Don´t Look Up!!!

No mires arriba. El timo de la estampita llevado al cine. Mucha esfuerzo realizado por Netflix para tan poco cosa. Sí, estoy de acuerdo. Hay que verla como es ironía, pura y dura, lo interesante es el trasfondo , pero mucha historia y mucha ironía para tan poco cosa. Lo del videoclip de la Grande, ridículo. Con razón nos extinguimos. 

Manhattan

Menuda maravilla de comedia romántica. Cómo he sido capaz de procrastinar y dejar de ver esta maravilla que hoy he podido disfrutar. Menudo trabajo el de todos los integrantes de esta comedia romántica y coral encantadora como el personaje de Tracy por parte de Mariel Hemingway. 

*EC: En construcción

El ladrón de orquideas (Adaptation)

 

Un guion de Charlie Kaufman, basado a su vez en el libro homónimo escrito por Susan Orlean, el cual se basa, a su vez, en un artículo que escribió previamente para la revista The New Yorker y que, después de los créditos finales de la película vemos que está «Dedicada a la memoria de Donald Kaufman» que vendría a ser el hermano gemelo de Charlie Kaufman en la película, pero con un problema añadido: no existe en la vida real ya que es un personaje ficticio. Pero en la entrega de los premios Óscar, Donald Kaufman fue nominado como coautor del film, a pesar de ser un personaje ficticio. Es la primera vez que sucede eso, igual que es la primera vez que Nicolas Cage se come a una actriz de tanto peso como Meryl Streep, pues está rematadamente impresionante al igual que el desdentado aquí Chris Cooper. Me cuesta pensar que esto saliese alguna vez de mi, pero lo he dicho. todo brilla en este película metanarrativa y aparentemente semiautobiográfica que trata sobre el proceso creativo de un guionista de Hollywood contratado para adaptar una novela y la angustia que siente por no ver frutos. 

 *EC: En construcción

Kramer contra Kramer

 

*EC: En construcción 

Río salvaje

Cuando me hablan de James Ellroy de inmediato pienso en dos cosas , La Dalia negra y L.A. Confidencial. La historia del hallazgo del cadáver de Elizabeth Short, esa joven aspirante a actriz, que apareció salvajemente mutilado en un descampado de Hollywood y el misterio que rodeó ese asesinato se transformó en un libro y una película, La Dalia Negra escrito en 1987 por el escritor angelino James Ellroy que vivió de niño el violento asesinato de su madre que fue llevado al cine casi 20 años después, por el director Brian De Palma (Nueva Jersey, 1940) . 

No mucho años antes también se había llevado otra novela de James Ellroy a la gran pantalla, L.A. Confidencial, siendo su responsable Curtis Lee Hanson ( 1945-2016) un director y guionista - también productor- que había nacido en Reno, Nevada , pero que había crecido en Los Ángeles. Comenzó como guionista en 1970, cuando él co-escribió El horror de Dunwich , una adaptación cinematográfica de Lovecraft . Poco después Hanson escribió y dirigió su siguiente largometraje, Sweet Kill, protagonizada por Tab Hunter en 1973 y luego en 1978 escribió y produjo The Silent Partner , protagonizada por Elliott Gould y Christopher Plummer . 

Desde principios de los 80 hasta los 90, Hanson dirigió comedias, dramas y thrillers. Su primer gran éxito fue el thriller psicológico The Hand That Rocks the Cradle (1992), aquí vendida con el título de La mano que mece la cuna, aunque la película que le catapultó fue el neo-noir LA Confidential (1997), centrándose luego en comedias como Wonder Boys (2000), aquí presentada como Jóvenes prodigiosos, y una película que es una referencia en la música, 8 Mile (2002), realizando luego In Her Shoes (2005), y el docudrama para televisión Too Big to Fail (2011) basado en el libro de 2009 de Andrew Ross Sorkin del mismo nombre sobre los inicios de la crisis financiera de 2007-2010 . 

Su última película fue Chasing Mavericks en 2012, pero no pudo terminar - lo hizo Michael Apted - la película debido a problemas de salud durante los últimos días de rodaje. Más tarde, Hanson se retiró del trabajo cinematográfico y se informó que tenía demencia frontotemporal . Murió de causas naturales en su casa de Hollywood Hills a la edad de 71 años. 

Sin embargo, fueron los noventa los años de Curtis Hanson logrando grandes taquillas con la citada The Hand That Rocks the Cradle con la que he visto el día de ayer, The River Wild , y por L.A. Confidencial recibió importantes elogios por parte de la crítica y reconocimientos en forma de premios hasta 9 nominaciones de la Academia, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, y ganando dos: Mejor Guión Adaptado (un crédito que Hanson compartió con Brian Helgeland ) y Mejor Actriz de Reparto (para Kim Basinger ) , así como la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1997 la película que había sido una adaptación de la novela de James Ellroy . 

Hanson siempre reconoció que su cine estaba muy influenciado por los directores Alfred Hitchcock y Nicholas Ray e incluso otro clásico como Elia Kazan. En una entrevista con el New York Times en 2000, Hanson declaró que la película de Ray In a Lonely Place fue una de las muchas que vio en preparación para el rodaje de LA Confidential . 

Como ya he dicho ese gusto por la dirección de los directores clásicos está en The River Wild la película que en 1994 dirigía Curtis Hanson. La película estuvo producida por David Foster, Lawrence Turmany Denis O'Neill bajo en amparo en la producción y distribución de la Universal Pictures que aportó un mareante presupuesto de 45 000 000 US$. 

La película seguía el guion escrito por Denis O'Neill y contó con la música de Jerry Goldsmith - aunque inicialmente tendría que haber sido compuesta por Maurice Jarre , pero después de que los productores descartaron su trabajo, siendo Jerry Goldsmith fue contratado para volver. , la magnífica fotografía de Robert Elswit y el montaje de David Brenner y Joe Hutshing. 

El elenco lo encabeza Meryl Streep como Gail Hartman, Kevin Bacon como Wade, David Strathairn como Tom Hartman, Joseph Mazzello como Roarke Hartman y John C. Reilly como Terry. Junto a ellos aparecen Benjamin Bratt como Ranger Johnny, Elizabeth Hoffman como la madre de Gail, Victor H. Galloway como el padre de Gail, Diane Delano como otro Ranger, Thomas F.Duffy como guardabosques, William Lucking como Frank y Stephanie Sawyer como Willa Hartman. 

La película comienza en Boston con una Gail Hartman practicando piraguismo y pasando por algunos de los puntos más importante de la City hasta llegar a su final bajo un puente. 

Descubrimos así que la protahonista es una mujer activa, independiente, en forma física. Cuando llega a casa lo esperan sus dos hijos, Willa (Stephanie Sawyer) y Roarke (Joseph Mazzello ) que juegan entre ellos mientras hacen muchos ruido por la casa. 

Entre ellos hablan de un viaje próximo dado que el cumpleaños de Roarke se aproxima y que suele celebrar en un punto de la naturaleza en el oeste del país, lugar del que procede ella. Poco despúes llega a la casa el marido de Gail , Tom Hartman ( David Strathairn) y descubrimos que él está entregado en cuerpo y alma a su trabajo en un despacho de arquitectos. este trabajo tan absorvente ha sido lo que ha provocado que en los últimos años Tom no haya participado en las salidas campestres planificadas. 

Además se adivina cierta tensión en este matrimonio bostoniano maduro quees percibida igualmente por sus dos hijos. indudablemnte están en crisis. Cuando él habla de que no podrá participar en el viaje, los reproches estallan. 

De cualquier manera el viaje sigue su curso. Así que Gail y sus dos hijos viajan al oeste lugar en el que le esperan sus padres ( Victor H. Galloway y Elizabeth Hoffman ). 

Al poco de llegar Gail confiesa a la madre su decepción vital y su decadencia como pareja, aunque la madre le explica que este tipo de cosas son comunes en cualquier matimonio, incluso en el suyo. 

Cuando ella alquila una balsa para hacer rafting nos entreamos que ella ahora es profesora de historia en un centro de sordomudos, pero que fue antigua guía de rafting y que la idea es hacer una bajada por los rápidos por el río Salmon en Idaho, junto con su perra, Maggie. La hija, Willa (Stephanie Sawyer), se quedará con los padres de Gail en Idaho. 

Gail es toda una experta en hacer rafting pues ha descendido en numerosas ocasiones dicho río y conoce todos los peligros. Sin embargo hay un peligro que la familia no había previsto. 

A última hora, su marido Tom, que se había quedado en Boston, se une inesperadamente a ellos en el último minuto en un último intento de salvar su matrimonio. 

Las plácidas vacaciones se convierten en una pesadilla cuando unos tipos con los que habla Roarke - Wade ( Kevin Bacon ), Terry ( John C.Reilly ) y Frank ( William Lucking)- y que parecen ser amigables siguen su misma ruta por el río. Con todo los chicos salen antes que ellos pero saben que ella conoce bien el río pues tanto la persona que les alquila la barca como Roarke han hablado de la experiencia de ella. 

Los Hartman salen poco despues, no sin antes haber escuchado por medio de la radio que se ha producido una asalto en la caja de la Feria de ganado local que han sido realizado por unos desconocidos que se han llevado el importe obtenido. La radio informa que se suponen han tomado dirección con la frontera del Canadá. 

Ellos ignoran la noticia y de hecho se ponen al día con el trío durante un receso y notan que uno de ellos, Frank, ya no está con Wade y Terry. Explican que Frank salió de excursión después de una discusión. Desafortunadamente, Frank era su guía, y Wade y Terry carecen de experiencia en rafting. Ante eso una Gail que parece tontear ante los alagos de Wade se ofrece a guiarlos por el resto del río. 

Antes de volver al agua, Maggie, la perra se aleja y siente curiosidad por algo en la maleza más arriba del cañón. Tom la busca antes de que lo descubra y regresan al barco. 

Después de un día de rafting, acampan para pasar la noche, pero Tom continúa trabajando en su proyecto arquitectónico. La madre le lleva una tarta, mientras que el padre le regala una navaja suiza y la madre le entrega el regalo que le ha comprado su hermana, una cámara fotográfica de plástico, submarina que le entregan a Roarke. Pero a los regalos se suma Wade que tras separarse del grupo le entrega dos billetes de 100 dólares. A Tom le parece una barbaridad así que le dice a su hijo que le devuelva el dinero a Wade, pues no debe aceptar ese regalo , algo que indigna a Roarke que se marcha decepcionado con su padre. 

Tras hablar como pareja Gail y Tom se reconcilian ya que el marido es consciente de que no está actuando correctamente. Al separarse de nuevo esa nohe, Gail decide bañarse desnuda sin saber que es observada desde las sombras por Wade que lo descubre cuando Maggie la perra le ladra. Ante esta manera de proceder de Wade , Gail está de acuerdo con Tom en que deben separarse de los hombres. Idean una fórmula para dejarlos en una de sus paradas. Sus planes se trastornan cuando los hombres parten primero con Roarke a bordo de su balsa. 

Wade, mientras va en la balsa le muestra a Roarke un arma. Durante una parada de descanso, Gail y Tom intentan salir con Roarke antes de que Wade y Terry se den cuenta. El intento falla, y Wade apunta con el arma a Tom. Mientras luchan, Maggie muerde a Terry, y tras ello corre hacia los arbustos. 

Tom es brutalmente golpeado por Wade ante los ojos asombrados de Roarke que no esperaba una respuesta así. Gail luego se da cuenta de que Wade y Terry cometieron un robo reportado recientemente y que han matado a Frank, que había sido herido en el asalto a la Feria y que era inútil en el desplazamiento por el río. 

Poco antes de salir se persona en el campamento Johnny, un guardaparque de origen indio ( Benjamin Bratt ) que conoce a Gail de cuando ella era monitora. Wade sostiene la pistola en la espalda de Gail mientras fingen que todo está bien. Johnny, que es tratado descortesmente por Wade, ha encontrado además la cámara de fotos y se la entrega a Roarke.Cunaod Johnny se marcha después de una conversación muy tensa y cortante Wade la rompe sobre las rocas. 

Los Hartman se ven obligados a bajar por el río a punta de pistola antes de montar un campamento para pasar la noche. Durante la noche, Tom intenta aunque no consigue arrebatarle el arma a un Terry que dormía. Tom corre hacia el río con Wade persiguiéndolo, pero él escapa. Wade , que no sabe nadar como ya hemos comprobado, se mete en el río y dispara en varias ocasiones a Tom. Pero es de noche y como no puede cruzar al regresar al campamento Wade miente, diciéndoles a Gail y Roarke que Tom está muerto. 

El plan de escape de Wade y Terry incluye hacer rafting en el Gauntlet, una sección de rápidos muy peligrosa y ahora restringida que Gail una vez navegó con éxito. Allá se dirigen aunque Tom vemos que se ha salvado y que se ha escondido entre las rocas de la ladera que bordea el río. 

Mientras sigue desde la distancia a la balsa se encuentra con su perra Maggie que se ha salvado de los disparos de Wade igualmente. 

En una de las paradas mientras planifican el paso de Gauntlet el guarda Johnny regresa sospechando que Gail tiene la intención de ejecutar el Gauntlet, y le advierte que no lo intente. Ante esto Wade dispara a Johnny y arroja su cuerpo a los rápidos. 

Mientras Tom junto Maggie, corre a pie por el borde del cañón para adelantarse a la balsa. Después de un viaje difícil el grupo entra en la balsa. Roarke y Gail atados a la misma, para evitar maniobras para eliminar a Wade y Terry. 

El grupo atraviesa primero el pequeño Niágara y tras solventarlo se dirigen a Gauntlet. Tom reaparece y diseña una forma para voltear la balsa. 

Tras pasar el Gauntlet Tom consigue voltear la balsa de la que salen Roarke y Gail, a duras penas. Mienyras Tom se lanza al agua y lucha con Terry, Gail consigue el arma. 

Ella apunta a Wade e inicialmente no quiere disparar, pero al ver que las intenciones de éste son las de acabar con todos con la última bala que quueda dispara a Wade y lo mata, mientras Tom somete a Terry. 

La película termina la llegada de la policía, con los Hartman abrazados y Terry, que ha sido arrestado. Finalmente salen en helicóptero mientras vemos imágenes del río salvaje. 

La historia de esta película se inicia en junio de 1993, cuando la Universal Studios comenzó a considerar ubicaciones a lo largo de Middle Fork del río Flathead y el río Kootenai, ambos en el estado de Montana . También comenzaron a buscar permisos del servicio forestal y permisos de propietarios privados para filmar cerca de las cataratas y del cercano West Glacier. Aparte de Montana en busca de ubicaciones, el estudio comenzó a explorar las áreas en Washington, Oregon, Idaho y Wyoming. Antes de que comenzara el rodaje, el equipo pasó dos semanas investigando y desarrollando el rafting en rápidos. 

El rodaje comenzó a finales de julio de 1993 y se desarrolló hasta noviembre de 1993. Muchas de las escenas de aguas bravas de la película se filmaron en el río Kootenai. Otras escenas fueron filmadas en la sección Ruby Horsethief del río Colorado , el río Rogue en el sur de Oregon y el Middle Fork del río Flathead. Streep hizo varias de sus propias acrobacias en la película, en las secciones más suaves del río. Las principales acrobacias en aguas bravas fueron realizadas por la experta guía fluvial profesional Kelley Kalafatich, quien fue contratada como la doble de Streep para la película. 

Hubo un susto al final de un día de filmación cuando Hanson le pidió a Streep que rodara una escena más, a lo que ella se opuso debido a su agotamiento. Sin embargo, decidió intentarlo, y débil por la fatiga, fue arrastrada por el río y estuvo en peligro de ahogarse; no se ahogó debido a su dispositivo de flotación personal y al equipo de rescate del río. Después le dijo a Hanson: "En el futuro, cuando diga que no puedo hacer algo, creo que deberías creerme". Él estuvo de acuerdo. 

Después de completar la filmación de todas las secuencias de aguas bravas en Montana, en el el Parque nacional de los Glaciares y Oregón, el elenco principal y el equipo fueron a Boston, Massachusetts para filmar las escenas restantes del comienzo de la película. La producción se completó en noviembre. 

La película fue estrenada el 30 de septiembre de 1994 en los Estados Unidos y el 20 de enero de 1995 en España. Su recaudación a nivel mundial se acercó a los 100 millones de dóares, en concreto, 94 216 343 US$ .

Obtuvo algunos premios y nominaciones. Entre ellas destacan la nomianción al Globo de Oro que tuvieron tanto Kevin Bacon como Meryl Streep a los mejores actores y actrices. Igualmente el Premios del Sindicato de Actores consideró para premiar por su trabajo en The River Wild a la mejor actriz a Meryl Streep. 

En cuanto las críticas fueron mayoritariamente psotivas. James Berardinelli en ReelViews señaló que "Tiene sus momentos divertidos y espeluznantes (...) Representa para el espectador exactamente lo que cabe esperar de una película con este título (…) "Sigue siendo un thriller familiar, pero los resultados son muy satisfactorios." elogió los valores de producción de la cinematografía y la música, y el ritmo de la experiencia del rafting. También elogió la dirección de Hanson, comparándola con The Hand That Rocks the Cradle (1992), afirmando que Hanson, "podía manipular personajes y situaciones dentro de los cómodos confines de una trama de fórmula", y describiendo The River Wild como un "nivel de emoción diseñada para sumergir las inverosimilitudes y los errores menores , y una película que "desafía los rápidos mientras mantiene al espectador a flote en medio de sus aguas revueltas".También elogió la poderosa actuación de Streep como una heroína de acción femenina, pero describió la película en general como "un corte por debajo de un nudillo blanco". 

Roger Ebert responsable de la columna del Chicago Sun Times y del blog rogerebert.com dijo de ella que "Es una de esas películas con las que te gustaría dejarte llevar, de verdad, pero que tiene tantos detalles sutilmente erróneos que al final acabas perdiendo la paciencia con ellos (…)" En la columna del Chicago Sun Times scribió que los mejores elementos de la película eran su cinematografía, que describió como "muy atractiva", y las actuaciones de Bacon y Streep; describió a esta última como "poniendo mucho humor e inteligencia en su carácter". Sin embargo, Ebert identificó serias fallos en la fuerza de la trama y señaló que "películas como esta son tan predecibles en sus historias generales que ganan o pierden con sus detalles ... The River Wild se construyó a partir de tantas ideas , personajes y situaciones recicladas de otras películas que a lo largo del río seguí pensando: He estado ahí ”. Finalmente el columnista hizo hincapié en la falta de credibilidad en la trama y la absoluta imposibilidad de algunas escenas, en particular las que involucran a Strathairn mientras supera el paso del río, y sus escenas con el acantilado y su navaja suiza.

Janet Maslin del The New York Times defendió que "Sólo la aseguradora que cubre la película puede haber encontrado el trabajo acuático de Streep más emocionante de lo que lo harán los espectadores." 

Peter Travers en las páginas de Rolling Stone señaló que "Puede que no sea una obra de arte, pero sí que es el producto perfecto de cara a aquellos espectadores que tengan ganas de vivir una aventura muy emocionante." 

Rita Kempley del The Washington Post dejó por escrito que "Hubiese sido un producto totalmente banal de no ser por la presencia de Streep en el papel protagonista" Y en ese mismo diario, Desson Thomson, consideró que "Si la ves sin prejuicios y con ganas, la película tiene sus momentos entretenidos: es divertida y algo teatral." 

En el Reino Unido Angie Errigo del Empire sostuvo que "Tiene momentos muy emocionantes y Streep y Bacon lo hacen lo mejor que pueden, pero su arco de suspense no te lleva nunca a sentarte al borde de tu asiento (…) " Por su parte, Adrian Turner de Radio Times consideró que estábamos ante un "Excelente thriller de aventuras (…) " 

Ya en España ABC Play dice de ella que "Alejándose de los dramáticos y profundos personajes que habitualmente interpretaba, Meryl Streep se puso a la cabeza del reparto de "El río salvaje", donde debía demostrar sus habilidades físicas. La película, dirigida por Curtis Hanson ("L.A. Confidential", "Jóvenes prodigiosos"), pretende ser un 'thriller', con el psicópata de turno, pero es más una película de acción que transcurre a gran velocidad a medida que sus personajes descienden por el río. Destaca además en el reparto la presencia de Kevin Bacon, David Strathairn ("Los fisgones") y Joseph Mazzello ("Jurassic Park")." 

Por último Javier Ocaña de Cinemanía comentó que era un "Entretenido thriller, lo mejor, su pulso narrativo"

Por mi parte señalar que estamos ante una entretenida película, con una Meryl Streep en un papel físico, algo no muy común, capacitada para todo , especialmente para las lenguas, aquí la vemos con soltura en el lenguaje de signos. La fotografía espectacular en que la naturaleza tienen tanto a más protagonismo que los seres que en ella aparecen. El resultado es una thriller familiar, con "happy end", bien desarrollado por un director especialmente bien dotado para la narración, en la que el suspense se dosifica de manera adecuada. Muy recomendable. 

Julia de Fred Zinnemann

Yo que me guío en parte por los escritor de Terenci Moix y la visión cinematográfica de un crítico como Guillermo Cabrera Infante, reconozco la autoridad moral en lo cinematográfico que tuvo el cine clásico. Fred Zinnermann fue uno de ese largo listado de directores integrantes de lo que se llamó el Hollywood clásico. Lista enorme que contiene a Howard Hawks, Frank Capra, Nicholas Ray, John Ford, Ernst Lubitsch, Fritz Lang, Robert Rossen, Alfred Hitchcock, Raoul Walsh, Elia Kazan, Billy Wilder, Robert Siodmak, William Wyler, John Huston, Anthony Mann, George Cukor, Joseph L.Mankiewicz, Orson Welles, Otto Preminger, Michael Curtiz, Jacques Tourneur, Leo McCarey, Henry Hathaway o Preston Sturges, entre otros muchos.

Fred Zinnemann nació en el seno de una familia judía en Viena, 29 de abril de 1907. Mientras estudiaba en la Universidad de Viena trabajó como operador de cámara. Trabajó después en Alemania junto con otros vienés como Billy Wilder y con un joven alemán de Dresde, Robert Siodmak, también principiantes; los tres intervinieron en Los hombres del domingo (1929). Posteriormente emigró a los Estados Unidos para estudiar cine.

Uno de sus primeros trabajos en Hollywood sería como extra en Sin novedad en el frente (1930), aunque sería despedido de la producción por criticar al director del film, Lewis Milestone. Después pasó a la dirección, pero como señala Terenci Moix apostó por el realismo especialmente tras ver los efectos devastadores de la guerra; aunque ese realismo ya estaba presente en el quehacer de Zinnemann como se aprecia en su primer corto de ficción Redes (1935), rodado en México , influido por la manera de rodar de Eisenstein e interpretado por actores no profesionales.

Después de haber triunfado con diferentes cortometrajes, se graduaría en 1942, dirigiendo dos películas alimenticias, de terror de serie B cuyos títulos fueron Eyes in the Night y Kid Glove Killer .

Dos años más tarde obtiene su primer éxito para la Metro La séptima cruz (1944), protagonizado por Spencer Tracy. La película mostraba un mensaje antinazi, desarrollando la historia de siete hombres intentado escapar de un campo de concentración alemán y siendo acosados por la Gestapo.

Tras ser despedido del rodaje de El Reloj (1945) por diferencias con la actriz Judy Garland, -la película la terminaría Vincente Minnelli- realizó el melodrama Little Mister Jim (1946) y la comedia My brother talk to horses (1947).

Al año siguiente lo encontramos dirigiendo The Search - aquí presentada como Los ángeles perdidos (1948)-, drama bélico con tono casi de documental que sirvió para descubrir a Montgomery Clift. El director volvió a escoger auténticas localizaciones y extras del Berlín de la inmediata posguerra, en lugar de decorados de Hollywood.

En The Men, Hombres (1950), el director coincidió por primera vez con el guionista Carl Foreman y amparado por el productor Stanley Kramer, siempre interesados en conceder a sus trabajos una perspectiva y reflexión social. El film dio a conocer a Marlon Brando, quien encarnaba a un héroe parapléjico de la Segunda Guerra Mundial que necesita su reinserción. Con este título, por el cual Foreman fue nominado al Óscar, Zinnemann exhibía su excelente tacto para definir sentimientos y psicologías. Fiel a su costumbre, filmaría muchas escenas en un hospital de California, junto a pacientes reales como extras.

En 1951, rodó Teresa (1951), un drama con Pier Angeli y John Ericson, el director ganaría su primer Óscar con el documental Benjy (1951), un corto narrado por Henry Fonda sobre un niño con graves problemas físicos desde su nacimiento. Pero en 1952 fue su año. Realizaría quizás su trabajo más conocido "High Noon" o Solo ante el peligro (1952). Un intento de renovar el western Con un examen psicológico y moral de un hombre de la ley, protagonizado por Gary Cooper, la alegoría política recuerda a la caza de brujas del macartismo. También destaca su innovadora cronología en la que el filme dura 80 minutos, exactamente lo que dura la cuenta hacia atrás antes del duelo final.

Al año siguiente, 1953, Zinnemann volvería a estar en boca de todos con dos títulos: "The Members of the Wedding" , pero sobre todo por From Here to Eternity - "De aquí a la eternidad -, un intento de desmitificar a los integrantes del Ejército norteamericano , situada en los días anteriores al ataque de la aviación japonesa a Pearl Harbor. Sería uno de los primeros papeles principales de Frank Sinatra, además de contar con un excelente reparto con Montgomery Clift, Burt Lancaster, Ernest Borgnine y Deborah Kerr. De aquí a la eternidad sería un éxito de taquilla, de crítica y también en la ceremonia de los Óscar, siendo la película la gran triunfadora de la noche, logrando Fred Zinnemann su primera estatuilla como mejor director.

Después de esta, llegarían otros éxitos, aunque Moix lo señala como un sonoro fracaso, como fue el musical Oklahoma (1955), con Gloria Grahame, Gordon MacRae y Shirley Jones en su debut en el cine, o una serie de películas ejemplares por su clasicismo narrativo como Un sombrero lleno de lluvia (1957), estupendo drama sobre un adicto a las drogas encarnado por Don Murray, e Historia de una monja (1959), adaptación de la novela de Kathryn C. Hulme protagonizada por Audrey Hepburn.
En 1966, tuvo un resonante éxito con A Man for All Seasons, película histórica escrita por Robert Bolt y protagonizada por Paul Scofield en el papel de Tomás Moro. El film consiguió alzarse con el Óscar a la mejor película del año y Zinnemann alcanzaría su segundo Óscar al mejor director.

En la década de 1960, se incorporó a la producción cinematográfica. Su primer largometraje como productor fue Tres vidas errantes un drama ambientado en Australia protagonizado por Deborah Kerr, Robert Mitchum y Peter Ustinov y, posteriormente, Behold a Pale Horse, llamada en España "... Y llegó el día de la venganza (1964)", con Gregory Peck integrante de un maquis enfrentado a un capitán de la Guardia Civil interpretado por Anthony Quinn, donde se narra la vida de los maquis exiliados en Francia tras la Guerra Civil Española. La película supuso el boicot del franquismo a todo el material de la Columbia.

En la década de 1970 estrenaría el thriller político Chacal (1973), basado en la novela de Frederick Forsyth y protagonizado por Edward Fox, que centraba su trama en un complot para acabar con la vida de Charles de Gaulle; Tras eso llegó la película que comentaré , Julia (1977) que tuvo como asistentes a Alain Bonnot y Anthony Waye.

El director se despediría cinco años después del cine con Five Days One Summer (1982), - Cinco días, un verano- una investigación de un complejo romance de mayo a diciembre ambientado en 1933 de un triángulo amoroso ambientado en los Alpes en la década de 1930. El film estaba interpretado por Sean Connery como el médico protagonista, Betsy Brantley y Lambert Wilson.

Alejado de la pantalla grande, fallecería el austriaco a la edad de 89 años el 14 de marzo de 1997 de un ataque al corazón en Londres, tras haber ganado cuatro premios Óscar.

A lo largo de su obra había demostrado que su cine era una demostración de talento y de oficio. Y , en ese sentido, Julia será uno de los mejores ejemplos. Julia pasa por ser una historia sobre la amistad. Sin embargo, aunque puede parecerlo, no es así. Es mucho más y la amistad no deja de ser un vehículo narrativo y la naturaleza del relato.

Julia es una película dramática del año 1977 a partir de un guión de Alvin Sargent . Se basa en un capítulo del libro de Lillian Hellman publicado en 1973 , titulado Pentimento , precisamente la película comienza hablando de lo que es un Pentimento, un arrepentimiento por parte de un pintor en un cuadro que le lleva a alterar , manifestando el cambio de idea del artista acerca de aquello que estaba pintando. Lillian Hellman colaboró en el guión junto a Zinnemann y Alvin Sargent, y fue ella la que impuso a la actriz Vanessa Redgrave para interpretar a su amiga Julia.

Es una película producida por Richard Roth, un productor y escritor angelino, recientemente fallecido - muere en New York en 2017- responsable de algunas películas como The Way We Were, Julia, Manhunter y Blue Velvet para la Twentieth Century Fox con un presupuesto de $ 7.84 millones. También aparecen como productores Tom Pevsner, Julien Derode así como Bruno Kirby y Jean-Pierre Spiri-Mercanton.

En el apartado técnico contó con la música de Georges Delerue, la fotografía de Douglas Slocombe y el montaje de Walter Murch y Marcel Durham. Los responsables de decorados fueron Gene Callahan, Carmen Dillon y Willy Holt. La responsable de vestuario fue Anthea Sylbert, mientras que los maquilladores Bernadine M. Anderson y George Frost, así como Ramon Gow como productor. Las responsables del casting fueron Margot Capelier, Jenia Reissar y Juliet Taylor.

El reparto lo integran Jane Fonda como Lillian Hellman, Vanessa Redgrave como Julia, Jason Robards como Dashiell Hammett y Maximilian Schell como Johann. Igualmente aparecen Hal Holbrook como Alan Campbell, Rosemary Murphy como Dorothy Parker, Meryl Streep en su debut cinematográfico como Anne Marie, John Glover como Sammy y Lambert Wilson como Walter Franz. Igualmente aparecen las jóvenes Lisa Pelikan como Julia y Susan Jones como Lillian. Fue la película final de cine de Cathleen Nesbitt que hace de abuela de Julia.

Tras explicar lo que es un Pentimento , mientras vemos a una persona- posiblemente Lilliam en una barca- que es la que nos va a narrar la película. La película salta en el tiempo pues la historia pasa desde la juventud de las dos protagonistas hasta los años previos a la Segunda Guerra Mundial. 

Descubrimos quiénes son joven Lillian ( Susan Jones ) y su amiga Julia (Lisa Pelikan ). Esta última es la hija de una familia adinerada criada por sus abuelos , pues su madre se ha divorciado y vive alejada de su hija.

Ambas disfrutan juntas de una infancia como vemos en sus paseos, desplazamientos en coche, juegos de palabras . Vemos en paralelo como Lillian (Jane Fonda) vive en una casa en la playa junto a su marido , el escritor retirado Dashiell Hammett (Jason Robards ) que le han instado a escritor. Sin embargo, ella en una crisis creativa, ve que no puede así que Das le dice que marcha a Europa a París. Ella duda, pero tras pensarlo opta por salir a Francia con la posibilidad de ver a su amiga Julia.

Antes de eso, en una adolescencia tardía, descubrimos como Julia ( Vanessa Redgrave ) ha decidido comenzar sus estudios de medicina en Oxford . Allí alguna vez va de visita Lillian y su amiga le comenta que irá a culminar los mismos en la Universidad de Viena.

Tras la llegada de Lillian ( Jane Fonda ) a París, siendo una escritora en dificultades, intenta en ponerse en contacto con su amiga, pero vemos que es prácticamente imposible. La situación en Europa como comprueba Lillian se complica en Francia, pero más aún en Austria y sobre todo en la capital, Viena, pues los nazis lo van controlando todo.

En una de las brutales acciones de los nazis Julia está gravemente herida al tratar de proteger a sus colegas. Lillian recibe noticias de la situación de Julia y corre a Viena para estar con ella. Julia es llevada a un hospital, pero de la noche a la mañana desaparece para un "tratamiento", y Lillian no puede encontrarla nuevamente ya que el hospital niega tener conocimiento de que la hayan tratado allí. Ella permanece en Europa para tratar de encontrar a Julia nuevamente, pero no tiene éxito.

Más tarde, Lillian se convierte en una famosa dramaturga. En una fiesta con sus amigos y editores como Alan (Hal Holbrook), Dottie (Rosemary Murphy) o Anne Marie (Meryl Streep) celebra su éxito.

Su primera obra se convierte en un éxito así que es invitada a una conferencia de escritores en la URSS , junto a sus amigos Alan y Dottie. Lilliam al poco de llegar , recibe un mensaje de Julia, que ha emprendido su batalla contra el nazismo , recluta a Lillian en el camino para pasar dinero unos 50.000 dólares de contrabando a la Alemania nazi para ayudar a la causa antinazi .

Se entrevista con un amigo de Julia , Johann (Maximilian Schell) y le dice que es una misión peligrosa, especialmente para una intelectual judía que se dirige a Rusia.

Lillian parte hacia la URSS a través de Berlín, y su movimiento es seguido por servicios secretos. En su vagón coincide con dos chicas , una mayor (Dora Doll ) y otro más joven (Elisabeth Mortensen ) que la ayuda. Ella guarda la información en un sombrero y en una caja de dulces.

Todo su viaje por Francia y Alemana hasta Polonia son guiados por compatriotas de Julia a través de cruces fronterizos e inspecciones.

En Berlín, le dicen a Lillian que vaya a un café donde se encuentra con Julia. Solo pueden hablar brevemente. Julia divulga que el "tratamiento" que recibió en el hospital de Viena fue la amputación de su pierna. Julia le dice que el dinero que ha traído salvará de 500 a 1,000 personas, muchas de ellas judías. Lillian también se entera de que Julia tiene una hija, Lily, que vive con un panadero en Alsacia .

Después de que Lilian deja a Julia en el café y sube al tren a Moscú, donde asiste a una obra de teatro, una representación de Hamlet, un hombre le dice que evite pasar por Alemania nuevamente después de que abandone la URSS. De cualquier forma le desvalijan parte de lo que lleva.

Cuando Lillian llega a Londres, recibe la noticia de que Julia ha sido asesinada en el apartamento de un amigo en Frankfurt por agentes nazis, aunque los detalles de su muerte están ocultos. Tras no ser recibida en la casa de la abuela de Julia (Cathleen Nesbitt ) , no siendo ni reconocida decide ir Lillian buscar, aunque sin éxito, a la hija de Julia en Alsacia.

Ella regresa a los Estados Unidos y se reúne con Dashiell Hammett. Ella está obsesionada por sus recuerdos de Julia y está angustiada por no haber encontrado al bebé de Julia. Ella está sorprendida de que la familia de Julia finja no recordar a Lillian, claramente queriendo eliminar de su memoria a una nieta que se negó a conformarse en un momento en que la conformidad causó el asesinato de muchas personas inocentes.

La película termina con una idea establecida entre la comunidad de intelectuales en la que se mueve Lillian quien siempre han creído que ella mantuvo una relación amorosa con Julia como le echa en cara Walter Franz (Lambert Wilson ). una imagen de Lillian Hellman sentada en un bote sola, pescando. Ella revela en voz en off que continuó viviendo con Hammett durante otros treinta años y sobrevivió a él por varios más.

La película fue filmada en Inglaterra y Francia entre el verano y el otoño de 1976. En Inglaterra se rodó en Winterton on Sea en Norfolk , en la Isla de Wight, en los EMI Elstree Studios de Borehamwood en Hertfordshire. En Francia se rodó en París en el Hôtel Meurice de Rue de Rivoli,la Gare du Nord, en la Central Station de Estraburgo en el Bas-Rhin, así como en los Studios de Boulogne-Billancourt/SFP en la Rue de Silly de Boulogne-Billancourt en Hauts-de-Seine.

Aunque Lillian Hellman afirmó que la historia se basó en hechos reales que ocurrieron en su juventud, los realizadores más tarde llegaron a creer que la mayor parte era ficticia. Fred Zinnemann manifestaba sobre la película: “Me interesaba mucho mostrar los orígenes del nazismo. Yo mismo fui testigo en Viena, mi ciudad natal, de cómo comenzó todo aquello. Estudiaba en el Liceo y siempre pensé que la gente, en aquellos primeros años, subestimaba a Adolf Hitler, a quien consideraban una especie de payaso. Un día, un compañero de clase llegó con una cruz gamada en el brazo. Le increpé y discutimos. Seis meses después nos peleamos y un año más tarde tiraban a la gente por las ventanas de la Universidad”.

El director Fred Zinnemann comentaría más tarde: "Lillian Hellman en su propia mente poseía la mitad de la Guerra Civil española, mientras que Hemingway era propietario de la otra mitad. Se retrataría a sí misma en situaciones que no eran ciertas. Una escritora extremadamente talentosa y brillante, pero que era una personaje falso, siento decirlo. Mis relaciones con ella fueron muy cautelosas y terminaron en puro odio ". Curiosamente , la persona no muy perceptible sentada en el barco de pesca al principio y al final de la película es en realidad Lillian Hellman.

Jane Fonda hizo la voz en off. Al principio, el director Fred Zinnemann en realidad consideró elegir a Meryl Streep en el papel principal. Sin embargo, como Streep era casi totalmente desconocida como actriz (solo tenía una obra de teatro en su haber y nunca apareció en una película), Zinnemann decidió elegir a Vanessa Redgrave. Lo curioso es que Jane Fonda fue originalmente la elegida como Julia. Sin embargo, cuando los productores tuvieron problemas para interpretar el papel de Lillian Hellman, a la que ya había conocido al ser la guionista de La jauría humana, película que había interpretado, pero decidieron cambiar a Fonda por el papel de Lilliam.

Lo cierto es que cuando se publicó que Jane Fonda y Vanessa Redgrave iban a ser las posibles estrellas para la película, los productores las vetaron siguiendo el consejo del departamento de publicidad, temiendo que elegir a Fonda y Redgrave, ambas conocidas por sus creencias políticas abiertas.

A Jack Nicholson se le ofreció el papel de Dashiell Hammett, y en realidad estaba ansioso por asumirlo. Fred Zinnemann luego se retractó de la oferta, sin embargo, cuando se sintió desanimado por la cantidad de tiempo que le tomó a Nicholson leer el guión, poco menos de una semana.

Fred Zinnemann eligió a Walter Murch para editar la película después de ver su trabajo en The Conversation. Afortunadamente, Murch estuvo disponible cuando la producción de The Black Stallion se suspendió (solo se reinició en el verano de 1977). Según Murch, el día que estaba en una llamada telefónica con el productor Richard Roth y su amigo Matthew Robins, escucharon a Zinnemann preguntando por la disponibilidad de Murch en voz alta en la oficina de al lado de Roth en Nueva York. "Dijeron: '¡Rápido! ¡Escribe una carta a Fred para decir que escuchaste el proyecto!' Entonces afilé mi lápiz, escribí una carta, afortunadamente recibí una carta y luego volé a Nueva York para encontrarme con él. Estaba en Nueva York en abril de 1976. Nos llevamos bien, y cuatro meses después, Aggie, yo ... estaban en Londres. Era mi primera película trabajando fuera de la burbuja estadounidense Zoetrope ".

La película de 1977 Julia se basó en el capítulo "Julia" de las memorias de Hellman recogidas en Pentimento .

Alvin Sargent fue inicialmente bastante reacio a escribir el guión, pero finalmente cedió después de mucha persuasión del productor Richard Roth. Admitió que finalmente se interesó en el trabajo solo después de que escribió la secuencia de flashback de Lillian y Julia jugando juntas como niñas.

El 30 de junio de 1976, cuando la película entraba en producción, Hellman escribió sobre el guión a su productor: Esto no es una obra de ficción y ciertas leyes deben seguirse por esa razón ... Su mayor dificultad para mí es el tratamiento de Lillian como el personaje principal. La razón es simple: no importa lo que haga en esta historia, y no niego el peligro en el que estaba cuando llevé el dinero a Alemania, mi papel era pasivo. Y nada ni nadie puede cambiar eso a menos que escribas una historia ficticia y diferente ... ¿No es necesario saber que soy judía? Eso, por supuesto, es lo que principalmente hizo el peligro.

En una entrevista televisiva de 1979 con Dick Cavett, la autora Mary McCarthy , larga adversaria política y literaria de Hellman , dijo de Hellman que "cada palabra que escribe es mentira, incluyendo 'y' y 'el'". Hellman respondió presentando una demanda por difamación de US $ 2,500,000 contra McCarthy, el entrevistador Dick Cavett y la PBS . McCarthy afirmó que, según ella, demostró que Hellman había mentido en algunos relatos de su vida. Cavett dijo que simpatizaba más con McCarthy que con Hellman en la demanda, pero "todos perdieron" como resultado de ello. New York Times . 

En el momento de su muerte en 1984, Hellman todavía estaba en litigio con McCarthy. En 1983, la psiquiatra de Nueva York Muriel Gardiner que se había involucrado en la demanda por difamación entre McCarthy e Hellman, afirmó ser la modelo para el personaje llamado Julia en Pentimento , y en la película Julia basada en un capítulo de ese libro. Hellman, que nunca conoció a Gardiner, dijo que "Julia" era otra persona. Gardiner escribió que, aunque nunca conoció a Hellman, a menudo había oído hablar de ella por su amigo Wolf Schwabacher , quien era el abogado de Hellman. Según la cuenta de Gardiner, Schwabacher había visitado a Gardiner en Viena. Después de que Muriel Gardiner y Joseph Buttinger se mudaron a su casa en Brookdale Farm en Pennington, Nueva Jersey en 1940, dividieron la casa en dos. Le alquilaron la mitad a Wolf y Ethel Schwabacher durante más de diez años. Mucha gente cree que Hellmann basó su historia en la vida de Gardiner. El editor de Gardiner citó la improbabilidad de que hubiera dos mujeres estadounidenses millonarias que eran estudiantes de medicina en Viena a fines de la década de 1930.

Julia fue estrenada en cines el 2 de octubre de 1977 por 20th Century Fox . De la misma destaca la fotografía de Douglas Slocombe que intenta buscar el realismo más absoluto, pero, al mismo tiempo, los primeros planos en los que, con el uso de filtros, realza la brillantez o la decadencia de los personajes dependiendo del estado de ánimo de cada uno de ellos y el momento de su vida que les hace pensar en un futuro más o menos aciago o luminoso.

Como narración clásica de un director que procede del clasicismo destacan los fondos oscuros iluminados por un foco de luz posterior así como los focos en la cara con grandes primeros planos que destacan los luminosos rostros de Jane Fonda y Vanessa Redgrave.

A esa idea de clasicismo se une la incorporación de la música ambiental procedentes de composiciones surgidas de a finales de los años 20 e inicios de los treinta del talento de Cole Porter como su Night & Day , de Walter Donaldson  con su My Blue Heaven o alguna composición de Ray Henderson como Bye, bye, blackbird que se une a la de Georges Delerue.

Destaca igualmente otros aspectos técnicos como el elaborado vestuario responsabilidad que recayó en Anthea Sylbert así como el peinado responsabilidad de Ramon Gow.

Tras su lanzamiento, obtuvo en taquilla unos ingresos de $ 20.7 millones . La película recibió críticas generalmente positivas y una buena cantidad de premios.

Recibió una de las 11 nominaciones en los Oscars de aquel año. Entre ellos ganó el Oscar Jason Robards al mejor actor en un papel secundario, Vanessa Redgrave a la mejor actriz en un papel secundario y Alvin Sargent por Mejor guión adaptado. Jason Robards ganó así su segundo Oscar como mejor actor de reparto, pero no pudo asistir debido a un conflicto de horarios con una obra de teatro que estaba representando. El presentador de aquel año Bob Hope bromeó diciendo que "debe estar jugando póker con George C Scott y Marlon Brando", quienes ambos rechazaron sus Oscar a principios de los 70. Nominada fue a la Mejor película (Richard Roth), al mejor director (Fred Zinnemann) ,a la mejor actriz en un papel principal ( Jane Fonda), al mejor actor en un papel secundario (Maximilian Schell), a la mejor fotografía (Douglas Slocombe ) ,por Mejor diseño de vestuario ( Anthea Sylbert ), a la mejor edición cinematográfica ( Walter Murch) y a la mejor música de partitura original (Georges Delerue). Como vemos el director austríaco sería nominado en la categoría de mejor director, aunque el galardón se lo llevaría Woody Allen por Annie Hall.

Después de que Redgrave fue nominada a Mejor Actriz de Reparto, la Liga de Defensa Judía se opuso a su nominación porque había narrado y ayudado a financiar un documental titulado The Palestina , que apoyaba a un estado palestino. También hicieron boicot a la ceremonia del Oscar de aquel año.

Igualmente ganó el premio BAFTA a la mejor película así como tres más, de sus 10 nominaciones principales en la 32a edición de los Premios de la Academia Británica de Cine.

Por su parte, la hija de Henry Fonda recibió  un Globo de Oro por esta película.

En cuanto a la crítica en Variety le dio una crítica positiva, elogiando a Jane Fonda y Vanessa Redgrave por ser "dinamita juntas en la pantalla", la producción de Richard Roth como "bonita y de buen gusto", así como los trajes de época y el diseño de producción.

Roger Ebert calificó la película como una "historia fascinante", pero sintió que el punto de vista de Lillian Hellman contaba que la película estaba sufriendo. "La película nunca establece una relación entre las dos mujeres", escribió. "Es incómodo, la forma en que la película tiene que suspenderse entre Julia, su tema aparente, y Lillian Hellman, su tema real". Le dio dos y media de cuatro estrellas.
El conocido y ya anciano crítico cinematográfico formado en Havard , John Simon -opositor del  crítico anterior- con publicaciones como en el New York , Esquire , The Hudson Review , National Review , Opera News , The New Leader , Commonweal , The New Criterion y The New York Times Book Review . dijo de Julia: "Muy poco de lo que sucede en la película es intrínsecamente interesante".

TV Guide se publicó que "Bellamente diseñado, nominado para once Premios de la Academia, un gran éxito en la taquilla y un fracaso dramático ... Si te gusta el esmalte de uñas rojo, el falso cinismo, dolorosamente valientes sonrisas y estaciones de tren europeas, Julia puede ser tu tipo de cóctel ".

En Time Out se describe que la película es apta para "Fanáticos del drama fronterizo, que disfrutarán de los trenes, la sociedad literaria de Nueva York y los años 30 . Zinnemann lo arruina sobre todo en la relación Fonda-Redgrave, y no se le da credibilidad al feroz talento y la personalidad dominante de Hellman. Reverencial hasta el final, una sugerencia de homosexualidad se ríe en una escena brillante. Nadie se molesta en mencionar que el lesbianismo es fundamental para 'The Children's Hour', la obra que Hellman intenta escribir mientras que, según la sinopsis, 'su memoria volvía una y otra vez' a Julia.

En Radio Sefarad Daniela Rosenfeld señala que "La película consta de tres partes. La primera y más breve, cuenta la amistad entre Lillian y Julia. Desde este momento es evidente la admiración de Lillian hacia su amiga, lo que le dará las fuerzas necesarias para hacer lo imposible por satisfacerla. La segunda parte, se centra en el desarrollo de esa amistad desde la distancia: Julia se ha ido a estudiar al extranjero y Lillian intenta seguirle la pista, aunque en ocasiones sus cartas parecen no llegar a su destino. Por último, la tercera parte, se convierte en un relato de suspense en toda regla: es el viaje que hace Lillian en tren hacia Moscú, con trasbordo en Berlín cumpliendo con un encargo de su amiga que consiste en transportar 50.000 dólares destinados a comprar la libertad de una gran cantidad de judíos. A lo largo de este viaje Lillian demuestra su valentía y, sobre todo, su fidelidad hacia Julia. ".

Ya en España Luis Martínez en El País comenta que Julia es un "Hiriente retrato de unos tiempos de sangre (...) Fiel y candente radiografía de la amistad exprimida hasta el último aliento. Redgrave emociona"

Gabriel Ramírez en El Correo " Zinnemann, que durante la cinta no deja de sugerir, se cuida de no traspasar una línea que, quedando difuminada, hace que el espectador tenga que sacar sus propias conclusiones. Así, la película se entiende de otro modo, esa lectura permite que las piezas encajen mejor. De pronto, las actitudes comienzan a tener un sentido que va más allá de lo que nos enseñan en pantalla. Zinnemann demuestra su talento y su honestidad narrativa. Jane Fonda y Vanessa Redgrave están espléndidas. Ambas encarnan a sus personajes con una seriedad y una profesionalidad arrasadora. Creíbles a más no poder. Jason Robards, con un papel más corto (encarna al escritor Dashiell Hammett) cumple y, tal vez, no se explota demasiado bien ni al personaje ni al actor. En cualquier caso, Zinnemann hace una demostración magistral de lo que debe ser la dirección actoral. " 

En ABC "La novela autobiográfica “Pentimento”, de la famosa dramaturga norteamericana Lillian Hellman, sirve de base para el guión de “Julia”, dirigida por Fred Zinnemann (“De aquí a la eternidad”). El filme tuvo once nominaciones, de las cuales consiguió finalmente tres estatuillas (mejor actor y actriz de reparto para Jason Robards y Vanesa Redgrave, respectivamente, y mejor guión adaptado para Alvin Sargent). La cinta significó también el debut en el cine de Meryl Streep. Curiosamente, “Julia” es un filme en el que se intuye un sutil lesbianismo, sin que ello provocara ningún escándalo en la época. Además de la especial relación que hay entre Lillian y Julia, la sospecha se reafirma aún más si se tiene en cuenta que la novela que Hellman intenta escribir a lo largo del filme es “La calumnia”, en la que dos maestras son acusadas de mantener una relación lésbica" .

Julía responde a la idea cinematográfica de  Zinnemann  en su búsqueda implacable del realismo y su exploración de lo que supone una crisis  moral que implica que las personas se tengan que enfrentar a su conciencia y que no tengan más remedio que elegir entre mantener su integridad personal o conformarse con las normas externas.

Julia , indudablemente , juega entre lo que insinúa y lo que realmente dice. Para mi es una gran película que mantiene el ritmo, el estilo y la serenidad de un director que nuca dejó de ser un clásico.

El cazador

No sabía lo que era una ruleta rusa hasta que lo vi en junio , en concreto el 27 de junio de 1987, en The Deer Hunter , para nosotros El cazador. Ese momento me impactó no sólo a mi sino que será posiblemente una de las escenas más controvertidas desde el estreno,  en la misma medida que me emociono cuando los amigos , antes de la boda de uno de ellos y poco antes de salir para ir a Vietnam, se ponen a cantar este clásico  de la canción de los 60, interpretada por Frankie Valli y los Four Seasons escrito por dos de sus componentes Bob Gaudio y Bob Crewe que se llama “Can’t Take My Eyes Off You” . Creo que son los de los momentos culminantes de la película. Desde entonces la tengo en mi mente como una de las mejores películas que recrean lo contextual en la película y las heridas abiertos de Vietnam en la sociedad norteamericana .

La película de más contenido dramático que bélico es del año 1978 y fue dirigida por el entonces afamado y adorado el neoyorkino Michael Cimino. Cimino se refirió con frecuencia a The Deer Hunter como una película "personal" y "autobiográfica".

Lo cierto es que Cimino le dio a sus compañeros de trabajo (como el fotógrafo Vilmos Zsigmond y al productor asociado Joann Carelli) la impresión de que gran parte de la historia era autobiográfica y parecía estar relacionada con la propia experiencia del director .Cimino concedió una entrevista a The New York Times en la que afirmó que había estado "unido a los boinas verdes en una unidad médica" en el momento de la ofensiva del Tet de 1968. Cuando The Times, el reportero, que no había podido corroborar esto, preguntó al estudio al respecto, los ejecutivos del estudio entraron en pánico y fabricaron "pruebas" para apoyar la historia.

Pero Tom Buckley , un veterano corresponsal en Vietnam del Times, corroboró que Cimino había hecho un servicio como médico del Ejército, pero que el director nunca había estado vinculado a los Boinas Verdes. Su servicio activo de seis meses mientras estudiaba en Yale en 1962, fue como reservista y que nunca fue enviado a Vietnam. El agente de Cimino comentó que el cineasta tenía la intención de demandar a Buckley, pero Cimino nunca lo hizo. 

Michael Cimino aparece como onmipresente en la película está en la dirección, está en el guión y aparece en la producción Michael Cimino entre este caso junto Michael Deeley John Peverall Barry Spikings ejecutivos y productores , al menos Deeley y Spikings, de EMI Films una filial surgido en  1968, de la compañía discográfica EMI como  nueva compañía - EMI Films- para proyectos cinematográficos. Fue Deeley el que compró el primer borrador de un guión especial llamado El hombre que vino a jugar , escrito por Louis Garfinkle y Quinn K. Redeker , por $ 19,000. Más tarde, lo que empezó con una inversión inicial de 19.000 dólares  acabó con una distribución Universal Pictures y un presupuesto $15 millones.

La historia de  Louis Garfinkley  Quinn K. Redeker  cambiará de  espacio , lo que era una historia que se desarrollaba en Nevada, se traslada a Vietnam con las aportaciones o añadidos de Deric Washburn y  Michael Cimino , siendo el primero, Deric Washburn, el responsable del guión definitivo.

Al proyecto se unió en la música Stanley Myers, en la fotografía Vilmos Zsigmond y en el montaje Peter Zinner

Junto a ellos los integrantes de un elenco perfecto integrado por Robert De Niro , Christopher Walken,  Meryl Streep,  John Savage,  John Cazale y a los que se suman George Dzundza y Chuck Aspegren entre otros.

La historia comienza en un Alto Horno y tiene como protagonistas a tres obreros siderúrgicos de Pensilvania: Michael (Robert De Niro ), Nick (Christopher Walken ) y Steven (John Savage ), cuyas rutinarias y felices vidas se transforman de modo irreversible en medio de la trágica devastación de la Guerra de Vietnam.

Son trabajadores en una pequeña ciudad en Clairton, Pennsylvania , a fines de 1967, los trabajadores del acero Michael "Mike" Vronsky, Steven Pushkov y Nick Chevotarevich, con el apoyo de sus amigos y compañeros de trabajo Stan (John Cazale ) y Peter "Axel" Axelrod (Chuck Aspegren ) y el dueño y amigo de un bar local John Welsh (George Dzundza ), se preparan para dar paso a dos ritos: el matrimonio en el caso de Steven con una chica de su comunidad cristiana ortodoxa rusa y el servir en el servicio militar. Mike es un líder del grupo un hombre serio sin pretensiones en la vida y que disfruta con la caza. Steven es el futuro novio, que vive en casa de su madre; y Nick, el hombre introspectivo que al igual que Mike ama la caza de ciervos.

Antes de que salga el trío, Steven y su novia Angela se disponen a casarse en una boda ortodoxa rusa . Mike trabaja para controlar sus sentimientos por la novia de Nick, Linda.

En el salón de bodas una vez realizada la ceremonia tiene lugar en el salón local de VFW . Allí los chicos beben, bailan, cantan y disfrutan de fiesta. Luego marchan a la barra y se dan cuenta de que en ella hay un soldado con un uniforme de las Fuerzas Especiales del Ejército de los EE. UU .

Mike intenta preguntar cómo es Vietnam, pero el soldado lo ignora. Después de que Mike explica que él, Steven y Nick van a Vietnam , el Boina Verde levanta su copa y dice: "Vete a la mierda". Después de haberse abstenido de comenzar una pelea, Mike regresa al bar, levanta su copa y le brinda con un brindis: "¡A la mierda!" El soldado mira a Mike y sonríe.

Más tarde, Steven y Angela beben de una misma copa, una parte tradicional de la ceremonia de boda ortodoxa. La superstición afirma que, si beben sin derramar ningún vino, tendrán buena suerte de por vida. Nadie se da cuenta de que hay dos gotas de vino derramado en su vestido de novia.

Después Angela lanza lanza el ramo de la novia, y lo recoge Linda , así que , en ese momento , Nick le pide que se case con él y ella acepta.

Más tarde esa noche, un borracho Mike corre por la ciudad, desnudándose en el camino. Después de que Nick lo persigue, le ruega a Mike que no lo deje "allá" si algo sucede en combate.

Al día siguiente, Mike, Nick, Stan, John y Axel salen a cazar ciervos por última vez. Mike está exasperado por sus amigos, especialmente Stan, que bebe y hace el payaso, mostrando poco respeto por el ritual de la caza, que para Mike es una experiencia casi sagrada.

Solo Nick entiende a Mike Es la actitud, pero él es más indulgente con sus amigos. Mike va a cazar después y mata a un ciervo con un tiro limpio.

Los amigos regresan al bar de Welsh, con los ciervos de Michael atados al capó del auto. Entran con rudeza, rociándose cervezas y cantando en voz alta. Welsh luego se dirige al piano y comienza a tocar en Nocturno No. 6 Op. De Chopin .

Tras eso la película pasa a Vietnam. Vemos como los helicópteros estadounidenses atacan un pueblo. Un Mike inconsciente (ahora un Sargento del Estado Mayor en las Fuerzas Especiales) se despierta para ver a un soldado del Ejército de Vietnam del Norte ( EVN) dispararle a una mujer que lleva a un bebé. Mike lo mata con un lanzallamas .

Mientras tanto, una unidad de helicópteros UH-1 "Huey" deja a varios soldados de infantería estadounidenses. Entre los soldados que deja se encuentran sus amigos Nick y Steven.

Juntos de nuevo Mike, Steven y Nick se encuentran inesperadamente justo antes de ser capturados por el Vietcong y retenidos en un campo de prisioneros de guerra . Allí mantienen a los presos en condiciones infrahumanas.

Para el entretenimiento, los guardias obligan a los prisioneros a jugar a la ruleta rusa., apostando por el resultado. Los tres amigos se ven obligados a jugar. Steven juega contra Mike, quien ofrece apoyo moral, pero Steven se rompe y entonces apunta el arma hacia arriba mientras aprieta el gatillo, rozando la bala cuando se dispara. Como castigo, los guardias lo metieron en una jaula submarina llena de ratas y cadáveres.

Mike y Nick traman un plan para escapar jugando uno contra el otro, con Mike convenciendo a los guardias de que les permitan jugar a la ruleta rusa con tres balas en la pistola. Después de un tenso combate, matan a sus captores y escapan.

Tras matar a algunos guardias, Mike rescata a Steven. Los tres flotan río abajo en la rama de un árbol. Un helicóptero estadounidense los encuentra, pero solo Nick puede subir a bordo. El debilitado Steven cae de nuevo en el agua, y Mike se tira nuevamente al agua para rescatarlo. Mike ayuda a Steven a llegar a la orilla del río, pero las piernas de Steven están rotas, por lo que Mike lo lleva a través de la jungla buscando posiciones aliadas.

Al acercarse a una caravana de lugareños que escapan de la zona de guerra, Mike detiene un camión militar vietnamita del sur y coloca al herido Steven en él, pidiéndole a los soldados que lo cuiden.

Nick se recupera en un hospital militar en Saigón sin el conocimiento de sus amigos, después de haber sufrido algún tipo de amnesia inducida por el estrés. Después de ser liberado, se va sin permiso y tropieza sin rumbo a través del distrito de luz roja.

Michael (Robert De Niro), en su regreso a casa se muestra huraño y muy distante con sus amigos y seres queridos, los cuales se muestran débiles e infelices por la situación de los tres. Ha logrado escapar, pero la experiencia le ha producido heridas psicológicas que les marcarán en su regreso a casa.

Cuando Mike, se entera de que Steven (John Savage) también ha regresado y se encuentra en una administración de veteranos inválidos. Le telefonea y este le comenta que no quiere volver con su esposa, con la que se casó antes de ir al Vietnam y con la que tiene un hijo. La razón está en que la amputación de sus dos piernas le hace sentirse física y psicológicamente inservible...

De vuelta en los Estados Unidos, Mike quiere mantener un perfil bajo. Le dice al taxista que lo lleva a casa que pase de largo de la casa donde esperan todos sus amigos, ya que se siente avergonzado por la fiesta que ha preparado Linda y los demás , una fiesta de bienvenida para él.

Visita a Linda al día siguiente y se acerca a ella, pero solo por el amigo que ambos creen que han perdido. Luego Mike va a visitar a Angela a la casa de la madre de Steven. Angela apenas responde.

Cuando Mike le pregunta sobre el paradero de Steven, esta escribe un número de teléfono en un trozo de papel,  que lleva a Mike al hospital local de Virginia. Allí Steven ha estado por varios meses.

Una vez conseguido el teléfono de la institución en la que está Steven , Mike va a cazar con Axel, John y Stan una vez más, y después de rastrear a un ciervo a través del bosque, dispara al aire. Luego se sienta en un acantilado de roca y grita: "¿De acuerdo?" , sonido que le devuelve un eco. También reprende a Stan por llevar un pequeño revólver y agitarlo, sin darse cuenta de que está cargado.

Mike además empieza a ver ( y enamorarse) de Linda, la prometida de Nick y empieza a tener una relación con ella.

Mike visita a Steven, quien ahora está confinado a una silla de ruedas, después de haber amputado ambas piernas. Steven revela que alguien en Saigón le ha estado enviando grandes cantidades de dinero; Mike está convencido de que es Nick. Mike le ruega y casi obliga a regresar con Ángela (su esposa). Mike lleva a Steven a un reacio Steven a casa

Tras conseguir esto luego viaja a Saigón justo antes de su caída en 1975 con la intención de buscar a Nick (Christopher Walken) y cumplir la promesa que le hizo antes del viaje que era de llevarlo de vuelta a EE. UU. sin importar las circunstancias.  Tras deambular se encuentra con Julien Grinda, un francés, que le pregunta si les gustan las sensaciones fuertes. Grinda ha ganado mucho dinero con la ruleta rusa.

Lo lleva a una naves cercanas al río que funcionan como una sala de juegos donde los hombres juegan a la ruleta rusa por dinero. Mike está presente en el estudio, mirando el juego, pero los dos amigos no se identifican al principio.

Cuando Mike ve a Nick, no puede llamar su atención. Cuando se introduce a Nick en el juego, toma el arma, la dispara al competidor actual, y luego otra vez a su propia sien, causando disturbios por sus protestas ante los apostadores locales. Grinda lleva a Nick afuera a su auto para escapar de la multitud enojada. Mike no puede alcanzarlos mientras se alejan.

Después del largo viaje, al llegar al destino en donde se encuentra Nick, se desatan todas sus sospechas y descubre que su mejor amigo está participando en el macabro juego al que sus raptores le obligaron a intervenir con maltrato físico y mental en la guerra.

Michael, al ver y al hablar con su amigo se da cuenta horrorizado de que no le conoce, de que ha perdido la razón y de que está completamente trastornado. Solo tiene una oportunidad para que Nick recuerde quién es y vuelva a casa; arriesgar su propia vida participando contra él cara a cara en la ruleta rusa. Mike trata de hacerle recordar a Nick quienes eran con la esperanza de refrescar su memoria y persuadirlo de que vuelva a casa, pero la mente de Nick se ha ido.

Para evitar que tome otra vuelta, Mike agarra los brazos de Nick, que están cubiertos de cicatrices por el uso de drogas. En el último momento, después de que Mike le recuerda a Nick sus viajes de caza juntos, Nick reconoce a Mike y sonríe. En ese momento, Nick recuerda las palabras que Mike le dijo antes de ir a la guerra, un tiro, en referencia a como había que cazar a los ciervos para que no sufran. Inmediatamente después, aprieta el gatillo y se dispara en la sien.

De regreso a casa en 1975, los amigos se reunieron para el funeral de Nick, a quien Mike ha llevado a casa, cumpliendo su promesa, aunque sea como cadáver. Juntos, cantan en voz baja 'God Bless America', y Mike ofrece un brindis a la memoria de Nick en la que era su taberna .

Como ya hemos señalado la película se basó en parte en un guión  llamado The Man Who Came to Play, escrito por Louis Garfinkle y Quinn K. Redeker que se centraba sobre Las Vegas y la ruleta rusa . El productor Michael Deeley , que compró el guión, contrató al guionista y director Michael Cimino quien, junto a Deric Washburn, reescribió el guión,  y tomó el elemento de la ruleta rusa y llevo hasta la Guerra de Vietnam .

En cuanto al elenco el productor Deeley primero parece que ofreció el papel a Roy Scheider , quien abandonó la producción dos semanas antes del inicio del rodaje debido a "diferencias creativas";  así que casi persiguió a De Niro porque sentía que necesitaba el poder estrella de De Niro para vender una película con una "trama que suena horrible y desarrollado por un director apenas conocido".  Para ese momento el productor Deeley estaba satisfecho con el guión revisado, pero le preocupaba poder vender la película. "Aún teníamos que sacar millones de un estudio importante", escribió Deeley, "además de convencer a nuestros mercados de todo el mundo de que deberían comprarlo antes de que se terminara. Necesitaba a alguien con el calibre de Robert De Niro".

De Niro era una de las estrellas emergentes tras Mean Streets (1973), The Godfather Part II (1974) y Taxi Driver (1976).  Deeley sintió que De Niro tenía "la edad correcta, aparentemente fuerte como el infierno, e inmensamente talentoso". La contratación de De Niro resultó ser un golpe de reparto porque conocía a muchos actores en Nueva York. Nada más tener en sus manos el guión, aceptó. El mismo De Niro declaró que "Me gustó el guión y [Cimino] había hecho mucha preparación" "Estaba impresionado". De Niro afirmó mas tarde  que esta fue su película más agotadora físicamente. Explicó que la escena en la que Mike visita a Steven en el hospital por primera vez era la escena más emotiva con la que se había involucrado.

La contratación de De Niro atrajo a Meryl Streep y con ella la atención de Cimino y Deeley. Con Streep llegó John Cazale.

Todas las escenas que involucraban a Cazale, que tenía un cáncer terminal, se filmaron primero. Debido a su enfermedad, el estudio inicialmente quiso despedirlo, pero Streep, con quien estaba en una relación, y Cimino amenazaron con alejarse si lo hacían. También él se sentía inseguro según Streep. Además De Niro quería a Cazale en la película. Esta fue, de hecho,  la última película de Cazale, ya que murió poco después de terminar la filmación. Cazale nunca vio la película terminada.

Para la chica se eligió a Meryl Streep como Linda. Antes de The Deer Hunter , Streep había participado  en Julia (1977) de Fred Zinnemann y en la miniserie Holocausto de ocho horas (1978). En el guión inicial el papel de Streep era insignificante. Cimino le explicó la configuración a Streep y le sugirió que escribiera sus propias líneas.

Tras ellos llegaron los demás. El resto del elenco fue Christopher Walken como el soldado Nikanor "Nick" Chevotarevich. Todo un acierto puesto que su actuación le valió su primer Premio de la Academia , como Mejor Actor de Reparto.

John Savage , una actor con bastante recorrido en la televisión y tras esta película quedó casi desaperecido fue contratado para el papel del soldado Steven Pushkov y un enfermo John Cazale como Stan ("Stosh").

Para papeles menores se eligieron a George Dzundza como John Welsh , Pierre Segui como Julien Grinda , Shirley Stoler como la madre de Steven,  Chuck Aspegren como Peter "Axel" Axelrod que realmente no era un actor sino el capataz de una acería de East Chicago que fue visitaron al inicio del proyecto , en la preproducción , De Niro y Cimino. Estaban tan impresionados con él que le ofrecieron el papel.

Además se contó con Rutanya Alda como Angela Ludhjduravic-Pushkov , Amy Wright como Dama de honor , Joe Grifasi como líder de la banda

Como ya hemos dicho De Niro también acompañó a Cimino a los lugares de exploración para la secuencia de la fábrica de acero, así como ensayó con los actores para usar los talleres como un proceso de vinculación.

Cada uno de los seis personajes masculinos principales llevaba una foto en el bolsillo de atrás, representándolos a todos como niños, para mejorar el sentido de camaradería entre ellos.

Además, el director Cimino instruyó al departamento de utillería para que diseñara las identificaciones de Pensilvania completas para cada uno de ellos, incluidas las licencias de conducir, las tarjetas médicas y otras piezas de parafernalia , con el fin de mejorar el sentido de carácter de cada actor. Por estos detalles y especialmente por el rodaje la película superó el presupuesto y el calendario, y terminó costando $ 15 millones.

La historia tiene lugar en Clairton , Pennsylvania , una pequeña ciudad de clase trabajadora, ciudad situada junto al río Monongahela al sur de Pittsburgh , y en Vietnam. Las escenas de Clairton incluyen imágenes filmadas en ocho ciudades diferentes en cuatro estados: Virginia Occidental, Pensilvania, Washington y Ohio.

Los lugares de rodaje fueron Lemko Hall donde está la Catedral ortodoxa rusa de San Teodosio , en el barrio de Tremont de Cleveland , así como en Steubenville, ambas en Ohio . También rodó en Tremont, en concreto, el banquete de bodas fue filmado aquí.

Para las escenas iniciales vinculadas con el trabajo se rodó en los Hornos centrales de US Steel en Cleveland ,US Steel Widowmaker Central Blast Furnace , Ohio, así como McKeesport como Pennsylvania .

Para el rodaje en Oriente se apostó por Tailandia. Se rodó en localidades como Patpong en Bangkok , para representar el distrito de luz roja de Saigón y en el Don Mueang International Airport de Bangkok así como en St.Gabriel's College transformada en Embajada norteamericana. Se rodó igualmente en Sai Yok , provincia de Kanchanaburi y en el mítico , por el cine, Río Kwai,  donde localizó Cimino el campo de prisioneros y escena inicial de la ruleta rusa. También en la Throng Wad Road.

Igualmente se rodó en el Heather Meadows de Mount Baker-Snoqualmie National Forest y Nooksack Falls en la Sierras de las Cascadas del Norte de Washington , para las escenas de caza de ciervos, al igual que en Whatcom County. También North Cascades Highway (SR 20), Diablo Lake Steubenville, Ohio , para algunos planos de fábrica y barrios.

Otra ciudad como Struthers, en Ohio  se usó para las tomas en exteriores , para la escena de la bolera y de carretera de largo alcance. También incluido, la bolera de la ciudad es Bowladrome Lanes, ubicada en 56 State Street, Struthers, Ohio. En este mismo estado se eligió Mingo Junction para el Bar de Welsh y en Mill Creek Park, en la ciudad de Youngstown.

El rodaje también tuvo lugar en las localidades de Follansbee y Weirton sitas West Virginia , para las escenas de los molinos y remolques.

Sobre como se planteó la película son muy diferentes entre sí las versiones del director Michael Cimino , el escritor Deric Washburn y los productores Barry Spikings y Michael Deeley.

En 1968, la compañía discográfica EMI creó una nueva compañía dentro del grupo para dedicarse al cine. Esta compañía era EMI Films, dirigida por los productores Barry Spikings y Michael Deeley. Deeley compró el primer borrador de un guión especial llamado El hombre que vino a jugar , escrito por Louis Garfinkle y Quinn K. Redeker , por $ 19,000. El guión trataba de unas personas que van a Las Vegas para jugar a la ruleta rusa . En este sentido Deeley señaló que "El guión me había parecido brillante pero no estaba completo. El truco sería encontrar una manera de convertir una pieza de escritura muy inteligente en una película práctica y realizable".

Cuando la película estaba siendo planeada a mediados de la década de 1970, Vietnam todavía era un tema tabú con todos los estudios principales de Hollywood .  Según el productor Michael Deeley , la respuesta estándar fue que "ningún estadounidense querría ver una película sobre Vietnam".

Después de consultar a varios agentes de Hollywood, Deeley encontró al escritor y director Michael Cimino , representado por Stan Kamen en la Agencia William Morris . A Deeley le había gustado la anterior película de Cimino  " Thunderbolt and Lightfoot (1974)" . así que pensó que Cimino pudiera desarrollar aún más  los personajes principales de El hombre que vino a jugar aunque sin perder la esencia del original. Después de que Cimino fuese contratado, fue convocado a una reunión con Garfinkle y Redeker en la oficina de EMI.

Según Deeley, Cimino cuestionó la necesidad del elemento de la ruleta rusa del guión mientras que Redeker lo defendió con   pasión . En el transcurso de otras reuniones, Cimino y Deeley discutieron el trabajo necesario al frente del guión, y Cimino creyó que podía desarrollar las historias de los personajes principales en los primeros 20 minutos de la película.

Cimino trabajó durante seis semanas con Deric Washburn en el guión. Ambos , Cimino y Washburn , habían colaborado previamente con Stephen Bochco en el guión de Silent Running (1972).

Según Cimino, llamaría a Washburn mientras exploraba lugares en la carretera y le daba notas sobre el diálogo y la historia. Al revisar el borrador de Washburn, Cimino dijo: "Regresé, lo leí y no podía creer lo que leía. Era como si lo hubiera escrito alguien que estaba ... mentalmente trastornado". Tras el desencuentro Cimino despidió a Washburn. Cimino luego afirmó haber escrito el guión completo él mismo.

Según cuenta Washburn, él y Cimino pasaron tres días juntos en Los Ángeles en el Sunset Marquis, elaborando la trama. El guión finalmente pasó por varios borradores, convirtiéndose en una historia con tres actos distintos. Washburn no entrevistó a ningún veterano para escribir The Deer Hunter ni realizó ninguna investigación. "Tenía un mes, eso fue todo", explica. "El reloj estaba en marcha. ¡Escribe el jodido guión! Pero todo lo que tenía que hacer era ver la televisión. Los camarógrafos de combate en Vietnam estaban allí afuera junto a los muchachos...". Cuando Washburn terminó, dice, Cimino y Joann Carelli, un productor asociado de The Deer Hunter ...Fui despedido ( ...) Había estado trabajando 20 horas al día durante un mes. ".

Deeley sintió que el guión revisado, ahora llamado The Deer Hunter , abrió nuevos caminos para el proyecto. El protagonista en el guión de Redeker / Garfinkle, Merle, era un individuo que sufrió una lesión grave en el servicio activo y sufrió daños psicológicos por sus experiencias violentas, pero sin embargo fue un personaje duro con nervios y agallas fuertes. El guión revisado de Cimino y Washburn resumió los tres aspectos de la personalidad de Merle y los separó en tres personajes distintos. Se convirtieron en tres viejos amigos que crecieron en la misma pequeña ciudad industrial y trabajaron en la misma fábrica de acero y, a su debido tiempo, fueron reclutados juntos a Vietnam. En el guión original, los roles de Merle (más tarde rebautizado como Mike) y Nick se invirtieron en la última mitad de la película. Nick regresa a casa con Linda, mientras Mike permanece en Vietnam, envía dinero a casa para ayudar a Steven y se encuentra con su trágico destino en la mesa de ruleta rusa.

Ante este cruce de titularidad por el guión, el Gremio de Escritores se le otorgó a Washburn el crédito "Guión por".  Garfinkle y Redeker recibieron un crédito compartido de "Story by" con Cimino y Washburn. Deeley sintió que los créditos de la historia para Garfinkle y Redeker "les hicieron menos que justicia".  Cimino impugnó los resultados del arbitraje.  Los cuatro escritores, Cimino, Washburn, Garfinkle y Redeker, recibieron una nominación al Oscar al Mejor Guión Original por la película.

Antes del comienzo del rodaje Deeley tuvo una reunión con el productor en línea designado de la película, Robert Relyea . Deeley contrató a Relyea después de conocerlo en el set de Bullitt (1968) y quedó impresionada con su experiencia. Sin embargo, Relyea rechazó el trabajo, negándose a revelar su razón.  Deeley sospechó que Relyea creía que el director Cimino habría dificultado la producción. Como resultado, Cimino actuaba sin la supervisión diaria de un productor. Eso sí Deeley  contrató a John Peverall para supervisar rodaje de Cimino.

El rodaje de  The Deer Hunter comenzó el 20 de junio de 1977. Era el primer largometraje que describe la guerra de Vietnam una vez acabada la guerra y se filmó en Tailandia . La película fue filmada durante un período de seis meses y su  presupuesto inicial era de $ 8.5 millones.

Para el final del rodaje The Deer Hunter había costado $ 13 millones y la película aún tenía que pasar por una ardua postproducción.  El editor de películas Peter Zinner recibió 180 km de película impresa para editar, una tarea monumental en ese momento.

Los productores Spikings y Deeley se mostraron satisfechos con el primer corte, que duró tres horas y media. "Nos emocionó lo que vimos", escribió Deeley, "y supimos que dentro de las tres horas y media que vimos había una película fascinante".  Los ejecutivos de Universal , incluidos Lew Wasserman y Sid Sheinberg , no estaban tan entusiasmados. "Creo que se sorprendieron", recordó Spikings. "Lo que realmente les disgustó fue el ' God Bless America  del final'. Sheinberg pensó que era antiestadounidense. "Realmente no les gustó la película. Y ciertamente no les gustó a las tres horas y dos minutos".

Deeley no se sorprendió por la respuesta de Universal: " The Deer Hunter era una especie de película  de la United Artists y no respondía al estilo de Universal.

Deeley estuvo de acuerdo con Universal en que la película necesitaba ser más corta, no solo por el ritmo sino también para garantizar el éxito comercial.

Thom Mount , presidente de Universal en ese momento, dijo: "Esto fue solo una ... pesadilla continua ...La película fue interminable. Fueron The Deer Hunter y The Hunter and the Hunter .  " Mount dice que se dirigió a Verna Fields , el entonces jefe de postproducción de Universal y Zinner finalmente cortó la película a 5.5 km.  Cimino despidió a Zinner cuando descubrió que Zinner estaba editando las escenas de la boda que en principio duraría unos 45 minutos. Zinner finalmente ganó el Oscar a la Mejor Edición por The Deer Hunter . Respecto a los enfrentamientos entre él y Cimino, Zinner dijo: "Michael Cimino y yo tuvimos nuestras diferencias al final, pero me besó cuando ambos obtuvimos los Premios de la Academia".

Cimino comentó más tarde en The New York Observer , "[Zinner] era un imbécil ... Yo también corté The Deer Hunter ".

The Deer Hunter fue la primera película de Cimino en utilizar el sistema de reducción de ruido Dolby. "Lo que hace Dolby", respondió Cimino, "es para darte la posibilidad de crear una densidad de detalles de sonido: una riqueza para que pueda demoler la pared que separa al espectador de la película. Puede acercarse a la demolición de la pantalla. " Tardó cinco meses mezclar la banda sonora.

El compositor de la película, Stanley Myers, fue al rodaje para escuchar e incluyó una canción de éxito de 1967, cantada por Frankie Valli así como canciones de la Iglesia Ortodoxa del Este como "Slava" y canciones populares rusas como " Korobushka " y " Katyusha ".

La película fue un éxito de público  y de crítica, así como un éxito comercial que consiguió una recaudación de $49 millones de dólares.

La película está considerada como una de las 100 mejores películas de la historia del cine norteamericano por el American Film Institute.

En los Oscars de 1978 consiguió 5 premios. A la mejor película, mejor director (Michael Cimino ), mejor actor secundario (Cristopher Walken), mejor sonido ( C. Darin Knight, William L. McCaughey, Richard Portman y Aaron Rochin ), montaje de un total de 9 nominaciones entre ellas Mejor actor (Robert De Niro), Mejor actriz de reparto (Meryl Streep) , Mejor guion original (Michael Cimino, Deric Washburn, Louis Garfinkle y Quinn K. Redeker) Mejor fotografía ( Vilmos Zsigmond).

En Globos de Oro obtuvo el premio al Mejor director de sus 6 nominaciones a la Mejor película-Drama, Mejor actor-Drama Robert De Niro , Mejor actor de reparto Christopher Walken , Mejor actriz de reparto Meryl Streep y Mejor guion Deric Washburn.

En los Premios BAFTA obtuvo el Premio a la Mejor fotografía (Vilmos Zsigmond) y mejor montaje ( Peter Zinner) de sus 9 nominaciones como Mejor película ,Mejor director, Mejor actor (Robert De Niro), Mejor actriz (Meryl Streep), Mejor guion original (Deric Washburn) y Mejor música (James J. Klinger)

El Círculo de Críticos de Nueva York: premió El Cazador con dos de sus 4 nominaciones : Mejor película y Mejor actor secundario (Walken).

El Sindicato de Directores (DGA) concedió el premio al Mejor director y el Sindicato de Guionistas (WGA) Concedió el Premio Writers Guild of America al mejor guión original en las personas de Deric Washburn , Michael Cimino , Louis Garfinkle, Quinn K. Redeker.

La American Cinema Editor, la ACE, o los Editores de cine estadounidense le concedió a Peter Zinner el Premio de los editores de cine estadounidense al mejor largometraje editado - Dramático. 

En los American Movie Awards premio a Cimino como director y a Meryl Streep , nominando a mejor película , al Mejor actor (Robert de Niro) y Mejor actor de reparto (Christopher Walken).

En Premios de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles 1978 concedió el Premio al mejor director (Michael Cimino).

En los Premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine valoró el Premio a la Mejor Película , al mejor actor de reparto (Christopher Walken) , pero concedió el Premio a la mejor actriz de reparto (Meryl Streep).

En 1996, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

Una de las secuencias más comentadas en la película, el uso por parte de Vietcong de la ruleta rusa con prisioneros de guerra , fue criticada por ser artificial y poco realista ya que no hubo casos documentados de ruleta rusa en la Guerra de Vietnam  El reportero de Associated Press Peter Arnett , quien ganó un Premio Pulitzer por su cobertura de la guerra, escribió en Los Angeles Times : "En sus 20 años de guerra, no hubo un solo caso registrado de La ruleta rusa ... La metáfora central de la película es simplemente una mentira sangrienta ".

El director Cimino también fue criticado por retratar a todos los norvietnamitas como sádicos racistas y asesinos. Cimino respondió que su película no era política, polémica, literalmente precisa, ni poseyó para ningún punto de vista particular.  Además, defendió su posición diciendo que tenía recortes de noticias de Singapur que confirman que la ruleta rusa se utilizó durante la guerra (sin especificar qué artículo).

Durante el 29º Festival Internacional de Cine de Berlín en 1979, la delegación soviética expresó su indignación por la película que, en su opinión, insultó al pueblo vietnamita en numerosas escenas. Otros estados socialistas también expresaron su solidaridad con el "pueblo heroico de Vietnam ". Protestaron contra la proyección de la película e insistieron en que violaba los estatutos del festival, ya que de ninguna manera contribuía a la "mejora del entendimiento mutuo entre los pueblos del mundo". El consiguiente efecto dominó provocó la salida de los cubanos, los alemanes orientales, los búlgaros, los polacos y los checoslovacos, y dos miembros del jurado renunciaron en señal de simpatía.

La película fue aclamado por muchos críticos como la mejor épica estadounidense desde Francis Ford Coppola y su El padrino .

En cuanto a los críticos Roger Ebert defendió la licencia artística de la ruleta rusa, argumentando que "es el símbolo organizador de la película: cualquier cosa que pueda creer sobre el juego, sobre su violencia deliberadamente al azar, sobre cómo afecta la cordura de los hombres obligados a jugar". "Se aplicará a la guerra en su conjunto. Es un símbolo brillante porque, en el contexto de esta historia, hace que cualquier declaración ideológica sobre la guerra sea superflua". Desde las páginas del Chicago Sun-Times,  la  calificó como "una de las películas y con unas de las interpretaciones más conmovedoras que se haya hecho". Y concluye diciendo que "Es [una] mezcla impresionante de 'comercialidad' y 'arte' (…) "

Gene Siskel, del Chicago Tribune, elogió la película y dijo: "Esta es una gran película, que trata sobre grandes temas, hecha a gran escala. Gran parte de ella, incluidas algunas decisiones sobre el casting, sugiere la inspiración de El Padrino ".

El crítico de cine y biógrafo David Thomson también está de acuerdo en que la película funciona a pesar de la controversia: "Hubo quejas de que los norvietnamitas no habían empleado la ruleta rusa. Se dijo que las escenas en Saigón eran fantásticas o imaginadas. También se sugirió que De Niro , Christopher Walken y John Savage eran demasiado viejos para haberse alistado para Vietnam (Savage, el más joven de los tres, tenía 28 años).

En su artículo de Vanity Fair "The Vietnam Oscars", Peter Biskind escribió que la agenda política de The Deer Hunter era algo misteriosa: "Puede haber sido más un subproducto de la miopía de Hollywood, las demandas del género de la película de guerra. "parroquialismo americano de variedad de jardín, y simple ignorancia de lo que era el mapa de ruta pre-meditado de la derecha que a muchos les pareció".  Y también Variety, Charles Schreger señala que "Se mantiene intensa, poderosa y fascinante durante más de tres horas (...) Funciona a muchos niveles y demuestra que Cimino es un director importante que merece ser visto con atención."

Según Christopher Walken, el contexto histórico no era primordial: "¡Al hacerlo, no recuerdo que nadie haya mencionado nunca a Vietnam!" De Niro agregó a este sentimiento: "Si [la visión de la película sobre la guerra] sucedió realmente o no, es algo que se podría imaginar fácilmente sucediendo. Tal vez sucedió. No sé. Todo es justo en el amor y en la guerra".

El crítico norteamericano Presidente de la Asociación de Críticos Cinematográficos Leonard Maltin  calificó la película como un  "trabajo sensible, doloroso y evocador".

Vincent Canby de The New York Times señaló que The Deer Hunter"una película grande, torpe y locamente ambiciosa que se acerca tanto a ser una película épica popular como cualquier película sobre este país desde El Padrino . Su visión es la de un gran cineasta original". Y Canby añadió en su columna en el The New York Times que "Su visión es limitada y su dimensión narrativa es a veces escasa (...) Al mismo tiempo profundamente perturbadora y problemática (...) pero su sensibilidad para el tiempo, el lugar y los trabajadores es genuina" Y este mismo diario, David Denby calificó la película de "épica" con "cualidades que casi nunca vemos, rango, potencia y amplitud de experiencia"

Jack Kroll de Time afirmó que el director Cimino estaba "justo en el centro de la cultura cinematográfica".

Stephen Farber  en la revista New West la calificó como "la mejor película contra la guerra desde La Gran Ilusión ".

Kathleen Carroll en el New York Daily News afirma que "Esta innovadora y enorme película (...) permite entender por qué esta guerra destruyó la esperanza y los sueños de los jóvenes americanos y por qué dejó a muchos de ellos devastados y alienados de la sociedad."

Sin embargo, The Deer Hunter no estuvo exento de una reacción crítica. Pauline Kael, de The New Yorker, escribió una crítica positiva con algunas reservas: "[Es] una película de mentalidad pequeña con grandeza ... con una visión cautivada de la vida común ... [pero] enfurecida, porque, a pesar de su ambición ya escala, no tiene más inteligencia moral que las imágenes de acción de Eastwood ". Además Kael escribió: "Los vietcong son tratados en el estilo oriental inescrutable-malvado de los japoneses en las películas de la Segunda Guerra Mundial ... La impresión que tiene un espectador es que si hicimos algunas cosas malas allí las hicimos". Despiadado pero impersonalmente, los vietcong eran crueles y sádicos ".

Andrew Sarris escribió que la película era "enormemente vaga, tediosamente elíptica y misteriosamente histérica ... Tal vez sea significativo que los actores sigan siendo más interesantes que los personajes que interpretan".

Jonathan Rosenbaum del Chicago Reader desacreditó a The Deer Hunter como un "lloriqueo de los Oscar por los amigos machistas" y "un repugnante relato de lo que los malvados vietnamitas hicieron a los estadounidenses pobres e inocentes". Añadiendo "Aunque los resultados son muy profesionales (...) la autocompasión masculina es tan abrumadora que probablemente intentarás escapar de esta especie de verborrea sobre Tolstoi (...) si es que no te dan náuseas como a mí."

En este sentido , la escritora Karina Longworth señala que Streep "defendió el empoderamiento femenino al interpretar a una mujer para quien el empoderamiento era un concepto extraño: una dama normal de un pequeño pueblo estadounidense promedio, para quien la servidumbre era lo único que sabía".   Afirma que The Deer Hunter "evoca una versión de masculinidad dominante en la que la amistad masculina es una fuerza poderosa". Tiene un "mensaje creíblemente humanista", y el "estudio lento de los hombres en el machismo de la patria felizmente ignorante es crucial para ello".

John Simon  escribió: "A pesar de todas sus pretensiones de algo más nuevo y mejor, esta película es solo una extensión de la vieja mentira de la película de guerra de Hollywood. El enemigo sigue siendo bestial y estúpido, y no es rival para nuestra pureza y heroísmo; solo que ya no limpiamos el piso con él, sino que lo ensuciamos con sus entrañas ".

En el Reino Unido Peter Bradshaw  en The Guardian sostuvo que era una " obra maestra de crueldad y horror de Cimino (...) Atrevida y brillante (…) "

 Adrian Turner en Radio Times señala que "Una de las mejores y más controvertidas películas sobre la guerra de Vietnam (...) Este drama intenso se queda en la memoria por mucho tiempo (…) "

Mientras que Colin Kennedy en las páginas de Empire afirma que es "Una experiencia tan emotiva como desgarradora que pone al espectador en el lugar de un hombre que experimenta lo ocurrido en Vietnam (…) "

 Marc Lee en el Telegraph afirma que  "La obra de Michael Cimino sobre la guerra de Vietnam está cronometrada a la perfección (...) El coste de la guerra en términos de sufrimiento - físico, mental, emocional - rara vez se ha concebido de forma tan aguda."

Por su parte, Almar Haflidason en la BBC "[Un] estudio mordaz sobre la amistad y la devastación mental que provoca la guerra (…)"

Y Chris Auty en Time Out afirma que "Probablemente sea una de las pocas grandes películas de los años 70 (...) Idealmente, funcionará como un test riguroso para la conciencia moral y política de la audiencia (…) .

El crítico de cine  británico David Thomson escribió en un artículo titulado " The Deep Hunter: Historia de una escena" que la película cambió la forma en que se representaban las batallas de la guerra: "El terror y la explosión de la potencia de fuego cambiaron la película de guerra, aunque solo se usara" Un revólver. Más o menos antes de finales de la década de 1970, las películas habían vivido según un código de la Segunda Guerra Mundial en el que las escenas de batalla podían ser feroces pero siempre controladas rigurosamente". Y añadió "desató una nueva dinámica en combate y acción, allanando el camino para Platoon , Saving Private Ryan y las películas de Iwo Jima de Clint Eastwood "

En Irlanda Tara Brady en el Irish Times señalaba que "Hay muchos momentos inolvidables, que son más imborrables gracias a la fotografía de Vilmos Zsigmond (...) La actuación con la que Walken ganó un Oscar es de una belleza atroz (…) "

Ya en España Carlos Boyero  en El Mundo señala que  "No es una película sobre la guerra, sino sobre la amistad. Sobre cómo la vida puede joder las cosas más hermosas que hemos tenido, la imposibilidad de recobrar el esplendor en la hierba. También es un canto a la supervivencia. A mí me sigue haciendo llorar."

Y Fernando Morales en  El País afirma que es "Discutible en algunos aspectos, pero perfectamente dirigida e interpretada. Imprescindible"

El productor Spikings, aunque orgulloso de la película, lamenta la forma en que los vietnamitas fueron retratados. "No creo que ninguno de nosotros haya querido ser explotador", dijo Spikings. "Pero creo que éramos ... ignorantes. No puedo pensar en una palabra mejor para eso. No me di cuenta de lo mal que nos habíamos comportado con los vietnamitas ..."

El productor Deeley, por otro lado, se apresuró a defender los comentarios de Cimino sobre la naturaleza y los motivos de la película: "   no era realmente 'sobre' Vietnam. Era algo muy diferente. No era sobre las drogas o el colapso de la moral de los soldados era acerca de cómo las personas responden a la presión: distintos hombres que reaccionan de manera muy diferente que la película era aproximadamente tres trabajadores del acero en circunstancias extraordinarias. Apocalypse Now es surrealista. el cazador es una parábola ... Los hombres que luchan y pierden una guerra indigna se enfrentan a elecciones obvias y desagradables. Pueden culpar a sus líderes ... o pueden culparse a sí mismos. La auto-culpa ha sido una gran carga para muchos veteranos de guerra. Entonces, ¿cómo un soldado llega a un acuerdo con su derrota y aún así conserva su autoestima? Una forma es presentar al enemigo conquistador como algo inhumano, y la batalla entre los buenos (nosotros) y los malos (ellos) tan desigual, que hace que la derrota sea irrelevante. La inhumanidad fue el tema de la representación de The Deer Hunter de los guardias de prisión de Vietnam del Norte que obligaron a los prisioneros de guerra estadounidenses a jugar a la ruleta rusa. La simpatía de la audiencia con los prisioneros que (de manera comprensible) se resquebrajaron completa la cadena. En consecuencia, algunos veteranos que sufrieron en esa guerra encontraron en la ruleta rusa una alegoría válida " "God Bless America" ​​se convirtió en un tema de acalorado debate entre los críticos cuando se estrenó la película. Se planteó la cuestión de si esta conclusión se quería decir irónicamente o no, "como una crítica del patriotismo o un canto a la misma".

Dicho lo cual que es mucho diré que esta es para mi una de las grandes películas de la historia del cine, que contiene momentos tan emocionante como el que protagonizan el grupo de amigos cantando  "Can’t Take My Eyes Off You” o el de la "ruleta rusa". Está magníficamente retratada e interpretada. Es una joya a la amistad truncada , a la vida perdida sin sentido, al horror  y un monumental retrato de la grandeza y de la degradación en la condición humana que hay que ver y mientras más mejor.