promotor del título de una película que en principio tenía como título provisional "The Beatles", pasando luego a "Beatlemanía", hasta que Sir Ringo Starr, que estaba exhausto después de un largo día, acuñó la frase con ese contradictorio título de la película. 

Casi todos se lo atribuyen a Ringo Starr, ya sea como mérito o como demérito. Se originó, al parecer, a partir de una afirmación del "modquero" - ni mod ni Rockero, como afirma en la película- Ringo Starr, quien lo describió de esta manera de vivir en una entrevista con el disc jockey Dave Hull en 1964: «Fuimos a hacer un trabajo, habíamos trabajado todo el día y resultó que terminamos trabajando también toda la noche. Por algún motivo pensé que era de día, supongo, y dije: 'Ha sido un duro día... (It's been a hard day...)' y miré a mi alrededor y vi que estaba oscuro y dije: '... ¡de noche!' (...'s night!). Así llegamos a A Hard Day's Night.»

Por su parte, John Lennon dijo durante una entrevista de 1980 a la revista Playboy: «Iba a casa en el coche y Dick Lester sugirió el título, 'Hard Day's Night' de algo que Ringo había dicho. Yo lo había usado en In His Own Write, pero fue un comentario improvisado de Ringo. Tú sabes, uno de esos malapropismos. Un Ringo-ismo, que no dijo para ser gracioso [...] simplemente le salió así. Así que Dick Lester dijo: 'Vamos a utilizar ese título.'» 

Sin embargo, en una entrevista para The Beatles Anthology en 1994, McCartney afirmó algo diferente a lo que había dicho Lennon. Recordó que el título fue idea de The Beatles, y no de Lester: «El título fue de Ringo. Casi habíamos terminado de hacer la película, y surgió una situación poco divertida, que fue poner nombre a la película. Así que estábamos sentados en los estudios Twickenham haciendo un poco de lluvia de ideas [...] y dijimos, ‘Bueno, está lo que Ringo dijo el otro día. Ringo hacía esos pequeños malapropismos, él decía cosas con pequeños errores, a la gente le gustaba, siempre eran maravillosas, muy líricas [...] tenían como una especie de magia a pesar de que solo las decía por equivocación. Y él dijo después de un concierto, '¡Uf, ha sido la noche de un duro día.' ('Phew, it's been a hard day's night')». 

Otra versión de los hechos apareció en 1996 cuando el productor Walter Shenson dijo que Lennon le había descrito algunas de las meteduras de pata más divertidas de Starr, como «la noche de un duro día» ('A Hard Day's Night'), con lo cual Shenson inmediatamente decidió que esa iba a ser el título de la película. 

La película sigue el guion escrito por Alun Owen, quien fue el elegido. Parece ser que The Beatles estaban familiarizados con una de sus obras No Trams to Lime Street y por su buen manejo de la jerga de Liverpool. 

McCartney comentó, «Alun pasaba tiempo con nosotros y hacía esfuerzos por componer nuestros diálogos a partir de palabras y expresiones que nos había oído usar, así que pensé que tenía un guion muy bueno.» 

Lo cierto es que Owen pasó varios días con el grupo. Fue él quien les dijo que sus vidas eran básicamente «un tren y una habitación y un coche y una habitación y una habitación y una habitación» y algo parecido es lo que escuchamos en el personaje que hace del abuelo de Paul, quien lo llama cariñosamente Pauly, y que es otro de los grandes protagonistas de la película. 

El escritor Alun Owen armó la trama de la película mientras seguía a los Beatles en su gira por Francia antes de irse a Estados Unidos. Al observarlos, creó sus "estereotipos": John Lennon es un sabelotodo, Sir Paul McCartney es el "encantador" y sensato, George Harrison es callado y tímido, y Sir Ringo Starr es alocado y triste. 

Owen escribió el guion desde la óptica de unos The Beatles que se estaban convirtiendo en prisioneros de su propia fama, de forma que su calendario lleno de actuaciones y el trabajo de estudio se había convertido en un castigo. 

El mismo guionista afirmó que el único Beatle que improvisó fue John Lennon. Sin embargo, los cuatro miembros de The Beatles despertaron la imaginación de los demás e improvisaron muchos elementos de la película. 

La base del guion fue una idea: «Acosados por su mánager y el abuelo de Paul, The Beatles se marchan de Liverpool por tren para un programa de TV en Londres.» 

Así que la historia comienza con una alocada carrera en la que escapan de un grupo de fans. De hecho l carrera lleva al suelo a Ringo y a George Harrison así como alguna de sus enfervorecidas perseguidoras.

Cuando llegan a un vagón en un tren intentan relajarse , pero el abuelo de Paul lo embrolla todo, de tal manera que terminan por encerrarlo en un vagón del tren para conseguir algo de paz y tranquilidad. A su llegada a Londres, The Beatles son conducidos a un hotel donde se sienten encerrados. 

Después de una noche en la que el abuelo de Paul vuelve a meterse en líos que lo llevan a un casino, el grupo se dirige un espacio en el que van a dar una actuación que va a ser filmada. Los preparativos son largos así que incialmente todos escapan a un campo de deportes cercano, pero que como es de propiedad privada los vuelven a los camerinos. 

En un momento dado Ringo decide pasar un tiempo solo leyendo un libro. El abuelo de Paul, que cada vez se muestra como un hombre muy fullero en todo momento- por ejemplo cuando falsifica los autógrafos de los Beatles, con el fin de ganarse un dinero extra- , sin embargo, lo convence de que debería estar fuera disfrutando la vida en vez de leer libros, así que Ringo se marcha. 

Trata de tomar una copa en un pub, después decide ir a caminar por un canal y comienza a pasear en una bicicleta a lo largo de un andén de la estación de tren. 

Mientras tanto, el resto de la banda está buscando a Ringo frenéticamente (y sin éxito). Finalmente, encuentran a Ringo en una comisaría de policía y donde ha sido detenido por la policía al igual que al abuelo de Paul. Y es que el abuelo de Paul ha metido la pata en múltiples ocasiones. Le ha dicho, por ejemplo, a un policía que es "un soldado de la República" y muestra sus s vínculos como irlandes tanto con la inmigración irlandesa a Liverpool como con la emigración al otro lado del Atlántico, a Boston como comenta en un momento o cuando cita "A Nation Once Again", la canción escrita en el siglo XIX por Thomas Osborne Davis (1814-1845), uno de los fundadores del movimiento independentista irlandés. Finalmente, cuando consiguen volver al escenario llegan justo para comenzar el concierto. 

Vemos a ellos en el escenario y con los fans arrebatados con ellos y con su música. La último escena nos lleva al fin del concierto con el productor informándoles que esa misma noche tienen un concierto en Wolverhampton así que toman un helicóptero para ir en aquella dirección. 

El director elegido, y que contó con el apoyo en la producción de Walter Shenson responsable de la Walter Shenson Films y con el apoyo de la Proscenium Films para contar esta historia de la incipiente beatlemania para la United Artists (UA), fue un norteamericano natural de Filadelfia, hoy casi nonagenario. Hablamos de Richard Lester.

Éste se había iniciado muy joven en la Televisión tanto estodounidense como la británica llegando al mundo del cine con un corto que llevaba por título The Running, Jumping and Standing Still Film (1960) con Spike Milligan y Peter Sellers, rodando años después un musical de bajo presupuesto, It's Trad, Dad! (1962) y tras este The Mouse on the Moon (Un ratón en la luna, 1963). 

El mismo "niño prodigio" fue el elegido para rodar esta A Hard Day's Night (1964), y lo fue porque la película Running Jumping & Standing Still fue una de las favoritas de los Beatles , en particular de John Lennon . 

Cuando los miembros de la banda fueron contratados para hacer un largometraje, eligieron a Lester de una lista de posibles directores al igual que lo hará en otro de los filmes de los Beatles al año siguiente, Help (1965).

Pero Lester fue mucho más que el director de The Beatles. Fue el director The Knack... and How To Get It (1965), Golfus de Roma (1966), la película en la que John Lennon rodó en Almeria y puso las bases de su Sargent Pepper - How I Won the War llamada en España Cómo gané la guerra (1967)-, pero también de Los tres mosqueteros (1973), Juggernaut (El enigma se llama Juggernaut, 1974), Los cuatro mosqueteros (1974), Robin y Marian (1976), Superman II (1980), Superman III (1983) y El regreso de los mosqueteros (1989) entre otras. 

La película fue rodada por United Artists usando un estilo de cinéma vérité en blanco y negro y fue producida durante un período de dieciséis semanas. Contó con un presupuesto bajo para su tiempo de 200.000 libras esterlinas (unos 500.000 dólares estadounidenses) y el rodaje fue terminado entre seis y siete semanas. El resto del tiempo fue para la posproducción. 

Lo cierto es que para United Artist la película tenía una consideración secundaria pues el interés principal de la Compañía era poder lanzar el álbum de la banda sonora en los Estados Unidos antes de que Capitol Records se dispusiera a publicar su material. En palabras de Bud Ornstein, director europeo de producción de United Artists: "Nuestra división discográfica quería que el álbum de la banda sonora se distribuyese en Estados Unidos, y lo que perdiesemos con la película lo recuperasemos con este disco". 

En definitiva fue una operación comercial, sin más interés. A diferencia de la mayoría de las producciones, casi todas las escenas fueron filmadas en orden consecutivo inmediato, según lo declaró Lennon en 1964. 

Se rodó principalmente del 2 de marzo al 24 de abril de 1964 en ciudades como Londres en Paddington Station , en Marylebone Station, en Les Ambassadeurs Club y su Garrison Room de Hamilton Place, en la escuela de Secundaria de St Johnen Clarendon Road y en Notting Hill Gate sitas en Notting Hill, en Hammersmith Odeon, en el Scala Theatre de Charlotte Street en la céntrica Fitzrovia, en Putney Towpath en The Embankment cerca del Támesis, en los londinenses Twickenham Studios, en Scala Street, en West Ealing y en South Bank en la londinense Lambeth. Se rodó igualmente en Somerset en lugares como Crowcombe y su Crowcombe Heathfield station de la West Somerset Railway y Taunton Railway Station, en Minehead, también en Middlesex en espacios como Thornbury Playing Fields en Isleworth, en el Pub Turk's Head que está en Winchester Road en Twickenham que es el espacio de Thames footpath , en Devon en el Newton Abbot.

La grabación comenzó en la londinense estación Paddington. En esa secuencia que acaba en la estación londinense con el grupo corriendo, George Harrison tropezó y cayó, y Ringo cayó sobre él a su vez. Esto no fue intencionado y George se rasgó el traje que estaba usando, pero rápidamente se recuperó, se rió y siguió corriendo. Se decidió mantener la toma en la película. 

El 2 de marzo de 1964, The Beatles se reunieron en la sede del sindicato de actores británico, Equity, esa mañana. Cuando comenzó el rodaje, los Beatles aún no se habían unido a Equity,  pero  fueron admitidos apresuradamente en el set con Wilfrid Brambell proponiendo su incorporación y con Norman Rossington secundando la moción. La primera semana de rodaje fue en un tren que viajaba entre Londres y Minehead. 

El 10 de marzo, se grabaron las escenas de Ringo en el pub Turk's Head en Twickenham, y durante la siguiente semana se grabaron varias escenas en los Twickenham Studios. 

Del 23 al 30 de marzo, el rodaje se trasladó al Teatro Scala, y el 31 de marzo, todo el concierto fue filmado allí, aunque el grupo hizo playback en los distintos temas. Después de filmar el día 1 de abril de 1964, John Lennon contactó con su su padre, Alfred Lennon, por primera vez en diecisiete años. Las relaciones entre padre e hijo así como con su madre fueron siempre traumáticas para el músico como comenta en el documental Imagine. 

En la mañana, Alfred Lennon había ido a NEMS Enterprises, donde trabajaba el manager de The Beatles, Brian Epstein, acompañado por un periodista. Después de explicarle a la recepcionista que era el padre de John, esta informó a Epstein, que inmediatamente envió a buscar un automóvil para recoger a John y al resto de The Beatles, con la excepción de Paul McCartney,y los llevó a NEMS. Sin embargo, la reunión no tuvo éxito; las primeras palabras que John a su padre fueron: "¿Qué quieres?" La reunión no duró más de veinte minutos y terminó con un John furioso ordenando a Alf que saliera del local. 

La canción principal fue escrita en su totalidad por John Lennon la noche del 13 de abril de 1964, que también fue el mismo día en que filmó la icónica escena de la bañera. Después de que Ringo Starr acuñara la frase que sería el título de la película, John y Paul McCartney se pusieron a componer para ver a quién se le ocurría primero una canción para la frase ajustada al título que llevaría la película. Tras la composición The Beatles, la tocaron a la mañana siguiente para el productor Walter Shenson en su camerino. 

Ringo Starr fue elogiado por su escena en solitario en la orilla del río como un alma desamparada. Sin embargo, su expresión en esa escena fue en realidad el resultado de tener una resaca tras beber en exceso la noche anterior.  

El segmento de «Can't Buy Me Love», que contó con un trabajo creativo de cámara y la banda corriendo y saltando alrededor de un campo, se grabó el 23 de abril de 1964 en un campo de deportes de Isleworth, Middlesex. 

La última escena que se grabó fue al día siguiente en el londinense West Ealing, donde vemos a Ringo amablemente deja caer su gabardina sobre los charcos para que pueda pasar una dama, y descubre que el último charco es en realidad un gran agujero en el camino. Tras terminar en rodaje en abril la postproducción llegó hasta inicios del mes de julio de 1964. 

Se informó en recortes de prensa contemporáneos que quince minutos más tarde fueron eliminados de la película, incluidas escenas que involucran un autobús de dos pisos de Londres que The Beatles pintaban en su techo. 

Antes de que A Hard Day’s Night fuera lanzada en América, un ejecutivo de United Artists le sugirió a Lester doblar las voces del grupo con acentos americanos. McCartney respondió enojado: «Mira, si nosotros podemos entender a un maldito vaquero hablando tejano, ellos pueden entendernos hablando liverpuliano.» 

Uno de los personajes que más sorprenden en la película lo asume Wilfrid Brambell, que hizo el personaje de John McCartney, el abuelo ficticio de Paul McCartney. Se trataba de un actor irlandés de fuerte acento que era bien conocido por el público británico como coprotagonista de la sitcom británica, Steptoe and Son. 

Los otros actores fueron Norman Rossington interpretó el papel de mánager de los Beatles y John Junkin fue «Shake», su road mánager. Norm y Shake se basan libremente en los gerentes de la gira de la vida real de The Beatles, Neil Aspinall y Mal Evans, respectivamente. 

Brian Epstein, su mánager real, tuvo una breve aparición no acreditada. Kenneth Haigh, que tiene el breve pero el importante papel de Simon Marshall, el ejecutivo de televisión neurótico que intenta que George Harrison promocione las camisetas de su patrocinador, era un distinguido actor de teatro.Actuó en la película debido a su amistad con el guionista Alun Owen, pero rechazó el crédito de la pantalla, temiendo que su reputación como actor se viera afectada por su asociación con una película de "ídolos adolescentes". 

El reparto incluye la colaboración de Richard Vernon como el 'agente de seguridad' en el tren, Lionel Blair como un bailarín destacado y Victor Spinetti como el director de televisión.  En los cameos se incluyen David Langton, John Bluthal como un ladrón de coches y un no acreditado Derek Nimmo como el mago Leslie Jackson. David Janson colaboró como el niño que conoce a Ringo en su «paseo». 

Aparecen igualmente Charlotte Rampling y Phil Collins como una bailarina y un niño en el concierto, respectivamente. El bateria de Génesis fue uno de los 350 espectadores que disfrutan del concierto. Tenía tan solo 13 años de edad.  

George Harrison conoció a su futura esposa, Pattie Boyd, en la escena donde ella hace una breve aparición (no acreditada) como una de las chicas del tren. Es la chica que se sienta junto a Paul y le sonríe cuando canta "I Should Have Known Better". 

Las primeras proposiciones de George hacia Boyd fueron rechazadas porque ella tenía novio en aquel entonces pero él insistió y se casaron 18 meses después. La chica que está junto a Boyd en la escena del vagón restaurante es Prudence Bury. 

La película se estrenó en el Pavilion Theatre en Londres el 6 de julio de 1964 —un día antes del cumpleaños de Ringo Starr— y la banda sonora homónima fue lanzada cuatro días después. 

Esta sería la primera banda sonora que The Beatles lanzarían durante su trayectoria musical. Aunque como ya hemos señalado, el historiador de cine Stephen Glynn, A Hard Day's Night, señaló que la película fue concebida como "una película de explotación de bajo presupuesto para aprovechar la última locura musical breve por todo lo que valía". 

La película obtuvo algunos Premios. Por lo pronto dos nominaciones al Oscar al Mejor guión original para Alun Owen yy a la mejor banda sonora (adaptada) para su productor George Martin. Y en los Premios BAFTA fue nominada a Mejor promesa (Lennon, McCartney, Ringo & Harrison).

Fue exitosa tanto financieramente como en la crítica. En 1999, el British Film Institute la clasificó como la 88ª película británica más importante del siglo XX . La película está incluida entre las "1001 películas que debes ver antes de morir", editada por Steven Schneider. 

La revista Time la consideró en 2005 como una de las 100 mejores películas de todos los tiempos. Y en su momento dijo de ella que era «Una de las más suaves, frescas y más divertidas películas que jamás se han hecho con fines de explotación.»

En 2004, la revista Total Film nombró a A Hard Day's Night como la 42ª mejor película británica de todos los tiempos. Es más Richard Lester recibió un premio de MTV como "Padre del video musical", con eso está dicho todo. 

No olvidemos que el rodaje de clips musicales ha sido campo de experimentación para muchos directores antes de llegar al cine, mientras que otros han vivido por momentos del rodaje de los videos musicales. 

El crítico británico Leslie Halliwell la describió como una «fantasía cómica con música; un enorme éxito comercial con el director probando cada mordaza cinematográfica en el talonario» El crítico británico señaló que " los elementos visuales y el argumento fueron la inspiración de la serie de televisión The Monkees. El estilo del segmento de «Can't Buy Me Love» fue copiado de la anterior película de Richard Lester, The Running Jumping & Standing Still Film, mediante la innovadora técnica de cortar las imágenes al ritmo de la música, que ha sido citado como un precursor de los videos musicales modernos". 

Peter Bradshaw en The Guardian señaló que se trata de "Una fantasía traviesa y evocadora (...) Captura el espíritu de la época y la banda es tan poco consciente de sí misma a la hora de actuar que acaba teniendo valor documental (...)" 

Otro británico, Robbie Collin, en Telegraph sostuvo que "Su visión del país y de la fama es tan peculiar y vívida como lo fue hace medio siglo y todo se mantiene extremadamente divertido (...)" 

Geoffrey Macnab en The Independent comentó la película "Ofrece una visión perfecta de los Beatles y un retrato interesante de la cambiante sociedad británica de los años 60" 

David Parkinson en Empire dijo de ella que "Cambió la presentación visual del pop para siempre (...)" 

En la revista estadounidense Village Voice Andrew Sarris escribió sobre ella que A Hard Day’s Night era «la Citizen Kane de los jukebox musicales.» 

Roger Ebert del Chicago Sun Times describió a la película como «Uno de los grandes hitos confirmados en la historia del cine» y otorgándole a Lester una influencia más importante, incluso de construir una «nueva gramática cinematográfica: «[Lester] influyó en muchas otras películas. Hoy, cuando miramos la televisión y vemos el corte rápido, cámaras de mano, fragmentos de diálogos intercalados rápidamente, música acompañando a un documental y todas las demás cosas modernas, estamos mirando a los chicos de A Hard Day's Night.» Y añadió "Es inteligente, irreverente, no se toma a sí misma demasiado en serio y además está grabada y editada por Richard Lester en un blanco y negro electrizante (...)" 

El mítico crítico de cine Bosley Crowther del New York Times señaló que la película era una sátira sutil sobre la imagen del rock and roll (y The Beatles, en particular) como fuente de rebelión juvenil y el desafío de la autoridad. The Beatles se presentan como unos simpáticos muchachos que están constantemente asombrados por la atención que reciben y que no quieren nada más que un poco de paz y tranquilidad, sin embargo, tienen que hacer frente a las multitudes gritando, a los periodistas que hacen preguntas sin sentido, y a figuras de autoridad que constantemente los miran con desprecio. En realidad su mayor problema es el viejo, pero limpio abuelo de McCartney, interpretado por Wilfrid Brambell" 

Y en The New Yorker otro mítico crítico neoyorquino Brendan Gill escribió: "Aunque no pretendo entender qué es lo que hace que estos cuatro chicos de aspecto extraño sean tan fascinantes para tantos millones de personas, admito que siento una cierta alegría sin sentido invadiéndome mientras se distraen al pronunciar sonidos. " .

En el Excélsior de México Lucero Solórzano afirmó que "'A Hard Day’s Night' marcó todo un parteaguas y fue muy bien recibida por el público y la crítica." 

Por mi parte decir que la película es entusiasta, tuvo que ser rompedora en su momento, especialmente en lo narrativo pues juega con las cámaras y los distintos puntos de vista para ver una canción desde posiciones distintas como en una escena panorámica de 360 grados de la cámara alrededor de Sir Paul McCartney durante su interpretación de "And I Love Her" que se logró colgando la cámara de cuerdas al estilo de una marioneta y moviéndola en un círculo alrededor de McCartney. 

La película es un retrato de un grupo magníficamente fotografiado por Gilbert Taylor y fantásticamente editado por John Jympson, y un relato alocado, fresca, vivo, juvenil, divertida, en el que es cierto que hay elementos propios del momento del estreno- el papel del desatado abuelo de Pauli, un viejo verde, o limpio o sucio, según se vea- . Es además el nacimiento del videoclip, una revolución para acercar la música a la imagen de un grupo, una herramienta de marketing eficaz. 

Es un falso documental de un momento esencial para la historia de la música pop. Un relato de un momento que se completa tanto con la citada Yesterday o con ese docuemtal sobre John Lennon, que nos aleja y nos acerca al grupo, Imagine. Una película para alegrarte la vida y para pasar una buena tarde, o una buena noche o , incluso, un buen día. ¡Qué quieres más!

Flores rotas

 

El honor del Capitán Lex

 

El gavilán pistolero

La película tiene nombre de corrido mexicano. De una de esas que, alegremente, cantaba el gran Pedro Infante. Tiene nombre de una de esas canciones que resonaban en las verbenas de verano de la "Fiesta de la Avellana" , cuando las versionaba "De pie en la vida" en las festivas noches estivales que vivíamos los quinceañeros en lo que pretendía ser el recinto ferial. 

La canción, un corrido, que guardo en mi recuerdo, en una de los mejores años verbeneros musicalmente hablando, -pues de pillar algo ni hablamos pues fue lo de siempre, o sea, nada de nada,-  me hacía gracia por el juego de palabras. 

La canción de Pedro Infante que interpretaba De pie en la vida empezaba así: 

Se llevó mi polla el gavilán pollero 

La pollita que más quiero 

Que me sirva la otra copa, cantinero 

Sin mi polla yo me muero 

Se llevó mi polla el gávilan pollero 

La pollita que más quiero 

Que me sirva la otra copa cantinero 

Sin mi polla yo me muero

Gavilán, gavilán, gavilán 

Te llevaste mi polla, gavilán 

Si tú vuelves mi polla para acá 

Yo te doy todito el gallinero 

Gavilán, gavilán, gavilán 

Te llevaste mi polla, gavilán 

Si tú vuelves mi polla para acá 

Yo te doy todito el gallinero (¡Síganle, muchachos!)

Esto viene por haber visto hoy un curioso western. Y lo de curioso no va tanto por lo de la polla , que en este caso, la chica, se da un "hartón" de llorar, sino por el sentido moralista de toda la historia. 

La película que he visto es El gavilán pistolero o The gun hawk en su versión original. Se trata de un western de serie B dirigido por el artesano Edward Ludwig , un director que comenzó en el cine mudo , cuya carrera de casi 50 años abarcó más de 100 cortometrajes, episodios de televisión y largometrajes, incluidos los éxitos de John Wayne The Fighting Seabees , Wake of the Red Witch y Big Jim McLain . 

En este caso el director trabajó para dos colosos del western B como fueron Rory Calhoun y Rod Cameron y con el apoyo de Richard Bernstein y de la productora Bern-Field productions y la distribución de Allied Artists Pictures Corporation . 

La película sigue el guion escrito por Jo Heims que parte a su vez de una historia surgida de Richard Bernstein y Max Steeber . La película tiene una muy decente banda sonora compuesta por Jimmie Haskell y cuenta con la fotografía de Paul Vogel. La película fue editada por Rudi Feld. 

El elenco lo encabeza Rory Calhoun como Blaine Madden y Rod Cameron como Sheriff Ben Corey. Junto a ellos aparecen Ruta Lee como Marleen, Rod Lauren como 'Reb' Roan y Morgan Woodward como el ayudante 'Mitch' Mitchell. 

Aparecen igualmente Robert J. Wilke como Johnny Flanders, John Litel como el borracho - padre de Madden-, Jody Daniels como Tommy, Rod Whelan como Blackjack, Rodolfo Hoyos Jr. como Miguel , Lane Bradford como Joe Sully, Natividad Vacío como Quid, Joan Connors como la mujer de Roan, Glenn Stensel como Luke Sully. Igualmente están Gregg Barton , Frank Gardner , Harry Fleer y Lee Bradley como Pancho. 

La historia comienza con la llegada al pueblo de un pistolero. Han pasado tres años desde que el pistolero Blaine Madden (Rory Calhoun) visitó su ciudad natal. Blaine es un viejo pistolero al que todos daban por muerto, pero ha decidido volver al pueblo que le vio nacer. Ahora se tratade un pueblo tranquilo, en el que todo está en orden gracias a la labor del sheriff Ben Corey (Rod Cameron ) al que conocemos mientras está en su despacho. No está sólo. En una celda está un joven 'Reb' Roan (Rob Lauren ), un chico que bebe en exceso, pero que tiene buen fondo según el sheriff. 

Éste está intentando que se incline hacia los buenos actos, incluso ha intentado que sea uno de sus ayudantes. Pero el chico está por divertirse y vivir la vida. El ayudante del sheriff anuncia la llegada de Blaine con cierto malestar. 

De hecho , tras la salida de Red de la celda, en la que no está preso, solo durmiendo la mona, Blaine se persona en el despacho para ver a su viejo amigo Ben Corey. 

El sheriff lo recibe con cierta frialdad y eso que reconocen que son viejos amigos y compañeros de andanas, para él ya terminadas. Lo que si apreciamos es que es el ayudante del sheriff , Mitch (Morgan Woodward ) el que muestra una franca hostilidad que es recíproca. 

Cuando Ben le dice a Blaine que no cause problemas , éste le dice que no se meterá en problema alguno y , de hecho, le dice que si le visita en su nueva localidad de residencia, un pueblo metido en el interior de una mina al aire libre, Santuario, será bien recibido. 

Tras eso se marcha al saloon allí pide una botella de whisky y luego se sienta con el joven Reb con el que entabla conversación. 

Poco después se fija en un incidente que se produce en la barra del bar. El altercado tiene lugar cuando los broncos hermanos Sully se niegan a invitar a una copa a un borracho. El borracho insiste una y otra vez hasta que finalmente , por intervención de Blaine, aunque de mala gana, los hermanos Sully lo invitan. Pero el borracho ( John Litel ), tras un rápido trago vuelve a demandar más bebida. Así que ahora le dicen que le van a invitar pero se lo llevan a la calle. 

Tras los tres sigue Blaine que ve como los Sully abusan del borracho y cuando este les increpa y les advierte que dejen en paz al bebedor, pues es su padre. Sin embargo, los tres sacan las armas y disparan. Del cruce de disparos mueren los dos Sully así como el borracho. 

Ante el asesinato Blaine decide marcharse. Sabe que va a ser perseguido por el Sheriff y su ayudante . El pistolero toma rumbo a Santuario. 

Cuando está en mitad de la noche el sheriff y su ayudante le dan caza. Al verse sorprendido , como Blaine está convencido de que su viejo amigo Ben no le disparara por lo espalda se monta a caballo y se marcha. Pero Ben le dispara y le hiere en el brazo derecho. 

Sin embargo, cuando todo parece que va en contra de Blaine aparece Reb que ayuda a Blaine y le saca con su cuchillo la bala. 

Ambos van a Santuario que es en el realidad un refugio de forajidos. Mientras se desplazan Reb Lauren, le habla de su habilidad y de como quiere vivir al margen de la ley y siente debilidad por "las buenas peleas y las malas mujeres". 

En estas condiciones llega al poblado de Santuario junto a la frontera mejicana, donde son bien recibidos todos los perseguidos por la justicia. Allí está el Hotel y el Club del Gavilán cuyo propietario, se entera ahora Reb, es el propio Blade, al que respetan y adoran todos los vecinos del pueblo, especialmente su chica Marleen (Ruta Lee) a la que ignora al que allí conocen como "El Gavilán". 

Al Club Gavilán no hace mucho que ha llegado un bandido conocido como el holandés, Johnny Flandres (Robert J. Wilke ) buscado por sus robos y por el que se ofrecen 1.000 dólares de recompensa, que como el mismo señala "Hoy día todo está sobrevalorado". Es un matón como muestra sin reparo cuando se enfrenta con otro como Curly (Gregg Barton ). 

Nada más llegar, el hombre de confianza en el local Miguel (Rodolfo Hoyos Jr.) le da información sobre ello y , tras arreglarse, va a salón de juego y , tras dejar las cosas claras, tras una pelea expulsa del mismo y del pueblo a Johnny. La pelea con la herida en el brazo lo resulta dolorosa. 

Lo cierto es que Blaine Madden está más gravemente herido de lo que cree y no puede evitar que la infección de la herida se produzca y que días después le provoque una septicemia generalizada. Mientras tanto Rod y Mitch intentan entrar en santuario. 

El sheriff convence a su ayudante, que cada vez odia más a Blaine, para que se quede en el exterior y él va a Santuario. Allí sorprende a Blaine al que detiene por el asesinato de dos hombres y pretende que lo juzguen. Pero todo el pueblo se opone, así que el sheriff se le permite salir, pero lo hace solo. 

Mientras observa a su alrededor descubre al joven Reb al que ha intentado convencer para que lleve una buena vida, pero nada lo convence. Herido en el brazo diestro el pistolero se sabe limitado en sus posibilidades profesionales, pero lo peor es que la infección está creciendo.

Sabedor de su próximo final tiene un encuentro con Marleen con la que arregla las cosas , pero su estado físicamente degradado le lleva a intentar morir con dignidad. Para eso busca un enfrentamiento y éste tiene lugar con el joven Reb. 

Del enfrentamiento que se hace público en la plaza de Santuario, Reb sale con una rozadura de una bala en un brazo, pero Blaine muere. Como le dice Marleen "Era muy importante poder morir con dignidad". 

El enfrentamiento ha sido divisado desde las alturas de la boca de la mina de Santuario por el sheriff y su ayudante. Cuando todo ha llegado a su fin va en busca del chico al que finalmente convence para hacerlo ayudante y que caíga al lado del bien. Mientras se desplazan acaba la película. 

Se trata de una película rodada casi por completo en Estudio, posiblemente el de Allied mientras que los exteriores se rodaron en Bronson Canyon en Griffith Park, en Los Angeles. 

En cuanto a crítica poco he visto. El que más sabe de España sobre el tema del Western, Fausto Fernández en su Twitter nos informa - y nos deja alucinados, al menos, a mi me alucina - el crítico catalán, cuando dice en diversos tweets sobre esta película que califica como un "western muy majete" dirigida por "un director muy veterano (filmó mucho en la Republic)" que "Suerte de derivación/remake mortuoria y sibilinamente homosexual de una reformulada Encubridora de Fritz Lang, en la que salen los ya talluditos Rory Calhoun y Rod Cameron en esta humilde serie B que es El gavilán pistolero, una muestra del western USA de mediados de los 60 y de pequeños estudios con un progresivamente cadavérico (y excelente) Rory Calhoun reflexiona sobre ser leyenda y morir como una en un western 60s con muchos alicientes". Concluye señalando que "La canción que da título al film mola mucho". Se trata de A Searcher For Love interpretada por Rod Lauren, o sea, Reb en la película . 

En El Mundo la presenta con lo siguiente: " Los agentes de la ley que lo persiguen intentarán hacerlo salir de su refugio, pero las cosas tomarán otro cariz. Rutinario western de serie B, protagonizado por dos habituales del género como Rory Calhoun y Rod Cameron. Fue el último trabajo para el cine de Edward Ludwig, un artesano que inició su carrera de más de cuatro décadas en los días del cine mudo y que se movió siempre en el terreno de la serie B, tocando todos los géneros. " 

Destacar que el departamento de maquillaje se excede con lo que le ponen a Rory Calhoun conforme la infección se extiende por su cuerpo transformando a un gallardo pistolero casi en un personaje de película de terror, en un zombie, en el que destacan sus ojos claros. 

Para ser un western muy de serie B no está mal, pero claro no soy muy objetivo. Me gusta el western, también la música y los recuerdos de aquellas veladas festivas en unas noches agradables del estío en los últimos años setenta, cuando uno solo tenía sueños y no pesadillas. Es lógico, que a este blog que tiene como fin únicamente recordar las películas que veo, le llamara como le llamo, Para que no me olvide.

Se llevó mi polla el gavilán pollero 

La pollita que más quiero 

Que me sirvan otra copa cantinero 

Sin mi polla yo me muero 

Gavilán, gavilán, gavilán

Te llevaste mi polla, gavilán 

Si tú vuelves mi polla para acá 

Yo te doy todito el gallinero 

Gavilán, gavilán, gavilán 

Te llevaste mi polla gavilán 

Si tú vuelves mi polla para acá 

Yo te doy todito el gallinero