Sed de mal revisada

La vez anterior- y a pesar de lo que comenté por aquí -que vi esta película tengo que reconocer que, o no me enteré o no estaba en las mejores condiciones, al menos de sueño. Hoy sí he podido disfrutarla al 100 %. 

Set de mal es una película de Orson Welles. Está considerada como una de las mejores películas de cine negro incluso la película que es el epígono final de todo este género. En ella participan por supuesto el director , guionista y actor así como Charlton Heston y Janet Leigh. Como suele ocurrir en todas las películas de cine negro la historia es oscura, confusa, complicada y difícil de seguir pero finalmente lo que tenemos es una auténtico monumento a este género cinematográfico. 

Orson Welles había estado trabajando en Europa y había realizado dos grandes películas como Othello y Mr. Arkadin. 

Huele ya no contaba con la confianza de los grandes productores de Hollywood ya que el peso de sus tres películas anteriores como ciudadano Kane y más tarde El cuarto mandamiento o La Dama de Shanghai lo habían colocado en el disparadero de director conflictivo en el que no se cumplía nunca los plazos de rodaje o de ajustarse a un plan de trabajo. Fue Heston quién impuso  la presencia de Welles en este proyecto que realizaría la Universal Internacional ,  aunque contaría con Albert Zugsmith como productor,  dándole total libertad creativa. Fue el reescribió el guion que se basaba en una novela, Badge of Evil,  publicada en 1956 escrita por Whitt Masterson. Poco después comenzó el rodaje en Venice (California). 

Se trata de una obra maestra de Orson Welles la última que dirigida para un gran estudio. La película intenta llevarnos al ambiente fronterizo rodada a base de grandes angulares, en blanco y negro con fotografía de Russell Metty,  transparencias, reflejos y unos planos secuencias como el inicial que abre la película que duran tres minutos y que tardo 15 días en rodarse y que  han pasado a la historia del cine. Para su realización Orson Welles contó para la música con Henri Mancini, en el que introduce una pianola,  y  con un equipo magnífico en el que aparece Joseph Calleia, Marlene Dietrich o Zsa Zsa Gabor , Joseph Cotten, y un joven e irreconocible Dennis Weaver, Akim Tamiroff y Joanna Cook Moore. 

La película fue reeditada y estrenada en 1958 y fue negativa desde el punto de vista de la crítica y del público. Cuando regresó a Estados Unidos o son Güell al ver introducida en la misma escena que nunca él había rodado mandó un escrito de más de 50 páginas (58) solicitando los productores la modificación de alguna escenas y pidió a la Universal que realizará un nuevo montaje. . Esta propuesta de Orson Welles se creía perdida pero apareció, en 1997 se hizo una nueva versión restaurada siguiendo la directrices que habían marcado Welles. Estrenada en 1998. 

Una vez terminado el rodaje y montada la película o sus vuelos de vino a España para planificar su Quijote de la Mancha, película que nunca termino voy a poner en marcha. 

Touch of Evil comienza con el inicio de la luna de miel de una pareja la integrada por land norteamericana Susan Vargas y el mexicano Miguel Vargas, este último policía que está especializado en narcotráfico. El inicio de esta luna de mil queda interrumpida por el estallido de un automóvil que como ellos acabará de entrar en Estados Unidos procedente de México. 

Aunque no es un detective con competencia para trabajar en el país vecino sino un policía especial del gobierno de México, Vargas se ve en el de verde investigar lo sucedido. Las víctimas son un acaudalado comerciante y su acompañante coma una bailarina de Striptease. 

Vargas choca inmediatamente con el detective norteamericano encargado del caso Hank Quinlan, a quien disgusta que Vargas invada a lo que él considera sus dominios, pero órdenes superiores le obligan a cooperar con. 

Intrigado por el comportamiento de Quinlan, Vargas investiga su pasado y averiguó a que en los casos en los que ha intervenido todos los acusados son declarados culpables aunque ellos se declararon inocentes siendo finalmente incriminados tras la aparición de pruebas circunstanciales que Vargas que fueron puestas por Quinlan.

Enterado Vargas de sus métodos, el policía norteamericano se pone de acuerdo con Grandi, un traficante de drogas local, que también está interesado en acallar al investigador mexicano, acusando sexualmente y secuestrando a Susan. 

Entre tanto, Vargas ha convencido a Pete Menzies, sargento de detectives de que su jefe es un criminal corrupto. Menzies se pone a disposición de Vargas y valiéndose de un micrófono que el propio mencíez llegará oculto intentan sacar una concepción a Quinlan. Pero Quinlan es listo y cuando averigua lo que está sucediendo hiere a su compañero y salen persecución de Vargas. Un tiro moribundo del sargento pone fin a su vida. Muerto Quinlan y oídas sus reveladoras declaraciones recogidas en la grabadora, Vargas y Susan pueden proseguir su luna de miel que ha estado a punto de ser una luna de hiel. 

Colorado Jim

Hoy he agradecido con un tweet al crítico Fausto Fernández, un habitual de Fotogramas y que es uno de los más sabios y agudos conocedores de este mundo del cine en España, el hecho de que todas las mañanas a eso de las siete nos de un detallado repaso de lo que se puede ver de películas en televisión.

Le he dicho lo siguiente: "El viernes pasado emitieron en esa cadena Colorado Jim de Anthony Mann. Un peliculón. La pude ver por leer tu tweet sobre ella. Gracias." Él, elegante como siempre, me ha dado la gracias.

Al rato Gerardo Sánchez ha ratificado con otro tweet lo que yo afirmaba señalando que "The naked spur. Ciertamente un peliculón". 

Y es cierto The Naked Spur , que podría traducirse como La espuela desnuda es una obra maestra de este género. Anthony Mann, del que he visto en estos últimos años tres películas con esta, pues en 2017 vi El hombre del Oeste y hace relativamente poco Winchester 73 - todavía no publicada esta entrada- fue uno de los grandes. Falleció a los 60 años, muy joven, pronto dejó tras de sí grandes obras como las señaladas. 

El californiano de origen germano - su apellido era Bundsmann- que respondía al nombre de Anthony Mann se centró en dos géneros: el cine negro y los westerns. Eso no le impidió adentrarse en el cine histórico rodando en España El Cid (1961) con Charlton Heston y Sophia Loren . no es de extrañar pues llegó a estar casado con Sara Montiel , su segunda esposa, de 1957 a 1963- ni en el western de resonancias casi épicas como Cimarrón (1960) que contó con Glenn Ford y Maria Schell. 

Como director fue fiel a un equipo contando casi siempre con el director de fotografía John Alton . Trabajó para distintas productoras, desde RKO hasta MGM , y con las principales estrellas de la época aunque le gustó repetir con unos más que con otros como fue el caso de James Stewart. Chico con una infancia terrible y que pasa del Oeste al Este, pues vivió tanto en New Jersey como en New York, se interesa por el mundo de la interpretación junto a un compañero, de clase, el futuro ejecutivo de un estudio de Hollywood, Dore Schary . Schary se graduaría de la High School secundaria central de Newark , pero Mann abandonó en su último año. 

En la década de los veinte lo vemos actuando , aunque sorprendentemente combina la interpretación con el mundo de la Bolsa. Combinaba su trabajo en este mundo con otros como en los míticos almacenes Macy's de Nueva York. 

En 1937, Mann aceptó una oferta para trabajar para Selznick International Pictures como buscador de talentos, director de casting y director de pruebas de pantalla. Entre las películas en las que trabajó se encontraban Las aventuras de Tom Sawyer (1938), Intermezzo (1939) y Rebecca (1940) aunque también trabaja como director de la estación de televisión experimental W2XBS de NBC en 1939-1940. 

Mann se convirtió en asistente de dirección en la década de 1940, trabajando junto a Preston Sturges en la película Sullivan's Travels (1941), y dirigiendo producciones de bajo presupuesto para RKO y Republic Pictures . 

Sin embargo es a partir de 1942 cuando lo encontramos al frente de proyectos de peso para la Paramount y la Universal con Dr. Broadway (1942) y Moonlight en La Habana (1943). Entre 1944 y 1946 se mueve entre dos productoras Republic y la RKO . 

En 1947 se trabajo va a más como lo demuestra en "La brigada suicida" (The T- Men, 1947) y en el salto definitivo le llega en 1949 cuando su antiguo compañero , Dore Schary , entonces jefe de producción en MGM, contrató a Mann para hacer Border Incident (1949). 

Desde ese momento el western llama a su puerta con un película que defiende la causa india como "La puerta del diablo" o "The Devil´s Doorway, 1950 , y más tarde con con The Furies (1950) para la Paramount contando para ello con Barbara Stanwyck y Walter Huston . 

A estas le siguió un western en Universal, protagonizada por James Stewart , Winchester '73 (1950) que tuvo un enorme éxito. Tras esto la MGM contrató a Mann para dirigir Side Street (1950). Se quedó en ese estudio para hacer el western ya citado con Robert Taylor, Devil's Doorway (1950) y un thriller con Dick Powell , The Tall Target (1952). Pero Mann , fiel a su gente, quería contar de nuevo trabajando para la Universal con Stewart tras Winchester´73 y lo hizo con otro western para la Universal, Bend of the River (1952), aquí conocida como Horizontes lejanos . A estas siguieron Thunder Bay (1953) en Universal y la que he visto The Naked Spur (1953), aquí Colorado Jim , para la MGM. 

La asociación era tan exitosa que volvieron a unirse para realizar uno de sus mayores éxitos , The Glenn Miller Story (1954). Y más tarde , The Far Country (1954), vendida en España como "Tierras Lejanas" también para la Universal. Mann fue a Columbia para hacer un western sin Stewart, The Last Frontier (1955), con Victor Mature . Pero actor y director se reunieron en The Man from Laramie (1955) para Columbia. Y tras esta joya, la sociedad Stewart / Mann se quebró cuando Mann no dirigió la proyectada Night Passage (1957) . Nunca volverían a colaborar. 

Tras eso Mann siguió trabajando. Primero en un musical protagonizado por Mario Lanza , Serenade (1956), donde conoció y algo más a Sara Montiel. Luego en un western con Henry Fonda , The Tin Star (1957) y luego se unió a Philip Yordan para hacer dos películas protagonizadas por Robert Ryan y Aldo Ray , Men in War (1957), sobre la Guerra de Corea y God's Little Acre (1958). En el medio, dirigió a Gary Cooper en Western, Man of the West (1958). 

Mann fue a la MGM para dirigir a Glenn Ford en Cimarron (1960) y tras eso fue el contratado para dirigir Spartacus (1960), pero fue despedido temprano por el productor y actor Kirk Douglas y reemplazado por Stanley Kubrick , después de haber filmado algunas escenas. Tras eso Mann recibió una oferta del productor Samuel Bronston que desarrollaba su labor en España y rodó El Cid (1961). Tras el éxito pasó a ser el director de otra obra de Bronston , La caída del imperio romano (1964), que fue un gran fracaso y contribuyó a la desaparición del imperio de Bronston. Aquel año fue el Presidente del jurado en el 14º Festival Internacional de Cine de Berlín . 

Y en 1965 lo vemos rodando una película de guerra británica protagonizada por Kirk Douglas y Richard Harris, The Heroes of Telemark (1965). Dos años más tarde su corazón se rompía mientras filmaba el thriller de espías A Dandy en Aspic . La película fue completada por Laurence Harvey. Pero el hombre del Oeste ya no estaba con nosotros. 

Para 1952 sí y así que Anthony Mann, contando con el apoyo en la producción de William H. Wright y un guión escrito por Sam Rolfe y Harold Jack Bloom se lanzan a rodar esta historia que será producida por la Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) y que contó con un presupuesto incierto , pues he visto dos cifras. Una por $ 1,261,000 y otra por 2 769 000 dólares.

La película contó con la dirección artística de Malcolm Brown y Cedric Gibbons, la música de Bronislau Kaper y la fotografía de William C. Mellor así como el sonido de Douglas Shearer , el maquillaje de William Tuttle, el montaje George White. 

Junto a ellos nos encontramos con la escenografía de Edwin B. Willis y los efectos especiales de Warren Newcombe. 

En cuanto el elenco muy reducido a poco actores y una actriz como son James Stewart como Howard Kemp. Janet Leigh como Lina Patch, Robert Ryan como Ben Vandergroat, Ralph Meeker como Roy Anderson y Millard Mitchell como Jesse Tate. 

La película comienza en marzo de 1868. En ella conocemos desde el principio a Howard Kemp, un sheriff que está rastreando la zona en busca de un hombre Ben Vandergroat (Robert Ryan) , quien es buscado por el asesinato del marshall de Abilene, en Kansas . Solitario se desplaza por las Montañas Rocosas al sur de Colorado, cuando Kemp se encuentra con un viejo prospector de oro, Jesse Tate (Millard Mitchell), y le ofrece $ 20 por ayudarlo a buscar a ese asesino. 

Tate asume que Kemp es un sheriff, y Kemp no hace nada para contrariarle, así que acepta ayudarle y llevarle al punto en el que hace unos días encontró restos de un hoguera. Cuando van a la zona detectan que uno de los caballos que posiblemente lleva Ben tiene problemas y al rato detectan que hay alguien en la cima de una colina rocosa. 

Kemp está convencido de que debe ser Vandergroat. Buscando un camino alrededor de la colina, Kemp y Tate se encuentran con un soldado de la Unión, el teniente Roy Anderson (Ralph Meeker ). Éste comenta que se dirige hacia el este pues ha sido dado de baja del sexto de Caballería alokado en Fort Ellis en Bozeman, Montana. 

Kemp le muestra una orden de captura a Anderson, donde se le describe como "moralmente inestable", sin honor y manipulador . Tate le dice a Anderson que Kemp es un sheriff. Ahora con la ayuda de Anderson, quien escala un acantilado, descubrimos que se trata de Vandergroat, quien está en la cima. 

Y no está sólo pues se encuentra con su compañera, Lina Patch (Janet Leigh ), la hija del amigo de Vandergroat, Frank Patch, quien fue asesinado a tiros al intentar robar un banco en Abilene. La acción ideada por Kemp y contando con el apoyo de Anderson y los disparos de Jesse tiene éxito y en la cima tras una pelea cara a cara, Ben es detenido, aunque Lina le presta apoyo y se resiste a la detención. 

En el camino a Abilene, Vandergroat va intentando desenmascarar a Ben. Su objetivo es poner a sus captores unos contra otros, usando la avaricia como su arma. Por lo pronto nos enteramos que Ben trabaja como cazarrecompensas en el territorio de Colorado ya que quiere la recompensa de 5000 dólares. 

También nos enteramos que Ben perdió su granja mientras luchaba en el frente durante la Guerra de Secesión. La razón se debe a que antes de salir al frente puso la granja a nombre de su novia y cuando regresó su novia se había casado con otro. 

Sin embargo , lo que más atrae a sus compañeros es la suculenta recompensa de la que no piensan renunciar. Además Vandergoat alienta a Lina a usar su belleza para tensionar a Kemp y Anderson, pues ambos parecen atraídos por la belleza de la chica. 

Al explorar un puerto de montaña, Kemp y Tate ven a una docena de Blackfoot , una tribu pacífica, lejos de sus terrenos de caza . Cuando estos se acercan sin buenas intenciones Anderson confiesa que los indios lo persiguen por violar a la hija del jefe. Kemp le dice a Anderson que se vaya sobre todo cuando sabe que es , un soldado mujeriego y licenciado con deshonor, y le desea suerte evitando a los Blackfoot. 

Anderson cree que Kemp solo quiere quedarse con la mayor parte del dinero de la recompensa. Se adelanta, espera a que el grupo de Kemp se acerque al Blackfoot para hablar, luego dispara al jefe desde su escondite. La respuesta no se hace esperar y se inicia un enfrentamiento entre los nativos y el grupo. 

Durante el mismo Kemp salva a Lina de un Blackfoot y ella, a su vez, lo ayuda cuando le disparan en la pierna quedando herido. 

Lo atiende cuando Kemp se desmaya mientras cabalgan y se despierta de una delirante pesadilla. Él piensa que Lina es Mary, su ex novia. Vandergroat les dice a los demás que Mary vendió el rancho de Kemp mientras era luchaba en la Guerra Civil, y luego se fue con otro hombre. 

Vandergroat afirma que Kemp necesita la recompensa para comprar su rancho, explicando su oferta de solo $ 20 a los otros hombres. 

Lina está confundida por la lealtad al amigo de su padre, compensada por una creciente atracción por Kemp. Solo ha visto a Vandergroat involucrado en peleas justas, pero se sorprende cuando éste afloja la silla de montar de Kemp y trata de empujarlo fuera por un precipicio cuando van por un paso de alta montaña. 

Mientras tanto Vandergroat va intentando ganarse la voluntad de Jesse , un hombre obsesionado por encontrar una mina de oro ya que consagró los últimos 19 años de su vida en su búsqueda . Le comenta de la localización de una mina , pero no le dice dónde está lo que aumenta el deseo del viejo.  

Al refugiarse de una tormenta en una cueva, Vandergroat manipula a Lina para que distraiga a Kemp. Ella le dice al ranchero su sueño de ir a California, donde puede comenzar de nuevo. Él le cuenta su deseo de recomprar su rancho. Se besan, y esto es aprovechado por Vandergroat para escapar provocando un derrumbe. Kemp lo atrapa, y Anderson sugiere que, debido a que hay una recompensa ya sea "vivo o muerto", deberían matar al criminal. 

Tate detiene a Anderson, pero, atrapado en la ira del momento y herido por lo que ve como la traición de Lina, Kemp desafía a Vandergroat a un tiroteo, que éste lo rechaza. Avanzando hacia Abilene, el grupo llega a punto en el que esperaban vadear el río. Sin embargo, el río presenta un caudal muy elevado. 

Luego discuten sobre dónde cruzar, Anderson tira una cuerda alrededor del cuello de Vandergroat y tiene la intención de arrastrarlo a través del río. Se produce una pelea entre Kemp y Anderson, mientras Vandergroat observa con placer como la cizaña ha cuajado. Mientras Kemp y Anderson se recuperan de la pelea, Lina busca leña, Vandergroat convence a Tate de escabullirse con él para encontrar la mina de oro prometida, con la que Vandergroat ha estado tentando al viejo. 

Cuando se escabullen durante la noche, él convence a Tate de incluir a Lina. Vandergroat y Lina viajan en el mismo animal. Tate lo sigue, sosteniendo un rifle sobre ellos. Vandergroat grita "¡Serpiente!" y en la confusión agarra el rifle de Tate y luego lo mata. 

Tras eso coloca el cuerpo de Tates en las rocas junto a un río que corre para poder emboscar a Kemp y Anderson. Lina finalmente acepta que él realmente es un criminal. Cuando Kemp y Anderson se levantan salen en búsqueda del trío. 

Al rato descubren el cuerpo de Tate y cuando Ben intenta abatirlos, Lina agarra el cañón del rifle de Vandergroat, salvando la vida de Kemp. Mientras Anderson intercambia disparos con Vandergroat, Kemp se quita una de sus espuelas - spur- para usarla como hacha trepadora y escalar ayudándose de ella por la parte trasera del acantilado y flanquear a Vandergroat. Vandergroat escucha como Kemp escala y justo cuando le apunta al ranchero, Kemp le arroja la espuela en la mejilla del asesino. Mientras Vandergroat se tambalea por el dolor, Anderson le dispara y su cuerpo cae al río, enredado en las raíces de un árbol. 

Anderson enlaza una cuerda a una rama al otro lado del río y cruza gracias a la cuerda. Luego lo envuelve alrededor del cuerpo de Vandergroat pero es aplastado por un gran tronco flotante y arrastrado por la corriente. Kemp arrastra el cuerpo de Vandergroat a través del río y, furioso, promete que lo llevará de regreso para recuperar su tierra. 

Lina le suplica que no entregue el cuerpo por dinero, pero dice que irá con él, sin importar su elección, se casará con él y vivirá con él en el rancho. Kemp se da cuenta de lo que está haciendo y su amor por Lina lo hace detenerse. Entierra a Vandergroat y la pareja se dirige a California, dejando atrás su pasado. 

The Naked Spur fue la tercera de las cinco colaboraciones en este género entre James Stewart y Anthony Mann y también, la tercera de las ocho colaboraciones que hicieron en general. Los dos westerns anteriores fueron Winchester '73 (1950) y Bend of the River (1952). 

Robert Ryan , hace como en muchas película de villano y fue elegido como Ben Vandergroat. Ryan volvería a trabajar con Mann en Men in War (1957) y God's Little Acre (1958). 

Janet Leigh fue elegida como Lina Patch, y protagonizó junto a Ryan la película Noir Act of Violence (1948), dirigida por Fred Zinnemann . Para aquel momento ella era casi veinte años más joven que Stewart. 

Ralph Meeker y Millard Mitchell acompañan a los otros tres actores. Mitchell murió a los cincuenta años de edad debido a un cáncer de pulmón poco después de esta película aunque fue su penúltima película, seguida de Here Come the Girls (lanzada en octubre de 1953), protagonizada junto a Bob Hope . 

La película fue filmada entre mayo y junio de 1952 en Lone Pine, California , y en las montañas de San Juan y Durango en Colorado. Según el escritor e historiador Frederic B. Wildfang, durante la filmación Stewart dedicó un monumento en la ciudad, marcando el área como el "Hollywood de las Montañas Rocosas". 

The Naked Spur se estrenó en los cines estadounidenses el 1 de febrero de 1953. La película fue un éxito de taquilla que recaudó 3 850 000 dólares. 

En cuanto a críticas, la película se estrenó el primer día de febrero de 1953. Ese mismo año, también se estrenaron otras dos películas dirigidas por Mann y protagonizadas por Stewart. Estos fueron Thunder Bay y The Glenn Miller Story . 

Empire describe la película como "una obra maestra que es demasiado fácil de dar por sentado" y "lo mejor de una excelente serie de westerns". Leonard Maltin la definió como «uno de los mejores westerns de todos los tiempos» . Así ha sido considerado por el Registro Nacional de Cine de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos la calificó como «culturalmente, históricamente o estéticamente significativa» en 1997. 

Jonathan Rosenbaum del Chicago Reader señala que "Esta película de 1953 presenta a Janet Leigh en jeans, hermosos rodajes de locación (y una fotografía en tecnicolor) en las Montañas Rocosas, y algunas de las guerras psicológicas más intensas que se encuentran en la angustiosa y angustiada obra [del director Anthony] Mann. ". 

Ya en España Fernando Morales en El País dijo de ella que era una "Magnífica producción, típica de los años cincuenta, con un excelente reparto y una envidiable puesta en escena. Tensión y emoción para todo un clásico totalmente imprescindible" 

Los guionistas Sam Rolfe y Harold Jack Bloom fueron nominados al Premio Óscar al mejor guion original por esta película. La misma fue incluida por Steven Schneider dentro de las "1001 película que usted de no debe de perderse antes de morir". 

El éxito de esta película aseguró otras tres colaboraciones Stewart-Mann, incluyendo dos westerns más . Destaca Terenci Moix en su Gran Historia del Cine publicada por ABC y presentada como una separata en su revista Blanco y Negro que Mann da a un ya sólido actor como James Stewart una solidez que es "asombre del western americano".  

Lo cierto es que estamos ante un western singular casi una "road movie" a caballo. Cinco actores llevan el peso de la película, especialmente Stewart , aquí como héroe a pesar de que como señala Terenci Moix tenía un "aspecto poco heroico" , y en su recorrido que acaba en un estallido de violencia bestial  sacan verdades ocultas, o previamente al final estallan en imprevistos conflictos, algunos de ellos morales y sobre todo se enfrentan en un western en la que la venganza y la ambición tienen mucho peso , pero al final lo que triunfa no es otra cosa que el amor y con ella, la redención . Lo dicho un peliculón. ¿Qué más se puede decir? 

Sed de mal

Tras una semana embarcado en un crucero, poco tiempo he tenido para ver películas o series. He ido durante el vuelo avanzado en una de ellas, la irregular Waynard Pines, pero es imposible sacar tiempo entre desembarcos, visitas y actividades de juegos, bailes, piscinas, jacuzzi, actuaciones , y por no hablar de los desayunos- en ocasiones triples, comidas, en ocasiones dobles, meriendas con cervecitas incluidas y cenas, siempre elegantes, aunque alguna informal.Vamos , un sin vivir.

Con todo, una vez de retorno, y sobreviviendo al crucero por el Báltico, vuelvo a mi rutina de ver y escribir sobre lo que veo, como es evidente, para que no me olvide. Y he vuelto a lo grande, con la última película que hizo Orson Welles para una de las grandes productoras, la Universal Pictures, con actores de peso que optaron en algunos casos por hacer un mínimo cameo, y con un producto final con el sello de un buen cine negro, de lo mejor, en blanco y negro.

La película se llamó Touch of Evil o en España, Sed de mal y fue estrenada el año 1958 . Para muchos críticos, éste es el último gran filme del período clásico del cine negro estadounidense.

La película pivota sobre Orson Welles que aquí hace de director y guionista, qudeando la producción en manos de Albert Zugsmith como representante de la Productora Universal Studios quedándose igualmente con la distribución . La Universal Pictures invirtió un presupuesto de $829,000 y que fue recuperado con una recaudación que alcanzó los $2,237,659  de dólares. 

La película parte del guión firmado por Orson Welles aunque basado en la obra de Badge of Evil (1956), escrita por Whit Masterson. Orson Welles afirmó haber leído sólo "Badge of Evil" de Whit Masterson , la novela en la que se basó la película, después de haber completado la película y declaró que basó su reescritura del guión sobre el tratamiento inicial de Paul Monash . 

La película cuenta con una banda sonora de altura con toques jazzísticos de corte latino compuesta por Henry Mancini así como con la inmensa fotografía de  Russell Metty y un montaje complejo en el que intervinieron Aaron Stell , Virgil Vogel y Walter Murch.

Los actores protagonistas que encabezan el reparto son Charlton Heston como Ramon Miguel Vargas , Janet Leigh como  Susan Vargas y Orson Welles como el Comisario de policía Hank Quinlan . Junto a estos tres , en la película participan Joseph Calleia como  Pete Menzies , Akim Tamiroff como Tío Joe Grandi , Joanna Cook Moore como  Marcia Linnekar , Marlene Dietrich como  Tanya , Ray Collins como el fiscal de distrito de Adair,  Dennis Weaver como el director nocturno del Motel Val de Vargas como Pancho , Mort Mills como Al Schwartz , Victor Millan como Manolo Sánchez,  Lalo Rios como Risto , Phil Harvey como Blaine,  Joi Lansing como Zita o "rubia",  Harry Shannon como el jefe de policía Pete Gould, Rusty Wescoatt como Casey , Wayne Taylor como miembro de una pandilla , Ken Miller como miembro de una pandilla , Raymond Rodríguez como pandillero,  Arlene McQuade como Ginnie,  Dan White como Guardia de Fronteras , y una fugaz participación de Zsa Zsa Gabor como dueña del club de striptease , su hermana Eva como una de las Streaper del local, Mercedes McCambridge como miembro de la banda,  William Tannen como Howard Frantz y Joseph Cotten como detective . 

En una ciudad fronteriza entre México y los Estados Unidos , Los Robles, vemos como alguien vigila desde la distancia y a la vez instala una bomba de relojería en un automóvil.

El coche pertenece a Rudy Linnekar (Jeffrey Green) que va acompañado de una  mujer rubia Zita (Joi Lansing). Ambos entran en el vehículo y hacen un corto  viaje a través desde  la ciudad a la frontera de Estados Unidos. 

En paralelo en un maravilloso plano secuencia conocemos a otra pareja, la formada por Miguel "Mike" Vargas ( Charlton Heston ), un funcionario o agente de la policía mexicana de narcóticos  que llega a la frontera mexicana con su reciente y  joven esposa- están recién casados-   Susie ( Janet Leigh ) que van a pasar al otro país a pie. En ese momento el coche cruza la frontera, y luego explota. 

Al darse cuenta de las implicaciones que tiene para su país el estallido de una bomba mexicana explotando en suelo americano, Vargas se interesa por la investigación, aunque la misma recae en  el Comisario de policía Hank Quinlan (Orson Welles) que se hace cargo de la investigación por parte norteamericana. Mike Vargas   y Susan Vargas  interrumpen su viaje de luna de miel después de presenciar en la frontera la explosión del auto que resulta ser conducido por un mafioso de la droga. 

Quinlan (Welles), es el jefe de la policía local, muy conocido en la zona por sus métodos expeditivos y poco ortodoxos. 

En la investigación participa además el jefe de policía Pete Gould ( Harry Shannon ) y el fiscal de distrito de Adair ( Ray Collins ) que llegan al lugar, que preceden a la llegada del capitán de la policía Hank Quinlan ( Orson Welles ) y su subordinado Pete Menzies ( Joseph Calleia ) .

Quinlan es un hombre obeso y desaliñado que vive de glorias pasadas y que visita regulamente  un burdel dirigido por Tanya ( Marlene Dietrich ), a la que apenas lo conoce. 

El principal sospechoso de Quinlan y Menzies es Sánchez, un joven mexicano casado en secreto con la hija de la víctima ( Joanna Moore ). Hank Quinlan (Orson Welles) no duda en fabricar pruebas falsas para acusar a un joven que él cree culpable de colocar la bomba. Ambos interrogan a Sánchez en su apartamento con Vargas presente. Vargas visita el baño y golpea accidentalmente una caja de zapatos que está vacía. 

Momentos más tarde, el ayudante Menzies entra en el baño y anuncia que dos palos de dinamita se encontraron en la misma caja de zapatos. 

Vargas, es consciente de que no es cierto y  acusa a Quinlan de crear evidencias falsas y comienza a sospechar que puede haber estado haciéndolo durante años, para ayudar a ganarse el prestigio que tiene al otro lado de su frontera.

Quinlan rechaza la afirmación de Vargas, diciendo que sólo está sesgado a favor de los compatrotas mexicanos. 

Estas acusaciones, junto con la presión del tío Joe Grandi ( Akim Tamiroff ), el hermano de un hombre al que Vargas ha estado investigando, se combinan con el fin de desacreditar a Vargas.  

Con la asistencia del Asistente del Fiscal de Distrito, Al Schwartz ( Mort Mills ), Vargas estudia los registros públicos de los casos anteriores de Quinlan, revelando sus hallazgos a Gould y Adair. Quinlan llega a tiempo para escuchar la discusión y amenaza enojadamente renunciar. 

Todo esto hace que Quinlan -que ha estado sobrio durante 12 años- vuelva a caer en la bebida y que empiece una lucha feroz   entre los dos hombres, en la que cada uno de ellos tiene pruebas contra el otro. 

Vargas sabe que las pruebas no son reales e inicia su propia investigación, donde descubre que Quinlan y unos mafiosos fronterizos están directamente relacionados con el asesinato. 

Susie Vargas, por su parte, se traslada de su hotel mexicano a un remoto motel americano para escapar de la atención no deseada de Grandi. 

El motel, que Menzies le recomendó, no tiene otros huéspedes y sólo cuenta con un gerente de noche muy peculiar ( Dennis Weaver ), El hotel es propiedad de Grandi que, de golpe se llena de miembros de la familia de Grandi, un mafioso fronterizo,  que se apoderan del motel y aterrorizan a Susie. 

Quinlan que conspira junto a Grandi, hace el  arreglo para que Susie fuera dejada en la habitación inconsciente, tras su secuestro y hacerla àsar como que ha tomado una dosis excesiva de drogas colocando drogas alrededor de su cuerpo inconsciente. Quinlan, además, invita a la escena a Grandi,  que lo ha preparado todo y al que lo estrangula y dejando su cuerpo junto al de Susie, todavía inconsciente, en la habitación  para desacreditar al honesto oficial de narcóticos, Vargas y con el fin de que este desista de su investigación.

Vargas se preocupa cuando sus intentos de llamar a Susie en el motel están bloqueados. Vargas inicia una carrera contra el tiempo en la que acumula las pruebas suficientes para desenmascarar al sucio jefe Quinlan y así salvar a su esposa. 

Sin embargo, agotado, borracho y con el remordimiento de haber matado a Grandi, Quinlan descuidadamente se deja su bastón en la escena del crimen, lo que le implica a sí mismo. 

Cuando Susie se despierta, ve el cuerpo de Grandi, y grita pidiendo ayuda , siendo arrestada bajo sospecha de asesinato. 

Vargas confronta a Menzies sobre la historia de la evidencia "descubierta" por Quinlan. Cuando va al motel a por Susie,  no puede encontrarla, y tras ello, Vargas se entera de que el motel es propiedad de Grandi y que le han robado la pistola. Se apresura a regresar a la ciudad y entra en un bar, donde se enfrenta a los pandilleros que atacaron a su esposa. Cuando se niegan a contestar sus preguntas, Vargas los golpea violentamente, destruyendo la barra en el proceso. 

Al Schwarz (Mort Mills)  luego informa a Vargas que Susie ha sido arrestado por asesinato. En la cárcel, Vargas la encuentra apenas consciente. Menzies revela a Vargas que descubrió el bastón de Quinlan en la escena del crimen. Vargas amenaza a Menzies y le obliga a colaborar con él.

Cerca de un campo de petróleo, Menzies se encuentra con Quinlan, mientras que es seguido a pie por Vargas, que está grabando la conversación. Quinlan admite a Menzies que él colocó las evidencias inculpatorias, pero insiste que lo hizo solamente porque él sabía que eran culpables. 

Quinlan escucha un eco procedente del micrófono secreto y le echa en cara que la traición a Menzies. Quinlan exige a Vargas se muestre. Quinlan entonces dispara a Menzies con el arma de Vargas, que él había robado anterior del maletín de Vargas.

Quinlan se prepara para disparar a Vargas (diciendo que puede afirmar que Vargas estaba resistiendo a la detención), pero que, en cambio, es disparado  en el acto final por un Menzies moribundo. Quinlan se tambalea y cae hacia atrás en una inmunda pileta de aguas residuales y muere. 

Poco después llega Al Schwartz  a la escena y le dice a Vargas que la dinamita plantada era innecesaria porque Sánchez confesó el crimen. 

Más tarde, Schwartz le pregunta a Tanya, (Marlene Dietrich) una misteriosa y enigmática gitana que en el pasado tuvo una relación con Hank Quinlan, y que había presagiado el triste y fatídico final de éste. mientras se aleja, lo que tiene que decir sobre Quinlan y Tanya responde: "Él era un granhombre, ¿qué importa lo que digan los demás?" Acabando así la película. 

La película tiene lugar en una ciudad fronteriza de ficción mexicana, Los Robles, y se completó en 39 días. Orson Welles insistió en rodar en una ciudad real siendo en su elección inicial Tijuana, pero la película se rodó en la localidad de Venice, en Los Angeles, y en los Universal Studios sitos en el 100 Universal City Plaza, Universal City, de California. 

Touch of Evil significó el regreso de Welles a la producción en Estados Unidos, después de haber rodado tres filmes fuera de su país natal, Macbeth (1947)- ya visto en este blog- , Otelo (1952) y Mister Arkadin (1955).

Lo cierto es que el proyecto llegó a manos de Welles en una época en que éste no gozaba de buena fama entre los productores de Hollywood, ya que muchos lo consideraban un director difícil , engtre otras cosas, por no ser capaz de cumplir con un plan de trabajo.

Hay dos historias de cómo Welles terminó dirigiendo Touch of Evil . Charlton Heston recordó que Welles fue contratado originalmente para actuar sólo en la película, no para dirigir o escribir. Sin embargo, la Universal estaba dispuesto a asegurar a Heston parab la película pero éste exigió que el estudio confirmara al director antes de que él firmara. Después de enterarse de que Welles estaba en el reparto, Heston expresó su mayor interés en protagonizar si Welles la dirigía.

La otra historia es que Welles había trabajado recientemente con el productor Albert Zugsmith , conocido como el "Rey de la series B", en una película llamada Man in the Shadow y estaba interesado en dirigir algo para él. Zugsmith le ofreció un montón de guiones, de los cuales Welles pidió lo peor para demostrar que podía hacer una gran película con un mal guión. En ese momento, el guión se llamaba Badge of Evil , basado en una novela de Whit Masterson. Welles hizo una reescritura y la llevó a la producción. 

Lo cierto es que después de una década en Europa en la que completó sólo tres películas, Welles estaba ansioso por dirigir de nuevo a Hollywood, por lo que aceptó asumir el papel de Quinlan. 

Welles tuvo a su servicio un buen numero de actores y actrices notables que aparecen  en grandes y pequeños papeles.

Charlton Heston citó entre sus errores no haber ensayado  un acento hispano para su papel de polícía mexicano que lucha contra el narcotrafico siendo uno de los mayores errores que cometió como actor.

Janet Leigh afirmó estar absolutamente aterrorizada cuando filmó la escena donde está amenazada en su habitación de motel.

Orson Welles escribió el papel de Marlene Dietrich después de que la película ya había comenzado a rodarse, llamándola la noche antes de que él quisiera filmar sus escenas para ofrecerle el papel. Y lo cierto es que Dietrich tiene un papel fundamental , aunque aparezca en cuatro escenas cruciales incluyendo la final.

También tuvo a su mando a Zsa Zsa Gabor y a su hermana , que aparece brevemente como el empresario de un club de striptease. La dos Gabor aparecen al ser amiga del productor. Por su parte, Zsa Zsa Gabor está en pantalla durante 20 segundos como mucho.

La ganadora de un Oscar Mercedes McCambridge sólo aparece en la película porque estaba almorzando con Orson Welles durante la filmación y Welles la convenció para filmar una escena. Él la había llevado una chaqueta de cuero, se cortó el pelo y hizo que su personaje dijera la línea siniestra, "Quiero ver".

Dennis Weaver interpreta a un empleado nocturno en un motel, en una prodigiosa actuación. A Heston le gustaba Weaver y su trabajo cinematográfico.

Muchos de los actores trabajaron por salarios más bajos sólo para hacer una película con Welles. El papel de Marlene Dietrich fue una sorpresa para los productores y aumentaron su sueldo para poder anunciar su participación en la película aunque ella iba a trabajar por lo mínimo que se requería según el convenio del sindicato de actores. 

El amigo de Welles y el colega Joseph Cotten en el teatro de Mercury aparece aunque  no acreditado como el forense. 

El agente de Janet Leigh rechazó inicialmente su participación en esta película debido al bajo salario ofrecido incluso sin consultar a la actriz. Orson Welles , anticipando esto, envió una carta personal a la actriz, diciéndole cuánto esperaba que trabajaran juntos. Leigh, furiosa, se enfrentó a su agente diciéndole que ser dirigida por Welles era más importante que cualquier cheque de pago. 

Janet Leigh recordó cómo Welles pidió la entrada de los actores en el reparto: "Comenzó con los ensayos. Ensayamos dos semanas antes del rodaje, lo cual era inusual. Reescribimos la mayor parte del diálogo, todos nosotros, que también era inusual, y el Sr. Welles siempre quiso nuestra aportación. Fue un esfuerzo colectivo, y hubo una oleada de participación, de creatividad, de energía. Podías sentir el pulso creciendo mientras ensayábamos. Sentías que inventabas algo mientras avanzabas. El señor Welles quería aprovechar cada momento. No quería un solo momento. Te hizo sentir que estabas involucrado en un maravilloso evento que estaba sucediendo ante tus ojos". 

Welles realizó la producción a tiempo, un día después de lo convenido, y  entregó un corte bruto a la Universal, y estaba convencido de que su carrera en Hollywood estaba de vuelta. Sin embargo, la película fue reeditada (y en parte re-filmada) por la Universal International . El proceso de edición fue prolongado y disputado, y la versión finalmente lanzada no era la película que ni la Universal oni la que Welles habían esperado. Fue lanzado como una película B , la mitad inferior de una doble función. La película A fue The Female Animal , protagonizada por Hedy Lamarr , producida por Albert Zugsmith y dirigida por Harry Keller, a quien el estudio había contratado para dirigir el material redirigido en Touch of Evil . Las dos películas tenían incluso el mismo camarógrafo, Russell Metty . 

A la película de Welles se le dio poca publicidad a pesar de las muchas estrellas en el reparto. Aunque tuvo poco éxito comercial en Estados Unidos  fue bien recibido en Europa, particularmente por críticos del Cahiers du Cinema como el futuro cineasta François Truffaut . Sin embargo, la película fue un fracaso de la taquilla en los EE.UU.  pero fue bien recibido en Europa. 

La película comienza con un palno secuencia de tres minutos y veintidós segundo considerado ampliamente por los críticos como uno de los mayores largos en la historia del cine. 

Según un artículo publicado el 4 de septiembre de 1960 en el New York Times, Marlene Dietrich consideró que su papel de Tana o Tanya era uno de sus favoritos y afirmó que hizo su mejor actuación dramática en la última escena, en la que declara: ¿No importa lo que diga acerca de la gente? " También dijo que sus escenas fueron filmadas en una sola noche. 

La película fue rodada en un riguroso blanco y negro por el director de fotografía Russell Metty, quien usó una luz fuerte y los altos contrastes entre sombras y zonas iluminadas que ayudan a crear la densa atmósfera del filme. A esto se sumó que Orson Welles quiso rodar predominantemente por la noche a fin de defenderse de un estudio como el de la Universal que él consideraba  entrometido.

El largo plano secuencia de 3 minutos con el que inicia la película tardó 15 días en llevarse a cabo y se transformó en un plano mítico dentro de la historia del cine.

A pesar de la especulación popular, Orson Welles lleva maquillaje a lo largo de la película. Durante horas cada noche, le añadían libras y libras de maquillaje sobre él, y usaban prótesis para su rostro. Una vez dijo que se había ido tarde a una cena en su casa durante la filmación, y llegó con su maquillaje puesto. Una  actriz se le acercó cuando entró y con toda seriedad dijo: "¡Orson, te ves maravillosa!". Orson Welles se transformó además con 30kg de prótesis de cuerpo y maquillaje, junto con una nariz falsa, para interpretar a un hombre 20 años mayor que él.

Orson Welles quería que los créditos aparecieran al final de la película para no distraer al público del largo (y famoso) primer plano de seguimiento. Finalmente consiguió su deseo con la versión alternativa 1998, presentada como la del  "corte del director". Sin embargo, la versión que se estrenó teatralmente en 1958, los créditos aparecieron al principio de la película, superpuesta a la ya famosa secuencia de apertura.

Orson Welles inicialmente despreció el título de "Touch of Evil", no teniendo nada que ver con su concepción. A lo largo de los años, sin embargo, le gustó, y finalmente lo consideró el mejor título de todas sus películas.

Orson Welles declaró que su objetivo con la película era enfurecer a la audiencia con la trama, de la misma manera que Howard Hawks hizo con El sueño eterno (1946).

Debido al montaje de la misma, la historia se volvió aún más confusa una vez que el estudio recortó y la montó son seguir lo acordado por el director. Orson Welles declaró que su objetivo con la película era enfurecer a la audiencia con la trama, de la misma manera que Howard Hawks hizo con El sueño eterno (1946). La historia se volvió aún más confusa una vez que el estudio recortó la imagen.

Como ya hemos dicho, Orson Welles fue contratado originalmente sólo para actuar en la película, pero debido a un malentendido, Charlton Heston pensó que Welles iba a ser el director. Para mantener a Heston contento, el productor Albert Zugsmith le permitió a Welles dirigir. Welles hizo cambios importantes en el guión ya terminado, incluyendo cambiar el carácter de Heston de un fiscal de distrito blanco a un agente mexicano de narcóticos, cambiar el personaje de Janet Leigh de mexicana a estadounidense, y cambiar el escenario de la película de una pequeña ciudad de California a una ciudad fronteriza mexicano-americana.

Para 1993, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

Lo cierto es que su estreno se dio en la Feria Mundial de Bruselas de 1958, donde los jueces (y luego los críticos) como Jean-Luc Godard y François Truffaut le otorgaron el primer premio. Se dijo que la película tuvo una gran influencia en el inicio de las  carreras de Godard y Truffaut, quienes en un año realizaron sus primeras películas, Al final de la escapada (1960) y Los 400 golpes (1959), respectivamente.

Después de terminado el rodaje, los productores vieron el material y se extrañaron del camino tomado por el director. Consideraron que la película era demasiado confusa, por lo que la reeditaron e incluso rodaron escenas adicionales (con un director diferente) a espaldas de Orson Welles, que por aquel entonces se encontraba en España tratando de cumplir su sueño de rodar una adaptación de El Quijote.

Ese primer montaje concebido por los productores fue el estrenado en el año 1958 y significó un enorme fracaso comercial y de crítica , al menos, en los Estados Unidos.

La restauración de 1998 debía estrenarse en el Festival de Cannes de 1998. Sin embargo, el día antes del estreno, la muestra fue cancelada por Beatrice Welles (la hija de Orson Welles ), que tiene una larga historia de interferir con las proyecciones de la obra de su padre a través de amenazas de litigio.

En honor  a la verdad hay que decir que una vez rodada la película en Venice, a su regreso a Los Ángeles, Welles lamentó la decisión de los productores e insistió en que, para que la obra pudiese considerarse suya, se debían seguir una serie de indicaciones para realizar un nuevo montaje del filme. Las indicaciones para ello fueron plasmadas por Welles en un extenso documento de 58 páginas que dirigió a la Universal, compañía productora de la película. Este documento (que se creía perdido y del que por fortuna Charlton Heston guardaba una copia), sirvió de base para realizar en 1997 una nueva versión restaurada de Touch of Evil, la misma que fue estrenada en cines en 1998 y en DVD en el año 2000, 15 años después de la muerte Welles.

Después de terminar una primera edición, Orson Welles fue a México para iniciar otro proyecto. Regresó a los Estados Unidos para encontrar su película completamente recortada por el estudio, que estaba preocupado por la viabilidad comercial de la película.

Son tres las versiones de la película se han lanzado: La versión original de 1958 (93 minutos) difería sustancialmente del corte original de Welles, tanto en la edición como en la adición de nuevas escenas dirigidas por Harry Keller. Esta versión ya no existe. Welles afirmó que se hicieron sin su conocimiento, pero la Universal afirmó que Welles ignoró las solicitudes del estudio para regresar y emprender nuevos trabajos. Fue en este punto en que entró en juego Keller y rodó parte de su material   totalmente nuevo, otros reemplazaron las escenas de Welles.

Welles proyectó el nuevo corte y escribió un memorándum de 58 páginas al jefe de producción de Universal, Edward Muhl, detallando lo que él pensaba que era necesario hacer para que la película funcionara. Sin embargo, muchas de sus sugerencias fueron desatendidas y Touch of Evil fue finalmente lanzado en una versión de 93 minutos.

Una versión de 108 minutos lanzada en 1976 que incorporó material cortado del lanzamiento de 1958. Lo cierto es que a mediados de la década de 1970, Universal descubrió que llevaba una copia de 108 minutos de Touch of Evil en sus archivos. Consciente de que había un creciente interés en el trabajo de Welles, el estudio lanzó esta versión a los cines en 1976 y más tarde la publicó en video, calificándola de "completa, sin cortes y restaurada". De hecho, esta impresión no era una restauración en absoluto, sino una versión preliminar   de Welles. Tenía algunas escenas vitales de Welles que corte universal de la versión de lanzamiento, la versión de vista previa también ofreció más material de Keller que la versión de lanzamiento.

Por último está la versión lanzada en 1998 que aplicó las notas de Welles de su memoria larga al estudio. Welles escribió este memorándum en diciembre de 1957 después de ver una versión que incorporaba las escenas de Keller, y que había sido editado sin la participación de Welles. En 1998, Walter Murch , trabajando con todo el material disponible, reeditó la película basada en el memorándum de Welles, con Rick Schmidlin quien produjo la reedición y con la ayuda de Bob O'Neil, director de restauración de películas de Universal, y Bill Varney , vicepresidente de Operaciones de Sonido de Universal, participó en la restauración.

Como el corte bruto de Welles ya no existe, no es posible un verdadero "corte del director", pero Murch fue capaz de montar una versión que incorpora la mayor parte del material existente, omitiendo algunas de las escenas de Keller (aunque algunas fueron retenidas , ya sea porque habían reemplazado las escenas de Welles que ya no existían y eran necesarias para la trama, o porque Welles había aprobado su inclusión). Además, algunas de las quejas de Welles se referían a sutiles opciones de sonido y edición, y Murch reeditó el material en consecuencia.

Los cambios notables incluyen el retiro de los créditos y de la música de Henry Mancini de la secuencia de la abertura,  y la eliminación de la escena del pasillo del hotel de Harry Keller. Rick Schmidlin produjo la edición de 1998, que tuvo un limitado pero exitoso lanzamiento teatral (de nuevo por Universal) y posteriormente se hizo disponible en DVD .

Fue originalmente programada para ser estrenada en el Festival de Cannes 1998 con Janet Leigh, Walter Murch y Rick Schmidlin asistir, la proyección se canceló 11 horas después de las amenazas de litigio de la hija de Welles, Beatrice Welles . Su demanda contra Universal, por no consultarla o obtener su consentimiento antes de la reelaboración de Touch of Evil , se resolvió fuera de la corte. . Welles más tarde dijo que sólo había pedido a Universal que le informara sobre lo que se estaba haciendo, y cuando fue ignorada le dijo al Festival de Cannes que la restauración no fue sancionada por el Welles Estate. "Lo vi más tarde y fue maravilloso", dijo. "Pensé que hicieron un trabajo asombroso y estaba muy bien hecho, era lo que él quería y tenía mucho más sentido que esa pesadilla cortada que había antes.Está bien y era suyo.Si me hubieran dicho que de desde el principio, nada de eso hubiera sucedido ".

La crítica actual en los Estados Unidos la elogia. Kenneth Turan en las páginas de Los Angeles Times ijo de ella que era "Expresionista al extremo (...) la película eleva el habitual ambiente perturbador del cine negro a un nivel al que pocas películas han apuntado"

Para Michael Wilmington del Chicago Tribune estamos ante "Un maravilloso regalo que ningún cinéfilo debería perderse"

Según Andy Seiler en USA Today a destacar "Un drama criminal oscuro y extravagante" . Por su parte, Roger Ebert en la web rogerebert.com dice que "Los destinos de todos los protagonistas están relacionados de principio a fin, y la fotografía lo ilustra atrapándolos en los mismos planos, o relacionándolos a través de los cortes (…)" E

Para Howard Thompson en el The New York Times entiende que "Gracias a Orson Welles, nadie, y nos referimos a nadie, se dormirá durante 'Touch of Evil' (...) Welles es un obvio pero brillante saco de trucos."

En el Reino Unido Angie Errigo en Empire destacaba la "Increíble fotografía e interpretada con brillantez, es sin duda una de las películas criminales más influyentes de la historia (…) ; mientras que    Peter Bradshaw en The Guardian se trata de "Un drama noir brillante (...) Orson Welles hizo una de sus interpretaciones más Shakespearianas (…) "

Geoffrey Macnab en The Independent es "[Una] obra magnífica (...) Marlene Dietrich le da una de las mejores interpretaciones de la historia del cine."

Para   Joshua Rothkopf de Time Out se trata de "Una lección maestra de tensión, estilo visual y excesos de serie B (…) "

Por útimo Keith Phipps de AV Club afirma que "La cima de todos los dramas criminales duros que invadieron los cines tras la Segunda Guerra Mundial."

La crítica en España dijo sobre ella que es una "Obra maestra de Welles de deslumbrante reparto y compleja historia sobre el poder y la corrupción. Atención a su espectacular plano secuencia de apertura, un prodigio de dominio de la técnica y puesta en escena, y sin duda uno de los mejores comienzos de la historia del cine", según Pablo Kurt en filmaffinity.

Para  Fernando Morales en las páginas del  diario El País se trata de un"Sobresaliente filme (...) la magnífica dirección de Orson Welles eleva a la categoría de clásico esta intriga policiaca (...) ejercicio de estilo inigualable"

La película , además de ser preservada por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, fue incluida entre los "1001 Películas que debe ver antes de morir", editado por Steven Schneider , y en la lista de "Grandes Películas" de Roger Ebert .

La película es una joya técnica. Una obra de arte. Sólo por su plano secuencia inicial que supera los tres minutos, con música de Henry Mancini, ya merece verse. A esto se le unen los juegos tenebrosos de luces y sombras. Vamos toda una joya de buen cine.


Para terminar usaré las palabras escritas por Guillermo Cabrera Infante sobre esta película en Cine y Sardina, en concreto en su artículo Marlene cuenta el tango. El escritor cubano nos cuenta que de sus últimas actuciones: "la mejor actuación de Marlene se la regaló a Orson Welles - y casi sin cobrarle- en Sed de mal---Marlene toda de negro , era Tana, una puta envejecida que es ahora una cartomántica cerca de la frontera. "Adiviname el futuro", le pide Orson  disfrazado de hombre gordo. El es un policía corrupto y ella su vieja novia: tan vieja que ninguno de los dos recuerda su primer beso. "Npo tiene futuro , querido", dice Marlene "Lo has malgastado todo". Pero , dice el escritor cubano, ninguno de los dos tiene futuro ni fruto.

Esta es la última película de Welles en Hollywood y Marlene, al usar una peluca negra, gastó su imagen de rubia. Orson dijo de ella , más bien profetizó "Es un último gran papel". Al final de la película, con el policía Hank  Quilan abatido por su segundo un segundo antes, alguien le pregunta a Marlene  qué pensaba del muerto. "Era una clase de hombre", queriendo decir de lo que ya no hay. Palabra de un cervantino cubano, pero cervantino. Mis saludos, maestro.

La niebla de Carpenter

Antes de nada tengo que reconocer que grabé por error en mi nube  pensando que era la película de Frank Darabont inspirada en la obra de Stephen King. Craso error , resultó otra, y para mi desconocida obra surgida en este caso de la mano de John Carpenter,  un clásico de lo que se ha considerado serie B y autor que tuvo entre los finales de los setenta y los noventa su época dorada. Es uno de los grandes y eso no hay quien lo niegue. Tras la irrupción de Halloween, Carperter volvió a las pantallas con esta Fog, la niebla, que acaba con una música que nos remite a la Halloween su primer gran éxito. 

La niebla (The fog) es una película de terror del año 1980 dirigida por el citado John Carpenter.y que nos cuenta la historia de una extraña niebla, brillante que se extiende por una pequeña ciudad costera en California, San Antonio Bay, trayendo consigo los fantasmas vengativos de los marineros que murieron en un naufragio allí exactamente 100 años antes. 

La niebla fue la primera película de Carpenter después del éxito de su película de terror 1978 de Halloween , y en ella volvió a contar con la protagonista Jamie Lee Curtis. Como era habitual en estos primeros momentos algunos directores tiraban, además de los actores del momento, de otros u otras que había dejado sus mejores años profesionales en décadas anteriores es el caso de Janet Leigh que, por cosas de la vida, era la madre de la otra protagonista indicada, Jamie Lee Curtis, producto de su relación con Tony Curtis, cuando contaba 53 años. 

La película es una producción de Debra Hill, persona también implicada en el guión que escriben a medias tanto John Carpenter como Debra Hill. En ella están presentes la productora AVCO Embassy Pictures junto a EDI y la citada Debra Hill Productions, siendo distribuida por AVCO Embassy Pictures. La película contó con un presupuesto de $ 1 millones de dólares, consiguendiendo en taquilla la nada despreciable cifra de 21,3 millones . 

Como es habitual la música vuelve a ser de John Carpenter, mientras que la fotografía es de Dean Cundey y el montaje de Charles Bornstein y Tommy Lee Wallace. 

El reparto lo componen Adrienne Barbeau como Stevie Wayne, Jamie Lee Curtis como Elizabeth Solley, Janet Leigh como Kathy Williams, John Houseman como Mr. Machen, Tom Atkins como Nick Castle, James Canning como Dick Baxter, Charles Cyphers como Dan O'Bannon, Nancy Loomis como Sandy Fadel, Ty Mitchell como Andy Wayne, Hal Holbrook como el Padre Malone, John F. Goff como Al Williams, George 'Buck' Flower como Tommy Wallace, Darwin Joston como Dr. Phibes, Rob Bottin como Blake y John Carpenter como Bennett. 

La película comienza con un frase del poeta bostoniano Edgar Allan Poe que se pregunta ¿Todo aquello que vemos o creemos ver, no es más que un sueño dentro de otro sueño? La primera escena es reveladora de las intenciones del film. Un viejo lobo de mar cuenta la leyenda de Elizabeth Dane a un grupo de chicos que rodean la hoguera. 

Y dice lo siguiente . "Son las doce menos cinco, casi medianoche. Hora para contar una historia. Una de esas historias que sirven para quitar el frío. Faltan cinco minutos para que comience el día 21 de abril. Hace cien años y precisamente el día 21 de abril en el mar, en las aguas que rodeaban Spivey Point, navegaba un velero que se acercaba a tierra. De pronto, en plena noche, se vio envuelto por la niebla. Por un momento esos hombres no pudieron ver nada, absolutamente nada. Pero al fin, divisaron una luz. Era una columna de fuego que ardía en la orilla, tan potente que podía atravesar la espesa niebla. Enfilaron la proa hacia aquella luz, que resultó ser una hoguera semejante a esta. El barco se estrelló contra las rocas, el casco se partió en dos, su mástil fue arrancado de cuajo. El barco se hundió, con todos los hombres abordo. En el fondo del mar reposa desde entonces el Elisabeth Dane, con toda su tripulación, con sus pulmones llenos de agua salada y sus ojos abiertos mirando fijamente en la oscuridad. Y en la superficie, con la misma rapidez con que llegó, se fue aquella niebla, retirándose mar adentro, y jamás volvió a aparecer. Por eso, los pescadores que viven aquí , lo mismo que sus padres y sus abuelos, creen que el día que la niebla vuelva a Antonio Bay, los hombres que yacen en el fondo de las aguas cercanas de Spivey Point, se alzarán, se alzarán y buscarán la hoguera que les condujo a su trágico destino y horrible muerte". 

Por lo tanto la fundación de Antonio Bay se relaciona con un secreto oscuro del pasado cuando los primeros colonos habían llevado a propósito un barco hacia al arrecife para impedir que se instalará un lazareto de lepra, ya que un acomodado leproso había comprado con oro el terreno para instalar allí el lazareto . El comprador y sus compañeros de infortunio estaban a bordo del barco y murieron ahogados. 

Tras del accidente, los seis conspiradores fundaron la ciudad con ese oro. Usaron un parte de oro de los leprosos para construir un cruz del altar por la iglesia de la población. 

Siendo el centenario del aniversario de la fundación por parte de aquellos seis colonos y fundadores. Todos recuerdan que el dia 21 de abril de 1880, un velero llamado Elizabeth Dane se vio envuelto por la niebla, cerca de Antonio Bay. Engañados por el resplandor de una hoguera, los marineros enfilaron su barco hacia los arrecifes, estrellándose contra las rocas y falleciendo toda la tripulación. Desde entonces, cuenta la leyenda que cuando la niebla vuelva a Antonio Bay, los marineros ahogados se alzaran sobre sus restos y buscaran la venganza en los habitantes del pueblo. 

En 1980, Antonio Bay festeja su centenario sin prestar demasiada importancia a la maldición... La actividad paranormal comienza a ocurrir al filo de la medianoche la noche anterior al aniversario y empieza en la Iglesia. Allí el Padre Malone encuentra de una manera llamativa en la iglesia cuando, tras un temblor, cae un pedazo de mampostería de la pared de la Iglesia, dejando al descubierto una cavidad que contiene un viejo diario.

Se trata del diario de su abuelo de hace un siglo. Revela que en 1880, seis de los fundadores de Antonio Bay (incluyendo el abuelo de Malone) hundieron deliberadamente el clíper Elizabeth Daney que luego saquearon . La nave era propiedad de Blake, un hombre rico con la lepra , que quería establecer una colonia de leprosos en las inmediaciones. El oro de la nave se utilizó para construir Antonio Bay y su iglesia. La conclusión es que su abuelo, que también fue párroco fue uno de los intervinientes en aquella desgraciada jornada enterándose así de la verdadera historia de la fundación. 

Antes de que una niebla densa aparezca sobre el mar, escuchamos y vemos a una locutora de la radio Stevie Wayne, que está emitiendo desde el faro de Spyvey Point. Recibe la llamada de un amigo que trabaja en el servicio meteorológico y que le anuncia que un gran banco de niebla radiante va acercándose a la bahía. 

Por la radio, advierte a los barcos de pesca, pero uno de ella en el que van tres pescadores queda envuelto en la niebla. Los tres miembros del personal han observado la emisión y la propagación de la niebla de forma repentina. Cuando salen a la cubierta superior ven como un barco antiguo se aproxima. La niebla trae consigo a la Elizabeth Dane, El barco no aparece sólo, sino que lo hace repleto de espíritus, llevando a la vengativa encabezada por Blake y su tripulación , cuando la extraña y brillante niebla envuelve al arrastrero salen los espíritus de los ahogados vengativos y asesinan a los tres pescadores de uno en uno. 

Esa misma noche, un chico, Nick Castle, va con su camioneta por la carretera con intención de ir a su casa, pero se encuentra a una joven autoestopista. Se trata de Elizabeth Solley una chica de Pasadena que pretende llegar a Vancouver haciendo autostop y vendiendo sus bocetos. La furgoneta sufre un extraño accidente cuando la niebla se aproxima rompiendo sus cristales. De cualquier manera sobre viven y pasan la noche juntos. 

Durante esa noche la niebla se acerca a la casa y alguien golpea la puerta. Nick va a abrir cuando , de repente, salta el reloj rompiendo su esfera. Cuando abre, la niebla se ha difuminado. 

A la mañana siguiente, la ya pareja formada por Elizabeth Solley y Nick Castle, los que se han conocido la noche anterior, va a buscar los pescadores que habían quedado con Nick. Al no llegar su barco, se hacen a la mar y encuentran a uno de los cadáveres en el barco. 

La misma mañana, Andy, el niño de Stevie, la locutora,, a la que despierta, encuentra la pieza de un barco, que parece ser del centenario Elizabeth Dane en la costa rocosa tal y como se puede leer en la tabla vieja de entarimado que lleva a su madre. Intrigada Stevie coge la pieza y se la lleva a su estudio que está en el faro para indagar más sobre su origen. Stevie la lleva con ella al faro , donde se difunde su programa de radio. Coloca la madera al lado de un reproductor de cintas que se está reproduciendo, pero la madera inexplicablemente comienza a filtrar el agua haciendo que el reproductor de cintas haga un cortocircuito. La voz de un hombre misterioso emerge del reproductor de cintas jurando venganza, y las palabras "6 debe morir" aparecen en la madera antes de que estalle en llamas. Stevie extingue rápidamente el fuego, pero luego ve que la madera una vez más lee "DANE" y el reproductor de cinta comienza a trabajar de nuevo con normalidad y volviendo de inmediato a marcar el término Dane. 

Después de localizar el barco rastreador que falta, Nick y Elizabeth han encontrado el cadáver de Dick Baxter con los ojos arrancados. Los otros dos pescadores están desaparecidos, uno de los cuales es el esposo de Kathy Williams, que está supervisando las celebraciones del centenario de la ciudad. 

Mientras tanto, las autoridades locales representada por Kathy Williams (Janet Leigh) que estaban preparando una fiesta del aniversario ese mismo día, que culminará en descubrir un monumento de los colonos primeros por la alcalde. A pesar del incidente, la alcaldesa decide seguir con la programación. 

Esa noche, la niebla vuelve a propagarse del mar por toda la ciudad y las criaturas matan a otros dos personas, al colaborador metereológico de Stevie y la señora que cuida al hijo de ella. En el primer caso, cuando las celebraciones de la ciudad comienzan, Dan, el hombre del tiempo local, llama a Stevie a la estación de radio para decirle que otro banco de niebla ha aparecido y se está moviendo hacia la ciudad. A medida que están hablando, la niebla se centra alrededor de la estación meteorológica y Dan oye un golpe en la puerta. Piensa que es una broma, pero contesta y al abrir es asesinado por los aparecidos. 

Mientras esto ocurre Stevie escucha todo con horror. Por su parte, Stevie ve el banco de la niebla del faro y advierte a los habitantes del pueblo. Stevie que continúa con su programa de radio ve como la niebla comienza a moverse hacia el interior. La expansión de la niebla supone que se corten las líneas telefónicas y las líneas de conducción eléctrica de la ciudad. Con el uso de un generador de reserva, Stevie pide a sus oyentes que vayan a su casa y salven a su hijo cuando la niebla le impide salir del faro. 

A medida que la niebla envuelve la casa de Stevie, los aparecidos matan a la niñera de su hijo, la señora Kobritz. A continuación, persiguen a Andy. A la llamada de socorro en auxilio de su niño, que está en peligro , y a las suplicas son escuchadas por Elizabeth Solley y Nick Castle. Nick llega justo a tiempo para rescatarlo. Éste último logran salvar al chico. 

Stevie aconseja a todos que se refugien en la iglesia del pueblo, y un grupo de supervivientes busca refugio en la iglesia del Padre Malone. Una vez dentro, Nick, Elizabeth, Andy, Kathy, su asistente , y el Padre Malone se refugian en una habitación trasera cuando la niebla lo invade todo en el exterior. 

Dentro de la habitación, localizan una cruz de oro en la cavidad de la pared que está hecho de oro robado. A medida que los aparecidos comienzan su ataque, Malone se lleva la cruz de oro a la capilla. Cuando los espíritus llegan a la iglesia, el padre Malone les deja la cruz de oro, lo que al comienzo les hace frenarse en sus intereses y la niebla desaparece ante su sorpresa, más aún , sabiendo que han venido a vengarse de esas seis vidas en lugar de los seis conspiradores originales que les llevaron a la muerte, pero el ofrecimiento de Malone parece haber tenido éxito, pues Blake lo toma. 

En el faro, un mayor número de aparecidos atacan a Stevie, atrapándola en el techo. Pero la situación de la iglesia , que parecía terminada no lo está, pues que dentro de la iglesia, Blake se apodera de la cruz de oro, que comienza a brillar y con ella Malone. 

Sin embargo, Nick tira de Malone lantes de que desaparezca en un destello cegador de luz junto con Blake y su tripulación. Los que atacaban a Stevie en el faro también desaparecen, y la niebla se desvanece. Más tarde esa noche, y tras la salida de los otros de la iglesia, Malone está solo en la iglesia preguntándose por qué Blake no lo mató y no cumplió con la promesa de acabar con las seis vidas. 

No obstante, la niebla a continuación, vuelve a aparecer dentro de la iglesia, junto con los aparecidos. El espíritu del leproso Blake asesina al Padre Malone con un golpe con su espada cortándole la cabeza, y acabando así la película. 

La historia de esta producción comienza cuando el director , John Carpenter, estaba en un viaje por Inglaterra, concretamente, por Stonehenge, cuando promocionaba su película Asalto a la comisaría del distrito 13 (1976), y entonces en el yacimiento arqueológico le llamó la atención un banco de niebla que se desplazaba sigilosamente por el mar. Así lo comenta el director "Cuando estuve en Inglaterra, hace muchos años, fui a Stonehenge. La atmosfera allí era tremenda. Mire a mi alrededor y la niebla lo cubría todo, era fantasmagórica, blanca y visual, muy visual. Pensé en la posibilidad de que saliese de ella una forma oscura y viniese hacia mí. Imagine un pequeño pueblo, con aquel banco de niebla acechando lentamente desde la carretera. De repente envuelve tu casa y oyes como llaman a la puerta...". 

El propio John Carpenter afirmó que parte de la inspiración para la historia le vino igualmente de ver la película británica "El Trollenberg terror" (Quentin Lawrence, 1958), que trata de monstruos que se esconden en las nubes. La historia de los restos de un barco y su posterior saqueo se basa en un hecho real que tuvo lugar en el siglo XIX, cerca de Goleta, California u otro acontecido en Rhode Island .

La idea de La Niebla creció y se convirtió en un guión escrito por el mismo Carpenter y su habitual colaboradora, Debra Hill, quien también es productora, en el que la influencia de escritores como Lovecraft, Hodgson o Arthur Machen (Machen es el nombre del marinero interpretado por John Houseman) parece evidente. La frase de Poe que abre la película (idea de Debra Hill), aunque parezca ajena a la trama, adquiere significado en la sobresaliente atmósfera onírica que destila cada uno de sus fotogramas. Y es que Carpenter, mediante el empleo de la música (compuesta por él), de la iluminación (muy inquietante el uso de tonalidades verdes y rojas) y visible especialmente con la presencia de la esa niebla luminiscente y con su ritmo narrativo consigue crear una película con atmosférica de pesadilla. Pesadilla basada en la leyenda y que está ya presente en la narración del viejo marinero a unos niños cobijados alrededor de una hoguera. Carpenter , casi desde ese momento vuelve a incluir sus acordes musicales, la iluminación tenue luz de la hoguera y la historia del velero Elisabeth Dane, que nos sumergue en una historia clásica de fantasmas, tanto en su forma como en su contenido. 

La historia es asumida por tres protagonistas y actores/ actrices habituales en la filmografía de Carpenter: Nick Castle (Tom Atkins), junto a la autoestopista Elizabeth Solley (Jamie Lee Curtis);Stevie Wayne (Adrienne Barbeu), y por entonces mujer de Carpenter, locutora de un programa de radio, la que divisa desde el faro el avance de la niebla va contra el viento; y el Padre Malone (Hall Hollbrock), a través del diario de un antepasado. Se trata pues de una historia coral en la que Carpenter manejavarios personajes simultáneamente, y para ello se vale de un recurso constante en sus películas: el montaje paralelo. 

Por medio de esta acción paralela consigue momentos de gran tensión, como cuando Stevie Wayne pide ayuda por radio al ver que la niebla se acerca a su casa, donde está su hijo, y Nick y Elizabeth acuden al rescate, o ese final en el que el grupo es atacado en la iglesia al tiempo que Stevie corre idéntica suerte en el faro desde donde emite su programa. Otro gran ejemplo de ese montaje paralelo, que en este caso le sirve para preparar el terreno para un golpe (efectista) de terror, es el momento en que el Padre Malone lee el diario a Kathy Williams (Janet Leigh) mientras Nick y Elisabeth están en el barco y este relata una historia que le ocurrió a su padre para culminar con el abrupto hallazgo de uno de los cadáveres. 

Otra constante en el cine de Carpenter, del que La Niebla y sus protagonistas son características del cine de Carpenter: anti-héroes o gentes raras. 

Por otro lado, todas las mujeres son fuertes e independientes: Elizabeth huye, sola, en busca de una nueva vida; Stevie cuida, también sola, a su hijo; y Kathy Williams, a pesar de recibir la noticia de la muerte de su marido, no renuncia a dar su discurso, sobreponiéndose a la noticia con entereza. 

Llama mucho la atención lo cuidado de todos los aspectos de su producción a pesar de contar con un presupuesto de sólo un millón de dólares. La magnífica fotografía corre a cargo de Dean Cundey , colaborador habitual de Carpenter , de Spielberg o Zemeckis, quien estuvo ya presente en otras películas de los noventa de éxito como Regreso al futuro o ¿Quién engañó a Roger Rabbit), el encargado del diseño de producción, así como el editor, fue Tommy Lee Wallace adaptador de películas como Noche de miedo II, o del relato televisivo de Steven King, It, y el genial Rod Bottin (Aullidos, Robocop, Seven), quien repetiría con Carpenter en La Cosa (1982), y que trabajó en maquillaje y en los artesanales efectos especiales. Algunos de los fantasmas fueron interpretados por Wallace mientras que Bottin hizo lo propio con Blake, e incluso Carpenter hizo un cameo como Bennet. 

La niebla fue creada mediante hielo seco y máquinas de niebla, pero la localización del faro en Point Reyes (California)- según parece el segundo lugar más neblinoso de América - facilitó mucho el conseguir tomas de niebla natural. Como curiosidad señalar que Carpenter rodó la Niebla en Bodega Bay , cerca de Point Reyes, misma localización en la que se había gestado Los Pájaros (1963, Hitchcock), ambos puntos al norte de San Francisco, donde yo también sufrí esas impresionantes nieblas que invaden la bahía. El rodaje tuvo lugar desde abril 1979 hasta mayo 1979 , además de Point Reyes, en los Raleigh Studios en Hollywood, California (en las escenas de interiores) y en las californianas Bolinas, , Inverness, y en la Iglesia Episcopal de la ascensión en Sierra Madre, también en California. 

Carpenter quedó descontento porque se dio cuenta de que el resultado no era lo suficientemente terrorífico. Fue por eso que volvió a grabar diversas escenas potenciando el terror más directo. Por ejemplo, en la matanza de los marineros, Carpenter cambió esto en las escenas añadidas y le dio un toque más violento. De todas las maneras, vista hoy, pasados treinta y seis años de su estreno, La Niebla es una película entrañable en comparación con los excesos visuales y de casquería a los que nos someten las películas de género. Y quizás este añadido a posteriori de muchas escenas tuviera mucho que ver con ese final algo precipitado . Recordando la experiencia, Carpenter comentó "Fue terrible , tenía una película que no funcionaba, y sabía eso en mi corazón.". Carpenter , por eso, añadido el prólogo con el Sr. Machen ( John Houseman ) hablando a los niños así como otras nuevas escenas con el fin de hacer la película más comprensible, más aterradora, y más gore. Carpenter y Debra Hill han dicho que la necesidad de una re-rodaje se hizo especialmente evidente para ellos después de que se dio cuenta de que la niebla tendría que competir con las películas de terror que tenían alto contenido de sangre. Aproximadamente un tercio de la película acabada fue nuevo material lo que lo aumentó en 100.000 dólares más. Desde finales de los 70 y principios de los 90 John Carpenter se encontraba en el mejor momento creativo de su vida y encadenaba una obra maestra tras otra. La Niebla puede considerarse un relato de terror menor y más sencillo de lo que para él era habitual. Es una película atmosférica en la que la fotografía y música minimalista e inquietante compuesta por el propio Carpenter ayudan y esos efectos que hoy pueden resultar naïf, pero que en su momento lo fueron todo. 

La película fue un éxito absoluto al haber recaudado 21 millones de dólares y eso que fue una película de bajo coste producto del acuerdo en la producción por parte de AVCO-Embassy, autora también de la película Escape from New York (1981), y que tenía un presupuesto de $ 1 millón. Avco-Embassy gastó más de $ 3 millones únicamente en la publicidad que incluía spots de televisión, cuñas de radio, anuncios impresos, e incluso la colocación de las máquinas de humo en los vestíbulos de los teatros seleccionados en los que la película estaba mostrando. 

Una cantidad no revelada más se gastó en 600 copias de la película, 540 de los cuales fueron distribuidos a los cines estadounidenses. Originalmente, la película se fijó para su lanzamiento durante la temporada de Navidad de 1979, pero el presidente Embassy Avco Bob Rehme optó por esperar hasta febrero de 1980, cuando habría menos competencia en las taquillas de otras películas y más pantallas de cine disponibles. 

 A pesar de ser un éxito comercial, la película recibió críticas mixtas inicialmente cuando fue lanzado. En los años transcurridos desde su lanzamiento, los comentarios posteriores fueron más positivos con respecto a la película, convirtiéndose casi en una película de culto o al menos "un clásico menor de terror ". 

Para Carpenter nunca fue su película favorita debido a los " re-shoots" . En Rotten Tomatoes tiene un índice de aprobación del 70% con una media de 6.2 / 10 basada en 40 comentarios. Roger Ebert afirmó de ella que "(...) no es una gran película, pero sí muestra una gran promesa de Carpenter".

Chris Justice considera que en Classic-Horror.com que lo más interesante esté en su composición musical : "La música clásica es también Carpenter, y aunque el compositor han eliminado de hecho su banda sonora original y lo volvió a escribir para adaptarse mejor ambiente de la película, los espectadores se benefician en gran medida de su agudo sentido del ritmo, composición, y el tono. Sus marcadas notas. añaden otra capa de complejidad a una película que demasiado a menudo se olvida que tiene una edición también brillante;.. Vale la pena cada segundo " 

A principios de la década de 2010, Time Out llevó a cabo una encuesta entre más de 100 autores, directores, actores y críticos que han trabajado en el género de terror a votar por sus mejores películas de terror. La niebla colocó en el número 91 en su lista de las 100. 

Para Adrián Massenet en blog de cine lanza dos ideas. La primera antropológica, ya que según él, " Carpenter reincide en su habitualmente sutil crítica a la sociedad “civilizada”, sugiriendo que muchos asentamientos, sobre todo pesqueros, fueron fundados por criminales o asesinos, por mucho que ahora sean un ejemplo de paz y progreso. Es una idea muy interesante que aquí está llevada al límite". La otra como conclusión al decir que se trata de una "Estimable película de Carpenter, que aunque palidece frente a mayores logros suyos, no se trata en modo alguno de una película menor. No he visto a casi ningún cineasta actual de género dominar la atmósfera y perturbar tanto como lo hace Carpenter con tres o cuatro planos. Mi imagen favorita es una de las finales, con el cura enfrentándose a los espectros, entregando la cruz de oro. ¿Por qué iconos tan manidos como espectros, niebla, ojos rojos, cruces enormes, siempre funcionan (cuando el director tiene cine dentro, claro) con la misma fuerza?" Un remake se hizo en 2005 bajo la dirección de Rupert Wainwright con un guión escrito por Cooper Layne y protagonizada por Tom Welling y Maggie Grace . Aunque se basa en la película de Carpenter y en el guión original de Hill, la nueva versión se hizo más en la onda de una "película de terror adolescente" . La película fue criticada casi universalmente por su pobre guión y por sus malas actuaciones y tiene un Rotten Tomatoes calificación de 4%.  Si es que los clásicos mejor no tocarlos.