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martes, 28 de abril de 2026

En busca del futuro



El primer episodio de la serie documental En busca del futuro (2022), dirigido por David A. Weiner, sumerge al espectador en el inicio de la era dorada del cine de ciencia ficción de los años 80. A través de nostálgicas entrevistas, revisita películas emblemáticas como El Imperio Contraataca, Superman II, Flash Gordon o Heavy Metal, analizando el impacto cultural y técnico de estas producciones.

La historia de la ciencia ficción viene de muy atrás evolucionando desde la fantasía pionera hasta la alta tecnología y la distopía sociopolítica. . Lo cierto es que la ciencia ficción siempre ha estado presente en el cine. Desde El viaje a la luna de Méliès (1902), pasando por Metrópolis de Lang (1927) o la rusa Aelita (1936), el Flash Gordon de 1940, Llegaron desde el más allá (1951), la 2001, una odisea del espacio (1968), Stars Wars de 1977, dando de inmediato el conjunto de películas de ciencia ficción que triunfaron en los 80 y que han sido una fuente de atracción para ese cine que hablaba de la humanidad y su futuro en la Tierra u otros espacios o momentos. 

Pero la auténtica eclosión de este género se dio con el cine de ciencia ficción en los años 80 con películas como Saturno 3(1980) de Stanley Donen con Farrath Faccet Majors, Kirk Douglas y Harvey Keitel. La película fue un fracaso absoluto.

Stars Wars (1977) de George Lucas y , especialmente su primera secuela, El Imperio Contraataca (1980) de Irving Keshner marcará un antes y después en el género que culminaría con la tercera de la trilogía, El retorno del Jedi (1983)

Galaxina (1980) con Dorothy Statten que murió asesinada- Lo cierto es que Dorothy Stratten, fue uno de los casos más escabrosos relacionados con Playboy. Había sido nombrada "Playmate" del año 1980 y su marido en un ataque de celos y ante lo que parecía un abandono por el director Peter Bogdanovich, la asesinó con una escopeta y luego se suicidó. En esta película, que es una parodia de Star Trek y de Star Wars sobre todo de la cantina, se muestra como un resumen del universo y de seres que existen en la Galaxia. Por otro lado, es la primera historia de androides que empiezan a tener estimulación o estímulos sexuales. Galaxina es una rareza espacial de serie Z con robots con libido, humor tontorrón y estética de videoclub ochentero. Entre parodia y delirio, tiene momentos simpáticos, pero también mucho cutrerío cósmico, pero entrañable.



El final de la Cuenta atrás (1980) es película bélica de ciencia ficción con Kirk Douglas de protagonista. 



También de enorme interés es Flash Gordon (1980) de Mike Hodges financiado por los y con una estética irrepetible.

Los niños de la Guerra Fría van a ver reflejados sus mundos en distintas películas y sagas como la The Terminator, The Atomic Café (1982) , los Aliens , pero también a dos películas británicas sobre la devastación: Threads (1984) y El día después (1983) son un largo recorrido hasta llegar a The Matrix (1999). En 1981 se estrena La increible mujer menguante y ese mismo año se estrena Outland o Atmósfera Cera con Sean Connery. También se extendió Superman 2. Inolvidable fue igualmente en ese año, 1997, Escape from New York con Kurt Russell de John Carpenter. Dentro de la animación, la película fue Heavy Metal. 


Algunos de los entrevistados como Dennis Muren , director creativo, habla de los visionarios que fueron creando objetos, las naves espaciales, las criaturas...Todos son opciones. Sydney Mead, Ron Cobb, Ralph McQuarrie. son los visionarios de la ciencia ficción, ya han soñado muchas cosas icónicas. Los efectos especiales que no dejan de ser cosas que no existen en la vida real como dice Mark Mangini. 

Detalles destacados del Episodio I (1980-1981):  El episodio se centra en los primeros años de la década (1980-1981), marcados por la consolidación del género tras el éxito de finales de los 70. 

Este documental cuenta con la participación de actores, directores y expertos que vivieron la época, analizando cómo estas historias moldearon la tecnología y la cultura pop actual. Contexto: Se presenta como una crónica detallada y apasionada de la "década más gloriosa" de la ciencia ficción.

Este documental, financiado mediante crowdfunding, busca ser la crónica definitiva de la ciencia ficción de los 80. Un viaje nostálgico a través de las películas de ciencia ficción de los 80, explorando su impacto y relevancia hoy, contado por quienes las hicieron. El creador del documental es Robin Block siendo el comentarista experto Weary Pines , mientras que el director de fotografía es Oktay Ortabasi y durante el recorrido histórico intervienen actores, artistas y críticos como Bruce Boxleitner, Clancy Brown, Shane Black, John Carpenter, Adrienne Barbeau.

Ellos hablan tanto de las distintas producciones, tanto las que tuvieron éxito en las taquillas como las que pasaron más desapercibidas, pero que se han convertido, con el paso del tiempo, en verdaderos filmes de culto.

El documental consiguió financiarse mediante una campaña de crowdfunding que ha dirigido el propio David A. Weinerd, director también del documental de terror de los 80 "In Search of Darkness", un director y productor estadounidense que, desde hace más de tres décadas, se ha especializado en crear documentales sobre las producciones cinematográficas de las décadas de 1980 y 1990. El mismo declaró que “Soy un enfermo de la nostalgia”, explica a menudo este cineasta que en sus trabajos pretende que todos los fans del género fantástico y de ciencia ficción revivan aquellas películas que marcaron su vida. 

En 2019 debutó en la dirección con In Search of Darkness, un documental de cuatro horas que recorría las películas de terror de los años 80 y el impacto que causaron en la cultura popular. Un año después estrenó una segunda entrega que completaba y aumentaba lo que se contaba en la película anterior. Su siguiente proyecto, en 2022, fue En busca del futuro (In Search of Tomorrow), la serie que emiióe en octubre TCM, y que se centra fundamentalmente en las películas de ciencia ficción. 

Una obra de más de cinco horas de duración que constituye una crónica exhaustiva y definitiva de este este género, repasando año a año las películas estrenadas, con entrevistas a sus responsables y protagonistas y analizando sus principales características. Se habla, por ejemplo, de la personalidad de los protagonistas, personajes como la teniente Ripley, la heroína de la serie Alien que interpretó Sigourney Weaver, o el de Rick Deckard, al que dio vida Harrison Ford en Blade Runner.

A lo largo de los seis episodios de En busca del futuro los espectadores de TCM podrán conocer los efectos especiales que se crearon y se utilizaron para estos filmes y cómo se diseñó el vestuario, las armas y los paisajes que envuelven sus tramas. 

También se analiza el contexto sociopolítico en el que se estrenaron, la era del presidente Ronald Reagan en el final de la Guerra Fría, y acontecimientos que marcaron toda la década, como la enfermedad del SIDA. Asimismo se habla de la fusión de la ciencia ficción con el género de terror, el cine de acción, el fantástico o incluso la comedia, además de la importancia que tuvo la música y el marketing, por ejemplo, en las tres primeras entregas de La guerra de las galaxias. 

Pero En busca del futuro no es ni mucho menos una serie crítica o académica, pensada para cinéfilos sesudos. Todo lo contrario, sus destinatarios son los fans, sobre todo los que, como su creador, David A. Weiner, crecieron viendo aquellas películas, títulos como Tron o La Cosa, que disfrutaron con las aventuras de El imperio contraataca, El retorno del Jedi o Terminator, pero que también vieron títulos menos conocidos, como Starfighter: La aventura comienza, Las aventuras de Buckaroo Banzai, Exploradores, El chip prodigioso o El vuelo del navegante, películas que marcaron a toda una generación y que influyeron decisivamente en cineastas posteriores. Son seis episodios que constituyen la retrospectiva definitiva del cine de ciencia ficción de los años 80.

En su segunda entrega la serie se centra en los años 82 y 83 de la centuria pasada. Comienza la segunda entrega con imágenes del Imperio contraataca película del año 1980 puso un antes y un después en la historia del cine de ciencia ficción en muchos campos. Por ejemplo, Star Wars supone calidad narrativa y inclusión de los sentimientos en una serie de personajes inolvidables, así como el nacimiento de naves míticas como el halcón milenario ligado a alguna figura legendaria como Han Solo. 

Luego tiene lo opuesto con películas como Mad Max, cuya nave especial no deja de ser un vehículo adaptado a la circunstancia. 

En mil novecientos ochenta y tres en una película como Metalstorm: The destruction of Jared-Syn son de destacar sus armas integradas en Cyborg. Con mil novecientos setenta y siete llega una auténtica revolución en las armas tecnológicas es asombrosa como puede ser escena sable con láser o espada láser de Star Wars. Armas más integradas y espléndidas más que elegantes como pudiera ser la espada láser son las almas que incluye James Cameron en la película Aliens (1986), la modélica segunda entrega en la que las armas se ajustan a la personalidad de los protagonistas. Universo es el más limpio diáfano tal y como descubrimos en Star Trek II: The Wrath of Khan, que nos presenta en su conjunto una organización militar. Es una película que sirve de ejemplo para mostrarnos los trajes y los uniformes que aparecen ya codificados por rango. Esto ocurrirá igualmente o con matices en otras películas de ciencia ficción de la década como vestuario es un gran ingrediente de la ciencia ficción tal y como comprobamos en películas como Ghostbusters II (1989), Heartbeeps (1981), la Dune de Lynch (1983) o Mi novia es una extraterrestre (1988). 

La creatividad del diseñadores en esta década es  absoluta como se aprecia en Blade runner (1982), Galaxy of Terror (1981), Superman II (1981) o The Running Man (1982) con Arnold o Stark Trek II: The Search for Spock (1984). Todos van un paso más allá de lo que hizo el Spielberg en encuentros en la tercera fase (1977). 

1982 está considerado por muchos críticos y fanáticos como el mejor año en la historia del cine de ciencia ficción, marcado por una "revolución" que trajo obras maestras inigualables en un corto período; en unas ocho semanas se estrenaron películas que marcarán un antes y un después en la historia de la ciencia ficción. 

En novecientos ochenta y dos las grandes películas son El guerrero de la carretera o The Road Warrior, aquí Mad Mad (1982) , que impactó al propio director de clásicos de los 80,  Joe Dante. Revisión fría y cruda de la realidad un western llevado a Australia. En ese año se lanza Mad Max 2: El guerrero de la carretera (George Miller) y aunque se estrenó a finales de 1981 en Australia, tuvo su impacto mundial en 1982, consolidando el subgénero postapocalíptico. Junto a esta aparecen otras joas del cine de ciencia ficción. 

Entre otrtas que destacan contamos con el Blade Runner (Ridley Scott): Una obra cumbre del cyberpunk y la distopía que explora qué significa ser humano a través de los replicantes. 

También descata ET, el extraterrestre (Steven Spielberg): La película más taquillera de 1982 y un fenómeno cultural de amistad interestelar que redefinió el cine familiar. 

La cosa / El enigma de otro mundo (John Carpenter): Un clásico del terror y la ciencia ficción de culto, conocido por sus innovadores efectos especiales y atmósfera de paranoia. 

Star Trek II: La ira de Khan (Nicholas Meyer): Considerada una de las mejores películas de la saga, rescató la franquicia con un enfoque más narrativo y dramático. 

Tron (Steven Lisberger): Vanguardista por su uso temprano de efectos generados por ordenador (CGI) para sumergirse a la audiencia en un mundo digital. 

Poltergeist (Tobe Hooper / Prod. Spielberg): Aunque cruza con el terror, su mezcla de suburbios con fenómenos paranormales y tecnología la sitúa entre las más influyentes del género ese año. 

Conan el Bárbaro (John Milius): Representante de la fantasía heroica que fue clave en el verano de 1982. 

1983 fue un año clave para la ciencia ficción, marcado por el cierre de la trilogía original de Star Wars y el auge de los thrillers tecnológicos y el terror corporal. 

De entre las películas más representativas  cabe destacar Star Wars: Episodio VI - El retorno del Jedi: Fue el estreno más importante del año y el éxito de taquilla más grande de 1983. Cerró la historia original con batallas épicas y la redención de Darth Vader.  Con ella concluyó la trilogía original.

Juegos de guerra (WarGames): Un hito del cine de intriga tecnológica que popularizó conceptos como el hacking y la ciberseguridad, con la amenaza de una guerra nuclear iniciada por una IA. Es un clásico que popularizó la temática de hackers y la inteligencia artificial, donde un joven casi provoca la Tercera Guerra Mundial al entrar en el sistema de defensa de EE. UU. 

Videodrome: Dirigida por David Cronenberg, es una obra de culto de "terror corporal" y ciencia ficción que explora la dominación mediática y las alucinaciones grotescas. Videodrome es una perturbadora película de David Cronenberg que explora el horror corporal y la tecnología, donde un ejecutivo de televisión descubre una señal que provoca alucinaciones y alteraciones físicas. 

Proyecto Brainstorm (Brainstorm): Centrada en la invención de un dispositivo para grabar y experimentar sensaciones y recuerdos directos del cerebro, marcados por la última actuación de Natalie Wood. En Proyecto Brainstorm (Brainstorm) es la tecnología de grabación de experiencias sensoriales. Dirigida por Douglas Trumbull y protagonizada por Christopher Walken. La trama se centra en el desarrollo de un casco que permite grabar y experimentar los pensamientos y sensaciones físicas de otras personas.  

Elegidos para la gloria (The Right Stuff): Aunque rosa el drama histórico, narra la ciencia ficción de la carrera espacial estadounidense y los primeros pasos del ser humano en el espacio. 

Krull: Una mezcla notable de ciencia ficción y fantasía (fantasía espacial) sobre un príncipe que busca rescatar a su novia de invasores alienígenas. De entre las películas destaca Krull, una mezcla de fantasía y ciencia ficción de culto sobre un príncipe que debe rescatar a su prometida de una fortaleza invasora alienígena.

El testamento final (Testamento): Un drama post-apocalíptico más realista y sombrío sobre las secuelas de una guerra nuclear en una pequeña comunidad. 

La zona muerta (The Dead Zone): Basada en la novela de Stephen King, mezcla ciencia ficción con elementos psíquicos y suspense político. La zona muerta (The Dead Zone): Aunque a menudo clasificada como thriller sobrenatural, esta película basada en la novela de Stephen King entra en el ámbito de la ciencia ficción especulativa sobre facultades mentales. 

Además, destacó la miniserie Invasión Extraterrestre (V), que marcó la cultura pop de la época  conocida como Strange Invaders (Homenaje a las invasiones alienígenas de los 50). No habrá guerra de Troya (The Day After) (Telefilme de gran impacto sobre el holocausto nuclear).

Otro título notable de ese año fue el filme de antología En los límites de la realidad (Twilight Zone: The Movie). En los límites de la realidad: Película de antología basada en la clásica serie de televisión. 

Spacehunter: Adventures in the Forbidden Zone es una aventura espacial de bajo presupuesto que intentó aprovechar el auge del género en la época, es una aventura post-apocalíptica . 

El último guerrero (Warrior of the Lost World): Una película postapocalíptica de acción, influenciada por el éxito de Mad Max pero de bajo presupuesto. 

Aunque 1982 fue más prolífico en clásicos, 1983 estuvo marcado por la consolidación de la saga galáctica de George Lucas y la influencia de la televisión en el cine de género 

En los límites de la realidad (Twilight Zone: The Movie): Una película antológica basada en la famosa serie de televisión, dirigida por varios directores de renombre. 

Estas películas reflejaban la paranoia de la Guerra Fría y el rápido avance de la tecnología en aquella época. 

En el capítulo tercero de esta serie comienza hablando de una película del año 1983, la de Extraños invasores (1983) con Nancy Allen y con Bill Condón y Michael Laughlin en el guion de la historia. Un homenaje a la película de los años 50 y eso dueña estaban en el guion. Una película de un misteriosa misma. Una película casi sin presupuesto. 

En cuanto a los efectos especiales a principios 80 años de ficción tuvo fue realmente imaginativa. Lo que hizo Star Wars en el aspecto narrativo fue lo que abrió la puerta a las películas de género y fue lo que la gente no sabía atrevido a hacer hasta que apareció de Star Wars. Algo también parecido ocurre en Ikea es ver resort de efectos especiales debería aportar algo a la película si resulta que el director ni siquiera sabe qué hacer es siempre empieza con la idea del plano terminado y motiva ese plano termina. Stark Trek II: The Wrath of Khan (1982) tiene unos efectos especiales por la mítica ILM. Star Wars uno de los efectos se llama Go motion y aparece ya en el retorno del Jedi. Planta tecnología también se ve en el secreto de la pirámide o The Young Sherlock Holmes (1985) o The Abyss (1989) de James Cameron, o The Last Starfighter (1984) de Nick Castle, que fue la primera película usar los efectos especiales durante todo el metraje o invisible en Tron (1982). 

1984 es el año del estreno de Star Trek III: The Search for Spock, Star Trek III: The Search for Spock (Star Trek III: En busca de Spock) siendo la tercera entrega de la saga cinematográfica de Star Trek, que continuó la popularidad de la franquicia, pero también de los Terminator por su impacto en el futuro del cine de acción, The Last Starfighter por sus pioneros efectos CGI, y la adaptación de 1984 de George Orwell. 

Otras producciones clave de ese año incluyen Starman - Starman: El hombre de las estrellas- dirigida por John Carpenter, esta cinta de ciencia ficción y romance fue aclamada por la crítica y obtuvo una nominación al Oscar para Jeff Bridges., Dune y la aventura familiar Gremlins. La adaptación épica de David Lynch de la novela de Frank Herbert, que, a pesar de las críticas mixtas, se convirtió en una película de culto visualmente ambiciosa.  

También The Ghostbusters (1984) como señala Iván Reitman , que aunque mezcla comedia y terror, su temática de parapsicología y tecnología avanzada la sitúa como una de las principales películas de género fantástico/ciencia ficción de ese año, siendo un gran éxito de taquilla, o The last Starfighter (1984) con su uso temprano de efectos especiales generados por computadora (CGI) o El último guerrero estelar, una película pionera en el uso de gráficos por ordenador (CGI) para naves y efectos espaciales.  . 

También es importante en mil novecientos ochenta y cuatro lámparas de las aventuras Buckaroo Banzai Across The 8th Dimensión (1984) con Peter Weller de protagonista. El mismo dice que es una película que había de él no puede explicar de qué va. El director es W. D. Ritter. Una mezcla excéntrica de ciencia ficción, comedia y aventura, considerada una obra de culto indispensable de 1984. 

También deseando es The Terminator dirigida por James Cameron, estableció un hito en el género cibernético con Arnold Schwarzenegger. Dirigida por James Cameron y protagonizada por Arnold Schwarzenegger, esta película de acción y ciencia ficción se convirtió en un clásico instantáneo, marcando el inicio de una exitosa franquicia.. 

Runaway (1984)Repo Man, Dreamscape, y Electric Dreams se estrenaron también ese año .Night of the Comet (La noche del cometa): Una mezcla de ciencia ficción y terror de bajo presupuesto que se convirtió en una favorita de culto

1984: Adaptación directa de la novela distópica de George Orwell, estrenada en el año homónimo.1984: La adaptación cinematográfica de la novela homónima de George Orwell, dirigida por Michael Radford y protagonizada por John Hurt, estrenada, coincidentemente, en el año que da título a la obra. 

Starman (El hombre de las estrellas): Un enfoque más humano y romántico de la ciencia ficción, dirigido por John Carpenter. 

Dune: La ambiciosa adaptación de David Lynch de la famosa novela de Frank Herbert. 

2010: The Year We Make Contact (2010: Odisea dos): Secuela directa del clásico 2001: A Space Odyssey. La secuela de 2001: A Space Odyssey de Stanley Kubrick,2010: The Year We Make Contact (2010: Odisea dos) dirigida por Peter Hyams, fue una destacada superproducción espacial de ese año.

En el episodio cuatro se empieza hablando de las criaturas realizadas mediante efectos especiales. Will Wheaton y Ian Nathan de ejemplos que aparecen en películas como ET (1982), Aliens (1986), con su precedente,Alien (1979), Enemy Mine (1985) El pato Howard (1986), La cosa (1982), La mosca(1983), El retorno del Jedi (1983), Gremlins(1985), Critters (1986), la pequeña tienda de los horrores (1986), The Ghostbusters (1984)... Cuando se presentaba de manera adecuada ignoraban la tecnología y te iba directamente a centrarte en la criatura. Personajes como R2D2 o como yoga llevaban a un hombre dentro y a veces se usaban igualmente como marioneta. En ocasiones hubo auténticos artistas como Rob Bottin, responsable de parte de la animación de la cosa o Stan Winston responsable entre otros de Depredator o Alien.

En cuanto a las películas del año 1985 destacan las siguientes: regreso al futuro, como uno de los mejores guiones de Hollywood, con una actuación en estelares de Michael J. Fox, aunque en principio iba a ser Eric Scholz, y Christopher Lloyd. Regreso al futuro (Back to the Future): Dirigida por Robert Zemeckis, no solo fue la película de ciencia ficción más importante del año, sino la más taquillera de todo 1985 a nivel mundial. Se convirtió en un clásico instantáneo que mezcla comedia, aventuras y viajes en el tiempo.

Otra película de ese año es Cocoon de Ron Howard frente a historia de juventud que se publicaron en los 80 es una historia de personas mayores qué quieren y retomar su juventud. Dirigida por Ron Howard, esta mezcla de ciencia ficción y drama trata sobre un grupo de ancianos que experimentan un rejuvenecimiento gracias a extraterrestres. Es una película en clave de comediasenior al servicio de grandes nombres de la tercera edad de Hollywood como Don Ameche, Jessica Tandy, Hume Cronyn, Wilford Brimley o Mauren Stapleton. Aliens amables (aunque tengan el.rostro de Brian Dennehy) y sin faltar Steve Guttenberg. 




Está bien realizada, juega bien sus cartas de emoción, fantasía y comedia con algún fx resulton y un espíritu muy factoría Spielberg aunque no lo fuera. El resultado una película agradable.




La tercera es Mad Max en la cúpula del trueno, que siempre será recordada por la magnífica canción de Tina Turner. Frente a la segunda entrega que se centraba en la gasolina la tercera se centra en la producción de energía como metano. Mad Max 3: Más allá de la cúpula del trueno (Mad Max Beyond Thunderdome): Tercera entrega de la saga de acción postapocalíptica, protagonizada por Mel Gibson y Tina Turner.

Otra película es Explorers. Fue la primera película de Ethan Hawke , una película de triunfo gracias al cine doméstico. Otra película es Weird Science, una película con Kelly Lebrock , una historia adolescente.Dirigida por Joe Dante, una aventura juvenil sobre tres niños que construyen su propia nave espacial.

otras , aunque en el documental no se habla es Brazil: Una película de culto distópica dirigida por Terry Gilliam que presenta un mundo retro-futurista marcado por la burocracia y la sátira tecnocrática.

Junto a Brazil, otras películas estrenadas ese año son Enemigo mío (Enemy Mine), una historia de ciencia ficción centrada en la relación entre dos soldados enemigos, un humano y un extraterrestre, atrapados en un planeta hostil.

También D.A.R.Y.L.: Ciencia ficción familiar sobre un niño que resulta ser un robot creado militarmente con habilidades superiores. 

Referencias a Lifeforce (Fuerza vital) tenemos. Dirigida por Tobe Hooper, es una mezcla de ciencia ficción y terror donde una misión espacial descubre vampiros espaciales.

También a los logros encontrados en los efectos especiales de La cosa de John Carpenter (a veces listada en años cercanos, tuvo impacto en la época).

También hay referencia a la Weird Science (La mujer explosiva).

Cuanto al transbordador espacial - Space Shittle- Wil Wheaton comenta que el primer trabajador espacial si no son esos años y fue algo sorprendente y una forma más barata las aventuras espaciales además de aproximarse a lo que siempre había soñado en películas como Lifeforce o Star Trek. Un puente entre el mundo real y el mundo imaginario y fantástico. Pero cuando todo se prometía como algo fantástico el challenger explotó. El propio Reagan salió por televisión para hablar sobre esta historia de pioneros que acabo de mala manera. El programa espacial filoniano para el futuro. La dedicatoria de Star Trek 4 fue a la tripulación del challenger.

En novecientos ochenta y seis coincidiendo con el año de chernobyl, se estrenó la película cortocircuito - Short Circuit- de John Banham, película que habla de la amistad de aprenderlo todo y y llega un momento que es consciente de su propia mortalidad.

Cortocircuito (Short Circuit): Una comedia de ciencia ficción familiar muy popular sobre un robot (Número 5) que adquiere inteligencia.

También ese año se estrenó Aliens el regreso, una película de guerra en el espacio.Aliens: El regreso (Aliens): Dirigida por James Cameron, fue sin duda la película de ciencia ficción más influyente y exitosa del año, considerada una de las mejores secuelas de la historia.

Películas Flight of The Navigator. Es una historia sobre viajes en el tiempo con tecnología culturista al reto la de otros planetas y es el viaje de devil freeman para encontrar el camino de vuelta a casa con su verdadera familia. Cuando vuelves siguen teniendo doce años cuando sus familiares han unido ocho años. Un drama humano. El vuelo del navegante (Flight of the Navigator): Un clásico de culto de Disney sobre un niño que viaja 8 años al futuro en una nave espacial.

Ya en el episodio quinto se nos habla de Howard el pato Howard película basada en el cómic de Marvel  de Steve Gerbery que en el año 1986 realizó George Lucas con un planteamiento de comedia. Nos habla de ella Ed Gale el hombre que se introduce en su interior. Me parece una banda de chicas encabezadas por Lea Thompson. Algunos esperaban una película más ampliada pero no era para todos los públicos pues era una comedia irreverente y era solo para adultos pequeños. Era un pato descarado. Fue una película vanguardista y adulta un chiste es verdes y alejada del cine familiar. Gloria Katz no la entendió y Lucas vino a dirigirla. La tecnología no estuvo ahí para hacerla entendible y poco a poco la película se desmarró. 

Star Trek Four tuvo un enorme éxito. El guion lo tenía todo. Tercer planteó algo diferente. Tenía la comedia adecuada y el guión estuvo escrito por Leonard Nimoy y también la dirigía e intervenía como actor la película.. villano definitivo en la película era el hombre. Tengo el elemento sonoros se usó incluso la voz del director.Star Trek IV: Misión: Salvar la Tierra (Star Trek IV: The Voyage Home): Dirigida y protagonizada por Leonard Nimoy, fue un gran éxito de taquilla que introdujo un tono más ligero y ecológico a la saga.

Otras películas estrenadas ese año son La Mosca (The Fly): Dirigida por David Cronenberg, esta película de "body horror" y ciencia ficción fue aclamada por la crítica y se convirtió en un éxito comercial, con una actuación destacada de Jeff Goldblum. También lo hará Critters: Una comedia de terror y ciencia ficción que sigue a pequeños alienígenas carnívoros que aterrizan en la Tierra. Igualmente Invasores de Marte (Invaders from Mars): Un remake de Tobe Hooper de la clásica película de los años 50, con efectos especiales de Stan Winston. Otras películas relevantes de ciencia ficción o con elementos fantásticos destacadas en 1986 fueron La rebelión de las máquinas (Maximum Overdrive), From Beyond (Re-Sonator), Kin-dza-dza! (película de culto rusa), SpaceCamp y The Wraith (El aparecido).

Es una época también la que se le descubren mundos increíbles. Muy hermosa sinfonía magníficas partituras que hacen viajar y te llenan y te llevan a la acción. Un buen compositor como aparece en Explorer (1986) juega un papel importante. Realmente toda la composición musical cambia a partir de Steven Spielberg y su tiburón del año 1975 con música de John Williams. Todo el mundo siguió su ejemplo como se ve en películas ya de inicios de los 80.. esto se ve igualmente en mil novecientos setenta y siete con Star Wars también con música de Williams. O El Imperio contraataca del año 1980. 

Con The Last Starfighter (1984) también se incluye una música sinfónica buen regreso al futuro (1985) música de Alan silvestre donde se tuvo la mayor orquesta para una banda sonora. Con Robocop (1987) y con Totall Recall . Estará presente en la película Cazafantasmas. Y fue Dante declara el director de gremlins que estaban todo muy vinculado música y edición y dirección. Ejemplo más interesante de música temporal se ve la obra de Stanley kubrick 2001una Odisea en el espacio. Probó durante la película con música de Richard Strauss y entonces Oliver North le dijo esta mejor que la música que yo había compuesto. 

También hay nueva tecnología que se usan por ejemplo con el emulador y en películas como de Terminator de 1984. Generaba un sonido grande. El sonido también juega un papel importante como se puede ver en Blade runner en 1984 con música de Vangelis Papatanasios. Los diseñadores y el sonido iban a generar atmósferas emotivas que usaban sintetizadores y campanas que se introducían en la escena más estimulantes envolventes.  A veces se introduce el rock o como el caso de repo man del año 1984 o en mi Star Trek y que también introduce música rock, incluso punk. 

Muchos compositores de los años ochenta escribieron temas y melodías que podían tener hizo una de las cosas más significativas de las películas de ciencia ficción de esta décadas. 

El año 1987 fue un año destacado para el cine de ciencia ficción y acción, marcado por lanzamientos icónicos que definieron el género de la época ciberpunk y la ópera espacial paródica. 

En 1987 las películas más significativas son de predators Predator con Arnold Schwarzenegger que va en la línea de Rambo 2 o cualquier obra de Stallone. Las principales películas de ciencia ficción de 1987 incluyen:

Depredador (Predator) (John McTiernan): Película de acción y ciencia ficción protagonizada por Arnold Schwarzenegger, que se convirtió en un clásico del género. Un aspecto interesante que al pelotón a todos los integrantes de ese pelotón se le dan un protagonismo auténtico. Es una película existencial.  Uno de los mejores momentos de la testosterona. 

Otra película en la historia la loca historia de las galaxias o space balls (1987) que creó la nave espacial más grande del universo interminable. Se reían de todo y de todo de hecho hay juegos y guiños a otras muchas películas del género del que pretendían reírse, desde el planeta de los simios hasta alien el octavo pasajero. O Star Wars. Muy en la línea de Mel Brooks. Pero también se reían de Indiana Jones. . Acaba con la petición de una loca historia de las galaxias 2, que nunca se hizo. S.O.S. Hay un loco suelto en el espacio (Spaceballs) (Mel Brooks): Una famosa parodia de ópera espacial que satira principalmente a Star Wars, pero también a Star Trek y Alien. 

Innersosce (1987) de Joe Dante es otra de las películas exitosas de este año 1987. Tiene un tono de ciencia ficción pero sobre todo cómico. Cuando se hizo este viaje simplemente. El viaje alucinante es el título que se le vio en español. Viaje por el ciclo sanguíneo es una de las imágenes icónicas de esta película. El chip prodigioso (Innerspace) (Joe Dante): Comedia de ciencia ficción y aventuras que ganó popularidad en el verano de 1987. 

Ese año también se estrenó Robocop con Peter weller como actor principal. Era una bofetada a la sociedad. El rodaje es complicado y el enfrentamiento entre el director holandés y el actual principal y llevó a una atención tremenda.  RoboCop (Paul Verhoeven): Considerada una de las principales películas de ciencia ficción ciberpunk y sátira social. 

Perseguido o Tre running Man su otra de las películas representativas del año 1987. Una película en la que la tecnología a la última. Hoy estamos al nivel de esa tecnología era absolutamente vanguardista. Perseguido (The Running Man) (Paul Michael Glaser): Una distopía futurista basada libremente en la novela de Stephen King, también protagonizada por Schwarzenegger. 

Entre héroes y villanos de la ciencia ficción tremendas son visibles en películas cómo estás aliens retorno al pasado Flash Gordon o Dune. En Robocop, Runaway, Dune , Saturn 3. Eso sí todos ellos en la ciencia ficción son personajes accesibles, son necesarias. 

Películas como las chicas terrestres son fábricas, Earth Girls are easy (1988)  , número musical el director es julian temple. Cabe participa Jim Carrey, Damon  Wayans  y Jeff Goblum y como chica Geena Davis. 

Otras películas de ese año son Masters of the Universe (Gary Goddard): Película de fantasía y ciencia ficción basada en la línea de juguetes de He-Man. 

Tambien es ***batteries not included (Robots)**: Película familiar de ciencia ficción sobre pequeños robots extraterrestres. 

De ese año The Hidden (El oculto): Un thriller de ciencia ficción con elementos de acción y extraterrestres así como otras producciones notables del género lanzadas en ese año fueron Royal Space Force: The Wings of Honnêamise (anime), Superman IV: The Quest for Peace y Evil Dead II (con fuertes toques de horror/ciencia ficción).


Y el sexto y último episodio comienza con Akira una película del año 1988. Fue uno de los primeros animes japoneses que triunfó en los Estados Unidos. Murió la animación japonesa a América, antes habían llegado un buen número de series televisivas a la televisión norteamericana. El año 1988 fue destacado para la ciencia ficción, marcado tanto por clásicos de culto como por la animación japonesa de vanguardia.Akira (1988): Una obra maestra del anime y del cyberpunk dirigida por Katsuhiro Ōtomo. Ambientada en Neo-Tokyo, es considerada una de las películas más influyentes del género. 

Otra película del año 1988 es Mac and me o Mi amigo Mac. Inspirado en rojo Donald McDonald.. firmó y parecida de té verde y ya que se quedaron solo con el concepto en el típico alien de ojos grandes. Es una película para niños. Es una historia de un niño y peluda y de un muñeco extraterrestre. Fue la primera película en la que llega y aparece Jennifer Aniston. 

Alien Nation (Nación Alien) es una película de acción y ciencia ficción que narra la integración de una raza alienígena en la sociedad de Los Ángeles, mezclando el género buddy cop. Alien nation, otra de las grandes películas de el año 1988. Es una película de ciencia ficción con dos policías amigos uno de ellos extraterrestre. Aparece James Caan y Terence Stamp. 

Otra película es Cherry 2000. Rodaron en el interior de la presa Hoover. Ya vemos a las Vegas sepultadas por dunas inmensas. 

Junto a ella está la magnífica película Están vivos (They Live) de John Carpenter, una película de acción y ciencia ficción satírica que se convirtió en un clásico de culto, famosa por su crítica al consumismo y sus escenas de acción. 

El Blob (The Blob), conocida en España como El terror no tiene forma de Chuck Russell, un remake de terror y ciencia ficción que superó al original, mostrando a un organismo amorfo devorando un pueblo. 

Hubo también una segunda entrega de Cortocircuito 2 (Short Circuit 2), secuela que continúa las aventuras del robot Johnny 5 en un tono más de comedia familiar y acción. Más influyente fue Mi amigo Mac, una película dirigida por Stewart Raffill con Christine Ebersole, Jonathan Ward, Tina Caspary.  

A destacar igualmente Killer Klowns from Outer Space (Payasos asesinos), una mezcla de terror, ciencia ficción y comedia que ha ganado un gran seguimiento de culto a lo largo de los años. 

Mi novia es una extraterrestre (My Stepmother Is an Alien): Una comedia de ciencia ficción protagonizada por Kim Basinger y Dan Aykroyd. 

Otras menciones notables de ese año incluyen Miracle Mile (una distopía de tensión nuclear) y la segunda entrega de Critters, la 2. También una segunda parte de una película que había impactado en su primera entrega, Cocoon que aquí tendrá como subtítulo El retorno, una película dirigida por Daniel Petrie con parte del grupo de actores originales como Jessica Tandy, Don Ameche junto a Steve Guttenberg. Y un éxito que aquí no impactó tanto como Las chicas de la tierra son fáciles de Julien Temple con , entre otros, Geena Davis, Jeff Goldblum, Jim Carrey ...

Mientras tanto hay una visión futurista del futuro y de la ciencia que a lo largo de la década preveía lo que iba a ser nuestro futuro como hemos señalado en casi todas las películas cine hemos hecho referencia aquí. Desde total hasta aliens pasado por retorno al futuro. Por ejemplo casi está Internet.. parecen ya la tecnología de drones. Gran parte de local en estas películas de ciencia ficción al final se concretaron la realidad como la Deep Fakes o Skanet de Terminator.

Las principales películas de ciencia ficción de 1989 incluyen éxitos taquilleros y clásicos de culto que definieron la época. Destacan la segunda pieza de Retorno al Futuro Parte II, The Abyss (Abyss) y Los Cazafantasmas II, junto con otras notables como Cyborg y Las alucinantes aventuras de Bill y Ted. 

Como película del año 1989 la primera que destaca es Bill & Ted's Excellent Adventure haz una película para adolescentes que viajó en el tiempo en el que sale aquí no Ribes y el chico que habla en el documental. Tu madre de transporte es una cabina telefónica sirve para dejar en el tiempo. Reconocen que la película era algo extraña. 

Con Regreso al Futuro Parte II (Robert Zemeckis) retornó una de las secuelas más esperadas y taquilleras, que explora viajes en el tiempo. 

Cariño he encogido a los niños es otra de las películas que se estrenan ese año. Es una versión del increíble hombre menguante de Matheson. Hay carreteras en stop motion. 

The Abyss (James Cameron): Conocida por sus impresionantes efectos especiales bajo el agua y trama de contacto alienígena. En éxito también será Los Cazafantasmas II (Ivan Reitman): Secuela que combina comedia con elementos fantásticos y de ciencia ficción. Las alucinantes aventuras de Bill y Ted (Stephen Herek): Comedia de viajes en el tiempo de culto. 

Cyborg (Albert Pyun): Película de acción post-apocalíptica protagonizada por Jean-Claude Van Damme. Comunión (Philippe Mora): Basada en las supuestas experiencias de abducción de Whitley Strieber. Estas producciones marcaron un año de transición hacia la ciencia ficción de los años 90. 

Otra película fue setenta minutos para vivir o Miracle Mile. Es la guerra nuclear. La película costó 3 millones de dólares, y en español se llamó 70 minutos para huir, una película de suspense apocalíptico estadounidense de 1988 escrita y dirigida por Steve De Jarnatt y protagonizada por Anthony Edwards y Mare Winningham.[1] La película se desarrolla principalmente en tiempo real. Lleva el título del barrio Miracle Mile de Los Ángeles, donde tiene lugar la mayor parte de la acción. Roger Ebert elogió la película y afirmó que tenía una «eficacia diabólica» y una sensación de «terror real».En su reseña para el Washington Post, Rita Kempley escribió: «Parece que [De Jarnatt] no está comprometido con su historia o sus personajes, sino con la idea de que está diciendo algo profundo, lo cual no es así.»[9] Stephen Holden, en The New York Times, escribió: «Como Harry y Julie, el señor Edwards y la señora Winningham forman una pareja inusualmente refrescante.» En su reseña para el Boston Globe, Jay Carr la llamó: «[...] una película desordenada, pero tiene energía, urgencia, convicción y calor y no la olvidarás pronto.» El crítico de cine y televisión británico Charlie Brooker, en un artículo para el sitio web de la BAFTA escrito en septiembre de 2008, otorgó a 70 minutos para huir el honor de tener la «Mayor sacudida de tono» de cualquier película que haya visto




martes, 31 de marzo de 2026

Afal, una mirada libre (1956-1963)



Dirigido, guionizado y producido en 2009 por el bilbilitano Alberto Gómez Uriol nos muestra este documental la historia de lo que fue el grupo Afal (Agrupación Fotográfica Almeriense) nacida en la década de 1950 gracias al esfuerzo ppor renovar la fotografía española de parte de dos fotógrafos almerienses que en torno a la revista homónima pusieron las bases de un proyecto que será absolutamente renovador.

Fundada por José María Artero (Almería, 1928-1991) y Carlos Pérez Siquier (Almería, 1930-2021), director y redactor jefe respectivamente la publicación, editada entre 1956 y 1963, sirvió de lugar de encuentro para fotógrafos de distintos puntos de España que buscaban una renovación de la práctica fotográfica en el país. La revista de fotografía Afal,  servirá de nexo a un grupo de fotógrafos que modernizó y renovó la fotografía española durante los años 50 y 60.

El grupo Afal fue un colectivo de fotógrafos españoles  cuyo principal vínculo fue, precisamente,  la revista AFAL, editada por la Agrupación fotográfica almeriense (de ahí su nombre. Desde su revista este grupo de fotógrafos, unos profesionales y otros amateurs, optarán por la transformación que experimentó la fotografía española durante ambas décadas, inspirándose en las tendencias del documental neorrealista y del reportaje humanista que se desarrollaban fuera del país. 

Lo cierto es que el acceso a la cultura visual tras una dura postguerra era bastante limitado, y cuando se daba, era a través de algunos viajes, el cine, escasas exposiciones, libros y revistas internacionales, especialmente anuarios fotográficos que llegaron a España no sin dificultad. Por ello, los fotógrafos de la época promovieron tanto el intercambio como el contacto con el exterior. Ésto dio como resultado una fotografía trasnacional, vinculada con las problemáticas que se sucedían fuera del país. 

El documental narra a lo largo de 60 minutos, cómo el Grupo Afal, con un colectivo de jóvenes fotógrafos, impulsado y aglutinado desde la olvidada Almería de los años 50 por Carlos Pérez Siquier y José María Artero  revolucionó y cambió el rumbo de la estancada fotografía pictorialista española de la época, llevándola a ocupar un puesto relevante en el panorama fotográfico internacional. 

El documental dirigido por Alberto Gómez Uriol y producido por su productora 29LETRAS, fundada junto a David del Águila, abarca el periodo de los años 1956 – 1963.

El colectivo creado en 1959, estuvo formado por Leonardo Cantero, Gabriel Cualladó, Paco Gómez, Ramón Masats, Francisco Ontañón, Joaquín Rubio Camín, Juan Dolcet, Fernando Gordillo, Gerardo Vielba y Sigfrido de Guzmán. El documental está trufado de las  intervenciones y fotografías de Siquier, Maspons, Ontañón, Terré, Schommer, De la Hoz, Albero, Pomés, Masats, Camín, Colom, Juanes, Gómez, Miserachs y Cualladó.

El documental recoge las ideas de unos fotógrafos que ofrecían una mirada alternativa al tiempo en el que vivían, conformando un agudo y lúcido retrato de la oscura España de entonces, a través de una producción fotográfica excepcional a la que el tiempo no ha hecho mas que revalorizar. El rodaje del documental, que ha contado con el asesoramiento de Laura Terré, doctora en Bellas Artes especializada en el grupo Afal, se ha llevado a cabo en Almería, Gijón, Vigo, Terrassa, Barcelona y Madrid. 

Tras un laborioso montaje estructurado a través de textos aparecidos en la revista Afal junto a los testimonios de los fotógrafos, ya que la revista gustaba de vombinar poesía escrita y la visual, y con el apoyo visual de la obra fotográfica de éstos, aparte de imágenes de archivo de la época, y diversos documentos entre los que se cuenta la correspondencia mantenida entre los fotógrafos y la propia revista Afal.

Veremos a lo largo del documental no se habla de los 36 números de la revista que se editaron , pero sí de cñomo esta revista pequeña y libre se atrevió a alejarse del relato fotográfico de la dictadura a través de sus imágenes que iban desde los retratos, un género recurrente para estos fotógrafos, hasta imágenes que reflejan la pobreza, la prostitución, la marginalidad, la nobleza y la inocencia de los retratados, pero también la migración de la clase trabajadora campesina y rural del sur a las ciudades del norte para integrarse en el trabajo industrial, pero también el impacto en la economía de turismo y sus imágenes.

Este documental podría combinarse con algunas exposiciones realizadas sobre el colectivo como la exposición realizada hace unos años en el reina Sofía que también recogía en una de sus salas ‘Once fotógrafos españoles a París’, un proyecto organizado en 1962 por Comissariat Général du Turisme del Estado francés en Barcelona con la intención de promocionar el turismo español hacia Francia. En él participaron Leonardo Cantero junto con Gabriel Cualladó, Eugeni Forcano, Joan Cubaró, Andreu Basté, Ramón Masats, Oriol Maspons, Francisco Ontañón, Xavier Miserachs, Paco Gómez y Joan Colom.



En el grupo Afal, se juntaron un grupo variado de fotógrafos que compartían interés por la función social del fotógrafo y su implicación en la realidad de su tiempo. El ideal de todos ellos fue expresar mediante procedimientos sencillos y directos sus inquietudes estéticas, lejos de estereotipos heredados de la pintura. En Afal se unieron fotógrafos de procedencias e intereses variados. Desde fotógrafos amateurs como Gabriel Cualladó, Francisco Gómez, Joan Colom - que inmortalizó la prostitución urbana-  y Ricard Terré; algunos de ellos ligados a la cultura y las artes plásticas, como Gonzalo Juanes, Jesús de Perceval, Joaquín Rubio Camín y Josep Maria Casademont. Otros tenían una incipiente carrera profesional, como fueron Alberto Schommer, Xavier Miserachs o Ramón Masats. 

Los integrantes madrileños formaron en el año 1958 el grupo La Palangana. En sus tertulias discutían la selección de fotografías para las exposiciones de Afal y compartían sus conclusiones por carta con el grupo de Almería. 

La revista Afal, elemento unificador del grupo, se publicó entre 1956 y 1963. Tuvo cuatro etapas diferenciadas. Los tres primeros números fueron editados como boletines de agrupación. A partir de julio de 1956, el formato cambia a revista y se inicia un periodo de apogeo: las portadas muestran lo mejor de la producción de los jóvenes fotógrafos miembros y en el interior se traducen textos importantes de la literatura fotográfica de la época. 

En 1958, la revista Afal publica el ‘Anuario de la Fotografía Española’, que no obtiene las ventas esperadas, lo que provoca una crisis económica que hace que vuelva a editarse en formato boletín. Carlos Pérez Siquier durante el documental habla, es el que más habla, de lo que supuso este anuario.

Este ‘Anuario de la Fotografía Española ‘de 1958 fue el proyecto más ambicioso del grupo. Se imprimieron 2500 ejemplares, con reproducciones en huecograbado de más de 100 fotografías de 48 autores. La cuidada y exigente selección se hizo en base al estilo personal de sus autores, no al gusto de los promotores, y en ella se reflejaba la diversidad de enfoques que coexistían en España, a diferencia de la monótona reunión de fotógrafos de una sola tendencia de los anuarios europeos. 

Finalmente, a partir de enero de 1959 se dio más importancia a la sección de cinematografía y se eligieron para las portadas casi exclusivamente retratos femeninos; asimismo, se incluyó una edición bilingüe de los textos con las colaboraciones extranjeras, entre las que destaca la del fotógrafo francés Roger Doloy, que había propuesto incluso una edición conjunta de la revista con sedes en París y Almería. 

La revista fuera más allá de la imagen fotográfica. Desde los primeros números se incluyeron textos poéticos de Manuel Alcántara y de Antonio Castro Villacañas, dos poetas estrechamente relacionados con Almería, y también de poetas de la Generación del 98 y la del 27 que habían sido silenciados por la censura franquista: Miguel de Unamuno, Ramón María del Valle-Inclán, Azorín, Federico García Lorca y los hermanos Antonio y Manuel Machado. 

La redacción de los artículos relacionados con el cine, uno de los pilares de la revista, estuvo desde un principio, en manos de Guillermo Berjón, miembro del grupo de Almería, que se encargó de buscar colaboraciones de calidad en los medios cinematográficos españoles. 

Afal dejó de editarse en 1963, lastrada por el déficit económico derivado de la edición del Anuario. Sobre su muerte, Pérez Siquier apunta: ”Las revoluciones tienen que morir jóvenes, porque si no, decaen”. Además, con la profesionalización de los fotógrafos de Afal, se cumplió uno de los objetivos de la publicación, la inserción de la fotografía en la vida española. Cosa que por otro lado, dificultó que siguieran colaborando con la revista. 

El gran mérito de los promotores de Afal fue la introducción de sus fotógrafos en certámenes y la organización de muestras colectivas en el extranjero, entre las que destacan la participación en el Salon Albert I de Charleroi (Bélgica) y en la Bienal de Pescara del año 1958. 

En diciembre de 1959 llevaron a cabo una exposición colectiva en París junto con el Club Photographique Les 30 x 40 que itineró por Berlín, Moscú y Milán. Hay que tener en cuenta el contexto histórico en el que estas fotografías viajan al exterior, en el que la dictadura de Franco pretendía dar una visión en de un país que se estaba abriendo y modernizando. Por ello, no se tenía ningún interés en que hubiera fotógrafos que enseñaran la realidad del día a día, como hacían los miembros de este grupo. “Una realidad que no hacía falta buscarla, estaba en sus ciudades o en sus barrios”, apunta Laura Terrer. 

Pocos de los fotógrafos de Afal viajaron al extranjero, pero comprendían que para dar rigor a su obra debían conocer la fotografía que se estaba haciendo en Europa y América. De esta manera, establecieron como referencias comunes indiscutibles la obra de Henri Cartier-Bresson, Eugene Smith, William Klein y la Agencia Magnum, así como las revistas ilustradas americanas de reportaje (Life) y moda (Vogue), revistas que algunos de ellos compraban cuando salían y que durante el documental que algunas personas pensaban de él que era homosexual. En el documental se habla de cómo alguno de sus integrantes fue seleccionado para exponer en el MOMA de Nueva York. 

Con el cambio de década, admiraron el trabajo de sus colegas italianos de las agrupaciones La Gondola y La Bussola, como Gianni Berengo Gardin y Mario Giacomelli, respectivamente, a quienes presentaron por primera vez en España. Para muchos miembros del grupo fueron de gran influencia las teorías acerca de la fotografía subjetiva de Otto Steinert. 

A partir de sus contactos con Steinert, Afal defendió la fotografía abstracta como signo de modernidad y la revista, desde sus inicios, con la voluntad de trazar relaciones con otras artes, emprendió una labor pedagógica para acercar el arte abstracto al público. 

La mayoría de los fotógrafos, aun los de carácter más reportero como Masats que habla en el documental de su hartazgo con la foto del penalty en el seminario, ensayaron una fotografía “estática”, como llamaron a la fotografía que recreaba la naturaleza muerta o la macrofotografía. 

La exposición del reina Sofia fue posible gracias a la donación de Pérez Siquier, compuesta de publicaciones y materiales especiales, entre los que se cuentan documentos de relevancia histórica como la correspondencia Algunos de los fotógrafos que colaboraron con Afal fueron Ramón Bargués, Francesc Catalá Roca, Joan Colom, Gabriel Cualladó, Francisco Gómez, Gonzalo Juanes, Ramón Masats, Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Francisco Ontañón, Carlos Pérez Siquier, Leopoldo Pomés, Alberto Schommer, Ricard Terré, Julio Ubiña y Gerardo Vielba. Un conjunto de autores que, aunque situados en posiciones diferentes, compartían su contraposición a lo que consideraban que era entonces la “fotografía oficial”. El grupo destacó por su alejamiento del pictorialismo y su tendencia a explorar las vías expresivas del arte fotográfico, tal y como expusieron en el nº 4 de la revista: “Consideramos la fotografía como una manifestación artística que admite parentescos y afinidades con otras más o menos próximas, pero con peculiaridades que la hacen independiente, soberana de su propio campo de expresión y con posibilidades inéditas ni remotamente soñadas y mucho menos explotadas por otras artes más antiguas en el tiempo”. 

Para terminar y ajena al documental diré que la historia de Afal se fue construyendo a través de los diferentes números de la revista y de los diálogos generados en sus exposiciones, su correspondencia y la edición del Anuario de la fotografía española (1958). Una trama de relaciones e inquietudes de las que da buena cuenta el Archivo AFAL conservado en la Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Reina Sofía. Esta exposición fue comisariada por Laura Terré, historiadora y comisaria de la exposición, quien destacó que Afal fue "un milagro". Sin apoyo institucional, sin dinero y con la censura siempre al acecho lograron publicar 36 números. Fueron valientes al tratar temas incómodos y abrir las puertas a una nueva mirada en la fotografía. "Fue una oportunidad para demostrar a los jóvenes de hoy que es posible hacer cosas sin apoyo institucional", afirma Terré. Además, resalta la capacidad de resistencia del grupo: "Siete años parecen poco, pero para un joven de 17 que llega a los 24, o para alguien de 28 que alcanza los 35, es media vida de juventud dedicada a una causa". El Archivo AFAL está constituido por el Fondo Pérez Siquier y el Fondo Artero. El conjunto recoge documentación diversa que atestigua la labor realizada por los impulsores de la revista AFAL como fotografías, borradores de artículos y correspondencia. Entre los documentos consultables destacan los dos dibujos originales de logotipos de AFAL de Juan Ballesta, las diez maquetas que ilustran el proceso de elaboración de la revista, las tarjetas firmadas por Carlos Pérez Siquier y José María Artero que comunican la muerte de AFAL, y su consiguiente esquela inserta en la revista La Codorniz. Las series dedicadas a la correspondencia dan prueba de las relaciones que el grupo Afal estableció con otros autores, así como de los proyectos que derivaron de estas. Es el caso de la serie de felicitaciones navideñas que incluyen creaciones de Leonardo Cantero, Chumy Chúmez, Gabriel Cualladó, Ouka Lele, Ramón Masats, Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Francisco Ontañón, Alberto Schommer y Julio Ubiña, entre otros. Un diálogo también patente en la documentación relativa a las exposiciones organizadas, donde se incluyen las fotografías del grupo La Ventana de México, en el que participó Ruth Lechuga.

En definitiva esta revista consiguió reunir a los fotógrafos más inquietos del momento. Jóvenes que apostaron por una fotografía sin artificios, directa y realista, alejada del pictorialismo dominante en la época. Durante siete años, la publicación sirvió de plataforma para una generación de creadores que transformaría la fotografía española.Ese último año de publicación, sus fundadores enviaron una tarjeta de despedida con una imagen simbólica: una tumba infantil con la inscripción "Revista Afal 1956-1963 R.I.P.". 


 

jueves, 1 de enero de 2026

Steven Spielberg, el rey Midas de Hollywood



Se trata de un documental que llevana por título en su versión original, Steven Spielberg, The "New Hollywood" Prodigy, del año 2024, dirigido y escrito por Michael Prazan, producido por Sébastien Tézé- Ellis Films, François Le Gall & Mario. Gutv- A_ Bah , que cuenta con el relato y la versión original del mismo director, el montaje de Laure- Alice Hervé, la el amor documentalista de Valerie Combard, la música original de Stephan Haeri, el grafismo de Stephan Haeri y la fotografía de Olivier Quatrefages. 

Se trata de un documental que presenta al director creador de grandes obras maestras que intenta desvelado que eran parte de ellas pueden ser el resultado de sus obsesiones y de sus vidas y traumas personales. Entre ellas especialmente importante fue el divorcio de sus padres, el papel de culpable que le adjudicó al Padre, su vivencia errante por todos los Estados Unidos que el lobo desubico y desarraigo en relación a sus amistades y familia, el origen judío austriaco de su familia, su vínculo con el intento de hacer justicia a su pasado. 

Desde la presentación de los Fabelman en el año 2022, tras reconocer que la Berlinale el carácter autobiográfico de la película y dar una entrevista sobre lo ocurrido en realidad francés realiza un documental que presenta fragmentos de sus películas para revisar su obra y sus influencias y descubrir que hace tan especial el universo de spielberg. 

Además a través de sus tres grandes temas: la infancia, América y el Holocausto, la lista ilustra el ascenso de un joven prodigio que comenzó en la televisión antes de convertirse en uno de los cineastas más emblemáticos y las últimas cuatro décadas, pero que ha sido acusado de hacer un cine inmaduro, comercial y superficial. Pero lo cierto es que a lo largo de esta hora pasamos por delante de sus principales películas. 

Estamos ante el producto documental francés de Movistar que funciona como un resorte tras su película autobiográfica "Los Fabelman" que viene a ser el retrato de sus padres , presentado como un hombre, un brillante ingeniero, adicto al trabajo y ella, su madre una artista y educadora. 

Durante el documental Spiellberg cuenta la vida de Spielberg mezclándola con escenas de gran parte de sus películas y reconoce algunas cosas como el miedo ha presidido su vida, ocultar durante mucho tiempo su pertenencia a la comunidad hebráica, procediendo de una familia judía de origen austriaco, la cercánía que siempre tuvo con su madre, pero que en "Los Fabelman" nos muestra como traicionó a sus padre con el mejor de sus amigos, y el resentimiento que tuvo durante muchos años a su padre por abandonar a su familia. 

A lo largo del documental reconoce su miedo. "Yo le tenía miedo a todo durante toda mi vida". Desde el miedo al "Diablo sobre ruedas" al miedo al mar con "Tiburón" dirigido con sólo 26 añitos, el primer blockbuster de la historia, donde al final se muestra explícitamente. Los ovnis lejanos en "Encuentros de la tercera fase" donde tuvo la suerte de contar con el director de François Truffaut, icono de la renovación del cine a través de la Nouvelle Vague y es un primer ejemplo de lo que supone paraél su fascinación por lo desconocido.

Narra su relación con otro representante del Nuevo Hollywood, George Lucas, para hacer la saga de Indiana Jones, que viajaron a Hawaii para inspirarse, como eligió de protagonista a Harrison Ford, (sus muecas, y el que sabe traspasar su personalidad a la de su papel), y sus influencias. También se ven imágenes de los distintos rodajes como los de Indiana Jones y de cómo se convirtió en una máquina de hacer dinero. 

También narra sus sufrimientos infantiles y adolescentes en ET el extraterrestre donde representa cómo el divorcio de su madre le salvó a ella la vida de un colapso nervioso. También "Atrápame si puedes" tiene un trasfondo autobiográfico de alguien que huye de lo que su propia identidad. 

Esa falta de reconocimiento de sus colegas, siempre le afectó su imagen de cineasta superficial, por eso hizo "El color púrpura" un melodrama contra el racismo, el machismo y el clasismo, que fue rechazada por su autora Alice Walker y la comunidad negra que le acusó de apropiación cultural llena de clichés e increíblemente de "racista", algo que también ocurre en otro de sus fracasos "Amistad" pues le echan en cara que los blancos salvan a los negros y , especialmente, en Hook, una película que él considera que no saió como debía. 

Tras algunas películas cuestionadas, hizo su "Parque Jurásico" donde un empresario 'resucita' a unos dinosaurios a través de su ADN para crear un parque temático del que se escapan los dinosaurios. 

Después hizo una de sus obras maestras serias sobre el antisemitismo y el odio a los judíos, ya que sus padres hablaban a menudo del Holocausto y daban clase a supervivientes del Holocausto que hablaban del tema. El estudio de la Universal se negó a financiar "La lista de Schlinder" si no tenía un taquillazo antes. Se comprometió con las confesiones vitales de los supervivientes. Su viaje a Cracovia (Polonia) para sentir la urgencia de tener que contar ese drama. Lo rodó en el Auschwitz original porque le pareció que hubiese sido "deshonesto" haberlo rodado al modo de Hollywood. Su único marco de referencia era el blanco y negro por lo que decidió hacerlo en ese formato. Y la famosa "niña de rojo" en medio de la limpieza del güeto de Varsovia (Polonia) para matar a los que ya no podían trabajar y los que sí, pero salvaron aleatoriamente a esa niña de rojo. También habla de su orgullo e integración de ser judío, cuando siempre había vivido en barrios paganos donde él era un extraño al que acosaban. La película "La lista de Schlinder" ganó por fin el Óscar a mejor película y a mejor director que supuso el reconocimiento artístico de su trayectoria cinematográfica, también le infundió el deber ético con los testimonios de personas perseguidas por distintos genocidios. 

Después recupera sus fantasmas personales "Salvar al soldado Ryan" ya que su padre estuvo durante la Segunda Guerra Mundial, ahí se ve como desconocidos tuvieron que apoyarse y luchar contra un rival lejano que no les había atacado para enfrentarse por una causa noble y con el miedo en su interior. Ganó otro Óscar a mejor director y se acostumbró a ganarlos.

A sus 79 años, sigue siendo una de las figuras más poderosas de la industria, con su productora Amblin Entertainment involucrada en Múltiples proyectos de gran escala.Tras su íntima película autobiográfica The Fabelmans (2022), Spielberg vuelve a lo grande con El día de la revelación ( Disclosure Day ) que estrenará en junio de 2026 por Universal Pictures . Y aunque los detalles se mantuvieron en secreto bajo el título provisional The Dish , se ha confirmado que trata sobre OVNIs y el contacto con seres extraterrestres.La película está protagonizada por Emily Blunt , acompañada de Josh O'Connor , Colin Firth , Eve Hewson y Colman Domingo. Contará como hace desde años con su equipo creativo. Spielberg vuelve a colaborar con el guionista David Koepp ( Parque Jurásico , La guerra de los mundos ) y el director de fotografía Janusz Kamiński .



martes, 22 de abril de 2025

Come back, Africa



Sorpresón absoluto la de esta película escrita, producida y dirigida por el cineasta independiente estadounidense Lionel Rogosin, del que pudo ver la impresionante, On the Bowery, una producción de Estados Unidos y Sudáfrica que lleva por título Come back, Africa (1959), filmada en inglés y en zulú por el mismo Rogosin en la Sudáfrica del apartheid y a espaldas de las autoridades mientras les engañó diciendo que iba a rodar un documental sobre las minas del país y que se convirtió en una película de denuncia política. Tanto Lionel Rogosin, en Estados Unidos, por medio de la Rogosin Films, - ahora distribuida por Milestone Film & Video- como Jean Rouch, en Francia, son considerados herederos del cineasta clásico Robert Flaherty por razones similares. Ambos utilizaron actores aficionados que interpretaban sus propios papeles en busca de la verdad o para desvelar algún misterio oculto más allá de la realidad: Rogosin, sostenido por fuertes creencias ideológicas, Rouch, inspirado por el surrealismo, que creía que era un medio útil para revelar el cine de realidad (cinéma-vérité) y también una importante herramienta a utilizar por un etnógrafo para la investigación científica. Siguiendo caminos diferentes para llegar a resultados similares, ambos convergieron en la etnoficción y lograron resultados satisfactorios. 

Aquí Rogosin tiró de un guion escrito por Bloke Modisane, Lewis Nkosi y el mismno, Lionel Rogosin. Contó con la música de Chatur Lal y la fotografía de Ernest Artaria, Emil Knebel.  

Rogosin, cineasta independiente estadounidense con fuerte compromiso social, viajó a Sudáfrica y grabó en Johannesburgo y sus suburbios, usando cámaras ocultas y sin permiso oficial. Su objetivo era denunciar la brutalidad y el racismo institucionalizado del apartheid, desde la mirada de un trabajador negro urbano. 

El rodaje salió adelante gracias a la participación de activistas africanos (la más notoria fue la de la cantante Myriam Makeba), que luchaban por acabar con el régimen político de Pretoria y también de algunos blancos (que interpretaron a los policías, ingenieros o a los jefes domésticos racistas) que no sabían el sentido/contenido global de la obra en la que estaban participando. La película es un documento cinematográfico de valor incalculable sobre las condiciones de vida de la población negra en el mencionado país durante varias décadas. Se trata de una obra de ficción, pero con (no)actores como Vinah Makeba, Zachria Makeba, Molly Parkin y Miriam Makeba en los papeles principales, y lo hace a partir de un material que hunde sus raíces en lo real y por lo tanto entronca directamente con el documental siendo finalmente un falso documental con alma de docudrama interpretado por actores negros, blancos, mulatos e indios. 

Descubrimos, pues, una película nada paternalista qwue no tiene reparo en dejar en mal lugar a algunos negros , como en este caso el papel del violento ladrón y asesino totsis.

El protagonista es Zacariah o Zachariah Mgabi, un pobre agricultor natural de Zululand, que abandona su kraal asolado por el hambre para trabajar en las minas de oro de Johannesburgo, por lo que que decide ir a la ciudad para ganar más dinero como minero pasando luego a vivir en Johannesburgo y sus alrededores. 



Viendo las duras condiciones de las minas y , sobre todo, las limitaciones impuestas por las autoridades que exigen un permiso a la población negra procedente del campo sale de la misma y se pone a trabajar como doméstico en la casa de una blanca. En la mina Zachariah se entera de que no puede buscar empleo sin un pase, pero paradójicamente, no puede obtener un pase sin empleo. Pero su labor como doméstico queda arruinada en breve por tirar la sopa de setas preparada por la señora al decirle que limpiara la olla que lo contenía, al beber alcohol, algo que la señora le prohibe expresamente y al tener su cuarto sin ordenar. 

Tras su experiencia como doméstico y cocinero, uno de los hombres que ha conocido en el entorno de este último trabajo lo lleva a su suburbio, en Sophiatown. 

Allí da con un grupo de borrachines y con alguna que otra prostituta, ya que la misma es - o parece srer una forma de vida-. Luego uno de sus conocidos lo lleva a un taller mecánico, aunque es contratado como limpiador de vehículos. Pero su compañero es un "viva la vida" y lo lleva a pasaerse en uno de los coches que está en el taller. Desgraciadamente para los dos el dueño se cruza con ellos y lo denuncia como robo. Logran salir, eso sí, tras ser advertidos por el jefe, un blanco, que finalmente no puede con ellos dado que un día no van a trabajar por que el Congreso nacional Africano ha convocado una huelga. El mecánico de dice a su jefe que no quería hacerse notar por lo que no fue a trabajar sin avviso, así que despide a los dos , a Zacariah, además , por "tonto" como le dice el dueño. 

De nuevo sin trabajo, lo volvemos a encontrar en Sophietown, aunque tras contactar con una "tía" , una mujer madura, consigue un barracón. Allí llegará Vinah, la mujer con sus hijos, tras malvender dos vacas. 

Descubrimos su relación personal, pero el que parece algo más descarriado es uno de sus hijos que parece abducido por la música que hace junto a unos amigos. Ellos van a tocar en la ciudad como músicos callejeros siendo la admiración de los viandante, mayoritariamente blancos. El chico tiene problemas con algún que otro chico de la comunidad que le intenta robarle su instrumento de viento. 

No es el único problema que tiene problemas en la comunidad puesto que Zakariah, por un lado, es contratado en un hotel, pero en nada es despedido al ser denunciado por una señora blanca por acoso lo que lleva a su mujer a plantearse en ponerse a trabajar lo que lleva a una discusión con ella ; y segundo, por ser golpeado mientras estaba comprando en un colmado regentado por un hindú por Marumu, un totsi, un famoso matón de Sophiatown. La violencia de este último le llama la atención a él que en la calle se pelea, siendo separardo por uno de sus amigos, que le dice lo peligroso que es. Algo que se confirma cuando está en casa de una mujer tomando unas cervezas. Uno intenta explicar que él pudo ser igual que él, pero que rectificó en su vida no como el totsi. 

De cualquier manera, las reflexiones, algunas hasta ontológicas, se paralizan cuando a la sala llega la cantante Myriam Makeba que canta un par de canciones para alegría de todos. Al día un mulato de los que allí se encontraban que no es considerado ni blanco por los blancos, nie negro por los negros le ofrece trabajar en la construcción de una carretera tras hablar con un ingeniero blanco que lleva la obra. 

Tras dudar inicialmente, pues Zakariah tiene la documentación caducada, le dice el ingeniero que él se la actualizará. Pero una redada llevada a cabo por la policía en el guetto lleva a la detención de Zakariah que es detenido. Mientras está en el calabozo, la mujer va en su búsqueda confiando que lo dejen salir, pero para desgracia de ella el totsi se persona en la casa para con el fin de robar , pero es asesinada estrangulándola. 

Cuando a la mañana siguiente regresa Zacariah y se la encuentra muerta sobre la cama, éste que se vuelve loco ante el asesinato, acabando la película siendo testigos de su locura. 

A medida que intenta sobrevivir en un entorno hostil, el espectador es testigo de las condiciones laborales precarias para los negros; la constante amenaza policial; la falta de derechos civiles y laborales; la desestructuración familiar forzada por la política de migración interna y la opresión cotidiana sufrida por millones bajo las leyes del apartheid. Todo esto se muestra con un estilo que mezcla realidad y ficción, algo innovador para su época. 

Cada vez que hay un cambio de escena suena la música de tambores mientras la gente se desplaza.

Reconocemos que hay una mirada especial sobre la ciudad de Johnnesburgo, una ciudad moderna , que podría ser cualquiera, no así el suburbio de las violentas calles de los townships o bidonvilles. 

La música juega un papel fundamental .

Llama la atención la descripción sobre la segregación por parte de un director blanco que refleja el apartheid. 

La película parece tener influencias del neorrealismo italiano: filmación en exteriores, luz natural, personajes del pueblo, así como por el gusto por la improvisación ya que muchas escenas surgieron del diálogo directo con los actores y habitantes locales. La película tiene un tono sobrio y comprometido, sin espectacularidad, pero con una gran fuerza emocional donde un afrikaner puede ridiculizar e insultar abiertamente a un negro, siendo uno de los primeros documentos audiovisuales que denunciaron el apartheid en occidente, antes de que el tema entrara en la agenda global del mundo allá por los ochenta llegando incluso a los noventa, momento en que el apparheid fue eliminado, al menos, legalmente. Come Back, Africa tuvo un profundo efecto en el cine africano y aún en la actualidad conserva una gran importancia histórica y cultural como documento que preserva el patrimonio de los townships de Sudáfrica en la década de 1950.


Con todo la película impulsó la visibilidad internacional del conflicto sudafricano, incluyendo una escena con la primera aparición cinematográfica de Miriam Makeba, quien luego sería una leyenda de la música africana y activista contra el racismo. Fue censurada en Sudáfrica durante décadas.

Tuvo un fuerte impacto en festivales europeos, especialmente en Venecia, donde ganó el Premio de la Crítica. La película tuvo un profundo efecto en el cine africano, y aún se considera de gran importancia histórica y cultural, como un documento que preserva la herencia de las aldeas de Sudáfrica en los 50. Prohibida durante años en Sudáfrica, esta película fue realizada de espaldas al régimen en colaboración con Bloke Modisane y Lewis Nkosi, periodistas de la revista Drum. 

Se puede clasificar como un reportaje, documental, película histórica o cine político, dado que plasma eventos y personas reales. No fue un éxito comercial, pero es considerada una obra clave del cine político independiente valorada por su ética de producción, su valentía y su humanidad. 

Para el crítico Joe Williams, «la película es más eficaz como documental etnográfico, con imágenes de cine verité de los privilegios de los blancos y la pobreza de los negros». 

Stephen Witty del Newark Star-Ledger afirmó que «aunque las imágenes y los sonidos no son suficientes para constituir una gran película por sí mismos, dan lugar a un documento fascinante». 

Escribiendo para Slant Magazine, Bill Weber manifestó que se trata de «un artefacto sólido y conmovedor de la crueldad de la Sudáfrica de finales de los años 1950, en la que la música a menudo hace soportable la desesperación y la ira largamente reprimida».

domingo, 15 de diciembre de 2024

Summers, el rebelde



Manolo Summers falleció y el 12 de junio de 1993 en Sevilla. Tenía cinco y ocho años. Tuvo el debut más prometedor del cine español. Dirigió veinte películas a lo largo de veinticinco años. Diez de ellas fueron vistas por más de novecientos mil espectadores, pero sus proyectos más personales, sus mejores películas, no contaron con el apoyo del público. 

'Del rosa... al amarillo' (1963), 'La niña de luto' (1964) o 'Juguetes rotos' (1966) siguen siendo títulos imprescindibles en la historia del cine español. 

No existe ningún caso similar al de Adiós Cigüeña adiós que logró marcar a todo una generación ambos lados del Atlántico tanto en España como en muchos países tabla hispana donde décadas del fuego se lo recuerda con cariño. En el documental vemos lo que opinaban de él algunos de sus colegas. Los propios directores de cine de la época se mostraron muy divididos con respecto a su figura. Sin en el documental recibe elogios de directores del prestigio de Basilio Martín Patino, Luis García Berlanga, José Luis Garci y Fernando Trueba. «Normalmente un periodista no critica a otro periodista, ni un abogado a otro abogado, pero con Summers esa regla se rompe. Hubo directores que decían que le encantaba su cine y que era un genio, pero otros se mostraron muy en contra de sus películas, como Jaime Chávarri, que decía que se aburría, o Carlos Saura, que lo definió como un cine frívolo que no le interesaba», dice Miguel Olid. 



Especialmente duro con él fue Fernando Mendez Leite . El director de la película, Miguel Olid, doctor, historiador del cine y director de Summers el rebelde (documental, 2023), pero también de otros documentales y cortos como Sobrevivir a un hijo (documental, 2003), Trabajando con la muerte (documental, 2002), Queda demostrado (cortometraje, 1997), Delirios y mentiras (cortometraje, 1994), La última respuesta (cortometraje, 1991), señala que «Para Summers, Méndez Leite era su némesis, y se puede decir que para Méndez Leite, Summers fue también su némesis. Siempre quise contar con Méndez Leite para mi documental. Me invitaron a un programa de Televisión Española y me enteré de que iba a participar. Al final del programa hablé de mi proyecto del documental y dije que quería contar con opiniones críticas como la de Méndez Leite. Pero esto no pudo ser porque él, como director de la Academia, no puede opinar mal sobre un director español si él defiende todo el cine español» 

Basilio Martín Patino dijo de él que he conocido a pocos hombres con una humanidad más generosamente noble. Se enmascaraba de francotirador un solidario en el papel de lobo al que se le veía la patita bonachona bajo un disfraz. 

Por su parte Francisco Umbral señaló que "algún día se sabrá que solo Summers filmó con veracidad y detalle la realidad actual de la vida española. 

El historiador de cine Miguel Olid dedica a la película a quienes aportaron grandes películas la historia del cine español pero permanecen injustamente en el olvido. Y a quienes han sufrido sufren y su frenan por desgraciado el azote de la censura en cualquier lugar del mundo. 

Un largo listado de personas le es dedicada esta película. Entre ellas aparecen además de su hermano Guillermo y de su hijo, David, la película la dedica a personas como Antonio Cuevas, Chumi chumez, José Antonio P. Costafreda, Julio diamante, Teo Escamilla,  José Luis Coll, León Ichaso, Juan Miguel Lamet, Alfredo Landa, Paco Lara Polop, Tico Medina, José Luis Peláez, Luis Sánchez Polack (Tip) Tomás Summers y Eduardo Torrico cómplice imprescindible de Manolo Summers. 



También dedica la película Agustí Villaronga por ayudarme en mis inicios como cineasta y que fue testigo del desarrollo de este común documental pero no pudo verlo terminado. 

Para este documental Miguel Olid contó con la participación de Luis María Anson, Beatriz Galbó, José Luis Garci , José Luis Ordóñez, Ángel Pérez Guerra , Beatriz Rodríguez, José Antonio Sainz de Vicuña o del crítico Milito Torreiro, " que se muestra especialmente en contra del cine más comercial que Summers hizo a lo largo de su carrera." Se suman igualmente los testimonios de Tote Trenas y Fernando trueba.

El guion y la dirección de esta película del año 2024, es de Miguel olid y los productores son Eduardo Zafra, Sara Santaella, y Guillermo Garrigós, Olmo Figueredo, por medio de la claqueta 20 , Indalo y media ( producciones audiovisuales), plano subjetivo , canal Sur, arte sonora estudios s.l, RTVE, Diputación de Huelva.

Documental comienza con una curioso título de crédito donde se van desgranando todo y cada uno de los participantes en la película y en el fondo se lo ha presentado a Manolo summer desde su nacimiento en el año 1936 en Huelva, su paso por Sevilla, su relación con su madre muy beata y con su padre gobernador de provincia que finalmente renuncia a su puesto, su paso por San Sebastián donde presentó varias de sus películas, su formación en el Instituto de investigación de ciencia cinematográficas, la única formación que terminó, tras pasar por derecho y otras carreras, hasta su muerte. 

Como director de producción aparece Sonia Vega, responsable de sonido Jorge Marín,  responsable del montaje es Jesús Ponce, música de Pilar Onares, Vanessa de la Haza participa en la película como directora de arte, Elisa moreno como directora de fotografía, 

Descubrimos que es uno de los principales representantes del nuevo cine español, que presento  su obra en Cannes y Venecia,  que algunos de sus títulos han pasado en la historia del cine español como Adiós cigüeña adiós, Urtain, Juguetes rotos La niña de luto, 

La película comienza con la impartición de una clase por parte de Miguel Olid en la que comenta ante sus alumnos el papel de este director en la historia del cine español en concreto del nuevo cine español. 

A lo largo del documental veremos que tiene sus detractores entre ellos Fernando Méndez Leite así como otros que no llegó a generarles ningún tipo de interés, pero también los que estuvieron a su lado desde su hijo David, pasando por algunos de sus muchos hermanos,...



Igualmente aparece en los grandes obsesiones en su cine que desde el principio están presentes como son el papel de la Iglesia, la censura, el romper la cuarta dimensión, el intento de contar historias en la que la humanidad tuviesen mucho peso, la utilización de actores no profesionales en sus películas, el acercamiento al mundo de la infancia, el contarnos muchas cosas que tienen que ver con su propia autobiografía, su oposición abierta a los críticos de cine, etc..

El origen de este proyecto habría que remontarlo hacia el año 2017, cuando Miguel Olid y el productor de La Claqueta, Olmo Figueredo, comenzaron a pensar en dedicarle un documental al realizador sevillano. «Lo más difícil fue conseguir la financiación y los apoyos, que nos ha llevado más tiempo. Comenzamos a rodarlo en enero del año pasado y hemos tardado un año en todo el proceso, incluido el montaje». 



Aparte de la colaboración con su hijo y su hermano, Guillermo , el equipo ha consultado muchas horas de archivo de Televisión Española y de Canal Sur Televisión. «Ha sido valiosísimo. En Canal Sur había menos entrevistas, pero eran más en profundidad y pertenecían a su última etapa. Ahí vemos a un Summers más autocrítico y con otra perspectiva a la habitual. Fueron sus dos últimas más entrevistas antes de que enfermera. En Televisión Española el material es muy distinto, porque se trata de entrevistas que le hicieron en los años setenta y en los ochenta y muestra su lado más polémico, pero su lado más reflexivo lo encontramos en ese material de Canal Sur». 

El director señaló que "«Siempre tuve claro que no quería hacer una hagiografía, ni tampoco una biografía lineal, porque precisamente estoy escribiendo una biografía. El cine de Summers fue muy cuestionado por un sector importante de la crítica en los años setenta y ochenta. Yo me crie en aquella época y recuerdo que a principios de los ochenta la crítica era muy dura con él. Por eso entendía que ese sector de la crítica tenía que estar presente». ".

El director sevillano era capaz de desarrollar películas muy personales y de autor como 'Juguetes rotos', a la vez que también sacaba otras mucho más comerciales como 'Adiós, cigüeña, adiós' (1971), que causó un gran impacto en la sociedad franquista de la época. En la película se cuenta cómo miles de jóvenes hicieron una campaña de firmas para poder verla. Esta cinta contó en España con 3.500.000 de espectadores y también tuvo un gran éxito en Hispanoamérica y en países de Europa, superando la recaudación de otros filmes como 'El padrino' o 'Love Story'. 

Olid comenta que «Él se arruinó con 'Juguetes rotos', por eso tuvo que hacer cine más comercial como To Er Mundo e Güeno, ... y su continuidad To Er Mundo e... Mejor. Posteriormente volvió a hacer cine más personal, pero nunca contó con el respaldo del público, y no le quedó otra que hacer películas más comerciales», dice Olid. Tanto en esta como en otras películas suyas, Summers también tuvo problemas para sortear la censura de su tiempo. 

De su obra el director destaca la trilogía de los años 60:'Del rosa... al amarillo'- que fue galardonado con la Concha de Plata al mejor director en el Festival de San Sebastián con su ópera prima "Del rosa... al amarillo" (1963). -, 'La niña de luto' y 'Juguetes rotos'. «Esas películas son fundamentales. Pero en los años ochenta sacó dos películas muy personales que prácticamente no ha visto nadie, 'Ángeles gordos' (1980) y 'Me hace falta un bigote' (1986). En esas películas vuelve a sus orígenes y 'Me hace falta un bigote' tiene mucho en común con 'De rosa... al amarillo'. De hecho, comienza donde acaba esta última».

Para Andrés González Barba columnista de ABC destaca que " La obra del sevillano Manolo Summers es difícil de clasificar, sobre todo porque siempre mantuvo una postura muy independiente dentro del cine español". 

De la película el productor y, antes crítico cinematográfico, Enrique Lavigne comenta en Twitter , ahora X , que " Summers El Rebelde es un capítulo que quedaba pendiente, nada complaciente y gozoso cuando el propio Manolo se explica de manera tan directa como impertinente. Un maestro del humor que sigue y seguirá olvidado a pesar de su maestría por el sesgo político. A destacar la música - MUSICÓN, dice él- de Pilar Onares". 

Para Fausto Fernández esta película documental es un documento "Imprescindible y necesario (re)encuentro con la obra de un genio tan bien recibido por el público como en ocasiones malinterpretado por cierta crítica, Summers, el rebelde dialoga, sin caer en la hagiografía, con el cine de un genio a la altura (y a veces por encima) de Berlanga".

En fin, esta es una buena manera de descubrir aunque sea a través de un documental el que fue un cineasta polifacético, actor y humorista gráfico, un hombre que se movía entre el éxito popular y la crítica feroz que no podía con él. Para eso esta Summers, el rebelde, para reivindicarlo.

Lo cierto y como plantea Olid en este documental Summers fue una gran revelación del cine español. Nos muestra un hombre incómodo, talentoso, brillante, perseguido por la censura franquista, a la que usa y esquiva en ocasiones y que una parte de la intelectualidad del país, por cuestiones ideológicas, lo olvidó o lo ignoró. Con el tiempo se convirtió en una figura muy popular, a la vez que arreciaban las críticas. Quizás por su carácter independiente, su obra cayó en el olvido después de su muerte.