Valor de Ley revisada

El clásico de Henry Hathaway del año 1969que supuso el reconocimiento a su trayectoria y por su buen trabajo al mítico John Wayne. Hace años, en concreto, en febrero de 2013 escribí una entrada con el nombre de True Grit: Original y Copia y en ella decía lo siguiente:

Hace un par de años pude ver una película de los hermanos Coen de título Valor de Ley. Le película era un western socarrón, entretenido, con personajes magníficamente definidos. En ese momento se enteré que estaba basado en una película anterior y que tenía a John Wayne como protagonista. El tiempo pasó y un día vi parte de ella en Paramount Channel. Era cuestión de tiempo que la viese. Y ayer llegó el momento. 

Y es que True Grit (Valor de ley en España) es un western del año 1969, dirigida por un clásico Henry Hathaway (1898-1985) y que está basada adaptación de la novela escrita por Charles Portis, aunque el guión fue obra de Marguerite Roberts. Como dije anteriormente fue llevada al cine por los hermanos Coen por segunda vez en 2010. La producción de Hal B. Wallis y la distribución estuvo en manos de la Paramount Pictures.

Dos grandes participan en la música Elmer Bernstein y en la fotografía Lucien Ballard. El montaje fue labor de Warren Low. El elenco está protagonizada por John Wayne (Rooster Cogburn), Glen Campbell (La Boeuf), Kim Darby (Mattie Ross), Jeremy Slate (Emmett Quincy), Robert Duvall (Ned Pepper), Dennis Hopper (Moon) , Strother Martin (Col. G. Stonehill) y Jeff Corey (Tom Chaney) en los papeles principales.

Al comienzo de la película escuchamos una canción de Elmer Berstein que nos encamina a una granja en la que su dueño se está despidiendo de su hija, Mattie Ross, (Kim Darby) , de 16 años, que es la mayor de tres hermanos y la responsable de la contabilidad de la finca del padre. ‘Paga lo menos que puedas’, le recuerda la protagonista a su padre. Éste sale para una ciudad, Ford Smith, con el fin de comprar ganado, unos caballos mustang. Va acompañado de un colaborador en el rancho, Tom Chaney (Jeff Corey). Éste, prácticamente un desconocido que fue recogido por el señor Ross hace unos meses, en la ciudad se entrega al juego y a la bebida. Una cosa y la otra le llevan al asesinato de su jefe. 

Días más tarde, al ir a recoger el cuerpo de su padre, Mattie consulta al sheriff local sobre si puede detener a Chaney. Unos minutos antes hemos visto - además del asesinato a sangre fría de Ross-, tres ejecuciones (con venta de cacahuetes inclusive) y , poco tiempo después, un juicio con declaración sobre un ajustamiento y torturas… Ante la pasividad de las autoridades para detener a Chaney, decide organizar la captura del asesino. Se nos presenta Mattie como una chica decidida, inteligente, luchadora, desenvuelta, frágil y, a veces, ingenua. 

Al saber que Chaney ha huido al territorio indio donde el sheriff no tiene autoridad y que se ha unido a la banda de Ned Pepper, indaga sobre la contratación de un alguacil que sea valiente. 

El sheriff le recomienda tres, y Mattie piensa en contratar a Reuben J. Rooster Cogburn (John Wayne) de quien el sheriff había dicho que era el "más malo" , pero eficaz en su trabajo, y que lleva 4 años en el oficio y durante este tiempo ha matado a 23 forajidos en búsqueda y captura. y que se presenta en Fort Smith con 8 detenidos. Tras observar en un juicio presidido por el juez Parker se decide sin duda por el taciturno, bebedor y tuerto Cogburn inicialmente rechaza la oferta, al no creer que ella tenga dinero para contratarlo. Sin embargo, ella consigue el dinero regateando con un tratante de caballos quien hizo negocios con su padre. 

Mientras, en la pensión en la que ella se aloja, se integra un Ranger de Texas de apellido Tom LaBoeuf (Glen Campbell) , que también busca al fugitivo Chaney y llega tras la pista de Chaney tras el asesinato de un senador estatal Bibbs de Texas y su perro…. 

LaBoeuf , un hombre honesto, rígido, con espuelas, servidor del deber, testarudo y codicioso propone hacer un equipo con Cogburn, quien conoce el terreno Choctaw donde la banda de Pepper y de Chaney se esconde y se integrado en una banda dirigido por un forajido de nombre Pepper, pero Mattie rechaza su oferta, porque ella desea a Chaney ahorcado en Arkansas por el asesinato de su padre, no en Texas por matar a un senador. 

Mattie también insiste en viajar con Cogburn para buscar a Chaney. Pero Cogburn más tarde se va sin ella, después de haber ido con LaBoeuf para aprehender a Chaney. Después de ser rechazado en su pasaje en el ferry que transporta a Cogburn y LaBoeuf, Mattie cruza el río a caballo. 

Se inicia así la aventura para encontrar a Chaney. En su búsqueda llegan a un refugio. Allí encuentran a dos forajidos, Quincey y Moon. Cogburn hiere a Moon, quien le pide ayuda a Cogburn. Éste empieza a interrogarlo. Moon será fatalmente apuñalado por Quincey, a quien Cogburn le dispara y le provoca la muerte. Antes de morir, Moon le dice que Pepper y sus secuaces regresarán más tarde esta noche.

Justo después de que la cuadrilla Pepper llegara, y mientras preparan una emboscada, la chica mientras obtiene agua de un arroyo cercano es descubierta por Mattie, quien intenta tomarla como rehén, sin embargo, hiere a Mattie. Cogburn, oculto en la colina con Mattie intenta liberarla. Ella le dispara, pero él sobrevive. 

Una vez solo, Chaney intenta matar a Mattie. LaBoeuf aparece y golpea a Chaney. Entrre el texano y Cogburn idean un plan. La chica y el ranger observan desde un acantilado como Cogburn se enfrenta con los restantes miembros de la cuadrilla de Ned. En el duelo a muerte , mata a tres de sus secuaces e hiriendo a Ned, antes de que su caballo se golpee y cae, atrapando la pierna de Cogburn. Antes de que Pepper pueda matar a Cogburn, LaBoeuf dispara desde su acantilado y mata a Pepper a unos 400 metros de distancia. 

Por su parte, Chaney ataca traicioneramente a LaBoeuf, dejandoló inconsciente. Mattie se apodera del rifle de LaBoeuf y le dispara a Chaney quien muere tras darle un tiro en el pecho. En el retroceso, sin embargo, se cae al fondo de un pozo que contiene serpientes de cascabel. Mattie es mordida antes de que alguien le auxilie en un momento LaBoeuf le ayuda con sus últimas fuerzas. Tras esto LaBoeuf muere. Tras esto llega Cogburn quien practica los primeros auxilios. Este toma el mustang de la chica e intenta llegar a una ciudad para salvarla. Mattie llega finalmente al doctor, después de que su caballo se derrumbara por agotamiento, por último hace su camino a un puesto comercial. 

Tras salvarla Cogburn se despide de ella quien vuelve a su rancho. Allí, tiempo más tarde, recibe a Cogburn. Le enseña el cementerio familiar donde está enterrado su padre. Le comenta su proyecto, al lado de su padre, su madre. Ella a un lado, pero le dice a Cogburn que quiere que él, al morir, sea enterrado junto a ella. Cogburn recibe la noticia con alegría y se marcha a toda prisa con su caballo. 

"Interesante historia que le valió un merecidísimo Oscar al legendario John Wayne. Secundarios de lujo para todo un éxito comercial. Interesante". Esta fueran las declaraciones escritas de Fernando Morales en el Diario El País. 

A John Wayne le valió el oscar en 1969 a mejor actor principal, y en la ceremonia soltó una frase para la historia del cine "Si lo hubiese sabido me habría puesto el parche 35 años antes". Fue ganadora igualmente de un Globo de Oro en 1979, al mejor actor (John Wayne) y ganadora del premio Golden Laurel de 1970 al mejor actor (John Wayne). 

Los secundarios son bastante conocidos, sobretodo aquellos dos que por entonces no eran muy populares, Robert Duvall y Dennis Hopper, también Glen Campbell un cantante de country bastante reconocido, luego están los siempre presentes en el género como es el caso de Jeff Corey, Strother Martin y la breve aparición del omnipresente Hank Worden. 

La acción dramática se inicia en la ciudad de Fort Smith (Arkansas) y se desarrolla durante el invierno de 1880 en los territorios indios hoy integrados en el estado de Oklahoma. El relato da comienzo tras la puesta de sol del 5-X-1880. Se rodó en escenarios naturales de Colorado, California y en Durango (Méjico), entre septiembre y diciembre de 1968. Producido por Hal B. Wallis para Paramount, se estrenó el 11-VI-1969 (EEUU). 

El título de la obra responde al hecho que Mattie busca para la captura del asesino a un hombre de valor. Las diferencias de edad de los viajeros, la disparidad de sus experiencias y las dificultades que han de afrontar, generan entre ellos un estado permanente de desencuentros, fricciones y discusiones, que mantienen vivo el clima de la expedición. Los diálogos, tomados en gran parte de la novela, son precisos, concisos, contundentes y brillantes. Conviene hacer constar que Charles Portis escribió la novela pensando en su adaptación al cine y en la identificiación de “Rooster” con John Wayne. 

La narración pone de manifiesto la capacidad de Hathaway de componer un relato interesante, atractivo, rico en detalles y capaz de retener la atención del público. Como es habitual en él, integra en el drama el paisaje, que no solo aporta grandeza y sentido épico, sino que además refleja el estado de ánimo de los personajes, sus deseos y evolución. Es un western entretenido y grato, con elementos valiosos de intriga, tensión y drama. 

La banda sonora, de Elmer Bernstein ("La gran evasion", Sturges, 1963), ejecuta una partitura vibrante que anuncia los momentos de peligro, amenaza, lucha o victoria. La orquesta se basa en instrumentos de viento, que dejan la melodía a cargo de unas trompetas agudas de fanfarria. Junto con el paisaje, los cortes sonoros generan sentimientos de implicación en la acción y de recursos épicos o líricos (solo de flauta en la intimidad de la pensión Mordoch). La película comienza superponiendo a los créditos de entrada la canción original de Bernstein “True Grit”, que canta Glen Campbell. 

La fotografía, de Lucien Ballard ("Grupo salvaje", de Sam Peckinpah, 1969), crea composiciones soberbias y emotivas. Las imágenes son luminosas y de un cromatismo intenso y natural. Predominan las visiones otoñales que casan con el tono sutilmente melancólico del film. Por si fuera poco, y digno de su director, el film está nutrido de una fotografía extraordinaria, de pura y enorme belleza, con una colorimetría abismal y de lo más variable, haciendo que su atractivo gane enteros. 

Destaca destalles de interés como la luz de carburo, el colt Dragón, el vendedor de cacahuetes, etc. Su cartel lo deja claro y reza: ‘El más extraño trio para coger a un asesino: Un valiente, tuerto U.S. marshall que nunca ha conocido un día sobrio, un ranger de Texas sediento de generoso dinero y una chica todavía en pañales a la que no le importaba lo que hubieran hecho o quiénes eran, siempre y cuando tuvieran Valor de Ley.’ 

Aparece otro punto de vista sobre el ‘ajuste de cuentas’; la protagonista, recordemos, que quiere a Tom Chaney para que sea ejecutado con todas las de la ‘ley’, pero no quiere que lo sea en otro estado por otro de los crímenes que ha cometido, como el asesinato de un Senador, sino que quiere reivindicar a su padre como víctima principal. 

John Wayne arrebató el Oscar a Dustin Hoffman por 'Cowboy de medianoche'. El entonces ya veterano actor, con parche en el ojo, se inventa un personaje memorable. Hathaway también se vale de unos grandes secundarios, con unos principiantes Robert Duvall y Dennis Hopper, lo cual aumenta aún más el aliciente por “Valor de Ley”. 

La historia es sencilla, relativamente previsible y cautivadora. No es habitual la presencia determinante en el grupo protagonista de una jovencita de espíritu independiente, gran imaginación, descarada y de rigurosas convicciones presbiterianas. Choca con las laxas concepciones morales de “Rooster” (el gallo) y las estrictas creencias episcopalianas de Le Boeuf.

Esta joya de la Paramount Pictures como ya dijimos fue premiada en la 42 Edición de los Oscar (1970) con el premio al Mejor actor principal (John Wayne), quien al subir al escenario, emocionado y con lágrimas en los ojos, pronunció un discurso breve y humilde que muchos consideraron el galardón un homenaje a sus más de 40 años en la industria. También fue nominada a la Mejor canción compuesta por Elmer Bernstein, Don Black (True Grit) 

Igualmente en la 27ª edición de los Globos de Oro (1970) fue ganadora al Mejor actor principal (John Wayne) siendo nominada a la Nueva promesa masculina (Glen Campbell) y a la Mejor canción original ("True Grit" (Elmer Bernstein, Don Black). Y en los británicos BAFTA, o sea, los Premios de la academia de cine británica como en los Globos de Oro la atención recayó no en Glen Campbell sono en Kim Darby que fue nomianada al Premio Rising Star (Estrella emergente). 

Por su parte, el Sindicato de Guionistas (WGA) nominó al Mejor guion adaptado drama a Marguerite Roberts ; mientras que la National Board of Review (Asociación de Críticos Norteamericanos) incluyó a True Grit entre las diez mejores películas de 1969. 

A lo ya dicho añado yo lo que pensaron los críticos de la época y actuales. El conocido crítico que publiaca en la prensa de Illinois, Roger Ebert, que escribía en las páginas del Chicago Sun-Times se trata de "Una de sus glorias es que reconoce la presencia especial de Wayne (...) Este es la clase de filme que llamas 'película,' en lugar de la clase de película que llamas 'filme'".

Tom Milne de Time Out comenzó que parecía "Perezosamente dirigida por Hathaway, es bastante agradable, aunque demasiado autoconsciente y pacata" 

Por su parte, el mítico Vincent Canby, habitual de las páginas del The New York Times afirmaba que era "Una fábula fronteriza maravillosamente incoherente y repleta de incidentes extraordinarios, encuentros asombrosos, personajes nobles y recompensas virtuosas." 

En Variety es presentada como "Casi todo el rato es Wayne. Él lo sobrepasa a todo: a los actores, al guion, incluso a las magníficas montañas de Colorado" 

Para Kevin Thomas de Los Angeles Times la película es "Irresistible western del 69 que le dio a John Wayne un Oscar largamente merecido" 

Para la prensa británica la película es "Una encantadora mezcla de comedia, acción y sentimiento"como señala Paul Howlett en The Guardian ; o como dice William Thomas en Empire "Aunque hace más comedia que una verdadera interpretación, Wayne es una delicia, especialmente cuando hace de John Wayne" 

Ya en España Fernando Morales en El País dejó por escrito que "Interesante historia que le valió un merecidísimo Oscar al legendario John Wayne. Secundarios de lujo para todo un éxito comercial. Interesante".

Y el magnífico Fausto Fernández en X- antes Twitter- publica que "Olé por la versión de los Coen con Jeff Bridges, que es más fiel a la novela original, pero no puedo evitar querer un poco más a la de Henry Hathaway con un oscarizado John Wayne " Y añade reincidiendo que fue " El único Oscar de John Wayne llegaría por su tuerto, borrachín y cazaforajidos Rooster Cogburn en un reverenciable western legendario, tanto como Henry Hathaway dirigiéndolo, Robert Duvall siendo el villano y una inolvidable Kim Darby deslumbrando como la joven protagonista". 

Por mi parte decir que la película es una muestra de la presencia arroladora en la pantalla de otro de los personajes de John Wayne, aquí como Rooster Cogburn. Además destacar de la misma la química absoluta entre los personajes de Rooster y Mattie.Frente al cinismo de Cogburn se encuentra Mattie Ross, interpretada con una frescura y tenacidad arrolladoras por Kim Darby. La dinámica entre la joven decidida a vengar a su padre y el viejo agente de la ley (a la que se suma a un correcto Glen Campbell como el Ranger de Texas, La Boeuf) huye de los sentimentalismos baratos. El guion de Marguerite Roberts, basado en la novela de Charles Portis, construye una relación de respeto mutuo maravillosa: dos personajes tercos de generaciones opuestas que se necesitan para sobrevivir. 

A destacar del mismo igualmente la dirección de Henry Hathaway y uno de sus aspectos técnicos y formales como fue la fotografía que sacó los imponentes paisajes de Colorado (que simulan ser Arkansas), pues la película fue rodada en el condado de Ouray y Ridgway, en el paso de Owl Creek y en la Pradera de Deb, en Last Dollar Road y lucen espectaculares gracias a la luminosa fotografía en Technicolor de Lucien Ballard. Tmabién la banda sonora compuesta por uno de los grandes, Elmer Bernstein, que envuelve todo el metraje con una partitura épica, enérgica y profundamente optimista que eleva el sentido de la aventura en cada plano. Y en definitiva un western emocionante, emotivo, divertido y con un alma enorme llena de optimismo.  

Para terminar sabemos que John Wayne continuó en los años setenta hasta que falleció en 1979. En esta década siguió año tras año en la lista de los diez actores más rentables de Hollywood. Durante estos años protagonizó películas notables del género como Rio Lobo (1970) , The Cowboys (1972) y la secuela Rooster Cogburn (1975) aquí llamada El rifle y la Biblia , esta última coprotagonizada junto a otra gran leyenda de la época, Katharine Hepburn. En 1976 protagonizó la que se convertiría en su última película, The Shootist ( El último pistolero ) . En ella encarnó a JB Books, un anciano y legendario pistolero del Oeste diagnosticado con un cáncer terminal que busca pasar sus últimos días en paz. El actor fallecía tres años más tarde, en 1979 y , efectivamente, de un cáncer de estómago. Su última aparición pública ocurrió el 9 de abril de 1979 en la 51.ª edición de los Premios Óscar. Al salir al escenario, visiblemente delgado y demacrado pero manteniendo intacta su imponente postura, Hollywood entero se puso en pie regalándole una ovación atronadora de varios minutos. Wayne bromeó diciendo: "El Óscar y yo tenemos algo en común: los dos llegamos a Hollywood en 1928, estamos bastante desgastados por el tiempo, pero planeamos seguir estando por aquí mucho tiempo más" . Tenía 72 años. 

Por su parte, el cantante Glen Campbell que destacó como un virtuoso de la guitarra y fue cantante de éxitos mundiales como Rhinestone Cowboy, falleció en en Nashville, Tennessee 2017 a los 81 años tras una larga lucha contra el Alzheimer, enfermedad que anunció en 2011 mientras publicaba un conmovedor disco y canción de despedida I'm Not Gonna Miss You;  mientras que Kim Darby que hizo la película con 21 años y que después participó en proyectos como la serie Hombre Rico, Hombre pobre - Rich Man, Poor Man - o la película de culto Better Off Dead sigue viva a los 79 años y trabaja como profesora de interpretación y dirección.

Land of The Dead

Desde que 1968 George A. Romero se presentara como realizador cinematográfico y creara un subgénero dentro del cine de terror con La noche de los muertos vivientes, el nombre del veterano director de culto George a Romero ha quedado indisolublemente ligado a la palabra zombie. 

Así que presenta otra entrega sarcástica y apocalíptica que retrata un mundo de pesadilla en el que los vivos conviven con los llamados Walker o muertos que andan haciendo con esta su cuarta película de zombies tras la del año 1968 , Zombi, el Día de los muertos. El resultado es una película de terror postapocalíptica de 2005 escrita y dirigida por George A. Romero; la cuarta de las seis películas de la saga de los muertos vivientes de Romero, precedida por La noche de los muertos vivientes, El amanecer de los muertos y El día de los muertos, y que antecede a Diario de los muertos y La supervivencia de los muertos. 

George a Romero decidió retomar a sus historias de zombies y nos planteó una película en la que los humanos sobreviven encerrado tras los muros de una ciudad fortificada mientras los muertos vivientes vagan por los extensos páramos existentes a extramuros y mientras se van vigilando sorprendentemente los unos a los otros. Se estrenó en 2005 con un presupuesto de entre 15 y 19 millones de dólares, el más alto de la saga de Romero, y recaudó 46 millones de dólares. La película fue producida por Mark Canton, Bernie Goldmann y Peter Grunwald para las productoras Atmosphere Entertainment MM, Romero-Grunwald Productions, Wild Bunch, S.A. y Rangerkim. Y contó para su reaalización con el fotógrafo Mirosław Baszak, como montador con Michael Doherty y en el apartado musical con Reinhold Heil y Johnny Klimek. 

La historia de La tierra de los muertos trata sobre un ataque zombi a Pittsburgh, Pensilvania, donde existe un gobierno de tipo feudal. Los supervivientes de la película han huido al Triángulo Dorado del centro de Pittsburgh, protegido por dos lados por ríos y por el tercero por una barricada electrificada llamada "la Garganta". 

Años después del apocalipsis zombi, los dispersos restos de la civilización humana han establecido una cadena de ciudades-estado protegidas en Norteamérica. Uno de estos santuarios se encuentra en el centro de Pittsburgh, gobernado por un sistema casi feudal. Rodeada por dos ríos y protegida por una valla electrificada custodiada por una milicia, la ciudad se ha convertido en un refugio relativamente seguro. Fuera de sus límites se extienden campos áridos y pueblos suburbanos en ruinas, abandonados hace mucho tiempo por los humanos pero infestados de zombis. 

Los ricos y poderosos viven en un lujoso rascacielos llamado "Fiddler's Green", mientras que el resto de la población subsiste en la miseria. Todo el comercio dentro de esta zona protegida está controlado por Paul Kaufman (Dennis Hooper), el despiadado plutócrata que gobierna la ciudad y poseedor de Dead Reckoning, un vehículo blindado de transporte de personal capaz de desplazarse fácilmente por zonas infestadas de zombis. 

La misión de conseguir comida y suministros esenciales así como los raros de objetos de lujo que codiciaban los habitantes de ese barrio exclusivo está en manos de un grupo de mercenarios a las órdenes de Riley (Simon Baker) y su segundo de a bordo, Cholo ( John Leguizamo). Pero la vida está cambiando dentro y fuera de los muros de la ciudadela. Dentro crece el desorden en la anarquía; y fuera el ejército de los muertos ha evolucionado y está aprendiendo a organizarse y comunicarse.

Riley Denbo (Simon Baker) , diseñador y comandante de Dead Reckoning, y su tripulación pilotan el vehículo hacia la tierra de nadie para buscar alimentos y suministros médicos necesarios para los ciudadanos, así como artículos de lujo para intercambiar con el opresivo régimen oligárquico de Kaufman. En una misión, observan que muchos zombis exhiben un comportamiento inteligente, especialmente el antiguo empleado de la gasolinera, "Big Daddy". 

Durante la misión, el novato Mike es mordido por un zombi mientras intenta recoger unos cigarrillos esparcidos. Poco después, llegan Riley y Charlie Houk (Robert Joy) . Al darse cuenta de que Mike ha sido mordido, Cholo DeMora inicialmente intenta acabar con su vida, pero Riley dispara al zombi. Sin otra opción, Mike se suicida para evitar ser convertido en zombi. 

Tras la misión, Riley se retira del mando de Dead Reckoning. Cansado de una existencia precaria en una ciudad postapocalíptica, planea partir hacia Canadá una vez que terminen las reparaciones de su coche. 

De vuelta en la ciudad, descubre que le falta su coche y visita a un proxeneta, un enano, llamado Chihuahua ( el mítoico Ed Gale, fallecido el pasado año) cuyos hombres supuestamente debían repararlo. En el local de Chihuahua, ve a una prostituta llamada Slack (Asia Argento)  siendo obligada a entrar en una jaula con algunos zombis para entretener a los clientes. Riley y su mejor amigo Charlie rescatan a Slack; después de que Charlie mata a Chihuahua en el caos resultante, el trío es arrestado. 

Slack revela que Kaufman ordenó su ejecución por ayudar a un líder de la resistencia llamado Mulligan. Mientras tanto, a Cholo le niegan un apartamento en Fiddler's Green a pesar de haber ayudado a Kaufman a erradicar a sus enemigos políticos. 

Cholo se apodera del vehículo y amenaza con destruir Fiddler's Green a menos que Kaufman le pague un rescate de 5.000.000 de dólares. Kaufman se acerca a Riley y les encarga a él, a Charlie y a Slack que recuperen el vehículo. 

Tras reunirse con Dead Reckoning, Riley se acerca al vehículo solo. Al darse cuenta de que Riley trabaja para Kaufman, Cholo los apunta con un arma a él y a Charlie. 

Mientras Cholo se prepara para disparar los misiles de Dead Reckoning contra Fiddler's Green, Riley desactiva los sistemas de armas a distancia. Motown, el secuaz de Kaufman, abre fuego y casi mata a Riley y a Cholo, pero un zombi lo muerde y Slack lo mata. Riley le pide a Cholo que lo acompañe, pero Cholo prefiere enfrentarse a Kaufman en Fiddler's Green. De camino, un zombi muerde a Cholo, mientras que Riley regresa a Fiddler's Green en Dead Reckoning. 

Mientras tanto, un zombie enorme y de color, Big Daddy, lidera una legión de zombis que cruzan el río, atraviesan la valla perimetral, dominan a los guardias fronterizos e invaden la ciudad. Primeros los espacios marginales y luego los barrios de los pocos ricos y poderosos que quedan tratan de mantener la ilusión de que viven igual que antes dentro de las exclusivas torres de Fiddler's Green, el último bastión de la clase dominante. Por encima de todos ellos, ricos y pobres manda un puñado de implacables oportunistas dirigido por Kaufman (Dennis Hopper), que controla tanto los negocios ilegales como los sucios. 

Kaufman huye, pero se encuentra con un Cholo zombificado en el estacionamiento, donde Big Daddy los mata a ambos con la explosión de un tanque de propano. 

El grupo de Riley logra escapar, donde usan misiles para dar muerte a las personas que están siendo devoradas por los zombis. Mulligan aparece y revela que rescató a la mayoría de los pobres; él y Riley se despiden antes de separarse con sus respectivos grupos. 

Al ver a Big Daddy y a los zombis abandonar la ciudad, perdonando a los humanos supervivientes, Riley decide perdonarlos también, dándose cuenta de que ellos también buscan refugio. 

Tras encender los fuegos artificiales restantes, el grupo de Riley se embarca rumbo a Canadá en el Dead Reckoning. 

Tras una década de desinterés por el género zombi durante los años noventa, este volvió a ganar popularidad en la década de 2000 gracias a éxitos de taquilla como 28 Days Later (2002) y Shaun of the Dead (2004). Esto inspiró a George A. Romero a realizar la tan esperada cuarta entrega de la saga zombi, desde la última, Day of the Dead, estrenada en 1985. 

Romero negoció con 20th Century Fox, que quería que la película se titulara Night of the Living Dead. Romero se negó, prefiriendo usar el título Dead Reckoning, y el estudio quiso entonces titularla Night of the Living Dead: Dead Reckoning. Cuando Romero cuestionó la idea de incluir Night of the Living Dead en el título, resultó que Fox pretendía ser propietaria de los derechos de la franquicia, por lo que decidió no negociar con ellos. 

Tras negociar con Universal Pictures, a Romero se le ofreció un presupuesto de entre 15 y 19 millones de dólares, convirtiéndola en la película con mayor presupuesto de la saga. Aprovechó esta oportunidad para incorporar algunos elementos que no pudo utilizar en El día de los muertos debido a las limitaciones presupuestarias. 

Rodada en Canadá, en concreto en Toronto y Hamilton, Ontario, entre octubre y dociembre de 2004. A pesar de contar con un presupuesto mayor que en la mayoría de sus películas, Romero prefirió elegir actores menos conocidos para los papeles principales, como Simon Baker y Robert Joy, con excepciones como Dennis Hopper y John Leguizamo. A este último lo contrató tras quedar impresionado por la mayoría de sus películas. Romero eligió a Asia Argento para el papel de Slack después de haber trabajado con su padre, Dario Argento, en algunas de sus películas, como Dawn of the Dead (1978) y Two Evil Eyes (1990). 

También contrató a su amigo de toda la vida, el maquillador Tom Savini, a Simon Pegg (estrella de Shaun of the Dead) y al director Edgar Wright para los papeles de zombis. Savini retomó su personaje de motociclista, Blades, de Dawn of the Dead, ahora como zombi, mientras que Pegg y Wright aparecieron como zombis de cabina fotográfica. 

Estrenada en Norteamérica el 24 de junio de 2005, fue nominada en los Premios Saturn 2005 a Mejor película de terror y Mejor maquillaje (Howard Berger, Greg Nicotero). 

La tierra de los muertos recibió críticas mayoritariamente positivas. Roger Ebert cronista cinematográfcicos del Chicago Sun Times valoró positivamente sus hábiles y creativas alusiones, algo que, según él, era común en las tres entregas anteriores de Romero, que contenían numerosas metáforas satíricas de la vida estadounidense escribiendo que "Sienta bien volver a verle [a Romero] en el género que inventó con 'Night of the Living Dead', y sobre todo que siga utilizando a los zombis no sólo como divertimento, sino también como sátira social (…) Ebert señaló la distinción que hace esta entrega entre ricos y pobres, entre los que viven en Fiddler's Green y los que viven en los barrios marginales. 

También desde Illinois Michael Wilmington, del Chicago Tribune, escribe positivamente diciendo que «Es otro ejercicio crudo, divertido, perverso y violento de terror y repulsión cinematográfica, con una visión cada vez más oscura de un mundo fuera de control. A estas alturas, Romero se ha convertido en un clasicista que utiliza tanto los personajes y los diálogos como los efectos especiales escalofriantes para provocar escalofríos». Y añade "Lo nuevo de Romero es una película de terror para los fans incondicionales de lo sangriento y lo truculento y una película de género clásico para los aficionados al género"

Por su parte, Mike Clark de USA Today consideró que "Es una película realmente sólida y entretenida aunque no aporte nada nuevo al género (…) " 

En Los Angeles Times Kevin Thomas consideró que "Romero domina con facilidad un enorme reparto, una plétora de secuencias de acción y una cornucopia de efectos especiales

Para Michael Rechtshaffen del The Hollywood Reporter la película "Bien podría ser la obra maestra de Romero. Aprovechando al máximo el maquillaje y los efectos visuales de última generación, tiene a su disposición un lienzo más vívido"

Stephen Hunter del The Washington Post considera que "Nunca alcanza la rabia de 'Night of the Living Dead' of el ingenio sarcástico de 'Dawn of the Dead'. Pero tiene algo."angrientos- y crea una imagen oscuramente deslumbrante tras otra" 

John Lutz, en Zombies of the World, Unite: Class Struggle and Alienation  sostuvo que Land of the Dead, estableció comparaciones entre los fuegos artificiales que se lanzaban para distraer a los zombis en Land of the Dead y las exhibiciones de "conmoción y pavor" del ejército estadounidense que se ven en sus acciones militares. 

Para  Jeffrey Westhoff, del Northwest Herald, afirmó que «Lo más impactante de La tierra de los muertos no son los desmembramientos vívidos, sino la audacia con la que Romero refleja, de forma macabra, la América posterior al 11-S». 

El New York Sun la declaró «la película estadounidense del año».  Y también desde la "gran manzana"  Manohla Dargis del  The New York Times destaca que es "Uno de los grandes placeres del cine de género es ver a los grandes directores desafiar la forma y la previsibilidad, como hace brillantemente Romero. Una cosa es segura: no te irás a casa con hambre".  

Owen Gleiberman del Entertainment Weekly comentó que "Puede que Romero sea la última persona sobre la faz de la Tierra que siga pensando que los muertos vivientes son una metáfora de algo importante. Su última película es una locura zombie apática y sin inspiración alguna." 

Justin Chang de Variety valoró que "George A. Romero les muestra cómo se hace en 'Land of the Dead', resucitando su legendaria franquicia con efectos visuales de primera clase, una gran inteligencia de género y tentadoras capas de insinuación" E

Wesley Morris del Boston Globe destaca que  "Se ve y se siente como la basura mejor hecha de alguien más"

Keith Phipps de AV Club sostuvo que "La sátira está a la altura de los titulares, las escenas de acción siguen el ritmo de los blockbusters veraniegos y nadie filma una evisceración con tanta habilidad"

Desde la costa atlántica en las páginas del  Philadelphia Inquirer se die que "Curiosamente, aunque 'Land of the Dead' es más inteligente y grandiosa que los primeros clásicos de Romero, no es tan inquietante" 

Desde Gran Bretaña Kim Newman en Empire destaca que "Suspense original, personajes punzantes, horror escandaloso y sátira perversa. Bienvenido de nuevo, George, has estado fuera demasiado tiempo" 

Ya en España Javier Ocaña en El País considera que la "Producción con algunas ideas resultonas y toneladas de vísceras y hemoglobina que sólo contentará a los que aún lo tienen en los altares del cine de terror"

Antonio Weinrichter del ABC destacó la capacidad del aquí durector y guionisa  "Romero es quien mejor explota el mito creado por él mismo (...) no recurre a la alta tecnología (...) dentro de la genuina serie B (...) 

Varios cineastas, entre ellos John Landis, Eli Roth, Clive Barker y Guillermo del Toro, rindieron homenaje a Romero en un especial de La tierra de los muertos. 

Guillermo del Toro dijo: "Por fin alguien tuvo la inteligencia de darse cuenta de que ya era hora y le dio a George las herramientas. Debería ser motivo de celebración para todos que Miguel Ángel haya comenzado otro techo. Es un acontecimiento realmente trascendental..."

Por mi parte destacar que la película de 2005, dirigida por George A. Romero, destaca principalmente por ser una sátira social mordaz que utiliza el apocalipsis zombi para explorar la lucha de clases, el consumo y la respuesta política ante las crisis, posicionando a los muertos vivientes como la clase trabajadora oprimida que se rebela contra una élite egoísta. Los zombis que comienzan a pensar y organizarse, liderados por "Big Daddy". Este personaje evoluciona de ser una simple amenaza a un líder rebelde que enseña a los suyos a utilizar herramientas y armas para derrocar a sus opresores. La trama ofrece una metáfora poderosa donde los zombis, convertidos en la clase "baja" o marginada, atacan el rascacielos de los ricos, subvirtiendo el papel tradicional de monstruos para convertirlos en agentes de una revolución social. A destacar igualemnte que la película cuenta con excelentes efectos especiales de gore a cargo de Greg Nicotero. Destaca el diseño de "El Azote de los Muertos" (Dead Reckoning), un camión blindado impresionante utilizado por los mercenarios. Se considera la última gran película de zombis dirigida por Romero, cerrando efectivamente su "cuatrilogía" original con un tono entretenido, visceral y lleno de crítica social.

Caído del cielo

 

Cine independiente con sabor a auténtico con una jovencísima Linda Manz que hace el papel de su vida. Una película que ha sido presentada como la última película punk rock.

*EC: En construcción

Easy Rider

Me apetecía volver a ver Easy Rider, la película "road movie"por antonomasía, la película de la rebeldía, la película que retrataba a los que podían ser los últimos integrantes de la "beat generation" con su discurso transgresor y libertario , que postulaban o simplemente la libertad sexual como una opción así con la posibilidad de las adicciones.

En mi mente , errática y confisa, sin duda, quería pensar que era un recorrido por la ruta 66, esa vía - The Main Street of America - que unía Los Ángeles con Chicago y que pasaba por aquellas ciudades por las que pasé en mi alquilado Toyota Sienna bajo el sonido de la música de los Doors como las decadentes - pero fantásticas- Seligman, Kingman, Ash Fork y Willians, así como ese núcleo ferroviario inmenso que era Flagstatt.

Pero anoche al verla descubrí que yo guardaba en mi mente un mito, ya que Easy Rider no circula necesariamente por la route 66 en su trayecto para ir a Nueva Orleans y disfrutar del Mardi grass. No, la memoria al verla, me ha enseñado que su recorrido desde la frontera con México, cruzando con el río Colorado era otro, y que la ruta seguida se encaminaba no a Illinois, sino por Nuevo México, Texas , Oklahoma, desviándose hacia el sur de la ruta en dirección Arkansas y Louisiana.

Easy Rider , por lo tanto, me ha llevado por otro camino, más cercano a la América profunda e intransigente y tan próxima al drama como al road movie.

Se trata pues de una película del año 1969 dirigida por Dennis Hopper , producida en parte por su compañero de reparto, Peter Fonda. Lo desconocía- desconozco tantas cosas, que estaba inspirada en una película italiana en clave de comedia del año 1962 La escapada (Il sorpasso) de Dino Risi con Vittorio Gassman, Jean-Louis Trintignant, Catherine Spaak y Claudio Gora.

Esto no evita que Easy Rider . Buscando mi destino (como se le ha llamado en España)esté considerada como un hito de la contracultura de los años 1960 y un paradigma fundamental en la historia del cine mundial y precursora del cine de producción independiente, que pudo recaudar cien veces más que su costo de producción. Es una producción de Peter Fonda, William Hayward y Bert Schneider que siguen un guión del mismo Peter Fonda, escrito junto a Dennis Hopper y Terry Southern,  amparada por la productora Columbia Pictures , Pando Company y Raybert Productions que invirtieron en ella entre $360,000–$400,000, pero que obtuvo unos 60 millones de beneficios en taquilla.

Contó con la fotografía de László Kovács, el montaje de Donn Cambernm y una inmensa banda sonora en la que participan entre otros The Band, The Byrds, The Jimi Hendrix Experience, Roger McGuinn y Steppenwolf

El reparto lo integran Dennis Hopper como Billy,  Peter Fonda como Wyatt o Captain America, Jack Nicholson, como George Hanson. junto a ellos aparecen Antonio Mendoza como Jesús, Phil Spector como Connection ,Mac Mashourian como el guardaespaldas, Warren Finnerty como el Ranchero con el que comen, junto a Tita Colorado como la mujer del ranchero y Luke Askew como el desconocido que recogen en la autopista.

Tras eso están los integrantes de la Comuna como son Luana Anders como Lisa, Sabrina Scharf como Sarah, Robert Walker, Jr. como Jack, Sandy Wyeth como Joanne y los mimos Robert Ball , Carmen Phillips , Ellie Walker y Michael Pataki . Igualmente parece que está presente una no acreditada Bridget Fonda entre las niñas de la comuna.

Tras ser detenido además de Jack Nicholson, aparecen los policías George Fowler y Keith Green como el Sheriff. En el café en el que paran aparecen entre algunos de los clientes Hayward Robillard, Arnold Hess, Buddy Causey, Jr., Duffy Lafont o Blasé M. Dawson.

En el burdel pasan el rato junto a Toni Basil comos Mary y Karen Black como Karen, siendo Lea Marmer la Madame. Y sus asesinos finales son David C. Billodeau y Johnny David.

La historia comienza con dos motociclistas se desplazan hasta la frontera con México para comprar drogas a un traficante (Antonio Mendoza).

Tras probar la mercancía y comprobar su buena calidad deciden vender el producto a un comprador (Philp Spector) , a "Connection", un hombre en un Rolls-Royce , y reciben una gran suma a cambio. La transacción se lleva acabo  cerca de la pista del aeropuerto de Los Ángeles.

Desde allí se desplazan con sus nuevas motos , dos choppers,  desde el suroeste de Estados Unidos hasta el sur para disfrutar de los beneficios de este lucrativo negocio de drogas.

El nuevo objetivo de Billy (Hopper) apodado "Capitán América" y Wyatt (Fonda) es asistir al carnaval Mardi Gras.  Con el dinero metido en un tubo de plástico escondido dentro del tanque de combustible pintado de Stars & Stripes o sea de barras y estrellas de la nueva moto de Wyatt  deciden viajar hacia el este con el objetivo de llegar a Nueva Orleans , Louisiana, a tiempo para el festival Mardi Gras .

Los dos protagonistas tienen un carácter diferente. El primero es bastante más abierto para el trato con las  personas que encuentran en su viaje o para pedir  ayuda mientras que el segundo ese trato le resulta  más hostil y sospechoso.

Con sus motocicletas emprenden un viaje en el que conocen diversas caras de la sociedad estadounidense. En el camino se encuentran a diversos y poco habituales personajes, un ranchero y su familia, un autoestopista hippie, acaban siendo arrestados en un pueblecito por desfilar sin un permiso, donde conocen a un abogado borracho (Jack Nicholson) que les saca de la cárcel y luego decide unirse a ellos.

Al poco de iniciar su recorrido Wyatt y Billy se detienen para reparar una de las bicicletas en una granja. Mientras arreglan la rueda , el ranchera apuesta por arreglar la herradura de su caballo. Posteriormente son invitados a comer con el granjero y su familia. Wyatt parece apreciar el estilo de vida simple y tradicional de un granjero que bendice la mesa y comenta que se caso con una mujer hispana y católica.

Más tarde Wyatt se detiene para recoger a un excursionista "hippy" y los invita a visitar su comuna , donde permanecen el resto del día.

La noción de " amor libre " parece practicarse, con dos de las mujeres, Lisa y Sarah, que aparentemente comparten el afecto con el miembro de la comuna de autostop . Fnalmente ambas marchan a bañarse a un río junto a Wyatt y Billy y toman la droga del momento, LSD.

Más tarde, mientras  llegan a una pequeña  localidad en la que hay un desfile en un pueblo pequeño, la pareja de moteros es arrestada por las autoridades locales por "desfilar sin permiso". Esto irrita a Billy sobre todo cuando pasan la noche en la cárcel.

Allí, se hacen amigos de un joven y borracho abogado , George Hanson (Jack Nicholson) , quien ha pasado la noche en la cárcel después de ingerido alcohol en exceso.

George los ayuda a salir de la cárcel y decide viajar con Wyatt y Billy a Nueva Orleans. Mientras acampan esa noche, Wyatt y Billy le presentan a George la marihuana. Como alcohólico y "cuadriculado" , George es reacio a probarlo debido a sus reparos ante la droga  pero rápidamente cede.

Al detenerse a comer en un restaurante de la pequeña ciudad de Louisiana, la apariencia del trío atrae la atención de los lugareños. Las chicas en el restaurante piensan que son emocionantes, pero los hombres locales y un oficial de policía comienzan a hacer comentarios y se burlan ruidosamente mediante comentarios y denigrantes. Wyatt, Billy y George, sintiendo la hostilidad, deciden irse sin ningún problema.

Acampan fuera de la ciudad. En medio de la noche, un grupo de lugareños ataca al trío dormido, golpeándolos con palos. Billy grita y blande un cuchillo y los atacantes se van. Wyatt y Billy sufren heridas menores, pero George ha sido golpeado hasta la muerte.

Wyatt y Billy envuelven el cuerpo de George en su bolsa de dormir, juntan sus pertenencias y prometen devolver los artículos a sus padres.

Continúan a Nueva Orleans y encuentran un burdel del que George les había hablado. Tras hablar con la madame se llevan a las prostitutas Karen y Mary con ellas, Wyatt y Billy deciden salir y pasear por la calle llena de desfiles de la celebración del Mardi Gras. Terminan en un cementerio, donde los cuatro ingieren el LSD que  le había dado a Wyatt. Ellos experimentan un mal viaje con  Wyatt mirando en silencio a la fogata, Billy riéndose tontamente y diciendo: "Lo hemos hecho, lo hemos hecho. Somos ricos, Wyatt", riendo.

Wyatt no responde que Billy repite que son ricos y que pueden retirarse. Después de una pausa, Wyatt mira hacia abajo y dice: "Ya sabes, Billy, lo arruinamos". Billy dice que el dinero los libera, pero Wyatt repite que lo arruinaron y le da las buenas noches.

A la mañana siguiente, mientras se desplazan por una carretera rural de dos carriles pasan cerca de una camioneta vieja, el conductor que lleva sombrero de vaquero dice, con un fuerte acento de Luisiana o de Cajun , "Hola, mírenlos a los dos". El otro hombre en el camión busca una escopeta colgada en la ventana trasera, diciendo que "los asustará a los dos". Cuando pasan junto a Billy a su izquierda, el pasajero apunta con pereza la escopeta por la ventana y dice: "¿Quieres que te estalle los sesos?" mientras el conductor se ríe .

Sin mirarlos, Billy levanta su dedo haciéndole la peintea . El hombre dispara y mata a Billy cuya moto se desliza sobre el pavimento quedando  Billy al borde de la carretera.

Wyatt se detiene en el camino y se queda mirando a la camioneta mientras pasaba a su lado. Wyatt se da la vuelta , y corre hacia Billy, ve que está muerto y coloca su chaqueta con la inscripción de la bandera americana sobre la gran herida en el hombro izquierdo y el pecho de Billy, diciendo: "Voy por ayuda, Billy".

En el camión, el pasajero le dice al conductor: "Tenemos que regresar". Wyatt se desplaza por la carretera, moviéndose de derecha a izquierda en la pantalla, hacia la camioneta cuando da vuelta en U, y vemos se acerca más al camión.

Al pasar en la dirección opuesta, el pasajero se inclina sobre el conductor y dispara la escopeta por la ventana. El disparo se muestra como una mancha roja que llena la pantalla por un momento, seguido por un corte con un desplazamiento de  la motocicleta sin conductor, moviéndose de izquierda a derecha, volando por el aire , lejos de la carretera con la rueda delantera separándose, y llamas o chispas que vienen del lado derecho del motor de la bicicleta.

Un primer plano muestra la bicicleta de lado y luego una explosión debajo. Una toma aérea, con el ángulo invertido de nuevo, muestra una motocicleta envuelta en llamas, que se retira rápidamente y se eleva en el aire sin que Wyatt sea claramente visible. Los créditos se extienden sobre esta vista cada vez más amplia sobre el campo, acabando así la película con la canción la balada de Easy Rider.

El éxito de Easy Rider ayudó a despertar la era cinematográfica de Hollywood a principios de los años setenta, aunque Hopper y Fonda ya habían colaborado y trabajado juntos en  The Trip (1967), escrita por Jack Nicholson, con temas y personajes que aparecerán más tarde en Easy Rider .

Peter Fonda se había convertido en "un icono de la contracultura" en The Wild Angels (1966), donde estableció "una personalidad que desarrollaría aún más en su siguiente película , la citada The Trip y , sobre todo, en Easy Rider ".

La película popularizó el LSD, mientras que Easy Rider pasaba a presentarse como modelo de la " ontracultura de los 60", pero   "despojado de su inocencia".

También la película fue un paso en la transición de la película independiente a la corriente principal de Hollywood.

Antes he comentado que en mi memoria estaba que era un homenaje a la mítica ruta 66, y sin serlo, si que algunos puntos del trayecto si fueron utilizados para el rodaje. De hecho, durante la misma he podido reconocer puntos por los que yo pasé en mi Sienna, y si bien ellos no paran, yo sí tuve que hacerlo , pues yo quería ver detenidamente los paisajes y además rompí una rueda , siendo auxiliada por una india navajo que regentaba una gasolinera en Flagstatt en la misma ruta 66- esa fue mi pequeña aventura- , tengo que señalar que hay hitos de la ruta que sí están presentes. Entre ellos señalaré algunos como en Arizona como la Sacred Mountain Gas Station entre la 89 y 150 Road de Flagstaff, la Pine Breeze Inn al oeste de la Route 66 en Bellemont, Valentine,- una localidad fuera de la ruta , pero en Arizona que es Collins Ranch. También ruedan en Topock, cuando Billy y Wyatt cruzan el Río Colorado River y toman hacia el sur las rutas 71 y 89 y al igual que yo pasaron por la histórica capital del estado que fue Prescott, así como en Cottonwood, Tucson, Bellemont y Agathla Peak.

Un corto clip cerca del comienzo de la película muestra a Wyatt y Billy en la ruta 66 en Flagstaff, Arizona , pasando una gran figura de un leñador. Esa estatua de leñador, una vez situada frente a Lumberjack Cafe, permanece en Flagstaff, pero ahora se encuentra dentro del J. Lawrence Walkup Skydome en el campus de Northern Arizona University .

En espacios naturales de Arizona también ruedan como en el bosque donde recogen al autostopista que está en Sunset Crater Volcano National Monument y Wupatki National Monument en el 6082 Sunset Crater-Wupatki Loop Road, en las cercanías de Flagstaff, en el Painted Desert, y en la vertiente sur del Monument Valley en Arizona, al igual que en la parte de Utah.

El rodaje igualmente les llevó a Las Vegas, en Nuevo Mexico, que es el pueblo donde tenían prohibida su participación en la "Parada", allí rodaron igualmente en el 157 Bridge Street, para los exteriores de la cárcel, siendo el interior rodado en Taos, al igual que en Santa Fe también en Nuevo México , rodando en Eaves Movie Ranch y en la neomexicana, Madrid.

Ruedan igualmente en las localidades de Louisiana tales como Lafayette, Amelia, Lake Pontchartrain, Fralklin, Morganza,- donde intentan los tres protagonistas tomar un café y en el que los hombres y las chicas en esa escena eran todos residentes de Morganza y que con el fin de inspirar comentarios más vitriólicos de los hombres locales, Hopper les dijo que los personajes de Billy, Wyatt y George habían violado y matado a una niña fuera de la ciudad- , en Krotz Springs, para la última escena que fue filmada en Louisiana Highway 105 North, a las afueras de Krotz Springs , y  en la que los  dos hombres en la escena -Johnny David y DC Billodeau- eran residentes locales de Krotz Springs  y en New Orleans, Louisiana, en concreto dentro del cementerio de St Louis No.1 .Mientras filmaba la escena del cementerio, Hopper trató de convencer a Fonda para que hablara con la estatua de la Virgen como si fuera la madre de Fonda (que se había suicidado cuando tenía 10 años) y le preguntó por qué lo dejó. Aunque Fonda se mostró reacio, finalmente obedeció.

En California rodaron en las Montañas de Santa Mónica de Los Ángeles, en Ballarat, en Hansen Dam Park Recreation Area, en el Lakeview Terrace de Los Angeles, en Los Angeles International Airport, en Malibu. La comunidad hippie fue recreada a partir de imágenes y filmada en un sitio con vistas al Cañón de Malibu , ya que la comuna de New Buffalo en Arroyo Hondo, cerca de Taos, Nuevo México , no permitió rodar allí.

El rodaje tuvo lugar entre los meses de marzo y mayo de 1968, aunque la producción que comenzó el 22 de febrero y el mes de mayo del 68. La mayor parte de la película se filmó en exteriores y  con luz natural. Hopper dijo que todos los disparos al aire libre fueron una elección intencional de su parte, porque "Dios es un gran capataz ".

La producción usó dos camiones de cinco toneladas, uno para el equipo y otro para las motocicletas , con el elenco y el equipo en una autocaravana.

Algunos, como el mismo Peter Fonda han tenido la idea de presentar a Easy Rider como un western moderno , que involucra a dos motoristas que viajan por todo el país y que eventualmente reciben un disparo de los hillbillies. Los espacios señalados indudablemente se vinculan con los del western, pero lo cierto es que la idea de Fonda fue asumida por  Dennis Hopper, y entre los  dos decidieron convertir la historia de este viaje por el suroeste  en una película, con la idea de que se llamaran The Loners y con Hopper en la dirección y el hijo de Henri Fonda en la producción y ambos protagonizando y escribiendo.

Antes de concretar la totalidad de la historia contaron con el guionista Terry Southern , a quien se le ocurrió el título Easy Rider .

La película fue filmada principalmente sin un guión, con líneas improvisadas , y la producción comenzó solo con el contorno y los nombres de los protagonistas.

Ese espíritu de nuevo western está presente en los nombres propios de los protagonistas. Ese  Wyatt es nombrado así por Wyatt Earp y Billy por Billy the Kid .

Sin embargo, Southern comentó que Hopper escribió gran parte del guión. En una entrevista publicada en 2016 [Southern murió en 1995], dijo: "Sabes si Den Hopper improvisa una docena de líneas y seis de ellas sobreviven en el piso de la sala de montaje que él pondrá en crédito de guión. ". Según Southern, Fonda estaba bajo contrato para producir una película  y que éste había acordado permitir la dirección de Hopper. Según Southern, Fonda y Hopper no solicitaron crédito por el guión hasta después de las primeras proyecciones de la película, lo que requirió el acuerdo de Southern debido a las políticas del gremio de escritores . Southern dice que aceptó por un sentido de camaradería, y que Hopper se atribuyó el guión completo.

Según el biógrafo de Terry Southern, Lee Hill, la parte de George Hanson había sido escrita para un amigo de Southern, el actor Rip Torn .

Cuando Torn se reunió con Hopper y Fonda en un restaurante de Nueva York a principios de 1968 para discutir el papel, Hopper comenzó a despotricar de los " rednecks " - o sea, los blancos pobres, la "basura blanca" o estereotipo de un hombre blanco que vive en la América profunda y que tiene una baja renta - que había encontrado en su viaje de exploración al sur. Torn, un tejano, hizo alguna puntualización a algunas de las observaciones de Hopper, y los dos casi se ven en problemas. Resultado de todo ello es que Torn se retiró del proyecto y  fue reemplazado por Jack Nicholson, con quien Hopper había aparecido recientemente en Head (junto con otro coprotagonista de Easy Rider , Toni Basil).

En 1994, Jay Leno entrevistó a Hopper sobre Easy Rider en The Tonight Show , y durante la entrevista, Hopper alegó que Torn lo había apuñalado durante el altercado, lo que llevó a Torn a demandar a Hopper por difamación.

Independientemente de ello el presupuesto de rodaje de Easy Rider fue realmente corto , oscilando entre los $ 360,000 y los  $ 400,000. Peter Fonda señaló  que él personalmente pagó los costos de viaje y alojamiento del equipo  y dijo: "Todo el mundo esta pagando con mis tarjetas de crédito y pagaría por todos los hoteles, la comida, el combustible, todo con Diner's Club ".

Sin embargo, el fotógrafo de la película Laszlo Kovacs dijo que la película fue más cara y que tuvo que añadir al menos un millón de dólares adicionales, "cerca de tres veces el presupuesto para filmar el resto de la película", y que parte de ello se gastó en licencias de música que se agregaron durante la edición.

Hablando de música hay quién señala que algunos de los personajes de Wyatt y Billy estaban basados ​​respectivamente en Roger McGuinn y David Crosby de The Byrds .

A pesar de haber sido filmado en la primera mitad de 1968, más o menos,  entre el Mardi Gras y el asesinato de Robert F. Kennedy , la película no se estrenó en EE. UU. hasta julio de 1969, después de haber ganado un premio en el festival de cine de Cannes en mayo.

La demora se debió en parte a un proceso de edición prolongado. Inspirado por la película de Kubrick 2001: A Space Odyssey ' , el primero de  de los cortes propuestos por Hopper fue de 220 minutos de duración, incluido el uso extensivo del " flash-forward" , es decir, un dispositivo narrativo, en escenas de tarde en la película se insertan en la escena actual, pero sólo un flashforward sobrevive en la edición final: cuando Wyatt en el burdel de Nueva Orleans tiene una premonición de la escena final.

A petición de. Bob Rafelson y Bert Schneider , Henry Jaglom fue contratado para editar la película en su forma actual, mientras que Schneider mandó a  Hopper a un viaje a Taos para no interferir con el corte. final. Al verlo, Hopper se disgustó inicialmente, diciendo que su la película fue "convertida en un programa de televisión", pero finalmente aceptó, afirmando que Jaglom había diseñado la película de la forma en que Hopper había pensado originalmente. A pesar de la gran parte que interpretó, Jaglom solo recibió el crédito como "Consultor Editorial ". Aparentemente ese material original ha desaparecido.

El estilo de Easy Rider - los cortes de salto, los cambios de tiempo, los flashbacks, los flashforwards, las cámaras de mano espasmódicas, la narración fracturada y la actuación improvisada - pueden verse como una traducción cinemática de la experiencia psicodélica . Peter Biskind, autor de Easy Riders, Raging Bulls escribió: "El LSD creó un estado de ánimo que fracturó la experiencia y que la experiencia del LSD tuvo un efecto en películas como Easy Rider".

En cuanto a las motos señalar que se usaron cuatro motos policiales en la película. Son  Harley-Davidson Hydra-Glide de los años  1949, 1950 y 1952 y que se compraron en una subasta por $ 500, equivalente a aproximadamente $ 3500 en 2018.

La moto del "Capitán América" ​​fue demolida en la escena final, mientras que los otros tres fueron robados y probablemente desarmados antes de que se conociera su importancia como accesorios para la película .

Lo cierto es que  Hopper y Fonda organizaron una fiesta de despedida tras el rodaje de  la película y luego se dieron cuenta de que aún no habían filmado un escena , la de la fogata. Por lo tanto, se filmó después de que las motos ya habían sido robadas, por lo que no son visibles en el fondo como en las otras escenas de la fogata.

La película está considerada como un modelo emblemático de la contracultura estadounidense de los sesenta  y una "piedra de toque para una generación" que "capturó la imaginación nacional". Y es que  Easy Rider explora el panorama social, los problemas y las tensiones en los Estados Unidos durante la década de 1960, como el aumento del movimiento hippie , el uso de la droga  - la de la película es real- y estilo de vida comunal .

Desde el momento de su estreno se convirtió en referencia para toda una generación de motociclistas y simpatizantes de la contracultura estadounidense. Su inesperado éxito llevó a su director a un relativo estrellato que no administró bien, pues como modesta producción independiente, fue una de las más taquilleras de esos años, recaudando 100 veces más de su coste inicial. Su importancia histórica es indiscutible y se convirtió en uno de los precedentes y principal propulsor del nuevo cine estadounidense que se hizo en la década de 1970.

Sin embargo, Carlos Boyero señalaba en El País que "Revisé la mitificada 'Easy rider'. Es mediocre, y a ratos grotesca. Lo único admirable en ella es la interpretación de Jack Nicholson y la excelente banda sonora. El resto es un tripi chungo."

Con todo emblema de la película es , sin duda, su banda sonora que fue elegida por Columbia. La banda sonora, contiene temas de The Byrds, Steppenwolf, The Band y Jimi Hendrix,​ que cedieron los derechos de las canciones -caso único e inaudito en la historia del rock y que se contradice con el pago de derechos que encareció la película - . El editor Donn Cambern utilizó varias canciones de su propia colección de discos para escucharlas y vincularlas con la edición.

La banda sonora contribuyó a crear el tono libertario del filme. El uso extensivo de la película de música pop y rock para la banda sonora fue similar a lo que se había usado recientemente para la película El Graduado (The Graduate, 1967) con la musica de Simon y Gartfunkel .  En este caso se le pidió a Bob Dylan que contribuyera con música, pero se mostró reacio a utilizar su propia grabación de " It's Alright, Ma (I'm Only Bleeding) ", por lo que se utilizó una versión interpretada por el líder de Byrds , Roger McGuinn . Además, en lugar de escribir una canción completamente nueva para la película, Dylan simplemente escribió el primer verso de " Ballad of Easy Rider " y les dijo a los compositores: "Dales esto a McGuinn, él sabrá qué hacer con él". McGuinn completó la canción y la interpretó en la película.

Originalmente, Peter Fonda había querido que la banda Crosby, Stills, Nash y Young escribieran una banda sonora totalmente original para la película, pero esto no se materializó por dos razones.  Por un lado,  Donn Cambern editó el metraje mucho más corto a lo inicialmente previsto  y, por otro lado, Hopper obtuvo cada vez más control sobre cada aspecto en el transcurso del proyecto y decidió prescindir de  CSNY.

La película fue ganadora de numerosos premios y candidata a otros muchos. La película Hopper recibió el Primer Premio de la Película ( Prix ​​de la première œuvre o Mejor öpera Prima ) en el Festival de Cannes de 1969 , y en la 42 edición de los Premios de la Academia , Jack Nicholson fue nominado al Mejor Actor en un Papel secundario. También fue nominada al Mejor Guión Original .

En los Globos de Oro el trabajo de Jack Nicholson estuvo nominado al mejor actor de reparto . En los Premios BAFTA de ese año 69 fue nominado nuevamente Nicholson al mejor actor secundario.  El Círculo de Críticos de Nueva York concedió el premio al Mejor actor secundario a Nicholson; por su parte, el Sindicato de Directores (DGA) nominó a Hopper al Mejor director y el Sindicato de Guionistas (WGA) la nominó al mejor guión original  como drama en ese inolvidable  1969.

La película aparece en el número 88 de la lista del American Film Institute de 100 Years, 100 Movies . Además  Easy Rider fue la tercera película más taquillera de 1969 , con unos $ 60 millones en todo el mundo, incluidos $ 41,7 millones en Estados Unidos.  Junto con Bonnie and Clyde y The Graduate , Easy Rider ayudó a poner en marcha la era del New Hollywood durante los últimos años 60 y 70. .

Los principales estudios se dieron cuenta de que se podía ganar dinero con películas de bajo presupuesto hechas por directores de vanguardia . Muy influenciado por la nueva ola francesa, las películas del llamado "Hollywood posclásico" llegaron a representar una generación de contracultura cada vez más desilusionada con su gobierno, así como con los efectos del gobierno en el mundo en general y en el establishment en general.

Aunque Jack Nicholson aparece solo como actor de reparto y en la última mitad de la película, la actuación destacada marcó su llegada como estrella de cine,  junto con su película siguiente Five Easy Pieces en la que tuvo el papel principal .

El vicepresidente Spiro Agnew con Nixon criticó a Easy Rider por considerarla que hacía apología de la droga, tal y como se recogía en una edición del New York Times en septiembre de 1970, en la que afirmaba que "los jóvenes estadounidenses estaban siendo "lavados del cerebro" en una "cultura de las drogas" por la música rock, películas, libros y periódicos clandestinos. Llamó a estas partes de "un estilo de vida de conformidad deprimente que no tiene vida ni estilo". Y prosigue el artículo diciendo que "Denunció que una película reciente, que no mencionó, pero que aparentemente era "Easy Rider", promovió como héroes a "dos hombres que pueden vivir una vida despreocupada con los ingresos de las ventas ilegales de drogas".

Los críticos  elogiaron, por contra, las actuaciones, la dirección, la escritura, la banda sonora, los efectos visuales y la atmósfera. Aunque no fue unánime Vincent Camby del New York Times señaló que "Hopper, Fonda y sus amigos fueron a Estados Unidos en busca de una película y encontraron en su lugar una declaración pequeña y piadosa (mayúsculas) sobre nuestra sociedad (mayúsculas), que está enferma (mayúsculas). Es bonito, pero en minúsculas.

Algo similar señaló en el Chicago Reader , Dave Kehr al decir que "La película puede ser una reliquia ahora, pero es un recuerdo fascinante, particularmente en su narcisismo y fatalismo, de cómo el movimiento hippie se veía a sí mismo". En 1998, Easy Rider fue agregado al National Film Registry de los Estados Unidos , habiendo sido considerado "cultural, histórica o estéticamente significativo". Steven Schneider la incluye en su listado de "1001 películas que hay que ver antes de morir".

El gran crítico de la prensa de Illinois, Roger Ebert agregó Easy Rider a su lista de "Grandes Películas" en 2004 y diciendo de ella que "Hoy juega más como una pieza de época que como un cine en vivo, pero capta con tanta seguridad el tono y la apariencia de ese momento en el tiempo. Renee Schonfeld dijo de ella que era " Icónica película de viaje de 1969 con violencia, drogas, sexo".

El éxito de la película, y la nueva era de Hollywood a la que contribuyó, dieron a Hopper la oportunidad de dirigir nuevamente con un control artístico completo. El resultado fue The Last Movie , de 1971 , que fue una taquilla notable pero maltratada por la critica, terminando así la carrera de Hopper como director durante más de una década.

Indomable con muchos huevos

Hay imágenes en el cine que son imborrables. Hay escenas de esta película que acabo de ver que viven permanentes en mi memoria desde la primera que la vi. Y han sido varias las ocasiones de ello. Cómo olvidar el atracón de huevos que se da el protagonista para ganar una apuesta; cómo olvidar la manera de lavar un coche; o cómo olvidar la sonrisa de un ganador. Es el tono optimista y la sonrisa lo que prevalece en esta brutal , por momentos, película. Lo que comienza y, por momentos, aparente ir en tono de comedia no deja de ser un drama bestial. Eso sí, nunca de ser luminoso. Como la sonrisa de su protagonista que son duda es la que se mantiene incólume en esta imborrable leyenda del indomable.

La película tenía como título original Cool Hand Luke, pero en España se conoció como La leyenda del indomable.

Se trata de una película dramática estadounidense de 1967 dirigida por Stuart Rosenberg, que contó con la producción de Gordon Carroll por medio de la productora Jalem Productions , aunque la encargada de la distribución fue una de las "majors", la Warner Brothers junto a Seven Arts Pictures . La película contó con un presupuesto de 3,2 millones de dólares que se recuperó con creces al multiplicarse por cinco los ingresos en taquilla que alcanzaron los $ 16,217,773 de dólares.

La película está basada en la novela homónima de 1965 escrita por Donn Pearce aunque fue transformada en guión por  el mismo Donn Pearce y Frank Pierson.

La película contó con la música de Lalo Schifrin , la luminosa fotografía de Conrad Hall y el montaje de Sam O'Steen.

El protagonista absoluto de la misma es Paul Newman como Lucas "Luke" Jackson , aunque se acompaña igualmente de George Kennedy como Dragaline y de Strother Martin como el capitán. Junto a estos aparecen  Jo Van Fleet como la madre de Luke, Arletta Joy Harmon como la chica (Lucille) , Morgan Woodward como Boss , Godfrey Lucas que hace el papel de jefe Paul,  Robert Donner como Boss Shorty,  Clifton James como Carr,  John McLiam como Boss Keen , Andre Trottier como Boss Popler , Charles Tyner como el jefe Higgins,  JD Cannon como Red Soiety, Lou Antonio como Koko,  Robert Drivas como Loudmouth,  Steve Marc Cavell como Rabbitt , Richard Davalos como Blind Dick , Warren Finnerty como Tatoo,  Dennis Hopper como Babalugats,  Wayne Rogers como el jugador Harry , Dean Stanton como vagabundo,  Ralph Waite como Alibi , Anthony Zerbe como Dog Boy , Buck Kartalian como dinamita Joe y Don Baker como fijador .

Un veterano de guerra condecorado Lucas "Luke" Jackson ( Paul Newman ), es arrestado por cortar las "cabezas" de los parquímetros en una noche de borrachera.

Tras esto es condenado a dos años de prisión y enviado a una cárcel de la Florida , administrada por un severo guardián, el capitán Strother Martin para el que trabajan una serie de guardianes, entre ellos un vigilante que siempre lleva gafas de sol reflejadas de nombre  Boss Godfrey (Morgan Woodward)..

Otro trabajador del penal, Carr ( Clifton James ), les comenta a los prisioneros recién llegados entre los que se encuentra Luke, las reglas. Cualquier violación que resulte en pasar la noche en "la caja", una pequeña habitación cuadrada con aire limitado y muy poco espacio para moverse.

Luke se niega a observar el orden jerárquico establecido entre los prisioneros y rápidamente se enfrenta al líder de los prisioneros, Dragline ( George Kennedy ).

Cuando los dos tienen un combate de boxeo, los prisioneros y guardias miran con interés. Aunque Luke es severamente superado por su oponente , un hombre más corpulento, se niega a admitir su derrota, levantándose una y mil veces.

En un momento dado, Dragline se niega a continuar la lucha. La tenacidad de Luke hace que se gane el respeto de los prisioneros y llama la atención de los guardias.

Más tarde, Luke gana un juego de póquer por un farol con una mano que no vale nada. Luke comenta que "a veces, nada puede ser como una verdadera mano fría", lo que llevó a Dragline a apodarlo "Cool Hand Luke".

Luke formará parte de una cadena de presos que se encuentran pavimentando la carretera. Lo hacen de sol a sol, desbrozando los márgenes de la misma observando cuidadosamente lo que ocurre a  su alrededor.

Después de una visita de su madre enferma, Arletta ( Jo Van Fleet ), Luke se vuelve más optimista sobre su situación. Se enfrenta continuamente al capitán y  a los guardias, y su sentido del humor e independencia resultan ser contagiosos e inspiradores para los demás prisioneros.

La lucha de Luke por el bien común culmina cuando lidera un equipo de trabajo en un esfuerzo aparentemente imposible pero exitoso para completar un trabajo de pavimentación en menos de un día.

Los otros prisioneros comienzan a idolatrarle después de que él gane  una apuesta sobre sí es capaz de comerse cincuenta huevos duros en una hora.

Un día, Luke coge una serpiente de cascabel de la zanja cubierta de hierba y la sostiene para que el jefe Godfrey dispare con su rifle. Luke lanza la serpiente al jefe como una broma, antes de que le dé su bastón.

Dragline aconseja a Luke que tenga más cuidado con sus acciones relacionadas con el "hombre sin ojos". Una tormenta hace que todos terminen prematuramente su trabajo.

Antes de unirse a los otros prisioneros en el camión, Luke grita a Dios, probándolo. Esa misma noche, Luke recibe una carta en la que se le anuncia que su madre ha muerto. Luke responde a la noticia cantando con un banjo "Jesus Plastic".

Después de noticias de la muerte de su madre llega a Luke, el capitán, anticipando que Luke podría intentar escapar para asistir al funeral de su madre, lo  encierra en la caja del castigo de la prisión.

Después de ser liberado de la caja, recibiendo la noticia de que el entierro de su madre ya ha tenido lugar  y le dice que se olvide de ella.

Sin embargo, Luke está decidido a escapar. Aprovechando la celebración del cuarto de julio, él hace su intento de escape inicial. Es detenido  más tarde por la policía local y regresando junto a la cadena de presos, pero no antes de que uno de los sabuesos enviados después de él muera debido a la tensión causada por la lucha a través de alambradas de alambre de púas.

Después de su captura y regreso, el capitán obliga a Lukea llevar unas argollas de  hierro en los pies y ofrece un discurso de advertencia a los demás presos, explicando: "Lo que tenemos aquí es el fracaso de la comunicación".

Poco tiempo después, Luke escapa de nuevo usando una cuerda para sacudir un arbusto y distraer a los guardias, visitando una casa cercana donde pide ayuda a unos chicos de color y con un hacha se quita los grilletes. Para mantener a los perros alejados e impedir que puedan seguir su olor, extiende polvo de curry y polvo de chile en el suelo para desorientarles anulándoles el sentido del mismo por sus   estornudos o sobrecargándoles de olores.

Mientras está libre, Luke envía a Dragline una revista que incluye una fotografía de él con dos hermosas mujeres.

Pronto es detenido, golpeado y enviado  al campo de prisioneros , equipado ahora con dos juegos de planchas de hierro  para las piernas.

Luke es advertido por el capitán que si alguna vez intenta escapar de nuevo, será asesinado en el acto. Luke ahora está molesto por los otros presos que adulan y envidian por la foto de la revista y revela que es una falsificación.

Al principio, los demás presos están enojados, pero después de una larga estancia en la caja, cuando Lucas se ve obligado a comer una gran porción de arroz, vienen a ayudarlo.

Como castigo por su fuga, se ve obligado a cavar repetidamente un agujero de tamaño grave en el patio del campamento, llenarlo de nuevo y luego ser golpeado. Los prisioneros observan su persecución, cantando espirituales.

Finalmente, mientras los otros presos miran desde las ventanas de la choza, un Luke exhausto ya  se derrumba en el agujero, suplicando a Dios por su misericordia y pidiendo a sus carceleros que no lo golpeen de nuevo. Creyendo que Luke finalmente está derrotado, el Capitán detiene el castigo.

El jefe Paul advierte a Lucas que lo matará si alguna vez huye otra vez, lo que Luke promete llorando y diciendo que no lo volverá a hacer.

Los prisioneros comienzan a perder en ese momento la imagen idealizada de Luke, incluso uno de ellos rompe la fotografía de Luke con las dos mujeres.

Vemos a Luke aparenta ahora ser un servil y ante los demás es un juguete roto. De nuevo está trabajando en la cuerda de presos. Luke deja de trabajar para dar agua a un prisionero.

Es observado por unos presos decepcionados, que ven con horror como se dirige a uno de los camiones para llevarle el rifle al "Boss" Godfrey.

Después de que el jefe Godfrey dispare una tortuga rompiendo, Luke  recupera escopeta y felicitado al jefe por su tiro. Tras esto a Luke se le ordena llevar la tortuga al camión y cuando llega al mismo roba el camión  así como las llaves de los otros camiones.

En la emoción del momento, Dragline salta al camión y se une a Luke en su escapada.  Más tarde, después de abandonar el camión, Luke le dice a Dragline que deben separarse. Dragline le dice que está de acuerdo y se va.

Luke entra en una iglesia, donde habla con Dios y le culpa por sabotearlo impidiendo que no pueda ganar nada en la vida.

Momentos más tarde, los coches de la policía llegan. Dragline entra y le dice a Luke que la policía y los jefes han prometido no herirle si se rinde pacíficamente. Pero Luke, sintiendo que su vida ya no vale la pena vivir, se acerca a una ventana frente a la policía y se burla del capitán repitiendo la primera parte de su discurso ("Lo que tenemos aquí es un fracaso de nuestra  comunicación").

De inmediato recibe un disparo  en el cuello por parte del jefe Godfrey. Dragline lo auxilia y lleva a Luke fuera del templo, luego se lanza contra  Boss Godfrey y trata de estrangularlo hasta que es golpeado y sometido por los otros guardias.

Colmado de lágrimas, Dragline implora a Luke  que luche por su vida. La policía local quiere llevar a Luke a un hospital cercano, pero el capitán les dice que lo lleven al hospital de la prisión . Deebe cubrir una distancia lo suficientemente larga como para que sus posibilidades de supervivencia de Luke sean escasas.

Cuando el coche del capitán se aleja, aplasta las gafas de Boss Godfrey que han caida tras su enfrentamiento con Dragline.

Después de la muerte implícita de Luke, Dragline y los otros prisioneros lo recuerdan a su compañero "el indomable Luke".

En la escena final, el equipo de la prisión se ve trabajando cerca de una intersección rural cerca del lugar  donde Luke fue alcanzado por los disparos. Dragline ahora está usando las cadenas entre las pierna, y hay un nuevo jefe en el equipo policial.

Cuando la cámara se aleja,una fotografía, la  rasgada en la que Luke sonriendo con las dos mujeres se superpone a la vista de un ojo de pájaro de la cruce de carretera en forma de cruz. Luke queda en la memoria como el ídolo del resto de los presidiarios. El hombre que logró  escapar cuantas veces quiso.

La película, ambientada en la década de 1950, se basa en la novela de 1963 de Donn Pearce del mismo nombre . Pearce, un marinero mercante que más tarde se convirtió en un falsificador escribió la novela Cool Hand Luke , sobre sus experiencias trabajando en una cuerda de presos mientras servía en una prisión de Florida. Pearce vendió la historia a la Warner Bros. por 80.000 dólares, que luego lo contrató para escribir el guión recibiendo por ello otros 15.000 dólares.

Debido a la falta de experiencia cinematográfica de Pearce, el estudio agregó a Frank Pierson para reelaborar el guión.

Después de trabajar en televisión durante más de una década, Rosenberg lo eligió para hacer su debut como director en el cine. Llevó la idea a Jalem Productions, propiedad de Jack Lemmon. Ya con la producción en el guión aparece la autoría de Pearce y Frank Pierson. Conrad Hall fue contratado como director de fotografía,   mientras que el hermano de Paul Newman, Arthur, fue contratado como director de producción de la unidad.

La biografía de Newman, Marie Edelman Borden, afirma que el guión "duro, honesto" permitió tirar de su experiencia como actor .

Por su parte, el director Stuart Rosenberg alteró el final original en el guión, agregando "un optimista final que volvería a representar el protagonista (y Paul Newman) una marca propia de la casa, su sonrisa "

Mientras que el guión estaba siendo desarrollado, para el papel principal fue considerado inicialmente para Jack Lemmon o Telly Savalas . Newman pidió desempeñar el papel principal después de oír hablar del proyecto. Con el fin de desarrollar su carácter, viajó a Virginia Occidental, donde grabó acentos locales e investigó el comportamiento de la gente.

George Kennedy como Dragline, preocupado por su nominación, y por el éxito de taquilla de Camelot y Bonnie y Clyde , Kennedy invirtió US $ 5.000 en publicidad comercial para promocionarse. Kennedy declaró más tarde que gracias al premio su salario fue "multiplicado por diez ", agregando también que "la parte más feliz fue que ya no tenía que hacer siempre de  villanos".

Strother Martin , conocido por sus apariciones en westerns, fue contratado como el Capitán, un guardián de la prisión que es descrito como un líder cruel e insensible, que castiga  severamente a Luke por sus fugas.

El papel de la madre agonizante de Luke, Arletta, que lo visita en prisión, fue para  Jo Van Fleet después de que fuera rechazado por Bette Davis .

Morgan Woodward fue elegido como jefe Godfrey, un oficial lacónico, cruel y sin remordimientos que Woodward describió como cercano a "Mephistopheles ". Es apodado  "el hombre sin ojos" por los internos para sus gafas de sol reflejadas.

La rubia explosiva  Joy Harmon fue contratada  para la escena donde ella se burla a los prisioneros mientras lava su coche después de que su gerente, Leon Lance, se puso en contacto con los productores. Ella audicionó delante de Rosenberg y Newman llevando un bikini, sin hablar. Joy Harmon llegó al lugar, permaneció dos días en su habitación de hotel, y no fue vista por el resto del reparto hasta que comenzó el rodaje. Rosenberg instruyó a un inconsciente Harmon de los diferentes movimientos y expresiones que quería.   Originalmente planeado para ser rodado en medio día, la escena de Harmon tomó tres días. Para la parte de la escena con la cadena de presos, Rosenberg la sustituyó por una animadora adolescente.

La filmación tuvo lugar en el delta del río San Joaquín , y el conjunto, imitando una granja carcelaria del sur, fue construido en Stockton , California. Los cineastas enviaron un equipo a la Tavares Road Prison en Tavares , en Florida, para tomar fotografías y medidas. Las estructuras que fueron construidas en Stockton incluyeron cuarteles, un pasillo , los cuartos del guarda, una choza  y perreras .  La construcción pronto atrajo la atención de un inspector de construcción del condado que lo confundió con la vivienda de los trabajadores migratorios y ordenó que fuera "condenados por violaciones del código".

La escena de apertura donde Newman corta los parquímetros fue filmada en Lodi, California .  Mientras tanto, la escena en la que Luke es perseguido por sabuesos y otros exteriores fueron rodados en Jacksonville, Florida , en la prisión de Callahan Road.

Después de su lanzamiento, Cool Hand Luke recibió críticas favorables y se convirtió en un éxito de taquilla.

La película cimentó el estatus de Newman como uno de los principales actores de la taquilla de la época, mientras que la película fue descrita como la "piedra de toque de una era".

Para el crítico de Illinois Rogert Ebert se trata de  una película anti-establishment  filmada durante el tiempo de la Guerra de Vietnam , en la que el personaje de Newman soporta el "castigo físico, la crueldad psicológica, la desesperanza a partes iguales de sadismo y masoquismo". Su influencia sobre sus compañeros de prisión y la tortura que soporta se compara con la de Jesús , y el simbolismo cristiano se utiliza a lo largo de la película, culminando en una fotografía superpuesta a la encrucijada al final de la película en comparación con la crucifixión .

La película fue candidata a cuatro Premios Óscar: al mejor actor (Paul Newman, quien perdió contra Rod Steiger por In the Heat of the Night), al mejor actor de reparto (George Kennedy, en el papel que lo hizo famoso), al mejor guion adaptado (Donn Pearce y Frank R. Pierson) y a la mejor música original (Lalo Schifrin).

Por su trabajo en el film, Kennedy resultó ganador del Oscar al mejor actor secundario y del Premio Golden Laurel 1968 al Mejor actor.

La película Cool Hand Luke fue archivada en el Registro Nacional de Filmes (National Film Registry) de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, uno de los méritos más importantes que puede lograr una cinta en este país en 2005, considerando que era "cultural, histórica o estéticamente significativa".

Tiene una calificación del 100% en el sitio web del agregador de la revisión Rotten Tomatoes . La cita utilizada por el director de la prisión en la película, que comienza con " Lo que tenemos aquí es el fracaso en la comunicación ", figura en el número 11 de la lista de las 100 películas más memorables del American Film Institute .

La película tiene varios momentos memorables, como la "escena del alquitrán" musicalizada con la famosa música del compositor argentino Lalo Schifrin, usada frecuentemente como tema de apertura de noticieros en algunos sitios.

Otro de los momentos más recordados del film es cuando el personaje de Luke apuesta que es capaz de comerse 50 huevos duros, una de las escenas por las que la película pasará a la historia.

Otro elemento famoso del film fue la presencia del "personaje sexy" realizado por la actriz Joy Harmon, quien interpreta a una rubia que se dedica a caldear los ánimos de los presidiarios durante sus trabajos forzados al aire libre, mediante el uso de manguera y jabón para limpiar un coche; imágenes que inspirarían infinidad de anuncios de televisión, videoclips, parodias y homenajes en otras películas, además de ser consideradas como uno de los momentos más tórridos del cine.

Estamos, sin ninguna duda, ante la película más famosa de toda la filmografía de Stuart Rosenberg, fallecido el pasado marzo, un director proveniente del mundo televisivo. Rosenberg volvería años más tarde sobre la misma temática carcelaria con Robert Redford en este caso,  'Brubaker'.

'La Leyenda del Indomable' fue su primera experiencia en solitario en el campo del cine, y en ella se nota su procedencia, sobre todo en lo que se refiere a la puesta en escena. A pesar de que el director utiliza el formato scope, no puede evitar el recurrir a cierta resoluciones visuales muy típicas del mundo televisivo, como zooms o planos medios poco descriptivos.

Destaca en la película la extraordinaria fotografía del gran Conrad L. Hall, ganador de dos oscars y nominado en nueve ocasiones, responsable de la fotografía de cuarenta películas a lo largo de sus cincuenta años de carrera, fallecido en 2003 a los 73 años, y considerado como uno de los mejores directores de fotografía de la historia. Gracias a su espectacular trabajo el espectador es capaz de sentir el calor asfixiante del verano que sienten los personajes en la película. Probablemente esto alcanza su máximo exponente en la calenturienta secuencia en la que los presos realizando trabajos de limpieza en una carretera, observan a la chica, ligerita de ropa, limpia un coche, moviéndose con la esponja y el jabón. Hall ganó el Oscar en 1969 por su trabajo en Butch Cassidy and the Sundance Kid, y en 1999 por American Beauty. La última película en la que intervino Hall fue Road to perdition (Camino de perdición), rodada el año pasado, protagonizada por Paul Newman y Tom Hanks. Recibió un premio de la American Society of Cinematography, en 1994, y el diploma, en 1988, por su trabajo en Tequila Sunrise. Nacido en Tahití, Conrad L. Hall era hijo de James Norman Hall, coautor de novelas tan conocidas como El motín del Bounty y El huracán, y a su vez, era padre de Conrad W. Hall, que ha seguido los pasos de su progenitor y recientemente ha participado como director de fotografía en la película Panic Room.

Decía antes que este film se había con vertido en un film icónico de la imagen de Paul Newman. La película habla de la rebeldía, de la lucha contra la injusticia, y sobre todo, de la libertad

Hay algunos elementos inexplicables como el porqué de la rebeldía del personaje central, y luego de su relación con los guardias que aparece de manera superficial o la razón de la apuesta por comerse los 50 huevos cocidos

A destacar la actuación de Newman y de George Kennedy,  así como la aparición como secundarios de Dennis Hopper y Harry Dean Stanton, acompañados de Strother Martin, Anthony Zerbe y Jo Van Fleet.

La música original fue nominada al Premio de la Academia  compuesta por Lalo Schifrin , quien creó temas con un fondo en música popular y jazz. Se ella se incluyen guitarras, banjos y armónicas, pero también en trompetas, violines, flautas y piano.  Una versión editada de la señal musical de la Secuencia de Alquitrán (donde los internos están enérgicamente pavimentando el camino) se ha utilizado durante años como el tema musical de los programas de noticias de las estaciones de televisión locales en todo el mundo, principalmente los poseídos y operados por ABC en el Estados Unidos. Aunque la música fue escrita para la película, se hizo más familiar por su asociación con noticias de la televisión, en parte porque su melodía staccato se asemeja al sonido de un telégrafo., es el llamado Tar Sequence.

En cuanto a los temas que subyacen en la película debemos resaltan algunos que fueron incluidos conscientemente por el guionista y autor de la obra de referencia, Frank Pierson que incluyó en su proyecto un  simbolismo religioso explícito. Entre el mismo está el tomar como referencia a Lukes como  un Santo que gana sobre las multitudes y que finalmente sacrificado. Es retratado como una "figura redentora de Jesús".  Después de ganar la apuesta de comer huevos, Lucas se extiende sobre la mesa en la posición de Jesús como se muestra en su crucifixión . Después de enterarse de la muerte de su madre, Lucas canta "Plastic Jesús ".

Greg Garrett también compara a Luke con Jesús por el carácter de su castigo   "desproporcionado". Luke desafía a Dios durante la lluvia en el camino, diciéndole que le haga algo. Más tarde, mientras él está cavando y llenando las trincheras y enfrentado por los guardias, un preso realiza el espiritual " Ninguna tumba va a mantener mi cuerpo abajo ".  Hacia el final de la película, Luke habla a Dios, evocando la conversación entre Dios y Jesús en el Jardín de Getsemaní , representado en el Evangelio de Lucas . Después de la charla de Luke, la película representa a Dragline como un Judas , quien entrega a Luke a las autoridades, tratando de convencerlo de rendirse.  En la escena final, Dragline elogia a Luke. Explica que a pesar de la muerte de Luke, sus acciones lograran derrotar al sistema.  El tiro de cierre muestra reclusos trabajando en encrucijada con la foto reparada de Luke y las dos mujeres superpuestas.

Diferentes señales de tráfico se utilizan a lo largo de la película, complementando las acciones de los personajes durante las escenas. Al principio, mientras Luke corta las cabezas de los parquímetros, aparece la palabra "Violación". S Los semáforos pasan de verde a rojo en el fondo cuando Luke es arrestado, mientras que al final, cuando está fatalmente herido, una luz verde en el fondo se vuelve roja.  También, otro tema en la película es el  "Fracaso en la  comunicación" o el tema del encarcelamiento.

Cool Hand Luke se estrenó el 1 de noviembre de 1967 en  la ciudad de Nueva York. Las ganancias del estreno fueron para organizaciones benéficas. La película se convirtió en un éxito de taquilla, recuadando más de US $ 16,217,773 en proyecciones en Estados Unidos.

Kennedy ganó el Premio de la Academia al Mejor Actor de Reparto , mientras que Paul Newman fue nominado para el Premio de la Academia al Mejor Actor , a su vez Pearce y Pierson fueron nominados para el Premio de la Academia al Mejor Guión Adaptado y Schiffrin fue nominado para el Premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora Original .

Tuvo , además, dos nominaciones a los Globos de Oro tanto al mejor actor dramático en la persona de Paul Newman como al mejor y actor secundario en George Kennedy. El Sindicato de Directores (DGA) nominó a Rosenberg al mejor director

Rosenberg fue nominado al mejor director por el Gremio de Escritores de América y Conrad Hall fue nominado a la mejor cinematografía por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine .

En cuanto a la crítica  Variety describió el trabajo de Newman como "excelente", señalando que el elenco de apoyo es "versátil y competente".

El New York Times elogió la película, señalando que el "guión agudo" de Pearce y Pierson, "la escenificación y la dirección" despiadadamente realistas y plausibles "de Rosenberg y la" espléndida "actuación de Newman así como su elenco".

Rotten Tomatoes le da a la película una calificación de aprobación 100% "Certified Fresh" basada en 45 revisiones, con un promedio de 8,8 sobre 10.

La revista Empire consideró que la película una de las mejores actuaciones de Newman, mientras que  Slant describió el papel de Newman como "icónico", alabando también su cinematografía y su sonido.

Allmovie elogió el funcionamiento de Newman como "uno de los héroes anti-autoritarios más indelibles en historia de la película."

Para el crítico del Chicago Sun Times "La sonrisa de Paul Newman, la razón por la que la película funciona . Ebert incluyó la película en su colección de crítica The Great Movies , calificándola como cuatro estrellas de cuatro.  Ebert declaró que era una película "grande" y también una crítica contra la guerra de Vietnam. Él creyó que la película era un producto de su tiempo y que ninguna compañía importante de la película estaría interesada en producir una película de tal "castigo físico, crueldad psicológica, desesperación y partes iguales del sadismo y del masoquismo" hoy. Elogió la fotografía capturando el "calor castigador" de la ubicación, y declaró que "la presencia física de Paul Newman es la razón por la que esta película funciona: La sonrisa, los ojos azules inocentes, la falta de pavoneo", que ningún otro actor podría haber producido con la misma eficacia.

Contrariamente al consenso general, el biógrafo de Newman Lawrence J. Quirk pensó que era una de las interpretaciones más débiles de Newman, afirmando: "Por una vez, incluso el famoso carisma de Newman le falla, porque en Cool Hand Luke carece completamente del encanto ...".

Algunos autores han criticado la representación de la película de la vida de la prisión como un artículo escrito en la revista Life que describía que era una "Belleza pura en el lugar equivocado", , al tiempo que elogiaba la fotografía de la película, criticó la influencia de los estilos visuales en las representaciones del campo de prisioneros. La revista declaró que los paisajes lo convirtieron en "un campamento de descanso (en el que) los hombres están recibiendo un montón de sueños, comida y saludable ejercicio al aire libre", que a pesar de la presencia de los guardias mostró que había "peores formas de pagar la deuda Con la sociedad ".  Ron Clooney también comentó que las cárceles "no eran hoteles y ciertamente no son cosas como la de Cool Hand Luke ".

En España Luis Martínez en el diario El País afirma que "A un lado, la merendola de huevos (memorable). El cine carcelario tiene aquí un arrebatado, hiriente y muy divertido (todo en uno) clásico. Kennedy (no sólo Newman) enamora".

En 2006, el personaje de Newman, Luke,  se ubicó en el puesto 53 en la revista Empire , "The 100 Greatest Movie Characters". Lo cierto es que la película consolidó el estado de Newman como estrella de la taquilla, mientras que la película se considera una referencia de su tiempo.

Como ya hemos dicho en 2005, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos consideró que la película era "cultural, histórica o estéticamente significativa" y la seleccionó para su conservación en el Registro Nacional de Cine .

En definitiva una película muy buena, perfecto ejemplo de lo que es un film mítico, aunque no sea del todo perfecto. Al menos, hay que reconocer que había que echarle muchos huevos para hacerla en su época.