El cine, una mentira para contar la verdad (I)

La Historia del Cine: una Odisea que presente como título original el de “The Story of Film: An Odyssey” es una serie basada y centrada en la historia del cine del crítico británico Mark Cousins, que ya había , que ya había plasmado anteriormente en un ensayo del mismo nombre.

La suya una serie sobre la historia del cine. Ha habido muchos intentos por explicar la Historia del cine desde la iniciada por el historiador del cine francés Georges Sadoul  con su Histoire général du Cinéma, pasando por esa serie romántica y , nostálgica y bien documentada llamada Hollywood: los años cercanos (Hollywood: The early years)  que sólo se centraba en el cine mudo,   comparable con la realizada por Jean Luc Goddard  y su "Histoire(s) du Cinéma", muy personal, muy ambiciosa y muy completa - se extiende por 15 capítulos y contienen una gran cantidad de fragmentos cinematográficos seleccionados- que abarcan desde el inicio del cine hasta el año de su filmación. La producción se extendió durante 6 años.

El norirlandés Mark Cousins es el director, guionista y productor de esta serie realizada en el año 2011 la productora Hopscotch Films junto a Films 4,  fue presentada a través del  More4, el servicio de televisión digital de la emisora ​​británica Channel 4 , aunque yo la he descubierto esta semana en la que he visto que la emitía el Paramount Channel. 

Se estrenó en el Festival de Toronto de ese 2011 y fue proyectado en enero de 2012 en el MOMA de Nueva York o en México en el IX Festival Internacional del cine de Morelia  . Durante la serie son entrevistados directores, actores, historiadores del cine ,etc... además de recuperar muchas entrevistas de documentales antiguos. Entre los entrevistados aparecen Aleksandr Sokurov, Norman Lloyd, Lars von Trier, Paul Schrader, Haskell Wexler, Woo-ping Yuen, Samira Makhmalbaf, Robert Towne, Jean-Michel Frodon, Stanley Donen, Mani Kaul, Sharmila Tagore, Youssef Chahine, Kyôko Kagawa, Donald Richie, Gaston Kaboré, Judy Balaban, Bernardo Bertolucci, Bill Forsyth, Baz Luhrmann, Terence Davies.  

La serie, narrada por el propio Mark Cousins en su versión original, pretende hacer hincapié en las películas más innovadoras, aquellas que han creado un estilo o una corriente renovadora, sin ánimo de mencionar únicamente las producciones más premiadas o más conocidas, e intentando acercarse a cinematografías no occidentales en este recorrido.  " En palabras del propio director, "es una carta de amor al cine", una crónica audaz, apasionada y esencial sobre la historia y el crecimiento de la cinematografía mundial".

Lleva a los espectadores por un viaje a través de famosos momentos del cine, el nacimiento de Hollywood y los grandes géneros de películas, la evolución del “star system”, el advenimiento de la "nouvelle vague" francesa , la revolución del cine digital, y mucho más. Pero además va mucho más allá en la historia del cine que cualquier otro documental o estudio sobre el tema, analizando, entre otras cosas, las películas Shanghai de los años 30, el melodrama hindú de los años 50s y el triunfo de los cineastas africanos de los años 70.

También toca y profundiza en diversos temas sociales del siglo XX, incluyendo las fuerzas propulsoras detrás de la industria y el papel de la mujer en el cine. Pero lo mejor de esto es que ampliar la visión a un carácter mundial y esa también es una de sus mayores virtudes. Como dice Isabel Marinero en un artículo en el diario El Mundo: "Su máxima aportación quizá haya sido reclamar el protagonismo que merecen algunas cinematografías invisibles por la omnipotencia de Hollywood y el desinterés de distribuidores, exhibidores y espectadores por rarezas de procedencias exóticas".

Está rodada en localizaciones clave en la historia del cine de todo el mundo, desde el laboratorio en New Jersey de Thomas Edison al Londres de Alfred Hitchcock, pasando por la húmeda Leeds, o a la Roma de post-guerra y desde allí a la próspera industria de la moderna Mumbai.

Ha obtenido críticas sobresalientes , pues su motor ha sido valorar el cine como dice en su primer capítulo “La Historia del Cine es la historia de la grandeza. Es la historia de las sorpresas”. .

"The Story of Film: An Odyssey” es didáctica, ilustrativa, con clips de films raramente vistos anteriormente, entrevistas exclusivas y un concepto estético impecable . Por error, empecé el día anterior por el tercer capítulo , que llevaba por título Los rebeldes del cine  (1918 . 1932) , pero he decidido comenzar a verlo y comentarlo desde el principio, pues su primer capítulo es El episodio I (1895-1918): Los albores del cine.

El cine, una mentira para contar la verdad. Así con imágenes del inicio de Salvad al soldado Ryan comienza la serie y nos comenta como fue rodada en las tranquilas playas de Irlanda simulando que son fueron sangrientas playas de Normandia, y llenándolas de bombas, balas y sangre. Es así comienza la serie sobre la historia del cine, una odisea, que a lo largo de 15 capítulos nos cuenta la historia del séptimo arte. Es el arte de hacernos sentir que estamos allí.

Tras esto usa unas escenas de la película Azul de Kristoff Kiezloski para ligar dos acciones paralelas y por medio de una luz blanca (la chica tomando el sol y una anciana intentando tirar una botella al contenedor de vidrio), el sonido y la realidad consiguen hacer del cine algo que realmente es transformando la escena en una máquina de empatía, pues interviene en nuestro ánimo para participar en la escena ayudando a la anciana.

Cousins parte de la idea de que el dinero no hace cine, sino lo que lo hace son las ideas. Para ello pone el ejemplo de Larga es la noche – Odd Man Out- de Carol Reed (1947) y como el protagonista ve un acontecimiento previo o sus problemas en unas burbujas de una bebida que se le ha caído sobre la mesa; esto mismo lo veremos con matices diferentes en obras posteriores como en alguna de Jean Luc Goddard o en Taxi Driver de Scorsese. Esto es lo que impulsa al cine , las ideas visuales.

El primer capítulo se centra entre los años 1895- 1918, es el momento en que el cine descubre un nuevo arte.

Comienza en Nueva Jersey y en Lyon. En Nueva Jersey la serie visita la fábrica, el despacho o la mesa de trabajo de un constructor o generador de ideas como era Thomas A. Edison.

Antes de Edison había circos, ferias o magos que iban por los pequeños pueblos o ciudades como Leeds para ver imágenes en movimiento.

Por su parte, George Eastman descubre la película en rollo de 35 mm de ancho . La suma de los inventos de Edison y su colega William .K. Dickson junto al rollo se creaba una ilusión de imágenes en movimiento, aunque visto individualmente en una pequeña cajita. Todavía faltaba el elemento público para hablar del mismo.

Será en Lyon donde el cine se convierte en algo público gracias a la inventiva de los Hermanos Lumière, Auguste y especialmente Louis que se da cuenta que el mecanismo de una máquina de coser permitía avanzar, parar y retroceder. Si a la misma se le añadía una cámara en una caja posterior ya teníamos el proyector. Para Leon Tolstoi será la máquina de repicar a un corazón humano. Con esa máquina se graba la primera película La salida de los obreros de la fábrica Lumière en 1895, un documental sobre la vida diaria.

Sin embargo, los Lumière que no querían que todo quedara en el ámbito privado, así que en diciembre de ese año los Lumières decidieron proyectar en París una película en público , en un café del Bolevard des Capucines.

A finales de 1896 era cine era conocido por la mayor parte de la población, pero no lograba aún atraer masivamente pues resultaba aburrido.

Para 1898 los que habían sido los inventores se centraron ahora en planos y cortes y los primeros usos del encuadre,. Uno de los asistentes en des Capucines, que estaba grabando en una calle de la ciudad tuvo un accidental descubrimiento del corte. Hablamos de Georges Meliés que él después aprovecharía para hacer sus primeras obras fantasiosas llenas de trucos de cámara (que después impulsarían los efectos visuales que hoy seguimos presenciando.  Lo cierto es que al genial director francés se le frenó la cámara mientras rodaba; y al moverla y volverla a poner en funcionamiento descubrió que un tranvía desaparecía. Méliès descubrió así los primeros efectos especiales en los que aparecían y desaparecían personajes.

Casi de inmediato descubrimos que  Francia , desde un primer momento , se tomó el cine como un asunto de Estado y se dedicó a financiar su nueva idea de la luz.

Mientras en Brington en Inglaterra , el fotógrafo George Albert Smith se dedicó en películas como A kiss in the tunnel a rodar lo que es el primer travelling desde un tren; desde entonces la idea de colocar la cámara en un punto suspendida delante del tren jugando con la gravedad , lo que se ha convertido en un clásico que hemos vistos desde en documentales como Shoah de Claude Lanzhann hasta en 2001: una odisea del espacio  de Kubrick al final de la película.

El mismo George Albert Smith en 1900 en su película Sick Kitten ( The Little Doctor & The Sick Kitten, 1901) rodó y empleó el primer plano por primera vez, cuando la cámara intencionadamente se centra en el gato, rompiendo con lo que hasta ahora era una regla fija: mantener la cámara a cierta distancia. Desde entonces lo hemos visto en Octubre o en Hasta que llegó su hora.

En EE.UU , Enoch J. Rector en 1897 rodaba un combate de boxeo en The Corbett – Fitzimmons Fight rodó por primera vez un plano panorámico , pero no con una película standard de 35 mmm sino con un negativo de 63 mm lo que da lugar a una imagen más ancha con más acción dando lugar a lo que hoy es lo habitual, el cine panorámico aunque triunfará a partir de 1933.

Faltaba el lenguaje cinematográfico basada en ideas , pero hay que esperar al año 1903 cuando el suspense se hace historia. Para esa fecha los cineastas habían aprendido a entender lo que era un plano, pero faltaba algo importante: cortar.

En vida de un bombero americano (The life of an american fireman) de 1903 de Edwind. S. Porter – que lo perdió todo en el crack de Wall Street y muere olvidado en 1940-  vemos por primera vez la misma acción desde el exterior de la calle y desde el interior de la habitación ; la sustitución o reemplazo de espacios que en un momento pierde el espectador para ver otro distinto no impide entender el mensaje o en este caso la salvación. Es el origen del corte o plano de continuidad que será esencial en el cine de carreras y persecuciones. Esto fue el fin del cine teatral en beneficio del cine de acción.

En 1907 la innovación fílmica da un paso más cuando Charles Pathé en su The Horse that bolted inicia el montaje en paralelo o en el muestran tanto dejando a un lado el después – sería continuidad- , pues lo que vemos ocurre mientras a la vez.

En 1908 , a partir del Asesinato de Duque de Guisa de André Calmettes et Charles Le Bargy en el que los directores le conceden al actor la libertad de girarse, creando así entre otras cosas el contraplano en el que el actor da la espalda a la cámara y después volvemos a ver su cara mirando en la dirección contraria. Los directores introducen la cámara en la acción rodando desde cualquier ángulo y perspectiva. Lo que supuso una ruptura con el teatro. Ahora el actor y no el escenario se convierte en el objeto grabado.

Con Griffith cambia todo. Es el año 1909 y en Those auful hats de Griffith. Era conocida como la chica de IMP , aunque también será «La Chica Biograph», o «La Chica de las Mil Caras». Actuará en más de 270 películas de varios estudios cinematográficos..

En 1910 su productor Carl Laemmle anunció que había muerto. Sin embargo, no era cierto y aparece en un pequeño papel en The Mended Lute. Se trataba de Florence Lawrence . Ganó 80 dólares en 1912, después su carrera declinó. Falleció tras envenenarse en 1938 , con 48 años (1890-1938) siendo la primera estrella del mundo del cine creando un modelo estrellato: explosión , fama y tragedia.

En Dinamarca la actriz Asta Nielsen que participaría en The Abyss (Afgrunden) de Urban Grad de 1910 fue mucho más famosa y Hollywood aprendió de la fama de Nielsen, con menos sensualidad, pero más lujo y fastuosidad que serán asumidas por las primeras divas del cine como Gloria Swanson en la película de Allan Dwan De la cocina al escenario ( Stage Struck, 1925) , nacía así el Star System, algo que interesaba al gran público especialmente la psicología de los actores.

Entre 1907 – 1910 surgen pequeños cines para la clase obrera en EE.UU y , después en otros países, son los conocidos como Nickelodeon.

En la década de 1910 el mejor cine se hacía en Escandinavia. El cine se hace más elegante y honesto en lugares como Dinamarca y Suecia. Será Benjamin Christensen donde se encuentra la obra más innovadora especialmente en el uso del tema de la luz con películas como La X Misteriosa en 1913. Destaca en su película de debut en el cine la fantástica fotografía, el montaje paralelo o la superposición de imágenes con un sueño dibujado en pantalla.

Después construyó en inmenso estudio para rodar en 1922 una de las películas más importantes de la historia del cine danés Haxan: la brujería a través de los tiempos. Tenía múltiples fuentes de luz, efectos complejos, e director interpretaba al diablo . La obra fue estrenada en un teatro lleno y que ovacionada con un teatro en pie.

En Suecia Victor Sjötröm tenía la misma fuerza y la misma calidad . Entre a trabajar en el primer estudio sueco y su primera película Ingeborn Holm de 1913 tenía naturalidad y gracia.

Años después el director sueco filma una de las grandes obras del cine sueco mudo, La carreta fantasma (Körkarlen, 1921) con historias y sentimientos complejos representados con su azulada luz , con una historia de muerte en la que la mismo director actor como Holm , apareciendo la doble exposición de cuerpo y alma.

Tanto Benjamin Christensen como Victor Sjötröm quedaron seducidos por la meca de referencia del cine en esos años , Hollywood, un lugar que ya desde el principio modifica la realidad, pues allí no había un bosque de acebo. Su salida en barco supuso el declive del cine escandinavo hasta la década de los 50.

Hollywood se convertirá en lugar de peregrinación de los artistas y creadores que buscaban lo que no encontraban en otro lugar. Como dice Agnes de Mille en una antigua entrevista, aquello era un paraíso por su clima y por su luz.

En Nueva York y Nueva Jersey, donde se había desarrollado inicialmente el cine, el proceso cinematográfico se había patentado . La clave está en el bucle de ¿Lazan?, un rodillo que permitía el paso de las bobinas del celuloide que quedaban más holguras no rompiendo las películas. Además permitía el adelantar, parar y volver a iniciarla. El ¿bucle de Lazan? se patentó en el este , así que había que pagar el copyright por su uso.

California quedaba lejos y la ley también. En 1911 aparece en la ciudad el primer estudio , parecía una carpa.

El primer largometraje fue The Story of the Kelly Gang de Charles Talt en 1906 y se rodó en Australia en escenarios naturales , en exteriortes, al aire libre y con planos frontales.

Siete años después Cecil B de Mille rodó la primera película en Hollywood The Squaw Man de 1915. Fue De Mille junto a otros quien descubrió que existía una línea invisible en el que las miradas se cruzan en ambos planos , si uno mira a la derecha, el otro en otro plano mira a la izquierda, y entre ellos se produce una conexión emocional.

Los directores descubren que para encontrar en contacto una mirada o un ejército confrontado la cámara debía de posicionarse en una linea invisible de 180 grados dibujada entre las personas que se miran o se hablan .

Hollywood será construido por mujeres, emigrantes y judíos, gente que no era aceptada en muchas profesiones aunque era creativa y con ganas.

De entre ellas destaca el papel de Alice Guy, la primera directora en crear tramas dramáticas y con argumento como hace en Falling Leaves de 1912.

Lois Weber - y de la que aquí hemos comentado su Hypocrites- en 1913 con películas como Suspense también es una innovadora al crear un plano subjetivo ladeado , con división de la pantalla en tres planos, o con ingeniosas imágenes vistas desde un retrovisor dando así profundidad de fondo o dando a la cámara y a la imagen en sentido de amenaza para subrayar el movimiento.

Destacar igualmente a la guionista mejor pagada, Frances Marion desde 1915 a 1935. Fue ganadora de dos Oscar como guionista

Para 1920 había más de 15.000 cines en este país en la mayoría de la gente no se mueve lo largo de su vida en un radio de acción que supere los 30 kilómetros. El cine les podría mostrar no sólo la totalidad del mundo desde la cercanía de su hogar por 5 , 10 o 25 centavos, sino que además mostraba la moda femenina, …

Fue la llegada del cine sonoro cuando el precio de las películas se disparó y entró en el cine el mundo financiero y con ellos el papel protagonista de los hombres.

Si a las mujeres del cine de la década de los diez se les recuerda poco al hombre que sale en una película de 1908 dirigida por J. Searle Dawley y titulada Rescued from the Eagle´s nest se le recuerda mucho , puede que demasiado.

Que David W Griffith inventara el primer plano y la edición no es cierto, pero sí dijo algo más importante “el arte cinematográfico debía mostrar el viento en los árboles”. En sus películas iniciales como The House with the Closed Shutters de 1910 no hay ese viento .

Diez años más tarde , en 1920 con Las dos tormentas (Way down East) hay una apuesta por delicadeza de la luz y la delicadeza de la suavidad de la calidad imagen que capta de Lillian Gish sin injerencias externas del paisaje o del fondo. Eso es lo que algunos como ¿Ryland Bart?  ha llamado “Pantun” son detales azarosos que nos emocionan , lo que apela a nuestro sentimiento.

La obra de Griffith tiene pantun, como el viento en los árboles. El director de fotografía de Griffith , G.W. Bitzer, no le gustaba el borde recto del plano en la fotografía así que colocó un filtro para oscurecer ese borde de las esquinas aportando clase a esa imagen como el decía . Esto marcó el cine de los EE.UU durante una generación. Griffith y su director de fotografía en Las dos huérfanas de 1921 entendían la intensidad psicológica de una cámara, usaban una imagen suave e iluminación trasera que rodeaba a los actores y actrices de un aura y los separaba del fondo.

Cuando uno y otro entre 1914 y 1915 realizan con Birth of the nation se pone de imanifiesto la imagen, el talento, la idea de movimiento por medio de inmenso travellings y su rodaje en exteriores, en la que muestra la épica con imágenes íntimas, o escenas llenas de sutileza como cuando la madre abraza a su hijo desde la puerta sin ver el resto de su cuerpo, eso sí trufado de escenas de alto contenido racista en uno de los grandes momentos de la historia del cine. Fue rodada en Los Ángeles, alejada del Kentucky natal de Griffith. Sin dejar de valorar sus virtudes técnicas no debemos olvidar que en algunos sitios tras la emisión hubo apaleamientos de negros e incluso un entidad casi disuelta como el Ku Kux Klan se reactivó llegando a tener casi 4 millones de miembros.

Un año después del rodaje, Griffith vio una obra épica italiana, Cabiria de Giovanni Pastrone, 1914. Le impresionó por sus planos en movimiento , inspirados por esas secuencias así por el uso de emplear elefantes para marcar las escalas y por las novelas de Charles Dickens realizó una de sus mayores obras, Intolerancia, sobre las penurias del amor a lo largo de la historia. Para ello intercaló historias, como había hecho Dickens, o uso los colores para pasar de una época a otra. Ahora el corte de plano es para mostrar el mismo rasgo humano , la intolerancia, el fracaso del amor. El montaje se convierte aquí en un significado en sí mismo que impresionará a autores como Eisenstein, aparte por cómo se rodó desde grúas, desde globos para ver a los personajes desplazándose o las banderas en movimiento.

En  otro lugar del mundo, en el Japón del año 1921 Minoru Murata en su película Almas en el camino ( Souls on the road) nos narraba dos historias que confluyen en una . En su historia hay esperanza en el que se considera el primer montaje en paralelo de Asia, siendo, a su vez, el primer clásico del cine japonés.

Con estas obras los nickelodeones se transformaron en grandes y lujosos espacios . Desde ese jardín llamado Hollywood se creaba un mundo de fantasía, con montajes de imágenes de historias fragmentadas de la vida moderna , con estrellas mundialmente famosas, que vivían en lugares de ensueño. El cine parecía haber alcanzado su cénit , pero no había hecho nada más que comenzar.