Once upon a time in Little Italy

Erase una vez en Little Italy. Estuve en Nueva York en el verano de 2015 y no tenía duda sobre uno de los sitios que estaba interesado ir. Realmente eran dos , pero estaban uno junto a otro. Ese sitio era Little Italy en Manhattan con , las que esperaba yo, sus concurridas calles de Elizabeth, Mott y Mulberry llenas de italoamericanos. Pero no . Hoy ese barrio , aparte de restaurantes y pizzerias, construido en ladrillo rojo ha ido menguando en el sentido étnico siendo sustituido por población de origen asiático que ha transformado parte de Little Italy en lo que hoy es una parte más de Chinatown, que desemboca en los míticos Five Points. 

No , no vi tipos humano parecidos a John Gotti, ni a otros muchos italianos como los Badalamenti, Persico, Lorandini ni a los grandes de otros clanes como los Bonanno, Gambino, Colombo, Genovese o Lucchese o Profaci , herederos del modelo creado por Lucky Luciano ; salvo camareros que me ofertaban su menú en la calle Mulberry entre Broome y Canal. Tampoco grandes negocios o detalles , salvo algún letrero que te daba la bienvenida a Little Italy no había ni referencias a nada de la cultura italiana, salvo la gastronómica y , menos aún, a la religiosa como esa mítica "Fiesta de San Genaro" que tiene lugar en el mes de septiembre a lo largo de la calle Mulberry entre las calles Houston y Canal y que aparece en algún momento de la película de Martin Scorsese que acabo de ver, Malas Calles o Mean Street.

Dicen que Scorsese y De Niro vivieron su infancia y adolescencia a cuatro calles de distancia, y que realmente no se conocían, a pesar de vivir ambos en aquel Little Italy. Sería Brian De Palma quien les presentó años después. Pero ellos estaban seguros de haberse visto muchas veces por la calle. Pero mientras De Niro era de la banda callejera de Broome Street, Scorsese lo era de la de Prince Street. Eso implicaría que nunca hubieran podido ser amigos. Así eran esas Malas Calles en las que paseaban junto a la gente normal, la mayoría, también aprendices de mafioso, chicos que anhelaban el poder a cualquier precio. Por medio de la violencia, aunque en sus valores pudieran estar igualmente presentes la culpa y la redención. Fue el inicio de una relación de amistad que aún existe, y de una actividad profesional que se ha extendido a lo largo de , al menos, ocho largometrajes juntos.

Pero no fue la primera película de Martin Scorsese, aunque sí la primera en la que hace un trabajo al que añade su sello personal y su estilo propio.

La carrera oficial de Martin Scorsese comienza con el largometraje ‘Who’s That Knocking at my Door?’ ( 1967), una película que recibido algunos premios y alabanzas de la crítica, pero que no fue a más ni siquiera un pequeño trampolín para nada.

La segunda película del italoamericano fue ‘Boxcar Bertha’ ( 1972),una película de encargo concedida al director por otro mítico director, Roger Corman.

La tercera se iba a llamar inicialmente ‘Season of the Witch’, pero terminó convirtiéndose en ‘Mean Streets’. Es posible que gracias a su amigo el guionista Jay Cocks (responsable de algunas de las historias de Scorsese sobre Nueva York como ‘The Age of Innocence’ o ‘Gangs of New York’). La idea del nombre de Malas calles proviene de una frase del mismísimo Raymond Chandler: “Down these mean streets a man must go”.

Con ‘Malas calles’ Scorsese comenzó a ser Scorsese y lo hizo hablando y mostrando lo que mejor conocía: Little Italy insertando en ellos a personajes que en el fondo el había conocido de primera mano.

En este caso Scorsese pudo hacer lo que quiso y conocía gracias en parte por ser el propio productor de su película junto a Jonathan T. Taplin por medio de las productoras Taplin – Perry – Scorsese Productions y con el apoyo en la distribución de la Warner Bros. La película se hizo con un presupuesto aproximado de $500.000.

El guión partía de una Historia de Martin Scorsese trasformada en guión por el mismo Martin Scorsese y Mardik Martin. La película estuvo fotografía por Kent Wakeford y cuenta con el montaje de Sidney Levin y la aportación musical de Eric Clapton, Bert Holland , Mick Jagger , Keith Richards y Charlie Watts. Como narrador del mismo en la versión en inglés es el mismo Martin Scorsese.

El reparto lo integran unos jóvencísimos Robert De Niro como Johnny Boy, Harvey Keitel como Charlie y David Proval como Tony DeVienazo. Junto a ellos aparece Amy Robinson como Teresa Ronchelli, Richard Romanus como Michael Longo, Cesare Danova como Giovanni Cappa, Victor Argo como Mario y George Memmoli como Joey Scala . Aparece igualmente en papeles muy breves el mismo Martin Scorsese como Shorty o Jimmy Shorts, así como David Carradine como un borracho al que asesinara su hermano en la vida real, Robert Carradine como el pistolero que asesina al borracho.

La película se enmarca en el Nueva York del año 1972. El protagonista es Charlie (Harvey Keitel)  un joven italoamericano de 27 años que trata de ascender en la mafia de Nueva York. Charlie trabaja para su tío Giovanni, un poderoso capo que actúa como prestamista y conseguidor político, principalmente cobrando deudas.

Charlie, (Harvey Keitel) un mafioso italoamericano de las calles de Nueva York, pero con principios morales que lo llevan regularmente a la Iglesia y que se muestra como un chico conciliar , amable y encantador , intenta ayudar a su inestable e irresponsable amigo, Johnny Boy, (Robert De Niro), un jugador de poca monta que le debe dinero a muchos prestamistas con el fin de que pague sus deudas pendientes a los múltiples acreedores a los que les debe. Entre los deudores está un amigo común, Michael Longo ( Richard Romanus ) .

Todos se reúnen en el bar de oro amigo, el Bar de Tony DeVienazo, (David Proval) Charlie y Johnny Boy discuten el hecho de que éste último, aún no le ha pagado al prestamista Michael Longo (Richard Romanus). 

Charlie está dividido entre su devoto catolicismo y su trabajo ilícito para su tío. Pero , entre sus amigos, Johnny es el que más problemas le da, ya que cada vez más se va haciendo más autodestructivo e irrespetuoso con sus acreedores. Al no recibir la redención en la iglesia, Charlie la busca sacrificándose en nombre de Johnny.

Cuando Michael llega al lugar, encontrándose así con Charlie, John y Tony unos y otro llegan al consenso de saldar la cuenta a la semana siguiente. Sin falta.

Charlie se pasa la mayor parte del tiempo trabajando como cobrador para su tío Giovanni Cappa (Cesare Danova), un mafioso de alto rango que lo ayuda a escalar en el negocio y que le tiene dicha una máxima: "los hombres honorables van con hombres honorables".

También gusta de la compañía de sus amigos y de estafar a "pringaos" que se pasan por Little Italy y quieren comprarles drogas. Con ese dinero en ocasiones van al cine, una de las actividades preferidas de ese grupo de italoamericanos.

En paralelo, Charlie , además de proteger a su inestable e imprudente amigo Johnny boy, al que conocemos poniendo un artefacto en un contenedor de basura en una esquina del barrio, mantiene un historia de amor secreto con la prima de su amigo Johnny, Teresa Ronchelli (Amy Robinson). Charlie se preocupa tanto por su imprudente amigo del que se ha hecho responsable , pero además hace todo lo posible para que nadie conozca esa relación. Es más, Teresa comenta que se va a ir a vivir sola a otro barrio y le pide a Charlie que se marcha con él, aunque el joven mafioso es remiso a ello. 

Mientras tanto, Michael habla en repetidas ocasiones con Charlie para advertirle de que John no ha cumplido con lo pactado. Y exige que se le devuelvan , en principio, 2.000 $ . Por su parte, Charlie intenta convencerlo para darle un ultimátum a su amigo; después de la charla, ambos se van al bar de Tony para esperar a Johnny.

Johnny no llega al encuentro, por lo que Michael amenaza a Charlie con matar a su amigo. Ese día en el local, los amigos están celebrando la vuelta desde Vietnam de un chico del barrio cuando Michael se marcha dolido con Charlie por ello. El de Vietnam monta un "pollo" tremendo tras haber bebido al querer violar a una chica pensando que sigue en el país asiático.

Al poco rato, Teresa, llega para avisar a Charlie que su primo está disparando un arma desde lo alto de un edificio. Charlie logra convencer a John para que baje de la azotea, deje de disparar contra el Empire State y de saldar la cuenta con Michael en el bar de Tony al día siguiente.

Charlie, al que vemos de vez en cuando en locales de striptease pues tiene fijación por una chica de color que baila en el local y que quiere llevarla cuando él monte su propio negocio, pues sabe que su tío le va a conseguir uno que tiene deudas múltiples con éste. dado que uno de los socios no aparece por el mismo. El protagonista también es relativamente asiduo a la iglesia del barrio donde busca consuelo en los rezos privados, sin confesión.

Un día su tío Giovanni lo convoca a una cena en el local que en un futuro próximo debe ser suyo y le recomienda dos cosas: primero , que se aleje de Johnny Boy, pues sólo da problemas con sus locuras ( deudas con todo el barrio, disparos en la noche,...) y , en segundo lugar, con el resto de su familia, especialmente con Teresa pues tiene ataques epilépticos algo por lo que está condenada al ostracismo debido a enfermedad, muy grave para el tío de Charlie.

Johnny descubre la relación entre Teresa y Charlie, causando que éste último, tema que, a causa de ello, se estropeen los planes con su tío. Tras una breve discusión en las escaleras en la que Teresa sufre un ataque epiléptico que es atendido por una vecina ("Mamma" Scorsese) Charlie sale tras su amigo y logra persuadir a Johnny para terminar con el asunto de la deuda con Michael.

Al bar de Tony, llegan Johnny junto a Charlie. Aunque Johnny tiene sólo 20 $ de los muchos que debe se acerca a Michael y le dice que jamás le pagará ni un solo centavo, pues el nunca paga sus deudas ya que el que le presta dinero a él sabe que nunca lo hace y es un gilipollas; Michael lo ataca . Se abalanza sobre Johnny, pero este responde sacando un arma y amenaza con matarlo.

Michael, humillado tras ser insultado, después de un tenso enfrentamiento, se marcha del local. Por su parte, Charlie decide llevarse a John de la ciudad por unos días, para evitar las represalias contra él. Tras convencerlo , Teresa insiste en ir con ellos.

Charlie toma prestado un auto y se van, dejando el vecindario sin incidentes deciden abandonar la ciudad . Sin rumbo definido, Charlie, Johnny y Teresa pretenden tomar la salida de la ciudad cuando se le acerca otro coche que guiado por Michael y con uno de sus sicarios en el asiento trasero, Shorty o Jimmy Short ( Martin Scorsese) que , de inmediato comienza a disparar al coche de Charlie.

Tras alcanzar en el cuello a Johnny Boy , así como a Charlie que recibe un disparo en la mano. El coche que conduce Charlie se sale de la carretera y choca contra un inmueble.

Finalmente, Charlie,es rescatados por una ambulancia, mientras Johnny se desangra en mitad de la calle quedando Teresa malherida en el interior del vehículo acabando así la película. Este fue el primer largometraje de Scorsese con su propio diseño.

El director John Cassavetes le dijo después de completar su película anterior realizada para Corman con el título de Boxcar Bertha : "Acabas de pasar un año de tu vida haciendo una mierda".

Esto inspiró a Scorsese a hacer una película sobre sus propias experiencias. Cassavetes le dijo a Scorsese que debería hacer algo como Who's That Knocking At My Door , su primer proyecto, que a Cassavetes le había gustado, y el resultado es Mean Streets, que se basó en hechos reales que Scorsese veía casi regularmente mientras crecía en la Pequeña Italia de la ciudad de Nueva York .

El guión de la película comenzó inicialmente como una continuación de los personajes de Who's That Knocking . Scorsese cambió el título de Season of the Witch a Mean Streets esa referencia al ensayo de Raymond Chandler " The Simple Art of Murder ", en el que Chandler escribe: "Pero en estas calles malas debe ir un hombre que no es malo, que no está empañado ni tiene miedo ".

Scorsese envió el guión a Corman, quien aceptó respaldar la película si todos los personajes eran negros. Scorsese estaba ansioso por hacer la película, por lo que consideró esta opción, pero la actriz Verna Bloom organizó una reunión con el potencial patrocinador financiero Jonathan Taplin, quien fue el director de ruta del grupo musical The Band , del que Scorsese haría una película.

A Taplin le gustó el guión y estaba dispuesto a recaudar el presupuesto de $ 300,000 que Scorsese quería si Corman prometía, por escrito, distribuir la película. La sugerencia de realizar una blaxploitation fue abandona cuando apareció la Warner Bros. pues estos le permitieron hacer la película como pretendía con personajes italoamericanos.

Con la película regresaba el principal actor de su primer filme, Harvey Keitel, en un rol muy cercano al director, pero con algunos nuevos matices ya que Charlie es el vehículo de las ideas más primordiales de la juventud de Scorsese, que se debatió durante años entre ser cura, gangster o director de cine.

También contó con De Niro (Johnny Boy), un chico del barrio al que conocía de vista, pero sin tener relación. La combinación entre De Niro (Johnny Boy) y Keitel (Charlie) será el eje de esta historia.

Un relato que pese a estar ambientado en Nueva York, y sobre todo en Little Italy, fue filmado en su mayor parte en Los Ángeles por necesidades estrictas de producción, y que ha sido muchas veces considerada como una especie de borrador del futuro, y magistral, ‘Uno de los nuestros’ (‘Goodfellas’, 1990).

La película fue estrenada por Warner Bros. el 2 de octubre de 1973 y obtuvo una recaudación de $3.000.000.

Desde el principio la película funcionó siendo recompensada la misma y sus protagonistas.  De Niro ganó el premio otorgado por la National Society of Film Critics como mejor actor de reparto por su papel como John "Johnny Boy" Civello. La película obtuvo la nominación al premio del Sindicato de Guionistas (WGA) al Mejor guión original drama.

En 1997, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

La película fue bien recibida por la mayoría de los críticos; Pauline Kael fue una de las críticas más entusiastas, calificándola de "un verdadero original y un triunfo de la realización de películas personales" y "vertiginosamente sensual".

Dave Kehr, del Chicago Reader, dijo que "la actuación y la edición tienen una fuerza tan original y tumultuosa que la imagen es completamente apasionante". Añadiendo el crítico de Chicago Reader que "Su montaje y sus interpretaciones tienen una fuerza tan original y convulsa, que la película resulta completamente fascinante"

Vincent Canby de The New York Times reflexionó que "no importa cuán sombrío sea el entorno, no importa cuán desgarradora sea la narrativa, algunas películas son tan minuciosamente hermosas que se dan cuenta de que tienen un efecto tónico que no tiene relación con el tema ".

Roger Ebert del Chicago Sun-Times incluyó a Mean Streets en su lista de Grandes Películas y escribió: "De innumerables maneras, hasta el detalle de los programas de televisión modernos, Mean Streets es uno de los puntos de origen de las películas modernas". Añadiendo que era "Una de las fuentes principales del cine moderno (...) "

En la revista  Time Out se señalaba que , sin duda, era "una de las mejores películas americanas de la década".

En 2013, la revista Entertainment Weekly consideró la película como la séptima mejor de todos los tiempos. Y , dos años después, en 2015, ocupó el puesto 93 en la lista "Las 100 mejores películas estadounidenses" de la BBC .

Para James Gandolfini , el fallecido protagonista de Los Soprano , cuando se le preguntó en Inside the Actors Studio qué películas lo influenciaron más, citó Mean Streets entre ellos, diciendo "Lo vi 10 veces seguidas ..."

En Gran Bretaña Peter Bradshaw en las páginas del The Guardian dejó por escrito que "Su abrasadora energía todavía resulta impactante: las realistas escenas callejeras son asombrosas y el uso pionero de Scorsese de la música popular es genuinamente emocionante"

Ya en España Javier Ocaña en Cinemanía señalaba que es una "Obra maestra de Scorsese que muestra los bajos fondos y el interior de los estercoleros de una ciudad"

En Fotogramas se dice que "El primer largometraje importante de Scorsese se centró en la recreación de un microcosmos desquiciado y sórdido en el que se desarrollaba una historia llevada a extremos de paroxismo. A través de una historia un tanto enloquecida se articula un impecable discurso sobre la amistad como bloque compacto pero sometido a mil posibilidades de fisura. Viene a ser como un borrador de "Uno de los nuestros". "

En Espinoff, antes blog de cine,  Adrián Massanet describe que " Scorsese aportó a ese grupo su incontenible pasión y sinceridad, sus recuerdos compulsivos y sus caracteres atormentados y sin salida, rebotando contra un laberinto que ellos creen irrompible. Cristaliza así la primera de sus obras importantes, y muchos de sus futuros temas, que estarán presentes en las obras más logradas, arriesgadas y complejas del cineasta, ya se dan a conocer aquí, así como el deseo de Scorsese de emplear la concepción del tan manido clasicismo, homenajeándolo pero al mismo tiempo pervirtiéndolo, dotándolo de una nueva vida y energía, demostrando que las negras texturas del filme noir pueden adaptarse perfectamente a cada época y autor, pues es un género polimorfo e ilimitado. " 

Para el mexicano Leonardo D’Espósito en Noticias considera que es "Un film poderoso, donde Scorsese era libre de hacer y mostrar lo que pasara por su cabeza, lleno de ideas y con un drama muy fuerte."

En definitiva, una gran película que hay que ver sí o sí para entender como Scorsese fija su estilo ya en 1973 con su seguimiento de personajes a través de la cámara, con su iluminación rojiza, con su oscuridad, combinando el buen hacer de los principales protagonistas y secundarios que están, simplemente , magistrales.

Además, esta película muestra lo que me quedé con ganas de ver en Manhattan , esos bajos fondos de Nueva York descarnados en los que fluye la amistad , pero también la venganza o la traición. El deber y la imagen lo es todo si quieres sobrevivir a unas malas calles o a un mal barrio.

Cadena perpetua

No es la primera vez que Stephen King aparece por aquí. Ya sea directamente como en series adaptados por él mismo, ya sea como adaptaciones de sus muchas obras de terror o fantasía. Incluso por aquí pasó un documental en el que nos hablaba de su concepto del terror y como ha influido el cine en el mismo. 

No hace tanto hablamos de una película que fue todo un éxito en los Oscar , muy a principios de este siglo. Se trataba de La Milla Verde, una obra que se desarrolla en una penitenciaría  del sur profundo de los Estados Unidos. Sin embargo, ya comenté que no era su única obra de tema carcelario, pues en los noventa presentó bajo la dirección de un inteligente y habilidoso Frank Darabont, uno de los directores que mejor ha entendido la obra de King. Se trataba de The Shawshank Redemption , aquí públicamente conocida como Cadena perpetua.

Se trataba de una película estadounidense del año 1994, escrita y dirigida por Frank Darabont y protagonizada principalmente por Tim Robbins y Morgan Freeman. Esta ha sido la película elegida para ver junto a mi padre , mi mujer y alguno de mis hijos en una tórrida noche cordobesa, a la luz de las estrellas y que culminó con un baño final en la piscina , allá por la una y media de la madrugada. 

El relato que King escribió fue parte de un libro titulado “Las cuatro estaciones ” con diferentes novelas cortas que publicó en el año 1982. Entre ellas podemos encontrar “Rita Hayworth y la citada The Shawshank Redemption” . El libro escrito por Stephen King donde reúne 4 de sus novelas cortas. Dividido en dos partes y con dos historias diferente cada una de ella.

El libro presentaba así cuatro capítulos o narraciones cortas que se identificaban con una época del año. Estas cuatro narraciones eran una suerte de historias ejemplares, cuatro parábolas sobre cómo el ciclo de las estaciones influían sutilmente en los niveles más profundos e inquietantes de la psiquis humana.

El primer cuento, “El cuerpo” que inspiraría la película “Stand By me” , que narraba un viaje iniciático de cuatro niños para ver un cadáver y que perdían su visión inocente de la vida, correspondía al capítulo “El Otoño de la inocencia”.

La segunda narración, “El método de respiración”, un relato de un nacimiento que se convierte en símbolo del renacimiento, correspondía a “Cuentos de Invierno”.

El tercer cuento, “Rita Hayworth y la redención de Shawshank”, contaba el duro trance de un hombre en la cárcel acusado injustamente de asesinato, y correspondía al capítulo “Primavera, esperanza eterna”.

Por último, el cuarto relato que se llamaba  “Alumno aventajado”; un niño al descubrir que su vecino es un nazi bastante conocido, usa la información para chantajear con maldad y abusar del anciano y así poder jugar con sus objetos “satánicos” y que vi hace un tiempo bajo el título “Verano de Corrupción” y dirigida por Brian Singer.

El relato fue traducido como “Sueño de fuga”. El tono, dice quien lo ha leído, de este tercer , “Rita Hayworth y la redención de Shawshank”, era muy sombrío y poético y que tenía la capacidad de alternar un lenguaje presidiario con momentos de alta lírica. Stephen King ha dicho que su novela original fue la culminación de todos los recuerdos que tuvo de ver películas de prisión cuando era un niño.

Hubo de pasar más de 10 años para que este cuento del libro “Las cuatro estaciones” tuviera por fin su adaptación a la pantalla grande.

Y aquí es donde entre en juego Frank Darabont que será director y guionista. Para ello contó con la producción de Niki Marvin y el apoyo de la productora Columbia Pictures y Castle Rock Entertainment, así como la colaboración en la distribución de la Warner Bros. En total pusieron de presupuesto unos $ 25.000.000.

Contaron para ello con un buen equipo técnico en el que destaca la música de Thomas Newman, la fotografía de Roger Deakins y el montaje de Richard Francis-Bruce, así como un grupo de actores en estado de gracia.

El reparto lo encabezaban a la Tim Robbins como Andy Dufresne y Morgan Freeman como Ellis Boyd 'Red' Redding, el mejor amigo de Andy y narrador de la película. Junto a ellos está Bob Gunton como el Alcaide Samuel Norton, William Sadler como Heywood, un miembro de la banda de Red condenado a larga sentencia y Clancy Brown como Capitán Hadley, el Jefe de los guardias y el principal antagonista junto con Norton. Igualmente se encuentra Gil Bellows como Tommy, un joven condenado cuyas experiencias en una prisión anterior tienen la verdad sobre la inocencia de Andy y James Whitmore como Brooks Hatlen, preso que ejerce como bibliotecario / administrador y uno de los más antiguos presos en Shawshank. Aparecen en papeles menores Mark Rolston, David Proval, Jeffrey DeMunn, Jude Ciccolella, Don McManus, Alfonso Freeman, Brian Libby, Mack Miles, Frank Medrano.

A principios del año 1947, Andrew Dufresne, más conocido como Andy (Tim Robbins), vicepresidente de un importante banco de Portland, Maine, es juzgado por el crimen de su esposa y el amante de su esposa. Para 1949, Andy Dufresne, un culto y exitoso ex vicepresidente de un banco, es juzgado tras ser acusado del homicidio de su esposa y de su amante, por lo que es condenado a purgar una pena de dos cadenas perpetuas en la prisión estatal de Shawshank, en Maine. A pesar de que insiste con su inocencia, las pruebas en su contra son motivo suficiente para que el juez lo condene a cumplir esas dos cadenas perpetuas.

Apenas llega a la prisión, Andy se percata de lo duro que es el ambiente de la cárcel, donde los guardias no ahorran esfuerzos en disciplinar a los reclusos con los métodos más crueles, sobre todo el jefe de los guardias, el capitán Byron Hadley (Clancy Brown). Hadley es un guardia intemperante que emplea palizas a los presos para mantenerlos en línea. De hecho todos los que llegan son llamados "pececitos".

Todo este "régimen del terror" cuenta con la aprobación del alcaide de la cárcel, Samuel Norton (Bob Gunton)que tiene una obsesión con la Biblia y parece ser un administrador cristiano devoto y reformista.

Durante los primeros meses de su condena, Andy se hace amigo del capo del contrabando en la prisión, Ellis Boyd "Red" Redding (Morgan Freeman), al encargarle un martillo para labrar piedras preciosas y algunas otras cosas más. Entre los dos presos, a medida que pasaban los años, comenzaba a desarrollarse una incipiente amistad, que se desarrollaba en forma paralela al progresivo cambio de status de Andy en la cárcel

También ocupa su tiempo y sus fuerzas en defenderse del acoso constante de una pandilla de violadores, llamada "Las hermanas" y liderada por un tal Bogs Diamond (Mark Rolston).

Poco a poco el grupo de amistades se amplía con Heywood (William Sadler) un miembro de la banda de Red condenado a larga sentencia y Brooks Hatlen (James Whitmore) preso que ejerce como bibliotecario / administrador y uno de los más antiguos presos en Shawshank.

Dos años después de su ingreso, Andy es seleccionado junto con Red y sus otros amigos para reparar el techo de uno de los edificios de la prisión.

Mientras cumple con dicho trabajo, Andy escucha casualmente al capitán Hadley quejarse por un embrollo fiscal, causado por una herencia recibida de parte de su hermano. Andy se ofrece a ayudarlo en el asunto si le traía cerveza fresca a cada uno de sus amigos. Este hecho le trae admiración sobre Andy, que pasa a emplear su tiempo en asesorar financieramente a los guardias de la prisión e incluso al alcaide.

Andy se libera de la presión de "Las hermanas" cuando Bogs queda inválido tras recibir una paliza del capitán Hadley por sus acosos hacia Andy.

Con el tiempo, Andy es transferido a la biblioteca de la cárcel, para ayudar al bibliotecario, Brooks Hatlen (James Whitmore), hasta que éste recibe la libertad condicional, pero Brooks se suicida tiempo después de liberarse por la depresión que le causó la idea de haber desperdiciado su vida.

Después de algunos años, como respuesta a sus reiterados pedidos, Andy recibe de parte del Senado estatal un cheque por 200 dólares y una partida de libros y discos para equipar la biblioteca. “La esperanza es una buena cosa, y las buenas cosas nunca mueren”, le dice Dufresne a Red en un momento del cuento.

Por hacer escuchar a los presos la ópera Le nozze de Figaro a través de los altavoces, es castigado con dos semanas de confinamiento en una estrecha celda conocida como "el hoyo". Red , el narrador de la historia, comenta que “No tengo ni la más remota idea de qué demonios cantaban aquellas dos italianas, y lo cierto es que no quiero saberlo. Las cosas buenas no hacen falta entenderlas. Supongo que cantaban sobre algo tan hermoso que no podía expresarse con palabras, y precisamente por eso, te hacía palpitar el corazón. Les aseguro que esas voces te elevaban más alto y más lejos de lo que nadie viviendo en un lugar tan gris pudiera soñar. Fue como si un hermoso pájaro hubiese entrado en nuestra monótona jaula y hubiese disuelto aquellos muros. Y por unos breves instantes hasta el último hombre de Shawshank se sintió libre”.

Andy no se conforma con los libros recibidos por parte del Senado e insiste en sus pedidos, hasta que el Senado dispone un pago anual de 500 dólares para él.

Con su aguda capacidad para los negocios y la inestimable ayuda de sus amigos, Andy obra maravillas con ese dinero y logra montar la mejor biblioteca carcelaria de toda Nueva Inglaterra.

Mientras tanto, el alcaide Norton inaugura un programa de trabajo para los presos, por medio del cual éstos trabajarían en diversas tareas (como por ejemplo la tala de árboles), bajo el argumento de prestar un servicio a la comunidad. Muchos contratistas de la zona, temiendo que este programa los dejase sin trabajo debido a la ventaja que presentan los presos como "mano de obra gratis", pagan sobornos al alcaide para quedarse con concesiones para obras importantes y hacer que los presos trabajasen en obras menores, y Andy se encarga de procesar y blanquear cada centavo de aquellos negocios turbios, abriendo cuentas bancarias a nombre de un tal Randall Stevens, que según Andy "no existe más que en papeles".

Para 1965 llega un nuevo y joven preso llamado Tommy Williams (Gil Bellows) que  revoluciona la cárcel con su personalidad chispeante.

Con la ayuda de Andy, se matricula en un centro a distancia para conseguir el título en la enseñanza media o secundaria, y al enterarse del motivo por el cual Andy está preso, revela que el verdadero asesino es otra persona, que compartió celda con Tommy en otra prisión, durante una condena anterior a su llegada a Shawshank.

Al enterarse de esto, Andy le pide al alcaide reabrir su caso, pero éste se niega, temiendo quedarse sin sus servicios, y en un acceso de ira lo envía al "hoyo" por un mes.

Tommy, días más tarde, después de que Tommy recibiese su diploma de la enseñanza media, es llamado por Norton que  le pregunta si estaba dispuesto a declarar en favor de la inocencia de Andy, y al recibir una respuesta afirmativa, Hadley le dispara cuatro balas  de rifle a Tommy, matándolo en el acto.

Al enterarse de esto, Andy le dice al alcaide que no volverá a trabajar para él, pero Norton le hace saber que perderá todos los privilegios de los que goza si no cooperaba con él.

Un mes más tarde, Andy le dice a Red que considera cumplida su condena, le cuenta sus planes de establecerse en un pequeño pueblo mexicano a orillas del Pacífico y le pide su ayuda para sus proyectos a seguir una vez que saliera de la prisión. Red se niega, alegando que le sería muy difícil adaptarse a la vida fuera de la cárcel, y recordándole a Andy que dejara de ilusionarse con esos planes, pero de todos modos Andy le pide que busque un lugar específico, donde habría algo enterrado para él.

Esa misma noche, después de terminar su trabajo con las finanzas del alcaide, Andy vuelve a su celda, pero a la mañana siguiente, durante el recuento, los guardias descubren que ha desaparecido.

El alcaide cree que su desaparición es resultado de un complot en su contra, pero luego descubre un túnel oculto tras un póster de Raquel Welch en la pared, construido por Andy durante los 19 años de su estadía en la prisión con el martillo que le había pedido a Red y que había empezado por el poster de Rita Hayward, que da nombre al relato literario.

Después de que Andy hubo escapado de la cárcel a través de su túnel y un desagüe   se hace pasar por Randall Stevens con los documentos usados para abrir las cuentas bancarias, y se lleva alrededor de 370.000 dólares.

Antes de salir hacia México, envía las pruebas del lavado de dinero (las cuales se había llevado al escapar de la cárcel) a un importante diario de Portland. La noticia sale en la portada del diario, Hadley es arrestado por el homicidio de Tommy y Norton se suicida antes de ser apresado.

Un año más tarde, Red logra salir bajo libertad condicional. Inicialmente encuentra empleo en el mismo lugar en que Brooks estuvo trabajando, en la tienda, pero fiel a su promesa, busca el lugar que Andy le indicó y encuentra una pequeña lata con algo de dinero y una carta para él.

Siguiendo sus instrucciones, viaja hasta Fort Hancock para cruzar la frontera con México y llegar a la población de Zihuatanejo, donde se encuentra con Andy.

Debieron pasar más de 10 años para que este cuento del libro “Las cuatro estaciones” tuviera por fin su adaptación a la pantalla grande. Basada, como ya he dicho en el relato corto de Rita Hayworth y la redención de Shawshank,  el film abarca una mirada optimista de la vida, contando la historia de dos amigos en una prisión. Se enfatiza en el no perder las esperanzas, incluso en las más inhóspitas situaciones.

Fue nominada a múltiples premios, incluyendo siete premios Oscar, con el de mejor película, sin embargo, no obtuvo ningún premio, en parte por competir con otros dos colosos del año: Forrest Gump y Pulp Fiction. Sin embargo, el tiempo le dio una favorable crítica, logrando prestigio y reconocimiento mundial tras sus ediciones en VHS, DVD y Blu-ray.

Asimismo, varios críticos, hoy en día, la consideran como una de las mejores obras cinematográficas de los 90, como también una de las más grandes filmaciones jamás hechas.

Por cierto la filmación tuvo lugar en el Mansfield Reformatory de Ohio, , en Saint Croix en las Islas Vírgenes de EE.UU, en Butler, Bellville, Upper Sandusky, en Malabar Farm State Park de Lucas, en el Palacio de Justicia del Condado de Wyandot, en Upper Sandusky, Ashland, todas ellas en Ohio, aunque también en Yuma, Arizona. La escena final fue filmada en las Islas Vírgenes de los Estados Unidos en el Caribe, pero en la película se supone que es el Océano Pacífico y se rodó ante la insistencia del estudio.

Del mismo modo, The Shawshank Redemption está considerada como la mejor película de la historia según Internet Movie Database, junto a El padrino (1972) en segundo lugar. La revista Empire la ubicó en el cuarto puesto de su lista de las 500 mejores películas de todos los tiempos.

Lo cierto es que Darabont se aseguró los derechos de adaptación cinematográfica del autor Stephen King, después de impresionar a éste con su adaptación de la película corta de The Woman in the Room en 1983.

Aunque los dos se habían convertido en amigos y mantenían una relación amistosa, por correspondencia, Darabont no trabajó con él hasta cuatro años más tarde, en 1987, cuando surgió la opción de adaptar Shawshank. Esta es una de las ofertas más famosas que ha hecho King a los jóvenes aspirantes a cineastas de adaptar sus obras al cine por un dólar.

Darabont , años después como ya he señalado dirigió The Green Mile (1999), basada en otra obra de Stephen King que transcurre igualmente en una cárcel, y luego siguió con una adaptación de la novela de King The Mist.

Rob Reiner, quien había adaptado anteriormente otra novela de King, El cuerpo, en la película Stand by Me (1986), ofreció 2,5 millones de dólares en un intento de escribir y dirigir Shawshank. Él planeó lanzar a Tom Cruise en la parte de Andy y Harrison Ford como Red.

Darabont  consideró  y le gustó la visión de Reiner, pero al final decidió que era su "oportunidad de hacer algo realmente grande", decidiendo escribir y dirigir él mismo la cinta.

Aunque la historia está ambientada en Maine, el Reformatorio del estado de Ohio en Mansfield, Ohio, y fue utilizado como un sustituto de la prisión de Shawshank.

El único problema es que, a pesar de las buenas críticas, la película, una cinta de dos horas y 22 minutos que se estrenó en 1994, naufragó absolutamente en la taquilla, y fue considerada uno de los fracasos comerciales de ese año.

Con una fotografía notable pero oscura, sin actrices y sin ninguna estrella conocida en el elenco (Morgan Freeman todavía no se convertía en el actor solicitado que es hoy), la cinta de Frank Darabont no tenía cómo hacerle frente a otros “Blockbusters “en la pantalla grande en ese lejano año de 1994. Un ejecutivo de la Warner Bros comentó, de hecho, que “la película estaba hecha para fracasar en las salas y eso fue lo que pasó”.

En los Premios Oscar de las películas estrenadas en 1994 obtuvo  7 nominaciones, incluyendo mejor película y actor (Freeman)

En los Globo de Oro de ese año fueron dos las nominaciones: el de mejor actor drama (Freeman) y mejor guión

El Sindicato de Productores (PGA) la nominó a la Mejor película 1994, así como el Sindicato de Directores (DGA) al Mejor director y el mejor guión adaptado por parte del Sindicato de Guionistas (WGA): .

El Sindicato de Actores (SAG)optó por nominar como mejor actor a Freeman y Robbins.  Por otro lado, en 1998, The Shawshank Redemption no fue incluida en el ranking realizado por el American Film Institute, AFI's 100 años... 100 películas, pero nueve años después, en el año 2007 fue incluida, ocupando el puesto n.º 72 en la revisión de la lista, y por encima de las películas más premiadas y aclamadas de 1994: Forrest Gump (n.º 76) y Pulp Fiction (n.º 94).

Sin embargo, la cinta, se relanzó tras  ser nominada a siete premios Oscar (no ganó ninguno, porque debió enfrentarse a cintas de antología como “Forrest Gump” y “Pulp Fiction”), fue uno de los títulos más vendidos en las tiendas especializadas de VHS en el año 1995 (la Warner Brothers decidió lanzar 320 mil copias en video, un número exagerado para una película que había fracasado en el cine pero, contra todos los augurios, todas las ediciones se vendieron, lo que fue la primera señal de que el largometraje de Darabont tendría  un segundo y virtuoso recorrido. Al final la recaudación alcanzó los  58.500.000 de dólares.

Antes de que Freeman fuera elegido como el papel de Red  hubo idea de que el mismo fuese de  Clint Eastwood, Harrison Ford, Paul Newman y Robert Redford ya que fueron considerados para el papel. Jeff Bridges , Tom Hanks , Kevin Costner , Tom Cruise , Nicolas Cage , Johnny Depp y Charlie Sheen fueron considerados para el papel de Andy Dufresne. Hanks lo rechazó, porque estaba comprometido con Forrest Gump (1994). A Costner le gustaba mucho el guión, pero luego se vio envuelto en el rodaje de Waterworld (1995).

Aunque fue escrita como un irlandés de mediana edad con cabello gris rojo (como en la novela), Darabont eligió a Freeman por su presencia y su conducta  y  porque no podía ver a nadie más como Red. Por cierto, Frank Darabont escribió el guión en ocho semanas.

Cuando fue elegido para el papel de jefe de seguridad de la prisión el actor Clancy Brown rechazó la oferta para estudiar a los guardias de la prisión de la vida real como preparación para su papel.  Frank Darabont vio a Uno de los nuestros (1990) todos los domingos mientras rodaba esta película, y se inspiró en ella, en la utilización de la narración de voz en off y mostrando el paso del tiempo.

Al final de la película, hay una dedicatoria a Allen Greene que era agente de Frank Darabont y también un amigo personal cercano. Murió justo antes de la finalización de la película debido a complicaciones del SIDA.

Jon Favreau audicionó para el papel de Fat Butt. Más tarde dijo a Empire Magazine que esta fue la peor audición que hizo, y lo animó a tratar de perder peso.

Darabont (el director) decidió quitar el “Rita Hayworth” del título original de la novela para que no se la confundiera con una biografía de Hayworth. Aún con eso, recibió la llamada del agente de una supermodelo afirmando que era el mejor guión que habían leído jamás y que su representada era ideal para el inexistente papel de Hayworth.

El personaje de Tommy Williams, interpretado por Gill Bellows era para Brad Pitt, quien prefirió interpretar al vampiro Louis de Pointe du Lac en Entrevista con el vampiro.

Stephen King no llegó a cobrar el cheque de 5.000 dólares que recibió tras la venta de los derechos para la película. Le devolvió el cheque a Darabont años después de que se estrenara Cadena perpetua con una nota que decía: “Por si acaso algún día necesitas dinero para la fianza. Con cariño, Steve”.

En cuanto la crítica indicar que Roger Ebert en las páginas del Chicago Sun-Times dijo de ella "No es un 'drama carcelario' en el sentido convencional de la palabra (...) en general, la película es una alegoría sobre mantener el sentido de la propia dignidad, pese a todo (...) .

En el Chicago Tribune se escribió que era "Simplemente, un entretenimiento maravilloso" ; mientras que en Variety se calificaba como "Vívida, agotadora y dolorosa (...) Un testimonio del espíritu humano" Y en las del The Hollywood Reporter se dice "Como protagonistas, tanto Robbins como Freeman están espectaculares."

Para Janet Maslin del The New York Times "Consigue evitar lo trillado (...) El guionista y director, Frank Darabont, cuenta su historia con un nivel de cariño afectuoso sorprendente."

Dave Kehr en el New York Daily News se trata de "Una película sencilla, atractiva, de buen corazón, con la oscuridad suficiente alrededor de los bordes para dar contraste y alivio a su visión benigna de la naturaleza humana."

Jonathan Rosenbaum en el Chicago Reader entiende que es "Un apasionante drama carcelario de 1994, dirigido y adaptado con habilidad por Frank Darabont"

Para Peter Travers en Rolling Stone "Son las buenas actuaciones las que contienen el flujo de banalidades."

Ya en el Reino Unido en Time Out se dice que "Un regreso a la clase de dramas serios y literarios que Hollywood solía hacer (...) una fábula absorbente y soberbiamente interpretada"

Por su parte, Ian Nathan de Empire "Si no te gusta 'Shawshank', es posible que estés más allá de la redención (…)  "

En España Pablo Kurt escribía en filmaffinity que   "The Shawshank Redemption" es un caso ejemplar de redención cinéfila: en las nominaciones a los Oscars de 1994 apareció esta "desconocida" película con 7 nominaciones, tras haberse estrenado sin ningún éxito, dirigida por un novato y con un reparto sin estrellas. Por si fuera poco ese año "Forrest Gump" arrasó con todo y nuestro drama carcelario se fue de vacío. También en taquilla: su reestreno en cines durante la temporada de premios volvió a ser más que discreto (acabó el año nada menos que en el puesto 51 de taquilla del año). Parecía sentenciada al olvido, pero inesperadamente desde entonces comenzó una constante reivindicación de la calidad y del conjunto de valores que encierra esta entrañable y entretenidísima historia sobre la amistad... hasta donde está ahora: en primeras posiciones de todas las listas de preferencias del público. El guión (basado en un relato de Stephen King) te atrapa poco a poco en un crescendo magistral, regalando uno de los finales más bellos de las últimas décadas. Robbins nunca ha estado mejor, provocando con su contenida interpretación una empatía que recuerda a Gregory Peck en "To Kill a Mockingbird" (Matar a un ruiseñor). Y por último está Morgan Freeman, con una mirada tierna y sincera que te sentencia a quererlo a perpetuidad, sin necesidad de cadenas. Todavía cumplo condena.

Miguel Ángel Palomo de El País sentencia diciendo que es "Un clásico del cine carcelario que huye del espectáculo barato para ahondar en la amistad de la pareja protagonista"

Los reconocimientos de la crítica, que habían sido buenos en 1994, continuaron en el nuevo milenio. En una reciente encuesta realizada entre 400 personalidades de Hollywood por el diario especializado The Hollywood Reporter, esta película ocupó el cuarto lugar de preferencias detrás de “El padrino”, “El mago de Oz” y “Ciudadano Kane”. Ha sido votada en el número # 4 en las 500 películas más grandes de la revista Empire de todos los tiempos (septiembre de 2008).

Y según Internet Movie Database, en su top 250 movies of all time, fue votada como el mejor filme de la historia (clasificada gracias a más de 900.000 votos, era la película más votada de las 250 que aparecen en la lista de IMDB, el famoso portal de información cinematográfica). Está a día de hoy valorada con un 9'1 sobre 10.

En 1999, finalmente, el  crítico norteamericano Roger Ebert también la incluyó en su lista de “Great Movies”. Esta película y Pulp Fiction (1994) se estrenó el mismo día 14 de octubre de 1994. Ambas películas fueron nominadas a 7 premios de la Academia cada una, ambas ganaron el estatus de culto en los años siguientes y ambas figuran entre las 10 mejores películas de IMDb. (A partir de febrero de 2017)

El actor Tim Robbins, protagonista de “Sueño de fuga” y ganador de un premio Oscar al mejor actor secundario por su papel en Mistic River es quien define mejor la sensación que dejó la película, 32 años después que Stephen King escribiera por primera vez su libro, a comienzos de la década de los 80’. “No exagero cuando digo que no ha pasado un sólo día de mi vida en que alguien no me haya dicho algo sobre esa película, sobre lo importante que fue para su vida, dándome las gracias”.Para prepararse para su papel de Andy Dufresne, Tim Robbins pasó algún tiempo en confinamiento solitario.

Varios años después de su estreno el propio Freeman   reveló qué, por un lado es su película favorita, y , por otro, que el rodaje estaba lleno de "extrema tensión", ya que había constantes diferencias entre los actores, los productores, y Frank Darabont . En una entrevista con Entertainment Weekly, dijo que el ambiente era "muy extraño" y se negó a hablar de ello más adelante. Por último, habló según él, sobre cuál fue el principal error de la cinta de Frank Darabont. En una   entrevista en «The Last Night» con Seth Meyers, el veterano actor reveló que el gran fallo de la cinta reside en su título. Mientras que en los países hispanohablantes se tradujo como «Cadena perpetua», su título original es «Shawshank Redemption», un título poco acertado con el que el público no logró identificar la historia.

Según explicó Freeman, él ya sabía que «Cadena Perpetua» era una gran película en cuanto leyó el guión, y habría dado lo que fuera por formar parte de ella. Sin embargo, nunca estuvo de acuerdo con el título, que si bien estaba sacado del relato de Stephen King en el que se inspira (titulado Rita Hayworth and the «Shawshank Redemption»), fue acortado por una -a su juicio, desafortunada- decisión comercial. «El título original (del cuento de King) era... 'Rita Hayworth and the Shawshank Redemption'», comenta Freeman durante el programa. «Entonces, ¿por qué elegir 'Shawshank Redemption' cuando tienes a Rita Hayworth? Eso fue lo que les dije. Pero cuando me quejé -y lo hice- que era demasiado largo y no cabría en la marquesina», se lamentó Freeman.

«Yo les dije... ¿Y qué? Sólo hay que poner 'Rita Hayworth...' Eso le dará más caché a la película, ¡es una gran idea!», continúa el actor, quien parece que confía más en el criterio de Stephen King que en el de los responsables de la cinta. «Pero al final decidieron no hacerlo, y la película tardó un tiempo en considerarse un éxito» concluye el protagonista de «Cadena perpetua».

Si bien es cierto que el título original del relato, en realidad, tampoco da ninguna pista sobre el argumento de la película en sí, Morgan Freeman opina que al menos tiene el nombre de una famosa actriz de cine incluido. Algo que el público sería capaz de reconocer, a diferencia de Shawshank, que si bien es el nombre de la prisión de la película, es una palabra que por sí sola no tiene ningún significado.

Durante la entrevista Freeman bromeó sobre el título, diciendo que ha escuchado a más gente pronunciarlo mal que bien, a la vez que alaba a la película diciendo que es maravillosa. Por desgracia nunca se sabrá en qué habría influido el cambio de título en el éxito de «Cadena perpetua». Pero la decisión de acortarlo para que cupiera en las marquesinas parece algo estrambótica. Tal vez, el temor del estudio era que la gente pensase que el cine estaba proyectando una película antigua. Lo que sí ha quedado claro con el tiempo es que «Cadena perpetua», o «Shawshank Redemption», da igual el título que se le ponga, es una gran película.