Dementia 13

"Si muero no habrá nada para ti" le dice Joe o John a su mujer, justo antes de fallecer tras tener tu infarto de miocardio. Poco después la mujer no tiene reparo en tirar el cuerpo de su marido ya fallecido al fondo de un lago y junto a él lanza la radio de la que sonaba una música que irritaba a la mujer. Por cierto, rock and roll. . 

Tras eso escribe una carta al resto de la familia anunciando que John ha tenido que viajar a Nueva York por negocios. Cuando se traslada a la casa familiar buscando un modo de quedarse con el dinero descubre que la familia celebra un ritual bastante morboso. 

Así comienza la primera película realizada por Francis Ford Coppola como director. Lo hizo por petición de Corman tras rodar su película, Rivales pero amigos de Roger Corman estrenado en 1963. Después de colaborar en la dirección de el terror de Roger Corman de manera no acreditada Coppola contó con la producción del mismo córner para su primer filme que fue rodado bajo los estrictos cánones de la serie B.

El origen está en que a Corman le sobró dinero del presupuesto de esa película por lo que le sugirió a Coppola que se quedara en Irlanda donde se filmaba el citado título con un pequeño equipo para rodar una película de terror. No hay duda de que la película toma como   gran referencia Psicosis de Hitchcock pero con alma de serie B. 

Los actores principales son Luana Anders y William Campbell. Junto a ellos desaparecen un Bart Patton y Mary Mitchell. Así como Patrick McGee 

Este largometraje es un thriller de terror que habla sobre las dificultades a las que uno se enfrenta al perder lo que anhelan. Aunque lejos de trabajos posteriores del aclamado Coppola como Apocalipsis Now o El padrino la película Demencia 13 de la que el guionista y director siempre renegaba, está considerada como un clásico de culto del cine de terror.

Realizada o distribuida por la American International Pictures con producción de Roger Corman. Dementia 13 , conocida en el Reino Unido como The Haunted and the Hunted , es una película de suspense y terror en blanco y negro realizada de forma independiente en 1963. Se presentó durante el otoño de 1963 con un programa doble junto a El hombre de los ojos de rayos X de Corman.

La historia comienza en un embarcadero. Una pareja sube a una barca. Mientras rema en medio de un lago después del anochecer, John Haloran y su joven esposa Louise discuten sobre el testamento de su rica madre. 

Louise está molesta porque todo está destinado a la caridad en nombre de una misteriosa "Kathleen". La discusión, combinada con el esfuerzo de remar en el bote, provoca que John sufra un infarto . Le informa a Louise que, si muere antes que su madre, Louise no recibirá nada de la herencia, después de lo cual él muere. 

Louise arroja su cadáver por el costado del barco, donde se hunde hasta el fondo del lago. Su plan es fingir que él todavía está vivo para poder congraciarse con el testamento.

Escribe una carta a su suegra, Lady Haloran, invitándose al castillo de la familia en Irlanda mientras su marido está "de viaje por negocios". 

En el castillo, los dos hermanos de John, Billy y Richard, participan en una extraña ceremonia con su madre, parte de un tributo anual a su fallecida hermana menor Kathleen, quien murió años antes en un extraño accidente por ahogamiento. 

Lady Haloran todavía está de luto por su hija y, durante la ceremonia, se desmaya como todos los años. Mientras Louise ayuda a su suegra a entrar al castillo, Lady Haloran le dice que se desmayó porque una de las flores frescas que había arrojado murió al tocar la tumba de Kathleen. 

Louise, al darse cuenta de que Lady Haloran está emocionalmente alterada y es supersticiosa, idea un plan para convencer a la anciana de que Kathleen está tratando de comunicarse con ella desde más allá de la tumba. Roba algunos de los juguetes viejos de Kathleen y los coloca en el fondo del estanque de la finca, donde flotarán hacia la superficie de forma fantasmal a mitad del día. Ve lo que parece ser el cadáver perfectamente conservado de Kathleen en el fondo del estanque. Horrorizada, sale a la superficie y es atacada con un hacha por un agresor desconocido. Su asesino se lleva el cadáver de Louise.

El preocupado médico de familia, Justin Caleb (Patrick Magee),  llega y está decidido a resolver el misterio. Cuestiona a la familia.

Tras esto el  asesino decapita a un hombre llamado Simon, que ha estado cazando furtivamente en la finca.

 El Dr. Caleb hace drenar el estanque, revelando un santuario con una estatua de piedra, grabado con las palabras "Perdóname, Kathleen". 

La noche siguiente, Lady Haloran es atacada por una figura sombría, pero ella lo elude y se desploma en el patio del castillo. 

 El Dr. Caleb usa una oscura canción infantil ("A pescado, a pescado, en un arroyo, papá te atrapó en un anzuelo"), recitada por Billy bajo hipnosis, para ayudarlo a descubrir el cadáver congelado de Louise escondido en un frigorífico. Junto al cuerpo ensangrentado hay una figura de cera de Kathleen. El Dr. Caleb coloca la figura en una plaza pública para atraer al asesino.

 Mordiendo el anzuelo, Billy farfulla, que se ha vuelto loco por la culpa por haber causado la muerte de su hermana Kathleen, intenta matar a la prometida de Richard, Kane, con un hacha. 

El Dr. Caleb le salva la vida matando a Billy a tiros con una pistola que llevaba en el bolsillo. 

Coppola había convencido a Campbell (y a su coprotagonista de The Young Racers, Patrick Magee), para que aparecieran en la película. Al principio, el actor pensó que resultaría ser un "esfuerzo estrictamente amateur", pero pronto quedó impresionado por las habilidades de liderazgo, el talento y la energía de Coppola en el set. 

Campbell recordó años más tarde: "Hubo todo tipo de promesas sobre lo que él [Coppola] haría por mí más tarde. Fue una de esas cosas de 'te-debo-uno', ¡pero nunca hizo nada ! Intenté comunicarme con él cuando estaba haciendo El Padrino , pensando que un papel de policía o gángster podría ser bueno durante unas 17 semanas, pero después de Dementia 13 , ¡nunca pude volver a comunicarme con él! 

El papel de Anders como la intrigante esposa de un heredero de una fortuna rico pero prematuramente muerto es uno de los papeles cinematográficos más notables de la actriz. 

Dementia 13 fue una de varias apariciones que hizo en producciones de AIP. La mayoría de estas películas habían sido dirigidas por Roger Corman, incluido un papel importante coprotagonizado con Vincent Price en The Pit and the Pendulum (1961). 

Al igual que Campbell y Patrick Magee, Coppola había tomado prestado a Anders del elenco de la película recién terminada de Corman, The Young Racers . 

Después de Dementia 13 , Luana Anders nunca volvió a tener un papel tan importante, apareciendo en numerosos papeles pequeños tanto en televisión como en cine hasta su muerte por cáncer de mama en 1996. 

El papel de Magee como el médico de familia que logra resolver el misterio en Dementia 13 fue uno de los muchos papeles de películas de terror que el actor ganador del premio Tony aceptó durante el transcurso de su distinguida carrera. Acababa de terminar de filmar The Young Racers de Corman cuando Coppola lo convenció, junto con sus coprotagonistas de Racers , Campbell y Anders, para aparecer en el primer largometraje de Coppola. Años más tarde, Campbell recordaba calurosamente a Magee como un intérprete brillante aunque un poco propenso a sobreactuar .

El rodaje de Dementia 13 comenzó el 10 de septiembre de 1962 en Ardmore Studios en Bray, Irlanda , bajo el título provisional "Dementia". Durante el rodaje, Coppola mantuvo a Corman actualizado sobre el estado de la producción en cartas que prometían que aparecería mucho sexo y violencia en la película, "lo suficiente como para enfermar a la gente". Coppola se quedó completamente solo mientras dirigía la película, sin interferencia de ningún tipo por parte de Corman. Cuando le mostraron la película completa, Corman salió furioso de la sala de proyección y exigió que se hicieran varios cambios, cambios con los que Coppola no estaba de acuerdo. Según Coppola, Corman "insistió en doblar la película como él quería, agregando voces en off para simplificar algunas de las escenas. Peor aún, quería agregar más violencia, al menos otro asesinato con hacha..."

Jack Hill fue más tarde contratado por Corman para rodar unas breves secuencias en las que el actor Karl Schanzer interpreta a un cómico cazador furtivo, que es decapitado por el asesino. 

Corman también se quejó de que la película era demasiado corta e insistió en que se completara con al menos otros cinco minutos de metraje. Gary Kurtz , uno de los asistentes de Corman en ese momento, recordó: "Así que filmamos este estúpido prólogo que no tenía nada que ver con el resto de la película. Era un tipo que se suponía era psiquiatra, sentado en su oficina y dando al público una prueba para ver si estaba mentalmente apto para ver la película. De hecho, la película se estrenó con ese prólogo".  El prólogo fue dirigido por Monte Hellman .  Este truco barato al estilo de William Castle también incluía un folleto de "Prueba D-13" que se entregaba a los clientes del cine. Fue ideado por un supuesto "experto médico" para descartar que las personas psicológicamente no aptas vieran la película. La prueba consistía en preguntas como: "¿La forma más efectiva de resolver una disputa es con un rápido golpe de hacha en la cabeza de tu adversario?" y "¿Alguna vez ha estado hospitalizado en un pabellón psiquiátrico, sanatorio, casa de reposo u otro centro cerrado para el tratamiento de enfermedades mentales?" "Sí" o "No" fueron las únicas respuestas posibles. Debido a su producción apresurada y un guion algo incomprensible, 

Las críticas de Dementia 13 han sido mixtas. Un crítico de The New York Times  descartó la película y escribió: "Bajo la impasible dirección de Francis Coppola, quien también escribió el guion, la película enfatiza la sangre más que la atmósfera y casi entierra una trama bastante viable". 

Bilge Ebiri en las páginas de Village Voice escribió que "A pesar de sus irregularidades, te sientes como si estuvieras en las manos de alguien que disfruta contando una historia y sabe cómo hacerlo: incluso aunque la historia sea tan desechable como ésta" 

Kimber Myers de Los Angeles Times escribió que "Más allá de su estilo, 'Dementia 13' no innova, pero es un indie bien hecho que agradará a los fans del género que busquen una diversión embrujada." 

Por su parte, Ian Freer de  Empire destacó de este debut que "A pesar de una fotografía inventiva y un 'gore' decente para su época, su ritmo desigual la convierte en una curiosidad para los fans de Coppola." 

Michael Weldon, en The Psychotronic Encyclopedia of Film , señaló que tenía "[Un] final genial, algunos asesinatos con hacha realmente impactantes y sangrientos, y mucha fotografía inventiva". 

Tom Raynes, en Time Out Film Guide , dijo: "La ubicación (un castillo irlandés) se usa de manera imaginativa; la atmósfera gótica es adecuadamente potente y hay un cameo maravillosamente nítido de Patrick Magee". 

Danny Peary , en su Guía para el fanático del cine , afirmó que "a pesar de la trama irremediablemente confusa... las secuencias de terror son muy emocionantes". 

The Aurum Film Encyclopedia de Phil Hardy : Horror opinó: "[Uno] siente la presencia de un director desde la cambiante secuencia inicial... Una pieza de melodrama gótico... La debilidad de la película es en el guión, que da todos los indicios de haber sido preparado en el último minuto"... 

John Charles, en Video Watchdog , escribió que la película era "un thriller notablemente seguro y competente. Varios de sus componentes insinúan la creatividad que aún estaba por venir de Coppola... y el producto final es un testimonio de su ingenio". 

Kim Newman opinó: "Coppola... trabaja rápido y creativo en Dementia 13 ... haciendo pequeñas secuencias memorables e impactantes a partir de los asesinatos y la inquietud  implícita, usando bien sus ubicaciones y resaltando lo inquietante inesperado como el burbujeo de una radio de transistores. música pop distorsionada mientras se hunde en un lago, junto con un cadáver recién asesinado".

Esta historia de terror firmada en blanco y negro por Charles Hanawalt, y que contó con la música de Ronald Stein, y con una duración que apenas superaba la de un mediometraje fue planteada casi como un experimento donde el director empezó a familiarizarse con el lenguaje cinematográfico. 

Easy Rider

Me apetecía volver a ver Easy Rider, la película "road movie"por antonomasía, la película de la rebeldía, la película que retrataba a los que podían ser los últimos integrantes de la "beat generation" con su discurso transgresor y libertario , que postulaban o simplemente la libertad sexual como una opción así con la posibilidad de las adicciones.

En mi mente , errática y confisa, sin duda, quería pensar que era un recorrido por la ruta 66, esa vía - The Main Street of America - que unía Los Ángeles con Chicago y que pasaba por aquellas ciudades por las que pasé en mi alquilado Toyota Sienna bajo el sonido de la música de los Doors como las decadentes - pero fantásticas- Seligman, Kingman, Ash Fork y Willians, así como ese núcleo ferroviario inmenso que era Flagstatt.

Pero anoche al verla descubrí que yo guardaba en mi mente un mito, ya que Easy Rider no circula necesariamente por la route 66 en su trayecto para ir a Nueva Orleans y disfrutar del Mardi grass. No, la memoria al verla, me ha enseñado que su recorrido desde la frontera con México, cruzando con el río Colorado era otro, y que la ruta seguida se encaminaba no a Illinois, sino por Nuevo México, Texas , Oklahoma, desviándose hacia el sur de la ruta en dirección Arkansas y Louisiana.

Easy Rider , por lo tanto, me ha llevado por otro camino, más cercano a la América profunda e intransigente y tan próxima al drama como al road movie.

Se trata pues de una película del año 1969 dirigida por Dennis Hopper , producida en parte por su compañero de reparto, Peter Fonda. Lo desconocía- desconozco tantas cosas, que estaba inspirada en una película italiana en clave de comedia del año 1962 La escapada (Il sorpasso) de Dino Risi con Vittorio Gassman, Jean-Louis Trintignant, Catherine Spaak y Claudio Gora.

Esto no evita que Easy Rider . Buscando mi destino (como se le ha llamado en España)esté considerada como un hito de la contracultura de los años 1960 y un paradigma fundamental en la historia del cine mundial y precursora del cine de producción independiente, que pudo recaudar cien veces más que su costo de producción. Es una producción de Peter Fonda, William Hayward y Bert Schneider que siguen un guión del mismo Peter Fonda, escrito junto a Dennis Hopper y Terry Southern,  amparada por la productora Columbia Pictures , Pando Company y Raybert Productions que invirtieron en ella entre $360,000–$400,000, pero que obtuvo unos 60 millones de beneficios en taquilla.

Contó con la fotografía de László Kovács, el montaje de Donn Cambernm y una inmensa banda sonora en la que participan entre otros The Band, The Byrds, The Jimi Hendrix Experience, Roger McGuinn y Steppenwolf

El reparto lo integran Dennis Hopper como Billy,  Peter Fonda como Wyatt o Captain America, Jack Nicholson, como George Hanson. junto a ellos aparecen Antonio Mendoza como Jesús, Phil Spector como Connection ,Mac Mashourian como el guardaespaldas, Warren Finnerty como el Ranchero con el que comen, junto a Tita Colorado como la mujer del ranchero y Luke Askew como el desconocido que recogen en la autopista.

Tras eso están los integrantes de la Comuna como son Luana Anders como Lisa, Sabrina Scharf como Sarah, Robert Walker, Jr. como Jack, Sandy Wyeth como Joanne y los mimos Robert Ball , Carmen Phillips , Ellie Walker y Michael Pataki . Igualmente parece que está presente una no acreditada Bridget Fonda entre las niñas de la comuna.

Tras ser detenido además de Jack Nicholson, aparecen los policías George Fowler y Keith Green como el Sheriff. En el café en el que paran aparecen entre algunos de los clientes Hayward Robillard, Arnold Hess, Buddy Causey, Jr., Duffy Lafont o Blasé M. Dawson.

En el burdel pasan el rato junto a Toni Basil comos Mary y Karen Black como Karen, siendo Lea Marmer la Madame. Y sus asesinos finales son David C. Billodeau y Johnny David.

La historia comienza con dos motociclistas se desplazan hasta la frontera con México para comprar drogas a un traficante (Antonio Mendoza).

Tras probar la mercancía y comprobar su buena calidad deciden vender el producto a un comprador (Philp Spector) , a "Connection", un hombre en un Rolls-Royce , y reciben una gran suma a cambio. La transacción se lleva acabo  cerca de la pista del aeropuerto de Los Ángeles.

Desde allí se desplazan con sus nuevas motos , dos choppers,  desde el suroeste de Estados Unidos hasta el sur para disfrutar de los beneficios de este lucrativo negocio de drogas.

El nuevo objetivo de Billy (Hopper) apodado "Capitán América" y Wyatt (Fonda) es asistir al carnaval Mardi Gras.  Con el dinero metido en un tubo de plástico escondido dentro del tanque de combustible pintado de Stars & Stripes o sea de barras y estrellas de la nueva moto de Wyatt  deciden viajar hacia el este con el objetivo de llegar a Nueva Orleans , Louisiana, a tiempo para el festival Mardi Gras .

Los dos protagonistas tienen un carácter diferente. El primero es bastante más abierto para el trato con las  personas que encuentran en su viaje o para pedir  ayuda mientras que el segundo ese trato le resulta  más hostil y sospechoso.

Con sus motocicletas emprenden un viaje en el que conocen diversas caras de la sociedad estadounidense. En el camino se encuentran a diversos y poco habituales personajes, un ranchero y su familia, un autoestopista hippie, acaban siendo arrestados en un pueblecito por desfilar sin un permiso, donde conocen a un abogado borracho (Jack Nicholson) que les saca de la cárcel y luego decide unirse a ellos.

Al poco de iniciar su recorrido Wyatt y Billy se detienen para reparar una de las bicicletas en una granja. Mientras arreglan la rueda , el ranchera apuesta por arreglar la herradura de su caballo. Posteriormente son invitados a comer con el granjero y su familia. Wyatt parece apreciar el estilo de vida simple y tradicional de un granjero que bendice la mesa y comenta que se caso con una mujer hispana y católica.

Más tarde Wyatt se detiene para recoger a un excursionista "hippy" y los invita a visitar su comuna , donde permanecen el resto del día.

La noción de " amor libre " parece practicarse, con dos de las mujeres, Lisa y Sarah, que aparentemente comparten el afecto con el miembro de la comuna de autostop . Fnalmente ambas marchan a bañarse a un río junto a Wyatt y Billy y toman la droga del momento, LSD.

Más tarde, mientras  llegan a una pequeña  localidad en la que hay un desfile en un pueblo pequeño, la pareja de moteros es arrestada por las autoridades locales por "desfilar sin permiso". Esto irrita a Billy sobre todo cuando pasan la noche en la cárcel.

Allí, se hacen amigos de un joven y borracho abogado , George Hanson (Jack Nicholson) , quien ha pasado la noche en la cárcel después de ingerido alcohol en exceso.

George los ayuda a salir de la cárcel y decide viajar con Wyatt y Billy a Nueva Orleans. Mientras acampan esa noche, Wyatt y Billy le presentan a George la marihuana. Como alcohólico y "cuadriculado" , George es reacio a probarlo debido a sus reparos ante la droga  pero rápidamente cede.

Al detenerse a comer en un restaurante de la pequeña ciudad de Louisiana, la apariencia del trío atrae la atención de los lugareños. Las chicas en el restaurante piensan que son emocionantes, pero los hombres locales y un oficial de policía comienzan a hacer comentarios y se burlan ruidosamente mediante comentarios y denigrantes. Wyatt, Billy y George, sintiendo la hostilidad, deciden irse sin ningún problema.

Acampan fuera de la ciudad. En medio de la noche, un grupo de lugareños ataca al trío dormido, golpeándolos con palos. Billy grita y blande un cuchillo y los atacantes se van. Wyatt y Billy sufren heridas menores, pero George ha sido golpeado hasta la muerte.

Wyatt y Billy envuelven el cuerpo de George en su bolsa de dormir, juntan sus pertenencias y prometen devolver los artículos a sus padres.

Continúan a Nueva Orleans y encuentran un burdel del que George les había hablado. Tras hablar con la madame se llevan a las prostitutas Karen y Mary con ellas, Wyatt y Billy deciden salir y pasear por la calle llena de desfiles de la celebración del Mardi Gras. Terminan en un cementerio, donde los cuatro ingieren el LSD que  le había dado a Wyatt. Ellos experimentan un mal viaje con  Wyatt mirando en silencio a la fogata, Billy riéndose tontamente y diciendo: "Lo hemos hecho, lo hemos hecho. Somos ricos, Wyatt", riendo.

Wyatt no responde que Billy repite que son ricos y que pueden retirarse. Después de una pausa, Wyatt mira hacia abajo y dice: "Ya sabes, Billy, lo arruinamos". Billy dice que el dinero los libera, pero Wyatt repite que lo arruinaron y le da las buenas noches.

A la mañana siguiente, mientras se desplazan por una carretera rural de dos carriles pasan cerca de una camioneta vieja, el conductor que lleva sombrero de vaquero dice, con un fuerte acento de Luisiana o de Cajun , "Hola, mírenlos a los dos". El otro hombre en el camión busca una escopeta colgada en la ventana trasera, diciendo que "los asustará a los dos". Cuando pasan junto a Billy a su izquierda, el pasajero apunta con pereza la escopeta por la ventana y dice: "¿Quieres que te estalle los sesos?" mientras el conductor se ríe .

Sin mirarlos, Billy levanta su dedo haciéndole la peintea . El hombre dispara y mata a Billy cuya moto se desliza sobre el pavimento quedando  Billy al borde de la carretera.

Wyatt se detiene en el camino y se queda mirando a la camioneta mientras pasaba a su lado. Wyatt se da la vuelta , y corre hacia Billy, ve que está muerto y coloca su chaqueta con la inscripción de la bandera americana sobre la gran herida en el hombro izquierdo y el pecho de Billy, diciendo: "Voy por ayuda, Billy".

En el camión, el pasajero le dice al conductor: "Tenemos que regresar". Wyatt se desplaza por la carretera, moviéndose de derecha a izquierda en la pantalla, hacia la camioneta cuando da vuelta en U, y vemos se acerca más al camión.

Al pasar en la dirección opuesta, el pasajero se inclina sobre el conductor y dispara la escopeta por la ventana. El disparo se muestra como una mancha roja que llena la pantalla por un momento, seguido por un corte con un desplazamiento de  la motocicleta sin conductor, moviéndose de izquierda a derecha, volando por el aire , lejos de la carretera con la rueda delantera separándose, y llamas o chispas que vienen del lado derecho del motor de la bicicleta.

Un primer plano muestra la bicicleta de lado y luego una explosión debajo. Una toma aérea, con el ángulo invertido de nuevo, muestra una motocicleta envuelta en llamas, que se retira rápidamente y se eleva en el aire sin que Wyatt sea claramente visible. Los créditos se extienden sobre esta vista cada vez más amplia sobre el campo, acabando así la película con la canción la balada de Easy Rider.

El éxito de Easy Rider ayudó a despertar la era cinematográfica de Hollywood a principios de los años setenta, aunque Hopper y Fonda ya habían colaborado y trabajado juntos en  The Trip (1967), escrita por Jack Nicholson, con temas y personajes que aparecerán más tarde en Easy Rider .

Peter Fonda se había convertido en "un icono de la contracultura" en The Wild Angels (1966), donde estableció "una personalidad que desarrollaría aún más en su siguiente película , la citada The Trip y , sobre todo, en Easy Rider ".

La película popularizó el LSD, mientras que Easy Rider pasaba a presentarse como modelo de la " ontracultura de los 60", pero   "despojado de su inocencia".

También la película fue un paso en la transición de la película independiente a la corriente principal de Hollywood.

Antes he comentado que en mi memoria estaba que era un homenaje a la mítica ruta 66, y sin serlo, si que algunos puntos del trayecto si fueron utilizados para el rodaje. De hecho, durante la misma he podido reconocer puntos por los que yo pasé en mi Sienna, y si bien ellos no paran, yo sí tuve que hacerlo , pues yo quería ver detenidamente los paisajes y además rompí una rueda , siendo auxiliada por una india navajo que regentaba una gasolinera en Flagstatt en la misma ruta 66- esa fue mi pequeña aventura- , tengo que señalar que hay hitos de la ruta que sí están presentes. Entre ellos señalaré algunos como en Arizona como la Sacred Mountain Gas Station entre la 89 y 150 Road de Flagstaff, la Pine Breeze Inn al oeste de la Route 66 en Bellemont, Valentine,- una localidad fuera de la ruta , pero en Arizona que es Collins Ranch. También ruedan en Topock, cuando Billy y Wyatt cruzan el Río Colorado River y toman hacia el sur las rutas 71 y 89 y al igual que yo pasaron por la histórica capital del estado que fue Prescott, así como en Cottonwood, Tucson, Bellemont y Agathla Peak.

Un corto clip cerca del comienzo de la película muestra a Wyatt y Billy en la ruta 66 en Flagstaff, Arizona , pasando una gran figura de un leñador. Esa estatua de leñador, una vez situada frente a Lumberjack Cafe, permanece en Flagstaff, pero ahora se encuentra dentro del J. Lawrence Walkup Skydome en el campus de Northern Arizona University .

En espacios naturales de Arizona también ruedan como en el bosque donde recogen al autostopista que está en Sunset Crater Volcano National Monument y Wupatki National Monument en el 6082 Sunset Crater-Wupatki Loop Road, en las cercanías de Flagstaff, en el Painted Desert, y en la vertiente sur del Monument Valley en Arizona, al igual que en la parte de Utah.

El rodaje igualmente les llevó a Las Vegas, en Nuevo Mexico, que es el pueblo donde tenían prohibida su participación en la "Parada", allí rodaron igualmente en el 157 Bridge Street, para los exteriores de la cárcel, siendo el interior rodado en Taos, al igual que en Santa Fe también en Nuevo México , rodando en Eaves Movie Ranch y en la neomexicana, Madrid.

Ruedan igualmente en las localidades de Louisiana tales como Lafayette, Amelia, Lake Pontchartrain, Fralklin, Morganza,- donde intentan los tres protagonistas tomar un café y en el que los hombres y las chicas en esa escena eran todos residentes de Morganza y que con el fin de inspirar comentarios más vitriólicos de los hombres locales, Hopper les dijo que los personajes de Billy, Wyatt y George habían violado y matado a una niña fuera de la ciudad- , en Krotz Springs, para la última escena que fue filmada en Louisiana Highway 105 North, a las afueras de Krotz Springs , y  en la que los  dos hombres en la escena -Johnny David y DC Billodeau- eran residentes locales de Krotz Springs  y en New Orleans, Louisiana, en concreto dentro del cementerio de St Louis No.1 .Mientras filmaba la escena del cementerio, Hopper trató de convencer a Fonda para que hablara con la estatua de la Virgen como si fuera la madre de Fonda (que se había suicidado cuando tenía 10 años) y le preguntó por qué lo dejó. Aunque Fonda se mostró reacio, finalmente obedeció.

En California rodaron en las Montañas de Santa Mónica de Los Ángeles, en Ballarat, en Hansen Dam Park Recreation Area, en el Lakeview Terrace de Los Angeles, en Los Angeles International Airport, en Malibu. La comunidad hippie fue recreada a partir de imágenes y filmada en un sitio con vistas al Cañón de Malibu , ya que la comuna de New Buffalo en Arroyo Hondo, cerca de Taos, Nuevo México , no permitió rodar allí.

El rodaje tuvo lugar entre los meses de marzo y mayo de 1968, aunque la producción que comenzó el 22 de febrero y el mes de mayo del 68. La mayor parte de la película se filmó en exteriores y  con luz natural. Hopper dijo que todos los disparos al aire libre fueron una elección intencional de su parte, porque "Dios es un gran capataz ".

La producción usó dos camiones de cinco toneladas, uno para el equipo y otro para las motocicletas , con el elenco y el equipo en una autocaravana.

Algunos, como el mismo Peter Fonda han tenido la idea de presentar a Easy Rider como un western moderno , que involucra a dos motoristas que viajan por todo el país y que eventualmente reciben un disparo de los hillbillies. Los espacios señalados indudablemente se vinculan con los del western, pero lo cierto es que la idea de Fonda fue asumida por  Dennis Hopper, y entre los  dos decidieron convertir la historia de este viaje por el suroeste  en una película, con la idea de que se llamaran The Loners y con Hopper en la dirección y el hijo de Henri Fonda en la producción y ambos protagonizando y escribiendo.

Antes de concretar la totalidad de la historia contaron con el guionista Terry Southern , a quien se le ocurrió el título Easy Rider .

La película fue filmada principalmente sin un guión, con líneas improvisadas , y la producción comenzó solo con el contorno y los nombres de los protagonistas.

Ese espíritu de nuevo western está presente en los nombres propios de los protagonistas. Ese  Wyatt es nombrado así por Wyatt Earp y Billy por Billy the Kid .

Sin embargo, Southern comentó que Hopper escribió gran parte del guión. En una entrevista publicada en 2016 [Southern murió en 1995], dijo: "Sabes si Den Hopper improvisa una docena de líneas y seis de ellas sobreviven en el piso de la sala de montaje que él pondrá en crédito de guión. ". Según Southern, Fonda estaba bajo contrato para producir una película  y que éste había acordado permitir la dirección de Hopper. Según Southern, Fonda y Hopper no solicitaron crédito por el guión hasta después de las primeras proyecciones de la película, lo que requirió el acuerdo de Southern debido a las políticas del gremio de escritores . Southern dice que aceptó por un sentido de camaradería, y que Hopper se atribuyó el guión completo.

Según el biógrafo de Terry Southern, Lee Hill, la parte de George Hanson había sido escrita para un amigo de Southern, el actor Rip Torn .

Cuando Torn se reunió con Hopper y Fonda en un restaurante de Nueva York a principios de 1968 para discutir el papel, Hopper comenzó a despotricar de los " rednecks " - o sea, los blancos pobres, la "basura blanca" o estereotipo de un hombre blanco que vive en la América profunda y que tiene una baja renta - que había encontrado en su viaje de exploración al sur. Torn, un tejano, hizo alguna puntualización a algunas de las observaciones de Hopper, y los dos casi se ven en problemas. Resultado de todo ello es que Torn se retiró del proyecto y  fue reemplazado por Jack Nicholson, con quien Hopper había aparecido recientemente en Head (junto con otro coprotagonista de Easy Rider , Toni Basil).

En 1994, Jay Leno entrevistó a Hopper sobre Easy Rider en The Tonight Show , y durante la entrevista, Hopper alegó que Torn lo había apuñalado durante el altercado, lo que llevó a Torn a demandar a Hopper por difamación.

Independientemente de ello el presupuesto de rodaje de Easy Rider fue realmente corto , oscilando entre los $ 360,000 y los  $ 400,000. Peter Fonda señaló  que él personalmente pagó los costos de viaje y alojamiento del equipo  y dijo: "Todo el mundo esta pagando con mis tarjetas de crédito y pagaría por todos los hoteles, la comida, el combustible, todo con Diner's Club ".

Sin embargo, el fotógrafo de la película Laszlo Kovacs dijo que la película fue más cara y que tuvo que añadir al menos un millón de dólares adicionales, "cerca de tres veces el presupuesto para filmar el resto de la película", y que parte de ello se gastó en licencias de música que se agregaron durante la edición.

Hablando de música hay quién señala que algunos de los personajes de Wyatt y Billy estaban basados ​​respectivamente en Roger McGuinn y David Crosby de The Byrds .

A pesar de haber sido filmado en la primera mitad de 1968, más o menos,  entre el Mardi Gras y el asesinato de Robert F. Kennedy , la película no se estrenó en EE. UU. hasta julio de 1969, después de haber ganado un premio en el festival de cine de Cannes en mayo.

La demora se debió en parte a un proceso de edición prolongado. Inspirado por la película de Kubrick 2001: A Space Odyssey ' , el primero de  de los cortes propuestos por Hopper fue de 220 minutos de duración, incluido el uso extensivo del " flash-forward" , es decir, un dispositivo narrativo, en escenas de tarde en la película se insertan en la escena actual, pero sólo un flashforward sobrevive en la edición final: cuando Wyatt en el burdel de Nueva Orleans tiene una premonición de la escena final.

A petición de. Bob Rafelson y Bert Schneider , Henry Jaglom fue contratado para editar la película en su forma actual, mientras que Schneider mandó a  Hopper a un viaje a Taos para no interferir con el corte. final. Al verlo, Hopper se disgustó inicialmente, diciendo que su la película fue "convertida en un programa de televisión", pero finalmente aceptó, afirmando que Jaglom había diseñado la película de la forma en que Hopper había pensado originalmente. A pesar de la gran parte que interpretó, Jaglom solo recibió el crédito como "Consultor Editorial ". Aparentemente ese material original ha desaparecido.

El estilo de Easy Rider - los cortes de salto, los cambios de tiempo, los flashbacks, los flashforwards, las cámaras de mano espasmódicas, la narración fracturada y la actuación improvisada - pueden verse como una traducción cinemática de la experiencia psicodélica . Peter Biskind, autor de Easy Riders, Raging Bulls escribió: "El LSD creó un estado de ánimo que fracturó la experiencia y que la experiencia del LSD tuvo un efecto en películas como Easy Rider".

En cuanto a las motos señalar que se usaron cuatro motos policiales en la película. Son  Harley-Davidson Hydra-Glide de los años  1949, 1950 y 1952 y que se compraron en una subasta por $ 500, equivalente a aproximadamente $ 3500 en 2018.

La moto del "Capitán América" ​​fue demolida en la escena final, mientras que los otros tres fueron robados y probablemente desarmados antes de que se conociera su importancia como accesorios para la película .

Lo cierto es que  Hopper y Fonda organizaron una fiesta de despedida tras el rodaje de  la película y luego se dieron cuenta de que aún no habían filmado un escena , la de la fogata. Por lo tanto, se filmó después de que las motos ya habían sido robadas, por lo que no son visibles en el fondo como en las otras escenas de la fogata.

La película está considerada como un modelo emblemático de la contracultura estadounidense de los sesenta  y una "piedra de toque para una generación" que "capturó la imaginación nacional". Y es que  Easy Rider explora el panorama social, los problemas y las tensiones en los Estados Unidos durante la década de 1960, como el aumento del movimiento hippie , el uso de la droga  - la de la película es real- y estilo de vida comunal .

Desde el momento de su estreno se convirtió en referencia para toda una generación de motociclistas y simpatizantes de la contracultura estadounidense. Su inesperado éxito llevó a su director a un relativo estrellato que no administró bien, pues como modesta producción independiente, fue una de las más taquilleras de esos años, recaudando 100 veces más de su coste inicial. Su importancia histórica es indiscutible y se convirtió en uno de los precedentes y principal propulsor del nuevo cine estadounidense que se hizo en la década de 1970.

Sin embargo, Carlos Boyero señalaba en El País que "Revisé la mitificada 'Easy rider'. Es mediocre, y a ratos grotesca. Lo único admirable en ella es la interpretación de Jack Nicholson y la excelente banda sonora. El resto es un tripi chungo."

Con todo emblema de la película es , sin duda, su banda sonora que fue elegida por Columbia. La banda sonora, contiene temas de The Byrds, Steppenwolf, The Band y Jimi Hendrix,​ que cedieron los derechos de las canciones -caso único e inaudito en la historia del rock y que se contradice con el pago de derechos que encareció la película - . El editor Donn Cambern utilizó varias canciones de su propia colección de discos para escucharlas y vincularlas con la edición.

La banda sonora contribuyó a crear el tono libertario del filme. El uso extensivo de la película de música pop y rock para la banda sonora fue similar a lo que se había usado recientemente para la película El Graduado (The Graduate, 1967) con la musica de Simon y Gartfunkel .  En este caso se le pidió a Bob Dylan que contribuyera con música, pero se mostró reacio a utilizar su propia grabación de " It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding) ", por lo que se utilizó una versión interpretada por el líder de Byrds , Roger McGuinn . Además, en lugar de escribir una canción completamente nueva para la película, Dylan simplemente escribió el primer verso de " Ballad of Easy Rider " y les dijo a los compositores: "Dales esto a McGuinn, él sabrá qué hacer con él". McGuinn completó la canción y la interpretó en la película.

Originalmente, Peter Fonda había querido que la banda Crosby, Stills, Nash y Young escribieran una banda sonora totalmente original para la película, pero esto no se materializó por dos razones.  Por un lado,  Donn Cambern editó el metraje mucho más corto a lo inicialmente previsto  y, por otro lado, Hopper obtuvo cada vez más control sobre cada aspecto en el transcurso del proyecto y decidió prescindir de  CSNY.

La película fue ganadora de numerosos premios y candidata a otros muchos. La película Hopper recibió el Primer Premio de la Película ( Prix ​​de la première œuvre o Mejor öpera Prima ) en el Festival de Cannes de 1969 , y en la 42 edición de los Premios de la Academia , Jack Nicholson fue nominado al Mejor Actor en un Papel secundario. También fue nominada al Mejor Guión Original .

En los Globos de Oro el trabajo de Jack Nicholson estuvo nominado al mejor actor de reparto . En los Premios BAFTA de ese año 69 fue nominado nuevamente Nicholson al mejor actor secundario.  El Círculo de Críticos de Nueva York concedió el premio al Mejor actor secundario a Nicholson; por su parte, el Sindicato de Directores (DGA) nominó a Hopper al Mejor director y el Sindicato de Guionistas (WGA) la nominó al mejor guión original  como drama en ese inolvidable  1969.

La película aparece en el número 88 de la lista del American Film Institute de 100 Years, 100 Movies . Además  Easy Rider fue la tercera película más taquillera de 1969 , con unos $ 60 millones en todo el mundo, incluidos $ 41,7 millones en Estados Unidos.  Junto con Bonnie and Clyde y The Graduate , Easy Rider ayudó a poner en marcha la era del New Hollywood durante los últimos años 60 y 70. .

Los principales estudios se dieron cuenta de que se podía ganar dinero con películas de bajo presupuesto hechas por directores de vanguardia . Muy influenciado por la nueva ola francesa, las películas del llamado "Hollywood posclásico" llegaron a representar una generación de contracultura cada vez más desilusionada con su gobierno, así como con los efectos del gobierno en el mundo en general y en el establishment en general.

Aunque Jack Nicholson aparece solo como actor de reparto y en la última mitad de la película, la actuación destacada marcó su llegada como estrella de cine,  junto con su película siguiente Five Easy Pieces en la que tuvo el papel principal .

El vicepresidente Spiro Agnew con Nixon criticó a Easy Rider por considerarla que hacía apología de la droga, tal y como se recogía en una edición del New York Times en septiembre de 1970, en la que afirmaba que "los jóvenes estadounidenses estaban siendo "lavados del cerebro" en una "cultura de las drogas" por la música rock, películas, libros y periódicos clandestinos. Llamó a estas partes de "un estilo de vida de conformidad deprimente que no tiene vida ni estilo". Y prosigue el artículo diciendo que "Denunció que una película reciente, que no mencionó, pero que aparentemente era "Easy Rider", promovió como héroes a "dos hombres que pueden vivir una vida despreocupada con los ingresos de las ventas ilegales de drogas".

Los críticos  elogiaron, por contra, las actuaciones, la dirección, la escritura, la banda sonora, los efectos visuales y la atmósfera. Aunque no fue unánime Vincent Camby del New York Times señaló que "Hopper, Fonda y sus amigos fueron a Estados Unidos en busca de una película y encontraron en su lugar una declaración pequeña y piadosa (mayúsculas) sobre nuestra sociedad (mayúsculas), que está enferma (mayúsculas). Es bonito, pero en minúsculas.

Algo similar señaló en el Chicago Reader , Dave Kehr al decir que "La película puede ser una reliquia ahora, pero es un recuerdo fascinante, particularmente en su narcisismo y fatalismo, de cómo el movimiento hippie se veía a sí mismo". En 1998, Easy Rider fue agregado al National Film Registry de los Estados Unidos , habiendo sido considerado "cultural, histórica o estéticamente significativo". Steven Schneider la incluye en su listado de "1001 películas que hay que ver antes de morir".

El gran crítico de la prensa de Illinois, Roger Ebert agregó Easy Rider a su lista de "Grandes Películas" en 2004 y diciendo de ella que "Hoy juega más como una pieza de época que como un cine en vivo, pero capta con tanta seguridad el tono y la apariencia de ese momento en el tiempo. Renee Schonfeld dijo de ella que era " Icónica película de viaje de 1969 con violencia, drogas, sexo".

El éxito de la película, y la nueva era de Hollywood a la que contribuyó, dieron a Hopper la oportunidad de dirigir nuevamente con un control artístico completo. El resultado fue The Last Movie , de 1971 , que fue una taquilla notable pero maltratada por la critica, terminando así la carrera de Hopper como director durante más de una década.

Price, Corman y el Péndulo

Televisión Española desde que tengo memoria dedicó ciclos de película en las que los protagonistas eran indistintamente los directores , productores -  como Querejeta- o los actores o actrices. Así pude conocer la obra de Joseph Mankiewicz , Alfred Hitchcock,Eric Rohmer y tanto otros. En el año 1989 tuve la fortuna de ver el ciclo dedicado al director Roger Corman que emitía Televisión Española. La prensa de la época, ABC, por ejemplo decía en sus páginas " Los aficionados al cine no van a poder soltar este mes el mando a distancia, y los fabricantes de cintas de vídeo pueden hacer su agosto en febrero a su costa. La culpable, la programación cinematográfica de TVE: suculenta, llena de interés, y que obligará a más de uno a saltarse eso de Aprenda a usar la televisión que comienza a emitir TVE un ciclo dedicado a este director, autor de varios de los títulos más destacados del género. En febrero se podrán ver títulos de excelencia como La caída de la casa Usher, El péndulo de la muerte. La obsesión e Historias de terror, que a buen seguro harán las delicias de los aficionados al género". Yo fui una de ellos.

Y de entre muchas vistas recordaba a grandes rasgos esa titulada Pit and the Pendulum  o El péndulo de la muerte, una película estadounidense de terror de 1961 dirigida por Roger Corman y protagonizada por Vincent Price, Barbara Steele, John Kerr y Luana Anders. 

Pit and the Pendulum fue el segundo título de la serie de películas basadas en relatos de Poe y producidas por American International Pictures. 

La primera fue La caída de la casa Usher, dirigida por Corman y estrenada el año anterior. Al igual que en La caída de la casa Usher, el director de fotografía fue Floyd Crosby, el director artístico fue Daniel Haller y el compositor de la música Les Baxter. 

El guión fue escrito por Richard Matheson y se basa muy libremente en el cuento homónimo del escritor Edgar Allan Poe. 

La historia está ambientada en España durante el siglo XVI y narra las vivencias de un joven inglés que visita un castillo con el propósito de investigar la muerte de su hermana. Tras presenciar una serie de apariciones fantasmales, el joven es capturado y atormentado con el instrumento de tortura que da título a la película. 

El éxito de la película convenció a AIP, a Alta Vista Productions y Corman para continuar la serie con otras seis cintas, cinco de las cuales fueron protagonizadas por Price. Pit and the Pendulum fue la segunda de las ocho adaptaciones de cuentos de Edgar Allan Poe dirigidas por Roger Corman entre 1960 y 1964. Las otras fueron: La caída de la casa Usher (1960) La obsesión (1962) Tales of Terror (1962) El cuervo (1963) The Haunted Palace (1963) The Masque of the Red Death (1964) La última película, La tumba de Ligeia,(1964)  que se estrenó en 1965 en la que interviene la productora American International Pictures , también responsable de la distribución. 

Pit and the Pendulum tuvo como director artístico a Daniel Haller y como productor al trio formado por Samuel Z. Arkoff, Roger Corman y James H. Nicholson. El encargado del diseño de producción fue Daniel Haller y como guionista el nombrado Richard Matheson aunque inspirándose en el relato corto o narración extraordinaria titulada El pozo y el péndulo del gran poeta  Edgar Allan Poe.

Como música aparece Les Baxter , y en la fotografía Floyd Crosby que lo filma en Panavision. El montaje será cosa de Anthony Carras.

Reparto Vincent Price como Nicholas , Barbara Steele como Elizabeth , John Kerr como Francis Barnard, Luana Anders como Catherine Medina, Anthony Carbone como el Doctor León, y junto a ellos  Lynette Bernay y  Patrick Westwood.

La película comienza en una playa española del pasado. Estamos en el siglo XVI, y vemos llegar en un carromato al ciudadano inglés Francis Barnard (John Kerr) que viaja hasta nuestras costas para visitar el castillo de su cuñado Nicholas Medina (Vincent Price). Nicholas vive en un castillo al borde de un acantilado bañado por el mar. 

La intención del viaje queda clara desde el principio: investigar la causa de la muerte de su hermana Elizabeth (Barbara Steele). Nada más llegar andando, pues el cochero se niega acercarse más , dejándolo a cierta distancia de la mansión. 

Al llegar es recibido por un criado , aunque inmediatamente después aparece la hermana menor del dueño del Castillo que es Catherine (Luana Anders)  que intenta explicar al recien llegado como murió su hermana. 

Al pasar Francis se encuentra tanto con Nicholas como su hermana menor Catherine (Luana Anders) que explican vagamente como  Elizabeth ha fallecido a causa de una rara enfermedad de la sangre. 

Cuando, al pedirle más detalles sobre la enfermedad, Nicholas responde con evasivas, Francis decide no irse del lugar hasta descubrir qué ocurrió realmente con su hermana. 

Durante la cena, llega el médico de la familia, el doctor León (Antony Carbone), al que Francis pregunta de nuevo por la muerte de su hermana. El doctor León le informa que falleció de una insuficiencia cardíaca, agregando que murió literalmente de «miedo». 

Tras esto, Francis exige conocer el lugar donde murió. Nicholas lo conduce a la sala de torturas, explicándole que Elizabeth, debido a la atmósfera del castillo, se obsesionó con los instrumentos de tortura que había en la sala. Su trastorno mental fue tal que un día se encerró dentro de la doncella de hierro, muriendo tras susurrar el nombre «Sebastián». 

Sin embargo, Francis se niega a creer la historia de Nicholas. Francis le dice a Catherine que Nicholas parece sentirse un tanto culpable en lo que respecta a la muerte de Elizabeth. 

Ante esto, Catherine le revela que Nicholas sufrió un trauma durante su niñez. Su padre era Sebastián Medina, un conocido miembro de la Inquisición española. 

Cuando Nicholas era un niño, entró a escondidas en la sala de torturas de su padre (también interpretado por Price), ignorando la prohibición de este. 

Minutos después entraron su padre, su madre Isabella y el hermano de Sebastián, Bartolomé. Nicholas, que estaba escondido en un rincón de la sala, observó cómo su padre golpeaba a Bartolome con un atizador al rojo vivo, gritándole «¡adúltero!».  Y que tras asesinar a su hermano, pudo Sebastián torturar a su esposa hasta darle muerte. 

Cuando Catherine termina de contar la historia a Francis, ambos son informados por el doctor León de que Isabella no fue torturada hasta la muerte, sino que fue sepultada tras una pared de ladrillos y que según las obsesiones de Nicholas pudiera estar aún viva.  La razón de todo ello está en la historia familiar vinculada con Nicholas, ya que para concluir la historia familiar relata como su padre finalmente emparedó a su mujer en el muro del sótano cuando todavía estaba viva. 

Esto llevó a Nicholas a sospechar el enterramiento prematuro de la misma Elizabeth, aunque el médico asegura que tal cosa no ocurrió, pues el comprobó la muerte de la mujer de Nicholás. . 

Además de esto, Nicholas cree que el fantasma de su esposa ronda por el castillo, a causa de los ruidos procedentes de su antigua habitación que, en principio, parece cerrada y que , cuando entran en ello, la ven desordenada. 

A pesar de esto, Francis comienza a sospechar que todo es un truco de Nicholas ocultando el asesinato de su hermana. 

Ante estas acusaciones, el doctor León recomienda  abrir la tumba de Elizabeth para estar seguros de si fue o no enterrada viva. Al abrirla, pueden comprobar el cadáver en estado de descomposición, pero en una posición que refleja pánico, con sus manos en alto y con la boca abierta, así como la tapa del sepulcro arañada con sus unas. 

Este descubrimiento afecta a Nicholas, quien huye a su habitación para intentar suicidarse. Su hermana Catherine lo detiene, diciéndole que no fue culpa suya que tal cosa ocurriera. 

Esa misma noche, Nicholas, al borde de la locura, oye la voz de Elizabeth, que lo conduce a la sala de torturas. Ante su sorpresa el alma de Elizabeth surge de entre las sombras, provocando la caída de Nicholas por unas escaleras. 

Mientras Nicholas está desvanecido, llega el doctor León y se reúne con Elizabeth. Ambos creen muerto a Nicholas, que sin embargo está vivo y consciente. 

Nicholas descubre entonces que Elizabeth había fingido su muerte con la ayuda de su amante, el doctor León. Su objetivo era deshacerse de él para quedarse con su fortuna. La llegada de su hermana ha sido un contratiempo. Pero Nicholas Medina pasa de ser una atormentada víctima a un retorcido y digno descendiente de su padre. El cambio de expresión en la cara de Price, del dolor al desprecio y el odio, es toda una lección de dominio gestual, ofreciendo una sorprendente transformación en su personaje. 

Tras oír esto, Nicholas se incorpora, pero creyendo que es su propio padre, Sebastián Medina, y encierra a Elizabeth en una doncella de hierro. El doctor León escapa, pero muere al caer en un pozo de gran profundidad. 

Francis llega a la sala de torturas en busca de Nicholas, pero este lo confunde con su tío, Bartolome, y lo deja inconsciente. Nicholas lleva a Francis a una sala contigua donde lo amarra bajo un péndulo en cuyo extremo hay una cuchilla gigante. Y pone en funcionamiento el aparato.

Antes de ser cortado por el péndulo, Francis es rescatado por Catherine y un sirviente. Tras una breve lucha con el sirviente, Nicholas es arrojado al mismo pozo en el que había encontrado la muerte el doctor León. 

Cuando los tres abandonan la sala de torturas, Catherine jura que sellará para siempre la estancia: en ese momento, la cámara enfoca a Elizabeth, quien continúa viva dentro de la doncella de hierro acabando así la película.  

Cuando la película de Roger Corman, La caída de la casa Usher, fue estrenada en junio de 1960, y su éxito en taquilla fue una sorpresa para los productores James H. Nicholson y Samuel Z. Arkoff de la AIP surgió la posibilidad de retomar otra obra de Poe y llevarla al cine por el mismo director y su equipo. Corman confesó: «Suponíamos que la película tendría éxito, pero ni la mitad del que ha tenido». 

Según Richard Matheson: «Tras el éxito de la primera película, aún no existía el plan de crear una serie basada en el trabajo de Poe. Querían solo otra película con el nombre de Poe en el título». Así que Pit and the Pendulum fue anunciada en agosto de 1960, y su rodaje comenzó la primera semana de enero de 1961. 

Según el libro de Lucy Chase Williams The Complete Films of Vincent Price, se había previsto quince días para el rodaje de la película, que contaba con un presupuesto de casi un millón de dólares. Esto contrasta con la idea de Corman que afirmó que el coste real de producción de la película fue de $300.000. 

El guión de la película fue escrito por Richard Matheson, quien se basó muy libremente en el cuento El pozo y el péndulo de Edgar Allan Poe. Sólo la escena final contiene los elementos centrales del relato de Poe. Esto es debido a que los cuentos de Edgar Allan Poe no eran suficientemente extensos para ser convertidos en largometrajes, por lo que era necesario incluir más escenas y detalles. 

Según palabras de Corman, «el método utilizado en Pit and the Pendulum consistió en tomar el cuento de Poe y usarlo como clímax para un tercer acto de la película, ya que una historia de dos páginas no basta para una cinta de noventa minutos. Los dos primeros actos fueron construidos según nos parecía lo más cercano al espíritu de Poe, debido a que la parte final tendría una corta duración».

Una de las virtudes de Matheson, según Corman, era su rapidez para escribir guiones, ya que no necesitaba más de un borrador para crear la historia. Sin embargo, el propio Matheson explicó que esto se debía a la presión existente por parte de la producción, que buscaba filmar las películas en un corto plazo. 

De esta manera, sólo contaba con uno o dos meses para escribir el guion. El guión de Matheson incluía un flashback que tenía lugar antes de la enfermedad de Elizabeth, y mostraba a Nicholas y a su esposa montando a caballo y comiendo fuera del castillo. Corman eliminó la escena ya que según él violaba uno de los principios de su serie de películas basadas en la obra de Poe: «Tenía varias teorías mientras trabajaba en estas películas... una de ellas consistía en que las historias surgieron del inconsciente de Poe, por lo que nunca reflejan totalmente la realidad; no fue hasta La tumba de Ligeia en la que mostramos el mundo real en una de las cintas... en Pit and the Pendulum, John Kerr llega al castillo en un carruaje viéndose al fondo el mar, que para mí representa mejor la idea del inconsciente. La escena de Nicholas y Elizabeth fue eliminada ya que no quería una escena en la que los personajes se encontraran a plena luz del día».

Algunas partes del guión original fueron modificadas durante el rodaje. El mismo Vincent Price sugirió cambios en los diálogos. En el guion, cuando Francis Barnard es presentado a Nicholas, el joven pregunta por los ruidos que ha escuchado momentos antes en el castillo. Nicholas Medina responde: «Es... un aparato, Sr. Barnard. ¿Qué lo trae por aqui?» El océano que baña el castillo representa el subconsciente de Nicholas, personaje perturbador donde los haya, y una de las grandes composiciones de Vincent Price

Price agregó las frases «que debe ser constantemente reparado» y «que no puede detenerse». Luego, cuando Nicholas recuerda la sala de torturas de su padre, Price utilizó diversas explicaciones para la violencia de Sebastián Medina. 

Durante la escena de la muerte de Nicholas, este debía gritar agonizante: «Elizabeth. ¿Qué fue lo que te hice? ¿Qué fue lo que te hice?» La cámara luego mostraba la cara de Elizabeth, que estaba atrapada dentro de la doncella de hierro. Corman decidió deshacerse de esta frase, creyendo que la escena debería ser totalmente visual, ya que el diálogo podría arruinar el momento.

Una vez completo el guión, Corman realizó una película de forma placentera: «Disfruté Pit and the Pendulum ya que tuve la oportunidad de experimentar con el movimiento de la cámara. Hubo mucho trabajo de cámara y un interesante montaje en el clímax de la cinta».

La filmación no tuvo mayores problemas. La primera escena de la película, que muestra la llegada del personaje de Kerr al castillo, se filmó en la costa de Palos Verdes, una península ubicada en el condado de Los Ángeles (California). El resto de las escenas se rodaron en el interior de los Raleigh Studios en el 5300 de Melrose Avenue, en Hollywood, California .  

El éxito del rodaje Corman lo atribuyó a las cortas pero exhaustivas reuniones de pre-producción que tuvo con los principales técnicos de la película. «Nos dimos cuenta que la razón del bajo presupuesto era la planificación previa. Así, cuando fuimos a rodar la película en quince días, no tuvimos que empezar a tomar decisiones. Gracias a las conferencias previas con el director de fotografía Floyd Crosby y el director de arte Daniel Haller, todos sabíamos qué hacer». 

Para crear los flashback que revelaban los recuerdos de Nicholas y la razón de su trauma, vinculados con la infancia de Nicholas y con la historia familiar de éste, Corman y Crosby los filmaron con el objetivo de convencer a la audiencia que estos formaban parte del inconsciente del personaje. 

Corman quería que tales escenas tuvieran una atmósfera onírica, ya que consistían en hechos vividos por alguien que se encontraba «al borde de la locura». Corman decidió filmar los flashback de forma monocromática, ya que muchos psiquiatras creen que los sueños son percibidos de esta manera por las personas. Crosby utilizó objetivos gran angulares, violentos movimientos de cámara y ángulos inclinados para representar el sentimiento de histeria del personaje. 

Las secuencias fueron luego impresas en película azul, la cual fue posteriormente teñida de un tono rojizo durante su procesamiento fotográfico, generando así una imagen de dos tonos. Los toques de luz se mostraban azules, mientras que las sombras poseían un color rojo. La imagen fue luego pasada por una impresora óptica, en la que sus bordes fueron viñeteados y se introdujo además una distorsión lineal.

En cuanto a la dirección artística, el responsable principal fue Daniel Haller quien diseñó un amplio castillo con varios niveles que permitía una mayor libertad para los movimientos de cámara. Debido al bajo presupuesto con el que contaban, el castillo no pudo ser construido «desde cero», por lo que Haller recorrió varios estudios en busca de elementos para crear el escenario. 

En la Universal Studios encontró numerosas piezas de utilería, las cuales incluían chimeneas, arcos, ventanas, puertas y algunos instrumentos de tortura. 

En otros estudios encontró gigantescas escalinatas y paredes de piedra. Haller escogió y alquiló varias piezas de estos almacenes y las envió a los estudios California, donde se construyeron los decorados de la película.

Para mejor recrear la atmósfera, en los decorados del castillo se colocaron además una gran cantidad de telarañas falsas. Según Price, esto fue producto de una petición suya al director. En el material promocional de la película aparece que el péndulo utilizado medía dieciocho pies de largo y pesaba cerca de una tonelada, y se le agregó una gran navaja de goma en su extremo. El péndulo fue colgado desde el techo del estudio, a unos treinta y cinco pies de altura.

En una entrevista, Haller dio detalles acerca de la creación del péndulo: Descubrí que este tipo de péndulos fue realmente utilizado durante las inquisiciones de España y Alemania. Primero utilizamos una navaja de goma, pero se atascaba en el pecho de Kerr. Luego recurrimos a una navaja de metal, la cual pintamos para que pareciera de acero. El problema era ubicarla a una distancia tal que sólo rasgara la camisa de John sin cortarlo a él. Para asegurarnos pusimos una cinta de metal alrededor de su cintura, donde pasaría el péndulo.

Para aumentar visualmente el tamaño del escenario, se quitaron las pasarelas del techo del estudio, creando así un efecto de mayor altura y profundidad.

Además de esto, la cámara fue equipada con un objetivo gran angular Panavision de 40mm y ubicada al otro extremo del estudio. Las paredes, suelo y techo del plató se pintaron aprovechando la ubicación de la cámara, alcanzando así el doble de su tamaño en pantalla. 

El papel estelar lo asumió  Vincent Price que interpretó a Nicholas/Sebastian Medina, siendo esta su segunda colaboración en una película de Roger Corman.  Esta fue la tercera película de Price producida por American International Pictures y la segunda bajo dirección de Corman.

Tras la buena recaudación de La caída de la casa Usher, Price exigió más dinero por su rol en Pit and the Pendulum, además de un porcentaje de las ganancias.

Según Corman, no fue difícil trabajar con Price, ya que sólo necesitaba darle una idea de lo que quería para el personaje y el resto lo hacía el actor. Desde mi punto de vista la actuación de Pryce es muy teatral y exagerada , muy propia del cine mudo, tendente al expresionismo, siendo éste uno de los rasgos más intensos y mejor logrados por la película. 

A muchos críticos pareció gustarles la interpretación un tanto histriónica de Price. Darrell Moore escribió: «Vincent Price regresa en Pit and the Pendulum a la sobreactuación que nos tiene acostumbrados. Su interpretación maniaca es el punto culminante de la cinta».

Nathaniel Thompson afirmó: «Vincent Price hace su agosto alternando entre un farfullar terrorífico y el rechinar de dientes de la locura (a veces en la misma escena)».

Otros, sin embargo, creyeron que su actuación demasiado teatral arruinaba la atmósfera de la película. El escritor Ken Hanke afirmó que en algunos momentos la película provocaba risas sin pretenderlo debido a la sobreactuación de Price.

Como segundo en protagonismo estaba John Kerr como Francis Barnard. Kerr, ganador del premio Tony por Té y Simpatía (‘Tea and Simpathy’, Vincente Minnelli, 1956), un actor que había sido un prometedor actor en la década de los 50, interpretando papeles principales en las adaptaciones teatrales y en la obra de Rodgers y Hammerstein South Pacific. En Pit and the Pendulum tuvo el que sería el último papel destacable de su carrera en el cine. Años más tarde, Kerr declaró sentirse sorprendido por el hecho de que éste fuese su rol más recordado. Según sus palabras, si alguien le hubiera dicho unos años atrás que The Pit and the Pendulum sería la película de culto que la gente recordaría, no se lo habría creído

Barbara Steele asumió el papel de Elizabeth. Esta fue la primera película de Steele desde su notable debut en la cinta de Mario Bava La máscara del demonio (‘La maschera del demonio’, 1960).Uno de los deseos de Steele era no convertirse en un estereotipo por su rol en una película de terror, pero según Roger Corman, todas esas dudas desaparecieron cuando trabajaron juntos. La actriz ha afirmado que durante la producción se encontraba "sobrecogida" por Vincent Price, y describió el rodaje de su última escena juntos (aquella en la que el actor la estrangula) como "sorprendentemente física". De acuerdo con sus palabras, el actor prácticamente la atacó de verdad, hasta el punto de dejarle marcas en el cuello. Después, no obstante, se mostró muy preocupado por haberle hecho daño, y, siempre en opinión de la actriz, se comportó como un caballero, alguien muy amable a pesar de la imagen que tenía de él por sus películas.

Durante el rodaje de la película, mientras veía el material filmado el día anterior, Corman se convenció que el marcado acento inglés de Steele, típico de la clase obrera, no encajaba bien con las voces de los otros actores del reparto, por lo que al finalizar el rodaje todo su diálogo fue doblado por otra actriz.

Para el papel de contrapunto en los Medina Corman contrató a Luana Anders como Catherine Medina. El papel de Anders como hermana menor de Price fue una de las diversas apariciones que tuvo en las producciones de American International Pictures. Muchas de estas fueron dirigidas por el propio Corman. La actriz había conocido al director varios años antes en Los Ángeles, cuando ambos acudían a clases de interpretación en las que el profesor era Jeff Corey. Después de esta película, Anders volvería a participar en dos cintas de Corman: The Young Racers (1963) y The Trip (1967).

Antony Carbone como doctor Leon. Al igual que Anders, Carbone fue otro breve colaborador de Corman a principios de los años 60, apareciendo en cuatro películas del director durante ese periodo. El único papel protagonista de Carbone en toda su carrera había sido en la película El monstruo del mar encantado, también dirigida por Corman, y en la que compartió protagonismo con el escritor Robert Towne. Pit and the Pendulum fue la última aparición de Carbone en una película de Corman. 

Otros miembros del reparto: Patrick Westwood como Maximillian (el sirviente), Lynette Bernay como Maria (la criada), Larry Turner como Nicholas (de niño), Mary Menzies como Isabella y Charles Victor como Bartolome.

Corman reservó un día para realizar ensayos con el reparto antes de que comenzase el rodaje: «Previamente, había realizado un exhaustivo ensayo con los actores para que hubiese un perfecto entendimiento de lo que se pretendía conseguir en cada escena. Esto es muy importante; no hay nada peor que estar en el plató y preparado para rodar, sólo para descubrir que director y actor tienen diferentes puntos de vista acerca de cómo debe hacerse la escena. Gracias al plan desarrollado durante la preproducción y a los ensayos, en el plató no se perdió nada de tiempo discutiendo o tomando decisiones». 

Pit and the Pendulum tuvo más éxito que La caída de la casa Usher, recaudando $2.000.000 solamente en Estados Unidos y Canadá, frente a los $1.450.000 de la primera película.

Según el escritor Ed Naha, Pit and the Pendulum recibió además una mejor respuesta por parte de la crítica. Howard Thompson de The New York Times escribió: «al menos atmosféricamente, la fusión de colores, sumada a la decoración y música, convierten a la película en uno de los mejores intentos de Hollywood por adaptar una obra de Poe... La trama de Richard Matheson es compacta y lógica, acorde al número de actores que participan... Roger Corman ha logrado una escalofriante atmósfera de terror».

La revista Variety afirmó que «el final de la película transmite con gran entusiasmo un final sorpresa que habría encantado al mismísimo Poe... es una película con estilo, poseedora de una gran fotografía».

El periódico Los Angeles Examiner sostuvo que es «...una de las mejores películas de terror desde hace mucho tiempo... presenta una hábil dirección por parte de Corman... con una gran actuación de Vincent Price». 

Brendan Gill de The New Yorker encontró que fue «una minuciosa y espeluznante secuencia de terror...»

La revista Time llamó a la película «una obra espeluznante que inteligentemente, o incluso auto-conscientemente, refleja a Edgar Allan Poe de una manera poética».

The Hollywood Reporter la describió como «...una cinta de terror con clase, comparable a las realizadas por Hammer... está cuidadosamente realizada y refleja una gran producción... Vincent Price entrega una interpretación típicamente rococó...»

Sin embargo, Charles Stinson de Los Angeles Times no se mostró impresionado por la película: «El guion viola el estilo gótico de Poe con un diálogo soso y modernizado... pero el guion palidece frente a la actuación... las expresiones faciales de Price, sus movimientos de ojos y el tono empalagoso con el que dice sus frases le dan un tono que está cerca de convertir en burlesco al personaje. Las escenas donde pierde la cordura son absolutamente ridículas. La audiencia casi muere de la risa al verlo».

Price se molestó tanto con el comentario de Stinson que escribió una carta al crítico, en la cual agregó: «Creo que debo romper mi determinación de no responder a un crítico de cine, la cual he seguido durante 25 años. Esto debido a que su comentario de Pit and the Pendulum no buscaba ser instructivo, y por consiguiente constructivo, sino solo herir y humillar, estoy seguro que disfrutará saber que lo logró. Mi único consuelo...es que es el segundo espectáculo con mayor éxito de taquilla de todo el país». Price nunca envió la carta, la escribió con el objetivo de desahogarse.

La reputación de la película aumentó con el pasar de los años y hoy es considerada una de las mejores cintas de la serie de Roger Corman basada en las obras de Poe.

La revista Time Out sostuvo que era «el mejor trabajo de Corman, el cual fue realizado a través de un magnífico guion de Richard Matheson».

En su libro The Penguin Encyclopedia of Horror and the Supernatural, Timothy Sullivan escribió: «Pit and the Pendulum es mejor que su predecesora... La trama es embriagadora, y Roger Corman la maneja de manera increíble a través de pinturas, ángulos de cámara particulares, telarañas, doncellas de hierro... todo eso antes que el héroe sea atrapado bajo el péndulo, en una secuencia que hasta el día de hoy nos pone los pelos de punta».

El escritor Phil Hardy en The Aurum Film Encyclopedia: Horror observa que «aún cuando la interpretación de Price es perceptiblemente más extravagante que en la película anterior, esto se ajusta a los fluidos movimientos de cámara. La caída de la casa Usher parecía no saber lidiar con la acción que significaba el regreso de Madeline desde su tumba; Pit and the Pendulum no presenta dicha vacilación. Desde el momento en que Steele atrae a Price hacia la cripta... la acción es increíble».

Tim Lucas, mientras comentaba el DVD en 2001, escribió, «aprovechando el éxito de recaudación de La caída de la casa Usher, Pit es una producción más elaborada y presenta uno de los momentos más importantes de la serie Corman/Poe».

Para Glenn Erickson, en su sitio web “DVD Savant”, notó que «la segunda adaptación de Roger Corman de una obra de Edgar Allan Poe significó un gran avance con respecto a la primera, La caída de la casa Usher... Pit and the Pendulum optó por una acción más frenética a la existente en las películas».

Sin embargo, las opiniones críticas más recientes acerca de la película no siempre son positivas. De los 16 comentarios existentes en Rotten Tomatoes, el 23% corresponde a críticas negativas. El sitio web FilmCritic.com sostiene que la película «es una decepción... al final, parece un trabajo hecho improvisadamente, lo cual, desde luego, era».

El éxito de Pit and the Pendulum convenció a Arkoff y Nicholson de AIP de producir más películas de terror basadas en relatos de Edgar Allan Poe. 

Las cintas posteriores, dirigidas por Corman, fueron La obsesión (1962), Tales of Terror (1962), El cuervo (1963), The Haunted Palace (1963, basada en realidad en un cuento de H. P. Lovecraft), The Masque of the Red Death (1964) y La tumba de Ligeia (1965).

El crítico de cine Tim Lucas sostiene que la cinta tuvo una gran influencia en algunas películas de terror italianas. Según él, la película «lleva las teorías freudianas de Corman aún más lejos con una secuencia flashback que explica el trauma de Nicholas, y que tendría una especial influencia en el posterior desarrollo del cine de terror italiano — influencia que se ve reflejada en películas de los años 70 (Rojo oscuro) y 80 (A Blade in the Dark)».

El escritor K. Lindbergs ha observado también «una obvia influencia» en la película Danza Macabra (1964) de Antonio Margheriti y su remake, Nella stretta morsa del ragno (1970).

Por otra parte, el guionista Ernesto Gastaldi sostuvo que Ugo Guerra y Elio Scardamaglia, productores de la cinta La Frusta e il Corpo (1963) de Mario Bava, le habían «mostrado una copia de Pit and the Pendulum antes de comenzar a escribirla: "haz algo como esto", dijeron». En relación a otra de sus películas, The Long Hair of Death (1964), Gastaldi también reconoció la influencia de Corman.

Según Stephen King, una de las escenas de la película —aquella en la que es descubierto el cadáver de Elizabeth — tuvo un gran impacto en el género, convirtiéndose en una de las secuencias de terror más significativas de la década. El propio King escribió, «luego de las películas de Hammer, este es, creo, uno de los momentos más importantes del cine de terror posterior a 1960; significó un regreso a los esfuerzos por asustar a las audiencias con cualquier medio posible».

En la revista Fotogramas se dice de ella que "Esta fue la segunda adaptación de Edgar Allan Poe que rodó Roger Corman. Inspirándose muy vagamente en la narración "El pozo y el péndulo", construyó un film claustrofóbico hasta el paroxismo. Su economía de medios contrasta ìcon su enorme capacidad para inquietar y angustiar. Frente a la aparatosa y sanguinolenta parafernalia del actual cine terrorífico resulta ejemplar en todos los aspectos". 

Pero no todo fue tan fácil y varios años después del estreno de la cinta  saltó la polémica. Mark Damon, actor que protagonizó La caída de la casa Usher, reveló que fue él quien dirigió Pit and the Pendulum. En una entrevista, Damon aclaró que había acordado esto con Corman, quien le permitió dar instrucciones a los actores mientras él se dedicaba a los aspectos más técnicos de la película. Sin embargo, debido a problemas con AIP, Damon no apareció en los créditos de la cinta.

El actor Antony Carbone desmintió este hecho, agregando: «Creo que lo vi en el plató, pero nunca me dirigí a él. Si tenía algo que decir, iba donde Roger. No me explicaron que él estaba dirigiendo, o dirigiendo de manera asociada, o lo que sea que él haya dicho. Él podría haber tenido esto en la relación con Roger, esto es algo que no puedo negar. Y no puedo confirmarlo, tampoco, ya que no estaba consciente de aquello. Lo único que se es esto: Se que Roger era quien decía acción y corte, y lo decía en el momento adecuado».

Para Albero Abuín editor en blog de cine la película surge como resultado "del éxito que tuvo ‘La caída de la casa Usher’ (‘The Fall of House of Usher’/’House of Usher’, 1960) Roger Corman decidió que haría una serie de adaptaciones sobre el escritor, siendo ‘El péndulo de la muerte’ (‘The Pit and the Pendulum’, 1961) la siguiente". "Ambientada en España retoma de la anterior el mismo guionista, Richard Matheson, y el mismo protagonista, Vincent Price. Por supuesto, ambos se lucen en otra magnífica adaptación, cómo no, muy libre, de uno de los escritores de terror más populares que han existido. La Inquisición española, un pozo, un péndulo y un castillo de tenebrosa apariencia son los elementos más sádicos de un relato que, en manos de Matheson y Corman, parece una repetición del esquema argumental del anterior film del ciclo. A pesar de ello, el resultado está a la altura, con Corman demostrando una vez más su mano para crear atmósferas claustrofóbicas, jugando esta vez más con la cámara, y convirtiendo el relato de Poe en el clímax, inolvidable, de la historia, amén de contar con una de las musas del género por excelencia, Barbara Steele". 

Abuín acaba diciendo que " El mantenimiento del tempo narrativo es muy bueno, nos mantiene en un juego hitchcockiano de misterios durante gran rato. Y además da miedo real; el segundo acercamiento de Price a la tumba y el ataúd es casi para no querer ver; y el plano final, sólo el plano en si mismo es enorme, imperdible, la mirada más cruel que se puede filmar. Pero volviendo a lo del misterio tenemos el péndulo y el pozo, el título promete a estos dos elementos y sabemos que están pero no llegan, y queremos verlos, y Corman se aprovecha de este deseo del espectador para generar el ritmo que quizá le faltó en los "Usher". Nuevamente es admirable la ausencia de efectos especiales -que los hay pero escondidos-, el recurso de Corman en los flashbacks es nuevamente una clase de cómo filmar lo que Poe escribe como nadie".

La versión que he visto es la clásica y no la película que empezó a emitirse para algunos pasas de televisión. Esta tiene un prólogo original. Fue agregado cuando la película fue vendida a la TV y hubo de añadirse algunos minutos adicionales  para cubrir el tiempo requerida. Sólo Luana Anders del reparto original estaba disponible así que añadió una escena extra de ella en un manicomio que fue filmada y anexionada como al principio. Esta escena no encaja realmente con el resto de la película. Pero yo he visto una película con Price, de Corman y con un péndulo como protagonistas.