Cazador blanco, corazón negro

Hace años que no veía Cazador blanco, corazón negro . La vi en el cine en su estreno y luego alguna vez más cuando la grabé en televisión.

En 1994, en uno de esos vaivenes de la legislación educativa, me encontré con que el centro me asignó la impartición de un módulo para alumnos y alumnas de 2º de BUP y me pidió que me pensara el contenido, tuve claro desde el principio lo que quería: ofertar un módulo que llamé Cine e Historia, en base a analizar diversos momentos históricos a través de los ojos de películas que consideraba, medianamente interesantes, de cierta calidad y con directores relevantes. Por el módulo pasaron entre otras En busca del fuego de Jean Jacques Annaud, Espartaco de Stanley Kubrick, El nombre de la rosa de Annaud, Las amistades peligrosas de Stephen Frears, Germinal de Claude Berri ...así como muchas más.

Pero antes de empezar con el desarrollo del módulo , preparé un tema introductorio  sobre lo que era el cine, cuestiones técnicas , principales intervinientes en el proceso hasta iniciar el rodaje  de una película; y para terminar con esa introducción les ponían la última escena de  White Hunter Black Heart, en la que Clint Eastwood, una vez llegado al pueblo de Kivu, uno de los protagonistas con la fatal noticia de su muerte , el sonido de los tambores que anunciaban Cazador Blanco corazón negro, y como se desplaza - afectado por lo ocurrido y por el sonido  - le da razón a su guionista sobre el final inapropiado , se deja caer en su silla del director , todo su equipo le observa, se secretaria abre el "planning" del día, y su fotógrafo le dice "cuando quieras", ante la mirada atenta del productor, sus actores, así como otros técnicos, uno de los cuales, da el inicio por partes: motor, sonido, claqueta que anuncia escena 1, toma 1 y tras un silencia vemos a Clint Eastwood como director dando la orden de acción e iniciando con ello un mito cinematográfico, el de la Reina de África.  Tras esto comenzaba el módulo de Cine e Historia. 

Desde que la vi, la película me pareció monumental y ejemplo de lenguaje metacinematográfico que busca en el cine inspiración en el cine , haciendo cine. 

 Así acababa esta película estadounidense del año 1990, producida y dirigida por Clint Eastwood a través de su productora, la Malpaso Productions , a la que se unió la Rastar Pictures y Warner Bros. Pictures , que además, se quedó con la distribución - siendo su vigésima colaboración con esta major-. El presupuesto que manejó la película fue de unos $24.000.000.  

La película está basada en el libro titulado White Hunter, Black Heart escrito por  Peter Viertel. Esta película fue lanzada treinta y siete años después de que se publicara esta  novela original escrita por uno de los intervinientes del guión de la Reina de África ; aunque Viertel también será uno de los guionistas de la película, de hecho será su película final de Viertel como guionista.

Viertel, nacido en la Alemana Dresde en 1920 y que falleció en 2007, tuvo la fortuna de salir de Alemania en 1927, cuando sus padres judíos y vinculados con el mundo artístico, marcharon a la localidad californiana de Santa Mónica que poco después fue el lugar de reuniones de la intelectualidad de Hollywood y la comunidad de emigrantes de intelectuales europeos,en la que jugaba un papel importante la madre de Viertel, Saskia, actriz y escritora, así como su padre Berthold Viertel guionista y director de cine austríaco. Aunque alistado en los marines su trabajo en la oficina le permitió a los 19 años publicar una novela de éxito, The Canyon (1940), y escribir un guión para Alfred Hitchcock , Saboteur (1942), así como el guión de The Hard Way(1943), un musical de la Warner Bros. dirigido por Vincent Sherman y en la que intervenía, entre otras, Ida Lupino.

Los guiones para las películas se convirtieron en un vehículo para seguir escribiendo novelas. Escritor de éxito en el que gustaba narrar experiencias vividas, fue un hombre interesante y el introductor del surf en Europa, en 1951, aparece junto a John Huston, James Agee y John Collier en la redacción del guión de The African Queen de CS Forester .

Se casó en segunda nupcias con la actriz Deborah Kerr , de la que quedó viudo en octubre de 2007, solo 19 días antes de morir al igual que ella en Marbella. Su última película como guionista fue precisamente esta no sin antes describir al director de la misma un Clint Eastwood estelar su relación con el que aquí se llama John Wilson (el alter ego del director John Huston), aunque Eastwood también consultó a su hija Anjelica Huston. Esto se debe a algo que el mismo director comentó en el documental  Clint Eastwood: El hombre de Malpaso (1994), donde  afirma que en la vida real nunca conoció a John Huston

Para el director que fue alcalde de Carmel este era su segundo biopic consecutivos  tras Bird (1988) su peculiar homenaje al saxofonista Charlie "Bird" Parker.

Como ya he señalado Viertel también  coescribió el guión junto al director  y a James Bridges - su última película  antes de morir en 1993-  y Burt Kennedy .

La película es una recreación algo disfrazada de las experiencias del escritor Peter Viertel mientras trabajaba en la clásica película de 1951 The African Queen , que se rodó en África en un momento en que las filmaciones fuera de los Estados Unidos para películas estadounidenses eran muy raras. El personaje principal, el director presentado como John Wilson, e interpretado por Eastwood, se basa en el director de la vida real John Huston. Jeff Fahey interpreta a Pete Verrill, un personaje basado en Viertel. El personaje de George Dzundza está basado en el productor de la Reina Africana Sam Spiegel . Mientras que el personaje de Marisa Berenson , Kay Gibson y el personaje de Richard Vanstone, Phil Duncan, están basados ​​en Katharine Hepburn y Humphrey Bogart , respectivamente.

Aunque no es lo habitual la película cuenta con la música de Lennie Niehaus; mientras que en la fotografía - al que vemos en un momento al final de la misma - Jack N. Green; mientras que el montaje es el de Joel Cox  y el vestuario de John Mollo, recreando vestimentas de la mítica película de 1951.

En cuanto a los protagonistas tenemos a Clint Eastwood como John Wilson,  Jeff Fahey como Pete Verrill , Alun Armstrong como Ralph Lockhart , Charlotte Cornwell como la Sra. Wilding, , Secretaria de Wilson , Norman Lumsden como George, Clive Mantle como Harry , el director del hotel en el que se aloja el equipo en África, George Dzundza como el productor Paul Landers, Edward Tudor-Pole como uno de los productores Reissar, Roddy Maude-Roxby como Thompson, uno de los socios británicos de Landers , al igual que Basil Fields interpretado por Richard Warwick. También aparece el guía negro de John , Kivu cuyo papel es asumido por Boy Mathias Chuma.

En papeles más reducidos están Timothy Spall como Hodkins, el piloto , la actriz Marisa Berenson como Kay Gibson, Richard Vanstone como Phil Duncan, Jamie Koss como la señora Duncan ( como Lauren Bacall) Christopher Fairbank como Tom Harrison, el director de arte , Mel Martin como la rubia Mrs. MacGregor, Alex Norton y Eleanor David como el señor y la señora Zibelinsky ,Conrad Asquithcomo el cazador Ogilvy y Martin Jacobs como el cazador Dickie Marlowe.

La película es una crónica de los diversos avatares que precedieron al rodaje de "La reina de África", de John Huston , aquí llamado John Wilson (Clint Eastwood) que aparece en la película galopando sobre un caballo y ataviado como un jinete en rojo por la campaña inglesa cuando a la casa en la que se aloja llega un escritor amigo Pete Verrill  (  Jeff Fahey ) que asume el rol de Peter Viertel.

Tras ser atendidos por la Secretaria de Wilson, la Sra. Wilding (Charlotte Cornwell ) hablan sobre su trabajo, pero sobre todo el enorme interés que tiene el director en viajar a  África para rodar su próxima película, la Reina de África, en cuyo guión trabajará tanto él como Pete.

Poco después, una vez confirmada la financiación de la película, cenan junto al productor  Paul Landers (George Dzundza) , así como los otros productores que han invertido su dinero en la película como son Reissar ( Edward Tudor-Pole) , Thompson ( Roddy Maude-Roxby ) y  Basil Fields (Richard Warwick) y los actores principales del reparto,   la actriz  Kay Gibson (Marisa Berenson  )  ,  Phil Duncan (Richard Vanstone ) y su joven esposa la señora Duncan ( Jamie Koss) . Durante la conversación todos ven que lo que realmente mueve al director es África y el deseo de cazar allí un elefante.

Pocos días después parte del equipo, como el director y guionista deciden ir antes al continente africano con el fin de localizar los exteriores, pero, una vez allí, para desesperación del productor en parte por las informaciones de su productor ejecutivo desplazado Ralph Lockhart  (Alun Armstrong )  y el resto del equipo,

Nada más llevar resulta que su único y verdadero objetivo del cineasta de renombre mundial John Wilson es cazar un elefante.

Alegando que tiene que buscar localizaciones se atención va a la fauna, las mujeres , la bebida, el tabaco o defender su patria chica, Hollywood ante las críticas de Lockhart que le echa en cara en varias ocasiones eso de cazador de Hollywood, o a su guionista y amigo judío, ante los comentarios maliciosos de una mujer Mrs. MacGregor ( Mel martin) a la que le tiraba los tejos y que despreciaba la actitud de los judíos durante la Segunda Guerra Mundial y que acaba llamándola zorra, o enfrentarse a Harry  (Clive Mantle como Harry) , el director del hotel que se muestra como un blanco racista y explotador, al que se enfrenta en una pelea a puños.

Pero como parte de sus planes de viaje incluyen la caza de elefantes  que prioriza antes de hacer la película entra en conflicto con todos los que le acompañan incluido el mismo Pete , por supuesto a Lockhart,   sobre todo cuando se instala después de desplazarse en avión llevado de forma salvaje por Hodkins (Timothy Spall  ) , un experimentado piloto que finge ser novel con el fin de causar pavor en Pete y gastarle así una broma pesada y luego para instalarse en la granja de los Zibelinsky (Alex Norton y Eleanor David  ) donde contacta con dos importantes cazadores Ogilvy  ( Conrad Asquith) y Dickie Marlowe ( Martin Jacobs ) que lo ponen en contacto a su vez con un nativo Kivu ( Boy Mathias Chuma) con el que comienza a empatizar el director.

La idea de matar por deporte a un animal tan grandioso lleva a enfrentar a un obsesivo John  Wilson que tiene tos crónica y su salud es deficiente ya que fuma y bebe en exceso,  que Wilson reconoce que está tan mal que no es solo un crimen contra la naturaleza, sino un "pecado" y esa es la razón por la que quiere hacerlo frente a Pete que considera que es animal poderoso y bello.

Tras condicionar a todo el equipo, metiéndoles miedo tanto a Pete como a Lockhart para probar que el barco por los rápidos, comprobando que funciona , no puede evitar tener un encuentro con un impresionante elefante ; pero lo frena al estar junto a las hembras y crías.

Luego vuelve a dar directrices inesperadas como tras montar una aldea decidir no rodar en ella sino en el pueblo de Kivu por ser más auténtico o paralizar los planes de rodaje, que , de cualquier manera , se frenan con las lluvias para desesperación del productor.

Tras cinco días de lluvias torrenciales sin posibilidad de rodar  y fastidiando en todo los posible al equipo, pero sobre todo al productor , amanece sin lluvías, pero justo en el momento en que iba a rodar recibe la información por parte de un hombre del equipo de Kivu que le avisa que ha visto un elefantes de inmensos  colmillos.

Tras dejar el rodaje va a la caza y aunque puede disparar obre el animal no lo hace , pero cuando el gran elefante se da la vuelta , se cruza una cría por lo que el animal ataque interponiéndose en medio Kivu que resulta muerto.

Tras esto vuelven al poblado a rodar donde vemos la escena que antes narré que es la conclusión final de Wilson  sobre el  Cazador blanco, corazón negro.

Una vez vuelta a ver la película señalar que no la he podido ver en inglés así que no he podido comprobar como Eastwood alteró su manera de hablar para adaptarse a la manera que caracterizaba a   John Huston, dibujando sus vocales. Sin embargo, he escuchado la inmensa voz de Constantino Romero, o  cual no está mal.

Esta película se filmó durante el verano de 1989. La filmación de producción de esta película duró aproximadamente dos meses,  que fueron de junio, julio y agosto de 1989. La película se rodó en Kariba, Zimbabwe y sus alrededores, incluidos el lago Kariba , las cataratas Victoria y Hwange . Algunos interiores se rodaron en los alrededores de Pinewood Studios en Inglaterra.

Cuenta la novela de Viertel que Huston era alguien verdaderamente odioso, totalmente egoísta y que se peleaba con todos. Eastwood pidió una suavización del personaje ya que no le interesaba ni lo más mínimo destruir la imagen de su ídolo. El barco utilizado en la película fue construido en Inglaterra con fibra de vidrio y enviado a África para su filmación. Fue alimentado por electricidad, pero fue equipado con motores y motores por el experto en efectos especiales John Evans para hacer que el bote parezca ser de vapor.

El rifle de doble cañón  que usa John Wilson era el que gustaba a la mayoría de los cazadores profesionales y sus clientes de los años cincuenta y que estaba fabricado por Holland & Holland . Los realizadores de White Hunter Black Heart tuvieron mucho cuidado con el arma y la vendieron a Holland & Holland después de filmar "ileso, sin rayar, sin usar".

El actor Clive Mantle , que interpreta al racista gerente del hotel Harry, tiene la distinción de ser uno de los pocos que lucha y con éxito a Clint Eastwood en una película salvo en la de Duro de Pelar y El gran combate. Mantle tenía aproximadamente la mitad de la edad de Eastwood y, según los informes, tuvo problemas para mantenerse al día con él durante el rodaje de la escena de la pelea, la primera y única vez que fue derrotado en una pelea justa.

Clint Eastwood acordó hacer El principiante (1990) a cambio de que Warner Brothers lo dejara hacer su proyecto personal de película, Cazador blanco, corazón negro (1990).

La opinión de Viertel sobre la película terminada se vio atenuada por su idea de que el mismo Huston hubiera preferido una representación con más sarcasmo. En los 70 el propio Viertel estaba convencido de que el actor idóneo para dar vida a John Wilson —el alter ego de Huston— era Jack Nicholson. Por contra Katharine Hepburn, actriz principal de La reina de África (1951), cuestionó la precisión de esta película.

La película fue un rotundo fracaso, aunque la crítica enseguida le encumbró como uno de los mejores trabajos del directo Clint Eastwood.​ Sólo recaudó 2,3 millones de dólares.

Por contra Jim Hoberman, de The Village Voice , la calificó como "el mejor trabajo de Eastwood antes de Unforgiven ... [una] película subestimada del salón de los espejos sobre la megalomanía inspirada en el cine".

Dave Kehr y Jonathan Rosenbaum lo consideran una obra maestra, y este último señala el Brechtiannaturaleza de la actuación de Eastwood, ya que nunca desaparece en el papel que está desempeñando; en cambio, Eastwood siempre es reconociblemente su personaje estrella único mientras nos muestra lo que él imagina que Huston (es decir, Wilson) ha sido. El resultado es "un comentario continuo sobre sus dos temas, Huston y él mismo: las reflexiones y preguntas de un hombre libre". Rosenbaum en las páginas del Chicago Reader  señala que es "Un devastador retrato de una obsesión autoinducida y una mejora notable con respecto al libro de Viertel en términos de ofrecer un mensaje claro y conciso."

En "Variety"  se señaló que "Aunque los créditos finales señalan que esto es 'una obra de ficción', esta es claramente una historia sobre (el Director) John Huston y el período de preproducción para La reina de África (1951) (llamada The African Trader aquí). Eastwood (Clint Eastwood) interpreta al personaje de Huston. Lleva ropa y sombreros de Huston, asume los modales de Huston, fuma puros de Huston y habla con el característico timbre de Huston ". Y concluye diciendo que es "Un estudio emotivo e inteligente sobre un obsesivo director norteamericano."

La crítica de cine Pauline Kael escribió en 1999 que White Hunter era "todavía la mejor novela de Hollywood que he conocido, y ni siquiera está ambientada en Hollywood".

Janet Maslin del The New York Times señala que "Este material marca un antes y un después en la carrera de Eastwood, y deja patente que sus ambiciones como director han superado ampliamente a las que tenía como actor."

Para Peter Travers de la revista Rolling Stone Eastwood "Invierte demasiado tiempo en conversaciones absurdas y en ocasiones parece forzada, pero la compasión que Eastwood siente hacia su personaje (...) resulta genuina."

Roger Ebert en rogerebert.com señala que es "Una de las películas más reflexivas que jamás se han filmado sobre los conflictos que residen en el interior de un artista (…)"

Rita Kempley , parece que no le gusta al ver mucha testosterona en la misma , y en las páginas del  The Washington Post sostiene que "Esta obra no gira entorno al rodaje de 'The Africa Queen'. Es una oda al machismo, al Hollywood que se va de excursión a un safari; una épica realizada para enaltecer la esencia masculina del hombre."

Richard Schickel en Time comenta que "A aquellos que han etiquetado a Eastwood antes de la cuenta como un tradicionalista de lo masculino, 'White Hunter, Black Heart' les hará cambiar de opinión."

Eric Henderson en Slant entiende que "Eastwood alcanza la cima de los dos campos en los que ha trabajado toda su carrera: dirección e interpretación (…)"

Owen Gleiberman de Entertainment Weekly escribe que "Interpretando a Huston, Eastwood parece estar tan alejado de su territorio que parece haber perdido su instinto para entretener, no digamos ya su modestia."

Richard Brody del The New Yorker sentencia al decir que "Eastwood parece estar pasándoselo en grande (...) El 'Nuevo Hollywood', al que la apenada destreza de este director pertenece, se está destapando como si de un Ave Fénix se tratase."

En el Reino Unido Mark Cooper en las páginas de Empire afirma que "Caminando entre la delgada línea que separa la obra maestra de la comida para perros, esta obra se ubica más en la segunda opción, aunque aporta algo de información sobre cómo se rodaba allá por 1950 (…) "

Geoff Andrew en el británico Time Out defiende que "Eastwood ha construido una película de suspense con un ritmo maravilloso, capaz de engañar tanto a la vista como al oído."

Ya en España Fernando Morales en  El País dijo de ella que era "Peculiar y brillante historia sobre el rodaje del clásico de John Huston. Las obsesiones de un director que viaja a África para encontrar los exteriores de su película son el motor de esta efectiva e inteligente producción".

Ricardo Salgado en El Mundo escribe que "A pesar de ello, el espectador nunca llega a sentirse atraído por él, entre otras cosas por esa tendencia a la autodestrucción que no abandona hasta el final de la película —una clara crítica de la irracionalidad de la condición humana— y que lo convierten en un ser oscuro y déspota. Además, también se pone en tela de juicio el colonialismo —enojo de Wilson ante los abusos de los 'blancos'— o a la industria del cine americano —su pasotismo absoluto hacia la película, los actores, el guión...—. Como nota curiosa, cabe decir que Eastwood retoma un género perdido: las antiguas películas rodadas en África, a las que dedica numerosos guiños. "

En ABC se dice que ""Cazador blanco, corazón negro" es una de las películas que Eastwood rodó en la década de 1990 y que supusieron su consagración como realizador. A pesar de no cosechar los mismos éxitos de crítica y de taquilla que tuvieron "Un mundo perfecto" (1993), "Los puentes de Madison" (1995) o la galardonada "Sin perdón" (1992), el filme sirvió para destacar el talante de Eastwood como director. "

Y el ahora actor, antes crítico de cine, Alberto Abuín, escribió en 2010 que " Viertel mezcló hechos reales con otros inventados —incluso se cambiaron los nombres de los personajes por otros— y se centró sobre todo en su relación personal y profesional con John Huston —director tan amado como odiado por muchos— y la obsesión que éste tuvo por irse de caza en África durante la filmación del mencionado film. Eastwood, fan absoluto del cine de Huston, aprovechó la ocasión para hablar de sí mismo y sus sentimientos hacia el cine.

Y concluye diciendo que "‘Cazador blanco, corazón negro’ es un film de profunda belleza, la cual permanece medio oculta, al igual que los verdaderos sentimientos de Wilson —sugeridos siempre encuadrando al personaje entre sombras y con la mirada perdida—, hasta su explosión en las escenas finales, cuando tomando conciencia de sus limitaciones como ser humano ante la fuerza de la naturaleza, decide dar inicio al rodaje de la película con un sentido “Acción”. El cambio de plano da lugar a un encadenado de paisajes africanos magníficamente retratados por Jack N. Green, los títulos de crédito desfilan con aparente calma mientras sentimos los ecos que lloran la llegada de un cazador blanco, pues casi siempre significa la muerte de un corazón negro."

La película tuvo su premio en el Festival de Cannes (1990) donde fue nominada a la Palma de Oro (mejor película)

Por último, la  Asociación de Críticos de Chicago nominó a Eatwood como  Mejor director, es decir, al Premio CFCA.

Por mi parte decir que la película es una joya, con una de las grandes interpretaciones de Clint Eastwood, que aquí se acompañada por un actor que no ha tenido tanto recorrido como Jeff Fahey, en el papel de su vida, así como un gran secundario como Alun Armstrong, en un papel impresionante como bebedor de ginebra empedernido.

Gran fotografía, gran dirección y lo que , posiblemente, echo más en falta es una bando sonora redonda que enmarque la película. Un filme que me ha encantado recuperar y darle la vuelta pues si singular fue La Reina de África , la misma se cierra con Cazador blanco , corazón negro, que lo veo como un pack , un todo, imprescindible.

El cazador

No sabía lo que era una ruleta rusa hasta que lo vi en junio , en concreto el 27 de junio de 1987, en The Deer Hunter , para nosotros El cazador. Ese momento me impactó no sólo a mi sino que será posiblemente una de las escenas más controvertidas desde el estreno,  en la misma medida que me emociono cuando los amigos , antes de la boda de uno de ellos y poco antes de salir para ir a Vietnam, se ponen a cantar este clásico  de la canción de los 60, interpretada por Frankie Valli y los Four Seasons escrito por dos de sus componentes Bob Gaudio y Bob Crewe que se llama “Can’t Take My Eyes Off You” . Creo que son los de los momentos culminantes de la película. Desde entonces la tengo en mi mente como una de las mejores películas que recrean lo contextual en la película y las heridas abiertos de Vietnam en la sociedad norteamericana .

La película de más contenido dramático que bélico es del año 1978 y fue dirigida por el entonces afamado y adorado el neoyorkino Michael Cimino. Cimino se refirió con frecuencia a The Deer Hunter como una película "personal" y "autobiográfica".

Lo cierto es que Cimino le dio a sus compañeros de trabajo (como el fotógrafo Vilmos Zsigmond y al productor asociado Joann Carelli) la impresión de que gran parte de la historia era autobiográfica y parecía estar relacionada con la propia experiencia del director .Cimino concedió una entrevista a The New York Times en la que afirmó que había estado "unido a los boinas verdes en una unidad médica" en el momento de la ofensiva del Tet de 1968. Cuando The Times, el reportero, que no había podido corroborar esto, preguntó al estudio al respecto, los ejecutivos del estudio entraron en pánico y fabricaron "pruebas" para apoyar la historia.

Pero Tom Buckley , un veterano corresponsal en Vietnam del Times, corroboró que Cimino había hecho un servicio como médico del Ejército, pero que el director nunca había estado vinculado a los Boinas Verdes. Su servicio activo de seis meses mientras estudiaba en Yale en 1962, fue como reservista y que nunca fue enviado a Vietnam. El agente de Cimino comentó que el cineasta tenía la intención de demandar a Buckley, pero Cimino nunca lo hizo. 

Michael Cimino aparece como onmipresente en la película está en la dirección, está en el guión y aparece en la producción Michael Cimino entre este caso junto Michael Deeley John Peverall Barry Spikings ejecutivos y productores , al menos Deeley y Spikings, de EMI Films una filial surgido en  1968, de la compañía discográfica EMI como  nueva compañía - EMI Films- para proyectos cinematográficos. Fue Deeley el que compró el primer borrador de un guión especial llamado El hombre que vino a jugar , escrito por Louis Garfinkle y Quinn K. Redeker , por $ 19,000. Más tarde, lo que empezó con una inversión inicial de 19.000 dólares  acabó con una distribución Universal Pictures y un presupuesto $15 millones.

La historia de  Louis Garfinkley  Quinn K. Redeker  cambiará de  espacio , lo que era una historia que se desarrollaba en Nevada, se traslada a Vietnam con las aportaciones o añadidos de Deric Washburn y  Michael Cimino , siendo el primero, Deric Washburn, el responsable del guión definitivo.

Al proyecto se unió en la música Stanley Myers, en la fotografía Vilmos Zsigmond y en el montaje Peter Zinner

Junto a ellos los integrantes de un elenco perfecto integrado por Robert De Niro , Christopher Walken,  Meryl Streep,  John Savage,  John Cazale y a los que se suman George Dzundza y Chuck Aspegren entre otros.

La historia comienza en un Alto Horno y tiene como protagonistas a tres obreros siderúrgicos de Pensilvania: Michael (Robert De Niro ), Nick (Christopher Walken ) y Steven (John Savage ), cuyas rutinarias y felices vidas se transforman de modo irreversible en medio de la trágica devastación de la Guerra de Vietnam.

Son trabajadores en una pequeña ciudad en Clairton, Pennsylvania , a fines de 1967, los trabajadores del acero Michael "Mike" Vronsky, Steven Pushkov y Nick Chevotarevich, con el apoyo de sus amigos y compañeros de trabajo Stan (John Cazale ) y Peter "Axel" Axelrod (Chuck Aspegren ) y el dueño y amigo de un bar local John Welsh (George Dzundza ), se preparan para dar paso a dos ritos: el matrimonio en el caso de Steven con una chica de su comunidad cristiana ortodoxa rusa y el servir en el servicio militar. Mike es un líder del grupo un hombre serio sin pretensiones en la vida y que disfruta con la caza. Steven es el futuro novio, que vive en casa de su madre; y Nick, el hombre introspectivo que al igual que Mike ama la caza de ciervos.

Antes de que salga el trío, Steven y su novia Angela se disponen a casarse en una boda ortodoxa rusa . Mike trabaja para controlar sus sentimientos por la novia de Nick, Linda.

En el salón de bodas una vez realizada la ceremonia tiene lugar en el salón local de VFW . Allí los chicos beben, bailan, cantan y disfrutan de fiesta. Luego marchan a la barra y se dan cuenta de que en ella hay un soldado con un uniforme de las Fuerzas Especiales del Ejército de los EE. UU .

Mike intenta preguntar cómo es Vietnam, pero el soldado lo ignora. Después de que Mike explica que él, Steven y Nick van a Vietnam , el Boina Verde levanta su copa y dice: "Vete a la mierda". Después de haberse abstenido de comenzar una pelea, Mike regresa al bar, levanta su copa y le brinda con un brindis: "¡A la mierda!" El soldado mira a Mike y sonríe.

Más tarde, Steven y Angela beben de una misma copa, una parte tradicional de la ceremonia de boda ortodoxa. La superstición afirma que, si beben sin derramar ningún vino, tendrán buena suerte de por vida. Nadie se da cuenta de que hay dos gotas de vino derramado en su vestido de novia.

Después Angela lanza lanza el ramo de la novia, y lo recoge Linda , así que , en ese momento , Nick le pide que se case con él y ella acepta.

Más tarde esa noche, un borracho Mike corre por la ciudad, desnudándose en el camino. Después de que Nick lo persigue, le ruega a Mike que no lo deje "allá" si algo sucede en combate.

Al día siguiente, Mike, Nick, Stan, John y Axel salen a cazar ciervos por última vez. Mike está exasperado por sus amigos, especialmente Stan, que bebe y hace el payaso, mostrando poco respeto por el ritual de la caza, que para Mike es una experiencia casi sagrada.

Solo Nick entiende a Mike Es la actitud, pero él es más indulgente con sus amigos. Mike va a cazar después y mata a un ciervo con un tiro limpio.

Los amigos regresan al bar de Welsh, con los ciervos de Michael atados al capó del auto. Entran con rudeza, rociándose cervezas y cantando en voz alta. Welsh luego se dirige al piano y comienza a tocar en Nocturno No. 6 Op. De Chopin .

Tras eso la película pasa a Vietnam. Vemos como los helicópteros estadounidenses atacan un pueblo. Un Mike inconsciente (ahora un Sargento del Estado Mayor en las Fuerzas Especiales) se despierta para ver a un soldado del Ejército de Vietnam del Norte ( EVN) dispararle a una mujer que lleva a un bebé. Mike lo mata con un lanzallamas .

Mientras tanto, una unidad de helicópteros UH-1 "Huey" deja a varios soldados de infantería estadounidenses. Entre los soldados que deja se encuentran sus amigos Nick y Steven.

Juntos de nuevo Mike, Steven y Nick se encuentran inesperadamente justo antes de ser capturados por el Vietcong y retenidos en un campo de prisioneros de guerra . Allí mantienen a los presos en condiciones infrahumanas.

Para el entretenimiento, los guardias obligan a los prisioneros a jugar a la ruleta rusa., apostando por el resultado. Los tres amigos se ven obligados a jugar. Steven juega contra Mike, quien ofrece apoyo moral, pero Steven se rompe y entonces apunta el arma hacia arriba mientras aprieta el gatillo, rozando la bala cuando se dispara. Como castigo, los guardias lo metieron en una jaula submarina llena de ratas y cadáveres.

Mike y Nick traman un plan para escapar jugando uno contra el otro, con Mike convenciendo a los guardias de que les permitan jugar a la ruleta rusa con tres balas en la pistola. Después de un tenso combate, matan a sus captores y escapan.

Tras matar a algunos guardias, Mike rescata a Steven. Los tres flotan río abajo en la rama de un árbol. Un helicóptero estadounidense los encuentra, pero solo Nick puede subir a bordo. El debilitado Steven cae de nuevo en el agua, y Mike se tira nuevamente al agua para rescatarlo. Mike ayuda a Steven a llegar a la orilla del río, pero las piernas de Steven están rotas, por lo que Mike lo lleva a través de la jungla buscando posiciones aliadas.

Al acercarse a una caravana de lugareños que escapan de la zona de guerra, Mike detiene un camión militar vietnamita del sur y coloca al herido Steven en él, pidiéndole a los soldados que lo cuiden.

Nick se recupera en un hospital militar en Saigón sin el conocimiento de sus amigos, después de haber sufrido algún tipo de amnesia inducida por el estrés. Después de ser liberado, se va sin permiso y tropieza sin rumbo a través del distrito de luz roja.

Michael (Robert De Niro), en su regreso a casa se muestra huraño y muy distante con sus amigos y seres queridos, los cuales se muestran débiles e infelices por la situación de los tres. Ha logrado escapar, pero la experiencia le ha producido heridas psicológicas que les marcarán en su regreso a casa.

Cuando Mike, se entera de que Steven (John Savage) también ha regresado y se encuentra en una administración de veteranos inválidos. Le telefonea y este le comenta que no quiere volver con su esposa, con la que se casó antes de ir al Vietnam y con la que tiene un hijo. La razón está en que la amputación de sus dos piernas le hace sentirse física y psicológicamente inservible...

De vuelta en los Estados Unidos, Mike quiere mantener un perfil bajo. Le dice al taxista que lo lleva a casa que pase de largo de la casa donde esperan todos sus amigos, ya que se siente avergonzado por la fiesta que ha preparado Linda y los demás , una fiesta de bienvenida para él.

Visita a Linda al día siguiente y se acerca a ella, pero solo por el amigo que ambos creen que han perdido. Luego Mike va a visitar a Angela a la casa de la madre de Steven. Angela apenas responde.

Cuando Mike le pregunta sobre el paradero de Steven, esta escribe un número de teléfono en un trozo de papel,  que lleva a Mike al hospital local de Virginia. Allí Steven ha estado por varios meses.

Una vez conseguido el teléfono de la institución en la que está Steven , Mike va a cazar con Axel, John y Stan una vez más, y después de rastrear a un ciervo a través del bosque, dispara al aire. Luego se sienta en un acantilado de roca y grita: "¿De acuerdo?" , sonido que le devuelve un eco. También reprende a Stan por llevar un pequeño revólver y agitarlo, sin darse cuenta de que está cargado.

Mike además empieza a ver ( y enamorarse) de Linda, la prometida de Nick y empieza a tener una relación con ella.

Mike visita a Steven, quien ahora está confinado a una silla de ruedas, después de haber amputado ambas piernas. Steven revela que alguien en Saigón le ha estado enviando grandes cantidades de dinero; Mike está convencido de que es Nick. Mike le ruega y casi obliga a regresar con Ángela (su esposa). Mike lleva a Steven a un reacio Steven a casa

Tras conseguir esto luego viaja a Saigón justo antes de su caída en 1975 con la intención de buscar a Nick (Christopher Walken) y cumplir la promesa que le hizo antes del viaje que era de llevarlo de vuelta a EE. UU. sin importar las circunstancias.  Tras deambular se encuentra con Julien Grinda, un francés, que le pregunta si les gustan las sensaciones fuertes. Grinda ha ganado mucho dinero con la ruleta rusa.

Lo lleva a una naves cercanas al río que funcionan como una sala de juegos donde los hombres juegan a la ruleta rusa por dinero. Mike está presente en el estudio, mirando el juego, pero los dos amigos no se identifican al principio.

Cuando Mike ve a Nick, no puede llamar su atención. Cuando se introduce a Nick en el juego, toma el arma, la dispara al competidor actual, y luego otra vez a su propia sien, causando disturbios por sus protestas ante los apostadores locales. Grinda lleva a Nick afuera a su auto para escapar de la multitud enojada. Mike no puede alcanzarlos mientras se alejan.

Después del largo viaje, al llegar al destino en donde se encuentra Nick, se desatan todas sus sospechas y descubre que su mejor amigo está participando en el macabro juego al que sus raptores le obligaron a intervenir con maltrato físico y mental en la guerra.

Michael, al ver y al hablar con su amigo se da cuenta horrorizado de que no le conoce, de que ha perdido la razón y de que está completamente trastornado. Solo tiene una oportunidad para que Nick recuerde quién es y vuelva a casa; arriesgar su propia vida participando contra él cara a cara en la ruleta rusa. Mike trata de hacerle recordar a Nick quienes eran con la esperanza de refrescar su memoria y persuadirlo de que vuelva a casa, pero la mente de Nick se ha ido.

Para evitar que tome otra vuelta, Mike agarra los brazos de Nick, que están cubiertos de cicatrices por el uso de drogas. En el último momento, después de que Mike le recuerda a Nick sus viajes de caza juntos, Nick reconoce a Mike y sonríe. En ese momento, Nick recuerda las palabras que Mike le dijo antes de ir a la guerra, un tiro, en referencia a como había que cazar a los ciervos para que no sufran. Inmediatamente después, aprieta el gatillo y se dispara en la sien.

De regreso a casa en 1975, los amigos se reunieron para el funeral de Nick, a quien Mike ha llevado a casa, cumpliendo su promesa, aunque sea como cadáver. Juntos, cantan en voz baja 'God Bless America', y Mike ofrece un brindis a la memoria de Nick en la que era su taberna .

Como ya hemos señalado la película se basó en parte en un guión  llamado The Man Who Came to Play, escrito por Louis Garfinkle y Quinn K. Redeker que se centraba sobre Las Vegas y la ruleta rusa . El productor Michael Deeley , que compró el guión, contrató al guionista y director Michael Cimino quien, junto a Deric Washburn, reescribió el guión,  y tomó el elemento de la ruleta rusa y llevo hasta la Guerra de Vietnam .

En cuanto al elenco el productor Deeley primero parece que ofreció el papel a Roy Scheider , quien abandonó la producción dos semanas antes del inicio del rodaje debido a "diferencias creativas";  así que casi persiguió a De Niro porque sentía que necesitaba el poder estrella de De Niro para vender una película con una "trama que suena horrible y desarrollado por un director apenas conocido".  Para ese momento el productor Deeley estaba satisfecho con el guión revisado, pero le preocupaba poder vender la película. "Aún teníamos que sacar millones de un estudio importante", escribió Deeley, "además de convencer a nuestros mercados de todo el mundo de que deberían comprarlo antes de que se terminara. Necesitaba a alguien con el calibre de Robert De Niro".

De Niro era una de las estrellas emergentes tras Mean Streets (1973), The Godfather Part II (1974) y Taxi Driver (1976).  Deeley sintió que De Niro tenía "la edad correcta, aparentemente fuerte como el infierno, e inmensamente talentoso". La contratación de De Niro resultó ser un golpe de reparto porque conocía a muchos actores en Nueva York. Nada más tener en sus manos el guión, aceptó. El mismo De Niro declaró que "Me gustó el guión y [Cimino] había hecho mucha preparación" "Estaba impresionado". De Niro afirmó mas tarde  que esta fue su película más agotadora físicamente. Explicó que la escena en la que Mike visita a Steven en el hospital por primera vez era la escena más emotiva con la que se había involucrado.

La contratación de De Niro atrajo a Meryl Streep y con ella la atención de Cimino y Deeley. Con Streep llegó John Cazale.

Todas las escenas que involucraban a Cazale, que tenía un cáncer terminal, se filmaron primero. Debido a su enfermedad, el estudio inicialmente quiso despedirlo, pero Streep, con quien estaba en una relación, y Cimino amenazaron con alejarse si lo hacían. También él se sentía inseguro según Streep. Además De Niro quería a Cazale en la película. Esta fue, de hecho,  la última película de Cazale, ya que murió poco después de terminar la filmación. Cazale nunca vio la película terminada.

Para la chica se eligió a Meryl Streep como Linda. Antes de The Deer Hunter , Streep había participado  en Julia (1977) de Fred Zinnemann y en la miniserie Holocausto de ocho horas (1978). En el guión inicial el papel de Streep era insignificante. Cimino le explicó la configuración a Streep y le sugirió que escribiera sus propias líneas.

Tras ellos llegaron los demás. El resto del elenco fue Christopher Walken como el soldado Nikanor "Nick" Chevotarevich. Todo un acierto puesto que su actuación le valió su primer Premio de la Academia , como Mejor Actor de Reparto.

John Savage , una actor con bastante recorrido en la televisión y tras esta película quedó casi desaperecido fue contratado para el papel del soldado Steven Pushkov y un enfermo John Cazale como Stan ("Stosh").

Para papeles menores se eligieron a George Dzundza como John Welsh , Pierre Segui como Julien Grinda , Shirley Stoler como la madre de Steven,  Chuck Aspegren como Peter "Axel" Axelrod que realmente no era un actor sino el capataz de una acería de East Chicago que fue visitaron al inicio del proyecto , en la preproducción , De Niro y Cimino. Estaban tan impresionados con él que le ofrecieron el papel.

Además se contó con Rutanya Alda como Angela Ludhjduravic-Pushkov , Amy Wright como Dama de honor , Joe Grifasi como líder de la banda

Como ya hemos dicho De Niro también acompañó a Cimino a los lugares de exploración para la secuencia de la fábrica de acero, así como ensayó con los actores para usar los talleres como un proceso de vinculación.

Cada uno de los seis personajes masculinos principales llevaba una foto en el bolsillo de atrás, representándolos a todos como niños, para mejorar el sentido de camaradería entre ellos.

Además, el director Cimino instruyó al departamento de utillería para que diseñara las identificaciones de Pensilvania completas para cada uno de ellos, incluidas las licencias de conducir, las tarjetas médicas y otras piezas de parafernalia , con el fin de mejorar el sentido de carácter de cada actor. Por estos detalles y especialmente por el rodaje la película superó el presupuesto y el calendario, y terminó costando $ 15 millones.

La historia tiene lugar en Clairton , Pennsylvania , una pequeña ciudad de clase trabajadora, ciudad situada junto al río Monongahela al sur de Pittsburgh , y en Vietnam. Las escenas de Clairton incluyen imágenes filmadas en ocho ciudades diferentes en cuatro estados: Virginia Occidental, Pensilvania, Washington y Ohio.

Los lugares de rodaje fueron Lemko Hall donde está la Catedral ortodoxa rusa de San Teodosio , en el barrio de Tremont de Cleveland , así como en Steubenville, ambas en Ohio . También rodó en Tremont, en concreto, el banquete de bodas fue filmado aquí.

Para las escenas iniciales vinculadas con el trabajo se rodó en los Hornos centrales de US Steel en Cleveland ,US Steel Widowmaker Central Blast Furnace , Ohio, así como McKeesport como Pennsylvania .

Para el rodaje en Oriente se apostó por Tailandia. Se rodó en localidades como Patpong en Bangkok , para representar el distrito de luz roja de Saigón y en el Don Mueang International Airport de Bangkok así como en St.Gabriel's College transformada en Embajada norteamericana. Se rodó igualmente en Sai Yok , provincia de Kanchanaburi y en el mítico , por el cine, Río Kwai,  donde localizó Cimino el campo de prisioneros y escena inicial de la ruleta rusa. También en la Throng Wad Road.

Igualmente se rodó en el Heather Meadows de Mount Baker-Snoqualmie National Forest y Nooksack Falls en la Sierras de las Cascadas del Norte de Washington , para las escenas de caza de ciervos, al igual que en Whatcom County. También North Cascades Highway (SR 20), Diablo Lake Steubenville, Ohio , para algunos planos de fábrica y barrios.

Otra ciudad como Struthers, en Ohio  se usó para las tomas en exteriores , para la escena de la bolera y de carretera de largo alcance. También incluido, la bolera de la ciudad es Bowladrome Lanes, ubicada en 56 State Street, Struthers, Ohio. En este mismo estado se eligió Mingo Junction para el Bar de Welsh y en Mill Creek Park, en la ciudad de Youngstown.

El rodaje también tuvo lugar en las localidades de Follansbee y Weirton sitas West Virginia , para las escenas de los molinos y remolques.

Sobre como se planteó la película son muy diferentes entre sí las versiones del director Michael Cimino , el escritor Deric Washburn y los productores Barry Spikings y Michael Deeley.

En 1968, la compañía discográfica EMI creó una nueva compañía dentro del grupo para dedicarse al cine. Esta compañía era EMI Films, dirigida por los productores Barry Spikings y Michael Deeley. Deeley compró el primer borrador de un guión especial llamado El hombre que vino a jugar , escrito por Louis Garfinkle y Quinn K. Redeker , por $ 19,000. El guión trataba de unas personas que van a Las Vegas para jugar a la ruleta rusa . En este sentido Deeley señaló que "El guión me había parecido brillante pero no estaba completo. El truco sería encontrar una manera de convertir una pieza de escritura muy inteligente en una película práctica y realizable".

Cuando la película estaba siendo planeada a mediados de la década de 1970, Vietnam todavía era un tema tabú con todos los estudios principales de Hollywood .  Según el productor Michael Deeley , la respuesta estándar fue que "ningún estadounidense querría ver una película sobre Vietnam".

Después de consultar a varios agentes de Hollywood, Deeley encontró al escritor y director Michael Cimino , representado por Stan Kamen en la Agencia William Morris . A Deeley le había gustado la anterior película de Cimino  " Thunderbolt and Lightfoot (1974)" . así que pensó que Cimino pudiera desarrollar aún más  los personajes principales de El hombre que vino a jugar aunque sin perder la esencia del original. Después de que Cimino fuese contratado, fue convocado a una reunión con Garfinkle y Redeker en la oficina de EMI.

Según Deeley, Cimino cuestionó la necesidad del elemento de la ruleta rusa del guión mientras que Redeker lo defendió con   pasión . En el transcurso de otras reuniones, Cimino y Deeley discutieron el trabajo necesario al frente del guión, y Cimino creyó que podía desarrollar las historias de los personajes principales en los primeros 20 minutos de la película.

Cimino trabajó durante seis semanas con Deric Washburn en el guión. Ambos , Cimino y Washburn , habían colaborado previamente con Stephen Bochco en el guión de Silent Running (1972).

Según Cimino, llamaría a Washburn mientras exploraba lugares en la carretera y le daba notas sobre el diálogo y la historia. Al revisar el borrador de Washburn, Cimino dijo: "Regresé, lo leí y no podía creer lo que leía. Era como si lo hubiera escrito alguien que estaba ... mentalmente trastornado". Tras el desencuentro Cimino despidió a Washburn. Cimino luego afirmó haber escrito el guión completo él mismo.

Según cuenta Washburn, él y Cimino pasaron tres días juntos en Los Ángeles en el Sunset Marquis, elaborando la trama. El guión finalmente pasó por varios borradores, convirtiéndose en una historia con tres actos distintos. Washburn no entrevistó a ningún veterano para escribir The Deer Hunter ni realizó ninguna investigación. "Tenía un mes, eso fue todo", explica. "El reloj estaba en marcha. ¡Escribe el jodido guión! Pero todo lo que tenía que hacer era ver la televisión. Los camarógrafos de combate en Vietnam estaban allí afuera junto a los muchachos...". Cuando Washburn terminó, dice, Cimino y Joann Carelli, un productor asociado de The Deer Hunter ...Fui despedido ( ...) Había estado trabajando 20 horas al día durante un mes. ".

Deeley sintió que el guión revisado, ahora llamado The Deer Hunter , abrió nuevos caminos para el proyecto. El protagonista en el guión de Redeker / Garfinkle, Merle, era un individuo que sufrió una lesión grave en el servicio activo y sufrió daños psicológicos por sus experiencias violentas, pero sin embargo fue un personaje duro con nervios y agallas fuertes. El guión revisado de Cimino y Washburn resumió los tres aspectos de la personalidad de Merle y los separó en tres personajes distintos. Se convirtieron en tres viejos amigos que crecieron en la misma pequeña ciudad industrial y trabajaron en la misma fábrica de acero y, a su debido tiempo, fueron reclutados juntos a Vietnam. En el guión original, los roles de Merle (más tarde rebautizado como Mike) y Nick se invirtieron en la última mitad de la película. Nick regresa a casa con Linda, mientras Mike permanece en Vietnam, envía dinero a casa para ayudar a Steven y se encuentra con su trágico destino en la mesa de ruleta rusa.

Ante este cruce de titularidad por el guión, el Gremio de Escritores se le otorgó a Washburn el crédito "Guión por".  Garfinkle y Redeker recibieron un crédito compartido de "Story by" con Cimino y Washburn. Deeley sintió que los créditos de la historia para Garfinkle y Redeker "les hicieron menos que justicia".  Cimino impugnó los resultados del arbitraje.  Los cuatro escritores, Cimino, Washburn, Garfinkle y Redeker, recibieron una nominación al Oscar al Mejor Guión Original por la película.

Antes del comienzo del rodaje Deeley tuvo una reunión con el productor en línea designado de la película, Robert Relyea . Deeley contrató a Relyea después de conocerlo en el set de Bullitt (1968) y quedó impresionada con su experiencia. Sin embargo, Relyea rechazó el trabajo, negándose a revelar su razón.  Deeley sospechó que Relyea creía que el director Cimino habría dificultado la producción. Como resultado, Cimino actuaba sin la supervisión diaria de un productor. Eso sí Deeley  contrató a John Peverall para supervisar rodaje de Cimino.

El rodaje de  The Deer Hunter comenzó el 20 de junio de 1977. Era el primer largometraje que describe la guerra de Vietnam una vez acabada la guerra y se filmó en Tailandia . La película fue filmada durante un período de seis meses y su  presupuesto inicial era de $ 8.5 millones.

Para el final del rodaje The Deer Hunter había costado $ 13 millones y la película aún tenía que pasar por una ardua postproducción.  El editor de películas Peter Zinner recibió 180 km de película impresa para editar, una tarea monumental en ese momento.

Los productores Spikings y Deeley se mostraron satisfechos con el primer corte, que duró tres horas y media. "Nos emocionó lo que vimos", escribió Deeley, "y supimos que dentro de las tres horas y media que vimos había una película fascinante".  Los ejecutivos de Universal , incluidos Lew Wasserman y Sid Sheinberg , no estaban tan entusiasmados. "Creo que se sorprendieron", recordó Spikings. "Lo que realmente les disgustó fue el ' God Bless America  del final'. Sheinberg pensó que era antiestadounidense. "Realmente no les gustó la película. Y ciertamente no les gustó a las tres horas y dos minutos".

Deeley no se sorprendió por la respuesta de Universal: " The Deer Hunter era una especie de película  de la United Artists y no respondía al estilo de Universal.

Deeley estuvo de acuerdo con Universal en que la película necesitaba ser más corta, no solo por el ritmo sino también para garantizar el éxito comercial.

Thom Mount , presidente de Universal en ese momento, dijo: "Esto fue solo una ... pesadilla continua ...La película fue interminable. Fueron The Deer Hunter y The Hunter and the Hunter .  " Mount dice que se dirigió a Verna Fields , el entonces jefe de postproducción de Universal y Zinner finalmente cortó la película a 5.5 km.  Cimino despidió a Zinner cuando descubrió que Zinner estaba editando las escenas de la boda que en principio duraría unos 45 minutos. Zinner finalmente ganó el Oscar a la Mejor Edición por The Deer Hunter . Respecto a los enfrentamientos entre él y Cimino, Zinner dijo: "Michael Cimino y yo tuvimos nuestras diferencias al final, pero me besó cuando ambos obtuvimos los Premios de la Academia".

Cimino comentó más tarde en The New York Observer , "[Zinner] era un imbécil ... Yo también corté The Deer Hunter ".

The Deer Hunter fue la primera película de Cimino en utilizar el sistema de reducción de ruido Dolby. "Lo que hace Dolby", respondió Cimino, "es para darte la posibilidad de crear una densidad de detalles de sonido: una riqueza para que pueda demoler la pared que separa al espectador de la película. Puede acercarse a la demolición de la pantalla. " Tardó cinco meses mezclar la banda sonora.

El compositor de la película, Stanley Myers, fue al rodaje para escuchar e incluyó una canción de éxito de 1967, cantada por Frankie Valli así como canciones de la Iglesia Ortodoxa del Este como "Slava" y canciones populares rusas como " Korobushka " y " Katyusha ".

La película fue un éxito de público  y de crítica, así como un éxito comercial que consiguió una recaudación de $49 millones de dólares.

La película está considerada como una de las 100 mejores películas de la historia del cine norteamericano por el American Film Institute.

En los Oscars de 1978 consiguió 5 premios. A la mejor película, mejor director (Michael Cimino ), mejor actor secundario (Cristopher Walken), mejor sonido ( C. Darin Knight, William L. McCaughey, Richard Portman y Aaron Rochin ), montaje de un total de 9 nominaciones entre ellas Mejor actor (Robert De Niro), Mejor actriz de reparto (Meryl Streep) , Mejor guion original (Michael Cimino, Deric Washburn, Louis Garfinkle y Quinn K. Redeker) Mejor fotografía ( Vilmos Zsigmond).

En Globos de Oro obtuvo el premio al Mejor director de sus 6 nominaciones a la Mejor película-Drama, Mejor actor-Drama Robert De Niro , Mejor actor de reparto Christopher Walken , Mejor actriz de reparto Meryl Streep y Mejor guion Deric Washburn.

En los Premios BAFTA obtuvo el Premio a la Mejor fotografía (Vilmos Zsigmond) y mejor montaje ( Peter Zinner) de sus 9 nominaciones como Mejor película ,Mejor director, Mejor actor (Robert De Niro), Mejor actriz (Meryl Streep), Mejor guion original (Deric Washburn) y Mejor música (James J. Klinger)

El Círculo de Críticos de Nueva York: premió El Cazador con dos de sus 4 nominaciones : Mejor película y Mejor actor secundario (Walken).

El Sindicato de Directores (DGA) concedió el premio al Mejor director y el Sindicato de Guionistas (WGA) Concedió el Premio Writers Guild of America al mejor guión original en las personas de Deric Washburn , Michael Cimino , Louis Garfinkle, Quinn K. Redeker.

La American Cinema Editor, la ACE, o los Editores de cine estadounidense le concedió a Peter Zinner el Premio de los editores de cine estadounidense al mejor largometraje editado - Dramático. 

En los American Movie Awards premio a Cimino como director y a Meryl Streep , nominando a mejor película , al Mejor actor (Robert de Niro) y Mejor actor de reparto (Christopher Walken).

En Premios de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles 1978 concedió el Premio al mejor director (Michael Cimino).

En los Premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine valoró el Premio a la Mejor Película , al mejor actor de reparto (Christopher Walken) , pero concedió el Premio a la mejor actriz de reparto (Meryl Streep).

En 1996, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

Una de las secuencias más comentadas en la película, el uso por parte de Vietcong de la ruleta rusa con prisioneros de guerra , fue criticada por ser artificial y poco realista ya que no hubo casos documentados de ruleta rusa en la Guerra de Vietnam  El reportero de Associated Press Peter Arnett , quien ganó un Premio Pulitzer por su cobertura de la guerra, escribió en Los Angeles Times : "En sus 20 años de guerra, no hubo un solo caso registrado de La ruleta rusa ... La metáfora central de la película es simplemente una mentira sangrienta ".

El director Cimino también fue criticado por retratar a todos los norvietnamitas como sádicos racistas y asesinos. Cimino respondió que su película no era política, polémica, literalmente precisa, ni poseyó para ningún punto de vista particular.  Además, defendió su posición diciendo que tenía recortes de noticias de Singapur que confirman que la ruleta rusa se utilizó durante la guerra (sin especificar qué artículo).

Durante el 29º Festival Internacional de Cine de Berlín en 1979, la delegación soviética expresó su indignación por la película que, en su opinión, insultó al pueblo vietnamita en numerosas escenas. Otros estados socialistas también expresaron su solidaridad con el "pueblo heroico de Vietnam ". Protestaron contra la proyección de la película e insistieron en que violaba los estatutos del festival, ya que de ninguna manera contribuía a la "mejora del entendimiento mutuo entre los pueblos del mundo". El consiguiente efecto dominó provocó la salida de los cubanos, los alemanes orientales, los búlgaros, los polacos y los checoslovacos, y dos miembros del jurado renunciaron en señal de simpatía.

La película fue aclamado por muchos críticos como la mejor épica estadounidense desde Francis Ford Coppola y su El padrino .

En cuanto a los críticos Roger Ebert defendió la licencia artística de la ruleta rusa, argumentando que "es el símbolo organizador de la película: cualquier cosa que pueda creer sobre el juego, sobre su violencia deliberadamente al azar, sobre cómo afecta la cordura de los hombres obligados a jugar". "Se aplicará a la guerra en su conjunto. Es un símbolo brillante porque, en el contexto de esta historia, hace que cualquier declaración ideológica sobre la guerra sea superflua". Desde las páginas del Chicago Sun-Times,  la  calificó como "una de las películas y con unas de las interpretaciones más conmovedoras que se haya hecho". Y concluye diciendo que "Es [una] mezcla impresionante de 'comercialidad' y 'arte' (…) "

Gene Siskel, del Chicago Tribune, elogió la película y dijo: "Esta es una gran película, que trata sobre grandes temas, hecha a gran escala. Gran parte de ella, incluidas algunas decisiones sobre el casting, sugiere la inspiración de El Padrino ".

El crítico de cine y biógrafo David Thomson también está de acuerdo en que la película funciona a pesar de la controversia: "Hubo quejas de que los norvietnamitas no habían empleado la ruleta rusa. Se dijo que las escenas en Saigón eran fantásticas o imaginadas. También se sugirió que De Niro , Christopher Walken y John Savage eran demasiado viejos para haberse alistado para Vietnam (Savage, el más joven de los tres, tenía 28 años).

En su artículo de Vanity Fair "The Vietnam Oscars", Peter Biskind escribió que la agenda política de The Deer Hunter era algo misteriosa: "Puede haber sido más un subproducto de la miopía de Hollywood, las demandas del género de la película de guerra. "parroquialismo americano de variedad de jardín, y simple ignorancia de lo que era el mapa de ruta pre-meditado de la derecha que a muchos les pareció".  Y también Variety, Charles Schreger señala que "Se mantiene intensa, poderosa y fascinante durante más de tres horas (...) Funciona a muchos niveles y demuestra que Cimino es un director importante que merece ser visto con atención."

Según Christopher Walken, el contexto histórico no era primordial: "¡Al hacerlo, no recuerdo que nadie haya mencionado nunca a Vietnam!" De Niro agregó a este sentimiento: "Si [la visión de la película sobre la guerra] sucedió realmente o no, es algo que se podría imaginar fácilmente sucediendo. Tal vez sucedió. No sé. Todo es justo en el amor y en la guerra".

El crítico norteamericano Presidente de la Asociación de Críticos Cinematográficos Leonard Maltin  calificó la película como un  "trabajo sensible, doloroso y evocador".

Vincent Canby de The New York Times señaló que The Deer Hunter"una película grande, torpe y locamente ambiciosa que se acerca tanto a ser una película épica popular como cualquier película sobre este país desde El Padrino . Su visión es la de un gran cineasta original". Y Canby añadió en su columna en el The New York Times que "Su visión es limitada y su dimensión narrativa es a veces escasa (...) Al mismo tiempo profundamente perturbadora y problemática (...) pero su sensibilidad para el tiempo, el lugar y los trabajadores es genuina" Y este mismo diario, David Denby calificó la película de "épica" con "cualidades que casi nunca vemos, rango, potencia y amplitud de experiencia"

Jack Kroll de Time afirmó que el director Cimino estaba "justo en el centro de la cultura cinematográfica".

Stephen Farber  en la revista New West la calificó como "la mejor película contra la guerra desde La Gran Ilusión ".

Kathleen Carroll en el New York Daily News afirma que "Esta innovadora y enorme película (...) permite entender por qué esta guerra destruyó la esperanza y los sueños de los jóvenes americanos y por qué dejó a muchos de ellos devastados y alienados de la sociedad."

Sin embargo, The Deer Hunter no estuvo exento de una reacción crítica. Pauline Kael, de The New Yorker, escribió una crítica positiva con algunas reservas: "[Es] una película de mentalidad pequeña con grandeza ... con una visión cautivada de la vida común ... [pero] enfurecida, porque, a pesar de su ambición ya escala, no tiene más inteligencia moral que las imágenes de acción de Eastwood ". Además Kael escribió: "Los vietcong son tratados en el estilo oriental inescrutable-malvado de los japoneses en las películas de la Segunda Guerra Mundial ... La impresión que tiene un espectador es que si hicimos algunas cosas malas allí las hicimos". Despiadado pero impersonalmente, los vietcong eran crueles y sádicos ".

Andrew Sarris escribió que la película era "enormemente vaga, tediosamente elíptica y misteriosamente histérica ... Tal vez sea significativo que los actores sigan siendo más interesantes que los personajes que interpretan".

Jonathan Rosenbaum del Chicago Reader desacreditó a The Deer Hunter como un "lloriqueo de los Oscar por los amigos machistas" y "un repugnante relato de lo que los malvados vietnamitas hicieron a los estadounidenses pobres e inocentes". Añadiendo "Aunque los resultados son muy profesionales (...) la autocompasión masculina es tan abrumadora que probablemente intentarás escapar de esta especie de verborrea sobre Tolstoi (...) si es que no te dan náuseas como a mí."

En este sentido , la escritora Karina Longworth señala que Streep "defendió el empoderamiento femenino al interpretar a una mujer para quien el empoderamiento era un concepto extraño: una dama normal de un pequeño pueblo estadounidense promedio, para quien la servidumbre era lo único que sabía".   Afirma que The Deer Hunter "evoca una versión de masculinidad dominante en la que la amistad masculina es una fuerza poderosa". Tiene un "mensaje creíblemente humanista", y el "estudio lento de los hombres en el machismo de la patria felizmente ignorante es crucial para ello".

John Simon  escribió: "A pesar de todas sus pretensiones de algo más nuevo y mejor, esta película es solo una extensión de la vieja mentira de la película de guerra de Hollywood. El enemigo sigue siendo bestial y estúpido, y no es rival para nuestra pureza y heroísmo; solo que ya no limpiamos el piso con él, sino que lo ensuciamos con sus entrañas ".

En el Reino Unido Peter Bradshaw  en The Guardian sostuvo que era una " obra maestra de crueldad y horror de Cimino (...) Atrevida y brillante (…) "

 Adrian Turner en Radio Times señala que "Una de las mejores y más controvertidas películas sobre la guerra de Vietnam (...) Este drama intenso se queda en la memoria por mucho tiempo (…) "

Mientras que Colin Kennedy en las páginas de Empire afirma que es "Una experiencia tan emotiva como desgarradora que pone al espectador en el lugar de un hombre que experimenta lo ocurrido en Vietnam (…) "

 Marc Lee en el Telegraph afirma que  "La obra de Michael Cimino sobre la guerra de Vietnam está cronometrada a la perfección (...) El coste de la guerra en términos de sufrimiento - físico, mental, emocional - rara vez se ha concebido de forma tan aguda."

Por su parte, Almar Haflidason en la BBC "[Un] estudio mordaz sobre la amistad y la devastación mental que provoca la guerra (…)"

Y Chris Auty en Time Out afirma que "Probablemente sea una de las pocas grandes películas de los años 70 (...) Idealmente, funcionará como un test riguroso para la conciencia moral y política de la audiencia (…) .

El crítico de cine  británico David Thomson escribió en un artículo titulado " The Deep Hunter: Historia de una escena" que la película cambió la forma en que se representaban las batallas de la guerra: "El terror y la explosión de la potencia de fuego cambiaron la película de guerra, aunque solo se usara" Un revólver. Más o menos antes de finales de la década de 1970, las películas habían vivido según un código de la Segunda Guerra Mundial en el que las escenas de batalla podían ser feroces pero siempre controladas rigurosamente". Y añadió "desató una nueva dinámica en combate y acción, allanando el camino para Platoon , Saving Private Ryan y las películas de Iwo Jima de Clint Eastwood "

En Irlanda Tara Brady en el Irish Times señalaba que "Hay muchos momentos inolvidables, que son más imborrables gracias a la fotografía de Vilmos Zsigmond (...) La actuación con la que Walken ganó un Oscar es de una belleza atroz (…) "

Ya en España Carlos Boyero  en El Mundo señala que  "No es una película sobre la guerra, sino sobre la amistad. Sobre cómo la vida puede joder las cosas más hermosas que hemos tenido, la imposibilidad de recobrar el esplendor en la hierba. También es un canto a la supervivencia. A mí me sigue haciendo llorar."

Y Fernando Morales en  El País afirma que es "Discutible en algunos aspectos, pero perfectamente dirigida e interpretada. Imprescindible"

El productor Spikings, aunque orgulloso de la película, lamenta la forma en que los vietnamitas fueron retratados. "No creo que ninguno de nosotros haya querido ser explotador", dijo Spikings. "Pero creo que éramos ... ignorantes. No puedo pensar en una palabra mejor para eso. No me di cuenta de lo mal que nos habíamos comportado con los vietnamitas ..."

El productor Deeley, por otro lado, se apresuró a defender los comentarios de Cimino sobre la naturaleza y los motivos de la película: "   no era realmente 'sobre' Vietnam. Era algo muy diferente. No era sobre las drogas o el colapso de la moral de los soldados era acerca de cómo las personas responden a la presión: distintos hombres que reaccionan de manera muy diferente que la película era aproximadamente tres trabajadores del acero en circunstancias extraordinarias. Apocalypse Now es surrealista. el cazador es una parábola ... Los hombres que luchan y pierden una guerra indigna se enfrentan a elecciones obvias y desagradables. Pueden culpar a sus líderes ... o pueden culparse a sí mismos. La auto-culpa ha sido una gran carga para muchos veteranos de guerra. Entonces, ¿cómo un soldado llega a un acuerdo con su derrota y aún así conserva su autoestima? Una forma es presentar al enemigo conquistador como algo inhumano, y la batalla entre los buenos (nosotros) y los malos (ellos) tan desigual, que hace que la derrota sea irrelevante. La inhumanidad fue el tema de la representación de The Deer Hunter de los guardias de prisión de Vietnam del Norte que obligaron a los prisioneros de guerra estadounidenses a jugar a la ruleta rusa. La simpatía de la audiencia con los prisioneros que (de manera comprensible) se resquebrajaron completa la cadena. En consecuencia, algunos veteranos que sufrieron en esa guerra encontraron en la ruleta rusa una alegoría válida " "God Bless America" ​​se convirtió en un tema de acalorado debate entre los críticos cuando se estrenó la película. Se planteó la cuestión de si esta conclusión se quería decir irónicamente o no, "como una crítica del patriotismo o un canto a la misma".

Dicho lo cual que es mucho diré que esta es para mi una de las grandes películas de la historia del cine, que contiene momentos tan emocionante como el que protagonizan el grupo de amigos cantando  "Can’t Take My Eyes Off You” o el de la "ruleta rusa". Está magníficamente retratada e interpretada. Es una joya a la amistad truncada , a la vida perdida sin sentido, al horror  y un monumental retrato de la grandeza y de la degradación en la condición humana que hay que ver y mientras más mejor.