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miércoles, 5 de marzo de 2025

Tres plumas



Uno podía pensar que se trata de una película de indios pero nada más falso que eso. Sí, es un western, pero con matices. Por lo pronto, se trata de un producto creado para la televisión aunque tira de un actor de peso como Glenn Ford, siendo el coprotagonista un joven que , en esos momentos, era una estrella juvenil de la televisión, llamado Michael Burns. Sin embargo, creo que tiene algunos defectos de importancia especialmente en la fotografía en la que el responsable, Donald Morgan, hace precisamente una extraña labor,  a eso de la media hora de la película se distorsionan los personajes no aparecen de manera definida incluso fuera de plano y te descoloca. Posiblemente este se debe a que fue una de las primeras películas en filmarse electrónicamente en cinta de vídeo, utilizando cámaras portátiles NTSC Norelco PCP-70 Plumbicon y videograbadoras portátiles Ampex VR-1200 de 2", antes de ser transferidas a película en Consolidated Film Industries en Hollywood. Fue la única película producida por Edward Platt (famoso por Superagente 86 ).

También es el final tan tremendo paralizando imágenes o incluyendo al caballo en la escena que creo que tiene mucho que ver con otras que más tarde veremos en otras películas como Forajidos de leyenda y con el concepto cinematográfico que introdujo Peckinpah y  la extenderá más tarde Walter Hill Así es tres flechas en su versión original Santee que surge de un guion escrito por Brand Bell. 

Se trata de una película del año 1973 dirigida por Gary Nelson coma un director que desarrolló su carrera entre los años 60 y los 80 siendo responsable de títulos como Get Smart (1965), Washington; begind closed Doors (1977), The Black hole (1979) o Death Note (1989).

La película fue producida por Vagabund Productions para American Video Cinema y Eaves Movie Ranch, en la que Cal Habern, aparece como productor ejecutivo, y Rosalee Berman como productora asociada así como Deno Paoli y Edward Platt, y contó con la presencia de además de Glenn Ford, de Michael Burns como Jody, Dana Winter como Valeria, , Jay Silverheels como John Crew Harry Townes como el Sheriff Carte, así como John Larch, Robert J. Wilke, Robert Donner y Taylor Lancher. Como responsable de el montaje aparece George W. Brooks, siendo el responsable de la dirección artística Mort Rabinowitz, Leonardo Mazzola de decorados

La película comienza con el desplazamiento de un grupo de sus tableros con una llanura polvorienta de Nuevo México, tras él la música de un armónica y un arpa de boca. Mientras en una polvorienta ciudad de este nuevo estado se encuentra un chico que espera la llegada de alguien. El chico intenta conectar con la población local formada principalmente por mexicanos pero esto no se comunican con él, todo yo mientras suena una guitarra y se cruzan miradas que no reflejan amistad ninguna.  Un chico, Jody Deakes, está esperando una carta de su padre y por supuesto nunca llega. 

En que pudiera parecer otro el protagonista es un chico llamado Jody Deakes (Michael Burns) y tras un largo período y separación se encuentra el Nuevo México y allí va en busca de su padre al que del que está separado desde hace muchos años para descubrir que este forma parte de una banda de forajidos y que está huyendo de un implacable caza recompensas llamado Santee (Glenn Ford).

Un grupo entre su padre llega al pueblo y a la salida de éste se suma el joven Jody. 

Como las cosas son inevitables finalmente este último se enfrentará al padre de Jody y acaba con su vida. Jodie decidirá seguirle para vengarse pero descubrirá que Santee es un buen hombre, eso sí atormentado por una terrible pérdida causada por unos forajidos, la pérdida de su único hijo. Con todo Santee decide adoptarlo y darle una nueva vida en su rancho junto con su esposa (Dana Wynter). Sin embargo, el pasado violento de Santee no tarda en alcanzarlo, poniendo en peligro su intento de redención y su relación con Jody.  

Santee y su esposa acogen en el rancho "Three Feathers" (Tres Plumas) a Jody y comienza a crecer una relación padre - hijo . Entonces aparece la banda que disparó al hijo de Santee.

Como ya hemos señalado la película fue rodada en Telecolor, un innovador formato de video de la época, siendo además unas de las primeras películas en utilizar sonido estereofónico de 4 pistas y fue filmada en 35 mm y estrenada en televisión y cines casi simultáneamente.. También es uno de los últimos wésterns protagonizados por Glenn Ford, quien ya era una leyenda del género por películas como 3:10 to Yuma y The Fastest Gun Alive. Película fue rodada en Santa Fe, y cuenta con la música de Don Randy y la letra compuesta por Bob silver y Pete También que son cantadas por the Raiders responsables de la canción de Jody. Curiosamente, Michael Burns, el actor que hacía de Jody, pronto dejaría la actuación a pesar del éxito conseguido en series como Wagon Train (1960-1965) y , puntualmente, en otras como The Twilight Zone, Perry Mason, Gunsmoke o The Mod Squad. Después de retirarse de la actuación en los años 70, Burns se dedicó a los estudios académicos, graduándose en Historia en la Universidad de California, Los Ángeles (UCLA), obteniendo un doctorado en Historia en la Universidad de Yale y se especializó en historia francesa y trabajando como profesor en el Mount Holyoke College, donde enseñó durante varias décadas. Publicó libros académicos sobre la historia de Francia y temas políticos. 

La historia tiene un fuerte tono crepuscular western crepuscular, pues nos muestra a un protagonista mayor tratando de cambiar su vida, un tema recurrente en el cine del Oeste de la década de 1970, pero también se manifiesta por el deseo de redención y el tono más reflexivo de lo habitual en un western . 

sábado, 2 de noviembre de 2024

La descarriada



En España existió un tipo de cine digamos que "castizo" y que despectivamente se le llamó a esas películas, "españoladas". Vistas con el tiempo, las españoladas, son auténticos documentos sociológicos de cómo era el país en los años sesenta y,  sobre todo, en los 70. Nos hablaban de nuestras grandes virtudes, pero sobre todo de nuestros mayores defectos. La envidia, la hipocresía, los matrimonios de conveniencia, la situación de la familia en una España cambiante, la del desarrollismo, el papel de la Iglesia... Todo se reflejaba en ellas. 

Algunos lo hacían desde un plano más serio, pero en muchas ocasiones el género que encauzaba este análisis sociológico del país era a través de la comedia. En la misma participaban lo mejor que hemos tenido en el cine español sin lugar a dudas. En estas españoladas aparecían desde José Sacristán, hasta López Vázquez, pasando por actores como Antonio Ferrandis, Alfredo Landa, Martínez Soria o José Bódalo. Ellos eran los hombres de negocios, agentes de seguros, o  anticuarios, en definitiva, personas con o sin fortuna que aspiraban a mejorar sus condiciones de vida. También aumentar sus relaciones  sexuales. Lo que sea. El objetivo era medrar en un país que parecía progresar en lo económico, en los social y ¿En lo político? Eso es otra historia.

Ellas , las actrices, lo mejor de cada casa. Profesionales como la copa de un pino como lo eran Rafaela Aparicio, Florinda Chico Laly Soldevilla, hasta la Bardem o Lina Morgan que era toda una estrella que arrasaba en las pantallas. Ellas aspiraban igualmente a vivir mejor, más cómodas, tener electrodomésticos, una chacha, las señoras con posibles, pero sobre todo a tener alguien que les quisiera. 

A todo esto se sumaban director que, en ocasiones, buscaban y conseguían con astucia sortear las limitaciones de los censores. Para los años 70, las limitaciones eran menos. Podíamos ver mujeres en bragas y sujetadores, faldas cortas, "bikininis", se veía más carne que en una carnicería como dirían los castizos. Directores y guionistas sabían encontrar el punto cómico a situaciones paradójicas, y en ocasiones hasta ridículas. 

Pues bien en la película que acabo de ver junto a mi padre en Cine de barrio es una buena muestra de esta española desarrollista. La película que lleva por título La descarriada - creo que el título lo dice todo- estuvo dirigida por Mariano Ozores en el año 1972 y nos muestra una visión casi paternalista, la que algunos tenían- de la prostitución como modo de salir de la indigencia para sacar a una familia, en este caso, a una retahila de hermanos y hermanas.  

En una película como La descarriada la prostitución es el tema menor, pues el tema mayor es las relaciones de alcoba, el desentendimiento de una pareja, la atención a los hijos o hermanos, el papel de la familia en una sociedad todavía muy mojigata. En el fondo es una historia de perdedores 

Para eso Mariano Ozores contó además de con su hermano, compañeros inseparables de aventuras cinematográficas, con el mejor actor posiblemente de la historia del cine español y posiblemente mundial según he escuchado en alguna ocasión. Hablamos de José Luis López Vázquez, que aquí hace de chulo p****, pero sobre todo de hombre enamorado que se desvive por una de sus chicas, Nati.  

Evidentemente, "La descarriada" - producida por José Antonio Cascales y Rafael Vázquez Fajardo para Producciones Internacionales Cinematográficas Asociadas (PICASA) -  es Lina Morgan que está acompañada en su desgracia por un encantadora y olvidadiza Laly Soldevilla, por una impresionante Florinda Chico, incluso, una esplendorosa y una bella Bardem.  Junto a las citadas está Rafaela Aparicio, Antonio Ferrandis, Rogelio Madrid, María Álvarez o Luis Barbero, 

El guion de esta historia fue de Mariano Ozores. La banda sonora, setentera, como cabía de esperar fue de Fernando García Morcillo y el sonido de José María San Mateo. La responsable del maquillaje fue   Carmen Martín y el de la fotografía, Vicente Minaya. Para el montaje la película contó con Antonio Ramírez de Loaysa y el vestuario fue labor de Humberto Cornejo y Juana Ramírez .

Lina Morgan interpreta a Nati, una inocente prostituta, huérfana con cargas familiares, que ejerciendo su profesión busca sacar adelante a sus tres hermanos pequeños. Nati no lo consigue, resulta ser muy torpe para su trabajo que ejerce junto a sus compañeras Angustias (Florinda Chico) , Lucila ( Pilar Bardem) y Marga (Laly Soldevilla) . Para colmo, le debe dinero - no sólo ella, sino todas- a su protector, Florencio (José Luis López Vázquez), un hombre que lleva una doble vida como vendedor de antigüedades y que vive junto a sus hermanas , entre ellas Rosaura (Rafael a Aparicio) y María (María Álvarez ) , que se ha metido a proxeneta por el cariño que siente  hacia las chicas y especialmente a Nati, que a pesar de ejercer el oficio todavía es virgen, ya que siempre que encuentra a alguien le cuenta su desgraciada vida desde que sus padres murieron en un accidente de tráfico aplastados por un tren.

Florencio cuenta con un bien amigo Nicolás ( Antonio Ozores), un buscavidas que intenta llevarse un porcentaje de todo, que le asesora y lo estima al igual que a las chicas. 

Un día ve cómo su suerte tiene la oportunidad de cambiar con la entrada en su vida de un hombre rico Vicente Aguirre ( Rogelio Madrid) y guapo con problemas matrimoniales ya que lleva tres años casado con Ángela  (María Ángeles Olazábal) y todavía no la ha visto desnuda.

Entonces, Nati como mujer decente, sólo quiere un empleo decente y salir de esa mala vida decide abandonar la prostitución y buscar un trabajo decente. Pero también es torpe para otros trabajos que sus amigos, especialmente, Nicolás, le intentan dar (vendedora de seguros, policía municipal,...) 

Sin embargo, el encuentro entre Nati y Javier tiene consecuencias emocionales y familiares. Por un lado, Nati queda impactada con el perfil de Vicente, no apreciando que el hombre que se desvive por ella es  Florencio, que de "motu proprio" y por medio de sus hermanas Rosaura y Maura, siendo asistidos por la amistad de Nicolás, le hacen ver que Nati desde ser la mujer de su vida.  

Pero antes de que incluso ella llegue a la afección con su "proxeneta" ha de solucionar un tema que le pide Don Javier (Antonio Ferrandis) el padre de Ángela , esa chica de la clase alta, casada con Vicente, cuyo padre asume que ha errado en su educación como señorita idiota de clase alta al no enseñarle a comprender a su esposo, quien prefiere ahora ahogar sus deseos en el bar .


Don Javier sabe que Nati es la única persona decente, sensata y comprensiva y le pide a ella que tenga un encuentro con su hija para intentar salvar su desgraciado matrimonio, el de Vicente y el de Ángela, asumiendo que le ha dado una buena formación en formas, pero nula en lo afectivo. Y aunque Nati puede que no sea virtuosa si es capaz de enseñar a los demás modélicamente dado su sencillez y sentido común. 

Y frente al modelo aristocrático en el que ha sido educada Ángela , rodeada de criadas, que no trabaja, se levanta a las once de la mañana, que ha aprendido lenguas, piano o equitación, ha tenido una buena educación y sobre todo mucha mojigatería, lo que le ha dado una altivez, una soberbia y un orgullo que le impide acercarse sexualmente a su marido, Nati le da una auténtica lección de humanidad, sensualidad y trato a Ángela en presencia de un Florencio que ha ido precisamente a declarar su amor a Nati. Con la lección que insinúa que la mujer ha de ser esclava de su marido por amor acaba la película. 

En el mundo se dice de la película que "dirigida por Mariano Ozores, especialista en comedias de este tipo, la película toca un tema tan delicado como el de la prostitución, pero, como era de esperar por el tono de la época, lo hace sin sutileza ni delicadeza. Se trata de un producto pseudoerótico y heredero del machismo, algo que resultaba muy comercial en la época. De hecho, más de un millón de espectadores acudieron a disfrutar de esta cinta, cuyo guion festivo también está elaborado por Ozores".

Para Fausto Fernández es un clásico de Ozores y fue " Lo más cerca que la gran Lina Morgan estuvo de la Giuletta Masina de Las Noches de Cabiria (o la Shirley MacLaine de su remake musical, Noches de ciudad) fue como la pilingui de corazón de oro y decentísima que habla de dónde está el amor en esta ozoresiada contrastada".

Reconozco que ha habido en la película momentos divertidos, otros que pudieran parecer ridículos, pero hoy vistos son igualmente divertidos pues hay cosas que pueden acercarse a dar esa sensación pero si lo entendemos como lo que es , producto propio del momento histórico y sociológico en el que se rodó la película, se sobreentiende y se transforma, pero, aparte del elenco - que es para aplaudir de principio a fin- , por encima de todo, lo que más me ha gustado ha sido ver la película junto a mi padre y ver que, en momentos puntuales de la película, los dos nos hemos reído. Ese también es uno de los fines del cine, aunque sea, el de barrio. 

viernes, 1 de noviembre de 2024

El exorcista versión extendida



Hoy tocaba revisitar y ver este clásico que ya comenté por aquí y que me remite a la primavera del año 1983 con un grupo de amigos fuimos a ver nuestro primer vídeo en Betamax y no se le ocurrió otra cosa que ver esta película que nos dio un pánico atroz. 

Vista con el tiempo esta película del año 1973 , en una entrada que titulé El miedo en Beta, remozada por el director en el año bajo el título The Exorcist; The Versión you haven'i seen yet . La razón se debe a que William Friedkin eliminó varias escenas del montaje inicial para reducir el metraje de la película a petición del estudio (y a espaldas de William Peter Blatty, escritor de la novela original y productor del filme), son 132 minutos de duración, frente a los 122 de las salas en su estreno y que es lo único que difiere de la original es un enorme prólogo del padre y arqueólogo en el norte de Irak coma así como algunos fragmentos intercalados, se suman al nuevo montaje supervisado Friedkin la famosa secuencia del llamado 'spider-walk' por las escaleras , pero además incluyó las primeras visitas de la niña al hospital, otra en la que los sacerdotes Karras y Merrin conversan en la escalera de la casa de la familia MacNeill, y una última que cambia el final con una especie de epílogo en el que el teniente de policía Kinderman conversa con el padre Dyer sobre la dualidad del bien y del mal. 

Pero la película no deja de ser la misma aquella que comienza en un yacimiento arqueológico del norte de Irak en concreto el niño donde un arqueólogo y jesuita descubre un yacimiento restos arqueológicos que se remiten a la eterna lucha del bien contra el mal, y que posteriormente el director nos lleva a un barrio tranquilo de Washington, donde vive unan actriz  (Ellen Burstyn) que están rodando bajo de la dirección de un director y amigo, pero que detesta como en su casa con todas las comodidades modernas, su joven hija de doce años, una inocente muchacha, comienza a sentirse mal y ni su madre ni los médicos pueden ayudarle. 

Desesperada, tras los infructuosos intentos de investigación por parte de todo un equipo médico, finalmente se decanta por el Consejo que un médico le da para que le ayude un sacerdote. Aunque ni ella ni sun hija son practicantes la madre temiendo que el mal rebase lo físico y le afecte a lo espiritual decide ponerse manos de un sacerdote de una parroquia cercana, que acaba de perder a su madre, el sacerdote Karras, que es además psiquiatra y profesor de universidad. 

Él, en principio, se niega a intervenir pero viendo de que el mal haya entrado en el cuerpo de la niña y que cuanto más duda él más poderoso se vuelve el mal en la niña, decide contar el caso a sus superiores pues considera que la niña está poseída por un demonio arcaico que trae el terror hasta su hogar familiar. 

En esta lucha será asistido por el sacerdote que conocimos al inicio de la película y que ambos intentarán realizar sobre su persona todas las directrices que estipula el código de exorcismos de la iglesia católica para expulsar al ente de su cuerpo. 

viernes, 21 de mayo de 2021

Acción ejecutiva



Antes de que Oliver Stone planteara su tesis sobre el asesinato de JFK, partiendo del libro del fiscal Garrison en el que se basó para su film JFK, David Miller apostó por presentar su propia tesis de cómo y el por qué en esta cinta en la que aparecen Burt Lancaster y Robert Ryan, en la que fue su última película, con guion de Dalton Trumbo y que combina las imágenes documentales con la recrecación de los hechos.  

miércoles, 21 de abril de 2021

Le magnifique



Con el pomposo nombre de Cómo destruir al más famoso agente del mundo volvemos a Philippe La Broca y a un Jean Paul Belmondo que acompañado de una bellísima Jacqueline Bisset se dedican a hacer  un remedo entre filmico y literario de las aventuras del agente 007 eso sí con su toque francés y la cómicidad de Broca acompañado con un Belmondo, el feo del cine francés, en plena forma. 
*EC: En construcción

jueves, 1 de abril de 2021

El embrollón

 


No se si he visto la película por el respeto y el recuerdo que le tengo al enorme Lino Ventura o a mi venerado cantante belga de la inolvidable Ne me quitte pas, Jacques Brel. Lo cierto es que al ver a uno y a otro no he dudado en ver esta película en la que el primero se parodia a sí mismo como tipo duro que marcó una época en el cine francés y el segundo presentar al inefable François Pignon, un hombre ido, desordenada y desubicado en la que fue su décimo y último largometraje. 


La película se llama en español El embrollón y en francés L'emmerdeur, una película dirigida por el bordelés ya fallecido en 2013 conocido por sus comedias con Louis de Funès ( Oscar , Hibernatus ), Mi tío Benjamin (con Jacques Brel y Claude Jade ), Dracula y su hijo (con Christopher Lee ) o la mítica La jaula de las locas, La Cage aux Folles con Michel Serrault y Ugo Tognazzi . 

Molinaro fue un director estuvo activo como director hasta unos años antes de su muerte, aunque a partir de 1985 se dedicaba principalmente a la producción de obras para televisión. En 1996, su trabajo cinematográfico fue galardonado con el Premio René Clair , un premio otorgado por la Académie française por su excelente trabajo cinematográfico. 

Edouard Molinaro en esta película estuvo producido por Georges Dancigers (1908-1993) y por Alexandre Mnouchkine para Les Films Ariane, Mondex Films, Oceania Produzioni Internazionali o Oceania Films y Rizzoli Films. Tuvo a su favor un guion escrito por Francis Veber que adaptaba adapta la pieza teatral “Le contract” (1971), del propio Veber. 

Veber son palabras mayores en el cine francés con tñitulos como ´La cabra’, ‘Dos fugitivos’ o “El juego de los idiotas” ( 2006). Francis Veber, por aquel entonces sólo guionista de la película, saltará a la dirección y la producción con títulos como La cena de los idiotas, Salir del armario y, la más reciente, El juego de los idiotas. Fue guionista de "La jaula de las locas", "On aura tout vu (1976) y creador del personaje de François Pignon, ese personaje que Veber ha utilizado muchísimo en otras comedias suyas que se presenta como gafe, plasta, metomentodo o puñetero destinado a fastidiar la vida de los demás sin pretenderlo. 

Algunas de sus obras se han rehecho como películas de Hollywood en inglés como Le grand blond avec une chaussure noire (como El hombre con un zapato rojo ), L'emmerdeur (como Buddy Buddy ), La Cage aux Folles (como The Birdcage ), Le Jouet (como The Toy ), Les Compères (como día del padre ), La chèvre (como pura suerte ), Les Fugitifs (como tres fugitivos ) y Le dîner de cons (como cena para idiotas ). 

También escribió el guión de My Father the Hero (Mi padre, mi héroe), la nueva versión estadounidense de 1994 de la película en francés Mon père, ce héros . 

La música tenía que ser de Jacques Brel, pero igualmente participa uno de los colaboradores de Claude Chabrol, François Rauber. La banda sonora, de Jacques Brel (1929-78) y François Rauber, presenta una partitura que respira el estilo de los 70, compuesta e interpretada por uno de sus principales cantautores. Toca el acordeón Marcel Azzola. 

La fotografía muy luminosa como corresponde al este de Francia fue de Raoul Coutard y el montaje fue de Monique e Robert Isnardon 

El reparto lo encabezan Lino Ventura como Ralf Milan y Jacques Brel como François Pignon . Junto a ellos aparecen Caroline Cellier como Louise Pignon, Jean-Pierre Darras como el psiquiatra Doctor Fuchs, Nino Castelnuovo como el inefable botones, Angela Cardile como la futura madre, Xavier Depraz como Louis Randoni, Jean-Louis Tristan como el inspector del hotel, André Valardy como el autoestopista. Igualmente aparecen Jean Franval, Pierre Collet , Arlette Balkis, Éric Vasberg como el piloto de rally, Jacques Galland como el Maître Chamfort y François Dyreklnuovo. 

La historia comienza en una ciudad, que puede ser París, en la que un hombre intenta sacar su vehículo, pero no puede pues hay un vehículo estacionado justamente delante. Cuando avisa, el portero del inmueble en el que vive el dueño del vehículo infractor recibe por parte de la novia de este las llaves y cuando va a moverlo el coche estalla. 

Tras eso escuchamos la noticia en una radio que es escuchada por el sicario que ha colocado la bomba en el coche. Cuando se entera que el fallecido es el portero llama por teléfono para excusarse. 

De inmediato hay un aviso para otro sicario. La persona a la que han contratado es Ralph Milan (Lino Ventura), un asesino a sueldo, que llega a un aeropuerto con su maleta en la que lleva camuflada un rifle con mira telescópica. 

Tras acabar con el sicario que no ha tenido éxito va a un hotel en el que se alojará para esperar pacientemente en la habitación de un hotel de Montpellier que está frente por frente al Palacio de Justicia de la ciudad donde va a declarar Louis Randoni, testigo principal de un caso de corrupción. Esa es la víctima/ objetivo de Milan. 

Pero Milan no ha contado con la presencia de François Pignon, el inquilino de la habitación de al lado que acaba de llegar para alojarse en el mismo hotel una vez que recoge a un autoestopista por esas carreteras del este de Francia. 

Nos vamos enterando que Pignon pues se lo cuenta a un autoestopista (André Valardy ) ha sido abandonado por su mujer, que es vendedor de camisas y tras una llamada en la que intenta convencer a su mujer , que se ha separado de él, recientemente, elige ese mismo hotel para poner fin a sus días. Sin embargo, en su primer intento nosólo es que falle sino que inunda la habitación de su vecino, Ralph Milan. 

Éste , que no quiere llamar la atención llama al personal del hotel (Nino Castelnuovo ). Cuando entrar para ver el origen de la inundación descubren el intento de suicidio, así que el empleado del hotel intenta llamar a la policía pero éste se niega. Milan, un hombre paciente, frío, serio, duro, metódico y riguroso, desde ese momento intenta hacer todo lo posible para evitar que el desesperado Pignon frustre sus planes. 

Pero no sabe que Pignon es un hombre perseverante en sus ideas, aunque ingenuo, algo corto de entendederas e infantil. 

Al saber que lo ha dejado la esposa y que vuelve otra vez con la idea de su intención de suicidarse, Milan lo descubre cuando está para tirarse por la ventana. Como no está dispuesto a que llame la atención de la policía y desbaratar sus siniestros planes decide por un lado llamar a la mujer de Pignon, la bella rubia Louise (Caroline Céllier), y al que es su nueva pareja, el psiquiatra Dr. Fuchs (Jean - Pierre Darras). 

Este pone una inyección a Milan que, en su estado no puede actuar así que han de ir a la clínica del Doctor con el fin de acabar con los efectos de la medicación. 


A la misma va la mujer de Pignon. Allí se desplaza con el coche de Pignon, pero éste se empeña en poner carburante Fina en su coche así que se quedan sin gasolina. Finalmente la confusión en la clínica es máxima. Milan exige a Fuchs que remita la situación por las bravas. Junto a él entra Pignon asíu que el guirigay resultante es total. 

Medio recuperado Milan sale, para a un conductor y le para para llevarle a cumplir su objetivo. Lo lleva casi al límite aprovechando que el conductor es piloto de rallyes y finalmente llega. 

Pero tras él va Pignon que no quiere dejar al hombre que ha impedido su suicidio. Justo cuando entra Milan en el hotel se persona la policía. Mientras Milan está deshaciendo del policía, Pignon entra en la habitación y descubre la naturaleza criminal de Milan. Pero no quiere abandonarlo. 

Ya con el atentado frustado la policía persigue por el tejado a los dos prendas. Finalmente son detenidos. Al final vemos quye Pignon, Milan e incluso Fuchs están en la cárcel. Pero Pignon sigue siendo el "piñazo" de siempre. 


En el año 2008 el guionista Francis Veber dirigió él mismo un remake La película se rodó entre marzo y mayo de 1973 en escenarios reales de Castries, en distintos puntos de Montpellier (Boulevard des Arceaux )y Saint-Jean-de-Védas (Herault, Francia), con un presupuesto modesto. Pero también en Rambouillet en Yvelines, en Île-de-France. 

Lino Ventura y Jacques Brel ya habían coincidido como actores protagonistas en “La aventura es la aventura” (1972), de Claude Lelouch. 

Se estrenó en septiembre de 1973 en Francia consiguiendo una gran taquilla. La historia mezcla muchos géneros como el crimen, la persecución policial y la comedia con tonos oscuros, tirando a negros. 

La fotografía, de Raoul Coutard (“El desprecio”, Godard, 1963), en un luminoso eastmancolor  hace uso de la cámara al hombro en el interior de las habitaciones del hotel y refuerza la comicidad con imágenes bien construidas. Enmarca la acción en un ambiente luminoso, de colores alegres y situaciones sabiamente divertidas. 

Como curiosidad el guionista Francis Veber utiliza el nombre del deprimido Pignon en varios de sus posteriores films como ‘La cena de los idiotas’ o ‘Salir del armario’, lo hace como un guiño a los personajes perdedores, con la pusilánime personalidad de este. 

En 1981 Billy Wilder harto de sus últimos fracasos taquilleros decidió no esforzarse e ir a lo fácil, hizo un remake para USA, ‘Aquí un amigo’, Billy Wilder utilizara esta película, como base para esa también verdadera joyita con Walter Mathau y Jack Lemmon, llamada "Aquí un amigo 1981". 

La película fue rehecha en Francia en 2008 como protagonizada por Patrick Timsit y Richard Berry . Ninguno de los remake fue bien recibido y la versión de 2008 pero fue un desastre


En Fotogramas se dice de ella que es una "Adaptación de una obra teatral de Francis Veber que, años más tarde, daría pie a la última realización de Billy Wilder: "Aquí un amigo". (...) Este prometedor material tiene un tratamiento excesivamente ìadocenado, proporcionando unos resultados simplemente discretos. "


Tronchante  y divertida son los calificativos de Fausto Fernández en algunos tweets sobre la película de Molinare.

Yo prefiero destacar de esta festiva y alocada película lo apropiados que están los dos actores principales. Brillante como siempre Lino Ventura como hombre duro capaz de mantener el rictus con el merluzo de su compañero , en este caso Brel. 


Por último y para terminar diré que Brel a principios de 1973, sabía que estaba enfermo. Preparó su testamento, dejándolo todo a su esposa Miche. En la primavera grabó un nuevo single, "L'Enfance" (Infancia), cuyas ganancias donó a La Fondation Perce Neige, una asociación creada para ayudar a los niños discapacitados. 

Después de completar su última película L'emmerdeur , llevó a sus hijas a un crucero. En noviembre, se embarcó en un crucero de dos meses por el Atlántico con cinco de sus amigos más cercanos en el buque escuela Le Korrig.

Brel dedicó los últimos años de su vida a su pasión por la navegación. Jacques y Maddly decidieron vivir en las Islas Marquesas en la Polinesia francesa. 

En 1977, Brel decidió grabar un álbum final y en agosto, Brel regresó a París y se mudó a un pequeño hotel. Había dejado de fumar y, a pesar de su mala salud, estaba entusiasmado por volver a trabajar con sus fieles colaboradores François Rauber y Gérard Jouannest. 

En septiembre y octubre, Brel grabó 12 de las 17 nuevas canciones que había escrito en las Marquesas. El día que se lanzó el álbum, Jacques y Maddly regresaron a su hogar en las Islas Marquesas y allí estuvieron hasta inicios del verano de 1978, tras pasar el verano en el sur de Francia, ante el empeoramiento marchó a París, donde falleció en octubre. Tenía 49 años y nos dejó la imperecedera Ne me quitte pas. Todo un regalo para la eternidad. 



miércoles, 10 de marzo de 2021

La gran comilona



Director expansivo, surrealista, vitalista como fue Marco Ferreri lo encontramos en una película exagerada, gamberra, explosiva, escatológica, con toques de Tinto Brass por momentos, de un grupo de cuatro hombres que quieren morir disfrutando de alguno de los grandes placeres de la vida, la comida y el sexo todo ello presentado con la estética setentera. Nos referemos a La Grande Abbuffata o La Grande Bouffe. Los responsables colegiados de esta historia son Marco Ferreri y el riojano Rafael Azcona. 

Ferreri descubrió el cine realizando películas publicitarias para la fábrica de licores de la que fue representante una vez que había abandonado sus estudios de veterinaria. Tras fracasar como productor en Italia da con sus huesos en España donde llega como comercial de los objetivos Totalscope, la versión italiana de los Cinemascope americano. No sabemos si vendió mucho, lo que sí encontró fue un grupo de buenos amigos, entre ellos a Rafael Azcona, que trabajaba en la revista La Codorniz y que lo pondrá en la órbita de los dos principales cineastas españoles del momento, Berlanga o Bardem. De esa época 'El pisito' (1959) y 'El cochecito' (1960) adaptaciones de dos novelas de Azcona. 

Tras filmar tres cintas en España, la tercera fue Los chicos en 1959, con guion de Leonardo Martín Méndez, se marchó a Italia en 1961, donde desarrolló con gran éxito el resto de su carrera en un contexto en el que el país y el cine estaba en plena discusión ideológica o viviendo la decadencia de la comedia italiana tradicional. 

Con otro brío Ferreri puso sobre la mesa y la pantalla obras atrevidas, de crítica anticlerical - Una storia moderna: l'ape regina (1962) -, de crítica a la posición de la mujer-, de emponderamiento - El harén (L’harem, 1967) , Se acabó el negocio (La donna scimmia, 1963)Il futuro è donna (1984) -, ensayos sobre la soledad del hombre contemporáneo en la sociedad capitalista . Dillinger ha muerto (Dillinger è morto, 1969) , pero también llenas de elementos grotescos y llenas de ironía vitriólicas.  

Pero la obra que lo ha colocado en el centro del cine fue La grande Bouffe, una película que fue producida para FIDA Cinematográfica (Roma) y Lira Films (París) así como Mara Films, Capitolina Produzioni Cinematografiche o Capitolana Films, Les Films 66 en lo que están implicados Vincent Malle y Jean-Pierre Rassam y que llevaron a la gran pantalla una historia escrita por Rafael Azcona, Marco Ferreri, el director de la misma, y Francis Blanche que participa en los diálogos. 

La película cuenta con la música de Philippe Sarde interpretada al piano por Michel Piccoli, cuenta con la fotografía en Eastmancolor y Panavisión de Mario Vulpiani y el montaje de Claudine Merlin y Amadeo Salfa. El responsable de decorados fue Michel de Broin. 

Para el vestuario se contrató a Gitt Margrini y como asesor gastronómico el elegido fue Giuseppe Maffioli, aunque Ugo Tonazzi también dará muchas directrices. 


Participa además del repoker de ases que son estos cuatro actores Andrea Ferréol como Andrea, Michèle Alexandre como Nicole, la ama de Philippe, Solange Blondeau como Danielle, Florence Giorgetti como Anne, Monique Chaumette como Madeleine y Louis Navarre como Braguti. Aparece el padre de Michel Piccoli, Henri Piccoli, participa en la película, así como su hija Cordelia Piccoli. 

Asumiendo está posición vitalista cuatro hombres todos ellos cuarentones con personalidades muy diferentes que están dispuestos a morir y aunque sin explicar el por qué. Se trata de Marcelo, Ugo, Michel y Philipe, que no son otros que Marcello Mastroianni - fallecido en 1996-, Ugo Tognazzi, Michel Piccoli - fallecido en mayo de 2020- y Philippe Noiret. 

Los cuatros los conocemos en su despedida pues saben su final. Son cuatro amigos, dos italianos y dos franceses. Se trata de Ugo, un cocinero o restuarador de prestigio que hace una compra en una tienda cercana al local en el que trabaja y que tras despedirse amistosamente de su suministrador habitual, se pasa por el restaurante para llevarse su juego favorito de cuchillos. 

Junto a él vemos como Michel , un realizador de televisión que igualmente se despide de sus compañeras de trabajo y de su hija con la que ha quedado y a la que le entrega las llaves de su piso. Marcello, un piloto de una aerolínea que se trae de su último viaje una buena cantidad de queso Parmesano; y Philippe, el juez que vive con su ama de llaves, que fue su ama de pequeño y con la que tiene una relación enfermiza pues no sólo lo cuída como una madre sino que además en su "amante" y que no tiene reparo en masturbar a su "querido! Philippe, mientras está de pie, y tocándole los pechos a los que tanto les debe y admira. 

Los cuatro se reúnen un fin de semana en una villa señorial del centro de París, que fue la antigua residencia del poeta Boileau, perteneciente a Philippe y que perteneció a su padre tras comprársela en 1914 a un polaco. 

Allí, aunque oficialmente no lo sabemos, van a realizar un suicidio gastronómico colectivo. Cerdos, los ciervos, las perdices, los gallos, los jabalíes y las vacas son descargados de un camión y transportados a la cocina. 


Consiste en comer sin parar todas las viandas y pescados que le han suministrado (carnes de caza, cerdo, bovino, ostras,....) realizando diversas especialidades que organizadas por Ugo ellos gestionan. Tras recibir ingentes cargamentos de alimentos comienzan con un "boudin" o morcilla y tras eso Ugo se encarga de la elaboración de los platos que son rápidamente devorado por los cuatro. 


Pero tras esa primera noche surge una petición por parte de Marcello del que descubrimos que es un obseso sexual nada más llegar cuando se excita incluso al tocar las nalgas a una estatua de una musa del jardín. Tiene necesidad de sexo  ya que es un declarado adicto sexual así que contratan y hace venir a tres prostitutas. 


A estas se suma una maestra Andrea (Andréa Ferreol), que por la mañana se ha pasado por la casa para mostrarle a sus alumnos el tilo bajo el que escribió en poeta Boileau. Mientras algunos chicos escuchan la explicación de la profesora, otros están en la cocina con Ugo y otros en un cobertizo en el que Marcello está admirando un Bugatti de inicios de siglo XX. 

Antes de que se vayan los niños, que igualmente son invitados a comer, invitan a Andrea. Ella que es una mujer a la que le gusta el buen comer y la compañía masculina, se persona en la casa cuando ya han llegado las tres jóvenes prostitutas. A ellas le dice Michel "Fuera de las comilonas, todo lo demás es un epifenómeno". 


Una de ellas no supera la noche, pues tras comer y tener relaciones con algunos de ellos se siente mal y se despide a primera hora de la mañana. Las otras dos se mantienen junto con Andrea, aunque poco después se hartan. No Andrea que decide quedarse junto a los cuatro, a pesar de que las dos prostitutas restantes deciden marcharse asustadas y asqueadas por el cariz que van tomando los acontecimientos. 


La profesora Andrea, fascinada por los cuatro, con la petición de mano de Phillipe y el carácter colegiado del amor que le proponen los otros tres que participan en lo que es una empresa suicida . Es una película que trata sobre un pecado capital como la gula, pero con el llega otro asociado, la lujuria. 


Las muertes que, en principio parecen imposibles, irán llegando y sucediendo. Marcello muere congelado vestido de piloto de aviación al volante de un viejo Bugatti en una noche helada y ya con Andrea como única mujer. El será el testigo helado en el , congelador de la muerte de Michel tras los múltiples problemas estomacales reventado por las flatulencias. 


Los dos helados en la cámara frigorífica ven morir a Ugo hastiado de engullir un pastel de hígado de diversas aves en forma de Duomo y Philippe, el hombre temeroso del azúcar y de la diabetes que morirá por un falló renal acompañado de su fiel prometida, preguntándole "¿qué dirán de mí -se refiere a sus tres amigos- si no continúo?" por lo que sigue engullendo dos grandes pezones de pastel con sabor a eternidad mientras los que suministran tiran la carne por el jardín como les pidió Andrea a su llegada con el porte final marcado en rojo para reflejar que eran las mejores carnes. 

Como señala Vázquez Sallés en El Mundo en un artículo escrito en 2017 "Sus diálogos, nacidos de una improvisación muy bien controlada por la mente perturbada de Ferreri, logran alcanzar momentos de sublime teatralidad. Para un proyecto como La grande bouffe, era fundamental reclutar a Tognazzi, uno de los reyes de la comedia italiana y cuya fama como gastrónomo y cocinero le había permitido publicar dos grandes libros de cocina: L'abuffone y Affrodite in cucina."La mía es una cocina de arte. La sufro como pocos. Por eso también atribuyo una fundamental importancia a la escenografía que la acompaña, a la atmósfera que la rodea, a todo ese flujo de sensaciones agradables que llegan de la memoria o del ambiente y que asaltan con prepotencia el plato que uno tiene delante, enriqueciéndolo con antiguos y novísimos significados", escribe Tognazzi en el prólogo de El glotón (...) Ferreri dejó a Tognazzi a los mandos de los fogones de la cocina de la villa parisina. 


La película fue rodada en la Rue Boileau de París y los platos diseñados en los fogones de las cocinas de Fauchon, la empresa parisina fundada por un vendedor ambulante, Auguste Fauchon, en 1886 sita en la Place de la Madeleine, un lugar de comida gourmet y delicatessen. 

Los platos serán sublimes experiencias en la que caben riñones a la borgoñesa, carnes mechadas, corazón de lasaña a la Andréa, lechón al horno relleno de castañas, gallina de Guinea al horno, carnes melosas de un tuétano de vaca sagrada, pierna de un cordero al spiedo, cocktail de camarones, bogavante a la Rostov, dulces con forma de pechos. 

Andréa Ferréol, la actriz que interpreta a Andréa, tuvo que engordar 20 kilos para dar la talla ante Ferreri. 


Hay metacine cuando Ugo Tonazzi imita a Marlon Brando o cuendo Marcelo aparece como un tuerto - con las bragas de una de las chicas- afirmando ser Raoul Walsh. 

La película no fue inicialmente bien acogida incluso tuvo problemas de exhibición en algunos países. Por ejemplo, en España no se estrenó hasta 1978, debido a algunas escenas escatológicas. Curiosamente el productor tras ver la película terminada lo llamó no para abroncarle, sino para decirle que le iba a pagar más dinero porque lo que había escrito le parecía la prueba evidente de un talento único.  


Fue presentada en el Festival de Cannes consiguiendo el Premio FIPRESCI (ex-aequo) dado por la crítica internacional. Vicente Escriba en 1973 escribe que "La decadencia sociopolítica de una época que se ahoga en su propia mierda". 


En Filmin dicen de ella que es " una mordaz crítica hacia la sociedad de consumo a través de la provocación y planteando cuestiones existenciales". 


Fernando Morales en El País escribió que "Una gran película, que conserva el encanto de ver en su reparto a cuatro grandes del cine europeo de todos los tiempos." Carlos Boyero en este mismo diario consideró que "Como sus personajes, puedes acabar vomitando. Me repele el cine de Ferreri que hizo después de esas dos películas formidables tituladas 'El pisito' y 'El cochecito'." 


Daniel Vazquez en El Mundo escribe que "Cuentan las crónicas que la presidenta del jurado, la actriz Ingrid Bergman, sufrió de problemas gástricos tras el pase oficial de una película que hizo temblar las butacas del cine y removió más de una conciencia. Con el paso de los años, esa supuesta amoralidad tornó en una maligna subversión que se mantiene viva e igual de flatulenta". Y añade el columnista que " El plan, un suicidio colectivo con el hastío vital en la conciencia y la comida como arma ejecutora, terminará convirtiéndose en un trío amoroso compuesto por el hedonismo, el sexo y la muerte. ". 


En ABC Play se señala que es una "Sátira sobre la sociedad de consumo y las perversiones de la sociedad moderna que fue un escándalo en su día. El año de su estreno, en 1973, fue calificada como película X, y hoy en día, aunque ya no mantiene esta calificación, todavía puede representar un ‘shock’ para las audiencias. Esta coproducción entre Francia e Italia, fue dirigida por Marco Ferreri, quien contó como co-guionista con Rafael Azcona. Ferreri y Azcona habían coincidido por primera vez en la etapa española del primero (“El cochecito”, “El pisito”) y posteriormente trabajaron juntos en más de una ocasión. Como protagonistas encontramos a cuatro conocidos actores: Marcello Mastroianni, Michel Piccoli, Philippe Noiret y Ugo Tognazzi". 


Fausto Fernández "Sí en La gran comilona Marcello Mastroianni se pone un tanga de parche, pues va y se hace una referencia cinéfila tuerta. Y ya puestos ¿quién mejor que Ugo Tognazzi para trolear al Brando Corleone? " 


El crítico Santiago Gallego destaca que lo que hay un intento de reflejar cierta masculinidad en crisis buscando la protección del grupo de amigos ante el implacable proceso del envejecimiento que lleva a una decadencia física y mental, el miedo ante la irremediable huída de la vida  


Lo que sí es que la película es todo un último viaje fúnebre , pantagruélico, escatológico y flatulento, llena de humor escrito en trazos gruesos, desinhibido, en ocasiones, mierdoso, de un tiempo que se acaba, de una sociedad que vive para el consumo, de una vida que se pierde y que no importa dejarla cuando de por medio está la amistad y la pérdida de la juventud. Una película que se centra en una forma de morir, pero que no deja de ser un canto a la amistad, a los sentidos, al sexo y a la vida. Curiosa y necesaria como las pusliones que nos invaden. 



martes, 4 de agosto de 2020

Jesucristo Superstar


Hace poco menos de un año moría Camilo Blanes, más conocido como Camilo Sesto. Reconozco públicamente que cuando él triunfaba no soportaba su estilo musical. Claro que yo tenía entre 8 y 15 años y ya era marcadamente rockero. Así que no podía reconocer que lo que hacía ese cantante alicantino me gustaba. 

Pero el tiempo nos coloca a todos en su sitio y hoy, con la mediada cincuentena diré la verdad. Y la verdad es que no hay éxito suyo que no conozca y no sepa. Tatareo casi todas sus canciones pues me las se de memoria. Son casi todas ellas impresionantes. 

Reconocido esto, diré que durante esos años en los que él triunfaba fue , entre otros, el impulsor de una ópera rock que tuvo un enorme éxito en España, a pesar de ser atacada por los ultracatólicos , pero aprobada por la instituciones del Vaticano. Esa obra no era otra que «Jesucristo Superstar» , una ópera rock que contaba con la música de Andrew Lloyd Webber y letras de Tim Rice, que primero surgió como álbum conceptual en 1970 y un año después dio el salto a los escenarios de Broadway. 

Se trata de una ópera «rock» singular por su temática ya que en la misma se intenta narrar, a su modo, los seis últimos días de la vida de Cristo. Pero no sólo eso sino que lo hace desde un planteamiento "hippie" siguiendo el estilo provocación e inconformismo musical que había nacido con «Hair». 

Lo cierto es que los británicos Tim Rice, que contaba con 23 años en aquel momento, y Andrew Lloyd Webber de 26, concibieron la creación de una ópera «rock» sobre la vida de Jesucristo pensando tan sólo en la versión discográfica. 

Tras el disco se planteó la posibilidad de montarla sobre los escenarios de Broadway como ya se había hecho con «Hair». Tenía que respirar lo mismo: la espiritualidad de una juventud que empezaba a cansarse de la filosófica californiana del movimiento «hippy» que en los setenta miraba ya hacia oriente llegando hasta el misticismo hindú. 

Rice y Weber vieron claramente que la música "rock" y "pop" podía ayudar a contar una historia ya trillada sobre el cristianismo, pero sin deseos de incluir doctrinas religiosas ni atraer a los jóvenes. El instinto de ambos era más comercial y musical. Así es como Rice y Weber completaron su obra y entraron en un estudio de grabación para plasmarla en forma de disco. Se necesitaron trescientas personas y quinientos días para dar forma definitiva a la obra. En la misma se seleccionaron a grandes profesionales, para dar sus voces. Por ejemplo, el papel de Jesucristo fue para Ian Gilian, vocalista del grupo Deep Purple. Judas Iscariote fue encarnado por Murray Head y María Magdalena por Yvonne Elllman, que estará no sólo en el disco sino la que protagonizó también la versión neoyorquina de la obra y encarnó a la Magdalena en la película de Norman Jewison. Para otras voces se eligieron cantantes como Mike D'Abo. que había sido vocalista del Manfred Mann Group, e incluso colaboraron, en los coros, los propios autores de libreto y partitura. 

La banda sonora de esta Ópera Rock vendió millones de discos por todo el mundo. Los discos originalmente fueron presentados en vinilo y eran de larga duración (LP); la fotografía de la portada ilustraba una crucifixión. Una vez completado el disco en 1970 se buscó llevarla a Broadway. 

En octubre de 1971, y debido a que el álbum conceptual había funcionado mejor en Estados Unidos que en Reino Unido, se estrenaba en el teatro Mark Hellinger, de Nueva York, teniendo en la producción a Robert Stigwood (el que fue productor de «Tommy», de la versión "Sargent Peppers" de los Bee Gees y una larga serie de artistas «pop») en asociación con la MCA, y la dirección de Tom O'Horgam, el hombre que convirtió a «Hair» en un éxito de Broadway, que sustituyó al que estaba previsto Frank Corsaro tras sufrir un accidente de coche que lo apartó del proyecto. A ellos se sumaron Jeff Fenholt, Ben Vereen e Ivonne Ellíman como Cristo, Judas y la Magdalena, respectivamente, en la obra y lograron un triunfo que durante meses llenó el teatro. Barry Dennen, en el álbum habían prestado su voz a Pilatos también está presente junto a Bob Bingham como Caifás, Phil Jethro como Anás, Michael Jason como Pedro, Dennis Buckley como Simón Zelote, Paul Ainsley como Herodes y Ted Neeley, quien en 1973 protagonizaría la adaptación cinematográfica, como suplente de Jesús. 

La historia teatral así como la cinematográfica es una mezcla de intrigas, celos y pasiones violentas, que demuestran muy bien que la historia humana está manchada de sangre y maquiavélicas jugadas que terminan por aniquilar a los débiles. Los personajes asumidos por los actores se muestran como hippies. 

El protagonista absoluto de esta pasión de Cristo será un Judas Iscariote psicodélico, frustrado y existencialista, que nos presenta a un Jesús dominado por sus propios miedos alejado de los Evangelios. 

El equipo creativo también contó con diseño de escenografía de Robin Wagner, diseño de iluminación de Jules Fisher y diseño de vestuario de Randy Barcelo, mientras que las orquestaciones fueron realizadas por el propio Andrew Lloyd Webber y la dirección musical corrió a cargo de Marc Pressel. Jesucristo y Judas, presentan posiciones musicales diferentes, el primero es romántico y lírico, con una partitura llena de melodía sin excesos rítmicos, mientras que el segundo es el «rock» apasionado. 

Una nueva canción titulada "Could We Start Again, Please?" e interpretada por los personajes de María Magdalena y Pedro fue escrita expresamente para el estreno en Broadway. El espectáculo resultó un éxito y se mantuvo en cartel hasta el 1 de julio de 1973, realizando 711 funciones regulares y 13 previas. 

El trabajo de Andrew Lloyd Webber como autor de la partitura fue recompensado con un Drama Desk Award al mejor compositor promesa. Dado el éxito tocaba ahora llevarlo al cine. 

Esta labor correspondió a Norman Jewison como responsable de la dirección , y que ya pasó por aquí como responsable de Huracán Carter así como por El caso Thomas Crown , aunque de la que vi años hace otro musical, El violinista en el tejado, y mientras que de la parte artística fue labor de John Clark. La película contaba con la producción de Robert Stigwood y Norman Jewison quedando el diseño de producción en Richard MacDonald para la Universal Pictures con la distribución de Mokép. 

La película sigue el guion escrito por Norman Jewison, Melvyn Bragg y está basada en Jesus Christ Superstar. Contaba con la música de Andrew Lloyd Webber, la luminosa y casi cegadora fotografía de Douglas Slocombe, el montaje de Anthony Gibbs y el vestuario de Yvonne Blake. 

Los protagonistas del elenco cinematográfico eran Ted Neeley como Jesús, Carl Anderson como Judas Iscariote, Yvonne Elliman como María Magdalena. Junto a ellos aparecen Bob Bingham como Caifás, Josh Mostel como Herodes y Kurt Yaghjian como Anás. Igualmente aparecen Philip Toubus como Pedro y en los papeles de Poncio Pilato el actor Barry Dennen y como Simón el Zelote, Larry T. Marshall. 

La película comienza la visión de yacimiento arqueológico sito en un desierto por el que se desplaza un autobús. Con la llegada de todos los actores en un autobús rotulado en hebreo, que transporta a los actores y la utillería del film mientras los actores y actrices y bailarines van descendiendo . 

La obertura está dedicada a ir presentando sus preparativos y cómo asumen sus roles a medida que visten la indumentaria propia de su personaje y finaliza con la identificación entre ellos de Jesucristo Superstar, quien emerge en medio del grupo al tiempo que es investido con una sencilla túnica blanca, mientras extiende sus brazos, creando el centro de la atención al momento en que suenan los acordes que identifican la melodía principal. 

En la escena siguiente, Judas, verdadero protagonista de la película, se dispone a presentar en una canción sobre cómo se ha ido cambiando el discurso entre el grupo de seguidores de Jesús que ha pasado de ser una simple familia de seguidores a ver en Jesús y en el hecho de su triunfo un cambio en la actitud de la gente hacia Jesús y la forma en que su imagen se idealiza, alejándola de lo que él considera son los valores primarios que deberían defenderse, como la justicia social y la resistencia a los romanos. Judas acusa a los seguidores de Jesús de colocar más cerca el "Cielo en sus mentes" y teme que sean perseguidos por el gobierno de Roma, al verse amenazados por las afirmaciones de que Jesús es el "Hijo de Dios" y "Rey de los Judíos". Ahora Jesús está siendo aclamado como el Hijo de Dios, pero Judas siente que es solo un hombre que está comenzando a creer su propio mensaje y teme las consecuencias de su creciente movimiento ("Heaven on They Minds"). 

A continuación, escuchamos la canción "Jesús Morirá", donde los sumos sacerdotes del Templo de Jerusalén, Caifás y Anás, muestran su preocupación por el fenómeno que ellos nombran "jesusmanía", debido al fanatismo del pueblo israelí por el presunto Mesías y las catastróficas consecuencias que ese fanatismo podría conllevar para el credo judaico de aquellos tiempos. Es por eso que deciden buscar la forma de librarse del hombre de Nazaret, puesto que para ellos, representa un problema a eliminar. 

Los otros discípulos le piden a Jesús información sobre sus planes para el futuro, pero Jesús no les dará ninguno. Tras escuchar como María Magdalena se siente enamorado de él, pero también la crítica de Judas de que Jesús no debe asociarse con María Magdalena amortigua el estado de ánimo. Luego acusa a todos los apóstoles de no preocuparse por él.

Mientras Jesús y sus apóstoles se acomodan para pasar la noche, María lo calma con un ungüento costoso, pero Judas dice que el dinero gastado debería haberse dado a los pobres. Jesús lo reprende nuevamente, diciéndole que los pobres siempre estarán allí pero que Jesús no.

La llegada gloriosa del Domingo de Ramos de Jesús y sus seguidores que llegan con alegría a Jerusalén, Caifás le ordena a Jesús que disuelva a la multitud por temor a un motín. Jesús se niega y habla a la multitud en su lugar ("Hosanna").

Tras esto Simón el zelote muestra su admiración. Mientras Pilato, el gobernador romano de Judea, revela que ha soñado con un hombre galileano (Jesús) y que será culpado por la muerte de este hombre ("El sueño de Pilato").

Jesús y sus seguidores llegan al templo, que ha sido tomado por cambistas y prostitutas ("El Templo"). Jesucristo expulsará a los mercaderes del Templo lo que supone una injerencia con las autoridades y especialmente ante el Gran Rabino, Caifás. 

En "La Última Cena", muestran la confesión de Jesucristo a sus apóstoles acerca de que uno de ellos , Pedro, renegará de él, mientras que otro le traicionará esa noche, sabiendo ya que Judas es aquel que le traicionará ante los rabinos de Jerusalén, éste, molesto, abandona la velada para meditar sobre sus decisiones más recientes. 

Durante su andadura, llega al Templo de Jerusalén y es avocado por los sacerdotes Caifás y Anás a traicionar a su mentor, cosa que finalmente hace, diciendo que el jueves por la noche podrán hallarle orando en el monte de los olivos de Getsemaní. 

Finalmente es detenido y juzgado por los rabinos y entregado a Poncio Pilatos que , evidentemente, se lava las manos. 

Por último, es crucificado como pide el pueblo sediento de sangre. Cuando termina la película, los artistas, ahora sin disfraz, suben a su autobús.Un pastor y su rebaño cruzan la ladera debajo de la cruz vacía . 

La película fue filmada en agosto de 1972 , principalmente en Israel. En concreto se rodó en las Cuevas " Bell Caves" en el Parque Nacional Beit Guvrin, en Bet Shean, en el Mar Muerto , en Pratzim, en las ruinas romanas de Avdat y en la Fortaleza de Herodes, la Herodium Fortress, del desierto de Judea, así como en los Olympic Studios, de Church Road en Barnes (Londres). 

Dada la temporada estival con temperaturas superiores a los 40 grados los actores debían "hidratarse" cada 20 minutos mientras se encontraban en el desierto. Todas las tomas con viento fueron naturales. 

Lo cierto es que Jewison llegó a la película por casualidad. Durante el rodaje de Fiddler on the Roof , Barry Dennen , quien interpretó a Pilato en el álbum conceptual, le sugirió a Norman Jewison que dirigiera a Jesucristo Superstar como una película. Después de escuchar el álbum, Jewison estuvo de acuerdo. 

Originalmente, Jewison quería a Ian Gillan, quien interpretó a Jesús en el álbum conceptual, para volver a interpretar el papel de la película, pero Gillan rechazó la oferta, decidiendo que complacería más a los fan haciendo una gira con Deep Purple . 

Los productores también consideraron a Micky Dolenz (de The Monkees ) y David Cassidy para interpretar a Jesús antes de decidir ir con Neeley. "Con la excepción de Barry Dennen, quien interpretó a Poncio Pilato y Josh Mostel, quien interpretó al Rey Herodes , para todos los demás, fue su primera vez en cámara y su primera película importante. Fue un proceso de aprendizaje en todo momento". 

La canción No sé cómo amarle (I Don't Know How to Love Him) cantada por el personaje de María Magdalena interpretada por Yvonne Elliman fue todo un éxito. 

Neeley había interpretado a un reportero y un leproso en la versión de Broadway, y no había estudiado el papel de Jesús. Del mismo modo, Anderson no estudió a Judas, pero asumió el papel en Broadway y Los Ángeles cuando Ben Vereen cayó enfermo. Ted Neeley prácticamente hizo una carrera interpretando a Jesús en producciones teatrales de "Jesus Christ Superstar". A principios de 2018, lo había estado interpretando durante casi 50 años. Para Ted Neeley supuso algo más, conoció a su esposa en el set. Ella es una de las bailarinas en la escena "Simon Zealotes". 

John Travolta, de diecisiete años, hizo una audición para el papel de Jesús. No obtuvo el papel, pero el productor Robert Stigwood lo tuvo en cuenta para futuras producciones. Tres años después, Stigwood eligió a Travolta en Fiebre del sábado noche (1977). 

Ted Neeley hizo su debut como operador de cámara durante el rodaje de una de las escenas más memorables: aquella en la que cinco tanques persiguen a "Judas Iscariote" por una duna de arena. (La escena, por cierto, pretende ilustrar la desesperación y el conflicto personal que llevó a Judas a consultar a los sacerdotes acerca de traicionar a Jesús). 

La producción recibió críticas mixtas y, al igual que otras versiones posteriores, fue condenada por algunos grupos religiosos que organizaron protestas en la puerta del teatro. 

Tim Rice declaró que el musical no mostraba a Cristo como un dios, sino como un simple hombre que estuvo en el lugar adecuado en el momento oportuno, y algunos cristianos tomaron sus palabras como una blasfemia. La postura de Judas y sus críticas hacia Jesús tampoco gustaron y fueron consideradas ofensivas. 

Al mismo tiempo, la comunidad judía denunció que el musical trasmitía un mensaje antisemita al culpabilizar al pueblo hebreo de la muerte de Jesús y presentar a tres personajes judíos (Caifás, Anás y Herodes) como villanos principales de la función. Con todo tanto Andrew Lloyd Weber como Tim Rice fueron nombrados Caballeros en la corte británica. 

Según Ted Neeley y Norman Jewison en el comentario del DVD, el pastor que cruzó el cuadro en la última toma de la película nunca tuvo la intención de estar allí, y solo sucedió en la toma mientras filmaban. Debido a la importancia de un pastor en las enseñanzas de Cristo, Jewison y su equipo quedaron profundamente impresionados por el momento en que este pastor cruzó el campo y mantuvieron el tiro. Obtuvieron una puesta de sol perfecta, así como una sutil. 

Jewison pudo mostrarle la película al Papa Pablo VI ", quien abiertamente amó lo que vio. Él dijo: 'Sr. Jewison, no solo aprecio su hermosa película de ópera rock, creo que atraerá a más personas en todo el mundo a El cristianismo, como nunca antes lo ha hecho. " 

Jesus Christ Superstar recaudó $ 24.5 millones en la taquilla y fue el musical de mayor recaudación en los Estados Unidos y Canadá para el año. 

La película consiguió estar nominada a la Mejor canción original de la BSO en los Oscar. En los Globos de Oro obtuvo seis nominaciones, incluyendo Mejor película comedia/musical, así como Neeley, Anderson y Elliman fueron nominados por sus representaciones de Jesús, Judas y María Magdalena , respectivamente. . En los Premios BAFTA fue premiada como la Mejor banda sonora dentro de sus tres nominaciones. En los Premios David di Donatello consiguió el premio al mejor Mejor film extranjero de aquel glorioso año, 1973. 

Frente a esto, el libro de 1980 The Golden Turkey Awards de los críticos de cine Michael Medved y Harry Medved, señalaban que Ted Neeley recibió el premio por "La peor actuación de un actor como Jesucristo".

Rogert Ebert dijo que era una mejora en el programa de Broadway y añadió que era "un recuento brillante ya veces impresionante de la ópera rock del mismo nombre. Es, de hecho, un triunfo sobre ese trabajo; usando la mayoría de las mismas palabras y música, logra ser liviano en vez de ser turbio, mirar hacia afuera en lugar de narcisista. Jewison, un director de gran talento, ha tomado un pedazo de shlock comercial y lo ha convertido en una película bíblica con dignidad ". 

Por el contrario, Howard Thompson de The New York Times escribió: "Broadway e Israel se encuentran de frente y de manera desastrosa en la versión cinematográfica de la ópera rock 'Jesus Christ Superstar', producida en el lugar bíblico. El brillo mod-pop, el frenesí musical y el tubo de neón de este escenario súper caliente La bonanza que encierra la historia más grande ahora está dolorosamente magnificada, descubierta y finalmente remendada bajo el azul y majestuoso cielo israelí, como si fuera un juicio natural ". 

Arthur D. Murphy, de Variety, escribió que la película "de una manera paradójica es muy buena y muy decepcionante al mismo tiempo. El concepto abstracto de la película ... pasa de la elegancia simple a través de la metáfora forzada a la síntesis absoluta en un impacto dramático " 

Gene Siskel del Chicago Tribune  calificó la música de "más que bien", pero descubrió que el personaje de Jesús "estaba tan confundido y sin forma que la película no puede tener éxito de ninguna manera significativa". Siskel también estuvo de acuerdo con las acusaciones de que la película es antisemita.

Charles Champlin de Los Angeles Times escribió: "Las fallas son relativas, los costos de una búsqueda admirable de excelencia y las muchas escenas fuertes, visual y dramáticamente, en 'Superstar' tienen un impacto notable: el caos del templo , los leprosos, las rúbricas de la crucifixión misma "

Gary Arnold de The Washington Post criticó la película como "un trabajo de kitsch" .

Pero volvamos a España. Manifestaciones, rosarios de desagravio ante la puerta, beatas ante los cines anatemizando a quienes osaban entrar a ver la obra y algún que otro exaltado jalonaron las primeras sesiones madrileñas. Más aún cuando se decidió hacer el estreno teatral de la obra con Camilo Sesto y Teddy Bautista en los principales papeles, Jesús y Judas. En el papel femenino de María Magdalena triunfó Ángela Carrasco. 

Lo cierto es que la censura española permitió a pocos meses de su estreno mundial la proyección en España de la película , que durante seis meses pudo ser vista en España, pero necesitó casi casi cuatro años para autorizar la puesta en escena teatral. 

En España, al contrario que en otros países, se buscó a un cantante popular para representar a Jesucristo. Durante mucho tiempo, Artime y Azpilicueta, adaptadores de la obra a nuestro idioma, estuvieron tras Raphael para que la estrenara. El cantante no encontró fechas o no quiso correr el riesgo que podía representar una obra de tal envergadura y con tantos precedentes triunfales. Fue Camilo Sesto. arriesgando su propio dinero (dice que de doce a quince millones de pesetas supuso el montaje, que en Nueva York costó cuarenta), quien se decidió a dar el paso. Era el año 1975. 

Seis millones de pesetas en luces, con un equipo dotado de memoria y 120 canales de control, más de cuarenta personas en escena y una veintena de técnicos, más una serie de cifras mareantes, se ponen en juego sobre el escenario. 

Con todo , y a pesar de los anatemas y de las críticas religiosas que iban en dirección contraria a lo dicho en el Vaticano, la película y el musical en España fueron un éxito y las canciones siguen en la memoria de algunos que ya no peinamos canas pues no damos ni opción a ello. Había que ver la película con sus 29 canciones, y la he visto. 


jueves, 24 de octubre de 2019

El hombre de Mackintosh


A Paul Newman siempre se le dio bien participar en películas de suspense, aunque no sirvieran para mostrar su habilidad sobre las tablas, el profesional actor era capaz de hacer convincentemente cualquier trabajo. Y en el Hombre de Mackintosh o The MacKintosh Man,  a bien que lo consigue. 

Es una película de suspense en la que la guerra fría está presente aunque no sea evidente. Pues de todo ello nos enteraremos al final. La dirección de la película es de un director que está considerado como el hombre que mejor retrató a los perdedores en el cine. Y ese no es otra que John Huston que aquí se hace acompañar en la producción de otros dos hombres como John Foreman y William Hill. 

Otro Hill, en este caso, Walter Hill es el responsable de un guión que se basa en la novela titulada The Freedom Trap del británico Desmond Bagley. Junto con otros escritores británicos como Hammond Innes y Alistair MacLean , Bagley estableció las convenciones básicas para el género: un héroe duro, ingenioso pero esencialmente normal enfrentado a villanos decididos a sembrar la destrucción y el caos para avanzar en su agenda. Bagley sufrió un impedimento del habla (tartamudeo) toda su vida, lo que inicialmente lo eximió del servicio militar obligatorio , aunque eso no le impidió recorrer como un aventurero el continente africano. 

Se estableció en 1960 en Sudáfrica, donde trabajó en las industrias de extracción de oro y asbesto en Durban , Natal , antes de convertirse en escritor independiente para periódicos y revistas locales. Cuando no viajaba para investigar los fondos exóticos de sus novelas, Bagley disfrutaba de la navegación, amaba la música clásica, las películas y la historia militar, y jugaba juegos de guerra. 

En 1964 se asienta él y su mujer en Inglaterra y vivieron en Guernsey en las Islas del Canal de 1976 a 1983 , fecha de su fallecimiento. Cinco de sus obras fueron llevadas al cine como adaptaciones cinematográficassiendo la más notable The Freedom Trap (1971), lanzado en 1973 como The Mackintosh Man por la Warner Brothers. 

Las otras fueron Running Blind , adaptado para televisión por la BBC en 1979; Derrumbe , hecho para televisión en 1992; La carta de Vivero , filmada en 1998; y The Enemy , protagonizada por Roger Moore en 2001. 

La película contó con la música de Maurice Jarre, la fotografía de Oswald Morris y el montaje de Russell Lloyd.

El elenco lo encabeza Paul Newman como Joseph Rearden, Dominique Sanda como la señora Smith, James Mason como Sir George Wheeler , Harry Andrews como el Señor Mackintosh. 

Junto a ellos aparecen Ian Bannen como Slade, Michael Hordern como Brown, Nigel Patrick como Soames-Trevelyan, Peter Vaughan como el inspector Brunskill. Igualmente aparecen en la película Roland Culver como El juez, Percy Herbert como Taafe, Robert Lang como Jack Summers, Leo Genn como Rollins, Jenny Runacre como Gerda, John Bindon como Buster, Hugh Manning como el fiscal, Wolfe Morris como el Comisionado de Policía de Malta, Noel Purcell como O'Donovan, Donald Webster como Jervis, Keith Bell como Palmer, Niall MacGinnis como Warder, Eddie Byrne como el pescador irlandés, Shane Briant como el asistente de Wheeler en el barco Cox, Michael Poole como Mr Boyd, Eric Mason como el cartero al que golpea Rearden, Ronald Clarke como un asistente, Antony Viccars como un vendedor, Dinny Powell como un joven, Douglas Robinson como Danahoe. 

En papeles testimoniales aparecen Jack Cooper y Marc Bell como motoristas, Marcelle Castillo como Madeleine, Nosher Powell como un Guardia Armada, Terry Plummer como Dark Man, Joe Cahill y Gerry Alexander como guardias, John McDarby comoel viejo en la parada de autobús, Donal McCann como primer bombero, así como Joe Lynch , Seamus Healy , Tom Irwin , Pascal Perry , Steve Brennan , Vernon Hayden y Brendon O'Duill como los asistentes al Pub irlandés. 

La película comienza con una película en blanco y negro que finalmente se irá aproximando al color hasta identificar en la imagen el azul sobre el Parlamento británico. En el mismo, uno de los políticos más prestigiosos del país, Sir George Wheeler (Charles Mason) da un discurso sobre el valor que ha de sentir todo patriota, como el mismo se define. 

El discurso es escuchado desde las butacas de invitados por el Señor Mackintosh. Poco después vemos que Mackintosh recibe en su despacho a Joseph Rearden (Paul Newman) , un agente de inteligencia y experimentado agente británico, aunque eso no nos enteraremos hasta bien pasada la película, que se hará pasar por quien no es, en concreto como un ladrón de joyas, recién llegado aparentemente desde Sidney, que tras ser contratado por la agencia del señor Mackintosh (Harry Andrews) y que será encarcelado para poder infiltrarse en un peligroso grupo y desenmascarar al traidor. 

Lo cierto es que vemos la llegada del joven agente a Londres y poco después vemos como se encuentra con Mackintosh, el jefe de una organización, en una discreta oficina ubicada justo al lado de Trafalgar Square . 

Mackintosh y su ayudante, la Sra. Smith (Dominique Sanda) , le informan de cómo ha de robar de una manera simple unos correos de diamantes que se transportan a través del servicio postal para evitar la atención. El robo tiene lugar con aparentemente éxito después de golpear a un cartero y huyendo con el paquete lleno de diamantes y tras ejecutar milimétricamente el robo. 

Sin embargo, esa noche, en su habitación de hotel, se personan dos detectives del Servicio de Policía Metropolitana que lo visitan ya que recibe una llamada telefónica anónima para informarles sobre el robo. 

Durante su detención los agentes de seguridad no están convencidos de las afirmaciones de Rearden que dice ser un australiano inocente que ha llegado recientemente a Londres. Sin embargo, los indicios van en su contra. Ya que averiguan que el ciudadano australiano está implicado en una serie de robos de diamantes y tenia prevista la salida con destino a Suiza al día siguiente. 

El juez que lo juzga está enojado por la incapacidad de recuperar los diamantes robados por Rearden, quien él cree que los ha escondido en algún lugar, y le sube la inicial sentencia de 15 a veinte años de cárcel. 

Rearden se enviado la Prisión de Chelmsford . Lentamente comienza a mezclarse con los otros prisioneros, como Buster (John Bindon ) con el que entable amistad y con el que es asignado a tareas de lavado de ropa. Pocos días después de entrar, se encuentra con Slade ( Ian Bannen), un ex oficial de inteligencia británico mantenido en alta seguridad después de haber sido expuesto como un topo de la KGB . Él hace preguntas inocentes a sus compañeros de prisión sobre Slade, pero no se sabe mucho sobre él. 

El tiempo y las estaciones pasan en la prisión como vemos en el patio de la cárcel y la lavandería. Pocos semanas más tarde, se le acerca un recluso mayor y elegante Soames-Trevelyan ( Nigel Patrick ) que se ofrece a actuar como intermediario con una organización que puede sacarlo de la prisión a cambio de un parte de los diamantes robados. Están acostumbrados a ayudar a los prisioneros a escapar, y tienen otra salida planeada en breve, a la que puede unirse, si está dispuesto a aportar el dinero, a lo que siempre que esté de acuerdo. 

Dos días después se organiza una algarada en prisión y se lanzan bombas de humo sobre el patio. Utilizando la cortina de humo, una red de carga eleva a Rearden y a un compañero de prisión, que resulta ser Slade siendo sacados de la cárcel a toda velocidad y metidos en un furgón en el que hay varios sanitarios. 

Luego son drogados por inyección y llevados a un lugar secreto, en una casa solariega y algún lugar de campo desierto. Cuando Slade y Rearden despiertan, se les dice que los mantendrán allí durante una semana hasta que la búsqueda desaparezca. Rearden se entrevista con el que lleva la casa, con Brown (Michael Hordern ) que es la persona que da órdenes al resto. En Londres, Mackintosh supervisa discretamente el progreso de Rearden. 

Su entrada en prisión ha sido una operación encubierta planeada para fumigar la organización. Ahora se pretende que sean asaltados, detenidos y que Slade regrese a prisión. 

Después de un discurso en el Parlamento en la que el político Sir George Wheeler, diputado en la Cámara de los Comunes, ataca desde la tribuna la fuga y habla de cómo ha sido posible la salida de Slade, un viejo amigo y compañero de guerra, Mackintosh se acerca a él y le aconseja que sería mejor permanecer en silencio o arriesgarse a avergonzarse por lo que dice. 

Wheeler, que se presenta como un político conservador y una patriota incondicional es en realidad es un comunista y un agente de la KGB. Inmediatamente avisa al jefe de la organización donde se encuentra Rearden. Está claro que Mackintosh sospechaba de Wheeler y había utilizado su reunión para tratar de expulsarlo. 

Antes de que Mackintosh pueda actuar, es atropellado por un automóvil y muy malherido pasa al hospital donde se debate entre la vida y la muerte. Mientras tanto, Rearden sospecha de la organización de escape. 

Dudando de sus afirmaciones de ser un criminal australiano, los que antes le habían atendido como la enfermera Gerda (Jenny Runacre ) así como los demás asistentes de la casa le golpean violentamente y lo atacaron con un rotweiller , el perro guardián de la persona que lo custodia, que al principio tiene aspecto de señor , pero en el fondo es un criminal sin escrúpulos . 

Tras idear una salida , finalmente, se las arregla para defenderse y escapar del edificio, prendiéndole fuego y huyendo campo a través por todo el país, perseguido por sus guardias y el perro. Finalmente se ve obligado a ahogar al perro en una corriente para logran escapar . 

Luego llega a un camino donde un paisano le dice en gaélico algo y se da cuenta de que está en Irlanda , marchando hasta un pueblo cercano, donde descubre que está en la costa oeste de Irlanda , en concreto en Roundstone, y aparentemente cerca de la propiedad de un amigo cercano de Sir George Wheeler en la bahía de Galway. 

Por medio de una cabina telefónica se pone en contacto con la señora Smith en Londres, que vuela para encontrarse con él tras aterriar en una avioneta en un aeródromo cercano a Galway. Allí , junto a la chica, descubre dos cosas. Una que la Señorita Smith es la hija de Mackintosh, y la segundo que la siguen. 

Tras zafarse de sus perseguidores tras una peligrosa persecución en coche en la que los otros caen por un acantilado tras chocar con un muro, inicia junto a la chica una historia de amor y sexo. Al darse cuenta de que Slade fue sacado de contrabando de Irlanda en el yate privado de Wheeler, ahora se dirigen a La Valeta, Malta , hacia donde se dirige Wheeler. 

Una vez en Malta, donde combinan Smith y el agente, el trabajo y el placer, los dos intentan infiltrarse en una de las fiestas de Wheeler y descubrir el paradero de Slade. Wheeler pronto reconoce que la señora Smith, la hija de su viejo amigo Mackintosh, está allí en busca de Slade , pero éste la droga y la lleva a bordo de su yate. 

Rearden intenta que la policía maltesa asalte el bote, pero se niegan a creer que un hombre respetado como Wheeler pueda estar involucrado en el secuestro y la traición, por lo que se mueven para arrestar a Rearden, que todavía es un hombre buscado por su falso robo anterior, el de los diamantes. 

Entonces, Rearden tras convencer al comisionado de la policía (Wolfe Morris ) consigue que se registre el barco en el que únicamente está Wheeler junto a un joven ayudante, Cox. Al no tener éxito se lanza por la proa y se ve nuevamente obligado a huir, pero se las arregla para seguir a Wheeler hasta una iglesia donde él y Slade retienen a la Sra. Smith. Eso demuestra los vínculos entre los dos británicos agentes de la KGB encubiertos. 

Rearden les apunta con un arma y les ordena que entreguen a la señora Smith. Presentado con un enfrentamiento Wheeler y Slade intentan persuadir a Rearden para que los deje ir ilesos, a cambio de lo cual también lo perdonarán a él y a la Sra. Smith. 

A regañadientes, Rearden está de acuerdo, pero la sorpresa viene cuando señora Smith toma una pistola y dispara a Slade y Wheeler, vengando así el asesinato de su padre. Ella ha cumplido sus órdenes y abandona amargamente a Rearden, enojada por la forma en que no ha seguido sus propias órdenes. La salida de una y otro por las calles de la La Valleta pone fin a la película. 

Como vemos es una película al estilo de todas aquellas sobre espionaje que se hicieron durante la Guerra Fría , en este caso con agentes del Servicio de Inteligencia Británico, capaz de pasar 15 meses en la cárcel con el fin de contactar con un espía e infiltrarse , si es posible, en una organización. 

En ese sentido es una historia con desplazamientos por distintos espacios que van desde las calles de Londres hasta Irlanda y desde allí a la isla de Malta. El guión fue escrito por Walter Hill, quien más tarde lo recordó como una experiencia infeliz, ya que estaba en una disputa legal con la Warner Bros por el hecho de que habían vendido su guión de Hickey & Boggs a la United Artists sin pagarle a Hill ningún dinero extra. Como contraprestación la Warner le envió a Hill algunas novelas que la podían sustituir y les ofreció pagarle para que escribiera el guión. Seleccionó The Freedom Trap de Desmond Bagley . La novela se basaba libremente en la exposición y deserción de George Blake , un topo soviético en MI6, uno de los cinco espías de Cambridge. Hill acabó el guión en enero de 1972. Hill dice: "Escribí un guión rápido del que no estaba particularmente orgulloso" y "para mi sorpresa y sorpresa", Paul Newman aceptó protagonizar y John Huston la quería dirigir. El socio productor de Newman, John Foreman, sería su productor. 

La película fue financiada por Warner como parte de la lista de películas para Dick Shepherd. Walter Hill llegó a decir que "Uno quisiera pensar que está equivocado acerca de las maravillas de su trabajo, pero no lo creía", dijo Hill. "Esa parte resultó ser cierta". Hill trabajó en el guión junto a Huston y dice que el director estaba enfermo. Aunque Hill terminó con un crédito único en pantalla, dice: "Escribí el 90% de la primera mitad, varias personas escribieron el resto. No pensé que fuera una película muy buena". Parece que el dramaturgo William Fairchild fue uno de los escritores sin acreditar en el guión. También participaron el autor Gerald Hanley, el historiador Alan Moorehead y la colaboradora y asistente del productor y director John Huston, Gladys Hill . El guión no se completó en los últimos días del rodaje. 

La película se rodó entre octubre de 1972 y enero de 1973 en Inglaterra , República de Irlanda y Malta . Se rodó en Londres en lugares como Leather Lane , en Trafalgar Square, esquina St James, cerca de Támesis, y en los Pinewood Studios de Iver Heath en Buckinghamshire. Se rodó en Escocia. La escena en la que Slade y Rearden escapan de la prisión se inspiró en la fuga de Blake de Wormwood Scrubs en 1966. Las escenas de la cárcel se filmaron en la prisión de Liverpool y en la famosísima Kilmainham Gaol en Dublín , Irlanda. La casa donde se quedan Slade y Rearden después de su fuga es la casa Ardfry, Oranmore , condado de Galway, Irlanda, un castillo abandonado en ruinas. La escena en la que Rearden se da cuenta de que Slade está a bordo del yate de Wheeler fue filmada en Roundstone , Condado de Galway , Irlanda. La breve escena del pub en el pueblo irlandés contó con algunos de los mejores actores de Irlanda, Noel Purcell, Eddie Byrne y Donal McCann. Es muy poco probable que en una remota aldea de Galway a principios de la década de 1970 haya escuchado tantos acentos de Dublín. 

En su autobiografía, el director de fotografía Oswald Morris recordó cómo el productor y director John Huston mostró muy poco interés o entusiasmo por dirigir esta película y, a menudo, llegó tarde al set sin estar preparado para el horario del día. A menudo, Morris y su equipo tenían que llenar el vacío y preparar el rodaje para el día en que finalmente llegara, y también para ayudar a Paul Newman, quien también estaba muy decepcionado por la actitud de Huston. La película recibió una recepción mixta cuando se estrenó, y no tuvo una interesante taquilla, ya sea en el Reino Unido , Estados Unidos o Canadá . 

Walter Hill dice que nunca vio el producto final, pero le dijeron que era "una bomba real". En el momento de su estreno tuvo muchos problemas ya que por su ambiguo final, de una fuerza sorprendente por su sequedad y por reunir en un mínimo instante toda una serie de sentimientos encontrados, la película fue tildada de reaccionaria como solían decir de cualquier obra en la que Walter Hill estuviese implicado en la que un hombre tiene que infiltrarse en una organización de comunistas de los de antes.

En cuanto a los críticos, David Robinson, crítico de The Times , consideró que la historia era un thriller de espionaje muy predecible y típico, mientras que la dirección de John Huston todavía la hacía visible debido al don de Huston para contar historias. 

En Variety se dijo que la película era "una historia mansa del espionaje y el contraespionaje británicos", y agregó que "aquí no pasa nada". 

The Hollywood Reporter lo calificó como "una buena película de género en la vena helada de The Maltese Falcon, "y aunque" no es tan rico ni bueno como el clásico de Huston temprano, pero cuenta una historia interesante con un sentido seguro de la atmósfera, la ubicación y los personajes secundarios ". 

Roger Ebert escribió que fue" quizás la primer apelícula anti espía ", como" parece haber sido hecha por un grupo de personas sin simpatía o comprensión por las películas de espías ". 

En Time Out se escribió que se trataba de un" thriller anticuado razonablemente entretenido "" si puedes aceptar a Newman como un australiano totalmente poco convincente ..., una atroz variedad de acentos (principalmente irlandeses) y Dominique Sanda como un miembro poco probable del Servicio Secreto Británico ". 

Ya en España Luis Martínez en las páginas de El País escribía sobre ella "Lo mejor: la escalofriante exhibición de James Mason"No falta de nada: buenas persecuciones, fugas, carreras y tensión a milímetros de romperse. Newman convence y James Mason de malvado enamora. Pocas novedades y diversión asegurada. 

En Fotogramas se decía que era " Una enrevesada intriga de espionaje, basada en una novela de Desmond Bagley, donde el juego de la verdad y la mentira llega a unos extremos realmente estimulantes. Su ambigüedad moral, que la censura española de la época pretendió combatir sobreponiendo una molesta voz en off en los planos del desenlace, es un elemento más de este juego entre la desesperanza y el cinismo. 

En el Mundo se señala que es un "Filme de espionaje, realizado por John Huston, un director todo-terreno que ya había firmado obras maestras del séptimo arte, como ''El tesoro de Sierra Madre'', ''El halcón maltés'' o ''La reina de África''. En una época, la Guerra Fría, en la que el género estaba de moda, el cineasta contó con Walter Hill (''Aliens: el regreso'', ''Límite: 48 horas'') en tareas de guion, el cual adaptó una laberíntica novela de Desmond Bagley.Como protagonista, Huston contó con una de las grandes figuras del cine estadounidense para interpretar al británico protagonista: un Paul Newman a quien ya había dirigido un año antes en el wéstern ''El juez de la horca''. Le acompaña en pantalla el inglés James Mason. Ambos volverían a coincidir en 1982, durante el rodaje de ''Veredicto final''. La tercera en discordia fue una Dominique Sanda (''Los ríos de color púrpura'') en su primer rol en Hollywood. 

En Espinof Alberto Abuín dice que John Huston fue el director que mejor retrató a los perdedores,Newman es absolutamente deslumbrante; siendo un millón de veces más guapo que Sean Connery, Roger Moore y Pierce Brosnan juntos, logra parecer una persona completamente normal que pasa desapercibida, un espía sin el estilo ni la clase de los mencionados. Es su Joseph Rearden un hombre callado, concentrado en su trabajo, con efímeros momentos para el relax (ambos evidentemente con una mujer, y nada de supercuerpazos como en los films de 007); de pasado secreto y lleno de misterio, el personaje encuentra en un actor de la talla de Newman el transmisor perfecto para su esencia James Mason, de origen inglés, con una presencia impresionante, realiza una concisa y estimulante interpretación de su personaje, el frío, calculador y poco fiable George Wheeler. Concluye Abuín diciendo que "espléndido trabajo mostrado por Huston, de una amarga y triste melancolía ".

Por mi parte decir que como película me interesa más como espíritu de una época, la guerra fría, antes que su trama , una vez deducido el papel que asume el personaje de Paul Newman, deja de tener un gran interés. A John Huston le aportó poco a su carrera. Todavía tenía que dejarnos un monumental testimonio, su Dublineses, y aunque Dublineses (Los muertos) (1987) trabajó en locaciones irlandesas, la mayoría fue filmada en un estudio de California, y las escenas de Dublín fueron filmadas por el equipo de la segunda unidad. Huston estaba tristemente demasiado enfermo para hacer el viaje. Pero esa ya es otra historia.