Once upon a time in Little Italy

Erase una vez en Little Italy. Estuve en Nueva York en el verano de 2015 y no tenía duda sobre uno de los sitios que estaba interesado ir. Realmente eran dos , pero estaban uno junto a otro. Ese sitio era Little Italy en Manhattan con , las que esperaba yo, sus concurridas calles de Elizabeth, Mott y Mulberry llenas de italoamericanos. Pero no . Hoy ese barrio , aparte de restaurantes y pizzerias, construido en ladrillo rojo ha ido menguando en el sentido étnico siendo sustituido por población de origen asiático que ha transformado parte de Little Italy en lo que hoy es una parte más de Chinatown, que desemboca en los míticos Five Points. 

No , no vi tipos humano parecidos a John Gotti, ni a otros muchos italianos como los Badalamenti, Persico, Lorandini ni a los grandes de otros clanes como los Bonanno, Gambino, Colombo, Genovese o Lucchese o Profaci , herederos del modelo creado por Lucky Luciano ; salvo camareros que me ofertaban su menú en la calle Mulberry entre Broome y Canal. Tampoco grandes negocios o detalles , salvo algún letrero que te daba la bienvenida a Little Italy no había ni referencias a nada de la cultura italiana, salvo la gastronómica y , menos aún, a la religiosa como esa mítica "Fiesta de San Genaro" que tiene lugar en el mes de septiembre a lo largo de la calle Mulberry entre las calles Houston y Canal y que aparece en algún momento de la película de Martin Scorsese que acabo de ver, Malas Calles o Mean Street.

Dicen que Scorsese y De Niro vivieron su infancia y adolescencia a cuatro calles de distancia, y que realmente no se conocían, a pesar de vivir ambos en aquel Little Italy. Sería Brian De Palma quien les presentó años después. Pero ellos estaban seguros de haberse visto muchas veces por la calle. Pero mientras De Niro era de la banda callejera de Broome Street, Scorsese lo era de la de Prince Street. Eso implicaría que nunca hubieran podido ser amigos. Así eran esas Malas Calles en las que paseaban junto a la gente normal, la mayoría, también aprendices de mafioso, chicos que anhelaban el poder a cualquier precio. Por medio de la violencia, aunque en sus valores pudieran estar igualmente presentes la culpa y la redención. Fue el inicio de una relación de amistad que aún existe, y de una actividad profesional que se ha extendido a lo largo de , al menos, ocho largometrajes juntos.

Pero no fue la primera película de Martin Scorsese, aunque sí la primera en la que hace un trabajo al que añade su sello personal y su estilo propio.

La carrera oficial de Martin Scorsese comienza con el largometraje ‘Who’s That Knocking at my Door?’ ( 1967), una película que recibido algunos premios y alabanzas de la crítica, pero que no fue a más ni siquiera un pequeño trampolín para nada.

La segunda película del italoamericano fue ‘Boxcar Bertha’ ( 1972),una película de encargo concedida al director por otro mítico director, Roger Corman.

La tercera se iba a llamar inicialmente ‘Season of the Witch’, pero terminó convirtiéndose en ‘Mean Streets’. Es posible que gracias a su amigo el guionista Jay Cocks (responsable de algunas de las historias de Scorsese sobre Nueva York como ‘The Age of Innocence’ o ‘Gangs of New York’). La idea del nombre de Malas calles proviene de una frase del mismísimo Raymond Chandler: “Down these mean streets a man must go”.

Con ‘Malas calles’ Scorsese comenzó a ser Scorsese y lo hizo hablando y mostrando lo que mejor conocía: Little Italy insertando en ellos a personajes que en el fondo el había conocido de primera mano.

En este caso Scorsese pudo hacer lo que quiso y conocía gracias en parte por ser el propio productor de su película junto a Jonathan T. Taplin por medio de las productoras Taplin – Perry – Scorsese Productions y con el apoyo en la distribución de la Warner Bros. La película se hizo con un presupuesto aproximado de $500.000.

El guión partía de una Historia de Martin Scorsese trasformada en guión por el mismo Martin Scorsese y Mardik Martin. La película estuvo fotografía por Kent Wakeford y cuenta con el montaje de Sidney Levin y la aportación musical de Eric Clapton, Bert Holland , Mick Jagger , Keith Richards y Charlie Watts. Como narrador del mismo en la versión en inglés es el mismo Martin Scorsese.

El reparto lo integran unos jóvencísimos Robert De Niro como Johnny Boy, Harvey Keitel como Charlie y David Proval como Tony DeVienazo. Junto a ellos aparece Amy Robinson como Teresa Ronchelli, Richard Romanus como Michael Longo, Cesare Danova como Giovanni Cappa, Victor Argo como Mario y George Memmoli como Joey Scala . Aparece igualmente en papeles muy breves el mismo Martin Scorsese como Shorty o Jimmy Shorts, así como David Carradine como un borracho al que asesinara su hermano en la vida real, Robert Carradine como el pistolero que asesina al borracho.

La película se enmarca en el Nueva York del año 1972. El protagonista es Charlie (Harvey Keitel)  un joven italoamericano de 27 años que trata de ascender en la mafia de Nueva York. Charlie trabaja para su tío Giovanni, un poderoso capo que actúa como prestamista y conseguidor político, principalmente cobrando deudas.

Charlie, (Harvey Keitel) un mafioso italoamericano de las calles de Nueva York, pero con principios morales que lo llevan regularmente a la Iglesia y que se muestra como un chico conciliar , amable y encantador , intenta ayudar a su inestable e irresponsable amigo, Johnny Boy, (Robert De Niro), un jugador de poca monta que le debe dinero a muchos prestamistas con el fin de que pague sus deudas pendientes a los múltiples acreedores a los que les debe. Entre los deudores está un amigo común, Michael Longo ( Richard Romanus ) .

Todos se reúnen en el bar de oro amigo, el Bar de Tony DeVienazo, (David Proval) Charlie y Johnny Boy discuten el hecho de que éste último, aún no le ha pagado al prestamista Michael Longo (Richard Romanus). 

Charlie está dividido entre su devoto catolicismo y su trabajo ilícito para su tío. Pero , entre sus amigos, Johnny es el que más problemas le da, ya que cada vez más se va haciendo más autodestructivo e irrespetuoso con sus acreedores. Al no recibir la redención en la iglesia, Charlie la busca sacrificándose en nombre de Johnny.

Cuando Michael llega al lugar, encontrándose así con Charlie, John y Tony unos y otro llegan al consenso de saldar la cuenta a la semana siguiente. Sin falta.

Charlie se pasa la mayor parte del tiempo trabajando como cobrador para su tío Giovanni Cappa (Cesare Danova), un mafioso de alto rango que lo ayuda a escalar en el negocio y que le tiene dicha una máxima: "los hombres honorables van con hombres honorables".

También gusta de la compañía de sus amigos y de estafar a "pringaos" que se pasan por Little Italy y quieren comprarles drogas. Con ese dinero en ocasiones van al cine, una de las actividades preferidas de ese grupo de italoamericanos.

En paralelo, Charlie , además de proteger a su inestable e imprudente amigo Johnny boy, al que conocemos poniendo un artefacto en un contenedor de basura en una esquina del barrio, mantiene un historia de amor secreto con la prima de su amigo Johnny, Teresa Ronchelli (Amy Robinson). Charlie se preocupa tanto por su imprudente amigo del que se ha hecho responsable , pero además hace todo lo posible para que nadie conozca esa relación. Es más, Teresa comenta que se va a ir a vivir sola a otro barrio y le pide a Charlie que se marcha con él, aunque el joven mafioso es remiso a ello. 

Mientras tanto, Michael habla en repetidas ocasiones con Charlie para advertirle de que John no ha cumplido con lo pactado. Y exige que se le devuelvan , en principio, 2.000 $ . Por su parte, Charlie intenta convencerlo para darle un ultimátum a su amigo; después de la charla, ambos se van al bar de Tony para esperar a Johnny.

Johnny no llega al encuentro, por lo que Michael amenaza a Charlie con matar a su amigo. Ese día en el local, los amigos están celebrando la vuelta desde Vietnam de un chico del barrio cuando Michael se marcha dolido con Charlie por ello. El de Vietnam monta un "pollo" tremendo tras haber bebido al querer violar a una chica pensando que sigue en el país asiático.

Al poco rato, Teresa, llega para avisar a Charlie que su primo está disparando un arma desde lo alto de un edificio. Charlie logra convencer a John para que baje de la azotea, deje de disparar contra el Empire State y de saldar la cuenta con Michael en el bar de Tony al día siguiente.

Charlie, al que vemos de vez en cuando en locales de striptease pues tiene fijación por una chica de color que baila en el local y que quiere llevarla cuando él monte su propio negocio, pues sabe que su tío le va a conseguir uno que tiene deudas múltiples con éste. dado que uno de los socios no aparece por el mismo. El protagonista también es relativamente asiduo a la iglesia del barrio donde busca consuelo en los rezos privados, sin confesión.

Un día su tío Giovanni lo convoca a una cena en el local que en un futuro próximo debe ser suyo y le recomienda dos cosas: primero , que se aleje de Johnny Boy, pues sólo da problemas con sus locuras ( deudas con todo el barrio, disparos en la noche,...) y , en segundo lugar, con el resto de su familia, especialmente con Teresa pues tiene ataques epilépticos algo por lo que está condenada al ostracismo debido a enfermedad, muy grave para el tío de Charlie.

Johnny descubre la relación entre Teresa y Charlie, causando que éste último, tema que, a causa de ello, se estropeen los planes con su tío. Tras una breve discusión en las escaleras en la que Teresa sufre un ataque epiléptico que es atendido por una vecina ("Mamma" Scorsese) Charlie sale tras su amigo y logra persuadir a Johnny para terminar con el asunto de la deuda con Michael.

Al bar de Tony, llegan Johnny junto a Charlie. Aunque Johnny tiene sólo 20 $ de los muchos que debe se acerca a Michael y le dice que jamás le pagará ni un solo centavo, pues el nunca paga sus deudas ya que el que le presta dinero a él sabe que nunca lo hace y es un gilipollas; Michael lo ataca . Se abalanza sobre Johnny, pero este responde sacando un arma y amenaza con matarlo.

Michael, humillado tras ser insultado, después de un tenso enfrentamiento, se marcha del local. Por su parte, Charlie decide llevarse a John de la ciudad por unos días, para evitar las represalias contra él. Tras convencerlo , Teresa insiste en ir con ellos.

Charlie toma prestado un auto y se van, dejando el vecindario sin incidentes deciden abandonar la ciudad . Sin rumbo definido, Charlie, Johnny y Teresa pretenden tomar la salida de la ciudad cuando se le acerca otro coche que guiado por Michael y con uno de sus sicarios en el asiento trasero, Shorty o Jimmy Short ( Martin Scorsese) que , de inmediato comienza a disparar al coche de Charlie.

Tras alcanzar en el cuello a Johnny Boy , así como a Charlie que recibe un disparo en la mano. El coche que conduce Charlie se sale de la carretera y choca contra un inmueble.

Finalmente, Charlie,es rescatados por una ambulancia, mientras Johnny se desangra en mitad de la calle quedando Teresa malherida en el interior del vehículo acabando así la película. Este fue el primer largometraje de Scorsese con su propio diseño.

El director John Cassavetes le dijo después de completar su película anterior realizada para Corman con el título de Boxcar Bertha : "Acabas de pasar un año de tu vida haciendo una mierda".

Esto inspiró a Scorsese a hacer una película sobre sus propias experiencias. Cassavetes le dijo a Scorsese que debería hacer algo como Who's That Knocking At My Door , su primer proyecto, que a Cassavetes le había gustado, y el resultado es Mean Streets, que se basó en hechos reales que Scorsese veía casi regularmente mientras crecía en la Pequeña Italia de la ciudad de Nueva York .

El guión de la película comenzó inicialmente como una continuación de los personajes de Who's That Knocking . Scorsese cambió el título de Season of the Witch a Mean Streets esa referencia al ensayo de Raymond Chandler " The Simple Art of Murder ", en el que Chandler escribe: "Pero en estas calles malas debe ir un hombre que no es malo, que no está empañado ni tiene miedo ".

Scorsese envió el guión a Corman, quien aceptó respaldar la película si todos los personajes eran negros. Scorsese estaba ansioso por hacer la película, por lo que consideró esta opción, pero la actriz Verna Bloom organizó una reunión con el potencial patrocinador financiero Jonathan Taplin, quien fue el director de ruta del grupo musical The Band , del que Scorsese haría una película.

A Taplin le gustó el guión y estaba dispuesto a recaudar el presupuesto de $ 300,000 que Scorsese quería si Corman prometía, por escrito, distribuir la película. La sugerencia de realizar una blaxploitation fue abandona cuando apareció la Warner Bros. pues estos le permitieron hacer la película como pretendía con personajes italoamericanos.

Con la película regresaba el principal actor de su primer filme, Harvey Keitel, en un rol muy cercano al director, pero con algunos nuevos matices ya que Charlie es el vehículo de las ideas más primordiales de la juventud de Scorsese, que se debatió durante años entre ser cura, gangster o director de cine.

También contó con De Niro (Johnny Boy), un chico del barrio al que conocía de vista, pero sin tener relación. La combinación entre De Niro (Johnny Boy) y Keitel (Charlie) será el eje de esta historia.

Un relato que pese a estar ambientado en Nueva York, y sobre todo en Little Italy, fue filmado en su mayor parte en Los Ángeles por necesidades estrictas de producción, y que ha sido muchas veces considerada como una especie de borrador del futuro, y magistral, ‘Uno de los nuestros’ (‘Goodfellas’, 1990).

La película fue estrenada por Warner Bros. el 2 de octubre de 1973 y obtuvo una recaudación de $3.000.000.

Desde el principio la película funcionó siendo recompensada la misma y sus protagonistas.  De Niro ganó el premio otorgado por la National Society of Film Critics como mejor actor de reparto por su papel como John "Johnny Boy" Civello. La película obtuvo la nominación al premio del Sindicato de Guionistas (WGA) al Mejor guión original drama.

En 1997, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

La película fue bien recibida por la mayoría de los críticos; Pauline Kael fue una de las críticas más entusiastas, calificándola de "un verdadero original y un triunfo de la realización de películas personales" y "vertiginosamente sensual".

Dave Kehr, del Chicago Reader, dijo que "la actuación y la edición tienen una fuerza tan original y tumultuosa que la imagen es completamente apasionante". Añadiendo el crítico de Chicago Reader que "Su montaje y sus interpretaciones tienen una fuerza tan original y convulsa, que la película resulta completamente fascinante"

Vincent Canby de The New York Times reflexionó que "no importa cuán sombrío sea el entorno, no importa cuán desgarradora sea la narrativa, algunas películas son tan minuciosamente hermosas que se dan cuenta de que tienen un efecto tónico que no tiene relación con el tema ".

Roger Ebert del Chicago Sun-Times incluyó a Mean Streets en su lista de Grandes Películas y escribió: "De innumerables maneras, hasta el detalle de los programas de televisión modernos, Mean Streets es uno de los puntos de origen de las películas modernas". Añadiendo que era "Una de las fuentes principales del cine moderno (...) "

En la revista  Time Out se señalaba que , sin duda, era "una de las mejores películas americanas de la década".

En 2013, la revista Entertainment Weekly consideró la película como la séptima mejor de todos los tiempos. Y , dos años después, en 2015, ocupó el puesto 93 en la lista "Las 100 mejores películas estadounidenses" de la BBC .

Para James Gandolfini , el fallecido protagonista de Los Soprano , cuando se le preguntó en Inside the Actors Studio qué películas lo influenciaron más, citó Mean Streets entre ellos, diciendo "Lo vi 10 veces seguidas ..."

En Gran Bretaña Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian dejó por escrito que "Su abrasadora energía todavía resulta impactante: las realistas escenas callejeras son asombrosas y el uso pionero de Scorsese de la música popular es genuinamente emocionante"

Ya en España Javier Ocaña en Cinemanía señalaba que es una "Obra maestra de Scorsese que muestra los bajos fondos y el interior de los estercoleros de una ciudad"

En Fotogramas se dice que "El primer largometraje importante de Scorsese se centró en la recreación de un microcosmos desquiciado y sórdido en el que se desarrollaba una historia llevada a extremos de paroxismo. A través de una historia un tanto enloquecida se articula un impecable discurso sobre la amistad como bloque compacto pero sometido a mil posibilidades de fisura. Viene a ser como un borrador de "Uno de los nuestros". "

En Espinoff, antes blog de cine,  Adrián Massanet describe que " Scorsese aportó a ese grupo su incontenible pasión y sinceridad, sus recuerdos compulsivos y sus caracteres atormentados y sin salida, rebotando contra un laberinto que ellos creen irrompible. Cristaliza así la primera de sus obras importantes, y muchos de sus futuros temas, que estarán presentes en las obras más logradas, arriesgadas y complejas del cineasta, ya se dan a conocer aquí, así como el deseo de Scorsese de emplear la concepción del tan manido clasicismo, homenajeándolo pero al mismo tiempo pervirtiéndolo, dotándolo de una nueva vida y energía, demostrando que las negras texturas del filme noir pueden adaptarse perfectamente a cada época y autor, pues es un género polimorfo e ilimitado. " 

Para el mexicano Leonardo D’Espósito en Noticias considera que es "Un film poderoso, donde Scorsese era libre de hacer y mostrar lo que pasara por su cabeza, lleno de ideas y con un drama muy fuerte."

En definitiva, una gran película que hay que ver sí o sí para entender como Scorsese fija su estilo ya en 1973 con su seguimiento de personajes a través de la cámara, con su iluminación rojiza, con su oscuridad, combinando el buen hacer de los principales protagonistas y secundarios que están, simplemente , magistrales.

Además, esta película muestra lo que me quedé con ganas de ver en Manhattan , esos bajos fondos de Nueva York descarnados en los que fluye la amistad , pero también la venganza o la traición. El deber y la imagen lo es todo si quieres sobrevivir a unas malas calles o a un mal barrio.

El regreso

Pocas veces he visto una mejor conjunción en el cine entre una banda sonora externa, es decir, ajena a la música ambiente,  salpicada  con éxitos musicales de los años 60  compuestos e interpretados por The Beatles, Janis Joplin, Bob Dylan, The Rolling Stones, The Doors , Tim Buckley, Buffalo Springs, Aretha Flanklin, Richie Havens, Jimmy Hendrix , Jefferson Airplane o Simon & Garfunkel con el desarrollo de una historia, una narración que años después de su estreno sigue impresionando. 

El regreso no es uno sino múltiples regresos. La idea del regreso en abstracto es lo que impresiona. No sólo el que retorna, sino el cómo regresa. Son varios entre los que regresan en la pelíucla , pero ninguno regresa en buen estado. El regreso puede ser querido y deseado, pero los que regresan o hacen llenos de inquietud o afectados por las circunstancias vividas en Vietnam, trasfondo en el que se desarrolla la historia. 

Algunos lo hacen con heridas físicas , pero todos los hacen con heridas mentales. Unas y otras son incurables pero a pesar de que pueden ser las física lastrantes, las que no tienen remedio son las psicológicas. 

Coming Home en España El regreso es una película dramática estadounidense del año  1978 dirigida por Hal Ashby a partir de un guión escrito por Waldo Salt y Robert C. Jones a partir de una historia de Nancy Dowd . 

Es evidente que Hal Ashby, nacido en el seno de una comunidad mormona de Utah,  no tuvo un gran  recorrido cinematográfico, en parte de por su temprano fallecimiento a los 59 años. Ashby rápido y no tengo claro que bien.

Se trasladó de Utah a California, donde encontró un puesto como ayudante de montaje. Su eclosión en el mundo del cine llegó en 1967 al ganar Oscar al mejor montaje por su trabajo en En el calor de la noche. Previamente había sido nominado por ¡Que vienen los rusos, que vienen los rusos!. Su xarrera estaba encandilada. En aquella entrega del Oscar al mejor montaje en 1968, dio un recordado discurso al recoger el premio por su trabajo al decir, simplemente: "Por repetir las palabras de un querido amigo mío cuando recogió su Oscar el año pasado, solo espero que podamos usar nuestros talentos y creatividad para conseguir la paz y el amor. Gracias".

Su debut como director se produjo en 1970 y bajo el amparo de Norman Jewison pasando en esa década a apostar por una vida cercana al mundo hippie al "flower power" como vegetariano y melenudo.

En sus 16 años de dirección, Ashby comenzó por El casero (The Landlord, 1970) a la que siguieron Harold and Maude y la sátira social Bienvenido Mr. Chance - Desde el jardín, Shampoo o Esta tierra es mi tierra, una biografía de Woody Guthrie protagonizada por David Carradine y que fue el primer film en utilizar la Steadicam.

En 1978, logró uno de sus mejores reconocimientos con el drama inspirado en la Guerra del Vietnam El regreso.

El éxito comercial de esta animó a Ashby a fundar su propia productora: Lorimar. Pero si bien se aventuró con las drogas que aumentaron su carácter introvertido y excéntrico, encerrándose en su vivienda de Malibú, fumando marihuana y evitando comer delante de otras personas.

En la década de 1980, su filmografía se vio afectada por su excentricidad. Así, sus siguientes producciones, Second-Hand Hearts y Lookin' to Get Out , fueron un auténtico fracaso . Pero su prestigió profesional como montador quedó por los suelos cuando tardó casi seis meses en editar el videoclip de The Police Message in a Bottle.

Así que proyectos que podrían relanzar su carrera como Tootsie no llegaron a buen puerto. Su salud se resintió durante el rodaje del documental de los Rolling Stones en la gira de la banda británica por Estados Unidos durante 1981: Let's Spend the Night Together. Sufrió un derrame cerebral y, aunque se recuperó y pudo acabar el documental, no volvió a ser el mismo.

Sus proyectos posteriores como The Slugger's Wife, basada en un guion de Neil Simon así como otro titulado  8 millones de maneras de morir, co-escrito por Oliver Stone, fueron unos auténticos fiascos de taquilla y crítica.

En los últimos años, Ashby dejó las drogas , pero sus problemas con su salud aumentaron cuando se le diagnosticó un cáncer pancreático . Ashby murió el 27 de diciembre de 1988 en su casa de Malibú. Fallecía un director que ha sido presentado como indómito, pero también como raro. Para la historia volvía un nuevo director de culto.  

La película fue producida por Jerome Hellman estando como productor asociado  Bruce Gilbert que , por medio de las productoras United Artists, Jerome Hellman Productions ,  Jayne Productions manejaron un presupuesto de $ 3 millones.

Como hemos señalado la película contaba con un guión en el que habían intervenido Waldo Salt, Robert C. Jones, Rudy Wurlitzer, y Nancy Dowd partiendo de una historia de Nancy Dowd.

En cuanto la música fue responsabilidad de George Brand y en la misma hay fragmentos de canciones del momentos, muchas y muy buenas.

También a destacar la fotografía de Haskell Wexler y el material que fue editado por Don Zimmerman.

El plantel lo encabeza una esplendorosa Jane Fonda como Sally Hyde , Jon Voight como el ex sargento Luke Martin , Bruce Dern como el capitán Bob Hyde , Penélope Milford como Vi Munson,  Robert Carradine como Bill Munson , Robert Ginty como el Sargento Dink Mobley,  Mary Gregory como Martha Vickery,  Kathleen Miller como Kathy Delise , Beeson Carroll como Capitán Earl Delise,  Willie Tyler como Virgil,  Lou Carello como el bigotes, Charles Cyphers como Pee Wee , Olivia Cole como Corrine , Tresa Hughes como la enfermera Degroot y Bruce French como el Doctor Lincoln.

La película se desarrolla principalmente en los Estados Unidos, en California y en el año 1968. Estados Unidos participa abiertamente en la guerra de Vietnam. Una guerra que tiene alta contestación social en el país, dado el alto costo económico y sobre todo humano desde los primeros años de intervención. De hecho la secuencia de inicio nos encontramos con un grupo de veteranos discutiendo sobre en un hospital sus propios puntos de vista sobre la guerra. Entre ellos está un ex sargento Luke (Jon Voight) que se suma a la conversación, pero por respeto, permanece en silencio y escuchando.

Conocemos en ese momento a Bob Hyde (Bruce Dern)  un capitán de la Infantería de Marina de los Estados Unidos , que se está preparando físicamente para ser enviado a Vietnam . Como un oficial militar de carrera Bob ve en la guerra una vía, una oportunidad para subir en el escalafón y progresar en el cuerpo.

Son muchos los que han ido para ese año 1968. Ajena a esta realidad profesional vive Sally (Jane Fonda), la esposa del militar. Una esposa tan fiel como tradicional  que en esos dos años de casada  jamas se ha opuesto a las opiniones de su marido.

Conocemos a ambos en dos momentos. En el bar de oficiales adonde Bob gusta ir una vez se inicia la hora del descanso para beber y hablar con sus amigos, así como en la cama en la que descubrimos que Sally no vive pasión alguna con su marido ya que el único que parece disfrutar haciendo el  amor es él.

Tras esperar algunas semanas Bob anuncia a su mujer que su incorporación ha llegado, así que se preparan para la partida.

El día de la partida coincide con otro pareja, la formada por el capitán ( ¿ o sargento?) Dink Mobley ( Robert Ginty) y su novia con las que no está casada  Vi Munson ( Penélope Milford ). Antes de partir Sally hace entrega a Bob de un anillo que intenta simbolizar la fidelidad ante la separación quedando él fuera de juego al no tener nada para ella.

Tras coincidir las dos en el aparcamiento, Sally propone a Vi ir juntas al bar a tomar una copa , rehusando notoriamente Vi , ante la posibilidad de hacerlo en el bar de oficiales. Sin embargo, cuando parece que el coche va a partir Vi dice conocer un bar en el que, tras pasar por la casa de Vi,  se toman unas cervezas.  Al principio, Sally comenta que teme que la dejen sola, pero en ese momento Vi de propone trabajar donde está ella, en el hospital militar lugar al que ella llegó tras el regreso de su hermano Bill  (Robert Carradine  ) a los Estados Unidos desde Vietnam. Comenta que las dos semanas que pasó allí en el país asiático destruyeron a su hermano en lo psicológico y que ha regresado con con secuelas emocionales graves.

A ella le parece interesante trabajar más allá de sus colaboraciones en el periódico de la base así que , sin nada más que hacer, decide ser voluntaria en el hospital local de veteranos , sin que Bob sepa nada .

A esto se le une la necesidad de liberarse obligada a encontrar una vivienda fuera de la base, decide ayudada por su amiga Vi Munson mudarse a un apartamento nuevo cercano a la playa y , tras romperse su vehículo, comprarse un auto deportivo.

Tras eso comienza su periplo en el hospital y casi el primero en conocer es a Luke Martin (Jon Voight) , un ex compañero de la escuela secundaria. Al igual que su amigo Billy, Luke, que era el capitán de fútbol americano del que ella una de las cheerleaders.

Vemos que a su regreso de Vietnam pero regresó herido por metralla en la columna vertebral quedándose  parapléjico y lleno de dolor, ira y frustración. Cuando habla con su compañeros también con graves heridas algunos todavía convencidos de su participación. Por contra, Luke ahora se opone a la guerra.

El encuentro entre Luke Martin (Jon Voight)  y la voluntaria  Sally (Jane Fonda), es catastrófico pues Luke que se queja de que no le han quitado su bolsa de orines la derrama y el sale violentamente de la sala y resulta atado a la cama. Después se niega a comer e intenta, cuando aparece Sally, a  pedir excusas a que la liberen de sus correajes.

Descubrimos que Luke está amargado, pero a medida que prosigue en contacto con Sally, se empieza a desarrollar una relación cada vez más cercana. Luke le cuenta que su apodo mientras era animadora era el de "la tía buena" y saca gran parte de su ira cuando consigue una silla de ruedas que le da bastante movilidad. Ahora puede jugar al baloncesto o al fútbol americano como vemos en un intenso partido el día 4 de julio, un día en el que el centro recibe muchas visitas.

Vemos a Sally y Luke, así como a Vi y a su hermano, en la fiesta. Descubrimos que el hermano de Vi es un chico tímido y sensible que no cree casi nadie salvo en su hermana y Luke.  Este demuestra su capacidad con la guitarra en una composición que emociona a los presentes, especialmente a él mismo, siendo consolado por Luke.

Sally, es consciente que   Luke se siente cada día más cercana a ella, así que decide invitarle una noche a casa, Vemos las dificultades que ha de superar para entrar en la casa y durante la estancia le confiesa Luke que le gustaría enormemente hacer el amor con ella. Ella le replica que siempre ha sido fiel a su marido y que siempre lo será.

Finalmente, Luke sale del hospital y, con su propia silla de ruedas, se muda a una nueva vivienda habilitada , se le readapta un coche y comienza a reconstruir su vida. Comienza a salir de forma asidua paseando por la playa o tomando unas cervezas.

Su relación con Sally va profundizando. Ella también es transformada por él y su visión de la vida comienza a cambiar. Por cambiar cambia hasta de peinado. Tienen momentos felices, juegan en la playa y los dos se enamoran.

Pero en esto que llega una carta de Bob que le pide tanto a ella como Vi que marchen un fin de semana a Hong Kong - uno de los espacio que tenía la Marina de los Estados Unidos de "R & R" ( "rest & recuperation" , o "descanso y recuperación") pues los dos oficiales tienen un fin de semana libre. Vi, rechaza la idea de ir, pues supondría dejar a su hermano unos días y ella sabe que no debe.

Finalmente Sally va a la por entonces colonia británica y allí se encuentra con su marido y con Dink, que inicialmente se siente frustrado y se va a un club frente al  bar al que van Bob y Sally. Pero Sally determina y observa el extraño momento que vive Bob, pues se niega a pasar un minuto con ella a solas y casi la rechaza. La situación de fin de semana se salva gracias a que Dink le dice que cuando regrese a casa le pedirá a Vi que se case con él. Con esa buena noticia regresa a casa,

Mientras tanto, descubrimos que Billy, cada día más traumatizado por sus experiencias en la guerra,  se encuentra generando problemas en la sala de rehabilitación. Uno de los amigos de Luke, sabedor del poder que Luke ejerce sobre él lo llama a casa. En ese momento,, el que se encuentra ofuscado porque Sally ha vuelto con su marido, está con una prostituta, pero se siente incómodo.

Al recibir la llamada le pide a un Billy que no atiende a razones que le espere. El hermano de Vi aprovechando un descuido de los cuidadores se mete en la enfermería y se suicida inyectándole aire en las venas.  Cuando se persona Luke ya es tarde.

Dado lo ocurrido con el suicidio de Billy, Luke reacciona comprando en una ferretería candados y cadenas y con ellos se dirige en su coche a la base militar y cierra las puertas de la misma con los candados y se encadena a las puertas de un centro de reclutamiento local en un vano intento de evitar que otros se alisten.

Por su parte, Sally al llegar se entera por Vi del suicidio de su hermano y le pide que salga con ella a tomar unas copas. Unos señores le invitan a champán. Vi parece descontrolada por el champagne y por el dolor, y antes de cometer una barbaridad Sally le consuela.

Al dejarla ve en televisión lo que sale en las noticias con Luke de protagonista así que va a por él a la policía militar y ella le invita a pasar esa noche en casa. Sally y Luke finalmente hacen el amor, enfrentándose a su discapacidad. Es la primera vez que Sally tiene un orgasmo.

Sin embargo, ella sigue siendo leal a su esposo, y tanto ella como Luke saben que su relación tendrá que terminar cuando su esposo regrese a casa.

Pero desde ese momento y dada la mala prensa, un par de agentes de Inteligencia Militar siguen a la pareja, tomando fotografías y documentando su relación.

Un día Sally recibe un telegrama que anuncia que Bob regresa, demasiado pronto, alegando que se hirió accidentalmente en la pierna. Vi y Sally le preparan una fiesta, pero Bob está extraño , como ido , le molesta de Sally que se haya puesto a trabajar en el hospital de veteranos con esos desgraciados , le molesta el peinado y que haya alquilado una apartamento en la playa. lo único que no parece molestarle es el coche que se ha comprado, un descapotable.

Nada más entrar en la casa lo vemos tenso , especialmente, cuando explica como se ha herido en la pierna, de una forma bastante ridícula, por cierto, pues se ha autolesionado involutariamente, al parecer, con su propia arma. Lo peor y más ridículo es que va a ser condecorado con ello. Pero la casa se le cae encima y decide ir a tomar unas copas con al bar de oficiales.

Cuando Sally está quitando las guilnardas , globos y carteles de bienvenida llega Bob con unos compañeros que acaba de conocer en el bar. Todos borrachos se quedan en la casa a dormir. Descubre que Bob duerme con su arma en la mano. No hay duda de que está afectado y sufre de estrés postraumático de lo que ha visto en combate.

Una vez premiado con su medalla Bob , ante una inesperada visita de dos agentes de la Inteligencia Militar , las relaciones que mantiene Sally con Luke ya que han estado espiando a Luke desde el incidente de la puerta.

Bob le comenta algo a Sally y después avisa a Luke de lo ocurrido. Temiendo por la vida de ella, Luke se persona en la casa justo en el momento en el que Bob está amenazando a Sally con su rifle de asalto cargado. Luke, finalmente, a Bob de que debería tratar de arreglar las cosas con Sally. Bob finalmente se da la vuelta.

La película termina con Luke hablando con un grupo de jóvenes en una High School sobre su experiencia en Vietnam contrastando la información que ha dado previamente un sargento de la Marina que habla de su positiva experiencia. La charla es intercalada con Bob colocando su uniforme de marinero de gala cuidadosamente doblado en la playa, quitándose su anillo de bodas y nadando desnudo en el océano para poner fin a su vida.

El regreso o Coming Home fue concebida por Jane Fonda como el primer largometraje de su propia productora, IPC Films (para la Campaña por la paz de Indochina), y tuvo como productor asociado a Bruce Gilbert, un amigo de sus días de protesta. Fonda tenía en mente hacer una película sobre la Guerra de Vietnam inspirada en su amistad con Ron Kovic , un veterinario parapléjico de la Guerra de Vietnam, a quien conoció en un mitin contra la guerra y del que conocimos su vida y circunstancias con la película de Oliver Stone inspirada en su libro autobiográfico Nacido el cuatro de julio, una película ganadora del Oscar protagonizada por Tom Cruise como Kovic.

En 1972, Fonda contrató a Nancy Dowd , otra amiga de sus días en el movimiento feminista, para escribir un guión sobre las consecuencias de la guerra vista a través de los ojos de una esposa militar.. Originalmente, la historia de Dowd, titulada tentativamente Buffalo Ghosts , se centró en dos mujeres, voluntarias en un hospital de veteranos, que deben enfrentarse a la carga emocional que la guerra asume en sus víctimas y en sus familias.

El proyecto se prolongó durante seis años, hasta que Bruce Gilbert y el productor Jerome Hellman lo tomaron. El guión fue remodelado significativamente por el grupo que eventualmente lo llevaría a la pantalla: Fonda, Ashby, Wexler, Jon Voight, el productor Hellman y los guionistas Waldo Salt y Robert C. Jones, todos ellos opositores a la guerra de Vietnam, y preocupados por los veteranos que regresaban a Estados Unidos y las dificultades a las que se enfrentaban para adaptarse a la vida en su hogar. Rudy Wurlitzer hizo un trabajo sin acreditar en el guión.

La película iba a ser dirigida por John Schlesinger , quien había trabajado con el productor Hellman y Voight en Midnight Cowboy , pero abandonó el proyecto después de sentirse incómodo con el tema especialmente ya que consideraba que la película debería ser dirigida por un director estadounidense comprometido. Fue reemplazado por Hal Ashby .

Fonda fue elegida desde el principio como Sally Hyde, la ama de casa. Se buscó a una estrella como protagonista masculino, para compensar la naturaleza sombría de la historia. Entre los posibles candidatos se sopesaron a Al Pacino , Jack Nicholson y Sylvester Stallone se les ofreció el papel, pero se negaron. Jon Voight que había sido considerado para el papel del marido, pero después de involucrarse con la película, hizo campaña para interpretar al veterano parapléjico. Voight había participado en el movimiento contra la guerra, y era un amigo de Fonda, quien fue fundamental para ayudarlo a conseguir el papel, a pesar de que había perdido popularidad desde su día de Midnight Cowboy .

Bruce Dern , que era un actor bastante encasillado fue elegido como el marido ya que era del gusto de la Fonda , ya que ella y Bruce Dern habían trabajado juntos previamente en Danzad, Danzad, Malditos (1969).

Jane Fonda como productora quería a Meryl Streep para el papel de Vi, pero estaba comprometida con otra película.

El guión fue escrito y reescrito hasta que el proyecto no pudo esperar más. Jane Fonda, que acaba de terminar Julia (1977), tenía programada su  participación en una película de Alan J. Pakula Comes a Horseman (1978) , aquí llamada "Llega un jinete libre y salvaje".

Para el director Ashby, esta fue su segunda película sobre la década de 1960 desde su película de 1975 Shampoo. Ashby había contratado a la cantante y compositora Guthrie Thomas para interpretar el papel de Bill Munson en la película después de revisar la prueba de pantalla de Thomas. Thomas se unió a Ashby y al elenco completo en un restaurante en Malibu Beach, California, antes del comienzo de la producción. Thomas era un amigo cercano de Ashby y había sido elegido para una película anterior de Ashby, Bound for Glory , protagonizada por David Carradine .

Al finalizar la reunión del elenco, Thomas habló en privado con Ashby y le dijo a su amigo: "Hal, soy un cantante y compositor, como tú sabes, y no un actor. Para ser sincero contigo y con este increíble elenco, necesitas un actor extremadamente talentoso para esto  y no un mal cantante. Recomiendo a Bobby Carradine o Keith Carradine". El elegido fue Robert Carradine para interpretar el papel de Bill Munson.

La secuencia inicial en el hospital de veteranos no donde hablan los veteranos no tenía guión. Eran verdaderos veteranos de Vietnam discutiendo sus propios puntos de vista sobre la guerra. Y añadir que hay dos cameos curiosos. El primero del director Hal Absby que aparece en un momento realizando el signo de la paz cuando se cruza con Sally que va con su descapotable; el otro,  el que realiza el director de fotografía Haskell Wexler que aparece como general durante la ceremonia de entrega de medallas del capitán Hyde.

La película acabará rodándose en California y en concreto como espacio destacable se reconoce la playa de Manhatam Beach.

Coming Home se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 1978 , donde Voight ganó el premio al Mejor Actor por su actuación.

Fue un éxito en taquilla consiguiendo $ 36 millones  en todo el mundo contra un presupuesto de $ 3 millones, convirtiéndose en la 15ª más taquillera película de 1978.

La película fue estrenada de forma general en febrero de 1978 y fue un éxito popular entre el público y, en general, recibió buenas críticas.

En cuanto a las críticas Charles Champlin de Los Angeles Times comentó que: "A pesar de una banda sonora demasiado explícita y algunos momentos en que la historia se convirtió en un sermón, la película tradujo efectivamente un cambio en la conciencia nacional en términos personales creíbles y conmovedores".

En The Toronto Sun se calificó la película como uno " Los mejores años de nuestras vidas alrededor de 1978 con los mismos estándares y la misma moral elevada de una época anterior".

En Variety se dice de la película " Coming Home es, en general, una excelente película de Hal Ashby que ilustra las actitudes conflictivas sobre la debacle de Vietnam desde el punto de vista de los participantes. La excelente producción de Jerome Hellman tiene una Jane Fonda en otra actuación memorable y conmovedora; Jon Voight, vuelve a la pantalla mucho más maduro, seguro y efectivo; Bruce Dern, sigue forjando una nueva dimensión de carrera." Y añade "Fonda y Ashby han frenado cualquier tendencia a ser presumidas o pedantes. En cambio, ella proporciona una caracterización excelente. El personaje de Voight evoluciona a medida que él y Fonda se convierten en amantes. Una escena de sexo entre los dos es una obra maestra del erotismo romántico discreto. "

Por su parte, Jonathan Rosenbaum tiene ciertas dudas sobre la película y termina un extenso artículo con lo siguiente: " Coming Home intenta recordar y olvidar con la misma intensidad de dedicación, al mismo tiempo que nos mantiene tan confusos como nosotros, mientras que proporciona una salida emocional a nuestra confusión. Justo lo que todos necesitamos, ¿no es así? "

La película ganó tres premios de la Academia en la 51 Edición de los mismos: al mejor actor ( Jon Voight ), a la mejor actriz ( Jane Fonda ) y al mejor guión original ( Waldo Salt , Robert C. Jones y Nancy Dowd ).  También fue nominado a seis Premios de la Academia, incluyendo al Mejor Actor de Reparto ( Bruce Dern ), Mejor Actriz de Reparto ( Penelope Milford ), Mejor Director ( Hal Ashby ), Mejor Edición de Película (Don Zimmerman) y Mejor Película( Jerome Hellman ).

En los Globos de Oro consiguió dos , el de mejor actor (Jon Voight) y actriz (Jane Fonda)de las seis nominaciones.

El Sindicato de Directores (DGA)nominó a Hal Ashby como mejor director en aquel año 1978 y el Círculo de Críticos de Nueva York premió a  Jon Voight como mejor actor . El Sindicato de Guionistas (WGA) valoró la película al mejor guión original dramática.

La película está incluida entre la lista de 1998 del American Film Institute dentro de las cuatrocientas películas nominadas a las 100 mejores películas estadounidenses.

Destacar el impresionante trabajo por parte de todos. De guionistas, director, actor y actrices en la que destaco a una Jane Fonda nunca tan parecida físicamente y profesionalmente a su padre y que en aquellos años se encontraba en pleno esplendor.

También destacar el trabajo de interpretación de John Voight  en un esfuerzo titánico y en una interpretación que roza la perfección. Se trata de una película valiente para la época , una película en la que trata abiertamente la idea del sexo entre una persona sin discapacidad y una persona discapacitada. De hecho muestra como la mujer, Sally, alcanza un orgasmo a partir del sexo oral, algo que evidentemente llamó la atención a los censores de la época. Así se refleja en el documental los censores de Hollywood (2006), que toma como referencia a esta película de ejemplo de lo mucho más estricto que se había convertido la MPAA con respecto al contenido sexual de las películas desde la década de 1970.

Para terminar quiero acabar refiriéndome al director y rescatar un artículo publicado por Juan Manuel Freire en El Periódico con respecto al director del que dice que "su ritmo paciente, bastante hipnótico, o algunos de los mejores empleos de canciones pop que se hayan visto en la historia del cine. Películas perceptivas sobre amor y amistad, clase y raza, guerra y paz, a menudo con un sutil sentido del humor tan imitado como inimitable. " 

Gracias a él he conocido que la montadora Amy Scott se adentró en la dirección por medio de un documental dedicado al director de la película con "Hal , director de culto".

La película parte de una biografía del director escrita por Nick Dawson, 'Hal Ashby: Life of a Hollywood rebel', que le sirvió como base. Ellla misma declaró que "parecía que con ella ya estaba la película hecha", pero finalmente 'Hal, director de culto' fue muy diferente al libro. 

Amy Scott, según Freire,  logró establecer paralelismos inéditos entre el hombre y la obra: "En sus películas, el protagonista siempre es un hombre blanco, a menudo desconectado de la sociedad, en busca de algo", explica. "Me parecía muy evidente que esta debía ser la línea central que debíamos explorar, pero me llevó un tiempo extraer los momentos clave de sus películas y poder construir una tesis sólida". Ashby no escribía los guiones de sus películas, pero es fácil entreverle en muchos de sus personajes protagonistas; o, mejor dicho, Scott lo ha hecho fácil. 

En dicho documental se comenta como muchos directores de aquel periodo conocido como 'New Hollywood' y que lograron renovar la sensibilidad del cine estadounidense  están influidos por su obra así como los nuevos valores, algunos presentes y otros ausentes en el documental como le ocurre, en este último caso, a Wes Anderson, no así a directores como Alexander Payne ('Entre copas'), Judd Apatow ('Lío embarazoso') o Adam McKay ('El vicio del poder'). Es una buena manera de recuperar a un director, de ver el regreso del mismo.